W pierwszej połowie XX wieku ukształtowała się jedna z najpopularniejszych szkół kulturalnych i estetycznych naszego stulecia – freudyzm. Jej założyciel, austriacki filozof i psychiatra Zygmunt Freud (1856-1939), wprowadził do intuicjonistycznych teorii swoich kolegów wyjaśnienie podświadomości z punktu widzenia życia seksualnego człowieka. I choć w pracach filozofa nie ma usystematyzowanej prezentacji teorii estetyki, to odrębne sądy dotyczące zagadnień estetyki i kultury artystycznej zawarte są w jego Wykładach z wprowadzenia do psychoanalizy (1918), w książce Niezadowolenie z kultury (1930), jako a także w artykułach Leonardo da Vinci. Studium psychoseksualności” (1910), „Dostojewski i ojcobójstwo” (1928), „Poeta i fantazja” (1911). Doktryna Freuda o wrodzonych nieświadomych strukturach-instynktach miała ogromny wpływ na praktykowanie tak zwanej „kultury masowej”, która ukształtowała się na początku XX wieku. Istotnie, w swojej teorii nieświadomości filozof wychodził z faktu, że istota człowieka wyraża się w wolności od instynktów. Główny wpływ freudyzmu na „kulturę masową” polega na wykorzystaniu jego instynktów strachu, seksu i agresji. Psychoanaliza Freuda stworzyła wysoce reprezentatywną szkołę, która istnieje do dziś. Szczególną rolę w rozwoju doktryny Freuda mają O. Rank, G. Sachs, a zwłaszcza K.G. Junga. W XX wieku idee myślicieli ubiegłego wieku A. Schopenhauera i F. Nietzschego zostały podsumowane w elitarnej koncepcji estetycznej hiszpańskiego filozofa José Ortegi y Gasseta (1883-1955). W 1925 roku ukazało się w Europie jego najsłynniejsze dzieło zatytułowane „Dehumanizacja sztuki”, poświęcone problemowi różnicy między sztuką starą a nową. Główna różnica między nową sztuką a starą, zdaniem Ortegi y Gasset, polega na tym, że jest ona adresowana do elity społeczeństwa, a nie do jego masy.
Książka Ortegi y Gasseta „Dehumanizacja sztuki” słusznie stała się prawdziwym manifestem awangardy. Filozof staje po stronie tej części europejskiej inteligencji twórczej początku wieku, która próbowała stworzyć nową sztukę. W związku z tym konieczne jest przeanalizowanie najbardziej uderzających trendów artystycznych, trendów i stylów, które zadeklarowały się w tym okresie historycznym.
Awangarda (od francuskiej awangardy wysuniętej) to koncepcja, która na zasadach radykalnej odnowy praktyki artystycznej zjednoczyła różne szkoły i nurty sztuki europejskiej lat 10-20. XX wieku. Termin „awangarda” zadomowił się w estetyce krytyki artystycznej lat 20. XX wieku. Główna grupa szkół awangardowych (futuryzm, dadaizm, kubizm, ekspresjonizm, suprematyzm) deklarowała się ze skrajnym nihilizmem, ostatecznym stopniem zaprzeczenia dotychczasowej kulturowej tradycji klasycznego doświadczenia artystycznego. Praktyczna realizacja awangardy była charakterystyczna dla różnych rodzajów sztuki: literatury (L. Aragon, V. Chlebnikov, V. Mayakovsky), teatru (V. Meyerhold, B. Brecht, G. Kaiser), muzyki (M. Čiurlionis, A. Schoenberg, A. Skriabin). Jednak najbardziej oczywista awangarda została zrealizowana w sztukach wizualnych. Obrazy różnych nurtów awangardowych charakteryzowało odrzucenie artystycznego podobieństwa do życia. Sztuka awangardowa, z nielicznymi wyjątkami (kubizm, który warunkowo geometryzuje naturę, abstrakcjonizm ze swoją czysto fantastyczną geometrią), jest niefiguratywna. Odrzucenie obiektywności i przekształcenie w cel sam w sobie takich środków artystycznych jak kolor, kompozycja, faktura podyktowane było poczuciem kryzysu współczesnej cywilizacji.
W drugiej połowie XX wieku kontynuowano poszukiwania twórcze i odważne eksperymenty w europejskiej estetyce i sztuce, pojawiły się wpływowe idee, nowe szkoły artystyczne i znaczące obiecujące odkrycia. Egzystencjalistyczne, strukturalistyczne, socjokulturowe nurty estetyczne, reprezentowane przez nazwiska J.-P. Sartre, A. Camus, K. Levi-Strauss, R. Bart, T. Adorno i inni. Najważniejsza szkoła estetyczna, jaka ukształtowała się we Francji w latach 40. i 50. XX wieku, należała do nurtu egzystencjalnego i przejawiała się szczególnie wyraźnie w twórczości J.P. Sartre'a i A. Camusa. Przypomnieć należy, że twórca egzystencjalizmu filozoficznego Soren Kierkegaard (1813-1855) uważał filozofię za refleksję nad byciem w oparciu o osobowe istnienie człowieka – „egzystencję”. Estetyczna koncepcja egzystencjalizmu uznawała również za prawdziwą jedynie indywidualną egzystencję osoby i możliwość poznania „istnienia” za pomocą ludzkiej wyobraźni i emocji, które z kolei są najważniejszym aspektem twórczości artystycznej.
Francuski filozof i pisarz Jean-Paul Sartre (1905-1980) w swoich pismach „Imagination” (1936), „Esej o teorii emocji” (1939), „The Imaginary” (1940) dość szczegółowo omawia różne właściwości ludzkiej świadomości. Sartre interpretuje ludzką świadomość jako transcendentalną, to znaczy wykraczającą poza granice wszelkiego doświadczenia i będącą źródłem, życiową podstawą, w tym twórczą działalnością człowieka. W ocenie filozofa dzieła sztuki nie są bezpośrednim odzwierciedleniem rzeczywistości, dlatego tak zwana „świadomość wyobrażeniowa” każdego artysty jest twórcza, ponieważ powstaje sama i jest wolna od wszelkich przejawów rzeczywistości. Wyrazem poglądów estetycznych Alberta Camusa (1913-1960) jest ostatni rozdział jego dzieła filozoficznego Mit Syzyfa (1942), w którym rozwija on główną ideę swojej pracy - absurdalność ludzkiej egzystencji w świat. „Absurd”, poczucie samotności i wyobcowania ze świata zewnętrznego, wszechmoc śmierci na stałe wpisują się w dramaturgię, prozę i estetykę Camusa. Absurd, zdaniem Camusa, należy również do dzieła sztuki. Jednak sam akt twórczości artystycznej pozwala zachować świadomość w świecie chaosu. Następnie „estetyka absurdu” wraz z filozofem przeradza się w „estetykę buntu”. W 1951 ukazał się esej polityczny „Człowiek buntowniczy”, w którym Camus przeciwstawia się skrajnościom w sztuce, zarówno ideologicznym, jak i czysto formalistycznym. Camus zarówno w Człowieku zbuntowanym, jak iw przemówieniach na Nagrodę Nobla (1957) podkreśla, że prawdziwa sztuka odzwierciedla ludzki los i stara się zapanować nad losem.
W latach pięćdziesiątych koncepcje intuicyjne i egzystencjalne w estetyce zachodnioeuropejskiej schodzą na dalszy plan, ustępując miejsca strukturalizmowi. Istotę strukturalizmu wyraził jego główny teoretyk Claude Levi-Strauss (ur. 1908). Sformułował główne etapy analizy badań strukturalistycznych: „czytanie” tekstu, jego mikroanalizę, interpretację, dekodowanie i ostateczne modelowanie. Strukturalizm stał się podstawą bardzo popularnego w latach 60. ruchu literacko-estetycznego, zwanego Nową Krytyką, kierowanego przez paryskiego profesora Rolanda Barthesa (1915-1980). W książce Criticism and Truth (1966) wysuwa on stanowisko, że nauka o literaturze nie powinna zajmować się wyjaśnianiem znaczenia dzieł, ale powinna tworzyć uniwersalne prawa dla konstrukcji formy literackiej.
W latach 60. i 70. koncepcje socjologiczne reprezentowane przez nazwiska T. Adorno, G. Marcuse, E. Fromma były szeroko rozpowszechnione w Europie Zachodniej i USA. Nazwy te tłumaczy się chęcią zbadania korespondencji wewnętrznych immanentnych struktur dzieł sztuki z pewnymi typami ustalonych relacji społecznych.
Rozwój nauk estetycznych w krajach Europy Zachodniej i USA w pierwszej połowie naszego stulecia wyrażał ten sprzeczny okres w wielu jej koncepcjach i teoriach, przede wszystkim o charakterze nierealistycznym, dla wielu z których termin „modernizm” został założony.
Modernizm (z francuskiego modern - najnowszy, nowoczesny) jest ogólnym symbolem trendów artystycznych XX wieku, które charakteryzują się odrzuceniem tradycyjnych metod artystycznego przedstawiania świata.
Modernizm jako system artystyczny został przygotowany przez dwa procesy jego rozwoju: dekadencję (tj. ucieczka, odrzucenie prawdziwego życia, kult piękna jako jedynej wartości, odrzucenie problemów społecznych) oraz awangardę (której manifesty wzywały do zerwania z spuścizna przeszłości i tworzenie czegoś nowego, wbrew tradycyjnym oprawom artystycznym).
Wszystkie główne nurty i nurty modernizmu - kubizm, ekspresjonizm, futuryzm, konstruktywizm, imaginizm, surrealizm, abstrakcjonizm, pop-art, hiperrealizm itp., albo odrzuciły, albo całkowicie przekształciły cały system środków i technik artystycznych. W szczególności w różnych rodzajach sztuki wyrażało się to: w zmianie obrazów przestrzennych i odrzuceniu wzorców artystycznych i figuratywnych w sztukach wizualnych; w rewizji organizacji melodycznej, rytmicznej i harmonicznej w muzyce; w pojawieniu się „strumienia świadomości”, monologu wewnętrznego, montażu asocjacyjnego w literaturze itp. Idee irracjonalistycznego woluntaryzmu A. Schopenhauera i F. Nietzschego, doktryna intuicji A. Bergsona i N. Lossky'ego, psychoanaliza 3 miał wielki wpływ na praktykę modernizmu: Freud i C. G. Jung, egzystencjalizm M. Heideggera, J.-P. Sartre i A. Camus, teoria filozofii społecznej Szkoły Frankfurckiej T. Adorno i G. Marcuse.
Ogólny nastrój emocjonalny dzieł artystów modernistycznych można wyrazić w następujący sposób: chaos współczesnego życia, jego rozpad przyczyniają się do nieładu i samotności człowieka, jego konflikty są nierozwiązywalne i beznadziejne, a okoliczności, w których się znajduje umieszczone są nie do pokonania.
Po II wojnie światowej większość modernistycznych nurtów w sztuce utraciła swoje dawne awangardowe pozycje. W powojennej Europie i Ameryce zaczęły się aktywnie manifestować kultury „masowe” i „elitarne”, z odpowiadającymi im różnymi nurtami i kierunkami estetycznymi, a także deklarowały się szkoły estetyczne o charakterze niemarksistowskim. Generalnie powojenny etap rozwoju estetyki obcej można określić jako postmodernistyczny.
Postmodernizm to pojęcie oznaczające nowy, ostatni do tej pory superetap w łańcuchu nurtów kultury zmieniających się naturalnie na przestrzeni dziejów. Postmodernizm jako paradygmat kultury nowoczesnej to ogólny kierunek rozwoju kultury europejskiej, który ukształtował się w latach 70. XX wieku. XX wiek
Pojawienie się ponowoczesnych trendów w kulturze wiąże się ze świadomością ograniczeń postępu społecznego i lękiem społeczeństwa, że jego skutki zagrażają zniszczeniu samego czasu i przestrzeni kultury. Postmodernizm niejako powinien wyznaczać granice ingerencji człowieka w rozwój przyrody, społeczeństwa i kultury. Postmodernizm charakteryzuje się więc poszukiwaniem uniwersalnego języka artystycznego, zbliżaniem i łączeniem różnych nurtów artystycznych, ponadto „anarchizmem” stylów, ich nieskończoną różnorodnością, eklektyzmem, kolażem, sferą subiektywnego montażu.
Charakterystycznymi cechami postmodernizmu są:
Orientacja kultury ponowoczesnej na „masę” i „elitę” społeczeństwa;
Znaczący wpływ sztuki na pozaartystyczne sfery działalności człowieka (politykę, religię, informatykę itp.);
Pluralizm stylów;
Szerokie cytowanie w swoich dziełach sztuki z poprzednich epok;
Ironia nad artystycznymi tradycjami dawnych kultur;
Wykorzystanie techniki gry przy tworzeniu dzieł sztuki.
W postmodernistycznej twórczości artystycznej następuje świadoma reorientacja od kreatywności do kompilacji i cytowania. Dla postmodernizmu kreatywność nie jest równa kreacji. O ile w kulturach przedpostmodernistycznych system „artysta – dzieło sztuki” działa, to w postmodernizmie nacisk zostaje przeniesiony na relację „dzieło sztuki – widz”, co wskazuje na fundamentalną zmianę samoświadomości artysty. Przestaje być „twórcą”, gdyż sens dzieła rodzi się bezpośrednio w akcie jego odbioru. Postmodernistyczne dzieło sztuki trzeba zobaczyć, wystawić, nie może istnieć bez widza. Można powiedzieć, że w postmodernizmie następuje przejście od „dzieła sztuki” do „konstrukcji artystycznej”.
Postmodernizm jako teoria uzyskał istotne uzasadnienie w pracach J. Baudrillarda „System rzeczy” (1969), J. F. Lyotarda „Wiedza postmodernistyczna” (1979) i „Spór” (1984), P. Sloterdijka „Magiczne drzewo” (1985). ) i inne
W tej części zostaną przeanalizowane tylko najważniejsze nurty estetyczne i szkoły orientacji niemarksistowskiej oraz kluczowe problemy nauk estetycznych XX wieku.
Pojęcie „estetyka” pochodzi od greckiego „aisteticos” – uczuciowy, zmysłowy. Estetyka pierwotnie nazywała wszystko to, co zmysłowo odbierane. Wtedy zaczęto rozumieć estetykę jako te zjawiska rzeczywistości i wytwory ludzkiej działalności, które mają pewien porządek i wywołują w nas szczególne doświadczenia piękna, wzniosłości, tragizmu, komizmu.
Estetyka narodziła się jako dziedzina wiedzy, w której postawiono cel:
po pierwsze, opisać, zbadać cechy zjawisk estetycznych, zidentyfikować w nich to, co ogólne, istotne;
po drugie, aby zrozumieć ich podstawę, znaczenie, ich miejsce w istnieniu;
po trzecie, zbadanie procesu tworzenia tych wartości, rozpoznanie praw i zasad twórczości i percepcji estetycznej, jeśli takie istnieją, oraz nauczenie się ich stosowania;
po czwarte, badanie wzorców wpływu zjawisk estetycznych rzeczywistości i dzieł sztuki na świadomość i wolę człowieka oraz wykorzystanie tych wzorców.
W czasach nowożytnych następuje radykalna zmiana światopoglądowa.
Bóg jest coraz bardziej wyciskany ze składu bytu, w jego miejsce jest natura, która jest pomyślana jako dane bezpośrednio, zbiór rzeczy danych człowiekowi w doświadczeniu, ogólne pojęcie substancji i energii, esencji i prawidłowości.
- Najpierw powstaje koncepcja, a potem gruntownie uzasadniona teoria o subiektywnym charakterze estetyki. W 1750 Baumgarten publikuje swoją „estetykę”, w której poznanie zmysłowe rozumie jako estetyczne i proponuje uzupełnienie dwóch części filozofii – ontologii, doktryny bytu i logiki – doktryny myślenia, część trzecia – estetyki o teorię poznania zmysłowego. Uważa się, że od tego czasu estetyka zyskała własny status, własny przedmiot i stała się samodzielną nauką.
Kant odegrał wybitną rolę w kształtowaniu się estetyki jako samodzielnej doktryny filozoficznej. Dokonał prawdziwej rewolucji w estetyce.
o Kant zaczął szukać natury estetyki nie poza człowiekiem, nie w przestrzeni i nie w Bogu, ale w samym człowieku, w jego zdolnościach. (zdolności poznania, zdolności pożądania i odczuwania przyjemności lub niezadowolenia)
o Kant doszedł do wniosku, że poznajemy to, co tworzy nasz umysł, dzięki intuicjom zmysłowym i racjonalnym kategoriom. W Krytyce czystego rozumu twierdzi, że nasz rozum nadaje prawa przyrodzie, która podlega konieczności. W „Krytyce praktycznego rozumu” bada zdolność pragnienia, rozumu, wyjaśnia. jak moralność i nauka o moralności są możliwe i dochodzi do wniosku, że rozum ustanawia prawa woli, a rozum działa na zasadzie wolności.
o Rozerwano świat przyrody, podlegający zasadzie konieczności, i świat człowieka, świat moralności, podlegający zasadzie wolności. Krytyka osądu bada trzeci obszar zdolności, zdolności przyjemności lub niezadowolenia. Estetyka, zdaniem Kanta, pożądana zdolność pojednania.
Pojednanie osiąga się zgodnie z zasadą sądu estetycznego - jest to celowość bez celu lub forma celowości, gdy uważamy przedmiot, jakby stworzony zgodnie z jakimś celem, ale nie możemy powiedzieć, czym jest ten cel. Jeżeli forma przedmiotu odpowiada naszej zdolności sądzenia, uważamy ją za celową i doświadczamy przyjemności płynącej z gry wyobraźni i rozumu, ich wzajemnego dążenia do działania i ich wzajemnego ograniczania. Zasada subiektywnej dogodności daje więc zdolność osądu, ideę, której rozsądek nie może dać. Nie jest to jednak idea rozumu, do której żadna kontemplacja nie może być adekwatna. Jest to idea estetyczna, czyli „ta reprezentacja wyobraźni, która daje wiele do myślenia, a jednak żadna określona myśl, tj. żadne pojęcie, nie może być do niej adekwatne i w konsekwencji żaden język nie jest w stanie aby w pełni to osiągnąć i uczynić to zrozumiałym.
Kant podkreślił główne cechy sądu estetycznego, smaku.
1. Pierwszą cechą tego wyroku jest brak zainteresowania. Bezinteresowność rozumiana jest jako obojętność kontemplacji na istnienie przedmiotu.
2. Cecha druga: „Piękne jest to, co bez pojęcia przedstawia się jako przedmiot powszechnej przyjemności”.
3. Po trzecie: „Piękno jest formą celowości przedmiotu, ponieważ jest w nim postrzegany bez pojęcia celu”.
4. Cecha czwarta: „Piękne jest to, co jest znane bez pośrednictwa pojęcia jako przedmiot koniecznej przyjemności”.
Chodzi o potraktowanie pięknego przedmiotu jakby stworzonego według zamierzonego planu, z określonym celem, branie pod uwagę całości jako poprzedzającej części.
Jeśli dla Kanta estetyczna zdolność sądzenia koreluje z naturą jako źródłem norm i wzorców, a geniusz jest wrodzoną mocą daną przez naturę do nadawania reguł sztuce, to u neokantystów estetyka zaczęła być redukowana wyłącznie do subiektywnego odczuwania. a raczej do świadomości estetycznej. Subiektywizmowi w estetyce sprzeciwiali się obiektywni idealiści.
Największą sławę zyskała obiektywno-idealistyczna estetyka Hegla.
Piękno, według Hegla, to bezpośrednia obecność idei w konkretnym zjawisku.
piękno jest pojawieniem się idei na etapie jej najwyższego rozwoju, na etapie ducha absolutnego, który wchłonął swoją treścią wszystkie poprzednie stadia rozwoju;
piękno to powrót ducha do siebie tylko w formie zmysłowej kontemplacji.
Piękno, a estetyka w ogóle, to zmysłowa kontemplacja prawdy, najpełniej osiągana w sztuce.
Hegelowi udało się teoretycznie zawrzeć w estetykę i sztukę treści rozwoju światodziejowego, uznając sztukę i estetykę w rzeczywistości za najniższy poziom poznania prawdy. Ten etap pokonuje religia i filozofia.
Estetyka jako poznanie prawdy w formie zmysłowej dominowała w tym okresie historycznym, kiedy generała nie oddzielano od żywej egzystencji w odrębności, prawo nie było przeciwne zjawisku, a celowi środków, ale rozumiane przez inne.
Kategorie estetyki uznano za formy świadomości i przezwyciężania sprzeczności: piękno jest szczęśliwym momentem w procesie historycznym, kiedy sprzeczności między koniecznością a wolnością, uniwersalną i indywidualną, między zimnym żądaniem obowiązku a żarliwym uczuciem współczucia i miłość zostaje przezwyciężona i powstaje harmonia między społeczeństwem a jednostką. Tragizm uważał za naruszenie harmonii, walkę odizolowanych sił, a komiks za życzliwość, wiarę w jego bezwarunkowe wzniesienie się ponad własną sprzeczność.
Hegel wyprowadził estetykę z głębi bytu - z idei absolutnej, która rozwijając się, ucieleśnia się lub wdraża w obiektywne i subiektywne formy istnienia. Początek rozwoju idei - czystego bytu, okazuje się niczym, a z tego nic się nie powstaje. W myśleniu można zacząć od niczego, ale potem pojęcie wzbogaca się o liczne definicje i schodzi do konkretu.
Rosja Nowego Wieku.
W czasach nowożytnych w Rosji można mówić o rosyjskiej estetyce religijnej, która zdawała się trwać. na peryferiach ruchów kulturalnych XIX-XX wieku, które jasno i wyraźnie wyrażały wiele istotnych problemów kultury duchowej swoich czasów i kultury w ogóle, Bierdiajew (wybitny przedstawiciel estetyki religijnej) przylgnął do mistycznego- romantyczna orientacja. Jednym z głównych tematów jego filozofii było pojęcie twórczości; rozróżnia sztukę pogańską i chrześcijańską; wyróżnił dwa główne typy twórczości artystycznej - realizm i symbolikę.
Możemy wyróżnić najważniejsze idee tej estetyki:
1. Poczucie, a nawet jasne zrozumienie głębokiego związku sztuki z religią; sztuka i pozaziemskie królestwo duchowe; rozeznanie istoty sztuki w wyrazie (zjawisku, przedstawieniu) obiektywnie istniejącego świata duchowego; stwierdzenie realności kontaktu artysty z tym światem w procesie artystycznej kreacji.
2. Świadomość dramatycznego rozdźwięku między świadomością estetyczną i etyczną, estetyczną i religijną oraz bolesnych prób jej przezwyciężenia na poziomie teoretycznym lub twórczym-praktycznym. Praktycy - pisarze i artyści - odczuli to szczególnie dotkliwie, ponieważ intuicyjnie czuli, że cele i zadania etyki, estetyki i religii są bliskie i leżą na tej samej płaszczyźnie: etyka ma na celu doprowadzenie jednostki do harmonii ze społeczeństwem, społeczeństwem; estetyka wskazywała sposoby harmonizowania człowieka z samym sobą i ze Wszechświatem jako całością; religia ustanowiła mosty między człowiekiem a Pierwszą Przyczyną
istota - Bóg.
3. Intensywne poszukiwanie duchowej, przemieniającej zasady w kulturze i sztuce - zarówno na poziomie teoretycznym, jak i artystycznym.
4. Teurgia jako przeniesienie twórczości artystycznej poza granice sztuki właściwej do życia, przekształcenie samego życia według estetycznych i duchowych praw twórczości, opartej na pomocy Bożej.
5. Na koniec sformułowano zasadnicze cechy najważniejszego fenomenu kultury prawosławnej i głównej kategorii świadomości estetycznej – ikony.
W podejściu Vl. Według Sołowjowa esencją piękna jest jedność, czyli jedność ducha umysłu i duszy, a konkret-zmysły, fizyczność to tylko forma przejawów istnienia, które nie jest nieuniknionym, koniecznym, przyrodzonym pięknem . Absolutne piękno. poza fizyczną inkarnacją.
W okresie New Age następuje radykalna zmiana światopoglądowa.
Byt zaczyna być pojmowany w trzech kategoriach: natura, człowiek, kultura.
Bóg jest coraz bardziej wyciskany ze składu bytu, przyroda zajmuje jego miejsce.
Człowiek uważany jest za część przyrody i jednocześnie za osobę, indywidualnie unikalną, niezależną istotę.
Kultura jest rozumiana jako to, co znajduje się między naturą a podmiotem, to, co sam człowiek tworzy poprzez swoje działanie.
Na nowo rozważa się problem estetyki i sztuki.
Od tego czasu estetyka zyskała własny status, własny przedmiot i stała się samodzielną nauką.
Kant:
szukał natury estetyki w człowieku, w jego zdolnościach.
doszli do wniosku, że poznajemy to, co tworzy nasz umysł poprzez zmysłową kontemplację i racjonalne kategorie
świat przyrody i świat człowieka, świat moralności zostały rozerwane. Estetyka, zdaniem Kanta, pożądana zdolność pojednania. Pojednanie osiąga się na zasadzie sądu estetycznego.
Kluczowe cechy:
1. Brak zainteresowania.
2. „Piękno jest przedmiotem powszechnej przyjemności”.
3. „Piękno jest formą celowości przedmiotu”
4. „Piękne jest to, co jest znane jako przedmiot koniecznej przyjemności”.
Chodzi o traktowanie pięknego przedmiotu tak, jakby powstał zgodnie z zaplanowanym planem, w określonym celu.
Wśród neokantystów estetykę zaczęto redukować do świadomości estetycznej.
Hegel: obecność idei w konkretnym zjawisku.
piękno to pojawienie się idei na etapie jej najwyższego rozwoju;
piękno to powrót ducha do siebie w postaci zmysłowej kontemplacji.
piękno i estetyka to zmysłowa kontemplacja prawdy, która najpełniej realizuje się w sztuce.
Kategorie estetyki postrzegano jako przezwyciężanie sprzeczności:
Piękno to szczęśliwy moment w procesie historycznym, w którym przezwyciężane są sprzeczności między koniecznością a wolnością, uniwersalnością i jednostką.
Tragiczny jako naruszenie harmonii, walka sił.
Klasycyzm:
„Styl porządkowy”, plastyczność rzeźb symbolizowały „odwieczne” i „niezmienne” prawdy jedności (integralności) – prawdy dobra i piękna, które leżą u podstaw „makrokosmosu”. A ponieważ człowiek był rozumiany jako „mikrokosmos”, mógł być obdarzony także wiecznymi i niezmiennymi cechami piękna i harmonii, które Witruwiusz symbolicznie reprezentował figura harmonijnej osoby wpisanej w okrąg.
Barokowy:
Styl przejawiał się najwyraźniej w architekturze:
1. Wzmocnienie cech obrazkowych; w szczególności w kompozycjach elewacji:
a) elewacja staje się dekoracją
b) fasada - jako obraz nieistniejącego, wyimaginowanego budynku: kolumny wystają do przodu, pogłębiają się, zamieniają w płaskie pilastry; okna - czasem jako przęsła, czasem jako element obrazkowy
2. Stylizowanie niektórych form dla innych
3. Różnego rodzaju ekscesy (detalizacja, bogactwo dekoracji).
Racjonalistyczne podstawy kultury
Nie da się wyznaczyć idealnie precyzyjnej granicy między kulturami XVI i XVII wieku. Już w XVI wieku w naukach włoskich filozofów przyrody zaczęły kształtować się nowe idee dotyczące świata. Jednak prawdziwy przełom w nauce o wszechświecie następuje na przełomie XVI i XVII wieku, kiedy to Giordano Bruno, Galileo Galilei i Kepler, rozwijając heliocentryczną teorię Kopernika, dochodzą do wniosku o nieskończoność wszechświata, w której Ziemia nie jest środkiem, lecz małą cząstką, gdy wynalazek teleskopu i mikroskopu ujawnił człowiekowi istnienie nieskończenie odległego i nieskończenie małego.
W XVII wieku zmieniło się rozumienie człowieka, jego miejsca w świecie, relacji między jednostką a społeczeństwem. Osobowość człowieka renesansu charakteryzuje się absolutną jednością i integralnością, jest pozbawiona złożoności i rozwoju. Osobowość - renesansu - utwierdza się w zgodzie z naturą, która jest dobrą siłą. Energia człowieka, a także fortuna determinują jego ścieżkę życiową. Jednak ten „idylliczny” humanizm nie nadawał się już do nowej ery, kiedy człowiek przestał uznawać siebie za centrum wszechświata, kiedy odczuwał całą złożoność i sprzeczności życia, kiedy musiał toczyć zaciekłą walkę z feudalnym Reakcja katolicka.
Osobowość XVII wieku sama w sobie nie jest wartościowa, podobnie jak osobowość renesansu, zawsze zależy od środowiska, natury i masy ludzi, którym chce się pokazać, zaimponować i przekonać. Ta tendencja z jednej strony do uderzania w wyobraźnię mas, az drugiej do ich przekonywania, jest jedną z głównych cech sztuki XVII wieku.
Sztukę XVII wieku, podobnie jak sztukę renesansu, charakteryzuje kult bohatera. Ale to bohater, który charakteryzuje nie działania, ale uczucia, doświadczenia. Świadczy o tym nie tylko sztuka, ale i filozofia XVII wieku. Kartezjusz tworzy doktrynę namiętności, podczas gdy Spinoza uważa ludzkie pragnienia „jakby były liniami, płaszczyznami i ciałami”.
To nowe postrzeganie świata i człowieka mogło w XVII wieku przybrać dwojaki kierunek, w zależności od tego, jak zostało użyte. W tym złożonym, sprzecznym, wieloaspektowym świecie natury i ludzkiej psychiki można by podkreślić jej chaotyczną, irracjonalną, dynamiczną i emocjonalną stronę, jej iluzoryczną naturę, jej walory zmysłowe. Ta droga prowadziła do stylu barokowego.
Ale można by też położyć nacisk na jasne, wyraźne idee, które w tym chaosie widzą prawdę i porządek, na myśl zmagającą się z jej konfliktami, na rozum przezwyciężający namiętności. Ta droga prowadziła do klasycyzmu.
Barok i klasycyzm, które otrzymały swoje klasyczne wzornictwo odpowiednio we Włoszech i Francji, rozprzestrzeniły się w takim czy innym stopniu we wszystkich krajach europejskich i były dominującymi trendami w kulturze artystycznej XVII wieku.
Estetyczne zasady baroku
Styl barokowy powstaje we Włoszech, w kraju rozdrobnionym na małe państwa, w kraju, który doświadczył kontrreformacji i silnej reakcji feudalnej, gdzie zamożni obywatele przekształcili się w ziemską arystokrację, w kraju, w którym kwitła teoria i praktyka manieryzmu, i gdzie jednocześnie w całej okazałości zachowały się najbogatsze tradycje kultury artystycznej renesansu. Barok wziął swoją podmiotowość z manieryzmu, swoją pasję do rzeczywistości z renesansu, ale oba w nowej stylistycznej refrakcji. I chociaż pozostałości manieryzmu nadal wpływają na pierwszą, a nawet drugą dekadę XVII wieku, w istocie przezwyciężenie manieryzmu we Włoszech można uznać za zakończone do 1600 roku.
Jednym z problemów charakterystycznych dla estetyki barokowej jest problem perswazji, wywodzący się z retoryki. Retoryka nie odróżnia prawdy od prawdopodobieństwa; jako środek perswazji wydają się one równoważne – stąd iluzoryczny, fantastyczny subiektywizm sztuki barokowej, połączony z klasyfikacją „sztucznej” techniki wytwarzania efektu, który stwarza subiektywne, mylące wrażenie wiarygodności.
Opierając się na tym, że głównym pojęciem estetyki barokowej jest umiejętność przekonywania, rozumiana jest jako umiejętność przekonywania widza za pomocą określonego narzędzia oddziaływania, jakim jest dzieło sztuki. Retoryka ozdabia mowę, nadaje pojęciom i przedmiotom formy łatwiej dostrzegalne. Retoryka jest nierozerwalnie związana z literaturą i poezją, która często utożsamia się z retoryką. Zdolność perswazji musi przekonać, dotknąć, zaskoczyć tego, do kogo jest przeznaczona. Autor musi zatem znać w najdrobniejszym szczególe tego, do kogo przeznaczone jest jego dzieło, musi go studiować i kierować się tą wiedzą przy tworzeniu swoich dzieł.
Czy istnieją uznane i obowiązkowe metody przekonywania widza, czytelnika, słuchacza ze względu na ich skuteczność? Wszystkie metody są odpowiednie, pod warunkiem, że osiągną swój główny cel - przekonać tego, do kogo są przeznaczone. W związku z tym problem prawdziwości lub fałszu dzieła sztuki schodzi na dalszy plan, staje się nieistotny. Złudzenie staje się zasadą. Czytelnika i widza trzeba przede wszystkim zadziwić, zaskoczyć, a można tego dokonać za pomocą umiejętnego doboru dziwnych i niezwykle skomponowanych obrazów.
Większość teoretyków baroku była pisarzami, ale w ich wypowiedziach wyraźnie wyczuwalny jest główny nurt epoki baroku - ku zbiegowi różnych rodzajów sztuki. Wszystkie sztuki są ze sobą powiązane i mają jedną esencję. Różnią się tylko sposobem ekspresji.
Racjonalizm i normatywizm estetyki klasycyzmu
Klasycyzm to jedna z najważniejszych dziedzin sztuki. Ugruntowując się w twórczości i twórczości wielu pokoleń, przedstawiając genialną plejadę poetów i pisarzy, malarzy i muzyków, architektów, rzeźbiarzy i aktorów, klasycyzm pozostawił takie kamienie milowe na drodze artystycznego rozwoju ludzkości jak tragedie Corneille, Racine, Milton, Voltaire, komedia Moliera muzyka kołysać się, poezja La Fontaine, park i zespół architektoniczny Wersalu, obrazy Poussina.
Klasycyzm zaczyna swoje rozliczenia od XVI wieku, dominuje w XVII wieku, silnie i wytrwale broni się w XVIII i na początku XIX wieku. Sama historia potwierdza żywotność tradycji klasycystycznego systemu artystycznego oraz wartość leżących u jej podstaw pojęć świata i osoby ludzkiej, przede wszystkim moralnego imperatywu charakterystycznego dla klasycyzmu.
Słowo „klasycyzm” (z łac. classicus – wzorowy) ucieleśnia stałą orientację nowej sztuki na starożytną „próbkę”. Wierność duchowi starożytności nie oznaczała jednak dla klasyków ani prostego powtarzania tych starożytnych modeli, ani bezpośredniego kopiowania starożytnych teorii. Klasycyzm był odzwierciedleniem epoki monarchii absolutnej oraz szlachty i biurokracji, na których monarchia się opierała. Odwołanie się do sztuki Grecji i Rzymu, które było także charakterystyczną cechą renesansu, samo w sobie nie może być jeszcze nazwane klasycyzmem, choć zawierało już wiele cech tego nurtu.
Monarchia absolutna odegrała w historii Francji podwójną rolę. Polityka kulturalna monarchii absolutnej i jej doktryna estetyczna – klasycyzm – odznaczały się tą samą dwoistością. Dwory monarchiczne charakteryzowała chęć podporządkowania wszystkich sił artystycznych organizacji centralizującej. Kardynał Richelieu stworzył oficjalny ośrodek w dziedzinie literatury i języka – Akademię Francuską. Za Ludwika XIV powstała Akademia Sztuk Pięknych. W tych ośrodkach kultury artystycznej włożono wiele pracy, aby stworzyć jeden język literacki, uwolnić go od prowincjonalnych cech i pozostałości starożytności, rozwinąć poprawną mowę literacką, sklasyfikować gatunki i tak dalej. Podobną działalność prowadziła Akademia Sztuk Pięknych, skupiająca najwybitniejszych malarzy i teoretyków sztuki. Ogólnie rzecz biorąc, cała ta działalność miała progresywne znaczenie.
Zgodnie z kodeksami sztuki od artysty wymagano przede wszystkim „szlachetności wzornictwa”. Fabuła obrazu musiała mieć wartość pouczającą. Dlatego szczególnie wysoko cenione były wszelkiego rodzaju alegorie, w których mniej lub bardziej konwencjonalnie wykonane obrazy życia bezpośrednio wyrażały ogólne idee. Najwyższy gatunek uznano za „historyczny”, który obejmował starożytną mitologię, fabuły ze słynnych dzieł literackich, z Biblii i tym podobne. Portret, krajobraz, sceny z prawdziwego życia uważano za „mały gatunek”. Najbardziej nieistotnym gatunkiem była martwa natura.
W poezji klasycyzm wysunął na pierwszy plan racjonalny rozwój tematu według pewnych reguł. Najbardziej uderzającym tego przykładem jest „Sztuka poetycka” bualo- traktat ułożony pięknymi wersami i zawierający wiele ciekawych pomysłów. Boileau wysunął postulat prymatu treści w sztuce poetyckiej, choć zasada ta wyraża się w nim w zbyt jednostronnej formie – w postaci abstrakcyjnego podporządkowania uczucia rozumowi.
Estetyka europejskiego oświecenia
Teorie estetyczne Oświecenia powstały podczas wczesnych rewolucji burżuazyjnych XVII-XVIII wieku i są częścią ideologii i kultury swoich czasów. Oświeceni uważali, że reorganizacja przestarzałego systemu społecznego powinna odbywać się poprzez upowszechnianie zaawansowanych idei, poprzez walkę z ignorancją, religijnym narkotykiem, średniowieczną scholastyką, nieludzką moralnością feudalną, sztuką i estetyką, które odpowiadały potrzebom wyższych warstw państwo feudalno-absolutystyczne.
Mimo całej swojej postępowości, oświeceni nie mogli wyjść poza granice swojej epoki. W intrygach harmonijnego społeczeństwa oświeceni polegali na jakimś abstrakcyjnym „obywatelu”, na jego świadomości politycznej i moralnej, a nie na tej prawdziwej osobie, która faktycznie została ukształtowana w kapitalizmie.
Oświeceni poprzez edukację moralną, polityczną i estetyczną starali się dokonać przemiany społeczeństwa na zasadach równości i sprawiedliwości. Zdawali sobie sprawę, że istnieją sprzeczności między interesami prywatnymi i publicznymi, między osobistymi aspiracjami a obowiązkami, między jednostką a społeczeństwem. Mieli nadzieję rozwiązać te sprzeczności w dużej mierze poprzez edukację estetyczną. Stąd mieli przekonanie, że zasada estetyki jest w stanie złagodzić wrodzony egoizm ludzi, zmienić człowieka w „jednostkę”.
Z punktu widzenia wychowania „obywatela”, nowego człowieka, oświeceni rozważali podstawowe pojęcia: piękna, wzniosłości, harmonii, wdzięku, smaku ( Burke, Diderot ); w tym samym duchu potraktowano zagadnienia istoty i społecznych funkcji sztuki, konfliktu artystycznego, charakteru, prawdy w sztuce itd. Motywem przewodnim koncepcji estetycznych Oświecenia była obrona sztuki wysokiego patosu obywatelskiego, zasad realizmu i humanizmu. Mówił o relacji między pięknem a moralnością Shaftesbury .
Interpretując kategorie estetyki, oświeceni wyszli z zasad sensacyjności, która jest takim kierunkiem w teorii poznania, według której zmysłowość jest główną formą rzetelnej wiedzy. Klasyczna formuła charakteryzująca sensację należy do stoików: „Nie ma w umyśle niczego, czego wcześniej nie było w zmysłach”.
Projekt teoretyczny przedmiotu estetyki
Założycielem niemieckiej estetyki Oświecenia i „ojcem chrzestnym” samodzielnego działu wiedzy filozoficznej był Baumgarten . Jego system epistemologiczny został podzielony na dwa działy: estetykę i logikę. Pierwsza była teorią „niższej”, zmysłowej wiedzy, druga – wyższej, „intelektualnej”. Na określenie niższej wiedzy wybrał termin „estetyka”, który był jednocześnie interpretowany jako doznanie, uczucie i wiedza. Jeśli więc logika jest nauką o poznaniu intelektualnym, czyli prawach i formach myślenia, to estetyka jest nauką o poznaniu zmysłowym. W związku z tym istnieją dwa rodzaje sądów: „logiczne” i „wrażliwe” (zmysłowe). Ci pierwsi opierają się na odrębnych ideach, drudzy na niejasnych. Te oparte na jasnych ideach nazywa osądami rozumu, a te oparte na niejasnych ideach nazywa osądami smaku. Sądy rozumu dają nam prawdę, sądy smaku dają nam piękno. Obiektywną podstawą sądu umysłu i sądu smaku jest doskonałość, czyli zgodność przedmiotów z ich pojęciem.
Istota i publiczny cel sztuki w epoce oświecenia
Istotę sztuki upatrywał w naśladowaniu natury przez niemieckiego oświecacza Winkelmana. Naśladowanie tego, co piękne w przyrodzie, może być skierowane albo na pojedynczy obiekt, albo zbierać razem obserwacje na wielu pojedynczych obiektach. W pierwszym przypadku uzyskuje się podobną kopię, portret, w drugim - obraz idealny. Winkelman uważa, że drugi sposób jest bardziej owocny. Artysta nie występuje tu jako kopista, ale jako prawdziwy twórca, bo przed stworzeniem obrazu opracowuje ogólną koncepcję piękna, a następnie podąża za jego pierwowzorem. Idealne piękno wykracza poza zwykłe formy materii, pokonuje ich ograniczenia.
Strona główna > Pomoc dydaktycznaESTETYKA NOWYCH CZASU
Po kryzysie renesansu rozpoczęła się era New Age, która została wyrażona i utrwalona w takich nowych dziedzinach kultury jak klasycyzm, oświecenie (realizm oświeceniowy), sentymentalizm, romantyzm. Klasycyzm(z łac. classicus - wzorowy) - styl artystyczny i nurt estetyczny w literaturze i sztuce europejskiej XVII - początku XIX w., którego jedną z ważnych cech było odwoływanie się do wyobrażeń i form literatury i sztuki antycznej jako ideału estetyczny standard. Kształtuje się klasycyzm, doświadczający wpływu innych paneuropejskich nurtów w sztuce, które mają z nim bezpośredni kontakt: odrzuca estetykę, która go poprzedzała i przeciwstawia się sztuce, która aktywnie z nim współistnieje. , przesiąkniętą świadomością powszechnej niezgody wywołanej kryzysem ideałów minionej epoki. Kontynuując niektóre tradycje renesansu (podziw dla starożytnych, wiara w rozum, ideał harmonii i miary), klasycyzm był dla niego swego rodzaju antytezą; Za zewnętrzną harmonią klasycyzmu kryje się wewnętrzna antynomia światopoglądu, co sprawia, że jest on związany z barokiem (przy wszystkich ich głębokich różnicach). Rodzajowe i indywidualne, publiczne i prywatne, umysł i uczucia, cywilizacja i natura, które działały (w trendzie) w sztuce renesansu jako jedna harmonijna całość, ulegają w klasycyzmowi polaryzacji, stając się pojęciami wzajemnie wykluczającymi się. Odzwierciedlało to nowy stan historyczny, kiedy sfera polityczna i prywatna zaczęła się rozpadać, a stosunki społeczne przekształciły się w odrębną i abstrakcyjną siłę dla człowieka. Klasycyzm- kierownictwo artystyczne literatury i sztuki francuskiej, a następnie europejskiej, które wysuwa i aprobuje koncepcję artystyczną, zgodnie z którą osoba w państwie absolutystycznym przedkłada swój obowiązek wobec państwa ponad swoje interesy. Artystyczna koncepcja świata klasycyzmu jest racjonalistyczna, ahistoryczna i zawiera idee państwowości i stabilności (sustainability). Klasycyzm powstał pod koniec renesansu, z którym ma szereg powiązanych cech: 1) imitacja starożytności; 2) powrót do zapomnianych w średniowieczu norm sztuki klasycznej (stąd nazwa tego ruchu artystycznego). Estetyka i sztuka klasycyzmu powstały na fundamencie filozofii Kartezjusza, który za niezależne zasady uznał materię i ducha, uczucie i umysł. Dzieła klasycyzmu charakteryzują się wyrazistością, prostotą wyrazu, harmonijną i wyważoną formą; spokój, powściągliwość w emocjach, umiejętność obiektywnego myślenia i wyrażania siebie; miara, racjonalna konstrukcja; jedność; spójność, doskonałość formalna (harmonia form); poprawność, kolejność, proporcjonalność części, równowaga, symetria; ścisła kompozycja, niehistoryczna interpretacja wydarzeń, przedstawienie postaci poza ich indywidualizacją. Sztukę klasycyzmu charakteryzuje patos obywatelski, państwowość pozycji, wiara w moc rozumu, jasność i jasność ocen moralnych i estetycznych. Klasycyzm jest dydaktyczny, pouczający. Jego obrazy są estetycznie monochromatyczne, nie charakteryzują się objętością, wszechstronnością. Dzieła zbudowane są na jednej warstwie językowej – „stylu wysokim”, który nie absorbuje bogactwa mowy ludowej i innych stylów. Mowa ludowa znajduje urzeczywistnienie tylko w gatunku komedii, która należy do utworów „low style”. Komedia w klasycyzmie była koncentracją uogólnionych cech, przeciwnych cnocie. Klasycyzm znalazł swój wyraz w twórczości Moliera, La Fontaine'a, Corneille'a, Racine'a, Boileau i innych.
duży teatrw.
Architektura klasycyzm afirmuje szereg zasad: 1) obecność nieuzasadnionych funkcjonalnie detali, które jednocześnie wnoszą do budynku odświętność i elegancję, ale jednocześnie jest ich niewiele: powinno to podkreślać ich znaczenie; 2) jasność w podkreślaniu głównej i jej różnicy od drugorzędnej; 3) integralność, tektoniczność (umiejętności konstrukcyjne) i integralność budynku; 4) kolejność podporządkowania wszystkich elementów budynku; 5) zasady projektowania budynku „na zewnątrz – wewnątrz”; 6) piękno w surowości, harmonii, państwowości; 7) dominacja tradycji antycznej; 8) wiara w harmonię, jedność, integralność, „sprawiedliwość” wszechświata; 9) nie architektura otoczona przestrzenią naturalną, ale przestrzeń zorganizowana przez architekturę; 10) kubatura budynku zredukowana do elementarnych, stabilnych form geometrycznie poprawnych, przeciwstawiających się swobodnym formom dzikiej przyrody. Stopniowo koncepcja artystyczna klasycyzmu zaczęła się przekształcać w koncepcję artystyczną imperium. Imperium - ruch artystyczny, który najpełniej przejawił się w architekturze, sztukach użytkowych i dekoracyjnych, a w swojej koncepcji artystycznej zapewniał imperialną wielkość, powagę, stabilność państwa oraz zorientowaną na państwo i uregulowaną osobę w imperium obejmującym świat widzialny. Imperium powstało we Francji w czasach imperium Napoleona I. Genetyczny związek imperium z klasycyzmem jest tak oczywisty, że często nazywa się imperium późnym klasycyzmem. Koncentrując się, podobnie jak klasycyzm, na próbkach sztuki antycznej, cesarstwo włączyło w swój krąg dziedzictwo artystyczne archaicznej Grecji i cesarskiego Rzymu, czerpiąc z niego motywy ucieleśnienia majestatycznej władzy i siły militarnej: monumentalne formy masywnych portyków (głównie doryckich i ordery toskańskie), emblematy wojskowe w detalu architektonicznym i wystroju (wiązki głosicieli, zbroje wojskowe, wieńce laurowe, orły itp.). Imperium obejmowało także pojedyncze starożytne egipskie motywy architektoniczne i plastyczne (duże niepodzielne płaszczyzny ścian i pylonów, masywne geometryczne bryły, egipskie ornamenty, stylizowane sfinksy itp.). Architektura empirowa dążyła do jak najpełniejszego odwzorowania starożytnych budowli rzymskich, wyróżniała się przepychem, bogactwem połączonym z uroczyście surową monumentalnością, włączeniem do wystroju starożytnych rzymskich emblematów i detali rzymskiej broni.
Sobór Kazański (Petersburg)
Imperium Rosyjskie podało przykłady decyzji urbanistycznych o znaczeniu światowym (zespoły Leningradu, architekt K. I. Rossi), budynki publiczne (Admiralicja, 1806 - 23, architekt A. D. Zacharow i Instytut Górniczy, 1806, architekt A. N. Woronikhin, - w Leningradzie ), dzieła rzeźby monumentalnej (pomnik Minina i Pożarskiego w Moskwie, 1804-18, rzeźbiarz I.P. Martos).
Bramy Triumfalne (Moskwa)
Realizm oświecenia- kierunek artystyczny, który zapewniał przedsiębiorczą, czasem pełną przygód osobę w zmieniającym się świecie; oparł się na filozofii i estetyce Oświecenia, w szczególności na ideach Woltera. Prawdziwyorazgp w literaturze i sztuce jest prawdziwym, obiektywnym odzwierciedleniem rzeczywistości za pomocą określonych środków właściwych dla tego czy innego rodzaju twórczości artystycznej. W toku historycznego rozwoju sztuki realizm przybiera konkretne formy pewnych metod twórczych. - np. realizm oświeceniowy, realizm krytyczny, realizm socjalistyczny. Każda z tych metod, połączona ciągłością, ma swoje charakterystyczne cechy. Sentymentalizm – kierownictwo artystyczne, w ramach koncepcji artystycznej, w której działa bohater - osoba emocjonalnie wrażliwa, dotknięta cnotą i przerażona złem. Jest to kierunek antyracjonalistyczny, odwołujący się do ludzkich uczuć iw swej artystycznej koncepcji idealizujący cnoty pozytywnych bohaterów, jasne strony bohaterów. W ramach tego kierunku wyznaczane są wyraźne granice między dobrem a złem, pozytywnym i negatywnym w życiu. Przedstawiciele sentymentalizmu w literaturze (J.-J. Rousseau, N.M. Karamzin) zwrócili się do rzeczywistości, ale w przeciwieństwie do realizmu ich interpretacja świata była naiwna i sielankowa. Cała złożoność procesów życiowych została wyjaśniona przyczynami duchowymi. W ramach sentymentalizmu narodziły się takie gatunki twórcze, jak sielankowa i pasterska; w nich rzeczywistość artystyczna jest przepojona spokojem i dobrocią, życzliwością i światłem. Idylla- gatunek, który estetyzuje i uspokaja rzeczywistość oraz oddaje uczucie czułości poprzez cnoty patriarchalnego świata. W literaturze sentymentalnej sielanka znalazła swoje ucieleśnienie w szczególności w Biednej Lisie Karamzina. Pasterski- gatunek prac na tematy z życia pasterza, który powstał w starożytności i przeniknął do wielu dzieł klasycznej i współczesnej literatury europejskiej. Pasterstwo opiera się na przekonaniu, że przeszłość to „złoty wiek”, kiedy ludzie żyli spokojnym pasterzem w pełnej harmonii z naturą. Duszpasterstwo to utopia zwrócona w przeszłość, idealizująca życie pasterza i kreująca obraz beztroskiej, spokojnej egzystencji. Sielankowe i pasterskie bliskie są sentymentalizmowi, z jednej strony mają wyraźne nasycenie emocjonalne, z drugiej harmonizują ostro skonfliktowaną rzeczywistość. Upadek sentymentalizmu i zmniejszenie pragnienia szczęścia duszpasterskiego zrodziły utopie skierowane ku przyszłości. Romantyzm - kierunek artystyczny, dla którego system idei stał się niezmiennikiem artystycznej koncepcji świata i osobowości: zło nie może być usunięte z życia, jest wieczne, tak jak wieczna jest walka z nim; „smutek świata” - stan świata, który stał się stanem umysłu; indywidualizm to cecha romantycznej osobowości. Romantyzm to nowy kierunek artystyczny i nowa postawa; to sztuka czasów nowożytnych, reprezentująca nowy etap w rozwoju kultury światowej. Romantyzm przedstawił następującą podstawową koncepcję: choć opór wobec zła nie pozwala mu stać się absolutnym władcą świata, nie może radykalnie zmienić tego świata i całkowicie wyeliminować zła. Romantyzm uważał literaturę za środek, za pomocą którego można opowiedzieć ludziom o podstawach wszechświata, dać wszechstronną wiedzę, która syntetyzuje w sobie wszystkie osiągnięcia ludzkości. Głównym osiągnięciem filozoficzno-historycznym romantyków była zasada historyzmu, z aprobatą której idea nieskończoności wkracza do estetyki i sztuki romantyzmu. Romantycy rozwinęli nowe gatunki: opowiadanie psychologiczne (wczesni francuscy romantycy), poemat liryczny (Byron, Shelley), poemat liryczny. Powstały gatunki liryczne, które przeciwstawiały romantyzm klasycyzmowi i oświeceniu, które miały charakter racjonalistyczny. Zwykle uważa się, że romantyzm pojawia się w poezji V. A. Żukowskiego (chociaż niektóre rosyjskie dzieła poetyckie z lat 1790-1800 są często przypisywane ruchowi przedromantycznemu, który się z niego rozwinął). W rosyjskim romantyzmie pojawia się wolność od klasycznych konwencji, powstaje ballada, romantyczny dramat. Utwierdza się nową ideę istoty i znaczenia poezji, którą uznaje się za niezależną sferę życia, wyraz najwyższych, idealnych dążeń człowieka; stary pogląd, według którego poezja była pustą rozrywką, czymś w rodzaju usługi, okazuje się niemożliwy. Wczesna poezja A.S. Puszkin rozwinął się również w ramach romantyzmu. Poezję M.Yu można uznać za szczyt rosyjskiego romantyzmu. Lermontow, „Rosyjski Byron”. Teksty filozoficzne F.I. Tiutczew jest zarówno dopełnieniem, jak i przezwyciężeniem romantyzmu w Rosji. Sztuka romantyzmu jest metaforyczna, asocjacyjna, polisemantyczna i skłania się ku syntezie i interakcji gatunków, rodzajów sztuki oraz powiązań z filozofią i religią. Artystyczne i estetyczne cechy romantyzmu sprowadzają się do: 1) podwyższonej wrażliwości, przeprosin za uczucie; 2) zainteresowanie kulturami odległymi geograficznie i historycznie - kulturami, które nie są wyrafinowane i "naiwne"; orientacja na tradycje średniowiecza; 3) uzależnienie od „naturalnych”, „malowniczych” pejzaży; 4) odrzucenie ścisłych norm i pedantycznych reguł poetyki klasycyzmu; 5) wzmocnienie indywidualizmu i osobowo-podmiotowego początku życia i kreatywności; 6) pojawienie się historyzmu i tożsamości narodowej w myśleniu artystycznym.GŁÓWNE TENDENCJE W ROZWOJU ESTETYKIXIX – XXwieki
Najnowszy czas (od XIX wieku do chwili obecnej) obejmuje dwie epoki artystyczne: awangarda oraz realizm. Specyfika tych nurtów polega na tym, że nie rozwijają się one sekwencyjnie, ale historycznie równolegle, to znaczy awangardowe grupy ruchów artystycznych (przedmodernizm, modernizm, neomodernizm, postmodernizm) rozwijają się równolegle z grupami realistycznymi (realizm krytyczny XIX w., socrealizm, proza wiejska, neorealizm, realizm magiczny, realizm psychologiczny, realizm intelektualny). W tym równoległym rozwoju epok przejawia się ogólne przyspieszenie ruchu historii. Kierunki awangardy (awangarda)) (Avant- ogród- „oddział zaawansowany”) - uogólniająca nazwa prądów, które powstały na przełomie i., wyrażona w formie polemiczno-bojowej. Awangarda charakteryzujące się podejściem do plastyki, wykraczającym poza klasykę, stosowaniem oryginalnych, nowatorskich środków wyrazu, akcentowaniem obrazów artystycznych. pojęcie awangarda w dużej mierze w istocie. Termin ten odnosi się do wielu nurtów w sztuce, mających niekiedy diametralnie przeciwstawne podstawy ideologiczne. Istnieją jednak cechy, które spajają twórczość artystów awangardowych: nowe spojrzenie na pozycję i cel człowieka we wszechświecie, odrzucenie wcześniej ustalonych reguł i norm, tradycji i konwencji; eksperymenty w zakresie formy i stylu, poszukiwanie nowych środków i technik artystycznych. Jedno z głównych zapisów koncepcji artystycznej nurtów awangardowych: chaos, nieporządek to prawo współczesnego życia ludzkiego społeczeństwa. Sztuka staje się chaosologią, badającą prawa światowego nieładu. Wszystkie awangardowe trendy ograniczają, bagatelizują świadome i zwiększają nieświadomość w procesach twórczych i odbiorczych. Obszary te zwracają dużą uwagę na sztukę masową i problemy kształtowania się świadomości jednostki. przedmodernizm - reprezentuje pierwszy (początkowy) okres rozwoju artystycznego epoki awangardy; to grupa nurtów artystycznych w kulturze drugiej połowy XIX wieku, otwierająca całą scenę ( etap utraconych złudzeń) najnowsze osiągnięcie artystyczne, a mianowicie: naturalizm, impresjonizm, eklektyzm. Naturalizm (Francuski naturalisme, z łac. naturalis - natural, natural, natura - nature) - nurt w literaturze i sztuce, który rozwinął się w ostatniej tercji XIX wieku. w Europie i USA; dążył do obiektywnego, dokładnego i beznamiętnego odtworzenia obserwowanej rzeczywistości. Przedmiotem naturalizmu był charakter człowieka w jego uwarunkowaniach, przede wszystkim przez naturę fizjologiczną i środowisko, rozumiane głównie jako bezpośrednie otoczenie codzienne i materialne, ale też nie wyłączając na ogół istotnych czynników społeczno-historycznych (charakterystycznych dla realizmu O. Balzaka i Stendhala). Naturalizm powstał pod wpływem znaczących sukcesów w naukach przyrodniczych (m.in. pod wpływem darwinowskiej teorii biologicznej), których metodologia wyraźnie sprzeciwiała się nienaukowym metodom poznania. Cała estetyka naturalizmu zorientowana jest na nauki przyrodnicze, a przede wszystkim na fizjologię. Zadaniem naturalizmu było „eksperymentalne” (naukowe) badanie charakteru człowieka, które polega na wprowadzeniu naukowych metod poznania do twórczości artystycznej. Dzieło sztuki traktowane było jako „dokument ludzki”, a głównym kryterium estetycznym była kompletność dokonanego w nim aktu poznawczego. Naturalizm ostatecznie ukształtował się wraz z pojawieniem się w literaturze E., który rozwinął teorię kierunku i próbował ją wdrożyć w swojej pracy artystycznej. W połowie lat 70-tych. Wokół Zoli rozwinęła się szkoła naturalistyczna (G. Maupassant, A. Sear, A. Daudet i in.), pełna wewnętrznych sprzeczności i walki literackiej. Naturalizm twierdzi, że cały świat widzialny jest częścią natury, można go wytłumaczyć jej prawami, a nie przyczynami nadprzyrodzonymi czy paranormalnymi. Niezmiennikiem jego koncepcji artystycznej było twierdzenie o osobie w ciele w otaczającym go materialnym świecie; człowiek, będąc wysoce zorganizowaną jednostką biologiczną, zasługuje na uwagę w każdym przejawie. W artystycznej koncepcji naturalizmu pragnienia i możliwości, ideały i rzeczywistość są zrównoważone, istnieje pewna samozadowolenie społeczeństwa, jego zadowolenie ze swojej pozycji i niechęć do zmiany czegokolwiek na świecie. Impresjonizm (impresjonizm, z wrażenie- wrażenie) - kierunek w ostatniej tercji - początek., który powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat, którego przedstawiciele starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić świat rzeczywisty w jego mobilności i zmienności, przekazać swoje ulotne wrażenia. Zwykle termin „impresjonizm” oznacza kierunek w malarstwie, chociaż jego idee znalazły również swoje ucieleśnienie w literaturze i. Niezmiennikiem artystycznej koncepcji tego nurtu było zapewnienie wyrafinowanej, wrażliwej lirycznie osobowości, podziwiającej piękno świata. Impresjonizm otworzył nowy rodzaj postrzegania rzeczywistości. W przeciwieństwie do realizmu, który nastawiony jest na przekazywanie typowego, impresjonizm nastawiony jest na szczególną, indywidualną i subiektywną wizję artysty.
Claude Monet. Wrażenie. Wschód słońca. , Muzeum Marmottan-Monnet, .
Impresjonizm polega na opanowaniu koloru, światłocieniu; umiejętność oddania różnorodności, wielobarwności życia, radości bycia, uchwycenia ulotnych chwil iluminacji i ogólnego stanu otaczającego zmieniającego się świata, oddania gry świateł i cieni wokół człowieka i rzeczy (plener) , środowisko powietrza, naturalne oświetlenie, nadające estetyczny wygląd przedstawionemu obiektowi. Impresjonizm przejawiał się w malarstwie (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse) i muzyce (C. Debussy, A. Skriabin); w literaturze (G. Maupassant, O. Wilde, A. Simone; w Rosji - K. Balmont, I. Annensky).
Edgar Degas, niebieskie tancerki, , Muzeum Puszkina im. Puszkina,
Eklektyzm - kierunek artystyczny, który przejawiał się głównie w architekturze; wiąże się przy tworzeniu dzieł z dowolnym połączeniem jakichkolwiek form przeszłości, wszelkich tradycji narodowych, szczerym dekoratywizmem, wymiennością i równorzędnością elementów w dziele, naruszeniem hierarchii w systemie artystycznym oraz osłabieniem systemu i integralności. Eklektyzm jest „wielostylowy” w tym sensie, że budynki z tego samego okresu opierają się na szkołach różnych stylów, w zależności od przeznaczenia budynków (świątynie, budynki użyteczności publicznej, fabryki, domy prywatne) oraz od funduszy klienta (bogate dekoracje współistnieją , wypełniające wszystkie powierzchnie budynku oraz oszczędną architekturę z czerwonej cegły). Jest to podstawowa różnica między eklektyzmem a tym, który dyktował jeden styl budynkom dowolnego typu.
Wczesny eklektyzmA. I. Stackenschneider- prywatny dom-pałac Beloselsky-Belozersky
Eklektyzm charakteryzuje się: 1) nadmiarem dekoracji; 2) równe znaczenie różnych elementów wszystkich form stylistycznych; 3) utrata rozróżnienia między masywnym i niepowtarzalnym budynkiem w zespole urbanistycznym lub dziełem literackim a innymi dziełami procesu literackiego; 4) brak jedności: elewacja odrywa się od bryły budynku, detal - od całości, styl elewacji - od stylu wnętrza, style różnych wnętrz - od siebie; 5) dowolna kompozycja symetryczno-osiowa (odejście od zasady nieparzystej liczby okien na elewacji), jednolitość elewacji; 6) zasada „non-finito” (niekompletność dzieła, otwartość kompozycji); 7) wzmacnianie skojarzenia myślenia autora (artysty, pisarza, architekta) i widza; 8) wyzwolenie z tradycji antycznej i oparcie się na kulturach różnych epok i różnych narodów, spragnionych egzotyki; 9) wielostylowy; 10) osobowość nieuregulowana (w przeciwieństwie do klasycyzmu), subiektywizm, swobodna manifestacja elementów osobowych; 11) demokratyzm: tendencja do tworzenia uniwersalnego, bezklasowego typu zabudowy miejskiej.
W jednym bloku: świątynny, handlowy (po lewej) i miejski eklektyzm
(Po prawej: Obecny budynek Rosniefti został zbudowany jako Dom tanich mieszkań Bachruszyna)
Funkcjonalnie eklektyzm w literaturze, architekturze i innych sztukach ma na celu służbę „trzeciej posiadłości” Porównaj: kluczowym budynkiem baroku jest kościół lub pałac; kluczowym budynkiem klasycyzmu jest budowanie państwa; kluczową strukturą eklektyzmu jest apartamentowiec („dla każdego”). Eklektyczny dekoratywizm to czynnik rynkowy, który powstał w celu przyciągnięcia szerokiej klienteli do apartamentowca, w którym wynajmowane są mieszkania; obudowa masowa. Modernizm - zespół nurtów artystycznych w sztuce drugiej połowy XIX - połowy XX wieku. Najważniejszymi nurtami modernistycznymi były symbolika, akmeizm; późniejsze nurty - sztuka abstrakcyjna, . W wąskim sensie modernizm jest postrzegany jako wczesny etap, początek rewizji tradycji klasycznych. Datę narodzin modernizmu często nazywa się 1863 rokiem – rokiem otwarcia „Salonu Odrzuconych”, gdzie przyjmowano prace artystów odrzuconych przez jury oficjalnego Salonu. W szerokim sensie modernizm to „kolejna sztuka”, której głównym celem jest tworzenie dzieł oryginalnych, opartych na wewnętrznej wolności i szczególnej wizji świata przez autora oraz niosących nowe środki wyrazu wizualnego języka. Koncepcje artystyczne nurtów modernistycznych odzwierciedlają przyspieszenie historii i wzmocnienie jej presji na człowieka; w tym okresie rozwój i zmiana nurtów artystycznych następowała szybko. Modernistyczne trendy artystyczne buduje się poprzez dekonstrukcję typologicznej struktury dzieła klasycznego – jeden z jego elementów staje się przedmiotem artystycznych eksperymentów. W sztuce klasycznej te elementy są zrównoważone. Modernizm zaburza tę równowagę, wzmacniając niektóre elementy i osłabiając inne. Symbolizm (symbolizm) - jeden z największych trendów w sztuce (w i), który powstał w latach 1870-80. i osiągnął swój największy rozwój na przełomie XIX i XX wieku, głównie w sobie i. Symboliści radykalnie zmienili nie tylko różne rodzaje sztuki, ale także sam stosunek do niej. Ich eksperymentalny charakter, chęć innowacji i szeroki zakres wpływów stały się wzorem dla większości współczesnych ruchów artystycznych. Symboliści stosowali symbolikę, niedopowiedzenie, wskazówki, tajemnicę, tajemnicę. Głównym nastrojem uchwyconym przez symbolistów był pesymizm, sięgający rozpaczy. Wszystko, co „naturalne” zostało przedstawione jedynie jako „wygląd”, który nie miał samodzielnej wartości artystycznej. Koncepcja artystyczna Symbolistów: marzeniem poety (artysty) jest rycerskość i piękna dama.
Michaił Vrubel. księżniczka łabędź
ameizm (od άκμη - „najwyższy stopień, szczyt, kwitnienie, czas kwitnienia”) - nurt literacki (głównie w poezji), który przeciwstawił się i powstał na początku XX wieku. c - w „Srebrnym Wieku”. Akmeiści głosili materialność, obiektywność tematów i obrazów, trafność słowa. Ich koncepcja artystyczna sprowadzała się do tego, że poeta jest czarownikiem i dumnym władcą świata, odkrywającym jego tajemnice i przezwyciężającym jego chaos. Powstawanie acmeizmu jest ściśle związane z działalnością „Warsztatu Poetów”, którego centralnymi postaciami byli organizatorzy acmeizmu i SM Gorodetsky. O. Mandelstam, A. Achmatowa, G. Iwanow i inni pracowali zgodnie z tym trendem. Futuryzm (futurum - przyszłość) - ogólna nazwa awangard artystycznych - początek lat 20., głównie w i. Autorem słowa i założycielem kierunku jest włoski poeta Filippo Marinetti (wiersz „Czerwony cukier”). Sama nazwa sugeruje kult przyszłości i dyskryminację przeszłości wraz z teraźniejszością. 20 lutego w gazecie „Marinetti” opublikowano „Manifest futuryzmu”. Został napisany dla młodych włoskich artystów. Marinetti pisał: „Najstarsi z nas mają trzydzieści lat, za 10 lat musimy wykonać swoje zadanie, aż przyjdzie nowe pokolenie i wyrzuci nas do kosza…”. Manifest Marinettiego głosi „styl telegraficzny”, który w szczególności wyznaczył początek u.Materiały dydaktyczno-metodyczne katedry dyscyplin prawa cywilnego dla studentów Wydziału Prawa / komp. S.V. Fadeev. - Kirow: oddział NOU VPO „SPbIVESEP” w Kirow
Samokhin Andriej Władimirowicz – dr hab. ist. Sciences, zastępca dyrektora ds. pracy naukowej i metodologicznej oddziału Instytutu Stosunków Gospodarczych z Zagranicą, Ekonomii i Prawa w Petersburgu (St.
