Streszczenie „Cechy japońskiego grawerowania ukiyo-e i jego wpływ na malarstwo europejskie. Obrazy w stylu Ukiyo-e (malarstwo japońskie)

Katsushika Hokusai. Most Tenmabati w prowincji Settsu. Z cyklu „Wspaniałe widoki na słynne mosty prowincji”, w latach 1824-1834

Technika drzeworytu znana jest w Japonii od czasów starożytnych. Przyjechała z Chin przez Koreę wraz z buddyzmem w wczesny okres Historia Japonii. Ale drzeworyty osiągnęły swój artystyczny rozkwit w XVIII-XIX wieku. Druki ukiyo-e są głównym rodzajem drzeworytu w Japonii. Założycielem ukiyo-e jest japoński malarz i grafik Hisikawa Moronobu.

Początkowo ryciny były czarno-białe – używano tylko tuszu, z początek XVIII przez wieki niektóre prace malowano wówczas ręcznie pędzlem. W XVIII wieku Suzuki Harunobu wprowadził technikę druku wielokolorowego do wykonywania nishiki-e („obrazy brokatowe”). znany artysta z tego okresu byli Utamaro, Hokusai, Hiroshige i Toshusai Syaraku. uczenie się sztuka europejska, japońscy artyści przyjęli technikę przedstawiania perspektywy w rysunku, a pejzaż i inne gatunki rozwinęły się również w grawerowaniu. Hokusai w swoich rycinach przedstawiał przede wszystkim pejzaże i przyrodę. W 1831 roku ukazała się jego słynna kolekcja Trzydzieści sześć widoków Fuji (Hokusai). Niemal każda z grafik odznacza się wysoką jakością artystyczną i profesjonalnym kunsztem rzemieślniczym, dzięki czemu grafika japońska stała się znaczącym fenomenem nie tylko w kraju, ale i na świecie. kultura artystyczna. Wydruki Ukiyo-e były przystępne cenowo ze względu na ich masową zdolność produkcyjną. Przeznaczone były głównie dla mieszkańców miast, których nie było stać na wydawanie pieniędzy na obrazy.

Japoński artysta znany jako Segawa 37 unowocześnił stare grafiki, animując klasyczne japońskie drzeworyty za pomocą pakietów oprogramowania. Adobe Photoshop i After Effects. Obrazy statyczne zostały przekształcone w animowane pliki GIF z elementami science-fiction i nowoczesne technologie- Segway, szybki pociąg lub statek kosmiczny obcych. Animowane obrazy artysty zostają zgłoszone do konkursu GIFs - Award of GIF Creator 2015, sponsorowanego przez firmę Adobe.

2. Segwayem na Tokaido Road między Edo a Kioto, za stacją Fukuroi 27

Rycina z serii „53 stacje Tokaido” autorstwa Utagawy Hiroshige, namalowana po podróży w 1832 roku drogą Tokaido między Edo a Kioto.

Tokaido było jedną z pięciu dróg łączących Edo z innymi częściami Japonii. Tokaido biegło wzdłuż wschodniego wybrzeża Honsiu, dlatego otrzymało nazwę „Szlak Wschodniomorski”. Wzdłuż niej znajdowały się 53 stacje pocztowe, gdzie podróżnym oferowano zakwaterowanie, wyżywienie i stajnie. W 1832 roku Hiroshige przekroczył Tokaido w ramach oficjalnej delegacji przewożącej konie na dwór cesarski. Konie były symbolicznym prezentem od szoguna, corocznie prezentowanym cesarzowi w uznaniu jego boskiego statusu.

Sceneria podczas podróży stworzyła takie silne wrażenie o artyście, że wykonał wiele szkiców, zarówno w drodze z Edo do Kioto, jak i w drodze powrotnej. Po powrocie do domu od razu zabrał się do pracy nad pierwszymi rycinami. Pierwsze prace z serii 53 Tokaido Stations zostały wydane równolegle przez wydawnictwa Hoeido i Senkakudo. Ryciny sprzedawano po 12-16 miedzianych monet za sztukę, co odpowiadało parze słomianych sandałów lub misce zupy. Kolosalny sukces tej serii sprawił, że Hiroshige stał się jednym z najważniejszych i najbardziej rozpoznawalnych rytowników okresu Tokugawa Ieyasu.

W animacji podróżnik na segwayu przejeżdża wzdłuż drogi.

3. Cienie wieczoru Edo

Motyw miasta Edo (Tokio) był jednym z najbardziej ukochanych przez urodzonego w nim artystę. W sumie w ciągu swojego życia stworzył około 1080 arkuszy, na których miałby się pojawić ten kapitał. W tej serii nie tylko podkreślał piękno Edo, ale także zawierał odniesienia do historii, zwyczajów i legend. Temat rycin nie był najważniejszy Znane miejsca miasta i te, które zainteresowały mistrza swoją malowniczością.

W gatunku ukiyo-e cienie zazwyczaj nie są przedstawiane, ale w tym rycinie są one śmiało i obficie rysowane przez artystę, co jeszcze mocniej podkreśla animacja.

4. W Teatrze Moritaza Kabuki

Moritaza jest jedną z trzech duże teatry Kabuki w Edo.

Przez lata swojej pracy Utagawa Kunisada stworzył od 20 do 25 tysięcy „działek”. Utagawa najwięcej uwagi poświęcił obrazom związanym z teatrem kabuki i aktorami aktorskimi. Ten gatunek stanowi około 60% twórczości Kunisady.

5. W górę iw dół wielkich fal w Kanagawa

« Wielka fala w Kanagawie” jest najbardziej słynna praca Katsushiki Hokusai. Kopie ryciny wiszą w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku, British Museum w Londynie, a kolejna w domu Claude'a Moneta w Giverny we Francji. Rycina przedstawia ogromną falę wiszącą nad łodzią w pobliżu prefektury Kanagawa. W oddali widać górę Fuji, która jest tłem dla głównej akcji na zdjęciu.

6Śnieżny poranek nad rzeką Koishikawa: zestrzelony MiG-29 powoduje wielką falę w Kanagawie

Grawer z serii „Trzydzieści sześć widoków Fuji” autorstwa Katsushika Hokusai.

Nr 11. Śnieżny poranek nad rzeką Koishikawa

Przedstawiono tu małą rzekę, w której znajduje się wiele małych kamieni. Dlatego obszar w pobliżu tej rzeki zaczęto nazywać Koishikawa ("koishi" - mały kamień, "kawa" - rzeka). Dawna rzeka Koishikawa to wspólny odcinek od mostu Suidohashi do obszaru góry Hakusan, według „Zbioru obrazów zabytków Edo”, gdy przemierza rozległy obszar, z obszaru Otova, wyżyny Sekiguchi, do stacji Zoshigaya. Hokusai przedstawia rzadkie opady śniegu w Edo. W lewym rogu grawerunku będzie ingerował w restaurację ryotei, z której roztacza się widok na Fuji. Prawdopodobnie odwiedzający piją „yukimishu” (z okazji podziwiania śniegu) i podziwiają widok na Fuji. Być może to moment „yukimi” (podziwiania śniegu).

Na animacji gość restauracji zestrzeliwuje MiG-29 wiązką laserową, która wpadając do rzeki powoduje Wielka fala przy Kanagawie.

7. Na łodzi rybackiej na rzece Tama w Bushu

Grawer z serii „Trzydzieści sześć widoków Fuji” autorstwa Katsushika Hokusai.

„Tama River in Bushu” lub „Tamagawa River” jest jedną z tak zwanych „sześciu rzek Tamagawa” i od dawna jest ulubionym motywem artystów ukiyo-e. Na pierwszym planie widz widzi mężczyznę z załadowanym koniem, wędrującego samotnie wzdłuż brzegu. Kuter rybacki pokonujący fale prostopadłe do przekątnej brzegu potęguje wrażenie przestrzeni rozciągającej się w dal. Rozwiązanie kolorystyczne arkusza przyczynia się do poczucia integralności i kompletności kompozycji. Trzy główne akcenty kolorystyczne – drewno, Fuji oraz granatowy pasek na górnej krawędzi graweru – potęgują wrażenie harmonii i równowagi w systemie wszechświata.

8. Silny wiatr w zatoce Ejiri w prowincji Sunshu

Grawer z serii „Trzydzieści sześć widoków Fuji” autorstwa Katsushika Hokusai.

Na stacji Ejiri na autostradzie Tokaido, niedaleko portu Aomizuko, w rejonie drogi prowadzącej do tego portu znajdowało się słynne jezioro Ubakeike. Prawdopodobnie to on zmienia kolor na biały w prawej części graweru. Za zakrętem drogi widać małą kapliczkę. Według istniejącej legendy mieszka tu „zły duch żeński”, duch. Mówi się, że jeśli podróżnik zawoła „Nya-nya!”, z dna jeziora uniesie się piana. Ale Hokusaia najbardziej interesował stan, nastrój natury, a liść pod tym względem jest najciekawszy. Artysta przedstawia podmuch wiatru, schylający się po drzewie, plączący ubrania podróżnych idących krętą drogą. Białe kartki papieru, wyrwane z rąk podmuchu wiatru, wzbiły się w niebo jak stado ptaków. Wygląda na to, że wszystko wokół jest zaangażowane w ten cykl. Jedynie wyraźny zarys Fuji, narysowany precyzyjną linią, pozostaje nieruchomy i dodatkowo podkreśla dynamiczny ruch pierwszego planu.

9. Fajerwerki w Ryogoku

Artysta jest najbardziej znany ze swoich grafik przedstawiających przedmieścia Tokio, które przedstawiają początek nowej Japonii ery Meiji. Nazywają go ostatnim mistrzem malarstwo tradycyjne ukiyo-e. Szereg jego prac poświęcony jest wojnie japońsko-chińskiej z lat 1894-1895 oraz wojnie rosyjsko-japońskiej z lat 1904-1905.

10. Latawce latają wyżej niż Fuji

Grawer z serii „Trzydzieści sześć widoków Fuji” autorstwa Katsushika Hokusai.

Dwa latawce wznoszą się w niebo z literami życzeń szczęścia „kotobuki”, wzniosły się nawet wyżej niż Fuji. Widzimy ją między dwoma dachami budynków, jakby flankowała Fuji. Na wysokim, dużym dachu po prawej trzech dekarzy wykonuje swoją niebezpieczną pracę. Przyciągające wzrok napisy na sklepie z tkaninami po prawej i na sklepie z nicią po lewej mówią: „Płatność gotówką. Jen bez pytania. Hokusai przedstawia słynne sklepy należące do Kotakoshi, jednego z członków rodziny Mitsui. Sklepy te zostały otwarte w 1673 roku i były szczególnie popularne w okresie Tokugawa. Według napisów na rycinie, dzięki wprowadzonym przez niego metodom handlowym: „gotówka, wyprzedaż, stały jen”, jego sieć sklepów rozkwitła. Był pierwszym, który pozwolił samurajom płacić gotówką (genkin-kakenashi), wcześniej istniał system kredytowy, co oznacza, że jen został wystawiony „z prośbą”. Wizerunek sklepu Mitsui był popularnym tematem wśród artystów ukiyo-e.

Grawer z serii „Trzydzieści sześć widoków Fuji” autorstwa Katsushika Hokusai.

Nr 7. Sazae-do, jedna z 500 świątyń Rakkanji.

Jest to największa z pięciu świątyń w Edo i została zbudowana na południe od rzeki Tategawa. Sazae-do zostało zbudowane w 1741 roku i słynęło z wolnostojących schodów prowadzących na szczyt trzypoziomowej pagody. Rycina przedstawia mężczyznę i kobietę po prawej stronie, którzy po zakończeniu pielgrzymki do miejsc świętych padli wyczerpani na podłogę galerii. W przeciwieństwie do tego, po lewej stronie znajduje się buddyjski mnich z ogoloną głową z furoshiki za ramionami. Energicznie wskazuje palcem na Fuji. Grawer wyróżnia bogata gama kolorystyczna. Mistrzowskie wykorzystanie półtonów czerni i błękitu, uformowanych techniką „itabokashi” - rolki do oddawania światłocienia, sprawia, że arkusz jest niezapomniany w jasnym kolorze.

W animacji buddyjski mnich wskazuje palcem na UFO, które porywa Fuji.

Publikacja wykorzystuje artykuły z rosyjskiej, angielskiej i japońskiej Wikipedii; teksty z książki: sztuka światowa. Katsushika Hokusai. Seria rycin „36 widoków Fuji” oraz „100 widoków Fuji”. - Petersburg, 2006.

Znowu nie o wszystkim na raz, a konkretnie o rycinach ukiyo-e. piękne słowo, ale co to oznacza? Szanujemy specjalne strony. Na przykład encyklopedia Japonii od A do Z
- i dowiedz się, że:

technika drzeworytnicza, czyli druk z desek drewnianych pojawił się w Japonii w okresie Heian (794–1185) wraz z nadejściem buddyzmu. Początek XVII wieku charakteryzuje się pojawieniem się ilustrowanych ksiąg drzeworytniczych, publikowanych w masowych wydaniach. W tych wydaniach tekst i ilustracje drukowane były w kolorze czarnym.

Pierwsze sztalugi były również czarno-białe, następnie zaczęto je lekko podbarwiać ręcznie cynobrem (tan-e), później ryciny barwiono ciemnoczerwoną farbą (beni-e) lub cieniowano czarną gęstą farbą, co powodowało efekt powłoki czarnego lakieru (urushie).

Pierwsze druki wykorzystujące kolor czerwony (benizuri-e) pojawiły się w połowie XVIII wieku. Stopniowo rosła liczba tablic do druku kolorowego, a w 1765 roku pojawiły się pierwsze wielobarwne ryciny, które nazwano „obrazami brokatowymi” (nishiki-e).

ukiyo-e(co w dosłownym tłumaczeniu z japońskiego oznacza „obrazy świata śmiertelników”) pochłonęła filozoficzną kontemplację i emocjonalną pełnię podziwiania pełni śmiertelnej egzystencji.

Pod względem technicznym sztuka ukiyo-e to złożony proces, który wymaga najwyższego profesjonalizmu na wszystkich etapach wykonania. Ostateczny efekt pracy zależał nie tylko od umiejętności artystów rysujących szkice, ale także od wirtuozerii grawerów i drukarzy. Aby stworzyć wielokolorowy obraz, konieczne było grawerowanie od dwóch do trzech do ośmiu tablic. Druk został wykonany ręcznie, co pozwoliło stworzyć malowniczy efekt półtonów. Deski malowano ręcznie, polerowano, dmuchano złotym lub srebrnym proszkiem.

Japońskie grawerowanie stało się synonimem wyrafinowania i dobrego smaku. W późny XIX Od wieków druki ukiyo-e zyskały popularność na całym świecie, były zbierane przez Whistlera, Maneta, Degasa, Goncourta, Zoli. W Petersburgu pierwsza wystawa druków ukiyo-e odbyła się w 1898 roku. Bogate zbiory takich druków istnieją w Pustelnia Państwowa i Kunstkamera.

Słowo „ukiyo” w starożytności oznaczało jedną z buddyjskich kategorii i można je przetłumaczyć jako „śmiertelny, zmienny świat”. Pod koniec XVII wieku Ukiyo zaczęło oznaczać świat ziemskich radości i przyjemności. Ukiyo-e - obrazy Życie codzienne klasa miejska okresu Edo.

Powstał w XVII wieku. w narastającym w siłę środowisku trzeciego stanu, mniej skrępowanego kanonikami niż malarstwo, grawerowanie było najbardziej rozpowszechnioną i dostępną dla mieszczan formą sztuki. Motywy do wydruków ukiyo-e często były fabułami historie gatunkowe ukiyo-zoshi, sztuki kabuki, poezja klasyczna i współczesna.
Artysta, rzeźbiarz i drukarz uczestniczyli w procesie tworzenia odbitki ukiyo-e. Ważną rolę odegrał wydawca, który badał zapotrzebowanie i wyznaczał nakład. Często to on wyznaczał temat ryciny i wpływał na charakter publikacji.

Proces grawerowania przebiegał następująco. Malarz wykonał konturowy rysunek tuszem na cienkim, przezroczystym papierze. Grawer, nakleiwszy rysunek z przednią stroną na deskę z wiśni, gruszy lub bukszpanu, wyciął pierwszą kliszę drukarską. Następnie powstało kilka czarno-białych odbitek, na których artysta wskazał zamierzone kolory. Nóż wyprodukował wymaganą liczbę (czasem ponad trzydzieści) płyt drukarskich, z których każda odpowiadała jednemu kolorowi lub tonie. Drukarka rozmawiając z artysta schemat kolorów, nałożona farba pochodzenia roślinnego lub mineralnego i ręcznie nadrukowana grawerunek na mokrym papierze ryżowym.

Kolektywna metoda pracy artysty, rzeźbiarza i drukarza, wąska specjalizacja mistrzów, warsztatowa organizacja procesu zadecydowały o oryginalności japońskich drzeworytów.

Uważany jest za założyciela kierunku Moronobu Hisikawa, Kitibe (ok. 1618 - ok. 1694; według innych źródeł 1625 - ok. 1694, 1638-1714), japoński malarz i grafik. Mieszkał w Edo. Już główni przedstawiciele ukiyo-e były Katsushika Hokusai, znany również jako twórca gatunku pejzażu w japońskiej grafice, Ando Hiroshige(1797-1858) jest jednym z największych japońskich grafików.
Hiroshige urodził się w Edo w rodzinie drobnego samuraja Ando Ganemon. Dzięki wczesnej nauce pisma hieroglificznego Tokutaro (pierwsze imię artysty z dzieciństwa) był również dobrze zorientowany we właściwościach papieru, pędzla i atramentu, podstawowych materiałów malarstwa orientalnego.

Pierwszy obraz „Góra Fuji na śniegu”, który przetrwał do dziś (Suntory Museum, Tokio), został namalowany przez artystę w wieku dziesięciu lat. Miał czternaście lat, kiedy został studentem Toyohiro, założyciel szkoły Utagawa. Sercem wczesnych prac Hiroshige jest prawdziwe wydarzenie, sceny podglądane na ulicach.

Drugi etap twórczości zaznaczył się pojawieniem się rycin pejzażowych. Hiroshige przedstawia pierwszą serię Osiem widoków Omi, opublikowaną w 1825 roku, poświęconą pięknu jeziora Biwa, położonego w prowincji Omi, bez opuszczania Edo. Kolejny cykl „Dziesięć widoków na wschodnią stolicę”, wydany dwa lata później, poświęcony jest rodzinnemu miastu artysty – Edo.

Następnie artysta całkowicie skupia swoją uwagę na pejzażach i seriach z gatunku katyoga („kwiaty i ptaki”). Jednym z najbardziej znanych jest arkusz „Wróble nad ośnieżoną kamelią” z serii 25 rycin.

W sierpniu 1832 artysta przebył całą wschodnią nadmorską drogę – Tokaido. Efektem podróży była wydana przez niego duża seria rycin krajobrazowych Pięćdziesiąt trzy stacje drogi Tokaido, które zapoczątkowały rozkwit jego twórczości.
Kolejny okres kreatywności Hiroshige w dużej mierze różni się od poprzedniego. Często zmienia miejsce zamieszkania, odbywa wielokrotne, dość długie podróże po kraju, ale jednocześnie w ogóle nie tworzy dużych serii krajobrazowych. Bardzo czas poświęca na ilustrowanie książek wierszami satyrycznymi.

W ostatniej dekadzie życia artysta nie rozstawał się z ulubionymi tematami pejzaży Tokaido i Edo, przedstawiając je na osobnych rycinach, wachlarzach i w książkach. Hiroshige tworzy serię Trzydzieści sześć widoków góry Fuji. W tych samych latach artysta zwraca się ku obrazowi dziwacznych skał, jaskiń, wodospadów, wąwozów i przepraw przez nie. Hiroshige nadał swoją ostatnią serię pejzaży, składającą się z trzech tryptyków, stary poetycki tytuł „Śnieg, księżyc, kwiaty”. W ciągu trzech ostatnie lata Za życia Hiroshige stopniowo wychodziły ryciny z jego największej serii, Sto widoków Edo.

krajobrazy Hiroshige wraz z pracami Hokusai wykonał grawer ukiyo-e wiodąca forma sztuki pierwszej połowy XIX wieku.

Wiele prac Hiroshige i Hokusai, a także różnych innych autorów, można obejrzeć na stronie Ukiyoe Japanese Prints, ale bądź ostrożny - jest 9 galerii obrazów, z których każdy ma 500 sztuk. Możesz zostać na długo!

Znowu nie o wszystkim na raz, a konkretnie o rycinach ukiyo-e. Ładne słowo, ale co to znaczy? Szanujemy specjalne strony. Na przykład encyklopedia Japonii od A do Z
- i dowiedz się, że:

Japońskie grawerowanie stało się synonimem wyrafinowania i dobrego smaku. Pod koniec XIX wieku druki ukiyo-e zyskały popularność na całym świecie, kolekcjonowali je Whistler, Manet, Degas, Goncourt, Zola. W Petersburgu pierwsza wystawa druków ukiyo-e odbyła się w 1898 roku. Bogate zbiory takich druków znajdują się w Państwowej Ermitażu i Kunstkamerze.

Słowo „ukiyo” w starożytności oznaczało jedną z buddyjskich kategorii i można je przetłumaczyć jako „śmiertelny, zmienny świat”. Pod koniec XVII wieku Ukiyo zaczęło oznaczać świat ziemskich radości i przyjemności. Ukiyo-e to obrazy codziennego życia klasy miejskiej okresu Edo.

Powstał w XVII wieku. w narastającym w siłę środowisku trzeciego stanu, mniej skrępowanego kanonikami niż malarstwo, grawerowanie było najbardziej rozpowszechnioną i dostępną dla mieszczan formą sztuki. Tematyka druków ukiyo-e była często fabułą opowiadań gatunkowych ukiyo-zoshi, sztuk teatralnych kabuki, poezji klasycznej i współczesnej.
Artysta, rzeźbiarz i drukarz uczestniczyli w procesie tworzenia odbitki ukiyo-e. Ważną rolę odegrał wydawca, który badał zapotrzebowanie i wyznaczał nakład. Często to on wyznaczał temat ryciny i wpływał na charakter publikacji.

Proces grawerowania przebiegał następująco. Malarz wykonał konturowy rysunek tuszem na cienkim, przezroczystym papierze. Grawer, nakleiwszy rysunek z przednią stroną na deskę z wiśni, gruszy lub bukszpanu, wyciął pierwszą kliszę drukarską. Następnie powstało kilka czarno-białych odbitek, na których artysta wskazał zamierzone kolory. Nóż wyprodukował wymaganą liczbę (czasem ponad trzydzieści) płyt drukarskich, z których każda odpowiadała jednemu kolorowi lub tonie. Drukarka rozmawiając z artysta kolory, nałożona farba pochodzenia roślinnego lub mineralnego oraz ręcznie nadrukowany grawer na mokrym papierze ryżowym.

Kolektywna metoda pracy artysty, rzeźbiarza i drukarza, wąska specjalizacja mistrzów, warsztatowa organizacja procesu zadecydowały o oryginalności japońskich drzeworytów.

Uważany jest za założyciela kierunku Moronobu Hisikawa, Kitibe (ok. 1618 - ok. 1694; według innych źródeł 1625 - ok. 1694, 1638-1714), japoński malarz i grafik. Mieszkał w Edo. Innymi ważnymi przedstawicielami ukiyo-e byli Katsushika Hokusai, znany również jako twórca gatunku pejzażu w japońskiej grafice, Ando Hiroshige(1797-1858) jest jednym z największych japońskich grafików.
Hiroshige urodził się w Edo w rodzinie drobnego samuraja Ando Ganemon. Dzięki wczesnej nauce pisma hieroglificznego Tokutaro (pierwsze imię artysty z dzieciństwa) był również dobrze zorientowany we właściwościach papieru, pędzla i atramentu, podstawowych materiałów malarstwa orientalnego.

Pierwszy obraz „Góra Fuji na śniegu”, który przetrwał do dziś (Suntory Museum, Tokio), został namalowany przez artystę w wieku dziesięciu lat. Miał czternaście lat, kiedy został studentem Toyohiro, założyciel szkoły Utagawa. Wczesne prace Hiroshige opierają się na prawdziwych wydarzeniach, scenach podglądanych na ulicach.

Drugi etap twórczości zaznaczył się pojawieniem się rycin pejzażowych. Hiroshige przedstawia pierwszą serię Osiem widoków Omi, opublikowaną w 1825 roku, poświęconą pięknu jeziora Biwa, położonego w prowincji Omi, bez opuszczania Edo. Kolejny cykl „Dziesięć widoków na wschodnią stolicę”, wydany dwa lata później, poświęcony jest rodzinnemu miastu artysty – Edo.

W sierpniu 1832 artysta przebył całą wschodnią nadmorską drogę – Tokaido. Efektem podróży była wydana przez niego duża seria rycin krajobrazowych Pięćdziesiąt trzy stacje drogi Tokaido, które zapoczątkowały rozkwit jego twórczości.
Kolejny okres kreatywności Hiroshige w dużej mierze różni się od poprzedniego. Często zmienia miejsce zamieszkania, odbywa wielokrotne, dość długie podróże po kraju, ale jednocześnie w ogóle nie tworzy dużych serii krajobrazowych. Większość czasu poświęca ilustrowaniu tomów poezji satyrycznej.

W ostatniej dekadzie życia artysta nie rozstawał się z ulubionymi tematami pejzaży Tokaido i Edo, przedstawiając je na osobnych rycinach, wachlarzach i w książkach. Hiroshige tworzy serię Trzydzieści sześć widoków góry Fuji. W tych samych latach artysta zwraca się ku obrazowi dziwacznych skał, jaskiń, wodospadów, wąwozów i przepraw przez nie. Hiroshige nadał swoją ostatnią serię pejzaży, składającą się z trzech tryptyków, stary poetycki tytuł „Śnieg, księżyc, kwiaty”. W ciągu ostatnich trzech lat życia Hiroshige stopniowo wychodziły ryciny z jego największej serii, „Sto widoków Edo”.

krajobrazy Hiroshige wraz z pracami Hokusai wykonał grawer ukiyo-e wiodąca forma sztuki pierwszej połowy XIX wieku.

Japońskie drzeworyty rozpowszechniły się w Edo (Tokio). W w XVII- XIX wiek Edo było główną rezydencją szogunów, ściągali tu naukowcy, pisarze i artyści, co zapewniło miastu potężny wzrost gospodarczy i kulturalny. W 1868 roku, po obaleniu szogunatu i przywróceniu władzy cesarskiej, stolica Japonii została przeniesiona z Kioto do Edo. Tutaj narodził się kierunek sztuk pięknych, który określany jest terminem „ukiyo-e” (przetłumaczony z japońskiego – „obrazy zmieniającego się świata”). Ta koncepcja została zapożyczona z filozofii buddyzmu zen, dla której ważne jest uświadomienie sobie kruchości ludzkiej egzystencji w porównaniu z Wiecznością. Dlatego w szkole zen na pierwszy plan wysunęło się zrozumienie życia „tu i teraz”. Podziwianie ulotnych chwil teraźniejszości stało się integralną częścią japońskiej estetyki i jednym ze sposobów naturalnej bliskości z naturą i medytacji w duchu buddyzmu zen.

„... Żyj tylko chwilą ci podarowaną, ciesz się, podziwiając księżyc, kwiaty wiśni, jesienne liście klony, śpiewają piosenki, piją wino i bawią się, nie dbając wcale o biedę, która wyzywająco patrzy nam w twarz, bezmyślnie poddając się strumieniowi, jak dynia beznamiętnie ciągnięta przez rzekę. To właśnie nazywamy ukiyo-e..." (Asai Ryoi, XVII-wieczny pisarz)

Sztuka Ukiyo-e kojarzyło się z poezją tanka i haiku (haiku), które również starały się przekazać chwilę teraźniejszości w niezwykle prostej formie, a jednocześnie zawierać całą przestrzeń i cały świat.

W kubku z kwiatami
Trzmiel drzemie. Nie dotykaj go
Wróbel przyjacielu!

Kolorowe odbitki ukiyo-e były bardziej przystępne cenowo niż zwoje obrazkowe i były kupowane przez różne segmenty ludności miejskiej, aby ozdobić swoje domy. Wraz z pojawieniem się aparatów, fenomen ukiyo-e zaczął zanikać, a fotografia stała się bardziej zaawansowanym sposobem uchwycenia chwili.

W drzeworytach japońskich istniał podział na gatunki:
KATYO-GA - obrazy kwiatów i ptaków
FUKEI-GA - naturalna sceneria i widoki na miasto
BIJIN-GA - obrazy pięknych ludzi
YAKUSHA-E - portrety popularnych aktorów teatru kabuki
MUSYA-E - wizerunki słynnych samurajów
SHUN-GA ("wiosenne zdjęcia") - ryciny erotyczne

KATE-GA
Prawie wszystkie rodzaje kwiatów ogrodowych przybyły do Japonii z Chin, w tym chryzantema (po japońsku „kiku” - „kwiat słońca”), która wkrótce stała się narodowym kwiatem kraju. Nazwy odcieni japońskich chryzantem miały charakter poetycki: „poranek”, „wieczorny zachód słońca”, „północna ulewa”, „mglisty poranek”, „lwia grzywa”, „blask miecza”.
W 1496 roku w Kioto opublikowano książkę z botanicznym opisem ponad 10 odmian chryzantem, które znacznie różniły się od siebie kształtem i kolorem kwiatów. W tamtych czasach nie było druku kolorowego, więc odcienie odmian opisywano słowami. Wraz z nadejściem kolorowego grawerowania zaczęły pojawiać się wielotomowe albumy kolekcjonerskie, w których na pierwszy plan wysuwał się aspekt nie opisowy, ale artystyczny i obrazowy.
W XVIII wieku na „ulicy artystów” Shijo w Kioto powstała szkoła Maruyama-Shijo japońskiego klasycznego malarstwa naturalistycznego. Jej założyciel, artysta Maruyama Okyo, połączył naturalizm, światłocień i perspektywę zachodniej szkoły z tradycyjnymi orientalnymi technikami obrazowania.

Jeden z uczniów Maruyamy-Shijo został Kono Bayrei- słynny mistrz kacho-ga. On stworzył duża ilość sztalugi sztalugowe, kilka książek i albumów. Szczególne miejsce w jego twórczości zajmuje „Album ptaków i kwiatów” (1883), w którym artysta przedstawia ptaki i kwiaty o określonych porach roku. Ryciny wydawane były zarówno jako oddzielne wydania, jak i łączone w bloki: wiosna-lato, jesień-zima. Album do grawerowania „Sto ptaków” doczekał się trzech edycji w latach 1891, 1892 i 1896. Album One Hundred Flowering Plants został po raz pierwszy wydany pośmiertnie w 1901 roku.

BIJIN-GA
Wraz z rozwojem dużych ośrodków miejskich Edo i Osaki, na zwojach i ekranach pojawiają się sceny z tradycyjnymi świętami i rozrywką mieszczan. Centralne postacie te obrazy są młodymi wielkomiejskimi fashionistami i dandysami w chwytliwych strojach. Popularne stały się portrety kurtyzan, które służyły jako reklama „zabawnej” dzielnicy Yoshiwary. Mimo reklamowego charakteru bijin-ga rzadko pozwalano ocenić prawdziwy wygląd danej urody. Był to raczej portret zbiorowy, odzwierciedlający trendy w modzie w kostiumach, makijażu i fryzurach.

Zaciśnij wąski pasek.
Z oczu młodej piękności
Wydaje się zimno.
Uznany mistrz gatunku jest brany pod uwagę Kitagawa Utamaro.Kobiecy wizerunek w jego pracach został poddany wzmocnionej typizacji. Ideał kobiece piękno w pracach mistrza wydłużony owal twarzy i proporcje ciała, tradycyjna wysoka fryzura, zarysowane oczy minimalna kwota pociągnięcia, cienkie linie warg i prosty nos. Jednocześnie dla obrazu jednego detalu Utamaro mógł wykorzystać kilkadziesiąt plansz! Dzięki nieustannym poszukiwaniom mistrza paleta ukiyo-e została wzbogacona o wiele niuansów tonów. I tak na przykład artysta najpierw zaczął mieszać złoty i srebrny proszek, aby uzyskać efekt migotania tła.

Grawer przedstawia trzy piękności Edo - Nanbaya O-Kita, Takashima O-Hisa i Tomimoto Toyohina. O-Kita pracowała jako kelnerka w herbaciarni znajdującej się przed bramą Zuishinmon w Asakusa, Toyohina była gejszą w Yoshiwara. Takashima O-Hisa (zdjęcie po prawej) pochodziła z zamożnej rodziny, była córką właściciela kilku herbaciarni w rejonie Ryogoku Yagenbori. W książce Mizuchaya Hyakunin Issho (1793), porównującej sto dziewcząt z herbaciarni, O-Kita znalazła się na 16 miejscu, a O-Hisa na 17 miejscu.

Konkurs układania kwiatów między Takashima O-Hisa i O-Kita

Ideał kobiecego piękna stworzony przez Utamaro inspirował zarówno współczesnych, jak i młodszych artystów. Wśród wyznawców mistrza warto wymienić Eisho Chokasai. Najważniejszy cykl jego rycin – „Konkurs Piękności Kwater Wesołych” – ukazuje stopniową komplikację gatunku: rozwój kompozycji wielopostaciowych i wypełnianie portretów licznymi detalami.

Utagawa Kunisada

Toyohara Kunitika, uczeń Utagawy Kunisady, przedstawia kurtyzany najwyższej rangi, których charakterystyczną umiejętnością było tworzenie wrażenia luksusu i nie do zdobycia. Tayu (jak nazywano ich w Osace i Kioto) i oiran (w Edo) robili bardzo skomplikowane fryzury z dużą ilością biżuterii, nosili kimono w trzech lub więcej warstwach z długim trenem i ogromną ozdobną kokardą z przodu. W pracach Kunitiki kompozycja staje się złożona i wielowarstwowa, jak szaty i fryzury gejsz, przeszyte dziesiątkami spinek do włosów – „kanzashi”.
„Trzy słynne kurtyzany”

MUSYA-E
Przez wiele tysiącleci historia Japonii jest historią niemożliwych do pogodzenia wojen między klanami i walk o władzę między szogunami. Według legendarnych „Records of Ancient Affairs” (708) i „Annals of Japan” (720) cesarze są bezpośrednimi potomkami bogini słońca Amaterasu. Dynastia nie została przerwana od VI wieku p.n.e. do chwili obecnej panujący cesarz Akihito. Od XII wieku herb rodzinny(„mon”) to 16-listna chryzantema.
Aby utrzymać władzę, rodzina cesarska zawarła sojusze z innymi głównymi klanami. W rezultacie w 1192 roku Minamoto Yoritomo został pierwszym wojskowym władcą kraju – szogunem. Tytuł pojawił się jako skrót od tymczasowej rangi sei-taishogun („dowódca naczelny”). W przeciwieństwie do cesarza jego postać nie była święta, ale stał się faktycznym szefem rządu – bakufu.
Samuraje ("bushi") to nie tylko wojownicy, ale także urzędnicy, a także ochroniarze i słudzy ich władcy. „Złoty wiek” dla samurajów nadszedł w erze Edo, kiedy otrzymali wiele przywilejów. I wolno było nosić dwa miecze, duży i mały, podczas gdy reszta mogła nosić tylko jeden mały miecz. Tokugawa Ieyasu nazwał miecz „duszą” samuraja. Była to rodzinna pamiątka i święty przedmiot.
Każdy samuraj rozwinął hart ducha poprzez praktykę buddyzmu zen, kierując się zbiorem zasad etycznych i norm zachowania w społeczeństwie iw domu – Bushido lub „Droga Wojownika”.
W 1868 r. przywrócona została władza cesarza. Rozpoczęła się szybka modernizacja kraju na wzór Anglii i USA, w 1873 roku wojska samurajskie zostały rozwiązane. W 1876 r. uchwalono ustawę zakazującą noszenia mieczy i znoszącą sam majątek.

letnie zioła
Gdzie zniknęli bohaterowie
Jak we śnie.
(Matsuo Basho)

Utagawa Yoshikatsu
Takeda Shingen (seria „Słynni generałowie naszego kraju”)
Utagawa Kuniyoshi
Yamamoto Kansuke (Haruyuki) w bitwie pod Kawanakajima (seria „Odważni dowódcy prowincji Kai i Echigo – 24 dowódców klanu Takeda”)

Takeda Sama-no-suke Nobushige (seria „Stu odważnych generałów w bitwie pod Kawanakajima w prowincji Shinano”)

FUKEI-GA

Hokusai(1760 - 1849)
Wybitny drzeworytnik, według własnych wyznań pamiętnikowych, do 70 roku życia nie stworzył nic znaczącego i dopiero później zaczął się nieprzerwanie rozwijać. W ciągu swojego długiego życia posługiwał się co najmniej 30 pseudonimami, znacznie przewyższając pod tym względem innych autorów. Teraz te pseudonimy są uważane przez badaczy za periodyzację etapów pracy mistrza. W 1800 roku, w wieku 41 lat, zaczął nazywać siebie Gakejin Hokusai – „Hokusai z obsesją na punkcie malarstwa”.
Artysta zwrócił się ku różnym gatunkom drzeworytów: są wśród nich portrety aktorów, kartki okolicznościowe „surimono”, manga. Ale to w gatunku krajobrazu „fukei-ga” połączono wszystkie znaleziska mistrza. Klasyczny krajobraz Dalekiego Wschodu zignorowany prawdziwy wygląd obiekt, dążąc do ucieleśnienia naturalnych form idee filozoficzne istota, podczas gdy w Hokusai jest zawsze związana z określonym obszarem, którego cechy topograficzne są często określane za pomocą inskrypcji. Po raz pierwszy połączył też w harmonijną całość prawa perspektywicznej konstrukcji przestrzeni i linearnego rytmu ukiyo-e, widoków pejzażowych i codziennych motywów, aktywnie integrując ludzkie życie w jeden uniwersalny porządek.

Hokusai stworzył swój najsłynniejszy cykl prac w dojrzały okres twórczość od 1823 do 1831. Seria miała bezprecedensowy sukcesże wydawca Nishimura Yohachi wkrótce ogłosił plany rozszerzenia go do 100 druków. Jednak tylko 10 nowych dzieł ujrzało światło dzienne w latach 1831-32.
Na pierwszych 36 widokach święta góra Fuji jest przedstawiona od strony Edo, dlatego te ryciny nazywane są „omote Fuji” („Fuji od frontu”). Wbrew przyjętej tradycji oryginalne kontury prac zostały wydrukowane nie w czerni, ale w kolorze indygo, co potęguje kontrast zimnych i ciepłych tonów nieba, wody i kamienia górskiego. Kolejnych 10 rycin prezentowanych jest głównie od strony zachodniej, dlatego nazywa się je "ura Fuji" ("Fuji od tyłu").

Cicho, cicho czołgać się
Ślimak, w dół zbocza Fuji
Na wyżyny!
Kobayashi Issa

1. „Wielka fala z Kanagawy”

Hiroshige(1787 - 1858)
Ando Hiroshige jest najbardziej udanym zwolennikiem Hokusaia. Na znak szacunku dla pracy nauczyciela Hiroshige stworzył po jego śmierci tytułowy cykl „36 widoków góry Fuji”. Hiroshige aktywnie się poprawiał technika drzeworyty. Cechy charakterystyczne w jego rycinach zaczęto wykorzystywać tłoczenie i metodę gradacji tonów kolorów, „bokasi”, aby przekazać mgłę, zmierzch lub las za zasłoną deszczu.
Urodzony i spędzający większość życia w Edo, mistrz poświęcił prawie jedną piątą wszystkich arkuszy, które stworzył, widokom swojego rodzinnego miasta. Ostatnia seria prac nosiła tytuł „100 znanych poglądów na Edo” i została ukończona przez mistrza w czasie, gdy przeszedł już na emeryturę ze świata do buddyjskiego klasztoru w 1856 roku.
Hiroshige dużo podróżował po Japonii i stworzył kilka szkicowników z widokami prowincji.

Seria "53 Stacje Tokaido"
Tokaido czyli „Droga Morza Wschodniego” – jedna z głównych dróg Japonii o długości około 514 km łączyła stolicę szogunatu Edo z cesarskim miastem Kioto i dalej z Osaką. Żaden z tematów, z wyjątkiem Fuji, nie był tak popularny jak wizerunek tego starożytnego traktatu. Hiroshige pokonał go w 1832 roku w ramach uroczystej procesji zmierzającej do Kioto z darami dla cesarza. Seria składa się z 55 rycin, jak widoki Edo i Kioto zostały dodane do 53 stacji.

Przenośne palenisko.
A więc serce wędrówek i dla Ciebie
Nigdzie nie ma odpoczynku.
(Matsuo Basho)

Stacja 15 - Kambara

FUZOKU-GA
Fuzoku-ga („obrazy obyczajów i obyczajów”) w tradycji zachodniej jest zwykle nazywane gatunkiem codziennym. Ruchliwe mariny, tereny handlowe i rzemieślnicze przedstawiano o różnych porach dnia w różnych porach roku. Hiroshige poświęcił pierwsze 10 arkuszy swojej serii „36 widoków Fuji”, a także późniejszą serię „100 słynnych widoków Edo” widokom wschodniej stolicy i jej mieszkańców.

Z trzaskiem jedwabie rozdzierają się
W sklepie Echigoya...
Nadszedł czas letni!
(Takarai Kikaku)

Hiroshige „Wieczorny widok Saruwakacho” (seria „100 słynnych widoków Edo i okolic”)

Hiroshige „Dystrykt Suruga w Edo” (seria „36 widoków na górę Fuji”)

Hiroshige „Kwiat wiśni w Asukayama in Edo” (seria „36 widoków na górę Fuji”)

Hiroshige „Zimowy widok z Sukiyagashi w Edo” (seria „36 widoków na górę Fudżi”)

Pejzaże miejskie w rysunkach mistrzów ukiyo-e są dobitnie realistyczne, często jednak zawierają motywy mistycyzmu i ludowych wierzeń. Na przykład wizerunek ognistych lisów, które według legendy posiadają magię i służą bogini Shinto Inari, a także zbierają się w trzodę w sylwestra pod drzewem enoki.
Ando Hiroshige „Fox Lights” przy Iron Dressing Tree w Oji” (seria „100 słynnych widoków Edo i okolic”)

Jest też kilka humorystycznych historii. Hiroshige miał nawet osobny pseudonim dla takich arkuszy - „Hiroshige z zabawnym pędzlem”. Prace samego Hiroshige stały się przedmiotem ironii jego własnego ucznia Utagawa Hirokage. Jego cykl "Komiksowe widoki znanych miejsc w Edo" jest bezpośrednim nawiązaniem do serialu słynnego nauczyciela, z tą tylko różnicą, że mieszkańcy miast wpadają w różnego rodzaju kłopotliwe sytuacje, co wywołuje u widza śmiech.

YAKUSYA-E

Słowo „kabuki” składa się z trzech znaków „piosenka”, „taniec” i „umiejętność”, jest to jeden z rodzajów tradycyjnego teatru w Japonii, który jest złożoną syntezą śpiewu, muzyki, tańca i dramatu.
W przeciwieństwie do arystokratycznego teatru NO, kabuki jest uważane za sztukę dla mieszczan i zwyczajni ludzie. Teatr, w którym wszystko role kobiece wykonywany wyłącznie przez mężczyzn, został stworzony przez kobietę. Założycielem kabuki jest legendarny tancerz świątynny Izumo no Okuni, który jako pierwszy zaczął pokazywać tańce rytualne do akompaniamentu instrumenty muzyczne poza sanktuarium. W 1629 r. rząd trzeciego szogunatu Iemitsu zakazał wszelkich przedstawień z udziałem kobiet jako podważających moralne podstawy społeczeństwa.
W kabuki wszystkie elementy, począwszy od charakteryzacji aktorów, kostiumów, a skończywszy na pozach, niosą ze sobą duży ładunek semantyczny. Spektakl jest znacznie dłuższy niż europejskie produkcje: pojedyncze przedstawienia mogą trwać cały dzień! Scenografia przedstawień często zmienia się w trakcie aktu: zmieniają je pracownicy ubrani w czarne garnitury, czyli są „niewidzialni”.
Kabuki jest blisko związany z tradycyjnym lalkarskim bunraku. Lalki są wykonane w rozmiarach 1/2 i 2/3 wzrostu człowieka i są kontrolowane przez trzech operatorów. Prawie wszystkie części ciała lalki są bardzo ruchliwe, w tym głowa, w której oczy mrugają i poruszają się, poruszają się brwi i usta, wystaje język. Dwa najbardziej słynne sztuki Japoński teatr - "47 wiernych roninów" i "Yoshitsune i tysiąc gałęzi sakury" - zostały pierwotnie napisane na bunraku, a dopiero potem zaadaptowane na teatr kabuki.

Utagawa Kunisada
Sceny teatralne kabuki

Pojawienie się i rozwój ukiyo-e

Jeden z najbardziej znanych typów Sztuka japońska to druk zwany ukiyo-e (浮世絵). Dosłownie „ukiyo-e” jest tłumaczone jako „unoszący się świat”, co odsyła nas do filozofii buddyjskiej, w której słowo „ukiyo” oznaczało „świat śmiertelników”. Jednak wraz z nadejściem „zabawnych dzielnic” (domów publicznych) w erze Edo koncepcja ta została ponownie przemyślana i zaczęła oznaczać „świat ulotnych zjawisk”. Słowo „ukiyo-e” zostało po raz pierwszy wymienione przez pisarza Asai Ryoi w 1661 roku.

Styl ukiyo-e nawiązuje do drzeworytów, grafika drukowana na drewnie lub drukowane na papierze. Twórcą ukiyo-e jest malarz i grafik Hisikawa Moronobu (菱川師宣).

Poprzednikami ukiyo-e były ehon (絵本) – zbiory opowiadań z towarzyszącymi obrazami. Potem druki uzyskały niezależność i służyły jako plakaty do przedstawień teatru kabuki lub zwoje z powiedzeniami kakemono (掛け物) umieszczane w niszach tokonomy (床の間), rodzaj domowych kapliczek.

Malowidła ukiyo-e powstały pierwotnie pod koniec XVII wieku. Pierwsze ryciny były czarno-białe, ponieważ do ich tworzenia używano atramentu, a od XVIII wieku obrazy stawały się barwione, ponieważ mistrzowie zaczęli malować je cynobru ręcznie, za pomocą pędzla. Potem pojawiła się technika druku polichromowanego, zwana nishiki-e (錦絵) - "obrazy brokatowe".

Ryciny były bardzo tanie, ponieważ technika była dość prosta i pozwalała na wykonanie dużych „obiegów” i była przeznaczona dla dużych grup, głównie ludności miejskiej. I dopiero gdy Europejczycy zaczęli masowo kupować obrazy, Japończycy zdali sobie sprawę z pełnej wartości tych dzieł i musieli kupować obrazy wyprodukowane we własnym kraju od obcokrajowców. Dzięki temu, że odbitka może stworzyć ponad sto identycznych obrazów, to samo dzieło będzie można zobaczyć w kilku częściach globu i wszystkie będą oryginalne.

Ponieważ głównymi odbiorcami obrazów byli mieszczanie, wątki odbijały się typowy obraz Japońskie życie miejskie śliczne panie, codzienne sytuacje dnia codziennego, zapaśnicy sumo, aktorzy teatru kabuki, opowieści o legendach. Później zaczęto przedstawiać pejzaże i motyw wojskowy. W związku z tym obrazy ukiyo-e są nie tylko dziełami sztuki, ale także ważnymi źródła historyczne, z którego możemy się wiele dowiedzieć o życiu w okresie Edo.

Ryciny miały być podziwiane w pozycji poziomej, więc nie zawieszano ich na ścianie, chyba że jako emono. Z tego powodu niektóre prace mają swoją „tajemnicę”. Na przykład kimono bohatera może mieć wzór, który można zobaczyć tylko wtedy, gdy obraz leży poziomo lub patrząc na niego od dołu, jeśli wisi na ścianie.

Technika wykonania

Do stworzenia japońskiej grafiki potrzebne były trzy osoby: artysta, rzeźbiarz i drukarz. Jakość i piękno pracy zależało od wszystkich trzech mistrzów. Pierwszy naniósł tusz na prototyp obrazu na przezroczystym papierze, rzeźbiarz nakleił go na drewnianą deskę z wiśni, gruszy lub bukszpanu i wycinał obszary, które pozostały białe. Była to pierwsza drukowana forma, a rysunek został faktycznie zniszczony. Potem zrobiono kilka wrażeń różne kolory(każdy kolor czy ton ma swoją formę), a drukarz, po wcześniejszym ustaleniu z artystą kolorystyki, nałożył farbę na komplet form i wydrukował grawerunek na papierze ryżowym.

Główne gatunki

Bijin-ga(美人が) - obraz piękności. Jak sama nazwa wskazuje, główny temat obrazu tego gatunku były piękne kobiety. Najczęściej na rycinach można było zobaczyć mieszkańców wesołej dzielnicy Yoshiwara: gejsze, kurtyzany i po prostu słynne piękne kobiety. Typowa uroda tamtych czasów miała owalną twarz, zakrzywioną szyję i małe usta. Tematami, w których pojawiały się piękności były codzienne: ceremonia parzenia herbaty, toaleta, spacery, zabawy. W tym gatunku powstał styl okubi-e (お首絵) - "duże głowy", które przedstawiały zbliżenie głowy dziewczyny.

Mistrzowie: Suzuki Harunobu, Torii Kiyonaga, Kitagawa Utamaro.

Yakusha-e(役者絵) - portrety popularnych aktorów teatralnych. Artysta musiał przestrzegać pewnych ścisłych zasad na obrazie: na przykład skośne oczy, zebrane w kupę, oznaczały gniew; jeśli bohater ugryzł się w chusteczkę, świadczyło to o nieokiełznanej pasji, a włochatość odnosiła się do dzikości i zwierzęcego nieokiełznania. Ryciny Yakusha-e mają ciekawa funkcja: Na głowach bohaterów widać fioletową plamę. W rzeczywistości to miejsce oznaczało czapkę, symbolizującą mocno ogolone czoło, jak wszyscy mężczyźni Edo, którą nosili na głowie aktorzy przedstawiający kobiety (a, jak wiadomo, w kabuki wszystkie role, w tym kobiety, były przedstawiane przez mężczyzn) .

Mistrzowie: Torii Kiyonobu, Katsukawa Shunsho, Toshusai Syaraku, Utagawa Toyokuni.

Szunga(春画 "zdjęcia wiosenne") - ryciny erotyczne.

Przy słowie „ukiyo-e” po japońsku w głowie pojawia się przede wszystkim obraz z gatunku shunga, a potem wszystkie inne. Shunga to gatunek, który przedstawia bardzo wyraźne sceny intymne z przesadnymi szczegółami anatomicznymi, szokujące Europejczyków wychowanych w surowych chrześcijańskich obyczajach. Ale szok został zastąpiony popularnością - takich obrazów na Zachodzie nigdy nie mogło być, a obcokrajowcy kupowali je bardzo aktywnie.