Nikolaev A.I. Podstawy krytyki literackiej. Zbiór idealnych esejów z nauk społecznych. Autorzy nurtów literackich

Główne cechy

kierunek literacki

Przedstawiciele

literatura

Klasycyzm - XVIII - początek XIX wieku

1) Teoria racjonalizmu jako podłoże filozoficzne klasycyzm. Kult rozumu w sztuce.

2) Harmonia treści i formy.

3) Celem sztuki jest moralne oddziaływanie na wychowanie szlachetnych uczuć.

4) Prostota, harmonia, logiczna prezentacja.

5) Przestrzeganie zasady „trzech jedności” w dziele dramatycznym: jedności miejsca, czasu, akcji.

6) Wyraźna fiksacja na temat pozytywnych i negatywnych cech charakteru niektórych postaci.

7) Ścisła hierarchia : „wysoki” - poemat epicki, tragedia, oda; „medium” - poezja dydaktyczna, list, satyra, wiersz miłosny; „niski” - bajka, komedia, farsa.

P. Corneille, J. Racine,

J. B. Molière,

J. La Fontaine (Francja); M. V. Łomonosow, A. P. Sumarokow,

Ya. B. Knyazhnin, G. R. Derzhavin, D. I. Fonvizin (Rosja)

Sentymentalizm - XVIII - początek XIX wieku

1) Obraz natury jako tła ludzkich doświadczeń.

2) Uwaga na wewnętrzny świat człowieka (podstawy psychologizmu).

3) Motywem przewodnim jest temat śmierci.

4) Ignorowanie otoczenia (okoliczności mają drugorzędne znaczenie); obraz duszy prostego człowieka, jego wewnętrznego świata, uczuć, które zawsze są piękne od początku.

5) Główne gatunki: elegia, dramat psychologiczny, powieść psychologiczna, pamiętnik, podróż, opowieść psychologiczna.

L. Stern, S. Richardson (Anglia);

J.-J. Rousseau (Francja); I.V. Goethe (Niemcy); N. M. Karamzin (Rosja)

Romantyzm - koniec XVIII - XIX w

1) „Kosmiczny pesymizm” (beznadzieja i rozpacz, zwątpienie w prawdziwość i celowość współczesnej cywilizacji).

2) Odwoływanie się do ideałów wiecznych (miłość, piękno), niezgoda ze współczesną rzeczywistością; idea „eskapizmu” (lotu romantycznego bohatera do idealnego świata)

3) Romantyczny podwójny świat(uczucia, pragnienia człowieka i otaczająca rzeczywistość są w głębokiej sprzeczności).

4) Potwierdzenie wrodzonej wartości odrębnej osobowości człowieka z jej szczególnym światem wewnętrznym, bogactwem i wyjątkowością ludzkiej duszy.

5) Wizerunek wyjątkowego bohatera w szczególnych, wyjątkowych okolicznościach.

Novalis, E.T.A. Hoffmanna (Niemcy); D. G. Byron, W. Wordsworth, P. B. Shelley, D. Keats (Anglia); V. Hugo (Francja);

V. A. Żukowski, K. F. Ryleev, M. Yu Lermontow (Rosja)

Realizm - XIX - XX wiek

1) Zasada historyzmu w sercu artystycznego przedstawiania rzeczywistości.

2) Duch epoki oddawany jest w dziele sztuki za pomocą prototypów (wizerunku typowego bohatera w typowych okolicznościach).

3) Bohaterowie to nie tylko wytwór określonego czasu, ale także typy uniwersalne.

4) Postacie bohaterów są dane w rozwoju, są wieloaspektowe i złożone, motywowane społecznie i psychologicznie.

5) Żywy język mówiony; słownictwo potoczne.

Ch. Dickens, W. Thackeray (Anglia);

Stendhal, O. Balzac (Francja);

A. S. Puszkin, I. S. Turgieniew, L. N. Tołstoj, F. M. Dostojewski, A. P. Ch

Naturalizm - ostatnia tercja XIX w

1) Pragnienie pozornie dokładnego przedstawienia rzeczywistości.

2) Obiektywny, dokładny i bezstronny obraz rzeczywistości i ludzkiego charakteru.

3) Przedmiotem zainteresowań jest życie codzienne, fizjologiczne podstawy psychiki człowieka; los, wola, duchowy świat jednostki.

4) Idea braku „złych” fabuł i niegodnych tematów do artystycznego przedstawienia

5) Brak fabuły niektórych dzieł sztuki.

E. Zola, A. Holtz (Francja);

N. A. Niekrasow „Rogi Petersburga”,

V. I. Dal „Kozak Uralski”, eseje moralistyczne

G. I. Uspienski, V. A. Sleptsov, A. I. Levitan, M. E. Saltykov-Shchedrin (Rosja)

Modernizm. Główne kierunki:

Symbolizm

Ameizm

Imagizm

Awangardyzm.

Futuryzm

Symbolizm - 1870 - 1910 lat

1) Symbol jest głównym środkiem przekazywania rozważanych tajemnych znaczeń.

2) Orientacja w kierunku filozofii idealistycznej i mistycyzmu.

3) Wykorzystanie możliwości skojarzeniowych słowa (wielość znaczeń).

4) Odwołaj się do dzieła klasyczne starożytności i średniowiecza.

5) Sztuka jako intuicyjne rozumienie świata.

6) Element muzyczny jest przodkową podstawą życia i sztuki; uwagę na rytm wiersza.

7) Uwaga na analogie i „korespondencje” w poszukiwaniu jedności świata

8) Preferowanie lirycznych gatunków poetyckich.

9) Wartość wolnej intuicji twórcy; idea zmiany świata w procesie twórczym (demiurgicznym).

10) Własne tworzenie mitów.

Ch. Baudelaire, A. Rimbaud (Francja);

M. Maeterlinck (Belgia); D. S. Mereżkowski, Z. N. Gippius,

V. Ya Bryusov, K. D. Balmont,

A. A. Blok, A. Bieły (Rosja)

Ameizm - Lata 10. (1913 - 1914) w poezji rosyjskiej

1) Poczucie własnej wartości odrębnej rzeczy i każdego zjawiska życiowego.

2) Celem sztuki jest uszlachetnianie natury ludzkiej.

3) Pragnienie artystycznego przekształcenia niedoskonałych zjawisk życiowych.

4) Jasność i trafność słowa poetyckiego („teksty słów nienagannych”), intymność, estetyka.

5) Idealizacja uczuć pierwotnego człowieka (Adama).

6) Odrębność, pewność obrazów (w przeciwieństwie do symboliki).

7) Obraz obiektywny świat, ziemskie piękno.

N. S. Gumilow,

S. M. Gorodecki,

O. E. Mandelstam,

A. A. Achmatowa (wczesny występ w telewizji),

M. A. Kuźmin (Rosja)

Futuryzm - 1909 (Włochy), 1910 - 1912 (Rosja)

1) Utopijne marzenie o narodzinach supersztuki zdolnej przemienić świat.

2) Oparcie się na najnowszych osiągnięciach naukowych i technologicznych.

3) Atmosfera skandalu literackiego, oburzająca.

4) Ustaw aktualizację języka poetyckiego; zmiana relacji pomiędzy podporami semantycznymi tekstu.

5) Stosunek do słowa jako materiału konstrukcyjnego, kreacja słowa.

6) Szukaj nowych rytmów, rymów.

7) Instalacja na tekście mówionym (deklamacja)

I. Siewierianin, W. Chlebnikow

(wczesny występ w telewizji), D. Burliuk, A. Kruchenykh, V. V. Mayakovsky

(Rosja)

Imagizm - Lata 20. XX wieku

1) Zwycięstwo obrazu nad znaczeniem i ideą.

2) Nasycenie obrazów werbalnych.

3) Wiersz Imagisty nie może mieć żadnej treści

Swego czasu SA należała do Imagistów. Jesienin

1. Kierunek literacki – często utożsamiany z metodą artystyczną. Oznacza zespół podstawowych zasad duchowych i estetycznych wielu pisarzy, a także szeregu grup i szkół, ich zasady programowe i estetyczne oraz stosowane środki. W walce i zmianie kierunku najdobitniej wyrażają się prawa procesu literackiego.

Zwyczajowo wyróżnia się następujące kierunki literackie:

a) Klasycyzm
b) sentymentalizm,
c) naturalizm,
d) romantyzm,
e) Symbolika,
e) realizm.

1. Ruch literacki - często utożsamiany z grupą literacką i szkołą. Oznacza zbiór osobowości twórczych, które charakteryzuje bliskość ideologiczna i artystyczna oraz jedność programowa i estetyczna. W przeciwnym razie nurt literacki jest odmianą (jakby podklasą) nurtu literackiego. Na przykład w odniesieniu do rosyjskiego romantyzmu mówi się o nurcie „filozoficznym”, „psychologicznym” i „obywatelskim”. W realizmie rosyjskim niektórzy rozróżniają nurty „psychologiczne” i „socjologiczne”.

Klasycyzm

Styl i kierunek artystyczny w literaturze i sztuce europejskiej początku XVII wieku. XIX wieki. Nazwa wywodzi się od łacińskiego „classicus” – wzorcowy.

Cechy klasycyzmu:

1. Odwoływanie się do obrazów i form starożytnej literatury i sztuki jako idealnego standardu estetycznego, wysuwając na tej podstawie zasadę „naśladowania natury”, która zakłada ścisłe przestrzeganie niewzruszonych zasad zaczerpniętych z starożytnej estetyki (na przykład w osobie Arystoteles, Horacy).
2. Estetyka opiera się na zasadach racjonalizmu (od łacińskiego „ratio” – umysł), który potwierdza spojrzenie na dzieło sztuki jako na dzieło sztuczne – świadomie stworzone, rozsądnie zorganizowane, logicznie zbudowane.
3. Obrazy w klasycyzmie pozbawione są cech indywidualnych, mają bowiem przede wszystkim uchwycić cechy stałe, gatunkowe, trwałe w czasie, będąc ucieleśnieniem wszelkich sił społecznych czy duchowych.
4. Społeczna i edukacyjna funkcja sztuki. Wychowanie harmonijnej osobowości.
5. Ustalono ścisłą hierarchię gatunków, które dzielą się na „wysokie” (tragedia, epopeja, oda; ich zakres obejmuje życie publiczne, wydarzenia historyczne, mitologia, ich bohaterami są monarchowie, generałowie, postacie mitologiczne, asceci religijni) i „niskie ” (komedia, satyra). , bajka przedstawiająca prywatne życie codzienne ludzi z klasy średniej). Każdy gatunek ma ścisłe granice i jasne cechy formalne, nie można mieszać wzniosłości z podłością, tragizmu z komizmem, heroizmu z przyziemnością. Wiodącym gatunkiem jest tragedia.
6. Klasyczna dramaturgia aprobowała tzw. zasadę „jedności miejsca, czasu i akcji”, co oznaczało, że: akcja spektaklu powinna toczyć się w jednym miejscu, czas trwania akcji powinien być ograniczony czasem trwania przedstawienia (ewentualnie więcej, ale maksymalny czas trwania narracji w sztuce wynosił jeden dzień), jedność akcji oznaczała, że ​​sztuka powinna odzwierciedlać jedną centralną intrygę, a nie być przerywana akcjami pobocznymi.

Klasycyzm powstał i rozwinął się we Francji wraz z ustanowieniem absolutyzmu (klasycyzm ze swoimi koncepcjami „wzorowego”, ścisłą hierarchią gatunków itp. jest na ogół często kojarzony z absolutyzmem i rozkwitem państwowości – P. Corneille, J. Racine , J. La Fontaine, J. B. Moliere i in. Po wejściu w okres schyłku koniec XVII wiek, klasycyzm odrodził się w Oświeceniu - Voltaire, M. Chenier i inni.Po rewolucji francuskiej, wraz z upadkiem idei racjonalistycznych, klasycyzm zanika, romantyzm staje się dominującym stylem sztuki europejskiej.

Klasycyzm w Rosji:

Klasycyzm rosyjski powstał w drugiej ćwierci XVIII wieku za sprawą twórców nowej literatury rosyjskiej - A. D. Kantemira, W. K. Trediakowskiego i M. W. Łomonosowa. W dobie klasycyzmu literatura rosyjska opanowała formy gatunkowe i stylistyczne, które rozwinęły się na Zachodzie, włączyła się w ogólnoeuropejski rozwój literacki, zachowując przy tym swoją tożsamość narodową. Charakterystyka Rosyjski klasycyzm:

A) Orientacja satyryczna - ważne miejsce zajmują takie gatunki jak satyra, bajka, komedia, bezpośrednio adresowane do konkretnych zjawisk z życia Rosjan;
B) Przewaga tematów narodowo-historycznych nad starożytnymi (tragedie A. P. Sumarokowa, Ja. B. Kniażnina i innych);
V) Wysoki poziom rozwój gatunku ody (M. V. Łomonosow i G. R. Derzhavin);
G) Ogólny patos patriotyczny rosyjskiego klasycyzmu.

Pod koniec XVIII - wcześnie. XIX-wieczny klasycyzm rosyjski jest pod wpływem idei sentymentalistycznych i przedromantycznych, co znajduje odzwierciedlenie w poezji G. R. Derzhavina, tragediach V. A. Ozerowa i cywilnych tekstach poetów dekabrystów.

Sentymentalizm

Sentymentalizm (z angielskiego sentymentalny - „wrażliwy”) to nurt w europejskiej literaturze i sztuce XVIII wieku. Przygotowany został przez kryzys racjonalizmu oświeceniowego, był ostatnim etapem Oświecenia. Chronologicznie w zasadzie poprzedzał romantyzm, przekazując mu szereg swoich cech.

Główne oznaki sentymentalizmu:

1. Sentymentalizm pozostał wierny ideałowi osobowości normatywnej.
2. W przeciwieństwie do klasycyzmu z jego oświecającym patosem, dominację „natury ludzkiej” deklarowało uczucie, a nie rozum.
3. Za warunek ukształtowania się idealnej osobowości uważał nie „rozsądną reorganizację świata”, ale uwolnienie i poprawę „naturalnych uczuć”.
4. Bohater literatury sentymentalizmu jest bardziej zindywidualizowany: z pochodzenia (lub przekonań) jest demokratą, bogaty świat duchowy pospolitego człowieka jest jednym ze zdobyczy sentymentalizmu.
5. Jednak w odróżnieniu od romantyzmu (przedromantyzmu) „irracjonalność” jest obca sentymentalizmowi: niezgodność nastrojów, impulsywność impulsów duchowych postrzegał jako możliwe do interpretacji racjonalistycznej.

Sentymentalizm najpełniej wyraził się w Anglii, gdzie najwcześniej ukształtowała się ideologia stanu trzeciego – w dziełach J. Thomsona, O. Goldsmitha, J. Crabba, S. Richardsona, JI. Rufa.

Sentymentalizm w Rosji:

W Rosji przedstawicielami sentymentalizmu byli: M. N. Muravyov, N. M. Karamzin (naib, słynne dzieło - „Biedna Liza”), I. I. Dmitriev, V. V. Kapnist, N. A. Lwow, młody V A. Żukowski.

Charakterystyczne cechy rosyjskiego sentymentalizmu:

a) tendencje racjonalistyczne są dość wyraźnie wyrażone;
b) Postawa dydaktyczna (moralizująca) jest silna;
c) Trendy oświeceniowe;
d) Udoskonalając język literacki, rosyjscy sentymentaliści zwrócili się ku normom potocznym, wprowadzili język narodowy.

Ulubionymi gatunkami sentymentalistów są elegia, list, powieść epistolarna (powieść listowa), notatki podróżnicze, pamiętniki i inne rodzaje prozy, w których dominują motywy konfesyjne.

Romantyzm

Jeden z największych nurtów w literaturze europejskiej i amerykańskiej końca XVIII w połowa XIX wieku, który zyskał światowe znaczenie i dystrybucję. W XVIII wieku wszystko, co fantastyczne, niezwykłe, dziwne, spotykane tylko w książkach, a nie w rzeczywistości, nazywano romantycznym. Na przełomie XVIII i XIX w. „romantyzm” zaczyna być nazywany nowym ruchem literackim.

Główne oznaki romantyzmu:

1. Orientacja antyoświeceniowa (czyli przeciwna ideologii oświeceniowej), która przejawiała się w sentymentalizmie i przedromantyzmie, a swój szczyt osiągnęła w romantyzmie. Przesłanki społeczno-ideologiczne - rozczarowanie wynikami Wielkiej Rewolucji Francuskiej i owocami cywilizacji w ogóle, protest przeciwko wulgarności, rutynie i prozaiczności życia burżuazyjnego. Rzeczywistość historyczna okazała się wymykająca się spod kontroli „rozumu”, irracjonalna, pełna tajemnic i nieprzewidzianych zdarzeń, a współczesny porządek świata okazał się wrogi naturze ludzkiej i wolności osobistej.
2. Ogólną orientacją pesymistyczną są idee „kosmicznego pesymizmu”, „światowego smutku” (bohaterowie dzieł F. Chateaubrianda, A. Musseta, J. Byrona, A. Vigny'ego itp.). Temat „strasznego świata” „leżącego w złu” szczególnie wyraźnie znalazł odzwierciedlenie w „dramacie rocka” czy „tragedii rocka” (G. Kleist, J. Byron, E. T. A. Hoffman, E. Poe).
3. Wiara we wszechmoc ludzkiego ducha, w jego zdolność do samoodnowy. Romantycy odkryli niezwykłą złożoność, wewnętrzną głębię ludzkiej indywidualności. Człowiek jest dla nich mikrokosmosem, małym wszechświatem. Stąd – absolutyzacja zasady osobowej, filozofia indywidualizmu. W centrum dzieła romantycznego zawsze znajduje się silna, wyjątkowa osobowość, przeciwstawiająca się społeczeństwu, jego prawom i normom moralnym.
4. „Dwa światy”, czyli podział świata na realny i idealny, które są sobie przeciwne. Duchowy wgląd, natchnienie, któremu podlega romantyczny bohater, to nic innego jak wniknięcie w ten idealny świat (przykładowo dzieła Hoffmanna, szczególnie wyraziście w: „Złotym garnku”, „Dziadku do orzechów”, „Małym Tsakhesem, nazywany Zinnoberem”). Romantycy sprzeciwiali się klasycznemu „naśladowaniu natury” działalność twórcza artyście z jego prawem do przekształcania świata rzeczywistego: artysta tworzy swój własny, wyjątkowy świat, piękniejszy i prawdziwy.
5. „Lokalny kolor” Osoba sprzeciwiająca się społeczeństwu odczuwa duchową bliskość natury, jej żywiołów. Dlatego romantycy tak często sceną akcji są egzotyczne kraje i ich przyroda (Wschód). Egzotyczna, dzika przyroda wpisywała się w ducha romantycznej osobowości pragnącej wykraczać poza przeciętność. Romantycy jako pierwsi zwrócili szczególną uwagę na twórcze dziedzictwo narodu, jego cechy narodowe, kulturowe i historyczne. Różnorodność narodowa i kulturowa, zgodnie z filozofią romantyków, stanowiła część jednej wielkiej całości – „wszechświata”. Uświadomiło to sobie wyraźnie rozwój gatunku powieści historycznej (tacy autorzy jak W. Scott, F. Cooper, V. Hugo).

Romantycy, absolutyzując swobodę twórczą artysty, zaprzeczali racjonalistycznym regulacjom w sztuce, co jednak nie przeszkadzało im w głoszeniu własnych kanonów romantycznych.

Rozwinęły się gatunki: powieść fantastyczna, powieść historyczna, poemat liryczno-epopetyczny i teksty piosenek, które osiągnęły niezwykły rozkwit.

Klasyczne kraje romantyzmu - Niemcy, Anglia, Francja.

Począwszy od lat czterdziestych XIX wieku romantyzm w głównych krajach Europy ustąpił miejsca wiodącej pozycji realizmu krytycznego i zeszedł na dalszy plan.

Romantyzm w Rosji:

Narodziny romantyzmu w Rosji wiążą się z społeczno-ideologiczną atmosferą rosyjskiego życia - ogólnokrajowym ożywieniem po wojnie 1812 roku. Wszystko to doprowadziło nie tylko do powstania, ale także do szczególnego charakteru romantyzmu poetów dekabrystów (na przykład K.F. Ryleev, V.K. walka.

Charakterystyczne cechy romantyzmu w Rosji:

A) Przyspieszony rozwój literatury w Rosji na początku XIX wieku doprowadził do „dotarcia” i połączenia różnych etapów, które etapami miały miejsce w innych krajach. W romantyzmie rosyjskim tendencje przedromantyczne splatają się z tendencjami klasycyzmu i oświecenia: wątpliwości co do wszechmocnej roli rozumu, kult wrażliwości, natury, elegijna melancholia połączona z klasycznym uporządkowaniem stylów i gatunków, umiarkowany dydaktyzm (edyfikacja) oraz walka z nadmierną metaforą w imię „dokładności harmonicznej” (wyrażenie A. S. Puszkin).

B) Bardziej wyraźna orientacja społeczna rosyjskiego romantyzmu. Na przykład poezja dekabrystów, dzieła M. Yu. Lermontowa.

W rosyjskim romantyzmie szczególnie rozwinięte są takie gatunki jak elegia i idylla. Bardzo ważny dla samostanowienia rosyjskiego romantyzmu był rozwój ballady (na przykład w twórczości V. A. Żukowskiego). Kontury rosyjskiego romantyzmu zostały najostrzej określone wraz z pojawieniem się gatunku poematu liryczno-epickiego (południowe wiersze A. S. Puszkina, dzieła I. I. Kozłowa, K. F. Rylejewa, M. Yu. Lermontowa i in.). Powieść historyczna rozwija się jako wielka forma epicka (M. N. Zagoskin, I. I. Lazhechnikov). Szczególnym sposobem na stworzenie dużej formy epickiej jest cyklizacja, czyli unifikacja pozornie niezależnych (i częściowo opublikowanych osobno) dzieł („Podwójne lub moje wieczory w małej Rosji” A. Pogorelskiego, „Wieczory na farmie koło Dikanki ” N. V. Gogola, „Bohater naszych czasów” M. Yu. Lermontowa, „Rosyjskie noce” V. F. Odoevsky’ego).

Naturalizm

Naturalizm (od łac. natura – „natura”) to nurt literacki, który rozwinął się w ostatniej tercji XIX wieku w Europie i USA.

Charakterystyczne cechy naturalizmu:

1. Pragnienie obiektywnego, dokładnego i beznamiętnego przedstawienia rzeczywistości i charakteru człowieka, ze względu na fizjologiczną naturę i środowisko, rozumiane przede wszystkim jako bezpośrednie środowisko domowe i materialne, ale nie wykluczając czynników społeczno-historycznych. Głównym zadaniem przyrodników było badanie społeczeństwa z taką samą kompletnością, z jaką przyrodnik bada naturę, a wiedzę artystyczną porównywano do nauki.
2. Dzieło sztuki uznawano za „dokument ludzki”, a głównym kryterium estetycznym była kompletność dokonywanego w nim aktu poznawczego.
3. Przyrodnicy nie chcieli moralizować, wierząc, że rzeczywistość przedstawiona z naukową bezstronnością jest sama w sobie wystarczająco wyrazista. Uważali, że literatura, podobnie jak nauka, nie ma prawa dobierać materiału, że nie ma nieodpowiednich dla pisarza wątków i tematów niegodnych. Stąd w pracach przyrodników często pojawiała się bezmyślność i publiczna obojętność.

Naturalizm zyskał szczególny rozwój we Francji - na przykład naturalizm obejmuje dzieła takich pisarzy jak G. Flaubert, bracia E. i J. Goncourt, E. Zola (który opracował teorię naturalizmu).

W Rosji naturalizm nie był powszechny, odgrywał jedynie pewną rolę etap początkowy rozwój rosyjskiego realizmu. Tendencje naturalistyczne można prześledzić wśród autorów tzw. szkoła naturalna”(patrz poniżej) - V. I. Dal, I. I. Panaev i inni.

Realizm

Realizm (od późnego łacińskiego realis - realny, realny) to ruch literacki i artystyczny XIX-XX wieku. Wywodzi się z renesansu (tzw. „realizmu renesansowego”) lub oświecenia („ realizm oświeceniowy„). Cechy realizmu odnotowuje się w starożytnym i średniowiecznym folklorze, literaturze starożytnej.

Główne cechy realizmu:

1. Artysta przedstawia życie w obrazach, które odpowiadają istocie zjawisk samego życia.
2. Literatura w realizmie jest środkiem poznania człowieka o sobie i otaczającym go świecie.
3. Poznanie rzeczywistości odbywa się za pomocą obrazów tworzonych poprzez typizację faktów rzeczywistości („typowe postacie w typowym otoczeniu”). Typizacja postaci w realizmie dokonuje się poprzez „prawdziwość szczegółów” w „konkretności” warunków istnienia postaci.
4. Sztuka realistyczna to sztuka afirmująca życie, nawet w przypadku tragicznego rozwiązania konfliktu. Filozoficzną podstawą tego jest gnostycyzm, wiara w poznawalność i adekwatne odzwierciedlenie otaczającego świata, w przeciwieństwie na przykład do romantyzmu.
5. Sztuka realistyczna jest nieodłącznie związana z chęcią uwzględnienia rzeczywistości w rozwoju, umiejętnością wykrywania i uchwycenia pojawiania się i rozwoju nowych form życia i relacji społecznych, nowych typów psychologicznych i społecznych.

Realizm jako nurt literacki ukształtował się w latach 30. XIX wieku. Bezpośrednim prekursorem realizmu w literaturze europejskiej był romantyzm. Uczyniwszy niezwykłość przedmiotem obrazu, tworząc wyimaginowany świat szczególnych okoliczności i wyjątkowych namiętności, on (romantyzm) jednocześnie ukazał osobowość bogatszą pod względem duchowym, emocjonalnym, bardziej złożoną i sprzeczną, niż była dostępna klasycyzmowi, sentymentalizmowi i inne trendy poprzednich epok. Realizm zatem rozwinął się nie jako antagonista romantyzmu, ale jako jego sojusznik w walce z idealizacją stosunków społecznych, o narodowo-historyczną oryginalność obrazów artystycznych (kolor miejsca i czasu). Nie zawsze łatwo jest wyznaczyć wyraźne granice między romantyzmem a realizmem w pierwszej połowie XIX wieku, w twórczości wielu pisarzy cechy romantyczne i realistyczne połączyły się - na przykład dzieła O. Balzaca, Stendhala, V. Hugo, częściowo C. Dickens. W literaturze rosyjskiej znalazło to szczególnie wyraźne odzwierciedlenie w twórczości A. S. Puszkina i M. Yu Lermontowa (południowe wiersze Puszkina i Bohater naszych czasów Lermontowa).

W Rosji, gdzie podstawy realizmu znajdowały się jeszcze w latach dwudziestych i trzydziestych XIX wieku. określone przez dzieło A. S. Puszkina („Eugeniusz Oniegin”, „Borys Godunow”, „ Córka kapitana”, późne teksty), a także kilku innych pisarzy („Biada dowcipu” A. S. Gribojedowa, bajki I. A. Kryłowa), etap ten kojarzony jest z nazwiskami I. A. Gonczarowa, I. S. Turgieniewa, N. A. Niekrasowa, A. N. Ostrowskiego i inne Realizm XIX wieku nazywany jest zwykle „krytycznym”, ponieważ zasadą definiującą w nim był właśnie aspekt społeczno-krytyczny. Zaostrzony patos społeczno-krytyczny jest jednym z głównych Cechy wyróżniające Realizm rosyjski – na przykład „Inspektor rządowy”, „Martwe dusze” N.V. Gogola, działalność pisarzy „szkoły naturalnej”. Realizm drugiej połowy XIX wieku osiągnął swój szczyt właśnie w literaturze rosyjskiej, zwłaszcza w dziełach L. N. Tołstoja i F. M. Dostojewskiego, którzy stali się koniec XIX stulecia, centralne postacie światowego procesu literackiego. Wzbogacili się literatura światowa nowe zasady konstruowania powieści społeczno-psychologicznej, zagadnienia filozoficzne i moralne, nowe sposoby odkrywania ludzkiej psychiki w jej najgłębszych pokładach.

Pojęcia „kierunek”, „przepływ”, „szkoła” odnoszą się do terminów opisujących proces literacki – rozwój i funkcjonowanie literatury w skali historycznej. Ich definicje są dyskusyjne w literaturoznawstwie.

Kierunek w XIX wieku oznaczał ogólny charakter treść, idee całej literatury narodowej lub jakikolwiek okres jej rozwoju. Na początku XIX wieku nurt literacki był powszechnie kojarzony z „głównym nurtem umysłów”.

Tak więc I. V. Kireevsky w artykule „Dziewiętnasty wiek” (1832) napisał, że dominujący nurt umysłów końca XVIII wieku jest destrukcyjny, a nowy polega na „pragnieniu kojącego równania nowego ducha z ruinami dawnych czasów...

W literaturze efektem tego nurtu była chęć zharmonizowania wyobraźni z rzeczywistością, poprawności form ze swobodą treści… słowem, na próżno to, co nazywa się klasycyzmem, z tym, co jeszcze bardziej błędnie nazywa się romantyzmem.

Już wcześniej, bo w 1824 r., V. K. Küchelbecker w artykule „O kierunku naszej poezji, zwłaszcza lirycznej, w ostatnim dziesięcioleciu” uznał kierunek poezji za jej główną treść. Ks. A. Polewoj jako pierwszy w krytyce rosyjskiej użył słowa „kierunek” do pewnych etapów rozwoju literatury.

W artykule „O kierunkach i stronach literatury” nazwał kierunek „tym wewnętrznym dążeniem literatury, często niewidocznym dla współczesnych, które w określonym czasie nadaje charakter wszystkim, a przynajmniej bardzo wielu jej dziełom. Jej podstawą, w ogólnym sensie, jest idea epoki nowożytnej.

W przypadku „prawdziwej krytyki” – N. G. Czernyszewskiego, N. A. Dobrolyubowa – kierunek był skorelowany z ideologicznym stanowiskiem pisarza lub grupy pisarzy. Ogólnie rzecz biorąc, kierunek był rozumiany jako różnorodne środowiska literackie.

Ale główną cechą, która je łączy, jest to, że jedność najbardziej ogólne zasady ucieleśnienie treści artystycznych, wspólność głębokich podstaw światopoglądu artystycznego.

Jedność ta często wynika z podobieństwa tradycji kulturowych i historycznych, często kojarzonych z typem świadomości epoka literacka niektórzy uczeni uważają, że jedność kierunku wynika z jedności metody twórczej pisarzy.

Nie ma ustalonej listy trendów literackich, ponieważ rozwój literatury wiąże się ze specyfiką życia historycznego, kulturalnego, społecznego społeczeństwa, cechami narodowymi i regionalnymi konkretnej literatury. Jednak tradycyjnie istnieją takie obszary, jak klasycyzm, sentymentalizm, romantyzm, realizm, symbolika, z których każdy charakteryzuje się własnym zestawem cech formalnych i znaczących.

Na przykład w ramach romantycznego światopoglądu można wyróżnić uniwersalne cechy romantyzmu, takie jak motywy niszczenia znanych granic i hierarchii, idee „inspirującej” syntezy, która zastąpiła racjonalistyczną koncepcję „połączenia” i „porządek”, świadomość człowieka jako centrum i tajemnicy bytu, osobowość otwarta i twórcza itp.

Ale konkretny wyraz tych ogólnych filozoficznych i estetycznych podstaw światopoglądu w dziełach pisarzy i samym ich światopoglądzie jest inny.

Zatem w obrębie romantyzmu problem ucieleśnienia uniwersalnych, nowych, nieracjonalnych ideałów ucieleśniał się z jednej strony w idei buntu, radykalnej reorganizacji istniejącego porządku świata (D. G. Byron, A. Mickiewicz, P. B. Shelley, K. F. Ryleev), a z drugiej strony w poszukiwaniu wewnętrznego „ja” (V. A. Żukowski), harmonii natury i ducha (W. Wordsworth), samodoskonaleniu religijnego (F. R. Chateaubriand).

Jak widać, taka wspólność zasad ma charakter międzynarodowy, w dużej mierze różnej jakości i istnieje w dość nieostrych ramach chronologicznych, co wynika w dużej mierze z krajowej i regionalnej specyfiki procesu literackiego.

Dowodem na ich ponadnarodowy charakter jest zwykle ta sama sekwencja zmian kierunku w różnych krajach. Ten lub inny kierunek w każdym kraju działa jako narodowa odmiana odpowiedniej międzynarodowej (europejskiej) społeczności literackiej.

Zgodnie z tym punktem widzenia klasycyzm francuski, niemiecki, rosyjski uważa się za odmiany międzynarodowego nurtu literackiego - klasycyzmu europejskiego, który jest połączeniem najczęstszych cech typologicznych właściwych wszystkim odmianom tego nurtu.

Ale trzeba o tym pamiętać często cechy narodowe tego czy innego kierunku może objawiać się znacznie wyraźniej niż podobieństwo typologiczne odmian. Uogólniając, istnieje pewien schematyzm, który może zniekształcić rzeczywiste fakty historyczne procesu literackiego.

Na przykład klasycyzm najwyraźniej objawił się we Francji, gdzie przedstawiany jest jako kompletny system zarówno treści, jak i cech formalnych dzieł, skodyfikowany przez teoretyczną poetykę normatywną (Sztuka poetycka N. Boileau). Ponadto jest reprezentowana przez znaczące osiągnięcia artystyczne, które wywarły wpływ na inną literaturę europejską.

W Hiszpanii i Włoszech, gdzie sytuacja historyczna potoczyła się odmiennie, klasycyzm okazał się kierunkiem w dużej mierze naśladowczym. Literatura barokowa okazała się w tych krajach wiodącą literaturą.

Rosyjski klasycyzm staje się, nie bez wpływu, centralnym nurtem w literaturze. Klasycyzm francuski, ale zyskuje własne narodowe brzmienie, krystalizuje się w walce między prądami „Łomonosowa” i „Sumaroka”. Istnieje wiele różnic w narodowych odmianach klasycyzmu, a jeszcze więcej problemów wiąże się z definicją romantyzmu jako jednolitego nurtu paneuropejskiego, w ramach którego często spotyka się bardzo różne zjawiska jakościowe.

Tym samym budowa paneuropejskich i „światowych” modeli nurtów jako największych jednostek funkcjonowania i rozwoju literatury wydaje się zadaniem bardzo trudnym.

Stopniowo wraz z „kierunkiem” w obiegu pojawia się określenie „przepływ”, często używane jako synonim „kierunku”. Tak więc D. S. Mereżkowski w obszernym artykule „O przyczynach upadku i nowych trendach we współczesnej literaturze rosyjskiej” (1893) pisze, że „między pisarzami o różnych, czasem przeciwnych temperamentach, ustanawiają się specjalne prądy mentalne, szczególna atmosfera, jak pomiędzy przeciwległymi biegunami, przepełnione kreatywnością.” To on, zdaniem krytyka, określa podobieństwo „fenomenów poetyckich”, dzieł różnych pisarzy.

Często „kierunek” jest uznawany za pojęcie ogólne w odniesieniu do „przepływu”. Obie koncepcje oznaczają jedność wiodących zasad duchowo-treściowych i estetycznych powstających na pewnym etapie procesu literackiego, obejmującego twórczość wielu pisarzy.

Termin „kierunek” w literaturze rozumiany jest jako twórcza jedność pisarzy określonej epoki historycznej, stosujących wspólne zasady ideologiczne i estetyczne w przedstawianiu rzeczywistości.

Kierunek w literaturze uważany jest za kategorię uogólniającą proces literacki, jako jedną z form światopoglądu artystycznego, poglądów estetycznych, sposobów ukazywania życia, związaną ze specyficznym stylem artystycznym. W historii literatury narodowe Narody europejskie wyróżniają takie obszary, jak klasycyzm, sentymentalizm, romantyzm, realizm, naturalizm, symbolika.

Wprowadzenie do literaturoznawstwa (N.L. Vershinina, E.V. Volkova, A.A. Ilyushin i inni) / wyd. L.M. Krupczanow. -M., 2005

We współczesnej krytyce literackiej terminy „kierunek” i „przepływ” można interpretować na różne sposoby. Czasem używa się ich jako synonimów (klasycyzm, sentymentalizm, romantyzm, realizm i modernizm nazywane są zarówno nurtami, jak i kierunkami), a czasem nurt utożsamiany jest z szkoła literacka lub grupowanie, a kierunek - metodą artystyczną lub stylem (w tym przypadku kierunek obejmuje dwa lub więcej nurtów).

Zazwyczaj, kierunek literacki nazwano grupą pisarzy o podobnym typie myślenia artystycznego. O istnieniu nurtu literackiego można mówić, jeśli pisarze mają tego świadomość podstawy teoretyczne swoją działalność artystyczną, promować ją w manifestach, wystąpieniach programowych, artykułach. Tak więc pierwszym artykułem programowym rosyjskich futurystów był manifest „Uderzenie w gust publiczny”, w którym zadeklarowano główne zasady estetyczne nowego kierunku.

W pewnych okolicznościach w ramach jednego ruchu literackiego mogą tworzyć się grupy pisarzy, szczególnie bliskie sobie w swoich działaniach poglądy estetyczne. Takie grupy utworzone w określonym kierunku nazywane są zwykle trend literacki. Na przykład w ramach takiego nurtu literackiego, jak symbolika, można wyróżnić dwa nurty: „starsi” symboliści i „młodsi” symboliści (według innej klasyfikacji - trzy: dekadenci, „starsi” symboliści, „młodsi” symboliści).

KLASYCYZM(od łac. klasyczny- wzorowy) - kierunek artystyczny w Sztuka europejska przełom XVII-XVIII - początek XIX wieku, powstał we Francji pod koniec XVII wieku. Klasycyzm zapewniał prymat interesów państwowych nad interesami osobistymi, przewagę pobudek obywatelskich, patriotycznych, kult obowiązku moralnego. Estetykę klasycyzmu charakteryzuje surowość form artystycznych: jedność kompozycyjna, styl normatywny i fabuła. Przedstawiciele rosyjskiego klasycyzmu: Kantemir, Trediakowski, Łomonosow, Sumarokow, Knyaznin, Ozerow i inni.

Jedną z najważniejszych cech klasycyzmu jest postrzeganie sztuki starożytnej jako modelu, standardu estetycznego (stąd nazwa kierunku). Celem jest tworzenie dzieł sztuki na obraz i podobieństwo antyku. Ponadto ogromny wpływ na kształtowanie się klasycyzmu miały idee Oświecenia i kult rozumu (wiara we wszechmoc umysłu i że świat można reorganizować na rozsądnych podstawach).

Klasycy (przedstawiciele klasycyzmu) postrzegali twórczość artystyczną jako ścisłe trzymanie się rozsądnych zasad, odwiecznych praw, tworzonych na podstawie studiowania najlepszych przykładów literatury starożytnej. W oparciu o te rozsądne prawa podzielili dzieła na „poprawne” i „niepoprawne”. Na przykład nawet najlepsze sztuki Szekspir. Wynikało to z faktu, że bohaterowie Szekspira łączyli w sobie cechy pozytywne i negatywne. A twórcza metoda klasycyzmu powstała na podstawie racjonalistycznego myślenia. Istniał ścisły system postaci i gatunków: wszystkie postacie i gatunki wyróżniały się „czystością” i jednoznacznością. Tak więc w jednym bohaterze surowo zabraniano łączenia nie tylko wad i cnót (czyli cech pozytywnych i negatywnych), ale nawet kilku wad. Bohater musiał ucieleśniać dowolną cechę charakteru: albo skąpca, albo przechwałkę, albo hipokrytę, albo hipokrytę, albo dobrego, albo złego, itd.

Głównym konfliktem dzieł klasycznych jest walka bohatera między rozumem a uczuciem. Jednocześnie bohater pozytywny musi zawsze dokonywać wyboru na korzyść umysłu (na przykład wybierając między miłością a koniecznością całkowitego poddania się służbie państwu, musi wybrać to drugie), a negatywny - na rzecz uczuć.

To samo można powiedzieć o systemie gatunkowym. Wszystkie gatunki podzielono na wysokie (oda, poemat epicki, tragedia) i niskie (komedia, bajka, fraszka, satyra). Jednocześnie nie należało wprowadzać do komedii wzruszających epizodów, a zabawnych do tragedii. W wysokie gatunki Przedstawiano „wzorowych” bohaterów – monarchów, „dowódców, którzy mogliby służyć za przykład do naśladowania. W tych niskich rysowano postacie, ujęte jakąś „pasją”, czyli silnym uczuciem.

W przypadku dzieł dramatycznych istniały specjalne zasady. Musieli przestrzegać trzech „jedności” – miejsc, czasu i działań. Jedność miejsca: dramaturgia klasycystyczna nie pozwalała na zmianę sceny, czyli przez cały spektakl bohaterowie musieli znajdować się w tym samym miejscu. Jedność czasu: czas artystyczny praca nie powinna przekraczać kilku godzin, w skrajnych przypadkach - jednego dnia. Jedność działania oznacza, że ​​jest tylko jedno fabuła. Wszystkie te wymagania wiążą się z faktem, że klasycyści chcieli stworzyć swego rodzaju iluzję życia na scenie. Sumarokov: „Spróbuj godzinami mierzyć godziny w grze, aby zapomnieć, że mogę ci uwierzyć *.

Zatem charakterystyczne cechy klasycyzmu literackiego:

Czystość gatunkowa (w gatunkach wysokich nie udało się oddać zabawnych lub codziennych sytuacji i bohaterów, a w gatunkach niskich tragicznych i wzniosłych);

Czystość języka (w wysokich gatunkach - wysokie słownictwo, w języku dolno-językowym);

Bohaterów dzieli się ściśle na pozytywnych i negatywnych, natomiast bohaterowie pozytywni, wybierając między uczuciem a rozumem, wolą ten drugi;

Przestrzeganie zasady „trzech jedności”;

Praca powinna afirmować pozytywne wartości i ideał państwa.

Klasycyzm rosyjski charakteryzuje patos państwowy (za najwyższą wartość uznawano państwo (a nie osobę)) w połączeniu z wiarą w teorię oświeconego absolutyzmu. Według teorii oświeconego absolutyzmu na czele państwa powinien stać mądry, oświecony monarcha, który wymaga od wszystkich służenia dla dobra społeczeństwa. Klasycy rosyjscy, zainspirowani reformami Piotra Wielkiego, wierzyli w możliwość dalszego doskonalenia społeczeństwa, które wydawało im się racjonalnie zorganizowanym organizmem. Sumarokow: „ Chłopi orają, kupcy handlują, wojownicy bronią ojczyzny, sędziowie sędziowie, naukowcy uprawiają nauki. Klasycyści w ten sam racjonalistyczny sposób traktowali naturę ludzką. Wierzyli, że natura ludzka jest samolubna, poddana namiętnościom, czyli uczuciom, które sprzeciwiają się rozumowi, ale jednocześnie nadają się do wychowania.

SENTYMENTALIZM(z angielskiego sentymentalny- wrażliwy, z francuskiego sentyment- uczucie) - ruch literacki drugiej połowy XVIII wieku, który zastąpił klasycyzm. Sentymentaliści głosili prymat uczuć, a nie rozumu. Człowieka oceniano na podstawie jego zdolności do głębokich uczuć. Stąd - zainteresowanie wewnętrznym światem bohatera, obrazem odcieni jego uczuć (początek psychologizmu).

W odróżnieniu od klasycystów, sentymentaliści za najwyższą wartość uznają nie państwo, lecz jednostkę. Przeciwstawiali niesprawiedliwym porządkom świata feudalnego odwiecznym i rozsądnym prawom natury. Pod tym względem natura jest dla sentymentalistów miarą wszystkich wartości, w tym samego człowieka. To nie przypadek, że podkreślali wyższość człowieka „naturalnego”, „naturalnego”, czyli żyjącego w zgodzie z naturą.

Wrażliwość leży także u podstaw twórczej metody sentymentalizmu. Jeśli klasycyści stworzyli postacie uogólnione (obłudnik, przechwałka, skąpiec, głupiec), to sentymentalistów interesują konkretni ludzie z indywidualnym losem. Bohaterowie w swoich dziełach są wyraźnie podzieleni na pozytywnych i negatywnych. Pozytywni obdarzeni są naturalną wrażliwością (sympatyczni, życzliwi, współczujący, zdolni do poświęceń). Negatywne - rozważny, samolubny, arogancki, okrutny. Nosicielami wrażliwości są z reguły chłopi, rzemieślnicy, raznocznicy, duchowieństwo wiejskie. Okrutny - przedstawiciele władzy, szlachty, wyższych stopni duchowych (ponieważ despotyczne rządy zabijają w ludziach wrażliwość). Przejawy wrażliwości w twórczości sentymentalistów często nabierają zbyt zewnętrznego, wręcz przesadnego charakteru (okrzyki, łzy, omdlenia, samobójstwa).

Jednym z głównych odkryć sentymentalizmu jest indywidualizacja bohatera i obraz bogatego świata duchowego zwykłego człowieka (obraz Lizy w opowiadaniu Karamzina „Biedna Liza”). Bohaterem prac był zwyczajny człowiek. W związku z tym fabuła dzieła często przedstawiała indywidualne sytuacje z życia codziennego, natomiast życie chłopskie często ukazywane było w barwach pasterskich. Nowa treść wymagała nowej formy. Wiodącymi gatunkami są romans rodzinny, pamiętnik, spowiedź, powieść w listach, notatki z podróży, elegia, wiadomość.

W Rosji sentymentalizm powstał w latach sześćdziesiątych XVIII wieku (najlepszymi przedstawicielami są Radishchev i Karamzin). Z reguły w dziełach rosyjskiego sentymentalizmu rozwija się konflikt między poddanym a chłopem pańszczyźnianym, przy czym uporczywie podkreśla się moralną wyższość tego pierwszego.

ROMANTYZM - kierunek artystyczny w kulturze europejskiej i amerykańskiej końca XVIII – pierwszej połowy XIX wieku. Romantyzm narodził się w latach 90. XVIII wieku, najpierw w Niemczech, a następnie rozprzestrzenił się w całej Europie Zachodniej. Przesłankami powstania był kryzys racjonalizmu Oświecenia, artystyczne poszukiwania nurtów przedromantycznych (sentymentalizm), Wielka Rewolucja Francuska i niemiecka filozofia klasyczna.

Pojawienie się tego nurtu literackiego, jak i każdego innego, jest nierozerwalnie związane z wydarzeniami społeczno-historycznymi tamtych czasów. Zacznijmy od przesłanek kształtowania się romantyzmu w literaturze zachodnioeuropejskiej. Decydujący wpływ na kształtowanie się romantyzmu w Europie Zachodniej miała rewolucja francuska lat 1789-1899 i przewartościowanie związanej z nią ideologii edukacyjnej. Jak wiadomo, wiek XV111 upłynął we Francji pod znakiem Oświecenia. Przez prawie całe stulecie francuscy oświeceniowcy pod przewodnictwem Woltera (Rousseau, Diderot, Montesquieu) argumentowali, że świat można zreorganizować na rozsądnych podstawach i głosili ideę naturalnej (naturalnej) równości wszystkich ludzi. To właśnie te idee edukacyjne zainspirowały francuskich rewolucjonistów, których hasłem były słowa: „Wolność, równość i braterstwo”.

Rezultatem rewolucji było utworzenie republiki burżuazyjnej. W rezultacie zwycięzcą została mniejszość burżuazyjna, która przejęła władzę (należała niegdyś do arystokracji, najwyższej szlachty), a reszta została „z niczym”. Tym samym długo oczekiwane „królestwo rozumu” okazało się iluzją, podobnie jak obiecana wolność, równość i braterstwo. Nastąpiło ogólne rozczarowanie wynikami i wynikami rewolucji, głębokie niezadowolenie z otaczającej rzeczywistości, które stało się warunkiem wstępnym pojawienia się romantyzmu. Podstawą romantyzmu jest bowiem zasada niezadowolenia z istniejącego porządku rzeczy. Następnie w Niemczech pojawiła się teoria romantyzmu.

Jak wiadomo, Kultura zachodnioeuropejska, zwłaszcza francuski, wywarł ogromny wpływ na język rosyjski. Tendencja ta utrzymywała się aż do XIX wieku, więc rewolucja francuska wstrząsnęła także Rosją. Ale ponadto istnieją rosyjskie przesłanki pojawienia się rosyjskiego romantyzmu. Przede wszystkim jest to Wojna Ojczyźniana z 1812 r., która wyraźnie pokazała wielkość i siłę zwykłych ludzi. To narodowi Rosja zawdzięczała zwycięstwo nad Napoleonem; naród był prawdziwymi bohaterami wojny. Tymczasem zarówno przed wojną, jak i po niej większość ludności, chłopi, nadal pozostawała poddanymi, a właściwie niewolnikami. To, co ówczesny postępowy lud uważało wcześniej za niesprawiedliwość, teraz zaczęło wydawać się rażącą niesprawiedliwością, sprzeczną z wszelką logiką i moralnością. Ale po zakończeniu wojny Aleksander I nie tylko nie anulował poddaństwo, ale także zaczął prowadzić znacznie ostrzejszą politykę. W rezultacie w społeczeństwie rosyjskim narosło wyraźne poczucie rozczarowania i niezadowolenia. W ten sposób powstał grunt pod pojawienie się romantyzmu.

Określenie „romantyzm” w odniesieniu do ruchu literackiego jest przypadkowe i nietrafne. W związku z tym od samego początku swojego powstania interpretowano go na różne sposoby: niektórzy uważali, że pochodzi od słowa „rzymski”, inni – od poezji rycerskiej powstałej w krajach posługujących się językami romańskimi. Po raz pierwszy słowo „romantyzm” jako nazwa ruchu literackiego zaczęto używać w Niemczech, gdzie powstała pierwsza wystarczająco szczegółowa teoria romantyzmu.

Bardzo ważne dla zrozumienia istoty romantyzmu jest koncepcja romantycznej dwoistości. Jak już wspomniano, odrzucenie, zaprzeczenie rzeczywistości jest głównym warunkiem pojawienia się romantyzmu. Wszyscy romantycy odrzucają świat zewnętrzny, stąd ich romantyczna ucieczka od dotychczasowego życia i poszukiwanie ideału na zewnątrz. Dało to początek romantycznemu dualnemu światu. Świat romantyków dzielił się na dwie części: tu i tam. „Tam” i „tutaj” stanowią antytezę (kontrast), kategorie te są skorelowane jako ideał i rzeczywistość. Pogardzane „tu” to współczesna rzeczywistość, w której triumfuje zło i niesprawiedliwość. „Tam” to rodzaj poetyckiej rzeczywistości, której romantycy przeciwstawiają rzeczywistość. Wielu romantyków wierzyło, że dobro, piękno i prawda, wyparte z życia publicznego, nadal trwają w duszach ludzkich. Stąd ich uwaga skierowana na wewnętrzny świat człowieka, pogłębiona psychologia. Dusze ludzi są ich „tam”. Na przykład Żukowski szukał „tam” w inny świat; Puszkin i Lermontow, Fenimore Cooper – w wolne życie ludy niecywilizowane (wiersze Puszkina „ Więzień Kaukazu”, „Cyganie”, powieści Coopera o życiu Indian).

Odrzucenie, zaprzeczenie rzeczywistości zdeterminowało specyfikę romantycznego bohatera. Jest to zasadniczo nowy bohater, podobnie jak on nie znał dotychczasowej literatury. Jest w wrogich stosunkach z otaczającym społeczeństwem, jest mu przeciwny. To osoba niezwykła, niespokojna, najczęściej samotna i o tragicznym losie. Bohater romantyczny jest ucieleśnieniem romantycznego buntu przeciwko rzeczywistości.

REALIZM(od łac. realis – materialny, realny) – metoda (oprawa twórcza) lub ruch literacki ucieleśniający zasady życiowego, zgodnego z prawdą stosunku do rzeczywistości, dążącego do artystycznego poznania człowieka i świata. Często terminu „realizm” używa się w dwóch znaczeniach: 1) realizm jako metoda; 2) realizm jako nurt, który pojawił się w XIX wieku. Zarówno klasycyzm, jak i romantyzm, i symbolizm dążą do poznania życia i na swój sposób wyrażają na nie swoją reakcję, ale dopiero w realizmie wierność rzeczywistości staje się definiującym kryterium artyzmu. Tym różni się na przykład realizm od romantyzmu, który charakteryzuje się odrzuceniem rzeczywistości i chęcią jej „odtworzenia”, a nie ukazywania takiej, jaka jest. To nie przypadek, że romantyczna George Sand, nawiązując do realisty Balzaka, tak określiła różnicę między nim a sobą: „Bierzesz człowieka takim, jakim wydaje się twoim oczom; Czuję powołanie, żeby go przedstawić tak, jak sam chciałbym go widzieć. Można zatem powiedzieć, że realiści reprezentują to, co rzeczywiste, a romantycy – pożądane.

Początek formowania się realizmu zwykle kojarzony jest z renesansem. Realizm tego czasu charakteryzuje się skalą obrazów (Don Kichot, Hamlet) i poetyzacją ludzkiej osobowości, postrzeganiem człowieka jako króla natury, korony stworzenia. Następnym etapem jest realizm oświeceniowy. W literaturze Oświecenia pojawia się demokratyczny bohater realistyczny, człowiek „z dołu” (np. Figaro w sztukach Beaumarchais „Cyrulik sewilski” i „Wesele Figara”). W XIX w. pojawiły się nowe typy romantyzmu: „fantastyczny” (Gogol, Dostojewski), „groteskowy” (Gogol, Saltykow-Szczedrin) i realizm „krytyczny”, związany z działalnością „szkoły naturalnej”.

Główne wymagania realizmu: przestrzeganie zasad narodowości, historyzmu, wysokiego kunsztu, psychologizmu, obrazu życia w jego rozwoju. Pisarze realistyczni pokazali bezpośrednią zależność idei społecznych, moralnych i religijnych bohaterów od warunków społecznych, przywiązując dużą wagę do aspektu społecznego. Centralnym problemem realizmu jest związek między wiarygodnością a prawdą artystyczną. Wiarygodność, wiarygodne przedstawienie życia jest dla realistów bardzo ważne, ale o prawdzie artystycznej decyduje nie wiarygodność, ale wierność w zrozumieniu i przekazaniu istoty życia oraz znaczenia idei wyrażanych przez artystę. Jedną z najważniejszych cech realizmu jest typizacja postaci (połączenie tego, co typowe i indywidualne, wyjątkowo osobiste). Wiarygodność postaci realistycznej zależy bezpośrednio od stopnia indywidualizacji osiągniętej przez pisarza.

Pisarze realistyczni tworzą nowe typy bohaterów: typ „małego człowieka” (Wirin, Bashmachki n, Marmeladov, Devushkin), typ „dodatkowej osoby” (Czacki, Oniegin, Pieczorin, Obłomow), typ „nowego” bohatera (nihilista Bazarow w Turgieniewie, „nowi ludzie” Czernyszewski).

MODERNIZM(z francuskiego współczesny- najnowszy, nowoczesny) - ruch filozoficzno-estetyczny w literaturze i sztuce, który powstał na przełomie XIX i XX wieku.

Termin ten ma różne interpretacje:

1) oznacza szereg nierealistycznych nurtów w sztuce i literaturze przełomu XIX i XX w.: symbolizm, futuryzm, akmeizm, ekspresjonizm, kubizm, imagizm, surrealizm, abstrakcjonizm, impresjonizm;

2) służy jako symbol poszukiwań estetycznych artystów o nurtach nierealistycznych;

3) oznacza złożony zespół zjawisk estetycznych i ideologicznych, obejmujący nie tylko właściwe nurty modernistyczne, ale także twórczość artystów nie wpisując się całkowicie w ramy żadnego kierunku (D. Joyce, M. Proust, F. Kafka i in. ).

Symbolizm, akmeizm i futuryzm stały się najbardziej uderzającymi i znaczącymi trendami rosyjskiego modernizmu.

SYMBOLIZM - nierealistyczny nurt w sztuce i literaturze lat 70.-20. XIX w., skupiający się głównie na ekspresji artystycznej za pomocą symbolu intuicyjnie pojmowanych bytów i idei. Symbolika dała się poznać we Francji w latach 60. – 70. XIX w. w twórczości poetyckiej A. Rimbauda, ​​P. Verlaine’a, S. Mallarmego. Następnie poprzez poezję symbolika związała się nie tylko z prozą i dramaturgią, ale także z innymi formami sztuki. Za przodka, założyciela, „ojca” symboliki uważany jest francuski pisarz C. Baudelaire.

W sercu światopoglądu artystów symbolistycznych leży idea niepoznawalności świata i jego praw. Uważali duchowe doświadczenie człowieka i intuicję twórczą artysty za jedyne „narzędzie” zrozumienia świata.

Symbolika jako pierwsza wysunęła ideę tworzenia sztuki wolnej od zadania przedstawiania rzeczywistości. Symboliści argumentowali, że celem sztuki nie jest przedstawianie prawdziwego świata, który uważali za drugorzędny, ale przekazywanie „wyższej rzeczywistości”. Zamierzali to osiągnąć za pomocą symbolu. Symbol jest wyrazem nadzmysłowej intuicji poety, któremu w chwilach wglądu odsłania się prawdziwa istota rzeczy. Symboliści rozwinęli nowy język poetycki, który nie nazywa bezpośrednio tematu, ale wskazuje na jego treść poprzez alegorię, muzykalność, kolorystykę, wiersz wolny.

Symbolika jest pierwszą i najważniejszą z nich ruchy modernistyczne pochodzi z Rosji. Pierwszym manifestem rosyjskiej symboliki był artykuł D. S. Mereżkowskiego „O przyczynach upadku i nowych tendencjach we współczesnej literaturze rosyjskiej”, opublikowany w 1893 roku. Zidentyfikowała trzy główne elementy „nowej sztuki”: treść mistyczną, symbolizację i „ekspansję artystycznej wrażliwości”.

Symbolistów dzieli się zwykle na dwie grupy, czyli nurty:

1) „starsi” symboliści (W. Bryusow, K. Balmont, D. Mereżkowski, Z. Gippius, F. Sologub

i inni), który zadebiutował w latach 90. XIX w.;

2) „młodsi” symboliści, którzy rozpoczęli swoją działalność twórczą w XX wieku i znacząco zaktualizowali wygląd nurtu (A. Blok, A. Bely, V. Iwanow i inni).

Należy zauważyć, że symbolistów „starszych” i „młodszych” dzielił nie tyle wiek, ile różnica postaw i kierunków twórczości.

Symboliści wierzyli, że sztuka to przede wszystkim „ rozumienie świata w inny, nieracjonalny sposób„(Bryusow). Przecież racjonalnie można zrozumieć tylko zjawiska podlegające prawu przyczynowości liniowej, a przyczynowość taka funkcjonuje tylko w niższych formach życia (rzeczywistość empiryczna, życie codzienne). Symbolistów interesowały wyższe sfery życia (obszar „idei absolutnych” w ujęciu Platona lub „duszy świata” według W. Sołowjowa), niepodlegające racjonalnej wiedzy. To sztuka ma zdolność przenikania w te sfery, a obrazy-symbole swoją nieskończoną wieloznacznością są w stanie oddać całą złożoność wszechświata świata. Symboliści wierzyli, że zdolność zrozumienia prawdziwej, wyższej rzeczywistości dana jest jedynie wybrańcom, którzy w chwilach natchnionych wglądów są w stanie pojąć „wyższą” prawdę, prawdę absolutną.

Obraz-symbol był uważany przez symbolistów za bardziej skuteczny niż obraz artystyczny, narzędzie pomagające „przebić się” przez zasłonę codzienności (niższego życia) do wyższej rzeczywistości. Symbol różni się od obrazu realistycznego tym, że oddaje nie obiektywną istotę zjawiska, ale własny, indywidualny obraz świata poety. Poza tym symbol w rozumieniu rosyjskich symbolistów nie jest alegorią, ale przede wszystkim obrazem wymagającym od czytelnika twórczej reakcji. Symbol niejako łączy autora i czytelnika – na tym polega rewolucja, jaką dokonała symbolika w sztuce.

Obraz-symbol jest z gruntu wieloznaczny i zawiera w sobie perspektywę nieograniczonego rozmieszczania znaczeń. Tę jego cechę wielokrotnie podkreślali sami symboliści: „Symbol jest prawdziwym symbolem tylko wtedy, gdy jego znaczenie jest niewyczerpane” (Wiacz. Iwanow); „Symbol jest oknem na nieskończoność” (F. Sologub).

ACMEIZM(z greckiego. działać- najwyższy stopień czegoś, siła rozkwitu, szczyt) - modernistyczny nurt literacki w poezji rosyjskiej lat 1910-tych. Przedstawiciele: S. Gorodecki, wczesny A. Achmatowa, JI. Gumilow, O. Mandelstam. Termin „akmeizm” należy do Gumilowa. Program estetyczny został sformułowany w artykułach Gumilowa „Dziedzictwo symbolizmu i akmeizmu”, „Niektóre nurty we współczesnej poezji rosyjskiej” Gorodeckiego i „Poranek akmeizmu” Mandelstama.

Acmeizm wyróżniał się na tle symboliki, krytykując jego mistyczne aspiracje do „niepoznawalnego”: „Wśród akmeistów róża znów stała się dobra sama w sobie, dzięki swoim płatkom, zapachowi i kolorowi, a nie dzięki możliwym podobieństwom do mistycznej miłości czy czegokolwiek innego” (Gorodecki). Akmeiści głosili wyzwolenie poezji od symbolicznych impulsów ku ideałowi, od dwuznaczności i płynności obrazów, skomplikowanej metafory; mówił o konieczności powrotu do świat materialny, temat, Dokładna wartość słowa. Symbolika opiera się na odrzuceniu rzeczywistości, a aceiści uważali, że nie należy porzucać tego świata, należy szukać w nim pewnych wartości i uchwycić je w swoich dziełach, a czynić to za pomocą dokładnych i zrozumiałych obrazy, a nie niewyraźne symbole.

Właściwie nurt acmeizmu był niewielki, nie trwał długo – około dwóch lat (1913–1914) – i wiązał się z „Warsztatem Poetów”. „Warsztat Poetów” powstał w 1911 roku i początkowo zrzeszał dość dużą liczbę osób (nie wszyscy później zajęli się akmeizmem). Organizacja ta była znacznie bardziej spójna niż odmienne grupy symbolistyczne. Na spotkaniach „Warsztatu” analizowano wiersze, rozwiązywano problemy mistrzostwa poetyckiego, uzasadniano metody analizy dzieł. Ideę nowego kierunku w poezji po raz pierwszy wyraził Kuzmin, choć sam nie wstąpił do „Warsztatu”. W artykule „O pięknej jasności” Kuzmin przewidział wiele deklaracji akmeizmu. W styczniu 1913 r. ukazały się pierwsze manifesty acmeizmu. Od tego momentu zaczyna się istnienie nowego kierunku.

Acmeizm głosił „piękną klarowność” jako zadanie literatury, czyli klaryzm (od łac. Clarus- jasne). Akmeiści nazywali swój obecny adamizmem, łącząc ideę jasnego i bezpośredniego spojrzenia na świat z biblijnym Adamem. Acmeizm głosił jasny, „prosty” język poetycki, w którym słowa bezpośrednio nazywały przedmioty, deklarowały umiłowanie obiektywności. Dlatego Gumilow nalegał, aby nie szukać „niepewnych słów”, ale słów „o bardziej stabilnej treści”. Zasada ta najkonsekwentniej realizowana była w tekstach Achmatowej.

FUTURYZM - jeden z głównych nurtów awangardowych (awangarda jest skrajnym przejawem modernizmu) w sztuce europejskiej początku XX wieku, który najbardziej rozwinął się we Włoszech i Rosji.

W 1909 roku we Włoszech poeta F. Marinetti opublikował Manifest futurystyczny. Główne postanowienia tego manifestu: odrzucenie tradycyjnych wartości estetycznych i doświadczenia całej dotychczasowej literatury, śmiałe eksperymenty na polu literatury i sztuki. Jako główne elementy poezji futurystycznej Marinetti nazywa „odwagą, śmiałością, buntem”. W 1912 r. Rosyjscy futuryści W. Majakowski, A. Kruchenich, W. Chlebnikow stworzyli swój manifest „Uderzenie w gust publiczny”. Próbowali także zerwać tradycyjna kultura, chętnie podejmował eksperymenty literackie, poszukiwał nowych środków wyrazu mowy (proklamowanie nowego swobodnego rytmu, rozluźnianie składni, niszczenie znaków interpunkcyjnych). Jednocześnie rosyjscy futuryści odrzucili faszyzm i anarchizm, który Marinetti głosił w swoich manifestach, i zwrócili się głównie ku problematyce estetycznej. Głosili rewolucję formy, jej niezależność od treści („ważne jest nie co, ale jak”) i całkowitą wolność słowa poetyckiego.

Futuryzm był kierunkiem heterogenicznym. W jego ramach można wyróżnić cztery główne grupy czy nurty:

1) „Hilea”, która zjednoczyła kubofuturystów (V. Chlebnikow, V. Mayakovsky, A. Kruchenykh i inni);

2) „Stowarzyszenie Egofuturystów” (I. Severyanin, I. Ignatiev i inni);

3) „Antresola poezji” (V. Shershenevich, R. Ivnev);

4) „Wirówka” (S. Bobrov, N. Aseev, B. Pasternak).

Najbardziej znaczącą i wpływową grupą była „Gilea”: w rzeczywistości to ona określiła oblicze rosyjskiego futuryzmu. Jego uczestnicy wydali wiele zbiorów: „Ogród sędziów” (1910), „Uderzenie w twarz gustowi publicznemu” (1912), „Martwy księżyc” (1913), „Took” (1915).

Futuryści pisali w imieniu człowieka tłumu. W sercu tego ruchu leżało poczucie „nieuchronności upadku starego” (Majakowski), świadomość narodzin „nowej ludzkości”. Twórczość artystyczna, zdaniem futurystów, nie powinna być naśladownictwem, ale kontynuacją natury, która poprzez twórczą wolę człowieka tworzy „nowy świat, dzisiejszy, żelazny…” (Malewicz). Stąd chęć zniszczenia „starej” formy, chęć kontrastów, pociąg do mowy potocznej. Opierając się na żywym języku potocznym, futuryści zajmowali się „tworzeniem słów” (tworzeniem neologizmów). Ich dzieła wyróżniały się złożonymi zmianami semantycznymi i kompozycyjnymi - kontrastem między komiksem a tragedią, fantazją i tekstem.

Futuryzm zaczął się rozpadać już w latach 1915-1916.

socrealizm(realizm socjalistyczny) – światopoglądowa metoda twórczości artystycznej stosowana w sztuce związek Radziecki, a następnie w innych krajach socjalistycznych, wprowadzonych do twórczości artystycznej za pomocą polityki państwa, w tym cenzury, i odpowiadając na rozwiązanie zadań budowy socjalizmu.

Została zatwierdzona w 1932 roku przez organy partyjne w literaturze i sztuce.

Równolegle istniała sztuka nieoficjalna.

Artystyczne przedstawienie rzeczywistości „dokładnie, zgodnie ze specyficznym historycznym rozwojem rewolucyjnym”.

· koordynacja twórczości artystycznej z ideami marksizmu-leninizmu, aktywne zaangażowanie mas pracujących w budowę socjalizmu, utwierdzenie wiodącej roli partii komunistycznej.

Łunaczarski był pierwszym pisarzem, który położył jej ideologiczne podstawy. Już w 1906 roku wprowadził do życia codziennego koncepcję „realizmu proletariackiego”. Już w latach dwudziestych w odniesieniu do tej koncepcji zaczął posługiwać się terminem „nowy socrealizm”, a na początku lat trzydziestych poświęcił się „dynamicznemu i na wskroś aktywnemu socrealizmowi”, „dobremu, wymownemu określeniu, które można ciekawie ujawnione dzięki właściwej analizie”, cykl artykułów programowych i teoretycznych, które ukazały się w Izwiestii.

Termin „realizm socjalistyczny” po raz pierwszy zaproponował I. Groński, przewodniczący Komitetu Organizacyjnego Związku Pisarzy ZSRR, w „Literackiej Gazecie” 23 maja 1932 r. Powstał w związku z koniecznością skierowania RAPP i awangardy na artystyczny rozwój kultury radzieckiej. Decydujące było w tym uznanie roli tradycji klasycznych i zrozumienie nowych cech realizmu. W latach 1932-1933 Groński i kierownik. sektor beletrystyki Komitetu Centralnego Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików W. Kirpotin intensywnie propagował to określenie [ źródło nieokreślone 530 dni] .

Na I Ogólnozwiązkowym Kongresie Pisarzy Radzieckich w 1934 roku Maksym Gorki stwierdził:

„Realizm socjalistyczny afirmuje byt jako akt, jako twórczość, której celem jest ciągły rozwój najcenniejszych indywidualnych zdolności człowieka w imię jego zwycięstwa nad siłami natury, w trosce o jego zdrowie i długowieczność, w trosce o wielkie szczęście życia na ziemi, które zgodnie z ciągłym wzrostem swoich potrzeb chce przetworzyć wszystko, jako piękne mieszkanie ludzkości, zjednoczonej w jednej rodzinie.

Państwo musiało zatwierdzić tę metodę jako główną dla lepszej kontroli nad kreatywnymi jednostkami i lepszej propagandy swojej polityki. W poprzednim okresie, czyli latach dwudziestych, istnieli pisarze radzieccy, którzy w stosunku do wielu wybitnych pisarzy zajmowali niekiedy agresywne stanowisko. Na przykład RAPP, organizacja pisarzy proletariackich, aktywnie angażowała się w krytykę pisarzy nieproletariackich. RAPP składał się głównie z aspirujących pisarzy. W okresie tworzenia nowoczesnego przemysłu (lata industrializacji) rząd radziecki potrzebował sztuki, która podnosi ludzi do „wyczynów pracy”. Sztuka plastyczna lat dwudziestych XX wieku również przedstawiała dość pstrokaty obraz. Ma kilka grup. Najbardziej znaczącą grupą było Stowarzyszenie Artystów Rewolucji. Przedstawiały współcześnie: życie Armii Czerwonej, robotników, chłopstwa, przywódców rewolucji i robotników. Uważali się za spadkobierców Wędrowców. Chodzili do fabryk, zakładów, do koszar Armii Czerwonej, aby bezpośrednio obserwować życie swoich bohaterów, „narysować” je. To oni stali się głównym kręgosłupem artystów „realizmu socjalistycznego”. Dużo trudniej mieli mniej tradycyjni mistrzowie, w szczególności członkowie OST (Towarzystwo Malarzy Sztalugowych), które zrzeszało młodych ludzi, którzy ukończyli pierwszą radziecką uczelnię artystyczną [ źródło nieokreślone 530 dni] .

Gorki uroczyście wrócił z wygnania i stanął na czele specjalnie utworzonego Związku Pisarzy ZSRR, w skład którego wchodzili głównie radzieccy pisarze i poeci.

Po raz pierwszy oficjalną definicję socrealizmu podano w Karcie Związku Pisarzy ZSRR, przyjętej na I Zjeździe Związku Pisarzy:

Realizm socjalistyczny, będący główną metodą radzieckiej fikcji i krytyka literacka, wymaga od artysty prawdziwego, historycznie konkretnego przedstawienia rzeczywistości w jej rewolucyjnym rozwoju. Co więcej, prawdziwość i konkretność historyczna artystycznego obrazu rzeczywistości należy połączyć z zadaniem przerobienia ideologicznego i wychowania w duchu socjalizmu.

Definicja ta stała się punktem wyjścia wszelkich dalszych interpretacji aż do lat 80-tych.

« socrealizm jest głęboko żywotną, naukową i najbardziej zaawansowaną metodą artystyczną, rozwiniętą w wyniku sukcesów budownictwa socjalistycznego i wychowania narodu radzieckiego w duchu komunizmu. Zasady socrealizmu (...) były dalszym rozwinięciem nauczania Lenina o stronniczości literatury. (Wielka Encyklopedia Radziecka, 1947)

Lenin wyraził pogląd, że sztuka powinna stanąć po stronie proletariatu w następujący sposób:

„Sztuka należy do ludzi. Najgłębsze źródła sztuki można znaleźć wśród szerokiej klasy ludzi pracy... Sztuka musi opierać się na ich uczuciach, myślach i wymaganiach i musi rosnąć wraz z nimi.

Główne nurty stylistyczne w literaturze czasów nowożytnych i najnowszych

Ta część podręcznika nie pretenduje do miana szczegółowej i dokładnej. Wiele kierunków z punktu widzenia historycznoliterackiego nie jest jeszcze studentom znanych, inne są mało znane. Szczegółowa dyskusja na temat nurtów literackich w tej sytuacji jest w zasadzie niemożliwa. Dlatego racjonalne wydaje się podanie jedynie najbardziej ogólnych informacji, charakteryzujących przede wszystkim dominujące cechy stylistyczne tego czy innego kierunku.

Barokowy

Styl barokowy rozpowszechnił się w kulturze europejskiej (w mniejszym stopniu rosyjskiej) w XVI-XVII wieku. Opiera się na dwóch głównych procesach.: Po jednej stronie, kryzys ideałów odrodzenia, kryzys pomysłów tytanizm(kiedy uważano osobę za ogromną postać, półboga), z drugiej strony, ostry sprzeciw człowieka jako stwórcy wobec bezosobowego świata przyrody. Barok to trend bardzo złożony i kontrowersyjny. Nawet sam termin nie ma jednoznacznej interpretacji. Włoski rdzeń ma znaczenie nadmiaru, zepsucia, błędu. Nie bardzo wiadomo, czy była to negatywna cecha baroku „z zewnątrz” tego stylu (przede wszystkim mamy na myśli oceny barokowych pisarzy epoki klasycznej), czy też nie jest pozbawiona autoironii refleksja samych autorów baroku.

Styl barokowy charakteryzuje się połączeniem tego, co niestosowne: z jednej strony zainteresowanie wyrafinowanymi formami, paradoksami, wyrafinowanymi metaforami i alegoriami, oksymoronami, grą słowną, z drugiej zaś głęboką tragedią i poczuciem zagłady.

Na przykład w barokowej tragedii Gryphiusa sama Wieczność mogła pojawić się na scenie i z gorzką ironią komentować cierpienia bohaterów.

Z drugiej strony, to z epoką baroku wiąże się rozkwit gatunku martwej natury, w którym estetyzuje się luksus, piękno form i bogactwo kolorów. Jednak barokowa martwa natura jest również sprzeczna: bukiety genialne kolorem i techniką, wazony z owocami, a obok nich klasyka barokowej martwej natury „Próżność próżności” z obowiązkowym klepsydra(alegoria przemijającego czasu życia) i czaszka – alegoria nieuniknionej śmierci.

Poezję barokową charakteryzuje wyrafinowanie form, fuzja ciągów wizualnych i graficznych, gdy wiersz jest nie tylko pisany, ale także „rysowany”. Wystarczy przypomnieć wiersz „Klepsydra” I. Gelwiga, o którym mówiliśmy w rozdziale „Poezja”. Ale były też formy znacznie bardziej złożone.

W epoce baroku rozpowszechniły się gatunki wyrafinowane: ronda, madrygały, sonety, ody, surowe w formie itp.

Dzieła najwybitniejszych przedstawicieli baroku (hiszpańskiego dramatopisarza P. Calderona, niemieckiego poety i dramaturga A. Griphiusa, niemieckiego poety mistyka A. Silesiusa i in.) weszły na złoty fundusz literatury światowej. Paradoksalne wersety Silesiusa odbierane są często jako znane aforyzmy: „Jestem wielki jak Bóg. Bóg jest nieistotny tak jak ja.”

Wiele znalezisk poetów barokowych, całkowicie zapomnianych w XVIII-XIX w., dostrzegło się w słownych eksperymentach pisarzy XX w.

Klasycyzm

Klasycyzm to nurt w literaturze i sztuce, który historycznie wyparł barok. Era klasycyzmu trwała ponad sto pięćdziesiąt lat - od połowy XVII do początków XIX wieku.

Klasycyzm opiera się na idei rozsądku, uporządkowania świata . Człowiek rozumiany jest jako istota racjonalna, a społeczeństwo ludzkie jako racjonalnie zorganizowany mechanizm.

Podobnie dzieło sztuki powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, strukturalnie powtarzające racjonalność i porządek wszechświata.

Klasycyzm uznawał starożytność za najwyższy przejaw duchowości i kultury, dlatego sztukę starożytną uznawano za wzór do naśladowania i niepodważalny autorytet.

Charakteryzuje się klasycyzmem świadomość piramidalna, czyli w każdym zjawisku artyści klasycyzmu poszukiwali rozsądnego środka, który był uznawany za szczyt piramidy i uosabiał całą budowlę. Przykładowo klasycyści w rozumieniu państwa wychodzili od idei monarchii rozsądnej – użytecznej i niezbędnej dla wszystkich obywateli.

Człowiek w dobie klasycyzmu traktowany jest przede wszystkim jako funkcja, jako ogniwo w inteligentnej piramidzie wszechświata. Wewnętrzny świat człowieka w klasycyzmie jest mniej aktualizowany, ważniejszy niż czyny zewnętrzne. Przykładowo idealny monarcha to taki, który wzmacnia państwo, dba o jego dobrobyt i oświecenie. Wszystko inne schodzi na dalszy plan. Dlatego rosyjscy klasycyści idealizowali postać Piotra I, nie przywiązując wagi do tego, że był to człowiek bardzo złożony i daleki od atrakcyjnego.

W literaturze klasycyzmu człowiek był uważany za nosiciela jakiejś ważnej idei, która determinowała jego istotę. Dlatego w komediach klasycyzmu często używano „mówiących imion”, które od razu określały logikę charakteru. Przypomnijmy na przykład panią Prostakową, Skotinina czy Pravdina w komedii Fonvizina. Tradycje te są również dobrze odczuwalne w Biada dowcipu Griboedowa (Molchalin, Skalozub, Tugoukhovsky i in.).

Od epoki baroku klasycyzm odziedziczył zainteresowanie emblematyką, gdy rzecz stała się znakiem idei, a idea została wcielona w rzecz. Na przykład portret pisarza miał przedstawiać „rzeczy”, które potwierdzają jego walory literackie: napisane przez niego książki, a czasami wykreowanych przez niego bohaterów. I tak pomnik I. A. Kryłowa, autorstwa P. Klodta, przedstawia słynnego bajkopisarza w otoczeniu bohaterów swoich bajek. Cały cokół zdobią sceny z dzieł Kryłowa, co wyraźnie to potwierdza Jak założył chwałę autora. Choć pomnik powstał już po epoce klasycyzmu, to właśnie tradycje klasycystyczne są tu wyraźnie widoczne.

Racjonalność, widzialność i emblematyczny charakter kultury klasycyzmu dały także początek swoistemu rozwiązywaniu konfliktów. W odwiecznym konflikcie rozumu i uczucia, uczucia i obowiązku, tak umiłowanym przez twórców klasycyzmu, uczucie ostatecznie okazało się pokonane.

Zestawy klasycyzmu (przede wszystkim dzięki autorytetowi jej głównego teoretyka N. Boileau) ścisły hierarchia gatunków , które są podzielne przez wysokie (o tak, tragedia, epicki) i nisko ( komedia, satyra, bajka). Każdy gatunek ma pewne cechy, jest napisany tylko w swoim własnym stylu. Mieszanie stylów i gatunków jest surowo zabronione.

Wszyscy ze szkoły znają sławnego zasada trzech jedności sformułowane dla dramatu klasycznego: jedność miejsca(cała akcja w jednym miejscu), czas(akcja od wschodu do zmroku) działania(w sztuce występuje jeden centralny konflikt, w który zaangażowane są wszystkie postacie).

Pod względem gatunkowym klasycyzm preferował tragedię i odę. To prawda, że ​​​​po genialnych komediach Moliera bardzo popularne stały się także gatunki komediowe.

Klasycyzm dał światu całą galaktykę najzdolniejszych poetów i dramaturgów. Corneille, Racine, Molière, La Fontaine, Voltaire, Swift – to tylko niektóre nazwy tej wspaniałej galaktyki.

W Rosji klasycyzm rozwinął się nieco później, bo już w XVIII wieku. Literatura rosyjska również wiele zawdzięcza klasycyzmowi. Wystarczy przypomnieć nazwiska D. I. Fonvizina, A. P. Sumarokowa, M. V. Łomonosowa, G. R. Derzhavina.

Sentymentalizm

Sentymentalizm narodził się w kulturze europejskiej w połowie XVIII wieku, jego pierwsze oznaki zaczęły pojawiać się wśród pisarzy angielskich, a nieco później wśród pisarzy francuskich pod koniec lat dwudziestych XVIII wieku, w latach czterdziestych XVIII wieku kierunek ten był już ukształtowany. Choć samo określenie „sentymentalizm” pojawiło się znacznie później i wiązało się z popularnością powieści Lorenza Sterne’a „Podróż sentymentalna” (1768), której bohater przemierza Francję i Włochy, odnajduje się w wielu czasem zabawnych, czasem wzruszających sytuacjach i zdaje sobie sprawę, że tam są „szlachetnymi radościami i szlachetnymi zmartwieniami poza osobowością”.

Sentymentalizm istniał dość długo równolegle z klasycyzmem, chociaż w rzeczywistości był budowany na zupełnie innych podstawach. Dla pisarzy sentymentalistycznych świat uczuć i przeżyć uznawany jest za główną wartość. Początkowo świat ten jest postrzegany raczej wąsko, pisarze sympatyzują z miłosnymi cierpieniami bohaterek (takie są na przykład powieści S. Richardsona, jeśli pamiętamy, ulubionej autorki Puszkina, Tatiany Lariny).

Ważną zasługą sentymentalizmu było zainteresowanie życiem wewnętrznym zwykłego człowieka. Klasycyzm mało interesował się „przeciętnym” człowiekiem, ale sentymentalizm wręcz przeciwnie, podkreślał głębię uczuć bardzo zwyczajnej, ze społecznego punktu widzenia, bohaterki.

Tak więc służąca Pamela S. Richardsona demonstruje nie tylko czystość uczuć, ale także cnoty moralne: honor i dumę, co ostatecznie prowadzi do szczęśliwego zakończenia; oraz słynna Clarissa, bohaterka powieści o długim i dość zabawnym z współczesnego punktu widzenia tytule, choć należy do zamożnej rodziny, nie jest jeszcze szlachcianką. Jednocześnie jej zły geniusz i zdradziecki uwodziciel Robert Loveless jest bywalcem towarzystwa, arystokratą. W Rosji pod koniec XVIII w - na początku XIX w. nazwisko Loveless (z sugestią „love less” – pozbawiony miłości) wymawiano po francusku „Lovelace”, od tego czasu słowo „Lovelace” stało się powszechnie znane, oznaczając biurokrację i święta kobieta.

Gdyby powieści Richardsona były pozbawione głębi filozoficznej, dydaktycznej i nieco naiwnie, to nieco później w sentymentalizmie zaczęła kształtować się opozycja „człowiek naturalny – cywilizacja”, gdzie w odróżnieniu od barokucywilizację rozumiano jako zło. Wreszcie rewolucja ta została sformalizowana w twórczości słynnego francuskiego pisarza i filozofa J. J. Rousseau.

Jego powieść Julia, czyli Nowa Eloise, która podbiła Europę w XVIII wieku, jest znacznie bardziej złożona i mniej oczywista. Walka uczuć, konwencji społecznych, grzechu i cnoty splata się tu w jedną kulę. Sam tytuł („Nowa Eloise”) zawiera nawiązanie do na wpół legendarnej szalonej pasji średniowiecznego myśliciela Pierre’a Abelarda i jego uczennicy Eloise (XI-XII w.), choć fabuła powieści Rousseau jest oryginalna i nie odtwarza legendy z Abelarda.

Więcej większa wartość miał filozofię „człowieka naturalnego”, sformułowaną przez Rousseau i nadal zachowuje żywe znaczenie. Rousseau uważał cywilizację za wroga człowieka, zabijając w nim wszystko, co najlepsze. Stąd zainteresowanie naturą, naturalnymi uczuciami i naturalnym zachowaniem. Te idee Rousseau doczekały się szczególnego rozwoju w kulturze romantyzmu, a później także w licznych dziełach sztuki XX wieku (np. w „Olesie” A. I. Kuprina).

W Rosji sentymentalizm objawił się później i nie przyniósł poważnych odkryć światowych. Zasadniczo poddani zachodnioeuropejscy byli „zrusyfikowani”. Jednocześnie miał ogromny wpływ dalszy rozwój Sama literatura rosyjska.

Najbardziej znanym dziełem rosyjskiego sentymentalizmu była „Biedna Lisa” N. M. Karamzina (1792), która odniosła ogromny sukces i wywołała niezliczone naśladownictwa.

„Biedna Liza” odtwarza w istocie na rosyjskiej ziemi fabułę i ustalenia estetyczne angielskiego sentymentalizmu z czasów S. Richardsona, jednak dla literatury rosyjskiej idea, że ​​„wieśniaczki potrafią czuć” stała się odkryciem, które w dużej mierze zdeterminowało jej dalszy rozwój.

Romantyzm

Romantyzm, jako dominujący nurt literacki w literaturze europejskiej i rosyjskiej, nie istniał zbyt długo – około trzydziestu lat, ale jego wpływ na kulturę światową był kolosalny.

Historycznie romantyzm kojarzony jest z niespełnionymi nadziejami rewolucji francuskiej (1789-1793), jednak związek ten nie jest liniowy, romantyzm został przygotowany przez cały przebieg estetycznego rozwoju Europy, który stopniowo kształtował się przez nową koncepcję człowieka .

Pierwsze stowarzyszenia romantyków pojawiły się w Niemczech pod koniec XVIII wieku, kilka lat później romantyzm rozwija się w Anglii i Francji, następnie w USA i Rosji.

Będąc „stylem światowym”, romantyzm jest zjawiskiem bardzo złożonym i sprzecznym, jednoczącym wiele szkół, wielokierunkowych poszukiwań artystycznych. Dlatego bardzo trudno sprowadzić estetykę romantyzmu do jakichś pojedynczych i wyraźnych podstaw.

Jednocześnie estetyka romantyzmu stanowi niewątpliwie jedność w porównaniu z klasycyzmem czy późniejszym realizmem krytycznym. Jedność ta wynika z kilku głównych czynników.

Po pierwsze, romantyzm uznawał wartość osobowości ludzkiej jako takiej, jej samowystarczalność.Świat uczuć i myśli indywidualna osoba została uznana za najwyższą wartość. To natychmiast zmieniło układ współrzędnych, w opozycji „osobowość – społeczeństwo” akcent przesunął się w stronę osobowości. Stąd charakterystyczny dla romantyków kult wolności.

Po drugie, Romantyzm dodatkowo uwydatnił konfrontację cywilizacji z naturą preferując elementy naturalne. To nie przypadek, że w epoceRomantyzm zrodził turystykę, kult pikników na łonie natury itp. Na poziomie tematów literackich pojawia się zainteresowanie egzotycznymi krajobrazami, scenami z wiejskie życie do „dzikich” kultur. Cywilizacja często jawi się jako „więzienie” dla wolnego człowieka. Tę fabułę można prześledzić na przykład w Mtsyri przez M. Yu. Lermontowa.

Po trzecie, najważniejszą cechą estetyki romantyzmu była podwójny świat: uznanie, że świat społeczny, do którego jesteśmy przyzwyczajeni, nie jest jedyny i prawdziwy, prawdziwego świata ludzkiego należy szukać gdzie indziej. Stąd właśnie bierze się ten pomysł piękne „tam”- fundamentalne dla estetyki romantyzmu. To „tam” może objawiać się na wiele różnych sposobów: w łasce Bożej, jak u W. Blake'a; w idealizację przeszłości (stąd zainteresowanie legendami, pojawienie się licznych baśni literackich, kult folkloru); zainteresowanie nietypowymi osobowościami, dużymi pasjami (stąd kult szlachetny bandyta, zainteresowanie historiami o „ fatalna miłość„itd.).

Dualności nie należy interpretować naiwnie . Romantycy wcale nie byli ludźmi „nie z tego świata”, jak niestety wydaje się czasami młodym filologom. Brali czynny udział uczestnictwo w życiu społecznym i największy poeta I. Goethe, ściśle związany z romantyzmem, był nie tylko wielkim przyrodnikiem, ale także premierem. Tu nie chodzi o styl postępowania, ale o postawę filozoficzną, o próbę spojrzenia poza rzeczywistość.

Po czwarte, znaczącą rolę w estetyce romantyzmu odegrały demonizm, opartego na wątpliwościach co do bezgrzeszności Boga, na estetyzowaniu bunt. Demonizm nie był obowiązkową podstawą romantycznego światopoglądu, ale był charakterystycznym tłem romantyzmu. Filozoficznym i estetycznym uzasadnieniem demonizmu była tragedia mistyczna (autor nazwał ją „tajemnicą”) J. Byrona „Kaina” (1821), w której opowieść biblijna na temat Kaina zostaje ponownie przemyślana, a Boskie prawdy zostają podważone. Zainteresowanie „demoniczną zasadą” w człowieku jest charakterystyczne dla różnych artystów epoki romantyzmu: J. Byrona, P. B. Shelleya, E. Poe, M. Yu. Lermontowa i innych.

Romantyzm przyniósł ze sobą nową paletę gatunkową. Klasyczne tragedie i ody zastąpiono elegiami, dramatami romantycznymi i wierszami. Prawdziwy przełom nastąpił w gatunkach prozatorskich: pojawia się wiele opowiadań, powieść nabiera zupełnie nowego wyglądu. Coraz bardziej skomplikowane schemat fabuły: popularne są paradoksalne posunięcia fabularne, fatalne sekrety, nieoczekiwane wyniki. Victor Hugo stał się wybitnym mistrzem powieści romantycznej. Jego powieść Katedra Notre Dame (1831) to światowej sławy arcydzieło prozy romantycznej. Późniejsze powieści Hugo („Człowiek, który się śmieje”, „Nędznicy” i in.) charakteryzują się syntezą tendencji romantycznych i realistycznych, choć pisarz przez całe życie pozostawał wierny romantycznym podstawom.

Otworzywszy świat konkretnej osobowości, romantyzm nie starał się jednak szczegółowo opisywać psychologii jednostki. Zainteresowanie „supernamiętnościami” doprowadziło do typizacji doświadczeń. Jeśli miłość trwa przez wieki, jeśli nienawiść, to do końca. Najczęściej bohater romantyczny był nosicielem jednej pasji, jednej idei. To zbliżyło bohatera romantycznego do bohatera klasycyzmu, choć wszystkie akcenty zostały rozmieszczone inaczej. Prawdziwy psychologizm, „dialektyka duszy” stała się odkryciem innego systemu estetycznego – realizmu.

Realizm

Realizm to bardzo złożona i obszerna koncepcja. Jako dominujący nurt historyczno-literacki ukształtował się w latach 30. XIX wieku, jednak jako sposób opanowywania rzeczywistości realizm był pierwotnie wpisany w twórczość artystyczną. Wiele cech realizmu pojawiło się już w folklorze, były one charakterystyczne dla sztuki starożytnej, sztuki renesansu, klasycyzmu, sentymentalizmu itp. Ten „przekrojowy” charakter realizmu wielokrotnie zauważane przez znawców i wielokrotnie pojawiała się pokusa, aby historię rozwoju sztuki postrzegać jako fluktuację między mistycznym (romantycznym) a realistycznym sposobem poznawania rzeczywistości. W najpełniejszej formie znalazło to odzwierciedlenie w teorii słynnego filologa D.I. Czyżewskiego (z pochodzenia Ukraińca, większość życia spędził w Niemczech i USA), przedstawiającego rozwój literatury światowej jakoruch” pomiędzy biegunami realistycznymi i mistycznymi. W teorii estetycznej nazywa się to „Wahadło Czyżewskiego”. Każdy sposób odzwierciedlania rzeczywistości charakteryzuje Chiżewskiego z kilku powodów:

realistyczny	romantyczny (mistyczny)
Przedstawienie typowego bohatera w typowych okolicznościach	Ukazanie wyjątkowego bohatera w wyjątkowych okolicznościach
Odtworzenie rzeczywistości, jej wiarygodnego obrazu	Aktywne odtwarzanie rzeczywistości pod znakiem autorskiego ideału
Wizerunek osoby w różnorodnych powiązaniach społecznych, domowych i psychologicznych ze światem zewnętrznym	Poczucie własnej wartości jednostki podkreślało jej niezależność od społeczeństwa, warunków i środowiska
Kreacja charakteru bohatera jako wieloaspektowego, niejednoznacznego, wewnętrznie sprzecznego	Zarys bohatera z jedną lub dwoma jasnymi, charakterystycznymi, wypukłymi rysami, fragmentarycznie
Poszukiwanie sposobów rozwiązania konfliktu bohatera ze światem w realnej, konkretnej rzeczywistości historycznej	Szukaj sposobów na rozwiązanie konfliktu bohatera ze światem w innych, poza kosmicznymi sferami
Specyficzny chronotop historyczny (pewna przestrzeń, określony czas)	Warunkowy, skrajnie uogólniony chronotop (nieokreślona przestrzeń, nieokreślony czas)
Motywacja zachowania bohatera cechami rzeczywistości	Przedstawienie zachowania bohatera jako nie motywowanego rzeczywistością (samostanowienie osobowości)
Uważa się, że rozwiązanie konfliktu i szczęśliwy wynik są osiągalne	Nierozwiązywalność konfliktu, niemożność lub warunkowy charakter pomyślnego wyniku

Stworzony kilkadziesiąt lat temu schemat Czyżewskiego jest nadal dość popularny, a jednocześnie zauważalnie prostuje proces literacki. Tym samym klasycyzm i realizm okazują się typologicznie podobne, romantyzm zaś faktycznie reprodukuje kulturę barokową. W rzeczywistości są to zupełnie różne modele, a realizm XIX wieku niewiele przypomina realizm renesansowy, a tym bardziej klasycyzm. Jednocześnie warto pamiętać o schemacie Chiżewskiego, ponieważ niektóre akcenty są umieszczone precyzyjnie.

Mówiąc o klasyku realizm XIX stulecia, należy tu zwrócić uwagę na kilka kluczowych kwestii.

W realizmie nastąpiło zbliżenie między portretowanym a przedstawionym. Tematem obrazu z reguły stawała się rzeczywistość „tu i teraz”. Nieprzypadkowo historia rosyjskiego realizmu wiąże się z powstaniem tzw. „szkoły naturalnej”, która widziała swoje zadanie w dawaniu jak najbardziej obiektywnego obrazu współczesnej rzeczywistości. To prawda, że ​​​​ta ostateczna specyfika wkrótce przestała zadowalać pisarzy, a najważniejsi autorzy (I. S. Turgieniew, N. A. Niekrasow, A. N. Ostrowski i inni) wyszli daleko poza estetykę „szkoły naturalnej”.

Jednocześnie nie należy sądzić, że realizm wyrzekł się formułowania i rozwiązywania „odwiecznych pytań bytu”. Wręcz przeciwnie, wielcy pisarze realistyczni pierwsi stawiali właśnie te kwestie. Jednak najważniejsze problemy ludzkiej egzystencji zostały przeniesione na konkretną rzeczywistość, na życie zwykłych ludzi. Tak więc F. M. Dostojewski rozwiązuje odwieczny problem relacji między człowiekiem a Bogiem, nie w symbolicznych obrazach Kaina i Lucyfera, jak na przykład Byron, ale na przykładzie losu zubożałego studenta Raskolnikowa, który zabił starego pożyczkodawcą i tym samym „przekroczył granicę”.

Realizm nie porzuca obrazów symbolicznych i alegorycznych, ale zmienia się ich znaczenie, nie wyruszają wieczne problemy, ale społecznie specyficzne. Na przykład baśnie Saltykowa-Szczedrina są na wskroś alegoryczne, ale rozpoznają rzeczywistość społeczną XIX wieku.

Realizmjak żaden wcześniej istniejący kierunek, zainteresowany wewnętrznym światem jednostki, stara się dostrzec jego paradoksy, ruch i rozwój. Pod tym względem w prozie realizmu wzrasta rola monologów wewnętrznych, bohater nieustannie kłóci się ze sobą, wątpi w siebie, ocenia siebie. Psychologizm w twórczości mistrzów realizmu(F. M. Dostojewski, L. N. Tołstoj i inni) osiąga swój najwyższy wyraz.

Realizm zmienia się z biegiem czasu, odzwierciedlając nowe realia i trendy historyczne. Tak w Epoka radziecka pojawia się socrealizm ogłosił „oficjalną” metodę literatury radzieckiej. Jest to wysoce ideologiczna forma realizmu, która miała na celu ukazanie nieuchronnego upadku systemu burżuazyjnego. W rzeczywistości jednak niemal całą sztukę radziecką nazywano „realizmem socjalistycznym”, a kryteria okazały się całkowicie zamazane. Dziś termin ten ma jedynie znaczenie historyczne w odniesieniu do literatura współczesna to nie ma znaczenia.

Jeśli w połowa XIX wiekowy realizm dominował prawie niepodzielnie, a pod koniec XIX wieku sytuacja się zmieniła. Przez ostatnie stulecie realizm doświadczał ostrej konkurencji ze strony innych. systemy estetyczne, co oczywiście w ten czy inny sposób zmienia naturę samego realizmu. Na przykład powieść M. A. Bułhakowa „Mistrz i Małgorzata” jest dziełem realistycznym, ale jednocześnie odczuwa się w niej znaczenie symboliczne, co zauważalnie zmienia oprawę „realizmu klasycznego”.

Trendy modernistyczne końca XIX - XX wieku

Wiek XX, jak żaden inny, upłynął pod znakiem rywalizacji wielu nurtów w sztuce. Kierunki te są zupełnie różne, konkurują ze sobą, zastępują się, uwzględniają swoje osiągnięcia. Łączy ich jedynie przeciwstawienie się klasyce sztuka realistyczna, próbuje znaleźć własne sposoby odzwierciedlania rzeczywistości. Kierunki te łączy warunkowy termin „modernizm”. Sam termin „modernizm” (od „nowoczesny” – nowoczesny) powstał w romantycznej estetyce A. Schlegla, ale potem się nie zakorzenił. Zaczęto go jednak używać sto lat później, pod koniec XIX wieku, i zaczęto oznaczać początkowo dziwne, niezwykłe systemy estetyczne. Dziś „modernizm” jest terminem o niezwykle szerokim znaczeniu, występującym właściwie w dwóch przeciwieństwach: z jednej strony jest to „wszystko, co nie jest realizmem”, z drugiej (w ostatnich latach) jest czymś, czym „nie jest” postmodernizm”. Tym samym koncepcja modernizmu ujawnia się negatywnie – metodą „sprzeczności”. Naturalnie przy takim podejściu nie ma mowy o jakiejkolwiek przejrzystości strukturalnej.

Trendów modernistycznych jest wiele, my skupimy się tylko na najważniejszych:

Impresjonizm (od francuskiego „impresja” - wrażenie) - nurt w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat. Przedstawiciele impresjonizmu starali się uchwycićrealny świat w jego mobilności i zmienności, przekazują swoje ulotne wrażenia. Sami impresjoniści nazywali siebie „nowymi realistami”, termin ten pojawił się później, po 1874 r., kiedy ukazało się słynne dziś dzieło C. Moneta „Wschód słońca. Wrażenie". Początkowo termin „impresjonizm” miał wydźwięk negatywny, wyrażający zdziwienie, a nawet lekceważenie krytyki, jednak sami artyści przyjęli go „na złość krytykom”, a z czasem negatywne konotacje zniknęły.

W malarstwie impresjonizm wywarł ogromny wpływ na cały dalszy rozwój sztuki.

W literaturze rola impresjonizmu była skromniejsza, gdyż nie rozwinął się on jako ruch niezależny. Jednak estetyka impresjonizmu wpłynęła na twórczość wielu autorów, także rosyjskich. Wiele wierszy K. Balmonta, I. Annensky'ego i innych cechuje wiara w „przemijalność”. Ponadto impresjonizm wpłynął na koloryt wielu pisarzy, na przykład jego cechy są zauważalne w palecie B. Zajcewa.

Jednak jako nurt holistyczny impresjonizm nie pojawił się w literaturze, stając się charakterystycznym tłem symboliki i neorealizmu.

Symbolika - jeden z najpotężniejszych obszarów modernizmu, dość rozproszony w swoich postawach i poszukiwaniach. Symbolika zaczęła kształtować się we Francji w latach 70. XIX wieku i szybko rozprzestrzeniła się w całej Europie.

W latach 90. symbolika stała się trendem ogólnoeuropejskim, z wyjątkiem Włoch, gdzie z nie do końca jasnych powodów nie zakorzeniła się.

W Rosji symbolika zaczęła się ujawniać pod koniec lat 80., a jako świadomy trend nabrała kształtu w połowie lat 90.

Do czasu powstania i specyfiki światopoglądu w rosyjskiej symbolice zwyczajowo wyróżnia się dwa główne etapy. Poeci debiutujący w latach 90. XIX w. nazywani są „starszymi symbolistami” (W. Bryusow, K. Balmont, D. Mereżkowski, Z. Gippius, F. Sologub i in.).

W XX wieku pojawiło się wiele nowych nazw, które wyraźnie zmieniły oblicze symboliki: A. Blok, A. Bely, Vyach. Iwanow i in. Przyjętą nazwą „drugiej fali” symboliki jest „młoda symbolika”. Należy pamiętać, że „starszych” i „młodszych” symbolistów oddzielał nie tyle wiek (np. Wiacz. Iwanow jest zwykle „starszy” ze względu na wiek), ale różnica światopoglądów i kierunku kreatywności.

Twórczość starszych symbolistów bardziej wpisuje się w kanon neoromantyzmu. Charakterystycznymi motywami są samotność, wybranie poety, niedoskonałość świata. W wierszach K. Balmonta zauważalny jest wpływ techniki impresjonistycznej, wczesny Bryusow ma wiele eksperymentów technicznych, egzotykę werbalną.

Młodzi Symboliści stworzyli bardziej holistyczną i oryginalną koncepcję, która opierała się na fuzji życia i sztuki, na idei ulepszania świata zgodnie z prawami estetycznymi. Tajemnicy bytu nie da się wyrazić zwykłym słowem, można ją jedynie odgadnąć w systemie symboli odnalezionym intuicyjnie przez poetę. Pojęcie tajemnicy, nieujawniania znaczeń stało się podstawą estetyki symbolistycznej. Według Vyacha poezja. Iwanowa istnieje „tajne pisanie tego, co niewyrażalne”. Społeczno-estetyczna iluzja młodej symboliki polegała na tym, że poprzez „słowo prorocze” można zmienić świat. Dlatego postrzegali siebie nie tylko jako poetów, ale także jako demiurdzy czyli twórcy świata. Niespełniona utopia doprowadziła na początku lat 1910. XX w. do całkowitego kryzysu symboliki, do jej rozpadu jako integralnego systemu, choć od dawna słychać „echa” estetyki symbolistycznej.

Niezależnie od realizacji utopii społecznej, symbolika ogromnie wzbogaciła poezję rosyjską i światową. Nazwiska A. Bloka, I. Annensky'ego, Vyacha. Iwanow, A. Bieły i inni wybitni poeci symbolistyczni – duma literatury rosyjskiej.

Ameizm(od greckiego „akme” – „najwyższy stopień, szczyt, rozkwit, czas rozkwitu”) – ruch literacki, który powstał na początku dziesiątych lat XX wieku w Rosji. Historycznie rzecz biorąc, acmeizm był reakcją na kryzys symboliki. W przeciwieństwie do „tajnego” słowa symbolistów, akmeiści głosili wartość materiału, plastyczną obiektywność obrazów, dokładność i wyrafinowanie słowa.

Powstawanie acmeizmu jest ściśle związane z działalnością organizacji „Warsztat poetów”, której głównymi postaciami byli N. Gumilow i S. Gorodecki. Do acmeizmu przyłączyli się także O. Mandelstam, wczesna A. Achmatowa, W. Narbut i inni, później jednak Achmatowa kwestionowała estetyczną jedność akmeizmu, a nawet zasadność samego terminu. Ale trudno się z nią zgodzić w tej kwestii: estetyczna jedność poetów acmeistycznych, przynajmniej w pierwszych latach, nie ulega wątpliwości. I nie chodzi tylko o artykuły programowe N. Gumilowa i O. Mandelstama, w których formułowane jest estetyczne credo nowego nurtu, ale przede wszystkim o samą praktykę. Akmeizm w przedziwny sposób łączył romantyczną chęć egzotyki, wędrowania z wyrafinowaniem słowa, co wiązało go z kulturą barokową.

Ulubione obrazy acmeizmu - egzotyczne piękno (na przykład w każdym okresie swojej twórczości Gumilow ma wiersze o egzotycznych zwierzętach: żyrafie, jaguarze, nosorożcu, kangurze itp.), obrazy kultury(z Gumilowem, Achmatową, Mandelstamem) temat miłosny jest rozwiązany bardzo plastycznie. Często istotny szczegół staje się znakiem psychologicznym(na przykład rękawiczka u Gumilowa lub Achmatowej).

Najpierw świat jawi się akmeistom jako wyrafinowany, ale „zabawkowy”, zdecydowanie nierealny. Na przykład słynny wczesny wiersz O. Mandelstama brzmi tak:

Płonący płatkiem złota

Choinki w lesie;

Zabawkarskie wilki w krzakach

Patrzą strasznymi oczami.

Och, mój smutku,

Och, moja cicha wolność

I nieożywione niebo

Zawsze roześmiany kryształ!

Później drogi akmeistów rozeszły się, z dawnej jedności niewiele pozostało, choć wierność ideałom kultury wysokiej, kultowi poetyckiego mistrzostwa, większość poetów zachowała do końca. Wielu czołowych artystów słownych wyszło z acmeizmu. Literatura rosyjska ma prawo być dumna z nazwisk Gumilowa, Mandelstama i Achmatowej.

Futuryzm(z łac. „futurus” "- przyszły). Jeśli symbolika, jak wspomniano powyżej, nie zakorzeniła się we Włoszech, to wręcz przeciwnie, futuryzm ma włoskie pochodzenie. Za „ojca” futuryzmu uważany jest włoski poeta i teoretyk sztuki F. Marinetti, który zaproponował szokującą i surową teorię nowej sztuki. Tak naprawdę Marinetti mówił o mechanizacji sztuki, o pozbawieniu go duchowości. Sztuka powinna przypominać „grę na mechanicznym pianinie”, wszelkie słowne rozkosze są zbędne, duchowość to przestarzały mit.

Idee Marinettiego obnażyły ​​kryzys sztuki klasycznej i zostały przejęte przez „zbuntowane” grupy estetyczne w różnych krajach.

W Rosji pierwszymi futurystami byli bracia artyści Burliuks. David Burliuk założył w swojej posiadłości kolonię futurystów „Gilea”. Udało mu się zgromadzić wokół siebie inaczej, w przeciwieństwie do innych poetów i artystów: Majakowskiego, Chlebnikowa, Kruchenykha, Eleny Guro i innych.

Pierwsze manifesty rosyjskich futurystów miały szczerze szokujący charakter (nawet nazwa manifestu „Slapping the Public Gust” mówi sama za siebie), jednak nawet przy tym rosyjscy futuryści nie zaakceptowali mechanizmu Marinettiego od samego początku, ustanawiając sobie inne zadania. Przybycie Marinettiego do Rosji wywołało rozczarowanie wśród rosyjskich poetów i jeszcze bardziej uwypukliło różnice.

Futuryści postanowili stworzyć nową poetykę, nowy system walory estetyczne. Wirtuozowska zabawa słowem, estetyzacja przedmiotów codziennego użytku, mowa ulicy – ​​wszystko to podniecało, zszokowało, wywołało rezonans. Chwytliwy, widoczny charakter obrazu jednych drażnił, innych zachwycał:

Każde słowo,

nawet żart

który wymiotuje z płonącymi ustami,

wyrzucony jak naga prostytutka

z płonącego burdelu.

(W. Majakowski, „Chmura w spodniach”)

Dziś można uznać, że znaczna część twórczości futurystów nie przetrwała próby czasu, ma jedynie znaczenie historyczne, ale w ogóle wpływ eksperymentów futurystów na cały dalszy rozwój sztuki (i nie tylko werbalne, ale i obrazowe, muzyczne) okazało się kolosalne.

Futuryzm miał w sobie kilka nurtów, zbieżnych lub sprzecznych: kubofuturyzm, ego-futuryzm (Igor Severyanin), grupa Centrifuga (N. Aseev, B. Pasternak).

Bardzo różne od siebie grupy te połączyły się w nowym rozumieniu istoty poezji, w pragnieniu werbalnych eksperymentów. Rosyjski futuryzm dał światu kilku poetów o ogromnej skali: Władimira Majakowskiego, Borysa Pasternaka, Wielimira Chlebnikowa.

Egzystencjalizm (od łacińskiego „existentia” - istnienie). Egzystencjalizmu nie można nazwać nurtem literackim w pełnym tego słowa znaczeniu, jest to raczej nurt filozoficzny, koncepcja człowieka, która znalazła swój wyraz w wielu dziełach literackich. Początków tego nurtu należy szukać w XIX w. w filozofii mistycznej S. Kierkegaarda, jednak prawdziwy rozwój egzystencjalizmu nastąpił już w XX w. Do najważniejszych filozofów egzystencjalistycznych można wymienić G. Marcela, K. Jaspersa, M. Heideggera, J.-P. Sartre i inni Egzystencjalizm jest systemem bardzo rozproszonym, z wieloma odmianami i odmianami. Jednakże wspólne cechy, pozwalające mówić o pewnej jedności, są następujące:

1. Rozpoznanie osobowego sensu bytu . Inaczej mówiąc, świat i człowiek w swej pierwotnej istocie są zasadami osobowymi. Błąd tradycyjnego poglądu, zdaniem egzystencjalistów, polega na tym, że życie ludzkie rozpatrywane jest „z zewnątrz”, obiektywnie, a wyjątkowość życia ludzkiego polega właśnie na tym, że jest ono Jest i że ona Mój. Dlatego G. Marcel zaproponował rozpatrywanie relacji człowieka i świata nie według schematu „On jest światem”, ale według schematu „Ja – Ty”. Moja relacja z drugą osobą jest tylko szczególnym przypadkiem tego wszechogarniającego schematu.

M. Heidegger powiedział to samo, trochę inaczej. Jego zdaniem należy zmienić podstawowe pytanie o człowieka. Próbujemy odpowiedzieć, Co jest osoba”, ale trzeba zapytać „ Kto jest osoba.” To radykalnie zmienia cały układ współrzędnych, ponieważ w znanym świecie nie zobaczymy podstaw dla unikalnego „ja” dla każdej osoby.

2. Uznanie tzw. „sytuacji granicznej” kiedy to „ja” stanie się bezpośrednio dostępne. W zwyczajne życie to „ja” nie jest bezpośrednio dostępne, ale w obliczu śmierci, na tle nieistnienia, objawia się. Koncepcja sytuacji granicznej wywarła ogromny wpływ na literaturę XX wieku – zarówno wśród pisarzy bezpośrednio związanych z teorią egzystencjalizmu (A. Camus, J.-P. Sartre), jak i autorów, którzy na ogół są od tej teorii dalecy. na przykład na idei sytuacji granicznej zbudowane są prawie wszystkie wątki wojskowych opowieści Wasila Bykowa.

3. Uznanie osoby za projekt . Inaczej mówiąc, dane nam pierwotne „ja” zmusza nas za każdym razem do dokonania jedynego możliwego wyboru. A jeśli czyjś wybór okaże się niegodny, osoba ta zaczyna się rozpadać, niezależnie od powodów zewnętrznych, które może usprawiedliwić.

Egzystencjalizm, powtarzamy, nie ukształtował się jako nurt literacki, ale wywarł ogromny wpływ na współczesną kulturę światową. W tym sensie można go uznać za nurt estetyczny i filozoficzny XX wieku.

Surrealizm(francuski „surrealizm”, dosł. – „superrealizm”) – potężny nurt w malarstwie i literaturze XX wieku, który jednak odcisnął największe piętno w malarstwie, przede wszystkim ze względu na autorytet sławny artysta Salvador Dali. Skandaliczny słynne zdanie Dali, przy całej swojej skandalizacji, wyraźnie akcentuje swoje nieporozumienia z innymi przywódcami kierunku „surrealista to ja”. Bez postaci Salvadora Dali surrealizm prawdopodobnie nie miałby takiego wpływu na kulturę XX wieku.

Jednocześnie założycielem tego nurtu nie jest wcale Dali, ani nawet artysta, ale po prostu pisarz Andre Breton. Surrealizm ukształtował się w latach dwudziestych XX wieku jako ruch lewicowy, ale wyraźnie różnił się od futuryzmu. Surrealizm odzwierciedlał społeczne, filozoficzne, psychologiczne i estetyczne paradoksy świadomości europejskiej. Europa jest zmęczona napięciami społecznymi, tradycyjnymi formami sztuki, hipokryzją w etyce. Ta fala „protestu” dała początek surrealizmowi.

Autorzy pierwszych deklaracji i dzieł surrealizmu (Paul Eluard, Louis Aragon, Andre Breton i in.) postawili sobie za cel „wyzwolenie” twórczości ze wszelkich konwencji. Dużą wagę przywiązywano do nieświadomych impulsów, przypadkowych obrazów, które jednak poddawane były następnie starannej obróbce artystycznej.

Poważny wpływ na estetykę surrealizmu wywarł freudyzm, który urzeczywistniał erotyczne instynkty człowieka.

Na przełomie lat 20. i 30. surrealizm odgrywał bardzo znaczącą rolę w kulturze europejskiej, jednak literacki komponent tego nurtu stopniowo słabł. Od surrealizmu odeszli główni pisarze i poeci, w szczególności Eluard i Aragonia. Próby wskrzeszenia ruchu przez André Bretona po wojnie zakończyły się niepowodzeniem, natomiast surrealizm dał początek znacznie potężniejszej tradycji malarskiej.

Postmodernizm - potężny nurt literacki naszych czasów, bardzo różnorodny, sprzeczny i zasadniczo otwarty na wszelkie innowacje. Filozofia postmodernizmu ukształtowała się głównie w szkole francuskiej myśli estetycznej (J. Derrida, R. Barthes, J. Kristeva i in.), dziś jednak rozprzestrzeniła się daleko poza Francję.

Jednocześnie wiele korzeni filozoficznych i pierwszych dzieł nawiązuje do tradycji amerykańskiej, a samego terminu „postmodernizm” po raz pierwszy w odniesieniu do literatury użył amerykański krytyk literacki pochodzenia arabskiego Ihab Hasan (1971).

Najważniejszą cechą postmodernizmu jest zasadnicze odrzucenie jakiejkolwiek centryczności i jakiejkolwiek hierarchii wartości. Wszystkie teksty są zasadniczo równe pod względem praw i mogą się ze sobą stykać. Nie ma sztuki wysokiej i niskiej, nowoczesnej i przestarzałej. Z kulturowego punktu widzenia wszystkie one istnieją w pewnym „teraz”, a ponieważ łańcuch wartości zostaje zasadniczo zniszczony, żaden z tekstów nie ma przewagi nad drugim.

W twórczości postmodernistów pojawia się prawie każdy tekst dowolnej epoki. Zaciera się także granica słowa własnego i cudzego, dlatego w nowym dziele można przeplatać teksty znanych autorów. Zasada ta została nazwana zasada centonalności» (centon – gatunek gry, w którym wiersz składa się z różnych wersów innych autorów).

Postmodernizm radykalnie różni się od wszystkich innych systemów estetycznych. W różnych schematach (na przykład w znanych schematach Ihaba Hasana, V. Brainina-Passeka itp.) Odnotowuje się dziesiątki charakterystycznych oznak postmodernizmu. Jest to sceneria dla gry, konformizmu, uznania równości kultur, sceneria dla wtórnej (czyli postmodernizm nie ma na celu powiedzenia czegoś nowego o świecie), orientacji na sukces komercyjny, uznania nieskończoności estetyki ( czyli wszystko może być sztuką) itp.

Stosunek do postmodernizmu zarówno wśród pisarzy, jak i krytyków literackich jest niejednoznaczny: od całkowitej akceptacji po kategoryczne zaprzeczenie.

W ostatniej dekadzie coraz częściej mówi się o kryzysie postmodernizmu, przypomina o odpowiedzialności i duchowości kultury.

Na przykład P. Bourdieu uważa postmodernizm za odmianę „radykalnego szyku”, spektakularnego i wygodnego jednocześnie, i nawołuje, aby nie niszczyć nauki (a w kontekście także sztuki) „w fajerwerkach nihilizmu”.

Ostre ataki na postmodernistyczny nihilizm podejmuje także wielu amerykańskich teoretyków. Oddźwięk wywołała zwłaszcza książka Przeciw dekonstrukcji J. M. Ellisa, zawierająca krytyczną analizę postaw postmodernistycznych. Teraz jednak ten schemat jest znacznie bardziej skomplikowany. Zwyczajowo mówi się o przedsymbolizmie, wczesnej symbolice, mistyczna symbolika, postsymbolizm itp. Nie przekreśla to jednak naturalnie ukształtowanego podziału na starszych i młodszych.