Rosyjskie malarstwo pejzażowe i dzieła G.I. Gurkin i A.O. Nikulin. Malarstwo rosyjskie przełomu XIX i XX wieku

Malarstwo w Rosji XIX wieku jest bogate i interesujące.

Wiek XIX nazywany jest powszechnie „złotym wiekiem kultury rosyjskiej”. Malarstwo rosyjskie przeżyło niezwykły rozkwit.

Co jakiś czas na niebie pojawiała się nowa, jasna, oryginalna gwiazda, tworząc konstelacje utalentowanych artystów. Każdy z nich miał swój indywidualny charakter pisma, którego nie sposób było nie rozpoznać i nie pomylić.

Artysta z „Niedźwiedziej Rosji”

Orest Adamovich Kiprensky (24 marca 1782 - 17 października 1836) Czcigodni włoscy profesorowie malarstwa początkowo nie wierzyli, że portrety, wykonane doskonałą techniką, oddają zarówno charakter, jak i nastrój, oraz stan umysłu przedstawianej osoby należy do nieznanego artysty Oresta Kiprensky'ego z dzikiej Rosji.

O. Kiprensky portret zdjęcia A. S. Puszkina

Mistrzostwo płócien Kiprensky'ego, który był nieślubnym synem właściciela ziemskiego i chłopa pańszczyźnianego, w niczym nie ustępowało takim mistrzom jak Rubens czy Van Dyck. Malarz ten słusznie uważany jest za najlepszego portrecistę XIX wieku. Szkoda, że ​​we własnym kraju nie został doceniony według zasług. Portret A.S. Puszkina autorstwa Kiprenskiego został wydrukowany w takim nakładzie, jakiego być może nie ma żaden inny artysta.

Malarz życia ludowego

Venetsianov Aleksiej Gawrilowicz (18 lutego 1780 r. - 16 grudnia 1847 r.), zmęczony dwunastoletnim kopiowaniem obrazów akademickich w Ermitażu, wyjeżdża do wsi Safonkowo w prowincji Twer. Zaczyna pisać życie chłopów na swój własny, tylko swój sposób. Obfitość światła słonecznego, prądów powietrza, niezwykła lekkość na płótnach założyciela rosyjskiego malarstwa gatunkowego i pejzażowego.

Wenecjanow. obraz na gruntach ornych. wiosenne zdjęcie

Rosyjskie przestrzenie i pokój dalej znane obrazy„Na ziemi uprawnej. Wiosna” i „W żniwa. Lato". „Karol Wielki” Tak nazywali studenci i wielu współczesnych wielkiego rosyjskiego artysty, przedstawiciela malarstwa monumentalnego Karola Pawłowicza Bryulłowa (23 grudnia 1799 r. - 23 czerwca 1852 r.). Jego obrazy nazwano uderzającym zjawiskiem w malarstwo XIX w. Jego najsłynniejszy obraz „Ostatni dzień Pompejów” był triumfem sztuki rosyjskiej. I arystokratyczna „Jeździstka” czyli cała przesiąknięta światło słoneczne wiejska dziewczyna na obrazie „Włoskie południe” podnieca i budzi romantyczne uczucia.

„Rzymski samotnik”

Aleksander Andriejewicz Iwanow (28 lipca 1806 - 15 lipca 1858) to dwuznaczne zjawisko w malarstwie rosyjskim. Pisał w sposób ściśle akademicki. Tematyką jego obrazów są mity biblijne i starożytne. Najbardziej znanym z nich jest „Pojawienie się Chrystusa ludowi”. To płótno, imponujące w swoich rozmiarach, wciąż przyciąga widza, nie pozwala mu po prostu spojrzeć i odejść.

A. Ivanovobraz Ukazanie się Chrystusa ludziom

Na tym polega geniusz tego malarza, który przez ćwierć wieku nie opuszczał warsztatu rzymskiego, obawiając się utraty wolności jednostki i niezależności artysty w związku z powrotem do ojczyzny. Umiejętność mistrzowskiego przekazywania nie tylko treści zewnętrznych, ale i wewnętrznych, znacznie wyprzedziła nie tylko swoich współczesnych, ale także kolejne pokolenia. Od Iwanowa nici ciągłości rozciągają się na Surikowa, Ge, Vrubela, Korina.

Jak żyją ludzie na świecie...

Piosenkarz gatunku codziennego – tak można określić twórczość artysty Pawła Andriejewicza Fiedotowa (4 lipca 1815 r. – 26 listopada 1852 r.), który żył bardzo krótko, ale bardzo owocnie. Fabuła wszystkich jego nielicznych obrazów to dosłownie jedno wydarzenie, często dość krótkie w czasie. Ale można na nim napisać całą historię nie tylko o teraźniejszości, ale także o przeszłości i przyszłości.

P. Fedotovobraz kojarzenie ważnego zdjęcia

I to pomimo faktu, że obrazy Fiedotowa nigdy nie były przeładowane szczegółami. Tajemnica prawdziwego utalentowanego artysty! I smutny tragiczny los kiedy prawdziwe uznanie przychodzi dopiero po śmierci.

Czas nazmianę

Zmiany zachodzące w społeczeństwie rosyjskim w drugiej połowie XIX wieku powołały do ​​życia nie tylko nowe ruchy polityczne, ale także trendy w sztuce. Realizm zastępuje akademizm. Po wchłonięciu wszystkich najlepszych tradycji swoich poprzedników, nowe pokolenie malarzy woli pracować w stylu realizmu.

Rebelianci

9 listopada 1863 roku czternastu studentów ostatniego roku Akademii Sztuk Pięknych opuściło Akademię w proteście przeciwko odmowie pisania prac konkursowych na temat dowolny. Inicjatorem buntu akademickiego był (8 czerwca 1837 - 5 kwietnia 1887) znakomity portrecista i autor niezwykłej głębi, filozoficzno-moralnego płótna „Chrystus na pustyni”. Powstańcy zorganizowali własne „Stowarzyszenie Objazdowych Wystaw Artystycznych”.

Iwan Kramskoj malujący Chrystusa na pustyni

Skład społeczny „Wędrowców” był bardzo zróżnicowany – plebs, synowie chłopów i rzemieślników, emerytowani żołnierze, diakoni wiejscy i drobni urzędnicy. Starali się służyć swemu ludowi mocą swego talentu. Wasilij Grigoriewicz Perow (21 grudnia 1833 - 29 maja 1882) ideolog i duchowy mentor Wędrowców.

Jego obrazy są pełne tragedii z udziałem ciężkiego ludu „Widząc umarłych”, a jednocześnie tworzy płótna przepełnione humorem i miłością do natury. („Łowcy w spoczynku”) Aleksiej Kondratiewicz Sawrasow w 1871 roku namalował niewielki obraz „Przybyły gawrony” i stał się założycielem rosyjskiego malarstwa pejzażowego. Słynne płótno wisi w jednej z sal Galerii Trietiakowskiej i uważane jest za malowniczy symbol Rosji.

Nowa era malarstwa rosyjskiego

Świat potrzeb, bezprawia i ucisku pojawia się przed widzem w obrazach wielkiego rosyjskiego artysty (5 sierpnia 1844 - 29 września 1930). , jego buntownicza natura. Izaak Iljicz Lewitan (30 sierpnia 1860 r. - 4 sierpnia 1900 r.) jest nadal niezrównanym mistrzem rosyjskiego krajobrazu.

Ilja Repin maluje woźnice barek na zdjęciu Wołga

Uczeń Savrasova zupełnie inaczej postrzega i przedstawia przyrodę. Obfitość słońca, powietrza, niekończące się przestrzenie o każdej porze roku na płótnach tworzą nastrój spokoju, wyciszenia i cichego szczęścia. Dusza odpoczywa od tych uroczych rosyjskich zakoli rzek, wodnych łąk, jesiennych lasów.

kronikarze

Tematyka historyczna przyciągała malarzy swoją dramaturgią, intensywnością namiętności, chęcią ukazywania sławnych postacie historyczne. Nikołaj Nikołajewicz Ge (27 lutego 1831 - 13 czerwca 1894), malarz wyjątkowy, niezwykle szczery, artysta, myśliciel i filozof, skomplikowany, kontrowersyjny i bardzo emocjonalny.

Nikolai Geobraz Piotr 1 przesłuchuje carewicza Aleksieja

Malarstwo uważał za misję o wysokiej moralności, otwierającą drogę do wiedzy i historii. Uważał, że artysta nie jest zobowiązany dawać widzowi jedynie przyjemności, ale musi umieć wywołać u niego łzawienie. Jaka siła, jaka tragedia, jaka siła namiętności na jego najsłynniejszym płótnie, przedstawiającym scenę przesłuchiwania Piotra I przez jego syna Aleksieja!

V. Surikov maluje Suworowa Przekraczanie Alp fot

(24 stycznia 1848 - 19 marca 1916) dziedziczny kozak, syberyjski. Studiował w Akademii Sztuk Pięknych u kupca z Krasnojarska – mecenasa sztuki. Jego wielki talent malarza żywił głęboki patriotyzm i wysokie obywatelstwo. Dlatego jego płótna o tematyce historycznej zachwycają nie tylko umiejętnościami i zaawansowaną technologią, ale także napełniają widza dumą z odwagi i odwagi narodu rosyjskiego.

W. Wasniecow obraz Rycerz na rozdrożu, fot

(15 maja 1848 r. - 23 lipca 1926 r.), słynny malarz, starał się w swoich pracach łączyć bajeczne, mityczne tematy z cechami narodowymi narodu rosyjskiego. Sam nazywał siebie gawędziarzem, pisarzem epickim, malowniczym gęsiarzem. Dlatego zarówno Alyonushka, jak i Trzej Bogatyrzy od dawna stali się symbolami narodu rosyjskiego i Rosji.

Legendarną Budenovkę i płaszcz z długim rondem bojowników 1. Armii Kawalerii Budionnego wynalazł artysta Wiktor Wasniecow. Nakrycie głowy przypominało hełm starożytnych rosyjskich wojowników, a płaszcz „z rozmowami” (naszyty na poprzecznych paskach na piersi) był rodzajem kaftana łuczniczego.

Malarstwo przełomu XIX i XX wieku

Rosyjska kultura artystyczna końca XIX i początku XX wieku nazywana jest zwykle „srebrnym wiekiem” przez analogię do złotego wieku czasów Puszkina, kiedy w twórczości zatriumfowały ideały harmonii światła. Srebrny wiek odznaczał się także rozwojem we wszystkich dziedzinach kultury – filozofii, poezji, działalność teatralna, sztuki piękne, ale zniknął nastrój lekkiej harmonii. Artyści, z wyczuciem oddając nastrój strachu przed nastaniem ery maszyn, okropnościami wojny światowej i rewolucji, próbują znaleźć nowe formy wyrazu piękna świata. Na przełomie wieków następuje stopniowe przekształcanie rzeczywistości za pomocą różnych systemów artystycznych, stopniowy „rozkład” formy.

Artysta i krytyk A. Benois pisał na początku XX wieku, że nawet przedstawiciele jego pokolenia „wciąż muszą walczyć, bo starsi nie chcieli ich uczyć w swoich dziełach tego, czego jedynego można się nauczyć – posiadania form, linii i kolorów. Przecież treść, na którą nalegali nasi ojcowie, pochodzi od Boga. Nasze czasy też szukają treści… ale teraz przez treść rozumiemy coś nieskończenie szerszego niż ich idee społeczno-pedagogiczne.

Artyści nowego pokolenia dążyli do nowej kultury obrazkowej, w której dominowała zasada estetyczna. Formę okrzyknięto mistrzynią malarstwa. Według krytyka S. Makowskiego „kult natury został zastąpiony kultem stylu, skrupulatnością bliskich osobowości - odważnym obrazowym uogólnieniem lub graficznym dowcipem, czystym trzymaniem się treści fabularnej - swobodnym eklektyzmem, z tendencją do dekoracji, do magii, do pokrętności historycznych wspomnień.”

Walentin Aleksandrowicz Sierow (1865–1911) był artystą, który na przełomie wieków połączył tradycyjną szkołę realistyczną z nowymi poszukiwaniami twórczymi. Dano mu tylko 45 lat życia, ale udało mu się dokonać niezwykle wiele. Sierow jako pierwszy szukał czegoś „przyjemnego” w sztuce rosyjskiej, uwolnił malarstwo od niezbędnych treści ideologicznych („Dziewczyna z brzoskwiniami”), w swoich poszukiwaniach twórczych przeszedł od impresjonizmu („Dziewczyna w słońcu”) po secesję („Porwanie Europy”). Sierow był najlepszym portrecistą wśród swoich współczesnych, posiadał, według słów kompozytora i krytyka sztuki B. Asafiewa, „magiczną moc odsłaniania cudzej duszy”.

Michaił Aleksandrowicz Wrubel (1856–1910) był genialnym innowatorem, który przetarł nowe ścieżki dla sztuki rosyjskiej. Uważał, że zadaniem sztuki jest obudzić duszę człowieka „z drobnych rzeczy codzienności za pomocą majestatycznych obrazów”. Vrubel nie znajduje ani jednego obrazu fabuły związanego z ziemskimi, codziennymi tematami. Wolał „unosić się” nad ziemią lub przenosić widza do „ Daleko, odległe królestwo„(„Pan”, „Księżniczka łabędzi”). Jego panele dekoracyjne („Faust”) zapoczątkowały kształtowanie się narodowej wersji stylu secesyjnego w Rosji. Przez całe życie Vrubel miał obsesję na punkcie wizerunku Demona - swego rodzaju symbolicznego ucieleśnienia niespokojnego ducha twórczego, rodzaju duchowego autoportretu samego artysty. Pomiędzy „Siedzącym demonem” a „Pokonanym demonem” minęło całe jego twórcze życie. A. Benois nazwał Vrubela „pięknym”. upadły anioł”, „dla którego świat był nieskończoną radością i niekończącą się udręką, dla którego społeczeństwo ludzkie było zarazem bratersko bliskie i beznadziejnie odległe”.

Kiedy na wystawie pokazano pierwsze dzieło Michaiła Wasiljewicza Niestierowa (1862-1942) „Wizja młodego Bartłomieja”, delegacja starszych Wędrowców przybyła do P. Tretiakowa, który kupił obraz, z prośbą o odmowę zakupu tego obrazu „nierealne” płótno dla galerii. Wędrowcy byli zawstydzeni aureolą wokół głowy mnicha - ich zdaniem niewłaściwe połączenie na jednym obrazie dwóch światów: ziemskiego i nieziemskiego. Niestierow potrafił przekazać „czarujący horror tego, co nadprzyrodzone” (A. Benois), zwrócił twarz ku legendarnej, chrześcijańskiej historii Rusi, lirycznie przemienioną przyrodę w cudownych, pełnych zachwytu pejzażach przed „ziemskim rajem”.

Konstantin Aleksiejewicz Korowin (1861-1939) nazywany jest „rosyjskim impresjonistą”. Rosyjska wersja impresjonizmu różni się od zachodnioeuropejskiej wielkim temperamentem i brakiem metodycznej racjonalności. Talent Korovina rozwinął się głównie w malarstwie teatralnym i dekoracyjnym. W dziedzinie malarstwa sztalugowego stworzył stosunkowo niewiele obrazów, które zadziwiają śmiałością kreski i subtelnością w rozwoju koloru („Kawiarnia w Jałcie” itp.)

Na przełomie XIX i XX w. w Moskwie i Petersburgu powstało wiele stowarzyszeń artystycznych. Każdy z nich głosił własne rozumienie „piękna”. Cechą wspólną wszystkich tych grup był protest przeciwko doktrynie estetycznej Wędrowców. Na jednym biegunie poszukiwań znajdował się wyrafinowany estetyzm petersburskiego stowarzyszenia „Świat sztuki”, powstałego w 1898 roku. W innym kierunku rozwinęła się innowacja Moskali - przedstawiciele „Błękitnej Róży”, „Unii Rosyjscy artyści" itd.

Artyści „Świata sztuki” ogłosili wolność od „nauk moralnych i nakazów”, uwolnili sztukę rosyjską od „ascetycznych łańcuchów”, zwrócili się ku wykwintnemu, wyrafinowanemu pięknu forma sztuki. S. Makovsky trafnie nazwał tych artystów „marzycielami retrospektywnymi”. Malownicze i piękne w swojej sztuce najczęściej utożsamiano z starożytnością. Na czele stowarzyszenia stał Aleksander Nikołajewicz Benois (1870–1960), wybitny artysta i krytyk. Jego gust artystyczny i mentalność skłaniały się ku krajowi jego przodków, Francji („The King's Walk”). Największymi mistrzami stowarzyszenia byli Jewgienij Jewgienijewicz Lansere (1875-1946) z zamiłowaniem do dekoracyjnego przepychu minionych epok („Elizaweta Pietrowna w Carskim Siole), poeta starego Petersburga Mścisław Walerianowicz Dobużyński (1875–1957), drwiący, ironiczny i smutny Konstantin Andriejewicz Somow (1869–1939), „mądry trujący esteta” (według K. Pietrowa-Wodkina) Lew Samoilowicz Bakst (1866–1924).

Jeśli innowatorzy „Świata sztuki” wiele wzięli kultura europejska, wówczas w Moskwie proces odnowy był zorientowany na narodowość, tradycje ludowe. W 1903 roku powstał „Związek Artystów Rosyjskich”, w skład którego weszli Abram Efimowicz Archipow (1862–1930), Siergiej Arseniewicz Winogradow (1869–1938), Stanisław Julianowicz Żukowski (1875–1944), Siergiej Wasiljewicz Iwanow (1864–1910) , Filip Andriejewicz Maliawin (1869–1940), Mikołaj Konstantinowicz Roerich (1874–1947), Arkady Aleksandrowicz Ryłow (1870–1939), Konstantin Fedorowicz Yuon (1875–1958). Wiodącą rolę w tym stowarzyszeniu odegrali Moskale. Bronili praw tematów narodowych, kontynuowali tradycje „krajobrazu nastrojów” Lewitana i wyrafinowaną kolorystykę Korovina. Asafiew wspominał, że na wystawach Sojuza panowała atmosfera twórczej radości: „światło, świeżość, jasność, przejrzystość”, „wszędzie oddychało malarstwem”, „nie racjonalne wynalazki, ale serdeczność artysty, inteligentna wizja”.

W 1907 roku w Moskwie odbyła się wystawa stowarzyszenia o intrygującym tytule „Błękitna Róża”. Liderem tego kręgu był Paweł Varfolomeevich Kuznetsov (1878–1968), któremu bliski był obraz chwiejnego, nieuchwytnego świata wypełnionego nieziemskimi symbolami („Martwa natura”). Inny wybitny przedstawiciel tego stowarzyszenia, Wiktor Borysow-Musatow (1870–1905), został nazwany przez krytyków „Orfeuszem nieuchwytnego piękna” za chęć uchwycenia zanikającego romansu parków krajobrazowych ze starożytną architekturą. Jego obrazy zamieszkują dziwne, upiorne wizerunki kobiet w starożytnych szatach - niczym nieuchwytne cienie przeszłości („Staw” itp.).

Na przełomie lat 10. XX wieku rozpoczyna się nowy etap w rozwoju sztuki rosyjskiej. W 1912 r. odbyła się wystawa towarzystwa „Jack of Diamonds”. „Kamery diamentów” Piotr Pietrowicz Konczałowski (1876–1956), Aleksander Wasiljewicz Kuprin (1880–1960), Arystarch Wasiljewicz Lentułow (1841–1910), Ilja Iwanowicz Maszkow (1881–1944), Robert Rafailowicz Falk (1886–1958) przemienił się doświadczyć najnowsze trendy Sztuka francuska (cezannizm, kubizm, fowizm). Szczególną wagę przywiązywali do „namacalnej” faktury kolorów, ich żałosnej dźwięczności. Sztuka „waletu diamentów” trafne wyrażenie D. Sarabyanova ma „charakter bohaterski”: artyści ci zakochali się nie w mglistych odbiciach innego świata, ale w soczystym i lepkim ziemskim ciele (P. Konczałowski. „Suche farby”).

Twórczość Marka Zacharowicza Chagalla (1887-1985) wyróżnia się na tle wszystkich trendów początku stulecia. Dzięki niesamowitemu zakresowi fantazji przyjął i zmiksował wszystkie możliwe „-izmy”, wypracowując własny, niepowtarzalny styl. Jego obrazy są od razu rozpoznawalne: są fantasmogoryczne, przekraczają siłę grawitacji („Zielony skrzypek”, „Kochankowie”).

Na początku XX wieku odbyły się pierwsze wystawy starożytnych rosyjskich ikon „odkrytych” przez konserwatorów, a ich nieskazitelne piękno stało się prawdziwym odkryciem dla artystów. motywy starożytne malarstwo rosyjskie, Kuźma Siergiejewicz Pietrow-Wodkin (1878–1939) wykorzystywał w swojej twórczości jej techniki stylistyczne. W jego obrazach w cudowny sposób współistnieją wyrafinowana estetyka Zachodu i starożytna rosyjska tradycja artystyczna. Petrov-Vodkin wprowadził nową koncepcję „perspektywy sferycznej” - konstrukcji wszystkiego, co pojawiło się na ziemi, w wymiarze planetarnym („Kąpiel czerwonego konia”, „Martwa natura poranna”).

Artyści początku XX wieku, jak mówi Makowski, szukają „odrodzenia u samych źródeł”, zwracając się do tradycji prymitywnego ludu. Najwięksi przedstawiciele W tym kierunku poszli Michaił Fiodorowicz Łarionow (1881–1964) i Natalia Siergiejewna Gonczarowa (1881–1962). Ich prace przepełnione są delikatnym humorem i wspaniałą, dopracowaną kolorystycznie perfekcją.

W 1905 roku słynna postać Srebrnego Wieku, założyciel Świata Sztuki S. Diagilew wypowiedział prorocze słowa: „Jesteśmy świadkami największego historycznego momentu, który przyniósł rezultaty i zakończył się w imię nowej, nieznanej kultury, która powstanie dla nas, ale nas zmiecie…” Rzeczywiście, w 1913 r. W tym samym roku ukazał się „Luchizm” Larionowa – pierwszy manifest bezprzedmiotowości w sztuce w naszej sztuce, a rok później książka „O Duchowość w sztuce” Wasilija Wasiljewicza Kandinskiego (1866-1944). Na scenę historyczną wkracza awangarda, która wyzwoliła malarstwo „z materialnych okowów” (V. Kandinsky). Twórca suprematyzmu Kazimierz Siewierinowicz Malewicz (1878–1935) tak tłumaczył ten proces: „Przekształciłem się w formę zerową i wyłowiłem się z kałuży śmieci sztuki akademickiej<…>z kręgu rzeczy<…>w którym zamknięty jest artysta i formy natury.

Na przełomie XIX i XX wieku sztuka rosyjska przeszła tę samą ścieżkę rozwoju, co sztuka zachodnioeuropejska, tyle że w bardziej „skompresowanej” formie. Zdaniem krytyka N. Radłowa treść obrazowa „najpierw odsunęła się na bok, a następnie zniszczyła inną treść obrazu.<…>W tej formie sztuka malarska wpłynęła w system mający niewątpliwie głębokie analogie z muzyką. Twórczość artystyczną zaczęto sprowadzać do abstrakcyjnej zabawy kolorami, pojawił się termin „architektura sztalugowa”. Awangarda przyczyniła się więc do narodzin nowoczesnego designu.

Makovsky, który uważnie obserwował proces artystyczny Srebrnego Wieku, zauważył kiedyś: „Demokratyzacja na estetycznych wieżach wyszła z mody. Plantatorzy wyrafinowanego europeizmu nie przejmowali się tłumem niewtajemniczonych. Bawiąc się swoją wyższością… „wtajemniczeni” z przeczuciem unikali ulic i zakątków fabryk napędzanych węglem. Większość postaci Srebrnej Ery nie zauważyła, jak to się stało Wojna światowa przerodziło się w rewolucję październikową...

APOLLINARI WASNETSOW. Posłańcy. Wczesny poranek na Kremlu.1913. Stan Galeria Trietiakowska, Moskwa

Apollinaris Wasniecow był archeologiem, znawcą dawnej Moskwy. ta praca jest częścią cyklu Czasy kłopotów, który opowiada, jak mogła wyglądać Moskwa podczas słynnych wydarzeń historycznych początku XVII wieku. Wasnetsow tworzy swego rodzaju rekonstrukcję archeologiczną Kremla, wówczas ściśle zabudowanego kamiennymi i drewnianymi komnatami szlachty dworskiej, wypełniając ją poetycką atmosferą dawnej Moskwy. Jeźdźcy pędzą wąskim, drewnianym brukiem jeszcze nie zbudzonego ze snu Kremla, a ich pośpiech kontrastuje z zamarzniętą, „zaczarowaną” krainą malowniczych wież z eleganckimi gankami, kapliczkami i malowanymi bramami. Posłańcy patrzą wstecz, jakby ktoś ich gonił, co rodzi uczucie niepokoju, przeczucie przyszłych nieszczęść.

MICHAŁ WRUBEL. Dziewica z Dzieciątkiem.1884–1885 Wizerunek w ikonostasie kościoła św. Cyryla w Kijowie

Vrubel pracował nad obrazem kościoła św. Cyryla pod kierunkiem naukowca i archeologa A. Prachowa. Większość zaplanowanych kompozycji pozostała jedynie w szkicach. Jeden z nielicznych zrealizowanych obrazów – „Matka Boska z Dzieciątkiem” – powstał podczas pobytu artysty w Wenecji, gdzie zapoznał się z monumentalną wielkością malowideł bizantyjskich świątyń. Z wyczuciem ujmując główne założenia stylistyczne tradycji bizantyjskiej, Vrubel napełnia obraz Matki Bożej żałobnym cierpieniem, a jednocześnie intensywną wolą. W oczach Dzieciątka Jezus kryje się nieludzkie jasnowidzenie własnego losu. Artysta M. Niestierow napisał, że Matka Boża Vrubela była „niezwykle oryginalnie zrobiona, ładna, ale najważniejsze jest cudowna, ścisła harmonia linii i kolorów”.

MICHAŁ WRUBEL. Demon siedzący.1890. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Według Vrubela „Demon oznacza„ duszę ”i uosabia odwieczną walkę niespokojnego ludzkiego ducha, szukającego pojednania z przytłaczającymi go namiętnościami, wiedzy o życiu i nie znajdującego odpowiedzi na swoje wątpliwości ani na ziemi, ani w niebie”. Potężny Demon siedzi na szczycie góry pośrodku tajemniczej, nieskończonej przestrzeni kosmicznej. Ręce są złożone w zmęczeniu i bezczynności. Z wielkich oczu płyną łzy smutku. W oddali po lewej stronie widać niepokojący zachód słońca. Wokół potężnie wyrzeźbionej postaci Demona zdają się kwitnąć fantastyczne kwiaty z wielobarwnych kryształów. Vrubel pracuje jak muralista - nie pędzlem, ale szpachelką; pisze szerokimi pociągnięciami przypominającymi kostki mozaikowego smaltu. Obraz ten stał się rodzajem duchowego autoportretu artysty, obdarzonego wyjątkowymi zdolnościami twórczymi, choć nierozpoznanego, niespokojnego.

MICHAŁ WRUBEL. Portret S. I. Mamontowa.

Savva Ivanovich Mamontov (1841–1918), znany przemysłowiec i filantrop, wiele zrobił dla powstania i wsparcia Vrubela. Vrubel zamieszkał w swoim gościnnym domu po przeprowadzce z Kijowa do Moskwy, a później stał się aktywnym uczestnikiem Koło Abramcewa, który powstał w majątku Mamontowa Abramcewa. W tragicznych intonacjach portretu kryje się prorocza przewidywalność. przyszłe przeznaczenie Mamontow. W 1899 roku został oskarżony o defraudację podczas budowy linii kolejowej Siewierodonieck. Sąd go uniewinnił, ale przemysłowiec był zrujnowany. Na portrecie zdawał się wzdrygać ze strachu, wciskać się w fotel, na jego przenikliwie niespokojnej twarzy widać napięcie. Złowieszczy czarny cień na ścianie niesie ze sobą przeczucie tragedii. Najbardziej uderzającym „wizjonerskim” detalem portretu jest statuetka żałobnika nad głową patrona.

MICHAŁ WRUBEL. Portret K. D. Artsybusheva.1897. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Konstantin Dmitriewicz Artsybushev był inżynierem procesu, budowniczym kolei, krewnym i przyjacielem S. I. Mamontowa. Wiosną 1896 r. Vrubel mieszkał w swoim domu przy ulicy Sadowej; prawdopodobnie wtedy namalowano ten portret, w którym wspaniale oddano obraz człowieka pracy intelektualnej. Na skoncentrowanej twarzy Artsybusheva widać pieczęć intensywnych myśli, palce prawej ręki spoczywają na stronie książki. Atmosfera biura przekazana jest ściśle, realistycznie. Na tym portrecie Vrubel jawi się jako genialny uczeń słynnego nauczyciela Akademii Sztuk P. Czistyakowa - konesera doskonale narysowanej formy, sprawdzonej architektonicznie kompozycji. Dopiero w szerokich pociągnięciach pędzla, podkreślających uogólniony monumentalizm formy, można rozpoznać oryginalność Vrubela, wirtuoza stylisty i muralisty.

MICHAŁ WRUBEL. Lot Fausta i Mefistofelesa.Panel dekoracyjny do gabinetu gotyckiego w domu A. V. Morozowa w Moskwie. 1896. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Do biura w domu A. V. Morozowa, zbudowanego według projektu architekta F. O. Szektela w 1895 r. przy ulicy Wwiedenskiego (obecnie Podsosenskiego) w Moskwie, Vrubel wykonał kilka paneli, których działki były motywem tragedii I. -V. „Faust” Goethego i opera pod tym samym tytułem Ch. Gounoda. Początkowo artysta wykonał trzy wąskie pionowe panele „Mefistofeles i uczeń”, „Faust w gabinecie” i „Margarita w ogrodzie” oraz jeden duży, niemal kwadratowy „Faust i Małgorzata w ogrodzie”. Później, już w Szwajcarii, stworzył panel „Lot Fausta i Mefistofelesa”, który umieszczono nad drzwiami gotyckiego gabinetu.

To dzieło Vrubela jest jednym z najbardziej doskonałe dzieła Rosyjski nowoczesny. Artysta spłaszcza przestrzeń, stylizuje linie, zamieniając je w wspaniałe wzory zdobnicze, połączone jednym rytmem. Gama kolorystyczna przypomina lekko wyblakły, zabytkowy gobelin mieniący się szlachetnym srebrem.

MICHAŁ WRUBEL. Patelnia.

Bohater starożytne mity, kozionogi bóg lasów i pól Pan zakochał się w pięknej nimfie i rzucił się za nią w pogoń, ale ona, nie chcąc go dopaść, zamieniła się w trzcinę. Z tej trzciny Pan zrobił flet, z którym nigdy się nie rozstał, grając na nim łagodną, ​​smutną melodię. Na zdjęciu Vrubela Pan wcale nie jest straszny - przypomina przebiegłego rosyjskiego goblina. Ucieleśnienie ducha natury, z którego on sam zdawał się być stworzony naturalny materiał. Jego siwe włosy przypominają białawy mech, kozie nogi pokryte długimi włosami przypominają stary kikut, a zimny błękit jego przebiegłych oczu zdaje się być przesiąknięty chłodną wodą leśnego potoku.

MICHAŁ WRUBEL. Portret N. I. Zabeli-Vrubela.1898. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Piosenkarka Nadieżda Iwanowna Zabela-Vrubel (1868–1913) była nie tylko żoną, ale także muzą wielkiego mistrza. Vrubel był zakochany w jej głosie - wspaniałej sopranistki, z jej udziałem zaprojektował prawie wszystkie przedstawienia Rosyjskiej Opery Prywatnej S. I. Mamontowa, wymyślił kostiumy do obrazów scenicznych.

Na portrecie jest przedstawiona w garderobie w stylu Empire zaprojektowanej przez Vrubela. Skomplikowane, wielowarstwowe draperie sukni prześwitują jedna przez drugą, falując w licznych fałdach. Głowę zwieńcza wspaniały kapelusz-czapka. Ruchome, ostre, długie pociągnięcia zmieniają płaszczyznę płótna w bujny, fantastyczny gobelin, dzięki czemu osobowość piosenkarza wymyka się w tym pięknym dekoracyjnym przepływie.

Zabela opiekowała się Vrubelem aż do jego śmierci, stale odwiedzając go w szpitalu psychiatrycznym.

MICHAŁ WRUBEL. Księżniczka Łabędzi.

Obraz ten jest portretem scenicznym N. Zabeli w roli Księżniczki Łabędzi z opery N. Rimskiego-Korsakowa „Opowieść o carze Saltanie”. Pavoy, przepływa obok nas po ponurym morzu i odwracając się, rzuca niespokojne, pożegnalne spojrzenie. Na naszych oczach nastąpi teraz metamorfoza - cienka, zakrzywiona dłoń piękności zamieni się w długą łabędzią szyję.

Sam Vrubel wymyślił niezwykle piękny kostium do roli Księżniczki Łabędzi. Kamienie szlachetne mienią się w srebrnej koronce luksusowej korony, pierścionki błyszczą na palcach. Gra kolorów z masy perłowej na obrazie przywodzi na myśl muzyczne motywy morza z oper Rimskiego-Korsakowa. „Słyszę orkiestrę bez końca, zwłaszcza morze.

Za każdym razem, gdy znajduję w nim nowy urok, widzę fantastyczne odcienie ”- powiedział Vrubel.

MICHAŁ WRUBEL. Do nocy.1900. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Obraz powstał na podstawie wrażeń ze spaceru po stepie w pobliżu ukraińskiego folwarku Pliska, gdzie Vrubel często odwiedzał krewnych swojej żony. Tajemnica nocy zamienia zwykły krajobraz w fantastyczną wizję. Podobnie jak pochodnie, czerwone główki ostu świecą w ciemności, a jej liście są splecione, tworząc wykwintny dekoracyjny wzór. Czerwonawe refleksy zachodu słońca zmieniają konie w mityczne stworzenia, a pasterz w satyra. „Drogi młodzieńcze, przyjdź pouczyć się ze mną. Nauczę cię widzieć to, co fantastyczne, jak na fotografii, jak Dostojewski” – powiedział artysta jednemu ze swoich uczniów.

MICHAŁ WRUBEL. Liliowy.1900. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Vrubel odnalazł ten motyw również w gospodarstwie Pliska. Obraz bujnego krzewu bzu narodził się z naturalnych obserwacji, ale na zdjęciu przekształca się w tajemnicze fioletowe morze, które drży, mieni się wieloma odcieniami. Smutna dziewczyna czająca się w zaroślach wygląda jak jakieś mitologiczne stworzenie, liliowa wróżka, która pojawiając się o zmroku, za chwilę zniknie w tych bujnych plackach dziwnych kwiatów. Prawdopodobnie O. Mandelstam napisał o tym zdjęciu Vrubela: „Artysta przedstawił nam głębokie omdlenie bzu…”

MICHAŁ WRUBEL. Bogatyr.1898–1899 Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Początkowo Vrubel nazwał obraz „Ilya Muromets”. Główny, niezwyciężony bohater epickiej epopei jest przedstawiany przez artystę jako ucieleśnienie potężnych elementów ziemi rosyjskiej. Potężna postać bohatera jest jakby wyrzeźbiona z kamiennej skały, mieniącej się fasetami szlachetnych kryształów. Jego ciężki koń, niczym półka górska, „wbił się” w ziemię. Wokół bohatera młode sosny krążą w okrągłym tańcu, o którym Vrubel powiedział, że chce wyrazić słowa epopei: „Trochę wyżej niż stojący las, Trochę niżej niż chodząca chmura”. W oddali, za ciemnym lasem, płonie blask zachodu słońca – noc zapada na ziemię ze swoimi oszustwami, tajemnicami i niespokojnymi oczekiwaniami…

MICHAŁ WRUBEL. Perła.

„Wszystko jest dekoracyjne i tylko dekoracyjne” – Vrubel sformułował zasadę tworzenia naturalnych form. Uważał, że artysta traktuje naturę jako partnera w tworzeniu form, uczy się od niej tworzenia.

Dwie tajemnicze dziewczyny, boginie strumieni i rzek najad, pływają w ciągłym okrągłym tańcu wśród piany z masy perłowej perły i rozsypanych cennych kryształów, w srebrzystej mgle wypełnionej połyskującym blaskiem. Wydaje się, że cały Wszechświat odbija się w tej perle wraz z ruchem kołowym planet, blaskiem wielu odległych gwiazd w kosmicznej nieskończoności przestrzeni…

Krzyżując ramiona nad głową, Demon leci w bezdenną otchłań, otoczony królewskimi pawimi piórami, wśród majestatycznej panoramy odległych gór... Deformacja postaci podkreśla tragiczne pęknięcie ginącej, złamanej duszy. Będąc na krawędzi zaburzenie psychiczne, Vrubel wielokrotnie przepisywał twarz Demona, zniekształconą strachem przed otchłanią, wiele razy, gdy obraz był już eksponowany na wystawie. Według wspomnień współczesnych w jej kolorystyce było odważne, wyzywające piękno - błyszczała złotem, srebrem i cynobrem, które z czasem znacznie pociemniały. Ten obraz jest swego rodzaju finałem twórczego życia Vrubela, którego współcześni nazywali „zepsutym demonem”.

MICHAŁ WRUBEL. Demon pokonany.Fragment

MICHAŁ NIESTEROW. Pustelnik.1888–1889 Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Niestierow był mistycznie uzdolnioną naturą. W świecie rosyjskiej przyrody odkrywa wieczny początek Boskie piękno i harmonia. Głęboki starzec - mieszkaniec pustyni klasztornej (odległy, odosobniony klasztor), wędruje wczesnym rankiem brzegiem północnego jeziora. Otaczająca go spokojna, jesienna przyroda przesiąknięta jest wzniosłym, modlitewnym pięknem. Lustrzana tafla jeziora błyszczy, smukłe sylwetki jodeł ciemnieją wśród zwiędłych traw, odsłaniając gładkie kontury brzegów i odległe zbocze. Wydaje się, że w tym niesamowitym „kryształowym” krajobrazie żyje jakaś tajemnica, coś niezrozumiałego dla ziemskiego wzroku i świadomości. „W samej pustelni odnaleziono taką ciepłą i głęboką linię spokojnej osoby.<…>Ogólnie obraz emanuje zaskakującym ciepłem ”- napisał V. Vasnetsov.

MICHAŁ NIESTEROW. Wizja dla młodego Bartłomieja.1889–1890 Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Pomysł na obraz wyszedł od artysty z Abramcewa, w miejscach przesiąkniętych pamięcią o życiu i osiągnięcie duchowe Sergiusz z Radoneża. W życiu Sergiusza (przed objęciem tonsury nazywał się Bartłomiej) mówi się, że w dzieciństwie był pasterzem. Pewnego razu w poszukiwaniu zaginionych koni spotkał tajemniczego mnicha. Chłopiec nieśmiało podszedł do niego i poprosił, aby modlił się, aby Pan pomógł mu nauczyć się czytać i pisać. Mnich spełnił prośbę Bartłomieja i przepowiedział mu losy wielkiego ascety, organizatora klasztorów. Obraz zdaje się stykać dwa światy. Kruchy chłopiec zamarł z zachwytu nad mnichem, którego twarzy nie widzimy; nad jego głową jaśnieje aureola – symbol przynależności do innego świata. Wręcza chłopcu arkę, która wygląda jak model świątyni, przepowiadając jego przyszłą ścieżkę. Najbardziej niezwykłą rzeczą na zdjęciu jest krajobraz, w którym Niestierow zebrał najwięcej typowe cechy Rosyjska równina. Każde źdźbło trawy artysta namalował w taki sposób, że można odczuć jego zachwyt nad pięknem Bożego stworzenia. „Wydaje się, jakby powietrze było przesiąknięte gęstą niedzielną dobrą nowiną, jakby nad tą doliną płynęły cudowne pieśni wielkanocne” (A. Benois).

MICHAŁ NIESTEROW. Świetna tonsura.1897–1898 Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Delikatnie natchnione młode kobiety w białych chustach, które zdecydowały się oddać Bogu, poruszają się w niespiesznej procesji na łonie w otoczeniu zakonnic. piękna natura. Trzymają w rękach duże świece, a oni sami są przyrównani do płonących świec - ich śnieżnobiałe szaliki „rozbłyskują” na tle klasztornych sutanny białym płomieniem. W wiosenny krajobraz wszystko oddycha łaską Bożą. Odmierzony ruch kobiet powtarza się w pionowym rytmie cienkich młodych brzóz, w falistych zarysach odległych wzgórz. Niestierow napisał o tym obrazie: „Temat jest smutny, ale odradzająca się przyroda, rosyjska północ, cicha i delikatna (a nie brawurowe południe), sprawia, że ​​obraz porusza, przynajmniej dla tych, którzy mają czułe uczucia…”

MICHAŁ NIESTEROW. Cisza.1903. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Łodzie z mnichami płyną wzdłuż jasnej północnej rzeki wśród brzegów lasów. Wokół panuje urzekająca cisza „nieskazitelnej” przyrody. Wydaje się, że czas się zatrzymał – te same łodzie pływały po rzece wiele wieków temu, płyną dziś i będą pływać jutro… W tym niesamowitym krajobrazie „Świętej Rusi” kryje się cała filozofia Niestierowa, który domyślił się w nim religijna głębia zrozumienia świata, łącząca, według słów krytyki S. Makowskiego, „duchowość Pogaństwo słowiańskie z marzeniem o pogańskiej deifikacji natury.

MICHAŁ NIESTEROW. "Amazonka".1906. Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Portret został namalowany w Ufie, w rodzinnych miejscach artysty, pośród natury, którą bardzo kochał. Córka artysty Olga w eleganckim czarnym stroju do jazdy konnej (Amazonka) pozuje wieczorem w czystej ciszy zachodu słońca, na tle jasnego lustra rzeki. Przed nami piękna, zamrożona chwila. Niestierow pisze o swojej ukochanej córce w jasnym okresie jej życia – młodej i duchowej, takiej, jaką chciałby ją zapamiętać.

MICHAŁ NIESTEROW. Młodość św. Sergiusza.1892–1897 Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Obraz ten był kontynuacją cyklu malarstwa Niestierowa o życiu św. Sergiusza z Radoneża. W dziczy lasu młody Sergiusz, przyciskając dłonie do piersi, jakby wsłuchując się w jego oddech wiosenna natura. Życie Sergiusza z Radoneża mówi, że ani ptaki, ani zwierzęta się go nie bały. U stóp mnicha niczym posłuszny pies leży niedźwiedź, z którym Sergiusz podzielił się ostatnim kawałkiem chleba. Melodyjny szmer strumienia, szelest liści, śpiew ptaków zdają się dobiegać z leśnej gęstwiny... „Wspaniałe aromaty mchu, młodych brzoz i jodeł łączą się w jeden akord, bardzo blisko mistyczny zapach kadzidła” – zachwycał się A. Benois. To nie przypadek, że artysta pierwotnie nazwał ten obraz „Chwała Wszechmogącemu na ziemi i w niebie”.

MICHAŁ NIESTEROW. Na Rusi (Dusza ludu).1914–1916 Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Obraz przedstawia zbiorowy obraz narodu rosyjskiego w drodze do Boga. Wzdłuż brzegów Wołgi, pod carskim Kurganem maszerują ludzie, wśród których rozpoznajemy wiele postaci historycznych. Oto car w pełnym stroju i kapeluszu Monomacha, L. Tołstoj, F. Dostojewski i filozof W. Sołowjow… Każdy z ludzi, zdaniem artysty, podąża własną drogą, aby zrozumieć Prawdę „ ale wszyscy idą do tego samego tylko w pośpiechu, inni ociągają się, niektórzy z przodu, inni z tyłu, niektórzy radośnie, bez wahania, inni poważni, myślący… ”Semantycznym centrum obrazu staje się kruchy chłopiec idący przed procesją. Jego wygląd przywodzi na myśl słowa ewangelii:

„Jeśli nie będziecie jak dzieci, nie wejdziecie do królestwa niebieskiego” (Mt 18,3). „Chociaż obraz pod wieloma względami mnie zadowala, jest w nim życie, akcja, główna idea wydaje się jasna (tekst ewangelii: „Błogosławieni, którzy łakną i pragną prawdy, jakby ich można było nasycić”) – artysta napisał.

MICHAŁ NIESTEROW. Filozofowie.1917. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Z Pawłem Aleksandrowiczem Florenskim (1882–1937) i Siergiejem Nikołajewiczem Bułhakowem (1871–1944) – największymi myślicielami, przedstawicielami rozkwitu filozofii rosyjskiej na początku XX wieku, Niestierowa łączyła osobista przyjaźń. Czytał ich książki, uczęszczał na zebrania Towarzystwa Religijno-Filozoficznego. W. Sołowjow, gdzie wystąpili, podzielił się swoimi duchowymi wskazówkami. Portret ten został namalowany w Abramcewie w przededniu rewolucyjnych zmian w Rosji. Tym bardziej natarczywie zabrzmiał w nim temat refleksji nad przyszłą drogą narodu rosyjskiego. Bułhakow wspominał: „Był to, zgodnie z zamierzeniem artysty, nie tylko portret dwóch przyjaciół… ale także duchowa wizja epoki. Obie twarze dla artysty to jedno i to samo rozumienie, choć na różne sposoby, jedna z nich jako wizja grozy, druga jako świat radości, zwycięskiego zwycięstwa.<…>Było to artystyczne jasnowidzenie dwóch obrazów rosyjskiej apokalipsy, po tej i po drugiej stronie ziemskiej egzystencji, obrazu pierwszego w walce i zamęcie (a w mojej duszy odnosił się on właśnie do losu mojego przyjaciela), drugiego do pokonanego osiągnięcia…”.

NICHOLAS RERICH. Posłaniec. „Powstańcie z pokolenia na pokolenie”.1897. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Roericha nazwano twórcą nowego gatunku – pejzażu historycznego. Obraz zanurza widza w starodawność nie urokiem fabuły, ale szczególnym, niemal mistycznym nastrojem czasu historycznego. W księżycową noc łódź płynie po ciemnej powierzchni rzeki. Na łodzi jest dwóch: wioślarz i starzec, pogrążeni w ciężkich myślach. W oddali niepokojące, bezdomne wybrzeże z palisadą i drewnianą osadą na wzgórzu. Wszystko przepełnione jest nocnym spokojem, lecz w tym spokoju wyczuwa się napięcie, niespokojne oczekiwanie.

NICHOLAS RERICH. Goście zagraniczni.

Obraz „tchnie” bajeczną mitologią przedstawień teatralnych, w których brał udział dekorator Roerich. Po szerokiej, błękitnej rzece pływają ozdobione łodzie, jak po niebie latają bajkowe statki, którym towarzyszy lot białych mew. Z namiotów statku zagraniczni goście spoglądają na zagraniczne wybrzeża – surową północną krainę z osadami na szczytach wzgórz. Obraz łączy w sobie urzekający urok baśni z historycznymi detalami, warunkową dekoracyjność koloru z realistyczną konstrukcją przestrzenną.

NICHOLAS RERICH. Słowianie nad Dnieprem.1905. Karton, tempera. Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Roerich, „urzeczony” epoką słowiańskiego pogaństwa, był niezwykle wyczulony na zrozumienie jej szczególnego, niespokojnego i mistycznego „smaku”. Pejzaż „Słowianie nad Dnieprem” zbudowany jest na zasadzie dekoracyjnego panelu: artysta spłaszcza przestrzeń, wyznacza rytm powtarzalnymi żaglami, łodziami, chatami. Gama kolorystyczna jest również warunkowa - oddaje emocjonalny nastrój obrazu, a nie rzeczywistą kolorystykę obiektu. Brązowo-czerwone żagle, jasnoochrowe chaty wyróżniają się na tle bujnej zieleni; jak blask słońca, ludzkie koszule błyszczą.

NICHOLAS RERICH. Panteleimon uzdrowiciel.1916. Tempera na płótnie. Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Święty starszy Panteleimon na obrazie Roericha jest nierozerwalnie związany z majestatycznym opuszczonym krajobrazem. Zielone wzgórza usiane starożytnymi kamieniami wciągają widza w sen o sędziwej starożytności, we wspomnienia początków los ludzi. Zdaniem krytyka S. Makowskiego, w stylu rysunku Roericha „wyczuwa się nacisk kamiennego dłuta”. sofistyka kombinacje kolorów drobne szczegóły poszczególnych szczegółów obrazu przypominają luksusowy aksamitny dywan.

NICHOLAS RERICH. Niebiańska walka.1912. Karton, tempera. Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Nad bezkresnym, surowym północnym krajobrazem, gdzie starożytne domy wtulone są wśród jezior i wzgórz, chmury tłoczą się niczym wspaniałe duchy. Wpadają na siebie, zderzają się, wycofują, robiąc miejsce jasnemu, błękitnemu niebu. Niebiański element jako ucieleśnienie boskiego ducha zawsze przyciągał artystę. Jego kraina jest eteryczna i upiorna, a prawdziwe życie toczy się na tajemniczych wysokościach nieba.

ANDRIEJ RIABUSZKIN. Rosjanki XVII wieku w kościele.1899. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Na tle jasnych wzorzystych fresków i kolorowych witraży kobiety stoją naprzeciw niewidocznego dla widza ikonostasu. Ich gęsto wybielone maski o różowych twarzach wyrażają rytualną, pełną czci ciszę, a ich eleganckie stroje nawiązują do radosnych kolorów malowideł ściennych kościołów. Na zdjęciu jest dużo szkarłatnego koloru: wykładzina podłogi, ubrania, wstążki we włosach ... Ryabushkin wprowadza nas w istotę starożytnego rosyjskiego rozumienia życia i piękna, zmuszając nas do zanurzenia się w styl epoki - rytualne zachowanie rytualne, cudowne wzornictwo świątyń, bogata „bizantyjska” elegancja ubiorów. To zdjęcie jest „niesamowitym dokumentem, który sto razy więcej mówi Aleksiejowi Michajłowiczowi o Rosji niż najbardziej szczegółowa praca o historii” (S. Makovsky).

ANDRIEJ RIABUSZKIN. Pociąg weselny w Moskwie (XVII wiek).1901. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Wieczorny zmierzch zapadł nad miastem, parterowe drewniane chaty wyróżniają się ciemnymi sylwetkami na tle srebrno-niebieskiego nieba, ostatnie promienie zachodzącego słońca złocą kopułę kościoła z białego kamienia. W nudną, monotonną codzienność moskiewskiej ulicy wkraczają wakacje: po wiosennej błotnistej drodze pędzi szkarłatny powóz z nowożeńcami. Jak dobrzy towarzysze z bajki, towarzyszą jej eleganccy biegacze w czerwonych kaftanach i jaskrawożółtych butach oraz jeźdźcy na rasowych kłusakach. Moskale natychmiast spieszą się ze swoimi sprawami - szanowani ojcowie rodziny, skromne czerwone panny. Na pierwszym planie bystra, rumiana młoda piękność o niespokojnej i niezadowolonej twarzy, pośpiesznie odwróciła się za róg, z dala od orszaku weselnego. Kim ona jest? Odrzucona panna młoda? Jej psychologicznie ostry wizerunek wnosi do tego na wpół baśniowego snu poczucie prawdziwego życia, w którym pasje i problemy są niezmienne przez cały czas.

ANDRIEJ RIABUSZKIN. Moskiewska ulica XVII wieku na wakacjach.1895. Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Malarstwo Ryabushkina nie jest szkicem gatunkowym na ten temat starożytne życie, a obraz jest wizją, snem na jawie. Artysta opowiada o przeszłości tak, jakby była mu dobrze znana. Nie ma w nim pompatycznej teatralności i efektów scenicznych, jest za to zachwyt wirtuozowskim stylistą „szarych dawnych czasów”, oparty na głębokiej znajomości strojów ludowych, starożytnych sprzętów, starożytnej architektury rosyjskiej.

Siergiej Iwanow. Przyjazd cudzoziemców. XVII wiek.1902. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Artysta odważnie wciąga widza w nurt „żywego” życia. Przybycie obcokrajowców wzbudziło żywe zainteresowanie na zaśnieżonym placu Moskiewskim. Prawdopodobnie przedstawia niedzielę lub święto, gdyż w oddali, niedaleko kościoła, tłoczy się mnóstwo ludzi. Cudzoziemiec, który wysiadł z eleganckiego powozu, z zainteresowaniem przygląda się obrazowi dziwacznego rosyjskiego życia, jaki się przed nim otworzył. Dostojny bojar kłania mu się od pasa, po lewej stronie chłop w strzępach zamarł w niemym zdumieniu. Na pierwszym planie szanowany „Moskala” niespokojnie i ze złością spogląda na przybywającego nieznajomego i zdecydowanie spieszy się, by zabrać swoją młodą, piękną żonę „z dala od niebezpieczeństwa”.

Siergiej Iwanow. Na drodze. Śmierć migranta.1889. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Obraz «W drodze. Śmierć osadnika” to jedna z najlepszych prac artysty w cyklu poświęconym tragedii bezrolnych chłopów, którzy po reformie rolnej z 1861 r. w poszukiwaniu lepszego życia rzucili się na Syberię. Po drodze umierali setkami, doświadczając straszliwych trudności. S. Glagol opowiadał, że Iwanow przeszedł z osadnikami kilkadziesiąt mil „w kurzu rosyjskich dróg, w deszczu, złej pogodzie i palącym słońcu na stepach… przed jego oczami przeleciało wiele tragicznych scen…”. Dzieło zrealizowane jest w najlepszych tradycjach realizmu krytycznego: niczym plakat miał odwoływać się do sumienia rządzących.

ABRAM ARKHIPOW. Praczki.Koniec lat 90. XIX wieku. Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Archipow jest typowym przedstawicielem szkoły moskiewskiej z jej malowniczą swobodą i nowością przedmiotów. Lubił technikę szerokiego pociągnięcia pędzla skandynawskiego artysty A. Zorna, która pozwalała mu przekonująco oddać na obrazie wilgotną atmosferę prania, kłęby pary i bardzo monotonny rytm wyczerpującej pracy kobiet . Podążając za „Stokerem” N. Jaroszenki na obrazie Arkhipowa, władczo ogłasza się nowy bohater w sztuce – pracujący proletariusz. Fakt, że na zdjęciu przedstawiono kobiety – wychudzone, zmuszone do ciężkiej pracy fizycznej za grosze, nadał obrazowi szczególnego znaczenia.

ABRAM ARKHIPOW. Poza domem (wakacje wiosenne).1915. Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Głównym bohaterem tego obrazu jest słońce. Jego promienie wpadały do ​​pokoju z otwartego okna, „rozpalając” radosny, wiosenny płomień jaskrawoczerwonych ubrań młodych wieśniaczek, które siedząc w kręgu wesoło plotkują o czymś. „Akademik Archipow namalował cudowny obraz: chata, okno, słońce świeci przez okno, siedzą kobiety, przez okno widać rosyjski krajobraz. Do tej pory nie widziałem czegoś podobnego w sztuce rosyjskiej i zagranicznej. Nie mogę powiedzieć, co jest nie tak. Światło i wioska są cudownie oddane, jakbyś przybył do jakichś rdzennych mieszkańców, a kiedy patrzysz na zdjęcie, stajesz się młody. Obraz został namalowany z niesamowitą energią, z niesamowitym rytmem” – podziwiał K. Korovin.

FILIP MALYAVIN. Wir.1905. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Taniec wieśniaczek w eleganckich sukienkach zamienił się w dźwięczny panel dekoracyjny. Ich szerokie, wielokolorowe spódnice wirują w wirze powietrznym, czerwone sukienki rozbłyskują jasnym płomieniem, tworząc czarujący spektakl. Opalone twarze kobiet nie są przez artystę podkreślane – śmiało „obcina” je ramą obrazu, jednak w ich znakomitym, realistycznym rysunku widać pilnego ucznia I. Repina. „Trąba powietrzna” uderzała współczesnych swoim „rykiem”: brawurową jasnością kolorów, śmiałością kompozycji i brawurą szerokich, pastowatych kresek.

Siergiej Winogradow. Latem.1908. Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Winogradow, jeden z założycieli „Związku Artystów Rosyjskich”, uczeń W. Polenowa, był poetą starej kultury dworskiej, zakochanym w ciszy i niespiesznym rytmie życia starych „szlacheckich gniazd”, w szczególny styl rosyjskiego ogrodu.

Na obrazie „Lato” popołudniowa błogość ciepłego dnia rozlewa się wszędzie - w migoczących światłach na ścianie domu, półprzezroczystych cieniach na ścieżce, leniwym, eleganckim wyglądzie czytających kobiet. Winogradow biegle posługiwał się techniką plenerową, jego kreska jest ruchoma, podobnie jak u impresjonistów, ale zachowuje gęste kontury formy.

STANISŁAW ŻUKOWSKI. Parkuj jesienią.1916. Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Podobnie jak S. Winogradow, Żukowski był śpiewakiem dawnych lat majątek szlachecki. „Jestem wielkim miłośnikiem starożytności, zwłaszcza czasów Puszkina” – napisał artysta. W twórczości Żukowskiego nostalgiczna przeszłość nie wygląda na smutną i zagubioną, wydaje się ożywać, nadal dając radość nowym mieszkańcom starego domu.

STANISŁAW ŻUKOWSKI. Szczęśliwego maja.1912. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Winogradow szczególnie lubił malować wnętrza mahoniowymi meblami w stylu Empire i starymi portretami na ścianach. Wiosna wdziera się do pokoju przez duże, otwarte okna, wypełniając wszystko srebrzystym blaskiem i szczególnym oczekiwaniem na letnie ciepło. Porównując „Radosny maj” z innymi wnętrzami artysty, A. Benois zauważył, że w tej pracy „słońce świeci jaśniej niż wcześniej, wydaje się radośniejsze Świeże powietrze, szczególny nastrój odwilży, ożywiający się po zimowym mrozie, po długiej okiennicy w domu, jest pełniej oddany; ponadto cały obraz malowany jest z tą cenną swobodą techniki, którą nabywa się dopiero wtedy, gdy zadanie postawione przez artystę zostanie wyjaśnione we wszystkich jego częściach.

MARIA JAKUNCZIKOWA-WEBER. Widok z dzwonnicy klasztoru Savvino-Storozhevsky koło Zvenigorodu.1891. Papier na tekturze, pastel. Państwowa Galeria Trietiakowska w Moskwie

Yakunchikova-Weber, zdaniem A. Benois, „jest jedną z niewielu kobiet, którym udało się włożyć w swoją sztukę cały urok kobiecości, nieuchwytny delikatny i poetycki aromat, nie popadając ani w dyletantyzm, ani w mdłości”.

Z dzwonnicy klasztoru Savvino-Storozhevsky otwiera się skromny, kameralny widok na równinę rosyjską. Ciężkie starożytne dzwony, kompozycyjnie bliskie widzowi, pojawiają się jako strażnicy czasu, pamiętający wszystkie historyczne próby tej krainy. Dzwony są pomalowane w sposób namacalny, z malowniczymi efektami plenerowymi - grą niebieskich, jasnożółtych tonów na błyszczącej miedzianej powierzchni. Krajobraz zanurzony w lekkiej mgle dopełnia główną „sercową” ideę obrazu, „rozprzestrzenia” przestrzeń płótna.

KONSTANTYN YUON. Wiosenny słoneczny dzień. Siergijew Posad.

Yuon był typowym Moskalą nie tylko ze względu na urodzenie, ale także ze względu na specyfikę swojego światopoglądu i stylu artystycznego. Zakochał się w rosyjskiej starożytności, w starożytnych rosyjskich miastach, których wyjątkowa architektura starożytna stała się głównym bohaterem jego obrazów. Po osiedleniu się w Siergijewie Posadzie pisał: „Kolorowe zabytki architektury tego bajecznie pięknego miasta, wyjątkowego ze względu na wyraźną rosyjską dekoracyjność ludową, bardzo mnie podekscytowały”.

KONSTANTYN YUON. Ławra Trójcy Świętej zimą.1910. Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Słynny klasztor jawi się jako bajeczna wizja. Połączenie różowo-brązowych ścian z jasnoniebieskimi i złotymi kopułami zdaje się nawiązywać do wykwintnego koloru starożytnych rosyjskich fresków. Wpatrując się w panoramę starożytnego miasta, zauważamy, że ta „bajeczność” ma wyraźne oznaki prawdziwego życia: sanie pędzą po zaśnieżonej drodze, mieszkańcy śpieszą się ze swoimi sprawami, plotkują, plotkują, bawią się dzieci… Urok twórczości Yuona polega na tym, że w cudownym połączeniu nowoczesności i malowniczej starożytności.

KONSTANTYN YUON. Marcowe słońce.1915. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Pod względem radosnego, radosnego nastroju pejzaż ten bliski jest „Marszowi” Lewitana, jednak teksty Lewitana są bardziej subtelne, z nutami dokuczliwego smutku. Marcowe słońce w Yuon zdobi świat głównymi kolorami. Konie i jeźdźcy kłusują żwawo po jasnoniebieskim śniegu, różowo-brązowe gałęzie drzew sięgają ku lazurowemu niebu. Yuon wie, jak zdynamizować kompozycję krajobrazu: droga biegnie ukośnie aż po horyzont, zmuszając nas do „spaceru” do chatek wystających zza zbocza.

KONSTANTYN YUON. Kopuły i jaskółki.1921. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

A. Efros napisał o Yuonie, że „wybiera nieoczekiwane punkty widzenia, z których natura wydaje się niezbyt znajoma, a ludzie nie są zbyt zwyczajni”. To właśnie ten niezwykły punkt widzenia został wybrany do obrazu „Kopuły i jaskółki”. Majestatyczne złote kopuły świątyni, „przyćmiewające” ziemię, są postrzegane jako symbol tak bliskiej artyście starożytnej Rusi, której duch będzie żył wiecznie wśród ludzi.

Obraz powstał w głodnym roku 1921, pośród zniszczeń wojny domowej. Ale Yuon zdaje się tego nie zauważać – w jego krajobrazie brzmi potężny, afirmujący życie początek.

KONSTANTYN YUON. Niebieski krzak (Psków).1908. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Nie bez powodu Yuon nazwał siebie „uznaną wesołą osobą” - jego krajobraz jest zawsze pełen radosnych uczuć, świąteczne malarstwo emocjonalnie oddaje zachwyt artysty pięknem natury. W tej pracy uderza bogactwo koloru, którego podstawą jest głęboki błękit. Przeplatane odcieniami zieleni, żółci i czerwieni, złożona gra światła i cienia tworzy na płótnie wielką obrazową symfonię.

ILIA GRABAR. Chryzantemy.1905. Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Grabar uważał, że „Chryzantemy” „odniosły większy sukces niż wszystkie inne skomplikowane martwe natury”. Martwa natura została namalowana jesienią, a artysta chciał oddać moment, „kiedy światło dzienne zaczyna gaśnie, ale zmierzch jeszcze nie nastał”. Pracując w technice dywizjonizmu (od francuskiego „podział” – „separacja”) – drobnymi, odrębnymi pociągnięciami i czystymi, niezmieszanymi na palecie farbami, artysta po mistrzowsku oddaje migotanie światła w szklanych kieliszkach, bujne, zwiewne głowy żółte chryzantemy, srebrzysty półmrok za oknem, gra kolorowych refleksów na białym obrusie.

ILIA GRABAR. Marcowy śnieg.1904. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa

Krajobraz fascynuje dynamiką fragmentu wyrwanego życiu. Niebieskie cienie niewidzialnego drzewa na śniegu tworzą wrażenie oddalenia przestrzeni. Za pomocą krótkich pociągnięć reliefowych oddawana jest faktura luźnego śniegu świecącego w słońcu. Kobieta z wiadrami na jarzmie idzie w pośpiechu wąską ścieżką przecinającą przestrzeń obrazu. Jej kożuch wyróżnia się ciemną sylwetką, wyznaczając kompozycyjne centrum obrazu. W tle, wśród jasno oświetlonych pól śnieżnych, chaty są złocone od słońca. Obraz ten przepełniony jest poczuciem miłości do życia, wyjątkową siłą i wyrazistością, podziwem dla radosnego piękna natury.

ILIA GRABAR. Luty lazur.1904. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa