100 najsłynniejszych obrazów. Malarstwo: arcydzieła sztuki, znane na całym świecie

W prawie każdym znacząca praca sztuka jest tajemnicą, „podwójnym dnem” lub tajna historia, które chcę ujawnić.

Muzyka na pośladkach

Hieronim Bosch, „Ogród” ziemskie przyjemności", 1500-1510.

Fragment części tryptyku

Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejszego dzieła Holenderski artysta nie ustąpiły od czasu jego pojawienia się. Prawe skrzydło tryptyku „Muzyczne Piekło” przedstawia grzeszników torturowanych w podziemiach za pomocą instrumenty muzyczne. Jeden z nich ma wytłoczone nuty na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetłumaczyła XVI-wieczny zapis na współczesny akcent i nagrała „500-letnią piekło z piekła rodem”.

Naga Mona Lisa

Słynna „La Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nosi tytuł „Monna Vanna”, została napisana przez mało znany artysta Salai, który był uczniem i wzorem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu historyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których Salai ubrana w kobiecy strój służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.

Stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Csontvary namalował obraz „Stary rybak”. Wydawać by się mogło, że w obrazie nie ma nic niezwykłego, jednak Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdym człowieku może być zarówno Bóg (zduplikowane prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane lewe ramię starzec).

Czy był wieloryb?

Hendrik van Antonissen, Scena na brzegu.

Wydawać by się mogło, że to zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i bezludne morze. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale oglądali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.

Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba, i przepisał obraz.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, „Obiad na trawie”, 1863.

Claude Monet, „Obiad na trawie”, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Monet zapożyczył nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Obiad na trawie” i napisał własny „Obiad na trawie”.

Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, " Ostatnia Wieczerza", 1495-1498.

Pisząc Ostatnią Wieczerzę Leonardo da Vinci przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich modeli. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć wzoru dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. To było kilka lat temu, kiedy śpiewał chór kościelny, Leonardo namalował z niego Chrystusa.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, „Nocna straż”, 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga” wisiał w różnych pokojach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie zdawały się pojawiać na ciemnym tle, nazwano go „Nocną Strażą” i pod tą nazwą wszedł do skarbnicy sztuki światowej.

I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku odkryto, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie okazało się, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Położenie cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas akcji nie przekracza 14 godzin.

Przewrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

W Muzeum Nowego Jorku Sztuka współczesna w 1961 r. wystawiono obraz Henriego Matisse'a „Łódź”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie popełnić błędu w sposobie zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien znajdować się w kierunku prawego górnego rogu.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, Autoportret z fajką, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.

Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta ukazany jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości dotknięte było lewe ucho.

Obce niedźwiedzie

Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że jego dotykające się niedźwiedzie nie wyjdą tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do swojego przyjaciela, artysty zwierząt Konstantina Savickiego.

Savitsky narysował prawdopodobnie najlepsze niedźwiedzie w historii Malarstwo rosyjskie, a Tretiakow nakazał zmyć swoje imię z płótna, ponieważ wszystko w obrazie „od koncepcji po wykonanie, wszystko mówi o sposobie malowania, o charakterystycznej dla Szyszkina metodzie twórczej”.

Niewinna historia „Gothica”

Grant Wood, Amerykański gotyk, 1930.

Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi.
Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom styl gotycki i postanowił sportretować te osoby, które jego zdaniem idealnie nadawałyby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni jako bohaterowie, którymi mieszkańcy Iowa byli tak urażeni.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Gala nie była jeszcze wówczas obecna w życiu artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem i siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego zachowania.

W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salvadora. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku ukazał się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do „Postać w oknie”. Istnieje wersja, że ​​w ten sposób Dali zemścił się na siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Przykładowo strzelanina pokazała, że ​​we wczesnej wersji twarz księżniczki, która wdała się w romans z Zeusem, była podobna do twarzy Saskii, żony malarza, zmarłej w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertje Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

Vincent Van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.

W maju 1888 roku Van Gogh nabył małą pracownię w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest już gotowe i postanawia namalować „Sypialnię Van Gogha w Arles”. Dla artysty bardzo ważny był kolor i wygoda pomieszczenia: wszystko musiało przywoływać na myśl o relaksie. Jednocześnie obraz jest utrzymany w niepokojących żółtych odcieniach.

Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na odcienie zieleni i żółci.

Bezzębna doskonałość

Leonardo da Vinci, „Portret Lady Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.

Powszechnie panuje opinia, że ​​Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że ​​sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Studiując powiększone fotografie arcydzieła Borkowski odkrył także blizny wokół ust. „Uśmiecha się” właśnie z powodu tego, co ją spotkało – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.

Specjalizacja w kontroli twarzy

Paweł Fedotow, „Swatanie majora”, 1848.

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnej publiczności. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad szlachetna etykieta: pojawił się bez wymaganych bukietów dla panny młodej i jej matki. A jej kupieccy rodzice sami ubrali pannę młodą w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego Liberty jest naga?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Wolność na barykadach”, 1830.

Zdaniem krytyka sztuki Etienne Julie Delacroix wzorował twarz kobiety na słynnej paryskiej rewolucjonistce – praczce Annie-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu gwardzistów. Artystka przedstawiła jej nagą klatkę piersiową. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: naga pierś pokazuje, że Liberty jako zwykły człowiek nie nosi gorsetu.

Kwadrat niekwadratowy

Kazimierz Malewicz, Plac Czarnych Suprematystów, 1915.

Tak naprawdę „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do ​​żadnego z pozostałych boków, ani do żadnego boku kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor- to wynik zmieszania różne kolory, wśród których nie było czarnego. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, poruszającej formy.

Specjaliści z Galerii Trietiakowskiej odkryli autorski napis na słynnym obrazie Malewicza. Napis głosi: „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do tytułu humorystycznego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse’a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który miał kształt całkowicie czarnego prostokąta.

Melodramat austriackiej Mony Lisy

Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdinada Blocha-Bauera. Cały Wiedeń omawiał burzliwy romans Adele ze słynną artystką. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypową metodę: postanowił zamówić Klimtowi portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zaczął na nią wymiotować.

Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, aby opiekunka mogła zobaczyć, jak słabną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno się ochłodzili. Adele Bloch-Bauer nigdy nie wiedziała, że ​​jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.

Najbardziej sławny obraz Gauguin ma jedną osobliwość: „czyta się” go nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w szponach w lewy dolny róg).

Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka pojechał do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego działalność zaczęła się poprawiać i rozpoczął się w jego pracy jaśniejszy okres.

112 przysłów na jednym obrazku

Pieter Bruegel Starszy, „Przysłowia holenderskie”, 1559

Pieter Bruegel Starszy przedstawił ziemię zamieszkaną przez dosłowne obrazy Przysłowia holenderskie te dni. Obraz zawiera około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, np.: „płyń pod prąd”, „walenie głową o ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małą rybkę”.

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.

Subiektywność sztuki

Paul Gauguin, „Bretońska wioska w śniegu”, 1894

Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i w dodatku pod nazwą „Wodospad Niagara”. Mężczyzna prowadzący aukcję przez przypadek powiesił obraz do góry nogami, bo zobaczył na nim wodospad.

Ukryty obraz

Pablo Picasso, „Niebieski pokój”, 1901

W 2008 roku promieniowanie podczerwone ujawniło, że pod Błękitnym Pokojem ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z muszką i opierającego głowę na dłoni. „Tak szybko, jak Picasso nowy pomysł, wziął pędzel i ucieleśnił go. Ale nie miał możliwości zakupu nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza” – wyjaśnia możliwa przyczyna krytyk sztuki Patricia Favero.

Niedostępne Marokańczycy

Zinaida Serebryakova, „Nago”, 1928

Któregoś dnia Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą propozycję – wybrania się w twórczą podróż mającą na celu przedstawienie nagich postaci orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy – przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikomu wcześniej ani później nie udało się uchwycić zamknięcia orientalne kobiety nagi.

Spontaniczny wgląd

Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900

Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu cara. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ramiona... I wtedy dotarło do artysty - oto obraz! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest brany pod uwagę najlepszy obraz ostatni cesarz.

Kolejny dwójka

© Fedor Reshetnikov

Słynny obraz „Deuce Again” to dopiero druga część artystycznej trylogii.

Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosny, doskonały student.

Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z robotniczych przedmieść, szczyt roku szkolnego, przygnębiony idiota, który znów dostał złą ocenę. W lewym górnym rogu widać obraz „Przybył na wakacje”.

Trzecia część to „Ponowne badanie”. Wiejski dom, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zmuszony jest siedzieć w czterech ścianach i tłoczyć się. W lewym górnym rogu widać obraz „Deuce Again”.

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844

W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i zaczęła patrzeć przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim ten sam epizod w pociągu.

Lekcja anatomii od Michała Anioła

Michał Anioł, „Stworzenie Adama”, 1511

Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że ​​Michał Anioł rzeczywiście pozostawił po sobie pewne ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najsłynniejszych dzieł. Wierzą, że prawa strona obrazu przedstawia ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadki mózgowej. A przyciągająca wzrok zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.

„Ostatnia wieczerza” Van Gogha

Vincent Van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888

Badacz Jared Baxter uważa, że ​​obraz Van Gogha „Taras kawiarni nocą” zawiera zaszyfrowaną dedykację dla „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. W centrum obrazu stoi kelner z długie włosy i w białej tunice przypominającej szaty Chrystusa, a wokół niego jest dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca także uwagę na umieszczony bezpośrednio za kelnerem krzyż w kolorze białym.

Obraz pamięci Dali

Salvador Dali, „Trwałość pamięci”, 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Zatem, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.

O czym Munch krzyczy?

Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.

Munch opowiadał o idei jednego z najbardziej tajemniczych obrazów w malarstwie światowym: „Szedłem z dwoma przyjaciółmi ścieżką – słońce zachodziło – nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, wyczerpany, oparłem się o płot – patrzyłem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem drżący z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę.” Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, że ​​pomysł na „Krzyk” narodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy doszło do kilku potężnych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Obfite ilości pyłu i popiołu rozprzestrzeniły się po całym świecie, docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.

Pisarz wśród ludzi

Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.

Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego głównego obrazu. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, widać postać w tunice. Iwanow napisał to od Mikołaja Gogola. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad podczas procesu malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.

Dna Michała Anioła

Rafaela Santi”, Szkoła ateńska", 1511.

Tworzenie słynny fresk„Szkoła ateńska” Rafael uwiecznił na obrazach swoich przyjaciół i znajomych starożytni filozofowie greccy. Jednym z nich był Michelangelo Buonarotti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.

Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.

Lustro pary Arnolfinich

Jan van Eyck, „Portret pary Arnolfinich”, 1434

W lustrze za parą Arnolfinich widać odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck był tutaj”. W ten sposób zazwyczaj zawierano umowy.

Jak wada zamieniła się w talent

Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.

Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i odkryła, że ​​artysta cierpiał na zez: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba sprawiła, że ​​artysta potrafi lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z obrazem dwuwymiarowym, właśnie ta wada Rembrandta może być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Bezgrzeszna Wenus

Sandro Botticelli, „Narodziny Wenus”, 1482-1486.

Przed pojawieniem się „Narodzin Wenus” wizerunek nagiego kobiece ciało w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym z europejskich malarzy, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są pewni, że na fresku symbolizuje pogańska bogini miłości chrześcijański wizerunek: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła rytuał chrztu.

Lutniarz czy lutnista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Lutnista”, 1596.

Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że obraz przedstawia młodego mężczyznę (pozował mu prawdopodobnie znajomy Caravaggia, artysta Mario Minniti): na notatkach przed muzykiem widać nagranie basu wers madrygału Jakuba Arkadelta „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta raczej nie mogłaby dokonać takiego wyboru - to po prostu trudne dla gardła. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w czasach Caravaggia uważana była za instrument męski.

) w swoich wyrazistych, rozległych pracach potrafiła zachować przezroczystość mgły, lekkość żagla i płynne kołysanie statku na falach.

Jej obrazy zadziwiają głębią, objętością, bogactwem, a fakturą jest taka, że ​​nie sposób oderwać od nich wzroku.

Ciepła prostota Walentina Gubariewa

Artysta prymitywista z Mińska Walentin Gubariew nie goni za sławą i po prostu robi to, co kocha. Jego twórczość jest niezwykle popularna za granicą, ale jego rodakom jest prawie nieznana. W połowie lat 90. Francuzi zakochali się w jego codziennych szkicach i podpisali z artystą kontrakt na 16 lat. Obrazy, które, wydawałoby się, powinny być zrozumiałe tylko dla nas, nosicieli „skromnego uroku nierozwiniętego socjalizmu”, spodobały się europejskiej publiczności, a wystawy rozpoczęły się w Szwajcarii, Niemczech, Wielkiej Brytanii i innych krajach.

Zmysłowy realizm Siergieja Marshennikowa

Siergiej Marshennikow ma 41 lat. Mieszka w Petersburgu i tworzy w najlepszych tradycjach klasycznej rosyjskiej szkoły realistycznej malarstwo portretowe. Bohaterkami jego płócien są kobiety delikatne i bezbronne w swojej półnagości. Wiele z najsłynniejszych obrazów przedstawia muzę i żonę artysty, Natalię.

Krótkowzroczny świat Philipa Barlowa

We współczesnej dobie obrazów o wysokiej rozdzielczości i wzrostu hiperrealizmu twórczość Philipa Barlowa od razu przyciąga uwagę. Wymaga to jednak od widza pewnego wysiłku, aby zmusić się do spojrzenia na rozmyte sylwetki i jasne plamy na płótnach autora. Prawdopodobnie tak właśnie osoby cierpiące na krótkowzroczność postrzegają świat bez okularów i soczewek kontaktowych.

Słoneczne króliczki autorstwa Laurenta Parseliera

Malarstwo Laurenta Parceliera jest niesamowity świat, w którym nie ma ani smutku, ani przygnębienia. Nie znajdziesz u niego ponurych i deszczowych zdjęć. W jego płótnach jest dużo światła, powietrza i jasnych kolorów, które artysta stosuje charakterystyczną, rozpoznawalną kreską. Stwarza to wrażenie, że obrazy są utkane z tysiąca promieni słońca.

Dynamika miejska w twórczości Jeremy’ego Manna

Olej na panelach drewnianych Amerykański artysta Jeremy Mann maluje dynamiczne portrety współczesnej metropolii. „Abstrakcyjne formy, linie, kontrast światła i ciemne miejsca– wszystko tworzy obraz, który przywołuje wrażenie, jakiego człowiek doświadcza w tłumie i zgiełku miasta, ale może też wyrazić spokój, jaki można odnaleźć w kontemplacji cichego piękna” – mówi artysta.

Iluzoryczny świat Neila Simona

Na obrazach Brytyjski artysta Neil Simone Wszystko nie jest tym, czym się wydaje na pierwszy rzut oka. „Dla mnie otaczający mnie świat to seria kruchych i ciągle zmieniających się kształtów, cieni i granic” – mówi Simon. A w jego obrazach wszystko jest naprawdę iluzoryczne i ze sobą powiązane. Granice zacierają się, a historie przenikają się nawzajem.

Dramat miłosny Josepha Lorasso

Współczesny amerykański artysta Joseph Lorusso, Włoch z urodzenia, przenosi na płótno podpatrywane przez siebie tematy Życie codzienne zwykli ludzie. Uściski i pocałunki, namiętne wybuchy, chwile czułości i pożądania wypełniają jego emocjonalne obrazy.

Życie na wsi Dmitrija Levina

Dmitry Levin to uznany mistrz rosyjskiego krajobrazu, który dał się poznać jako utalentowany przedstawiciel rosyjskiej szkoły realistycznej. Niezbędne źródło jego sztuka to przywiązanie do natury, którą kocha czule i namiętnie i której czuje się częścią.

Jasny Wschód – Walery Błochin

Na Wschodzie wszystko jest inne: inne kolory, inne powietrze, inne wartości życiowe a rzeczywistość jest dziwniejsza niż fikcja - w to wierzy współczesny artysta

Tajemniczy świat sztuki może wydawać się zagmatwany dla niewprawnego oka, ale istnieją arcydzieła, które każdy powinien znać. Talent, inspiracja i żmudna praca nad każdym uderzeniem dają początek dziełom, które podziwia się wieki później.

Nie sposób zebrać w jednym wyborze wszystkich wybitnych dzieł, staraliśmy się jednak wybrać te najsłynniejsze, które przyciągają gigantyczne kolejki przed muzeami na całym świecie.

Najsłynniejsze obrazy rosyjskich artystów

„Poranek w sosnowym lesie”, Iwan Szyszkin i Konstantin Sawicki

Rok powstania: 1889
Muzeum

Szyszkin był znakomitym malarzem pejzaży, ale rzadko musiał rysować zwierzęta, dlatego postacie niedźwiadków namalował Savitsky, znakomity artysta zajmujący się zwierzętami. Pod koniec pracy Tretiakow nakazał usunięcie podpisu Savickiego, biorąc pod uwagę, że Szyszkin wykonał znacznie obszerniejszą pracę.

„Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.”, Ilja Repin

Lata stworzenia: 1883–1885
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Do stworzenia arcydzieła, lepiej znanego jako „Iwan Groźny zabija swojego syna”, Repin zainspirował się symfonią „Antar” Rimskiego-Korsakowa, a mianowicie jej drugą częścią „Słodycz zemsty”. Artysta pod wpływem dźwięków muzyki przedstawił krwawą scenę morderstwa i późniejszej skruchy obserwowanej w oczach władcy.

„Siedzący demon”, Michaił Wrubel

Rok powstania: 1890
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Obraz był jedną z trzydziestu ilustracji narysowanych przez Vrubela na potrzeby rocznicowego wydania dzieł M.Yu. Lermontow. „Siedzący demon” uosabia wątpliwości tkwiące w ludzkim duchu, subtelny, nieuchwytny „nastrój duszy”. Zdaniem ekspertów artysta miał w pewnym stopniu obsesję na punkcie wizerunku demona: po tym obrazie pojawiły się „Latający demon” i „Pokonany demon”.

„Bojaryna Morozowa”, Wasilij Surikow

Lata stworzenia: 1884–1887
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Film oparty jest na fabule życia staroobrzędowców „Opowieść o Boyarinie Morozowej”. Zrozumienie kluczowego obrazu przyszło do artysty, gdy zobaczył wronę rozkładającą swoje czarne skrzydła niczym plamę na zaśnieżonej powierzchni. Później Surikow długo szukał prototypu twarzy szlachcianki, ale nie mógł znaleźć nic odpowiedniego, aż pewnego dnia spotkał na cmentarzu starowierkę o bladej, szalonej twarzy. Szkic portretu powstał w ciągu dwóch godzin.

„Bogatyrs”, Wiktor Wasniecow

Lata stworzenia: 1881–1898
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Przyszłe epickie arcydzieło narodziło się jako mały szkic ołówkiem w 1881 roku; Do dalszej pracy na płótnie Wasnetsow spędził wiele lat pieczołowicie zbierając informacje o bohaterach z mitów, legend i tradycji, a także badał w muzeach autentyczną starożytną rosyjską amunicję.

Analiza obrazu Wasnetsowa „Trzej bohaterowie”

„Kąpiel czerwonego konia”, Kuzma Petrov-Vodkin

Rok powstania: 1912
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Początkowo obraz pomyślany był jako codzienny szkic z życia rosyjskiej wsi, jednak w trakcie pracy płótno artysty zarosło ogromną liczbą symboli. Przez czerwonego konia Pietrow-Wodkin miał na myśli „Los Rosji”; po przystąpieniu kraju do I wojny światowej wykrzyknął: „Więc dlatego namalowałem ten obraz!” Jednak po rewolucji proradzieccy krytycy sztuki zinterpretowali kluczowa postać płótna jako „zwiastun rewolucyjnych pożarów”.

„Trójca”, Andriej Rublow

Rok powstania: 1411
Muzeum: Galeria Trietiakowska, Moskwa

Ikona, która położyła podwaliny pod tradycję rosyjskiego malarstwa ikonowego z XV-XVI wieku. Płótno przedstawiające starotestamentową trójcę aniołów, która ukazała się Abrahamowi, jest symbolem jedności Trójcy Świętej.

Dziewiąta fala, Iwan Aiwazowski

Rok powstania: 1850
Muzeum

Perła w „kartografii” legendarnego rosyjskiego malarza morskiego, którego bez wahania można uznać za jednego z najsłynniejszych artystów na świecie. Widzimy, jak marynarze, którzy cudem przeżyli sztorm, trzymają się masztu w oczekiwaniu na spotkanie „dziewiątej fali”, mitycznego apogeum wszystkich sztormów. Ale dominujące na płótnie ciepłe odcienie dają nadzieję na zbawienie ofiar.

„Ostatni dzień Pompejów”, Karl Bryullov

Lata stworzenia: 1830–1833
Muzeum: Muzeum Rosyjskie, St. Petersburg

Ukończony w 1833 roku obraz Bryulłowa był pierwotnie wystawiany w największe miasta Włochy, gdzie wywołało prawdziwą sensację - malarza porównywano do Michała Anioła, Tycjana, Rafaela... W kraju arcydzieło przyjęto z nie mniejszym entuzjazmem, zapewniając Bryullovowi przydomek „Karol Wielki”. Płótno jest naprawdę wspaniałe: jego wymiary to 4,6 na 6,5 ​​metra, co czyni go jednym z największych obrazów wśród dzieł rosyjskich artystów.

Najsłynniejsze obrazy Leonarda da Vinci

„Mona Lisa”

Lata stworzenia: 1503–1505
Muzeum: Luwr, Paryż

Arcydzieło florenckiego geniuszu, którego nie trzeba przedstawiać. Warto dodać, że obraz zyskał status kultowego po incydencie kradzieży z Luwru w 1911 roku. Dwa lata później złodziej, który okazał się pracownikiem muzeum, próbował sprzedać obraz Galerii Uffizi. Wydarzenia głośnej sprawy zostały szczegółowo opisane w prasie światowej, po czym do sprzedaży trafiły setki tysięcy reprodukcji, a tajemnicza Gioconda stał się obiektem kultu.

Lata stworzenia: 1495–1498
Muzeum: Santa Maria delle Grazie w Mediolanie

Po pięciu wiekach fresk o klasycznej fabule na ścianie refektarza klasztoru dominikanów w Mediolanie uznawany jest za jeden z najbardziej tajemniczych obrazów w historii. Według pomysłu Da Vinci obraz przedstawia moment posiłku wielkanocnego, kiedy Chrystus zawiadamia uczniów o zbliżającej się zdradzie. Świetna ilość ukryte postacie zaowocowało równie ogromną różnorodnością opracowań, aluzji, zapożyczeń i parodii.

„Madonna Litta”

Rok powstania: 1491
Muzeum: Ermitaż w Petersburgu

Obraz, zwany także Madonną z Dzieciątkiem, przez długi czas znajdował się w zbiorach książąt Litty, a w 1864 roku został zakupiony przez Ermitaż w Petersburgu. Wielu ekspertów jest zgodnych, że postać dziecka nie została namalowana osobiście przez da Vinci, ale przez jednego z jego uczniów – pozycja zbyt nietypowa dla malarza.

Najsłynniejsze obrazy Salvadora Dali

Rok powstania: 1931
Muzeum: Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku

Paradoksalnie, z myśli o serze Camembert zrodziło się najsłynniejsze dzieło geniusza surrealizmu. Któregoś wieczoru, po przyjacielskiej kolacji, zakończonej przystawkami z serem, artysta zamyślił się nad „smarowaniem miąższu”, a jego wyobraźnia namalowała obraz topiącego się zegara z gałązką oliwną na pierwszym planie.

Rok powstania: 1955
Muzeum: Narodowa Galeria Sztuki, Waszyngton

Tradycyjna fabuła z surrealistycznym akcentem, wykorzystująca zasady arytmetyczne studiowane przez Leonarda da Vinci. Artysta na pierwszy plan wysunął swoistą magię liczby „12”, odchodząc od hermeneutycznego sposobu interpretacji biblijnej fabuły.

Najsłynniejsze obrazy Pabla Picassa

Rok powstania: 1905
Muzeum: Muzeum Puszkina, Moskwa

Obraz stał się pierwszym przejawem tzw. „różowego” okresu w twórczości Picassa. Surowa faktura i uproszczony styl łączą się z delikatną grą linii i kolorów, kontrastem pomiędzy masywną sylwetką sportowca i delikatną gimnastyczką. Płótno zostało sprzedane wraz z 29 innymi dziełami za 2 tysiące franków (w sumie) paryskiemu kolekcjonerowi Vollardowi, zmieniło kilka kolekcji, a w 1913 roku nabył je rosyjski filantrop Iwan Morozow już za 13 tysięcy franków.

Rok powstania: 1937
Muzeum: Muzeum Reina Sofia, Madryt

Guernica to nazwa miasta w Kraju Basków, które zostało poddane niemieckim bombardowaniom w kwietniu 1937 r. Picasso nigdy nie był w Guernicy, ale był zdumiony skalą katastrofy, jak „uderzenie byczego rogu”. Artysta w abstrakcyjnej formie przekazał okropności wojny i pokazał prawdziwe oblicze faszyzmu, zasłaniając je dziwacznymi geometrycznymi kształtami.

Najsłynniejsze obrazy renesansu

„Madonna Sykstyńska”, Raphael Santi

Lata stworzenia: 1512–1513
Muzeum: Galeria Starych Mistrzów, Drezno

Jeśli przyjrzysz się uważnie tło, na pierwszy rzut oka składający się z chmur, widać, że faktycznie Rafael przedstawił tam głowy aniołów. Dwa anioły znajdujące się w dolnej części obrazu są prawie bardziej znane niż samo arcydzieło ze względu na jego szeroki obieg w sztuce masowej.

„Narodziny Wenus”, Sandro Botticelli

Rok powstania: 1486
Muzeum: Galeria Uffizi, Florencja

Obraz oparty jest na starożytnym greckim micie o narodzinach Afrodyty z piany morskiej. W przeciwieństwie do wielu arcydzieł renesansu, płótno przetrwało do dziś w doskonałym stanie dzięki ochronnej warstwie żółtka jaja, którym Botticelli ostrożnie pokrył dzieło.

„Stworzenie Adama”, Michelangelo Buonarotti

Rok powstania: 1511
Muzeum: Kaplica Sykstyńska, Watykan

Jeden z dziewięciu fresków na suficie Kaplica Sykstyńska, ilustrujący rozdział z Księgi Rodzaju: „I stworzył Bóg człowieka na swój obraz”. To Michał Anioł jako pierwszy przedstawił Boga jako mądrego, siwowłosego starca, po czym obraz ten stał się archetypowy. Współcześni naukowcy uważają, że kontury postaci Boga i aniołów reprezentują ludzki mózg.

„Nocna straż”, Rembrandt

Rok powstania: 1642
Muzeum: Rijksmuseum w Amsterdamie

Pełny tytuł obrazu brzmi: „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Koka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Nowoczesne imię Obraz został odebrany w XIX wieku, kiedy to odnaleźli go krytycy sztuki, którzy ze względu na warstwę brudu pokrywającą dzieło, uznali, że akcja na obrazie rozgrywa się pod osłoną ciemności nocy.

„Ogród rozkoszy ziemskich”, Hieronim Bosch

Lata stworzenia: 1500–1510
Muzeum: Muzeum Prado, Madryt „Czarny Kwadrat”

Malewicz pisał „Czarny kwadrat” przez kilka miesięcy; legenda głosi, że kryje się pod warstwą czarnej farby obraz– artysta nie zdążył dokończyć dzieła w terminie i w przypływie złości zakrył obraz. Istnieje co najmniej siedem kopii „Czarnego kwadratu” wykonanego przez Malewicza, a także swoista „kontynuacja” kwadratów suprematystycznych – „Kwadrat Czerwony” (1915) i „Kwadrat Biały” (1918).

„Krzyk”, Edvard Munch

Rok powstania: 1893
Muzeum: Galeria Narodowa, Oslo

Ze względu na niewytłumaczalny mistyczny wpływ na widza obraz został skradziony w 1994 i 2004 roku. Istnieje opinia, że ​​obraz powstały na przełomie XIX i XX wieku zapowiadał liczne katastrofy nadchodzącego stulecia. Głęboka symbolika „Krzyku” zainspirowała wielu artystów, w tym Andy'ego Warhola

Obraz ten do dziś budzi wiele kontrowersji. Część krytyków sztuki uważa, że ​​emocje wokół obrazu, namalowanego autorską techniką rozpryskiwania, zostały wywołane sztucznie. Płótno zostało sprzedane dopiero po zakupie wszystkich pozostałych dzieł artysty, w związku z czym cena za niefiguratywne arcydzieło gwałtownie wzrosła. „Numer pięć” został sprzedany za 140 milionów dolarów, stając się najdroższym obrazem w historii.

„Dyptyk Marilyn”, Andy Warhol

Rok powstania: 1962
Muzeum: Galeria Tate, Londyn

Tydzień po śmierci Marilyn Monroe skandaliczny artysta zaczął pracować na płótnie. Na płótno naniesiono 50 szablonowych portretów aktorki, stylizowanych na gatunek „pop-art” na podstawie fotografii z 1953 roku.
Subskrybuj nasz kanał w Yandex.Zen

Dziś przedstawiamy Państwu dwadzieścia obrazów godnych uwagi i uznania. Te obrazy zostały namalowane znany artysta, a powinni je znać nie tylko ci, którzy zajmują się sztuką, ale także zwykli śmiertelnicy, sztuka bowiem barwi nasze życie, a estetyka pogłębia spojrzenie na świat. Daj sztuce należne miejsce w swoim życiu...

1. „Ostatnia wieczerza”. Leonardo Da Vinci, 1495-1498

Monumentalny obraz Leonarda da Vinci przedstawiający scenę ostatniego posiłku Chrystusa z uczniami. Powstał w latach 1495-1498 w klasztorze dominikanów Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.

Obraz został zamówiony przez Leonarda u jego patrona, księcia Ludovico Sforzy i jego żony Beatrice d'Este. Lunety nad obrazem, utworzone przez sufit z trzema łukami, są pomalowane herbem Sforzów. Malowanie rozpoczęto w 1495 r., a ukończono w 1498 r.; prace toczyły się z przerwami. Data rozpoczęcia prac nie jest pewna, gdyż „archiwum klasztoru uległo zniszczeniu, a znikoma część dokumentów, którymi dysponujemy, pochodzi z roku 1497, kiedy malowanie było już prawie ukończone”.

Obraz stał się kamieniem milowym w historii renesansu: poprawnie odwzorowana głębia perspektywy zmieniła kierunek rozwoju malarstwa zachodniego.

Uważa się, że w tym obrazie kryje się wiele tajemnic i wskazówek - na przykład zakłada się, że wizerunek Jezusa i Judasza został skopiowany od tej samej osoby. Kiedy Da Vinci malował obraz, w swojej wizji Jezus uosabiał dobro, podczas gdy Judasz był czystym złem. A kiedy mistrz odnalazł „swojego Judasza” (pijaka z ulicy), okazało się, że według historyków ten pijak kilka lat wcześniej służył za prototyp do namalowania wizerunku Jezusa. Można zatem powiedzieć, że ten obraz oddaje człowieka różne okresy jego życie.

2. „Słoneczniki”. Vincenta Van Gogha, 1887

Tytuł dwóch cykli obrazów holenderskiego artysty Vincenta van Gogha. Pierwsza seria powstała w Paryżu w 1887 roku. Poświęcony jest kwiatom leżącym. Druga seria została ukończona rok później w Arles. Przedstawia bukiet słoneczników w wazonie. Przyjaciel Van Gogha, Paul Gauguin, nabył dwa paryskie obrazy.

Artysta namalował słoneczniki jedenaście razy. Pierwsze cztery obrazy powstały w Paryżu w sierpniu - wrześniu 1887 roku. Duże cięte kwiaty leżą jak jakieś dziwne stworzenia umierające na naszych oczach.

3. „Dziewiąta fala”. Iwan Konstantynowicz Aiwazowski?, 1850.

Jeden z najbardziej znane obrazy Rosyjski malarz morski Iwan Aiwazowski, przechowywany w Muzeum Rosyjskim.

Malarz przedstawia morze po silnej nocnej burzy i rozbitków. Promienie słońca oświetlają ogromne fale. Największy z nich – dziewiąty szyb – gotowy jest zawalić się na ludzi próbujących uciec na wraku masztu.

Pomimo tego, że statek zostaje zniszczony i pozostaje tylko maszt, ludzie na maszcie żyją i nadal walczą z żywiołami. Ciepłe kolory obrazu sprawiają, że morze nie jest tak surowe i dają widzowi nadzieję na uratowanie ludzi.

Powstały w 1850 roku obraz „Dziewiąta fala” natychmiast stał się najsłynniejszym ze wszystkich jego przystani i został zakupiony przez Mikołaja I.

4. „Macha nago”. Francisco Goya, 1797-1800

Obraz hiszpańskiego artysty Francisco Goyi, namalowany około 1797-1800. Pasuje do obrazu „Maja ubrana” (La maja westida). Obrazy przedstawiają Machę, hiszpańską mieszczankę żyjącą w XVIII-XIX w., jeden z ulubionych tematów artysty. „Maha Nude” jest jednym z nich wczesne prace Sztuka zachodnia, przedstawiający zupełnie nagą kobietę bez konotacji mitologicznych i negatywnych.

5. „Lot kochanków”. Marca Chagalla, 1914-1918

Prace nad obrazem „Nad miastem” rozpoczęły się już w 1914 roku, a ostatnie szlify mistrz nałożył dopiero w 1918 roku. W tym czasie Bella z kochanki zmieniła się nie tylko w uwielbianą żonę, ale także matkę ich córki Idy, stając się na zawsze główną muzą malarza. Związek bogatej córki dziedzicznego jubilera i prostego żydowskiego młodzieńca, którego ojciec utrzymywał się z wyładunku śledzi, można nazwać jedynie mezaliansem, ale miłość była silniejsza i przezwyciężyła wszelkie konwencje. To właśnie ta miłość ich zainspirowała, unosząc ich do nieba.

Karina portretuje jednocześnie dwie miłości Chagalla – kochaną jej sercu Bellę i Witebsk. Ulice przedstawione są w formie domów oddzielonych wysokim, ciemnym płotem. Widz nie od razu dostrzeże kozę pasącą się na lewo od środka obrazu, a na pierwszym planie prostego mężczyznę ze spuszczonymi spodniami – humor malarza, wyrywający się z ogólnego kontekstu i romantycznego nastroju dzieła, ale to wszystko Chagall...

6. „Oblicze wojny”. Salvadora Dali, 1940.

Obraz hiszpańskiego artysty Salvadora Dali, namalowany w 1940 roku.

Obraz powstał w drodze do USA. Pod wrażeniem tragedii rozgrywającej się na świecie i krwiożerczości polityków kapitan rozpoczyna pracę na statku. Znajduje się w Muzeum Boijmans-van Beuningen w Rotterdamie.

Straciwszy wszelką nadzieję na normalne życie w Europie, artysta opuszcza ukochany Paryż i udaje się do Ameryki. Wojna ogarnia Stary Świat i ma na celu przejęcie reszty świata. Mistrz jeszcze nie wie, że ośmioletni pobyt w Nowym Świecie przyniesie mu prawdziwą sławę, a jego dzieła staną się arcydziełami światowego malarstwa.

7. „Krzyk” Edvarda Muncha, 1893

„Krzyk” (norweski Skrik) to seria obrazów norweskiego artysty ekspresjonisty Edvarda Muncha, powstałych w latach 1893–1910. Przedstawiają krzyczącą z rozpaczy postać ludzką na tle krwistoczerwonego nieba i niezwykle uogólnionego tła pejzażowego. W 1895 roku Munch stworzył litografię na ten sam temat.

Czerwone, ogniście gorące niebo pokryło zimny fiord, co z kolei rodzi fantastyczny cień, podobny do jakiegoś potwora morskiego. Napięcie zniekształca przestrzeń, linie są łamane, kolory niespójne, perspektywa zniszczona.

Wielu krytyków uważa, że ​​fabuła obrazu jest owocem chorej wyobraźni osoby chorej psychicznie. Niektórzy widzą w tej pracy przeczucie katastrofa ekologiczna, ktoś decyduje, która mumia zainspirowała autora do tej pracy.

8. „Dziewczyna z perłą”. Jana Vermeera, 1665

Obraz „Dziewczyna z perłą” (Holandia: „Het meisje met de parel”) został namalowany około 1665 roku. W dany czas przechowywany w Muzeum Mauritshuis w Hadze w Holandii i jest wizytówka muzeum. Obraz, nazywany holenderską Mona Lisą lub Mona Lisą Północy, jest namalowany w gatunku Tronie.

Dzięki filmowi Petera Webbera „Dziewczyna z perłą” z 2003 r. wielka ilość ludzie dalecy od malarstwa dowiedzieli się o wspaniałym holenderskim artyście Janie Vermeerze, a także o jego najsłynniejszym obrazie „Dziewczyna z perłą”.

9. „Wieża Babel”. Pietera Bruegla, 1563

Słynny obraz artysty Pietera Bruegla. Artysta stworzył co najmniej dwa obrazy o tej tematyce.

Obraz znajduje się w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.

W Biblii jest opowieść o tym, jak mieszkańcy Babilonu próbowali zbudować wysoką wieżę, aby sięgnąć nieba, ale Bóg kazał im mówić różnymi językami, przestali się rozumieć, a wieża pozostała niedokończona.

10. „Algierskie kobiety”. Pabla Picassa, 1955

„Kobiety Algierii” to cykl 15 obrazów powstałych przez Picassa w latach 1954–1955 na podstawie obrazów Eugene'a Delacroix; obrazy wyróżniają się literami nadanymi przez artystę od A do O. „Wersja O” została namalowana 14 lutego 1955 roku; przez pewien czas należał do słynnego amerykańskiego kolekcjonera sztuki XX wieku Victora Ganza.

Obraz Pabla Picassa „Kobiety Algierii (wersja O)” został sprzedany za 180 milionów dolarów.

11. „Nowa planeta”. Konstantin Yuon, 1921

Rosyjski malarz radziecki, mistrz pejzażu, artysta teatralny, teoretyk sztuki. Akademik Akademii Sztuk ZSRR. Artysta Ludowy ZSRR. Laureat Nagrody Stalinowskiej I stopnia. Od 1951 członek Ogólnounijnej Partii Komunistycznej.

Ten niesamowity obraz „Nowa planeta”, stworzony w 1921 roku i wcale nie typowy dla realistycznego artysty Yuona, jest jednym z najjaśniejszych dzieł, które ucieleśnia obraz zmian, jakie zaszły Rewolucja Październikowa. Nowy system, nowy sposób i nowy sposób myślenia dla nowo powstającego społeczeństwa radzieckiego. Co teraz czeka ludzkość? Świetlana przyszłość? Wtedy o tym nie myśleli, ale co sowiecka Rosja a cały świat wkracza oczywiście w erę zmian, podobnie jak szybkie narodziny nowej planety.

12. „Madonna Sykstyńska”. Rafael Santi, 1754

Obraz Rafaela, znajdujący się od 1754 roku w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie. Należy do powszechnie uznawanych szczytów wysokiego renesansu.

Obraz o ogromnych rozmiarach (265 × 196 cm, jak wskazuje rozmiar obrazu w katalogu Galerii Drezdeńskiej), został wykonany przez Rafaela na ołtarz kościoła klasztoru św. Sykstusa w Piacenzy, na zlecenie papieża Juliusz II. Istnieje hipoteza, że ​​obraz powstał w latach 1512-1513 na cześć zwycięstwa nad Francuzami, którzy najechali Lombardię podczas wojen włoskich i późniejszego włączenia Piacenzy do Państwa Kościelnego.

13. „Pokutująca Maria Magdalena”. Tycjan (Tiziano Vecellio), namalowany około 1565 roku

Obraz namalowany około 1565 roku przez włoskiego artystę Tycjana Vecellio. Należy do Państwowego Muzeum Ermitażu w Petersburgu. Czasami jako datę powstania podaje się „lata 60. XVI wieku”.

Modelką obrazu była Julia Festina, która zadziwiła artystę burzą złocistych włosów. Gotowe płótno zrobiło na księciu Gonzagi ogromne wrażenie, dlatego zdecydował się zamówić jego kopię. Później Tycjan, zmieniając tło i pozę kobiety, napisał jeszcze kilka podobnych prac.

14. „Mona Lisa”. Leonardo Da Vinci, 1503-1505

Portret pani Lisy del Giocondo (wł. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - obraz Leonarda da Vinci, znajdujący się w Luwrze (Paryż, Francja), jeden z najbardziej znane prace malarstwa świata, za które uważa się portret Lisy Gherardini, żony florenckiego kupca jedwabiu Francesco del Giocondo, namalowany około 1503-1505.

Według jednej z proponowanych wersji „Mona Lisa” jest autoportretem artystki.

15. „Poranek w sosnowym lesie”, Szyszkin Iwan Iwanowicz, 1889.

Malarstwo rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego. Savitsky malował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Tretiakow usunął swój podpis, tak że autor obrazu często jest wskazywany sam.

Pomysł na obraz podsunął Szyszkinowi Savitsky, który później był współautorem i przedstawił postacie niedźwiadków. Te niedźwiedzie, z pewnymi różnicami w pozach i liczbie (początkowo były dwa), pojawiają się w rysunki przygotowawcze i szkice. Savitsky tak dobrze wyhodował zwierzęta, że ​​nawet podpisał obraz razem z Szyszkinem.

16. „Nie spodziewaliśmy się tego.” Ilja Repin, 1884–1888

Obraz rosyjskiego artysty Ilji Repina (1844-1930), namalowany w latach 1884-1888. Jest częścią kolekcji Państwowej Galerii Trietiakowskiej.

Obraz prezentowany na XII wystawie objazdowej wpisuje się w cykl narracyjny poświęcony losom rosyjskiego rewolucyjnego populisty.

17. „Bal w Moulin de la Galette”, Pierre Auguste Renoir, 1876.

Obraz namalowany przez francuskiego artystę Pierre'a Auguste'a Renoira w 1876 roku.

Miejscem, w którym znajduje się obraz jest Musée d’Orsay. Moulin de la Galette to niedroga tawerna na Montmartre, w której gromadzili się studenci i młodzież pracująca Paryża.

18. „Gwiaździsta noc”. Vincenta Van Gogha, 1889.

De sterrennacht- obraz holenderskiego artysty Vincenta van Gogha, namalowany w czerwcu 1889 roku, przedstawiający widok przedświtowego nieba nad fikcyjnym miasteczkiem ze wschodniego okna domu artysty w Saint-Rémy-de-Provence. Od 1941 roku znajduje się w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. Uważany za jeden z najlepsze prace Van Gogha i jeden z najbardziej znaczące dzieła Malarstwo zachodnie.

19. „Stworzenie Adama”. Michał Anioł, 1511.

Fresk Michała Anioła, namalowany około 1511 roku. Fresk jest czwartą z dziewięciu centralnych kompozycji sufitu Kaplicy Sykstyńskiej.

„Stworzenie Adama” to jedna z najwybitniejszych kompozycji malarstwa Kaplicy Sykstyńskiej. Bóg Ojciec leci w nieskończonej przestrzeni, otoczony bezskrzydłymi aniołami, w zwiewnej białej tunice. Prawa ręka wyciągnięta w stronę dłoni Adama i prawie jej dotyka. Ciało Adama leżące na zielonej skale stopniowo zaczyna się poruszać i budzi się do życia. Cała kompozycja skupia się na geście dwóch rąk. Ręka Boga daje impuls, a ręka Adama go przyjmuje, przekazując go całemu ciału energia życiowa. Przez to, że ich ręce się nie stykają, Michał Anioł podkreślił niemożność połączenia tego, co boskie i ludzkie. W obrazie Boga, zgodnie z planem artysty, króluje nie cudowna zasada, ale gigantyczna energia twórcza. Na obraz Adama Michał Anioł wychwala siłę i piękno ludzkiego ciała. Tak naprawdę nie pojawia się przed nami samo stworzenie człowieka, ale moment, w którym otrzymuje on duszę, żarliwe poszukiwanie boskości, głód wiedzy.

20. „Pocałunek w gwiaździstym niebie”. Gustaw Klimt, 1905-1907

Obraz austriackiego artysty Gustava Klimta, namalowany w latach 1907-1908. Płótno należy do okresu twórczości Klimta, zwanego „złotym”, ostatni kawałek autora w jego „złotym okresie”.

Na skale, na skraju kwietnej łąki, w złotej aurze, zakochani stoją całkowicie w sobie zanurzeni, odgrodzeni od całego świata. W związku z niepewnością miejsca wydarzeń wydaje się, że ukazana na zdjęciu para przechodzi w kosmiczny stan niepodlegający czasowi i przestrzeni, po drugiej stronie wszelkich historycznych i społecznych stereotypów oraz kataklizmów. Całkowita samotność i odwrócona twarz mężczyzny tylko podkreślają wrażenie izolacji i oderwania w stosunku do obserwatora.

Źródło – Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me

Leonardo di Ser Piero da Vinci (15 kwietnia 1452 - 2 maja 1519) był słynnym włoskim malarzem, architektem, filozofem, muzykiem, pisarzem, odkrywcą, matematykiem, inżynierem, anatomem, wynalazcą i geologiem. Znany jest ze swoich obrazów, z których najbardziej znane to „Ostatnia wieczerza” i „Mona Lisa”, a także licznych wynalazków, które znacznie wyprzedzały swoją epokę, ale pozostały tylko na papierze. Ponadto Leonardo da Vinci wniósł istotny wkład w rozwój anatomii, astronomii i technologii.

Raphael Santi (28 marca 1483 - 6 kwietnia 1520) był wielkim włoskim artystą i architektem działającym w okresie renesansu, obejmującym okres od końca XV do początków XVI wieku. Tradycyjnie Rafael uważany jest za jednego z trzech wielkich mistrzów tego okresu, obok Michała Anioła i Leonarda da Vinci. Wiele jego dzieł znajduje się w Pałacu Apostolskim w Watykanie, w sali zwanej Strofami Rafaela. Znajduje się tu między innymi jego najsłynniejsze dzieło „Szkoła ateńska”.

Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (6 czerwca 1599 - 6 sierpnia 1660) - malarz hiszpański, portrecista, nadworny malarz króla Filipa IV, najwybitniejszy przedstawiciel złotego wieku malarstwa hiszpańskiego. Oprócz licznych obrazów przedstawiających sceny historyczne i kulturalne z przeszłości, namalował wiele portretów hiszpańskiej rodziny królewskiej, a także innych znanych postaci europejskich. Za najsłynniejsze dzieło Velázqueza uważa się obraz „Las Meninas” (czyli „Rodzina Filipa IV”) z 1656 roku, znajdujący się w Muzeum Prado w Madrycie.

Pablo Diego Jose Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz y Picasso (25 października 1881 - 8 kwietnia 1973) - światowej sławy hiszpański artysta i rzeźbiarz, założyciel ruchu w sztuce pięknej - kubizmu . Uważany za jeden z najwięksi artyści wpłynął na rozwój Dzieła wizualne w XX wieku. Eksperci uznali najlepszy artysta wśród tych, którzy żyli przez ostatnie 100 lat, a jednocześnie najdrożsi na świecie. W ciągu swojego życia Picasso stworzył około 20 tysięcy dzieł (według innych źródeł 80 tysięcy).

Vincent Willem Van Gogh (30 marca 1853 – 29 lipca 1890) – sławny Holenderski artysta, który zyskał sławę dopiero po swojej śmierci. Według wielu ekspertów Van Gogh to jeden z najwybitniejszych artystów w historii. Sztuka europejska, a także jeden z najbardziej wybitnych przedstawicieli postimpresjonizm. Autor ponad 2100 dzieł sztuki, w tym 870 obrazów, 1 tys. rysunków i 133 szkiców. Jego liczne autoportrety, pejzaże i portrety należą do najbardziej rozpoznawalnych i kosztownych dzieł sztuki na świecie. Bardzo słynne dzieło Vincent Van Gogh jest być może uważany za cykl obrazów zatytułowany „Słoneczniki”.

Michelangelo Buonarroti (6 marca 1475 - 18 lutego 1564) - światowej sławy włoski rzeźbiarz, artysta, architekt, poeta i myśliciel, który pozostawił niezatarty ślad w całości kultura światowa. Najbardziej znanym dziełem artysty są chyba freski na suficie Kaplicy Sykstyńskiej. Wśród jego rzeźb najbardziej znane to „Pieta” („Opłakiwanie Chrystusa”) i „Dawid”. Wśród dzieł architektury – projekt kopuły Bazyliki św. Piotra. Co ciekawe, Michał Anioł stał się pierwszym przedstawicielem sztuki zachodnioeuropejskiej, którego biografia została napisana za jego życia.

Na czwartym miejscu na liście najsłynniejszych artystów świata znajduje się Masaccio (21 grudnia 1401-1428), wielki artysta włoski, który wywarł ogromny wpływ na innych mistrzów. Masaccio żył bardzo krótkie życie, więc niewiele jest dowodów biograficznych na jego temat. Zachowały się jedynie cztery jego freski, które niewątpliwie są dziełem Masaccio. Uważa się, że inne zostały zniszczone. Za najsłynniejsze dzieło Masaccio uważa się fresk Trójcy Świętej w kościele Santa Maria Novella we Florencji we Włoszech.

Peter Paul Rubens (28 czerwca 1577 - 30 maja 1640) był malarzem flamandzkim (południowo-holenderskim), jednym z najwybitniejszych artystów epoki baroku, znanym ze swojego ekstrawaganckiego stylu. Uważany był za najbardziej wszechstronnego artystę swoich czasów. W swoich pracach Rubens podkreślał i ucieleśniał witalność i wrażliwość koloru. Malował liczne portrety, pejzaże i obrazy historyczne o tematyce mitologicznej, religijnej i alegorycznej. Najbardziej znanym dziełem Rubensa jest tryptyk „Zejście z krzyża”, napisany w latach 1610–1614 i sprowadzony do artysty Światowa sława.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 września 1571 - 18 lipca 1610) - wielki włoski artysta wczesnego baroku, twórca europejskiej sztuki realistycznej. obraz XVII wiek. W swoich pracach Caravaggio umiejętnie posługiwał się kontrastami światła i cienia, skupiając się na detalach. Często przedstawiał zwykłych Rzymian, ludzi z ulic i targowisk w wizerunkach świętych i madonn. Przykładami są „Ewangelista Mateusz”, „Bachus”, „Nawrócenie Saula” itp. Jednym z najsłynniejszych obrazów artysty jest „Lutnista” (1595), który Caravaggio nazwał swoim najbardziej udanym dziełem malarskim.

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) to słynny holenderski malarz i rytownik, uznawany za największego i najsłynniejszego artystę na świecie. Autor około 600 obrazów, 300 rycin i 2 tysięcy rysunków. Cechą charakterystyczną jest mistrzowska gra efektami świetlnymi i głębokimi cieniami. Za najsłynniejsze dzieło Rembrandta uważa się czterometrowy obraz „Straż nocna”, namalowany w 1642 r., a obecnie przechowywany w Muzeum Państwowe Amsterdam.

Udostępnij w mediach społecznościowych sieci