Program edukacyjny na instrumencie muzycznym „Flet blokowy” na Wydziale Sztuk Muzycznych (cykl przygotowawczy). Początkowy etap nauki gry na flecie. Wykonanie skal na ułożeniu palca fletu blokowego

Kurs przeznaczony jest dla osób, które studiują muzykę jedynie hobbystycznie i po raz pierwszy stykają się z nutami i fletem prostym.
Nauczysz się:
- notacja muzyczna;
- podstawy rytmu;
- notatki i położenie palca na flecie prostym;
— ekstrakcja dźwięku wysokiej jakości, specyfika niskich i wysokich tonów;
— zagraj ponad 25 znanych melodii: Lonely Shepherd, Yesterday, Love me czuły, Flight of the Condor, Hava Nagila, melodie z filmu „Ojciec chrzestny”, „Titanic” i inne.
Wszystkie melodie są szczegółowo analizowane: jak czytać nuty, jak liczyć rytm i płynnie grać, jakich palców używać na flecie. Tego wszystkiego nauczysz się powoli i powoli wraz z filmem, a następnie będziesz grać z akompaniamentem.
Wynik: Po przestudiowaniu kursu będziesz potrafił samodzielnie grać melodie, korzystając z nut znalezionych w Internecie lub w śpiewnikach.

Można również zakupić sam rejestrator u nas, w naszym biurze w Moskwie: .

Jakość obrazu możesz ocenić na przykładach:
.

Jeśli już zdecydowałeś się na naukę, pobierz całą lekcję dotyczącą wyboru fletu. I kup dobry flet, na złym trudno trafić w najwyższe tony.

Pełny program kursu:

Część I
Lekcja 1. Z czego składa się flet? Postawa, lądowanie, pozycja palców, oddychanie. Sekwencja dźwięków: do re mi fa sol la si do. Pierwsze dźwięki: do si la salt.
Lekcja 2. Cechy wydobywania niskich dźwięków. Nuty w F mi DC.
Lekcja 3. Koordynacja. Poćwiczmy szybkie odnajdywanie nut na flecie prostym. Cała gama.
Lekcja 4. Metody wytwarzania dźwięku. Legato, nie legato. Jak sprawić, by dźwięk był piękny i przestać wyć.
Lekcja 5. Uczymy się piosenki „Mała choinka”, myślimy nutami na flecie. Gramy na pianinie.

część druga
Lekcja 1. Laska nutowa, klucz wiolinowy, sposób zapisywania nut. Oktawy.
Lekcja 2. Notatki do re mi fa na pięciolinii. Jak je zapamiętać. Małe przykłady z arkusza.
Lekcja 3. Notatki G la B C na lasce. Zapamiętywanie, przykłady.
Lekcja 4. Graj nuty, nie patrząc na palce. Gamma w górę i w dół, ćwiczenia.
Lekcja 5. „Mała choinka” według notatek.
Lekcja 6. „Dwie wesołe gęsi” – notatki, ćwiczenia.
Lekcja 7. „Na polu była brzoza” według notatek.

Część III
Lekcja 1. Jak zapisywany jest rytm w nutach. Czasy trwania i ich liczenie: całość, połowa, ósma, szesnasta. Klaskanie w rytmach. „Jodełka” nutami z rytmem.
Lekcja 2. Metrum, takt, linia taktu, do czego służą.
Lekcja 3. „Och, mój baldachim, baldachim” - analizujemy nuty, wybijamy rytm, bawimy się na pianinie.
Lekcja 4. „Hej, hurra” – analizujemy nuty, wybijamy rytm, bawimy się na pianinie.
Lekcja 5. „Boomer”. Wzór rytmiczny to nuta z kropką.
Lekcja 6. „Jingle Bells”. Znów notatka z kropką.
Lekcja 7. „Kalinka-malina”. Rytm przerywany.

Część IV
Lekcja 1. Ostre, płaskie, ich znaczenie, umiejscowienie na klawiaturze i nagranie.
Lekcja 2. Cis i cis: pozycja palca, notacja. Mały kawałek z ostrymi narzędziami.
Lekcja 3. Fis: palcowanie, notacja. Ostre i płaskie klucze. „W ogrodzie lub w ogrodzie warzywnym”.
Lekcja 4. „Kochaj mnie czule”: nuty, rytm, gra nutami, gra na pianinie.
Lekcja 5. G-sharp: pozycja palca, notacja, typowe kombinacje z G-sharp.
Lekcja 6. „Hava Nagila”: nuty, rytm, gra nutami, gra na fortepianie.
Lekcja 7. „Konik polny”. Powtarzamy wszystkie przekazywane nuty ostrymi i bemolami, uczymy się „Konika Polnego” z nut, wybijamy rytm.
Lekcja 8. B-dur, zwany także A-dur. Gramy w „Chizhik-fawn”.
Lekcja 9. „Wszystkiego najlepszego”. Rytm przerywany, rytm.

Część V
Lekcja 1. Nuty drugiej oktawy: do re mi fa. Cechy „dostania” wysokich dźwięków, czyli jak dotrzeć do sąsiada.
Lekcja 2. Kontynuujemy naukę wysokich nut, piosenki „The Moon is Shining”.
Lekcja 3. Hymn Federacja Rosyjska- nuty, rytm, gra z akompaniamentem.
Lekcja 4. Nuty drugiej oktawy: G A B C. Najtrudniejsza rzecz.
Lekcja 5. Melodia z filmu „Titanic” – nuty, rytm, gra z akompaniamentem.
Lekcja 6. „Wieczorne dzwonienie” – nuty, rytm, gra nutami, gra na fortepianie.
Lekcja 7. „Mój drogi Augustynie” – nuty, rytm, gra nutami i z akompaniamentem.
Lekcja 8. „Lot Kondora” – szczegółowo analizujemy i uczymy się.

Część VI
Lekcja 1. Cis drugiej oktawy i melodia z filmu „Ojciec chrzestny”.
Lekcja 2. „Wczoraj” – szczegółowa analiza.
Lekcja 3. Ciemność drugiej oktawy. „Pieśń krokodyla Geny” (niech biegają niezdarnie...).
Lekcja 4. „Miasto złota” – analiza szczegółowa.
Lekcja 5. Fis drugiej oktawy. „Zielone rękawy”
Lekcja 6. „Samotny pasterz” – analiza szczegółowa.
Lekcja 7. Gis i A drugiej oktawy.

PREMIA:
Jak zagrać melodię w innej tonacji - wyższej lub niższej niż oryginalne nuty.
Ta wiedza przyda się, jeśli nuty Twojej melodii będą wyższe lub niższe od zakresu fletu prostego.

BONUSY!

Przykład melodii z akompaniamentem, szybkie tempo:
Pal woda, tempo 110 bpm

To samo, wolne tempo:
Dym na wodzie, tempo 70 bpm

Tylko akompaniament gitarowy, wolne tempo. Zagrasz melodię ;)

Pełna lista melodii w kolekcji:

1. Na polu rosła brzoza
2. Mała choinka
3. Dwie śmieszne gęsi
4. Chizhik-Pyzhik
5. Kochaj mnie czule
6. Och, mój baldachim, baldachim
7. Mój kraj ojczysty jest szeroki (początek)
8. Wieczory moskiewskie (początek)
9. Motyw miłosny z filmu „Titanic”
10. Kalinka-Malinka
11. Samotny pasterz
12. Dzwonki
13. Wszystkiego najlepszego
14. W ogrodzie lub w ogrodzie warzywnym
15. Konik polny
16. Hej, hurra
17. Boomer
18. Dym na wodzie
19. Dzwony wieczorne
20. Księżyc świeci

Cześć wszystkim!:)
Dzisiaj będzie nietypowy post, nietypowy dla mojego bloga. Niemniej jednak jest ona bardzo potrzebna wielu osobom, które z pewnością znajdą w niej klucz do rozwiązania swoich problemów.

Fakt jest taki, że kilka dni temu zupełnie spontanicznie i niespodziewanie dla siebie kupiłem... instrument muzyczny w sklepie muzycznym. Nie, nie duży i nie drogi, ale ten prawdziwy. Ten instrument muzyczny okazał się zwykłym fletem prostym.

Blokowy flet

Dlatego chciałem po prostu dmuchnąć w duży gwizdek z dziurami, nagrać jego wspaniałe dźwięki, a nawet od czasu do czasu wstawić je jako próbki do moich utworów muzycznych. Któregoś dnia, wracając z pracy do domu, wszedłem do sklepu muzycznego, żeby go kupić. Kosztuje od 176 rubli, ale cena mniej więcej wysokiej jakości modelu zaczyna się dopiero od 500. Lepiej wziąć rejestrator od firmy Yamaha seria 2x lub 3x, barokowa lub systemie niemieckim– nie zwracajcie szczególnej uwagi na niewielką różnicę w palcowaniu tych dwóch systemów: jest ona minimalna. Firma Gwizdek Hohnera Kosztuje więcej, około 1500-2000 rubli.

Generalnie bierz to co Ci się podoba i na co Cię stać. W każdym razie jesteśmy Pusty arkusz, a zasady każdego rejestratora uznamy za oczywiste. Nie mamy się czego uczyć na nowo. A plastikowy dźwięk, jeśli coś takiego ma miejsce, jest nadal w taki czy inny sposób obecny w modelach z niższego segmentu cenowego. Jest mało prawdopodobne, aby ktokolwiek kupił drogie drewniane modele - co, jeśli w ogóle nie lubi się uczyć? Albo nie spodoba ci się ten instrument. Bierzemy więc to, co nam się podoba. MOŻLIWE niedrogie, możliwe.

C lub F, czyli jak się kładę

Jedyny aspekt: zapytaj sprzedawcę czy rejestrator jest w kluczyku „C-dur”, lub po prostu Z. Na takie instrumenty napisano przytłaczającą liczbę podręczników i lekcji wideo, w tym prezentowaną poniżej książkę, a także brzmi on znacznie przyjemniej niż flet prosty w tonacji „FA” (F). Pospieszyłem się i kupiłem dokładnie ten - w „fa”. Ty oczywiście możesz wziąć dowolny i ćwicząc robić notatki zgodnie z palcowaniem swojego instrumentu, ale osobiście dla mnie flet prosty w tonacji FA brzmi bardzo wysoko. Oczywiście: najniższy dźwięk, jaki może wydać, to F drugiej oktawy. Sopranissimus.
O systemie - barokowy Lub Niemiecki – Powtórzę jeszcze raz, nie martw się zbytnio. Różnice w palcowaniu są niewielkie i wskazane są w instrukcji instrumentu. Ucz się tak, jak wymaga tego instrument.

Zdecydowaliśmy się więc na wybór narzędzia i kupiliśmy je. Przynieśli to do domu. Może nawet trochę zwariowałem. Co dalej. Czas teraz przedstawić Państwu bardzo dobry tutorial dotyczący gry na flecie prostym.

Samodzielna instrukcja gry na flecie prostym dla początkujących

Książka ta wpadła w moje ręce całkiem niedawno, kiedy również postanowiłem opanować dla siebie dziwny instrument. Szukałem długo, oglądałem lekcje wideo, oglądałem występy flecistów, uczyłem się kilometrów niektórych palcowań... Ogólnie rzecz biorąc, wszystko okazało się ponad moje siły, w głowie zaczął się robić mętlik, a potem zapoznałem się z tą książką. Nosi tytuł „Bez książeczki muzycznej – poradnik do samodzielnej nauki dla młodzieży” i jest przeznaczona dla najbardziej zielonych przedstawicieli klasy samouków – bez zapisu muzycznego, bez słuchu i innych aplikacji pozwalających zostać fajnymi muzykami, autor, strona strona po stronie, ćwiczenie po ćwiczeniu, stopniowo odsłania przed nami cały świat tego wspaniałego instrumentu.

Pobierz książkę „Bez muzyki – poradnik o sieciach”

Książkę możesz pobrać z mojego Yandex.Disk – tutaj.
Wydrukuj i rozpocznij naukę! Nawiasem mówiąc, książka jest darmowa, więc niczego autorowi nie ukradłem. Jeszcze raz złożyłem mu swoje wyznanie.

Przy okazji wydrukuj palcowanie:

Magnetofon Yamaha palcuje klawisze "Z" I "F".
Dla obu systemów - barokowy(Angielski i Niemiecki(niemiecki (w przybliżeniu Cap).

Powieś go na ścianie i ucz się. Uczyć. Uczyć. Podnieś palce i graj „Czyżyk płowy”, przeczytaj książkę i graj. Jednym słowem – zajmij się czymś. Flet prosty to instrument, który odwdzięczy się w pełni swoim oddaniem i melodyjnością, jeśli potraktujesz go z duszą, za bardzo, bardzo niewielką cenę. I materialnie i mentalnie :)

Oznacza to, że nie potrzebujesz niczego więcej. WIĘCEJ. NIC. NIE MA POTRZEBY.
Tylko instrument, książka i palcowanie. I wytrwałość. I cierpliwość. I pragnienie. WSZYSTKO.

Aktualizacja Musisz poćwiczyć z metronomem!

Poczucie rytmu, gra w zespole, gra na gitarze – wszystkie te umiejętności świetnie się rozwijają, jeśli uczysz się z metronomem. Dotyczy to nie tylko fletu prostego, ale także każdego innego instrumentu. Dlatego nie zaniedbuj tego prostego rozwiązania, a efektywność Twojego treningu będzie wielokrotnie większa.

Pobierz metronom, którego sam używam: .

Ten post był częścią nowego projektu Alaborna – szkolenie muzyczne gra na instrumentach, teoria muzyki i podstawy harmonii, technika wokalna. Śledźcie aktualności na moim blogu, a będzie już tylko lepiej.

Nota wyjaśniająca 3

Główne cele programu 4

Nowość programu 5

Ogólne zadania dla każdego działania 6

Oczekiwane rezultaty 12

Wytyczne 13

Notatka wyjaśniająca

Program przeznaczony jest do grupowego odtwarzania muzyki przez dzieci. Zgodnie z propozycją jest on przeznaczony dla młodszych dzieci. wiek szkolny. W pierwszym etapie sprowadza się to głównie do opanowania instrumentu – fletu prostego. Głównym zadaniem nauczyciela jest utrzymanie zainteresowania dziecka lekcją, tak aby mogło ono łatwo nabyć umiejętności gry na flecie prostym i samodzielnie nauczyć się utworu na istniejących poziom muzyczny, a vista, granie w duecie lub zespole fletu prostego oraz samodzielne wykonywanie prostych utworów.

Okres juniorski wiek przedszkolny najkorzystniej dla rozwój estetyczny dziecko. Dziecko nosi w sobie wrażenia z dzieciństwa przez całe życie. Świat muzyki i aktywności muzycznej jest bardzo bliski dzieciom. W postrzeganiu muzyki, docenianiu i kreatywności dziecko widzi swoje znaczenie. Jednym z palących problemów pedagogiki jest problem rozwijania cech twórczych jednostki. Ich kształtowanie i rozwój muzyczny dziecka powinny odbywać się w sposób naturalny i naturalny. Pomaganie dzieciom poczuć piękno i moc muzyki jest trudnym zadaniem. Ten program częściowo rozwiązuje ten problem i ułatwia. Najważniejsze jest rozwój sfery zmysłowo-emocjonalnej dziecka w połączeniu ze sferą moralną i intelektualną, stworzenie harmonii między jednostką a ogółem; poszukiwanie nowych sposobów komunikacji nauczyciela z dzieckiem. Komunikacją dorosłego z dzieckiem powinna kierować miłość do ucznia i pasja. Główną zasadą pasji emocjonalnej jest umiejętność „zarażenia” emocji drugiej osoby poprzez własną ekspresję, umiejętność bycia jednocześnie aktorem i nauczycielem.

Bez podstawowych umiejętności muzycznych dzieci szybko uczą się grać na flecie prostym. Nie ma potrzeby dzielenia ich na grupy ze względu na stopień rozwoju zdolności muzycznych.

Główne trudności pojawiają się przy ustalaniu prawidłowego oddychania i ułożeniu palców. Jeśli dzieci podczas układania oddechu wyczynowego pokonują trudności wykonując ćwiczenia oddechowe, a także dzięki wyjaśnieniu przez nauczyciela na czym polega oddychanie fizjologiczne, czym różni się oddychanie fizjologiczne od wyczynowego, wówczas ułożenie palców trwa nieco dłużej. Trudność polega na nauczeniu dziecka „wkładania” palców w otwory fletu prostego, zakrywając je podkładkami, a nie opuszkami palców. W takim przypadku należy upewnić się, że dłonie nie są ściśnięte, a palce dokładnie zakrywają otwory.

Główną formą edukacji i praca edukacyjna jest zajęciem. Zajęcia odbywają się dwa razy w tygodniu po 25 minut. Podczas lekcji nauczyciel łączy ustne wyjaśnienie i wykonanie pracy w całości lub w części, co zwiększa zainteresowanie, uwagę i aktywność ucznia.

Główne cele programu

Cel pedagogiczny– zapewniać warunki do rozwoju kreatywności dzieci, zapewniać warunki do podstawowego odtwarzania muzyki na flecie prostym.

Cel edukacyjny– rozwój dziecka poprzez środki plastyczne, kształtowanie percepcji obrazów muzycznych i umiejętności ich wyrażania poprzez śpiew, ruch i grę na instrumentach muzycznych. Opierając się na zasadach dojrzałości psychofizjologicznej, prawach wzrostu i rozwoju dzieci w wieku szkolnym, program ten pozwoli Ci przejść w pracy z dziećmi nie od „dorosłego do dziecka”, ale od „dziecka do dorosłości”.

Cel rozwojowy– stymulują procesy poznawcze osobowości dziecka. Wrażenia, percepcja, pamięć, myślenie, wyobraźnia wzbogacają sferę emocjonalną i wolicjonalną. Poszerzaj możliwości komunikacyjnej strony dziecka (niewerbalne i werbalne środki komunikacji). Wspieraj kreatywność dzieci poprzez pozytywną ocenę zajęć. Zwróć uwagę dzieci na możliwości przekazywania różnych obrazów i sytuacji poprzez mimikę, gesty i ruchy, naucz je dramatyzować piosenki, bajki, tworzyć wyraziste sceny, szeroko wykorzystując gatunki folklor dziecięcy, gry - dramatyzacje, studia psychologiczne. Rozwijanie u dzieci zamiłowania do piękna dźwiękowego ich rodzimego słowa. Naucz się improwizować na jednym, dwóch lub trzech dźwiękach w zespole i indywidualnie. Wprowadzenie twórczych improwizacji rosyjskich pieśni ludowych (akompaniament rytmiczny i melodii).

Prace prowadzone są we wszystkich sekcjach programu, na protokolanta przypada około 15 minut.

Cel edukacyjny– należy kształtować u uczniów pozytywne nastawienie emocjonalne do lekcji muzyki. Aby dać dzieciom żywe wrażenia muzyczne, wzbogacając ich wewnętrzny świat i uczucia, formować cechy moralne. Poprzez zajęcia muzyczne podczas nauki gry na flecie pokazuj dzieciom uniwersalne wartości ludzkie (miłość, współczucie, życzliwość itp.), zachęcaj dziecko do urzeczywistniania ich w swoim zachowaniu, w komunikacji z rówieśnikami i bliskimi. Kontynuuj kultywowanie przyjaznych relacji w trakcie różnych działań; ciesz się sukcesem innych podczas wykonywania piosenek, nie bądź dumny ze swoich umiejętności, ale pomagaj pozostającym w tyle dzieciom w opanowaniu fletu prostego. Stwórz sytuację „nauczyciel-uczeń”, w której zdolne dziecko uczy rówieśników tego, czego się nauczyło.

Komunikując się z muzyką, przyczyniasz się do rozwoju potencjału twórczego dziecka zabawy ludowe, piosenki, rymowanki itp. Zaangażuj dzieci w działalność koncertowa w różnych jego przejawach: udział w wakacjach i rozrywkach, reportaże z koncertów dla rodziców itp.

Nowość programu

Z Rzecz w tym, że system jest zbudowany i oparty na koncepcji pedagogicznej niemieckiego nauczyciela – muzyka Carla Orffa oraz programie T.A. Rokityanskaya „Każde dziecko jest muzykiem!” Najważniejszą rzeczą w koncepcji Carla Orffa jest elementarne tworzenie muzyki. Które jest nierozerwalnie związane z rytmicznym ruchem, mową, tańcem, gestem. Rytm jest główną techniką elementarnego tworzenia muzyki. Początek motoryczno-rytmiczny jest pierwotną formą muzyki „instrumentalnej”. Ciało z rękami i nogami było i pozostaje pierwszym narzędziem rodzaju ludzkiego. A głos to tylko część całości, jedna z funkcji organizmu, który porusza się rytmicznie, wytwarza i odtwarza dźwięki. Koncepcja pedagogiczna Carla Orffa zawiera podstawową zasadę elementarnego muzykowania: nauczyciel staje się zwolennikiem pedagogiki twórczej, która powstała jako reakcja na jednostronny intelektualizm nauczania przy nieaktywności ciała. I przeciwko temu samemu jednostronnemu wychowaniu fizycznemu, kiedy umysł, uczucia i myślenie są nieaktywne. Idea harmonii, wewnętrznej równowagi i szczęścia ma kluczowe znaczenie dla edukacji poprzez jedność tańca, muzyki, śpiewu i poezji.

Ogólne zadania dla każdego działania

Gry mowy.

Rozwijaj aktywność mowy u dzieci;

Rozwijaj reakcję emocjonalną;

Rozwijaj umiejętność interakcji werbalnej w zadanym tempie i rytmie;

Rozwijaj aktywny słuch;

Rozwijać umiejętności motoryczne palce i duże dźwignie dłoni;

Rozwijaj wrażenia mięśniowe i dotykowe;

Śpiewanie, śpiewanie.

Naucz prawidłowego stosowania intonacji, tempa i głośności dźwięków;

Naucz dzieci znajdować swój ulubiony dźwięk i śpiewać go;

Naucz dzieci śpiewać bez akompaniamentu muzycznego;

Mowa + muzyka.

Rozwijanie umiejętności rytmizacji tekstu utworu poetyckiego lub improwizacji poetyckiej;

Rozwijaj umiejętność intonowania tekstu;

Naucz dzieci widzieć otaczający je świat, krótko o nim porozmawiaj;

Naucz się samodzielnie znajdować muzykę i akompaniament dźwiękowy;

Ruch

Naucz dzieci swobodnego poruszania się w przestrzeni i pomieszczeniach;

Naucz dzieci przekazywania obrazów i charakteru za pomocą ciała;

Rozwijać działalność twórcza dzieci.

Gry, okrągłe tańce.

Wprowadzaj dzieci w świat Kultura ludowa, naucz to rozumieć;

Zwróć uwagę dzieci na taką cechę muzyki, jak język komunikacji międzyetnicznej, co pomoże rozwiązać problemy edukacji międzynarodowej;

Naucz się łączyć śpiew z okrągłymi ruchami tanecznymi różnego typu;

Rozwijanie u dzieci zamiłowania do piękna dźwiękowego ich rodzimych słów, pieśni ludowych, tj. folklor

Nauka gry na flecie.

Kształtowanie prawidłowego oddychania;

Kształtowanie słuchu melodycznego i harmonicznego;

Naucz prawidłowego ułożenia palców;

Opanuj umiejętności wytwarzania dźwięków na flecie prostym;

Rozwój poczucia rytmu;

Kształtowanie poczucia formy utworu muzycznego;

Rozwijanie umiejętności gry zespołowej, grupowej, solowej;

Ipół roku

Na pierwszych lekcjach bardzo ważne jest wyjaśnienie uczniom istoty oddychania: różnicy pomiędzy oddychaniem fizjologicznym a wysiłkowym na poziomie dostępnym dla ich wieku. Szczególnie ważne jest wyjaśnienie dziewczętom natury ich oddychania: porozmawiaj o „żeńskim” i „męskim” typie oddychania, różnicach między nimi, wadach i zaletach jednego rodzaju oddychania nad drugim.

Wykonując ćwiczenia oddechowe, uczysz się prawidłowego wykonywania wdechu i wydechu.

Wykonuj ćwiczenia oddechowe:

„Bryza” - wdech przez usta, wydech przez zaciśnięte usta;

„Młyn” - wdech przez usta, w pozycji stojącej, ramiona rozłożone na boki, wydech przez usta podczas pochylania się do przodu;

„Kubuś Puchatek” – pozycja wyjściowa stojąca, dłonie przyciśnięte dłońmi do brzucha, wdech – nadmuchaj brzuch, wydech – wciągnij brzuch;

„Klepsydra” - pozycja wyjściowa stojąca, jedna ręka dociśnięta dłonią do brzucha, druga dłoń dłonią skierowaną do wewnątrz, przed twarzą. Wdychając ustami, nadmuchujemy żołądek, wydychając do dłoni cienkim strumieniem, wciągamy żołądek, dbając o to, aby wydech był długi, a ruch przepony bez szarpnięć;

Weź pełny, głęboki oddech i przytrzymaj go przez 2-3 sekundy. Następnie zaciskając usta, jak do gwizdania, nie wydymając policzków, wypuść mocno powietrze. Zatrzymaj się na chwilę, wstrzymując powietrze i powoli wydychaj powietrze. Powtarzaj, aż całe powietrze wyleci z płuc.

Naucz uczniów prawidłowego ułożenia palców, warg, języka i wytwarzania dźwięku na flecie prostym.

Wydajność z rejestratorem:

Umieszczamy ucznia przed dużym lustrem ściennym, aby mógł zobaczyć swoje odbicie, jeśli to możliwe, w pełnej wysokości. Pozycja wyjściowa: stopy rozstawione na szerokość barków; wsparcie na nodze, co jest wygodniejsze dla dziecka; ręce trzymają flet prosty, nie dociskając go do ciała ani nie unosząc go wysoko, sylwetka ucznia układa się w stylizowaną literę „F”. Pozycja dłoni na rejestratorze: lewa ręka powyżej, po prawej - poniżej.

Produkcja dźwięku na flecie prostym z „dziecinnym” uderzeniem:

Nuty są tworzone poprzez uderzanie czubkiem lub tyłem języka we wlot instrumentu w sylaby „tu” lub „ta”. Zwróć uwagę ucznia na oddzielanie dźwięków językiem, a nie poprzez przerywanie wydechu, bo Podczas oddzielania nut poprzez oddychanie dźwięk staje się rozmyty, „rozmazany”. Należy upewnić się, że podczas wykonywania wzoru melodycznego palce dokładnie pokrywają się z ruchem języka.

Kiedy już opanujemy realizację dźwięku w technice „detesh”, przystępujemy do kładzenia palców na flecie prostym.

Ułożenie palców na instrumencie:

Z reguły dzieci „kładą” palce na otworach końcówkami, co prowadzi do ich niepełnego zamknięcia. Wyjaśnij dziecku, że otwory należy zamykać środkiem opuszków palców, jednocześnie nie należy ściskać dłoni, a palce w miarę możliwości powinny być ułożone pod kątem prostym do fletu prostego. Zapewni to całkowite zamknięcie otworów rejestratora i doprowadzi do dokładnej intonacji wysokości nut. Dziecko powinno czuć się komfortowo trzymając dyktafon. Ważne: małe palce obu dłoni, w lekko zaokrąglonym położeniu, znajdują się nad przodem fletu prostego. Nieprawidłowe jest opuszczanie małych palców poprzez zginanie ich pod korpusem instrumentu lub unoszenie ich do góry.

Zwróć uwagę dziecka na znak cezury wskazane w tekście muzycznym (przecinek lub znacznik wyboru). Cezura to moment zmiany oddechu (wdechu).

Umieszczenie czterech palców lewej ręki na górze fletu prostego (kciuk, wskazujący, środkowy i serdeczny). Wyodrębnianie nut „B”, „A” i „G” pierwszej oktawy. Ucz się fragmentów, korzystając z tych notatek.

Przybliżona lista zabaw do utrwalenia badanych nut: „Wróbel Andrzej”, „Ding-dong”, „Królik spaceruje po ogrodzie”, „Kogucik”, „Dzięcioł”, „A kuku”.

Układ czterech palców prawej ręki (kciuk, wskazujący, środkowy i serdeczny). Wyodrębnianie nut „fa”, „mi” i „re” pierwszej oktawy. Ucz się fragmentów, korzystając z tych notatek. Gra z akompaniamentem.

Przybliżona lista zabaw do utrwalenia badanych notatek: „Nie lataj, słowiku”, „Jak pod naszymi bramami”, „Dawk i Griszka”, „Kotek”.

Uczeń proszony jest o wybranie ze słuchu poznanych melodii spośród dźwięków zaproponowanych przez nauczyciela.

Utrwalenie umiejętności prawidłowego wykonywania oddechu i precyzyjnego ułożenia palców

Zwróć uwagę na dokładne zachowanie pauz występujących podczas wykonywania utworów. Znak Fermaty. Fermata ( fermata ) – wydłuża dźwięk, na którym jest umieszczony, warunkowo o połowę czasu trwania, a także umożliwia wydłużenie dźwięku na życzenie wykonawcy, w zależności od treści muzycznej.

Przybliżona lista zabaw do utrwalenia badanych nut: „Chaber”, „Przychodzi rogata koza”, „Laduszki”, „Jak pod pagórkiem, pod górą”, „Pleciony, pleciony płot”, „Trąbka”, „ Pod kędzierzawą jabłonią”, „Yanichek” , „Czy w ogrodzie, w ogrodzie warzywnym”, „W drodze chrząszcz, chrząszcz”, V. Kalinnikov „Cień-cień”, V. Tsytovich „Puszysta piosenka”, A Aleksandrow „Nasza prosta piosenka”, „Szybkie rzeki”, A. Ostrovsky „ABC”, „I Walk with a Loach”, „Żuraw”, „Pasterka”, E. Beckman „Jodełka”, B. Maisel „Łódź”.

Pokonanie trudności w wygenerowaniu nuty „C” pierwszej oktawy. Zwróć uwagę ucznia na dokładne zamknięcie otworu małym palcem prawej ręki.

Przybliżona lista zabaw do utrwalenia badanych notatek: „Szczęśliwe gęsi”, „Och, baldachim”, D. Kabalevsky „O Petyi”.

Produkcja dźwięku na flecie prostym z uderzeniem legato:

Używając legato, język zaangażowany jest tylko w wybrzmiewanie pierwszej nuty, kolejne nuty wykonywane są spójnie na jednym oddechu.

Przybliżona lista zabaw wzmacniających uderzenie „legato”: „Łotewskia pieśń ludowa”, „Ogród”, „W wilgotnym lesie jest ścieżka”, „Wieczorem spacerowałem po łąkach”.

Wspólne muzykowanie ucznia i nauczyciela (ucznia i ucznia) sprzyja rozwojowi kreatywność młodzi muzycy, przyspiesza proces uczenia się, rozwija u ucznia słuch, poczucie rytmu, umiejętność czytania a vista, a także wpaja umiejętności gry w zespole.

Łatwe duety na flet prosty. Student musi wykonać zarówno partię I, jak i II fletu prostego.

Przybliżona lista sztuk do gry w zespole: „Hej, krzyczmy!”, „Przy bramie, bramie”, „Jak nasza przy bramie”, „Jak poszły nasze dziewczyny”, „Jabłko”, „Śpiewający ptak ”, „Dziecko chodziło” ”, I. Pushechnikov „Peek-a-ku”, „Duet”, „Round Dance”.

IIpół roku

Utrwalenie umiejętności prawidłowego wykonywania oddechu, precyzyjnego ułożenia palców, wykonywania technik gry uderzeniami „nonlegato” i „legato”, wybierania ze słuchu znanych melodii. Kontynuowanie doskonalenia umiejętności wspólnego muzykowania (gra w zespole), a także dalsza praca w zakresie wykonywania przedstawień z akompaniatorem.

Powtórzenie sztuk wyuczonych w pierwszej połowie roku.

Wyodrębnianie dźwięków „D”, „C-sharp”, „E” drugiej oktawy.

Synkopa, jej precyzyjne wykonanie. Synkopa to przesunięcie akcentu z metrycznie mocniejszego uderzenia na słabszy.

Ucz się fragmentów, korzystając z tych notatek. Przybliżona lista zabaw do utrwalenia badanych notatek: „Wania szła”, „Na naszym podwórku”, „Wiosna”, M. Krasev „Królik”, M. Iordansky „Pieśń o czajce”.

Dokładne wykonanie złożonych wzorów rytmicznych w połączeniu uderzeń dziecięcych i legato. Szesnaste części czasu trwania. Przybliżony spis spektakli: „Taniec ukraiński”, A. Gedike „Zainka”, A. Vitlin „Marsz pionierski”, „Siedzę na kamyku”, I. Dussek „Taniec starożytny”.

Wyodrębnianie dźwięków „gis” („As”) pierwszej oktawy. Ucz się fragmentów, korzystając z tych notatek. Gra z akompaniamentem. Przybliżona lista zabaw do utrwalenia badanych notatek: „Sierotka”, V. Gerchik „Przy choince”.

Wyodrębnianie dźwięków „F”, „G”, „E-dur”, „Fis”-, „G” („A-dur”) drugiej oktawy. Ucz się fragmentów, korzystając z tych notatek. Gra z akompaniamentem. Przybliżona lista zabaw do utrwalenia badanych notatek: D. Kabalevsky „Nasza ziemia”, M. Krasev „Liście opadają”, A. Gurilev „Idź do domu, moja mała krowa”, „Pszczoła”, D. Kabalevsky „Jeż” , P. Czajkowski „Kamarinskaya”, D. Kabalevsky „Powolny walc”.

Przybliżona lista utworów do grania w zespole: „Wszyscy z nami tańczą”, „Wierzba”, „Jak pójdę do szybkiej rzeki”, „Pieśń wieczorna” A. Toma, „Była brzoza w pole”, „Jak w lesie, mały las” ”, I. Pushechnikov „Dwie pasterki”, L. Mozart „Duet”, A. Gretry „Spór”, V. Gochielli „Świetlik”.

Transpozycja sztuk ukończonych w okresie studiów. Ugruntowanie umiejętności gry w zespole i z akompaniatorem.

Nauka utworów bardziej złożonych pod względem technicznym i percepcji muzycznej. Przybliżony wykaz repertuaru: V. Shainsky „Uśmiech”, Y. Shaporin „Kołysanka”, F. Couperin „Gavotte”, P. Czajkowski „Pieśń włoska”, J.-B. Loye „Sonata” F-dur (część III), H. Lippmann „Taniec arlekina”, W. Mozart „Canzonetta”.

Przybliżona lista utworów do grania w zespole: „Nad polami”, „O, nocniczku”, „To nie wiatr ugina gałąź”, „Nie karz mnie, kochanie”, „Och, ty, Kalinka”, „Kalinka”, P. Locatelli „Sonata” d-moll (część I).

Rzeczywiście, trudno jest określić czas potrzebny na rozwinięcie pewnych umiejętności. Najważniejszy jest kierunek, treść i metody szkolenia i rozwoju uczniów. Aby utrwalić pewne nabyte umiejętności, powinieneś je wziąć duża liczba prace o mniej więcej tym samym stopniu trudności. Złożoność omawianego repertuaru należy zwiększać stopniowo.

Zatem odpowiednie wstępne szkolenie w grze na flecie prostym stworzy sprzyjające możliwości kształtowania zrozumienia muzycznego i słuchowego, wszechstronnego i pomyślny rozwój student jako muzyk-wykonawca.

Oczekiwane rezultaty

W wyniku zajęć w młodszych uczniach powinno rozwinąć się trwałe zainteresowanie odtwarzaniem muzyki na flecie prostym, jako forma zbiorowej działalności artystycznej i potrzeba tej aktywności.

Stosowane formy i metody pracy przyczynią się do:

Kształtowanie poczucia kolektywizmu, spójności i umiejętności realizowania wspólnej idei;

Kształtowanie twórczego podejścia do procesu uczenia się, a zwłaszcza lekcji muzyki;

Rozwój ogólnych zdolności muzycznych;

Tworzenie kultura muzyczna jako ogólna kultura duchowa człowieka.

W okresie szkolenia uczniowie muszą nauczyć się prawidłowego wykonywania gry na flecie prostym. Pokonaj trudności w ułożeniu palców, warg i języka.

Zrozum różnicę pomiędzy oddychaniem fizjologicznym a wysiłkowym. Szczególnie ważne jest wyjaśnienie dziewczętom natury ich oddychania, porozmawianie o „żeńskim” i „męskim” typie oddychania, różnicach między nimi, wadach i zaletach jednego rodzaju oddychania nad drugim. Wykonując ćwiczenia oddechowe, uczysz się prawidłowego wykonywania wdechu i wydechu.

Opanuj palcowanie fletu prostego, naucz się samodzielnie uczyć, kompetentnie i ekspresyjnie wykonywać proste utwory z repertuaru dziecięcej szkoły muzycznej oraz wybierać ze słuchu znane melodie.

Od programu nie zapewnia monitorowanie postępów pośrednich i certyfikacja końcowa, studenci oceniani są na podstawie zajęć, na których uczęszczają, procentowej frekwencji na zajęciach (obecność lub brak nieobecności na zajęciach z ważnej lub nieusprawiedliwionej przyczyny) oraz występów na zajęciach spotkania rodziców i koncerty. Na różnych koncertach uczniowie mogą wykazać się kreatywnością i profesjonaly rozwój czego nauczyli się w ciągu ostatniego okresu.

I wreszcie nie należy pozbawiać dziecka zainteresowania nauką w szkole artystycznej (szkole muzycznej). Zależy to od wysiłków nauczyciela, jego umiejętności pedagogicznych. Jeśli uczeń uczęszcza na zajęcia z przyjemnością, nie opuszcza ich bez nich dobry powód Jeśli uczy się z zainteresowaniem i bierze czynny udział w występach koncertowych, jest to już ogromny plus zarówno dla dziecka, jak i nauczyciela.

Jak pisze B.Ya w swojej pracy. Grach: „Praca postępuje, gdy uczeń jest zainteresowany, i robi się ciekawie, gdy jedną pracę zastępuje się inną, gdy jedno zadanie zastępuje się innym, gdy pokonywanie trudności udaje się bez nadmierny Napięcie. Tylko w tym przypadku dobre wyniki sprawić radość uczniowi. Wszystko, co nie wychodzi, denerwuje ucznia, a niepowodzenia często prowadzą do kontuzji” („Podstawowe zasady metodyczne początkowego okresu nauki gry na fortepianie” Moskwa-Leningrad, 1965, „Muzyka”).

Wytyczne

Każde dziecko ma swój własny cel w procesie twórczym, a nie zbiorowy. Nauczyciel ceni rozwój każdego dziecka, okazując jednocześnie miłość, przebaczenie i cierpliwość. Niewykorzystane zdolności i indywidualność każdego dziecka rozwijają się stopniowo, zgodnie z prawami natury. Nauczyciel nie powinien niszczyć natury dziecka, ale dawać impuls do jego rozwoju. Zasady elementarnego muzykowania są szczególnie przydatne dla dzieci z ogólnym niedorozwojem lub z zaburzeniami mowy fonetyczno-fonemicznej. Duże znaczenie w pracy korekcyjnej z dziećmi w wieku szkolnym przywiązuje się do gier słownych, rytmicznych, gier mowy i logorytmiki. Mowie dziecka towarzyszą dźwiękowe gesty, co skupia jego uwagę oraz rozwija rytm i metrum. Za pomocą muzyki, ruchu i mowy rozwija się słuch muzyczny, pamięć muzyczna, poczucie rytmu i wyobraźnia. Dzieci mają możliwość wyrażenia siebie poprzez kreatywność. Ruchy rytmiczne są ściśle powiązane ze wszystkimi czynnościami programu, które rozwijają szereg cech psychologicznych dziecka: umiejętność panowania nad sobą, szybkiego i trafnego reagowania na sygnały, orientowania się w przestrzeni i grupie.

Dziecko „wchodzi w muzykę” poprzez zbiorowe zabawy połączone z recytacją, pantomimą i ćwiczeniami rytmicznymi. Wszystko, co może wydawać się zabawą, rozrywką, tak naprawdę podporządkowane jest ściśle zaprogramowanemu planowi pedagogicznemu. Podczas zabawy dzieci niezauważone przez siebie zdobywają mądrość solfeżu, nawet nie podejrzewając istnienia rytmu i metrum.

Znajomość nut następuje po tym, jak dziecko nauczy się grać ze słuchu, a także „ręcznie”, gdy dziecko obserwuje ręce nauczyciela. Dzięki nabytym pojęciom słuchowym i motoryce dzieci w naturalny sposób przechodzą do systemu zapisu muzycznego poprzez dźwięki, a nie odwrotnie, poprzez system znaków do muzyki. Ta ostatnia droga niestety często wywołuje u dzieci awersję do muzyki, „uciska” narząd motoryczny dziecka, zaburza jego rzeczywiste doznania muzyczne i „zamraża” je – często na całe życie.

Korzystanie z „figuratywnej umiejętności muzycznej” (proponowanej przez T.A. Rokityanskaya) poprzedza grę na instrumentach. Gdy dziecko zatańczy, wciągnie rękami w powietrze, zaśpiewa i poczuje całym ciałem ruchy dźwięków w przestrzeni, może z łatwością zagrać na flecie dwu- lub trzydźwiękową piosenkę. Niemniej jednak musimy pamiętać, że figuratywno-ruchowa znajomość muzyki ostatecznie zamienia się w elementarną umiejętność słuchania muzyki, tak niezbędną dla każdego, jak znajomość dowolnego języka.

Oddychanie fizjologiczne i czynnościowe. Oddychanie piersiowe („żeńskie”) i brzuszne („męskie”). Funkcje i różnice.

Ćwiczenia rozwijające sprawność oddechową.

Występ z rejestratorem.

Produkcja dźwięku na rejestratorze. Cezura.

Ułożenie palców lewej ręki. Wyodrębnianie nut „B”, „A” i „G” pierwszej oktawy. Ucz się fragmentów, korzystając z tych notatek. Gra z akompaniamentem.

Ułożenie palców prawej ręki. Wyodrębnianie nut „fa”, „mi” i „re” pierwszej oktawy. Ucz się fragmentów, korzystając z tych notatek. Gra z akompaniamentem.

Wybór gotowych melodii ze słuchu.

Wydobywanie dźwięków „C” drugiej oktawy, „Fis” z pierwszej oktawy, „B” z pierwszej oktawy. Ucz się fragmentów, korzystając z tych notatek. Gra z akompaniamentem.

Dokładnie rób pauzy podczas odgrywania scen. Fermata.

Pokonanie trudności w wygenerowaniu nuty „C” pierwszej oktawy.

Produkcja dźwięku na flecie prostym z uderzeniem legato.

Łatwe duety na flet prosty.

Wyodrębnianie dźwięków „D”, „C-sharp”, „E” drugiej oktawy. Omdlenie. Ucz się fragmentów, korzystając z tych notatek. Gra z akompaniamentem.

Dokładne wykonanie złożonych wzorów rytmicznych w połączeniu uderzeń dziecięcych i legato. Szesnaste części czasu trwania.

Wyodrębnianie dźwięków „gis” („As”) pierwszej oktawy. Ucz się fragmentów, korzystając z tych notatek. Gra z akompaniamentem.

Wyodrębnianie dźwięków „F”, „G”, „E-dur”, „Fis”-, „G” („A-dur”) drugiej oktawy. Ucz się fragmentów, korzystając z tych notatek. Gra z akompaniamentem.

Powtórzenie przerabianego materiału. Transpozycja sztuk ukończonych w okresie studiów. Ugruntowanie umiejętności gry w zespole i z akompaniatorem.

Warunki programu

Sala lekcyjna wyposażona w lustro ścienne.

Rejestrator (w zależności od liczby uczniów w klasie).

Fortepian (1 sztuka).

Metronom.

Magnetofon z odtwarzaczem CD.

Podręczniki naukowe i metodyczne.

Kolekcje nut edukacyjnych do gry na flecie prostym.

Bibliografia

Psychologiczno-pedagogiczne.

Abramowa G.S. „Psychologia związana z wiekiem”. M., 1999.

Bergson A. „Dwie formy pamięci”. M., 1979.

Zagadnienia metod nauczania w dziecięcej szkole muzycznej. komp. Tudorovsky A. M., 1965.

pytania pedagogika muzyczna, wydanie 10. Komp. Usow Yu., M., 1991.

Wasiliuk F.E. „Psychologia doświadczenia (analiza przezwyciężania sytuacji krytycznych).” M., 1984.

Grach B.Ya. „Podstawowe zasady metodyczne początkowego okresu nauki gry na fortepianie”. M., 1965.

Gippenreiter Yu.B. „Komunikuj się z dzieckiem. Jak?". M., 2005.

Dowling S. „Formacja fantasy: perspektywa analityka dziecięcego”. //2001.

Efimkina R.P. "Psychologia dziecięca". Nowosybirsk, 1995.

Kremenstein B. „Pedagogika G. G. Neuhausa”. M., 1984.

Lishin O.V. „Pedagogiczna psychologia wychowania”. M., „Akademia”, 2003.

Lachowickaja S.S. „Rozwój umiejętności samodzielności młodych muzyków.” M., 1965.

Michejewa L.” Słownik muzyczny w opowieściach.” M., 1984.

Petrov V. „Podstawy szkolenia wstępnego na klarnecie systemu francuskiego”. M., 1991.

Lista repertuarowa.

Litovko Y. „Pasterz” Łatwe utwory na flet prosty

Pokrovsky A. „W szkole i w domu” zestaw narzędzi do nauki gry na flecie prostym. M., 1989.

Pokrovsky A. „Nauczyciel i uczeń” Szkoła podstawowa gra zespołowa na instrumentach dętych drewnianych. M., 1992.

Pushechnikov I. „ABC początkującego fletu prostego”. M., 1991.

Pushechnikov I. „Szkoła gry na flecie prostym”. M., 1998.

Habicht G. „Utwory na flet prosty”, Pro musika Verlag Leipzig, 1978.

Program oparty jest na programie T.A. Rokityanskaya „Każde dziecko jest muzykiem”, E.S. Kiseleva „Skowronki”, N.V. Niebieski „Srebrny Dzwon”.

W repertuarze znajdują się rosyjskie pieśni ludowe, utwory na flet prosty Winogradowa, A. Zaruby, Rokityańskiej i innych kompozytorów współczesnych i zagranicznych.

Kamieniewa Tatiana Borysowna
Stanowisko: nauczyciel
Instytucja edukacyjna: MBUDO „Dziecięca Szkoła Muzyczna nr 1 im. M. I. Glinki”
Miejscowość: Smoleńsk
Nazwa materiału: Podręcznik edukacyjno-metodyczny.
Temat: Nauczanie fletu prostego w szkole muzycznej: rzeczywiste problemy i perspektywy.
Data publikacji: 21.09.2016
Rozdział: dodatkowa edukacja

Miejska budżetowa placówka oświaty dodatkowej „Dziecięca szkoła muzyczna nr 1 im. M. I. Glinki, Smoleńsk” Prowadzący zajęcia w szkole muzycznej: aktualne problemy i perspektywy. Podręcznik edukacyjno-metodyczny. Kamieniewa T. B. nauczycielka instrumentów dętych i perkusyjnych obwodu moskiewskiego, Smoleńsk
Treść
Wstęp

Rozdział I.

Teoretyczny

Aspekty

nauczanie

rejestratory

Szkoła Muzyczna.
1.1 Utworzenie szkoły gry na flecie prostym. 1.2 Formy i metody rozwijania zdolności muzycznych podczas nauki gry na flecie prostym.
Rozdział II.

Praktyczny

Aspekty

szkolenie

gra

rejestrator

Szkoła Muzyczna
. 2.1 Podstawowe zasady i zasady działania rejestratora. 2.2. Perspektywy nauczania gry na flecie prostym w szkole muzycznej jako samodzielnego instrumentu.
Wniosek.

Bibliografia.

Wstęp

Znaczenie

badania
Praca ta jest podyktowana współczesnymi obiektywnymi warunkami. Jeden z najważniejsze sekcje Edukacja estetyczna to edukacja muzyczna, której w naszym kraju poświęca się wiele uwagi. Wśród placówek oświatowych znaczące miejsce zajmują dziecięce szkoły muzyczne, które pełnią odpowiedzialną rolę w przygotowaniu uczniów do dalszej kariery zawodowej. Edukacja muzyczna w szkole średniej instytucje edukacyjne i wnoszą ogromny wkład w sprawę powszechnej edukacji estetycznej. Głównym zadaniem edukacji podstawowej w dziecięcych szkołach muzycznych jest rozbudzanie zainteresowań dzieci muzyką i jej praktykowanie, nauczanie języka sztuki muzycznej, rozwijanie gustu artystycznego i twórczej wyobraźni. Bardzo ważne jest utrzymanie ciekawości i zainteresowania dziecka lekcjami muzyki, które wykazywało, gdy uczęszczało do dziecięcej szkoły muzycznej. Nauczyciele pracujący z dziećmi powinni poczuwać się szczególnie dużą odpowiedzialność wobec swoich uczniów, aby wprowadzać dziecko w coraz to nowe doświadczenia muzyczne, zachować dla niego naturalność jego stosunku do wciąż poszerzającego się świata muzycznego oraz podtrzymywać aktywne zainteresowanie muzyką. w nim muzyka. Specyfika instrumentów dętych determinuje nie tylko różne okresy nauki gry na tych instrumentach, ale także wiek, a raczej związany z wiekiem stan zdrowia fizycznego ucznia. Ponieważ wiek chcących grać na instrumentach dętych sięga czasami zaledwie 5–7 lat, nauka gry na flecie prostym stała się normalną praktyką w szkole muzycznej. Opanowanie „dużego” instrumentu dętego (fletu oboju, fagotu, saksofonu, trąbki, puzonu, tuby itp.) w tym wieku jest zadaniem niemal niemożliwym ze względu na niedostateczny rozwój fizjologiczny dziecka. Dlatego rejestrator jest znakomitą alternatywą dla swoich większych braci. We współczesnych szkołach muzycznych dziecko zdobywa wiedzę teoretyczną, rozwija się estetycznie i doskonali umiejętności gry na wybranym przez siebie instrumencie muzycznym. Lekcje gry na flecie prostym poszerzają horyzonty muzyczne uczniów, przyczyniają się do rozwoju uwagi, ciężkiej pracy i głębszego zrozumienia muzyki. Na podstawie 20-letnich doświadczeń (autora niniejszego opracowania) z uczniami dziecięcej szkoły muzycznej można stwierdzić, że uczniowie posiadający podstawowe umiejętności muzyczne
Już na pierwszym etapie uczą się dość szybko i zupełnie bezboleśnie przechodzą na dowolny inny instrument dęty, na którym nadal z sukcesem i z wielkim zainteresowaniem ćwiczą, osiągając dobre rezultaty.
Stopień rozwoju naukowego.
Nowoczesne systemy pedagogiczne uwzględniają szeroki zakres zagadnień związanych z doskonaleniem instrumentarium i akustycznym charakterem instrumentów; poruszane są kwestie interpretacji dzieła muzycznego; dalsze doskonalenie procesu edukacyjnego; Przedstawiono wyniki badań oddychania oraz wybrane czynniki procesu wykonawczego muzyka dętego. Nowoczesny Badania naukowe wskazują, że już od pierwszych dni pobytu dziecka w szkole muzycznej należy zaszczepiać rozwój zdolności muzycznych, kształtowanie podstaw kultury muzycznej, a rozwój zdolności muzycznych ma wpływ na całościowy rozwój dziecka : rozwija się sfera emocjonalna, wyobraźnia, wola i fantazja. Obserwując aktywność uczniów na lekcji można stwierdzić, że dużym odzewem dzieci, a co za tym idzie większą aktywnością prowadzącą do lepszego przyswojenia materiału lekcyjnego, zapewniają tego typu zajęcia, w których uczniowie są bezpośrednimi wykonawcami. Wiele zachodnich technik opiera się na zasadzie własnego tworzenia muzyki. Na przykład system Carla Orffa, który ostatnio stał się powszechny w naszym kraju. Problemy intonacji na instrumentach dętych omówione są w pracach N.I. Karaulovsky, B.A. Shestopala i Yu.I. Gritsenko. Artykuły I.F. poświęcone są rozwojowi umiejętności wykonawczych i aparatury gry instrumentu dętego. Pushechnikova, I.P. Mozgowenko. Teorię i metodologię wykonywania umiejętności ujawniono w pracach naukowych V.M. Buyanovsky, A.P. Barantsev i R.A. Maslova (zasady twórcze, metodologiczne i pedagogiczne wybitnych muzyków). Zasadnicza część koncepcji pedagogicznych dotyczy metod nauczania gry na instrumentach dętych na początkowym etapie. Można tu wyróżnić kilka kierunków. To poszukiwanie nowych metod nauczania związanych z doskonaleniem całego procesu edukacyjnego – A. Naydi i M. Shaposhnikova. Badanie czynników procesu wydajności przy użyciu rygorystycznych metod badawczych
instrumentacja - A. Selyanin, B. Pronin i V. Bubnovich, akustyczna natura instrumentu dętego - V. Apatsky. W pracy profesora nadzwyczajnego klasy fletu GMPI im. Gnesinykh A. Naydi „Zagadnienia nauczania gry na pokrewnych instrumentach dętych drewnianych” porusza bezpośrednio problemy kształcenia zawodowego wykonawców na pokrewnych instrumentach dętych, a w szczególności na flecie prostym. Wiodący nauczyciele, I. Pushechnikov, I.P. Mozgovenko i inni. Podkreślają, że proces wykonawczy składa się z wielu elementów i jest zdeterminowany, po pierwsze, istniejącymi metodami nauczania; po drugie, stan i doskonałość instrumentów; po trzecie, ogólna kultura muzyczna wykonawcy, która z kolei zależy od jego wiedzy z zakresu historii i teorii muzyki, estetyki, wzorców odbioru muzyki oraz umiejętności zastosowania zdobytej wiedzy w swojej pracy. Wykonywanie oddychania, jego badanie, inscenizacja i rozwój zajmują ważne miejsce w badaniach N.N. Solodueva i B.O. Dikova N.I. Płatonow i Yu.G. Jagudina. Koncepcja pedagogiczna I. Pushechnikova i B. Pronina w początkowym okresie szkolenia dzieli się na dwie części: teoretyczną i metodologiczną. W pierwszej części koncepcji uzasadniono potrzebę wprowadzenia fletu prostego do procesu edukacyjnego szkoły muzycznej jako instrumentu, który może pomóc w rozwiązaniu problemu wczesnej nauki dzieci gry na instrumentach dętych drewnianych i dętych blaszanych. W tym sensie flet prosty ma pełnić funkcję instrumentu pośredniego: fletu prostego, oboju lub fletu prostego, puzonu oktawowego, puzonu. Prace tego rodzaju uzupełniają istniejące kursy metod prywatnych i przyczyniają się do stworzenia pełnoprawnego, wszechstronnego ogólnego kursu metod nauczania gry na instrumentach dętych. Jednocześnie analiza pozwala stwierdzić, że w szkole muzycznej nie było systemowego podejścia do nauczania metod nauczania gry na flecie prostym.
Praktyczny

znaczenie

praca
polega na tym, że opiera się na badaniu rozwoju teoretycznego, metodologicznego, doświadczeń historycznych i narodowych i jest interesujący dla nauczycieli dziecięcych szkół muzycznych i dziecięcych szkół artystycznych.
Cel
uzasadniają potrzebę nauczania gry na flecie prostym w szkole muzycznej.
Zadania

Zbadanie genezy powstania szkoły gry na flecie prostym; analizować formy i metody rozwijania zdolności muzycznych podczas nauki gry na flecie prostym; Są to podstawowe zasady i zasady wykonywania fletu prostego; określić etapy nauki gry na flecie prostym; rozważyć perspektywy nauczania fletu prostego;
Rozdział I. Teoretyczne aspekty nauczania fletu prostego w

Szkoła Muzyczna.

Utworzenie szkoły gry na flecie prostym
. Flet prosty jest rodzajem fletu podłużnego i należy do klasy dętych drewnianych i należy do rodziny gwizdków. To naprawdę jeden z instrumentów, na którym łatwo nauczyć się grać już od 4-5 roku życia i grać najprostsze melodie.Fet prosty posiada osiem otworów do gry, z czego siedem znajduje się z przodu instrumentu, a jeden z tyłu z tyłu działa jak zawór oktawowy, to znaczy za jego pomocą dźwięk podnosi się o oktawę. Tworzenie dźwięku odbywa się w ustniku, który jest nieusuwalny i znajduje się na końcu fletu. Flet prosty należy do instrumentów skali diatonicznej, jednak dzięki zastosowaniu palcowania „widelkowego” i dmuchania skalę można rozszerzyć do chromatycznej. Palcowanie „widełkowe” pozwala na uzyskanie pożądanych półtonów przy wykorzystaniu półprzymkniętych otworów. Skala chromatyczna to „zbiór dźwięków ułożonych sekwencyjnie w półtonach (w kolejności rosnącej lub malejącej) w ramach dostępnego zakresu instrumentu. Grając na flecie prostym ze skalą chromatyczną muzyk ma większe możliwości kreatywności ze względu na szerszą paletę dźwiękową. Oczywiście rejestrator nie był oryginalnie wykonany z tworzywa sztucznego. Choćby dlatego, że w momencie wynalezienia taki materiał po prostu nie był znany. Autentyczny flet prosty to instrument drewniany. Nowoczesne rejestratory są zwykle wykonane z drewna lub tworzywa sztucznego. Istnieją również opcje łączone: główna część instrumentu wykonana jest z drewna, a ustnik z tworzywa sztucznego. Ręcznie robione flety z mahoniu, palisandru czy bukszpanu uważane są za jedne z najlepszych od czasów baroku. Prostszymi opcjami są rejestratory wykonane z klonu, gruszy lub innych drzew owocowych. Nie ma nic złego w tym, że właśnie z tych gatunków drewna powstają flety proste
cudowny. Wystarczy zapoznać się z właściwościami ich drewna. Na przykład drzewo różane, którego drewno jest nadal jednym z najdroższych, ma doskonałą odporność na wilgoć i praktycznie nie jest podatne na gnicie. Ponadto drewno palisandru jest bardzo gęste i trwałe, co sprawia, że ​​gotowy instrument jest również odporny na naprężenia mechaniczne. Drewno klonu, gruszy i jabłoni jest również dość twarde i trwałe, ale nadal ma gorsze właściwości niż bukszpan i palisander. Barwa i inne cechy dźwięku fletu prostego są w dużym stopniu zależne od materiału, z którego wykonany jest instrument. Bo żywotność instrumentu dętego, zwłaszcza drewnianego, jest nieporównywalna mniej życia strunowy, wówczas średnia żywotność rejestratora przy ciągłym użytkowaniu wynosi około 20 lat. Rejestrator istnieje w tradycji różne kraje Europa. W każdym języku można znaleźć własne odmiany nazwy. Zatem po angielsku rejestrator brzmi jak rejestrator. Nazwa ta pochodzi od słowa nagrywać, które ma dwa znaczenia: nagrywać i uczyć się. Znana rosyjskiemu uchu nazwa „flet prosty” jest transliteracją niemieckiego słowa blockflote (flet blokowy), które można przetłumaczyć jako „flet z blokiem”. Rzeczywiście, instrument ten przybył do naszego kraju z Niemiec wraz z modą na niemieckich nauczycieli. To wyjaśnia popularność niemieckiego systemu palcowania w Rosji. Możliwe, że od nazwy niemieckiej pochodzi francuski flet a bec – „flet z ustnikiem”. W języku włoskim flet prosty brzmi jak flauto dolce, czyli „delikatny flet” lub „słodki flet”. Nazwa ta wzięła się zapewne stąd, że brzmienie autentycznego fletu prostego było rzeczywiście bardzo delikatne i aksamitne. Flety proste są zwykle rozróżniane według takich kryteriów, jak rejestr dźwięku, rozmiar i palcowanie. Najpopularniejsze typy fletów prostych według ich rejestrów dźwiękowych można nazwać pięcioma typami: sopranino, sopran, alt, tenor i bas. Wśród wszystkich odmian tych instrumentów najpopularniejsze są flety proste sopranowe (ang. „Descant”). Jest to flet prosty sopranowy, który jest aktywnie wykorzystywany do nauczania w szkołach muzycznych. Wszystko materiały edukacyjne, w tym większość nut, zostały nagrane specjalnie dla tego instrumentu. Zakres częstotliwości fletu prostego sopranowego jest w rzeczywistości o oktawę wyższy, ale ponieważ zapis, w którym nuty dokładnie odpowiadają częstotliwościom, byłby bardzo niewygodny dla kształcących muzyków, zwyczajem było zapisywanie nut o oktawę niżej.
Według encyklopedia muzyczna, „palcowanie (od łac. Applico - naciskam, nakładam) - sposób ułożenia i kolejności naprzemiennych palców podczas gry na instrumencie muzycznym; oznaczenie tej metody w uwagach.” Palcowanie fletu prostego daje zatem wyjaśnienie, które otwory w instrumencie należy zamknąć palcami, aby uzyskać konkretną nutę. Flety proste systemu angielskiego lub „barokowego” są szeroko rozpowszechnione na całym świecie. Jest to palcowanie stosowane przez profesjonalnych muzyków. Jak sama nazwa wskazuje, palcowanie to wywodzi się z Anglii. Cechą szczególną fletów prostych barokowych jest to, że czwarty otwór od dołu ma mniejszą średnicę niż trzeci. Flety proste z germańskim palcowaniem pojawiły się znacznie później niż instrumenty z systemem barokowym. Model ten jest obecnie dość rzadki. Flety proste niemieckie są nowocześniejsze, wynaleziono je już w XX wieku. Niemieckie flety proste są popularne głównie w Niemczech, Holandii i, co zaskakujące, w Rosji. Uważa się, że łatwiej jest nauczyć się fletów prostych z germańskim palcowaniem. Dlatego w szkołach muzycznych ten model jest oferowany uczniom. Wynika to z faktu, że niemieckie flety proste zostały stworzone z myślą o nauczaniu dzieci w wieku szkolnym. Jedną z różnic między fletami niemieckimi i angielskimi jest to, że czwarty otwór ma większą średnicę niż trzeci. Dlatego przy graniu niektórych nut występuje różnica w palcowaniu, co stwarza pewne trudności w wykonaniu dla dzieci.Ponadto flety proste barokowe mają węższy kanał, przez co ich dźwięk jest cichszy niż niemieckich. Flet prosty, wynaleziony w średniowieczu, przez wiele stuleci cieszył się ogromną popularnością wśród różnych warstw ludności Anglii, Niemiec, Włoch i Francji. Flet prosty można znaleźć na obrazach artystów i dziełach literackich tamtych czasów. Według niektórych raportów flet prosty był nawet jednym ze świeckich instrumentów rosyjskiej szlachty. Począwszy od drugiej połowy XVIII wieku instrument ten nie tylko był na wiele lat wyrzucany z orkiestr symfonicznych, ale aż do początków XX wieku został niemal całkowicie zapomniany. Tym samym, gdyby nie kilku entuzjastów ubiegłego stulecia, rejestrator na zawsze pozostałby archaizmem, który nikogo nie interesuje. Paradoksalnie „nowoczesny” flet prosty jest w istocie bezpośrednim spadkobiercą modelu instrumentu epoki wysokiego baroku. Te proste narzędzia plastikowe, tak powszechne i
popularne wśród młodych ludzi w naszych czasach są jedynie uproszczone kopie tych fletów, które zachwycały uszy „Króla Słońce” ( Ludwik XIV ) i po prostu zabrzmiały w salonach muzycznych tamtej epoki. Faktem jest, że „rewolucja” w konstrukcji fletu prostego nastąpiła nieco wcześniej – na przecięciu epoki renesansu i baroku. Jednak to, co dla wielu może wydawać się jeszcze bardziej zaskakujące, to fakt, że to właśnie renesansowe modele fletów prostych w Europie są często wykorzystywane do wykonywania muzyki współczesnej, a nawet jazzu. Ale także, uczciwie, warto zwrócić uwagę na twórczość tak wybitnych mistrzów XX wieku, jak na przykład Ralph Ehlert z Niemiec. Nie tylko rozwinął możliwości brzmieniowe i moc brzmieniową instrumentu, ale nawet wynalazł własny model fletu prostego, który cieszył się dużą popularnością w Europie. Klasyczny europejski flet prosty znany jest już od XI wieku, jednak szerszą sławę zyskał w okresie renesansu. Poglądy na temat muzyki wczesnego średniowiecza są bardzo konwencjonalne. Można tylko przypuszczać, że upadek Cesarstwa Rzymskiego (od czasu, od którego obecnie zwyczajowo zaczyna się liczyć średniowiecze) i Wielka Migracja Ludów (IV-VII wiek) wpłynęły na rozprzestrzenianie się instrumentów muzycznych w Europie. Większość dętych instrumentów muzycznych w Europie można śmiało nazwać dziedzictwem Cesarstwa Rzymskiego. Zasadniczo mówimy o narzędziach, które były używane przez wojsko. Historia fletu prostego zaczyna się znacznie później. Możemy jednak rozważyć przesłanki popularyzacji tego narzędzia. O muzyce europejskiej można mówić już od około VI wieku – niestety możemy jedynie spekulować, co działo się w muzyce przed tym okresem. W tym czasie zaczęła kształtować się tradycja jednogłosowego śpiewu kościelnego, który później przekształcił się w chorały. Podstawą tych utworów muzycznych były hymny kościelne. Niemal przed pojawieniem się chorałów w kościele śpiewali wszyscy parafianie. Chorały składały się wyłącznie z muzyków zawodowych. Przez bardzo długi czas w kościołach zachował się wyłącznie ten rodzaj muzyki. W 660 r. pojawił się pierwszy kościelny instrument muzyczny, „boski instrument muzyczny” - organy, które do dziś są główną cechą kościołów katolickich. Nawiasem mówiąc, wiele piszczałek w konstrukcji organów ma kształt fletu prostego. Około XI-XII wieku powstał śpiew polifoniczny, któremu kilka wieków później zaczęto towarzyszyć instrumenty muzyczne. Ale to nie zjawisko jest główną przyczyną pojawienia się fletu prostego na scenie średniowiecznej. Dużo większą rolę w popularyzacji odegrali podróżujący muzycy, którzy zaczęli pojawiać się w tym samym czasie. Pod podróżującymi muzykami możesz
to przede wszystkim francuscy trubadurzy i truwerzy, a także niemieccy minnesingers – artyści, którzy w swoich wierszach poruszali różne aspekty życia rycerskiego, w tym miłość do nieosiągalnej Pięknej Damy. Wszystkie wiersze komponowane przez wędrownych muzyków wymagały akompaniamentu, a flet prosty stał się właśnie tym instrumentem towarzyszącym. Do dnia dzisiejszego zachowało się jedynie kilka średniowiecznych instrumentów. Trzy z nich odnaleziono podczas wykopalisk w holenderskim mieście Dordrecht w niemieckim Getyndze oraz w polskim Elblągu. Flety te pochodzą z XIII-XIV wieku. Wszystkie posiadają rejestr sopranowy. W okresie renesansu surowo zakazana wcześniej muzyka świecka wreszcie zaczęła stopniowo zyskiwać na wolności, choć już w tym czasie można było zaobserwować wyraźną dominację gatunków wokalnych. Muzyka instrumentalna, choć stopniowo zaczęła uzyskiwać samodzielność, przez długi czas pozostawała wtórnym dodatkiem do pieśni i tańców. W tym czasie popularność zaczęły zyskiwać kompozycje przekształcone z duchowych lub świeckich w utwory ludowe, czasami z towarzyszeniem instrumentów perkusyjnych i dętych, zwłaszcza fletów prostych. Rozpowszechnienie rejestratora wynikało ze względnej prostoty gry. Szczególną popularnością cieszyły się zespoły składające się z instrumentów tego samego typu – conssorts. Swoją drogą całkiem spora liczba dzieła muzyczne tamtych czasów powstawały bez odniesienia do konkretnego instrumentu. Oznacza to, że jeden utwór może zostać wykonany albo przez parę fletów prostych, albo przez zespół smyczkowy. Najważniejsze zmiany w muzyce renesansu nastąpiły we Francji. Wiąże się to przede wszystkim z nazwiskiem Pierre'a Attennana. Człowiek ten, który zaczął zajmować się działalnością wydawniczą około 1525 roku, jako pierwszy wynalazł litery przedstawiające laskę i notatki. Od tego czasu wyniki stały się dostępne dla szerokiego grona osób. Unikalna technologia druku Attenyan bardzo szybko rozprzestrzeniła się w całej Europie. Można powiedzieć, że to właśnie temu człowiekowi zawdzięczamy pojawienie się pierwszych nut na flecie prostym. A dziesięć lat później, w 1535 r., ukazał się w Wenecji pierwszy podręcznik gry na flecie prostym – „La Fontegara, la quale insegna di suonare il flauto etc.” Jej autorem był włoski kompozytor Silvestro Ganassi. Ważne jest, że w traktacie tym zawarto nie tylko informacje na temat różnych technik gry na flecie prostym, ale także palcowania. Wygląd równomiernie hartowanego systemu, który jest podstawą wszystkiego Muzyka europejska zawdzięczamy to okresowi baroku.
Flet prosty w czasach baroku stał się jednym z czołowych instrumentów muzycznych. Do dziś przetrwała ogromna liczba utworów muzycznych napisanych na ten instrument. Barok to w pewnym sensie czas zapisów fletu prostego. Na przykład w tym okresie ukazał się zbiór Jacoba van Eycka „Der Fluyten Lust-Hof” (1646-1649), który do dziś uważany jest za największy zbiór dzieł na instrument dęty solo napisanych przez jednego kompozytora. W XVII wieku nastąpiły zmiany w konstrukcji fletu prostego. W tym czasie pojawił się tzw. flet prosty „barokowy” – bardzo zbliżony do współczesnej wersji tego instrumentu. Zmiany polegały głównie na zmniejszeniu średnicy fletu. To zmieniło ton fletu. Od tego czasu przestało być miękkie i gładkie, jak wcześniejsze instrumenty, a zbliżyło się do tego, co słyszymy teraz. W XVIII wieku nazwa „flet prosty” zeszła na dalszy plan i została zastąpiona terminem „flet”. Flet poprzeczny był wówczas powszechnie nazywany po prostu fletem niemieckim. Eksperci wymieniają różne przyczyny zastąpienia fletu prostego fletem poprzecznym w orkiestrach symfonicznych i zespołach instrumentalnych. Możliwe, że wszystkie w jakiś sposób wpłynęły na zapomnienie instrumentu. Za jedną z przyczyn tradycyjnie uważa się dość cichy dźwięk fletu prostego. Ale to stanowisko jest kontrowersyjne, ponieważ początkowo flet poprzeczny brzmiał nie głośniej niż flet prosty. Dopiero później, po pewnych zmianach konstrukcyjnych, flet poprzeczny zaczął mieć głośniejszy dźwięk i większe możliwości techniczne. Obecnie pomiędzy rejestratorem a flet poprzeczny Bardzo trudno znaleźć jakiekolwiek podobieństwa. Nie można jednak zaprzeczyć, że już w tym czasie flet poprzeczny miał szerszą skalę i czystszą intonację. Innym powodem jest to, że na flecie prostym bardzo trudno jest grać ze względu na jego właściwości. Faktem jest, że drewniane flety proste mają tendencję do zmiany strojenia pod wpływem zmian temperatury powietrza. Strojenie zmienia się zarówno od gry na zimno, jak i od ogrzewania samego fletu podczas gry. W przypadku fletu poprzecznego problem ten jest znacznie mniej wyraźny. Co ciekawe, wiele utworów muzycznych, jak np. 10. opus Vivaldiego, zostało pierwotnie napisanych na flet prosty, a później przerobionych na flet poprzeczny. Niektóre źródła podają, że kolejną przyczyną przeniesienia fletu prostego był fakt, że muzyka przestała być jedynie przyjemną rozrywką, a przekształciła się w czynność czysto
sfera zawodowa. Trudno się z tym zgodzić, gdyż flet prosty był raczej instrumentem nieprofesjonalnym. Ponadto w wielu utworach Bacha flet prosty gra solo wraz z trąbką i obojem. Zmiana gusta muzyczne zarówno samych muzyków, jak i słuchaczy, a także niedostateczną ocenę możliwości fletu prostego, spowodowaną brakiem profesjonalnych wykonawców, co wynika także ze zmiany priorytetów. Jednocześnie moda na flety proste zaczęła stopniowo odchodzić w przeszłość, a coraz częściej pojawiały się zespoły składające się z odmiennych instrumentów. Pod tym względem flet prosty po prostu nie mógł konkurować z innymi instrumentami dętymi. Właściwie ze wszystkich zespołów na początku XVIII wieku pozostał jedynie kwartet smyczkowy, który później stał się podstawą Orkiestra symfoniczna. Wszystkie inne instrumenty - bębny, instrumenty dęte itp. – zostały dobrane dla orkiestr ze względu na kompatybilność ze smyczkami. Głównymi kryteriami były dynamika i stabilność intonacji. Flet prosty to instrument, na którym przy dynamicznej różnorodności było prawie niemożliwe. Ponadto nie ma wystarczającej czystości intonacji w porównaniu do innych instrumentów. Można też przypuszczać, że znaczącą rolę odegrała skala diatoniczna fletu prostego i trudność jej rozszerzenia do chromatycznej. Warto jednak zaznaczyć, że rejestrator nie zrezygnował od razu ze swojego stanowiska. Jedna z odmian fletu prostego – harmoniczna – rozpowszechniła się w XVII wieku i dzięki swojemu dość głośnemu i wyraźnemu brzmieniu organicznie wpasowała się w orkiestrę. Skala harmoniczna zaczyna się od nuty „D” drugiej oktawy. Jeden z najbardziej jasne przykłady wykorzystanie harmonii w orkiestrze – opera V.-A. „Czarodziejski flet” Mozarta. To harmonia stała się „czarodziejskim fletem” w dziele geniusza. Tak czy inaczej, już w drugiej połowie XIX wieku flet prosty został całkowicie zastąpiony fletem poprzecznym i wraz ze zniknięciem tego instrumentu z dalszej historii muzyki aż do XX wieku mistrzowie zajmujący się zanikła także produkcja rejestratorów. W Europie Wschodniej flety proste są nadal powszechne jako instrumenty ludowe. Są to ukraińska sopilka (dentsivka), białoruska fajka, słowacka fuyara, mołdawska i rumuńska grypa (fluyara, fluyra). Na przełomie XIX i XX wieku flet prosty ponownie został zapamiętany jako ciekawy instrument starożytny. Wynikało to z ogólnoeuropejskiej tendencji do odrodzenia zainteresowania własną historią i kulturą innych narodów. Pierwsze zespoły
muzyka starożytna pojawiła się właśnie na przełomie XIX i XX wieku. Czas ten wiąże się z pojawieniem się takiego zjawiska jak „autentyzm”. Autentyzm lub autentyczne wykonanie to „ruch w wykonawstwie muzycznym, którego celem jest dokładne odtworzenie brzmienia muzyki z przeszłości oraz zapewnienie, że współczesne wykonanie odpowiada oryginalnym, „historycznym” pomysłom”. Zasadniczo wczesny autentyzm wiązał się ze szczegółowym odtworzeniem muzyki barokowej. Następnie koncepcja ta rozprzestrzeniła się na inne style muzyczne. W 1919 roku angielski muzyk Arnold Dolmech poczynił pierwsze kroki w kierunku wskrzeszenia angielskiej wersji XVIII-wiecznego fletu prostego rozpoczynając produkcję tego instrumentu. Później odegrał kluczową rolę w szerzeniu zainteresowania autentycznym wykonawstwem i tworzeniu analogii do starożytnych instrumentów. Jednak w prawdziwej galarecie Dolmech wcale nie był pierwszy, choć za takiego się uważa. Poprzedzili go muzycy Konserwatorium Brukselskiego (gdzie studiował Dolmetsch) i organizacji Bogenhauser Künstlerkapelle oraz muzycy Willibald Gurlit, Werner Dankertz, Gustav Scheck. Wszystko to sugeruje, że odrodzenie fletu prostego było dziełem nie jednej osoby, a całej grupy muzyków, którzy w dodatku pracowali nad nim oddzielnie w różnych krajach. Co ciekawe, w ciągu nieco ponad stu lat informacje o flecie prostym praktycznie zaginęły. Kiedy Igor Fedorowicz Strawiński zapoznał się z tym instrumentem, był pewien, że jest to klarnet bardzo starego typu. Kompozytor rzeczywiście nie mylił się zbytnio, ponieważ pierwsze klarnety były bardzo podobne z wyglądu do fletów prostych. Z autentycznym wykonaniem i popularyzacją fletu prostego kojarzą się takie nazwiska jak Paul Hindemith, Mark Weinroth, Ferdinand Conrad, David Monroe.
1.2. Formy i metody rozwijania zdolności muzycznych za pomocą

nauka gry na flecie prostym.
Pedagogika muzyczna, stale doskonaląc metody nauczania gry na instrumentach dętych, niewątpliwie powinna dać nowy impuls szerszemu wprowadzeniu fletu prostego do praktyki edukacji muzycznej i wykonawstwa. Zanim jednak przejdziemy bezpośrednio do zagadnień nauczania dzieci gry na flecie prostym, powinniśmy zastanowić się nad niezbędnymi przesłankami opanowania wszystkich subtelności wykonawczych i psychologicznych, które powinny
znajduje się stale w polu widzenia i uwagi nauczyciela specjalnego instrumentu – fletu prostego. Zdolności muzyczne, które pozwalają opanować każdy instrument muzyczny, łącznie z fletem prostym, to: słuch, pamięć i rytm, czyli oczywiście słuch muzyczny, pamięć muzyczna i czucie rytm muzyczny. Zdolny uczeń musi nie tylko potrafić określić dźwięk i jego wysokość, ale także reagować na „intonację”, „dynamikę”, emocjonalnie doświadczyć muzyki, wyczuć jej charakter. Dzięki ukierunkowanej i celowej praktyce można osiągnąć wspaniałe rezultaty w rozwoju zdolności muzycznych. Wychować zdolności muzyczne Jest to możliwe, jeśli kochasz muzykę i masz do tego wielką chęć. Naturalne zdolności należy rozwijać już od najmłodszych lat. Czasami dziecko nie od razu wykazuje zdolności muzyczne. Jednak jego pociąg do muzyki można rozpoznać już w bardzo młodym wieku. Rozwój słuchu wymaga umiejętności i profesjonalizmu, dlatego w dziecięcych szkołach muzycznych już od pierwszych lat nauki w programie nauczania znajdują się przedmioty doskonalące słuch muzyczny, pamięć i rytm. Ale same te zajęcia nie wystarczą, aby rozwinąć wszystkie subtelności muzycznej percepcji dziecka. Profesjonalny nauczyciel musi regularnie rozwijać umiejętności ucznia w swojej klasie. Słuch ucznia może być lepiej rozwinięty niż pamięć czy rytm. Może być też odwrotnie: pamięć i rytm są lepiej rozwinięte niż słuch. Dlatego konieczne jest rozwijanie zdolności ucznia, opierając się na jego możliwościach i naturalnych danych. Aby określić zdolności muzyczne, nauczyciel musi dokładnie zbadać swojego ucznia. Należy także stale zwracać uwagę na dokładną intonację – najważniejszy środek wyrazu muzycznego. Aby rozwinąć dokładną intonację, konieczne jest ciągłe rozwijanie u ucznia słuchu muzycznego, a także poczucia samokontroli. Osiągnięcie czystej intonacji na flecie prostym nie jest łatwe, ponieważ większość dźwięków jest wytwarzana przy użyciu kombinowanego palcowania. Wiadomo, że nie ma idealnie nastrojonych instrumentów muzycznych. Instrumenty dęte są instrumentami strojeniowymi półstałymi. Strojenie fletu prostego można regulować poprzez dynamikę, zmianę palcowania i wysuwanie ustnika. Jest to szczególnie ważne, aby pamiętać podczas nauki gry na flecie prostym, ponieważ obojętny stosunek ucznia do produkcji dźwięku często prowadzi do zmniejszenia lub zwiększenia strojenia i zniekształcenia intonacji.
Instrumenty dęte posiadają szereg cech, jedną z nich jest niedokładność strojenia, co wymusza ciągłą „korektę” wysokości poszczególnych dźwięków poprzez odpowiednie napięcie warg, wymagającą zwiększonej wrażliwości słuchowej na intonację. Kolejną cechą jest pewne zróżnicowanie barw. Dlatego też adepci instrumentów dętych mogą stosunkowo łatwo nabyć umiejętność określania i wyobrażania sobie wysokości bezwzględnej dźwięków instrumentu, na którym grają. Dla wielu objawia się to już w momencie chwycenia instrumentu, bazując na powiązaniu pomiędzy reprezentacją dźwięku a wrażeniami motorycznymi. Konsekwencją tego jest szybki aktywny rozwój słuchu muzycznego. Należy rozwijać u dzieci umiejętność przewidywania dźwięków. Dlatego na pierwszym etapie warto zaśpiewać, a następnie zagrać piosenkę. Należy mieć na uwadze, że niektóre dźwięki na magnetofonie mogą zostać przecenione. Np. Fis drugiej oktawy, Dis drugiej oktawy itp. W takich przypadkach konieczne jest zastosowanie innego palcowania, które przyczyni się do bardziej stabilnej intonacji dźwięku. Uczeń musi zdać sobie z tego sprawę i starać się aktywnie wybierać palcowanie. Ważnym aspektem rozwoju słuchu ucznia jest także podstawa harmoniczna wykonywanej melodii. Dlatego przy wykonywaniu najprostszych i najprostszych utworów powinien towarzyszyć mu fortepian. Biorąc pod uwagę, że na flecie prostym można regulować ogólny strój instrumentu poprzez wysunięcie ustnika, już od pierwszych zajęć należy uczyć ucznia umiejętności samodzielnego dopasowania instrumentu do fortepianu czy gitary. Muzyka płynie w czasie, zatem percepcja sekwencji melodii i harmonii jest możliwa tylko wtedy, gdy pewna część odtwarzanego materiału zostanie utrwalona w pamięci i porównana z tym, co słychać w każdej kolejnej chwili. Tylko dobra pamięć muzyczna pozwoli ci uzyskać w miarę pełny obraz utworu, którego słuchasz. Pamięć w psychologii jest odzwierciedleniem przeszłych doświadczeń, wyrażającym się w ich wdrukowaniu i reprodukcji. Pamięć pozwala gromadzić doświadczenia i je wykorzystywać. Osoba pozbawiona pamięci pod względem rozwoju zawsze byłaby na poziomie noworodka. Pamięć poszczególnych ludzi różni się podejściem do aktywności zmysłów: niektórzy podczas zapamiętywania opierają się głównie na aktywności aparatu wzrokowego, inni - na aparacie słuchowym, jeszcze inni -
silnik (silnik), czwarty - do logicznego myślenia. Są ludzie, którzy w równym stopniu korzystają ze wszystkich typów pamięci. Pamięć, jako zdolność w ogóle wyjątkowa, jest niezbędna do życia i działania człowieka, a zwłaszcza muzyka i wykonawcy. Zatem ucząc się gry na flecie prostym, należy rozwiązać zadanie rozwijania pamięci muzycznej, co z kolei doprowadzi do skoku jakościowego. Na początkowym etapie nauki uczniowie doświadczają trudności w zapamiętywaniu utworów, jednak przy systematycznym poznawaniu materiału muzycznego na pamięć zauważalny jest znaczny wzrost tej umiejętności. Zapamiętywanie może być mimowolne lub dobrowolne. W pierwszym przypadku jest to zapamiętywanie i odtwarzanie materiału, które następuje automatycznie i bez większego wysiłku, bez stawiania specjalnych zadań. W drugim przypadku takie zadanie jest koniecznie obecne, a proces zapamiętywania czy grania wymaga skupienia się na wszystkich szczegółach studiowanego utworu. W pedagogice muzycznej wyróżnia się pięć głównych typów pamięci: słuchowa; wizualny; napęd silnikowy; logiczny; mieszany; Głównym typem pamięci muzycznej jest pamięć słuchowa. Przez słuch należy rozróżnić zdolność zapamiętywania dzięki aparatowi słuchowemu poprzez percepcję zarówno zmysłu modalnego, jak i reprezentacji słuchowej. To dobre zapamiętywanie i dokładne odtwarzanie różnych dźwięków, zwrotów melodycznych, poszczególnych motywów i intonacji, całych dzieł muzycznych i tak dalej. Pamięć wzrokowa jest również niezbędna uczniowi w jego praktyczna praca. Musi być opracowany z uwzględnieniem możliwości i rozwoju dziecka. Uczeń musi nauczyć się nie tylko widzieć tekst, ale także umieć go odtworzyć poprzez zakrycie notatek. Pamięć wzrokowa jest związana z przechowywaniem i odtwarzaniem obrazów wizualnych. Ten rodzaj pamięci wiąże się z rozwojem zdolności wyobrażania sobie. W szczególności opiera się na tym proces zapamiętywania i odtwarzania materiału: to, co dana osoba może sobie wyobrazić wizualnie, z reguły łatwiej zapamiętuje i odtwarza. Pamięć silnikowo-motoryczna to zapamiętywanie i przechowywanie oraz, jeśli to konieczne, odtwarzanie
wystarczająca dokładność różnorodnych, złożonych ruchów. Bierze udział w kształtowaniu umiejętności motorycznych. Doskonalenie ruchów manualnych człowieka jest bezpośrednio związane z tym rodzajem pamięci. Rozwija się poprzez systematyczną praktykę, wielokrotne powtarzanie najtrudniejszych i niewygodnych do wykonania miejsc, głównie o charakterze palcowym. Pamięć logiczna wiąże się z zapamiętywaniem materiału muzycznego poprzez myślenie i rozumowanie: charakter i forma utworu; w jaki sposób materiał jest wyrażany; co jest w tekście ważne, co drugorzędne; które odcinki trudniej zapamiętać i dlaczego; Za najwyższe osiągnięcie w zakresie poprawy pamięci muzycznej należy uznać typ mieszany. Można to osiągnąć przy pomocy pewnego talentu i dużej ilości pracy nad sobą. Nagromadzenie materiału muzycznego i pieśniowego wzbogaca gust początkującego ucznia i wzmacnia jego pamięć. Dlatego warto podczas przerabiania nowego materiału rozwijać i wzmacniać pamięć, warto nie zapominać systematycznie i powtarzać już zapamiętane fragmenty. Na jakość uczenia się na pamięć w dużej mierze wpływa charakter wykonywanego utworu. Jeśli ten materiał muzyczny jest dla ucznia ciekawy i przystępny, opanuje go szybciej i nauczy się go na pamięć. Pamięć muzyczna jest pojęciem złożonym, dlatego od samego początku należy uczyć ucznia samodzielnej i przemyślanej pracy, tak aby nie stała się ona jednowymiarowa. Kiedy mówimy o rytmie, postrzegamy go, wyobrażamy sobie i czujemy na różne sposoby. Dzieje się tak dzięki indywidualnemu wyczuciu tempa-metro-rytmu. Dzieci zazwyczaj wykonują ten sam utwór na różne sposoby. Nie oznacza to jednak, że zastępują tekst muzyczny. Wykonanie zależy głównie od wyczucia tempa-metro-rytmu przez wykonawcę. Dlatego w muzyce podstawą jest rytm, który bardzo trudno wytłumaczyć i edukować. Rytm powinien być wyraźny, równy i zdecydowany. Każdy utwór ma określony metrum i rytm i musi być wykonany w tempie określonym przez autora. Zawsze jednak mogą wystąpić odchylenia od tempa i czysto arytmetycznej reprezentacji rytmu gdzieś w środku utworu, taktu lub frazy. Na tym polega witalność muzyki, jej naturalne wykonanie, a nie formalność, obojętność. Rytmu nie można postrzegać jako czegoś niejasnego, niewytłumaczalnego i
arbitralny. Rytm ze swej natury ma pewien wzorzec, bez którego zarówno jego percepcja, jak i odtwarzanie muzyki jako całości byłoby nie do pomyślenia. Od stopnia rozwoju poczucia rytmu zależy od umiejętności wykonawcy oraz rozpoznania jego gustu i talentu. Poczucie rytmu trzeba pielęgnować już od pierwszych kroków nauki w szkole muzycznej. Nauczyciel, ucząc ucznia gry na flecie prostym, musi od samego początku osiągnąć klarowne wykonanie, zarówno w prostym ćwiczeniu, gamach, pasażach, jak i etiudach czy utworach. Najmniejsza niedokładność w wykonaniu rytmicznym powinna zostać zauważona i skorygowana przez nauczyciela. Dlatego musisz stale monitorować rytm i tempo. Aby usprawnić pracę nad rytmem metra, na zajęciach można wykorzystać jako ćwiczenia, akcentowanie mocnych uderzeń w takcie, rozbijanie złożonych ugrupowań rytmicznych na prostsze itp. Bardzo przydatne jest, aby uczniowie najpierw wysłuchali melodii, a następnie stukali ją rękami. Nauczyciel powinien podejść do nauki repertuaru muzycznego ze szczególną odpowiedzialnością. Szczególne znaczenie ma tempo-metrorytm właściwy nie tylko w partii solowej, ale także przy akompaniamencie fortepianu lub innego instrumentu towarzyszącego. Ciągły rozwój tempa-metro-rytmu pozwoli uczniowi stopniowo wspinać się coraz wyżej na etapach umiejętności wykonawczych.
Rozdział II. Praktyczne aspekty nauki gry na flecie prostym

Szkoła Muzyczna.

2.1 Podstawowe zasady i zasady wykonania

na rejestratorze.
Sposób nauczania gry na flecie prostym sopranowym należy rozpatrywać z jednej strony jako część ogólnej metody nauczania gry na instrumentach dętych, z drugiej zaś jako szczególny, ze wszystkimi specyficznymi cechami instrumentu dętego. instrument przeznaczony do odtwarzania muzyki przez dzieci. Dotyczy to nauczania dzieci w wieku od czterech do dziewięciu lat, co stwarza pewne trudności w opracowywaniu ustawień metodycznych: oddychania, aparatu wargowego, palców, ogólnego ułożenia rąk i ciała, nauki gry ze słuchu, nut itp. Przede wszystkim nauczyciel musi wyjść z indywidualnych cech (muzycznych, fizjologicznych) i warunków wstępnych dziecka, jego zainteresowań nauką, a także wielu innych czynników, które bezpośrednio wpływają na kształtowanie się jego orientacji muzycznej w przyszłości. Należy traktować flet prosty jako instrument, który przygotowuje dalej
ćwiczyć w starszym wieku na dowolnym innym instrumencie dętym: flecie, oboju, klarnecie, trąbce i innych. W tym przypadku wypada dokonać analogii ze smyczkami, którzy ucząc przedszkolaków i dzieci w wieku szkolnym mają dość duży wybór instrumentów dziecięcych o wartości przejściowej: 1/8, 1/4, 1/2 , 3/4. Podobnie wśród muzyków dętych flet prosty funkcjonuje jako instrument przejściowy dla dzieci. Szkolenie na instrumentach dętych odbywa się dwuetapowo. Etap pierwszy: wstępne szkolenie uczniów z obsługi rejestratora. Etap drugi: przejście na instrument główny (wybrany przez studenta), z uwzględnieniem charakterystyki jego aparatu wargowego i wykonawczego. Pierwszy etap jest bardzo ważny w początkowej nauce gry na instrumentach dętych. Dzieje się tak dlatego, że należy przygotować dziecko: wyjaśnić naturę oddychania, nauczyć prawidłowego wykonywania oddychania, prawidłowego ułożenia z instrumentem i ułożenia palców, sposobu wydawania dźwięku oraz nauki palcowania. . Z reguły dzieci posiadające umiejętności solfeżu nabyte w pierwszych latach szkoły nie mają trudności z wiedzą teoretyczną. Dlatego szkolenie na pierwszym etapie sprowadza się głównie do opanowania instrumentu (w szczególności fletu prostego). Głównym zadaniem nauczyciela jest utrzymanie zainteresowania dziecka lekcjami, tak aby z łatwością nabyło umiejętności gry na flecie prostym, mogło samodzielnie nauczyć się utworu na kompetentnym poziomie muzycznym, czytać nuty z widzenia, a także grać w duecie lub zespole fletu prostego i wykonywać proste utwory z akompaniatorem. Z doświadczeń pracy z uczniami dziecięcej szkoły plastycznej wynika, że ​​dzieci o dobrych zdolnościach muzycznych już na pierwszym etapie uczą się dość szybko i nie ma potrzeby dzielenia ich na grupy ze względu na stopień rozwoju zdolności muzycznych. Główne trudności pojawiają się przy ustalaniu prawidłowego oddychania i ułożeniu palców. Jeśli dzieci podczas układania oddechu wyczynowego pokonują trudności wykonując ćwiczenia oddechowe, a także dzięki wyjaśnieniu przez nauczyciela na czym polega oddychanie fizjologiczne, czym różni się oddychanie fizjologiczne od wyczynowego, wówczas ułożenie palców trwa nieco dłużej. Palcowanie instrumentu jest w dużej mierze identyczne z palcowaniem fletu, oboju, klarnetu, a nawet fagotu. Brak zaworów eliminuje trudności w obsłudze.Dlatego każdy uczeń posiadający jeden z powyższych
z wymienionych instrumentów, potrafi nie tylko z łatwością grać na flecie prostym, opanować palcowanie, ułożenie palców, dłoni, cechy wytwarzania dźwięku, oddychanie, ale także nauczyć się na nim grać. Najtrudniejszą rzeczą w nauczaniu uczniów szkoły podstawowej gry na jakimkolwiek instrumencie muzycznym jest znalezienie najłatwiejszego wyjaśnienia podstaw: uczenia się i zapamiętywania omawianego materiału; określenie pierwszego dźwięku wykonanego przez ucznia; sposób wydobywania i czas trwania tego dźwięku. Jeśli weźmiemy pod uwagę, że dźwięk ten zajmuje określone miejsce na pięciolinii muzycznej - pięciolinii, ma swoje umiejscowienie na klawiaturze fortepianu lub na gryfie instrumentu strunowego, mechanizmu zaworowego w przypadku instrumentu drewnianego lub mechanizmu zaworowego w przypadku instrumentu dętego blaszanego instrumencie i że trzeba go wyjąć określonym palcem lub ich kombinacją - wszystko to wydaje się tak trudne, że powoduje zamieszanie w umyśle dziecka i często jest przeszkodą w jego nauce gry na specjalnym instrumencie dętym (flecie, flecie, obój, klarnet, trąbka, puzon itp.). Podczas nauczania uczniów, którzy później będą grać na instrumencie wargowym, gra powinna być zbliżona do gry na flecie. Opiera się na specyficznej cesze umieszczenia poprzecznego rowka z podparciem na dolnej wardze, górna niejako reguluje ciśnienie powietrza. Jeżeli w przyszłości uczeń będzie grał na jednym z instrumentów językowych (obój, klarnet, fagot), wówczas należy zalecić mu ustawienie ustnika fletu prostego, co jest charakterystyczne dla tych instrumentów: położenie ustnika pomiędzy wargami powinno być stałe równomiernie. Dla studentów, którzy w przyszłości będą uczyć się gry na instrumentach ambasadowych, umiejscowienie ustnika może być nieco inne: ustnik fletu prostego powinien być masywny i umieszczony pomiędzy wargami, z naciskiem na górną. Wszystkie trzy typy umieszczania ustnika nie powinny być obowiązkowe. Mogą być jedynie wskazówką dla nauczyciela, pomagając mu konkretnie w pracy praktycznej, uwzględniając perspektywy dalszej edukacji. Dzięki łatwości zarówno samego instrumentu, jak i wytwarzania na nim dźwięku, flet prosty umożliwia zapoznanie ucznia ze wszystkimi ogólnymi, podstawowymi zasadami i zasadami gry na instrumentach dętych. Obejmuje to oddychanie, koncepcję ataku dźwięku i zasady działania zadęcia (od francuskiego bouche - usta). I nie mówiąc już o tym, że palcowanie
Flet prosty jest bardzo podobny do palcowania wielu instrumentów dętych drewnianych. Rejestrator pozwala w pełni poznać wszystkie odmiany „pociągnięć”, wszystkie możliwości niuansów. Nauka gry na flecie prostym wymaga od uczniów, oprócz zdolności muzycznych, także dobrego stanu zdrowia i sprawności fizycznej. Podczas gry na flecie prostym aktywnie pracują płuca i aparat wargowy, a niektóre mięśnie ciała są napięte. Prawidłowe ustawienie aparatu wargowego i prawidłowe oddychanie to jeden z warunków skutecznej nauki. Tradycyjna technika gry na flecie prostym polega na kontroli trzech głównych parametrów: dźwięku, intonacji (prawidłowa wysokość dźwięku) i artykulacji (sposób łączenia lub oddzielania nut). Oczywiście brzmienie instrumentu było pierwotnie zamierzone przez jego producenta. Liczy się design i materiał, z jakiego jest wykonany. Obecnie narzędzia profesjonalne wykonuje się z drewna, natomiast narzędzia produkowane masowo z tworzywa sztucznego. Do fletów prostych drewnianych możemy polecić produkty niemieckich firm „Upitcr” i „Venus”, dobre plastikowe firmy „Yamaha” i koreańska firma „Angel”. Naturalnie, manipulując oddechem, wykonawca może zmienić jakość dźwięku. Niezwykłą cechą fletu prostego jest niewielki opór, jaki sam instrument stawia strumieniowi powietrza. To znacząco odróżnia go od innych instrumentów dętych. Możliwość kontrolowania strumienia powietrza bez napotykania po drodze zauważalnego oporu to ważna umiejętność, która przyda się w przyszłości przy przejściu na instrument główny. Ponadto oddychanie powoduje wahania objętości (tremolo) i częstotliwości (vibrato). Krótko mówiąc, pierwszy efekt osiąga się poprzez skurcz mięśni krtani, a drugi - przez przeponę. Podczas gry na flecie prostym stosowana jest duża liczba alternatywnych opcji palcowania. Wszystkie nuty oprócz najniższych można grać przy użyciu różnych kombinacji otworów, które różnią się nieznacznie barwą i głośnością. Tym samym muzyk, naprzemiennie palcując różne palcowania, ma do dyspozycji znaczną gamę odcieni dźwiękowych. Innym powodem stosowania alternatywnego palcowania jest chęć uniknięcia skomplikowanych ruchów palców podczas szybkiej gry, a także podczas gry legato i tryli. Ogólnie można powiedzieć, że palcowanie
dobrane w taki sposób, aby zminimalizować ruch palców. Wbrew powszechnemu przekonaniu gra na flecie prostym wymaga szczególnej kontroli nad zadęciem (od francuskiego bouche – usta), czyli połączeniem mięśni jamy ustnej i położeniem warg. Manipulowanie kształtem i wielkością jamy ustnej i krtani oraz kontrola związanej z nią muskulatury wzbogaca dźwięk, ułatwia wydobywanie dźwięków w górnym rejestrze oraz pozwala na kontrolę intonacji. Ciśnienie powietrza i zadęcie razem znacząco wpływają na intonację. Zmiany ciśnienia przy zachowaniu kształtu jamy ustnej zauważalnie zniekształcają wysokość brzmiącej nuty. To nierozerwalne połączenie pomiędzy wysokością dźwięku a produkcją dźwięku odróżnia ten flet prosty od innych nowoczesnych instrumentów. Zanim zagrasz pierwszą nutę, musisz wiedzieć, jak prawidłowo trzymać flet prosty. Zwykle lewa ręka znajduje się wyżej niż prawa. Chociaż muzyk, który uważa się za leworęcznego, może postąpić odwrotnie. Należy jednak pamiętać, że nowoczesne flety proste projektuje się z założeniem, że lewa ręka wykonawcy będzie wyżej niż prawa. Głowa, szyja i plecy wykonawcy powinny być w jednej linii, a instrument powinien być trzymany pod kątem 45 stopni do poziomu. Ramiona powinny być lekko odsunięte od ciała, a opuszki palców powinny znajdować się na centralnej osi instrumentu, bezpośrednio na otworach. Pomiędzy wargami znajduje się tylko sam czubek ustnika. Kciuk podtrzymujący leży bezpośrednio pod palcem wskazującym prawej ręki. Nic nie powinno uciskać klatki piersiowej, gardło powinno być rozluźnione. Nauczyciele śpiewu uczą, że prawidłowa postawa jest jednym z niezbędnych warunków dobrej produkcji dźwięku. Kiedy gra się na instrumencie dętym, każda nuta powstaje w wyniku przepływu powietrza wydobywającego się z płuc, wzmacnianego przez ruch przepony w górę, przechodzi przez gardło i usta i ostatecznie trafia bezpośrednio do instrumentu. W technice gry muzycznej na flecie prostym i instrumentach dętych można wyróżnić następujące etapy: 1). Oddychanie, a raczej wydech, czasem jest równomierne, czasem stopniowo wzmagane, czasem stopniowo osłabiane, zgodnie z wymogami wykonawczymi. 2). Napięcie mięśni twarzy odpowiadające wysokości wytwarzanych dźwięków i zgodne z oddechem.
3). Ruch palca. 4). Ruch języka determinujący charakter uderzeń. Należy rozwijać umiejętności opanowania każdego z tych elementów i ich kombinacji, tak aby wszystkie techniki wykonawcze były naturalne i swobodne. Formacja dźwiękowa. W instrumentach muzycznych typu fletowego dźwięk powstaje w wyniku strumienia powietrza przeciętego ostrą krawędzią nacięcia ścianki lufy, co powoduje drganie słupa powietrza zamkniętego w tubie. Jeśli weźmiemy prostą rurkę, na przykład kawałek pnia bambusa lub łodygi trzciny i dmuchniemy w nią bez żadnych sztuczek, nie będzie żadnego dźwięku. Kierując strumień powietrza nie bezpośrednio do rurki, ale ukośnie tak, aby przecinał krawędź otworu, pień łodygi bambusa lub trzciny natychmiast wyda równy i dość głośny dźwięk, ponieważ przepływ powietrza, przecinając krawędzi rury, wytwarza wibracje. Jeśli przestaniesz dmuchać, dźwięk natychmiast się zatrzyma. Ta metoda ekstrakcji poprzez podzielenie słupa powietrza jest jedną z najstarszych (jest to metoda stosowana w flecie Pana). Jest to jednak niewygodne: trudno utrzymać pożądany kierunek strumienia, a zużycie powietrza jest duże. Te metody wytwarzania dźwięku nazywane są metodami gwizdania. Tutaj wibracje wzbudzane są przez strumień powietrza uderzający w przeszkodę. Wibracje te są odbierane jako dźwięk. Wysokość dźwięku zależy od wielkości filaru. Po pierwszym problemie – jak wzbudzić dźwięk, pojawia się kolejny: jak sprawić, by lampa była w stanie wytworzyć nie jeden dźwięk, a kilka. Jedno z rozwiązań jest takie: dla każdego dźwięku weź osobną lampę. Im dłuższa rura, tym niższy dźwięk. Łącząc ze sobą kilka rurek o różnej długości, otrzymujemy instrument, który obecnie potocznie nazywany jest fletem Pana. Dźwięk w nim jest wzbudzany dokładnie w taki sam sposób, jak w eksperymencie z butelką. Ten, najwyraźniej pierwszy z instrumentów dętych, słynie także z tego, że był dalekim poprzednikiem organów. Rzeczywiście, w organach, pomimo całej odmienności rozmiarów piszczałek, obowiązuje ta sama zasada - dla każdego dźwięku używana jest osobna rura. Później pojawił się czarny flet, w którym wykorzystano genialną zasadę wydłużania i skracania słupa powietrza w jednej rurze. Otwory w korpusie instrumentu służą do zmiany wysokości dźwięku. Jeśli zamkniesz wszystkie otwory, na całej długości rurki zabrzmi słup powietrza. Jeśli któryś z
dziury, zaczyna brzmieć tylko część kolumny - od ust muzyka do otwartej dziury. Naturalnie zmienia się także wysokość dźwięku. Przez kilka podziałów słupa powietrza, czyli kombinację palców, można również wydobyć chromatyzmy. Innym sposobem na zmianę stroju grupy instrumentów fletowych jest overdmuching, czyli intensywniejszy dopływ strumienia powietrza do instrumentu. Najbardziej doświadczeni wykonawcy są w stanie zbudować skalę naturalną za pomocą dmuchania, wykorzystując tylko jeden dźwięk, czyli część 8, część 5, część 4 i tak dalej. Tworzenie dźwięku podczas gry na flecie prostym odbywa się poprzez lekki oddech śpiewu, blisko sylaby „tu”. Zakończenie dźwięku można wykonać na dwa sposoby: 1). Wymawiając spółgłoskę „t”, blokując w ten sposób dostęp powietrza do ustnika. Ta metoda jest łatwiejsza, stosujemy ją zwłaszcza przy wykonywaniu uderzeń staccato, daje ona natychmiastowe wygaszenie dźwięku. 2). Zatrzymanie wydechu. Metoda ta wymaga pewnych umiejętności, jest konieczna w przypadkach, gdy konieczne jest wyciszenie dźwięku do zera na końcu utworu, gdy konieczne jest miękkie zwolnienie. Oddech performera. Zanim przejdziesz do oddychania, musisz zrozumieć strukturę aparatu głosowego, ponieważ składa się on z narządów oddechowych. Mechanizm oddechowy to płuca z drogami oddechowymi i mięśniami, które przeprowadzają proces oddychania. Płuca są delikatną, porowatą tkanką, w której skupisko pęcherzyków – pęcherzyków płucnych – jest połączone kanałami tworzącymi układ oskrzeli. Oskrzela lewego i prawego płuca łączą się ze sobą i tworzą tchawicę, która kończy się w krtani. Wszystko to razem nazywa się drzewem oskrzelowym. Płuca mają zapas powietrza, który jest stale odnawiany. Jest zapas powietrza niezbędny do życia organizmu. Nie można go używać podczas śpiewania. Podczas wdechu mięśnie klatki piersiowej i przepona (gruba błona oddzielająca klatkę piersiową od brzucha) rozszerzają jamę klatki piersiowej w kierunku pionowym, bocznym, do przodu i do tyłu. Pod wpływem ciśnienia atmosferycznego powietrze dostaje się do płuc. Przepona opada, naciska na jamę brzuszną, a na zewnątrz wszystko to jest wyraźnie widoczne.
Istnieje kilka rodzajów oddychania: obojczykowy, piersiowy i brzuszny. Oddychanie obojczykowe to oddychanie górno-żebrowe, podczas którego powietrze napełniane jest tylko u góry, dlatego ten rodzaj oddychania jest krótki. Oddychanie klatką piersiową jest również powierzchowne (środkowe żebro). Płuca wypełniają się do połowy. Oddychanie brzuszne lub oddychanie żebrowo-brzuszne to charakterystyczny ruch przepony w dół, wypełniający dolną część płuc powietrzem i powodujący ruch mięśni brzucha. Jest to najbardziej prawidłowe oddychanie podczas śpiewania, ponieważ płuca są całkowicie wypełnione powietrzem i umożliwiają zaśpiewanie długiej frazy muzycznej bez wznawiania oddychania. Będąc instrumentem dętym, flet prosty może jednocześnie rozwiązać problem ćwiczeń oddechowych, stając się tym samym momentem uzdrawiającym, gdyż prawidłowym rodzajem oddychania podczas gry na instrumentach dętych jest przepona. Działa jak tłok i intensywnie masuje narządy wewnętrzne jamy brzusznej – żołądek, wątrobę, nerki, jelita, co jest skutecznym sposobem oczyszczania organizmu. Grając na flecie prostym, wykorzystują oddech śpiewający. Najważniejszym elementem techniki wokalnej jest rozmieszczenie oddechu i jego regulacja na więzadłach. Wydatek wdechu i wydechu zależy od wyraziste środki dzieła, od jego tempa, dynamiki, akcentu muzycznego i innych. Oddychanie wykonywane różni się od oddychania fizjologicznego nierównomiernością faz (wydech jest większy od wdechu). Oddychanie fizjologiczne jest naturalne, to znaczy stanowi naturalny stan pracy Ludzkie ciało. Ważne jest, aby nauczyć się prawidłowego wdychania, a co najważniejsze, prawidłowego wydychania powietrza do instrumentu. Przy stopniowym i równomiernym wydechu dźwięk ma jednakową siłę. Jego nasilenie wiąże się z przyspieszeniem wydechu, jego osłabienie wiąże się ze stopniowym spowolnieniem. Największy dopływ powietrza można uzyskać jedynie przy maksymalnym zmniejszeniu przepony. Dlatego najbardziej prawidłowym rodzajem oddychania jest piersiowo-brzuszny lub przeponowy. Poniżej znajduje się seria ćwiczeń oddechowych mających na celu zrozumienie różnicy pomiędzy oddychaniem naturalnym a oddechem wykonywanym. Ćwiczenia oddechowe wykonujemy bardzo powoli, na stojąco, z przyjemnością. Wdech i wydech przez nos. Na głębsze
koncentracji, możesz zamknąć oczy. sztuczna inteligencja Usov, który opisuje te ćwiczenia, sugeruje podział oddychania na dolny, środkowy, górny i mieszany. Najpierw powinieneś opanować naturalne (lub fizjologiczne) oddychanie. Niższy oddech. Aby kontrolować, dłoń prawej ręki leży na brzuchu, lewa - po lewej stronie, dotykając dolnych części żeber. – Wdech: brzuch i boki rozszerzają się do przodu i na boki. Wydech: brzuch i boki wracają do pierwotnej pozycji. Oddychanie średnie. Płuca napełniają się powietrzem i rozszerzają się głównie w okolicy klatki piersiowej. W tym przypadku żołądek pozostaje nieruchomy, ramiona nie unoszą się. Dłoń prawej ręki znajduje się na klatce piersiowej, lewa ręka jest z boku i dotyka środkowych części żeber. Wdech: ściany klatki piersiowej rozszerzają się do przodu i na boki. Wydech: ściany klatki piersiowej wracają do pierwotnej pozycji. Górne oddychanie. Powietrze koncentruje się głównie w górnej części płuc. Dłonie dłoni leżą na górnej klatce piersiowej. Wdech: klatka piersiowa i ramiona unoszą się. Wydech: klatka piersiowa i ramiona powracają do pierwotnej pozycji. Oddychanie mieszane. Wykorzystywana jest pełna objętość płuc - wszystkie poprzednie rodzaje oddychania. Dłoń prawej ręki znajduje się na brzuchu, lewa ręka jest po lewej stronie i dotyka bioder. Wdech: powietrze jest najpierw wciągane do dolnych partii płuc, żołądek i boki rozszerzają się. Następnie środkowa część płuc wypełnia się powietrzem, klatka piersiowa rozszerza się, a żebra rozsuwają się. Wreszcie powietrze dostaje się do górnej części płuc, a klatka piersiowa i ramiona unoszą się. Wydech: w tej samej kolejności. Powietrze wypuszczane jest od dołu, przez środek, a następnie od góry. Wykonywanie oddychania, jak wspomniano powyżej, różni się od naturalnego (fizjologicznego). Wydajność przy wdechu powinna być intensywna i mieć tzw. wsparcie. Wdech jest krótki. Wydech przez długi czas. Oddychanie odbywa się przez usta, wykorzystując całą objętość płuc. Tym samym radykalnie zmienia się technika wdechu i wydechu w wyczynowych ćwiczeniach oddechowych. Główne rodzaje
wykonywanie oddychania: niskiego, średniego, mieszanego. Górne oddychanie nie jest używane. Jego brak tłumaczy się tym, że wykonawca koncentruje swoją uwagę na znalezieniu wsparcia, które uzależnione jest od pracy przepony i mięśni brzucha. Trzeba po cichu złapać oddech. Najpierw musisz opanować dolne i środkowe oddychanie. Niższy oddech. Połóż dłoń prawej ręki na brzuchu, a lewą rękę na lewym boku, dotykając dolnej części żeber. Podczas wdechu upewnij się, że powietrze równomiernie wypełnia dolną część płuc, dzięki czemu rozszerza się nie tylko żołądek, ale także mięśnie boków i pleców. Wydychaj swobodnie, bez naprężenia. Prasa brzuszna powinna niejako powstrzymywać wydech, to znaczy prowadzić go, aż pojawi się fizjologiczna potrzeba nowego wdechu. Oddychanie średnie. Łączy dolny i środkowy. To właśnie jest podstawą praktyki wykonawczej. Dłoń prawej ręki leży na brzuchu, lewa - na żebrach lewej strony. Podczas wdechu powietrze najpierw wypełnia dolną część płuc, rozszerzając obszar brzucha, boków i dolnej części pleców. Natychmiast, bez zwłoki, powietrze dostaje się do środkowej i górnej części płuc, co powoduje uniesienie klatki piersiowej, rozciągnięcie żeber i mięśni międzyżebrowych. Ramiona nie unoszą się. Wydech zasadniczo różni się od wydechu podczas naturalnego oddychania. Występowanie tzw. wspomagania wykonawczego podczas wydechu powoduje, że powietrze początkowo wypuszczane jest z górnej i środkowej części płuc. W tym przypadku mięśnie brzucha, boków i pleców pozostają w pozycji wdechowej tak długo, jak to możliwe. W ostatniej chwili dochodzą do pierwotnej pozycji. Uniesienie ramion podczas wdechu świadczy o nieprawidłowym sposobie oddychania, w którym przepona prawie nie pracuje, wdech jest płytki, a wydech krótkotrwały i słaby. Po wykonaniu wdechu uczeń powinien spróbować utrzymać klatkę piersiową w pozycji wdechowej (przytrzymaj) i powoli przejść do pozycji wydechowej. Aby określić obecność wspomagania oddychania, niemiecki trębacz Rudolf Quincke w swoim podręczniku „Oddychanie, podparcie, zadęcie, metoda” zaleca przeprowadzenie następującego eksperymentu. Przyłóż półmetrowy drewniany kij jednym końcem do ściany, a drugim, po wzięciu głębokiego oddechu, do brzucha. Wydychając powoli, upewnij się, że drążek nie opadł, ale został utrzymany w miejscu dzięki wysiłkowi prasy brzusznej. To samo
Eksperyment można przeprowadzić odtwarzając długie dźwięki lub długie fragmenty utworu muzycznego. Stosując różne techniki wydechu, można uzyskać różnorodne niuanse. Na początkowym etapie treningu należy osiągnąć dynamicznie jednolite brzmienie. Należy pamiętać, że wykonywanie ćwiczeń oddechowych powinno rozwijać się dopiero podczas wykonywania ćwiczeń. U niektórych wykonawców podczas wydechu część powietrza ucieka przez nos, w wyniku czego dźwięk traci swoje walory barwowe. Często dzieci również oddychają po każdym dźwięku. Należy nadrobić ten brak. Za pomocą oddechu jedna fraza muzyczna oddziela się od drugiej. Momentów inhalacyjnych nie można lokalizować w przypadkowych miejscach. Nie ma potrzeby odgrywania całej frazy na jednym tchu. Rozkład punktów inhalacyjnych jest całkowicie analogiczny do czytania, które staje się pozbawione sensu i niepiśmienne. Jeżeli przystanki (cezury) odpowiadające wdechowi są umiejscowione w przypadkowych miejscach, wówczas dla wyrazistego wykonania ogromne znaczenie ma prawidłowy rozkład oddechów. Gry oddechowe. W pracy z uczniami, zwłaszcza w wieku szkolnym, wskazane jest stosowanie gier oddechowych: 1). Aby rozwinąć równomierne oddychanie, możesz dmuchnąć w kartkę papieru, tak aby odchylając się od ciebie, pozostała pozioma, jakby zamrożona w powietrzu i nie wzdrygała się z powodu przerywanego lub nierównego oddechu. 2). Podobną zabawę-ćwiczenie można wykonać dmuchając w płomień świecy w taki sposób, aby płomień odchylił się, ale nie zgasł. Pomoże to uczniom odnaleźć siłę wydechu, gdyż dzieci często trzeba ograniczać siłę dmuchania, szczególnie w początkowej fazie nauki. 3). Ale są dzieci z anemią, które muszą więcej wydychać. Wtedy to ćwiczenie jest dobre: ​​uczniowie proszeni są o klaskanie (lub inny sygnał nauczyciela), jak gdyby chcieli nadmuchać balon, po czym stopniowo, bardzo powoli zaczyna się on opróżniać, jakby przez małą dziurkę. Możesz poprosić dzieci, aby podczas wdechu podnosiły ręce do góry, wyobrażając sobie piłkę. Następnie, gdy zacznie się wydech, ręce opadną, a gdy w kuli nie będzie już powietrza (czyli wydech się zakończy), dziecko powinno klasnąć w dłonie. Ta technika
pomoże nauczycielowi kontrolować czas trwania wydechu dla każdego ucznia. 4) Kolejne ćwiczenie mające na celu zwiększenie objętości płuc, a zatem ćwiczenie dłuższego wydechu, zostało zaczerpnięte z pierwszego programu „fonopedycznej metody rozwoju głosu” V. Emelyanova - imitacja dźwięku „r” za pomocą wibracji warg. Należy zwrócić uwagę na fakt, że należy naśladować kombinację spółgłosek „DBR”, czyli dźwięcznych, a nie bezdźwięcznych „TPR”. Dzieciom proponuje się grę polegającą na prowadzeniu samochodu ze zmianą kierunku ruchu, wjeżdżaniu na wzniesienie, zjeżdżaniu w dół, omijaniu przeszkód itp., która będzie wymagała od dzieci zmiany wysokości i siły tonu na wibrację warg . Zaleca się osiągnięcie dźwięcznego, energetycznego tonu, dającego uczniom poczucie aktywnej pracy oddechowej i odbicia tej pracy na mięśniach ściany brzucha, boków i pleców. 5). Jako ćwiczenie oddechowe można wykorzystać także dziecięcy dowcip: „Jak na górce, na pagórku mieszkają trzydzieści trzy Egorki…”, po czym następuje wyliczenie: jedna Egorka, dwie Egorki, trzy Egorki... i i tak dalej, które należy wymówić szybko i na jednym tchu. To ćwiczenie można zaoferować dzieciom w ramach rywalizacji. Codzienna praktyka z długimi nutami pomoże zwiększyć pojemność płuc i nauczyć się kontrolować przepływ powietrza. Z biegiem czasu, po zdobyciu pewnego doświadczenia, możesz nauczyć się określać siłę oddechową wymaganą w konkretnym przypadku. Jeśli uczeń wdycha więcej powietrza niż wydycha, może to powodować zawroty głowy. W takim przypadku musisz usiąść, zrelaksować się i spróbować oddychać nieco rzadziej. Wkrótce złe samopoczucie minie, a podczas zajęć konieczne będzie ograniczenie ilości wdychanego powietrza. Podczas gry na flecie prostym ogromne znaczenie ma aparat artykulacyjny, a co za tym idzie związana z nim specyficzna czynność płuc, krtani, jamy ustnej, języka, warg i mięśni twarzy. Opanowanie umiejętności stabilnego oddychania pomaga w prawidłowej artykulacji podczas gry na instrumentach dętych. Wyodrębniając dźwięk, uczeń musi mieć na myśli tę lub inną sylabę, fonem mowy (wyobraź sobie to mentalnie, a nie wymawiaj). Zdolność ta prowadzi do aktywnej pracy całego aparatu artykulacyjnego, co przyczynia się do swobody i łatwości wytwarzania dźwięku. Jeśli weźmiemy pod uwagę związek między artykulacją a pociągnięciami, wówczas artykulacja jest pierwotna, a pociągnięcia są wtórne, pochodne.
Wiadomo, że trzy rodzaje ataków są podobne pod względem brzmienia i sposobu odtwarzania do następujących fonemów mowy: t.d.k. Podczas wydawania dźwięku z mocnym atakiem ze spółgłoską „t” czubek języka dotknie dolnej części górnych zębów. Przy miękkim ataku ze spółgłoską „d” czubek języka będzie nieco wyższy niż przy poprzednim ataku. Atak pomocniczy wymaga udziału nie czubka języka, ale jego tylnej części (tyłu), czyli spółgłoski „k”. Litera samogłoski występująca po spółgłosce będzie wspólna dla wszystkich typów ataku: a, y lub i. Jego wybór zależy od rejestru odtwarzanej muzyki. Decydującym warunkiem jest wysokość samogłoski: „a” – małą literą, „u” – środkową literą, „and” – wielką literą. Z punktu widzenia artykulacji flet prosty pozwala na osiągnięcie najszerszej gamy odcieni od najbardziej gwałtownych staccatissimo po najdłuższe legato. Niezbędny atak i uwolnienie na początku i na końcu każdej nuty jest kontrolowane przez język i palce. Jak każdy inny instrument, flet prosty umożliwia łączenie różnych trybów artykulacji w celu tworzenia kontrastujących struktur rytmicznych niezbędnych do efektywnego frazowania. Odłącz. Nuty są tworzone poprzez uderzanie czubkiem lub tyłem języka we wlot instrumentu w sylaby „tu” lub „ta”. Zwróć uwagę ucznia na oddzielanie dźwięków językiem, a nie poprzez przerywanie wydechu, bo Podczas oddzielania nut poprzez oddychanie dźwięk staje się rozmyty, „rozmazany”. Należy upewnić się, że podczas wykonywania wzoru melodycznego palce dokładnie pokrywają się z ruchem języka. Staccato. Inaczej mówiąc, istotą staccato jest podzielenie czasu trwania nuty zapisanej na papierze na okres dźwięku i pauzę o jednakowej długości. Staccato sprawia, że ​​linia muzyczna jest lżejsza i bardziej miękka w brzmieniu. Można w ten sposób stworzyć wrażenie spokojniejszej gry bez zmiany siły dźwięku, co jest bardzo ważne w przypadku instrumentu dętego, gdzie zmiana siły oddechu może skutkować zmianą wysokości brzmiącej nuty. Legato. Możesz przechodzić od jednej nuty do drugiej bez konieczności uderzania językiem w drugą nutę. Załóżmy, że grając nutę „A”, wystarczy po prostu podnieść drugi palec, aby zabrzmieć nuta „B”, jeśli ruch palca jest zbyt wolny, wówczas pomiędzy dwiema nutami słychać obcy dźwięk, a przy szybszym ruchu uzyskuje się tylko wymagane dwie nuty. Ta metoda wytwarzania dźwięku może wydawać się prostsza, ponieważ przy wydobywaniu drugiej nuty nie jest wymagany udział języka, a zatem nie trzeba myśleć o koordynacji
jego ruchy wraz z ruchem palców. Z drugiej jednak strony jest to bardziej skomplikowane, gdyż wymaga precyzyjnej pracy palców, której błędów nie da się już zamaskować przerwami w dźwięku pomiędzy nutami, jak to ma miejsce w przypadku wytwarzania dźwięku staccato. Przy długim legato pojawia się kolejny problem – jak oddychać? Jeśli pomiędzy brzmiącymi nutami nie ma przerw, to kiedy należy wziąć oddech? Pozostaje tylko polegać na objętości płuc i pracować nad dźwiękiem wysokiej jakości przy umiarkowanym wydechu. Flet prosty nie wymaga od muzyka dużych ilości powietrza. Ruch palca. Gdy tylko uczeń zacznie podnosić lub opuszczać więcej niż jeden palec naraz, natychmiast zauważalne są problemy z koordynacją ruchów. Na początek nie podnoś palców zbyt wysoko nad otwory. Najlepsza odległość to taka, która pozwoli w jak najkrótszym czasie przywrócić palec na miejsce (na przykład 5-10 mm). Po podniesieniu palec powinien znajdować się dokładnie nad otworem. Jeśli Twoje palce odejdą od tej pozycji, będziesz musiał dosłownie za każdym razem gonić odpowiednią dziurę, próbując ją zablokować. Kiedy palce są zbyt wysoko lub na nierównej wysokości, utrudnia to im prawidłowe i wyraźne poruszanie się. W przypadku uniesienia dwóch lub więcej palców znajdujących się obok siebie, powinny one poruszać się jako pojedyncza jednostka, a nie jako oddzielne jednostki. Palce powinny zakrywać otwory fletu prostego podkładkami, a nie końcówkami. Opuszki palców są większe od dziurek, więc powinno dać się je zamknąć bez problemu. Wielu początkujących błędnie dociska palce do otworów fletu prostego, próbując w ten sposób je pewniej zamknąć. W rzeczywistości wystarczy, aby opuszki palców po prostu spoczęły na odpowiednich otworach. Kiedy dociskamy palce do instrumentów, pojawia się w nich dodatkowe napięcie, zakłócające ich swobodny ruch. Niskie nuty, czyli „D” i „C” pierwszej oktawy, nie są tak łatwe do trafienia. Na początek otwory zamknięte palcami prawej ręki można zakleić taśmą. W tym przypadku palce lewej ręki pozostają na swoich otworach, a uwaga ucznia może być skupiona na znalezieniu właściwej siły oddechowej. Widzimy zatem, że wiedza na temat prawidłowego oddychania, wydawania dźwięku i aparatu artykulacyjnego leży u podstaw wykonania muzycznego. Wymagają priorytetowej uwagi podczas treningu
na instrumencie dętym. Dopiero po opanowaniu tych podstaw można wznieść się dalej na wyżyny mistrzostwa. Bardzo ważny grając na flecie prostym rozwija także umiejętność gry na instrumencie.Na początku nauczyciel zwraca uwagę uczniów na ułożenie rąk. Pozycja wyjściowa: stopy rozstawione na szerokość barków; wsparcie na nodze, co jest wygodniejsze dla dziecka; ręce trzymają flet prosty, nie dociskając go do ciała ani nie unosząc go wysoko, sylwetka ucznia układa się w stylizowaną literę „F”. Pozycja dłoni na flecie prostym: lewa ręka w górę, prawa ręka w dół. Musisz zabrać ze sobą nagrywarkę prawa ręka poniżej, jakby trzymał ołówek. Kciuk i palec wskazujący lewej ręki należy złożyć razem (iluzja dzioba kaczki). Teraz możesz prowadzić dowolną rozmowę, a nawet śpiewać znajomą piosenkę, artykulując tym „dziobem”. Oprócz artykulacji uczniowie wymawiają słowa dowolnej piosenki. Na przykład: „Witaj, kaczątko. Czyim dzieckiem jesteś? Do kogo dzwonisz? Gdzie idziesz?" - „Witajcie dzieci, Katya i Petya! Wiesz, ty sam, płynę do mojej matki. Należy zwrócić uwagę na fakt, że jasny, wyrazisty, zapadający w pamięć obraz kaczki lub kaczątka pomoże w przyszłości dokładnie znaleźć lokalizację pierwszego dołka do gry na beczce instrumentu. W przyszłości, skręcając w prawą rękę, wykonując podobne zadanie, uczniowie bezbłędnie dotrą do czwartego dołka do gry. Kolejnym etapem procesu pracy jest ustawienie rąk. Należy zwrócić uwagę na ułożenie łokci, które nie powinny być dociskane do ciała. Otwory należy zakryć środkiem opuszków palców, przy czym dłonie nie powinny być przyciśnięte, a palce w miarę możliwości powinny być ułożone pod kątem prostym do fletu prostego. Zapewni to całkowite zamknięcie otworów rejestratora i doprowadzi do dokładnej intonacji wysokości nut. Uczeń powinien móc wygodnie trzymać dyktafon. Ważne: małe palce obu dłoni, w lekko zaokrąglonym położeniu, znajdują się nad przodem fletu prostego. Nieprawidłowe jest opuszczanie małych palców poprzez zginanie ich pod korpusem instrumentu lub unoszenie ich do góry. Stopień zaokrąglenia zależy od ich wzajemnego stosunku długości, czyli od budowy dłoni każdego dziecka. Ten inscenizowany moment jest bardzo ważny dla całego późniejszego szkolenia i tutaj konieczne jest, aby wszyscy poradzili sobie z zadaniem i aby żaden uczeń nie miał wątpliwości co do własnych umiejętności w zakresie instrumentu. Po opanowaniu ułożenia rąk możesz przejść bezpośrednio do gry.
Rejestrator ustawia się pod kątem 45% do ust, tzn. dolna krawędź instrumentu nie powinna być skierowana prosto w dół ani równoległa do podłogi. Otwory powinny być całkowicie zamknięte: trzy górne - palcem wskazującym, środkowym i serdecznym lewej ręki oraz cztery dolne - palcem wskazującym, środkowym, serdecznym i małym prawej ręki. Taka pozycja rąk przyzwyczaja dzieci do prawidłowego ułożenia i nie wymaga przekwalifikowania przy przejściu na flet poprzeczny, klarnet, saksofon itp. Następnie oczekuje się indywidualnej pracy z każdym uczniem. Musisz upewnić się, że dołki do gry są całkowicie zamknięte. Można to zrobić poprzez mocne ściśnięcie fletu prostego, co powinno pozostawić ślady na opuszkach palców: jeśli kółka są na nich całkowicie odciśnięte, oznacza to, że dziurki są prawidłowo zamknięte, jeśli nie, należy sprawdzić dziecko, gdy zamyka dziurki do gry. Zamykając nuty na instrumencie muzycznym, nie należy podnosić palców wysoko – w przyszłości może to negatywnie wpłynąć na technikę wykonania, np.: utwór ma krótki czas trwania i należy go grać w szybkim tempie. Dziecko, które podnosi palce wysoko nad otwory do gry, nie będzie w stanie zagrać utworu w tempie, w jakim został napisany. Jeśli nauczyciel przedstawił obraz kaczątka, możesz rozegrać ten moment w następujący sposób: kaczątko jest bardzo dumne, że ma flet prosty, a jego skrzydła unoszą się z dumą. Jeśli nauczyciel pracuje ze starszymi uczniami, możesz poprosić dzieci, aby podczas siedzenia na krześle oparły łokcie na poduszkach, tak jak Ty opierasz ręce na podłokietnikach. Po wszystkich ćwiczeniach i przetwarzaniu ruchu możesz zacząć grać. Nauczyciel, podobnie jak uczniowie, bierze dyktafon do ręki i wyraźnie pokazuje, co i jak mają zrobić. Zamykając jeden dołek do gry od góry lewą ręką palcem wskazującym, zdecydowanie musisz powiedzieć, jak nazywa się ta nuta, ponieważ od pierwszej klasy konieczne jest nauczanie dzieci notacja muzyczna i poprawnie nazwij nuty. Pierwszy dołek do gry na flecie prostym nazywany jest nutą „B”. Warto także pokazać na nagraniu jak wygląda notatka. Palec wskazujący lewej ręki, który zakrywa nutę „B”, zostanie ponumerowany jako pierwszy (1), ponieważ każdy palec będzie miał swój własny numer. Podczas zabawy uczniowie muszą „atakować” językiem każdą nutę i niczym szeptem wymawiać sylaby tou, tou, tou.
Wiodąca rola w kształceniu i szkoleniu ucznia należy do nauczyciela. Dlatego główną formą pracy edukacyjnej i edukacyjnej jest lekcja. Podczas lekcji nauczyciel łączy ustne wyjaśnienie i wykonanie pracy w całości lub w części, co zwiększa zainteresowanie, uwagę i aktywność ucznia. Wspólne muzykowanie ucznia i nauczyciela (ucznia i ucznia) przyczynia się do rozwoju zdolności twórczych młodych muzyków, przyspiesza proces uczenia się, rozwija u ucznia słuch, poczucie rytmu, umiejętność czytania wzrokowego oraz wpaja umiejętności gry w zespole. „Rozwój muzyczny ucznia – rozwój jego myślenia muzycznego i gustu artystycznego, poszerzanie horyzontów muzycznych, rozwój umiejętności wykonawczych – to zadanie, którego rozwiązanie jest głównym celem wszystkich etapów edukacji, w tym początkowej.” Rzeczywiście, trudno określić, ile czasu zajmie rozwinięcie określonych umiejętności. System zajęć indywidualnych pozwala nauczycielowi w każdym indywidualnym przypadku budować swoją pracę w oparciu o indywidualne cechy ucznia. Najważniejszy jest kierunek, treść i metody nauczania i rozwoju ucznia. Aby utrwalić pewne nabyte umiejętności, powinieneś przejść dużą liczbę prac o mniej więcej tym samym stopniu trudności. Złożoność omawianego repertuaru należy zwiększać stopniowo. I wreszcie nie należy pozbawiać dziecka zainteresowania nauką w szkole muzycznej. Zależy to od wysiłków nauczyciela, jego umiejętności pedagogicznych. Jeśli uczeń uczęszcza na lekcje z przyjemnością, nie opuszcza ich bez ważnego powodu jeśli uczy się z zainteresowaniem, bierze czynny udział w występach koncertowych – to już jest ogromny plus zarówno dla dziecka, jak i nauczyciela.Jak pisze w swojej pracy B. Ya Grach: „Praca postępuje, gdy uczeń jest zainteresowany, i ciekawie się robi, gdy jedną pracę zastępuje się inną, gdy jedno zadanie zastępuje się inną, gdy trudności pokonuje się bez nadmiernego stresu. Tylko w tym przypadku dobre wyniki cieszą ucznia. Wszystko, co nie wychodzi, denerwuje ucznia, a niepowodzenia często kończą się kontuzjami.Po opanowaniu umiejętności gry na flecie prostym, nauczeniu się prawidłowego wykonywania oddechu, wydawania dźwięku na flecie prostym, uczeń będzie przygotowany do drugiego etapu nauki gry na instrumentach dętych. Trudno jest określić czas potrzebny na rozwinięcie określonych umiejętności. Daje system lekcji indywidualnych
szansa dla nauczyciela w każdym indywidualnym przypadku, nauczyciel buduje swoją pracę w oparciu o indywidualne cechy ucznia. Najważniejszy jest kierunek, treść i metody nauczania i rozwoju ucznia. Zatem odpowiednie wstępne szkolenie w grze na flecie prostym stworzy sprzyjające możliwości kształtowania zrozumienia muzycznego i słuchowego, wszechstronnego i pomyślnego rozwoju ucznia jako muzyka wykonującego.
2.2.Perspektywy

nauczanie

rejestratory

musical

szkoła jako niezależny instrument.
Przyzwyczailiśmy się mówić o flecie prostym jedynie jako o instrumencie pomocniczym, który przygotowuje młodego wykonawcę do przejścia na „duży” instrument. Może jedynie przygotować dziecko do gry na klarnecie lub oboju. Rejestrator nie jest instrumentem. Tak niestety myśli większość zwykłych rodaków, którzy nie są muzykami. Oni po prostu nie wiedzą, ile wspaniałej muzyki jest na tej „fajce” i jak pięknie i po mistrzowsku można na niej zagrać historyczne i współczesne wykonania. Jednocześnie flet prosty jest instrumentem całkowicie niezależnym i samowystarczalnym. Trzeba tylko pamiętać, że to dla niej pisali swoje dzieła najwięksi kompozytorzy: A. Vivaldi, G.F. Teleman, G.F. Handel, I.S. Kawaler. Rejestrator w krajach europejskich często gra na najlepszych sale koncertowe! Wielu kompozytorów naszych współczesnych, w tym Britten, Hindemith i inni, używało fletu prostego w zespołach kameralnych i dziełach symfonicznych. Istnieją zespoły muzyki dawnej, w których flet prosty jest instrumentem równorzędnym. To jedno z najwygodniejszych narzędzi edukacji muzycznej. Po pierwsze dlatego, że trzymanie w domu miniaturowego fletu prostego jest o wiele wygodniejsze niż, powiedzmy, pianina. Cichy dźwięk tego instrumentu pozwala ponownie odtwarzać muzykę bez przeszkadzania rodzinie i sąsiadom. Nauka gry na flecie prostym nie wymaga wielu lat ćwiczeń, specjalnego rozciągania palców i dużej siły mięśniowej płuc. Nie bez powodu w szkołach muzycznych naukę gry na instrumentach dętych rozpoczyna się od fletu prostego. Ponadto rejestrator jest znacznie tańszy niż jakikolwiek inny instrument. Najprostszy model plastikowy można dziś kupić za jedyne 400-500 rubli. Ze wszystkich powyższych powodów flety proste cieszą się dużą popularnością zarówno wśród muzyków, jak i wśród tych, którzy chcą włączyć się w kulturę muzyczną. Ponieważ użyj tego
Instrument można wykorzystać w niemal każdym kierunku muzycznym, chętnych do gry na flecie prostym jest coraz więcej. Gry na tym instrumencie mogą uczyć się także uczniowie szkół średnich, młodzież i dorośli odbywający praktyki pedagogiczne w szkołach muzycznych. Być może w zespołach muzyki dawnej flet prosty najpełniej spełnia funkcję, do której został stworzony. Przez muzykę dawną rozumie się zazwyczaj „muzykę tradycji zachodnioeuropejskiej, powstającą w okresie od średniowiecza do początek XIX V” . Głównym znaczeniem i zadaniem stojącym przed nauczycielem jest maksymalne (w miarę możliwości) oddanie brzmienia konkretnego utworu muzycznego poprzez grę w zespole fletu prostego. Zainteresowanie fletem prostym wśród muzyków akademickich jest raczej słabe. Istnieją jednak wykonawcy muzyki akademickiej na flecie prostym, co więcej, nawet w Rosji są wielkie nazwiska.O ile w Rosji akademiccy flet prosty są wciąż rzadkością, a raczej wyjątkiem od reguły, zagraniczni wykonawcy muzyki akademickiej uznają fletu prostego za poważnym narzędziem znacznie częściej. Na przykład niemiecki flecista Maurice Steger uznawany jest za jednego z „najlepszych wirtuozów fletu prostego na całym świecie”. Maurice gra na flecie prostym szeroką gamę muzyki, od muzyki dawnej po współpracę z nowoczesnymi orkiestrami. Wykonywał najsłynniejsze dzieła na flet prosty Telemanna, Sammartiniego, Vivaldiego i wielu innych, za co muzyk był wielokrotnie nagradzany przez środowisko eksperckie. Kolejną reprezentantką, a właściwie reprezentantką kierunku akademickiego jest flet prosty Michala Petri z Danii. Michala występuje na scenie europejskiej zarówno jako solistka, jak i w ramach najsłynniejszych orkiestr. Specjalnie dla Michali napisanych zostało kilkadziesiąt utworów na flet prosty. Ta niesamowita kobieta po raz pierwszy sięgnęła po magnetofon w wieku trzech lat, a w wieku pięciu lat występowała już w duńskim radiu. Następnie Petri otrzymał brawa w najsłynniejszych salach koncertowych świata. Co ciekawe, większość zagranicznych fletów prostych nie specjalizuje się w żadnym konkretnym kierunku muzycznym, ale stara się pokryć jak najwięcej. Wielu muzyków gra jednocześnie w zespołach muzyki dawnej i orkiestrach klasycznych oraz bierze udział w różnorodnych projektach awangardowych.
Wraz z rozwojem technologii informatycznych instrumenty takie jak flet prosty (można by pomyśleć) szybko odejdą na dalszy plan. Ale to narzędzie ma przyszłość. Instrumenty na żywo będą obecne i stale używane. Żadna nanotechnologia nie zastąpi niczego naturalnego. Ale uzupełnienie, stworzenie równoległej przestrzeni wibracyjnej - tak. Myślę, że w najbliższej przyszłości możliwości wykonawcze gry na flecie prostym poszerzą się w związku ze zniesieniem ograniczeń. Najważniejsze jest pozbycie się oczekiwań i uzyskanie zupełnie niewyobrażalnych odkryć możliwości narzędzia. Flet prosty, jak każdy instrument, żyje w wielkim prawie wszechświata i jest wyjątkową częścią całej orkiestry, która nazywa się Życiem. Flet prosty znajduje szerokie zastosowanie w niemal wszystkich dziedzinach współczesnej muzyki. Muzyka akademicka nie jest ruchem ani kierunkiem, ale drzewem rosnącym w ogrodzie cywilizacji. Muzyka akademicka to muzyka ciągłości, tj. takiego, który ma pamięć kulturową i pewne DNA, które pozwala wykryć w nim przejawy sztuki wysokiej. Każde rozgałęzienie tego drzewa będzie miało w takim czy innym stopniu swoje właściwości. Nieważne co: barok, klasycyzm, romantyzm, impresjonizm, awangarda… nawet najbardziej lewicowe gałęzie są zawsze w zgodzie z tą estetyką. Do przekazywania wiedzy potrzebny jest system: nauczyciel-uczeń, a co za tym idzie różne jej formy. Jak istotny jest dzisiaj rejestrator? Obecnie istnieją narzędzia o znacznie szerszych możliwościach technicznych. Rzeczywiście istnieją instrumenty, które w toku rozwoju historii kultury uzyskały status archetypów, posłańców określonej epoki. Na przykład klawesyn jest niewątpliwie uważany za pewien znak baroku, epoki Rameau i Couperina, Pogliettiego i Scarlattiego, dynastii Bacha. Podobnie jest z rejestratorem. Instrument ten należy w przeważającej części do epoki baroku i muzyki etnicznej. Jaki jest jej repertuar? Liczne adaptacje oryginałów, adaptacje, etnoimprowizacje. Flet prosty nie przeszedł aż takiej rozbudowy technicznej technik realizacji dźwięku i, co najważniejsze, wykorzystania tych rozwinięć w dziele sztuki, takim jak np. duży flet. Ale wręcz przeciwnie, żyje własnym, całkowicie niezależnym i niezależnym życiem. Zaskakujące jest, że przy dość szerokich możliwościach technicznych ubiegłego stulecia i niemal nieograniczonych możliwościach obecnego,
Rejestrator jest aktywnie wykorzystywany w muzyce popularnej. To, nawiasem mówiąc, po raz kolejny obala teorię, że o flecie prostym zapomniano ze względu na jego ciche brzmienie i słabe możliwości muzyczne. W repertuarze szkoły muzycznej nauczyciele od dawna włączają melodie tak popularnych i legendarnych grup jak „The Beatles”, „The Rolling Stones”, „Led Zeppelin”, Curtis E. „Come back to Sorrento!”, Oliveira L. Muzyka z filmu „Generałowie z kamieniołomów Sandy”, James Last. Lonely Shepherd, 134 Kb, zip Ponadto obecnie jest wielu kompozytorów, którzy piszą muzykę specjalnie na flet prosty. Wśród nazwisk zagranicznych można wymienić Giorgio Teddę, Alberto Iacopucci, Marcusa Janhausena, Makotto Shinoarę, Moritza Eggert, Decebala Grigorutę. W naszym kraju komponowanie muzyki na flet prosty nie jest tak powszechne. Jednak na przykład jeden z najpopularniejszych i najwybitniejszych kompozytorów rosyjskich, Siergiej Słonimski, jest autorem szeregu utworów na zespoły fletu prostego. Na uwagę zasługuje także kompozytor Włodzimierz Daszkiewicz, który jest autorem muzyki do wielu filmów. W jego kompozycjach często pojawiają się partie na flet prosty (np. w kompozycjach do filmu „Sherlock Holmes i Doktor Watson”). Wzbogacaniu repertuaru uczniów sprzyja także tworzenie aranżacji na instrumenty dęte i instrumenty perkusyjne. Przez lata istnienia katedry nauczyciele zwracali uwagę na tę pracę. Jako przykład można przytoczyć aranżację sonat i partit skrzypcowych J. S. Bacha autorstwa I. P. Mozgovenki; Aranżacja wariacji J. Dunkle’a na flet prosty, flet prosty lub gobo S.P. Velikanova, aranżacje na instrumenty dęte i perkusyjne wykonane przez M.S. Khokhlova umożliwiają wykonanie znanych utworów w nowym, jasnym brzmieniu; itp.
Wniosek
Nauczanie gry na flecie prostym w dziecięcej szkole muzycznej na początkowym etapie edukacji rozwija nie tylko ogólne zdolności muzyczne, ale także umiejętności zawodowe. Im aktywniej dzieci zaangażują się w sztukę muzyczną, tym harmonijniejsze będzie wychowanie młodszego pokolenia. Dzieci uczące się gry na flecie prostym w dziecięcych szkołach muzycznych, które z pewnych indywidualnych przyczyn nie osiągnęły doskonałości i profesjonalizmu, zdobędą cenną wiedzę o tym instrumencie dla swojego ogólnego rozwój muzyczny i oswajania się z muzyką, uczą się doświadczać i odbierać muzykę emocjonalnie.
Te dzieci, którym kompleks wszystkich zdolności muzycznych pozwoli na osiągnięcie profesjonalnego poziomu nauki gry na flecie prostym, otrzymają nieocenione korzyści w dalszym doskonaleniu swoich umiejętności wykonawczych. Stawiając sobie tak wysokie cele, nauczyciel przedmiotu musi pracować z uczniem w zakresie muzyki w ogóle, a zwłaszcza na tym instrumencie. Dlatego tylko ten nauczyciel, który wraz z nauką gry na instrumencie będzie rozwijał swoje zdolności muzyczne, osiągnie oczekiwane rezultaty. Zaszczepienie miłości do instrumentu dętego, zadbanie o prawidłowe ułożenie aparatu wargowego, palców i całego ciała dziecka to ważny punkt w pracy nauczyciela z uczniem. Uczeń uczący się gry na flecie prostym w pierwszych latach lekcji powinien zawsze usłyszeć od nauczyciela, że ​​każdy instrument dęty jest piękny i wyrazisty i tylko ci, którzy mają do tego pewne fizyczne zdolności muzyczne, mogą nauczyć się na nim grać. To metodycznie poprawne sformułowanie pytania praktycznie eliminuje możliwość urazu psychicznego dziecka przy przejściu z fletu prostego na obój, klarnet, trąbkę lub inny instrument dęty. Początkowa nauka gry na flecie prostym stworzy sprzyjające możliwości kształtowania zrozumienia muzycznego i słuchowego, wszechstronnego i pomyślnego rozwoju ucznia jako muzyka wykonującego. Opanowanie podstaw gry na flecie prostym powinno pozwolić dzieciom na dalszy kontakt z muzyką, wcielenie się w muzyków-amatorów, koneserów muzyki, rozumiejących charakter, formę, styl dzieła muzycznego, a także uczestnictwo w amatorskich wykonaniach lub po prostu granie muzyki. Biorąc do ręki flet prosty, każde dziecko już od pierwszych zajęć uczy się muzyki poprzez własne muzykowanie. Teraz staje się bezpośrednim „dyrygentem” wszystkich pomysłów kompozytora, gdyż aby wykonać utwór, należy dokładnie przeanalizować i dosłownie „przejść przez siebie”, choćby nieświadomie, wszystkie myśli i uczucia przekazywane przez dźwięki. A instrumenty muzyczne związane z oddychaniem są najbliżej ludzkiego głosu - najlepszego „instrumentu muzycznego”. Właściwie wszyscy najlepsi muzycy w swojej twórczości starają się grać tak, jak ktoś śpiewa lub mówi. Flet - z łatwą produkcją dźwięku świetne możliwości wyrażać myśli i
wybuchy duszy, z wyczuciem reaguje na najmniejsze zmiany w naszym oddechu czy ruchu, a flet prosty w dobrych rękach potrafi powiedzieć wiele ciekawych rzeczy... Myślę, że ten instrument wybierają ludzie, którzy potrafią odnaleźć i docenić piękno w prostych, elementarnych sprawach. I rzadko w naszym praktycznym, zamożnym wieku. I rzeczywiście - mało prestiżowy instrument muzyczny - prosta fajka, tylko 8 dziurek, ale ile emocji, jaki rozwój daje naszemu umysłowi i naszemu sercu. Zainteresowanie fletem prostym i innymi starożytnymi instrumentami muzycznymi wynika w dużej mierze z ogólnego zainteresowania wszystkim, co dotyczy starożytności. Trend ten nie jest niczym nowym. W historii można prześledzić, że ludzie zawsze okazali zainteresowanie swoją przeszłością. Unikalność instrumentu, jego dostępność do masteringu, szerokie możliwości muzyczne i niski koszt również przyczyniają się do rosnącego zainteresowania tym urządzeniem.
BIBLIOGRAFIA
1. Abdulin E. B. Nikolaeva E. V. Teoria edukacji muzycznej - M., 2004. 2. Apraksina O. Metody edukacji muzycznej w szkole. - Instruktaż. – M.: Edukacja 1983. 3. Barenboim L. System edukacji muzycznej K. Orffa. – L.: Muzyka, 1970. 4. Barenboim L. Elementarny edukacja muzyczna według systemu K. Orffa. – L.: Muzyka, 1970. 5. Berezin V. Wielki francuski flecista w zwierciadle czasu. „Muzyka starożytna”: Ezhekv. muzyka czasopismo / Założyciel: Agencja Literacka „PREST”. M.: B. i. 2005. - nr 1-2 (27-28). 6. Berezin V. Instrumenty dęte w kulturze muzycznej klasycyzmu. M.: Wydawnictwo Instytutu Ogólnego Szkolnictwa Średniego Rosyjskiej Akademii Pedagogicznej, 2000. 388 f., il., notatki. 7. Bocharow. Y. Mistrzowie muzyki starożytnej. M. – Helios, 2005, s. 25. 6 8. Braudo I. Artykulacja (O wymowie melodii). 2. wydanie. Muzyka, oddział w Leningradzie. L.: 1973. 200 s. 9. Vinogradov L.V., Tevosyan E.S. Blokowy flet. Wspólne tworzenie muzyki. Część 1. Stan. obraz. Szkoła nr 1321 „Arka”. Regionalna organizacja społeczna osób niepełnosprawnych i rodziców dzieci niepełnosprawnych (ROOI), 2004.
10. Gruber R. Historia kultury muzycznej. T.I (od czasów starożytnych do końca XVI wieku) Część druga. M., JL: Stan. muzyka Wydawnictwo, 1994. 514 s. 11. Dikov B. O oddychaniu podczas gry na instrumencie dętym. – M.: Muzgiz, 1956. 12. Dikov B. Metody nauczania gry na instrumentach dętych. wyd. 2. - M.: Muzyka, 1987. 13. Dolzhikov Yu. Artykulacja i uderzenia podczas gry na flecie w książce Zagadnienia pedagogiki muzycznej: zbiór artykułów. Tom. 10. (Opracowane przez Yu. Usova). M.: Muzyka, 1991.-176 s. 14. Dolzhikov Yu Technika oddechowa flecisty: Zagadnienia pedagogiki muzycznej: Zbiór artykułów. Tom. 4/wyd.-stat. Yu Usow. -M.: Muzyka, 1983. 128 e., notatki. 15. Druskin M. Historia muzyki zagranicznej (zeszyt IV). Druga połowa XIX w., M.: Muzyka, 1980. 528 egz., notatki. 16. Emelyanov V. „Rozwój głosu, koordynacja i szkolenie”. – St. Petersburg, 2000. 17. Iwanow V. Słownik muzyka dętego. M.: Muzyka, 2007. - 128 s. 18. Kaczmarczyk V. Barokowa technika zadęcia dla flecisty. Magazyn „Muzyka i Czas”. M., 2006. -№11.ts 19. Kaczmarczyk V. Artykulacja fletu epoki baroku. „Muzyka starożytna”: Ezhekv. muzyka czasopismo / Założyciel: Lit. agencja „GEREST”. M.: B. i. -2005.-№№3-4. 20. Levin S. Instrumenty dęte w historii kultury muzycznej. - L.: Muzyka, 1993. 21. Słownik muzyczny Grove'a. Wydanie drugie rosyjskie, poprawione i rozszerzone. Za. z angielskiego M.: Praktika, 2007. - 1103 s. 22. Encyklopedia muzyczna, t. 1,: M. Encyklopedia radziecka, 1976 - s. 178 23. Nowość uniwersalny podręcznik kraje i narody świata / oprac. A.G. Stadnik. wyd. 2. - Rostów n/d: Phoenix, 2007. - 380, 1. s. - (Katalog). 24. Polezhaev D. Historyczny cel narodu i jego odbicie w mentalności narodowej. (Materiały międzynarodowej konferencji naukowej: „Nauka, sztuka, edukacja w kulturze I tysiąclecia”, 10-11 kwietnia 2003). Wołgograd: Wydawnictwo VolGU, 2003. 25. Płatonow N. Zagadnienia metod nauczania gry na instrumentach dętych.
26. Płatonow N. Metody nauczania gry na flecie (patrz: Metody nauczania gry na instrumentach dętych. Eseje. Zeszyt II /pod redakcją generalną Yu.A. Usov/). Muzyka. M., 1966. 270 s. 27. Pushechnikov I. ABC początkującego fletu prostego. - M.: Muzyka, 1991. 19. Rachina B. Podróż do krainy muzyki. – Petersburg, 1997. 28. Pushechnikov I / Zagadnienia metod nauczania fletu prostego. – Petersburg, 1984. 29. Raaben L. Kameralna muzyka instrumentalna pierwszej połowy XX wieku. : Kraje Europy i Ameryki: Badania / Lenigr. państwo Instytut Teatru, Muzyki i Kinematografii im. N.A. Czerkasowa. L.: Kompozytor radziecki. Departament Leningradu, 1986. - 197, 1. e, chory, notatki. 30. Rokityanskaya T. Grupowa nauka gry na flecie prostym // Sztuka w szkole. – 1998. - Nr 1 31. Rolland R. Dziedzictwo muzyczne i historyczne: W 8 numerach. Tom. 3. Muzycy z przeszłości. Muzyczna podróż do krainy przeszłości / wyd., komp. i skomentuj. V. Bryantseva. M.: Muzyka, 1988. - 448 e., nuty, portret. 32. Trizno B. Flet / Seria „Instrumenty muzyczne”. LGITMiK. M.: Muzyka, 1964. 52 s. 33. Usov A. Zagadnienia teorii i praktyki gry na rogu // Metody nauczania gry na instrumentach innych niż dęte: Cz. 1. – M., 1964. 34. Usov Yu Historia wykonawstwa zagranicznego na instrumentach dętych: Podręcznik. - wyd. 2, dod. -M.: Muzyka, 1989. 205 2. e., notatki. 35. Usow Yu. Szkoła radziecka gra na instrumentach dętych w latach 1960-1980: Wykonawstwo muzyczne a nowoczesność: Zbiór artykułów / Komp. MA Smirnow. -M.: Muzyka, 1988. 319 s. 36. Fedotov A. Metody nauczania gry na instrumentach dętych. M.: Muzyka, 1975.- 159 s. 37. Shkolyar L.V., Krasilnikova M.S., Kritskaya E.D., Usacheva V.O., Medushevsky V.V., Shkolyar V.A. Teoria i metody edukacji muzycznej dzieci. – M., 1999. 38. Tsybin V. Podstawy techniki gry na flecie. Część 1. Stan. muzyka Wydawnictwo M.-L.: 1940, 248 s. 39. Yagudin Yu O rozwoju ekspresji dźwiękowej (Metody nauczania gry na instrumentach dętych, nr 3), M.: 1971. 271 s.