Wiek XIX pozostawił niezatarte ślady we wszystkich formach sztuki. To czas zmieniających się norm i wymagań społecznych, ogromnego postępu w architekturze, budownictwie i przemyśle. W Europie aktywnie przeprowadzane są reformy i rewolucje, powstają organizacje bankowe i rządowe, a wszystkie te zmiany mają bezpośredni wpływ na artystów. Zagraniczni artyści XIX wieku przenieśli malarstwo na nowy, bardziej nowoczesny poziom, stopniowo wprowadzając takie nurty, jak impresjonizm i romantyzm, które musiały przejść wiele prób, zanim zostały uznane przez społeczeństwo. Artyści minionych stuleci nie spieszyli się z obdarzaniem swoich bohaterów gwałtownymi emocjami, ale przedstawiali ich jako mniej lub bardziej powściągliwych. Ale impresjonizm miał w swoich cechach nieokiełznany i odważny świat fantasy, żywo połączony z romantyczną tajemnicą. W XIX wieku artyści zaczęli myśleć nieszablonowo, całkowicie odrzucając przyjęte schematy, a ten hart ducha przekładał się na nastrój ich dzieł. W tym okresie działało wielu artystów, których nazwiska do dziś uważamy za wspaniałe, a ich dzieła - niepowtarzalne.
Francja
Hiszpania
Półwysep Iberyjski dał nam także wiele znanych nazwisk, m.in.:
Holandia
Vincent van Gogh to jeden z najsłynniejszych Holendrów. Jak wszyscy wiedzą, Van Gogh cierpiał na poważne zaburzenia psychiczne, ale nie wpłynęło to na jego wewnętrzny geniusz. Wykonane w niezwykłej technice jego obrazy zyskały popularność dopiero po śmierci artysty. Najsłynniejsze: „Gwiaździsta noc”, „Irysy”, „Słoneczniki” znajdują się na liście najdroższych dzieł sztuki na całym świecie, choć Van Gogh nie miał specjalnego wykształcenia artystycznego.
Norwegia
Edvard Munch pochodzi z Norwegii i słynie z malarstwa. Twórczość Edvarda Muncha wyraźnie wyróżnia się melancholią i pewną lekkomyślnością. Śmierć matki i siostry w dzieciństwie oraz dysfunkcyjne relacje z kobietami wywarły duży wpływ na styl malarski artysty. Na przykład dobrze znane dzieło „Krzyk” i nie mniej popularne „Chora dziewczyna” niosą ból, cierpienie i ucisk.
USA
Kent Rockwell jest jednym ze słynnych amerykańskich malarzy pejzażystów. Jego prace łączą w sobie realizm i romantyzm, co bardzo trafnie oddaje nastrój przedstawionych. Można godzinami patrzeć na jego pejzaże i za każdym razem inaczej interpretować symbole. Niewielu artystom udało się przedstawić zimową przyrodę w taki sposób, aby patrzący na nią ludzie naprawdę doświadczyli zimna. Nasycenie kolorów i kontrast to rozpoznawalna sygnatura Rockwella.
Wiek XIX jest bogaty w błyskotliwych twórców, którzy wnieśli ogromny wkład w sztukę. Zagraniczni artyści XIX wieku otworzyli drzwi kilku nowym nurtom, takim jak postimpresjonizm i romantyzm, co w istocie okazało się trudnym zadaniem. Większość z nich niestrudzenie udowadniała społeczeństwu, że ich twórczość ma prawo istnieć, ale wielu udało się to niestety dopiero po śmierci. Ich nieokiełznany charakter, odwaga i chęć walki łączą się z wyjątkowym talentem i łatwością percepcji, co daje im pełne prawo do zajmowania znaczącej i znaczącej komórki.
17.3 Malarstwo europejskie XIX wieku
17.3.1 Malarstwo francuskie . pierwsze dwie dekady XIX w. w historii malarstwa francuskiego określane są mianem rewolucyjnego klasycyzmu. Jej wybitnym przedstawicielem był J.L. Dawid (1748- 1825), którego główne dzieła stworzył w XVIII wieku. Dzieła XIX wieku. - jest w pracy nadworny malarz Napoleon- „Napoleon na Przełęczy Świętego Bernarda”, „Koronacja”, „Leonidas pod Termopilami”. David jest także autorem znakomitych portretów, m.in. portretu Madame Recamier. Stworzył dużą szkołę uczniów i z góry określił cechy artystyczny ze stylu Empire.
Uczeń Davida był J.O. Ingres (1780- 1867), który przez wiele lat przekształcił klasycyzm w sztukę akademicką przeciwny romantycy. Ingres jest autorem prawdy ostry portrety („L. F. Bertin”, „Madame Rivière” itp.) i obrazy w stylu klasycyzm akademicki („Apoteoza Homera”, „Jowisz i Temida”).
Romantyzm malarstwa francuskiego pierwszej połowy XIX wieku- są to płótna T. Gericaulta (1791 - 1824) („Tratwa Meduzy” i „Derby w Epsom i inne”) oraz E. Delacroix (1798-1863), autor słynnego obrazu Wolność wiodąca naród.
Realistyczny nurt w malarstwie pierwszej połowy stulecia reprezentują dzieła G. Courbeta (1819 r.- 1877), autor określenia „realizm” oraz obrazów „Kruszarki kamienia” i „Pogrzeb w Ornanie”, a także dzieł J. F . Proso (1814 - 1875), pisarz życia chłopskiego oraz („Zbieracze”, „Człowiek z motyką”, „Siewca”).
Ważne zjawisko kultury europejskiej drugiej połowy XIX wieku. był artystycznym stylem impresjonizmu, który rozpowszechnił się nie tylko w malarstwie, ale także w muzyce i fikcji. A jednak powstało w malarstwie.
W sztukach temporalnych akcja rozgrywa się w czasie. Malarstwo jest w stanie uchwycić tylko jedną chwilę w czasie. W odróżnieniu od kina ma ono zawsze jedną „kadrę”. Jak oddać w nim ruch? Jedną z takich prób uchwycenia realnego świata w jego mobilności i zmienności była próba twórców kierunku w malarstwie, zwanego impresjonizmem (od impresjonizmu francuskiego). Kierunek ten zrzeszał różnych artystów, z których każdego można scharakteryzować w następujący sposób. Impresjonista jest artystą, który przekazuje swoje bezpośredni impresja natury, widzi w niej piękno zmienności i nietrwałości, in tworzy wizualne wrażenie jasnego światła słonecznego, grę kolorowych cieni, używając palety czystych, niezmieszanych kolorów, z których wyrzucono czerń i szarość.
W obrazach takich impresjonistów jak C. Monet (1840-1926) i O. Renoir (1841-1919), na początku lat 70. XIX wieku. pojawia się materia powietrza, posiadająca nie tylko pewną gęstość wypełniającą przestrzeń, ale także mobilność. Strumienie światła słonecznego, opary unoszą się z wilgotnej ziemi. Woda, topniejący śnieg, zaorana ziemia, kołyszące się trawy na łąkach nie mają wyraźnego zamarzniętego konturu. Ruch, który wcześniej został wprowadzony do krajobrazu jako obraz poruszających się postaci, w wyniku działania sił przyrody- wiatr goniący chmury, kołyszące się drzewa, teraz zastępuje spokój. Ale ten spokój materii nieożywionej jest jedną z form jej ruchu, którą przekazuje sama faktura obrazu - dynamiczne pociągnięcia o różnych kolorach, nieskrępowane sztywnymi liniami rysunku.
Nowy styl malarstwa nie od razu został zaakceptowany przez publiczność, która zarzucała artystom, że nie potrafią rysować, zrzucając na płótno zdrapaną z palety farbę. Zatem różowe katedry Moneta w Rouen wydawały się nieprawdopodobne zarówno dla publiczności, jak i innych artystów.- najlepszy z cykli malarskich artysty („Poranek”, „Z pierwszymi promieniami słońca”, „Południe”). Artysta nie starał się przedstawić katedrę na płótnie o różnych porach dnia- rywalizował z mistrzami gotyku o wciągnięcie widza w kontemplację magicznych efektów świetlnych i kolorystycznych. Fasada katedry w Rouen, jak większość gotyckich katedr, kryje w sobie mistyczny spektakl x od światła słonecznego jasnych kolorowych witraży wnętrza. Oświetlenie wewnątrz katedr różni się w zależności od kierunku, z którego świeci słońce, pochmurnej lub bezchmurnej pogody. Promienie słońca, przenikając przez intensywną błękitną, czerwoną barwę witraży, zostają zamalowane i układają się na posadzce kolorowymi refleksami.
Jeden z obrazów Moneta swój wygląd zawdzięcza słowu „impresjonizm”. To płótno było rzeczywiście skrajnym wyrazem innowacyjności powstającej metody malarskiej i zostało nazwane „Wschodem słońca w Le Havre”. Kompilator katalogu obrazów na jedną z wystaw zasugerował, aby artysta nazwał to inaczej, a Monet, przekreślając „w Le Havre”, wpisał „wrażenie”. A kilka lat po ukazaniu się jego dzieł napisali, że Monet „odkrywa życie, którego nikt przed nim nie był w stanie uchwycić, o którym nikt nawet nie wiedział”. Na obrazach Moneta zaczęli dostrzegać niepokojącego ducha narodzin nowej ery. Tak więc w jego twórczości pojawił się „serial” jako nowe zjawisko malarstwa. I zwróciła uwagę na problem czasu. Malarstwo artysty, jak zauważono, wyrywa z życia jedną „kadrę”, z całą jej niekompletnością i niekompletnością. I to dało impuls do rozwoju serii w postaci kolejnych ujęć. Oprócz „Katedr w Rouen” Monet tworzy serię „Gare Saint-Lazare”, w której obrazy są ze sobą powiązane i uzupełniają się. Jednak w malarstwie nie dało się połączyć „kadr” życia w jedną taśmę wrażeń. Stało się to zadaniem kina. Historycy kina uważają, że przyczyną jego powstania i szerokiego rozpowszechnienia były nie tylko odkrycia techniczne, ale także pilna artystyczna potrzeba ruchomego obrazu. A obrazy impresjonistów, zwłaszcza Moneta, stały się symptomem tej potrzeby. Wiadomo, że jednym z wątków pierwszej w historii sesji filmowej, zorganizowanej przez braci Lumiere w 1895 roku, było „Przybycie pociągu”. Lokomotywy parowe, stacja, szyny były tematem serii siedmiu obrazów „Gare Saint-Lazare” Moneta, wystawionych w 1877 roku.
O. Renoir był wybitnym artystą impresjonistycznym. Do jego dzieł („Kwiaty”, „Młody mężczyzna spacerujący z psami po lesie Fontainebleau”, „Wazon z kwiatami”, „Kąpiel w Sekwanie”, „Lisa z parasolką”, „Dama w łódce”, „ Jeźdźcy w Bois de Boulogne”, „Ball w Le Moulin de la Galette”, „Portret Jeanne Samary” i wiele innych) słowa francuskiego artysty E. Delacroix „Pierwsza godność każdego obrazu jest całkiem odpowiednia- być świętem m dla oczu. imię Renoira- synonim piękna i młodości, ten czas życia człowieka, kiedy duchowa świeżość i rozkwit siły fizycznej są w całkowitej harmonii. Żyjąc w dobie ostrych konfliktów społecznych, pozostawił je poza swoimi płótnami, skupiając się budząc się na pięknych i jasnych stronach ludzkiej egzystencji. I na tym stanowisku nie był sam wśród artystów. Jeszcze dwieście lat przed nim wielki flamandzki artysta Peter Paul Rubens namalował obrazy przedstawiające ogromny, afirmujący życie początek („Perseusz i Andromeda”). Takie zdjęcia dają ludziom nadzieję. Każdy człowiek ma prawo do szczęścia, a główne znaczenie sztuki Renoira polega na tym, że każdy z jego obrazów potwierdza nienaruszalność tego prawa.
Pod koniec XIX wieku w malarstwie europejskim ukształtował się postimpresjonizm. Jej przedstawiciele- P . Cezanne’a (1839 – 1906), W. Van Gogh (1853 - 1890), s. . Gauguina (1848 - 1903), przejmując od impresjoniści czystość koloru, poszukiwana trwałe początki bytu, uogólnienie metod obrazowych, filozoficzne i symboliczne aspekty twórczości. Obrazy Cezanne’a- są to portrety („Palacz”), pejzaże („Brzegi Marny”), martwe natury („Martwa natura z koszem owoców”).
Obrazy Van Gogha- „Chaty”, „Przeprawy po deszczu”, „Spacer więźniów”.
Gauguin ma cechy romantyzmu ideologicznego. W ostatnich latach życia zafascynowany życiem plemion polinezyjskich, które jego zdaniem zachowały swą pierwotną czystość i integralność, wyjeżdża na wyspy Polinezji, gdzie tworzy kilka obrazów opartych na prymitywnej formie, chęć zbliżenia się do tradycji artystycznych tubylców („Kobieta trzymająca owoc”, „Pastrzanka Tahiti”, „Cudowne źródło”).
Wielki rzeźbiarz XIX w był O. Rodin (1840- 1917), łącząc się w swojej twórczości impresjonistyczny romantyzm i ekspresjonizm realistyczny wyszukiwania. Witalność obrazów, dramatyzm, wyrazistość napiętego życia wewnętrznego, gesty kontynuowane w czasie i przestrzeni (co robisz nie da się tej rzeźby osadzić do muzyki i baletu), uchwycenie niestabilności chwili- wszystko to razem tworzy zasadniczo romantyczny obraz i to w całości impresjonistyczny wizja . Pragnienie głębokich uogólnień filozoficznych („Epoka brązu”, „ Obywatele Calais”, rzeźba poświęcona bohaterowi wojny stuletniej, który poświęcił się dla ratowania oblężonego miasta, pracy dla Bram Piekieł, w tym Myśliciela) oraz chęć ukazania chwil absolutnego piękna i szczęścia („ Wieczna wiosna”, „Pas de -de”)– główne cechy twórczości tego artysty.
17.3.2 Malarstwo angielskie. Sztuka piękna Anglii pierwszej połowy XIX wieku. to malarstwo pejzażowe, jasne przedstawiciele które były J. Konstabl (1776 - 1837), angielski poprzednik impresjoniści(„Wóz z sianem przejeżdżający przez bród” i „Pole żyta”) oraz U. Turner (1775 - 1851), którego obrazy takie jak „Deszcz, para i prędkość” "Wrak statku", wyróżnia upodobanie do kolorowych gór fantasy.
W drugiej połowie stulecia swoje dzieła stworzył F.M. Brown (1821- 1893), którego słusznie uważano za „Holbeina XIX wieku”. Brown znany jest ze swoich dzieł historycznych („Chaucer na dworze Edwarda III” i „Lear i Kordelia”), a także obrazów przedstawiających akt codzienne tematy („Ostatnie spojrzenie na Anglię”, „Praca”).
Stowarzyszenie twórcze „Bractwo Prerafaelitów” („Prerafaelici”) powstało w 1848 roku. Choć rdzeniem jednoczącym była pasja do twórczości artystów wczesnego renesansu (przed Rafaelem), każdy członek tego bractwa miał swój własny temat przewodni i artystyczne credo. Teoretykiem bractwa był angielski kulturolog i estetyk J. Ruskin, który nakreślił pojęcie romantyzmu w odniesieniu do warunków Anglii połowy stulecia.
Ruskin, łącząc sztukę w swoich dziełach z ogólnym poziomem kultury kraju, postrzegając sztukę jako przejaw czynników moralnych, ekonomicznych i społecznych, starał się przekonać Brytyjczyków, że przesłankami piękna są skromność, sprawiedliwość, uczciwość, czystość i bezpretensjonalność .
Prerafaelici tworzyli obrazy o tematyce religijnej i literackiej, artystycznie projektowali książki i rozwijali sztukę zdobniczą, starali się wskrzesić zasady średniowiecznego rzemiosła. Zrozumienie nurtu niebezpiecznego dla sztuki zdobniczej- jego depersonalizacja poprzez produkcję maszynową, angielski artysta, poeta i osoba publiczna W. Morris (1834 - 1896) organizował warsztaty artystyczne i przemysłowe do wyrobu gobelinów, tkanin, witraży i innych artykułów gospodarstwa domowego, do których wykorzystywano rysunki ukończył on sam i artyści prerafaelici.
17.3.3 Malarstwo hiszpańskie. Goya . Dzieło Francisco Goyi (1746- 1828) należy do dwóch wieków - XVIII i XIX. Miało to ogromne znaczenie dla kształtowania się europejskiego romantyzmu. kreatywnie nas Dorobek artysty jest bogaty i różnorodny: malarstwo, portrety, grafiki, freski, ryciny, ryciny.
Goya wykorzystuje najbardziej demokratyczne motywy (zbójcy, przemytnicy, żebracy, uczestnicy bójek i zabaw ulicznych- bohaterowie jego obrazów). Otrzymawszy w 1789 r tytuł przysł znany malarz Goya wykonuje ogromną liczbę portretów: króla, królowej, dworzan („Rodzina króla Karola IV”). Pogarszający się stan zdrowia artysty spowodował zmianę tematyki prac. Tym samym obrazy wyróżniające się zabawną i dziwaczną fantazją („Karnawał”, „Blef niewidomego”) zastępują płótna pełne tragedii („Trybunał Inkwizycji”, „Dom wariatów”). A po nich następuje 80 rycin „Capriccios”, nad którymi artysta pracował ponad pięć lat. Znaczenie wielu z nich do dziś pozostaje niejasne, inne natomiast interpretowano zgodnie z wymogami ideologicznymi swoich czasów.
W symbolicznym, alegorycznym języku Goya maluje przerażający obraz kraju przełomu wieków: ignorancja, przesądy, ograniczeni ludzie, przemoc, obskurantyzm, zło. Akwaforta „Sen rozumu rodzi potwory”- straszne potwory otaczają śpiącą osobę, nietoperze, sowy i inne złe duchy. Sam artysta tak wyjaśnia swoją twórczość: „Przekonałem się do tej krytyki człowiekwadyIzłudzenia, ChociażIwydaje siędziedzina oratorium i poezji, może być również przedmiotem żywego opisu, artysta wybrał do swojej twórczości spośród wielu szaleństw i absurdów właściwych każdemu społeczeństwu obywatelskiemu, a także uprzedzeń i przesądów zwykłych ludzi, legitymizowanych zwyczajem, ignorancji lub interesowności, które uważał za szczególnie nadające się do ośmieszenia, a jednocześnie do ćwiczenia wyobraźni.
17.3.4 Nowoczesne – finał styl europejski obraz XIX V . Najsłynniejsze dzieła powstałe w malarstwie europejskim XIX wieku. w stylu secesyjnym były dzieła angielskiego artysty O. Beardsleya (1872– 1898). OnilustrowanypracaO. dziki („Salome”), Utworzonyeleganckigraficznyfantazje, oczarowanycałyPokolenieEuropejczycy. TylkoczarnyIbiałybyłnarzędzianpo porodzie: kartka białego papieru i butelka czarnego atramentu oraz technika przypominająca najdelikatniejszą koronkę („Tajemniczy ogród różany”, 1895). Ilustracje Beardsleya inspirowane są grafiką japońską i francuskim rokokiem, a także dekoracyjnym manieryzmem secesji.
Styl secesyjny, powstały około 1890 roku– 1910 gg., scharakteryzowanyobecnośćmeandrowylinie, pamiętnylokiwłosy, stylizowanykwiatyIrośliny, Językipłomień. StylTenbyłszerokiwspólnyIVobrazIVarchitektura. TenilustracjeAnglikByćrdsli, plakaty i billboardy Czecha A. Muchy, obrazy Austriaka G. Klimta, lampy i wyroby metalowe Tiffany'ego, architektura Hiszpana A. Gaudiego.
Kolejne wybitne zjawisko nowoczesności fin-de-siècle’u– norweskiartystami. Chrupać (1863 – 1944). słynnyobrazChrupać« Krzyk (1893)– złożonyCzęśćjegofundamentalnycykl"Fryzżycie", powyżejKtóryartystapracowałemdługilata. Następniepraca"Krzyk"Chrupaćpowtarzający sięVlitografie. Obraz"Krzyk"transmitujepaństwoskrajnyemocjonalnyNapięcieczłowiek, onatwarzetworzy rozpacz samotnego człowieka i jego wołanie o pomoc, której nikt nie jest w stanie zapewnić.
Największy artysta w Finlandii A. Galen-Kallela (1865– 1931) Vstylnowoczesnyilustrowanyepicki„Kalewale”. NAjęzykempirycznyrzeczywistośćto jest zabronionepowiedziećo legendarnym staruszku– kowalIlmarinene, Którypodrobionyniebo, zapukane razemfirmament, przykutyzogieńorzeł; OmatkiLemminkäinena, zmartwychwstałjegozabitysyn; OpiosenkarzVäinämöinien, Który„zamruczałzłotyDrzewko świąteczne", Gallel- Callelazarządzanyprzekazaćłóżkojedna moc starożytnych run karelskich we współczesnym języku.
Trendy w malarstwie XIX wieku są ściśle powiązane z trendami stulecia poprzedniego. Na początku stulecia wiodącym kierunkiem w wielu krajach był. Pochodzący z XVIII wieku styl ten rozwijał się nadal, ponadto w różnych krajach jego rozwój miał cechy indywidualne.
Klasycyzm
Artyści, którzy pracowali w tym kierunku, ponownie zwracają się do obrazów starożytności. Jednak poprzez klasyczną tematykę starają się wyrazić uczucia rewolucyjne – pragnienie wolności, patriotyzmu, harmonii między człowiekiem a społeczeństwem. Wybitnym przedstawicielem rewolucyjnego klasycyzmu był artysta Louis David. Co prawda, z czasem klasycyzm wyrósł w kierunku konserwatywnym, wspieranym przez państwo, co oznacza, że stał się bezimienny, wygładzony przez cenzurę.
Szczególnie jasny rozkwit malarstwa w XIX wieku zaobserwowano w Rosji. W tym czasie ukształtowało się tu wiele nowych stylów i trendów. Analogiem klasycyzmu w Rosji był akademizm. Styl ten miał cechy klasycznego stylu europejskiego - odwoływanie się do obrazów starożytności, wzniosłych tematów, idealizacji obrazów.
Romantyzm
Na początku lat 30. XIX w. w opozycji do klasycyzmu pojawił się romantyzm. W społeczeństwie tamtych czasów było wiele punktów zwrotnych. Artyści starali się abstrahować od nieestetycznej rzeczywistości, tworząc swój własny idealny świat. Niemniej jednak romantyzm uważany jest za postępowy trend swoich czasów, ponieważ pragnieniem artystów romantycznych było przekazywanie idei humanizmu i duchowości.To pojemny trend, który znalazł odzwierciedlenie w sztuce wielu krajów. Jego znaczeniem jest wywyższenie walki rewolucyjnej, tworzenie nowych kanonów piękna, malowanie obrazów nie tylko pędzlem, ale także sercem. Emocjonalność jest tu na pierwszym planie. Romantyzm charakteryzuje się wprowadzeniem alegorycznych obrazów w bardzo realną fabułę, umiejętną grą światłocienia. Przedstawicielami tego nurtu byli Francisco Goya, Eugene Delacroix, Rousseau. W Rosji dzieła Karla Bryulłowa zaliczane są do romantyzmu.
Realizm
Zadaniem tego kierunku był obraz życia takiego, jakie jest. Artyści realistyczni zwrócili się ku wizerunkom zwykłych ludzi, głównymi cechami ich dzieł są krytyczność i maksymalna prawdziwość. Szczegółowo przedstawiały strzępy i dziury w ubraniach zwykłych ludzi, twarze zwykłych ludzi zniekształcone cierpieniem i grube ciała mieszczanina.Ciekawym zjawiskiem XIX wieku była Szkoła Artystyczna Barbizon. Termin ten zjednoczył kilku francuskich mistrzów, którzy wypracowali własny, odmienny styl. Jeśli w kierunkach klasycyzmu i romantyzmu naturę idealizowano na różne sposoby, wówczas Barbizończycy starali się przedstawiać krajobrazy z natury. Na ich obrazach - obrazy rodzimej przyrody i zwykłych ludzi na tym tle. Najbardziej znani artyści Barbizon to Theodore Rousseau, Jules Despres, Vergil la Peña, Jean-Francois Millet, Charles Daubigny.
Jeana Francoisa Milleta
Działalność ludu Barbizon wpłynęła na dalszy rozwój malarstwa w XIX wieku. Po pierwsze, artyści tego nurtu mają naśladowców w wielu krajach, w tym w Rosji. Po drugie, Barbizończycy dali impuls do pojawienia się impresjonizmu. Jako pierwsi malowali na świeżym powietrzu. W przyszłości tradycję przedstawiania prawdziwych krajobrazów przejęli impresjoniści.
Stał się ostatnim etapem malarstwa XIX wieku i przypadł na ostatnią trzecią część stulecia. Artyści impresjonistyczni podeszli do przedstawiania rzeczywistości jeszcze bardziej rewolucyjnie. Starali się przekazać nie samą naturę, a nie szczegółowe obrazy, ale wrażenie, jakie wywołuje to lub inne zjawisko.
Impresjonizm był przełomem w historii malarstwa. Okres ten dał światu wiele nowych technik i unikalnych dzieł sztuki.
17.3 Malarstwo europejskie XIX wieku
17.3.1 Malarstwo francuskie . pierwsze dwie dekady XIX w. w historii malarstwa francuskiego określane są mianem rewolucyjnego klasycyzmu. Jej wybitnym przedstawicielem był J.L. Dawid (1748- 1825), którego główne dzieła stworzył w XVIII wieku. Dzieła XIX wieku. - jest w pracy nadworny malarz Napoleon- „Napoleon na Przełęczy Świętego Bernarda”, „Koronacja”, „Leonidas pod Termopilami”. David jest także autorem znakomitych portretów, m.in. portretu Madame Recamier. Stworzył dużą szkołę uczniów i z góry określił cechy artystyczny ze stylu Empire.
Uczeń Davida był J.O. Ingres (1780- 1867), który przez wiele lat przekształcił klasycyzm w sztukę akademicką przeciwny romantycy. Ingres jest autorem prawdy ostry portrety („L. F. Bertin”, „Madame Rivière” itp.) i obrazy w stylu klasycyzm akademicki („Apoteoza Homera”, „Jowisz i Temida”).
Romantyzm malarstwa francuskiego pierwszej połowy XIX wieku- są to płótna T. Gericaulta (1791 - 1824) („Tratwa Meduzy” i „Derby w Epsom i inne”) oraz E. Delacroix (1798-1863), autor słynnego obrazu Wolność wiodąca naród.
Realistyczny nurt w malarstwie pierwszej połowy stulecia reprezentują dzieła G. Courbeta (1819 r.- 1877), autor określenia „realizm” oraz obrazów „Kruszarki kamienia” i „Pogrzeb w Ornanie”, a także dzieł J. F . Proso (1814 - 1875), pisarz życia chłopskiego oraz („Zbieracze”, „Człowiek z motyką”, „Siewca”).
Ważne zjawisko kultury europejskiej drugiej połowy XIX wieku. był artystycznym stylem impresjonizmu, który rozpowszechnił się nie tylko w malarstwie, ale także w muzyce i fikcji. A jednak powstało w malarstwie.
W sztukach temporalnych akcja rozgrywa się w czasie. Malarstwo jest w stanie uchwycić tylko jedną chwilę w czasie. W odróżnieniu od kina ma ono zawsze jedną „kadrę”. Jak oddać w nim ruch? Jedną z takich prób uchwycenia realnego świata w jego mobilności i zmienności była próba twórców kierunku w malarstwie, zwanego impresjonizmem (od impresjonizmu francuskiego). Kierunek ten zrzeszał różnych artystów, z których każdego można scharakteryzować w następujący sposób. Impresjonista jest artystą, który przekazuje swoje bezpośredni impresja natury, widzi w niej piękno zmienności i nietrwałości, in tworzy wizualne wrażenie jasnego światła słonecznego, grę kolorowych cieni, używając palety czystych, niezmieszanych kolorów, z których wyrzucono czerń i szarość.
W obrazach takich impresjonistów jak C. Monet (1840-1926) i O. Renoir (1841-1919), na początku lat 70. XIX wieku. pojawia się materia powietrza, posiadająca nie tylko pewną gęstość wypełniającą przestrzeń, ale także mobilność. Strumienie światła słonecznego, opary unoszą się z wilgotnej ziemi. Woda, topniejący śnieg, zaorana ziemia, kołyszące się trawy na łąkach nie mają wyraźnego zamarzniętego konturu. Ruch, który wcześniej został wprowadzony do krajobrazu jako obraz poruszających się postaci, w wyniku działania sił przyrody- wiatr goniący chmury, kołyszące się drzewa, teraz zastępuje spokój. Ale ten spokój materii nieożywionej jest jedną z form jej ruchu, którą przekazuje sama faktura obrazu - dynamiczne pociągnięcia o różnych kolorach, nieskrępowane sztywnymi liniami rysunku.
Nowy styl malarstwa nie od razu został zaakceptowany przez publiczność, która zarzucała artystom, że nie potrafią rysować, zrzucając na płótno zdrapaną z palety farbę. Zatem różowe katedry Moneta w Rouen wydawały się nieprawdopodobne zarówno dla publiczności, jak i innych artystów.- najlepszy z cykli malarskich artysty („Poranek”, „Z pierwszymi promieniami słońca”, „Południe”). Artysta nie starał się przedstawić katedrę na płótnie o różnych porach dnia- rywalizował z mistrzami gotyku o wciągnięcie widza w kontemplację magicznych efektów świetlnych i kolorystycznych. Fasada katedry w Rouen, jak większość gotyckich katedr, kryje w sobie mistyczny spektakl x od światła słonecznego jasnych kolorowych witraży wnętrza. Oświetlenie wewnątrz katedr różni się w zależności od kierunku, z którego świeci słońce, pochmurnej lub bezchmurnej pogody. Promienie słońca, przenikając przez intensywną błękitną, czerwoną barwę witraży, zostają zamalowane i układają się na posadzce kolorowymi refleksami.
Jeden z obrazów Moneta swój wygląd zawdzięcza słowu „impresjonizm”. To płótno było rzeczywiście skrajnym wyrazem innowacyjności powstającej metody malarskiej i zostało nazwane „Wschodem słońca w Le Havre”. Kompilator katalogu obrazów na jedną z wystaw zasugerował, aby artysta nazwał to inaczej, a Monet, przekreślając „w Le Havre”, wpisał „wrażenie”. A kilka lat po ukazaniu się jego dzieł napisali, że Monet „odkrywa życie, którego nikt przed nim nie był w stanie uchwycić, o którym nikt nawet nie wiedział”. Na obrazach Moneta zaczęli dostrzegać niepokojącego ducha narodzin nowej ery. Tak więc w jego twórczości pojawił się „serial” jako nowe zjawisko malarstwa. I zwróciła uwagę na problem czasu. Malarstwo artysty, jak zauważono, wyrywa z życia jedną „kadrę”, z całą jej niekompletnością i niekompletnością. I to dało impuls do rozwoju serii w postaci kolejnych ujęć. Oprócz „Katedr w Rouen” Monet tworzy serię „Gare Saint-Lazare”, w której obrazy są ze sobą powiązane i uzupełniają się. Jednak w malarstwie nie dało się połączyć „kadr” życia w jedną taśmę wrażeń. Stało się to zadaniem kina. Historycy kina uważają, że przyczyną jego powstania i szerokiego rozpowszechnienia były nie tylko odkrycia techniczne, ale także pilna artystyczna potrzeba ruchomego obrazu. A obrazy impresjonistów, zwłaszcza Moneta, stały się symptomem tej potrzeby. Wiadomo, że jednym z wątków pierwszej w historii sesji filmowej, zorganizowanej przez braci Lumiere w 1895 roku, było „Przybycie pociągu”. Lokomotywy parowe, stacja, szyny były tematem serii siedmiu obrazów „Gare Saint-Lazare” Moneta, wystawionych w 1877 roku.
O. Renoir był wybitnym artystą impresjonistycznym. Do jego dzieł („Kwiaty”, „Młody mężczyzna spacerujący z psami po lesie Fontainebleau”, „Wazon z kwiatami”, „Kąpiel w Sekwanie”, „Lisa z parasolką”, „Dama w łódce”, „ Jeźdźcy w Bois de Boulogne”, „Ball w Le Moulin de la Galette”, „Portret Jeanne Samary” i wiele innych) słowa francuskiego artysty E. Delacroix „Pierwsza godność każdego obrazu jest całkiem odpowiednia- być świętem m dla oczu. imię Renoira- synonim piękna i młodości, ten czas życia człowieka, kiedy duchowa świeżość i rozkwit siły fizycznej są w całkowitej harmonii. Żyjąc w dobie ostrych konfliktów społecznych, pozostawił je poza swoimi płótnami, skupiając się budząc się na pięknych i jasnych stronach ludzkiej egzystencji. I na tym stanowisku nie był sam wśród artystów. Jeszcze dwieście lat przed nim wielki flamandzki artysta Peter Paul Rubens namalował obrazy przedstawiające ogromny, afirmujący życie początek („Perseusz i Andromeda”). Takie zdjęcia dają ludziom nadzieję. Każdy człowiek ma prawo do szczęścia, a główne znaczenie sztuki Renoira polega na tym, że każdy z jego obrazów potwierdza nienaruszalność tego prawa.
Pod koniec XIX wieku w malarstwie europejskim ukształtował się postimpresjonizm. Jej przedstawiciele- P . Cezanne’a (1839 – 1906), W. Van Gogh (1853 - 1890), s. . Gauguina (1848 - 1903), przejmując od impresjoniści czystość koloru, poszukiwana trwałe początki bytu, uogólnienie metod obrazowych, filozoficzne i symboliczne aspekty twórczości. Obrazy Cezanne’a- są to portrety („Palacz”), pejzaże („Brzegi Marny”), martwe natury („Martwa natura z koszem owoców”).
Obrazy Van Gogha- „Chaty”, „Przeprawy po deszczu”, „Spacer więźniów”.
Gauguin ma cechy romantyzmu ideologicznego. W ostatnich latach życia zafascynowany życiem plemion polinezyjskich, które jego zdaniem zachowały swą pierwotną czystość i integralność, wyjeżdża na wyspy Polinezji, gdzie tworzy kilka obrazów opartych na prymitywnej formie, chęć zbliżenia się do tradycji artystycznych tubylców („Kobieta trzymająca owoc”, „Pastrzanka Tahiti”, „Cudowne źródło”).
Wielki rzeźbiarz XIX w był O. Rodin (1840- 1917), łącząc się w swojej twórczości impresjonistyczny romantyzm i ekspresjonizm realistyczny wyszukiwania. Witalność obrazów, dramatyzm, wyrazistość napiętego życia wewnętrznego, gesty kontynuowane w czasie i przestrzeni (co robisz nie da się tej rzeźby osadzić do muzyki i baletu), uchwycenie niestabilności chwili- wszystko to razem tworzy zasadniczo romantyczny obraz i to w całości impresjonistyczny wizja . Pragnienie głębokich uogólnień filozoficznych („Epoka brązu”, „ Obywatele Calais”, rzeźba poświęcona bohaterowi wojny stuletniej, który poświęcił się dla ratowania oblężonego miasta, pracy dla Bram Piekieł, w tym Myśliciela) oraz chęć ukazania chwil absolutnego piękna i szczęścia („ Wieczna wiosna”, „Pas de -de”)– główne cechy twórczości tego artysty.
17.3.2 Malarstwo angielskie. Sztuka piękna Anglii pierwszej połowy XIX wieku. to malarstwo pejzażowe, jasne przedstawiciele które były J. Konstabl (1776 - 1837), angielski poprzednik impresjoniści(„Wóz z sianem przejeżdżający przez bród” i „Pole żyta”) oraz U. Turner (1775 - 1851), którego obrazy takie jak „Deszcz, para i prędkość” "Wrak statku", wyróżnia upodobanie do kolorowych gór fantasy.
W drugiej połowie stulecia swoje dzieła stworzył F.M. Brown (1821- 1893), którego słusznie uważano za „Holbeina XIX wieku”. Brown znany jest ze swoich dzieł historycznych („Chaucer na dworze Edwarda III” i „Lear i Kordelia”), a także obrazów przedstawiających akt codzienne tematy („Ostatnie spojrzenie na Anglię”, „Praca”).
Stowarzyszenie twórcze „Bractwo Prerafaelitów” („Prerafaelici”) powstało w 1848 roku. Choć rdzeniem jednoczącym była pasja do twórczości artystów wczesnego renesansu (przed Rafaelem), każdy członek tego bractwa miał swój własny temat przewodni i artystyczne credo. Teoretykiem bractwa był angielski kulturolog i estetyk J. Ruskin, który nakreślił pojęcie romantyzmu w odniesieniu do warunków Anglii połowy stulecia.
Ruskin, łącząc sztukę w swoich dziełach z ogólnym poziomem kultury kraju, postrzegając sztukę jako przejaw czynników moralnych, ekonomicznych i społecznych, starał się przekonać Brytyjczyków, że przesłankami piękna są skromność, sprawiedliwość, uczciwość, czystość i bezpretensjonalność .
Prerafaelici tworzyli obrazy o tematyce religijnej i literackiej, artystycznie projektowali książki i rozwijali sztukę zdobniczą, starali się wskrzesić zasady średniowiecznego rzemiosła. Zrozumienie nurtu niebezpiecznego dla sztuki zdobniczej- jego depersonalizacja poprzez produkcję maszynową, angielski artysta, poeta i osoba publiczna W. Morris (1834 - 1896) organizował warsztaty artystyczne i przemysłowe do wyrobu gobelinów, tkanin, witraży i innych artykułów gospodarstwa domowego, do których wykorzystywano rysunki ukończył on sam i artyści prerafaelici.
17.3.3 Malarstwo hiszpańskie. Goya . Dzieło Francisco Goyi (1746- 1828) należy do dwóch wieków - XVIII i XIX. Miało to ogromne znaczenie dla kształtowania się europejskiego romantyzmu. kreatywnie nas Dorobek artysty jest bogaty i różnorodny: malarstwo, portrety, grafiki, freski, ryciny, ryciny.
Goya wykorzystuje najbardziej demokratyczne motywy (zbójcy, przemytnicy, żebracy, uczestnicy bójek i zabaw ulicznych- bohaterowie jego obrazów). Otrzymawszy w 1789 r tytuł przysł znany malarz Goya wykonuje ogromną liczbę portretów: króla, królowej, dworzan („Rodzina króla Karola IV”). Pogarszający się stan zdrowia artysty spowodował zmianę tematyki prac. Tym samym obrazy wyróżniające się zabawną i dziwaczną fantazją („Karnawał”, „Blef niewidomego”) zastępują płótna pełne tragedii („Trybunał Inkwizycji”, „Dom wariatów”). A po nich następuje 80 rycin „Capriccios”, nad którymi artysta pracował ponad pięć lat. Znaczenie wielu z nich do dziś pozostaje niejasne, inne natomiast interpretowano zgodnie z wymogami ideologicznymi swoich czasów.
W symbolicznym, alegorycznym języku Goya maluje przerażający obraz kraju przełomu wieków: ignorancja, przesądy, ograniczeni ludzie, przemoc, obskurantyzm, zło. Akwaforta „Sen rozumu rodzi potwory”- straszne potwory otaczają śpiącą osobę, nietoperze, sowy i inne złe duchy. Sam artysta tak wyjaśnia swoją twórczość: „Przekonałem się do tej krytyki człowiekwadyIzłudzenia, ChociażIwydaje siędziedzina oratorium i poezji, może być również przedmiotem żywego opisu, artysta wybrał do swojej twórczości spośród wielu szaleństw i absurdów właściwych każdemu społeczeństwu obywatelskiemu, a także uprzedzeń i przesądów zwykłych ludzi, legitymizowanych zwyczajem, ignorancji lub interesowności, które uważał za szczególnie nadające się do ośmieszenia, a jednocześnie do ćwiczenia wyobraźni.
17.3.4 Nowoczesne – finał styl europejski obraz XIX V . Najsłynniejsze dzieła powstałe w malarstwie europejskim XIX wieku. w stylu secesyjnym były dzieła angielskiego artysty O. Beardsleya (1872– 1898). OnilustrowanypracaO. dziki („Salome”), Utworzonyeleganckigraficznyfantazje, oczarowanycałyPokolenieEuropejczycy. TylkoczarnyIbiałybyłnarzędzianpo porodzie: kartka białego papieru i butelka czarnego atramentu oraz technika przypominająca najdelikatniejszą koronkę („Tajemniczy ogród różany”, 1895). Ilustracje Beardsleya inspirowane są grafiką japońską i francuskim rokokiem, a także dekoracyjnym manieryzmem secesji.
Styl secesyjny, powstały około 1890 roku– 1910 gg., scharakteryzowanyobecnośćmeandrowylinie, pamiętnylokiwłosy, stylizowanykwiatyIrośliny, Językipłomień. StylTenbyłszerokiwspólnyIVobrazIVarchitektura. TenilustracjeAnglikByćrdsli, plakaty i billboardy Czecha A. Muchy, obrazy Austriaka G. Klimta, lampy i wyroby metalowe Tiffany'ego, architektura Hiszpana A. Gaudiego.
Kolejne wybitne zjawisko nowoczesności fin-de-siècle’u– norweskiartystami. Chrupać (1863 – 1944). słynnyobrazChrupać« Krzyk (1893)– złożonyCzęśćjegofundamentalnycykl"Fryzżycie", powyżejKtóryartystapracowałemdługilata. Następniepraca"Krzyk"Chrupaćpowtarzający sięVlitografie. Obraz"Krzyk"transmitujepaństwoskrajnyemocjonalnyNapięcieczłowiek, onatwarzetworzy rozpacz samotnego człowieka i jego wołanie o pomoc, której nikt nie jest w stanie zapewnić.
Największy artysta w Finlandii A. Galen-Kallela (1865– 1931) Vstylnowoczesnyilustrowanyepicki„Kalewale”. NAjęzykempirycznyrzeczywistośćto jest zabronionepowiedziećo legendarnym staruszku– kowalIlmarinene, Którypodrobionyniebo, zapukane razemfirmament, przykutyzogieńorzeł; OmatkiLemminkäinena, zmartwychwstałjegozabitysyn; OpiosenkarzVäinämöinien, Który„zamruczałzłotyDrzewko świąteczne", Gallel- Callelazarządzanyprzekazaćłóżkojedna moc starożytnych run karelskich we współczesnym języku.
Antyczna martwa natura, „Bukiet z makami”, Europa Zachodnia. Druga trzecia XIX wieku
Antyczna martwa natura „Bukiet z winogronami i brzoskwiniami”. Europa Zachodnia, 1839.
Krajobraz górski z ruinami zamku. Europa Zachodnia, 1846.
Wakacje w parku. Europa Zachodnia 1903
Portret dziewczynki. Europa Zachodnia, pierwsza połowa XIX wieku.
Winogrona i kwiaty. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku.
Jabłka i winogrona. Zachodnia Europa. Pierwsza trzecia XX wieku
Antyczne martwa natura z winogronami i owocami. Europa Zachodnia, 1869
Vintage martwa natura z kwiatami. Europa Zachodnia, 1821
Antyczne martwa natura z goździkami. Europa Zachodnia, początek XX wieku.
Antyczna martwa natura z melonem, jabłkami i winogronami. Europa Zachodnia, początek XX wieku.
Zabytkowy wazon martwa natura z chryzantemami. Europa Zachodnia, początek XX wieku.
Antyczna martwa natura z winogronami i brzoskwiniami. Europa Zachodnia, 1876
Vintage martwa natura wazon z dyniami. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku.
Bitwa kawalerii angielskiej z piechotą francuską. Europa Zachodnia, druga połowa XIX wieku.
Antyczne martwa natura z wiśniami i winogronami. Europa Zachodnia, połowa XIX wieku.
Holenderski zimowy krajobraz. Europa Zachodnia, druga połowa X wieku.
Antyczna martwa natura: floksy. Europa Zachodnia, początek XX wieku
Wał przeciwpowodziowy. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku
Pejzaż morski. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku
Antyczna martwa natura: astry w rzeźbionym drewnianym wazonie, Europa Zachodnia, początek XX wieku
Antyczna martwa natura: kwiaty na tle fontanny. Europa Zachodnia, Holandia, połowa XIX wieku
Malarstwo antyczne: „Holenderska martwa natura”. Europa Zachodnia, początek XVIII wieku
Starożytna martwa natura: bukiet kwiatów. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku
Krajobraz starożytny: „Na brzegu jeziora”. Europa Zachodnia, 1894
Stary obraz: „Leśny wodospad”. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku.
Stary obraz: „Kankan”. Europa Zachodnia, początek XX wieku.
Stary obraz: „Chłopiec przy kuchence”. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku.
Malarstwo antyczne: „Pejzaż z jeźdźcem”. Europa Zachodnia, koniec XVII wieku.
Antyczna martwa natura: tulipany w chińskim wazonie. Europa Zachodnia, początek XX wieku
Stary obraz: „Jesienny krajobraz”. Europa Zachodnia, początek XX wieku.
Antyczna martwa natura: „Kwiaty”. Europa Zachodnia, 1885
Starożytna martwa natura: „Wazon z asterami i hortensjami”. Europa Zachodnia, początek XX wieku.
Stary obraz: „Pejzaż miejski”. Europa Zachodnia, druga połowa XIX wieku.
Stary obraz: „Bukiet chryzantem”. Europa Zachodnia, pierwsza połowa XX wieku.
Stary obraz: „Panorama Paryża z widokiem na Ile de la Cité”. Europa Zachodnia, 1840.
Antyczna akwarela: „Portret dzieci artysty” z obrazu Rubensa. Europa Zachodnia, lata 30. XIX wieku.
Stary obraz: „Na werandzie hotelu”. Europa Zachodnia, 1878
Stary obraz: „Przy studni”. Europa Zachodnia, 1877
Starożytna martwa natura: „Owoce i kwiaty”. Europa Zachodnia, 1886
Malarstwo antyczne: „Wodospad w górach”. Europa Zachodnia, 1852.
Malarstwo antyczne: „Próbka wina”. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku.
Stary obraz: „Łódź w Zatoce Neapolitańskiej”. Europa Zachodnia, koniec XIX wieku
Stary obraz: „Muszkieter z karafką wina”. Europa Zachodnia, początek XX wieku.
Stary obraz: „Wybrzeże Kornwalii”. Europa Zachodnia, początek XX wieku. Artysta: G. Berlau,
Stary obraz: „Wewnętrzny dziedziniec Palazzo Vecchio we Florencji”. Europa Zachodnia, ostatnia ćwierć XIX wieku
Starożytna martwa natura: „Jesienne kwiaty w doniczkach”. Europa Zachodnia, druga połowa XIX wieku.
Stary obraz: „Port holenderski”. Europa Zachodnia, Artysta: Jan KUYPERS
Stary obraz: „Karmistrz i muszkieterowie”. Europa Zachodnia, 1882
Malarstwo antyczne: „Holenderska scena rodzajowa”. Europa Zachodnia, pierwsza połowa XIX wieku.
Malarstwo antyczne: „Martwa natura z różami”. Europa Zachodnia, 1877
Krajobraz przybrzeżny z łodziami i żaglówkami. Europa Zachodnia, 1877 Artysta: Moris H
Stary obraz: „Górska rzeka w lesie”. Europa Zachodnia, 1900
Stary obraz: „Psy”. Europa Zachodnia, 1899
Stary obraz: „Polowanie na jelenia”. Europa Zachodnia, 1840-1850
Stary obraz: „Włoski krajobraz z rzeką”. Europa Zachodnia, 1835.
Stary obraz: „W stajni”. Europa Zachodnia, połowa XIX wieku. Artysta: Wouterus I VERSCHUUR
Malarstwo antyczne: gatunek włoska scena. Europa Zachodnia, Włochy, 1844. Artysta: Rauh I. N
Zastanawiam się: Słowianie tyle śliny wypluli na temat „Nieumytej Europy”. I dlaczego Słowianie nie mogli zostawić po sobie tych samych obrazów, co w Europie z tego samego okresu: czasów wojny carskiej-Kondej, rodziny królewskiej, ze Słowianami w latach 1853-1921?
Kim są Słowianie: radzieccy żydowscy żołnierze Nikołajewa, stara czerwona (pruska) gwardia Elstona-Sumarokowa, byli zaangażowani w zajętą przez siebie Rosję w latach 1861-1921. ?
Tak jak znieśli poddaństwo Żydowi Puszkinowi, potomkowi brzydkich Murzynów i dali Żydom wszystkie prawa, tak nie zrobili nic wartościowego w zagarniętej przez siebie Rosji. Tylko prawa dla Żydów od 1861 roku – to cały zdobycz rewolucji słowiańskiej żydowskich żołnierzy radzieckiego Elstona-Sumarokowa. O co walczyli z carami rosyjskimi w latach 1853-1921, z całą czerwoną (sowiecką) armią Słowian, ludem Kanaanu.
Ale jak? Zły Caryruski-Konde, Biali Generałowie, wyjechali do Paryża wraz z całym Petersburgiem i Moskwą i zesłali do piekła Słowian, naszych poddanych, już w 1854 roku, na długo przed pańszczyzną żydowskich żołnierzy Elstona-Sumarokowa. I odmówili finansowania dobrobytu materialnego i moralnego słowiańskich chłopów żydowskich z sowieckiej, starej Gwardii Czerwonej (pruskiej).
A kto będzie pracował? No cóż, nie my, Słowianie, chłopi radzieccy, stara gwardia czerwona (pruska), dyktatura proletariatu!
Dobrze, że nie została wpuszczona do Europy przez całą czerwoną (żydowską) armię Słowian z Elston-Sumarokov w latach 1853-1871. Wylane z Europy Tsariruski-Konde, Biali Królowie Aniołów. W przeciwnym razie Europa stałaby teraz w tej samej formie, co Rosja, zdobyta przez Słowian, po 150 latach sowieckiej okupacji Słowian: żydowscy żołnierze Sowietu, stara czerwona (pruska) gwardia.
