Przesłanie na temat sztuki i władzy. Sztuka współczesna jako instrument oddziaływania na politykę Federacji Rosyjskiej. Relacja władzy i sztuki w naszym kraju

Temat: „Oddziaływanie na siłę sztuki. Sztuka i władza”.

W rozwoju kultury ludzkiej nieustannie śledzi się ciekawy wzór. Sztuka, jako przejaw wolnych, twórczych sił człowieka, lot jego wyobraźni i ducha, była często wykorzystywana do wzmacniania władzy, zarówno świeckiej, jak i religijnej.

Dzięki dziełom sztuki władza wzmacniała swoją władzę, a miasta i państwa utrzymywały prestiż. Sztuka ucieleśniała w widzialnych obrazach idee religii, gloryfikowała i uwieczniała bohaterów. Rzeźbiarze, artyści, muzycy w różnych czasach tworzyli wyidealizowane majestatyczne obrazy władców-przywódców. Otrzymali niezwykłe przymioty, szczególne bohaterstwo i mądrość, co oczywiście wzbudziło szacunek i podziw w sercach zwykłych ludzi. W obrazach tych wyraźnie widać tradycje wywodzące się z czasów starożytnych - kult bożków, bóstw, które budziły podziw nie tylko u każdego, kto się do nich zbliżał, ale także patrzących z daleka. Waleczność wojowników i dowódców utrwalają dzieła sztuki monumentalnej. Dla upamiętnienia odniesionych zwycięstw wznoszone są pomniki konne, łuki triumfalne i kolumny.

Pobierać:

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji utwórz konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Siła sztuki. Sztuka i władza. Lekcja nr 1 Klasa plastyczna 9 Nauczyciel plastyki Somko E.V.

Sztuka, jako przejaw wolnych, twórczych sił człowieka, lot jego wyobraźni i ducha, była często wykorzystywana do wzmacniania władzy, zarówno świeckiej, jak i religijnej.

„Jeździec z brązu” Posąg konny Piotra wykonał rzeźbiarz E. Falcone w latach 1768-1770.

Dzięki dziełom sztuki władza wzmacniała swoją władzę, a miasta i państwa utrzymywały prestiż. Sztuka ucieleśniała w widzialnych obrazach idee religii, gloryfikowała i uwieczniała bohaterów. „Napoleon na przełęczy św. Bernarda”

Waleczność wojowników i dowódców utrwalają dzieła sztuki monumentalnej. Dla upamiętnienia odniesionych zwycięstw wznoszone są pomniki konne, łuki triumfalne i kolumny. Łuk Triumfalny Konstantyna, Rzym, Włochy.

Dekretem Napoleona I, który chciał uwiecznić chwałę swojej armii, w Paryżu zbudowano Bramę Triumfalną. Na ścianach łuku wyryte są nazwiska generałów, którzy walczyli u boku cesarza. Francja, Paryż, Łuk Triumfalny

W 1814 roku w Rosji na uroczyste spotkanie rosyjskiej armii wyzwolicieli, powracającej z Europy po zwycięstwie nad Napoleonem, w pobliżu Twerskiej Zastawy zbudowano drewnianą Bramę Triumfalną. Łuk stał przez ponad 100 lat w centrum Moskwy, a w 1936 roku został zburzony. Dopiero w latach 60. XX wiek Łuk triumfalny odtworzono na Placu Zwycięstwa, niedaleko Połonnej Góry, w miejscu wkroczenia wojsk Napoleona do miasta.

Łuk Triumfalny Aleksandra. Nazywana jest także „Bramą Królewską”. Pierwotnie został zbudowany w 1888 roku na cześć przybycia do Jekaterynodaru cesarza Aleksandra III z rodziną. W 1928 roku decyzją lokalnych władz sowieckich łuk rozebrano pod pretekstem, że budowa z czasów carskich utrudnia ruch tramwajowy, chociaż od 1900 roku tramwaje z powodzeniem kursują tuż pod łukiem. Rysunki nie zachowały się, odtworzono je ze zdjęć. Wcześniej Łuk znajdował się na skrzyżowaniu ulic Jekateryninskiej (obecnie Mira) i Kotlyarevskiej (Sedina). Odtworzony w 2009 roku u zbiegu ulic Krasnej i Babuszkina.

Carowie moskiewscy uważali się za spadkobierców tradycji rzymskich, co znalazło odzwierciedlenie w słowach: „Moskwa jest trzecim Rzymem i czwartego nie będzie”.

Kaplica Chóru Glinka to majestatyczny zabytek kultury rosyjskiej, znany na całym świecie. Kaplica pomaga zachować połączenie czasów i ciągłość tradycji.

Zmartwychwstania Novo - Klasztor Jerozolimski - pomnik.

W XX wieku, w dobie stalinizmu w naszym kraju, pompatyczna, wspaniała architektura podkreślała siłę i władzę państwa, redukując osobowość ludzką do znikomo małego poziomu, ignorując indywidualną tożsamość każdego człowieka.

Niezrealizowane projekty moskiewskich architektów z lat 30-50.

Podstawowymi zasadami, na których opierała się najwyższa władza w starożytnym Egipcie, była nienaruszalność i niezrozumiałość. Od samego powstania państwa egipskiego określili deifikację jego suwerennych władców - faraonów. Ich nieograniczona władza opierała się na bogactwie ziemi i wyzysku ogromnych mas niewolników. Już w V tysiącleciu p.n.e. pojawiają się podstawowe formy władzy państwowej, aparat ucisku stworzony w interesie wyłaniającej się klasy właścicieli niewolników. Już wtedy mieszkania przywódców plemiennych zaczęły wyróżniać się m.in. wielkością, a w miarę opanowywania tego materiału groby wykładano cegłami. Ponadto grób wodza był prostokątny, natomiast zwykłych członków gminy chowano w zwykłych owalnych dołach. Szczególną uwagę zwrócono na projekt grobu wodza, gdyż wierzono, że „wieczne” istnienie jego ducha zapewnia dobro całego plemienia. W Hierokonpolis odnaleziono taki grobowiec wodza, którego gliniane ściany były już pokryte malowidłami. W procesie formowania się społeczeństwa klasowego i tworzenia zjednoczonego

w państwie niewolniczym, stopniowo wzrastała rola faraona. W ten sposób społeczeństwo egipskie przeszło od tradycji oddawania czci przywódcy plemienia w okresie przeddynastycznym do całkowitego ubóstwiania swego władcy w Starym Królestwie. Faraon w społeczeństwie starożytnego Egiptu był uważany za cielesnego zastępcę Boga i dlatego otrzymał oficjalny tytuł „dobrego boga”. W późniejszych czasach potocznym imieniem faraona było takie określenie jak „silny cielę”, na cześć jednego z najbardziej czczonych zwierząt w Egipcie - byka. Duchowni religii nauczali: „Bójcie się Boga i nie pytajcie o Jego obraz”. Na chwałę królów, na chwałę niezachwianych i niezrozumiałych idei, na których opierali swoje despotyczne rządy, stworzono także sztukę egipską. Został pomyślany nie jako źródło estetycznej przyjemności, ale przede wszystkim jako wyrażenie w niesamowitych formach i obrazach samych tych idei i mocy, jaką obdarzony był faraon. Sztuka zaczęła służyć interesom góry państwa niewolniczego i jego głowy, powołano ją przede wszystkim do tworzenia pomników gloryfikujących królów i poznania niewolniczego despotyzmu. Dzieła takie ze swej natury musiały być wykonywane według pewnych zasad, co przyczyniło się do powstania kanonów, które stały się hamulcem dalszego rozwoju sztuki egipskiej.

Wyślij swoją dobrą pracę do bazy wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http://www.Allbest.ru/

Wstęp

1. Starożytność

1.1 Sztuka i potęga starożytnego Egiptu

1.2 Sztuka i siła starożytności. Starożytna Grecja i starożytny Rzym

1.3 Sztuka i potęga Bizancjum

2. Średniowieczne

2.1 Sztuka i potęga Francji (XI-XIV w.)

3. Okres renesansu

3.1 Sztuka i potęga Włoch (XIV-XVI w.)

3.2 Sztuka i potęga Hiszpanii (XV-XVII w.)

4. Nowy czas

4.1 Sztuka i potęga Francji (XVIII w.)

4.2 Sztuka i władza w Rosji (XIX w.)

5. Władza i sztuka okresu sowieckiego w Rosji (XX w.)

6. Władza i sztuka w naszych czasach

Wniosek

Bibliografia

Wstęp

W rozwoju sztuki ludzkiej istnieje pewna prawidłowość. Sztuka była często wykorzystywana do zwiększania mocy. Poprzez sztukę władza wzmacnia swoją władzę, a państwa i miasta zachowują swój prestiż.

Dzieła sztuki ucieleśniają idee religii, utrwalania i gloryfikacji bohaterów. Muzycy, artyści, rzeźbiarze i architekci tworzyli w swoich czasach majestatyczne wizerunki swoich władców. Nadali im niezwykłe cechy, takie jak mądrość, bohaterstwo, nieustraszoność, które budziły podziw i cześć w sercach zwykłych ludzi. Wszystko to jest przejawem tradycji czasów starożytnych - kultu bóstw i bożków.

Generałowie i wojownicy są uwieczniani w sztuce monumentalnej. Na cześć odniesionych zwycięstw wznoszone są łuki i kolumny triumfalne. Nowe idee znajdują odzwierciedlenie we wszystkich formach sztuki, a moc nie jest wyjątkiem.

Zgodnie z tym w swojej pracy ustalam co następuje celeIzadania:

cel badaniami są przemiany sztuki pod wpływem władzy na przestrzeni wieków w różnych krajach świata

Zadania:

* analizować zależność wpływu władzy na sztukę;

* badać zależności zmian w twórczości artystycznej pod wpływem władz w różnych krajach świata;

* zidentyfikować główne cechy władzy w sztukach wizualnych;

* analizuje etapy zmian dziedzictwa twórczego pod wpływem.

obiekt badania to potęga w sztuce.

Przedmiotbadania- sztuka krajów różnych epok.

metodycznybaza składa się z: obrazów artystów, rzeźb, fresków, świątyń, łuków triumfalnych, klasztorów.

Informacyjnebaza- książki z historii sztuki (T.V. Ilyina History, A.N. Benois, F.I. Uspienski), artykuły z zasobów internetowych.

1. Antyk

1.1 SztukaImocstarożytnyEgipt

W III tysiącleciu p.n.e. mi. w wyniku zjednoczenia dwóch państw Dolnego i Górnego Egiptu powstało jedno z najstarszych państw, które odegrało ważną rolę w kształtowaniu się kultury starożytnej.

Sztuka egipska jest bardzo interesująca, ponieważ wiele dzieł stworzonych przez naród egipski w historii ludzkości powstało po raz pierwszy. Egipt po raz pierwszy dał monumentalną architekturę kamienną, realistyczny portret rzeźbiarski, wysokiej jakości produkt rzemiosła artystycznego. Znakomicie obrabiali różnego rodzaju kamienie, wytwarzali najwspanialszą biżuterię, pięknie rzeźbili w drewnie i kości, wytwarzali kolorowe szkło i przezroczyste lekkie tkaniny.

Oczywiście nie można nie powiedzieć o Wielkich Piramidach Egipskich, które mogą wiele powiedzieć o sobie. Opowiadają nam o społeczeństwie tak dobrze zorganizowanym, że budowanie sztucznych gigantycznych wzgórz stało się możliwe już za życia władcy.

Główną cechą wyróżniającą sztukę egipską jest to, że ma ona na celu urzeczywistnienie potrzeb religii, w szczególności kultu państwowego i pogrzebowego boskiego faraona. Religia była integralną częścią, która wpływała na kulturę egipską przez całe jej istnienie.

Sztuka egipska powstała na chwałę królów, na chwałę niewzruszonych i niezrozumiałych idei, które opierały się na despotycznych rządach. A to z kolei zostało prześledzone w obrazach i formach samych tych idei oraz mocy, jaką obdarzony był faraon. Sztuka zaczęła służyć szczytom władzy, która z kolei została powołana do tworzenia pomników gloryfikujących królów i szlachtę despotyzmu. Prace te należało wykonać według pewnych zasad, które później utworzyły kanony.

Przykładem pomnika gloryfikującego faraona jest łupek Namerna, po obu stronach którego znajduje się płaskorzeźba opowiadająca o wydarzeniu historycznym: zwycięstwie króla Górnego Egiptu Namerny nad Dolnym Egiptem i zjednoczeniu Doliny Nilu w jedno państwo. Wyraźnie widać tu podkreślenie wielkości i nierówności władcy kosztem proporcjonalności, charakterystycznej dla tego wczesnoklasowego społeczeństwa. Zasadę tę można prześledzić w sztuce starożytnego Egiptu od dziesięcioleci. Na różnych freskach, rzeźbach reliefowych faraon jest przedstawiany kilka razy większy niż wszystkie inne postacie. Sfinks Chefre z III tysiąclecia p.n.e., który stoi przed świątynią pogrzebową faraona, zadziwia swoją wielkością. Ten Sfinks jest największy w Egipcie. Pomimo ogromnych rozmiarów twarz Sfinksa ma cechy faraona Chefrena. W starożytności Sfinks wraz z piramidami miał inspirować wyobrażenie o nadludzkiej mocy władcy.

Aby podkreślić boskie pochodzenie, wielkość i moc faraonów, rzeźbiarze idealizowali swoich władców. Pokazali siłę fizyczną, odrzucając drobne szczegóły, ale jednocześnie zachowali podobieństwo do portretu. Przykładem takich dzieł jest pomnik Chefrena, władcy z IV dynastii. Tutaj wizerunek władcy jest pełen majestatycznego spokoju, dumnie zasiada na swoim tronie. Posąg ten ma charakter kultowy, będący według Egipcjan pojemnikiem duchowej esencji władcy. Portret Chefrena jest bardzo realny, ale tutaj rzeźbiarz nie pokazywał już podobieństwa do portretu, ale charakter samego faraona.

Oprócz płaskorzeźb, fresków i rzeźb wzniesiono także świątynie ku czci boskiego władcy. Jednym z najlepszych przykładów jest grobowiec królowej Hatszepsut, który został zbudowany pod koniec XVI wieku. PNE. w dolinie Dray el-Bahri. Świątynia ta poświęcona jest bogu słońca Amonowi-Ra, Hathorowi i Anubisowi, ale głównym bóstwem jest sama królowa. Istnieją inne pomniki wzniesione na jej cześć, np. dwa obeliski, które znajdują się w sanktuarium świątyni w Karnaku, napis w kaplicy Stab el Antara. Pomimo tego, że królowa ta rządziła zaledwie 12 lat, pozostawiła po sobie liczne zabytki, lecz niestety nie figurowała na oficjalnych listach królów.

Tym samym kult faraona, który osiągnął apogeum w epoce Starego Państwa, stał się religią państwową i znalazł swoje ucieleśnienie w sztuce, wpływając na krąg dzieł sztuki: rzeźbiarskie portrety faraonów, malownicze i reliefowe wizerunki scen z życia ich rodzin i oczywiście piramidy i świątynie wznoszone na cześć władcy miały w starożytnym Egipcie dominujące znaczenie.

1.2 SztukaImocAntyk.StarożytnyGrecjaIStarożytnyRzym

Pojęcie „sztuki starożytnej” pojawiło się w okresie renesansu, kiedy za wzorowe uznano piękne dzieła starożytnego Rzymu i starożytnej Grecji. Jest to starożytność grecko-rzymska obejmująca okres od VIII wieku p.n.e. - VI wiek. OGŁOSZENIE W tej chwili dominuje ideał estetyczny. W malarstwie, rzeźbie i sztuce użytkowej dominuje wizerunek idealnie pięknego i harmonijnie rozwiniętego obywatela człowieka, walecznego wojownika i oddanego patrioty, w którym piękno wysportowanego ciała łączy się z czystością moralną i bogactwem duchowym.

Greccy mistrzowie badali plastyczność ruchów, proporcji i budowy ludzkiego ciała podczas igrzysk olimpijskich. Artyści poszukiwali realizmu w malarstwie i rzeźbie wazowej, jak na przykład posągi Myrona „Dyskobola”, Polikleitosa „Dorifora” i posąg Fidiasza na Akropolu ateńskim.

Starożytni greccy architekci wnieśli ogromny wkład w sztukę. Władcy bardzo czcili swoich bogów, a Grecy wznieśli na ich cześć liczne świątynie. Stworzyli majestatyczny styl świątyni, łącząc architekturę z rzeźbą.

Zastąpił okres klasyczny z końca IV wieku. PNE. przychodzi głębsze zrozumienie świata, wzrost zainteresowania wewnętrznym światem człowieka, przeniesienie potężnej energii, dynamiki i sprawiedliwości obrazu, na przykład w rzeźbach Skopasa, Praxitelesa, Leochara, Lysippusa. W sztuce tego czasu widać także zamiłowanie do wielofigurowych kompozycji i ogromnych posągów.

Ostatnie trzy stulecia cywilizacji greckiej nazywane są erą hellenizmu. Rzym stał się spadkobiercą sztuki artystycznej cywilizacji greckiej.

Rzymianie wysoko cenili dziedzictwo starożytnej Grecji i przyczynili się do dalszego rozwoju starożytnego świata. Budowali drogi, wodociągi i mosty, stworzyli specjalny system wznoszenia budynków użyteczności publicznej poprzez zastosowanie sklepień, łuków i betonu.

Na dużą uwagę zasługuje rzeźbiarski portret rzymski, który wyróżnia się dokładnością i realizmem.

Cesarze kazali budować tryumfalnyłuki którzy poświęcili się swoim zwycięstwom. Cesarz przeszedł pod łukiem podczas triumfu. Władcy dążyli do wzmocnienia swojej władzy kosztem sztuki. Na forach, placach i ulicach miast ustawiano posągi władców. Rzeźbiarze przedstawiali swoich przywódców triumfujących nad wrogami, a czasami cesarz mógł też wyglądać jak bóg. Na przykład cesarz Trajan nakazał na cześć swoich zwycięstw zbudować kolumnę, której wysokość sięgała siedmiopiętrowego budynku.

Rzymianie doskonale zaplanowali miasta, zbudowali łaźnie cesarskie – łaźnie, amfiteatr – Koloseum, wznieśli świątynię wszystkich bogów Cesarstwa Rzymskiego – Panteon, wszystko to jest wielkim dziedzictwem świata.

Najsilniej rozwinęła się sztuka starożytna, obok sztuki kolejnych epok. Trudno przecenić jego znaczenie dla rozwoju cywilizacji zachodniej.

1.3 SztukaImocBizancjum

Bizantyjska kultura artystyczna jest w większym stopniu związana z religią. Kościół w Bizancjum służył władzy świeckiej. Cesarz był uważany za sługę Bożego na ziemi i polegał na kościele jak na biurokracji. W takim środowisku sztuka znajdowała się pod ścisłą kontrolą kościoła i klas rządzących.

Ponieważ Bizancjum znajdowało się pod presją wszelkiego rodzaju wojen, jego twórczość artystyczna miała na celu zjednoczenie ludu. Patriotyzm religijno-państwowy stworzył formę sztuki bizantyjskiej. Jednocześnie problemy życiowe zostały rozwiązane jako duchowe. Ich interpretacja miała na celu kreowanie ideałów estetycznych, obejmujących zasady państwowe, religijne i osobiste.

Świątynie pełniły ważną rolę ideologiczną i edukacyjną, dlatego w architekturze sakralnej zajmowali się najlepsi rzemieślnicy, którzy rozwiązywali najważniejsze problemy konstrukcyjne i artystyczne. W architekturze tworzono wnętrza złożone, które niejako angażowały człowieka.

W Bizancjum jako takim nie nastąpił rozwój rzeźby, gdyż rzeźbę uważano za bożka. Ale była ulga, szczególnie na kości słoniowej.

Malarstwo znajdowało się pod ścisłą opieką kościelno-państwową. Jej rozwój przebiegał trzema kanałami: mozaiki i freski kościelne, malarstwo ikon oraz miniatury książkowe. Tutaj obowiązywały rygorystyczne zasady przedstawiania świętych i wydarzeń z „świętych opowieści”. Artysta traci możliwość pracy z naturą. Tylko wysoki stopień umiejętności pozwolił wypełnić kanoniczne obrazy bogactwem ludzkich uczuć i pomysłów.

Należy także podkreślić, że duże miejsce w kulturze artystycznej Bizancjum zajmowała sztuka świecka. Budowano fortyfikacje, budynki mieszkalne, pałace. Ważną rolę odgrywała rzeźba świecka. Miniatury o treści historycznej i przyrodniczej nigdy nie zniknęły z malarstwa bizantyjskiego. Większość z tych zabytków sztuki nie zachowała się, należy jednak wziąć pod uwagę ich znaczenie dla kultury artystycznej Bizancjum.

Złożoność rozwoju stylistycznego sztuki bizantyjskiej dodatkowo komplikował fakt, że z biegiem czasu zmieniły się także granice rozprzestrzeniania się kultury bizantyjskiej. W wyniku wojen i najazdów sąsiednich ludów zmieniły się granice państwa. Od Bizancjum odpadły odrębne tereny, powstawały w nich nowe szkoły artystyczne.

2. Średniowiecze

2.1 SztukaImocFrancja(XI- XIVwieki)

Na sztukę tamtych czasów wpływały kościoły i klasztory, które z kolei były sojusznikami władzy królewskiej. Wielu polityków wzmacniających władzę i władzę królów było jednocześnie sługami kościołów. Na przykład opat Suger jest budowniczym wielu kościołów i doradcą Ludwika VI i Ludwika VII. Dlatego klasztory pozostawały pod wpływem sztuki, zwłaszcza architektury, malarstwa i rzeźby. Budową klasztorów kierowali najczęściej nie mieszczanie, lecz jakiś zakon zakonny lub biskup, będący jednocześnie feudalnym władcą tego miasta.

Architektura romańska była integralną częścią rzeźby monumentalnej i rzeźby w kamieniu. Dekorowała kapitele, portale wypełniające całą fasadę, np. Notre-Dame-la-Grand w Poitiers. Wystrój plastikowy można odnaleźć w kościołach Burgundii (tympanony katedr w Vezelay i Autun) i Langwedocji (Saint-Sernin w Tuluzie, XI-XIII w.),

Malarstwo i rzeźba nabrały monumentalnego charakteru. Elewację zewnętrzną zdobiono kapitelami, rzeźbami lub płaskorzeźbami. Ściany wewnątrz świątyni pomalowane były dużymi freskami i z reguły nie były ozdobione rzeźbami. Jednym z najwcześniejszych zabytków rzeźby, który znajduje się na fasadzie świątyni, jest płaskorzeźba architrawu kościoła Saint Jean de Fontaine w południowo-zachodniej Francji. Monumentalne obrazy były szeroko rozpowszechnione w kościołach Francji. Teraz mamy około 95 cykli fresków, które do nas dotarły. Głównym zabytkiem są freski kościoła Saint Saven sur Gartan w regionie Poitou (początek XII wieku), najrzadszy przykład, który zachował malowniczą dekorację Francji.

W miastach rywalizowały ze sobą świeckie farsy i tajemnice religijne. Wszędzie toczyła się walka pomiędzy fantastyką a realnością, mistyką i racjonalnością. Ale prawie zawsze w twórczości artystycznej życie postrzegane było w jego sprzecznej i zmiennej równowadze.

Obrazem sztuki drugiej połowy XIII wieku jest portal kościoła św. Szczepana po południowej stronie katedry Notre Dame (ok. 1260-1270). Liczne niezliczone posągi katedry w Reims, powstałe w XIII wieku, również należą do arcydzieł wysokiego gotyku. lata 30-70 Do połowy XIII wieku. miniatura nabrała kształtu, zgodnie z zasadą dekoracji.

Mistrzom rzeźby gotyckiej drugiej połowy XIV w. udało się jednak w tym okresie wykazać nowe siły, gdy trudności wojny stuletniej drastycznie ograniczyły prace budowlane i liczbę zleceń artystycznych. W XIII-XIV w. rozpowszechnione były miniatury książkowe i malarstwo witrażowe. Główne ośrodki sztuki witrażowej powstały w XIII wieku. Chartres i Paryż. W katedrze w Chartres zachowała się stosunkowo duża liczba witraży. Bardzo dobrym przykładem przejścia od stylu romańskiego do gotyku jest obraz Matki Bożej siedzącej z Dzieciątkiem na kolanach, znajdujący się obecnie w części katedry, która ocalała z pożaru w 1194 roku.

Miniatury z końca XIII-XIV wieku. teraz nie tylko ozdabiają, ale uzupełniają i komentują tekst, uzyskując charakter ilustracyjny. Typowe dzieła drugiej połowy XIV wieku. są to dzieła miniaturzysty Jeana Pucela, do którego dzieł należy m.in. Biblia Roberta Bilsinga (1327) i słynny Brewiarz z Belleville (do 1343).

Średniowieczna sztuka Francji odegrała ogromną rolę w historii sztuki swojego ludu i narodów całej Europy Zachodniej. Jej echa (zwłaszcza w architekturze) trwały bardzo długo, odchodząc w przeszłość dopiero w połowie XVI wieku.

artystyczna siła twórcza sztuki

3. Okresrenesans

3.1 Włochy(XIV- XVI)

Włoski renesans to okres wielkich osiągnięć i zmian, który rozpoczął się we Włoszech w XIV wieku i trwał do XVI wieku, wyznaczając przejście od średniowiecza do współczesnej Europy.

Najsłynniejsze osiągnięcia dotyczą malarstwa i architektury. Oprócz tego nie zabrakło osiągnięć w nauce, filozofii, muzyce i literaturze. W XV wieku Włochy stają się liderem we wszystkich tych dziedzinach. Włoskiemu renesansowi towarzyszył upadek polityki. Dlatego całe Włochy zostały podzielone na osobne małe państwa. Renesans wywarł ogromny wpływ na Rzym. W XVI wieku włoski renesans osiągnął swój szczyt, kiedy doszło do obcych najazdów, które wciągnęły Włochy w wojny. Mimo to Włochy zachowały idee i ideały renesansu i rozprzestrzeniły się po całej Europie, przyćmiewając renesans północny.

W sztuce w tym czasie wizerunki świętych i sceny z Pisma Świętego są powszechne. Artyści odchodzą od wszelkich kanonów, świętych można przedstawiać w nowoczesnych jak na tamte czasy strojach. Popularnością było przedstawianie Świętego Sebastiana, gdyż wierzono, że chroni on przed zarazą. Malarstwo staje się bardziej realistyczne, jak dzieła Giotta, Masaccio, Leonarda da Vinci, Michała Anioła, Botticellego.

Artyści wymyślają nowe kolory, eksperymentują z nimi. W tej chwili zawód artysty jest bardzo poszukiwany, a zamówienia kosztują dużo pieniędzy. Rozwija się gatunek portretu. Mężczyzna był przedstawiany jako spokojny, mądry i odważny.

Na architekturę duży wpływ wywarł architekt Filippo Brunelleschi, według którego projektów zbudowano kościół San Lorenzo, Pallazo Rusellai, Santissima Annunziata, fasady kościołów Santo Maria Navella, San Francesco, San Sebastiano i Sant'Anrea .

W ten sposób postrzeganie świata staje się bardziej złożone, zależność życia ludzkiego od natury jest wyraźniej realizowana, rozwijają się idee zmienności życia, tracone są ideały harmonii i integralności wszechświata.

3.2 HiszpaniaXV- XVIIwieki

Renesans hiszpański jest blisko spokrewniony z renesansem włoskim, choć pojawił się znacznie później. Za „złoty wiek” hiszpańskiego renesansu uważa się koniec XVI do drugiej połowy XVII wieku.

Rozwój rozkwitu kultury hiszpańskiej polega na zjednoczeniu wcześniej podzielonego kraju, pod panowaniem Ferdynanda Aragońskiego i Izabeli Kastylii. Zakończyła się wielowiekowa wojna z Arabami, po czym w posiadanie Hiszpanii weszły nowe ziemie, które wcześniej do nich nie należały.

Dwór królewski przyciągał zagranicznych architektów, artystów, rzeźbiarzy. Na krótki czas Hiszpania stała się najpotężniejszym państwem europejskim.

Po założeniu przez Filipa II Madrytu, tam skoncentrowało się życie artystyczne kraju, gdzie budowano pałace. Pałace te zdobiły obrazy hiszpańskich artystów i wielkich malarzy – Tycjana, Tintorentto, Bassano, Boscha, Brueghela. Dziedziniec stał się głównym ośrodkiem rozwoju sztuki.

W architekturze pod panowaniem królów katolickich powstawały kościoły, w których propagowano potęgę i wielkość władzy królewskiej. Powstały także budowle poświęcone zwycięstwom Hiszpanii: np. kościół klasztoru San Juan de los Reyes w Toledo – jako pomnik zwycięstw nad Portugalczykami w bitwie pod Toro, Escorial – jako pomnik zwycięstwa nad Portugalczykami Francuzów w San Quenten.

Najbardziej znani rzeźbiarze tamtych czasów to Alonso Berruguete, Juan de Juni, Juan Martinez Montañez, Alonso Cano, Pedro de Mena.

Tym samym Hiszpania wniosła znaczący wkład w światową historię sztuki, co wpłynęło na dalszą postawę ludzi.

4. Nowyczas

4.1 SztukaImocFrancja(XVIIIV.)

W XVIII wieku we Francji toczyła się walka z absolutyzmem, kościołem, arystokracją, wolnomyślicielstwem, walka ta przygotowywała kraj do rewolucji burżuazyjnej.

Francuska kultura artystyczna kwitnie. Odchodzi od dotychczasowych kanonów, malarstwo religijne odchodzi w przeszłość, a prym wiodą świeckie gatunki realistyczne i „walcerskie”. Artyści zwracają się w stronę intymnych sfer życia ludzkiego i małych form. Realizm ucieleśnia się w ujawnieniu obrazu osoby.

W XVIII wieku odbywały się tu okresowe wystawy Akademii Królewskiej – Salony, które odbywały się w Luwrze, a także wystawy Akademii św. Łukasza, które odbywały się bezpośrednio na placach. Nową, charakterystyczną cechą były narodziny estetyki i rozwój krytyki artystycznej, która odzwierciedlała walkę prądów w sztuce.

Ludzie w tym czasie podróżowali po krajach i pożyczali sobie wiedzę. Encyklopedii jest wiele. Ludzie analizują dzieła sztuki. Na przykład dzieła Diderota „Salony”, „Doświadczenia z malarstwa”, dzieła Rousseau „Sztuka i moralność”, „Rozmowy o nauce i sztuce” oraz „Emil, czyli o wychowaniu”.

W ten sposób wiek XVIII zaczęto nazywać epoką oświecenia. Idee oświeceniowe nie tylko wpłynęły na rozwój sztuki, ale oświeceniowcy aktywnie interweniowali w jej przebieg. Oświecenie stało się potężnym ruchem, który załamał poprzednie światopoglądy.

4.2 SztukaImocRosja(XIXV.)

W 19-stym wieku w pierwszych dziesięcioleciach w Rosji nastąpił ogólnokrajowy wzrost po wojnie patriotycznej 1812 roku. Artyści cieszą się coraz większym zainteresowaniem w porównaniu z XVIII wiekiem. Potrafią wyrazić w swoich pracach znaczenie swojej osobowości, wolności, gdzie poruszane są problemy społeczne i moralne.

Rosja jest teraz bardziej zainteresowana twórczością artystyczną. Ukazują się czasopisma artystyczne: „Wolne Towarzystwo Miłośników Literatury, Nauki i Sztuki” (1801), „Dziennik Sztuk Pięknych” najpierw w Moskwie (1807), a następnie w Petersburgu (1823 i 1825), „Towarzystwo dla Zachęta artystów” (1820), „Muzeum Rosyjskie…” P. Svinin (1810) i „Galeria Rosyjska” w Ermitażu (1825).

Ideały społeczeństwa rosyjskiego znajdują odzwierciedlenie w architekturze, rzeźbie monumentalnej i dekoracyjnej. Po pożarze w 1812 roku Moskwa zostaje odrestaurowana w nowy sposób, tutaj budowniczowie opierają się na architekturze starożytnej. Rzeźbiarze wznoszą pomniki dowódców wojskowych, na przykład pomnik Kutuzowa w katedrze kazańskiej w Petersburgu. Największy architekt tamtych czasów Andriej Nikiforowicz Woronikhin. zaprojektował szereg fontann dla drogi Pułkowo, ukończył biuro „Latarka” i przedsionek egipski w Pałacu Pawłowskim, Most Wiskontiewa i Różowy Pawilon w parku Pawłowskim. Głównym pomysłem Woronichina jest Katedra Kazańska (1801–1811). Półokrągła kolumnada świątyni, którą wzniósł nie od strony głównej - zachodniej, ale od strony - północnej fasady, utworzyła kwadrat w centrum perspektywy Newskiego, zamieniając katedrę i otaczające ją budynki w najbardziej ważny węzeł urbanistyczny.

Artyści przedstawiają wydarzenia historyczne, które miały miejsce w czasach starożytnych, na przykład K.P. Bryullov „Ostatni dzień Pompejów”, A.A. Iwanow, Ukazanie się Chrystusa ludowi. Przedstawiane są portrety władców, na przykład portret Elżbiety II, Piotra I. Na cześć władców wznoszone są pomniki, pomnik Katarzyny II. W tym okresie pojawiła się duża liczba artystów: Kramskoy, Ge, Myasoedov, Makovsky, Shishkin, Wasiliev, Levitan, Repin, Surikov itp.

Złożone procesy życiowe determinowały różnorodność form życia artystycznego tych lat. Wszystkie rodzaje sztuki – malarstwo, teatr, muzyka, architektura – opowiadały się za odnową języka artystycznego, wysokim profesjonalizmem.

5. MocIsztukaradzieckiokresRosja(XXV.)

W okresie sowieckim w Rosji zdarzają się rewolucyjne kataklizmy, te rewolucyjne przemiany wzywają artystów do nowych twórczych eksperymentów. Życie artystyczne kraju wymaga sztuki wyjątkowo społecznej i zrozumiałej dla nieprzygotowanej masy estetycznej. Wydarzenia październikowe, które doprowadziły do ​​rewolucji, artyści zaczęli gloryfikować w swojej twórczości. Zwycięstwo sztuki na froncie staje się trwałym elementem zwycięstwa bolszewików.

Artyści w tym czasie zajmują bardzo aktywną i bardzo popularną pozycję. Zajmują się projektowaniem miast na demonstracje, rzeźbiarze realizowali „leninowski plan monumentalnej propagandy”, graficy aktywnie pracują nad projektowaniem klasycznych wydań literatury rosyjskiej i zagranicznej. Rozwija się szereg nowych, niezrealizowanych wcześniej kierunków artystycznych. Pojawiają się nowe nazwy i nowe kierunki: „rosyjski impresjonizm” – A. Rylov i K. Yuon; „Błękitne Niedźwiedzie” P. Kuzniecow i M. Saryan; przedstawiciele „Jack of Diamonds” P. Konchalovsky i I. Mashkov z karnawałowym świętem swoich obrazów, dekoracyjnych w kolorze i kompozycji, A. Lentulov, który sprawił, że obraz rosyjskiej architektury średniowiecznej ożył w intensywnych rytmach współczesnego miasta . Paweł Filonow pracował w latach dwudziestych XX wieku. W oparciu o metodę, którą nazwał „analityczną”, stworzył w tych latach swoje słynne „formuły” („Formuła Piotrogrodu Proletariatu”, „Formuła Wiosny” itp.) - symboliczne obrazy, które ucieleśniają jego ideał wieczności i trwałości . K. Malewicz kontynuował swoją drogę w nieobiektywności, a suprematyzm opracowany przez jego uczniów I. Puniego, L. Popową, N. Udaltsovą, O. Rozanovą zaczął się rozprzestrzeniać w sztuce użytkowej, architekturze, projektowaniu, grafice.

W rzeźbie dzieła inspirowane „romansem rewolucyjnym” stworzył w latach dwudziestych XX wieku Iwan Dmitriewicz Szadr (prawdziwe nazwisko Iwanow). Wykonuje się je na zlecenie Goznaka (do wizerunków na nowych sowieckich banknotach, znaczkach i obligacjach) „Siewca”, „Robotnik”, „Chłop”, „Człowiek Armii Czerwonej” (wszystkie lata 1921-1922). Jednym z jego najsłynniejszych dzieł jest dzieło „Kostka brukowa – broń proletariatu, 1905”. Praca ta poświęcona jest 10. rocznicy władzy radzieckiej. Shadr starał się wykorzystać tradycje sztuki światowej i stworzyć dzieło inspirowane duchem nowoczesności, jak ją pojmował.

Malarze, rzeźbiarze, pisarze i wielu innych musieli więc szukać rozwiązań publicznych. Środkiem do tworzenia monumentalnych obrazów stały się: radziecka heraldyka, symbole graficzne, które stały się popularnym oznaczeniem atomu, przestrzeń kosmiczna. Symbole przyjaźni, pracy, pokoju… tylko świetne pomysły mogą dać świetne rozwiązania.

6. StosunekwładzeIsztukaVjest naszczas

W ostatnim czasie wszystko się zmieniło, ale interakcja władzy i sztuki pozostaje problemem bardzo ważnym i palącym. Związek pomiędzy tymi dwoma branżami jest szczególnie widoczny w okresach przemian politycznych i społecznych. Teraz nie ma cenzury, co oznacza, że ​​każdy, kto chce wyrazić swoje myśli i pomysły poprzez sztukę, może to zrobić bez obawy przed karą. To kolosalny przełom w dziedzinie wolności kreatywności i ducha.

Obecnie w różnych miastach odbywa się wiele wystaw o różnej tematyce. Cyklicznie odbywają się wystawy, które zwracają uwagę na problem sztuki i władzy. Wystawy te są interesujące dla osób studiujących historię i nauki polityczne. Niedawno podobna wystawa odbyła się w Muzeum Szwedzkim, która nosiła tytuł „Sztuka dla władców”. Na tej wystawie odbyło się ponad 100 ekspozycji i przy udziale 400 eksponatów z różnych epok.

Sztuka nie stoi w miejscu, rozwija się szybko z różnych stron. Obecnie istnieje wiele różnych kierunków. Światowe dziedzictwo kulturowe jest uzupełniane i uzupełniane, co jest bardzo dobre dla naszych czasów.

Wniosek

W trakcie pracy dowiedzieliśmy się, że sztuka na przestrzeni wieków zmieniała się pod wpływem władzy w różnych krajach świata.

Po przeanalizowaniu sytuacji dowiedzieliśmy się, że sztuka zależy od ustroju politycznego i władcy kraju. Sztuka i władza powstały i rozwinęły się jednocześnie i są integralną częścią kształtowania życia społecznego.

Myślę, że rząd miał więcej możliwości kontrolowania społeczeństwa i zwiększania swojej władzy poprzez sztukę niż obecnie. Po kilkudziesięciu latach wreszcie uwolniliśmy się od rygorystycznych kanonów i wszelkiego rodzaju zakazów. Człowiek może wyrazić swoją indywidualność, gdy tylko wymyśli i zechce. Artyści, rzeźbiarze i muzycy mają nieograniczoną swobodę, ale trudno powiedzieć, czy to dobrze, czy źle. Ale po wielu latach i naszych stuleciach nasi potomkowie będą podziwiać i być dumni.

Listaużywanyliteratura:

1. T.V. Ilyin. Historia sztuki. Sztuka domowa. Moskwa. rok 2000

Hostowane na Allbest.ru

...

Podobne dokumenty

Ocena roli dziedzictwa starożytnego w kształtowaniu się europejskiego renesansu w różnych opracowaniach. Przejawy elementów antyku w architekturze, rzeźbie, malarstwie, sztukach pięknych w okresie renesansu. Przykłady dzieł znanych mistrzów.

streszczenie, dodano 19.05.2011


Surrealizm jako nurt w sztukach wizualnych: historia powstawania i rozwoju, główne motywy i idee, wybitni przedstawiciele oraz ocena ich dziedzictwa twórczego. Początek i etapy drogi twórczej Maxa Ernsta, analiza jego słynnych dzieł.

praca semestralna, dodano 05.11.2014


Święta Inkwizycja jest instytucją Kościoła rzymskokatolickiego zajmującą się heretykami. Skład Inkwizycji, chronologia jej działań. Połączenie dziedzictwa artystycznego Cesarstwa Rzymskiego i tradycji ikonograficznych Kościoła chrześcijańskiego w sztuce średniowiecza.

streszczenie, dodano 10.08.2014


Cechy charakterystyczne sztuki romańskiej jako wspólnego stylu europejskiego oraz cechy charakterystyczne sztuki tego nurtu w różnych krajach Europy Zachodniej, spowodowane wpływem innych kultur. Cechy wspólne i odrębne szkół, oryginalność architektury.

praca semestralna, dodana 13.06.2012


Badanie wpływu Wielkiej Rewolucji na rozwój kultury i sztuki w Europie. Główne cechy twórczości znanych pisarzy i artystów XIX wieku: Francisco Goya, Honore Daumier. Tradycje realistyczne w sztukach wizualnych kojarzone są z nazwiskiem G. Courbeta.

raport, dodano 04.03.2012


Analiza cech impresjonizmu - nurtu artystycznego w sztuce, który powstał we Francji w drugiej połowie XIX wieku. Główne innowacyjne cechy impresjonizmu i kreatywności przedstawicieli tego kierunku. Wartość kulturowa impresjonizmu.

praca semestralna, dodano 11.09.2010


Identyfikacja funkcji, oryginalności estetycznej oraz roli postmodernizmu w procesach artystycznych i estetycznych kultury współczesnej. Postmodernizm w sztukach pięknych Stanów Zjednoczonych i Europy. Sztuka multimedialna i konceptualizm.

praca semestralna, dodana 04.10.2014


Miejsce prawosławia w sztukach wizualnych. Obrazy Zbawiciela nie wykonane rękami i Matki Bożej, ich ucieleśnienie w sztukach pięknych. Funkcje świąteczne. Wizerunki aniołów, archaniołów, serafinów, cherubinów. Święci, prorocy, przodkowie, męczennicy.

streszczenie, dodano 27.08.2011


Historia powstania i rozwoju zjawiska gatunkowego. Specyfika powiązania gatunku z treścią dzieła sztuki w dziedzinie literatury. Gatunek jako zbiór dzieł połączonych wspólnym zakresem tematów i przedmiotów reprezentacji w sztukach wizualnych.

streszczenie, dodano 17.07.2013


Geneza kompozycji, jej rola w sztuce świata starożytnego, w naszych czasach. Analiza źródeł literackich i twórczości artystów. Kompozycja w okresie średniowiecza, renesansu. Jej ocena w malarstwie monumentalnym na przykładzie dzieła L. da Vinci „Ostatnia wieczerza”.

Trudno nie zgodzić się z N. Bierdiajewem, który stwierdza: „Sztuka musi być wolna. To bardzo elementarny aksjomat, przez który nie warto łamać kopii. Autonomia sztuki zostaje potwierdzona na zawsze. Twórczość artystyczna nie powinna podlegać zewnętrznym jej normom, moralnym, społecznym czy religijnym... Wolna sztuka wyrasta z duchowej głębi człowieka, jak wolny owoc. I tylko sztuka, w której tę głębię wyczuwa się, jest głęboka i wartościowa.

Analizując specyfikę sztuki XX wieku, stwierdziliśmy, że rozpoczął się proces kształtowania się nowego stylu, integrującego cechy rozwoju świadomości naukowej, technologii i innych aspektów kultury. Stosunek do sztuki zaczął się zmieniać, gdyż stała się jedynie ozdobą życia, zrównała się z nauką, rozumiejąc te same problemy życia, ale innymi środkami: za pomocą adekwatnego do nowej rzeczywistości obrazu artystycznego. Proces ten był charakterystyczny zarówno dla sztuki europejskiej, jak i rosyjskiej.

Procesy te zostały jednak znacząco zdeformowane przez radykalne przemiany zachodzące w społeczno-gospodarczej i politycznej sferze życia człowieka.

Zrozumienie swobodnego charakteru sztuki było zawsze charakterystyczne dla artysty, jednak w okresach rewolucyjnych zmian w społeczeństwie nadal trudno jest pozostać z dala od aktualnych zagadnień.

Tak więc K. Malewicz, podobnie jak wielu innych artystów rewolucyjnej Rosji, początkowo aktywnie angażował się w działalność społeczną na rzecz odnowy kultury. Jednak wkrótce zauważa: „Ku mojemu wielkiemu rozczarowaniu, większość młodych artystów uważa, że ​​duch odnowy w sztuce zostaje podporządkowany nowym ideom politycznym i polepszeniu społecznych warunków życia, dzięki czemu stają się wykonawcami woli władców, przestaje odnawiać samo piękno” – pisał He. „Zapominają, że wartości sztuki nie można sprowadzić do idei, jakakolwiek by ona nie była, i że wszelka sztuka od dawna stała się wartością międzynarodową…”

Zwróćmy jednak uwagę, że w państwach totalitarnych sztuce poświęca się szczególną uwagę. Zastanówmy się nad przyczynami tego zjawiska.

Jak wiecie, główną cechą totalitaryzmu jest fuzja wszystkich sfer społeczeństwa. Ich wspólnym mianownikiem staje się ideologia: we Włoszech i Niemczech – faszystowska, w ZSRR – marksistowsko-leninowska, w Chinach – maoistyczna itd.

W tych warunkach sztukę uważa się za najważniejszy środek ideologicznego oddziaływania na obywateli kraju, kształtowanie specjalnego sposobu życia odpowiadającego wytycznym ideologicznym.

Sztuka współczesna, stając się masowa, otrzymawszy nowe, techniczne środki dystrybucji, może oddziaływać znacznie skuteczniej niż bezpośrednia propaganda, oddziałując nie tylko na logikę, ale także na uczucia ludzi.

Rząd totalitarny zwraca szczególną uwagę na najbardziej prestiżowe obszary. Koncentracja dźwigni i możliwości gospodarczych w rękach państwa umożliwiła materialne wsparcie eksploracji kosmosu, rozwoju opery, baletu, sportu oraz zajęcie czołowych pozycji na świecie w tych dziedzinach. I rzeczywiście wspaniała szkoła operowo-baletowa Teatru Bolszoj, wspaniałe koncerty Moiseyevitów, szkoła wykonawcza Konserwatorium Moskiewskiego zawsze zachwycały licznych wielbicieli tych gatunków w wielu krajach świata.

Same postacie kultury są mimowolnie wciągane w proces ideologizacji społeczeństwa. I nawet jeśli artysta nie deklaruje swojego stanowiska politycznego, nieuchronnie zostaje wciągnięty w wielką grę polityczną. Ta gra totalitarnej władzy z ludźmi sztuki ma pewne schematy: władza najpierw wykorzystuje w celach propagandowych najzdolniejszych z nich, ich potencjał twórczy i zapał rewolucyjny, a następnie izoluje ich od społeczeństwa.

Podajmy kilka typowych przykładów. W 1917 r. K. Malewicz został wybrany przewodniczącym wydziału artystycznego Moskiewskiej Rady Zastępców Żołnierskich, następnie członkiem komisji ochrony wartości artystycznych sztuki i komisarzem ochrony wartości ​\u200bKreml. W 1924 utworzył i kierował Państwowym Instytutem Kultury Artystycznej. Jednak już w 1926 roku został usunięty z tego stanowiska, a po pewnym czasie instytut został całkowicie zlikwidowany. W 1932 r. jego prace znalazły się na ekspozycji wystawy „Sztuka epoki imperializmu” w Muzeum Rosyjskim, w 1935 r. ostatni pokaz jego prac (do 1962 r.) odbył się w Związku Radzieckim. Ale pierwsza reprezentatywna wystawa odbyła się w Moskwie dopiero w 1988 roku.

W Niemczech przywódcy Narodowo-Socjalistycznego Związku Studentów, przemawiając w 1933 roku w auli Uniwersytetu Berlińskiego, ogłosili się zwolennikami ekspresjonizmu – „oryginalnej sztuki niemieckiej”. Do 1936 roku w berlińskiej Galerii Narodowej wystawiane były prace Barlacha, Nolde, Franza Marka, Kandinsky'ego, Klee. Wkrótce jednak w dniu wernisażu wystawy takie zostały zakazane lub zamknięte przez gestapo. W 1933 roku minister propagandy Goebbels wysłał entuzjastyczny telegram do Edvarda Muncha – „wielkiego niemieckiego mistrza” z okazji jego 70. urodzin, w którym wkrótce nakazał aresztowanie jego obrazów.

19 lipca 1937 roku, w przeddzień otwarcia wystawy „Sztuka degeneracji”, Hitler wygłosił w Monachium mowę nienawiści: epoka kamienia i jąkająca się sztuka w jaskiniach swoich przodków, aby dodać tam swoje prymitywne, kosmopolityczne bazgroły.

Totalitaryzm nie toleruje różnorodności, dlatego tworzy w sztuce własny standard, który jest oficjalny, jak na przykład socrealizm w ZSRR. Wszystko, co mu nie odpowiadało, podlegało zakazowi. A zakaz jest straszny nie tylko dlatego, że nie pozwala zobaczyć efektów twórczości, ale także dlatego, że początkowo deformuje świadomość artysty, kierując jego talent w danym kierunku.

Jedno z opowiadań Raya Bradbury’ego zawiera mądre ostrzeżenie dla ludzkości. Nieostrożny podróżnik w czasie zmiażdżył jednego niepozornego, nieistotnego motyla kutym butem. Wracając do teraźniejszości, odkrywa, że ​​doprowadziło to do zmiany ustroju państwa.

Z każdym utraconym poszukiwaniem ludzkość zubaża swoje życie duchowe.

W społeczeństwie totalitarnym sztuce przywiązywano nawet magiczne znaczenie, gdyż wierzono, że w książce, filmie itp. z pewnością musi być przystojny, inteligentny, patriotyczny bohater, bo po spotkaniu z nim ludzie też tacy się staną. Ale istota sztuki nie ogranicza się do treści klasowych, nie ma dla niego znaczenia, czy jest artystą proletariackim, czy mieszczańskim, ważne jest, czy jest utalentowany, czy przeciętny, nie ma znaczenia, jaki zawód wykonuje jego bohater jest - jest błaznem, królem czy chłopem, ale ważne jest, jak dokładnie są one interpretowane w dziele odwiecznych tematów Dobra i Zła, Miłości, Prawdy, Piękna...

Głównym warunkiem kreatywności jest wolność. Ale „totalitaryzm zniszczył wolność myśli w stopniu nie do pomyślenia w żadnej z poprzednich epok” – napisał J. Orwell. - ... Dla nas ważne jest pytanie: czy literatura może przetrwać w takim społeczeństwie? Myślę, że krótka odpowiedź brzmi: nie, nie może. Jeśli totalitaryzm zwycięży w skali światowej, wówczas literatura umrze… A w praktyce wydaje się, że totalitaryzm już osiągnął takie rezultaty: literatura włoska znajduje się w głębokim upadku, a w Niemczech prawie przestała istnieć. Palenie książek jest najbardziej odkrywczą stroną działalności nazistów i nawet w Rosji nie nastąpił oczekiwany niegdyś rozkwit literatury, większość utalentowanych rosyjskich pisarzy popełnia samobójstwa lub znika w więzieniach.

Zakaz innowacji, ugruntowanie estetyki fotograficznej „realizmu socjalistycznego”, „powrót do klasycyzmu”, ogłoszenie „wyższości sztuki radzieckiej nad sztuką wszystkich krajów i wszystkich minionych czasów” zamieniły się w prawdziwy dramat kultura rosyjska.

Odeszło kilkudziesięciu osobistości kultury, których nazwiska na wiele lat zostały usunięte z kultury Rosji (np. W. Kandinski był zaliczany do niemieckiego ekspresjonizmu w publikacjach radzieckich), S. Jesienin, wł. Piast, M. Cwietajewa popełnił samobójstwo, P. Filonow, doprowadzony do skrajnej biedy, zmarł już w pierwszych dniach blokady Leningradu, rozstrzelano N. Gumilowa, B. Pilniaka, B. Jasenskiego i wielu innych, I. Babela, O. Mandelstama,

V. Meyerhold i wielu innych zginęło w więzieniach i obozach. Wł. Majakowski i A. Fadejew zastrzelili się, zdając sobie sprawę z grozy konsekwencji oddania swojego talentu na służbę partii. Inni, jak B. Pasternak i A. Achmatowa, zmuszeni byli milczeć przez dziesięciolecia. Nagrodzony Nagrodą Nobla B. Pasternak nie mógł na nią wyjechać.

Inne państwo totalitarne – faszystowskie Niemcy – nie mogło w 1935 roku opuścić kolejnego ze swoich laureatów – niemieckiego dziennikarza Karla Ossetskiego, otwartego przeciwnika narodowego socjalizmu. Nazistowskie gazety napisały następnie: „Przyznanie Nagrody Nobla najsłynniejszemu zdrajcy jest tak aroganckim i bezwstydnym wyzwaniem, taką obrazą narodu niemieckiego, że należy na nią zareagować”. K. Ossetsky został wtrącony do obozu koncentracyjnego, po wymuszonym telegramie od żony do Akademii Szwedzkiej z odmową nagrody, został przeniesiony do kliniki, gdzie wkrótce zmarł.

Tym, co łączy reżimy totalitarne, jest globalizm sztuki będący konsekwencją globalizmu zadań: tysiącletnia Rzesza w Niemczech i wspaniała przyszłość dla całej ludzkości w ZSRR. Stąd – monumentalne pomniki w obu stanach o niespotykanych dotąd rozmiarach. Nawet ta żywa istota, która zawsze karmi sztukę - zwyczaj, tradycja - jest spowita ideologiczną zasłoną. Pozostaje tylko to, z czego wyrastają ich własne dominujące elementy systemu totalitarnego.

Tak więc „prawdziwa” historia Rosji rozpoczęła się w 1917 r., a prehistoria - od dekabrystów, którzy zapoczątkowali ruch narodowowyzwoleńczy. Pisze się historię na nowo, burzy się pomniki, niszczy środowisko historyczne. A w każdym mieście zamiast nazw historycznych są ulice sowieckie, krasnoarmejskie, komunistyczne.

Nie będziemy jednak upraszczać problemu argumentując, że w warunkach totalitaryzmu pojawienie się wyjątkowych, utalentowanych zjawisk sztuki jest niemożliwe.

Życie w państwie totalitarnym jest zawsze bardziej skomplikowane niż schematy. Najjaśniejsze i najweselsze filmy, które stały się klasyką, takie jak „Cyrk”, „Wołga-Wołga”, „Wesołe chłopaki”, powstały w tragicznych dla kraju latach przedwojennych. O ich sukcesie decydował nie tylko talent ich twórców, ale także zapotrzebowanie narodu radzieckiego na taką sztukę, który w przeważającej mierze mieszkał w mieszkaniach komunalnych, na widoku i potrzebował, z jednej strony, zrekompensować realia pozbawieni praw wyborczych, a z drugiej mocno wierzący w lepszą przyszłość.

W tych warunkach, gdy – jak mówił J. Orwell – „wszelka sztuka jest propagandą”, artyści tworzyli nie tylko dlatego, że mieli porządek ideologiczny, ale wielu z nich szczerze wyznawało wartości nowego społeczeństwa.

Jednocześnie w reżimach totalitarnych, wraz ze sztuką oficjalną, zawsze rozwija się kultura równoległa - underground, tj. kultura podziemna, przejawiająca się poprzez „samizdat”, dysydencję, poprzez szerokie rozpowszechnianie języka ezopowego.

Wszyscy znają nazwiska W. Wysockiego, B. Okudżawy, B. Achmaduliny. To artyści, których wystawa w Moskwie (Izmailovo) została zmiażdżona przez buldożery. A ci artyści, pisarze, reżyserzy, których twórczość nie została całkowicie zakazana, ukrywali prawdziwe znaczenie w podtekście, który inteligencja nauczyła się „czytać”. Z alegorii słynęły teatry „Sowremennik” i „Na Tagance”, „Literaturnaya Gazeta”, magazyn „Nowy Świat”, filmy A. Tarkowskiego. Artyści do pokazywania swoich dzieł posługiwali się językiem ezopowym, gdyż – jak argumentował Vrubel – artysta bez uznania swojego dzieła przez publiczność, bez dialogu z widzem jest skazany na nieistnienie.

Wielki humanista naszych czasów, A. Schweitzer, w swojej znanej książce „Kultura i etyka”, napisanej w 1923 r., zauważył:

„... Kiedy społeczeństwo oddziałuje na jednostkę silniej niż jednostka na społeczeństwo, rozpoczyna się degradacja kultury, ponieważ w tym przypadku decydująca wartość - duchowe i moralne skłonności osoby - zostaje w sposób konieczny zmniejszona. Następuje demoralizacja społeczeństwa, które nie jest w stanie zrozumieć i rozwiązać problemów, które się przed nim pojawiają. W końcu dochodzi do katastrofy.”

Ta głęboka myśl daje nam klucz do zrozumienia wielu procesów i zjawisk zachodzących w kulturze, zarówno przeszłych, jak i teraźniejszych, związanych z interakcją artysty i społeczeństwa.

Oczywistym warunkiem wolności twórczej jest rzeczywiste ucieleśnienie ideałów demokratycznych w życiu społeczeństwa. Jednakże żaden kraj na świecie nie może rościć sobie prawa do rozwiązania tego krytycznego problemu. Proklamacja norm demokratycznych przez społeczność światową i wiele krajów w XX wieku. jest niewątpliwie wielkim osiągnięciem ludzkości. Jednak ich pełnokrwista realizacja nie stała się jeszcze rzeczywistością. Wolność, nie zabezpieczona materialnymi warunkami jej realizacji, nie może stać się rzeczywistością i pozostaje jedynie w świecie tego, co możliwe. Co więcej, społeczeństwo o tak dużej sile pieniądza nie może w zasadzie być prawdziwie demokratyczne. Nawiasem mówiąc, komercjalizacja kultury, która tak wszystkich niepokoi, nie jest przypadkowa, jest naturalną konsekwencją współczesnej struktury społeczno-gospodarczej społeczeństw demokratycznych.

Zatem sztuka XX wieku. – w takiej czy innej formie – ze stratami i zyskami, okazało się, że zostało wpisane w kontekst społeczny i polityczny.

Dlaczego rząd w takiej czy innej formie próbuje wpłynąć na sztukę?

Jakie są formy oddziaływania władzy na sztukę w państwach totalitarnych i demokratycznych?

Jak w warunkach państw demokratycznych realizowany jest wpływ społeczeństwa na sztukę?

Siła sztuki. Sztuka i władza. Jak powiązane są ze sobą zjawiska takie jak sztuka i władza? Sztuka, jako przejaw wolnych, twórczych sił człowieka, lot jego wyobraźni i ducha, była często wykorzystywana do wzmacniania władzy, zarówno świeckiej, jak i religijnej. „Jeździec brązowy” Dzięki dziełom sztuki władze wzmocniły swoją władzę, a miasta i państwa zachowały prestiż. Sztuka ucieleśniała w widzialnych obrazach idee religii, gloryfikowała i uwieczniała bohaterów. D. Lewicki. Katarzyna II «J.-L. Dawid „Napoleon na przełęczy św. Bernarda” Zadanie:  Jakie cechy podkreślają artyści, rzeźbiarze w wizerunkach mężów stanu, władców różnych epok i krajów?  Jakie są podobieństwa i różnice między tymi obrazami? Jakie są wspólne (typowe) cechy symbolizujące władzę. Waleczność wojowników i dowódców utrwalają dzieła sztuki monumentalnej. Dla upamiętnienia odniesionych zwycięstw wznoszone są pomniki konne, łuki triumfalne i kolumny. Łuk Triumfalny Konstantyna, Rzym, Włochy. Dekretem Napoleona I, który chciał uwiecznić chwałę swojej armii, w Paryżu zbudowano Bramę Triumfalną. Na ścianach łuku wyryte są nazwiska generałów, którzy walczyli u boku cesarza. Francja, Paryż, Łuk Triumfalny W 1814 roku w Rosji, na uroczyste spotkanie rosyjskiej armii wyzwolicieli, powracającej z Europy po zwycięstwie nad Napoleonem, na Twerskiej Zastawie zbudowano drewnianą Bramę Triumfalną. Łuk stał przez ponad 100 lat w centrum Moskwy, a w 1936 roku został zburzony. Dopiero w latach 60. XX wiek Łuk triumfalny odtworzono na Placu Zwycięstwa, niedaleko Połonnej Góry, w miejscu wkroczenia wojsk Napoleona do miasta. Carowie moskiewscy uważali się za spadkobierców tradycji rzymskich, co znalazło odzwierciedlenie w słowach: „Moskwa jest trzecim Rzymem i czwartego nie będzie”. Klasztor Zmartwychwstania Nowego Jeruzalem – pomnik. 2. piętro XVII wiek (pragnienie patriarchy Nikona stworzenia świętych miejsc na obraz Palestyny, gdzie przeszło ziemskie życie Jezusa Chrystusa) W XX wieku, w dobie stalinizmu w naszym kraju, pompatyczna, wspaniała architektura podkreślała siłę i moc państwa, redukując osobowość ludzką do znikomo małego poziomu, ignorując jednostkę, oryginalność każdej osoby Niezrealizowane projekty moskiewskich architektów z lat 30-50. Pałac Sowietów – praca domowa.  Przygotuj raport lub prezentację komputerową na temat związany z zaszczepianiem w ludziach pewnych myśli i uczuć poprzez sztukę. Przeanalizuj różne dzieła sztuki tego samego rodzaju sztuki w różnych epokach lub wybierz epokę i przedstaw jej całościowy obraz w oparciu o dzieła różnych rodzajów sztuki.