Ma bardzo bogatą historię; jej tradycja jest rozległa, a wyjątkowa pozycja Japonii na świecie w dużej mierze wpływa na dominujące style i techniki japońskich artystów. Powszechnie znany fakt, że Japonia była od wieków dość izolowana, wynika nie tylko z geografii, ale także z dominującej japońskiej kulturowej skłonności do izolacji, która naznaczyła historię tego kraju. W ciągu wieków tego, co moglibyśmy nazwać „cywilizacją japońską”, kultura i sztuka rozwijały się oddzielnie od reszty świata. I jest to zauważalne nawet w praktyce malarstwa japońskiego. Na przykład obrazy Nihonga są jednym z podstawowych elementów japońskiej praktyki malarskiej. Opiera się na ponad tysiącletniej tradycji, a obrazy są zwykle tworzone pędzlami na twoim (papier japoński) lub egina (jedwab).
Jednak japońska sztuka i malarstwo pozostawały pod wpływem zagranicznych praktyk artystycznych. Po pierwsze, to sztuka chińska w XVI wieku oraz chińskie malarstwo i chińska tradycja artystyczna były szczególnie wpływowe na kilka sposobów. Od XVII wieku na malarstwo japońskie wpłynęły także tradycje zachodnie. Szczególnie w okresie przedwojennym, trwającym od 1868 do 1945 roku, malarstwo japońskie było pod wpływem impresjonizmu i europejskiego romantyzmu. W tym samym czasie nowe europejskie ruchy artystyczne były również pod wpływem japońskich technik artystycznych. W historii sztuki wpływ ten określany jest jako „japanizm” i jest szczególnie istotny dla impresjonistów, kubistów i artystów związanych z modernizmem.
Długą historię japońskiego malarstwa można postrzegać jako syntezę kilku tradycji, które tworzą elementy uznanej japońskiej estetyki. Przede wszystkim sztuka i metody malarstwa buddyjskiego, a także malarstwo religijne odcisnęły znaczące piętno na estetyce malarstwa japońskiego; Innym ważnym elementem rozpoznawanym w wielu słynnych obrazach japońskich jest malowanie pejzażami wodnymi w tradycji chińskiego malarstwa literackiego; malowanie zwierząt i roślin, zwłaszcza ptaków i kwiatów, to coś, co powszechnie kojarzy się z japońskimi kompozycjami, podobnie jak pejzaże i sceny z życia codziennego. Wreszcie starożytne idee dotyczące piękna z filozofii i kultury starożytnej Japonii miały wielki wpływ na malarstwo japońskie. Wabi, co oznacza przemijające i surowe piękno, sabi (piękno naturalnej patyny i starzenia) oraz yugen (głęboka gracja i subtelność) wciąż wpływają na ideały praktyki malarstwa japońskiego.
Na koniec, jeśli skupiamy się na wyborze dziesięciu najsłynniejszych japońskich arcydzieł, musimy wspomnieć o ukiyo-e, które jest jednym z najpopularniejszych gatunków sztuki w Japonii, mimo że należy do grafiki. Zdominowała sztukę japońską od XVII do XIX wieku, a artyści tego gatunku tworzyli drzeworyty i obrazy o tematyce takiej jak piękne dziewczyny, aktorzy kabuki i zapaśnicy sumo, a także sceny z historii i opowieści ludowe, sceny i pejzaże podróżnicze, flora i fauny, a nawet erotyki.
Zawsze trudno jest sporządzić listę najlepszych obrazów z tradycji artystycznych. Wiele niesamowitych dzieł zostanie wykluczonych; jednak na tej liście znajduje się dziesięć najbardziej rozpoznawalnych obrazów japońskich na świecie. W tym artykule zaprezentowane zostaną tylko obrazy powstałe od XIX wieku do współczesności.
Malarstwo japońskie ma niezwykle bogatą historię. Na przestrzeni wieków japońscy artyści opracowali wiele unikalnych technik i stylów, które są najcenniejszym wkładem Japonii w świat sztuki. Jedną z tych technik jest sumi-e. Sumi-e dosłownie oznacza „rysunek tuszem”, łącząc kaligrafię i malowanie tuszem, aby stworzyć rzadkie piękno kompozycji malowanych pędzlem. To piękno jest paradoksalne - starożytne, ale nowoczesne, proste, ale złożone, odważne, ale stonowane, niewątpliwie odzwierciedlające duchowe podstawy sztuki w buddyzmie zen. W VI wieku buddyjscy kapłani przywieźli do Japonii z Chin blok twardego atramentu i bambusowy pędzel, aw ciągu ostatnich 14 stuleci Japonia rozwinęła bogate dziedzictwo malarstwa atramentowego.
Przewiń w dół i zobacz 10 arcydzieł japońskiego malarstwa
1. Katsushika Hokusai „Sen żony rybaka”
Jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazów japońskich jest Sen żony rybaka. Został namalowany w 1814 roku przez słynnego artystę Hokusaia. Według ścisłych definicji tego niezwykłego dzieła Hokusaia nie można uznać za obraz, ponieważ jest to drzeworyt ukiyo-e z Young Pines (Kinoe no Komatsu), który jest trzytomową książką shunga. Kompozycja przedstawia młodą ama-nurkę splecioną seksualnie z parą ośmiornic. Ten obraz był bardzo wpływowy w XIX i XX wieku. Praca ta wpłynęła na późniejszych artystów, takich jak Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf i Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro pisze nostalgiczny wiersz, obserwując księżyc”
Tessai Tomioka to pseudonim znanego japońskiego artysty i kaligrafa. Uważany jest za ostatniego głównego artystę w tradycji Bunjing i jednego z pierwszych głównych artystów stylu Nihonga. Bunjinga była szkołą japońskiego malarstwa, która rozkwitła w późnym okresie Edo wśród artystów, którzy uważali się za literatów lub intelektualistów. Każdy z tych artystów, w tym Tessaia, wypracował własny styl i technikę, ale wszyscy byli wielkimi fanami chińskiej sztuki i kultury.
3. Fujishima Takeji „Wschód słońca nad Morzem Wschodnim”
Fujishima Takeji był japońskim artystą znanym z pracy nad rozwojem ruchu artystycznego romantyzmu i impresjonizmu w jodze (styl zachodni) przełomu XIX i XX wieku. W 1905 wyjechał do Francji, gdzie był pod wpływem ówczesnych ruchów francuskich, w szczególności impresjonizmu, co widać na jego obrazie z 1932 Wschód słońca nad Morzem Wschodnim.
4. Kitagawa Utamaro „Dziesięć typów kobiecych twarzy, zbiór dominujących piękności”
Kitagawa Utamaro był wybitnym japońskim artystą, który urodził się w 1753 roku i zmarł w 1806 roku. Najbardziej znany jest z serii zatytułowanej Dziesięć rodzajów kobiecych twarzy. Zbiór rządzących piękności, wielkich motywów miłosnych poezji klasycznej” (czasami nazywanych „Zakochanymi kobietami”, zawierający osobne ryciny „Naga miłość” i „Zamyślona miłość”). Jest jednym z najważniejszych artystów należących do gatunku drzeworytu ukiyo-e.
5. Kawanabe Kyosai „Tygrys”
Kawanabe Kyosai był jednym z najbardziej znanych japońskich artystów okresu Edo. Jego sztuka była pod wpływem Tohaku, XVI-wiecznego malarza Kano, który był jedynym malarzem swoich czasów, który malował ekrany w całości atramentem na delikatnym tle sproszkowanego złota. Chociaż Kyosai jest znany jako rysownik, stworzył jedne z najsłynniejszych obrazów w XIX-wiecznej japońskiej historii sztuki. „Tygrys” to jeden z tych obrazów, które Kyosai stworzył przy użyciu akwareli i tuszu.
6. Hiroshi Yoshida Fuji z jeziora Kawaguchi
Hiroshi Yoshida jest znany jako jedna z głównych postaci stylu shin-hanga (shin-hanga to ruch artystyczny w Japonii na początku XX wieku, w okresie Taisho i Showa, który wskrzesił tradycyjną sztukę ukiyo-e , który zakorzenił się w okresach Edo i Meiji (XVII - XIX wiek)). Był szkolony w tradycji zachodniego malarstwa olejnego, która została przyjęta w Japonii w okresie Meiji.
7. Takashi Murakami „727”
Takashi Murakami jest prawdopodobnie najpopularniejszym japońskim artystą naszych czasów. Jego prace sprzedają się po astronomicznych cenach na dużych aukcjach, a jego prace już teraz inspirują nowe pokolenia artystów nie tylko w Japonii, ale także poza nią. Sztuka Murakamiego obejmuje różne media i jest zwykle określana jako superpłaska. Jego twórczość znana jest z zastosowania koloru, wykorzystując motywy z japońskiej kultury tradycyjnej i popularnej. Treść jego obrazów jest często określana jako „urocza”, „psychodeliczna”, „satyryczna”.
8. Yayoi Kusama „Dynia”
Yaoi Kusama to także jeden z najbardziej znanych japońskich artystów. Pracuje w różnych mediach, w tym w malarstwie, kolażu, rzeźbie scat, sztuce performance, sztuce środowiskowej i instalacji, z których większość demonstruje jej tematyczne zainteresowanie psychodelicznym kolorem, powtórzeniem i wzorem. Jedną z najbardziej znanych serii tego wielkiego artysty jest seria Pumpkin. Na tle siatki widoczna jest zwykła tykwa w kropki w kolorze jasnożółtym. Wszystkie te elementy razem tworzą wizualny język, który jest nie do pomylenia ze stylem artysty i był rozwijany i udoskonalany przez dziesięciolecia żmudnego tworzenia i reprodukcji.
9. Tenmyoya Hisashi „Japoński duch nr 14”
Tenmyoya Hisashi to współczesny japoński artysta znany z malarstwa neo-nihonga. Uczestniczył w odrodzeniu dawnej tradycji malarstwa japońskiego, będącego dokładnym przeciwieństwem współczesnego malarstwa japońskiego. W 2000 roku stworzył również swój nowy styl, butouha, który poprzez swoje obrazy demonstruje niezłomny stosunek do autorytatywnego systemu sztuki. „Japoński Duch nr 14” powstał w ramach schematu artystycznego „BASARA”, interpretowanego w kulturze japońskiej jako buntownicze zachowanie niższej arystokracji w okresie Królestw Walczących, mające na celu pozbawienie władzy możliwości osiągnięcia ideału styl życia poprzez ubieranie się w bujne i luksusowe ubrania oraz swobodne działanie, które nie odpowiadało ich klasie społecznej.
10. Katsushika Hokusai „Wielka fala z Kanagawy”
Wreszcie Wielka Fala z Kanagawy jest prawdopodobnie najbardziej rozpoznawalnym japońskim obrazem, jaki kiedykolwiek namalowano. To właściwie najsłynniejsze dzieło sztuki stworzone w Japonii. Przedstawia ogromne fale zagrażające łodziom u wybrzeży prefektury Kanagawa. Choć czasami mylona z tsunami, fala, jak sugeruje nazwa obrazu, najprawdopodobniej ma po prostu anomalnie wysoką wysokość. Obraz wykonany w tradycji ukiyo-e.
Od: , 18346 wyświetleń
Swoje obrazy tworzył w okresie Taise (1912-26) i wczesnej Showa. Urodził się w 1891 roku
rok w Tokio był synem dziennikarza Kishidy Ginko. W 1908 ukończył szkołę w wieku
W wieku 15 lat został chrześcijaninem i poświęcił się działalności kościelnej, potem Kishida
Ryūsei studiował zachodnie style sztuki w studiu Hakubakai pod kierunkiem
Seiki Kuroda (1866-1924), który był jednym z założycieli Akademii Sztuk Pięknych w Japonii.
Już w 1910 roku młody artysta zaczął wystawiać swoje prace na corocznym
Wystawa Państwowa Banten. Jego wczesne prace, zwłaszcza pejzaże, były malowane
mocno zainspirowany stylem jego nauczyciela Kurody Seiki.
Portret Reiko
Później artysta poznał i zaprzyjaźnił się z Musanoką Saneatsu (Mushanokoji Saneatsu),
który przedstawił artystę społeczeństwu Sirakaba (Biała Brzoza) i zapoznał go z Europejczykami
Fowizm i kubizm. Powstanie Kishidy Ryūsei jako artysty nastąpiło w pierwszym
dekada XX wieku, kiedy wielu młodych japońskich artystów wyjechało na studia
malowanie za granicą, przede wszystkim do Paryża. Kishida Ryūsei nigdy nie był w Europie i
nie studiował u europejskich mistrzów, ale wpływ na niego europejskiego postimpresjonizmu
był ogromny, zwłaszcza dzieło Van Gogha i Cezanne'a. Od końca 1911 do początku
1912 zainspirowała go twórczość współczesnych artystów francuskich, z których pracami
Poznał w magazynie Shirakaba i poprzez książki ilustrowane. Jego wczesna praca jest wyraźnie
stworzony pod wpływem Henri Matisse'a i Fowistów.
Autoportret w kapeluszu, 1912
styl: fowizm
W 1912 roku, w wieku 21 lat, Kishida Ryūsei zadebiutował jako
profesjonalny artysta, jego pierwsza indywidualna wystawa miała miejsce w
Galeria Sztuki Rokando. W tym samym roku artysta zorganizował
Fyizankai Art Circle do nauki i promocji
postimpresjonizm.
Ogród Prezesa Południowomandżurskiej Spółki Kolejowej 1929
Wkrótce po dwóch wystawach krąg rozpadł się na skutek konfliktów wewnętrznych.
Od około 1914 artysta porzucił swój wczesny styl fowizmu. W 1915
roku Kishida Reisai stworzył grupę Shodosa, w której jego główny towarzysz, student
a naśladowcą był artysta Michisai Kono.
Ścieżka wczesnym latem 1917
styl: joga-ka
Od tego czasu wypracował własny, niepowtarzalny styl wielkiego mistrza, po japońsku
w języku nazywa się to „shajitsu” lub „shasei”, zwykle tłumaczone na rosyjski jako realizm.
Artysta upraszcza formy, odnajduje niepowtarzalny kolor, wszystko to wywodzi się ze sztuki
Cezanne'a. Wprawdzie Kishida Reisai wysoko cenił sztukę Francji, ale w późniejszym okresie on
uważana za sztukę orientalną znacznie lepszą od sztuki zachodniej.
Droga przecięta wzgórzem, 1915
styl: joga-ka
Portret Bernarda Leacha, 1913
styl: fowizm
Autoportret, 1915,
styl: joga-ka
Autoportret, 1913,
styl: joga-ka
Autoportret, 1917,
styl: joga-ka
Portret mężczyzny
styl: joga-ka
Od około 1917 artysta przeniósł się do Kugenuma Fujisawa w rejonie Kanagawa. Zaczął
studiować style i techniki północnoeuropejskich artystów renesansowych, takich jak
Dürera i Van Dycka. W tym okresie namalował swoją słynną serię obrazów córki Reiko,
które łączą niemal fotograficzny realizm z surrealizmem
elementy dekoracyjne. Na początku lat dwudziestych Kishida Ryūsei zainteresował się
elementy sztuki orientalnej, w szczególności do chińskiego malarstwa „Pieśni” i
"Dynastia Yuan".
„Portret Sanady Hisakichi”
Podczas wielkiego trzęsienia ziemi w Kanto w 1923 roku dom artysty w Kugenum był
zniszczony, Kishida Ryūsei przeniósł się na krótki okres do Kioto, po czym w lutym
1926 powrócił do życia w Kamakura. W latach 20. artysta malował liczne
artykuły dotyczące estetyki i historii malarstwa japońskiego.
Filiżanka do herbaty i trzy zielone jabłka, 1917
styl: sezannizm
Martwa natura, 1918,
styl: sezannizm
Dwa czerwone jabłka, filiżanka, miseczka i butelka, 1918
styl: sezannizm
W 1929 roku, z pomocą kolei południowomandżurskiej, Kishida Ryūsei dokonał
jedyna zagraniczna podróż w moim życiu, odwiedzając Dalian, Harbin i Fengtian
w Mandżurii. W drodze powrotnej do domu zatrzymał się w dzielnicy Tokuyama
Yamaguchi, gdzie nagle zmarł z powodu ostrego samozatrucia organizmu. Kishida Ryusei
tworzył portrety, pejzaże i martwe natury aż do swojej przedwczesnej śmierci w wieku
38 lat. Grób artysty znajduje się na cmentarzu Tama Reien w Tokio. Po śmierci
Kishida Ryūsei do dwóch swoich obrazów Japanese Government Agency for Cultural Affairs
uhonorowany tytułem „Narodowego Dóbr Kultury”. W grudniu 2000 r. jeden z
jego portret córki Reiko z chusteczką na ramionach został sprzedany za 360 milionów jenów, co
stała się najwyższą ceną na aukcjach malarstwa japońskiego.
Ukształtowanie się ceremonii parzenia herbaty (chanoyu) jako jednego z największych fenomenów kultury japońskiej miało miejsce w bardzo trudnym, niespokojnym dla tego kraju czasie, kiedy krwawe, krwawe wojny i konflikty pomiędzy feudalnymi klanami czyniły życie ludzi nie do zniesienia. Ceremonia herbaty powstała pod wpływem estetyki i filozofii buddyzmu zen i miała na celu przeciwstawienie się nastrojowi beznadziejności kultem Piękna.
W tamtych czasach władcy klasy wojskowej i zamożni kupcy, zbierający się na dyskusje polityczne i handlowe, często korzystali z okazji, by serwować herbatę. Uznano za wyrafinowaną przyjemność siedzieć spokojnie w cichej herbaciarni, z dala od trosk i zmartwień życia, i słuchać odgłosów gotującej się wody na piecyku. Wielki nauczyciel Sen-no-Rikyu uczynił z picia herbaty sztukę. Był w stanie rozwinąć sztukę ceremonii parzenia herbaty, tak jak to robił, częściowo ze względu na wcześniej wspomniane pochodzenie społeczne, które istniało.
Herbaciarnia zbudowana przez Sen no Rikyu na pierwszy rzut oka wydawała się bardzo prosta, a nawet za mała. Ale została ona zaplanowana w najstaranniejszy sposób, z doskonałą czytelnością, aż do najdrobniejszego szczegółu. Została ozdobiona przesuwanymi drzwiami pokrytymi śnieżnobiałym półprzezroczystym japońskim papierem. Sufit wykończono bambusem lub strzechą, a wysoko ceniono otwartą fakturę ścian. Podpory były w większości drewniane, z zachowaniem naturalnej kory. Aby stworzyć efekt pustelni w wystroju herbaciarni, odrzucono wszelkie bezużyteczne dekoracje i nadmierne dekoracje.
Dziś ceremonia parzenia herbaty jest najbardziej oryginalną, niepowtarzalną sztuką. Od kilku stuleci odgrywa ważną rolę w życiu duchowym i społecznym Japończyków. Z biegiem czasu kanonizowano rytuał ceremonii parzenia herbaty, podano sekwencję działań i zachowań. Po wejściu do prostych drewnianych bram goście zanurzyli się w wyjątkowy świat, pozostawiając za sobą wszystko co przyziemne i w cichej koncentracji przestrzegając tylko praw działania.
Klasyczne chanoyu to ściśle zaplanowany rytuał, w którym uczestniczy mistrz herbaty (osoba, która warzy i nalewa herbatę) oraz pozostali uczestnicy ceremonii. W zasadzie mistrzem herbaty jest ksiądz, który wykonuje akt herbaty, reszta to ci, którzy do niego dołączają. Każdy ma swój specyficzny styl zachowania, w tym zarówno postawę podczas siedzenia, jak i każdy ruch, aż po wyraz twarzy i sposób mówienia.
Podczas picia herbaty wygłaszane są mądre przemówienia, czytane są wiersze, rozważane są dzieła sztuki. Bukiety kwiatów i specjalne przybory do warzenia napoju dobierane są ze szczególną starannością na każdą okazję.
Sama atmosfera tworzy odpowiedni nastrój, który jest zaskakująco prosty i skromny: miedziany czajniczek, filiżanki, bambusowe mieszadełko, pojemnik na herbatę itp. Japończycy nie lubią jasnych, błyszczących przedmiotów, imponuje im nuda. Pisze o tym D. Tanizaki: „Europejczycy używają zastawy stołowej ze srebra, stali lub niklu, polerują ją na olśniewający połysk, ale nie możemy znieść takiego połysku. Używamy również srebrnych przedmiotów... ale nigdy nie polerujemy ich na połysk. Wręcz przeciwnie, cieszymy się, gdy ten blask schodzi z powierzchni przedmiotów, gdy nabierają przepisanej patyny, gdy z czasem ciemnieją... Kochamy rzeczy, które noszą ślady ludzkiego ciała, sadzy olejowej, wietrzenia i opuchlizny deszczowej. Wszystkie elementy ceremonii parzenia herbaty noszą ślad czasu, ale wszystkie są nieskazitelnie czyste. Zmierzch, cisza, najprostszy czajniczek, drewniana łyżka do nalewania herbaty, chropowata ceramiczna filiżanka – to wszystko fascynuje obecnych.
Najważniejszym elementem we wnętrzu herbaciarni jest nisza - tokonoma. Zwykle zawiera zwój z napisem malarskim lub kaligraficznym oraz bukiet kwiatów, kadzielnicę z kadzidłem. Tokonoma znajduje się naprzeciwko wejścia i od razu przyciąga uwagę gości. Zwój tokonamy dobierany jest z wielką starannością i jest nieodzownym tematem dyskusji podczas ceremonii. Jest napisany w buddyjskim stylu Zen i z tak archaiczną kaligrafią, że niewielu potrafi zrozumieć i zrozumieć znaczenie tego, co jest napisane, na przykład: „Bambus jest zielony, a kwiaty są czerwone”, „Rzeczy są rzeczami i to jest piękne”. !" lub „Woda to woda”. Obecnym wyjaśniono znaczenie tych słów, pozornie proste, ale jednocześnie bardzo głębokie filozoficznie. Czasami myśli te wyrażane są w poetyckiej formie haiku, czasami znajdują odzwierciedlenie w malarstwie starego mistrza, z reguły zgodnie z zasadą „wabi”.
W Japonii istnieje wiele form ceremonii parzenia herbaty, ale tylko kilka jest ściśle określonych: wieczorna herbata, wschodu słońca, poranna herbata, popołudniowa herbata, wieczorna herbata, specjalna herbata.
Nocna herbata zaczyna się od księżyca. Goście przyjeżdżają około wpół do jedenastej i wychodzą około czwartej rano. Zwykle parzy się herbatę w proszku, którą przygotowuje się na oczach gości: liście są uwalniane z żyłek i mielone w moździerzu na proszek. Ta herbata jest bardzo mocna, nie podaje się jej na pusty żołądek. Dlatego na początku goście są raczeni nieco innym jedzeniem. Herbatę pije się o wschodzie słońca około trzeciej lub czwartej rano. Goście zostają w tym samym czasie do godziny szóstej. Poranna herbata jest praktykowana w czasie upałów, goście zbierają się o szóstej rano. Podwieczorek jest zwykle podawany z ciastami około godziny 13:00. Wieczorna herbata zaczyna się około 18:00. Na specjalne okazje organizowane są specjalne przyjęcia herbaciane (rinjitya-noyu): spotkanie z przyjaciółmi, święta, zmiana pór roku itp.
Według Japończyków ceremonia parzenia herbaty przynosi prostotę, naturalność, schludność. To oczywiście prawda, ale ceremonia parzenia herbaty to coś więcej. Wprowadzając ludzi w ugruntowany rytuał, przyzwyczaja ich do ścisłego ładu i bezwarunkowego wypełniania reguł społecznych. Ceremonia parzenia herbaty jest jednym z najważniejszych fundamentów kultywowania uczuć narodowych.
Malarstwo japońskie jest jednym z najpiękniejszych na świecie.
Malarstwo japońskie to jeden z najstarszych i najbardziej niesamowitych rodzajów twórczości. Jak każda inna ma swoją długą historię, którą można podzielić na kilka okresów ze względu na techniki i cechy. Wspólna dla wszystkich epok jest przyroda, której główne miejsce w obrazach przyznano. Na drugim miejscu pod względem popularności w sztukach pięknych Japonii znajdują się rodzime sceny z życia.
Yamato
Yamato(VI-VII wiek) - pierwszy okres sztuki japońskiej, który położył podwaliny pod pisanie. Impulsem do rozwoju sztuki były osiągnięcia Chin w dziedzinie religii i pisma. Japonia rzuciła się na swój poziom, dokonując zmian w swojej strukturze i budując wszystko na podobieństwo Chin. W celu rozwoju malarstwa do Japonii sprowadzono ogromną liczbę dzieł chińskich mistrzów, co zainspirowało Japończyków, którzy śmiało rzucili się do tworzenia podobnych obrazów.
Malowanie w grobowcu Takamatsuzuka
Okres ten składa się z dwóch okresów potomnych:
- Kofun- okres sztuki japońskiej, zajmujący pierwszą połowę Yamato. Nazwa okresu jest tłumaczona jako „okres kurhanów”. W tamtych czasach kopce rzeczywiście odgrywały dużą rolę, tworząc je wszędzie.
- Asuka- druga część ery Yamato. Okres ten został nazwany od działającego w tamtych latach politycznego centrum kraju. Wiąże się to z nadejściem buddyzmu do Japonii, aw przyszłości z aktywnym rozwojem wszystkich obszarów kulturowych.
Nara
Buddyzm pochodzący z Chin aktywnie rozprzestrzeniał się w Japonii, co przyczyniło się do pojawienia się w sztuce motywów religijnych. Japońscy artyści, porwani tym tematem, malowali ściany świątyń, które tworzyły wpływowe osobistości. Do dziś w świątyni Horyu-ji zachowały się malowidła ścienne z tego czasu.
Azuchi-Momoyama
Ten okres jest dokładnym przeciwieństwem swojego poprzednika. Z prac znika mrok i monochromia, zastępując je jaskrawymi kolorami i wykorzystaniem w obrazach złota i srebra.
Cyprys. Ekran. Kano Eitoku.
Meiji
W XIX wieku rozpoczął się podział malarstwa japońskiego na style tradycyjne i europejskie, które ostro ze sobą konkurowały. W tym okresie w Japonii wybuchły ogromne zmiany polityczne. Wpływ Europy w tamtych latach dotknął prawie każdy zakątek planety, wprowadzając swoje własne cechy do każdego państwa. Europejski styl w sztuce był aktywnie wspierany przez władze, odrzucając dawne tradycje. Ale wkrótce podekscytowanie wokół malarstwa zachodniego szybko opadło i gwałtownie powróciło zainteresowanie sztuką tradycyjną.
Rozwój malarstwa japońskiego aktualizacja: 15 września 2017 r. przez: Cicha sympatia
Japonia to bardzo ciekawe państwo, znane z różnorodnych tradycji i obyczajów. Położenie geograficzne Kraju Kwitnącej Wiśni sprawiło, że był on nieco odizolowany od innych państw, dzięki czemu rozwijał się bez względu na kraje europejskie. Kultura Japonii jest niezwykle bogata i różnorodna. Pod wpływem ważnych historycznie wydarzeń ukształtowały się osobliwe tradycje japońskie. Stopniowo Japonia przekształciła się w potężne, spójne państwo o charakterystycznych cechach i pewnej mentalności ludności.
Główne aspekty kultury japońskiej
Kultura kraju przejawia się w wielu sferach społeczeństwa. W Japonii jego aspekty to;
Proces picia herbaty dla Japończyków to nie zwykłe zaspokojenie fizjologicznych potrzeb organizmu, ale prawdziwy kult. Ceremonii parzenia herbaty w Japonii towarzyszą szczególne atrybuty i zawiera wiele tradycji. Wydaje się, że takie pełne szacunku podejście do codziennego procesu wzięło swój rozwój z medytacji mnichów buddyjskich. To oni wnieśli tyle znaczenia do procesu picia herbaty.
Dla Europejczyków pojęcie „kimona” charakteryzuje narodową odzież Japonii. Jednak w samej Krainie Wschodzącego Słońca istnieją dwa znaczenia tego słowa - w znaczeniu wąskim i szerokim. Słowo „kimono” w Japonii odnosi się nie tylko do stroju narodowego, ale także do całej odzieży. Pod kimonem z reguły nosi się specjalną szatę i siedem pasków. Kimono noszone latem nazywa się yukata. W zależności od wieku kobiety model stroju może się również różnić.
W Japonii z powodzeniem głoszone są jednocześnie dwa ruchy religijne - szintoizm i buddyzm. Szintoizm pojawił się w starożytnej Japonii, opiera się na kulcie różnych stworzeń. Z kolei buddyzm dzieli się na kilka odmian. W Japonii jest wiele szkół promujących ten czy inny nurt buddyzmu.
Ogrody skalne mają szczególne znaczenie w kulturze Japonii. Są nie tylko dziełem architektonicznym, które przyciąga uwagę turystów, ale także miejscem duchowego rozwoju. Tutaj Japończycy odnajdują oświecenie z kontemplacji kamiennych konstrukcji umieszczonych w specjalnym porządku. Ogrody skalne zawierają konkretny plan, który może rozwikłać tylko osoba oświecona.
Tango no sekku to święto ku czci chłopców. Dedykowany jest nie tylko wszystkim małym przedstawicielom płci męskiej, ale także męskości i sile całego narodu japońskiego. Święto obchodzone jest zwykle na wiosnę, kiedy przyroda budzi się i cieszy swoim pięknem. W dniu tango no sekku chłopcami opiekują się rodzice. Ojciec musi opowiedzieć synowi o wszystkich japońskich wojownikach i ich wyczynach. A jego matka zastawia dla niego stół pysznym jedzeniem.
Kwitnienie wiśni uważane jest za najpiękniejsze zjawisko naturalne. Wielu turystów przyjeżdża tu tylko po to, by cieszyć się kontemplacją kwitnącej rośliny. Wiosną w parkach Japonii można zaobserwować duży tłum ludzi. Wiele rodzin wybiera się na pikniki i ogląda piękno japońskiej wiśni.
Łuki można przypisać osobliwym tradycjom kraju. Reprezentują zasady dobrych obyczajów. Japończycy nie mają zwyczaju żegnać się, zamiast tego kłaniają się tyle razy, co rozmówca.
Samuraje reprezentują pewną klasę społeczeństwa, która rozwinęła się pod wpływem tradycji i zwyczajów. Ma bezpośredni związek z kulturą kraju. Samuraje to wojownicy, którzy pełnią określoną służbę, która może być zarówno wojskiem, ochroną, jak i gospodarstwem domowym. W każdym z tych przypadków samuraje uosabiają odwagę, męskość i szlachetność Japończyków.
Proces kształtowania się kultury starożytnej Japonii
Wraz z narodzinami języka i pisma japońskiego zaczęła się rozwijać kultura starożytnej Japonii. Kraj wschodzącego słońca zapożyczył do tego podstawę z Chin. Pismo japońskie zawiera również hieroglify, których cudzoziemiec nie będzie w stanie zrozumieć. Z biegiem czasu do języka japońskiego zaczęto dodawać nowe słowa, dźwięki i frazy. Tak więc całkowicie się zmienił, ale nadal istnieją wspólne cechy z Chinami.
Religijność kraju również wywodzi się z czasów starożytnych. Szintoizm był konsekwencją rozwoju różnych mitologii. W tej chwili nauczanie to promuje kult przywódców i zmarłych. Z drugiej strony buddyzm ma tak głębokie korzenie, że opinie naukowców i historyków na temat powstania tego typu religii są bardzo zróżnicowane.
Sztuka japońska
Prawie wszystkie rodzaje sztuki praktykowane w Japonii niosą ze sobą jedną główną ideę - spokój i relaks. To właśnie harmonia człowieka z samym sobą zawiera w sobie sztukę, niezależnie od sposobu przedstawienia informacji. Wiele form sztuki znanych na całym świecie rozpoczęło swój rozwój w Japonii. Wśród nich można wyróżnić origami - możliwość składania różnych kształtów z papieru.
Ikebana stała się kolejną popularną częścią sztuki japońskiej. To umiejętność tworzenia bukietów z kwiatów za pomocą specjalnej technologii. Stąd pochodzi równie popularna aktywność, która nazywa się bonsai. To tworzenie różnorodnych kompozycji z drzew karłowatych. W Omiyi, niedaleko Tokio, znajduje się cały park Bonsai. Każde drzewo karłowate prezentowane tutaj jest wyjątkowe i piękne na swój sposób.
Obrazy z Japonii będą zasługiwały na szczególne znaczenie, ponieważ każdy obraz ma ukryte znaczenie. Z reguły stosuje się jasne kolory, kontrastujące przejścia i wyraźne linie. Japonia ma też sztukę kaligrafii. Jest to umiejętność estetycznie pięknego pisania hieroglifów. Sztuka użytkowa jest również szeroko rozpowszechniona w Japonii. W Tokio jest całe muzeum poświęcone temu rzemiosłu. Tutaj możesz zobaczyć produkty wykonane z papieru, szkła lub metalu. A to nie jest pełna lista materiałów wykorzystywanych do tego celu.
Na szczególną uwagę zasługuje również japoński styl aranżacji wnętrz. To funkcjonalność i prostota w połączeniu z oryginalnością wykonania. Ponadto wystrój wnętrz niesie ze sobą filozofię religijną, jak każda inna forma sztuki japońskiej.
japońska architektura
Struktury architektoniczne w Japonii są w taki czy inny sposób związane z religią. Budynki świątynne początkowo były najczęściej pozbawione kwiatów. Wynikało to z zastosowania w budownictwie niemalowanego drewna. Później zaczęli używać odcieni czerwieni i błękitu.
Za główny materiał do budowy budynków architektonicznych w Japonii uważa się drewno. Wynika to z faktu, że zasoby tego surowca w kraju są dość duże. Oprócz tego, że drzewo dobrze przewodzi ciepło i chłonie wilgoć, sprawdza się również podczas trzęsień ziemi, które dość często zdarzają się w Japonii. Jeśli kamienny dom jest bardzo trudny do odtworzenia po zniszczeniu, to drewniany jest znacznie łatwiejszy.
Główną cechą architektury Japonii jest obecność nawet geometrycznych kształtów. Najczęściej są to trójkąty i prostokąty. Gładkość i okrągłość linii w jakiejkolwiek strukturze jest prawie niemożliwa. Główną zasadą, na której opierają się Japończycy wyposażają swoje domy, jest nierozłączne istnienie wnętrza domu i zewnętrza. Dotyczy to ogrodów japońskich. Powinny być udekorowane dokładnie w tym samym stylu, co sam dom. W przeciwnym razie jest uważany za zły smak i całkowicie zły smak. Japończycy zwracają szczególną uwagę na swoje ogrody.
japońska muzyka
Jeśli chodzi o rozwój muzyczny, Japonia spojrzała na inne kraje, używając dowolnych instrumentów muzycznych. Ale później zmodernizowała je pod wpływem lokalnych gustów i tradycji. Pierwszy wpływ na kształtowanie się muzyki klasycznej w Japonii miał lokalny folklor Dengaku, zmieszany z wpływami zagranicznymi i dający początek muzyce, która jest obecnie znana Japonii.
Religijna strona zagadnienia również przyczyniła się do powstania muzycznego. Dzięki chrześcijaństwu zaczęła się szerzyć gra na organach. A buddyzm promował grę na flecie.
Obecnie w Japonii popularność zyskała muzyka klasyczna. Wielu członków tej komórki kreatywności podróżuje poza Japonię. Należą do nich Goto Midori, Ozawa Seiji i Uchida Mitsuko. Stosunkowo niedawno w Japonii otwarto sale przeznaczone do wygodnego słuchania muzyki klasycznej. Należą do nich Kiyo Hall, Osaka Symphony Hall, Orchard itp.
Tradycje domowe Japonii
Japończycy to lud dobrze wychowany, przestrzegający swoich tradycji i obyczajów. Szacunek dla siebie i innych w Japonii jest uważany za normę. Od dzieciństwa dzieci uczą się norm dobrych manier, wyjaśniają im podstawowe wartości Japończyków i oświecają ich w każdy możliwy sposób. A to wszystko dla dobra społeczeństwa. Każdy turysta, który przyjeżdża do krainy wschodzącego słońca z innego kraju, jest zaskoczony, jak przyjaźni, przyjaźni i kulturalni są Japończycy.
W przeciwieństwie do krajów europejskich, w Japonii od dawna obowiązuje zakaz palenia w miejscach publicznych. Dotyczy to również własności prywatnej. Palenie w pobliżu innych osób jest dozwolone tylko za ich zgodą.
Między innymi Japończycy ściśle przestrzegają wszystkich zasad higieny, które dyktuje im społeczeństwo. Na przykład w każdym pomieszczeniu, w tym w budynkach sakralnych, znajdują się specjalne dywaniki ze słomy. Nie można po nich chodzić w butach, są uważane nie tylko za ozdobę wnętrza, ale także za prawdziwe świętokradztwo. Również Japończycy postanowili uchronić się przed ewentualnymi bakteriami, które przynoszą na nogach z toalety. W każdym miejscu publicznym oraz w mieszkaniach znajdują się specjalne kapcie do toalety, które nie pozwalają na przenoszenie szkodliwych zarazków do innych pomieszczeń.
Jedzenie dla Japończyków nie jest uważane za proces życia, ale za prawdziwy kult. Japończycy przed jedzeniem zawsze wycierają ręce specjalnym ręcznikiem nasączonym wodą, czyli oshibori. Nakrycie stołu nie odbywa się losowo, ale według specjalnego schematu. Nawet każde urządzenie ma swoje miejsce. Japończycy dzielą je na mężczyzn i kobiety, co jest dla nich bardzo ważne. Łyżki w Japonii służą tylko do jedzenia zupy o-zone, która jest przygotowywana na Nowy Rok, Japończycy wolą pić inne pierwsze dania wyłącznie ze specjalnych misek. Co więcej, mlaskanie podczas posiłku nie jest uważane za złą formę. Uważa się, że w ten sposób lepiej ujawnia się smak potrawy.
O znaczeniu dobrej formy w Japonii świadczy obecność następujących zasad:
- Konieczne jest wcześniejsze omówienie miejsca i godziny spotkania. Spóźnienie się w Japonii jest uważane za bezczelne i wykraczające poza granice przyzwoitości.
- Nie możesz przerwać rozmówcy, musisz cierpliwie czekać, aż osoba się odezwie, a następnie zacząć wyrażać swoją opinię.
- Jeśli zadzwonisz pod zły numer, musisz przeprosić.
- Jeśli ktoś przyszedł ci z pomocą, zdecydowanie musisz mu podziękować.
- Niektórych gości Japończyków można uznać za honorowych. Dla nich przydzielają nawet specjalne miejsce przy stole, które z reguły jest najbardziej ekstremalne od wejścia do pokoju.
- Wręczając prezent Japończykom, należy przeprosić za pokorę pomimo tego, czym jest. Takie są zasady, nie powinieneś ich łamać.
- Siedząc przy stole, mężczyźni mogą skrzyżować nogi, podczas gdy kobietom jest to surowo zabronione. Nogi powinny być podwinięte i skierowane w jednym kierunku.
Tradycje z życia Japonii obejmują również kult osób starszych. Nie ma znaczenia zawód, zarobki, wygląd czy cechy charakteru danej osoby, jeśli jest starszy, należy go traktować z szacunkiem. Starość w Japonii budzi szacunek i dumę. Oznacza to, że dana osoba przeszła długą drogę i teraz zasługuje na wyróżnienie.
Pomóż stronie: Kliknij przyciski
