Renesans - czas rozkwitu intelektualnego we Włoszech, który wpłynął na rozwój ludzkości. Ten wspaniały czas rozpoczął się w XIV wieku i zaczął podupadać w XVI wieku. Nie sposób znaleźć jednego obszaru działalności człowieka, który nie zostałby dotknięty renesansem. szczyt kultura ludzka, kreatywność, sztuka, nauki. Polityka, filozofia, literatura, architektura, malarstwo – wszystko to nabrało nowego oddechu i zaczęło się rozwijać w niezwykle szybkim tempie. Większość największych artystów, którzy odeszli od siebie wieczna pamięć w pracach i rozwinął większość zasad i praw malarstwa, żył i pracował w tym czasie. Renesans stał się dla ludzi powiewem świeżego powietrza i początkiem nowego życia, realnego rewolucja kulturalna. Zawaliły się zasady życia w średniowieczu i człowiek zaczął dążyć do wysokości, jakby realizując swoje prawdziwe przeznaczenie na Ziemi - tworzyć i rozwijać.
Odrodzenie to nic innego jak powrót do wartości z przeszłości. Na nowo przemyślano wartości z przeszłości, w tym takie jak wiara i szczera miłość do sztuki, tworzenia, tworzenia. Świadomość człowieka we wszechświecie: człowiek jako korona natury, korona boskie stworzenie kto sam jest twórcą.
przez większość znany artysta Renesans to Alberti, Michelangelo, Raphael, Albrecht Dürer i wielu innych. Swoją pracą wyrazili ogólną koncepcję wszechświata, koncepcję pochodzenia człowieka, która opierała się na religii i mitach. Można powiedzieć, że wtedy pojawiło się pragnienie artystów, aby nauczyć się tworzyć realistyczny obraz człowieka, natury, rzeczy, a także zjawisk niematerialnych - uczuć, emocji, nastrojów itp. Początkowo Florencja była uważana za centrum renesansu, ale w XVI wieku zdobyła Wenecję. To właśnie w Wenecji ulokowali się najważniejsi dobroczyńcy czy mecenasi renesansu, tacy jak Medyceusze, papieże i inni.
Nie ulega wątpliwości, że Renesans wpłynął na rozwój całej ludzkości w każdym tego słowa znaczeniu. Dzieła sztuki tamtych czasów wciąż należą do najdroższych, a ich autorzy na zawsze zapisali się w historii. Renesansowe obrazy i rzeźby uważane są za bezcenne arcydzieła i nadal są przewodnikiem i przykładem dla każdego artysty. Wyjątkowa sztuka zachwyca swoim pięknem i głębią intencji. Każdy człowiek musi wiedzieć o tym niezwykłym czasie, który był w historii naszej przeszłości, bez którego spuścizny nie sposób wyobrazić sobie naszej teraźniejszości i przyszłości.
Leonardo da Vinci - Mona Lisa (La Gioconda)
Rafael Santi - Madonna
Renesans czy renesans dał nam wiele wspaniałych dzieł sztuki. Był to okres sprzyjający rozwojowi kreatywności. Z renesansem kojarzą się nazwiska wielu wielkich artystów. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Tycjan, Correggio - to tylko niewielka część nazwisk ówczesnych twórców.
Okres ten wiąże się z pojawieniem się nowych stylów i malarstwa. Podejście do przedstawiania ludzkiego ciała stało się niemal naukowe. Artyści dążą do rzeczywistości - dopracowują każdy szczegół. Ludzie i wydarzenia na obrazach z tamtych czasów wyglądają niezwykle realistycznie.
Historycy identyfikują kilka okresów w rozwoju malarstwa w okresie renesansu.
Gotyk - 1200s. popularny styl na podwórku. Wyróżniał się pompatycznością, pretensjonalnością, przesadną kolorowością. Używany jako farby. Obrazy były tematem wątków ołtarzowych. Bardzo znani przedstawiciele w tym kierunku - włoscy artyści Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.
Sandro Botticellego
Protorenesans - 1300s. W tym czasie w malarstwie następuje restrukturyzacja obyczajów. Motywy religijne schodzą na dalszy plan, a coraz większą popularność zyskuje świecka. Obraz zajmuje miejsce ikony. Ludzie są przedstawiani bardziej realistycznie, mimika twarzy i gesty stają się ważne dla artystów. Wydaje nowy gatunek Dzieła wizualne - . Przedstawicielami tego czasu są Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.
Wczesny renesans - 1400. Powstanie malarstwa niereligijnego. Nawet twarze na ikonach stają się bardziej żywe – nabywają cechy ludzkie twarze. Artyści więcej wczesne okresy próbował rysować pejzaże, ale służyły one tylko jako dodatek, jako tło do głównego obrazu. W okresie wczesnego renesansu staje się niezależnym gatunkiem. Portret nadal się rozwija. Naukowcy odkrywają prawo perspektywy linearnej i na tej podstawie artyści budują swoje obrazy. Na ich płótnach widać prawidłowe przestrzeń trójwymiarowa. Wybitnymi przedstawicielami tego okresu są Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.
Wysoki Renesans - Złoty Wiek. Horyzonty artystów poszerzają się – ich zainteresowania rozciągają się w przestrzeń Kosmosu, uważają człowieka za centrum wszechświata.
W tym czasie pojawiają się "tytani" renesansu - Leonardo Da Vinci, Michał Anioł, Tycjan, Raphael Santi i inni. To ludzie, których zainteresowania nie ograniczały się do malarstwa. Ich wiedza sięgała znacznie dalej. przez większość wybitny przedstawiciel był Leonardo Da Vinci, który był nie tylko świetnym malarzem, ale także naukowcem, rzeźbiarzem, dramatopisarzem. Stworzył fantastyczne techniki malarskie, takie jak "smuffato" - iluzję zamglenia, z której powstała słynna "La Gioconda".
Leonardo da Vinci
Późny renesans- przemijanie renesansu (połowa XVI wieku - koniec XVII wieku). Ten czas wiąże się ze zmianami, kryzysem religijnym. Kończy się rozkwit, linie na płótnach stają się nerwowe, odchodzi indywidualizm. Obraz obrazów staje się coraz bardziej tłumem. Utalentowane dzieła tamtych czasów należą do pióra Paolo Veronese, Jacopo Tinoretta.
Paolo Veronese
Włochy dały światu najzdolniejszych artystów renesansu, są najczęściej wymieniani w historii malarstwa. Tymczasem w innych krajach w tym okresie rozwijało się również malarstwo, które wpłynęło na rozwój tej sztuki. Malarstwo innych krajów w tym okresie nazywa się renesansem północnym.
Narody Europy starały się ożywić skarby i tradycje utracone w wyniku niekończących się wojen eksterminacyjnych. Wojny zabrały ludzi z powierzchni ziemi i wielkich rzeczy, które ludzie stworzyli. Pomysł ożywienia wysokiej cywilizacji świat starożytny powołała do życia filozofię, literaturę, muzykę, rozwój nauk przyrodniczych, a przede wszystkim rozkwit sztuki. Era wymagała silnych, wykształconych ludzi, którzy nie bali się żadnej pracy. To pośród nich możliwe stało się pojawienie się tych nielicznych geniuszy, których nazywa się „tytanami renesansu”. Tych, których nazywamy tylko po imieniu.
Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka w tym okresie osiągnęła najwyższy wzrost i rozkwit. To tutaj są dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, wielkich i po prostu utalentowanych artystów.
MUZYKA LEONARDO.
Co za szczęściarz! wielu powie o nim. Był obdarzony rzadkim zdrowiem, przystojny, wysoki, niebieskooki. W młodości nosił blond loki, z dumną posturą przypominającą św. Jerzego Donatelli. Posiadał niespotykaną i odważną siłę, męską waleczność. Śpiewał wspaniale, na oczach publiczności komponował melodie i wiersze. grał na dowolnym instrument muzyczny Co więcej, sam je stworzył.
W sztuce Leonarda da Vinci współcześni i potomkowie nigdy nie znaleźli innych definicji niż „genialny”, „boski”, „wielki”. Te same słowa odnoszą się do jego naukowych odkryć: wynalazł czołg, koparkę, helikopter, łódź podwodną, spadochron, broń automatyczną, hełm nurkowy, windę, zdecydował najtrudniejsze problemy akustyka, botanika, medycyna, kosmografia, stworzył projekt okrągłego teatru, wynalazł wahadło zegarowe sto lat wcześniej niż Galileusz, narysował obecne narty wodne, opracował teorię mechaniki.
Co za szczęściarz! - wielu powie o nim i zacznie wspominać jego ukochanych książąt i królów, którzy szukali z nim znajomości, spektakli i świąt, które wymyślił jako artysta, dramaturg, aktor, architekt i bawił się nimi jak dziecko.
Czy jednak niestrudzony Leonardo o długiej wątrobie był szczęśliwy, który każdego dnia dawał ludziom i światu opatrzność i wgląd? Przewidział straszny los swoich dzieł: zniszczenie „Ostatniej Wieczerzy”, rozstrzelanie pomnika Franceski Sforzy, niski handel i podłe kradzieże jego pamiętników, zeszytów ćwiczeń. W sumie do dziś zachowało się tylko szesnaście obrazów. Kilka rzeźb. Ale dużo rysunków, zakodowanych rysunków: podobnie jak bohaterowie współczesnej science fiction, zmienił detal w swoim projekcie, tak jakby drugi nie mógł go użyć.
Leonardo da Vinci pracował w różne rodzaje i gatunków sztuki, ale największą sławę przyniosło mu malarstwo.
Jednym z najwcześniejszych obrazów Leonarda jest „Madonna z kwiatem” lub „ Madonna Benois”. Już tutaj artysta jawi się jako prawdziwy innowator. Pokonuje tradycyjną fabułę i nadaje obrazowi szersze, uniwersalne znaczenie, jakim jest macierzyńska radość i miłość. W tej pracy wyraźnie zamanifestowało się wiele cech sztuki artysty: klarowna kompozycja figur i objętość form, pragnienie zwięzłości i uogólnienia oraz ekspresja psychologiczna.
Obraz „Madonna Litta” był kontynuacją rozpoczętego tematu, w którym wyraźnie zamanifestowała się kolejna cecha twórczości artystki – gra kontrastami. Temat uzupełnił obraz „Madonna w grocie”, będący idealnym rozwiązaniem kompozycyjnym, dzięki któremu przedstawione postacie Madonny, Chrystusa i aniołów zlewają się z pejzażem w jedną całość, obdarzoną spokojną równowagą i harmonią.
Jednym ze szczytów twórczości Leonarda jest fresk ” Ostatnia Wieczerza» w refektarzu klasztoru Santa Maria Della Grazie. Praca ta imponuje nie tylko całością kompozycji, ale również precyzją. Leonardo nie tylko przekazuje stan psychiczny apostołów, ale robi to w momencie, gdy dociera… punkt krytyczny, zamienia się w psychologiczną eksplozję i konflikt. Ta eksplozja jest spowodowana słowami Chrystusa: „Jeden z was mnie zdradzi”. W tej pracy Leonardo w pełni wykorzystał metodę konkretnego zestawienia postaci, dzięki czemu każda postać jawi się jako niepowtarzalna indywidualność i osobowość.
Drugim szczytem twórczości Leonarda był słynny portret Mona Lisy, czyli „La Gioconda”. Ta praca oznaczała początek gatunku portret psychologiczny w sztuka europejska. Kiedy powstał Wielki mistrz znakomicie wykorzystał cały arsenał środków artystyczna ekspresja: ostre kontrasty i miękkie półtony, zamrożony bezruch i ogólna płynność i zmienność, najsubtelniejsze psychologiczne niuanse i przejścia. Cały geniusz Leonarda tkwi w niesamowicie żywym spojrzeniu Mony Lisy, jej tajemniczym i enigmatycznym uśmiechu, mistycznej mgiełce spowijającej krajobraz. Ta praca jest jednym z najrzadszych arcydzieł sztuki.
Każdy, kto widział Giocondę przywiezioną z Luwru w Moskwie, pamięta minuty ich całkowitej głuchoty przy tym małym płótnie, napięcie wszystkiego najlepszego w sobie. Gioconda wydawała się być „Marsjaninem”, reprezentantem nieznanego – musi to być przyszłość, a nie przeszłość ludzkiego plemienia, ucieleśnienie harmonii, o której świat nie znudzi się i nie znudzi marzyć.
Można o nim powiedzieć znacznie więcej. Zaskoczony, że to nie jest fikcja ani fantazja. Tutaj na przykład możemy przypomnieć, jak zaproponował przeniesienie katedry San Giovanni – takie dzieło zadziwia nas, mieszkańców XX wieku.
Leonardo powiedział: dobry artysta musi umieć napisać dwie główne rzeczy: osobę i reprezentację jego duszy. A może mówi się o „Kolumbinie” z Ermitażu w Petersburgu? Niektórzy badacze nazywają to, a nie płótno Luwru, „La Gioconda”.
Chłopiec Nardo, bo tak nazywał się Vinci: nieślubny syn notariusza, który uważał ptaki i konie za najlepsze stworzenia na Ziemi. Kochany przez wszystkich i samotny, zginający stalowe miecze i rysujący wisielców. Wynalazca mostu przez Bosfor i idealne miasto, piękniejsze niż te Corbusiera i Niemeyera. Śpiewanie miękkim barytonem i sprawianie, że Mona Lisa się uśmiecha. W jednym z ostatnich zeszytów ten szczęściarz napisał: „Wydawało mi się, że uczę się żyć, ale uczyłem się umierać”. Jednak potem podsumował to: „Dobrze przeżyte życie to długie życie”.
Czy można nie zgodzić się z Leonardo?
SANDRO BOTTICELLI.
Sandro Botticelli urodził się we Florencji w 1445 roku w rodzinie garbarza skór.
Za pierwsze oryginalne dzieło Botticellego uważa się Adorację Trzech Króli (ok. 1740 r.), w której główna właściwość jego oryginalnej manier, senność i subtelna poezja, już w pełni wpłynęła. Był obdarzony wrodzonym wyczuciem poezji, ale wyraźny dotyk kontemplacyjnego smutku przeświecał przez niego dosłownie we wszystkim. Nawet św. Sebastian, dręczony strzałami swoich oprawców, patrzy na niego z namysłem iz dystansem.
Pod koniec lat 70. XIV wieku Botticelli zbliżył się do kręgu faktycznego władcy Florencji, Lorenza Medici, zwanego Wspaniałym. W luksusowych ogrodach Lorenzo zebrało się społeczeństwo ludzi, prawdopodobnie najbardziej oświeconych i utalentowanych we Florencji. Byli filozofowie, poeci, muzycy. Panowała atmosfera podziwu dla piękna, w którym ceniono nie tylko piękno sztuki, ale także piękno życia. prototyp doskonała sztuka oraz idealne życie starożytność rozpatrywano, postrzegano jednak przez pryzmat późniejszych warstw filozoficznych. Bez wątpienia pod wpływem tej atmosfery pierwszy Duży obraz Botticelli „Primavera (wiosna)”. To zjawiskowa, wykwintna, cudownie piękna alegoria wiecznego cyklu, ciągła aktualizacja Natura. Przenika go najbardziej złożony i kapryśny rytm muzyczny. Postać Flory ozdobiona kwiatami, tańczące łaski w rajski ogród przedstawiały obrazy piękna jeszcze nie widziane w tamtych czasach i dlatego robiły szczególnie urzekające wrażenie. Młody Botticelli natychmiast zajął poczesne miejsce wśród mistrzów swoich czasów.
To właśnie wysoka sława młodego malarza zapewniła mu zamówienie na biblijne freski do watykańskiej Kaplicy Sykstyńskiej, które stworzył na początku lat 80. XVIII wieku w Rzymie. Malował „Sceny z życia Mojżesza”, „Karę Koracha, Datana i Awirona”, wykazując niesamowitą kunszt kompozytorski. Klasyczny spokój starożytnych budowli, na tle których Botticelli rozgrywał akcję, ostro kontrastuje z dramatycznym rytmem przedstawionych postaci i namiętności; ruch drogowy ludzkie ciała złożony, skomplikowany, nasycony wybuchową mocą; stwarza wrażenie drżącej harmonii, bezbronności widzialny świat przed szybkim atakiem czasu i ludzkiej woli. Freski Kaplicy Sykstyńskiej po raz pierwszy wyrażały głęboki niepokój, który żył w duszy Botticellego, który z czasem nasilał się. Niesamowity talent Botticellego jako portrecisty znalazł odzwierciedlenie w tych freskach: każda z wielu namalowanych twarzy jest całkowicie oryginalna, niepowtarzalna i niezapomniana ...
W latach 80. XIX wieku, po powrocie do Florencji, Botticelli kontynuował niestrudzoną pracę, ale pogodna klarowność „Przykładów” była już daleko w tyle. W połowie dekady napisał swoje słynne Narodziny Wenus. Uwaga badaczy w późniejsze prace mistrzowie moralizmu, egzaltacji religijnej, niezwykłej dla niego wcześniej.
Być może bardziej znaczące niż późne malarstwo, rysunki Botticellego z lat 90. są ilustracjami dla „ Boska komedia» Dantego. Malował z oczywistą i nieukrywaną rozkoszą; wizje wielkiego poety z miłością i pieczołowitością przekazuje doskonałość proporcji licznych postaci, przemyślana organizacja przestrzeni, niewyczerpana zaradność w poszukiwaniu wizualnych ekwiwalentów słowa poetyckiego...
Mimo wszelkich mentalnych burz i kryzysów Botticelli do samego końca (zmarł w 1510 r.) pozostał wielkim artystą, mistrzem swojej sztuki. Świadczy o tym wyraźnie szlachetne rzeźbienie twarzy w „Portrecie młody człowiek”, wyrazista cecha modelu, nie pozostawiająca wątpliwości co do jego wysokości godność człowieka, solidny rysunek mistrza i jego życzliwy wygląd.
Z klasyczną kompletnością renesans urzeczywistnił się we Włoszech, w kulturze renesansu, której występują okresy: protorenesans lub czasy zjawisk przedrenesansowych („epoka Dantego i Giotta”, ok. 1260-1320), częściowo pokrywający się z okresem Ducento (XIII w.), a także Trecento (XIV w.), Quattrocento (XV w.) i Cinquecento (XVI w.). Bardziej powszechnym okresem jest wczesny renesans (XIV-XV w.), kiedy nowe trendy aktywnie wchodzą w interakcję z gotykiem, pokonując go i twórczo przekształcając.
A także renesansu wysokiego i późnego, którego szczególną fazą stał się manieryzm. W epoce Quattrocento szkoła florencka, architekci (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino i inni), rzeźbiarze (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio da Settignano), malarze (Masaccio, Filippo Lippi, Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli), którzy stworzyli plastycznie integralną koncepcję świata z wewnętrzną jednością, która stopniowo rozprzestrzeniła się po całych Włoszech (dzieło Piero della Francesca w Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa w Ferrarze, Andrea Mantegna w Mantui, Antonello da Messina oraz braci Gentile i Giovanni Bellini w Wenecji).
Jest rzeczą naturalną, że czas, który przywiązywał centralną wagę do „boskiej” twórczości człowieka, wysunął w sztuce osobowości, które z całym bogactwem ówczesnych talentów stały się personifikacją całych epok. Kultura narodowa(osobowości - „tytani”, jak później nazwano je romantycznie). Giotto stał się uosobieniem Protorenesansu, przeciwne aspekty Quattrocento - konstruktywny rygor i szczery liryzm - zostały wyrażone odpowiednio przez Masaccio i Angelico z Botticellim. „Tytani” średniego (lub „wysokiego”) renesansu Leonardo da Vinci, Rafael i Michał Anioł są artystami - symbolami wielkiego kamienia milowego New Age jako takiego. Kamienie milowe Architektura włoskiego renesansu – wczesnego, średniego i późnego – jest monumentalnie ucieleśniona w twórczości F. Brunelleschiego, D. Bramante i A. Palladio.
W epoce renesansu średniowieczną anonimowość zastąpiła indywidualna, autorska twórczość. Teoria liniowej i perspektywa z lotu ptaka, proporcje, problemy anatomii i modelowania cut-off. Centrum renesansowych innowacji, artystyczne „zwierciadło epoki” było iluzyjno-naturalne malowniczy obraz, w sztuce religijnej wypiera ikonę, a w sztuce świeckiej daje początek niezależne gatunki pejzaż, malarstwo codzienne, portret (ten ostatni odgrywał pierwszoplanową rolę w wizualnej afirmacji ideałów humanistycznego virtu). Sztuka grawerowania drukowanego na drewnie i metalu, która w okresie reformacji nabrała naprawdę masowego charakteru, zyskuje ostateczną wartość. Rysowanie z roboczego szkicu zamienia się w osobny rodzaj kreatywności; indywidualny sposób kreski, kreski, a także fakturę i efekt niekompletności (non-finito) zaczynają być doceniane jako samodzielne efekty artystyczne. Malarstwo monumentalne staje się również malownicze, iluzoryczno-trójwymiarowe, zyskując coraz większą wizualną niezależność od masywu muru. Wszystkie rodzaje sztuk wizualnych teraz w jakiś sposób naruszają monolityczną syntezę średniowieczną (gdzie dominowała architektura), zyskując względną niezależność. Powstają rodzaje absolutnie okrągłego posągu wymagającego specjalnego objazdu, pomnik konny, popiersie portretowe (pod wieloma względami ożywiające dawną tradycję), powstaje zupełnie nowy typ uroczystego nagrobka rzeźbiarsko-architektonicznego.
Podczas miesiączki Wysoki renesans, kiedy walka o humanistyczne ideały renesansu nabrała napiętego i heroicznego charakteru, architekturę i sztuki plastyczne naznaczyła rozpiętość publicznego brzmienia, syntetyczne uogólnienie i potęga obrazów pełnych duchowego i aktywność fizyczna. W budynkach Donato Bramante, Rafaela, Antonio da Sangallo apogeum osiągnęły idealna harmonia, monumentalność i wyraźna proporcja; humanistyczna pełnia, odważny lot artystycznej wyobraźni, rozpiętość pokrycia rzeczywistości są charakterystyczne dla twórczości główni mistrzowie sztuki plastyczne tej epoki - Leonardo da Vinci, Rafael, Michał Anioł, Giorgione, Tycjan. Od drugiej ćwierci XVI wieku, kiedy Włochy wkroczyły w czas kryzysu politycznego i rozczarowania ideami humanizmu, twórczość wielu mistrzów nabrała złożonego i dramatycznego charakteru. W architekturze Późny renesans(Giacomo da Vignola, Michelangelo, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi) wzrosło zainteresowanie przestrzennym zagospodarowaniem kompozycji, podporządkowaniem budynku szerokiej urbanistyce; w budynkach użyteczności publicznej, świątyniach, willach i pałacach, które otrzymały bogaty i złożony rozwój, wyraźną tektonikę wczesnego renesansu zastąpiono intensywnym konfliktem sił tektonicznych (zbudowanych przez Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio). Malarstwo i rzeźbę późnego renesansu wzbogaciło zrozumienie przeciwstawnej natury świata, zainteresowanie przedstawieniem dramatycznej akcji masowej, dynamiki przestrzennej (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano); bezprecedensowa głębia, złożoność, wewnętrzna tragedia sięgnęła charakterystyka psychologiczna obrazy w późniejszych dziełach Michała Anioła i Tycjana.
Szkoła wenecka
Szkoła wenecka, jedna z głównych szkół malarskich we Włoszech, której centrum znajduje się w Wenecji (częściowo również w małe miasta Terrafarmy - obszary lądu przylegające do Wenecji). Szkoła wenecka charakteryzuje się przewagą zasady obrazowej, szczególną dbałością o problematykę koloru, pragnieniem ucieleśnienia zmysłowej pełni i barwności bytu. Ściśle związane z krajami Zachodnia Europa a ze Wschodu Wenecja czerpała z obcej kultury wszystko, co mogło być jej ozdobą: elegancję i złoty blask Mozaiki bizantyjskie, kamienne otoczenie mauretańskich budowli, fantastyczny charakter gotyckich świątyń. Jednocześnie wykształcił się tu własny, oryginalny styl w sztuce, skłaniający się ku ceremonialnej barwności. Szkoła wenecka charakteryzuje się świeckim, afirmującym życie początkiem, poetyckim postrzeganiem świata, człowieka i natury, subtelnym koloryzmem.
Szkoła wenecka osiągnęła swój największy rozkwit w epoce wczesnego i wysokiego renesansu, w twórczości Antonello da Messina, który otworzył się dla współczesnych ekspresyjne możliwości obraz olejny, twórcy idealnie harmonijnych wizerunków Giovanniego Belliniego i Giorgione, największego kolorysty Tycjana, który w swoich płótnach uosabiał nieodłączną Malarstwo weneckie wesołość i kolorowe bogactwo. W twórczości mistrzów szkoły weneckiej z drugiej połowy XVI wieku wirtuozeria w przekazywaniu wielobarwnego świata, zamiłowanie do świątecznych widowisk i różnorodny tłum współistnieje z jawnym i ukrytym dramatem, niepokojącym poczuciem dynamiki i nieskończoności wszechświat (obrazy Paolo Veronese i Jacopo Tintoretta). W XVII wieku tradycyjne zainteresowanie szkoły weneckiej problematyką koloru w twórczości Domenico Fettiego, Bernardo Strozziego i innych artystów współistnieje z technikami malarstwa barokowego, a także realistycznymi tendencjami w duchu karawagizmu. Malarstwo weneckie XVIII wieku charakteryzuje się rozkwitem malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego (Giovanni Battista Tiepolo), gatunku codziennego (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), dokumentalnego - dokładnego krajobraz architektoniczny- weduta (Giovanni Antonio Canaletto, Bernardo Bellotto) oraz liryczna, subtelnie oddająca poetycką atmosferę codzienności w weneckim pejzażu (Francesco Guardi).
szkoła florencka
Szkoła Florentyńska, jedna z wiodących włoskich szkoły artystyczne okres renesansu skupiony w mieście Florencja. Powstaniu szkoły florenckiej, która ostatecznie ukształtowała się w XV wieku, sprzyjał rozkwit myśli humanistycznej (Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola itp.), która zwróciła się ku dziedzictwu starożytności. Przodkiem szkoły florenckiej w dobie protorenesansu był Giotto, który nadał swoim kompozycjom plastyczną perswazję i życiową autentyczność.
W XV wieku założycielami sztuki renesansowej we Florencji byli architekt Filippo Brunelleschi, rzeźbiarz Donatello, malarz Masaccio, a następnie architekt Leon Battista Alberti, rzeźbiarze Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano i inni mistrzowie. W architekturze szkoły florenckiej w XV wieku powstał nowy typ renesansowego palazzo i rozpoczęto poszukiwania idealnego typu budynku świątynnego, który odpowiadałby humanistycznym ideałom epoki.
Sztuki plastyczne szkoły florenckiej XV w. cechuje zamiłowanie do problematyki perspektywy, pragnienie klarownej plastycznie konstrukcji postaci ludzkiej (dzieła Andrei del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrei del Castagno) wielu jego mistrzów - szczególną duchowość i intymną liryczną kontemplację (malarstwo Benozzo Gozzoli, Sandro Botticellego, Fra Angelico, Filippo Lippiego). W XVII wieku szkoła florencka popada w ruinę.
Dane referencyjne i biograficzne Galerii Malarstwa „Planeta Small Bay Painting” są przygotowywane na podstawie materiałów „Historii sztuki obcej” (pod redakcją M.T. Kuzminy, N.L. Maltseva), „Encyklopedii sztuki obcej” sztuka klasyczna”, „Wielka rosyjska encyklopedia”.
Renesans (renesans). Włochy. XV-XVI wieki. wczesny kapitalizm. Krajem rządzą bogaci bankierzy. Interesują się sztuką i nauką.
Bogaci i potężni gromadzą wokół siebie utalentowanych i mądrych. Poeci, filozofowie, malarze i rzeźbiarze prowadzą codzienne rozmowy ze swoimi patronami. Przez chwilę wydawało się, że ludem rządzą mędrcy, tak jak chciał tego Platon.
Pamiętali starożytnych Rzymian i Greków. Który również zbudował społeczeństwo wolnych obywateli. Gdzie główną wartością jest osoba (nie licząc oczywiście niewolników).
Renesans to nie tylko kopiowanie sztuki starożytnych cywilizacji. To jest mieszanka. Mitologia i chrześcijaństwo. Realizm natury i szczerość obrazów. Piękno fizyczne i piękno duchowe.
To był tylko błysk. Okres wysokiego renesansu to około 30 lat! Od 1490 do 1527 Od początku rozkwitu twórczości Leonarda. Przed złupieniem Rzymu.
Miraż idealnego świata szybko zniknął. Włochy były zbyt kruche. Wkrótce została zniewolona przez innego dyktatora.
Jednak te 30 lat określiło główne cechy Malarstwo europejskie 500 lat do przodu! Aż do .
Realizm obrazu. Antropocentryzm (gdy dana osoba główny bohater i bohater). Perspektywa liniowa. Farby olejne. Portret. Krajobraz…
Niesamowicie, w ciągu tych 30 lat pracowało jednocześnie kilku genialnych mistrzów. Które w innych czasach rodzą się raz na 1000 lat.
Leonardo, Michał Anioł, Rafael i Tycjan to tytani renesansu. Ale nie sposób nie wspomnieć o ich dwóch poprzednikach. Giotto i Masaccio. Bez którego nie byłoby renesansu.
1. Giotto (1267-1337)
Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment obrazu „Pięciu mistrzów renesansu florenckiego”. Początek XVI wiek. . XIV wiek. Protorenesans. Jej głównym bohaterem jest Giotto. To mistrz, który w pojedynkę zrewolucjonizował sztukę. 200 lat przed renesansem. Gdyby nie on, era, z której ludzkość jest tak dumna, raczej by nie nadeszła.
Przed Giottem były ikony i freski. Zostały stworzone według kanonów bizantyjskich. Twarze zamiast twarzy. płaskie figury. Niedopasowanie proporcjonalne. Zamiast pejzażu - złote tło. Jak na przykład na tej ikonie.
Guido da Siena. Adoracja Trzech Króli. 1275-1280 Altenburg, Muzeum Lindenau, Niemcy. I nagle pojawiają się freski Giotta. Na nich figury trójwymiarowe. twarze szlachetni ludzie. Smutny. Smutny. Zaskoczony. Stary i młody. Różnorodny.
Freski Giotta w kościele Scrovegni w Padwie (1302-1305). Po lewej: Opłakiwanie Chrystusa. Środek: Pocałunek Judasza (szczegół). Po prawej: Zwiastowanie św. Anny (matki Marii), fragment.
Głównym dziełem Giotta jest cykl jego fresków w kaplicy Scrovegni w Padwie. Kiedy ten kościół został otwarty dla parafian, tłumy ludzi wlewały się do niego. Bo nigdy czegoś takiego nie widzieli.
W końcu Giotto zrobił coś bezprecedensowego. Wydawał się tłumaczyć historie biblijne na prosty, zrozumiały język. I stały się znacznie bardziej dostępne. zwykli ludzie.
Giotta. Adoracja Trzech Króli. 1303-1305 Fresk w kaplicy Scrovegni w Padwie we Włoszech. To będzie charakterystyczne dla wielu mistrzów renesansu. Lakonizm obrazów. Żywe emocje bohaterów. Realizm.
Przeczytaj więcej o freskach mistrza w artykule.
Giotto był podziwiany. Ale jego innowacje nie były dalej rozwijane. Moda na międzynarodowy gotyk zawitała do Włoch.
Dopiero po 100 latach pojawi się mistrz, godny następca Giotta.
2. Masaccio (1401-1428)
Masaccio. Autoportret (fragment fresku „Św. Piotr na ambonie”). 1425-1427 Kaplica Brancaccich w Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy. Początek XV wieku. Tak zwany wczesny renesans. Na scenę wkracza kolejny innowator.
Masaccio był pierwszym artystą, którego użył perspektywa liniowa. Zaprojektował go jego przyjaciel architekt Brunelleschi. Teraz świat przedstawiony stał się podobny do rzeczywistego. Architektura zabawek to już przeszłość.
Masaccio. Święty Piotr uzdrawia swoim cieniem. 1425-1427 Kaplica Brancaccich w Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy. Przyjął realizm Giotta. Jednak w przeciwieństwie do swojego poprzednika znał już dobrze anatomię.
Zamiast blokowych postaci, Giotto to pięknie zbudowani ludzie. Tak jak starożytni Grecy.
Masaccio. Chrzest neofitów. 1426-1427 Kaplica Brancaccich, kościół Santa Maria del Carmine we Florencji, Włochy. 
Masaccio. Wygnanie z raju. 1426-1427 Fresk w kaplicy Brancaccich, Santa Maria del Carmine, Florencja, Włochy. Masaccio żył krótko. Zmarł, podobnie jak jego ojciec, niespodziewanie. W wieku 27 lat.
Miał jednak wielu zwolenników. Mistrzowie kolejnych pokoleń udali się do kaplicy Brancaccich, aby uczyć się z jego fresków.
Tak więc innowacje Masaccio zostały podchwycone przez wszystkich wielkich tytanów wysokiego renesansu.
3. Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo da Vinci. Autoportret. 1512 Biblioteka Królewska w Turynie, Włochy. Leonardo da Vinci jest jednym z tytanów renesansu. Co kolosalnie wpłynęło na rozwój malarstwa.
To on sam podniósł status artysty. Dzięki niemu przedstawiciele tego zawodu nie są już tylko rzemieślnikami. To są twórcy i arystokraci ducha.
Leonardo dokonał przełomu przede wszystkim w portretach.
Uważał, że nic nie powinno odwracać uwagi od głównego obrazu. Oko nie powinno błądzić od jednego szczegółu do drugiego. Tak powstały jego słynne portrety. Zwięzły. Harmonijny.
Leonardo da Vinci. Dama z gronostajem. 1489-1490 Muzeum Chertoryskich, Kraków. Główną innowacją Leonarda jest to, że znalazł sposób, aby obrazy… były żywe.
Przed nim postacie na portretach wyglądały jak manekiny. Linie były jasne. Wszystkie szczegóły są starannie dobrane. Malowany rysunek nie mógł być żywy.
Ale wtedy Leonardo wynalazł metodę sfumato. Zamazał linie. Sprawił, że przejście od światła do cienia było bardzo miękkie. Jego bohaterowie zdają się być pokryci ledwo dostrzegalną mgłą. Postacie ożyły.
. 1503-1519 Luwr, Paryż. Od tego czasu sfumato wejdzie do aktywnego słownika wszystkich wielkich artystów przyszłości.
Często uważa się, że Leonardo jest oczywiście geniuszem. Ale nie mógł niczego dokończyć. I często nie kończył malowania. A wiele jego projektów pozostało na papierze (nawiasem mówiąc, w 24 tomach). W ogóle został wrzucony do medycyny, a potem do muzyki. A kiedyś lubiła nawet sztukę serwowania.
Pomyśl jednak sam. 19 obrazów. I on - największy artysta wszystkie czasy i narody. Niektóre z nich nie są nawet zbliżone. Jednocześnie w swoim życiu napisał 6000 płócien. Oczywiście, kto ma wyższą wydajność.
O sobie sławny obraz przeczytaj kreatora w artykule.
4. Michał Anioł (1475-1564)
Daniele da Volterrę. Michał Anioł (szczegóły). 1544 Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork. Michał Anioł uważał się za rzeźbiarza. Ale on był uniwersalny mistrz. Podobnie jak jego inni koledzy z renesansu. Dlatego jego dziedzictwo malarskie jest nie mniej imponujące.
Rozpoznają go przede wszystkim fizycznie rozwinięte postacie. Ponieważ przedstawiał idealnego mężczyznę. W którym piękno fizyczne oznacza piękno duchowe.
Dlatego wszystkie jego postacie są tak muskularne, odporne. Nawet kobiety i starzy ludzie.
Michał Anioł. Fragmenty fresku Sąd Ostateczny” w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie.
Często Michał Anioł malował postać nago. A potem dodałem ubrania na wierzch. Aby ciało było jak najbardziej wytłoczone.
Sam pomalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej. Chociaż to kilkaset cyfr! Nie pozwolił nawet nikomu pocierać farby. Tak, był samotnikiem. Posiadający stromą i kłótliwą postać. Ale przede wszystkim był niezadowolony z… siebie.
Michał Anioł. Fragment fresku „Stworzenie Adama”. 1511 Kaplica Sykstyńska, Watykan. Michał Anioł żył długo. Przetrwanie schyłku renesansu. Dla niego była to osobista tragedia. Jego późniejsze prace pełne są smutku i żalu.
Ogólnie rzecz biorąc, twórcza ścieżka Michała Anioła jest wyjątkowa. Jego wczesne prace to pochwała ludzkiego bohatera. Wolny i odważny. W najlepszych tradycjach starożytna Grecja. Jak jego David.
W ostatnie latażycie jest tragiczne obrazy. Celowo ciosany kamień. Jakbyśmy mieli przed sobą pomniki ofiar faszyzmu XX wieku. Spójrz na jego "Pietę".
Rzeźby Michała Anioła na Akademii Sztuk Pięknych we Florencji. Po lewej: Dawid. 1504 Po prawej: Pieta z Palestriny. 1555
Jak to jest możliwe? Jeden artysta w ciągu jednego życia przeszedł wszystkie etapy sztuki od renesansu do XX wieku. Co zrobią następne pokolenia? Cóż, idź własną drogą. Wiedząc, że poprzeczka została ustawiona bardzo wysoko.
5. Rafał (1483-1520)
. 1506 Galeria Uffizi, Florencja, Włochy. Raphael nigdy nie został zapomniany. Jego geniusz był zawsze doceniany. I za życia. A po śmierci.
Jego bohaterowie obdarzeni są zmysłowym, lirycznym pięknem. To on jest słusznie uważany za najpiękniejszego kobiece obrazy kiedykolwiek stworzony. Ich zewnętrzne piękno odzwierciedla i duchowe piękno bohaterki. Ich łagodność. Ich poświęcenie.
Rafał. . 1513 Galeria Starych Mistrzów, Drezno, Niemcy. Słynne słowa „Piękno uratuje świat”, o których właśnie powiedział Fiodor Dostojewski. To był jego ulubiony obraz.
Jednak zmysłowe obrazy to nie jedyna mocna strona Rafaela. Bardzo dokładnie przemyślał kompozycję swoich obrazów. Był niezrównanym architektem w malarstwie. Co więcej, zawsze znajdował najprostsze i najbardziej harmonijne rozwiązanie w organizacji przestrzeni. Wydaje się, że inaczej być nie może.
Rafał. Szkoła ateńska. 1509-1511 Fresk w salach Pałacu Apostolskiego, Watykan. Rafael żył tylko 37 lat. Zmarł nagle. Od złapanych przeziębień i błędów medycznych. Ale jego spuścizny nie można przecenić. Wielu artystów uwielbiało tego mistrza. Mnożąc jego zmysłowe obrazy na tysiącach płócien..
Tycjan był niezrównanym kolorystą. Dużo eksperymentował też z kompozycją. Ogólnie był odważnym i błyskotliwym innowatorem.
Za tak błyskotliwy talent wszyscy go kochali. Nazywany „Królem malarzy i malarzem królów”.
Mówiąc o Tycjanie, po każdym zdaniu chcę umieścić wykrzyknik. W końcu to on wniósł dynamikę do malarstwa. Patos. Entuzjazm. Jasny kolor. Blask kolorów.
Tycjanowski. Wniebowstąpienie Maryi. 1515-1518 Kościół Santa Maria Gloriosi dei Frari, Wenecja. Pod koniec życia rozwinął się niezwykła technika listy. Pociągnięcia są szybkie i grube. Farbę nakładano pędzlem lub palcami. Z tego - obrazy są jeszcze bardziej żywe, oddychające. A fabuły są jeszcze bardziej dynamiczne i dramatyczne.
Tycjanowski. Tarkwiniusz i Lukrecja. 1571 Muzeum Fitzwilliama, Cambridge, Anglia. Czy to ci o niczym nie przypomina? Oczywiście to technika. I technika artyści XIX wieku wiek: Barbizon i. Tycjan, podobnie jak Michał Anioł, w ciągu jednego życia przejdzie przez 500 lat malowania. Dlatego jest geniuszem.
O słynne arcydzieło przeczytaj kreatora w artykule.
Artyści renesansowi to artyści o wielkiej wiedzy. Aby zostawić taką spuściznę, trzeba było dużo wiedzieć. W dziedzinie historii, astrologii, fizyki i tak dalej.
Dlatego każdy z ich obrazów skłania do myślenia. Dlaczego jest pokazywany? Jaka jest tutaj zaszyfrowana wiadomość?
Dlatego prawie nigdy się nie mylą. Ponieważ dokładnie przemyśleli swoją przyszłą pracę. Wykorzystując cały bagaż swojej wiedzy.
Byli kimś więcej niż artystami. Byli filozofami. Objaśnianie nam świata poprzez malowanie.
Dlatego zawsze będą dla nas głęboko interesujące.
