„Arcydzieła światowej klasyki.
Taniec, który przeszedł do historii
Moskwa Orkiestra symfoniczna
Dyrygent - Andriej Jakowlew
W programie: A. P. Borodin, I. F. Strawiński, S. S. Prokofiew, A. I. Chaczaturian, M. de Falla, M. I. Glinka, C. Saint-Saens, J. Bizet, L. Bernstein.
18 listopada na scenie Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego odbędzie się koncert w całości poświęcony pierwiastkowi tańca i jego załamaniu w twórczości największych kompozytorów różnych czasów i kultur świata. „Arcydzieła światowej klasyki. Taniec, który przeszedł do historii” - ekscytujące muzyczne płótna, wyróżniające się konceptualnym znaczeniem, jasną kolorową kolorystyką, niewątpliwym urokiem melodycznym i spontanicznym dynamizmem. Od kapryśnej i wyzywająco urokliwej Habanery i Seguidilli z opery Carmen Georges'a Bizeta po stopniowo rozbłyskujący " Taniec rytualny Ogień” z baletu „Kochaj czarodziejkę” Hiszpana Manuela de Falli, od uroczej, groteskowej sceny „Tańca śmierci” Saint-Saensa do światła taniec zapalający„Mambo” z amerykańskiego musicalu „West Side Story” słynnego dyrygenta i kompozytora Leonarda Bernsteina. Moskiewska Orkiestra Symfoniczna i Andriej Jakowlew zaprezentują wszystkim słuchaczom tego wspaniałego wieczoru soczystą paletę wybitnych tańców klasycznych, scen choreograficznych, numerów baletowych, wyróżniających się prawdziwie ognistym temperamentem i niepowtarzalnymi bogactwo melodyczne, a także rytmiczne reliefy i orkiestrowe zróżnicowanie brzmieniowe.
Oprócz prac wymienionych powyżej, wspaniałe miejsce w programie koncertu utwory kompozytorów rosyjskich – to bajeczny ironiczny triumfalny „Marsz Czernomoru” z genialnego „Rusłana i Ludmiły” Glinki oraz dziki, drapieżny w stepie” Tańce połowieckie„wielki mistrz, uczestnik” potężna garść» Aleksander Porfiriewicz Borodin. Naprawdę potężne energetycznie, przepełnione skomplikowanymi rytmami perkusyjnymi, oddające dziki archaiczny pierwiastek, tańce Strawińskiego - demoniczny „Wstrętny taniec Królestwa Koshcheev” (z „Ognistego ptaka”) i „Gra w snitching” z legendarnego „Święta wiosny”. " będą przeplatać się z tańcami baletowymi wielkich Kompozytorzy rosyjsko-sowieccy: Prokofiew i Chaczaturian. Orientalny, radośnie kolorowy smak Tańce kaukaskie w „Gayane”: słynny „Taniec szabli” i niepohamowana „Lezginka” z użyciem ludowego bębna oraz majestatyczna scena Adagio ze „Spartakusa” z boską liryczną melodią, sięgającą w kulminacji entuzjastycznej apoteozy publiczność ze sztuką na całym świecie słynny klasyk muzyka ormiańska; oraz tragiczną, przepełnioną wysokim teatralnym patosem „Śmierć Tybalta” z największy balet„Romeo i Julia” – dzieło rosyjskiego geniusza Prokofiewa. Punktem kulminacyjnym wieczoru będzie scena choreograficzna „Bolero” Maurice'a Ravela - dzieło, które pozwala na wiele interpretacji - od imitacji hiszpańskiego tańca ludowego do koncepcji stopniowej, od wariacji do wariacji, powstania jakiegoś fatalnego siła.
Figuratywne zróżnicowanie programu, jego bogactwo i godne wykonanie to ważny powód, by odwiedzić ten wspaniały koncert.
Środowisko: Metoda żądania: GET URL żądania: http://website/smi/russian_masterpiece/ Wersja Django: 1.11 Wersja Pythona: 3.5.6 Zainstalowane aplikacje: ["app", "redactor", "django.contrib.admin", " django.contrib.auth", "django.contrib.contenttypes", "django.contrib.sessions", "django.contrib.messages", "django.contrib.staticfiles", "irytujący", "imagekit", "safedelete" , "froala_editor", "webpack_loader"] Zainstalowane oprogramowanie pośredniczące: ["django.middleware.security.SecurityMiddleware", "django.contrib.sessions.middleware.SessionMiddleware", "django.middleware.common.CommonMiddleware", "django.middleware. csrf.CsrfViewMiddleware", "django.contrib.auth.middleware.AuthenticationMiddleware", "django.contrib.auth.middleware.SessionAuthenticationMiddleware", "django.contrib.messages.middleware.MessageMiddleware.Middleware.ramgoclick. ] Traceback: Plik "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/exception.py" w wewnętrznej 41. response = get _response(request) File "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/base.py" w _legacy_get_response 249. response = self._get_response(request) File "/usr/local/ lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/base.py" w _get_response 187. response = self.process_exception_by_middleware(e, request) File "/usr/local/lib/python3.5/site-packages /django/core/handlers/base.py" w _get_response 185. response = wrap_callback(request, *callback_args, **callback_kwargs) File "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/annoying/decorators.py " w opakowaniu 67. output = function(request, *args, **kwargs) File "/opt/shkt/app/views.py" w mass_media 166. article = obj_404(SMI, id=page) File "/usr/ local/lib/python3.5/site-packages/django/shortcuts.py" w get_object_or_404 85. return queryset.get(*args, **kwargs) File "/usr/local/lib/python3.5/site-packages /django/db/models/query.py" w get 370. clone = self.filter(*args, **kwargs) Plik "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/dj ango/db/models/query.py" w filtrze 781. return self._filter_or_exclude(False, *args, **kwargs) Plik "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models /query.py" w _filter_or_exclude 799. clone.query.add_q(Q(*args, **kwargs)) Plik "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/ query.py" w klauzuli add_q 1260., _ = self._add_q(q_object, self.used_aliases) Plik "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py ” w _add_q 1286. allow_joins=allow_joins, split_subq=split_subq, Plik "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py" w build_filter 1220. condition = self.build_lookup(lookups, col , wartość) Plik "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py" w build_lookup 1114. return final_lookup(lhs, rhs) File "/usr/local/ lib/python3.5/site-packages/django/db/models/lookups.py" w __init__ 24. self.rhs = self.get_prep_lookup() Plik "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/ django/db/models/lookups.py" w get_prep_lookup 74. return self.lhs.output_field.get_prep_value(self.rhs) Plik "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/ fields/__init__.py" w get_prep_value 962. return int(value) Typ wyjątku: ValueError w /smi/russian_masterpiece/ Wartość wyjątku: nieprawidłowy literał dla int() o podstawie 10: "russian_masterpiece"
Taniec klasyczny jest dziś podstawą każdego kierunku tańca. Jej elementy wykształcili przez lata najlepsi nauczyciele szkół baletowych na świecie. Wszyscy początkujący, którzy wkraczają w cudowny świat tańca, zaczynają od tego kierunku.
Taniec klasyczny to przede wszystkim rozrywka, piękno i odpowiednia podstawa każdy ruch taneczny. Nie ma znaczenia, w jakim kierunku tancerz będzie się rozwijał, lekcje powinien zaczynać od niego.
Taniec klasyczny to ruchy, które połączyły się w jeden system. Ale aby ten system działał, musi zostać ożywiony. Co innego, gdy taniec istnieje po prostu w ten sposób, a co innego, gdy pomaga ujawnić uczucia i małą historię, taką jak „ jezioro łabędzie".
Historia rozwoju w Rosji
Taki kierunek, jak taniec klasyczny, pojawił się w Rosji dzięki Piotrowi I. Dekret o spotkaniach z 1718 r. zawierał obowiązkowe prowadzenie tańców. Nieco później tańce pojawiły się na maskaradach i przedstawieniach. A w 1773 roku w Moskwie otwarto pierwszą szkołę baletową w Rosji.
Od tego czasu do Dziś szkoły te dają światu tancerzy, którzy swoim talentem wychwalają swoją ojczyznę.
Sztuka taniec klasyczny ma najwyższą formę w choreografii zwaną baletem. To historia, która narodziła się dzięki muzyce, ale objawiła się w choreografii. Podzielony jest na 2 części: taniec charakterystyczny i klasyczny. Dzieli się również na następujące gatunki:
Komedia;
Symfonia;
Tragedia.
Warunki
Każdy tancerz musi znać terminy tańca klasycznego. Ich duża liczba ale poniżej są tylko te główne.
Adagio oznacza po włosku „powoli”. To ćwiczenie obejmuje postawy, przechyły, obroty i skręty, które są wykonywane w wolne tempo. Głównym zadaniem adagio jest nauczenie tancerzy płynnego przechodzenia z jednego ruchu do drugiego, słuchania muzyki i rozwijania stabilności.
Allegro - przetłumaczone z włoskiego jako „radosne”. Reprezentuje małe skoki wykonywane pod koniec rozgrzewki.
Antrasha - z francuskiego oznacza „skrzyżowany”. Jest to ćwiczenie, w którym podczas skoku nogi tancerza są rozstawione i skrzyżowane kilka razy w szybkim tempie. Ta technika pokazuje, jak wirtuozowski jest wykonawca.
Pas de bure - ruch to małe kroki.
Gran oznacza po francusku „duży”. Na przykład jest taki ruch jak grand batman jette, w którym noga jest wyrzucana na maksymalną wysokość dla tancerza.
Par terr - „na ziemi”. Ruchy o takich nazwach oznaczają, że wykonuje się je tylko na podłodze.
Przygotowanie - z francuskiego tłumaczy się jako „gotowanie”. Każdy ruch, skok lub obrót zaczyna się od przygotowania.
Corps de ballet to artyści, którzy tańczą cyferki masowe.
Fondue to płynny ruch, w którym nogi zginają się i rozpinają.
Podstawowe postawy
Każda poza w tańcu klasycznym ma swoje zadanie. Ale łączy ich jeden cel - rozwój koordynacji ruchów. Najbardziej podstawowe pozy, których uczą się tancerze na pierwszym roku szkolenia, to:
- Epalman Rejs do przodu. Ręce uniesione do pierwszej pozycji, głowa lekko pochylona w kierunku lewego ucha, a wzrok skierowany w stronę dłoni prawa ręka. Następnie prawa noga jest powoli wysuwana do przodu z wyprostowanym palcem u nogi. Ręce pracują jednocześnie z nogą: lewa jest cofnięta do pozycji III, prawa - do II. Spójrzmy na prawą rękę.
- Epalman rejs z powrotem. Zasada ruchu jest taka sama jak w pierwszym wariancie, tylko tutaj lewa noga jest powoli cofana, podczas gdy lewa ręka z pozycji I płynnie przechodzi w III, a prawa - w II. Głowa podąża za ruchem prawej ręki.
- Wymazać do przodu. Bez zdejmowania podłogi prowadzimy prawa noga Naprzód. Lewa ręka płynnie przechodzi z pozycji I na III, a prawa zmienia pozycję na II. Kiedy ręce znajdują się w pozycji I, głowa powinna wyglądać prosto, a wzrok utkwiony jest w dłoniach.
- Wymazać z powrotem. Lewa noga jest powoli odciągana do tyłu. W tym samym czasie ręce wykonują wszystkie ruchy, jak w wariancie do przodu.
Jest też taka poza tańcem klasycznym jak arabeska (arabeska). Ale ponieważ jest to trudniejsze, początkujący wykonują go po tym, jak dobrze nauczyli się wcześniej pokazywanych pozycji.
Taniec ludowy
Klasyczne tańce ludowe to wesoła, jasna i świąteczna forma sztuki. Taki taniec powstał nie dzięki najlepszym choreografom, jak w przypadku baletu, ale ze wszystkiego, co nas otacza.
Będąc sztuką starożytną, klasyczny taniec ludowy pozwala tancerzowi w ciągu kilku minut zmienić się z namiętnego hiszpańskiego macho w kochającego wolność Cygana. Studiując tańce ludowe, rozumie się kulturę każdej narodowości, a także odróżnia szeroką duszę rosyjską od łatwości poruszania się narodów Irlandii, podniecenie ukraińskiego hopaka i mądrość Japonii.
Taniec ludowy daje tancerce świetną okazję do odwiedzenia dowolnego kraju bez opuszczania murów sali tanecznej.
Najpopularniejsze rodzaje klasycznego tańca ludowego:
Hopak (Ukraina);
Sirtaki (Grecja);
Hava Nagila (Izrael);
Kalinka (Rosja);
Czardasz (Węgry).
Pozycje nóg
Główną bronią tancerza są jego nogi. Każda pozycja tańca klasycznego istnieje dla wywrócenia nóg. Nie chodzi o to, aby pięknie kierować skarpetki w różnych kierunkach, ale o to, aby cała noga, zaczynając od bioder, a kończąc na palcach, była prawidłowo obrócona. Aby to osiągnąć, musisz codziennie ćwiczyć.
Jest 5 pozycji:
1. Obcasy razem i palce u nóg ustawione tak, aby stopy tworzyły prostą linię na podłodze.
2. To samo co 1, ale odległość między piętami powinna wynosić około 30 cm.
3. Pięta jednej z nóg powinna dotykać środka stopy drugiej nogi. Ta pozycja jest używana i rzadko spotykana w świecie tańca.
4. Stopy były równoległe do siebie. W ten sposób ciężar tancerza znajduje się dokładnie pośrodku, to znaczy nie spoczywa na jednej z nóg.
5. Ta pozycja jest podobna do 4, tylko tutaj stopy powinny być mocno do siebie dociśnięte.
Pozycje rąk
1 pozycja. Ramiona są lekko zaokrąglone i znajdują się na poziomie przepony. Dłonie skierowane do wewnątrz, ramiona w dół. Ręce i łokcie powinny tworzyć owal.
2 pozycja. Ramiona otwarte na boki powinny znajdować się na poziomie nieco poniżej barków. Łokcie lekko zgięte, palce zebrane, dłonie i głowa skierowane do przodu.
3 pozycja. Ramiona są lekko zaokrąglone i uniesione nad głową. Pędzle powinny być blisko siebie, ale nie stykać się ze sobą. Dłonie spoglądają w dół, a głowa jest wyprostowana.
Kierunki tańca współczesnego
Współczesny taniec klasyczny, jak każdy inny gatunek tej sfery, ma wiele rodzajów i kierunków. Jest uważany za największy dział choreografii. W każdym kierunku taniec współczesny ma swoje własne cechy i maniery. To czyni go jeszcze bardziej interesującym i ponętnym.
Jazz jest kierunek tańca pojawił się w XIX wieku. Ma własne gałęzie, które mają swoje maniery i ruchy. krok, styl wolny, afro-jazz, jazz klasyczny, funk, broadway jazz, soul - to tylko niewielka część ogólnej liczby gatunków. Dusza jest uważana za najbardziej wirtuozowską. Jest bardzo podobny do tańca towarzyskiego i obejmuje: duża ilość złożone ruchy i sztuczki.
Modern - całkowicie porzucił kanony tańca klasycznego i ma własne filozoficzne podejście do każdego ruchu. Tutaj ważny jest związek tancerza z rytmem i muzyką.
taniec w sali balowej
Ten kierunek zasługuje na szczególną uwagę. To nie tylko zestaw ruchów do muzyki - to sport, historia, miłość i pasja razem wzięte.
Partnerzy komunikują się ze sobą poprzez ruchy, dotyk i spojrzenia. Program sali balowej obejmuje 10 tańców, które z kolei podzielone są na 2 grupy: europejską i latynoamerykańską.
Walc to najszlachetniejszy ze wszystkich tańców i jedyny, który nie zmienił się podczas tanecznej rewolucji.
Tango - zmysłowy taniec, gdzie Wiodącą rolę gra partnera. Taniec pełen pasji i harmonijnie łączący szybkie, ostre i płynne ruchy.
Rumba jest tańcem równie ekscytującym jak tango, ale jednocześnie bardzo delikatnym i spokojnym.
Cha-cha-cha to niesamowity taniec, który opiera się na ruchu bioder i nóg. Jego rytmu nie można pomylić z żadnym innym (1,2, cha-cha-cha).
Historia baletu
Balet to dość młoda sztuka. Ma nieco ponad czterysta lat, choć taniec zdobi ludzkie życie od czasów starożytnych. Balet urodził się w północnych Włoszech w okresie renesansu. Włoscy książęta uwielbiali wspaniałe festyny pałacowe, w których taniec zajmował ważne miejsce. Tańce wiejskie nie były odpowiednie dla dworskich dam i panów. Ich szaty, podobnie jak sale, w których tańczyli, nie pozwalały na niezorganizowany ruch. Nauczyciele specjalni - mistrzowie tańca - próbowali uporządkować rzeczy w tańcach dworskich. Wcześniej ćwiczyli ze szlachtą poszczególne figury i ruchy taneczne oraz prowadzili grupy tancerzy. Stopniowo taniec stawał się coraz bardziej teatralny. Termin „balet” pojawił się w koniec XVI wiek (z włoskiego baletu - do tańca). Ale wtedy nie oznaczało to występu, a jedynie epizod taneczny, przekazujący pewien nastrój. Takie „balety” składały się zwykle z mało powiązanych „wyjść” postaci – najczęściej bohaterów mitów greckich. Po takich „wyjściach” rozpoczął się ogólny taniec - „ duży balet”. Pierwszym spektaklem baletowym był Balet Komediowy Królowej, wystawiony we Francji w 1581 roku przez włoskiego choreografa Baltazariniego di Belgiojoso. To we Francji nastąpił dalszy rozwój baletu. Początkowo były to balety maskaradowe, potem pompatyczne balety melodramatyczne o rycerskich i fantastycznych wątkach, gdzie taneczne epizody zastępowały arie wokalne i recytacje poezji. Nie dziwcie się, w tamtym czasie balet był nie tylko spektaklem tanecznym. Pod panowanie Ludwik XIV występy baletu dworskiego osiągnęły szczególną świetność. Sam Ludwik uwielbiał brać udział w baletach i otrzymał swój słynny przydomek „Król Słońce” po zagraniu roli Słońca w „Balecie Nocy”. W 1661 utworzył Królewską Akademię Muzyki i Tańca, w skład której wchodziło 13 czołowych mistrzów tańca. Ich obowiązkiem było zachowanie tradycji tanecznych. Dyrektor akademii, królewski nauczyciel tańca Pierre Beauchamp, określił pięć podstawowych pozycji tańca klasycznego. Wkrótce otwarto Operę Paryską, której choreografem był ten sam Beauchamp. Pod jego kierownictwem powstała trupa baletowa. Początkowo składał się tylko z mężczyzn. Kobiety na scenie Opera Paryska pojawił się dopiero w 1681 roku. Teatr wystawiał opery-balety kompozytora Lully'ego i komedie-balety dramaturga Moliera. Początkowo brali w nich udział dworzanie, a przedstawienia prawie nie różniły się od przedstawień pałacowych. Zatańczono wspomniane już powolne menuety, gawoty i pawany. Maski, ciężkie sukienki i buty na wysokim obcasie utrudniały kobietom wykonywanie skomplikowanych ruchów. Dlatego tańce męskie odznaczały się wówczas większą gracją i wdziękiem. W celu połowa osiemnastego roku Balet stulecia zyskał wielką popularność w Europie. Wszystkie dwory arystokratyczne Europy starały się naśladować luksus francuskiego dworu królewskiego. otwarte w miastach opery. Wielu tancerzy i nauczycieli tańca z łatwością znalazło pracę. Wkrótce pod wpływem mody kobiet kostium baletowy stał się znacznie lżejszy i swobodniejszy, pod nim odgadywano linie ciała. Tancerze porzucili buty na obcasach, zastępując je lekkimi butami bez obcasów. Męski garnitur również stał się mniej obszerny. Każda innowacja sprawiała, że tańce były bardziej znaczące, a technika taneczna wyższa. Stopniowo balet oddzielił się od opery i stał się sztuką niezależną. Choć francuska szkoła baletowa słynęła z wdzięku i plastyczności, charakteryzował ją pewien chłód i formalność wykonania. Dlatego choreografowie i artyści szukali innych środków wyrazu.
W koniec XVIII wieku narodził się nowy kierunek w sztuce - romantyzm, który wywarł silny wpływ na balet. Starając się, aby ich taniec był bardziej zwiewny, performerzy starali się stanąć na czubkach palców, co doprowadziło do wynalezienia butów pointe. W przyszłości aktywnie rozwija się technika palca kobiecego tańca. Pierwszym, który użył pointe dance jako środki wyrazu była Marie Taglioni. Maria Taglioni(ital. Maria Taglioni; 23 kwietnia 1804, Sztokholm - 22 kwietnia 1884, Marsylia) - słynna włoska baletnica, centralna postać w balecie epoki romantyzmu. Maria urodziła się w rodzinie choreografa i choreografa Philippe Taglioniego. Dziewczyna nie miała ani figury baletowej, ani specjalnego wyglądu. Mimo to ojciec postanowił zrobić z niej baletnicę. Maria studiowała w Wiedniu, Sztokholmie, a następnie w Paryżu u François Coulomba. Później ojciec uczył się u samej Marii, w 1822 wystawił balet „Przyjęcie młodej nimfy do pałacu Terpsychora”, którym Maria zadebiutowała w Wiedniu. Tancerka porzuciła ciężkie stroje tkwiące w balecie, perukach i makijażu, tańcząc jedynie w skromnej lekkiej sukience. Maria podbiła paryską publiczność w 1827 roku podczas karnawału w Wenecji, od tego czasu często tańczyła w paryskiej Grand Opera. W tym samym miejscu w marcu 1832 roku odbyła się premiera baletu Sylphide, która zapoczątkowała erę baletowego romantyzmu. To ona wprowadziła następnie do baletu tutu i pointy.Przed Marią Taglioni ładne baletnice podbiły publiczność swoją wirtuozerską techniką tańca i kobiecym wdziękiem. Taglioni, bynajmniej nie piękna, stworzona nowy typ baleriny - inspirowane i tajemnicze. W La Sylphide ucieleśniała obraz nieziemskiej istoty, uosabiając ideał, nieosiągalne marzenie o pięknie. W powiewającej białej sukience, lekko podskakując i zamarzając na koniuszkach palców, Taglioni została pierwszą baletnicą, która użyła pointe i uczyniła z nich integralną część balet klasyczny. Podziwiały ją wszystkie stolice Europy. Na starość Maria Taglioni, samotna i uboga, uczyła tańca i dobre maniery dzieci londyńskich szlachciców. Na nagrobku znajduje się następujące epitafium: Ô terre ne pèse pas trop sur elle, elle a si peu pesé sur toi(Ziemia, nie naciskaj jej zbyt mocno, bo nadepnęła na ciebie tak lekko). W tym czasie pojawiło się wiele wspaniałych baletów, ale niestety stał się balet romantyczny ostatni okres kwitnąca sztuka taneczna na Zachodzie. Od drugiego połowa XIX balet stulecia, tracąc swoje dawne znaczenie, stał się dodatkiem do opery. Dopiero w latach 30. XX wieku pod wpływem baletu rosyjskiego rozpoczęło się odrodzenie tej formy sztuki w Europie.
W Rosji pierwszy spektakl baletowy - „Balet Orfeusza i Eurydyki” - wystawiono 8 lutego 1673 r. Na dworze cara Aleksieja Michajłowicza we wsi Preobrażenskoje pod Moskwą. Przygotował ją obcokrajowiec Nikołaj Lima (lub Lim). Nie wiadomo dokładnie, kim był z pochodzenia - najprawdopodobniej Szkotem, który wyemigrował do Francji, a następnie przybył do Rosji jako oficer inżynier. Jest jednak całkowicie wiarygodnym faktem, że jego wiedza na temat baletu była bardzo duża. Został liderem powstającej trupy baletowej, jej pedagogiem, choreografem i pierwszym tancerzem. Dziesięcioro „dzieci drobnomieszczańskich” zostało przekazanych Limie na szkolenie, a rok później ich liczba podwoiła się. W 1673 r. na scenie Teatru Kremla Lima wykonała „taniec francuski” w „Balecie Orfeusza i Eurydyki”. To był balet styl francuski, wśród scenografii, którymi są ruchome piramidy, oraz pierwszy profesjonalny spektakl baletowy wystawiony na rosyjskiej scenie. Później specjalnym dekretem cesarza Piotra Wielkiego taniec stał się integralną częścią dworskiej etykiety. W latach 30. XVIII wieku w Petersburgu na dworze Anny Iwanowny organizowano regularne przedstawienia spektakli operowych i baletowych. Sceny taneczne w operach opracowały J. B. Lande i A. Rinaldi (pseudonim Fossano). Szlachetna młodzież musiała uczyć się tańca, więc w Petersburgu taniec towarzyski stał się obowiązkową dyscypliną w szlacheckim korpusie podchorążych. Wraz z otwarciem teatru letniego w Ogrodzie Letnim, teatru zimowego w skrzydle Zimowy pałac Kadeci zaczynają brać udział w tańcach baletowych. Instruktorem tańca w budynku był Jean-Baptiste Landet. Doskonale zdawał sobie sprawę, że w przyszłości szlachta nie poświęci się sztuce baletowej, choć tańczyła w baletach razem z profesjonalistami. Lande, jak nikt inny, widział potrzebę rosyjskiego teatru baletowego. We wrześniu 1737 r. złożył petycję, w której zdołał uzasadnić potrzebę utworzenia nowej szkoły specjalnej, w której dziewczęta i chłopcy proste pochodzenie uczyć się choreografii. Wkrótce takie pozwolenie zostało wydane. Tak więc w 1738 r. otwarto pierwszą szkołę w Rosji. Taniec baletowy(obecnie Akademia Baletu Rosyjskiego im. A. Ya. Vaganova). Spośród pałacowych sług, których Lande zaczął uczyć, wybrano dwanaście dziewcząt i dwunastu szczupłych młodych mężczyzn. Codzienna praca przynosiła efekty, publiczność była zachwycona tym, co zobaczyła. Od 1743 dawni uczniowie Lande zaczęli otrzymywać pensje jako tancerze baletowi. Szkoła bardzo szybko zdołała dać rosyjskiej scenie znakomitych tancerzy corps de ballet i znakomitych solistów. Do historii pozostały nazwiska najlepszych uczniów pierwszego zestawu: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrey Nesterov. W początek XIX wiek, rosyjska sztuka baletowa osiągnęła dojrzałość twórcza. Rosyjscy tancerze wnieśli do tańca wyrazistość i duchowość. Czując to bardzo dokładnie, A. S. Puszkin poświęcił swojej współczesnej rosyjskiej baletnicy Awdotia Istomina następujące wersy:
Genialny, półpowietrzny,
posłuszny magicznemu łukowi,
W otoczeniu tłumu nimf
Warto Istomin; jest,
Jedna stopa dotykająca podłogi
Kolejne powoli kręgi
I nagle skok i nagle leci,
Leci jak puch z ust Eola;
Teraz obóz będzie sowiecki, potem się rozwinie
I bije nogę szybką nogą.
Balet w tym czasie zajmował uprzywilejowaną pozycję wśród innych typów sztuka teatralna. Władze przywiązywały do tego dużą wagę, zapewniały dotacje państwowe. W dobrze wyposażonych teatrach występowały moskiewskie i petersburskie trupy baletowe, a absolwenci szkół teatralnych corocznie uzupełniali kadrę tancerzy, muzyków i dekoratorów. W historii naszej teatr baletowy często pojawiają się nazwiska zagranicznych mistrzów, którzy odegrali znaczącą rolę w rozwoju rosyjskiego baletu. Przede wszystkim są to Charles Didelot, Arthur Saint-Leon i Marius Petipa. Pomogli stworzyć rosyjską szkołę baletową. Ale utalentowani rosyjscy artyści umożliwili także ujawnienie talentów swoich nauczycieli. To niezmiennie przyciągało do Moskwy i Petersburga największych choreografów Europy. Nigdzie na świecie nie mogli spotkać tak dużej, utalentowanej i dobrze wyszkolonej trupy jak w Rosji. W połowa dziewiętnastego wieku, realizm przyszedł do rosyjskiej literatury i sztuki. Choreografowie gorączkowo, ale bezskutecznie, starali się tworzyć realistyczne spektakle. Nie brali pod uwagę, że balet jest sztuką warunkową, a realizm w balecie różni się znacznie od realizmu w malarstwie i literaturze. Rozpoczął się kryzys sztuki baletowej. Treść spektakli była prymitywna, nieskomplikowana fabuła służyła jedynie jako pretekst do widowiskowych tańców, w których artyści demonstrowali swoje umiejętności. Dla tancerzy najważniejsze było dopracowanie formy i techniki tańca klasycznego, a tym samym osiągnęli wirtuozerię. Nowa scena w historii baletu rosyjskiego rozpoczęła się, gdy wielki rosyjski kompozytor P. Czajkowski po raz pierwszy skomponował muzykę do baletu. To było Jezioro Łabędzie. Wcześniej muzyka baletowa nie była traktowana poważnie. Była uważana za gorszą muzyczna kreatywność, tylko akompaniament do tańca. Dzięki Czajkowskiemu muzyka baletowa stała się poważną sztuką wraz z operą i muzyka symfoniczna. Dawniej muzyka była całkowicie uzależniona od tańca, teraz taniec musiał być posłuszny muzyce. Potrzebne były nowe środki wyrazu i nowe podejście do tworzenia spektaklu. Dalszy rozwój Balet rosyjski kojarzy się z nazwiskiem moskiewskiego choreografa A. Gorskiego, który porzucając przestarzałe techniki pantomimy, w przedstawieniu baletowym zastosował techniki nowoczesnej reżyserii. Przywiązując dużą wagę do malarskiego projektu przedstawienia, przyciągał do pracy najlepszych artystów. Ale prawdziwym reformatorem sztuki baletowej jest Michaił Fokin, który zbuntował się przeciwko tradycyjnej konstrukcji występ baletowy. Przekonywał, że temat spektaklu, jego muzyka, epoka, w której toczy się akcja, wymagają za każdym razem innego ruchy taneczne, inny wzór tańca. Podczas wystawiania baletu „Egipskie noce” Fokine inspirował się poezją V. Bryusowa i starożytnymi rysunkami egipskimi, a obrazy baletu „Pietruszka” inspirowane były poezją A. Błoka. W balecie Daphnis i Chloe porzucił taniec pointe iw swobodnych, plastycznych ruchach ożywił antyczne freski. Jego „Chopiniana” ożywiła atmosferę baletu romantycznego. Fokin napisał, że „marzy o stworzeniu baletu-dramatu z baletowej zabawy, z tańca – zrozumiałego, mówiącego języka”. I udało mu się.
W 1908 r. rozpoczęły się coroczne występy rosyjskich tancerzy baletowych w Paryżu, organizowane przez postać teatralną S. P. Diagilewa. sezony rosyjskie to zespół baletowy założony w 1911 roku przez rosyjskiego historyka teatralnego i historyka sztuki Siergieja Diagilewa. Wyrosła z „Rosyjskich Sezonów” w 1909 roku, funkcjonowała przez 20 sezonów, aż do śmierci Diagilewa w 1929 roku i cieszyła się dużym powodzeniem za granicą, zwłaszcza we Francji i Wielkiej Brytanii. Przedsięwzięcia Diagilewa wywarły ogromny wpływ na rozwój nie tylko baletu rosyjskiego, ale także światowej sztuki choreograficznej w ogóle. Będąc utalentowanym organizatorem, Diagilew miał talent do talentów, pielęgnując całą plejadę utalentowanych tancerzy i choreografów - Wacława Niżyńskiego, Leonida Myasina, Michaiła Fokina, Serge'a Lifara, George'a Balanchine'a - i dając możliwość doskonalenia się już uznanym artystom. Scenografię i kostiumy do spektakli Diagilewa stworzyli jego współpracownicy ze Świata Sztuki, Leon Bakst i Alexandre Benois. Później Diagilew, ze swoją pasją do innowacji, przyciągnął czołowych europejskich artystów - Pabla Picassa, Andre Deraina, Coco Chanel, Henri Matisse i wielu innych - oraz rosyjskich artystów awangardowych - Natalię Gonczarową, Michaiła Larionowa, Nauma Gabo, Antoine'a Pevznera jako dekoratorzy. Nie mniej owocna była współpraca Diagilewa ze znanymi kompozytorami tamtych lat – Richardem Straussem, Ericiem Satie, Maurice Ravelem, Siergiejem Prokofiewem, Claude Debussym – a zwłaszcza z odkrytym przez niego Igorem Strawińskim. Od samego początku głównym kierunkiem choreografii jego sezonów była chęć przekraczania granic baletu klasycznego. Eksperymenty z formami tanecznymi Niżyńskiego wyprzedziły swój czas i dlatego nie zostały od razu zaakceptowane przez publiczność. Fokin nadał ruchom „bogatej plastyczności”, a następca wytyczonych przez niego zasad, Myasin, wzbogacił choreografię o „połamane i pretensjonalne formy”. Balanchine ostatecznie odszedł od reguł tańca akademickiego, nadając swoim baletom bardziej stylizowane i ekspresjonistyczne brzmienie. Pory roku Diagilewa – zwłaszcza pierwsze, na które składały się balety „Ognisty ptak”, „Pietruszka” i „Święto wiosny” – odegrały znaczącą rolę w popularyzacji kultury rosyjskiej w Europie i przyczyniły się do powstania mody na wszystko, co rosyjskie. Na przykład angielscy tancerze Patrick Healy-Kay, Alice Marx i Hilda Munnings przyjęli rosyjskie pseudonimy (odpowiednio Anton Dolin, Alicia Markova i Lidia Sokolova), pod którymi występowali w trupie Diagilewa. Popularność jego sezonów doprowadziła Europejczyków do zamiłowania do tradycyjnego rosyjskiego stroju i dała początek nowej modzie – nawet żona króla Wielkiej Brytanii Jerzego VI wyszła za mąż w „strój parafrazujący rosyjskie tradycje folklorystyczne”.
Nazwiska tancerzy z Rosji - Wacława Niżyńskiego, Tamary Karsaviny, Adolfa Bolma - stały się znane na całym świecie. Ale pierwsza w tym rzędzie to imię niezrównanej Anny Pawłowej. Pavlova - liryczna, delikatna, o wydłużonych liniach ciała, ogromnych oczach - przywoływała ryciny przedstawiające romantyczne baleriny. Jej bohaterki przekazały czysto rosyjskie marzenie o harmonijnym, uduchowionym życiu lub tęsknotę i smutek za niespełnionym. „Umierający łabędź”, stworzony przez wielką baletnicę Pavlova, - poetycki symbol Balet rosyjski na początku XX wieku. To wtedy, pod wpływem umiejętności rosyjskich artystów, balet zachodni otrząsnął się i nabrał drugiego wiatru.
Po Rewolucja październikowa W 1917 r. wiele postaci teatru baletowego opuściło Rosję, ale mimo to szkoła baletu rosyjskiego przetrwała. Patos ruchu ku nowemu życiu, rewolucyjne wątki, a przede wszystkim pole do twórczego eksperymentu zainspirowały baletmistrzów. Ich zadaniem było doprowadzenie sztuka choreograficzna dla ludzi, aby byli bardziej żywotni i dostępni. Tak powstał gatunek baletu dramatycznego. Były to spektakle, zwykle oparte na wątkach znanych dzieła literackie, które zostały zbudowane zgodnie z prawami dramatu. Treści w nich prezentowane były za pomocą pantomimy i tańca obrazkowego. W Rosji balet nie stracił na znaczeniu w latach po I wojnie światowej i w czasie Władza sowiecka, nawet wtedy, gdy sytuacja polityczna i gospodarcza wydawała się zagrażać samemu istnieniu Bolszoj i Maryjskiego (nazwanych na cześć Rewolucji Październikowej Teatr Państwowy opera i balet, GOTOB, a od 1934 - teatry S.M. Kirowa). Lata 20. to okres intensywnych eksperymentów zarówno w formie, jak i treści spektaklu baletowego. Są też produkcje Proletkultu o tematyce politycznej i społecznej, a w Moskwie dzieła Kasjana Goleizowskiego (1892-1970), aw Piotrogrodzie (w 1924 przemianowanym na Leningrad) różne produkcje Fiodora Łopuchowa (1886-1973), w tym jego „Wielkość”. wszechświata” (1922) do muzyki IV Symfonii Beethovena.
„Czerwony mak” do muzyki R.M. przedstawienie aktorskie, którego tematem są szlachetne namiętności i bohaterskie czyny, a specjalnie napisana muzyka ma charakter symfoniczny. Takie balety jak w 1932 „Płomienie Paryża” Wasilija Vainonena (1901-1964), w 1934 „Źródło Bachczysaraju” Rostisława Zacharowa (1907-1984) – oba z muzyką Borysa Asafiewa, jak w 1939 „Laurencia (muzyka Aleksandra Kreina) Vakhtanga Chabukianiego (1910-1992) oraz w 1940 roku „Romeo i Julia” Leonida Ławrowskiego (1905-1967) (muzyka Prokofiewa) zasady estetyczne, za którymi podążały nie tylko główne zespoły - Teatr. S.M. Kirow w Leningradzie i Teatr Bolszoj w Moskwie - ale także wszystkie około 50 teatrów, które działały w kraju.
Chociaż zachowały się pojedyncze znaleziska z lat 20. XX wieku, przeważały przedstawienia zorientowane na sowiecką ideologię polityczną, a sposób wykonania wyróżniał się swobodą w wykonywaniu ruchów i gibkości (cechy ramion i pleców), przy jednoczesnym rozwijaniu skoków wzwyż, wyciągów akrobatycznych (np. wysokie unoszenie na jednym ramieniu dżentelmena) i szybkie kręcenie, które nadawały baletom sowieckim szczególny dramatyczny wyraz.
Jedną z nauczycielek, która przyczyniła się do rozwoju tego stylu, była Agrypina Waganowa (1879-1951). były tancerz Teatr Maryjski Zaczęła uczyć pod koniec swojej kariery aktorskiej. Jako nauczycielka w Leningradzkiej Szkole Choreograficznej Vaganova opracowała program i podręcznik tańca klasycznego oraz przygotowała swoich uczniów do wykonywania zarówno wielkich baletów romantycznych z przeszłości, jak i nowych baletów sowieckich, z ich wirtuozerską techniką. Na terenie całego Związku Radzieckiego, a także w Wschodnia Europa podstawą szkolenia był system Vaganova.
Widzowie w Zachodnia Europa a Stany Zjednoczone były praktycznie obeznane z baletem sowieckim aż do połowy lat pięćdziesiątych, kiedy to trupy baletowe Teatru. Kirow i Teatr Bolszoj po raz pierwszy wyruszyli w trasę na Zachód. Zainteresowanie nim wzbudziły niesamowite umiejętności baletnic Teatru Bolszoj Galiny Ulanova (1910-1998), która z przenikliwym liryzmem przekazała uczucia Giselle i Julii, oraz Maji Plisieckiej, która uderzyła swoją błyskotliwą techniką w roli Odette-Odile w Jeziorze łabędzim. Podczas gdy Teatr Bolszoj uosabiał najbardziej spektakularne cechy stylu sowieckiego, klasyczna czystość tancerzy Teatru Kirowa znalazła wyraz w takich artystach, jak Natalia Dudinskaja i Konstantin Siergiejew, którzy przyczynili się do odrodzenia tradycji Petipy. Wielkie sukcesy odniosły następujące pokolenia artystów: Ekaterina Maksimova, Vladimir Vasiliev, Natalia Bessmertnova i Wiaczesław Gordeev w Teatrze Bolszoj, Irina Kolpakova, Alla Sizova i Yuri Solovyov w Teatrze Kirowa. W 1961 Nurejew, jeden z czołowych tancerzy Teatru Kirowa, przebywał na Zachodzie podczas tournée trupy po Francji. To samo zrobili dwaj inni wybitni artyści tego samego teatru - Natalia Makarowa i Michaił Barysznikow (Makarowa - w Londynie w 1970, Barysznikow - w Kanadzie w 1974).
W latach 80. presja administracyjna i polityczna na sztukę w Związku Radzieckim zelżała Oleg Winogradow, który kierował zespołem baletowym Teatru. Kirow od 1977 roku zaczął wprowadzać do repertuaru balety Balanchine'a, Tudora, Maurice'a Béjarta i Robbinsa. Mniej skłonny do innowacji był Jurij Grigorowicz, który od 1964 r. stał na czele Baletu Bolszoj. Jego wczesne produkcje – „Kamienny kwiat” (muzyka Prokofiewa, 1957) i „Spartakus” (muzyka A.I. Chaczaturiana, 1968) – są typowe występy sowieckie. Grigorovich stawia na spektakularne efekty, pewnie zarządza dużą masą energicznie poruszających się tancerzy, ma szerokie zastosowanie taniec ludowy woli bohaterskie historie.
Przez wiele lat na scenie Teatru Bolszoj prawie wyłącznie wystawiano balety Grigorowicza lub jego adaptacje dawnych sztuk, takich jak Jezioro łabędzie. Pod koniec lat 80. Irek Muchamiedow i Nina Ananiaszwili z Teatru Bolszoj oraz Altynai Asylmuratowa i Farukh Ruzimatow z Teatru. Kirow otrzymał pozwolenie na występy z czołowymi zespołami baletowymi na Zachodzie, po czym stał się częścią tych grup. Nawet Vinogradov i Grigorovich zaczęli szukać okazji do pokazania swoich talentów poza Rosją, gdzie po rozpadzie ZSRR w 1991 roku znacznie ograniczono fundusze państwowe na teatry. W 1995 roku Grigorowicza na stanowisku dyrektora Baletu Bolszoj zastąpił Władimir Wasiliew.
Inne trupy w Petersburgu to balet Małego Teatru Opery i Baletu. MP Musorgski (do 1991 r. nosił nazwę Mały Teatr Opery i Baletu), petersburski „Teatr Baletowy im. 1904-1975), który pracował w Teatrze. Kirow w latach 1942-1969, którego twórczość zasłynęła na Zachodzie. Zespół Teatru Muzycznego im. K.S. Stanisławski i VI Niemirowicz-Danczenko, Teatr Baletu Klasycznego. Na uwagę zasługuje trupa „Eksperyment”, stworzona w Permie przez Jewgienija Panfilowa.
Rozkład związek Radziecki a następujący po nim kryzys gospodarczy przyniósł ogromne trudności zespoły baletowe, które do tej pory były hojnie dotowane przez państwo. Wielu tancerzy i nauczycieli opuściło kraj, aby osiedlić się w USA, Anglii, Niemczech i innych krajach zachodnich.
Taniec współczesny
Taniec współczesny - kierunek in sztuka tańca, który pojawił się na początku XX wieku w wyniku odejścia od sztywnych norm baletowych na rzecz swobody twórczej choreografów.
Taniec swobodny inspirowany baletem, którego twórców interesował nie tyle Nowa technologia taniec lub choreografia, ile tańca jako specjalnej filozofii, która może zmienić życie. Ruch ten, który powstał na początku XX wieku (za jego przodka uważana jest Isadora Duncan), był źródłem wielu nurtów tańca współczesnego i dał impuls do reformy samego baletu.
Na koniec chciałbym przytoczyć słowa naszej wybitnej baletnicy Maji Plisieckiej, wypowiedziane przez nią w jednym z wywiadów: „Myślę, że balet to sztuka z wielką i ekscytującą przyszłością. Z pewnością będzie żył, szukał, rozwijał się. Na pewno się zmieni. Ale dokładnie, w jakim kierunku pójdzie, trudno przewidzieć z całą dokładnością. Nie wiem. Wiem jedno: wszyscy – zarówno wykonawcy, jak i choreografowie – musimy bardzo ciężko pracować, poważnie, nie oszczędzając się. Ludzie, ich wiara w sztukę, ich oddanie teatrowi potrafią zdziałać cuda. A czym okażą się te „cuda” baletu przyszłości, zadecyduje samo życie”.
