ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาปลายสายในศิลปะดนตรี คุณสมบัติของวัฒนธรรมดนตรีและการเต้นรำในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เพลงร้องฝ่ายวิญญาณ: ปาเลสไตน์

Karankova Yu.N.

Renaissance (French Renaissance) - ยุคแห่งชีวิตวัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ ยุโรปตะวันตก XV-XVI ศตวรรษ (ในอิตาลี - ศตวรรษที่สิบสี่ - สิบหก) นี่คือช่วงเวลาของการเกิดขึ้นและการพัฒนาของความสัมพันธ์ทุนนิยม การก่อตัวของชาติ ภาษา และวัฒนธรรมของชาติ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - เวลาของการค้นพบทางภูมิศาสตร์ที่ยิ่งใหญ่ การประดิษฐ์การพิมพ์ การพัฒนาวิทยาศาสตร์

ยุคนี้มีชื่อเกี่ยวข้องกับการฟื้นคืนความสนใจในศิลปะโบราณซึ่งกลายเป็นอุดมคติสำหรับบุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมในสมัยนั้น นักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรี - J. Tinktoris, J. Tsarlino และคนอื่นๆ - ศึกษาบทความดนตรีกรีกโบราณ ในงานดนตรีของ Josquin Despres ซึ่งเปรียบเทียบกับ Michelangelo "ความสมบูรณ์แบบที่หายไปของชาวกรีกโบราณได้เพิ่มขึ้น"; ปรากฏในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 - ต้นศตวรรษที่ 17 อุปรากรเน้นรูปแบบละครโบราณ

พื้นฐานของศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือมนุษยนิยม (จากภาษาละติน "มนุษย์" - มีมนุษยธรรม, ใจบุญสุนทาน) - มุมมองที่ประกาศคุณค่าสูงสุดของบุคคลปกป้องสิทธิของบุคคลในการประเมินปรากฏการณ์แห่งความเป็นจริงของเขาเอง ส่งต่อความต้องการของความรู้ทางวิทยาศาสตร์และการไตร่ตรองอย่างเพียงพอในศิลปะของปรากฏการณ์แห่งความเป็นจริง อุดมการณ์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาต่อต้านเทววิทยาของยุคกลางด้วยอุดมคติใหม่ของมนุษย์ที่ตื้นตันใจด้วยความรู้สึกและความสนใจทางโลก ในเวลาเดียวกัน คุณลักษณะของยุคก่อนยังคงอยู่ในศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายังเป็นช่วงเวลาของการเคลื่อนไหวทางศาสนาที่ต่อต้านศักดินาและต่อต้านคาทอลิกในวงกว้าง (ลัทธิฮูซิติสในสาธารณรัฐเช็ก นิกายลูเธอรันในเยอรมนี ลัทธิคาลวินในฝรั่งเศส) ขบวนการทางศาสนาเหล่านี้รวมกันเป็นหนึ่งโดยแนวคิดทั่วไปของ "โปรเตสแตนต์" (หรือ "การปฏิรูป")

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปะ (รวมถึงดนตรี) ได้รับเกียรติจากสาธารณชนและแพร่หลายอย่างมาก วิจิตรศิลป์ (L. da Vinci, Raphael, Michelangelo, Jan van Eyck, P. Brueghel และอื่นๆ), สถาปัตยกรรม (F. Brunelleschi, A. Palladio), วรรณกรรม (Dante, F. Petrarch, F. Rabelais, M. Cervantes) , W. Shakespeare), ดนตรี.

ลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา:

การพัฒนาอย่างรวดเร็วของดนตรีฆราวาส (การใช้แนวเพลงฆราวาสอย่างแพร่หลาย: madrigals, frotol, villanelles, "chansons" ของฝรั่งเศส, เพลงโพลีโฟนิกในอังกฤษและเยอรมัน) การโจมตีในวัฒนธรรมดนตรีของคริสตจักรเก่าที่มีอยู่ควบคู่ไปกับฆราวาส;

แนวโน้มที่สมจริงของดนตรี: โครงเรื่องใหม่, ภาพที่สอดคล้องกับความเห็นอกเห็นใจและเป็นผลให้วิธีการใหม่ในการแสดงออกทางดนตรี;

ทำนองเพลงพื้นบ้านเป็นจุดเริ่มต้นของงานดนตรี เพลงพื้นบ้านใช้เป็นเพลงประสานเสียง (เพลงหลักที่ไม่เปลี่ยนแปลงในผลงานโพลีโฟนิก) และเพลงโพลีโฟนิก (รวมถึงเพลงในโบสถ์) ท่วงทำนองจะนุ่มนวล คล่องตัวขึ้น ไพเราะเพราะ เป็นการแสดงออกโดยตรงของประสบการณ์ของมนุษย์

การพัฒนาอันทรงพลังของเพลงโพลีโฟนิก และ "รูปแบบที่เข้มงวด" (กล่าวอีกนัยหนึ่งคือ "เสียงประสานเสียงแบบคลาสสิก" เพราะเน้นที่เสียงร้องและการร้องประสานเสียง) สไตล์เข้มงวดหมายถึงการปฏิบัติตามกฎระเบียบที่กำหนดไว้ (บรรทัดฐานของรูปแบบที่เข้มงวดถูกกำหนดโดยชาวอิตาลี J. Carlino) จ้าวแห่งรูปแบบที่เข้มงวดเชี่ยวชาญเทคนิคของความแตกต่างการเลียนแบบและศีล การเขียนที่เข้มงวดขึ้นอยู่กับระบบของโหมดคริสตจักรไดอาโทนิก พยัญชนะครอบงำความสามัคคีการใช้ความไม่ลงรอยกันถูก จำกัด อย่างเคร่งครัดโดยกฎพิเศษ เพิ่มโหมดหลักและโหมดรอง และระบบนาฬิกา พื้นฐานใจความคือบทสวดเกรกอเรียน แต่ท่วงทำนองของฆราวาสก็ถูกนำมาใช้เช่นกัน แนวความคิดของรูปแบบที่เข้มงวดไม่ครอบคลุมทุกเพลงโพลีโฟนิกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เน้นส่วนใหญ่เกี่ยวกับพหุนามของ Palestrina และ O. Lasso;

การก่อตัวของนักดนตรีรูปแบบใหม่ - มืออาชีพที่ได้รับความเชี่ยวชาญพิเศษที่ครอบคลุม ดนตรีศึกษา. แนวคิดของ "ผู้แต่ง" ปรากฏขึ้นเป็นครั้งแรก

การก่อตัวของโรงเรียนดนตรีแห่งชาติ (อังกฤษ, ดัตช์, อิตาลี, เยอรมัน, ฯลฯ );

การปรากฏตัวของนักแสดงคนแรกบนกีตาร์, วิโอลา, ไวโอลิน, ฮาร์ปซิคอร์ด, ออร์แกน; ความเฟื่องฟูของการทำดนตรีสมัครเล่น

การเกิดขึ้นของการพิมพ์

แนวเพลงหลักของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

นักทฤษฎีดนตรีที่สำคัญของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา:

โยฮันเนส ทินคอริส (1446 - 1511),

กลาเรียน (1488 - 1563),

โจเซฟโฟ คาร์ลิโน (1517 - 1590)

บรรณานุกรม

บทคัดย่อ ในสาขาวิชา "วัฒนธรรม"

ในหัวข้อ: "ดนตรีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา"

วางแผน

1. บทนำ.

2. เครื่องมือของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

3. โรงเรียนและนักแต่งเพลงแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

5. สรุป.

6. รายการอ้างอิง

1. บทนำ.

ศิลปะดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือศิลปะที่เป็นนวัตกรรมใหม่ ประการแรก ตัวละครที่เป็นนวัตกรรมใหม่นี้ถูกกำหนดโดยความก้าวหน้าของเพลงสากลและวัฒนธรรมการเต้น ในแต่ละประเทศ แนวเพลงและการเต้นรำมีพื้นฐานมาจากต้นกำเนิด ไม่ว่าจะเป็นวิลลาซิกาของสเปน บัลลาดภาษาอังกฤษ ฟรอตโตลาของอิตาลี แชนสันฝรั่งเศสหรือตัวเอกของเยอรมัน ทั้งหมดนี้มีจุดมุ่งหมายเพื่อถ่ายทอดโลกภายในที่ซับซ้อนของบุคลิกภาพของมนุษย์ โดยบอกเล่าถึงความสุขของชีวิตแก่ผู้คน ในเพลงเหล่านี้ เราสามารถสัมผัสได้ถึงความรู้สึกเฉพาะของชายยุคเรอเนซองส์

ชัยชนะของวัฒนธรรมดนตรีฆราวาสคือเพลงมาดริกาล ซึ่งเป็นเพลงที่ใช้ภาษาอิตาลี เป็นภาษาที่เน้นการจากไปของประเภทนี้จากเพลงคริสตจักรซึ่งดำเนินการเป็นภาษาละติน วิวัฒนาการของ Madrigal เป็นกระบวนการที่น่าสนใจ ซึ่งเปลี่ยนจากความคล้ายคลึงของเพลงของคนเลี้ยงแกะธรรมดาไปเป็นงานดนตรีที่เต็มเปี่ยม โดยมีทั้งสายร้องและบรรเลง ข้อความถึง Madrigals ซึ่งเป็นกวีที่โดดเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยารวมถึง F. Petrarch สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ ไม่มีประเทศที่พัฒนาทางดนตรีในยุโรปที่ไม่มีเพลงมาดริกาล

คุณลักษณะที่สองของความจำเพาะของวัฒนธรรมดนตรีในยุคนี้เรียกได้ว่าเฟื่องฟูของพหุเสียง นักแต่งเพลงที่เขียนงานโพลีโฟนิกมีส่วนทำให้เกิดวิวัฒนาการของประเภทยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่ใหญ่ที่สุด - มวล ผลของความก้าวหน้านี้คือมวลที่มีรูปแบบเป็นวัฏจักรที่คิดออกอย่างเคร่งครัด การเปลี่ยนแปลงของส่วนต่างๆ ในพิธีมิสซาได้รับอิทธิพลจากปฏิทินของคริสตจักร: มวลชนมีความหมายทางจิตวิญญาณที่บังคับซึ่งเชื่อมโยงกับเหตุการณ์หนึ่งหรือเหตุการณ์อื่น แต่ไม่ว่าปฏิทินของคริสตจักรจะเป็นอย่างไร มวลชนประกอบด้วยส่วนบังคับ

คุณลักษณะที่สามคือความสำคัญที่เพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัดของดนตรีบรรเลง แม้ว่าข้อเท็จจริงที่ว่าบทบาทที่โดดเด่นจะเป็นของแนวเสียงร้องก็ตาม ตอนนี้ดนตรีบรรเลงได้กลายเป็นมืออาชีพและได้ให้ความสำคัญกับเครื่องดนตรีอย่างใดอย่างหนึ่ง (กลุ่มเครื่องดนตรี) นักแต่งเพลงเขียนบทสำหรับพิณ คีย์บอร์ด วิโอลา และความหลากหลายของมัน

คุณลักษณะที่สี่คือการเกิดขึ้นและการจัดตั้งโรงเรียนสอนดนตรีแห่งชาติ แต่ละคนมีลักษณะเฉพาะของตนเองเสนอตัวแทนที่โดดเด่นจำนวนหนึ่งมีคุณสมบัติเฉพาะที่เกี่ยวข้องกับศิลปะดนตรีพื้นบ้านของประเทศ

คุณลักษณะที่ห้าคือวิวัฒนาการอย่างรวดเร็วของทฤษฎีดนตรี นักวิทยาศาสตร์พยายามที่จะพัฒนาแนวความคิดและกฎหมายขององค์ประกอบทางดนตรีที่สำคัญที่สุด - ท่วงทำนอง, ความกลมกลืน, โพลีโฟนี ดังนั้นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งเป็นจุดเปลี่ยนในการพัฒนาวัฒนธรรมยุโรปจึงกลายเป็นช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ของดนตรี

2. เครื่องมือยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา.

การพัฒนาแนวเพลงในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายังมีส่วนช่วยในการขยายเครื่องมืออีกด้วย ในประเทศยุโรปขนาดใหญ่ - อิตาลี, ฮอลแลนด์, อังกฤษ, สเปน, ฝรั่งเศส, การประชุมเชิงปฏิบัติการสำหรับการผลิตเครื่องดนตรีได้เปิดขึ้นอย่างเร่งรีบและพวกเขาก็ทำได้ดีมาก

ราชาแห่งเครื่องดนตรีมาช้านานคือออร์แกนซึ่งครองทั้งคอนเสิร์ตและทรงกลมทางวิญญาณ แต่เมื่อเวลาผ่านไป สถานการณ์ก็เริ่มเปลี่ยนไป เครื่องสายและเครื่องสายก็เข้ามาอยู่แถวหน้า เหล่านี้คือวิโอลา (บรรพบุรุษของไวโอลินและวิโอลาสมัยใหม่) และพิณ ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีที่ยืมมาจากวัฒนธรรมของชาวมุสลิม มีการเขียนผลงานจำนวนหนึ่งสำหรับเครื่องมือเหล่านี้ ลูทเป็นเครื่องมือที่ยอดเยี่ยมสำหรับการเปล่งเสียง

เครื่องดนตรีอื่นๆ ก็เป็นที่นิยมเช่นกัน ในบรรดาเครื่องเป่าลมไม้ ได้แก่ บอมบาร์ดาและผ้าคลุมไหล่ บอมบาร์ดาเป็นเครื่องดนตรีเบสที่คาดว่าจะเป็นปี่สมัยใหม่ มีลักษณะเป็นเสียงต่ำ ไม่เอื้อต่อการแสดงออกทางศิลปะ (ต่างจากปี่)

Shalmey โดดเด่นด้วยเสียงที่ดังมากและช่วงกว้างมากซึ่งผู้ทิ้งระเบิดไม่สามารถอวดได้ หากไม่มีผ้าคลุมไหล่ ก็เป็นไปไม่ได้ที่จะจินตนาการถึงงานพิธีหรือการเต้นรำ ในยุคบาโรกต่อมา ผ้าคลุมไหล่ถูกลืมไปนานแล้ว

กลุ่ม เครื่องสายนอกเหนือจากวิโอลาที่กล่าวมาแล้ว ยังรวมถึงวิโอลา ดา กัมบา วิโอลา ดา บราซิโอ และเครื่องดนตรีชนิดอื่นๆ

การเล่นวิโอลาดากัมบาหมายถึงการรองรับขา ดังนั้นชื่อของมัน (มัน. กัมบะ - ขา). คีตกวียุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหลายคนเขียนผลงานของตนโดยคำนึงถึงเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว ดังนั้น viola da braccio จึงเป็นเครื่องดนตรีที่อยู่ในมือ วิโอลาทั้งสองใช้กันอย่างแพร่หลายทั้งเล่นเดี่ยวและเครื่องดนตรีที่เข้าร่วมวงและวงออเคสตรา

เครื่องมือคีย์บอร์ดแพร่หลาย: ฮาร์ปซิคอร์ด (ใช้กับเครื่องสาย), คลาวิคอร์ด, สปิเน็ต (ยังเป็นของกลุ่มสตริงคีย์บอร์ด), เวอร์จินัล

ฮาร์ปซิคอร์ดมีโทนเสียงที่น่าพึงพอใจและเฉพาะเจาะจงมาก แต่ข้อเสียที่สำคัญของฮาร์ปซิคอร์ดคือความเป็นไปไม่ได้ในการเปลี่ยนเสียงแบบไดนามิก เครื่องมือนี้กลายเป็นที่รับรู้ในยุคบาโรกมากกว่าในยุคเรอเนซองส์

พิณเป็นฮาร์ปซิคอร์ดชนิดหนึ่ง บ้านเกิดของมันคืออิตาลีเช่นเดียวกับเครื่องดนตรีอื่น ๆ เครื่องดนตรีนี้เป็นเครื่องดนตรีที่บ้านมากกว่าเครื่องดนตรีคอนเสิร์ต สตรีผู้มั่งคั่งหลายคนมีพิณที่บ้านและร้องเพลงคลอหรือเปิดเพลงประกอบ

หมายถึงฮาร์ปซิคอร์ดและพรหมจารีที่หลากหลาย ชื่อของเครื่องดนตรีนี้มีกุญแจสำคัญสำหรับคุณลักษณะด้านเสียงของมัน มาจากลัต. เวอร์จิเนีย (ราศีกันย์) ชื่อนี้พาดพิงถึงเสียงที่บริสุทธิ์และไพเราะของเขา

คลาวิคอร์ดเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรี ใช้งานได้ดีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา คุณสมบัติหลักของ clavichord คือความสามารถในการแยก vibrato ออกมา คลาวิคอร์ดได้รับการยกย่องอย่างสูงจากทั้งนักดนตรีมืออาชีพและมือสมัครเล่น เพลงที่เล่นบนคีย์บอร์ดเรียกว่า clavier และชาวอังกฤษมีส่วนสำคัญในการพัฒนา

ดังนั้นช่วงของเครื่องดนตรีจึงค่อนข้างสมบูรณ์และหลากหลายซึ่งพูดถึงการพัฒนาแนวเพลงและศิลปะของผู้แต่งอย่างเต็มเปี่ยม ควรสังเกตด้วยว่าเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นมีนักแสดงที่มีพรสวรรค์เป็นของตัวเอง

3. โรงเรียนและนักแต่งเพลงแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

มีโรงเรียนนักแต่งเพลงรายใหญ่หลายแห่งของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งก่อตั้งขึ้นในประเทศที่พัฒนาแล้วมากที่สุด เหล่านี้คือโรงเรียนหลักหกแห่ง: อิตาลี, ดัตช์, อังกฤษ, ฝรั่งเศส, เยอรมันและสเปน โรงเรียนดัตช์เป็นผู้นำในหมู่พวกเขา เป็นที่น่าสังเกตว่าได้มีการพัฒนาระบบการศึกษาดนตรีระดับมืออาชีพ นักประพันธ์เพลงในอนาคตได้รับการฝึกฝนในวัด - โรงเรียนที่โบสถ์คาทอลิก ดนตรีดัตช์เป็นหนี้ Metriz มากเพราะ ผู้สำเร็จการศึกษาจากสถาบันเหล่านี้ได้กลายเป็นนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่น

คีตกวีของโรงเรียนนี้มุ่งสู่หลายประเภท ก่อนอื่นนี่คือมวล (หลายส่วนโพลีโฟนิก) เพลงและโมเท็ต การตั้งค่าให้กับเพลงโพลีโฟนิก Motets ถูกแต่งขึ้นสำหรับตระการตา พวกเขายังหันไปหาแนวเพลงเช่นชานสันและมาดริกาลซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของชัยชนะของดนตรีฆราวาสเหนือจิตวิญญาณ

ข้อดีของโรงเรียนเนเธอร์แลนด์คือการสรุปมรดกทางดนตรีเกี่ยวกับการร้องเพลงประสานเสียง นอกจากนี้ แนวเพลงคลาสสิกที่กล่าวถึงข้างต้นได้รับการพัฒนาและกำหนดที่นี่ และกฎของพหุเสียงก็ถูกจัดตั้งขึ้น

โรงเรียนภาษาดัตช์สามารถภาคภูมิใจของนักประพันธ์เพลงหลายคน ในหมู่พวกเขาคือ J. Okeghem, G. Dufay, J. Despres, J. Obrecht, J.P. บวมและอื่น ๆ พวกเขาแต่ละคนไม่เพียง แต่เขียนเพลงที่ยอดเยี่ยม แต่ยังช่วยในการพัฒนาทฤษฎีดนตรีด้วย G. Dufay วางรากฐานสำหรับโพลิโฟนีแห่งชาติ J. Obrecht เติมเต็มดนตรีด้วยท่วงทำนองพื้นบ้าน ยะ.พี. Sweling สร้างโรงเรียนแห่งการเล่นออร์แกน

โรงเรียนภาษาอิตาลีก็ถือว่าแข็งแกร่งมากและในเวลาเดียวกันก็มีหลายแง่มุมเพราะ ประกอบด้วยตัวเลข โรงเรียนประจำชาติโดยที่ทั้งสองมีความโดดเด่น: โรมันและเวเนเชียน

หัวหน้าโรงเรียนโรมันคือ J. P. Palestrina ซึ่งดำรงตำแหน่งในโบสถ์น้อยซิสทีน กิจกรรมของเขากำหนดทิศทางจิตวิญญาณของเพลงที่เขาเขียน พิธีมิสซากลายเป็นแนวเพลงหลักที่เขากล่าวถึง อย่างไรก็ตาม เขาได้แต่งผลงานประเภทอื่นๆ ทั่วไปในสมัยนั้น J. P. Palestrina พยายามปกป้องการประสานเสียงในเพลงคริสตจักรซึ่งพวกเขาต้องการละทิ้งโดยต้องการแทนที่ด้วยการร้องเพลงพร้อมเพรียงกัน (บทสวดเกรกอเรียน) นักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นคนอื่นๆ ของโรงเรียนนี้คือ F. Anerio, J. Giannacconi และคนอื่นๆ โรงเรียนโรมันมุ่งเน้นที่เครื่องดนตรี เพลงคริสตจักร.

โรงเรียนเวนิสก่อตั้งขึ้นด้วยกิจกรรมของ A. Willart นักแต่งเพลงชาวดัตช์ รวมถึงผู้ประพันธ์เพลงเช่น C. Monteverdi, C. Merulo, J. Bassano ตัวแทนเหล่านี้และคนอื่น ๆ เต็มใจมีส่วนร่วมไม่เพียง แต่ในการบรรเลงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเพลงแกนนำด้วย มีแนวโน้มที่จะทดลองพวกเขาสร้างใหม่ สไตล์ดนตรี- คอนแชร์โต้ โรงเรียนแต่งเพลงแห่งเวนิสเตรียมพื้นเพให้ เหตุการณ์สำคัญในเพลง - บาร็อค

โรงเรียนสอนแต่งเพลงภาษาอังกฤษมีพื้นฐานมาจากเสียงประสานซึ่งเป็นประเพณีทางดนตรีของประเทศ อังกฤษเป็นประเทศแรกที่มีศิลปศาสตรบัณฑิต ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา นักประพันธ์เพลงจำนวนหนึ่งเริ่มต่อต้านศิลปะดนตรีทางโลกกับศิลปะเสียงร้องของคริสตจักร แนวเพลงของนักประพันธ์เพลงที่เป็นที่ชื่นชอบมากที่สุดประเภทหนึ่งคือประเภท Madrigal สังเกตว่าศิลปะดนตรีที่พัฒนาขึ้นในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอังกฤษนั้นไม่หลากหลายและสดใสเหมือนในประเทศอื่นๆ ในยุโรป

โรงเรียนภาษาฝรั่งเศสเป็นหนึ่งในโรงเรียนที่แปลกประหลาดที่สุด ที่นี่ศิลปะของเพลงพัฒนาตามกฎหมายของตัวเองและถูกเรียกว่า "ชานสัน" แน่นอนว่าไม่สามารถตีความในความหมายสมัยใหม่ได้ จากนั้นก็เป็นงานโพลีโฟนิก ไม่เกี่ยวข้องกับคริสตจักรและธีมในพระคัมภีร์ไบเบิล แต่ถึงอย่างนั้น ในชานสัน ความเกี่ยวข้องกับดนตรีพื้นบ้านและจังหวะการเต้นก็ชัดเจน

นักแต่งเพลง K. Zhaneken แสดงตัวเองอย่างสดใสโดยเฉพาะอย่างยิ่งในประเภทนี้โดยเขียนงานจำนวนมากในประเภทนี้ เขายังหันไปหาแนวเพลงอื่นๆ เช่น มวลชน โมเท็ต ฯลฯ

ผู้ปฏิบัติงานมืออาชีพในเยอรมนีในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถูกหล่อหลอมในโบสถ์ซึ่งมักจะมีอยู่ที่มหาวิหารและศาล รวมทั้งจากสมาคมสร้างสรรค์ที่เป็นรูปเป็นร่างขึ้นในหมู่ชาวเมือง นักประพันธ์เพลงชาวเยอรมันแสดงตนว่าเป็นนักพูดประสานเสียงที่มีความสามารถ และในหมู่พวกเขามีปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่หลายคน อย่างไรก็ตาม พวกเขาไม่สามารถไล่ตามเนเธอร์แลนด์หรืออิตาลีได้ในแง่นี้ ความรุ่งโรจน์ของโรงเรียนเยอรมันยังมาไม่ถึง

ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นในศิลปะดนตรีของเยอรมันคือ meistersang ซึ่งเข้ามาแทนที่ minnesang นี่คือชื่อกิจกรรมของกวี-นักร้องมืออาชีพที่เติบโตมาจากสภาพแวดล้อมแบบชาวเมือง อย่างไรก็ตามแม้ว่าพวกเขาจะเป็นมืออาชีพ แต่งานของผู้ขุดแร่รุ่นก่อนของพวกเขาก็ทำหน้าที่เป็นแนวทางด้านสุนทรียะสำหรับพวกเขา

ในสเปน ดนตรีศิลปะ แม้แต่ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาก็ไม่สามารถหลุดพ้นจากการปกครองแบบเผด็จการของคริสตจักรคาทอลิกได้ คีตกวีที่โดดเด่นของสเปนทั้งหมดอยู่บน บริการคริสตจักรและงานของพวกเขา แม้แต่งานโพลีโฟนิก ก็ยังถูกผูกมัดด้วยประเพณีที่เป็นที่ยอมรับ ในเวลาเดียวกัน พวกเขาไม่สามารถยอมรับนวัตกรรมที่เนเธอร์แลนด์และอิตาลีนำเสนอได้ ดังนั้นจึงยังคงรู้สึกถึงความพยายามที่จะก้าวไปไกลกว่างานของนักประพันธ์เพลงหลัก

ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของสเปน แนวเพลงต่าง ๆ เช่น โพลีโฟนีแห่งจิตวิญญาณ แนวเพลง (วิลันซิโกส) และโมเต็ตได้รับการพัฒนา ดนตรีสเปนโดดเด่นด้วยท่วงทำนองที่แปลกประหลาดและ villansicos - สดใสเพื่อสิ่งนั้นตัวอย่าง. โดยทั่วไป แต่ละโรงเรียน แม้ว่าจะมีสีประจำชาติของตนเอง แม้ว่าจะมีแนวโน้มการพัฒนาโดยทั่วไปโดยประมาณ

4. นักดนตรีและผลงานของพวกเขาในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

โมเต็ต มาดริกาล และมวลชน เป็นประเภทที่สำคัญที่สุดสามประเภทในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ดังนั้นชื่อของนักดนตรีที่ใหญ่ที่สุดจึงเกี่ยวข้องกับพวกเขา ในศิลปะดนตรีอิตาลี ชื่อของ Giovanni Pierluigi da Palestrina นั้นฟังดูดัง หลังจากทำงานมาทั้งชีวิตในด้านดนตรีของคริสตจักรด้วยงานของเขาเขาได้มีส่วนร่วมในการสร้างรูปแบบเช่นคาเปลลาซึ่งยังคงแพร่หลายอยู่ในปัจจุบัน ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ G. Palestrino คือ "Mass of the Pope Marcello" แม้จะมีความซับซ้อน แต่งานนี้ก็เต็มไปด้วยความชัดเจน ความบริสุทธิ์ ความกลมกลืน ซึ่งอันที่จริงแล้วเป็นคุณสมบัติหลักของสไตล์ของผู้แต่ง

ชาวอิตาลีอีกคนหนึ่งคือ Gesualdo di Venosa ยังเป็นนักแต่งเพลงที่มีผลงานมากมาย จำนวนหนังสือมาดริกาลที่เขียนโดยเขาคือหกเล่ม ผู้เขียนพยายามสำรวจโลกภายในที่ยากลำบากของบุคคลด้วยความช่วยเหลือของดนตรีเพื่อสะท้อนความรู้สึกของเขา สวมเสื้อมาดริกาลโดย G. di Venosa จำนวนมาก ตัวละครที่น่าเศร้า. ความชัดเจนและความประณีตเป็นคุณสมบัติหลักของเพลงของผู้แต่งคนนี้

Orlando di Lasso (เนเธอร์แลนด์) - อีกหนึ่งตัวแทนที่ยิ่งใหญ่ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เขาเขียนผลงานมากมาย แต่ความสำเร็จที่โดดเด่นที่สุดอย่างหนึ่งของเขาคือ Echo madrigal ซึ่งเลียนแบบเอฟเฟกต์เสียง ในดนตรีของเขา O. di Lasso สามารถถ่ายทอดการเต้น เพลง และลักษณะประจำวันของยุคสมัยของเขาได้

ตัวแทนที่ฉลาดที่สุดของดนตรีอังกฤษคือ John Dunstable ซึ่งมีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการพัฒนาโพลีโฟนีระดับชาติ เขาเป็นนักเขียนเพลงมวลชน มอเต็ต และเพลงมากมายที่ได้รับความนิยม ไม่ใช่งานทั้งหมดที่เขาเขียนจะมีชีวิตรอด แต่งานเหล่านั้นที่ยังคงเป็นพยานถึงเขาในฐานะนักแต่งเพลงที่สร้างสรรค์และอุดมสมบูรณ์

เสียงเพลงภาษาอังกฤษสามารถภาคภูมิใจในชื่อของ Thomas Morley และ John Dowland งานของคนหลังทำให้ W. Shakespeare พอใจ สันนิษฐานว่า J. Dowland เป็นผู้แต่งเพลงสำหรับบทละครของนักเขียนบทละครผู้ยิ่งใหญ่ นักแต่งเพลงแต่งเพลงสำหรับพิณและเสียง ชอบทิศทางที่น่าเศร้าในความคิดสร้างสรรค์ แต่ถึงกระนั้นเพลงตลกเรื่องหนึ่งของเขา "เทคนิคที่สวยงามของผู้หญิง" ก็ได้รับความนิยมอย่างมาก

T. Morley (นักเรียนของเขาคือ William Byrd ที่มีชื่อเสียง) โดยงานทั้งหมดของเขามีส่วนช่วยในการส่งเสริมและเผยแพร่เพลง Madrigal ของนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลี มันค่อนข้างเป็นธรรมชาติที่เขาแต่งเพลงในแนวนี้ หนึ่งในที่สุด เพลงดัง- “ที่รักและแฟนสาวของเขา - ดึงดูดใจผู้ชมด้วยความเรียบง่ายและความจริงใจ

Cristobal de Morales สร้างชื่อเสียงให้กับดนตรีสเปน งานของเขาผสมผสานประเพณีของสเปนประจำชาติเข้ากับความสำเร็จของนักประพันธ์เพลงที่ดีที่สุดของอิตาลีและเนเธอร์แลนด์ จากการสังเคราะห์นี้ เขาได้สร้างฝูงและโมเท็ตขึ้นมากมาย

เป็นนักประพันธ์เพลงชาวสเปนที่มีชื่อเสียงหลายคนและโธมัส หลุยส์ เดอ วิกตอเรีย ซึ่งไม่เพียงแต่แต่งเพลงเท่านั้น แต่ยังเป็นเจ้าของศิลปะการร้องเพลงและเล่นออร์แกนอีกด้วย เขาเขียนงานโพลีโฟนิกเกี่ยวกับการปฐมนิเทศทางจิตวิญญาณ

ในบรรดาปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสหลายคน ชื่อของ Clement Janequin นั้นโดดเด่น ผู้ยกระดับชานสันให้อยู่ในระดับที่เหมาะสม เพลงของเขามีหลากหลายรูปแบบ ท่วงทำนอง ความคิดทางดนตรี และเลียนแบบเสียง เขาพยายามถ่ายทอดชื่อเพลงแต่ละเพลงผ่านดนตรี

หากเราพูดถึงดนตรีเยอรมัน นักออร์แกนและนักประพันธ์เพลง Heinrich Schütz มีความโดดเด่นเป็นอันดับแรก เขาเป็นนักแต่งเพลงชาวเยอรมันคนแรกที่เขียนโอเปร่า เป็นบทความเกี่ยวกับตำนาน โอเปร่าถูกเรียกว่า Daphne G. Schutz ยังเขียนโอเปร่าบัลเล่ต์ซึ่งมีพื้นฐานมาจากเรื่องราวของกรีกโบราณ - Orpheus และ Eurydice เขาเขียนงานอื่น ๆ อีกมากมายในประเภทที่เล็กกว่า

นักเทววิทยาคริสเตียน มาร์ติน ลูเทอร์ มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาดนตรีเยอรมัน ซึ่งมีส่วนทำให้เกิดการปฏิรูปในด้านนี้ เนื่องด้วยความปรารถนาที่จะดึงดูดนักบวชให้มารับใช้ชาติให้ได้มากที่สุด เขาได้กำหนดข้อกำหนดใหม่สำหรับการขับร้องเพลงศักดิ์สิทธิ์ นี่คือที่มาของนักร้องประสานเสียงโปรเตสแตนต์ซึ่งกลายเป็นแนวเพลงชั้นนำในศิลปะดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของเยอรมนี (แน่นอนว่าประเภทฆราวาสไม่ได้หมายถึงที่นี่)

ดังนั้นมรดกทางดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาจึงอุดมไปด้วยเหตุการณ์ ประเภท เครื่องมือ ผลงาน และชื่อ

5. สรุป.

ดังนั้น จากทั้งหมดที่กล่าวมาทำให้เราสรุปได้หลายข้อ ที่สุด ประเทศที่แข็งแกร่งในทางดนตรี เนเธอร์แลนด์ (ตอนต้น) และอิตาลี (ตอนท้าย) ที่นั่นมีประเพณีที่มีอิทธิพลต่อกระบวนการทางดนตรีในประเทศอื่น ๆ

ขยายขอบเขตทางดนตรี สิ่งนี้เกี่ยวข้องกับทั้งนักดนตรีเองที่ย้ายไปทั่วยุโรปและสามารถอาศัยและทำงานในประเทศต่าง ๆ ในแนวเพลงที่แตกต่างกันและบางครั้งก็แตกต่างกันและดนตรีด้วย มันหยุดที่จะเป็นพระสงฆ์โดยเฉพาะ (เรากำลังพูดถึงศิลปะระดับมืออาชีพ) เนื่องจากศิลปะพื้นบ้านมีชีวิตอยู่ตลอดเวลา

นอกเหนือไปจากขอบเขตจิตวิญญาณแล้ว ดนตรีได้แทรกซึมเข้ามาในชีวิตประจำวัน และเข้าถึงได้สำหรับบุคคลทั่วไป ภาษาของเธอมีให้สำหรับผู้คน ในเวลาเดียวกัน ดนตรีกลายเป็นศิลปะที่รู้สึกถึงความเป็นเอกเทศของผู้สร้าง

ในสมัยโบราณ ดนตรีได้กลายเป็นส่วนสำคัญของวันหยุดและงานเฉลิมฉลอง ซึ่งได้รับชัยชนะอีกครั้งในยามว่างของชาวยุโรปหลังจากช่วงเวลามืดมิดของยุคกลาง

สังคมเรอเนซองส์เติมเต็มชีวิตด้วยชุดวันหยุดต่าง ๆ ซึ่งพวกเขาได้สนุกสนานร้องเพลงและเต้นรำเล่นละคร และทุกที่ ดนตรีเป็นคุณลักษณะที่ขาดไม่ได้และขาดไม่ได้

แน่นอน เถียงไม่ได้ว่าดนตรีกลายเป็นเรื่องฆราวาสเท่านั้น นี้จะผิดโดยพื้นฐาน ก่อนหน้านี้ ดนตรีของคริสตจักรได้รับความสนใจมากที่สุด นักประพันธ์เพลงได้เขียนงานร้องประสานเสียงและงานบรรเลงอันโอ่อ่า โดยเสียงของมนุษย์ได้รับการสนับสนุนจากชิ้นส่วนเครื่องดนตรีลม และถึงแม้ว่าในบางประเทศ (เช่น ในเยอรมนี) มีแนวโน้มที่จะทำให้ดนตรีของคริสตจักรง่ายขึ้น แต่ดนตรีศักดิ์สิทธิ์ส่วนใหญ่ยังคงสง่างามและซับซ้อน

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา วัฒนธรรมดนตรีได้รับการฟื้นฟูที่สำคัญ สิ่งนี้ยังนำไปใช้กับเครื่องมือและความสำเร็จใหม่ในสาขาทฤษฎีและการพัฒนาโน้ตดนตรี

แต่ความสำเร็จที่สำคัญที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในทุกด้านของกิจกรรมคือการยืนยันบุคลิกภาพของมนุษย์ความสนใจในเรื่องนี้การเปิดเผยโลกภายในอันอุดมสมบูรณ์ด้วยวิธีการทางศิลปะที่มีอยู่ทั้งหมด

6. รายการอ้างอิง

1. อเล็กซีฟ ค.ศ. ประวัติศาสตร์ศิลปะเปียโน ในสองส่วน / ค.ศ. อเล็กซีฟ. - ม.: ดนตรี, 2531. - 415 น.

2. Evdokimova Yu.K. , Simakova N.A. ดนตรีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Cantus prius factus และทำงานกับมัน / Yu.K. Evdokimova, N.A. ซิมาคอฟ - ม.: ดนตรี, 2525. - 240 น.

3. Livanova T.N. ประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปตะวันตกจนถึง พ.ศ. 2332 ใน 2 เล่ม เอ็ด ครั้งที่ 2 แก้ไขแล้ว หนังสือ. 1: ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงศตวรรษที่ 18 / T.N. ลีวานอฟ - ม.: ดนตรี, 2529. - 378 น.

4. โรเซนชิลด์ เค.เค. ประวัติดนตรีต่างประเทศ / เค.เค. โรเซนชิลด์ - ม.: ดนตรี, 2521 - 445 น.

1. แนวโน้มทั่วไปในการพัฒนาศิลปะดนตรีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
2. การศึกษาดนตรีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
3. ทฤษฎีดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทความเกี่ยวกับดนตรี.

• โครงการบูติก

1. แนวโน้มทั่วไปในการพัฒนาศิลปะดนตรีในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

XIV-XVII ศตวรรษ ในยุโรปตะวันตกกลายเป็นช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงทางสังคมครั้งสำคัญ คราวนี้เข้าสู่ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมภายใต้ชื่อยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (Renaissance) ยุคนี้มีชื่อเกี่ยวข้องกับการฟื้นคืนความสนใจในศิลปะโบราณซึ่งกลายเป็นอุดมคติสำหรับบุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมในยุคปัจจุบัน นักประพันธ์เพลงและนักทฤษฎีดนตรี (J. Tinktoris, J. Tsarlino, Glarean และอื่นๆ) ศึกษาบทความทางดนตรีกรีกโบราณ ในงานของ Josquin Despres ตามร่วมสมัย "ความสมบูรณ์แบบที่หายไปของดนตรีของชาวกรีกโบราณได้รับการฟื้นฟู"; ปรากฏขึ้นในตอนท้าย เจ้าพระยา- ต้นศตวรรษที่ 17 โอเปร่าถูกชี้นำโดยกฎแห่งละครโบราณ

การพัฒนาวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีความเกี่ยวข้องกับการเพิ่มขึ้นของทุกด้านของสังคม โลกทัศน์ใหม่ถือกำเนิดขึ้น - มนุษยนิยม (จากภาษาละติน humanus - "มนุษย์") การปลดปล่อยพลังสร้างสรรค์นำไปสู่การพัฒนาอย่างรวดเร็วของวิทยาศาสตร์ การค้า งานฝีมือ และความสัมพันธ์แบบทุนนิยมรูปแบบใหม่ในระบบเศรษฐกิจ การประดิษฐ์การพิมพ์มีส่วนทำให้การศึกษาแพร่หลาย การค้นพบทางภูมิศาสตร์ที่ยิ่งใหญ่และระบบ heliocentric ของโลกโดย N. Copernicus ได้เปลี่ยนแนวคิดเกี่ยวกับโลกและจักรวาล

ระหว่างยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปะ รวมทั้งดนตรี มีชื่อเสียงทางสังคมและแพร่หลายอย่างมาก ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาศิลปะเกือบทุกชนิดได้ออกดอกออกผลอย่างไม่ธรรมดา ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีขอบเขตลำดับเวลาไม่เท่ากันในประเทศต่างๆ ของยุโรป ในอิตาลีเริ่มในศตวรรษที่ 14 ในเนเธอร์แลนด์เริ่มในศตวรรษที่ 15 และในฝรั่งเศส เยอรมนี และอังกฤษ สัญญาณของมันปรากฏชัดเจนที่สุดในศตวรรษที่ 16 อย่างไรก็ตาม การพัฒนาความเชื่อมโยงระหว่างความแตกต่าง โรงเรียนสร้างสรรค์การแลกเปลี่ยนประสบการณ์ระหว่างนักดนตรีที่ย้ายมาจากประเทศหนึ่งไปอีกประเทศหนึ่ง ทำงานในโบสถ์ต่างๆ กลายเป็นสัญญาณของยุคสมัยและทำให้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับแนวโน้มทั่วไปของทั้งยุคได้

แนวความคิดในการฟื้นคืนอุดมคติโบราณของมนุษยนิยมและการสูญเสียตำแหน่งของพวกเขาโดยคริสตจักรแพร่กระจายไปทั่ว ชีวิตวัฒนธรรมส่งผลกระทบต่อการศึกษาดนตรีอย่างมาก การเติบโตของความสนใจในวิทยาศาสตร์นำไปสู่การแพร่กระจายของการศึกษาในด้านต่างๆ หากในยุคกลางประเพณีทางศาสนามีชัย เกือบจะปราบปรามลัทธิฆราวาสเกือบทั้งหมด (ซึ่งส่วนใหญ่อยู่ในรูปแบบของวัฒนธรรมนักดนตรี) และถือชาวบ้านภายใต้การห้ามดังนั้นในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดนตรีคริสตจักรและสาขาการศึกษาดนตรี ในขณะที่ยังคงทำงาน สูญเสียตำแหน่งของพวกเขา สาขาการผลิตดนตรีและการศึกษาดนตรีทางโลกถือว่ามีบุคลิกที่เพิ่มมากขึ้นเรื่อย ๆ ในทางกลับกัน วัฒนธรรมการทำดนตรีทางโลกก็มีความสัมพันธ์ใกล้ชิดกับวัฒนธรรมพื้นบ้าน ตัวอย่างเช่น นักดนตรีที่ผสมผสานประเพณีพื้นบ้านและฆราวาสในงานของพวกเขาในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามักเริ่มอยู่ที่ศาล ขุนนางสูงส่งงานของพวกเขากลายเป็นพื้นฐานสำหรับการพัฒนาการทำดนตรีทางโลก ระหว่างยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ดนตรีไม่เพียงแต่ทำหน้าที่ในการอุปถัมภ์เท่านั้น แม้ว่าจะมีความสำคัญในการสร้างดนตรีทางโลกด้วย เป้าหมายของการศึกษาด้านดนตรีเช่นเดียวกับความรู้ด้านศิลปะได้รับการหยิบยกขึ้นมาเช่นเดียวกับในยุคสมัยโบราณความสมบูรณ์แบบทางศีลธรรมของมนุษย์ โดยขณะนี้ การเริ่มต้นของการพิมพ์ดนตรี ความเฟื่องฟูของการทำดนตรีมือสมัครเล่น ในเวลานี้ กระบวนการคิดทบทวนสถานะทางสังคมของดนตรีได้เริ่มต้นขึ้น สไตล์และแนวเพลงเริ่มแตกต่างกันไปตามวัตถุประสงค์ทางสังคม เพลง "พื้นบ้าน" และเพลง "เรียนรู้" ปรากฏขึ้นสำหรับ "คนรักที่ไม่มีประสบการณ์" และ "หูที่ละเอียดอ่อน" สำหรับ "นายและเจ้าชาย" ด้วยความชัดเจน จึงมีแนวโน้มในการศึกษาดนตรีระดับสูง ในปี ค.ศ. 1528 มีการเขียนบทความเรื่อง "The Courtier" ที่โด่งดังของ B. Castiglione ซึ่งเป็นรหัสพฤติกรรมทางสังคมชั้นสูง คัมภีร์​ไบเบิล​ชี้​แจง​ว่า​การ​มี​การ​ร้อง​เพลง​และ​เครื่องดนตรี​เป็น​สัญญาณ​แสดง​ถึง​การ​ขัดเกลา​ฝ่าย​วิญญาณ​และ​การ​ศึกษา​ทาง​โลก​อย่าง​แท้​จริง. บทบาทที่เพิ่มขึ้นของประเพณีการศึกษาดนตรีทางโลกนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงในรูปแบบ ถ้า ประเพณีของคริสตจักรอาศัยการร้องเพลงประสานเสียงเป็นหลัก แล้วฆราวาสก็มีความสนใจในเครื่องดนตรี การร้องเพลงไม่ได้ถูกบังคับให้ออก แต่มีหลายรูปแบบ รวมทั้งการร้องเดี่ยวและการทำดนตรีทั้งมวล ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการร้องเพลงแบบโมโนโฟนิกถูกแทนที่ด้วยโพลีโฟนิกการแต่งเพลงสองและสามของคณะนักร้องประสานเสียงปรากฏขึ้นการเขียนโพลีโฟนิกในรูปแบบที่เข้มงวดถึงความสูงการแบ่งคณะนักร้องประสานเสียงออกเป็นสี่กลุ่มหลักได้รับการจัดตั้งขึ้นอย่างแน่นหนา ส่วนประสานเสียง: โซปราโน, อัลโต, เทเนอร์, เบส พร้อมกับดนตรีที่มีไว้สำหรับร้องเพลงประสานเสียงในโบสถ์ เพลงประสานเสียง (โมเท็ต บัลลาด มาดริกาล แชนสัน) ก็กำลังยืนยันสิทธิ์ของตน

กระบวนการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีที่แยกจากเสียงร้อง เกิดขึ้นอย่างรวดเร็วและรวดเร็ว การทำดนตรีบรรเลงได้รับเอกราชในฐานะสาขาดั้งเดิมของกิจกรรมของมนุษย์ เครื่องดนตรีหลัก ได้แก่ พิณ, พิณ, ขลุ่ย, โอโบ, ทรัมเป็ต, อวัยวะประเภทต่างๆ (บวก, แบบพกพา), ฮาร์ปซิคอร์ดหลากหลาย ไวโอลินเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน แต่ด้วยการพัฒนาเครื่องสายแบบใหม่ เช่น วิโอลา ทำให้ไวโอลินกลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีชั้นนำ วิโอลาอีกแบบหนึ่ง คือ วิโอลาดากัมบา พัฒนาเป็นเชลโล การเรียนรู้ที่จะเล่นเครื่องดนตรีซึ่งเริ่มขึ้นในยุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 14 และดำเนินต่อไปไม่เพียงแค่ตลอดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในยุคต่อๆ มาด้วย เป็นการแสดงออกถึงความต้องการทางจิตวิญญาณของผู้คนที่ดนตรีในโบสถ์หยุดตอบสนอง (เว็บไซต์) โดยทั่วไปสามารถระบุลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาดังต่อไปนี้: การพัฒนาอย่างรวดเร็วของดนตรีฆราวาส (การใช้แนวเพลงฆราวาสอย่างแพร่หลาย: madrigals, frotol, villanelle, "chanson" ของฝรั่งเศส, โพลีโฟนิกภาษาอังกฤษและเยอรมัน เพลง) การโจมตีในวัฒนธรรมดนตรีของคริสตจักรเก่า ซึ่งดำรงอยู่ควบคู่ไปกับฆราวาส;

แนวโน้มที่สมจริงของดนตรี: โครงเรื่องใหม่ ภาพที่สอดคล้องกับความเห็นอกเห็นใจและเป็นผลให้วิธีการใหม่ในการแสดงออกทางดนตรี

ท่วงทำนองพื้นบ้านเป็นจุดเริ่มต้นของงานดนตรี เพลงพื้นบ้านใช้เป็นเพลงประสานเสียง (เพลงหลักที่ไม่เปลี่ยนแปลงในผลงานโพลีโฟนิก) และเพลงโพลีโฟนิก (รวมถึงเพลงในโบสถ์) ท่วงทำนองจะนุ่มนวลขึ้น ยืดหยุ่นมากขึ้น ไพเราะ เป็นการแสดงออกถึงประสบการณ์ของมนุษย์โดยตรง

การพัฒนาอันทรงพลังของดนตรีโพลีโฟนิกและ "รูปแบบที่เข้มงวด" (กล่าวอีกนัยหนึ่งคือ "เสียงประสานเสียงแบบคลาสสิก" เนื่องจากเน้นที่การแสดงเสียงร้องและการร้องประสานเสียง) รูปแบบที่เข้มงวดหมายถึงการปฏิบัติตามกฎที่กำหนดไว้ จ้าวแห่งรูปแบบที่เข้มงวดเชี่ยวชาญเทคนิคของความแตกต่างการเลียนแบบและศีล การเขียนที่เข้มงวดขึ้นอยู่กับระบบของโหมดคริสตจักรไดอาโทนิก พยัญชนะครอบงำความสามัคคีการใช้ความไม่ลงรอยกันถูก จำกัด อย่างเคร่งครัดโดยกฎพิเศษ เพิ่มโหมดหลักและโหมดรอง และระบบนาฬิกา เนื้อหาพื้นฐานคือบทสวดแบบเกรกอเรียน แต่ยังใช้ท่วงทำนองของฆราวาสด้วย โดยเน้นที่พลีโฟนีของ D. Palestrina และ O. Lasso เป็นหลัก

การก่อตัวของนักดนตรีรูปแบบใหม่ - มืออาชีพที่ได้รับการศึกษาด้านดนตรีพิเศษที่ครอบคลุม แนวคิดของ "ผู้แต่ง" ปรากฏขึ้นเป็นครั้งแรก

การก่อตัวของโรงเรียนดนตรีแห่งชาติ (อังกฤษ, ดัตช์, อิตาลี, เยอรมัน, ฯลฯ );

การปรากฏตัวของนักแสดงคนแรกบนพิณ, วิโอล, ไวโอลิน, ฮาร์ปซิคอร์ด, ออร์แกน; ความเฟื่องฟูของการทำดนตรีสมัครเล่น

การถือกำเนิดของตัวอักษร

2.การศึกษาดนตรีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

เรเนซองส์เป็นเครื่องหมายแห่งการเปลี่ยนผ่านจากยุคกลางสู่ยุคใหม่ และเหนือสิ่งอื่นใด ไปสู่วัฒนธรรมของสังคมชนชั้นนายทุนยุคแรกซึ่งมีต้นกำเนิดในเมืองต่างๆ ของอิตาลี และจากนั้นก็พัฒนาในเมืองของประเทศอื่นๆ ในยุโรป วัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีลักษณะที่เห็นอกเห็นใจและยืนยันอุดมคติของบุคลิกภาพของมนุษย์ที่พัฒนาอย่างกลมกลืน ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายุติการบำเพ็ญตบะของยุคกลางโดยนำ ความสำเร็จทางวัฒนธรรมสมัยโบราณเติมความหมายใหม่

ในสมัยโบราณศิลปะถูกใช้เพื่อการศึกษาเป็นหลัก ดนตรีเนื่องจากการวางแนวคุณธรรมได้รับการพิจารณา เครื่องมือสำคัญและวัตถุประสงค์ของการศึกษาทางสังคมและดนตรีของบุคคลถูกมองว่าเป็นคุณสมบัติที่มีคุณค่าทางสังคมและเป็นตัวกำหนดของแต่ละบุคคล การศึกษาศิลปะในขณะนั้นถือเป็นพื้นฐานของการศึกษาโดยทั่วไป คำพ้องความหมายสำหรับคำว่า "ดนตรี" คือคำว่า "การศึกษา" ดนตรี วรรณกรรม ไวยากรณ์ การวาดภาพ และยิมนาสติกเป็นเนื้อหาหลักของการศึกษา ซึ่งออกแบบมาเพื่อพัฒนาความอ่อนไหวของจิตวิญญาณ ศีลธรรมของแรงบันดาลใจและความรู้สึก ตลอดจนความแข็งแกร่งและความสวยงามของร่างกาย การศึกษาสาธารณะในหมู่ชาวกรีกแยกออกไม่ได้จากการศึกษาด้านสุนทรียศาสตร์ซึ่งมีพื้นฐานมาจากดนตรี พวกเขาเข้าใจดนตรีว่าเป็นวิธีสากลและมีความสำคัญในการศึกษาสาธารณะและเป้าหมาย (Spartans, Pythagoras, Plato, Aristotle) ดังนั้นพีทาโกรัสจึงถือว่าจักรวาลเป็น "ดนตรี" เช่นเดียวกับที่รัฐ "ทางดนตรี" (กล่าวคืออย่างกลมกลืน) ที่จัดวางอย่างดีและอยู่ภายใต้ทำนองที่ "ถูกต้อง" และเนื่องจากดนตรีสะท้อนความกลมกลืน เป้าหมายสูงสุดของมนุษย์คือหน้าที่ในการทำให้ร่างกายและจิตใจของเขามีเสียงเพลง ลัทธิแห่งความกลมกลืน ความงามของร่างกายและจิตวิญญาณ ความแข็งแรง สุขภาพ การรับรู้ทางประสาทสัมผัสของชีวิตกลายเป็นหลักการของศิลปะในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา สิ่งนี้มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนารูปแบบการศึกษาด้านสุนทรียศาสตร์ อุดมคติของยุคนี้คือศิลปินที่มีการศึกษาหลากหลาย - บุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์ที่มีอิสรเสรี มีพรสวรรค์อย่างมั่งคั่ง มุ่งมั่นที่จะยืนยันความงามและความกลมกลืนในโลกรอบตัวเขา ตัวอย่างเช่น ในโรงเรียน Vittorino de Feltre ของ Mantua คนหนุ่มสาวเรียนรู้ที่จะรู้สึกถึงความกลมกลืนทางดนตรี ในการศึกษามีความสำคัญอย่างยิ่งต่อความสามารถในการร้องเพลง ผู้ก่อตั้งโรงเรียนเชื่อว่าดนตรีพัฒนาความรู้สึกของเวลาและเชื่อว่าการศึกษาประกอบด้วยก่อนอื่นในการพัฒนาความอ่อนไหวและการรับรู้และดังนั้นองค์ประกอบด้านสุนทรียศาสตร์จึงมีบทบาทสำคัญในวิธีการศึกษาของเขา

แนวคิดใหม่ๆ สะท้อนให้เห็นในบทความเกี่ยวกับการศึกษาจำนวนหนึ่ง ซึ่งแต่ละบทความได้กำหนดความหมายและบทบาทของศิลปะในการศึกษาไว้อย่างชัดเจน ในหมู่พวกเขาคือ "เกี่ยวกับคุณธรรมอันสูงส่งและวิทยาศาสตร์เสรี" โดย Paulo Vergerio "เกี่ยวกับการศึกษาของเด็กและศีลธรรมอันดีของพวกเขา" โดย Mateo Vegio "ตามลำดับการสอนและการศึกษา" โดย Battisto Guarino "บทความเกี่ยวกับการศึกษาฟรี" โดย Eneo Silvio Piccolomini และคนอื่นๆ ในสังคมชั้นสูงควบคู่ไปกับการอ่านและการเขียน มารยาททางโลกต้องการความสามารถในการเล่นเครื่องดนตรีหลายชนิด พูดได้ 5 - 6 ภาษา จากบทความของ Baldasar Castiglione เรื่อง "On the Courtier" (ศตวรรษที่สิบหก) ที่ได้กล่าวมาแล้วคุณสามารถค้นหาข้อกำหนดเกี่ยวกับขุนนางในด้านการศึกษาดนตรี: "... ฉันไม่พอใจกับข้าราชบริพารถ้าเขาเป็น ไม่ใช่นักดนตรี ไม่สามารถอ่านเพลงจากแผ่นงานและไม่รู้อะไรเลยเกี่ยวกับเครื่องดนตรีต่าง ๆ เพราะถ้าคุณคิดดีๆ คุณจะไม่สามารถหาที่พักผ่อนที่น่านับถือและน่ายกย่องจากการทำงานและการรักษาคนป่วยได้มากไปกว่าดนตรี ดนตรีเป็นสิ่งจำเป็นอย่างยิ่งในสนามเพราะนอกจากจะให้ความบันเทิงจากความเบื่อหน่ายแล้วยังให้ความสุขกับผู้หญิงมากมายซึ่งวิญญาณที่อ่อนโยนและนุ่มนวลนั้นตื้นตันด้วยความกลมกลืนและเต็มไปด้วยความอ่อนโยน แล้วเราจะพูดถึงว่าเพลงประเภทไหนที่ไพเราะ อันที่ร้องจากแผ่นอย่างมั่นใจและด้วยมารยาทที่ดี ร้องโซโลไปวิโอล เล่นคีย์บอร์ด หรือเล่นเครื่องดนตรีสี่ชิ้นที่โค้งคำนับ อย่างไรก็ตาม Castiglione ไม่มีที่ไหนเลยที่สรรเสริญเพลงโพลีโฟนิกประสานเสียงโดยเชื่อว่าเห็นได้ชัดว่ามีวัตถุประสงค์พิเศษที่โดดเด่นเท่านั้น - ในโบสถ์ในงานเฉลิมฉลองอย่างเป็นทางการ

การปฐมนิเทศทางการศึกษาแบบฆราวาสแสดงให้เห็นในการขยายขอบเขตและเนื้อหาของการศึกษาดนตรีในโรงเรียนของตำบล สถานเลี้ยงเด็กกำพร้า ตลอดจน "โรงเรียนอนุบาล" ที่ปรากฏในเวลานั้น ซึ่งเป็นที่พักพิงเฉพาะที่เด็กที่มีพรสวรรค์ทางดนตรีสามารถศึกษาได้ "เรือนกระจก" แห่งแรกปรากฏในเวนิส พวกเขาดูแลการเลี้ยงดูเด็กกำพร้า ให้การศึกษาระดับประถมศึกษา เด็กชายได้รับการสอนงานฝีมือต่างๆ และเด็กหญิงได้รับการสอนร้องเพลง วัดหลายแห่งในอิตาลีจำเป็นต้องมีคณะนักร้องประสานเสียงจำนวนมากสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงในโบสถ์ ในปี ค.ศ. 1537 ที่เมืองเนเปิลส์ นักบวชชาวสเปน จิโอวานนี ตาเปีย ได้สร้างขึ้นครั้งแรก เรือนกระจกดนตรี"Santa Maria di Loreto" ซึ่งทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับรุ่นต่อ ๆ ไป (เว็บไซต์) นักเรียนหลั่งไหลเข้ามาอย่างมากจนจำเป็นต้องเปิด "เรือนกระจก" อีกสามแห่งในเมืองเดียวกัน ในช่วงศตวรรษที่ 16 และ 17 มีการเปิดที่พักพิงหลายแห่งในอิตาลี การสอนดนตรีเริ่มเข้ามามีบทบาทหลักในพวกเขาทีละน้อย ไม่เพียงแต่นักเรียนของสถานเลี้ยงเด็กกำพร้าเท่านั้นที่สามารถเรียนได้ แต่ยังมีค่าธรรมเนียมสำหรับนักเรียนภายนอกอีกด้วย ชื่อ "เรือนกระจก" ซึ่งสูญเสียความหมายเดิมไป เริ่มหมายถึงสถาบันการศึกษาดนตรี

รูปแบบการศึกษาที่สำคัญรูปแบบหนึ่งในยุคนั้นคือโรงเรียนสอนร้องเพลงที่โบสถ์คาทอลิก - เมทริซา Metriza (ภาษาฝรั่งเศส maitre - ครู) เป็นโรงเรียนประจำดนตรีในฝรั่งเศสและเนเธอร์แลนด์ซึ่งได้รับการฝึกฝนนักร้องประสานเสียงในโบสถ์ เมตริกแรกเป็นที่รู้จักตั้งแต่ศตวรรษที่ 8 ระบบการศึกษาในโรงเรียนดังกล่าวก่อตั้งขึ้นในยุคกลาง: การศึกษาดำเนินการตั้งแต่เด็กปฐมวัยและร่วมกับวิชาการศึกษาทั่วไป รวมถึงการร้องเพลง เล่นออร์แกน และศึกษาทฤษฎีดนตรี ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 มีการเพิ่มการเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีอื่น ๆ นักร้องประมาณ 20-30 คนได้รับการฝึกฝนในแต่ละเมตริกซ์ภายใต้การแนะนำของคณะนักร้องประสานเสียง (maоtre de Chapelle) Metriza มีบทบาทสำคัญในการเผยแพร่การศึกษาด้านดนตรีระดับมืออาชีพ นักประพันธ์เพลงประสานเสียงชาวฝรั่งเศสและชาวดัตช์ที่มีชื่อเสียงหลายคน G. Dufay, J. Obrecht, J. Okeghem และคนอื่นๆ ศึกษาในเมตริกซ์

คุณลักษณะหลักของการสอนแบบเห็นอกเห็นใจคือการมุ่งเน้นไปที่การก่อตัวของบุคคลที่มีการศึกษาสมบูรณ์ทางศีลธรรมและทางร่างกายที่มีการวางแนวทางสังคมที่กำหนดไว้อย่างชัดเจนซึ่งแสดงออกในลักษณะการปฏิบัติของการศึกษาดนตรี รูปแบบหลักของการทำดนตรี ได้แก่ โบสถ์ ร้านเสริมสวย โรงเรียน และที่บ้าน โดยธรรมชาติแล้ว ระดับและความเป็นไปได้ของการศึกษาดนตรีในชั้นต่างๆ ของสังคมนั้นแตกต่างกัน การศึกษาแบบองค์รวมการพัฒนาความสามัคคีมีให้สำหรับชนกลุ่มน้อยทางสังคมเป็นหลัก ในชั้นสังคมระดับบนของสังคม ธรรมชาติของการศึกษาด้านดนตรีที่นำไปใช้ได้จริงค่อยๆ เสื่อมลงไปสู่การปฏิบัติได้จริง ทำให้เกิดทัศนคติเชิงปฏิบัติต่อดนตรี เนื่องมาจากการพิจารณาแฟชั่น ศักดิ์ศรี ประโยชน์ใช้สอย ฯลฯ การร้องเพลงในโบสถ์ เทศกาลพื้นบ้าน งานคาร์นิวัลยังคงเป็นรูปแบบของความคุ้นเคยในเสียงดนตรี โดยทั่วไป การสอนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการปลุกความสนใจของนักเรียนในความรู้ การพัฒนาทักษะและความสามารถในทางปฏิบัติ โรงเรียนปรากฏขึ้นซึ่งสร้างบรรยากาศของการเรียนรู้ซึ่งทำให้กระบวนการรับรู้เป็นกิจกรรมที่สนุกสนานและน่าสนใจสำหรับนักเรียนเอง ในช่วงเวลานี้ การแสดงภาพสัตว์ทุกชนิด เกม บทเรียนในอกของสัตว์ป่าถูกนำมาใช้อย่างแพร่หลาย การมีส่วนร่วมอย่างมากในการสอนทั่วไปเกิดขึ้นโดยนักสังคมนิยมยูโทเปียยุคแรก T. More (1478-1535) และ T. Campanella (1568-1639), E. Rotterdam (1466-1536), Fr. ราเบเลส์ (1494-1553) สิ่งสำคัญอย่างยิ่งสำหรับการพัฒนาดนตรี การศึกษา และการเผยแพร่ผลงานดนตรีในประเทศต่างๆ คือการประดิษฐ์การพิมพ์ดนตรีและการเผยแพร่สิ่งพิมพ์ทางดนตรีตั้งแต่ช่วงปีแรกๆ ของศตวรรษที่ 16 Ottaviano Petrucci ในอิตาลีเริ่มเผยแพร่ผลงานของ Josquin Despres, Obrecht และผลงานของผู้ร่วมสมัยอื่น ๆ ผลงานเพลงที่เป็นแบบอย่างฉบับแรกของเขาคือคอลเล็กชันของชานสันที่เรียกว่าเพลง Harmoniae Odhecaton รวมถึงผลงานดัดแปลงจากผู้แต่งหลายคนในเพลงเดียวกัน (เช่น "การตั้งถิ่นฐานของ Fors") รวมถึงผลงานของ Bunois, Obrecht, Pierre de La Rue, Agricola, Giselin ต่อจากนั้น Petrucci ได้เปิดตัวคอลเล็กชั่นเพลงโพลีโฟนิกของอิตาลีจำนวนหนึ่ง - frotol ซึ่งใช้กันอย่างแพร่หลายในสังคม Ottaviano Scotto และ Antonio Gardane ในเวนิส, Pierre Attenian ในปารีส, Tilman Susato ใน Antwerp ก็กลายเป็นผู้จัดพิมพ์เพลงรายใหญ่ในยุคนั้น

• ทฤษฎีดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทความเกี่ยวกับดนตรี

ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ทฤษฎีดนตรีได้ก้าวไปข้างหน้า โดยเสนอนักทฤษฎีที่โดดเด่นจำนวนหนึ่ง รวมทั้ง Johannes Tinctoris (ผู้เขียนบทความเกี่ยวกับดนตรี 12 เรื่อง), Ramos di Pareja, Heinrich Loriti จาก Glarus ( กลาเรียน)(ผู้ก่อตั้งหลักคำสอนของท่วงทำนอง) โจเซฟโฟ คาร์ลิโน(หนึ่งในผู้ก่อตั้งศาสตร์แห่งความสามัคคี) สอนเรื่องเฟรต ประชาสัมพันธ์ ความรู้ด้านดนตรี, การตัดสินเกี่ยวกับนักประพันธ์เพลงหลักของเวลานั้นและเกี่ยวกับการพัฒนาดนตรีในศตวรรษที่ 15-16, ความสนใจในการตื่นขึ้นในลักษณะพิเศษของศิลปะพื้นบ้าน, การอภิปรายปัญหาของการแสดงดนตรี - พื้นที่เหล่านี้ถูกครอบคลุมโดยวิทยาศาสตร์ดนตรีจาก ปลายศตวรรษที่ 15 และตลอดศตวรรษที่ 16 นักทฤษฎีหลักทุกคนกระตือรือร้นในการสอน

โยฮันเนส (จอห์น) ทิงทอริส(ค.ศ. 1435 - 1511) - นักทฤษฎีและนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส-เฟลมิช เขาศึกษา "ศิลปศาสตร์" และกฎหมาย เป็นที่ปรึกษาของคณะนักร้องประสานเสียงชายแห่งมหาวิหารชาตร์ ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1472 เขารับใช้ที่ราชสำนักของกษัตริย์ชาวเนเปิลส์เฟอร์ดินานด์ที่ 1 เป็นครูสอนดนตรีของเบียทริซลูกสาวของเขาซึ่งในปี 1476 ได้กลายเป็นราชินีแห่งฮังการี ทิงคตอริสอุทิศบทความเชิงทฤษฎีดนตรีสามชิ้นให้กับนักเรียนเบียทริซ ซึ่งรวมถึงบทความดีเทอร์มิแนนต์ของดนตรีที่มีชื่อเสียง เป็นที่ทราบกันว่าในปี ค.ศ. 1487 เฟอร์ดินานด์ฉันส่งทิงคตอริสไปยังฝรั่งเศสถึงพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 8 พร้อมคำแนะนำในการรับสมัครนักร้องสำหรับโบสถ์น้อยแห่งราชวงศ์ แม้แต่ในช่วงชีวิตของเขา ทิงคอริสยังมีชื่อเสียงโด่งดัง เขายังถูกกล่าวถึงมากที่สุดอีกด้วย นักดนตรีชื่อดัง. บทความของ Tinctoria รอดชีวิตมาได้ 12 บทความ ซึ่งบทความที่มีชื่อเสียงที่สุดคือบทความเรื่อง "Determinant of Music" ("Terminorum musicae diffinitorum", ca. 1472-73)

พจนานุกรมศัพท์ดนตรีที่เป็นระบบชุดแรกในประวัติศาสตร์ดนตรีที่มีคำศัพท์ประมาณ 300 คำ เราแสดงรายการผลงานที่เหลือของ Tincoris:

บทความ "ผลรวมของผลกระทบของดนตรี" ("Complexus effectuum musices, ca. 1473-74) เป็นการจัดหมวดหมู่และคำอธิบายที่มีสีสันของจุดประสงค์ของดนตรี

บทความ "สัดส่วนทางดนตรี" ("ดนตรีตามสัดส่วน" ประมาณปี 1473-74) ได้พัฒนาหลักคำสอนโบราณของพีทาโกรัสเรื่องพื้นฐานเชิงตัวเลขของศิลปะดนตรี Tinktoris นำความซับซ้อนของความสัมพันธ์ตามจังหวะของประจำเดือนมาจนถึงขีดสุด Tinktoris มาที่จังหวะในสัดส่วน 7:4, 8:5, 17:8, 13:5, 14:5 (สอดคล้องกับจังหวะต่อเนื่องของศตวรรษที่ 20)

- “หนังสือความไม่สมบูรณ์ของโน้ตดนตรี” (“Liber imperfectionum notarum musicalium”, ca. 1474-75); (เว็บไซต์)

บทความเกี่ยวกับกฎของค่าหมายเหตุ (Tractatus de Regulari valore notarum, c. 1474-75) และบทความเกี่ยวกับ Notes and Rests (Tractatus de notis et pausis, c. 1474-75) อุทิศให้กับองค์กร metrorhythmic ของ ดนตรี.

- “จองเกี่ยวกับธรรมชาติและคุณสมบัติของโหมด” (“Liber de natura et proprietate tonorum”, 1476)

เกี่ยวกับโครงสร้างของระบบกิริยา

- "หนังสือเกี่ยวกับศิลปะแห่งความแตกต่าง" ("Liber de arte contrapuncti", 1477)

หลักคำสอนพื้นฐานขององค์ประกอบที่ขัดแย้งกัน ซึ่งสรุป "กฎทั่วไป 8 ข้อของความแตกต่าง" แยกแยะความแตกต่างระหว่างจุดหักเหที่ "เรียบง่าย" และ "ดอกไม้" ความแตกต่างระหว่างงานที่มีข้อความคงที่และกับสิ่งที่ด้นสด ฯลฯ );

- "ตำราเกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลง" ("Tractatus alterationum" หลังปี 1477);

- "บทความเกี่ยวกับประเด็นดนตรี" ("Scriptum super punctis musicibus" หลัง 1477) - เกี่ยวกับจังหวะ;

- "คำอธิบายของมือ" ("Guidon's") ("Expositio manus" หลัง ค.ศ. 1477) - เกี่ยวกับเสียงของระบบดนตรี

- “เกี่ยวกับการประดิษฐ์และการประยุกต์ใช้ดนตรี” (“De Invente et usu musicae”, 1487) - เกี่ยวกับการร้องเพลงและนักร้อง เครื่องดนตรีและนักแสดง
Tinctoris คนแรกที่แนะนำแนวคิดของ "ผู้แต่ง" นั่นคือผู้แต่ง "ผู้เขียน cantus ใหม่"

หนึ่งในนักวิชาการดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - Glarean(1488 - 1563) เขาเป็นเจ้าของบทความ "The Twelve Strings" (1547) Glarean เกิดในสวิตเซอร์แลนด์และเรียนศิลปะที่มหาวิทยาลัยโคโลญ การเป็นปรมาจารย์ ศิลปศาสตร์สอนภาษาบาเซิล กวีนิพนธ์ ดนตรี คณิตศาสตร์ กรีก และ ภาษาละติน. ที่เมืองบาเซิล เขาได้พบกับอีราสมุสแห่งร็อตเตอร์ดัม Glarean แย้งว่า ดนตรีควรอยู่นอกเหนือการสอนศาสนาเช่นเดียวกับการวาดภาพ เหนือสิ่งอื่นใด ความสุขคือ "มารดาแห่งความสุข" Glarean แสดงให้เห็นถึงข้อดีของดนตรีโมโนดิกที่สัมพันธ์กับโพลีโฟนี ในขณะที่เขาพูดถึงนักดนตรีสองประเภท: โฟนาสและซิมโฟนี อันแรกมีแนวโน้มตามธรรมชาติในการแต่งทำนอง อย่างที่สอง - เพื่อพัฒนาเมโลดี้สำหรับเสียงสอง สามเสียงขึ้นไป เขายืนยันแนวคิดเรื่องความสามัคคีของดนตรีและกวีนิพนธ์ การแสดงบรรเลงและข้อความ ในทฤษฎีดนตรี Glarean ได้ยืนยันแนวคิดของวิชาเอกและวิชารอง และพูดคุยเกี่ยวกับระบบเสียงสิบสองโทน นอกจากนี้ นอกเหนือจากปัญหาของทฤษฎีดนตรีแล้ว นักทฤษฎียังพิจารณาประวัติศาสตร์ของดนตรี การพัฒนา แต่ภายในกรอบของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเท่านั้น โดยไม่สนใจดนตรีในยุคกลาง Glarean ศึกษาผลงานของนักประพันธ์เพลงร่วมสมัย Josquin Despres, Obrecht, Pierre de la Rue

รามอส ดิ ปาเรจา(1440-1490) - นักทฤษฎี นักแต่งเพลง และอาจารย์ชาวสเปน เขาทำงานส่วนใหญ่ในอิตาลี ในช่วงทศวรรษ 1470 เขาเป็นที่รู้จักในฐานะนักทฤษฎีและครูสอนดนตรีที่มีอำนาจ ปากกาของเขาอยู่ในบทความ "ดนตรีเชิงปฏิบัติ" ("Musica Practica") บทความนี้ก่อให้เกิดความขัดแย้งและการวิพากษ์วิจารณ์จากนักทฤษฎีชาวอิตาลีหัวโบราณ Ramos di Pareja แสดงความคิดเห็นของเขาเกี่ยวกับหลักคำสอนของโหมดและพยัญชนะ เขาเปรียบเทียบระบบยุคกลางของมาตราส่วนหกขั้นตอน (แฉก) กับมาตราส่วนหลักแปดขั้นตอน ลำดับที่สามและหกเป็นพยัญชนะ (ตามความคิดเก่า มีเพียงอ็อกเทฟและส่วนห้าเท่านั้นที่เป็นพยัญชนะ) ในสาขาหลักคำสอนของจังหวะและสัญกรณ์ Ramos di Pareja โต้เถียงกับโคตร Tinctoris และ Gafuri ซึ่งเป็นผู้สนับสนุนสัญกรณ์ประจำเดือน

นักทฤษฎีและนักแต่งเพลงชาวอิตาลีดีเด่น โจเซฟโฟ คาร์ลิโน(ค.ศ. 1517-1590) เป็นสมาชิกคณะฟรังซิสกัน ศึกษาภาษาศาสตร์ ประวัติศาสตร์ คณิตศาสตร์ Tsarlino ศึกษาดนตรีกับนักแต่งเพลงชื่อดัง Adrian Villaerta (Villart) Carlino มีความเกี่ยวข้องกับ ศิลปินดีเด่นในยุคของเขา โดยเฉพาะกับ Titian และ Tintoretto Zarlino เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางเป็นสมาชิกของ Venice Academy of Glory ในปี ค.ศ. 1565 ซาร์ลิโนได้รับตำแหน่งผู้อำนวยการดนตรีของ St. ยี่ห้อ. โพสต์ที่สำคัญนี้อนุญาตให้ Zarlino มีส่วนร่วมไม่เพียง แต่ในการจัดองค์ประกอบเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานเขียนเชิงทฤษฎีด้วยเช่น "Establishments of Harmony" (1588), "Proof of Harmony" (1571), "Musical Additions" (1588) ผลงานที่สำคัญที่สุดของ Zarlino คือบทความ "Establishment of Harmony" ซึ่งเขาได้แสดงหลักการพื้นฐานของสุนทรียศาสตร์ทางดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เช่นเดียวกับนักคิดส่วนใหญ่ในยุคนี้ ซาร์ลิโนเป็นผู้ชื่นชอบ สุนทรียศาสตร์โบราณ. งานเขียนของเขามีการอ้างอิงถึงเพลโต, อริสโตเติล, อริสโตซีนัส, ควินติเลียน, โบเอเธียส มากมาย ซาร์ลิโนใช้คำสอนของอริสโตเติลอย่างกว้างขวางทั้งในรูปแบบและสสารทั้งในการตีความปัญหาทางดนตรีจำนวนหนึ่งและในการสร้างโครงสร้างของบทความของเขา

ศูนย์กลางของสุนทรียศาสตร์ของ Zarlino คือหลักคำสอนของธรรมชาติ ความสามัคคีทางดนตรี. เขาอ้างว่าโลกทั้งใบเต็มไปด้วยความสามัคคีและจิตวิญญาณของโลกนั้นมีความกลมกลืน ในเรื่องนี้เขาตีความแนวคิดเรื่องเอกภาพของจักรวาลขนาดเล็กและมหภาค ในบทความของซาร์ลิโน แนวคิด คุณลักษณะของสุนทรียศาสตร์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา สัดส่วนของความกลมกลืนตามวัตถุประสงค์ของโลก และความกลมกลืนเชิงอัตวิสัยที่มีอยู่ในจิตวิญญาณมนุษย์ ได้รับการพัฒนาอย่างเป็นระบบ ในการพิสูจน์ความคิดนี้ Zarlino อาศัยหลักคำสอนเรื่องอารมณ์ที่เป็นที่นิยมในสมัยของเขา เขาใช้แนวคิดที่มาจากคาร์ดาโนและเทเลซิโอว่าอารมณ์ของบุคคลนั้นเกิดจากอัตราส่วนขององค์ประกอบทางวัตถุ เช่น เย็นและร้อน เปียกและแห้ง เป็นต้น อัตราส่วนตามสัดส่วนขององค์ประกอบเหล่านี้รองรับทั้งความสนใจของมนุษย์และความกลมกลืนทางดนตรี . ดังนั้นกิเลสตัณหาของมนุษย์จึงเป็นภาพสะท้อนของ "ร่างกาย" ของความสามัคคี สิ่งเหล่านี้คือความคล้ายคลึงกัน บนพื้นฐานนี้ ซาร์ลิโนพยายามอธิบายธรรมชาติของผลกระทบของดนตรีที่มีต่อจิตใจมนุษย์ บทความของ Zarlino ให้ความสำคัญกับบุคลิกภาพของนักแต่งเพลงเป็นอย่างมาก มันต้องการความรู้จากทฤษฎีดนตรี ไวยากรณ์ เลขคณิต วาทศาสตร์ และทักษะเชิงปฏิบัติในสาขาดนตรีจากเขา อุดมคติของเขาคือนักดนตรีที่เชี่ยวชาญทั้งทฤษฎีและการฝึกฝนดนตรีอย่างเท่าเทียมกัน

ในบทความของเขา ซาร์ลิโนเสนอการจัดประเภทศิลปะใหม่ ซึ่งแตกต่างจากแนวคิดดั้งเดิมในด้านสุนทรียศาสตร์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ตามกฎแล้วบทบาทนำในยุคนี้ได้รับมอบหมายให้วาดภาพในขณะที่ดนตรีได้รับการยอมรับว่าเป็นศิลปะรอง ซาร์ลิโนทำลายระบบการจัดหมวดหมู่ศิลปะที่กำหนดไว้แล้ววางดนตรีไว้เป็นอันดับแรก การพัฒนาทฤษฎีแบบแผนดั้งเดิมของโหมด Zarlino ได้ให้ลักษณะที่สวยงามของหลักและรอง, การกำหนด เมเจอร์ไตรอย่างสนุกสนานและสดใสและเล็กน้อย - เศร้าและเศร้าโศก ดังนั้นการรับรู้ของรายใหญ่และรายย่อยเป็นเสาอารมณ์หลักของความสามัคคีทางดนตรีจึงเป็นที่ยอมรับในจิตสำนึกทางดนตรีของยุโรปในที่สุด สุนทรียศาสตร์ของซาร์ลิโนเป็นจุดที่สูงที่สุดในการพัฒนาทฤษฎีดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและในเวลาเดียวกันผลลัพธ์และความสมบูรณ์ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่แม้ในช่วงชีวิตของเขา Tsarlino ได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางจากโคตรของเขา

บรรณานุกรม:

1. อเล็กซีฟ ค.ศ. ประวัติศาสตร์ศิลปะเปียโน ตอนที่ 1 และ 2 - ม., 2531.
2. Bakhtin M. M. ความคิดสร้างสรรค์ของ Francois Rabelais และวัฒนธรรมพื้นบ้านของยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - ครั้งที่ 2 - ม., 1990.
3. Gertsman E. ความคิดทางดนตรีโบราณ - ล., 1986.
4. กรูเบอร์ อาร์.ไอ. วัฒนธรรมดนตรีของโลกยุคโบราณ - ล., 2480.
5. Evdokimova Yu.K. , Simakova N.A. ดนตรีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - ม., 2528.
6. Krasnova O. B. สารานุกรมศิลปะยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - Olma-Press, 2002.
7. Losev A.F. สุนทรียศาสตร์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - ม.: ความคิด, 2521.
8. สุนทรียภาพทางดนตรีของยุโรปตะวันตกยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา - ม., 2509.
9. Fedorovich E.N. ประวัติการศึกษาดนตรี - เยคาเตรินเบิร์ก 2546

ในปี ค.ศ. 1501 โรงพิมพ์ชาวเวนิส Ottaviano Petrucci ได้ตีพิมพ์ Harmonice Musices Odhecaton ซึ่งเป็นคอลเล็กชั่นเพลงสากลรายใหญ่ชุดแรก มันเป็นการปฏิวัติในการเผยแพร่ดนตรีและยังมีส่วนทำให้ความจริงที่ว่าสไตล์ Franco-Flemish กลายเป็นภาษาดนตรีที่โดดเด่นของยุโรปในศตวรรษหน้าเนื่องจากในฐานะชาวอิตาลี Petrucci ได้รวมเพลงของนักประพันธ์เพลง Franco-Flemish เป็นหลัก ในคอลเลกชันของเขา ต่อจากนั้น เขาได้ตีพิมพ์ผลงานและนักประพันธ์เพลงชาวอิตาลีมากมาย ทั้งทางโลกและทางจิตวิญญาณ ในปี ค.ศ. 1516 Andrea Antico เครื่องพิมพ์ชาวโรมันชาวเวนิสได้ตีพิมพ์ชุดแป้นพิมพ์สำหรับคีย์บอร์ด

ในศตวรรษที่ 18 ฝรั่งเศสมีพื้นที่มากกว่า 400 เมตร ในระหว่าง การปฏิวัติชนชั้นนายทุนในปี ค.ศ. 1791 พวกเขาถูกยกเลิก

บทที่ 1 ลักษณะของวัฒนธรรมดนตรีและศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

1.1 ลักษณะทางปรัชญาและสุนทรียภาพของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหรือยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (fr. renaissance) เป็นจุดเปลี่ยนในประวัติศาสตร์ของชาวยุโรปซึ่งเป็นช่วงเวลาแห่งการค้นพบที่ยิ่งใหญ่ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นจุดเริ่มต้นของเวทีใหม่ในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก ระยะนี้ดังที่เอฟ. เองเกลส์ระบุไว้ เป็นการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ที่สุดของมนุษยชาติทั้งหมดที่เคยประสบมาจนถึงเวลานั้น และแท้จริงแล้ว ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้นำมาซึ่งการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญใน พื้นที่ต่างๆเศรษฐกิจ วิทยาศาสตร์ วัฒนธรรม เปิดวิถีใหม่แห่งการทำความเข้าใจโลกและกำหนดสถานที่ของมนุษย์ในนั้น

ในอิตาลี แนวโน้มใหม่ปรากฏขึ้นแล้วในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 13-14 ในประเทศอื่นๆ ในยุโรป - ในศตวรรษที่ 15-16 เวลานี้มีลักษณะเฉพาะโดย: การเปลี่ยนจากศักดินาไปสู่ระบบทุนนิยม การค้นพบทางภูมิศาสตร์ การค้า กิจการส่วนตัว การปลดปล่อยมนุษย์จากข้อจำกัดทางชนชั้น และในยุคเรอเนซองส์ วิทยาศาสตร์สมัยใหม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งวิทยาศาสตร์ธรรมชาติถือกำเนิดขึ้น เพียงพอที่จะระลึกถึงการคาดเดาทางวิทยาศาสตร์อันยอดเยี่ยมของเลโอนาร์โด ดา วินชี รากฐานของฟรานซิส เบคอน ทฤษฎีทางดาราศาสตร์ของโคเปอร์นิคัส การค้นพบทางภูมิศาสตร์ของโคลัมบัสและมาเจลลัน

ไม่ต้องสงสัย ทั้งหมดนี้ไม่สามารถส่งผลกระทบต่อธรรมชาติของโลกทัศน์ได้ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือการปฏิวัติ ประการแรก ในระบบค่านิยม ในการประเมินทุกสิ่งที่มีอยู่และสัมพันธ์กับมัน มีความเชื่อว่าบุคคลมีค่าสูงสุด ปรัชญาของมนุษยนิยมถือกำเนิดขึ้น มนุษยนิยมนำเสนอการตีความใหม่อย่างสมบูรณ์เกี่ยวกับหมวดหมู่สุนทรียศาสตร์ซึ่งเติบโตบนพื้นฐานของความเข้าใจใหม่ของโลก

หนึ่งในหมวดหมู่กลางคือแนวคิดของ "ความสามัคคี" สุนทรียศาสตร์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาพัฒนาแนวคิดเรื่องความสามัคคีที่แตกต่างกันโดยอาศัยความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับธรรมชาติความเป็นอยู่และมนุษย์ หากยุคกลางเห็นความกลมกลืนอย่างเรียบง่ายของอุดมคติหลักการสร้างสรรค์ความงามอันศักดิ์สิทธิ์จากนั้นในจิตสำนึกด้านสุนทรียศาสตร์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาความกลมกลืนจะปรากฏขึ้นก่อนอื่นเนื่องจากการพัฒนาศักยภาพเชิงสร้างสรรค์ของธรรมชาติเองเป็นวิภาษ ความสามัคคีของร่างกายและจิตวิญญาณอุดมคติและวัสดุ

นักมนุษยนิยมค้นหาอุดมคติของบุคคลที่กลมกลืนกันในสมัยโบราณ และศิลปะกรีกและโรมันโบราณเป็นแบบอย่างสำหรับความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะของพวกเขา อย่างไรก็ตาม เมื่อพูดถึงสุนทรียศาสตร์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา จำเป็นต้องสังเกตว่าถึงแม้จะได้รับการสนับสนุนในสมัยโบราณ แต่ก็ยังแตกต่างไปจากเดิม สุนทรียศาสตร์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาบอกเล่าถึงการเลียนแบบธรรมชาติไม่เลวร้ายไปกว่าสิ่งโบราณ แต่เมื่อมองดูทฤษฎีการเลียนแบบแห่งการฟื้นฟูเหล่านี้ เราสังเกตได้ด้วยว่าเบื้องหน้านั้นไม่ได้เป็นธรรมชาติมากเท่ากับศิลปิน บุคลิกภาพของเขา และความรู้สึกของเขา ประการแรกศิลปินเลือกกระบวนการทางธรรมชาติบางอย่างบนพื้นฐานของรสนิยมทางสุนทรียะของตัวเองจากนั้นจึงนำไปแปรรูปเป็นงานศิลปะ นักทฤษฎีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสามารถติดตามการเปรียบเทียบต่อไปนี้: ศิลปินต้องสร้างเมื่อพระเจ้าสร้างโลก และสมบูรณ์แบบยิ่งกว่านั้น

ดังนั้นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาโดยใช้บทเรียนจากสมัยโบราณจึงได้แนะนำนวัตกรรม เขาไม่ได้ทำให้แนวเพลงโบราณทั้งหมดกลับมามีชีวิตอีกครั้ง แต่เฉพาะประเภทที่สอดคล้องกับแรงบันดาลใจของเวลาและวัฒนธรรมของเขาเท่านั้น ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาผสมผสานการอ่านสมัยโบราณกับการอ่านศาสนาคริสต์ในรูปแบบใหม่ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยานำหลักการพื้นฐานของวัฒนธรรมยุโรปทั้งสองนี้เข้ามาใกล้กันมากขึ้น

พระเจ้าไม่ได้กำหนดตำแหน่งของมนุษย์ในลำดับชั้น Pico กล่าวในการปราศรัยที่มีชื่อเสียงของเขาเกี่ยวกับศักดิ์ศรีของมนุษย์: คุณมีความยินยอมของคุณเองตามความประสงค์และการตัดสินใจของคุณ ภาพลักษณ์ของการสร้างสรรค์อื่น ๆ ถูกกำหนดภายในขอบเขตของกฎหมายที่เราได้กำหนดขึ้น แต่คุณจะไม่ถูกจำกัดด้วยข้อจำกัดใดๆ จะกำหนดภาพลักษณ์ของคุณตามการตัดสินใจของคุณในอำนาจที่ฉันปล่อยให้คุณไป ที่นี่นักคิดชาวอิตาลีวางบุคคลไว้ที่ศูนย์กลางของโลก นี่คือบุคคลที่ไม่มีธรรมชาติพิเศษเป็นของตัวเอง เขาต้องสร้างมันขึ้นมาเองเหมือนกับทุกสิ่งที่อยู่รอบตัวมัน

ดังนั้น สิ่งสำคัญในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือการส่งเสริมและยอมรับบุคลิกภาพของมนุษย์ในวัฒนธรรมและสังคม ซึ่งส่งผลให้เกิดรูปแบบต่างๆ ของมานุษยวิทยาฟื้นฟู มานุษยวิทยานำหน้าไม่เพียง แต่บุคคลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงบุคคลในฐานะหลักการที่กระตือรือร้นและกระตือรือร้น อันเป็นผลมาจากการยืนยันหลักการสร้างสรรค์ที่สร้างสรรค์และใช้งานได้จริง รูปภาพใหม่ของบุคคลก็เริ่มปรากฏขึ้นทีละน้อย รูปแบบใหม่ของเขา - "โฮโมเฟเบอร์" - "ผู้สร้างมนุษย์", "ผู้สร้างมนุษย์" มันอยู่ในนั้นที่การก่อตัวของรากฐานของความรู้สึกใหม่ของบุคลิกภาพแบบยุโรปเกิดขึ้น - บุคลิกภาพปัจเจกที่เป็นอิสระ, ตระหนักถึงคุณค่าของตัวเอง, คล่องแคล่วและต้องการเสรีภาพ นับแต่นี้เป็นต้นไป บุคลิกภาพของมนุษย์ ไม่ใช่โลก ไม่ใช่ทั้งหมด กลายเป็นจุดเริ่มต้นของการสร้างระบบการรับรู้โลกเป็นครั้งแรก

ด้วยความสว่างเป็นพิเศษ สัญญาณของโลกทัศน์ใหม่จึงปรากฏขึ้นและก่อตัวขึ้นในความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ ในขบวนการก้าวหน้าของศิลปะต่างๆ ซึ่ง "การปฏิวัติทางจิตใจ" ที่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้สร้างขึ้นนั้นมีความสำคัญอย่างยิ่ง

ในยุคเรอเนซองส์ ศิลปะมีบทบาทพิเศษในวัฒนธรรมและส่วนใหญ่กำหนดใบหน้าของยุคนั้น ไม่ต้องสงสัยเลยว่าลัทธิมนุษยนิยมในความเข้าใจ "นักฟื้นฟู" นั้นได้เติมพลังที่สดใหม่มหาศาลให้กับศิลปะในยุคนั้น เป็นแรงบันดาลใจให้ศิลปินค้นหาหัวข้อใหม่ๆ และกำหนดธรรมชาติของภาพและเนื้อหาของงานเป็นส่วนใหญ่ เพื่อการเปลี่ยนแปลง วัฒนธรรมยุคกลางมีวัฒนธรรมใหม่ทางโลกที่มีมนุษยนิยมที่ปราศจากหลักคำสอนของคริสตจักรและนักวิชาการ

ศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีลักษณะเฉพาะด้วยการยืนยันหลักการของสัจนิยมและมนุษยนิยมในวรรณคดี ละครเวที และวิจิตรศิลป์ ศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นประการแรก ศิลปะทางโลกที่เกิดขึ้นบนพื้นฐานของมนุษยนิยม ซึ่งเข้ามาแทนที่ความคิดทางศาสนาและกระตุ้นความสนใจในชีวิตจริง เผยให้เห็นถึงอัตลักษณ์ปัจเจกปัจเจกบุคคล และเผยให้เห็นลักษณะทั่วไปและลักษณะเฉพาะของสังคมในสังคม บุคคล.

รูปแบบศิลปะที่สำคัญทั้งหมด - ภาพวาด กราฟิก ประติมากรรม สถาปัตยกรรม ดนตรี - กำลังเปลี่ยนแปลงอย่างมาก การวิเคราะห์อนุสรณ์สถานทางวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นพยานถึงการจากไปของหลักการที่สำคัญที่สุดหลายประการของโลกทัศน์ศักดินา ในการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะ ผู้ซึ่งค่อยๆ ปลดปล่อยตัวเองจากอุดมการณ์ของคริสตจักร สิ่งที่มีค่าที่สุดคือมุมมองทางศิลปะที่เฉียบคมในสิ่งต่างๆ ความเป็นอิสระทางวิชาชีพ ทักษะพิเศษ และการสร้างสรรค์ของเขาได้รับลักษณะที่พอเพียงและไม่ใช่ตัวละครที่ศักดิ์สิทธิ์

ลักษณะเฉพาะศิลปะแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นภาพวาดที่เหมือนจริงอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน ภาพเหมือนจริงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีความเกี่ยวข้องกับผลงานของศิลปินที่มีชื่อเสียงเช่น Jan van Eyck, Leonardo da Vinci, Raphael, Dürer, Titian ภาพบุคคลเต็มไปด้วยความน่าสมเพชของการยืนยันของแต่ละบุคคล จิตสำนึกว่าความหลากหลายและความสว่างของบุคคลเป็นคุณลักษณะที่จำเป็นของสังคมที่กำลังพัฒนาตามปกติ ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการที่การวาดภาพเป็นครั้งแรกเผยให้เห็นถึงความเป็นไปได้ที่มีอยู่ในนั้นสำหรับการครอบคลุมชีวิตในวงกว้าง การพรรณนาถึงกิจกรรมของมนุษย์และสภาพแวดล้อมโดยรอบ การบำเพ็ญตบะในยุคกลางและการดูถูกทุกสิ่งในโลกนี้กำลังถูกแทนที่ด้วยความสนใจในโลกแห่งความเป็นจริง ในมนุษย์ ในจิตสำนึกของความงามและความยิ่งใหญ่ของธรรมชาติ

ควรสังเกตว่าการพัฒนาวิทยาศาสตร์มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการวาดภาพและศิลปะโดยทั่วไป ในศิลปะ เส้นทางของความเข้าใจทางวิทยาศาสตร์และศิลปะของโลกและมนุษย์เริ่มเชื่อมโยงกัน ภาพลักษณ์ที่แท้จริงของโลกและมนุษย์ต้องตั้งอยู่บนความรู้ของพวกเขา ดังนั้น หลักการทางปัญญาจึงมีบทบาทสำคัญในศิลปะของเวลานี้ ความหลงใหลในวิทยาศาสตร์มีส่วนทำให้เกิดความเชี่ยวชาญด้านกายวิภาคของมนุษย์ การพัฒนามุมมองที่สมจริง การถ่ายทอดสภาพแวดล้อมทางอากาศอันน่าทึ่ง ทักษะในการสร้างมุม ทั้งหมดที่จำเป็นสำหรับจิตรกรในการพรรณนาบุคคลและความเป็นจริงรอบตัวเขาอย่างแท้จริง ผลิต ระบบใหม่วิสัยทัศน์ทางศิลปะของโลก บนพื้นฐานของความไว้วางใจในการรับรู้ทางประสาทสัมผัสของมนุษย์ ส่วนใหญ่เป็นภาพ ในการวาดภาพตามที่เราเห็นในความสามัคคีกับสิ่งแวดล้อม - นี่คือหลักการเริ่มต้นของศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ในช่วงปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย สิ่งนี้เสริมด้วยการพัฒนาระบบเทคนิคที่ให้การแสดงอารมณ์โดยตรงต่อการแปรงพู่กัน ความเชี่ยวชาญในการถ่ายทอดผลของการอุทิศถวาย ความเข้าใจในหลักการของมุมมองของแสง-อากาศ ผู้สร้างทฤษฎีมุมมองเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงเช่น Masaccio, Alberti, Leonardo da Vinci การค้นพบเปอร์สเปคทีฟนั้นมีความสำคัญไม่น้อย โดยช่วยขยายขอบเขตของปรากฏการณ์ที่ปรากฎ ให้รวมพื้นที่ ทิวทัศน์ และสถาปัตยกรรมไว้ในภาพวาด

เนื้อหาเกี่ยวกับมนุษยนิยมที่ก้าวหน้าของวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายังแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในศิลปะการละครซึ่งได้รับอิทธิพลอย่างมากจากละครโบราณ เขามีความสนใจในโลกภายในของบุคคลที่มีคุณสมบัติของความเป็นปัจเจกอันทรงพลัง ลักษณะเด่นของศิลปะการละครของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือการพัฒนาประเพณีของศิลปะพื้นบ้าน สิ่งที่น่าสมเพชที่ยืนยันชีวิต การผสมผสานที่ลงตัวระหว่างองค์ประกอบที่น่าเศร้าและตลก กวีและตัวตลก นั่นคือโรงละครแห่งอิตาลี สเปน อังกฤษ

ในสถาปัตยกรรม อุดมคติของมนุษยนิยมที่ยืนยันชีวิต ความปรารถนาในความงดงามของรูปแบบที่ชัดเจนอย่างกลมกลืน ได้รับผลกระทบไม่น้อยไปกว่าศิลปะรูปแบบอื่น ๆ และทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงอย่างเด็ดขาดในการพัฒนาสถาปัตยกรรม การอุทธรณ์ต่อประเพณีคลาสสิกมีบทบาทสำคัญอย่างยิ่ง มันแสดงออกไม่เพียง แต่ในการปฏิเสธรูปแบบกอธิคและการฟื้นตัวของระบบคำสั่งโบราณ แต่ยังอยู่ในสัดส่วนคลาสสิกของสัดส่วนในการพัฒนาอาคารประเภทศูนย์กลางในสถาปัตยกรรมวัดที่มีพื้นที่ภายในที่มองเห็นได้ง่าย

อาคารฆราวาสได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวาง เหล่านี้เป็นอาคารในเมืองต่างๆ - ศาลากลาง, บ้านของสมาคมการค้า, มหาวิทยาลัย, น้ำพุในตลาด พร้อมกันกับสถาปัตยกรรมที่ตอบสนองความต้องการทางสังคมของเมือง สถาปัตยกรรมรูปแบบใหม่โดยสิ้นเชิงก็ถือกำเนิดขึ้นเมื่อเปรียบเทียบกับยุคกลาง ที่อาศัยของเศรษฐี - พาลาซโซ ที่สะท้อนถึงจิตวิญญาณของความสบายเป็นพิเศษ บรรยากาศรื่นเริงในวังของขุนนางในสมัยนั้น ดังนั้นศิลปะในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาจึงได้เข้าสู่ขั้นตอนใหม่ของการพัฒนา ซึ่งมันพยายามที่จะรับรู้และแสดงโลกแห่งความจริง ความงาม ความสมบูรณ์ ความหลากหลายผ่านวิธีการและเทคนิคใหม่ๆ

1.2 สถานที่ของดนตรีในระบบศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

กฎทั่วไปของการพัฒนาศิลปะความเข้าใจเชิงปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ใหม่ของสาระสำคัญและธรรมชาติของความสามัคคีซึ่งเป็นลักษณะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาก็ปรากฏในดนตรีเช่นกัน เช่นเดียวกับรูปแบบศิลปะอื่น ๆ ของสมัยนั้น ดนตรียังมีลักษณะเฉพาะด้วยการเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วของพลังสร้างสรรค์ แนวโน้มที่เห็นอกเห็นใจ

ควรสังเกตว่าดนตรีในช่วงเวลานี้ครอบครองสถานที่พิเศษในระบบศิลปะโดยยอมให้สถานที่ที่โดดเด่นเฉพาะในการวาดภาพเท่านั้น ตามคำกล่าวของเลโอนาร์โด ดา วินชี ดนตรีเป็นเพียง "น้องสาวของการวาดภาพ" และยังรับใช้เธออีกด้วย “การวาดภาพเหนือกว่าดนตรีและครอบงำมัน”, “ดนตรีคือผู้รับใช้ของการวาดภาพ”

ไม่อาจเห็นด้วยกับคำจำกัดความของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ ดนตรีที่ครอบครองอยู่ห่างไกลจากที่แรกในระบบศิลปะจริงๆ แต่ถึงกระนั้น ก็มีบทบาทอย่างมากในวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ทิ้งรอยประทับในการพัฒนาต่อมาทั้ง ในด้านวัฒนธรรมดนตรีและศิลปะโดยทั่วไป วัฒนธรรมดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเป็นการเปลี่ยนผ่านจากยุคกลางไปสู่ยุคใหม่ ไปสู่ยุคที่งานศิลปะนี้ฟังดูและถูกรับรู้ในรูปแบบใหม่

ดนตรีอาจเป็นไปได้โดยเฉพาะอย่างยิ่งความเป็นไปได้ในวงกว้างของอิทธิพลทางสังคม มากกว่าศิลปะอื่น ๆ มันคือความแพร่หลาย: ส่วนหนึ่งของชีวิตคนธรรมดาที่ไม่เปลี่ยนแปลงซึ่งเป็นทรัพย์สินของหลายกลุ่มซึ่งแตกต่างอย่างมากจากดนตรีในยุคกลาง . การจากไปของประเพณีในยุคกลางนั้นเห็นได้ชัดเจนที่สุดในบทความเรื่อง "ดนตรีเชิงปฏิบัติ" ของ Ramis da Pareja Ramis กล่าวว่า "อย่าให้ใครกลัวความยิ่งใหญ่ของปรัชญาหรือความซับซ้อนของเลขคณิตหรือความซับซ้อนของสัดส่วน หน้าที่ของมันคือการสอนไม่เพียง แต่นักปรัชญาหรือนักคณิตศาสตร์เท่านั้นใครก็ตามที่คุ้นเคยกับรากฐานของไวยากรณ์จะเข้าใจงานนี้ ของเรา ที่นี่ทั้งหนูและช้างสามารถว่ายน้ำได้เหมือนกัน และทั้ง Daedalus และ Icarus สามารถบินผ่านไปได้ ในบทความนี้ Ramis วิพากษ์วิจารณ์ดนตรียุคกลางอย่างรวดเร็วกล่าวว่านักทฤษฎีเขียนบทประพันธ์ของพวกเขาสำหรับนักดนตรีเท่านั้น - มืออาชีพและนักวิทยาศาสตร์ในขณะที่ดนตรีในความคิดของเขาควรครอบคลุมกลุ่มประชากรที่กว้างขึ้น ไม่ต้องสงสัยเลยว่างานของ Ramis มีผลกระทบอย่างมีนัยสำคัญต่อโคตรของเขาประเพณีของยุคกลางถูกทำลายอย่างมากการเปลี่ยนแปลงจากยุคกลางสู่ยุคใหม่ไปสู่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยากำลังดำเนินอยู่

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งมีโลกทัศน์แบบมนุษยนิยม มีผลกระทบอย่างมากต่อวัฒนธรรมดนตรี สำหรับศิลปะดนตรี มนุษยนิยมหมายถึง อย่างแรกเลยคือ เจาะลึกถึงความรู้สึกของบุคคล โดยตระหนักถึงคุณค่าทางสุนทรียะใหม่เบื้องหลังพวกเขา สิ่งนี้มีส่วนช่วยในการระบุและการนำคุณสมบัติที่แข็งแกร่งที่สุดของความจำเพาะทางดนตรีมาใช้ ลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นพบได้ในงานศิลปะของอิตาลี Ars nova แห่งศตวรรษที่สิบสี่ซึ่งเป็นตัวแทนหลักคือ Francesco Landino งานของเขามุ่งเน้นไปที่ฆราวาส ศิลปะอาชีพซึ่งแตกสลายไปกับวงกลมของภาพและสุนทรียศาสตร์ของดนตรีลัทธิและอาศัยเพลงพื้นบ้านซึ่งไม่ได้เขียนเป็นภาษาละตินอีกต่อไป แต่เป็นภาษาประจำชาติ

ในอนาคต คลื่นแห่งการเปลี่ยนแปลงในด้านศิลปะดนตรีได้กวาดล้างประเทศอื่นๆ ในยุโรป ในเพลงฝรั่งเศสมีเพลงโพลีโฟนิกปรากฏขึ้น - ชานสันตัวแทน: K. Zhaneken, K. de Sermisi, G. Kotelet และคนอื่น ๆ แนวเพลงประเภทนี้เต็มไปด้วยแนวเพลงโฟล์คในชีวิตประจำวัน โดยมุ่งไปที่การพรรณนารายการที่สมจริง ซึ่งเป็นเครื่องยืนยันถึงการจากไปของดนตรีในโบสถ์อย่างเฉียบขาด ในดนตรีของสเปน แนวเพลงที่มีต้นกำเนิด เช่น วิลลานิโกและโรมานซ์ ถูกทำเครื่องหมายด้วยคุณลักษณะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ดนตรีอาชีพของเยอรมันมีลักษณะเฉพาะด้วยเพลงโพลีโฟนิกที่มีทำนองหลักเป็นเทเนอร์ ซึ่งไหลไปสู่โกดังประสานเสียงที่กลมกลืนกัน

ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา การพัฒนาดนตรีบรรเลงอย่างเข้มข้นเริ่มต้นขึ้น โดยยังคงรักษาความเชื่อมโยงกับแนวเสียงร้อง อิทธิพลของศิลปะพื้นบ้านที่มีต่อดนตรีจิตวิญญาณกำลังเติบโตขึ้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งในประเทศที่มีขบวนการปฏิรูปศาสนาคริสต์นิกายคาทอลิก ซึ่งนำบทเพลง Hussite มาสู่ชีวิตในสาธารณรัฐเช็ก เพลงสวดโปรเตสแตนต์ในเยอรมนี เพลงสดุดี Huguenot ในฝรั่งเศส อย่างไรก็ตาม คริสตจักรยังคงมีบทบาทเป็นศูนย์กลางขององค์กรที่ทรงอิทธิพล โดยเป็นผู้นำทางอุดมการณ์ที่เป็นทางการ ทำให้มีนักประพันธ์เพลงมืออาชีพจำนวนมากขึ้น

แต่ถึงกระนั้นก็ตาม ประเภทเสียงร้องฆราวาสขั้นสูงและเครื่องดนตรีเสียงร้องก็ประกาศสิทธิของตนในที่ที่มีความสำคัญมากขึ้นในวัฒนธรรมดนตรี พยายามแทนที่มวลชน โมเต็ต และแนวเพลงคริสตจักรที่อยู่ใกล้พวกเขา นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าแนวเพลงเหล่านี้มีไว้สำหรับคริสตจักร (ในการแสดงที่เชี่ยวชาญของคณะนักร้องประสานเสียงที่มีการจัดการอย่างดี) หรือ (โมเท็ต) สำหรับราชสำนักของกษัตริย์องค์หนึ่ง เจ้าชาย ดยุค (ในการถ่ายทอดทางศิลปะด้วยวิธีการ ของโบสถ์ในศาล) ไม่ค่อยเอื้อต่อการแสดงออกถึงบุคลิกของเขาเอง เมื่อเวลาผ่านไป เมื่อบรรยากาศแห่งสุนทรียภาพที่แตกต่างกันพัฒนาขึ้นในแวดวงมนุษยนิยม เนื้อเพลงและละครได้รับรูปแบบที่กว้างขึ้นและเป็นอิสระมากขึ้น อันดับแรกใน Madrigal ของอิตาลี และในตัวอย่างแรกๆ ของแนวเพลงใหม่ - "ละครเกี่ยวกับดนตรี" นั่นคือ , อุปรากรอิตาลี.

แนวเพลง Madrigal และเพลงของอิตาลี เยอรมัน และอังกฤษ สะท้อนความสนใจไปยังโลกภายในของแต่ละบุคคลอย่างชัดเจน ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะที่เห็นอกเห็นใจของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา การแสดงนัยสำคัญของแนวโน้มที่สมจริงขั้นสูงในดนตรีไม่ได้เป็นเพียงการสร้างโครงเรื่องใหม่ ภาพดนตรีและบทกวีใหม่เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการเปลี่ยนแปลงในวงกว้างในวิธีการแสดงออกทางดนตรีด้วย ในหลายประเภท นักแต่งเพลงดนตรีพื้นบ้านปรากฏขึ้น เพลงพื้นบ้านใช้เป็นเพลงประสานเสียง (พื้นฐานของท่วงทำนองซ้ำๆ ที่ส่งเสียงที่สองจากท่อนล่างของงานโพลีโฟนิก) และในเพลงโพลีโฟนิก การพัฒนาต่อไปของพหุเสียงทางตะวันตกของยุโรปนำไปสู่การพัฒนาและการรวมกฎหมายที่เรียกว่า "รูปแบบเข้มงวด" ซึ่งเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของดนตรีโพลีโฟนิกในขณะนั้น รูปแบบที่เคร่งครัดมาจนถึงทุกวันนี้เป็นขั้นตอนสำคัญในประวัติศาสตร์ของโพลิโฟนี

ความสำเร็จหลักที่สำคัญของดนตรีขั้นสูงคือตัวละครใหม่ของการพัฒนาท่วงทำนองที่ไพเราะ, ความราบรื่น, ความยืดหยุ่น, ความไพเราะ; ระดับนัยสำคัญของท่วงทำนองของ "ลมหายใจอันยิ่งใหญ่" ที่สำคัญกว่าเมื่อเปรียบเทียบกับอดีต - การแสดงออกที่สดใสที่สุดของประสบการณ์ของมนุษย์

ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ของวัฒนธรรมดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือการพัฒนาดนตรีบรรเลงโดยใช้เครื่องสายไพเราะรูปแบบใหม่ซึ่งอนุญาตให้ "ร้องเพลง" บนเครื่องดนตรี (วิโอลา, เครื่องสาย, แกมบ้า, ไวโอลิน) และในทางกลับกัน การขยายตัวที่สำคัญ ความเป็นไปได้ในการแสดงออกเครื่องมือคีย์บอร์ด (ออร์แกน, คลาวิคอร์ด, ฮาร์ปซิคอร์ด) ที่สัมพันธ์กับลำดับคอร์ด-ฮาร์มอนิก ลูทยังพัฒนาขึ้นอย่างรวดเร็ว ซึ่งเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่ใช้กันทั่วไปในชีวิตประจำวันและการแสดงดนตรีในคอนเสิร์ต

นอกจากนี้ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายังมีการพัฒนาทักษะทางวิชาชีพที่เกี่ยวข้องกับการเกิดขึ้นของเมทริกซ์ - โรงเรียนประจำการร้องเพลง - โบสถ์ประสานเสียงประเภทหนึ่งซึ่งสอนการร้องเพลงการเล่นออร์แกนทฤษฎีดนตรีและวิชาทั่วไปตั้งแต่เด็กปฐมวัย และปรับปรุงอย่างเป็นระบบ ความสามารถทางดนตรีนักเรียน.

นี่คือวิธีสร้างนักดนตรีรูปแบบใหม่ ไม่ใช่มือสมัครเล่นจากขุนนาง ไม่ใช่นักเล่นปาหี่และคนเก่ง แต่เป็นมืออาชีพที่ได้รับการศึกษาด้านดนตรีพิเศษ

การรวมความเป็นมืออาชีพทางดนตรีนำไปสู่การสร้างโรงเรียนดนตรีแห่งชาติที่มีความเป็นเลิศซึ่งก่อตัวขึ้นในศูนย์กลางวัฒนธรรมดนตรีในเมืองที่ใหญ่ที่สุดซึ่งมีโอกาสทางการศึกษาที่ยอดเยี่ยม รูปแบบแรกสุดในยุโรปตะวันตกคือพหุเสียงของอังกฤษซึ่งพัฒนาอย่างรวดเร็วและเฟื่องฟูในผลงานของ Dönstepl ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 15 โรงเรียนที่มีอิทธิพลมากที่สุดคือโรงเรียนดัตช์หรือฝรั่งเศส - เฟลมิชซึ่งนักแต่งเพลงชื่อดังอย่าง G. Dufay, J. Okegema, J. Obrecht, O. Lasso ทำงาน การทำงานในประเทศต่างๆ พวกเขาได้รวมเอาคุณลักษณะของวัฒนธรรมดนตรีประจำชาติจำนวนหนึ่งไว้ด้วยกัน ได้แก่ ดัตช์ เยอรมัน ฝรั่งเศส อิตาลี อังกฤษ สร้างสไตล์โพลีโฟนิกที่พัฒนาขึ้นอย่างมาก

ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 16 ผู้สืบทอดโดยตรงของนักโพลีโฟนิสต์ชาวดัตช์และโรงเรียนนักประพันธ์เพลงชั้นนำของยุโรปคือโรงเรียนโรมัน นำโดยปาเลสไตน์ ซึ่งผลงานของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้ผสมผสานกับคุณลักษณะที่สะท้อนอิทธิพลของการต่อต้านการปฏิรูป และ โรงเรียน Venetian นำโดย D. Gabrieli ซึ่งมีลักษณะแบบบาโรกอยู่แล้ว . โรงเรียนแห่งชาติมีลักษณะการใช้วิธีการทางดนตรีแบบใหม่ซึ่งนำความเชื่อมโยงและความสามัคคีมาสู่การประพันธ์ ดนตรีหลักหมายถึงความเชื่อมโยงและความสามัคคีในการแต่งเพลงเป็นการเลียนแบบ กล่าวคือ การทำซ้ำทำนองของทำนองโดยเสียงที่เข้ามา ทันทีก่อนที่จะแสดงโดยเสียงอื่น ในโรงเรียนมีการลอกเลียนแบบแปลก ๆ : เป็นที่ยอมรับ, เลียนแบบในการไหลเวียน, เพิ่มขึ้น, ลดลง, ซึ่งต่อมานำไปสู่รูปแบบ contrapuntal สูงสุด - ความทรงจำ

รูปแบบของโรงเรียนแห่งชาติที่นำเสนอนั้นสะท้อนให้เห็นในผลงานของนักโพลีโฟนิกที่โดดเด่นจากประเทศอื่น ๆ - K. Morales และ T. Victoria (สเปน), W. Byrd และ T. Tallis (อังกฤษ), M. Zalensky จากโปแลนด์และอื่น ๆ อีกมากมาย .

ดังนั้น ดนตรีจึงกลายเป็นสถานที่ที่ค่อนข้างพิเศษท่ามกลางศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ทั้งเนื่องจากความเฉพาะเจาะจงและขึ้นอยู่กับเงื่อนไขของการดำรงอยู่ในสังคม อย่างไรก็ตาม เธอเป็นศิลปะแห่งยุค แสดงออกมา ประสบกับความยากลำบากและลักษณะความขัดแย้งของมัน พัฒนาสไตล์ของเธอเองตามนั้น ชนะชัยชนะที่คิดไม่ถึงก่อนหน้านี้ และชนะความสำเร็จเชิงสร้างสรรค์ครั้งใหม่

บทที่ 2 วัฒนธรรมการเต้นรำในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

2.1 ดนตรีและการเต้นรำ: แง่มุมของการมีปฏิสัมพันธ์

ดังนั้นวัฒนธรรมดนตรีจึงเป็นสถานที่พิเศษในศิลปะและวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เมื่อพิจารณาถึงดนตรีแล้ว เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่กล่าวถึงขอบเขตต่างๆ ของดนตรี หนึ่งในนั้นคือศิลปะการเต้น

เต้นรำ - ศิลปะชนิดหนึ่งที่ภาพทางศิลปะถูกสร้างขึ้นโดยใช้การเคลื่อนไหวพลาสติกและการเปลี่ยนแปลงที่ชัดเจนเป็นจังหวะและต่อเนื่องในตำแหน่งที่แสดงออกของร่างกายมนุษย์ ควรสังเกตว่าดนตรีและการเต้นรำมีปฏิสัมพันธ์กันอย่างแข็งขันมาหลายศตวรรษ การเต้นรำมีความเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับดนตรี เนื้อหาทางอารมณ์และเชิงเปรียบเทียบ ซึ่งรวมอยู่ในองค์ประกอบการออกแบบท่าเต้น การเคลื่อนไหว , ตัวเลข

นับตั้งแต่สมัยโบราณ เราพบการสังเคราะห์ดนตรี บทกวี การเต้น สำหรับชาวกรีก สิ่งเหล่านี้ไม่ใช่ศิลปะที่แตกต่างกัน แต่เป็นหนึ่งเดียวที่รวมเป็นหนึ่งเดียว ในการกำหนดศิลปะแบบครบวงจรนี้ คำว่า "trochae" ถูกใช้ ซึ่งมาจากคำว่า "คอรัส" ที่เข้าสู่ภาษารัสเซีย ซึ่งหมายถึงการร้องเพลงแบบกลุ่มไม่มากเท่ากับการเต้นรำแบบกลุ่ม ในอนาคต คำว่า "chorea" จะถูกเปลี่ยนเป็นการออกแบบท่าเต้น ซึ่งเริ่มบ่งบอกถึงศิลปะการเต้นนั่นเอง หรือที่เจาะจงกว่านั้นคือศิลปะการแต่งเพลง

ในยุคของยุคกลางยังมีการเปิดเผยคุณลักษณะของความสัมพันธ์ระหว่างดนตรีกับการเต้น ซึ่งรวบรวมเทคนิคและรูปแบบที่ซับซ้อนมากขึ้น ดนตรีเต้นรำกลายเป็นเครื่องมือสำคัญ อิทธิพลหลักที่มีต่อโครงสร้างและลักษณะอื่นๆ เริ่มมาจากการออกแบบท่าเต้น ซึ่งมีลักษณะเฉพาะด้วยความสม่ำเสมอและความสม่ำเสมอที่เพิ่มขึ้นเรื่อยๆ ของการเคลื่อนไหวของนักเต้น จังหวะการเต้นเต็มใจเจาะแนวเพลงบรรเลงที่ตั้งใจไว้เพื่อการฟังโดยเฉพาะ การเต้นรำดังกล่าวมีลักษณะซับซ้อนมาก ภาษาดนตรี: บทบาทของการพัฒนาเพิ่มขึ้นมีการละเมิดโครงสร้างการเต้นเป็นระยะ ๆ เทคนิคโพลีโฟนิก เป็นผลให้การเชื่อมต่อเพิ่มเติมระหว่างวัฒนธรรมดนตรีและการเต้นมีความซับซ้อนและเฉพาะเจาะจงมากขึ้น

การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ของดนตรีและการเต้นรำเกิดขึ้นระหว่างยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา การเต้นรำ ดนตรีเต้นรำเป็นชั้นที่สำคัญที่สุดของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา การพัฒนาศิลปะดนตรีในยุคเรอเนซองส์มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการพัฒนาการเต้น เนื่องจากนักประพันธ์เพลงหลักเกือบทั้งหมดมุ่งความสนใจไปที่การเต้นในการแต่งเพลง จังหวะการเต้นแทรกซึมเข้าสู่แนวเพลงบรรเลงที่ตั้งใจไว้สำหรับการฟังโดยเฉพาะ Pavane, galliard, gigue, chimes, volta และการเต้นรำพื้นบ้านประเภทอื่น ๆ กลายเป็นวัสดุสำหรับการแต่งเพลงอัจฉริยะ: ความยืดหยุ่นของท่วงทำนอง ความชัดเจนของช่วงเวลา และการเชื่อมโยงอย่างต่อเนื่องของแรงจูงใจได้รับการพัฒนา นักดนตรียืมท่วงทำนองและจังหวะจากเพลงพื้นบ้านและการเต้นรำสำหรับประเภทของดนตรีบรรเลง ซึ่งสามารถเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในงานของวัฒนธรรมดนตรีเป็นห้องชุด

ในช่วงเริ่มต้นของการพัฒนา ดนตรีของห้องชุดมีลักษณะที่ประยุกต์ - พวกเขาเต้นไปกับมัน เป็นการผสมผสานระหว่างเครื่องดนตรีประเภทพิณ และภายหลังการร่ายรำแบบคลาเวียร์และออเคสตรา ในศตวรรษที่ XV-XVI การเต้นรำสามชุดขึ้นไป (for เครื่องมือต่างๆ) ควบคู่ไปกับขบวนแห่และพิธีการในศาล ตลอดจนการเชื่อมโยงกันของการเต้นรำที่ตัดกัน (ปาวาน - แกลเลียร์ด, ปาซาเมซโซ - ซัลตาเรลโล ฯลฯ ) พื้นฐานทั่วไปที่สุดสำหรับชุดเต้นรำคือชุดของการเต้นรำที่พัฒนาขึ้นในห้องสวีทของ I.Ya Froberger: allemande - courant - sarabande - gigue แต่สำหรับการพัฒนาบทละครของวัฏจักรของชุดนั้น จำเป็นต้องมีการถอดบางอย่างออกจากการเต้นรำประจำวัน จุดเปลี่ยนนี้เกิดขึ้นในยุคเรเนสซองส์ และหลังจากนั้นก็สะท้อนให้เห็นได้ชัดเจนที่สุดในเพลงของศตวรรษที่ 17 ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 17 ชุดเต้นรำซึ่งสูญเสียจุดประสงค์ในการใช้งานส่วนใหญ่อยู่ภายใต้ชื่อ partita (ภาษาเยอรมัน) บทเรียน(ภาษาอังกฤษ), บัลเล่ต์, โซนาต้า ดา คาเมร่า, ออร์เดร(ภาษาฝรั่งเศส) และบางครั้งก็เป็น "ของสะสมของ clavier ชิ้น" ดังนั้นผ่านการเปลี่ยนแปลงและปฏิสัมพันธ์กับดนตรี มันจึงกลายเป็นส่วนหนึ่งของศิลปะดนตรีที่มีอิทธิพลต่อการก่อตัว แบบฟอร์มโซนาต้า. J. S. Bach (ห้องชุดภาษาฝรั่งเศสและอังกฤษ, partitas for clavier, for violin and cello solo) และ G. F. Handel (ห้องชุดคลาเวียร์ 17 ห้อง)

ในด้านอื่น ๆ อย่างแรกเลย เป็นเรื่องน่าสังเกตว่าดนตรีแดนซ์มีต่อการก่อตัวของโกดังแบบโฮโมโฟนิก-ฮาร์โมนิกอย่างไร อยู่กับเธอที่ศิลปะแบบมืออาชีพ ท่ามกลางโพลีโฟนีของโบสถ์โพลีโฟนิก ความคิดแบบโฮโมโฟนิก-ฮาร์โมนิก ที่แบ่งแยกอย่างชัดเจน เมโลดี้ที่สดใสตามธีม จังหวะเป็นระยะๆ มีการก่อตัวของการจัดวรรณยุกต์ (ตัวอย่างเช่น โหมดหลัก ใหม่ในเวลานั้น เป็นครั้งแรกที่สร้างตัวเองในการเต้นรำของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

เพลงแดนซ์เป็นที่มาของรูปแบบเครื่องดนตรีสำคัญๆ มากมายที่ทุกอย่างเป็นพื้นฐาน ศิลปะคลาสสิก(ระยะเวลา, รูปแบบสามส่วนอย่างง่าย, การเปลี่ยนแปลง, วัฏจักร). การปลดปล่อยดนตรีบรรเลงส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับวรรณกรรมการเต้น (มีแนวเพลงใหม่ปรากฏขึ้น) การก่อตัวของกลาเวียร์อิสระ (ภายหลัง - เปียโน), ลูท, สไตล์ออเคสตรา. ความมั่งคั่งของภาพการเต้นที่บันทึกไว้ในดนตรีคลาสสิกมีมากมายมหาศาล และไม่น่าแปลกใจเลย เพราะการใช้จังหวะและน้ำเสียงที่เป็นรูปเป็นร่าง ควบคู่ไปกับบทเพลงพื้นบ้าน มีบทบาทสำคัญในการเสริมสร้างรากฐานที่สมจริงของศิลปะดนตรี นักแต่งเพลงมักจะรวบรวมการแสดงออกทางสีหน้า ท่าทาง ความเป็นพลาสติกในการเคลื่อนไหวของการเต้นรำหรือการเดินขบวนในงานของพวกเขา ซึ่งหมายถึงเพลงเต้นรำเมื่อสร้างทั้งบรรเลง (ห้อง ซิมโฟนิก) และเสียงร้อง รวมถึงการเรียบเรียงโอเปร่า

ดังนั้นจึงควรสังเกตบทบาทสำคัญของการเต้นรำในวัฒนธรรมดนตรีของยุโรปตะวันตกตั้งแต่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา จังหวะการเต้นดึงดูดนักประพันธ์เพลงหลัก และดนตรีที่อิงจากจังหวะดังกล่าว กลับมีอิทธิพลต่อการฝึกฝนและทฤษฎีการเต้น ดนตรีจำเป็นต้องมีการเต้นรำเพื่อติดตามการค้นพบ ซึมซับสิ่งใหม่ และโต้ตอบกับรูปแบบศิลปะอื่นๆ หลักฐานของการเปลี่ยนแปลงดังกล่าวมอบให้เราโดยการเต้นรำของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการก่อตัวของศิลปะการเต้นบนเส้นทางใหม่ของการพัฒนา

2.2 การออกแบบท่าเต้นในเขตชานเมืองของการตัดสินใจด้วยตนเอง

ในบรรดาศิลปะประเภทอื่นๆ ในยุคเรเนสซองส์ การเต้นรำเริ่มโดดเด่น การเต้นรำได้รับความนิยมเป็นพิเศษและประสบความสำเร็จอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนในการพัฒนา หากในสมัยก่อนการเต้นรำเป็นเพียงส่วนหนึ่งของลัทธิหรือความบันเทิงทั่วไป ศิลปะการออกแบบท่าเต้นในยุคเรอเนซองส์ก็มีการทำงานใหม่ มีทัศนคติใหม่ในการเต้น ความบาป ความไร้ค่าของอาชีพนี้ ลักษณะของยุคกลางในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา กลายเป็นส่วนที่ขาดไม่ได้ของชีวิตฆราวาส และกลายเป็นหนึ่งในทักษะที่จำเป็นที่สุดสำหรับคนที่มีมารยาทดีและมีการศึกษา (พร้อมกับทักษะเช่นความชำนาญ มีดาบ ขี่ม้าได้ พูดจาไพเราะ พูดจาไพเราะ) การเต้นรำไหลเข้าสู่การเปลี่ยนแปลงทั่วไป: ภายใต้อิทธิพลของดนตรี มันกลายเป็นศิลปะระดับมืออาชีพ

การออกแบบท่าเต้นกำลังเริ่มต้นบนเส้นทางสู่การกำหนดตนเอง: ศิลปะกำลังคล่องตัว สร้างกฎเกณฑ์และบรรทัดฐานบางอย่าง เทคนิคการสร้างเสริมและรูปแบบโครงสร้าง มีการแบ่งประเภทการเต้นรำ: พื้นบ้าน (ชาวนา) และการเต้นรำในราชสำนัก (ศักดินาสูงส่ง) ซึ่ง เริ่มขึ้นในยุคกลางอย่างต่อเนื่อง กระบวนการนี้ดำเนินไปอย่างค่อยเป็นค่อยไปและเกี่ยวข้องกับการแบ่งชั้นที่เพิ่มขึ้นของสังคมและผลที่แตกต่างระหว่างวิถีชีวิตของคนธรรมดากับชนชั้นสูง “ความเป็นธรรมชาติผ่านไปแล้ว” เคิร์ต แซคส์เขียน – ศาลและการเต้นรำพื้นบ้านถูกแยกออกจากกันทุกครั้ง พวกเขาจะมีอิทธิพลต่อกันและกันอย่างต่อเนื่อง แต่เป้าหมายของพวกเขานั้นแตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

ถ้า การเต้นรำพื้นบ้านรักษาบุคลิกที่ผ่อนคลายและหยาบกร้าน จากนั้นรูปแบบการเต้นรำในศาลก็เคร่งขรึม วัดค่า และค่อนข้างสุภาพมากขึ้นเรื่อยๆ เนื่องจากปัจจัยหลายประการ ประการแรก รูปแบบเสื้อผ้าที่เขียวชอุ่มและหนักหน่วงของขุนนางศักดินาตัดขาดการเคลื่อนไหวที่กระฉับกระเฉง มีพลัง และการกระโดดอย่างกะทันหัน ประการที่สอง กฎระเบียบที่เข้มงวดของมารยาท ระเบียบปฏิบัติ และมารยาทการเต้นทั้งหมดนำไปสู่การแยกละครใบ้และองค์ประกอบด้นสดออกจากการเต้นรำ

มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในเทคนิคการเต้น: ความสมดุลระหว่างการเคลื่อนไหวและจังหวะของการเต้นรำ ช่วงเวลาของการสั่นจากส่วนที่เหลือเพื่อการเคลื่อนไหวและจากส่วนที่เหลือเพื่อความตึงเครียด การสลับจังหวะในการเต้นรำครั้งเดียวได้รับคำสั่ง นอกจากนี้ เทคนิคของการเปลี่ยนแปลงการแสดง: การเต้นรำที่มีการเต้นรำแบบกลมและการจัดองค์ประกอบเชิงเส้นจะถูกแทนที่ด้วยการเต้นคู่ (คู่) ซึ่งสร้างขึ้นจากการเคลื่อนไหวและตัวเลขที่ซับซ้อนซึ่งมีลักษณะของเกมรักตรงไปตรงมาไม่มากก็น้อย พื้นฐานของรูปแบบการออกแบบท่าเต้นคือการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วของตอนต่างๆ ซึ่งแตกต่างกันในลักษณะของการเคลื่อนไหวและในจำนวนผู้เข้าร่วม

ความจำเป็นในการควบคุมมารยาทการเต้นมีส่วนทำให้เกิดกลุ่มผู้เชี่ยวชาญด้านการเต้นมืออาชีพ ปรมาจารย์ด้านการเต้นสร้างรูปแบบการเต้นที่เป็นที่ยอมรับซึ่งได้รับการศึกษาอย่างขยันหมั่นเพียรและตรงต่อเวลาโดยสังคมที่มีสิทธิพิเศษ สิ่งนี้อำนวยความสะดวกโดยส่วนใหญ่ในตำราเรียน ซึ่งมีการจัดระบบการเคลื่อนไหว มีความพยายามที่จะแก้ไขการเรียบเรียงการเต้น การโต้เถียงถึงความสำคัญของช่วงเวลานี้ในประวัติศาสตร์การเต้นรำ Kurt Sachs ตั้งข้อสังเกตโดยเฉพาะอย่างยิ่งทางตอนเหนือของอิตาลีซึ่งในตอนแรกการฝึกอบรมการเต้นรำแบบมืออาชีพเกิดขึ้น และที่จริงแล้ว ศิลปะการเต้นที่งดงามที่สุดก็เฟื่องฟูในอิตาลี ลูกบอลในฟลอเรนซ์ในศตวรรษที่ 15-16 เป็นตัวอย่างของความงดงาม ความเฉลียวฉลาด ความเฉลียวฉลาด ครูสอนนาฏศิลป์อิตาลีได้รับเชิญไปยังประเทศต่างๆ “นักเต้นมืออาชีพเคยเล่นละครใบ้พเนจรและเป็นนักเล่นกลที่น่ารังเกียจ” แซกส์ ครูสอนเต้นชาวอิตาลีตอนเหนือที่มีตำแหน่งอันมีเกียรติกล่าว เขาเป็นสหายของเจ้าชาย บางครั้งก็เป็นคนสนิท ในงานแต่งงานของชาวเวนิส ซึ่งเป็นเรื่องปกติที่จะแนะนำเจ้าสาวในการเต้นรำแบบเงียบ เขาสามารถแสดงแทนพ่อได้ ครูสนใจที่จะสร้างโรงเรียนสอนนาฏศิลป์เป็นพิเศษ และในศตวรรษที่ 15 โรงเรียนพิเศษก็ปรากฏตัวขึ้นในอิตาลีอาชีพครูสอนเต้นได้รับการจัดตั้งขึ้นอย่างมั่นคง ดังนั้น เป็นไปได้ว่าในศตวรรษที่ 16 อิตาลีเป็นราชินีแห่งการเต้นรำ เหมือนกับที่ดูเหมือนว่าจะเป็นในศตวรรษที่ 15

Domenico จาก Piacenza ถือเป็นนักทฤษฎีศิลปะการเต้นชาวอิตาลีคนแรก Domenico da Piacenza ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIV - XV ได้แต่งบทความเรื่อง "On the Art of Dance and Dance" หนังสือเล่มนี้ประกอบด้วยสองส่วน ส่วนแรกเน้นไปที่การเต้นรำโดยรวมและกำหนดองค์ประกอบห้าประการ ได้แก่ การวัด ท่าทาง การแบ่งแท่น ความทรงจำ และระดับความสูง การวัดเป็นหลักการสำคัญของการเชื่อมต่อระหว่างการเคลื่อนไหวเร็วและช้าในเพลง การแบ่งส่วนของไซต์เป็นสิ่งจำเป็นสำหรับการจัดองค์ประกอบของการเต้นรำกลุ่ม จำเป็นต้องมีหน่วยความจำเพื่อสร้างการเต้นอย่างแท้จริง ลักษณะการถือครองทำให้การเต้นรำเป็นอิสระจากรูปแบบที่ไม่เคลื่อนไหวและล้าสมัย ระดับความสูงได้รับการออกแบบสำหรับการพัฒนาเทคนิคการเต้น ส่วนอื่น ๆ ของบทความกำหนดประเภทของการเคลื่อนไหวขั้นพื้นฐาน ที่นี่เขาแบ่งการเคลื่อนไหวออกเป็นสองประเภท: เทียมและธรรมชาติ การเคลื่อนไหวที่เป็นธรรมชาติ - ก้าวที่เรียบง่ายและเป็นสองเท่า, ท่าอันสูงส่ง, หันและครึ่งหลัง, โค้งคำนับและกระโดด การเคลื่อนไหวประดิษฐ์รวมถึงการเตะ การย่างก้าว และการกระโดดด้วยขาที่ปรับได้

นอกจากนี้ยังเป็นที่น่าสังเกตว่านักทฤษฎีและครูสอนนาฏศิลป์คนอื่น - Guglielmo Embreo ผู้เขียนบทความเรื่องศิลปะการเต้นรำ ในบทความของเขา เขายังแนะนำให้ประสานการเคลื่อนไหวกับมาตรการที่กำหนดโดยดนตรี เขาแนะนำคำว่าจังหวะจังหวะ - กับจังหวะซึ่งต้องเชื่อฟังเพื่อที่จะประสบความสำเร็จในการเรียนรู้การเต้น นอกจากนี้ เขายังเสนอแนวความคิดเกี่ยวกับเพลงอาเรีย ซึ่งหมายถึงความสามารถในการเคลื่อนไหวไปมาระหว่างจังหวะและการย้ายจากการเต้นที่หนึ่งไปยังอีกเพลงหนึ่ง เป็นไปไม่ได้ที่จะประเมินค่างานของ Guglielmo สูงเกินไปเขาแสดงความเห็นอกเห็นใจเกี่ยวกับโลกทัศน์ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเมื่อเขาประกาศว่าการเต้นรำเป็น "ศาสตร์แห่งการคิดอย่างอิสระ" ที่ประเสริฐและสำคัญเหมือนคนอื่น ๆ และยิ่งกว่านั้นอีก ธรรมชาติของมนุษย์.

ในบรรดาผลงานการออกแบบท่าเต้นของอิตาลีในศตวรรษที่ 16 หนังสือ The Dancer ของฟาบริซิโอ คาโรโซ ซึ่งตีพิมพ์ในปี ค.ศ. 1581 สมควรได้รับความสนใจ หนังสือเล่มนี้เป็นคู่มือประเภทหนึ่งสำหรับการเต้นรำบอลรูม อย่างไรก็ตาม อาจกล่าวได้ว่ากฎเหล่านี้ถูกนำมาใช้ในการเต้นรำบนเวทีด้วย แม้ว่าจะมีขั้นตอนที่เป็นตัวแทนมากกว่าในกฎเหล่านี้ ในหนังสือ เขาพยายามจัดระบบไม่เพียงแต่การเต้น แต่ยังรวมถึงการเคลื่อนไหวที่ประกอบขึ้นด้วย ตัวอย่างเช่น เขาแบ่ง curties เป็น "สำคัญ" ("หลุมฝังศพ"), "เล็ก" ("minima"), "กลาง" ("semiminima") "ปานกลาง" curtsy รวมถึงการกระโดด สอดคล้องกับความผันแปรของการเต้นกับจังหวะดนตรีที่หลากหลาย Coroso ได้ใช้ตำแหน่งใกล้กับท่าเต้นคลาสสิกที่หนึ่ง สาม และสี่ เช่นเดียวกับท่าปิรูเอ็ตต์และการกระโดดประเภทต่างๆ รวมถึงการไถล (entrecha) เทคนิคการเต้นรวมถึงท่ากายกรรม เช่น saut de noeud (กระโดดปม) แต่เทคนิคนี้หายไปในเวลาต่อมา เทคนิคใหม่นี้ทำให้ Coroso แต่งเพลงบัลเลต์ได้ 5, 6 และ 10 ส่วนตามดนตรี คาโรโซเรียกร้องให้วิวัฒนาการของนักเต้นควรสอดคล้องกับขนาดของการตรวจสอบในสมัยโบราณ และเขากล่าวถึงแดกทิล บทแซฟไฟก และสโพได เขาเขียนเกี่ยวกับการเต้นรำ - วงดนตรีอิสระ "แสดงด้วยความแม่นยำทางคณิตศาสตร์ตามข้อของโอวิด"

คาโรโซวางรากฐานสำหรับการพัฒนาบัลเล่ต์อย่างไม่ต้องสงสัย เทคนิคและการแสดง การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกเกิดขึ้นในอิตาลี ตัวอย่างเช่น ในปี ค.ศ. 1489 แคว้นลอมบาร์ด แบร์กอนโซ ดิ โบตา เพื่อเป็นเกียรติแก่การแต่งงานของดยุคแห่งมิลาน กาลาโซ วิสคอนติ ได้สร้างการเฉลิมฉลองการแสดงละครอันวิจิตรงดงาม โดยการเต้นรำสลับกับการร้องเพลง ดนตรี และการบรรยาย การออกแบบท่าเต้นของอิตาลีมีอิทธิพลอย่างมากต่อบัลเลต์ฝรั่งเศสชุดแรก เมื่อถึงปลายศตวรรษที่ 16 ก็ปรากฏ การแสดงบัลเล่ต์มีโครงเรื่องที่สมบูรณ์ซึ่งเปิดเผยผ่านการเต้นรำ การร้องเพลง การอ่านบทกวี การออกแบบการตกแต่งที่ซับซ้อนและเขียวชอุ่ม ประสบการณ์ของนักบัลเล่ต์สาวชาวอิตาลี วิธีการสอนและการออกแบบท่าเต้นได้รับการยอมรับจากหลายประเทศในยุโรป ดังนั้นในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเราสามารถพูดถึงจุดเริ่มต้นของบัลเล่ต์ได้แล้ว

นักเขียนชื่อดังอีกคนหนึ่งใน "ศิลปะการเต้นรำ" คือ Tuano Arbo นักเขียนและนักบวชชาวฝรั่งเศส การมีส่วนร่วมในการพัฒนาการเต้นรำของเขามีความสำคัญไม่น้อยไปกว่าปรมาจารย์ด้านการเต้นของอิตาลี "Orchezography" โดย Tuano Arbaud เป็นบทความยอดนิยมที่มีข้อมูลเกี่ยวกับการเต้นรำเบสของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 Arbo กำลังพยายามฟื้นฟูการเต้นรำในยุคกลาง ออกแบบใหม่เพื่อ วิธีการใหม่ดังนั้นชื่อเสียงของเขาในฐานะผู้เชี่ยวชาญด้านการฟื้นฟูการเต้นคนแรกจึงถือกำเนิดขึ้น

สรุปแล้ว เราสามารถพูดได้ว่านาฏศิลป์นั้นทัดเทียมกับศิลปะประเภทอื่นและไม่ได้ด้อยกว่าศิลปะแต่อย่างใด การเต้นรำมีสไตล์นำเข้าสู่ระบบ ความเป็นไปได้มากมายของร่างกายมนุษย์กำลังเปิดออก ท่าเต้นเปลี่ยนจากการบอกเล่าความจริงเป็นการแสดงความคิดที่เป็นนามธรรม เพิ่มเติม - ตั้งแต่การแสดงในศาลไปจนถึงการแสดงละคร

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา การเต้นรำกลายเป็นวิถีแห่งความบันเทิงและการสื่อสารทางสังคม ในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 ทุกคนเชื่อว่าการเต้นรำเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับสังคม เป็นการเกี้ยวพาราสีขี้เล่นเพื่อแสดงถึงความสง่างามและเสน่ห์ของผู้หญิง รวมถึงความแข็งแกร่งและความกล้าหาญของสุภาพบุรุษ ลูกบอลถูกจัดในโอกาสสำคัญ ๆ ทั้งหมด ทั้งแบบทั่วไปและแบบส่วนตัว ความงามและความซับซ้อนของผู้เข้าร่วมแต่ละคนมีความสำคัญต่อการสร้างบรรยากาศห้องบอลรูมที่รื่นเริง ซึ่งยืนยันสถานะทางสังคมและการเมืองระดับสูงของเจ้าของและอำนวยความสะดวกในการแต่งงาน ซึ่งในขณะนั้นมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการรักษาโครงสร้างของสังคม ความสามารถในการเต้นได้รับการฝึกฝนโดยขุนนางและชนชั้นกลางที่เลียนแบบพวกเขาด้วยการฝึกฝนทุกวันภายใต้การแนะนำของครูหลายคน ที่ราชสำนักมีนักออกแบบท่าเต้น-ครูสอนนาฏศิลป์ หน้าที่ของพวกเขารวมถึงการสอนเต้นรำแก่บุคคลทั้งสองเพศ ตลอดจนการแสดงละครโดยทั่วไป

ดังนั้นการเต้นรำแบบมืออาชีพจึงเริ่มเข้าสู่แว่นตาทุกประเภท การเต้นรำซึ่งในยุคกลางมีไว้สำหรับ "การกระทำอันศักดิ์สิทธิ์" ถอยกลับไปในศตวรรษที่ 15 ก่อนงานเฉลิมฉลองที่มีลักษณะทางโลก ส่วนใหญ่ในเวลานั้นพวกเขาชอบสวมหน้ากาก - หน้ากากมีความสำคัญเป็นพิเศษในยุคนี้ การเต้นรำยังเกี่ยวข้องกับขบวนแห่ตามท้องถนนซึ่งมีการแสดงตัวละครเต้นรำทั้งหมด บ่อยครั้งที่ขบวนถนนดังกล่าวตีความเรื่องราวของคนนอกรีตเนื้อหาของตำนานซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสำหรับยุคสมัยที่กลายเป็นสมัยโบราณ

งานคาร์นิวัลยังมีส่วนช่วยอย่างมากในการเต้นในฐานะความบันเทิงสาธารณะ สิ่งที่งดงามที่สุดคือชัยชนะ (trionfi) การแสดงในเรื่องที่เป็นตำนานพร้อมฉากที่บรรจงใช้อย่างชำนาญ แกงที่ค่อนข้างเจียมเนื้อเจียมตัว (carri จากอิตาลี carro - "wagon") - การปลอมตัวของช่างฝีมือและพ่อค้าในเมืองของอิตาลี: ที่นี่ฝูงชนที่สวมหน้ากากเดินขบวนอยู่เบื้องหลังสัญลักษณ์ตกแต่งของอาชีพของพวกเขา การแสดงดนตรี การร้องเพลง การบรรยาย ละครใบ้ และการเต้นรำ ถูกนำมาผสมผสานกับอาหารอันเคร่งขรึม งานเลี้ยงในราชสำนักต่างๆ

แต่ถึงกระนั้นการเต้นรำของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาก็กว้างกว่าความบันเทิงทั่วไป ในเวลานี้ แนวคิดโบราณเกี่ยวกับผลกระทบที่ลึกที่สุดของการเต้นรำต่อสภาพจิตใจและร่างกายของบุคคลกำลังได้รับการฟื้นฟู ในหน้าบทความการเต้นหลายฉบับ มักมีแนวคิดที่ว่าการเต้นรำไม่ใช่การปั้นเป็นพลาสติกบริสุทธิ์ แต่เป็นวิธีการสะท้อนการเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณ “การร่ายรำที่สมบูรณ์แบบที่สุดนั้นประกอบด้วยการบำเพ็ญเพียรทั้งกายและใจแล้วนำมาสู่ ตำแหน่งที่ดีที่สุดซึ่งเป็นไปได้เท่านั้น” M. Mersenne นักทฤษฎีดนตรีชาวฝรั่งเศส ปราชญ์ นักฟิสิกส์ และนักคณิตศาสตร์ M. Mersenne เขียนไว้ในผลงานชิ้นหนึ่งของเขา บ่อยครั้งการเต้นรำเหมือนในสมัยโบราณจะได้รับจักรวาลวิทยา

ความหมาย. ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่บุคคลของนักบวชจะเปิดเผยความสนใจและความตระหนักในเรื่องของศิลปะการเต้น - เจ้าอาวาสเดอเพียว, แคนนอน Arbaud, นักบวช Menetrier

2.3 ประเภทของศิลปะการเต้น

ทัศนคติใหม่ต่อการเต้นในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทำให้เกิดการเต้นหลายประเภท เมื่อพิจารณาจากชื่อผลงานที่วางไว้ในคอลเล็กชั่นดนตรี คู่มือและบทความเชิงปฏิบัติต่างๆ แล้ว ภาพก็กลายเป็นสีผสมกันอย่างผิดปกติ: การเต้นรำบางตัวหลุดจากแฟชั่นอย่างรวดเร็ว คนอื่น ๆ ปรากฏตัวขึ้นในศตวรรษหนึ่ง รักษาความสำคัญในอีกศตวรรษหนึ่ง (เช่น ซอลตาเรลโล เบสแดนซ์ บรันเล่) บางคนเปลี่ยนธรรมชาติและสไตล์ของการออกแบบท่าเต้นเมื่อเวลาผ่านไป

แต่ละจังหวัดมีการเต้นรำและรูปแบบการแสดงของตนเอง Noverre เขียนว่า minuet มาถึงเราจาก Angouleme ว่าแหล่งกำเนิดของการเต้นรำ Burre คือ Auvergne ในเมืองลียง พวกเขาจะพบกับการแสดงขั้นพื้นฐานของกาโวต ในโพรวองซ์ กลอง

ดังนั้นการเต้นรำทุกวันในเวลานี้จึงแบ่งออกเป็นสองกลุ่มหลัก: Bassa danza (French basses danses) - นั่นคือการเต้นรำ "ต่ำ" ที่ไม่มีการกระโดดและขาแทบไม่ขึ้นเหนือพื้น (pavane, allemande, ตีระฆัง , sarabande, ฯลฯ ); Alta danza (French haute danses) - นั่นคือการเต้นรำ "สูง" ของการเต้นรำแบบกลมซึ่งนักเต้นหมุนวนและกระดอน (moreska, galliard, volta, saltarello, branles ประเภทต่างๆ ฯลฯ )

ในยุคของเรเนสซองส์ตอนต้น ลักษณะเฉพาะของการเต้นรำที่เคลื่อนไหวช้าและมีชีวิตชีวามากขึ้น (bassa danza และ alta danza) มันถูกพบทั้งที่งานบอลและในดนตรีอาชีพที่เกิดขึ้นใหม่แล้วในยุคกลางตอนปลาย ในแหล่งดนตรี XIV-จุดเริ่มต้นในศตวรรษที่ 15 การเต้นรำแบบกลุ่มเป็น 2 แบบเป็นเรื่องปกติ: การเต้นรำครั้งแรกของแต่ละคู่จะคงอยู่ในหนึ่งเมตรที่เท่ากันและจังหวะที่ช้า การเต้นที่ 2 - ในมิเตอร์ 3 จังหวะและจังหวะที่รวดเร็ว มากกว่าคู่อื่น ๆ ของ pavan - galliard passamezzo - saltarello เป็นเรื่องธรรมดา พวกเขามีปฏิสัมพันธ์ซึ่งกันและกัน แต่ยังคงรักษาลักษณะเฉพาะของพวกเขาไว้

เกี่ยวกับประเภทของศิลปะการเต้นแห่งยุคนั้นมีอยู่ค่อนข้างมาก แต่ที่นิยมมากที่สุด ได้แก่ การเต้นรำแบบเบส, ปาเวน, ตีระฆัง, บรันเล่, มอร์สกา, แกลเลียร์, ซัลตาเรลโลและโวลตา เพื่อให้เข้าใจถึงความเฉพาะเจาะจงของการเต้นรำแต่ละท่า จำเป็นต้องอ้างอิงคำอธิบายและการตีความ

เต้นเบส(French Basse danse - "โลว์แดนซ์") - ชื่อรวมของคอร์ทแดนซ์ด้วยความเร็วปานกลางหรือช้าปานกลางและตามกฎแล้วในขนาด 4 จังหวะพบได้ทั่วไปในฝรั่งเศสอิตาลีเนเธอร์แลนด์ระหว่างครึ่งหลังของ ที่สิบสี่และกลางศตวรรษที่สิบหก ที่มาของชื่อไม่ชัดเจนทั้งหมด บางทีมันอาจจะเกี่ยวข้องกับการฝึกฝนการแสดงดนตรีของการเต้นรำเหล่านี้ด้วยเครื่องดนตรีที่มีการลงทะเบียนต่ำและบางทีอาจจะไม่มีนักเต้นระบำในจังหวะเบส เนื่องจากขาดจังหวะเร็วและท่ากระโดดที่เป็นลักษณะเฉพาะของ "การเต้นรำสูง" (ภาษาฝรั่งเศส - โอต์แดนซ์, ภาษาอิตาลี - alta danza) การเต้นเบสจึงมักถูกเรียกว่า "เดินเล่น" การเขียนเรียงความสามารถสร้างขึ้นในรูปแบบของการเต้นรำแบบกลมเป็นขบวน การเต้นรำแบบเบสเป็นองค์ประกอบการออกแบบท่าเต้นเล็กๆ ที่นักเต้นแสดงตัวต่อสังคมที่รวมตัวกัน และแสดงให้เห็นถึงความมั่งคั่ง ความงดงามของเครื่องแต่งกาย และมารยาทอันสูงส่งของพวกเขา ในศตวรรษที่ 15 ตาม K. Sachs การเต้นเบส “… ไม่ได้ทำตามขั้นตอนที่กำหนดไว้ Motley ก็เหมือนกับสีสันในลานตา เขาผสมผสานการเคลื่อนไหวใหม่ๆ ทุกครั้ง เพลงแดนซ์เบสซึ่งมักเป็นเพลงประสานเสียงในธรรมชาติ มักจะด้นสดอยู่บนพื้นฐานของ cantus firmus การออกแบบท่าเต้นฟรียังสอดคล้องกับการเปิด (เปิด) โครงสร้างดนตรีด้วยจำนวนส่วนตามอำเภอใจ มีการบรรเลงบรรเลงบรรเลงต่างๆ มากมาย เช่น พิณ พิณและกลอง ทรอมโบน ขลุ่ยพร้อมกลองสแนร์ ฯลฯ เป็นส่วนหนึ่งของการเต้นเบสรวมอยู่ในชุดเครื่องดนตรียุคแรกๆ การเต้นรำแบบเบส: บาสซาดันส์- การเต้นรำเบสแบบอิตาลีที่ประณีตยิ่งขึ้นซึ่งเป็นที่นิยมในศตวรรษที่ 15 แตกต่างในจังหวะที่คล่องตัวมากขึ้น เบียร์ -การเต้นรำของอิตาลีในศตวรรษที่ 15 นั้นเร็วกว่าของ Bassadans จนกระทั่งศตวรรษที่ 16 ชื่อ "เบียร์" ได้รับการคุ้มครองโดยการเต้นรำ 3 จังหวะที่รวดเร็วซึ่งก่อนหน้านี้มีการแสดง pavane และ saltarello

ปาปานะ- การเต้นรำช้าเคร่งขรึม ที่มาของการเต้นรำนี้ค่อนข้างคลุมเครือ: ตามเวอร์ชั่นหนึ่ง pavane เป็นการเต้นรำพื้นเมืองของอิตาลีชื่อมีความเกี่ยวข้องกับแหล่งกำเนิดเมือง Padua ตามอีกรุ่นหนึ่ง pavane เป็นการเต้นรำที่มีต้นกำเนิดจากสเปน . มีเหตุผลที่เชื่อได้ว่าคำว่า "ปาโดวานา" ถูกใช้เป็นคำที่แสดงถึงแนวคิดทั่วไปเช่นกัน - บางประเภทการเต้นรำ การรวมปาวาน่าและความหลากหลาย - passamezzo

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 16 ปาปาเนกลายเป็นหนึ่งในการเต้นรำในศาลที่ได้รับความนิยมมากที่สุด: มันถูกเต้นรำในเสื้อคลุมและด้วยดาบในพิธีอันเคร่งขรึม: เมื่อเจ้าสาวออกจากโบสถ์เมื่อดำเนินการขบวนทางศาสนาของพระสงฆ์ เมื่อเจ้าชายและสมาชิกในการปกครองเมืองจากไป ดนตรีปาวานมีลักษณะดังนี้: ความชัดเจนของโครงสร้าง, มักจะเป็นรูปสี่เหลี่ยมจัตุรัสของโครงสร้างเมโทร-ริทมิก, การนำเสนอคอร์ดที่โดดเด่น, บางครั้งก็แต่งสีด้วยข้อความ

มีหลักฐานว่าการแสดงปาปาเนะมีรำมะนา ขลุ่ย โอโบ และทรอมโบน รองด้วยกลองที่เน้นจังหวะการรำ ในแต่ละประเทศ ธรรมชาติของการเคลื่อนไหวและลักษณะการแสดงปาปาเนมีลักษณะเฉพาะของตนเอง: ในฝรั่งเศส ขั้นบันไดนั้นราบรื่น ช้า สง่างาม และลื่นไถล ในอิตาลี พวกเขามีชีวิตชีวามากขึ้น กระสับกระส่าย สลับกับการกระโดดเล็กน้อย ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 ปาวานแทบจะเลิกใช้ในยุโรป อย่างไรก็ตาม ยังคงอยู่จนถึงกลางปี ​​1620 หนึ่งในที่สุด การเต้นรำยอดนิยมในประเทศอังกฤษ. เครื่องดนตรีปาวานมาถึงรุ่งสางในการทำงานของสาวพรหมจารีชาวอังกฤษ pavanes ที่เกี่ยวข้องคือ: ปาวันิลลา- การเต้นรำบรรเลงซึ่งเป็นที่นิยมในอิตาลีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 17 มีบุคลิกและจังหวะที่มีชีวิตชีวามากขึ้น ปาดัวน่า -เริ่มแพร่หลายเมื่อสิ้นสุดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและเป็นลักษณะของศตวรรษที่ 17 - นี่คือชื่อของการเต้นรำที่แตกต่างกันอย่างน้อยสองแบบ: การเต้นรำแบบสองส่วนและการเต้นรำแบบ 3 ส่วนหลังจากพาสซาเมซโซ passamezzo- การเต้นรำแบบอิตาลีแตกต่างจากปาวานในจังหวะที่คล่องตัวมากขึ้น แปลตามตัวอักษรว่า "เต้นใน 1.5 ก้าว" ซึ่งบ่งบอกถึงลักษณะการเคลื่อนไหวของเขาที่เร็วกว่าใน pavan มีสองประเภทที่พบมากที่สุดคือ "เก่า" (antico) และ "ทันสมัย" (moderno) ซึ่งเกิดจากลักษณะของแผนคลอฮาร์มอนิก

Courant- การเต้นรำของศาล ต้นกำเนิดภาษาอิตาลี มาจากคำว่า corrente ภาษาอิตาลี ซึ่งหมายถึงการไหลของน้ำที่ราบรื่นสม่ำเสมอ รูปแบบองค์ประกอบของการเต้นรำมักจะเป็นรูปวงรี แต่อาจเป็นสี่เหลี่ยมยาวหรือแปดเหลี่ยม ซึ่งทำให้การเคลื่อนไหวซิกแซกมีลักษณะเฉพาะของการเต้นรำ piva ของอิตาลีที่มีอยู่ในศตวรรษที่ 15 เสียงระฆังนั้นเรียบง่ายและซับซ้อน ขั้นตอนแรกประกอบด้วยขั้นตอนง่ายๆ ลื่นไหล ไปข้างหน้าเป็นส่วนใหญ่ ระฆังที่ซับซ้อนมีลักษณะเป็นโขน: สุภาพบุรุษสามคนเชิญผู้หญิงสามคนเข้าร่วมการเต้นรำพวกเขาพาผู้หญิงไปที่มุมตรงข้ามของห้องโถงและขอให้พวกเขาเต้นรำผู้หญิงปฏิเสธสุภาพบุรุษถูกปฏิเสธจากไป แต่ แล้วกลับมาคุกเข่าต่อหน้าพวกนางอีก หลังจากฉากละครใบ้เท่านั้นที่การเต้นรำเริ่มต้นขึ้น ในการสั่นที่ซับซ้อน การเคลื่อนไหวถูกดำเนินการไปข้างหน้า ถอยหลัง และไปด้านข้าง ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 16 ส่วนของการแสดงโขนหายไป Courante ได้เปลี่ยนลายเซ็นเวลาหลายครั้ง ตอนแรกเป็น 2/4 ต่อมาเป็นสามเท่า

บรานเล่- เดิมเป็นการเต้นรำพื้นบ้าน ต่อมาเป็นห้องบอลรูม การเต้นรำในราชสำนักของศตวรรษที่ 15 - 17 คำว่า branle ซึ่งมีความหมายในภาษาฝรั่งเศส - การโยกย้าย, การเต้นแบบกลม, ยังแสดงถึงลักษณะการเคลื่อนไหวหลักอย่างหนึ่ง - การโยกร่างกาย เป็นที่ทราบกันดีว่ามีหลายพันธุ์ ซึ่งแตกต่างกันตามขนาดของจังหวะ การออกแบบท่าเต้น (บัลเลต์ธรรมดา ดับเบิลบอล นักเต้นบัลเลต์ บอลรองเท้า บัลเลต์พร้อมคบเพลิง บัลเลต์พร้อมจูบ ฯลฯ) และแบบต่างๆ ในท้องถิ่น (B. จาก Poitou, B. จากแชมเปญ) จังหวะการเต้นค่อนข้างเร็วและมีชีวิตชีวา ขนาดปกติคือ 2 จังหวะ บางครั้ง 3 จังหวะ (ใน "jolly branle" ซึ่งรวมการกระโดดและชิงช้าด้วย) และ 4 จังหวะ (ในแชมเปญ) บรันเล่พื้นบ้าน - กระฉับกระเฉง, ใจร้อน, ถูกไล่ล่า, ห้องบอลรูม - ราบรื่นและสงบมากขึ้น, มีความเย่อหยิ่งมาก บางครั้งก็มาพร้อมกับการร้องเพลง (คู่กับคอรัส) และการเล่นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน (ไปป์ ขลุ่ย แทมบูรีน ปี่สก็อต) ในศตวรรษที่ 15 มีการแสดงเป็นจุดสิ้นสุดของการเต้นรำเบสซึ่งอาจมา ในแง่ของการออกแบบท่าเต้น มันยังคงค่อนข้างดั้งเดิม โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อดนตรีประกอบประกอบด้วยจังหวะแทมบูรีนที่ค่อนข้างซ้ำซากจำเจ เสียงขลุ่ย และการร้องเพลงที่ซ้ำซากจำเจของนักเต้น แต่ในขณะเดียวกัน ควรสังเกตว่า branle เป็นแหล่งที่มาหลักของการเต้นซาลอนทั้งหมดที่ปรากฏในภายหลัง ซึ่งมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาท่าเต้นบอลรูม

โมเรสก้า -(มอร์สก้า(อิตาลี) - ตามตัวอักษรว่า "มัวร์", มอริสแดนซ์ - จากการเต้นรำของมอร์ริสอังกฤษ) - ละครเพลง - ฉากเต้นรำ ฉากนี้เป็นสัญลักษณ์แห่งการต่อสู้ระหว่างชาวคริสต์และมัวร์ ในอิตาลี การเต้นรำเรียกว่า "โมริสกา" ซึ่งเป็นชื่อเดียวกันกับชาวทุ่งที่ได้รับบัพติศมาและเปลี่ยนมานับถือศาสนาคริสต์ Moresca มีถิ่นกำเนิดในสเปน แต่เดิมเป็นการเต้นรำพื้นบ้านและเต้นรำโดยสองกลุ่ม ระหว่างยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา มอเรสกาเป็นหนึ่งในการเต้นรำที่ได้รับความนิยมมากที่สุด โดยกลายเป็นส่วนหนึ่งของการแสดงละครในเมืองและการแสดงต่างๆ ที่เกิดขึ้นใหม่ โรงละครดนตรี. ที่นั่นเธอสูญเสียสัญญาณเดิมของเธอ เกมพื้นบ้าน, (แต่ยังคงไว้ซึ่งหน้ากากแห่งทุ่ง) และค่อยๆ กลายเป็นการร่ายรำที่เคร่งขรึม มักจะดูเหมือนทำสงคราม ต่อมาในศตวรรษที่ 17 คำว่า moresca หมายถึงการเต้นบัลเลต์หรือโขนในโอเปร่า: ตัวอย่างเช่น Monteverdi ได้แนะนำ moresca ในตอนจบของโอเปร่า "Orpheus" -1607

แกลเลียร์(gagliarda, ital. ร่าเริง, กล้าหาญ, ร่าเริง) - การเต้นรำแบบเก่าของแหล่งกำเนิดแบบโรมันของปลายศตวรรษที่ 15 - XVII เห็นได้ชัดว่ามาจากภาคเหนือของอิตาลี ในภูมิภาคและเมืองต่างๆ เป็นที่ประทับของประเพณีท้องถิ่นและประเพณี นี่คือการเต้นรำที่ร่าเริงและมีชีวิตชีวาซึ่งมีต้นกำเนิดมาจาก ท่าเต้นพื้นบ้านแม้ว่าจะใช้กันอย่างแพร่หลายในชั้นเรียนที่มีสิทธิพิเศษ แต่ยังคงคุณลักษณะของการเต้นรำแบบชาวนา - การกระโดดและการเคลื่อนไหวอย่างกะทันหันซึ่งมักมีชื่อล้อเล่น ("ขั้นตอนเครน", "การเตะวัว") เช่นเดียวกับเสียงระฆัง มันมีลักษณะของบทสนทนา บรรเลงโดยวงออเคสตราเล็กๆ หรือเล่นลูทกับกีตาร์ เรือใบของศตวรรษที่ 16 มีลักษณะเป็นจังหวะเร็วปานกลาง 3 เมตร คอร์ดโกดัง ไดอะโทนิก มักจะทำหลังจากปาเวน 4 จังหวะช้าๆ ที่ไพเราะและ

รูปแบบเมตริก ลำดับที่คล้ายคลึงกันของ pavane 4 จังหวะที่ช้าและ galliard 3 จังหวะที่เร็วคือต้นแบบของชุดเครื่องดนตรีบาโรก

ซัลตาเรลลา- การเต้นรำพื้นบ้านของอิตาลี ชื่อของมันมาจากคำภาษาอิตาลี saltare - กระโดด, กระโดด. เขาเป็นที่รู้จักใน Romagna, Lazo, San Marino, In Abruzzio แต่ละภูมิภาคดำเนินการแตกต่างกัน ซัลทาเรลลาเป็นการเต้นรำที่เรียบง่าย ไม่มี ตัวเลขที่กำหนด. การเคลื่อนไหวหลักคือความสมดุล แต่นักแสดงต้องมีความคล่องแคล่วและความแข็งแกร่ง เนื่องจากจังหวะการเต้นเพิ่มขึ้นตลอดเวลา ไปถึงระดับพายุที่รุนแรง ซัลทาเรลลา - เต้นคู่จำนวนคู่รักที่เข้าร่วมการเต้นรำอาจมีจำนวนมาก เช่นเดียวกับการเต้นรำพื้นบ้านอื่น ๆ การแสดง Saltarella บางครั้งเริ่มต้นด้วยฉากละครใบ้ขี้เล่น ในบางพื้นที่ของอิตาลี เช่น ใน Giogaria การแสดง Saltarella เป็นการเต้นรำแบบกระโดดต่ำ

นอกจากนี้ยังมีการเต้นรำแบบกลมอีกด้วย ในการเต้นรำแบบกลม นักเต้นยืนชิดกันและกัน ร่างกายของพวกเขาเอียงไปข้างหน้า หัวของพวกเขาเกือบจะชนกันตรงกลางวงกลม มือวางอยู่บนไหล่ของกันและกัน เท้าเปล่าร่อนลงบนพื้นอย่างนุ่มนวล นักแสดงโยกไปตามจังหวะการเคลื่อนไหวของขา การแสดงของ saltarella ใน Romagna นั้นแปลกประหลาด ที่นี่มาพร้อมกับเพลงที่ร้องโดยผู้เข้าร่วมคนหนึ่งและเป็นการแสดงให้เห็นถึงความคล่องแคล่ว ผู้หญิงวางแก้วไว้บนหัว เติมน้ำหรือไวน์จนเต็ม ระหว่างการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนและรวดเร็ว ไม่ควรปล่อยหยดเดียว

โวลตา- การเต้นรำคู่ของแหล่งกำเนิดอิตาลี ชื่อของมันมาจากคำภาษาอิตาลี voltare ซึ่งแปลว่า "หัน" โดยปกติการเต้นรำจะดำเนินการโดยคู่หนึ่ง (ชายและหญิง) แต่จำนวนคู่สามารถเพิ่มได้ เช่นเดียวกับการเต้นรำพื้นบ้านอื่น ๆ โวลตาเริ่มดำเนินการในพิธีเฉลิมฉลองในศาลไม่นานหลังจากที่ปรากฏตัว ในศตวรรษที่ 16 เธอเป็นที่รู้จักในทุกประเทศในยุโรป แต่เธอประสบความสำเร็จสูงสุดในราชสำนักฝรั่งเศส อย่างไรก็ตามภายใต้ Louis XIII ศาลฝรั่งเศสแห่ง Volta ไม่ได้เต้นรำ การเต้นรำนี้กินเวลานานที่สุดในอิตาลี

Livanova, T. "ประวัติดนตรียุโรปตะวันตกจนถึงปี 1789 (ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) [ข้อความ] / T. Livanova - M. , 1983 453 s.: C5

ประวัติศาสตร์ความงาม [ข้อความ] / อนุสาวรีย์ความคิดสุนทรียศาสตร์โลก 5 เล่ม ต.1. - ม., 2528 876 หน้า: C 506-514.

Losev, V. สุนทรียศาสตร์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา [ข้อความ] / A. Losev. – ม., 2525 415p.: ป 154.

"ประวัติศาสตร์ศิลปะ: ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา" [ข้อความ] / - M. , 1989. p. 356.: P. 205.

Shestakov, V. สุนทรียศาสตร์ทางดนตรีแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา [ทรัพยากรอิเล็กทรอนิกส์]/ V. Shestakov.// โหมดการเข้าถึง: #"#_ftnref6" name="_ftn6" title=""> Gruber, R. ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรี [ข้อความ] / ร.กรูเบอร์. - ม., 2518 478 น.: ป 123.

Zakharov, R. องค์ประกอบของการเต้นรำ [ข้อความ] / R. Zakharov - M. , 1983. 250p.: С67.

บล๊อก แอล.ดี. “การเต้นรำแบบคลาสสิก ประวัติศาสตร์และความทันสมัย". [ข้อความ] / แอล.ดี. ปิดกั้น. - ม., 2530 556 น.: ป 167

Vasilyeva - คริสต์มาส M. Historical - การเต้นรำทุกวัน [ข้อความ] / M. Vasilyeva - คริสต์มาส - M. , 1987. 328 p.: С107.

ดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเช่นวิจิตรศิลป์และวรรณคดีกลับคืนสู่คุณค่าของวัฒนธรรมโบราณ เธอไม่เพียงพอใจกับหู แต่ยังส่งผลกระทบทางวิญญาณและทางอารมณ์ต่อผู้ฟังด้วย

การฟื้นคืนชีพของศิลปะและวิทยาศาสตร์ในศตวรรษที่ XIV-XVI เป็นยุคแห่งการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ นับเป็นการเปลี่ยนผ่านจากวิถีชีวิตในยุคกลางมาสู่ปัจจุบัน การแต่งและการแสดงดนตรีในช่วงเวลานี้มีความสำคัญเป็นพิเศษ นักมนุษยนิยมที่ศึกษาวัฒนธรรมโบราณของกรีซและโรมประกาศว่าการเขียนดนตรีเป็นอาชีพที่มีประโยชน์และมีเกียรติ เชื่อกันว่าเด็กทุกคนควรเรียนร้องเพลงและเล่นเครื่องดนตรีเป็นผู้เชี่ยวชาญ ด้วยเหตุนี้ ครอบครัวที่มีชื่อเสียงจึงรับนักดนตรีเข้ามาในบ้านเพื่อสอนลูกๆ และให้ความบันเทิงแก่แขก

เครื่องมือยอดนิยม ในศตวรรษที่สิบหก เครื่องดนตรีใหม่ปรากฏขึ้น เกมที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือเกมที่มอบให้แก่คนรักดนตรีอย่างง่ายดายและง่ายดายโดยไม่ต้องใช้ทักษะพิเศษ การละเมิดและการละเมิดที่เกี่ยวข้องกลายเป็นเรื่องที่พบบ่อยที่สุด วิโอลาเป็นผู้บุกเบิกไวโอลิน และเล่นง่ายด้วยเฟรต (แถบไม้พาดบนเฟรตบอร์ด) ที่ช่วยให้คุณตีโน้ตได้ถูกต้อง เสียงวิพากษ์วิจารณ์นั้นเงียบ แต่ฟังดูดีในห้องโถงขนาดเล็ก พวกเขาร้องเพลงพร้อมกับกีตาร์

สมัยนั้นหลายคนชอบเล่นเครื่องบันทึกเสียง ขลุ่ยและเขา เพลงที่ซับซ้อนที่สุดถูกเขียนขึ้นสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดที่สร้างขึ้นใหม่ - ฮาร์ปซิคอร์ดเวอร์จินัล (ฮาร์ปซิคอร์ดภาษาอังกฤษ ซึ่งมีขนาดเล็ก) และออร์แกน ในเวลาเดียวกัน นักดนตรีก็ไม่ลืมที่จะแต่งเพลงที่เรียบง่ายขึ้นซึ่งไม่ต้องการทักษะการแสดงที่สูง ในเวลาเดียวกัน การเขียนดนตรีมีการเปลี่ยนแปลง: บล็อกการพิมพ์ไม้หนักถูกแทนที่ด้วยตัวอักษรโลหะเคลื่อนที่ที่คิดค้นโดย Ottaviano Petrucci ของอิตาลี ที่ตีพิมพ์ งานดนตรีขายหมดอย่างรวดเร็วผู้คนเริ่มเข้าร่วมดนตรีมากขึ้นเรื่อย ๆ

ทิศทางดนตรี

เครื่องมือใหม่ การพิมพ์โน้ตเพลง และความนิยมอย่างแพร่หลายของดนตรีมีส่วนทำให้เกิดการพัฒนาแชมเบอร์มิวสิค ตามชื่อของมัน มันตั้งใจจะเล่นในห้องโถงเล็ก ๆ ต่อหน้าผู้ชมกลุ่มเล็ก มีนักแสดงหลายคนการแสดงเสียงร้องมีชัยเนื่องจากศิลปะการร้องเพลงในเวลานั้นมีการพัฒนามากกว่าการเล่นดนตรีมาก นอกจากนี้ นักมานุษยวิทยายังโต้แย้งว่าผู้ฟังได้รับผลกระทบมากที่สุดจาก "การผสมผสานที่ยอดเยี่ยม" ของศิลปะทั้งสอง - ดนตรีและกวีนิพนธ์ ดังนั้นในฝรั่งเศส ชานสัน (เพลงโพลีโฟนิก) จึงโดดเด่นเป็นแนวเพลงและในอิตาลี - เพลงมาดริกัล

ชานสันและมาดริกาลส์

บทเพลงในช่วงหลายปีที่ผ่านมาถูกบรรเลงด้วยหลายเสียง จนถึงบทกวีที่ไพเราะจับใจในหลากหลายธีม ตั้งแต่ธีมความรักอันสูงส่ง ไปจนถึงชีวิตประจำวันในชนบท นักแต่งเพลงแต่งท่วงทำนองที่ง่ายมาก ต่อจากนั้น มาดริกาลก็ถือกำเนิดจากประเพณีนี้ ซึ่งเป็นงานสำหรับ 4 หรือ 5 เสียงในธีมบทกวีฟรี

ต่อมาในศตวรรษที่ 16 นักแต่งเพลงได้ข้อสรุปว่ามาดริกาลขาดความลึกและพลังของเสียงซึ่งมักถูกแสวงหาในกรีกโบราณและโรมและเริ่มฟื้นฟูเครื่องวัดดนตรีโบราณ ในเวลาเดียวกัน การเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วของจังหวะที่รวดเร็วและราบรื่นสะท้อนถึงการเปลี่ยนแปลงทางอารมณ์และสภาวะทางอารมณ์

ดังนั้นดนตรีจึงเริ่ม "ระบายสีคำ" และสะท้อนความรู้สึก ตัวอย่างเช่น น้ำเสียงจากน้อยไปมากอาจหมายถึงจุดสูงสุด (ระดับความสูง) เสียงจากมากไปน้อยอาจหมายถึงหุบเขา (หุบเขาแห่งความเศร้า) จังหวะช้าอาจหมายถึงความเศร้า ความเร่งของจังหวะและท่วงทำนองที่ไพเราะต่อหู - ความสุข และความไม่ลงรอยกันที่ยาวและเฉียบแหลมโดยเจตนาหมายถึงความเศร้าโศกและความทุกข์ทรมาน ในความกลมกลืนของดนตรีและการเชื่อมโยงกันก่อนหน้านี้มีชัย ตอนนี้มีพื้นฐานมาจากโพลิโฟนีและคอนทราสต์ ซึ่งสะท้อนถึงโลกภายในอันอุดมสมบูรณ์ของมนุษย์ ดนตรีมีความลึกล้ำขึ้นและได้รับบุคลิกส่วนตัว

ดนตรีประกอบ.

การเฉลิมฉลองและงานเฉลิมฉลองเป็นจุดเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ผู้คนในยุคนั้นเฉลิมฉลองทุกอย่าง ตั้งแต่สมัยนักบุญจนถึงฤดูร้อน ระหว่างขบวนแห่ตามท้องถนน นักดนตรีและนักร้องท่องเพลงบัลลาดจากเวทีที่ประดับประดาอย่างวิจิตรบรรจง แสดงละครเพลง Madrigal ที่ซับซ้อนที่สุด และแสดงละครเวที ผู้ชมต่างตั้งหน้าตั้งตารอ "ภาพสด" เป็นพิเศษพร้อมดนตรีประกอบและทิวทัศน์ในรูปของเมฆกลไก ซึ่งเทพจากฉากนี้เสด็จลงมา

ในขณะเดียวกัน ดนตรีที่ไพเราะที่สุดก็ถูกแต่งขึ้นสำหรับคริสตจักร ตามมาตรฐานปัจจุบันคณะนักร้องประสานเสียงไม่ใหญ่นัก - ตั้งแต่ 20 ถึง 30 คน แต่เสียงของพวกเขาถูกขยายด้วยเสียงทรอมโบนและท่อทองเหลืองที่นำเข้าสู่วงออเคสตราและในวันหยุดใหญ่ (เช่นคริสต์มาส) นักร้องถูกรวบรวมจากทั้งหมด ทั่วบริเวณเป็นคณะนักร้องประสานเสียงขนาดใหญ่แห่งหนึ่ง เท่านั้น คริสตจักรคาทอลิกเชื่อว่าดนตรีควรจะเรียบง่ายและเข้าใจได้ ดังนั้นจึงเป็นตัวอย่างเพลงศักดิ์สิทธิ์ของ Giovanni Palestrina ผู้เขียนงานสั้นๆ เกี่ยวกับข้อความทางจิตวิญญาณ ควรสังเกตว่าต่อมาปรมาจารย์เองก็ตกอยู่ภายใต้อิทธิพลของดนตรี "ใหม่" ที่แสดงออกและทรงพลังและเริ่มเขียนงานที่ยิ่งใหญ่และมีสีสันซึ่งต้องใช้ทักษะอย่างมากในการร้องเพลงประสานเสียง

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ดนตรีบรรเลงได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวาง เครื่องดนตรีหลัก ได้แก่ พิณ, พิณ, ขลุ่ย, โอโบ, ทรัมเป็ต, อวัยวะประเภทต่างๆ (บวก, แบบพกพา), ฮาร์ปซิคอร์ดหลากหลาย; ไวโอลินเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน แต่ด้วยการพัฒนาเครื่องสายแบบใหม่ เช่น วิโอลา ทำให้ไวโอลินกลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีชั้นนำ

หากความคิดของยุคใหม่ตื่นขึ้นมาในบทกวี ได้รับการพัฒนาที่ยอดเยี่ยมในด้านสถาปัตยกรรมและการวาดภาพ จากนั้นดนตรีที่เริ่มต้นด้วยเพลงพื้นบ้านจะซึมซับทุกชีวิต แม้แต่เพลงของคริสตจักรในตอนนี้ก็ยังถูกมองว่าเป็นภาพวาดของศิลปินในหัวข้อพระคัมภีร์ ไม่ใช่สิ่งที่ศักดิ์สิทธิ์ แต่เป็นสิ่งที่ให้ความสุขและความเพลิดเพลิน ซึ่งนักประพันธ์เพลง นักดนตรี และคณะนักร้องประสานเสียงเองก็ดูแล

พูดได้คำเดียวว่า อย่างในกวีนิพนธ์ จิตรกรรม ในสถาปัตยกรรม มีจุดหักเหของการพัฒนาดนตรี กับการพัฒนาสุนทรียศาสตร์และทฤษฎีทางดนตรี ด้วยการสร้างแนวเพลงใหม่ๆ โดยเฉพาะรูปแบบศิลปะสังเคราะห์ เช่น อุปรากรและ บัลเล่ต์ซึ่งควรถูกมองว่าเป็นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการถ่ายทอดหลายศตวรรษ

ดนตรีของเนเธอร์แลนด์ในศตวรรษที่ 15 - 16 เต็มไปด้วยชื่อของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ ในหมู่พวกเขา Josquin Despres (1440 - 1524) ซึ่ง Zarlino เขียนและทำหน้าที่ในศาลฝรั่งเศสที่โรงเรียน Franco-Flemish พัฒนาขึ้น เป็นที่เชื่อกันว่าความสำเร็จสูงสุดของนักดนตรีชาวดัตช์คือกลุ่มนักร้องประสานเสียง a capella ซึ่งสอดคล้องกับความทะเยอทะยานของมหาวิหารแบบโกธิก

ในประเทศเยอรมนี ศิลปะออร์แกนกำลังพัฒนา ในฝรั่งเศสมีการสร้างโบสถ์ขึ้นที่ศาลและมีการจัดเทศกาลดนตรี ในปี ค.ศ. 1581 พระเจ้าเฮนรีที่ 3 ได้อนุมัติตำแหน่ง "หัวหน้าผู้จัดงานดนตรี" ที่ศาล "ผู้อำนวยการดนตรี" คนแรกคือนักไวโอลินชาวอิตาลีชื่อ Baltazarini de Belgioso ผู้แสดง "บัลเล่ต์ตลกของราชินี" ซึ่งเป็นการแสดงดนตรีและการเต้นรำเป็นครั้งแรก นี่คือวิธีที่บัลเล่ต์ในสนามเกิดขึ้น

Clement Janequin (ค.ศ. 1475 – ค.ศ. 1560) นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียง ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาฝรั่งเศส, เป็นหนึ่งในผู้สร้างแนวเพลงโพลีโฟนิก เหล่านี้เป็นผลงานเสียง 4-5 เสียง เหมือนเพลงแฟนตาซี เพลงโพลีโฟนิกทางโลก - ชานสัน - แพร่หลายนอกฝรั่งเศส

ในศตวรรษที่ 16 การพิมพ์ดนตรีเริ่มแพร่หลาย ในปี ค.ศ. 1516 Andrea Antico เครื่องพิมพ์ชาวโรมันชาวเวนิสได้ตีพิมพ์ชุดแป้นพิมพ์สำหรับคีย์บอร์ด อิตาลีกลายเป็นศูนย์กลางของการสร้างฮาร์ปซิคอร์ดและไวโอลิน เปิดเวิร์คช็อปไวโอลินมากมาย หนึ่งในผู้เชี่ยวชาญกลุ่มแรกคือ Andrea Amati ที่มีชื่อเสียงจาก Cremona ซึ่งเป็นผู้วางรากฐานสำหรับราชวงศ์ของผู้ผลิตไวโอลิน เขาทำการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในการออกแบบไวโอลินที่มีอยู่ ซึ่งปรับปรุงเสียงและทำให้ดูทันสมัยยิ่งขึ้น

Francesco Canova da Milano (1497 - 1543) - นักเปียโนและนักแต่งเพลงชาวอิตาลีที่โดดเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสร้างชื่อเสียงให้กับอิตาลีในฐานะประเทศของนักดนตรีอัจฉริยะ เขายังคงถือว่าเป็นผู้เล่นลูทที่ดีที่สุดตลอดกาล หลังจากการล่มสลายของยุคกลางตอนปลาย ดนตรีกลายเป็นองค์ประกอบสำคัญของวัฒนธรรม

ในปี ค.ศ. 1537 ที่เมืองเนเปิลส์ นักบวชชาวสเปน จิโอวานนี ตาเปีย ได้สร้างโรงเรียนสอนดนตรีแห่งแรก "Santa Maria di Loreto" ซึ่งทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับโรงเรียนต่อไป

Adrian Willaert (c.1490-1562) - นักแต่งเพลงและครูชาวดัตช์ ทำงานในอิตาลี ตัวแทนของโรงเรียนโพลีโฟนิก Franco-Flemish (ดัตช์) ผู้ก่อตั้ง โรงเรียนเวนิส. Willaert พัฒนาดนตรีสำหรับนักร้องประสานเสียงคู่ ประเพณีนี้มีมาก เพลงประสานเสียงถึงจุดสูงสุดในตอนต้นของยุคบาโรกในผลงานของ Giovanni Gabrieli

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา Madrigal มาถึงจุดสูงสุดและกลายเป็นแนวเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในยุคนั้น มาดริกาลส์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาต่างจากเพลงมาดริกาลรุ่นก่อนและเรียบง่ายในสมัยเตรเซนโต มาดริกาลยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถูกเขียนขึ้นโดยใช้เสียงหลายเสียง (4-6) ซึ่งมักมาจากชาวต่างชาติที่รับใช้ในราชสำนักของครอบครัวชาวเหนือผู้มีอิทธิพล Madrigalists พยายามสร้างสรรค์งานศิลปะชั้นสูง โดยมักใช้กวีนิพนธ์ของกวีชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ในยุคกลางตอนปลาย เช่น Francesco Petrarca, Giovanni Boccaccio และคนอื่นๆ คุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดของมาดริกาลคือการไม่มีศีลโครงสร้างที่เข้มงวดหลักการหลักคือการแสดงออกของความคิดและความรู้สึกอย่างอิสระ

นักแต่งเพลงเช่นตัวแทนของโรงเรียน Venetian, Cypriano de Rore และตัวแทนของโรงเรียน Franco-Flemish, Roland de Lassu (Orlando di Lasso ระหว่างภาษาอิตาลีของเขา ชีวิตสร้างสรรค์) ทดลองเพิ่มสี ความกลมกลืน จังหวะ พื้นผิว และวิธีอื่นๆ ในการแสดงออกทางดนตรี ประสบการณ์ของพวกเขาจะดำเนินต่อไปและสิ้นสุดในยุคของ Mannerist ของ Carlo Gesualdo

รูปแบบเพลงโพลีโฟนิกที่สำคัญอีกรูปแบบหนึ่งคือวิลลาเนลลา มีต้นกำเนิดมาจากเพลงยอดนิยมในเนเปิลส์และแพร่หลายไปทั่วอิตาลีอย่างรวดเร็วและต่อมาก็ไปที่ฝรั่งเศสอังกฤษและเยอรมนี วายร้ายชาวอิตาลีแห่งศตวรรษที่ 16 ได้ให้แรงผลักดันอย่างมากต่อการพัฒนาขั้นของคอร์ดและด้วยเหตุนี้ โทนเสียงที่กลมกลืนกัน

การกำเนิดของโอเปร่า (Florentine Camerata)

จุดสิ้นสุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการทำเครื่องหมาย เหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์ดนตรี - การกำเนิดของโอเปร่า

กลุ่มนักมนุษยนิยม นักดนตรี และกวีรวมตัวกันในฟลอเรนซ์ภายใต้การอุปถัมภ์ของผู้นำ Count Giovanni De Bardi (1534 - 1612) กลุ่มนี้เรียกว่า "kamerata" สมาชิกหลักของกลุ่มคือ Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (บิดาของนักดาราศาสตร์ Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri และ Ottavio Rinuccini ในวัยหนุ่ม

เอกสารการประชุมครั้งแรกของกลุ่มเกิดขึ้นในปี ค.ศ. 1573 และปีที่มีความเคลื่อนไหวมากที่สุดของ "Florence Camerata" คือ 1577 - 1582

พวกเขาเชื่อว่าดนตรี "เสียหาย" และพยายามที่จะกลับไปสู่รูปแบบและสไตล์ของกรีกโบราณ โดยเชื่อว่าศิลปะของดนตรีสามารถปรับปรุงได้และด้วยเหตุนี้สังคมก็จะดีขึ้นเช่นกัน คาเมราตาวิพากษ์วิจารณ์เพลงที่มีอยู่เนื่องจากการใช้โพลีโฟนีมากเกินไปโดยสูญเสียความชัดเจนของข้อความและการสูญเสียองค์ประกอบบทกวีของงานและเสนอให้สร้างรูปแบบดนตรีใหม่ที่มีข้อความโมโนดิกมาพร้อมกับดนตรีบรรเลง . การทดลองของพวกเขานำไปสู่การสร้างรูปแบบเสียงร้องและดนตรีใหม่ - การท่องจำ ใช้ครั้งแรกโดย Emilio de Cavalieri ซึ่งต่อมาเกี่ยวข้องโดยตรงกับการพัฒนาโอเปร่า

โอเปร่าที่ได้รับการยอมรับอย่างเป็นทางการครั้งแรกที่ตรงตามมาตรฐานสมัยใหม่คือโอเปร่า Daphne ซึ่งนำเสนอครั้งแรกในปี 1598 ผู้แต่ง Daphne คือ Jacopo Peri และ Jacopo Corsi บทโดย Ottavio Rinuccini โอเปร่านี้ไม่รอด โอเปร่าแรกที่รอดชีวิตคือ "Eurydice" (1600) โดยผู้เขียนคนเดียวกัน - Jacopo Peri และ Ottavio Rinuccini สหภาพสร้างสรรค์นี้ยังคงสร้างสรรค์ผลงานมากมาย ซึ่งส่วนใหญ่สูญหายไป

การฟื้นฟูภาคเหนือ.

ที่น่าสนใจและเพลงของเวลา ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนเหนือ. ภายในศตวรรษที่ 16 มีนิทานพื้นบ้านมากมายซึ่งส่วนใหญ่เป็นเสียงร้อง เสียงเพลงดังไปทุกหนทุกแห่งในเยอรมนี: ในงานเฉลิมฉลอง ในโบสถ์ ที่งานสังคมและในค่ายทหาร สงครามชาวนาและการปฏิรูปทำให้เกิดการแต่งเพลงขึ้นใหม่ ศิลปะพื้นบ้าน. มีเพลงสวดลูเธอรันที่แสดงอารมณ์มากมายซึ่งไม่ทราบผู้ประพันธ์ การร้องเพลงประสานเสียงได้กลายเป็นรูปแบบหนึ่งของการบูชาลูเธอรัน บทสวดโปรเตสแตนต์มีอิทธิพลต่อการพัฒนาดนตรียุโรปทั้งหมดในภายหลัง

รูปแบบดนตรีที่หลากหลายในประเทศเยอรมนีในศตวรรษที่ 16 น่าทึ่งมาก: มีการแสดงบัลเลต์และโอเปร่าที่ชโรเวไทด์ เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่ตั้งชื่อเช่น K. Paumann, P. Hofheimer เหล่านี้เป็นนักแต่งเพลงที่แต่งเพลงฆราวาสและคริสตจักรโดยเฉพาะสำหรับออร์แกน พวกเขาเข้าร่วมโดยตัวแทนนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส - เฟลมิชที่โดดเด่น โรงเรียนดัตช์อ. ลาสโซ่. เขาเคยทำงานในหลายประเทศในยุโรป เขาสรุปและพัฒนาความสำเร็จของโรงเรียนดนตรียุโรปหลายแห่งของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอย่างสร้างสรรค์ ปรมาจารย์ด้านดนตรีลัทธิและฆราวาส (มากกว่า 2,000 บทประพันธ์)

แต่การปฏิวัติที่แท้จริงในดนตรีเยอรมันเกิดขึ้นโดย Heinrich Schutz (1585-1672) นักแต่งเพลง หัวหน้าวงดนตรี นักเล่นออร์แกน และอาจารย์ ผู้ก่อตั้งโรงเรียนกวีแห่งชาติ ใหญ่ที่สุดในรุ่นก่อนของ I.S. บาค Schützเขียนคนแรก โอเปร่าเยอรมัน Daphne (1627), โอเปร่าบัลเล่ต์ Orpheus และ Eurydice (1638); madrigals, การประพันธ์เพลง cantata-oratorio ทางจิตวิญญาณ (“ความหลงใหล”, คอนแชร์โต, โมเต็ต, สดุดี, ฯลฯ )