Pracować nad w artystyczny sposób w pracy
Yu.N.Kałasznikow,
Wykładowca MBU DO DSHI nr 6 ... ..
W procesie zapoznawania się z dziełem sztuki, w procesie jego studiowania, ogromne znaczenie ma wyjaśnienie przez nauczyciela treści tego dzieła. Tutaj słowo, język przychodzi na pomoc muzyce, na pomoc w zrozumieniu i poczuciu go przez uczniów.
Jeśli rozumiesz oprogramowanie jako zasada twórcza, a następnie dowolny realistyczny utwór muzyczny w w pewnym sensie programowo, ponieważ jest sensowny, ideologiczny.
PI Czajkowski napisał: „Skoro nie rozpoznajemy muzyki, która składałaby się z bezcelowej gry dźwięków, to z naszego szerokiego punktu widzenia cała muzyka jest programowa”
Jeśli jednak program utworu nie jest ogłaszany przez kompozytora, to słuchacz (i wykonawca) ma pewną swobodę domyślania się takiego programu, co nie jest zbieżne z intencją kompozytora w szczegółach, szczegółach i konkretnych pomysłach. , z konieczności korespondowałaby z ogólną, podstawową ideą dzieła, a w każdym razie nie byłaby jej sprzeczna.
Tutaj bardzo ważna jest odpowiedzialność nauczyciela. Jego wyjaśnienie treści sztuki może odegrać dużą rolę w kształtowaniu poprawnych wyobrażeń ucznia na temat głównych obrazów artystycznych badanego dzieła. I choć nie wszystko w utworze muzycznym można wyrazić słowami (wynika to z samej specyfiki sztuki jako formy poznania w obrazach).
"Nieruchomość muzyka instrumentalna to jest dokładnie to, do czego się nadaje szczegółowa analiza» PI Czajkowski.
W żadnym wypadku nauczyciel nie powinien odrzucać tego potężnego narzędzia, które, umiejętnie używane, zapewnia znaczącą pomoc w procesie studiowania dzieła sztuki, w procesie kształtowania żywej i prawdziwej, znaczącej i płynącej z serca, a zatem wyrazistej jego interpretacji . Na przykładzie sztuki P.I. Czajkowskiego „Smutna pieśń”, kompozycja 40 nr 2, postaramy się pokazać kilka punktów w procesie jej studiowania (w aplikacji na domra).
Proponując tę sztukę uczniowi, nauczyciel musi przynajmniej W ogólnych warunkach zapoznać go z wielką lekturą rosyjskiego muzyka klasyczna PI Czajkowski. W zrozumiałej formie ten student, nauczyciel mówi o prawdziwości, szczerości, szczerości i rosyjskiej melodii swojej pracy, wymienia kilka innych utworów wariacji P.I. ze znanych „Wariacji rokokowych”), nauczyciel może powiedzieć uczniowi, że „Smutna piosenka” była napisany w 1878 r. - w roku powstania opery „Eugeniusz Oniegin”, „ album dla dzieci na fortepian.
Po odtworzeniu spektaklu nauczyciel zwraca uwagę ucznia na ogólny nastrój spektaklu, odzwierciedlony w tytule programowym „Smutna piosenka”.
Spektakl podkreśla nastrój nie „beznadziejnej tęsknoty”, ale „jasnego smutku”. Nastrój tego utworu, napisanego przez kompozytora podczas zagranicznej podróży (Włochy), wiąże się najwyraźniej z myślami o ukochanej ojczyźnie. W tym czasie PI Czajkowski pisał: „Z największą przyjemnością myślę o Rosji ... Będę zadowolony, że odnajdę się w mojej ojczyźnie ... Naprawdę chcę zobaczyć rodzinne miasto(Moskwa).."
W spektaklu słychać ciepłe, uduchowione intonacje rosyjskiej piosenki. Mniej więcej w tym samym okresie P. I. Czajkowski mówił o rosyjskim charakterze swojej muzyki, o jej związku z pieśnią ludową... element w mojej muzyce, czyli techniki związane z pieśnią ludową w melodii i harmonii, potem dzieje się to jako wynikało z tego, że dorastałem na pustkowiu… wnikając w nieocenione piękno charakterystycznych cech języka rosyjskiego muzyka ludoważe kocham żywioł rosyjski we wszystkich jego przejawach aż do starości, że jednym słowem jestem Rosjaninem w pełnym tego słowa znaczeniu.
Omawiana kompozycja to liryczna pieśń-opowieść, opowiadająca w ciepłych, łagodnych tonach smutne, ale bynajmniej nie tragiczne wspomnienie. Również zrozumienie sztuki potwierdza zwłaszcza jej środkowy epizod (t.21-40), podany na podstawie światła skala durowa i delikatnie steruje tonacją molową odcinków otwierających i zamykających.
Po drodze studentowi wyjaśniana jest 3-częściowa konstrukcja utworu, ujawnia się doskonałość jego formy, odpowiadająca treści muzycznej. Część trzecia (repryza) jest powtórzeniem pierwszej, a środkowa, jak już wspomniano, wyróżnia się lekkim, radosnym nastrojem, żywszym charakterem i jaśniejszymi, dynamicznymi kolorami. Nie ma tu śladu smutku. Słychać radosny śpiew potwierdzający życie.
Utwór zamyka ośmiotaktowe zakończenie. Piosenka zostaje usunięta, jej intonacje zdają się rozpływać i zastygać w oddali.
Pieśń przenika wszystkie utwory, charakteryzuje ich treść i wyznacza zadania wykonawcy. Wyraziste i szczere „śpiewanie na instrumencie” powinno leżeć u podstaw ujawnienia artystycznego wizerunku tego dzieła.
Ogólne tempo utworu to Allegro nie tropo , tj. nie za wcześnie. Należy ostrzec ucznia przed pospiesznym ruchem, który zaburzyłby treść utworu, wpłynąłby na płynność wykonania i wprowadziłby element zamieszania, który jest obcy tej muzyce. Tutaj artystyczny obraz pieśni dyktuje odpowiednie tempo wykonania.
Literatura:
1. Logwinienko G.M. „Kompozycja dekoracyjna” - M.: Humanitarne, centrum wydawnicze VLADOS, 2012
2. Rostovtsev N.N. „Metoda nauczania Dzieła wizualne w szkole ”- M .: Edukacja, 1980
Praca nad wizerunkiem artystycznym w dziele chóralnym.
Trening śpiewu chóralnego kamień milowy w kształtowaniu nie tylko umiejętności muzycznych i śpiewu uczniów, ale także w procesie edukacji estetycznej, ideologicznej i moralnej. Ze zdolności nauczyciela nie tylko do nauczenia prawidłowego wykonania, ale także do ujawnienia istotnych, emocjonalnych treści obraz muzyczny, zależy od postrzegania przez uczniów całej sztuki chóralnej jako całości. Bardzo ważne jest, aby dzieci rozumiały związek wykonywana praca z intencją autora, z epoką, z konkretnymi wydarzeniami.
Opanowanie nauczyciela, rzuć wyzwanie każdemu członkowi chóru, aby zastanowił się nad połączeniem utwór muzyczny z życiem, ma ogromne znaczenie dla głębi zrozumienia obrazu muzycznego, a w konsekwencji dla osiągnięcia maksymalnej wyrazistości wykonania. Aby rozwiązać te ważne i dość złożone zadania, aby zapewnić jedność i ciągłość opanowania przez uczniów kultury muzycznej, nauczyciel musi znać pewne metody i techniki, które zostały opracowane w zaawansowanej praktyce pedagogicznej.
Praca nad utworem muzycznym w chórze obejmuje kilka etapów pracy.
Pierwszy etap- przestudiowanie dzieła przez samego nauczyciela, głębokie wniknięcie w intencję autora, określenie środków muzyczna ekspresja.
Druga faza- identyfikowanie trudności wykonawczych i technicznych, określanie sposobów ich pokonania, opracowywanie planu pracy z uczniami.
Trzeci etap - obejmuje bezpośrednią naukę piosenki przez uczniów. Ten proces zależy od charakterystyki utworu chóralnego, ale można wyróżnić pewne etapy pracy z uczniami:
1) opowieść o autorze, o czasie powstania utworu;
2) percepcja (słuchanie) pracy chóralnej przez uczniów;
3) bezpośredniej pracy z dziećmi w celu nauki pracy;
4) doskonalenie techniki wykonawczej w celu jak najpełniejszego ujawnienia obrazu muzycznego.
Dla każdego z tych etapów pracy w praktyce chóralnej pewne techniki metodologiczne.
Na pierwszym etapie nauczyciel opowiada o biografii kompozytora, o historii powstania utworu. Bardzo wskazane jest powierzenie uczniom zadania samodzielnego zbierania informacji o autorze, o czasie, o konkretnych wydarzeniach, którym praca jest dedykowana. Rozwija to świadome zainteresowanie utworem, wyostrza słuchową percepcję utworu.
Drugi etap prac- bezpośrednia percepcja (słuchanie) utworu muzycznego. W tym celu nauczyciel może skorzystać z następujących metod:
1) odsłuchanie utworu w wykonaniu mistrzów sceny (z wykorzystaniem nagrań audio i wideo);
2) pokazanie przez samego nauczyciela.
Pierwsze spostrzeżenie utworu chóralnego przez dzieci jest niezwykle ważnym momentem w procesie pracy nad chórem praca chóralna. Zadaniem nauczyciela jest prawidłowe przeprowadzenie tej lekcji, aby dzieci miały pozytywną motywację do studiowania tego konkretnego utworu chóralnego.
Na trzecim etapie W pracy nad piosenką należy przeanalizować środki wyrazu artystycznego i muzycznego, jakimi autorka stworzyła obraz muzyczny. W procesie tej pracy nauczyciel musi nieustannie odwoływać się do wiedzy i umiejętności uczniów zgromadzonych na lekcjach muzyki, pogłębiać je, rozwijać i utrwalać.
Na czwartym etapie następuje poprawa umiejętności wykonawczych, starannej i żmudnej pracy z chórem w celu osiągnięcia maksymalnej wyrazistości brzmienia utworu muzycznego. Bardzo ważne jest przypomnienie dzieciom, że sztuka chóralna oddziałuje na słuchaczy zarówno muzyką, jak i słowem. Dlatego tak ważna jest praca nie tylko nad techniką wykonania elementy muzyczne, czasem dość skomplikowanym, ale też nad tekstem, nad intonacją mowy, nad dramatyczną ekspresją dzieła chóralnego.
Wymowny związek muzyki i słowa pomoże najpełniej odsłonić zarówno wykonawcom, jak i słuchaczom muzyczny obraz, jego związek z życiem, z historią, z manifestacją ludzkich uczuć. Standardy edukacyjne druga generacja wymaga od nauczyciela pełniejszego, szerszego podejścia do procesu uczenia się, osiągnięcia jedności i ciągłości w przyswajaniu wiedzy przez uczniów.
Rozważane metody i techniki, a także etapy pracy nad utworem chóralnym, pomogą nauczycielowi nie tylko przezwyciężyć trudności techniczne w pracy z dźwiękiem, w starannym przygotowaniu przedstawienie muzyczne, ale także pokazanie jedności muzyki z innymi formami sztuki, na przykład z literaturą.
W ten sposób proces uczenia się staje się pełniejszy, bardziej twórczy: poprawiają się umiejętności muzyczne, wokalne, wykonawcze uczniów, artystyczne i gust muzyczny, poszerzając horyzonty, co jest niezbędne do formacji cechy osobiste studenci, ich właściwa postawa do wartości życiowe.
nauczyciel dodatkowa edukacja Pałac Twórczości Dzieci i Młodzieży Tomska Pugaczowa A.V.
Pawlenko Irina Aleksandrowna
Stanowisko: nauczyciel pianina
Instytucja edukacyjna: MBUDO „DSHI” Usinsk
Miejscowość: miasto Usinsk
Nazwa materiału: Raport metodologiczny
Temat: Etapy pracy nad artystycznym wizerunkiem utworu muzycznego w nowoczesna szkoła sztuka"
Data publikacji: 21.05.2018
Rozdział: dodatkowa edukacja
„Etapy pracy nad artystycznym wizerunkiem musicalu
prace we współczesnej szkole artystycznej”
Praca nad artystycznym wizerunkiem utworu muzycznego
musi zaczynać się na samym wczesne stadia kontakt
student z muzyką - od pierwszych lekcji i z początkiem rozwoju notacji muzycznej
Nawet przy pierwszym wykonaniu najprostszej melodii
należy postarać się, aby przedstawienie było wyraziste, a charakter
wykonanie pasowało do charakteru melodii.
G.G. Neuhaus napisał: „Należy jak najwcześniej osiągnąć od dziecka, że
zagrał smutną melodię smutno, wesoło - wesoło, uroczyście
uroczyście itd., itd. i przywiózł swoją artystyczną i muzyczną
zamiar pełnej jasności.
Każdy wykonawca zawsze staje przed trudnym zadaniem – jest to konieczne
przekazać emocjonalny charakter, nastrój i zamierzoną intencję
Jak można to osiągnąć?
\ Badanie pracy można podzielić na trzy etapy:
pierwszy jest wprowadzający
druga - szczegółowe prace nad pracą
trzecia to finał, przygotowujący do koncertu
wykonanie.
W pierwszym i trzecim etapie dominuje holistyczne, uogólnione podejście do:
praca, a po drugie - bardziej szczegółowe rozważenie tego.
Rzućmy okiem na każdy krok:
Pierwszy etap- wstępne. Na tym etapie musisz stworzyć
wstępne uogólnione pomysły dotyczące pracy, o
charakter i nastrój muzyki. Ten krok jest niezwykle ważny. Świeżość
a jasność pierwszego wrażenia m.in
szczególna, osobista oryginalność doświadczenia, która później będzie
określać Cechy indywidulane interpretacja. W klasie
z nauczycielem początkowy obraz tworzony jest głównie za pomocą
nauczyciel, który wprowadza ucznia w pracę,
gra na instrumencie, opowiada o tym.
Umiejętności odgrywają wiodącą rolę w zapoznawaniu się z pracą
szybka orientacja w tekście nutowym, umiejętność czytania z kartki. Na
czytanie, znaczne uproszczenie faktury, harmonii,
pominięcie skomplikowanych technicznie elementów. W trudnych pracach
możesz ograniczyć się do grania linii melodycznej - głównej
semantyczny element tkaniny muzycznej lub w skrajnym przypadku
przypadku, uważne oglądanie tekstu muzycznego bez instrumentu.
Brak umiejętności czytania a vista jest możliwy, a nawet konieczny
zrekompensować aktywną pracę wyobraźni słuchowej -
reprodukcja umysłowa materiał muzyczny,
granie najtrudniejszych fragmentów „w umyśle”, dzięki
twórcza wyobraźnia. Po zapoznaniu się z nową muzyką
można go również posłuchać w wykonaniu wybitnych
mistrzowie. Aby uniknąć chęci dosłownego kopiowania,
pożądane jest słuchanie pracy wykonywanej przez różnych
muzyków, aby zapoznać się z różnymi interpretacjami.
Wtedy dwuznaczność obrazu muzycznego stanie się wyraźniejsza,
wszechstronność jego artystycznej lektury. Później
wstępne zapoznanie się z pracą za instrumentem,
Warto skonsolidować swoje wrażenia w formie werbalnej. W którym
wystarczający krótka charakterystyka, składający się z kilku słów i
odzwierciedla ogólną emocjonalną kolorystykę musicalu
obraz. Na przykład: liryczno-kontemplacyjny, poetycki,
oświecony, marzycielski, zdeterminowany, porywczy namiętny,
delikatny, czysty, elastyczny, pełen wdzięku…
Przy określaniu charakteru pracy należy dokładnie rozważyć
oznaczenia tempa, nastroju muzyki, charakteru dźwięku, dynamiki itp.
Ponieważ te instrukcje są tradycyjnie podawane w dniu Włoski, potrzebuję wiedzieć
Dokładna wartość.
Więc najbardziej ważne punkty pierwszy etap prac:
- całościowe ujęcie pracy poprzez czytanie a vista i mentalne
odtwarzanie nagranego dźwięku;
- słuchanie nagrań dźwiękowych;
- krótki opis słowny obrazu muzycznego.
druga faza- szczegółowa praca nad pracą. główny cel
drugi etap to dalsze pogłębienie systemu figuratywnego
wydłużony okres pracy, zbiegający się z technicznym,
pianistyczne opanowanie materiału muzycznego. W ujawnieniu
treść artystyczna pracy nadrzędną rolę
odgrywa kompetentną i wszechstronną analizę tego. Analiza artystyczna
prace muszą mieć charakter artystyczny ze swej natury.
Główne zadania analizy emocjonalno-semantycznej:
zidentyfikować strukturę treści pracy, jej główne sekcje,
charakter konstrukcji tematycznych, ich ekspresyjne znaczenie;
prześledzić dynamikę rozwoju w dziele sztuki
napięcia, kulminacje, momenty zmiany nastroju;
analizować środki muzyczne użyte w utworze
ekspresyjność - harmonia, rytm, melodia, elementy polifonii,
tekstury prezentacji, uderzeń wykonawczych itp. z ich punktu widzenia
emocjonalne znaczenie.
W praktyczna praca analiza emocjonalna i semantyczna dzieła
bezpośrednio przeplata się z innymi metodami: technikami
pokaz dyrygenta, śpiew, metody skojarzeń, porównania i
porównania.
Trzeci etap- ostateczna. Po szczegółowym
praca nad pracą, wyuczona na pamięć i opanowana
technicznie ostatni - nadchodzi ostatni etap prac,
którego celem jest stworzenie całościowego musicalu i
obraz performatywny i jego realne ucieleśnienie w performansie.
Ten etap, podobnie jak okres zapoznawczy, obejmuje całościowe pokrycie
pracy, grając ją w całości. Między początkowym a
Końcowe etapy opanowania dzieła mają ze sobą wiele wspólnego. I w tym
aw innym przypadku syntetyczne, uogólniające podejście do:
praca. Ale na ostatnim etapie całościowe spojrzenie
powstaje na innym, znacznie wyższym poziomie, biorąc pod uwagę całość
wykonaną pracę, całą wiedzę zdobytą na poprzednich etapach oraz
wrażenia. Szczególna uwaga na ostatnie stadium
należy nadać pracę artystyczną nad dziełem
tworzenie kultura emocjonalna wykonanie. Niezbędny
obserwować poczucie proporcji w wyrażaniu uczuć, dążyć do
naturalność i szczerość doznań estetycznych.
Emocjonalne nakładanie się, maniery i przesadna afektacja
niezgodne z prawdziwie artystycznym przeżyciem muzyki. O
A.G. Rubinshtein dobrze to ujął: „Uczucia nie mogą być zbyt
dużo: uczucie może być tylko z umiarem, a jeśli jest go dużo, to
fałszywy." Dlatego wykonawca potrzebuje kontroli z boku
świadomość, umiejętność panowania nad sobą, regulowania swojego
stan emocjonalny.
Najważniejsze punkty pracy na ostatnim etapie studiów
Pracuje:
stworzenie emocjonalnego programu wykonawczego, planu
interpretacje;
próbne granie w odpowiednim tempie i nastroju;
orientacja spektaklu na publiczność;
kształtowanie emocjonalnej kultury wykonawczej;
trening woli wykonawczej i wytrzymałości;
w razie potrzeby powrót do wolnego tempa lub przerwę w pracy
nad pracą.
We współczesnej pedagogice dla większości efektywna praca nad
Muzycznie opracowano następujące rodzaje zajęć:
1. Lekcje monotematyczne. Skupiają się wokół jednego
rdzeń artystyczny i semantyczny i są oddani rozwiązywaniu wszelkich
jeden problem. Może to być analiza tekstu muzycznego, znaczenia melodii,
swoboda i łatwość w posługiwaniu się instrumentem, różne typy
pedałowy, harmoniczny, polifoniczny, tekstologiczny,
lekcje stosowania.
2. Lekcje politematyczne. Łączą różne
kontrastujące zadania. Są skierowane na bardziej obszerne spektrum.
znany materiał. Często pomaga to zwiększyć zainteresowanie ucznia.
Często stosowana jest taka forma organizowania lekcji jak podświetlanie
„pivot” w każdej z kilku przestudiowanych przez studenta prac.
Wydaje się, że ważne szczegóły są zgrupowane wokół głównego zadania,
których liczba powinna być ograniczona.
3. Lekcje w dowolnej formie. Prowadzone są z uczniami stojącymi
wyższy poziom rozwoju, zdolny do przyswajania złożonych instrukcji
wychowawców, którzy są proaktywni i niezależni. Nad szczególnie
trudny kawałek można szczegółowo i długo pracować, aż się pojawi
zauważalny wynik. Jeśli uczeń jest już na drodze do osiągnięcia celu,
na lekcji ma okazję osiągnąć poprawę.
Jednocześnie nauczyciel tylko od czasu do czasu udziela wskazówek. Taka forma
praca pod dyskretnym nadzorem nauczyciela jest niezwykle efektywna, więc
jak sprawdzić i pokierować samodzielną pracą ucznia.
W procesie któregokolwiek z powyższych rodzajów zajęć konieczne jest częstsze
przestawić ucznia z rzeczywistej pracy na aktorstwo. W planie pracy
Lekcja musi odróżnić naukę od wydajności. Pomoże w edukacji
różnorodność dobrego samopoczucia młody pianista. Kolejna kwestia: while
należy dać uczniowi pracę i odpoczynek, np. na zabawę
mu kawałek, porozmawiaj o najnowszych wrażeniach muzycznych,
rozegraj z nim cztery rozdania. W rezultacie uwaga dziecka jest odświeżona i
znów jest gotowy do wytrwałej pracy, która wymaga mobilizacji wszystkich sił.
Głównym zadaniem w pracy nad figuratywną strukturą utworów muzycznych jest:
stworzyć warunki do artystycznego wykonania przez ucznia tego, czego się nauczył
kompozycje, aby dziecko poczuło się jak muzyk -
artysta.
Idealnie, inspiracja powinna pojawiać się za każdym razem, gdy dziecko
zwraca się do muzyki. Sukces pedagogiczny będzie sukcesem ucznia na scenie.
Tak więc praca nad artystycznym wizerunkiem musicalu
prace muszą być wieloaspektowe. Uczeń i nauczyciel
pełen entuzjazmu i miłości do swojej pracy, to z kolei jest dopełnione
indywidualność ucznia i wielki urok osobowości nauczyciela
(kultura). W tym związku rodzi się wielka różnorodność form i metod.
praca nad artystycznymi obrazami utworów muzycznych.
Nadyrova D.S. Praca nad artystycznym wizerunkiem musicalu
prace - Kazań, 2013
Savshinsky S.I. Praca pianisty nad utworem muzycznym. - M.:
Klasyczny XXI, 2004.
Tsypin G.M. Nauka gry na pianinie. - M., 1984
LVI Międzynarodowa konferencja naukowo-praktyczna „W świecie nauki i sztuki: zagadnienia filologii, krytyki artystycznej i kulturoznawstwa” (Rosja, Nowosybirsk, 20.01.2016)
Dane wyjściowe kolekcji:
„W świecie nauki i sztuki: zagadnienia filologii, historii sztuki i kulturoznawstwa”: zbiór artykułów na podstawie materiałów międzynarodowej konferencji naukowo-praktycznej LVI. (20 stycznia 2016)
PRACA NAD WIZERUNKIEM ARTYSTYCZNYM UTWORU WOKALNEGO
W KLASIE ŚPIEWU SOLO
Zelenaya Alina Wiktorowna
głowa dział śpiew solowy
Dziecięca Szkoła Plastyczna,
Federacja Rosyjska, Chanty-Mansyjsk
PRACA NAD WIZERUNKIEM ARTYSTYCZNYM UTWORÓW WOKALNYCH
W KLASIE ŚPIEWU SOLO
Alina Zelenaya
kierownik katedry śpiewu solowego
dziecięca szkoła artystyczna,
Rosja, Chanty-Mansyjsk
ADNOTACJA
Artykuł poświęcony jest problematyce ujawniania wizerunku artystycznego praca wokalna. Szczególną uwagę zwraca się na znaczenie twórczej wyobraźni jako jednego z głównych składników kreatywność artystyczna. Zagadnienie to nie zostało dostatecznie zbadane i wymaga dalszych badań, uogólnienia i systematyzacji. Kreatywna wyobraźnia jest jedną z specyficzne formy odbicia rzeczywistości. Efektem działania twórczej wyobraźni jest stworzenie systemu stabilnych połączeń skojarzeniowych - podstawa stabilnego i wysokiej jakości wykonania. W trakcie badania postawiono również pytania o jedność muzyki i słowa oraz o znaczenie ujęcia perspektywicznego całości kompozycji utworu wokalnego. Wyniki tego badania poszerzają rozumienie pedagogiki wokalnej i mogą stanowić praktyczną pomoc nauczycielom dziecięcych szkół artystycznych i innych instytucji artystycznych.
ABSTRAKCYJNY
Artykuł poświęcony jest objawieniu artystycznego wizerunku wokalnego. Szczególną uwagę zwraca się na wartość wyobraźni twórczej jako jednego z głównych składników twórczości artystycznej. Zagadnienie to jest niedostatecznie zbadane i wymaga dalszych badań, uogólnień i systematyzacji. Wyobraźnia twórcza jest jedną ze specyficznych form refleksji nad rzeczywistością. Efektem twórczej wyobraźni jest systemowe tworzenie trwałych powiązań asocjacyjnych – podstawa stabilnego i wysokiej jakości wykonania. W opracowaniu poruszone zostały pytania o jedność muzyki i słowa oraz o znaczenie prospektywnego zakresu ogólnej kompozycji utworów wokalnych. Wyniki tych badań poszerzają ideę pedagogiki wokalnej i mogą stanowić praktyczną pomoc dla nauczycieli dziecięcych szkół artystycznych i innych instytucji artystycznych.
Słowa kluczowe: wizerunek artystyczny; twórcza wyobraźnia; praca wokalna; śpiew solowy.
słowa kluczowe: wizerunek artystyczny; wyobraźnia; praca wokalna; śpiew solowy.
problem ujawnienia wizerunku artystycznego, zrozumienia intencji kompozytora i umiejętności przekazania tego, co charakterystyczne dla tego autora, ten gatunek, z tej epoki - zawsze ma znaczenie w musicalu praca pedagogiczna. Jak wiecie, istotą wykonania muzycznego jest kreatywne „czytanie” dzieło sztuki, aby odsłonić w swoim spektaklu treść emocjonalną i semantyczną, którą włożył w nią autor. Charakter muzyki, jej emocjonalny sens musi być oddany tak dokładnie i przekonująco, jak to tylko możliwe: konieczne jest stworzenie zapadającego w pamięć, żywego emocjonalnie obrazu muzycznego. W tym samym czasie twórczy występ staje się tylko wtedy, gdy zostaje do niej wniesiony przez własne, choć niewielkie, ale indywidualne doświadczenie rozumienia i przeżywania muzyki, co nadaje interpretacji szczególną wyjątkowość i przekonywalność.
Integralny link kultura muzyczna jest sztuki sceniczne, który kojarzy się przede wszystkim z reprodukcją i tworzeniem skarby sztuki. Sztuka wokalna - specjalny rodzaj sztuka. Łączy w sobie trzy elementy: ideę zakorzenioną w dziele autora muzyki, ideę autora tekstu i wreszcie aktywność wykonawcy, który musi wyrazić to, co nakreśla poeta i kompozytor. Wskaźnikiem mistrzostwa jest umiejętność przekonującego ujawnienia artystycznego obrazu tkwiącego w dziele.
Trudność śpiewu artystycznego, czyli śpiewu, w którym głównym zadaniem jest wykreowanie wizerunku muzyczno-wokalno-werbalnego, polega na tym, że śpiewak musi rozwiązać wiele problemów jednocześnie. Śpiewak musi umieć połączyć w sobie niejako dwie osoby: jedna gra, druga obserwuje jego działania. Musi być jednocześnie piosenkarzem i reżyserem.
Śpiew to ciągły i logiczny ruch głosu, określony przez znaczenie utworu muzycznego. Maestro Umberto Mazetti (nauczyciel śpiewu Antoniny Neżdanowej) nieustannie powtarzał swoim uczniom słowo „Avanti”, czyli „naprzód”. Oznaczało to: idź naprzód swoim głosem, poczuj, skąd pochodzisz i dokąd zmierzasz. „Piękne układanie” nut nie oznacza śpiewania.
Do poprawnego wykonania wokalu konieczne jest nawiązanie połączenia między muzyką a słowem. Muzyka pogłębia i poszerza treść tekstu słownego, będąc „podtekstem” słowa. Czasami ładunek semantyczny niesie muzyka, czasami słowo. Często ich ładunek semantyczny jest równoważny.
Po zapoznaniu się z pracą jako całością należy przestudiować ją bardziej szczegółowo tekst poetycki, chwilowo oddzielając go od muzyki, aby sens wiersza nie zniknął, aby muzyka nie przesłaniała jego piękna. Tekst bowiem wraz z muzyką przestaje być postrzegany jako samodzielna wartość estetyczna i jest załamywany tylko przez muzykę, choć w końcu w tej syntezie musi dotrzeć do słuchacza. Trzeba przeczytać tekst, zrozumieć jego strukturę, ekspresyjnie recytować na głos. Prawidłowa, ekspresyjna lektura tekstu, poprawne akcenty, podkreślenie głównych słów, wyraźna wymowa samogłosek akcentowanych i mieszanych - wszystko to powinno znaleźć swoje miejsce w późniejszym wykonaniu pracy.
Tekst muzyczny należy analizować pod kątem formy, cech struktury melodycznej i harmonicznej oraz rytmu, znaleźć kulminację, zrozumieć, jak rozwija się linia melodyczna. Musimy być bardzo uważni na wszystkie uwagi autora, zwracając uwagę na zmianę tempa i rytmu, aby dynamiczne odcienie, odrębne instrukcje dotyczące charakteru egzekucji.
Jak w każdej sztuce, w sztuce śpiewu dwa składniki łączą się i współistnieją na równych prawach: twórczy i techniczny. Przed przystąpieniem do opracowania technicznego utworu wokalnego należy: stworzyć „projekt”, plan jego budowy. Należy nakreślić jej ogólną formę, ustalić równowagę partii, rozwinąć logiczny ruch uczuć zawartych w muzyce, określić różne sposoby śpiewania, jakie należy stosować, aby uosabiać tę formę.
Ujęcie perspektywiczne całościowego składu utworu wokalnego, wnikanie w jego strukturę muzyczno-dramatyczną, dramatyczne „usprawiedliwienie” elementów muzycznych jest niezbędnym procesem twórczym przy opanowaniu utworu wokalnego przez wykonawcę. Konieczne jest zrozumienie, w czyim imieniu działa piosenkarz-wykonawca, jaka jest natura przedstawianej osoby, jakie są jej wewnętrzne zadania.
Tak skonstruowany plan wykonawczy utworu wokalnego może być kontemplowany przez wykonawcę niejako z wysokości jego twórczej świadomości, jako rodzaj syntetycznego obrazu uogólniającego konkretny materiał muzyki. Ściśle przestrzegając stworzonego planu występów, wokalista nigdy nie zbłądzi, nie zużyje na próżno ładunku emocjonalnego, zniknie u niego potrzeba śpiewania, oczekiwanie na natchnienie. Śpiewak może śpiewać gorzej lub lepiej (zależy to często od stanu jego aparatu głosowego), ale musi śpiewać i wykonywać utwór poprawnie, czyli „zgodnie z wewnętrznym planem”, konsekwentnie rozwiązując problemy wewnętrzne, owocnie wydając głos i emocje.
Jak to wszystko zrealizować? To oczywiste, że jeden wysiłek intelektualny nie wystarczy. Na tym etapie tworzenia obrazu artystycznego wchodzi w grę twórczy wyobraźnia- jedno z najważniejszych narzędzi twórczości artystycznej.
W przeciwieństwie do typowego błędnego przekonania, ludzka wyobraźnia nigdy nie odrywa się od rzeczywistości. Wręcz przeciwnie, jest to jedna ze specyficznych form odbicia tej rzeczywistości, a decydującą rolę odgrywają tu produktywne i twórcze elementy myślenia. Jednocześnie nie każdą wyobraźnię można nazwać naprawdę twórczą. Aby nim zostać, potrzebuje:
- bogata baza pomysłów początkowych (pamięć, która jest jakby rezerwuarem wyobraźni);
- jasność wyznaczania celów, organizowanie pracy myśli w ściśle określonym kierunku;
- inicjatywa, wyrażona w zdolności do samodzielnego opracowania (K.S. Stanisławsky) proponowanych okoliczności;
- jasność i konkretność tworzonych obrazów.
Duże znaczenie mają również indywidualne i osobiste cechy osoby: wysoki poziom aktywność intelektualna, rozwój zainteresowanie poznawcze jako wiodący, dominujący motyw działania, obecność wartościowego, odczuwanego emocjonalnie stosunku do przedmiotu wiedzy. Ponadto należy wziąć pod uwagę rolę takich naturalnych skłonności w organizacji psychicznej człowieka, jak wrażliwość, żywotność reakcji emocjonalnych i niewielka pobudliwość procesów nerwowych.
Zdolność wyobraźni można rozwijać poprzez odpowiedni trening. Przed śpiewaniem początkujący śpiewak powinien być nauczony uruchamiania twórczej wyobraźni, nie dopuszczania do formalnego śpiewania, bez wyraźnych obrazów, pomysłów, myśli i żywych pomysłów na temat sytuacji, które powinien wyrazić.
Materiałem dla wyobraźni jest wiedza, osobiste doświadczenie, wrażenie. Dlatego początkujący piosenkarz musi gromadzić wrażenia, pamiętać o swoich uczuciach. Znajomość życia kompozytora, poety, na którego tekście napisane jest dzieło, znajomość epoki, w której żyli lub którą opisują - wszystko to wzbogaca wykonawcę o obrazy i oraz Denia.
W rozwoju wyobraźni muzyka szczególne miejsce zajmują wrażenia muzyczne. Ważna jest umiejętność zrozumienia języka muzyki, odnalezienia związku między przeżyciami muzycznymi a innymi wrażeniami. Muzyka jest rodzajem odbicia życia w postaci dźwięków, specjalnego języka. Oczywiście język muzyki często pozbawiony jest konkretności, która wyróżnia opisy słowne. Jednak muzyka może wyrazić to, czego nie da się opisać słowami. To specyficzny środek komunikacji między ludźmi, za pomocą którego mogą albo bezpośrednio przekazywać sobie nawzajem swoje wrażenia, przeżycia, albo uchwycić je w postaci znaków muzycznych.
W muzyce wokalnej sam tekst słowny sugeruje treść. Często jednak tworzy tylko ogólny obraz, nastrój, a muzyka jest głównym narratorem i rzecznikiem idei, główną, artystycznie najcenniejszą stroną dzieła.
Kryterium poprawnej pracy naszej twórczej wyobraźni jest ćwiczyć. Zgodnie z czynnością, którą dana osoba jest zaangażowana, rozwija bardziej wyobraźnię wzrokową, słuchową lub emocjonalną. Jednak we wszystkich przypadkach silna wyobraźnia jest możliwa tylko wtedy, gdy zgromadzona zostanie wystarczająca ilość materiału, który ponadto jest aktywnie wykorzystywany. Dla procesu pedagogicznego ten punkt jest bardzo ważny, ponieważ pozwala powiązać rozwijanie umiejętności technicznych z określonymi obrazami i uniknąć formalnej nauki o dźwięku („dmuchanie dźwiękiem”).
W ten sposób w procesie pracy nad artystycznym obrazem utworu wokalnego wyobraźnia wykonawcy jest w stanie pełnić następujące funkcje: uczestniczyć w konstruowaniu długoterminowego planu wykonawczego; poszerzyć i pogłębić wyobrażenia wykonawcy o utworze, wprowadzając coraz więcej nowych danych zaczerpniętych z jego własnych doświadczeń (muzycznych i pozamuzycznych); pomoc w doborze konkretnych środków wykonawczych; bezpośrednia praca nad pracą w określonym kierunku koncepcyjnym. Efektem działania wyobraźni twórczej jest stworzenie systemu stabilne połączenia asocjacyjno-figuratywne– podstawa stabilnej i wysokiej jakości wykonania. Pozwala to wniknąć w samą istotę dzieła muzycznego, odsłaniając naturę i wewnętrzną treść jego artystycznego obrazu. Każdy dźwięk staje się nośnikiem pewne znaczenie, przestrzegając ogólnej koncepcji planu wykonawczego.
Bibliografia:
- Dmitriev L.B. Podstawy techniki wokalnej. - M .: Muzyka, 2000 - 368 s.
- Malysheva N.M. O śpiewaniu. Z doświadczenia ze śpiewakami. - M .: Muzyka, 2001 - 168 s.
- Smelkova T.D., Savelyeva Yu.V. Podstawy uczenia się sztuka wokalna. - Petersburg: Lan, Planeta muzyki, 2014. - 160 pkt.
- Stanisławski K.S. Praca aktora nad sobą. - M.: Sztuka, 1985 - 479 s.
- Yudin S.P. Śpiewak i głos: o metodyce i pedagogice śpiewu. - M .: Księgarnia „Librokom”, 2013. - 136 s.
Marysheva Oksana Aleksandrowna
Stanowisko:
Instytucja edukacyjna: MBU DO „Krasnokholmska szkoła artystyczna dla dzieci”
Miejscowość: miasto Krasny Holm, region Twerski
Nazwa materiału: lekcja publiczna
Temat:„Praca nad wizerunkiem artystycznym w programowych utworach fortepianowych”
Data publikacji: 05.10.2017
Rozdział: dodatkowa edukacja
MIEJSKA INSTYTUCJA BUDŻETOWA
DODATKOWA EDUKACJA
„SZKOŁA SZTUKI DZIECIĘCEJ KRASNOKHOLMSKAYA”
Otwarta lekcja gry na fortepianie
Temat: „Praca nad obrazem artystycznym w oprogramowaniu
utwory fortepianowe"
Marysheva O.A.
nauczyciel pianina
gminna instytucja budżetowa,
dodatkowa edukacja
„Krasnokholmska szkoła artystyczna dla dzieci”
Otwarta lekcja fortepianu
Temat
lekcja:"Praca
artystyczny
program
fortepian
Pracuje".
Cel
lekcja: Aby ujawnić i wyrazić w wykonaniu figuratywną treść musicalu
Pracuje.
Cele Lekcji:
rozwijać Umiejętności twórcze dzieci;
aktywować, stymulować, kierować procesem myślenia uczniów;
praca
wyrazistość
musical
przezwyciężenie
trudności z wydajnością;
wzmocnienie umiejętności właściwego pedałowania;
osiągnięcie poziomu figuratywnej kompletności dzieła;
promowanie kształtowania pozytywnej motywacji uczniów, zainteresowania
proces uczenia.
Sprzęt i materiały:
instrument fortepianowy;
akompaniament multimedialny do lekcji: TV, DVD;
reprodukcje.
Rodzaj lekcji: połączone.
Plan lekcji:
Część wprowadzająca
Część główna: praca nad pracą
Część końcowa
Wstęp
uczenie się
dalej
nauczyciel
niezbędny
rozwijać
doskonalić nie tylko umiejętności techniczne posiadania instrumentu swoich uczniów.
intensywnie
"zanurzać"
wykonywalny
"infekować"
Praca powinna poruszyć jego duszę, rozbudzić wyobraźnię. Już z egzekucji
pierwsze melodie na początku treningu należy szukać od dziecka, aby je zagrało
wyraziście, ze zrozumieniem charakteru.
artystyczny
emocjonalno-poetycki początek ukazuje się bardziej żywo. Jeśli muzyka pochwyciła ucznia,
emocjonalny
stan
pozytywnie
pracowitość,
promować
celowy
uporczywy
niuansów, technik gry wykonania tej pracy, tak aby w rezultacie
brzmiał jasno, wymownie, ekspresyjnie.
Muzyka programowa to rodzaj muzyki instrumentalnej; utwory muzyczne,
posiadanie werbalnego, często poetyckiego programu i ujawnianie tego, co jest w nim uchwycone
program
stosować
musical
figuratywność, pisarstwo dźwiękowe, konkretyzacja poprzez gatunek.
Najprostszym rodzajem muzyki programowej jest programowanie obrazów (muzyczne
zdjęcia przyrody, festyny ludowe, bitwy itp.).
Na ta lekcja zostaną pokazane prace nad artystycznym wizerunkiem fortepianu
prace Yu Szczurowskiego „Poranek” z pionierskiego pakietu „Zima”.
Główna część lekcji
Wielu artystów, poetów, kompozytorów zwróciło się do tematu poranka.
reprodukcje
artyści:
sosna
„Mglisty poranek”, A. Adamow „Wczesny poranek”), poeci: Y. Polonsky „Poranek”, A. Puszkin
„Winter Morning”, kompozytorzy: P. Czajkowski „Winter Morning”, S. Prokofiev „Morning”, E. Grieg
„Rano” itp.
Dlatego postaramy się dzisiaj ujawnić i wyrazić w wykonaniu musicalu
obraz zimowy poranek. Aby zanurzyć się w atmosferze zimowego poranka, nauczyciel
proponuje obejrzenie zdjęć zimowego poranka przy muzyce P.I. Czajkowski „Zimowy poranek”
Pokaz slajdów.
Prowadzone z uczniem szczegółowa analiza propozycja działa.
Uczeń narysował obrazek do każdego zdania. Nad każdym trwają prace
oferta. Uczennica najpierw mówi, jaki obraz chce w tym pokazać
zdanie, następnie próbuje wyrazić swój pomysł w pianinie.
Praca nad wizerunkiem artystycznym to także praca nad ekstrakcją dźwięku,
różnorodne techniki wykonawcze niezbędne do oddania postaci
musical
Pracuje.
rysuje
Uwaga
działający
trudności,
które są przetwarzane oddzielnie.
Nauczyciel wspólnie z uczniem analizuje plan dynamiczny, pociągnięcia,
W spektaklu „Poranek” ważna jest rola pedału jako środka barwnego. Dźwięk jest podany
nie tylko nowe kolory i nowa barwa, ale także większa objętość i pełnia. Pedał
pomaga
odkryć
ekspresyjny
artystyczny
możliwości
pedał łączy różne dźwięki w jedną harmonię, pomaga łączyć różne
elementy tekstury. W tej pracy pedał jest opóźniony, gra jest opóźniona
pedał zwykle sprawia trudności dzieciom, dlatego konieczne jest przeprowadzenie specjalnego
pracuj nad utrwaleniem umiejętności, aby stopa nie pukała w pedał, nie podnosiła się ponad niego,
i stale czułem to delikatnym dotykiem ze stałą kontrolą słuchową nad czystością
dźwięk.
Do niezależna praca uczeń otrzymał Praca domowa ulec poprawie
wiersz o poranku Student czyta wiersz S. Smusenko „Poranek”:
Słońce wzeszło rano
Przed pierwszym ptakiem
Plecionka na wietrze
Promienie w warkoczach.
Słońce chce nadrobić zaległości
Wcześnie tego ranka
pieszczota i ciepło
Wszystko w kolorze białym.
Jak szczęśliwi wszyscy wokół
Zwierzęta, ptaki, ryby,
Rzeka, pole, ogród i łąka
Słoneczny uśmiech!
Po pracy wykonanej na lekcji uczeń wykonuje pracę „Poranek”,
w którym starała się oddać artystyczny obraz obrazu zimowego poranka.
Pod koniec lekcji nauczyciel proponuje wysłuchać i obejrzeć slajdy na
Praca E. Griega „Poranek”.
Wniosek
gra
student
przypominać
potrzeba ciągłego słuchania siebie, swojego występu jakby z zewnątrz, próbuj
prawo,
wyraziście,
emocjonalnie,
zauważyć
braki, aby je później poprawić.
Osiągnięcie sukcesu w pracy nad ucieleśnieniem obrazu artystycznego jest możliwe tylko
bez przerwy
rozwój
muzykalność
inteligencja,
emocjonalny
reakcja na coś
poprawa
ekstrakcja dźwięku.
obrazy
usilnie
Pracuje,
doskonali swój warsztat pianistyczny, dążąc do bardziej wyrazistego przekazu w swoim wykonaniu
artystyczny wizerunek dzieła.
Ważne jest, aby podczas lekcji używać różnych metod nauczania, aby aktywować
kreatywne myślenie ucznia, aktywne włączenie się w pracę, tak aby lekcja była
ciekawe i nie nudne.
Aby pracować w domu, możesz zlecić zadanie kontynuowania pracy rozpoczętej w klasie, wł
wykonanie
akompaniament,
dynamiczny
odcienie,
posługiwać się
pedały, praca nad artystycznym wizerunkiem spektaklu.
Jedno z głównych wymagań G. Neuhausa do osiągnięcia artystycznego piękna
wykonanie to wymóg prostoty i naturalności wyrazu. Cała praca
odbywające się w jego klasie, było wykonalną pracą nad muzyką i jej ucieleśnieniem w
gra na fortepianie, czyli nad „obrazem artystycznym” i fortepianem
technika. Ten nauczyciel nie jest dobry, nawet jeśli ma około siedmiu przęseł na czole, kto…
zadowolony z opowieści o „obrazie”, o „treści”, o „nastroju”, o „idei”, o
"poezja"
szuka
najbardziej konkretny
materiał
wcielenia
sprawozdania
propozycje
niuans,
idealny
fortepian
technika. Podobnie nie jest dobry nauczyciel, który widzi wyraźnie tylko pianoforte.
gra, „technika” fortepianu, ale o muzyce, o jej znaczeniu i wzorach, ma tylko
niejasna prezentacja.
oparty
możliwości
rozwój,
osiągnąć,
wykonywalny
"powiedział"
zrozumienie
nastrój,
postać
Pracuje
poważny
artystyczny
zaczyna się
badania
Pracuje.
Użyta muzyka:
LICZBA PI. Czajkowski „Zimowy poranek” z „Albumu dziecięcego”
E. Grieg „Poranek” z apartamentu „Peer Gynt”.
