ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน เบโธเฟนเป็นบุคคลสำคัญในดนตรีคลาสสิกตะวันตกระหว่างความคลาสสิกกับแนวโรแมนติก และเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ได้รับการยอมรับและแสดงมากที่สุดในโลก เขาเขียนทุกประเภทที่มีอยู่ในสมัยของเขา รวมทั้งโอเปร่า ดนตรีสำหรับการแสดงละคร การแต่งเพลงประสานเสียง
โยฮันน์ บิดาของเขา (โยฮันน์ ฟาน เบโธเฟน) เป็นนักร้อง อายุ ในโบสถ์น้อย มารดาของเขา แมรี่ แม็กดาลีน ก่อนแต่งงาน เคเวริช (มาเรีย มักดาเลนา เคอเวริช) เป็นลูกสาวของพ่อครัวในราชสำนักในโคเบลนซ์ พวกเขาแต่งงานกันที่โคเบลนซ์ 1767.
ครูของเบโธเฟน พ่อของนักแต่งเพลงต้องการสร้างโมสาร์ทตัวที่สองจากลูกชายของเขา และเริ่มสอนวิธีเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและไวโอลินให้เขา ในปี ค.ศ. 1778 การแสดงครั้งแรกของเด็กชายเกิดขึ้นที่โคโลญ อย่างไรก็ตาม ปาฏิหาริย์ - เบโธเฟนไม่ได้กลายเป็นเด็ก พ่อมอบหมายให้เด็กคนนี้กับเพื่อนร่วมงานและเพื่อน ๆ ของเขา คนหนึ่งสอนลุดวิกในการเล่นออร์แกน อีกคนสอนวิธีเล่นไวโอลิน ในปี ค.ศ. 1780 Christian Gottlob Nefe นักออร์แกนและนักแต่งเพลงมาถึงกรุงบอนน์ เขากลายเป็นครูที่แท้จริงของเบโธเฟน
สิบปีแรกในกรุงเวียนนา ในปี ค.ศ. 1787 เบโธเฟนเยือนกรุงเวียนนา หลังจากฟังการแสดงด้นสดของเบโธเฟน โมสาร์ทก็อุทานออกมา เขาจะทำให้ทุกคนพูดถึงตัวเอง! เมื่อมาถึงกรุงเวียนนา Beethoven เริ่มเรียนกับ Haydn ต่อมาอ้างว่า Haydn ไม่ได้สอนอะไรเขาเลย ชั้นเรียนทำให้ทั้งนักเรียนและครูผิดหวังอย่างรวดเร็ว เบโธเฟนเชื่อว่าไฮเดนไม่ใส่ใจกับความพยายามของเขามากพอ Haydn รู้สึกหวาดกลัวไม่เพียงเพราะความเห็นที่ชัดเจนของ Ludwig ในขณะนั้น แต่ยังรวมถึงท่วงทำนองที่ค่อนข้างมืดมนซึ่งไม่ธรรมดาในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เมื่อ Haydn เขียนถึง Beethoven สิ่งของของคุณสวยงาม แม้จะเป็นสิ่งมหัศจรรย์ แต่ที่นี่และที่นั่นมีสิ่งแปลกปลอมและมืดมนอยู่ในนั้น เนื่องจากคุณเองก็มืดมนและแปลกไปเล็กน้อย และสไตล์ของนักดนตรีก็เป็นตัวเขาเองอยู่เสมอ ในไม่ช้า Haydn ก็เดินทางไปอังกฤษและมอบลูกศิษย์ให้กับ Albrechtsberger อาจารย์และนักทฤษฎีที่มีชื่อเสียง ในท้ายที่สุด เบโธเฟนเองก็เลือกที่ปรึกษาอันโตนิโอ ซาลิเอรีด้วยตัวเอง
ปีต่อมา () เมื่อเบโธเฟนอายุได้ 34 ปี นโปเลียนละทิ้งอุดมคติของการปฏิวัติฝรั่งเศสและประกาศตนเป็นจักรพรรดิ ดังนั้นเบโธเฟนจึงละทิ้งความตั้งใจที่จะอุทิศซิมโฟนีที่สามให้กับเขา: “นโปเลียนคนนี้ก็เป็นคนธรรมดาเช่นกัน ตอนนี้เขาจะเหยียบย่ำสิทธิมนุษยชนทั้งหมดด้วยเท้าของเขาและกลายเป็นเผด็จการ” เนื่องจากหูหนวก Beethoven ไม่ค่อยออกจากบ้านและสูญเสียการรับรู้เสียง เขากลายเป็นมืดมนถอนตัว ในช่วงหลายปีที่ผ่านมานักประพันธ์เพลงได้สร้างผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาทีละคน ในช่วงปีเดียวกันนี้ เบโธเฟนกำลังทำงานโอเปร่าเรื่องเดียวของเขาคือฟิเดลิโอ โอเปร่านี้เป็นประเภทของโอเปร่า "สยองขวัญและกู้ภัย" ความสำเร็จของฟิเดลิโอเกิดขึ้นในปี ค.ศ. 1814 เมื่อโอเปร่าเริ่มการแสดงครั้งแรกในเวียนนา จากนั้นในปราก ที่ซึ่งเวเบอร์นักประพันธ์เพลงชาวเยอรมันผู้โด่งดังเป็นผู้ดำเนินการ และสุดท้ายที่เบอร์ลิน
ปีที่แล้ว ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต นักแต่งเพลงได้มอบต้นฉบับของ "ฟิเดลิโอ" ให้กับเพื่อนและเลขาของชินด์เลอร์พร้อมข้อความว่า "ลูกแห่งจิตวิญญาณของฉันคนนี้เกิดมาในความทุกข์ทรมานที่หนักหนาสาหัสกว่าคนอื่น และทำให้ฉันรู้สึกเศร้าใจอย่างที่สุด ดังนั้นฉันจึงเป็นที่รักของฉันมากกว่าใคร ... ” หลังจากปี พ.ศ. 2355 กิจกรรมสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงก็ลดลงชั่วขณะหนึ่ง อย่างไรก็ตาม หลังจากสามปี เขาเริ่มทำงานด้วยพลังงานเดียวกัน ในเวลานี้ โซนาตาเปียโนจากวันที่ 28 ถึงครั้งสุดท้าย, 32, โซนาต้าเชลโล 2 ตัว, ควอร์เต็ต และวงจรเสียงร้อง "แด่ผู้เป็นที่รักที่อยู่ห่างไกล" ได้ถูกสร้างขึ้น ส่วนใหญ่อุทิศให้กับการประมวลผลเพลงพื้นบ้าน นอกจากชาวสก็อต ไอริช เวลส์ แล้ว ยังมีชาวรัสเซียอีกด้วย แต่การสร้างสรรค์ที่สำคัญในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาคือการประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสองชิ้นของเบโธเฟน ได้แก่ พิธีมิสซาเคร่งขรึมและซิมโฟนี 9 พร้อมคณะนักร้องประสานเสียง
Giulietta Guicciardi ซึ่งนักแต่งเพลงอุทิศ Moonlight Sonata ซิมโฟนีที่เก้าได้ดำเนินการในปี พ.ศ. 2367 ผู้ชมปรบมือให้นักแต่งเพลงยืนปรบมือ เป็นที่ทราบกันดีว่าเบโธเฟนยืนหันหลังให้ผู้ชมและไม่ได้ยินอะไรเลยนักร้องคนหนึ่งจับมือเขาแล้วหันหน้าเข้าหาผู้ชม ผู้คนโบกผ้าเช็ดหน้า หมวก มือ ต้อนรับผู้แต่ง การปรบมือกินเวลานานจนเจ้าหน้าที่ตำรวจที่ปรากฏตัวเรียกร้องทันที
ผลงานของ 9 ซิมโฟนี: 1 (), 2 (1803), 3 "ฮีโร่" (), 4 (1806), 5 (), 6 "อภิบาล" (1808), 7 (1812), 8 (1812), 9 ( 1824) ). บทเพลงไพเราะ 11 เพลง รวมทั้ง "Coriolanus", "Egmont", "Leonora" 3. 5 คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและออเคสตรา 6 Youth Sonatas สำหรับเปียโน โซนาต้าเปียโน 32 แบบ 32 แบบและประมาณ 60 เปียโน 10 โซนาต้าสำหรับไวโอลินและเปียโน คอนแชร์โตสำหรับไวโอลินและออเคสตรา คอนแชร์โต้สำหรับเปียโน ไวโอลินและเชลโล และวงออเคสตรา ("คอนแชร์โตสาม") 5 โซนาต้าสำหรับเชลโลและเปียโน เครื่องสาย 16 ตัว. 6 ทรีโอ บัลเล่ต์ "การสร้างสรรค์ของโพร" โอเปร่า ฟิเดลิโอ มวลเคร่งขรึม วัฏจักรเสียง "ถึงที่รักอันห่างไกล" เพลงในข้อของกวีต่าง ๆ การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน
Ryabchinskaya Inga Borisovna
ตำแหน่ง:ครูเปียโน, คลอ
สถาบันการศึกษา: MBU DO Children's Music School ตั้งชื่อตาม D.D. โชสตาโควิช
ที่ตั้ง: เมือง Volgodonsk ภูมิภาค Rostov
ชื่อของวัสดุ: การพัฒนาอย่างเป็นระบบ
หัวข้อ: "ยุคประวัติศาสตร์ รูปแบบดนตรี" (คลาสสิก แนวโรแมนติก)
วันที่ตีพิมพ์: 09/16/2015
ส่วนข้อความของสิ่งพิมพ์
สถาบันงบประมาณเทศบาลเพื่อการศึกษาเพิ่มเติม โรงเรียนดนตรีเด็ก ตั้งชื่อตาม D. D. Shostakovich, Volgodonsk
การพัฒนาระเบียบวิธีในหัวข้อ:
“ยุคประวัติศาสตร์
แนวเพลง »
ความคลาสสิค ความโรแมนติก
) การพัฒนาดำเนินการโดย Inga Borisovna Ryabchinskaya อาจารย์ประเภทที่ 1 นักดนตรีของประเภทสูงสุด
สไตล์และยุคเป็นแนวคิดสองประการที่สัมพันธ์กัน แต่ละสไตล์เชื่อมโยงกับบรรยากาศทางประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมอย่างแยกไม่ออก ทิศทางโวหารที่สำคัญที่สุดปรากฏขึ้น มีอยู่ และหายไปในลำดับประวัติศาสตร์ ในแต่ละข้อมีการแสดงหลักการทั่วไปทางศิลปะและเชิงเปรียบเทียบ วิธีการแสดงออก และวิธีการสร้างสรรค์อย่างชัดเจน
คลาสสิก
คำว่า "คลาสสิก", "คลาสสิก", "คลาสสิก" มาจากรากศัพท์ภาษาละติน - classicus นั่นคือแบบอย่าง การเรียกศิลปิน นักเขียน กวี นักแต่งเพลงว่าคลาสสิก เราหมายความว่าเขาได้รับความเชี่ยวชาญสูงสุด ความสมบูรณ์แบบในงานศิลปะ งานของเขาเป็นมืออาชีพและเป็นของเรา
ตัวอย่าง.
ในการก่อตัวและการพัฒนาของความคลาสสิคนั้นมีการกล่าวถึงสองขั้นตอนทางประวัติศาสตร์
ขั้นแรก
เป็นของศตวรรษที่ 17 ความคลาสสิคของศตวรรษที่ 17 ซึ่งงอกออกมาจากศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา พัฒนาควบคู่ไปกับบาโรก ส่วนหนึ่งในการต่อสู้ ส่วนหนึ่งในการโต้ตอบกับมัน และในช่วงเวลานี้ ได้รับการพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในฝรั่งเศส สำหรับผลงานคลาสสิกของยุคนี้ งานศิลปะโบราณเป็นตัวอย่างของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะที่ไม่มีใครเทียบได้ โดยอุดมคติคือความเป็นระเบียบ ความมีเหตุมีผล ความกลมกลืน ในงานของพวกเขา พวกเขาแสวงหาความสวยงามและความจริง ความชัดเจน ความกลมกลืน และความสมบูรณ์ของการก่อสร้าง
ระยะที่สอง
- ลัทธิคลาสสิคตอนปลายตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 18 ถึงต้นศตวรรษที่ 19 มีความเกี่ยวข้องเป็นหลักกับ
โรงเรียนคลาสสิกเวียนนา
. เขาเข้าสู่ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมยุโรปเช่น
ยุคแห่งการตรัสรู้
หรืออายุของเหตุผล มนุษย์ให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับความรู้และเชื่อในความสามารถในการอธิบายโลก ตัวละครหลักคือคนที่พร้อมสำหรับการกระทำที่กล้าหาญซึ่งอยู่ภายใต้ความสนใจของเขา - ทั่วไป, จิตวิญญาณ
ความคลาสสิค
ความคลาสสิค
แจ่มใส
ความสามัคคี
แจ่มใส
ความสามัคคี
เข้มงวด
แบบฟอร์ม
เข้มงวด
แบบฟอร์ม
สมดุล
ความรู้สึก
สมดุล
ความรู้สึก
ลมกระโชกแรง - เสียงของเหตุผล เป็นผู้มีความโดดเด่นในเรื่องความแน่วแน่ในศีลธรรม ความกล้าหาญ ความจริงใจ ความซื่อสัตย์ต่อหน้าที่ สุนทรียศาสตร์ที่มีเหตุผลของความคลาสสิกสะท้อนให้เห็นในงานศิลปะทุกรูปแบบ
สถาปัตยกรรม
ช่วงเวลานี้มีลักษณะของความเป็นระเบียบเรียบร้อย การใช้งาน ความได้สัดส่วนของชิ้นส่วน แนวโน้มที่จะสมดุลและสมมาตร ความชัดเจนของแนวคิดและโครงสร้าง และการจัดระเบียบที่เข้มงวด จากมุมมองนี้ สัญลักษณ์ของความคลาสสิกคือการจัดวางทางเรขาคณิตของอุทยานหลวงที่แวร์ซาย ซึ่งมีต้นไม้ พุ่มไม้ ประติมากรรม และน้ำพุตั้งอยู่ตามกฎของความสมมาตร มาตรฐานคลาสสิกที่เข้มงวดของรัสเซียคือ Tauride Palace ซึ่งสร้างโดย I. Starov
ในการวาดภาพ
การเปิดเผยตรรกะของพล็อตองค์ประกอบที่สมดุลที่ชัดเจนการถ่ายโอนปริมาณที่ชัดเจนบทบาทรองของสีด้วยความช่วยเหลือของ chiaroscuro การใช้สีในท้องถิ่น (N. Poussin, C. Lorrain, J. David) ได้มาซึ่งหลัก ความสำคัญ
ในศิลปะกวี
มีการแบ่งออกเป็นประเภท "สูง" (โศกนาฏกรรม บทกวี มหากาพย์) และประเภท "ต่ำ" (ตลก นิทาน เสียดสี) ตัวแทนที่โดดเด่นของวรรณคดีฝรั่งเศส P. Corneille, F. Racine, J. B. Moliere มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของลัทธิคลาสสิคในประเทศอื่น ๆ ช่วงเวลาที่สำคัญของช่วงเวลานี้คือการสร้างสถาบันการศึกษาต่างๆ: วิทยาศาสตร์, ภาพวาด, ประติมากรรม, สถาปัตยกรรม, จารึก, ดนตรีและการเต้นรำ.
แนวดนตรีคลาสสิค
ความคลาสสิคในดนตรีแตกต่างจากศิลปะคลาสสิกที่เกี่ยวข้องและเกิดขึ้นในปี ค.ศ. 1730-1820 ในวัฒนธรรมประจำชาติต่างๆ แนวดนตรีจะแผ่ขยายออกไปในเวลาที่ต่างกัน เถียงไม่ได้ว่าในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 คลาสสิกนิยมได้รับชัยชนะเกือบทุกที่ เนื้อหาของการประพันธ์ดนตรีเชื่อมโยงกับโลกแห่งความรู้สึกของมนุษย์ซึ่งไม่ได้อยู่ภายใต้การควบคุมจิตใจอย่างเข้มงวด อย่างไรก็ตาม นักแต่งเพลงในยุคนี้ได้สร้างระบบกฎเกณฑ์ที่กลมกลืนและสมเหตุสมผลสำหรับการสร้างผลงาน ในยุคของความคลาสสิกประเภทต่าง ๆ เช่นโอเปร่าซิมโฟนีโซนาต้าถูกสร้างขึ้นและบรรลุความสมบูรณ์แบบ การปฏิวัติที่แท้จริงคือการปฏิรูปโอเปร่าของ Christoph Gluck โปรแกรมสร้างสรรค์ของเขามีหลักการสำคัญสามประการ - ความเรียบง่าย ความจริง ความเป็นธรรมชาติ ในละครเพลง เขามองหาความหมาย ไม่ใช่ความหวาน จากโอเปร่า Gluck กำจัดทุกสิ่งที่ไม่จำเป็นออกไป: การตกแต่งเอฟเฟกต์อันงดงามให้พลังการแสดงบทกวีที่ยิ่งใหญ่และดนตรีก็อยู่ภายใต้การเปิดเผยของโลกภายในของตัวละครอย่างสมบูรณ์ โอเปร่า "Orpheus and Eurydice" เป็นงานแรกที่ Gluck นำแนวคิดใหม่มาใช้และเริ่มการปฏิรูปโอเปร่า ความเคร่งครัด สัดส่วนของรูป ความเรียบง่ายอันสูงส่งไม่มีความหรูหรา ความรู้สึก
การวัดทางศิลปะในงานเขียนของ Gluck นั้นชวนให้นึกถึงความกลมกลืนของรูปแบบของประติมากรรมโบราณ Arias, บทสวด, คณะนักร้องประสานเสียงประกอบเป็นโอเปร่าขนาดใหญ่ ความมั่งคั่งของดนตรีคลาสสิกเริ่มขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ในกรุงเวียนนา ออสเตรียในเวลานั้นเป็นอาณาจักรที่มีอำนาจ ความเป็นสากลของประเทศก็ส่งผลต่อวัฒนธรรมทางศิลปะเช่นกัน การแสดงออกสูงสุดของลัทธิคลาสสิกคือผลงานของโจเซฟ ไฮเดน, โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท, ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน ผู้ซึ่งทำงานในเวียนนาและเป็นผู้กำหนดทิศทางในวัฒนธรรมดนตรี - โรงเรียนคลาสสิกเวียนนา
ผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิกแบบเวียนนาใน
ดนตรี
ว. โมสาร์ท
เจ เฮย์เดน แอล.
เบโธเฟน
สุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิคมีพื้นฐานมาจากความเชื่อในความมีเหตุผลและความกลมกลืนของระเบียบโลก ซึ่งแสดงออกถึงความใส่ใจต่อความสมดุลของส่วนต่าง ๆ ของงาน การตกแต่งรายละเอียดอย่างระมัดระวัง และการพัฒนาหลักการหลักของรูปแบบดนตรี ในช่วงเวลานี้เองที่รูปแบบโซนาตาถูกสร้างขึ้นในที่สุด โดยอาศัยการพัฒนาและการต่อต้านของสองธีมที่ตัดกัน และกำหนดองค์ประกอบคลาสสิกของส่วนต่างๆ ของโซนาตาและซิมโฟนี
เวียนนา
ความคลาสสิค
เวียนนา
ความคลาสสิค
แบบฟอร์มโซนาต้า
โซนาตา - (จากโซนาเรอิตาลี - เสียง) - หนึ่งในรูปแบบของดนตรีบรรเลงแชมเบอร์ซึ่งมีหลายส่วน โซนาตินา - (โซนาตินาอิตาลี - จิ๋วของโซนาต้า) - โซนาตาขนาดเล็ก มีขนาดกระชับกว่า เนื้อหาง่ายกว่ามากและในทางเทคนิคง่ายกว่า เครื่องดนตรีที่โซนาตาแต่งขึ้นแต่เดิม ได้แก่ ไวโอลิน ฟลุต คลาเวียร์ ซึ่งเป็นชื่อสามัญของเครื่องดนตรีประเภทคีย์บอร์ดทั้งหมด เช่น ฮาร์ปซิคอร์ด คลาวิคอร์ด เปียโน ประเภทของเพลงกลาเวียร์ (เปียโน) โซนาต้ามาถึงจุดสูงสุดในยุคคลาสสิก ในเวลานี้ การทำเพลงที่บ้านได้รับความนิยม ส่วนแรกของโซนาตาที่นำเสนอในรูปแบบโซนาตานั้นมีความโดดเด่นด้วยความตึงเครียดและความคมชัดที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ส่วนแรก (โซนาตาอัลเลโกร) ประกอบด้วยสามส่วน: ส่วนแรกของโซนาตาอัลเลโกรประกอบด้วยส่วนหลักและส่วนรอง ส่วนต่อกันและส่วนสุดท้าย: การแสดงนิทรรศการการพัฒนาชดใช้
ส่วนที่สองของ sonata allegro - การพัฒนา ส่วนที่สามของ sonata allegro - ชดใช้:
นิทรรศการ
บ้าน
ฝากขาย
หลัก
กุญแจ
ด้านข้าง
ฝากขาย
สำคัญ
ครอบงำ
การพัฒนา
การพัฒนา
ฝ่ายค้าน
ปาร์ตี้
ฝ่ายค้าน
ปาร์ตี้
การปรับเปลี่ยน
ปาร์ตี้
การปรับเปลี่ยน
ปาร์ตี้
"สาน"
ปาร์ตี้
"สาน"
ปาร์ตี้
ส่วนที่เป็นไปได้ของ sonata allegro - รหัส:
ส่วนที่สอง
แบบฟอร์มโซนาต้า - ช้า ดนตรีสื่อถึงความคิดที่ไหลลื่น เชิดชูความงามของความรู้สึก วาดภูมิทัศน์อันวิจิตรงดงาม
ส่วนที่สาม
โซนาต้า (ตอนจบ). โซนาต้าตอนสุดท้ายมักจะแสดงด้วยจังหวะที่รวดเร็วและมีลักษณะการเต้น เช่น มินูเอต บ่อยครั้งที่รอบชิงชนะเลิศของโซนาต้าคลาสสิกเขียนในรูปแบบ
rondo
(จากอิตาลี rondo - วงกลม) ส่วนที่เกิดซ้ำ -
แต่
-
กลั้น
(ธีมหลัก),
B, C, D
- ตัดกัน
ตอน
.
บรรเลง
บ้าน
ฝากขาย
หลัก
กุญแจ
ด้านข้าง
ฝากขาย
หลัก
กุญแจ
เกมเชื่อมต่อ เกมสุดท้าย
รหัส
รหัส
โทนสีได้รับการแก้ไข
โทนสีได้รับการแก้ไข
ความแตกต่างจะถูกลบออก
ความแตกต่างจะถูกลบออก
ธีมหลัก
ธีมหลัก
โจเซฟ ไฮเดน
“เฮย์ดน์ ผู้มีชื่อเจิดจ้าในวิหารแห่งความสามัคคี...”
Joseph Haydn - ผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิกแบบเวียนนา - ทิศทางที่แทนที่บาร็อค ชีวิตของเขาจะยังคงอยู่ในราชสำนักของผู้ปกครองฆราวาสเป็นหลัก และหลักดนตรีใหม่ ๆ จะถูกสร้างขึ้นในงานของเขา แนวเพลงใหม่ ๆ จะเกิดขึ้น ทั้งหมดนี้
ยังคงมีความสำคัญในสมัยของเรา ... Haydn ถูกเรียกว่าผู้ก่อตั้งดนตรีคลาสสิกผู้ก่อตั้งวงดุริยางค์ซิมโฟนีสมัยใหม่และเป็นบิดาของซิมโฟนี เขากำหนดกฎของซิมโฟนีคลาสสิก: เขาให้รูปลักษณ์ที่เพรียวบางและดูเรียบร้อย กำหนดลำดับของการจัดเรียงซึ่งได้รับการเก็บรักษาไว้ในลักษณะหลักมาจนถึงทุกวันนี้ ซิมโฟนีคลาสสิกมีวงจรสี่ตัว ส่วนแรกดำเนินไปอย่างรวดเร็วและมักจะฟังดูกระฉับกระเฉงและตื่นเต้น ส่วนที่สองนั้นช้า เพลงของเธอสื่อถึงอารมณ์ที่ไพเราะของบุคคล ขบวนการที่สามคือ minuet เป็นหนึ่งในการเต้นรำที่โปรดปรานของยุค Haydn ส่วนที่สี่เป็นส่วนสุดท้าย นี่คือผลลัพธ์ของวงจรทั้งหมด บทสรุปจากทุกสิ่งที่แสดง คิดออก รู้สึกในส่วนก่อนหน้านี้ ดนตรีในตอนจบมักจะพุ่งขึ้นไปข้างบน มันเป็นการยืนยันชีวิต เคร่งขรึม และมีชัยชนะ ในซิมโฟนีคลาสสิก พบรูปแบบในอุดมคติที่สามารถรองรับเนื้อหาที่ลึกล้ำได้ ในงานของ Haydn มีการสร้างประเภทของโซนาตาสามการเคลื่อนไหวแบบคลาสสิกอีกด้วย ผลงานของผู้แต่งมีลักษณะเด่นด้วยความสวยงาม ความเป็นระเบียบ ความเรียบง่ายที่ละเอียดอ่อนและสูงส่ง ดนตรีของเขาสดใส บางเบา ส่วนใหญ่เป็นเพลงหลัก เต็มไปด้วยความร่าเริง ความปิติยินดีในโลกมหัศจรรย์ และอารมณ์ขันที่ไม่สิ้นสุด บรรพบุรุษของเขาเป็นชาวนาและคนงาน ผู้รักชีวิต ความอุตสาหะและการมองโลกในแง่ดี และได้รับมรดกคลาสสิก “พ่อผู้ล่วงลับของฉันมีอาชีพเป็นโค้ช เป็นวิชาของเคาท์ฮาร์ราช และโดยธรรมชาติแล้วเป็นคนรักดนตรีที่กระตือรือร้น” Haydn แสดงความสนใจในดนตรีตั้งแต่ยังเป็นเด็ก เมื่อสังเกตเห็นความสามารถของลูกชาย พ่อแม่จึงส่งเขาไปเรียนที่เมืองอื่น - ที่นั่นเด็กชายอาศัยอยู่ในความดูแลของญาติของเขา จากนั้นไฮเดนก็ย้ายไปอีกเมืองหนึ่งซึ่งเขาร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียง อันที่จริงตั้งแต่อายุ 6 ขวบ โจเซฟ ไฮเดนใช้ชีวิตอิสระ อาจกล่าวได้ว่าเขาเรียนรู้ด้วยตนเองเพราะเงินหรือความสัมพันธ์ไม่เพียงพอสำหรับการศึกษาอย่างเป็นระบบกับครูที่มีชื่อเสียง ตามระดับของวุฒิภาวะ เสียงเริ่มหยาบ และไฮเดนที่อายุน้อยก็พบว่าตัวเองอยู่บนถนนโดยไม่มีหลังคาคลุมศีรษะ เขาหาเลี้ยงชีพจากบทเรียนที่เขาสอนเองแล้ว การศึกษาด้วยตนเองดำเนินต่อไป: ไฮเดนศึกษาดนตรีของซี.พี.อี. Bach (ลูกชายของ J.S. Bach) ฟังเพลงที่ฟังจากท้องถนน (รวมถึงท่วงทำนองสลาฟ) และ Haydn ก็เริ่มแต่ง เขาสังเกตเห็น ในยุโรป เหล่าขุนนางพยายามเอาชนะซึ่งกันและกันด้วยการจ้างนักดนตรีที่เก่งที่สุด ปีที่เด็กหนุ่ม Haydn ใช้เป็นศิลปินอิสระนั้นประสบความสำเร็จ แต่ก็ยังเป็นชีวิตที่ยากลำบาก แต่งงานแล้ว Haydn (ทุกคนอธิบายว่าการแต่งงานไม่ประสบความสำเร็จอย่างมาก) ยอมรับคำเชิญของ Prince Esterhazy อันที่จริงที่ศาลของ Esterhazy Haydn
จะมีอายุ 30 ปี หน้าที่ของเขารวมถึงการเขียนเพลงและกำกับวงออเคสตราของเจ้าชาย เจ้าชายเอสเตอร์ฮาซี (หรือเอสเตอร์ฮาซี) ทรงเป็นบุรุษที่ดีและเป็นคนรักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ ไฮเดนสามารถทำสิ่งที่เขารักได้ ดนตรีถูกเขียนขึ้นตามคำสั่ง - ไม่มี "เสรีภาพในการสร้างสรรค์" แต่ในขณะนั้นก็เป็นเรื่องปกติ นอกจากนี้ คำสั่งมีข้อได้เปรียบอย่างมาก: เพลงที่สั่งนั้นได้รับการดำเนินการอย่างแน่นอนและทันที ไม่มีอะไรเขียนบนโต๊ะ
จากสนธิสัญญาอย่างเป็นทางการครั้งแรกระหว่างเจ้าชายเอสเตอร์ฮาซีและ
รอง Kapellmeister Joseph Haydn:
“ตามคำสั่งแรกแห่งการปกครองของพระองค์ แกรนด์ดุ๊ก รอง kapellmeister (Haydn) รับหน้าที่แต่งเพลงใดๆ ที่เจ้านายของเขาประสงค์ จะไม่แสดงการแต่งเพลงใหม่ให้ใครเห็น และยิ่งกว่านั้นเพื่อไม่ให้ใครเขียนมันออก แต่เพื่อเก็บไว้เพียงเพื่อความเป็นนายของพระองค์โดยปราศจากความรู้และพระมหากรุณาธิคุณของพระองค์จะไม่แต่งสิ่งใดให้ใครเลย โจเซฟ ไฮเดินทุกวัน (ไม่ว่าจะในกรุงเวียนนาหรือในดินแดนของเจ้า) ก่อนและหลังอาหารค่ำต้องปรากฏตัวในห้องโถงและรายงานตัวเองในกรณีที่เจ้านายของเขายอมให้แสดงหรือแต่งเพลง รอ และได้รับคำสั่งแล้ว ให้นักดนตรีท่านอื่นสนใจ ด้วยความมั่นใจเช่นนี้ สมเด็จพระนางเจ้าฯ พระบรมราชินีนาถจึงทรงมอบเงินช่วยเหลือแก่เขา รอง Kapellmeister ประจำปี 400 กิลเดอร์ไรน์ ซึ่งเขาจะได้รับรายไตรมาสจากคลังหลัก ยิ่งไปกว่านั้น เขา โจเซฟ ไฮเดน ควรจะได้รับเงินจากโต๊ะของเจ้าหน้าที่หรือครึ่งกิลเดอร์ต่อวันของเงินโต๊ะ (ในอนาคตเงินเดือนเพิ่มขึ้นหลายเท่า) Haydn ถือว่าสามสิบปีของการทำงานกับเจ้าชาย Esterhazy เป็นช่วงเวลาที่ดีในชีวิตของเขา อย่างไรก็ตาม เขาเป็นคนมองโลกในแง่ดีเสมอมา นอกจากนี้ โจเซฟ ไฮเดนยังมีโอกาสเรียบเรียงและเขียนได้รวดเร็วและมากอยู่เสมอ ในระหว่างการรับใช้ที่ราชสำนักของเจ้าชายเอสเตอร์ฮาซี ชื่อเสียงมาถึงไฮย์ดน์ ความสัมพันธ์ระหว่าง Esterhazy และ Haydn นั้นแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนโดยกรณีของ Farewell Symphony ซึ่งเป็นที่รู้จักกันดี สมาชิกวงออร์เคสตราหันไปหา Haydn เพื่อขอให้โน้มน้าวเจ้าชาย: อพาร์ตเมนต์สำหรับพวกเขามีขนาดเล็กเกินไปที่จะส่งครอบครัว นักดนตรีคิดถึงญาติของพวกเขา Haydn มีอิทธิพลต่อดนตรี: เขาเขียนซิมโฟนีซึ่งมีการเคลื่อนไหวอีกอย่างหนึ่ง และเมื่อส่วนนี้ดังขึ้น นักดนตรีก็ค่อยๆ ออกไป นักไวโอลินสองคนยังคงอยู่ แต่พวกเขาก็ดับเทียนแล้วจากไป เจ้าชายเข้าใจคำใบ้และปฏิบัติตาม "ข้อกำหนด" ของนักดนตรี
ในปี ค.ศ. 1790 เจ้าชายเอสเตอร์ฮาซี มิโคลสผู้ยิ่งใหญ่สิ้นพระชนม์ เจ้าชายคนใหม่ - แอนตัน - ไม่ชอบดนตรี ไม่ แอนตันออกจากนักดนตรีประจำกองร้อย แต่ยุบวงออเคสตรา ไฮเดนยังคงตกงาน แม้ว่าจะมีเงินบำนาญจำนวนมาก ซึ่งมิโคลสมอบหมายให้เขา และยังมีพลังสร้างสรรค์มากมาย ดังนั้นไฮเดนจึงกลายเป็นศิลปินอิสระอีกครั้ง และเขาจะไปอังกฤษตามคำเชิญ ไฮเดนจะอายุ 60 ในไม่ช้า เขาไม่รู้ภาษา! แต่เขาไปอังกฤษ และอีกครั้ง - ชัยชนะ! “ภาษาของฉันเป็นที่เข้าใจกันทั่วโลก” นักแต่งเพลงพูดถึงตัวเอง ในอังกฤษ Haydn ไม่เพียงแต่ประสบความสำเร็จอย่างล้นหลามเท่านั้น จากนั้นเขาก็นำซิมโฟนีและออราทอริโออีก 12 อัน Haydn ได้เห็นชื่อเสียงของเขา และนี่คือสิ่งที่หายาก ผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิกแบบเวียนนาได้ทิ้งการประพันธ์ไว้เป็นจำนวนมาก และนี่คือดนตรีที่ยืนยันชีวิตและมีความสมดุล oratorio "The Creation" เป็นหนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Haydn นี่คือภาพวาดทางดนตรีที่ยิ่งใหญ่ซึ่งเป็นการไตร่ตรองถึงจักรวาล พูดได้เลยว่า... Haydn มีซิมโฟนีมากกว่า 100 วง ฮอฟฟ์มันน์เรียกพวกเขาว่า "Children's Joy of the Soul" โซนาตา คอนแชร์โต ควอเตต โอเปร่า จำนวนมาก ... โจเซฟ ไฮเดินเป็นผู้แต่งเพลงชาติของเยอรมนี
โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท
27 มกราคม 2299 – 5 ธันวาคม พ.ศ. 2334
ศิลปะของ Haydn มีผลกระทบอย่างมากต่อการสร้างแนวซิมโฟนิกและแชมเบอร์ของ Wolfgang Mozart พึ่ง
ความสำเร็จของเขาในด้าน Sonata - ดนตรีไพเราะ Mozart ได้สร้างสิ่งใหม่ ๆ ที่น่าสนใจและเป็นต้นฉบับมากมาย ประวัติศาสตร์ศิลปะทั้งหมดไม่รู้จักบุคคลที่โดดเด่นกว่าเขา โมสาร์ทมีความทรงจำและการได้ยินที่ยอดเยี่ยม มีทักษะในการด้นสดที่ยอดเยี่ยม เล่นไวโอลินและออร์แกนได้อย่างสวยงาม และไม่มีใครสามารถโต้แย้งความเหนือกว่าของเขาในฐานะนักฮาร์ปซิคอร์ดได้ เขาเป็นนักดนตรีที่ได้รับความนิยม รู้จักมากที่สุด และเป็นที่รักที่สุดในเวียนนา โอเปร่าของเขามีคุณค่าทางศิลปะอย่างมาก เป็นเวลาสองศตวรรษแล้วที่ Le nozze di Figaro (โอเปร่า - buffa แต่สมจริงและมีองค์ประกอบของเนื้อร้อง) และ Don Giovanni (โอเปร่าถูกกำหนดให้เป็น "ละครครึกครื้น" - เป็นทั้งเรื่องตลกและโศกนาฏกรรมที่มีภาพที่แข็งแกร่งและซับซ้อนมาก ) ประสบความสำเร็จ ไพเราะ สง่างาม ไพเราะ เรียบง่าย กลมกลืน หรูหรา และ "The Magic Flute" (โอเปร่า - singspiel แต่ในขณะเดียวกันเรื่องราวเชิงปรัชญาเกี่ยวกับการต่อสู้ระหว่างความดีและความชั่ว) ลงไปในประวัติศาสตร์ดนตรีในฐานะ "เพลงหงส์" ของ Mozart เป็นผลงานที่มีความสมบูรณ์มากที่สุด และความสดใสเผยให้เห็นโลกทัศน์ของเขา ความคิดที่หวงแหนของเขา ศิลปะของ Mozart นั้นสมบูรณ์แบบด้วยทักษะและเป็นธรรมชาติอย่างยิ่ง พระองค์ประทานสติปัญญา ความสุข แสงสว่าง และความดีแก่เรา Johann Chrysostom Wolfgang Theophilus Mozart เกิดเมื่อวันที่ 27 มกราคม พ.ศ. 2299 ในเมืองซาลซ์บูร์ก Amadeus - อะนาล็อกละตินของชื่อกรีก Theophilus (b) - "ที่โปรดปรานของพระเจ้า" ภายใต้สองชื่อ Mozart มักถูกเรียกว่า Wolfgang Amadeus เป็นเด็กอัจฉริยะ พ่อของ Mozart - Leopold Mozart - เป็นนักดนตรีที่มีชื่อเสียง - ครูและเป็นนักแต่งเพลงที่อุดมสมบูรณ์ เด็ก 7 คนเกิดในครอบครัว สองคนรอดชีวิต ได้แก่ แนนเนิร์ล พี่สาวของโมสาร์ท และโวล์ฟกังเอง เลียวโปลด์เริ่มสอนลูกทั้งสองตั้งแต่ยังเด็กและออกทัวร์กับพวกเขา มันเป็นช่วงเวลาแห่งการหลงทางอย่างแท้จริง มีทัวร์หลายแห่ง โดยรวมแล้วใช้เวลานานกว่า 10 ปี (โดยมีการหยุดพักเพื่อกลับบ้านหรือเจ็บป่วยในวัยเด็ก) พ่อไม่เพียงแต่พาลูกไปยุโรปเท่านั้น รวมทั้งพระมหากษัตริย์ด้วย เขากำลังมองหาการเชื่อมต่อที่จะช่วยให้ลูกชายที่โตแล้วของเขาได้งานในอนาคตตามความสามารถที่สดใสของเขา โมสาร์ทเริ่มแต่งเพลงตั้งแต่อายุยังน้อย และดนตรียุคแรกของเขาแสดงได้เกือบเท่ากับเพลงที่โตแล้วของเขา นอกจากนี้เมื่อเดินทางพ่อของเขาจ้างครูที่ดีที่สุดในยุโรปสำหรับลูกชายของเขา (ในอังกฤษมันเป็นลูกชายคนสุดท้องของ JS Bach - "London Bach" ในอิตาลี - Padre Martini ที่มีชื่อเสียงซึ่งบังเอิญเรียนด้วย หนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียนนักแต่งเพลงมืออาชีพในรัสเซีย Maxim Berezovsky) ในอิตาลีเดียวกัน โมสาร์ทที่อายุน้อยได้ทำ "บาปร้ายแรง" ซึ่งรวมอยู่ในชีวประวัติทั้งหมด: ในโบสถ์น้อยซิสทีน เมื่อได้ยินเพียงครั้งเดียว เขาจำได้อย่างสมบูรณ์และจดบันทึกที่ได้รับการคุ้มครอง
งานวาติกัน "Miserere" โดย Allegri “ และที่นี่โวล์ฟกังผ่าน "การทดสอบ" ที่มีชื่อเสียงสำหรับการได้ยินที่ละเอียดอ่อนและความแม่นยำของหน่วยความจำ จากความทรงจำเขาบันทึก "Miserere" ที่มีชื่อเสียงโดย Gregorio Allegri ที่เขาได้ยิน งานนี้ได้รับการยกย่องในระดับสากลว่าเป็นจุดสุดยอดของแนวเพลงและเป็นจุดสุดยอดของเพลง Good Friday ของสมเด็จพระสันตะปาปา ไม่น่าแปลกใจที่คณะนักร้องประสานเสียงดูแลอย่างดีเพื่อปกป้องงานนี้จากกรานที่ไม่ได้รับเชิญ สิ่งที่โวล์ฟกังทำได้โดยธรรมชาติทำให้เกิดความรู้สึกที่ยอดเยี่ยม พ่อพยายามทำให้แม่และน้องสาวของเขาสงบลงในซาลซ์บูร์ก ซึ่งกลัวว่าด้วยการบันทึก "Miserere" โวล์ฟกังทำบาปและอาจตกอยู่ในสถานการณ์ที่ไม่พึงประสงค์ โมสาร์ทไม่เพียงแต่ไม่จบการศึกษาจากมหาวิทยาลัยเท่านั้น เขาไม่ได้เรียนที่โรงเรียนด้วย การศึกษาทั่วไปของเขาได้รับการจัดการโดยพ่อของเขา (คณิตศาสตร์, ภาษา) ด้วย แต่แล้วพวกเขาก็เติบโตแต่เช้าและในทุกชั้นของสังคม ไม่มีเวลาสำหรับวัฒนธรรมย่อยของวัยรุ่น แน่นอนว่าเด็กๆ เหนื่อยมาก ในที่สุด พวกเขาก็เติบโตขึ้น ซึ่งหมายความว่าพวกเขาเลิกเป็นพวกคลั่งไคล้ และสาธารณชนก็หมดความสนใจในตัวพวกเขา อันที่จริง โมสาร์ทต้อง "พิชิต" ผู้ชมอีกครั้ง เพราะเป็นนักดนตรีที่เป็นผู้ใหญ่แล้ว ในปี ค.ศ. 1773 โมสาร์ทวัยหนุ่มเริ่มทำงานให้กับอาร์คบิชอปแห่งซาลซ์บูร์ก เขามีโอกาสได้เดินทางต่อไปและแน่นอนว่าต้องทำงานหนัก ภายใต้อาร์คบิชอปคนต่อไป โมสาร์ทออกจากตำแหน่งในราชสำนักและกลายเป็นศิลปินอิสระ หลังจากวัยเด็กที่ประกอบด้วยทัวร์ยุโรปที่มั่นคงและการบริการกับอาร์คบิชอป โมสาร์ทก็ย้ายไปเวียนนา เขายังคงเดินทางไปเมืองอื่นๆ ในยุโรปเป็นระยะ แต่เมืองหลวงของออสเตรียจะกลายเป็นบ้านถาวรของเขา “โมสาร์ทเป็นนักดนตรีรายใหญ่ที่สุดคนแรกที่ยังคงเป็นศิลปินอิสระและเป็นนักแต่งเพลงคนแรกในประวัติศาสตร์ ซึ่งเป็นตัวแทนของศิลปะโบฮีเมียน แน่นอนว่าการทำงานเพื่อตลาดเสรีหมายถึงความยากจน” ชีวิต "บนขนมปังฟรี" ไม่ได้เรียบง่ายและเป็นสีดอกกุหลาบอย่างที่คิด ในดนตรีของโมสาร์ทที่โตเต็มที่ เราสามารถสัมผัสได้ถึงโศกนาฏกรรมแห่งโชคชะตาอันยอดเยี่ยมของเขา ผ่านความสดใสและความงามของดนตรี ความเศร้าและความเข้าใจ การแสดงออก ความหลงใหล และการแสดงละครได้รับการเน้นย้ำ โวล์ฟกัง โมสาร์ท ทิ้งผลงานไว้กว่า 600 ชิ้นในช่วงชีวิตอันแสนสั้นของเขา คุณต้องเข้าใจว่าเรากำลังพูดถึงงานขนาดใหญ่: โอเปร่า คอนเสิร์ต ซิมโฟนี Mozart เป็นนักแต่งเพลงสากล เขาเขียนทั้งดนตรีบรรเลงและเสียงร้อง นั่นคือในทุกประเภทและรูปแบบที่มีอยู่ในเวลาของเขา ในอนาคตความเป็นสากลดังกล่าวจะหายาก แต่โมสาร์ทเป็นสากล ไม่เพียงเพราะเหตุนี้: “ดนตรีของเขาประกอบด้วยโลกที่กว้างใหญ่ มันมีสวรรค์และโลก ธรรมชาติและมนุษย์ ตลกและโศกนาฏกรรม ความหลงใหลในทุกรูปแบบและลึกซึ้ง
ความสงบภายใน" (K. Barth) พอจะระลึกถึงผลงานบางส่วนของเขา: โอเปร่า ซิมโฟนี คอนแชร์โต โซนาตา การเรียบเรียงเปียโนของ Mozart มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการฝึกสอนและการแสดงของเขา เขาเป็นนักเปียโนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขา ในศตวรรษที่สิบแปด แน่นอนว่ามีนักดนตรีที่ไม่ด้อยกว่า Mozart ในด้านความสามารถ (ในเรื่องนี้คู่แข่งหลักของเขาคือ Muzio Clementi) แต่ไม่มีใครสามารถเปรียบเทียบเขาได้ในความหมายที่ลึกซึ้งของการแสดง ชีวิตของโมสาร์ทเกิดขึ้นในช่วงเวลาที่ฮาร์ปซิคอร์ด คลาวิคอร์ด และเปียโนฟอร์เต (อย่างที่เปียโนเคยเรียกกันมาก่อน) เป็นเรื่องปกติในชีวิตดนตรีในเวลาเดียวกัน และหากสัมพันธ์กับงานยุคแรกของโมสาร์ท เป็นเรื่องปกติที่จะพูดถึงสไตล์คลาเวียร์ นักแต่งเพลงก็แต่งขึ้นสำหรับเปียโนตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1770 อย่างไม่ต้องสงสัย นวัตกรรมของเขาแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในองค์ประกอบของแผนที่น่าสมเพช Mozart เป็นหนึ่งในเมโลดี้ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด เพลงของเขาผสมผสานคุณสมบัติของเพลงลูกทุ่งออสเตรียและเยอรมันเข้ากับความไพเราะของเพลงอิตาลี แม้ว่างานของเขาจะโดดเด่นด้วยกวีนิพนธ์และความสง่างามอันละเอียดอ่อน แต่ก็มักมีท่วงทำนองที่มีความน่าสมเพชอย่างมากและองค์ประกอบที่ตัดกัน Chamber - ความคิดสร้างสรรค์เชิงบรรเลงของ Mozart นั้นแสดงโดยตระการตาที่หลากหลาย (ตั้งแต่คลอไปจนถึงกลุ่ม) และทำงานให้กับเปียโน (โซนาต้า, หลากหลายรูปแบบ, แฟนตาซี) สไตล์เปียโนของ Mozart โดดเด่นด้วยความสง่างาม ความชัดเจน การบรรเลงเมโลดี้และการบรรเลงอย่างพิถีพิถัน W. Mozart เขียนคอนแชร์โต 27 รายการสำหรับเปียโนและออเคสตรา 19 โซนาตา 15 รอบรูปแบบต่างๆ 4 จินตนาการ (สองคนใน c-moll หนึ่งใน C-dur รวมกับความทรงจำ และอีกหนึ่งใน d-moll) นอกจากวงจรขนาดใหญ่แล้ว ยังมีงานชิ้นเล็กๆ อีกหลายชิ้นในงานของ Mozart ซึ่งตัวเขาเองไม่ได้ให้ความสำคัญเสมอไป เหล่านี้เป็น minuets ที่แยกจากกัน rondos, Adagio, fugues โอเปร่าเป็นศิลปะที่มีความสำคัญทางสังคม ในศตวรรษที่ 18 นอกเหนือจากโรงอุปรากรในศาลแล้วยังมีโรงอุปรากรสาธารณะสองประเภท: จริงจังและตลกในประเทศ (ซีเรียและควาย) แต่ในเยอรมนีและออสเตรีย Singspiel ก็เจริญรุ่งเรือง ในบรรดาผลงานจำนวนมากที่สร้างขึ้นโดยอัจฉริยะของ Mozart โอเปร่าเป็นลูกหลานที่ชื่นชอบ ในงานของเขา แกลลอรี่ภาพชีวิตที่เต็มไปด้วยชีวิตชีวาของโอเปร่าสามารถสืบหาได้ - ซีรีส์ ควายและซิงสปีล ประณีตและตลกขบขัน อ่อนโยนและซุกซน ฉลาดและเรียบง่าย - ทุกภาพถูกพรรณนาโดยธรรมชาติและตามความเป็นจริงทางจิตใจ ดนตรีของโวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ทผสมผสานลัทธิแห่งเหตุผล ความเรียบง่ายอันสูงส่ง และลัทธิแห่งหัวใจ อุดมคติของบุคลิกภาพอิสระอย่างกลมกลืน สไตล์ของโมสาร์ทได้รับการพิจารณามาโดยตลอดว่าเป็นตัวตนของความสง่างาม ความเบา ความมีชีวิตชีวาของจิตใจ และความซับซ้อนหลังชนชั้นสูง
P.I. Tchaikovsky เขียนว่า: "Mozart เป็นจุดที่สูงที่สุดซึ่งความงามมาถึงด้านดนตรี ... สิ่งที่เราเรียกว่าอุดมคติ"
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน
16 ธันวาคม พ.ศ. 2370 – 26 มีนาคม พ.ศ. 2370
ลุดวิกฟานเบโธเฟนมีชื่อเสียงในฐานะนักซิมโฟนีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ศิลปะของเขาเต็มไปด้วยความน่าสมเพชของการต่อสู้ มันใช้ความคิดขั้นสูงของการตรัสรู้ซึ่งยืนยันสิทธิและศักดิ์ศรีของมนุษย์ เขาเป็นเจ้าของซิมโฟนีเก้าเพลง บทเพลงไพเราะจำนวนหนึ่ง ("Egmont", "Coriolanus") และเปียโนโซนาตา 32 ตัวประกอบขึ้นเป็นยุคแห่งดนตรีเปียโน โลกแห่งภาพของเบโธเฟนมีความหลากหลาย ฮีโร่ของเขาไม่เพียงแต่กล้าหาญและหลงใหลเท่านั้น แต่ยังมีสติปัญญาที่พัฒนาอย่างประณีตอีกด้วย เขาเป็นนักสู้และนักคิด ในดนตรีของเขา ชีวิตแสดงให้เห็นในความหลากหลาย - ความหลงใหลในพายุและความเพ้อฝันที่แยกจากกัน สิ่งที่น่าสมเพชอย่างมากและการสารภาพในเชิงโคลงสั้น ๆ รูปภาพของธรรมชาติและฉากในชีวิตประจำวัน ในช่วงสุดท้ายของยุคคลาสสิก ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนในขณะเดียวกันก็เปิดประตูสู่ศตวรรษหน้า เบโธเฟนอายุน้อยกว่าโมสาร์ทหนึ่งทศวรรษครึ่ง แต่นี่เป็นเพลงที่แตกต่างในเชิงคุณภาพ เขาเป็นคนของ "คลาสสิก" แต่ในผลงานที่โตเต็มที่ของเขาเขาใกล้ชิดกับแนวโรแมนติก แนวดนตรีของเบโธเฟนเป็นการเปลี่ยนจากความคลาสสิกมาเป็นแนวโรแมนติก แต่เพื่อให้เข้าใจงานของเขา ก่อนอื่นต้องมองภาพพาโนรามาของชีวิตทางสังคมและดนตรีในสมัยนั้น ปลายศตวรรษที่ 18 ปรากฏการณ์ “Sturm and Drang” (Sturm und Drang) เกิดขึ้นและพัฒนา - ช่วงเวลาที่มาตรฐานพังทลาย
คลาสสิกเพื่อสนับสนุนอารมณ์ความรู้สึกและการเปิดกว้างมากขึ้น ปรากฏการณ์นี้ได้จับขอบเขตของวรรณคดีและศิลปะทั้งหมด แต่ก็มีชื่อที่น่าสนใจ: เคาน์เตอร์ - การตรัสรู้ ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของ "Sturm und Drang" คือ Johann Wolfgang Goethe และ Friedrich Schiller และช่วงเวลานี้เองที่คาดว่าจะมีการเกิดขึ้นของแนวโรแมนติก การชาร์จพลังงานและความเข้มข้นของความรู้สึกของดนตรีของเบโธเฟนนั้นเชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับปรากฏการณ์ที่ระบุไว้ในชีวิตสาธารณะของยุโรปตะวันตกในขณะนั้นและกับสถานการณ์ของชีวิตส่วนตัวของอัจฉริยะ Ludwig van Beethoven เกิดที่เมืองบอนน์ ครอบครัวไม่ร่ำรวย โดยกำเนิด - เฟลมิงส์ ตามอาชีพ - นักดนตรี พ่อกระตือรือร้นที่จะสร้าง "โมสาร์ทคนที่สอง" จากลูกชายของเขา แต่อาชีพนักเล่นคอนเสิร์ตอัจฉริยะ - เด็กอัจฉริยะไม่ได้ผล แต่มี "การเจาะ" อย่างต่อเนื่องเบื้องหลังเครื่องดนตรี ในวัยเด็กลุดวิกเริ่มหารายได้พิเศษ (เขาต้องออกจากโรงเรียน) และเมื่ออายุ 17 เขาต้องรับผิดชอบต่อครอบครัว: เขาทำงานด้วยเงินเดือนประจำและให้บทเรียนส่วนตัว พ่อติดเหล้า แม่เสียชีวิตเร็ว และน้องชายยังคงอยู่ในครอบครัว อย่างไรก็ตาม เบโธเฟนหาเวลาและไปเยี่ยมมหาวิทยาลัยบอนน์ในฐานะอาสาสมัคร เยาวชนในมหาวิทยาลัยทุกคนถูกจับกุมด้วยแรงกระตุ้นจากการปฏิวัติที่มาจากฝรั่งเศส อัจฉริยะรุ่นเยาว์ชื่นชมอุดมคติของการปฏิวัติฝรั่งเศส เขายังอุทิศซิมโฟนี "วีรชน" ครั้งที่ 3 ให้กับนโปเลียน โบนาปาร์ต แต่จากนั้นก็ข้ามการอุทิศตน ผิดหวังใน "ศูนย์รวมแห่งอุดมคติทางโลก" แทน เขาระบุว่า: "ในความทรงจำของผู้ยิ่งใหญ่" "ไม่มีใครตัวเล็กเท่าคนตัวใหญ่" - คำพูดที่มีชื่อเสียงของเบโธเฟน อุดมคติของ "เสรีภาพ ความเสมอภาค ภราดรภาพ" ยังคงเป็นอุดมคติของเบโธเฟนตลอดกาล และนั่นหมายถึงความผิดหวังครั้งใหญ่ในชีวิต Ludwig van Beethoven ศึกษาและเคารพงานของ J. S. Bach อย่างละเอียดถี่ถ้วน ในกรุงเวียนนา เขาแสดงต่อหน้าโมสาร์ท ซึ่งทำให้นักดนตรีรุ่นเยาว์ได้คะแนนสูง ในไม่ช้าเบโธเฟนก็ย้ายไปเวียนนาอย่างสมบูรณ์ ต่อมาก็ช่วยน้องชายของเขาย้ายไปที่นั่น ทั้งชีวิตของเขาจะเชื่อมโยงกับเมืองนี้ ในกรุงเวียนนา เขาเรียนวิชาพิเศษ ในบรรดาครูของเขาคือ Haydn และ Salieri (โซนาต้าไวโอลิน Beethoven สามตัวอุทิศให้กับ Salieri) เขาแสดงในห้องโถงของขุนนางเวียนนาและในคอนเสิร์ตของเขาเองต่อหน้าผู้ชมจำนวนมาก นิ้วของเขาบนแป้นพิมพ์ถูกขนานนามว่า "ปีศาจ" “ฉันอยากคว้าโชคชะตาไว้ที่คอ มันไม่สำเร็จแน่ถ้าจะก้มลงกับพื้น” (จากจดหมายของเบโธเฟน) ในวัยหนุ่มของเขา เบโธเฟนตระหนักว่าเขาเป็นคนหูหนวก (“เป็นเวลาสองปีแล้วที่ฉันหลีกเลี่ยงสังคมทั้งหมดอย่างระมัดระวังเพราะฉันพูดกับคนอื่นไม่ได้:“ ฉันหูหนวก! » มันจะยังเป็นไปได้ถ้า
ฉันมีอาชีพอื่น แต่ด้วยฝีมือของฉัน ไม่มีอะไรจะแย่ไปกว่านี้อีกแล้ว" (จากจดหมายของเบโธเฟน) การแทรกแซงเป็นระยะโดยแพทย์ไม่ได้นำมาซึ่งการรักษาหูหนวกคืบหน้า ในตอนท้ายของชีวิตเขาไม่ได้ยินอะไรเลย แต่การได้ยินภายในยังคงอยู่ - อย่างไรก็ตาม เป็นไปไม่ได้ที่จะได้ยินสิ่งที่ได้ยินภายใน "ด้วยตาของคุณเอง" อีกต่อไป และการสื่อสารกับผู้คนเป็นเรื่องยากมาก กับเพื่อน ๆ พวกเขาฝึกเขียนในสมุดบันทึก "สนทนา" คนหูหนวกที่ได้ยินทุกอย่าง - ตามที่บางครั้งเขาถูกเรียก และเขาได้ยินสิ่งสำคัญ: ไม่ใช่แค่ดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความคิดความรู้สึกด้วย เขาได้ยินและเข้าใจผู้คน “ ความรัก, ความทุกข์, ความอุตสาหะของเจตจำนง, การเปลี่ยนแปลงของความสิ้นหวังและความภาคภูมิใจ, ละครภายใน - เราทุกคนพบสิ่งนี้ในผลงานอันยิ่งใหญ่ของเบโธเฟน” ... (Romain Rolland) ความเสน่หาจากใจจริงของเบโธเฟนเป็นที่รู้จัก: เคาน์เตสจูเลียต กุยเซียร์ดีวัยเยาว์ แต่เขาอยู่คนเดียว ใครคือ "คู่รักอมตะ" ของเขา จดหมายที่ถูกพบหลังจากการเสียชีวิตของนักแต่งเพลง ไม่ทราบแน่ชัด แต่นักวิจัยบางคนถือว่าเทเรซา บรันสวิก นักเรียนของแอล. เบโธเฟนเป็น "คู่รักอมตะ" เธอมีความสามารถทางดนตรี - เธอเล่นเปียโนได้อย่างสวยงาม ร้องเพลงและแม้กระทั่งเล่นดนตรี ลุดวิกฟานเบโธเฟนมีมิตรภาพอันยาวนานกับเทเรซา ภายในปี พ.ศ. 2357 เบโธเฟนมีชื่อเสียงไปทั่วโลก สภาคองเกรสแห่งเวียนนาเริ่มต้นขึ้น - หลังจากชัยชนะเหนือนโปเลียนและการเข้ามาของกองทัพรัสเซีย ออสเตรีย และปรัสเซียในปารีส - และรัฐสภาแห่งเวียนนาอันโด่งดังอันโด่งดังเริ่มต้นด้วยโอเปร่า Fidelio ของเบโธเฟน เบโธเฟนกลายเป็นคนดังในยุโรป เขาได้รับเชิญไปที่พระราชวังหลวงเพื่อเฉลิมฉลองเนื่องในวันชื่อของจักรพรรดินีรัสเซียซึ่งเขาให้ของขวัญแก่เขา: Polonaise ที่วาดโดยเขา ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน แต่งมาก
เปียโนโซนาตา 32 ตัว
เปียโนโซนาต้ามีไว้สำหรับเบโธเฟนเป็นรูปแบบที่ตรงที่สุดสำหรับการแสดงออกของความคิดและความรู้สึกที่กวนใจเขา ซึ่งเป็นแรงบันดาลใจทางศิลปะหลักของเขา ความดึงดูดใจของเขาที่มีต่อแนวเพลงนั้นยาวนานเป็นพิเศษ หากซิมโฟนีปรากฏขึ้นสำหรับเขาอันเป็นผลจากการค้นหาและลักษณะทั่วไปของการค้นหาเป็นเวลานาน โซนาต้าเปียโนก็สะท้อนถึงการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ที่หลากหลายโดยตรง เบโธเฟนในฐานะนักเปียโนผู้เก่งกาจ แม้แต่ด้นสดส่วนใหญ่มักจะอยู่ในรูปแบบโซนาตา ในการแสดงด้นสดของเบโธเฟนที่ดุเดือด ดั้งเดิม และไร้การควบคุม ภาพของงานอันยิ่งใหญ่ในอนาคตของเขาถือกำเนิดขึ้น โซนาต้าของเบโธเฟนแต่ละชิ้นเป็นผลงานศิลปะที่สมบูรณ์ รวมกันเป็นสมบัติล้ำค่าของความคิดคลาสสิกในดนตรี เบโธเฟนตีความเปียโนโซนาต้าว่าเป็นแนวเพลงที่ครอบคลุมซึ่งสะท้อนถึงความหลากหลายของสไตล์ดนตรีสมัยใหม่ได้ ใน
ในเรื่องนี้ เขาเปรียบได้กับ Philipp Emanuel Bach (ลูกชายของ J.S. Bach) นักแต่งเพลงคนนี้เกือบลืมไปแล้วในสมัยของเราเป็นคนแรกที่ให้เสียงโซนาต้าของศตวรรษที่สิบแปด ความสำคัญของศิลปะดนตรีชั้นนำประเภทหนึ่งทำให้งานกลาเวียร์ของเขาอิ่มตัวด้วยความคิดที่ลึกซึ้ง เบโธเฟนเป็นคนแรกที่เดินตามเส้นทางของ F. E. Bach เหนือกว่าผู้บุกเบิกในด้านความกว้าง ความหลากหลาย และความสำคัญของแนวคิดที่แสดงในเปียโนโซนาตา ความสมบูรณ์แบบทางศิลปะและความสำคัญ ภาพและอารมณ์ที่หลากหลาย ตั้งแต่งานอภิบาลที่นุ่มนวลไปจนถึงความเคร่งขรึมที่น่าสมเพช ตั้งแต่บทเพลงที่เปล่งออกมาจนถึงการหยุดอภิปรัชญาจากความคิดเชิงปรัชญาไปจนถึงช่วงเวลาประเภทพื้นบ้าน จากโศกนาฏกรรมถึงเรื่องตลก - แสดงลักษณะของเปียโนโซนาตา 32 ตัวของเบโธเฟนซึ่งสร้างขึ้นโดยเขามากกว่า หนึ่งในสี่ของศตวรรษ เส้นทางจากเพลงแรก (1792) ไปจนถึงเพลงสุดท้าย (1822) Beethoven Sonata นับเป็นยุคสมัยทั้งหมดในประวัติศาสตร์ดนตรีเปียโนของโลก เบโธเฟนเริ่มต้นด้วยสไตล์เปียโนคลาสสิกที่เรียบง่าย (ยังคงเกี่ยวข้องกับศิลปะการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดเป็นส่วนใหญ่) และจบลงด้วยดนตรีสำหรับเปียโนสมัยใหม่ ด้วยช่วงเสียงที่กว้างใหญ่และความเป็นไปได้ใหม่ๆ ในการแสดงออกมากมาย นักแต่งเพลงเรียกโซนาตาสุดท้ายของเขาว่า "งานสำหรับเครื่องดนตรีที่ใช้ค้อน" (Hammerklavier) นักแต่งเพลงเน้นย้ำถึงความทันสมัย
นักเปียโน
การแสดงออก ในปีพ. ศ. 2365 ด้วยการสร้าง Sonata ที่สามสิบสอง Beethoven ได้เสร็จสิ้นการเดินทางอันยาวนานในพื้นที่แห่งความคิดสร้างสรรค์นี้ ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน ทำงานอย่างกว้างขวางเกี่ยวกับปัญหาของความสามารถทางเปียโน ในการค้นหาภาพเสียงที่มีเอกลักษณ์ เขาได้พัฒนาสไตล์เปียโนดั้งเดิมอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย ความรู้สึกของพื้นที่โปร่งโล่งกว้าง ทำได้โดยการเปรียบเทียบรีจิสเตอร์ที่อยู่ห่างไกล คอร์ดขนาดใหญ่ หนาแน่น สมบูรณ์ มีหลายแง่มุม เทคนิคเครื่องดนตรีประเภทเสียงต่ำ การใช้เอฟเฟกต์แป้นเหยียบที่หลากหลาย (โดยเฉพาะแป้นเหยียบด้านซ้าย) - นี่คือคุณลักษณะเฉพาะบางประการของนวัตกรรม เทคนิคเปียโนสไตล์เบโธเฟน เริ่มต้นด้วยโซนาตาแรก เบโธเฟนเปรียบเทียบแชมเบอร์มิวสิคของดนตรีกลาเวียร์ของศตวรรษที่ 18 ภาพเฟรสโก้เสียงตระการตาของพวกเขา วาดด้วยลายเส้นขนาดใหญ่หนา โซนาต้าของเบโธเฟนเริ่มคล้ายกับซิมโฟนีสำหรับเปียโน เปียโนโซนาต้าอย่างน้อย 1 ใน 3 จาก 32 ตัวเป็นที่รู้จักกันดีแม้กระทั่งกับผู้ที่คิดว่าตนเองเป็น "ไม่ใช่มือสมัครเล่น" ในหมู่พวกเขา: โซนาต้า "น่าสงสาร" หมายเลข 8 การเริ่มต้นที่น่าภาคภูมิใจและน่าเศร้า - และคลื่นดนตรีที่ยกระดับ กวีทั้ง 3 ตอน แต่ละบทมีความสวยงาม ความสุข ความทุกข์ การกบฏ และการดิ้นรน - วงเวียนภาพทั่วไปของเบโธเฟน แสดงออกที่นี่ทั้งรุนแรงและยิ่งใหญ่
ขุนนาง นี่เป็นเพลงที่ยอดเยี่ยม เช่นเดียวกับบีโธเฟนโซนาตาหรือซิมโฟนีอื่นๆ "Quasi una fantasia" หรือที่เรียกว่า "Moonlight" โซนาตาหมายเลข 14 ที่อุทิศให้กับคุณหญิง Giulietta Guicciardi ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Beethoven นักแต่งเพลงถูกจูเลียตพาไปและคิดเกี่ยวกับการแต่งงาน แต่เธอก็ชอบคนอื่น โดยปกติ ผู้ฟังจะถูกจำกัดไว้ในส่วนแรก โดยไม่สงสัยว่าจะมีตอนจบแบบไหน - "น้ำตกที่เลี้ยงดู" - ในการแสดงออกเชิงเปรียบเทียบของนักวิจัยคนใดคนหนึ่ง และยังมี "Appassionata" (หมายเลข 23), "The Tempest" (หมายเลข 17), "Aurora" (หมายเลข 21) ... Piano sonatas เป็นส่วนที่ดีที่สุดและมีค่าที่สุดของมรดกอันยอดเยี่ยมของเบโธเฟน ในภาพอันตระการตาที่ยาวและน่าตื่นเต้น ทั้งชีวิตของพรสวรรค์ที่ยอดเยี่ยม จิตใจที่ยิ่งใหญ่ และหัวใจที่ยิ่งใหญ่ส่งผ่านต่อหน้าเรา ไม่ใช่มนุษย์ต่างดาว แต่ด้วยเหตุผลนี้เอง อุดมคติอันศักดิ์สิทธิ์ที่สุดของมนุษยชาติขั้นสูง แอล. เบโธเฟนสานต่อประเพณีของโมสาร์ท แต่ดนตรีของเขาได้รับการแสดงออกใหม่อย่างสมบูรณ์: ละครในดนตรีนำไปสู่โศกนาฏกรรม อารมณ์ขันถึงการประชดประชัน และเนื้อเพลงกลายเป็นการเปิดเผยของจิตวิญญาณที่ทุกข์ทรมาน ภาพสะท้อนทางปรัชญาเกี่ยวกับชะตากรรมและโลก ดนตรีเปียโนของเบโธเฟนเป็นตัวอย่างของรสนิยมทางศิลปะ ผู้ร่วมสมัยมักเปรียบเทียบอารมณ์ทางอารมณ์ของโซนาต้าของเบโธเฟนกับโศกนาฏกรรมของชิลเลอร์ที่น่าสมเพช นอกจากโซนาต้าสำหรับเปียโน 32 ตัวแล้ว ยังมีโซนาต้าสำหรับไวโอลินอีกด้วย หลายคนคุ้นเคยกับชื่อเป็นอย่างดี - "Kreutzer Sonata" - Sonata No. 9 สำหรับไวโอลินและเปียโน แล้วก็มีเครื่องสายที่มีชื่อเสียงของเบโธเฟน ในจำนวนนี้ "Russian Quartets" ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ท่วงทำนองรัสเซียนั้นได้ยินจากพวกเขาจริงๆ (“โอ้ พรสวรรค์ พรสวรรค์ของฉัน”, “ความรุ่งโรจน์” - เบโธเฟนคุ้นเคยกับเพลงเหล่านี้จากคอลเล็กชันของ Lvov เป็นพิเศษ) นี่ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ: สี่คนเขียนตามคำสั่งของนักการทูตรัสเซีย Andrei Razumovsky ซึ่งอาศัยอยู่ในเวียนนาเป็นเวลานานและเป็นผู้อุปถัมภ์ของเบโธเฟน Razumovsky อุทิศให้กับสองซิมโฟนีของนักแต่งเพลง เบโธเฟนมีเก้าซิมโฟนี ซึ่งส่วนใหญ่เป็นที่รู้จักของสาธารณชน ฉันขอเตือนคุณเกี่ยวกับซิมโฟนีที่สาม (ฮีโร่) ซิมโฟนีที่ห้าที่มีธีมแห่งโชคชะตาที่มีชื่อเสียง "การระเบิดแห่งโชคชะตา" เหล่านี้ล้มลงอีกครั้ง โชคชะตายังคงเคาะประตูอยู่ และการต่อสู้ไม่ได้จบลงที่ส่วนแรก ผลลัพธ์จะปรากฏเฉพาะในตอนจบ ซึ่งธีมของโชคชะตากลายเป็นความปีติยินดีของความสุขแห่งชัยชนะ พระ (ซิมโฟนีที่ 6) - ชื่อของมันบ่งบอกถึงการสวดมนต์ของธรรมชาติ ในที่สุดซิมโฟนีที่ 7 อันน่าทึ่งก็โด่งดังที่สุด
ซิมโฟนียุคที่เก้าซึ่งเป็นแนวคิดที่เบโธเฟนสุกงอมมาเป็นเวลานาน เบโธเฟนยังใช้ชีวิตแบบ "ศิลปินอิสระ" (อย่างไรก็ตาม เริ่มจากโมสาร์ท สิ่งนี้กลายเป็นบรรทัดฐาน) ด้วยความลำบากและความไม่แน่นอนทั้งหมด หลายครั้งที่เบโธเฟนพยายามจะออกจากเวียนนา จากนั้นขุนนางออสเตรียก็เสนอเงินเดือนให้เขา ถ้าเพียงแต่เขาจะไม่จากไป และเบโธเฟนยังคงอยู่ที่เวียนนา ที่นี่เขาได้พบกับชัยชนะหลักของเขา จากก้นบึ้งของความเศร้าโศก Beethoven วางแผนที่จะเชิดชู Joy (โรลแลนด์). เบโธเฟนป่วยหนักอยู่แล้ว นี่ไม่ใช่แค่อาการหูหนวกเท่านั้น แต่นักแต่งเพลงก็พัฒนาโรคตับอย่างรุนแรง มีเงินไม่พอ มีปัญหาชีวิตส่วนตัว (หลานชาย) ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ บางสิ่งที่บางครั้งยากต่อการพิจารณาว่ามนุษย์สร้างขึ้นได้ถือกำเนิดขึ้น กอดล้าน! (เบโธเฟน ซิมโฟนีที่ 9 ตอนจบ). เรียกอีกอย่างว่า Choral Symphony เนื่องจากในตอนจบมีเสียงคณะนักร้องประสานเสียงที่รู้จักกันดีในขณะนี้กับคำพูดของ Friedrich Schiller - "Ode to Joy" ซึ่งกลายเป็นเพลงสวดที่แตกต่างกันเป็นระยะ ๆ ตอนนี้มันเป็นเพลงสรรเสริญพระบารมี สหภาพยุโรป. เบโธเฟนเสียชีวิตเมื่อวันที่ 26 มีนาคม พ.ศ. 2370 ในปี 2550 นักพยาธิวิทยาชาวเวียนนาและผู้เชี่ยวชาญด้านนิติเวช Christian Reiter (รองศาสตราจารย์ด้านนิติเวชศาสตร์แห่งมหาวิทยาลัยการแพทย์แห่งเวียนนา) แนะนำว่าแพทย์ของเขา Andreas Wavruch เร่งการตายของเบโธเฟนโดยไม่ได้ตั้งใจซึ่งเจาะช่องท้องของผู้ป่วยซ้ำ ๆ ( เพื่อเอาของเหลวออก) หลังจากนั้นเขาก็ทาโลชั่นที่มีตะกั่วไปที่บาดแผล การศึกษาเกี่ยวกับเส้นผมของ Reuter พบว่าระดับตะกั่วของเบโธเฟนเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วทุกครั้งที่พบแพทย์
เบโธเฟน - ครู
เบโธเฟนเริ่มสอนดนตรีในขณะที่ยังอยู่ในเมืองบอนน์ Stefan Breining นักศึกษาจากเมืองบอนน์ยังคงเป็นเพื่อนที่อุทิศตนให้กับนักประพันธ์เพลงมากที่สุดจนถึงวาระสุดท้ายของเขา Braining ช่วย Beethoven ในการดัดแปลงบท Fidelio ในกรุงเวียนนา นักเรียนของเบโธเฟนคือเคาน์เตสจูเลียต กวิชชาร์ดีในฮังการี ซึ่งเบโธเฟนอาศัยอยู่ที่คฤหาสน์บรันสวิก เทเรซา บรันสวิกศึกษากับเขา Dorothea Ertmann หนึ่งในนักเปียโนที่ดีที่สุดในเยอรมนี ยังเป็นนักเรียนของ Beethoven ดี. เอิร์ตแมนมีชื่อเสียงในการแสดงผลงานของเบโธเฟน นักแต่งเพลงได้อุทิศ Sonata No. 28 ให้เธอ เมื่อรู้ว่าลูกของ Dorothea เสียชีวิต Beethoven ก็เล่นให้เธอเป็นเวลานาน Carl Czerny ก็เริ่มเรียนกับ Beethoven ด้วย บางทีคาร์ลอาจเป็นลูกคนเดียวในหมู่นักเรียนของเบโธเฟน เขาอายุเพียงเก้าขวบ แต่เขาแสดงคอนเสิร์ตไปแล้ว Czerny ศึกษากับ Beethoven เป็นเวลาห้าปีหลังจากนั้นผู้แต่งได้มอบเอกสารที่เขาตั้งข้อสังเกตไว้
"ความสำเร็จที่โดดเด่นของนักเรียนและความทรงจำทางดนตรีที่น่าอัศจรรย์ของเขา" ความทรงจำของ Czerny นั้นยอดเยี่ยมมาก เขารู้ด้วยใจจริงถึงการแต่งเปียโนของครูทั้งหมด Czerny เริ่มสอนตั้งแต่เนิ่นๆ และในไม่ช้าก็กลายเป็นหนึ่งในครูที่ดีที่สุดในเวียนนา ในบรรดานักเรียนของเขาคือ Teodor Leshetitsky ผู้ซึ่งเรียกได้ว่าเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียนเปียโนรัสเซีย Leshetitsky เมื่อย้ายไปรัสเซียในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแล้วก็เป็นครูของ A. N. Esipova, V. I. Safonov, S. M. Maykapar Franz Liszt เรียนกับ K. Czerny เป็นเวลาหนึ่งปีครึ่ง ความสำเร็จของเขายิ่งใหญ่มากจนครูอนุญาตให้เขาพูดกับสาธารณชน เบโธเฟนเข้าร่วมคอนเสิร์ต เขาเดาพรสวรรค์ของเด็กชายและจูบเขา Liszt เก็บความทรงจำของจูบนี้มาตลอดชีวิต ไม่ใช่ Czerny แต่ Liszt สืบทอดสไตล์การเล่นของ Beethoven เช่นเดียวกับเบโธเฟน Liszt ปฏิบัติต่อเปียโนเหมือนวงออเคสตรา ขณะท่องเที่ยวยุโรป เขาได้เลื่อนตำแหน่งงานของเบโธเฟน ไม่เพียงแต่แสดงงานเปียโนของเขาเท่านั้น แต่ยังแสดงซิมโฟนีด้วย ซึ่งเขาดัดแปลงสำหรับเปียโนด้วย ในสมัยนั้น ดนตรีของเบโธเฟน โดยเฉพาะดนตรีไพเราะ ยังไม่เป็นที่รู้จักของผู้ชมจำนวนมาก ต้องขอบคุณความพยายามของ F. Liszt ที่อนุสาวรีย์ของนักแต่งเพลง Ludwig van Beethoven ถูกสร้างขึ้นในเมือง Bonn ในปี 1839 เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่รู้จักเพลงของ Beethoven การพูดน้อยและการผ่อนปรนของท่วงทำนอง ไดนามิก จังหวะของกล้ามเนื้อที่ชัดเจน - นี่คือสไตล์ฮีโร่ดราม่าที่จดจำได้ง่าย แม้แต่ในส่วนที่ช้า (ซึ่งเบโธเฟนไตร่ตรอง) ธีมหลักของเบโธเฟนก็ฟังดู: ผ่านความทุกข์ - สู่ความสุข "ผ่านหนามสู่ดวงดาว" M.I. Glinka ถือว่าเบโธเฟนเป็นจุดสุดยอดของศิลปะคลาสสิกแบบเวียนนา ศิลปินที่เจาะลึกถึงส่วนลึกของจิตวิญญาณมนุษย์และถ่ายทอดออกมาเป็นเสียงได้อย่างสมบูรณ์แบบ เบโธเฟนกล่าวว่า: "ดนตรีควรจุดไฟจากจิตวิญญาณมนุษย์!"
บทสรุป
การเติบโตของเสรีภาพในสังคมทำให้เกิดการแสดงคอนเสิร์ตสาธารณะ สมาคมดนตรีและวงออเคสตราเป็นครั้งแรกในเมืองหลักของยุโรป การพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีใหม่ในช่วงกลางศตวรรษที่สิบแปด ทำให้เกิดการเกิดขึ้นของร้านเสริมสวยส่วนตัวหลายแห่ง การแสดงโอเปร่า วัฒนธรรมดนตรีคลาสสิกมีความเกี่ยวข้องกับการสร้างสรรค์ดนตรีบรรเลงหลายประเภท เช่น โซนาตา ซิมโฟนี ควอเตต ในยุคนี้ ประเภทของคอนเสิร์ตคลาสสิก รูปแบบของการเปลี่ยนแปลง การตกผลึก และการปฏิรูปประเภทโอเปร่าเกิดขึ้น
มีการเปลี่ยนแปลงอย่างรุนแรงในวงออเคสตรา ไม่จำเป็นต้องใช้ฮาร์ปซิคอร์ดหรือออร์แกนเป็นเครื่องดนตรีหลัก เครื่องดนตรีประเภทลม - คลาริเน็ต ขลุ่ย ทรัมเป็ตและอื่น ๆ ในทางตรงกันข้ามได้เข้ามาแทนที่ในวงออเคสตราและสร้างใหม่พิเศษ เสียง. องค์ประกอบใหม่ของวงออเคสตรานำไปสู่การเกิดขึ้นของซิมโฟนี - ประเภทดนตรีที่สำคัญที่สุด หนึ่งในนักประพันธ์เพลงคนแรกที่ใช้รูปแบบไพเราะคือลูกชายของ I.S. บาค - คาร์ล ฟิลิปป์ เอ็มมานูเอล บาค ร่วมกับองค์ประกอบใหม่ของวงออเคสตรา the
เครื่องสายประกอบด้วยไวโอลินสองตัว วิโอลาและเชลโล องค์ประกอบถูกสร้างขึ้นโดยเฉพาะสำหรับเครื่องสายสี่จังหวะที่มีมาตรฐานของตัวเองในสี่จังหวะ ฟอร์มโซนาต้า-ซิมโฟนิกหลายส่วน (4 - วัฏจักรบางส่วน) ถูกสร้างขึ้น ซึ่งยังคงเป็นพื้นฐานของการประพันธ์เพลงประกอบหลายอย่าง ในยุคเดียวกันนั้น เปียโนถูกสร้างขึ้น การออกแบบในช่วงศตวรรษที่ 18 ผ่านการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญกลไกแป้นพิมพ์และค้อนได้รับการปรับปรุงโครงเหล็กหล่อคันเหยียบแนะนำกลไก "การซ้อมสองครั้ง" การจัดเรียงของสตริงเปลี่ยนไปช่วงขยาย นวัตกรรมเชิงวิวัฒนาการทั้งหมดนี้ทำให้นักเปียโนสามารถแสดงผลงานอัจฉริยะในหลากหลายวิธีได้ง่ายขึ้น โดยใช้วิธีการแสดงออกที่หลากหลายและไดนามิกที่สมบูรณ์ Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart และ Ludwig van Beethoven - สามชื่อผู้ยิ่งใหญ่, สาม "ไททันส์" ที่ลงไปในประวัติศาสตร์ว่า
เวียนนา
คลาสสิก
. นักแต่งเพลงของโรงเรียนเวียนนาเชี่ยวชาญด้านดนตรีหลากหลายประเภทตั้งแต่เพลงประจำวันไปจนถึงซิมโฟนี ดนตรีสไตล์ระดับสูงซึ่งมีเนื้อหาเชิงเปรียบเทียบมากมายรวมอยู่ในรูปแบบศิลปะที่เรียบง่ายแต่สมบูรณ์แบบ เป็นคุณลักษณะหลักของงานคลาสสิกแบบเวียนนา กล่าวคือ นักประพันธ์เพลงของโรงเรียนคลาสสิกในเวียนนาได้ยกระดับแนวเพลงของเปียโนโซนาตา คอนแชร์โตคลาสสิกขึ้นสู่ระดับสูงสุด การค้นพบความคลาสสิกคือการแสดงความปรารถนาในอุดมคติสูงสุดของความสมบูรณ์แบบ สำหรับการแจกจ่ายวิญญาณและชีวิตในสวรรค์ ไฮเดนกล่าวว่าพระเจ้าจะไม่ทรงขุ่นเคืองใจเขาที่ถวายเกียรติแด่พระองค์ในรูปแบบใหม่ที่สดใสและชัดเจน วัฒนธรรมดนตรีของลัทธิคลาสสิกเช่นวรรณกรรมและวิจิตรศิลป์ยกย่องการกระทำของบุคคลอารมณ์และความรู้สึกของเขาซึ่งจิตใจครอบงำ ศิลปิน - ผู้สร้างผลงานของพวกเขาโดดเด่นด้วยการคิดเชิงตรรกะ ความกลมกลืน และความชัดเจนของรูปแบบ ความคลาสสิคคือรูปแบบของยุคที่กำหนดไว้ในอดีต แต่อุดมคติของความสามัคคีและสัดส่วนของเขายังคงเป็นแบบอย่างสำหรับคนรุ่นต่อไปจนถึงทุกวันนี้
ในขณะเดียวกัน ยุคสมัยของลัทธิคลาสสิกก็ลดลงแล้ว ในรูปแบบที่ไม่เคยมีมาก่อนของ "ดอน ฮวน" ด้วยจิตวิญญาณที่ดื้อรั้นของ "เอ็กมอนต์" เราสามารถเดาศตวรรษของแนวโรแมนติกด้วยการประชดอันน่าสลดใจ ความผิดปกติของจิตสำนึกทางศิลปะ เสรีภาพของความใกล้ชิดเชิงโคลงสั้น ๆ
หลักการคลาสสิก
1. พื้นฐานของทุกสิ่งคือจิตใจ เฉพาะสิ่งที่สมเหตุสมผลเท่านั้นที่สวยงาม 2. งานหลักคือการเสริมสร้างระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ พระมหากษัตริย์เป็นศูนย์รวมของความสมเหตุสมผล 3. ประเด็นหลักคือความขัดแย้งทางผลประโยชน์ ความรู้สึก และหน้าที่ส่วนบุคคลและของพลเมือง 4. ศักดิ์ศรีสูงสุดของบุคคลคือการปฏิบัติหน้าที่บริการตามความคิดของรัฐ 5. มรดกของสมัยโบราณเป็นแบบอย่าง 6. เลียนแบบธรรมชาติ “ตกแต่ง” 7. หมวดหมู่หลักคือความงาม
วรรณกรรม
Keldysh Yu. V. - คลาสสิค สารานุกรมดนตรี, มอสโก: สารานุกรมโซเวียต, จาก "นักแต่งเพลงโซเวียต", 1973 - 1982. คลาสสิก - พจนานุกรมสารานุกรมใหญ่, 2000. Yu. A. Kremlev - Beethoven Piano Sonatas สำนักพิมพ์ "Soviet Composer", Moscow 1970 .
นักแต่งเพลงคลาสสิก
ฟรีดริช คาล์คเบรนเนอร์ โจเซฟ ไฮเดน โยฮันน์ เนโปมุก ฮุมเมล แจน วานฮาล จิโอวานนี บัตติสตา เปเช็ตติ โดมินิโก Cimarosa อีวาน ลาสคอฟสกี เลียวโปลด์ โมซาร์ท คริสเตียน ก็อตต์ล็อบ เนเฟ โวล์ฟกัง อมาเดอุส โมสาร์ท จิโอวานนี บัตติสตา กราซิโอลี อังเดร โยฮันน์ อี. ฮุมเมล แดเนียล สไตเบลต์ อิกนาซ เพลเยล ลุดวิเก อองนาซ เพลเยล ลุดวีก Giovanni Paisiello Alexander Ivanovich Dubuque Lev Stepanovich Gurilev Karl Czerny Daniel Gottlob Türk Wilhelm Friedemann Bach Antonio Salieri Johann Christian Bach Mauro Giuliani Johann Christoph Friederick Bach John Field คาร์ล Philipp Emmanuel Bach Alexander Taneyev เฟรเดอริก Duvernoy Gaetano Donizettis Luhann Behrens Johann Philipp Kirnberger Muzio Clementi อองรีเจอโรม Bertini Henri Kramer
Luigi Boccherini Johann Baptiste Cramer Dmitry Bortnyansky Rodolphe Kreutzer Pyotr Bulakhov ฟรีดริช Kulau Carl Maria von Weber Johann Heinrich Lev Henri Lemoine Genishta Iosif Iosifovich Mikhail Cleofas Oginsky Giovanni Battista Pergolesi
โรแมนติก
แนวจินตนิยมเป็นกระแสนิยมทางอุดมการณ์และศิลปะที่เกิดขึ้นในวัฒนธรรมยุโรปและอเมริกาเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ XIX - เป็นปฏิกิริยาตอบสนองต่อสุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิก ซึ่งเป็นปฏิกิริยาแบบหนึ่งต่อการตรัสรู้ด้วยลัทธิแห่งเหตุผล การเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกเกิดจากสาเหตุหลายประการ ที่สำคัญที่สุดของพวกเขา
-
ความผิดหวังในผลการปฏิวัติฝรั่งเศส
,
ไม่ได้พิสูจน์ความหวังที่วางไว้ โลกทัศน์ที่โรแมนติกมีลักษณะเฉพาะด้วยความขัดแย้งที่คมชัดระหว่างความเป็นจริงกับความฝัน ความเป็นจริงนั้นต่ำต้อยและไร้วิญญาณ เต็มไปด้วยจิตวิญญาณของลัทธิฟิลิสติน ลัทธิฟิลิสไตน์ และสมควรที่จะปฏิเสธเท่านั้น ความฝันเป็นสิ่งที่สวยงาม สมบูรณ์แบบ แต่ไม่สามารถบรรลุได้และไม่สามารถเข้าใจได้ในจิตใจ แนวโรแมนติกเกิดขึ้นครั้งแรกและก่อตัวขึ้นในยุค 1790 ในประเทศเยอรมนีในแวดวงนักเขียนและนักปรัชญาของโรงเรียน Jena ซึ่งมีตัวแทนคือ W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, พี่น้อง F. และ A. Schlegel) ปรัชญาของแนวโรแมนติกได้รับการจัดระบบในผลงานของ F. Schlegel และ F. Schelling และประกอบด้วยความจริงที่ว่ามีความเพลิดเพลินในเชิงบวกของความสวยงามแสดงออกในการไตร่ตรองอย่างสงบและความเพลิดเพลินเชิงลบของประเสริฐไม่มีรูปแบบไม่มีที่สิ้นสุด ไม่ก่อให้เกิดความยินดี แต่เกิดความอัศจรรย์ใจและความเข้าใจ การสวดมนต์ที่ประเสริฐนั้นเชื่อมโยงกับความสนใจของความโรแมนติกในความชั่วร้าย การทำให้สูงส่ง และวิภาษวิธีแห่งความดีและความชั่ว ในศตวรรษที่สิบแปด ทุกสิ่งที่แปลก งดงาม และมีอยู่ในหนังสือ ไม่ใช่ในความเป็นจริง เรียกว่าโรแมนติก ในตอนเริ่มต้น. ศตวรรษที่ 19 ความโรแมนติกกลายเป็นการกำหนดทิศทางใหม่ ตรงกันข้ามกับความคลาสสิกและการตรัสรู้ จากยุคสู่ยุคจากรูปแบบไปสู่รูปแบบที่ตามมาในสาขาศิลปะเราสามารถ "โยนสะพาน" และแสดงออกถึงความสอดคล้อง
คำจำกัดความของแนวโน้มทางศิลปะ: บาร็อคเป็นคำเทศนา แนวโรแมนติกคือการสารภาพ ดังนั้นพวกเขาจึง "กระจัดกระจาย" ไปด้านข้างจากความคลาสสิคที่เพรียวบางและเป็นระเบียบ ในศิลปะแบบบาโรก คนๆ หนึ่งหันไปหาบุคคล (เทศน์) ด้วยบางสิ่งที่มีความสำคัญระดับโลก ในเรื่องแนวโรแมนติก คนๆ หนึ่งหันไปหาโลก โดยประกาศกับเขาว่าประสบการณ์ที่เล็กที่สุดของจิตวิญญาณของเขามีความสำคัญไม่น้อยไปกว่าสิ่งอื่นใด และนี่ไม่ใช่เพียงสิทธิ์ในความรู้สึกส่วนตัวเท่านั้น แต่ยังมีสิทธิ์ในการกระทำอีกด้วย แนวจินตนิยมเข้ามาแทนที่ยุคแห่งการตรัสรู้ เกิดขึ้นพร้อมกับการปฏิวัติอุตสาหกรรม โดยมีลักษณะภายนอกของเครื่องจักรไอน้ำ รถจักรไอน้ำ เรือกลไฟ การถ่ายภาพ และบริเวณชานเมืองโรงงาน หากการตรัสรู้มีลักษณะเฉพาะโดยลัทธิแห่งเหตุผลและอารยธรรมตามหลักการของมัน ความโรแมนติกก็ยืนยันลัทธิแห่งธรรมชาติ ความรู้สึก และธรรมชาติในมนุษย์ ในยุคของความโรแมนติกที่ปรากฏการณ์ของการท่องเที่ยว การปีนเขา และปิกนิกถูกสร้างขึ้น ออกแบบมาเพื่อฟื้นฟูความสามัคคีของมนุษย์และธรรมชาติ ภาพลักษณ์ของ "คนป่าผู้สูงศักดิ์" ที่ติดอาวุธ "ภูมิปัญญาชาวบ้าน" และไม่ถูกอารยธรรมเสื่อมโทรมเป็นที่ต้องการ แนวจินตนิยมเปรียบเทียบแนวคิดการตรัสรู้ของความก้าวหน้ากับความสนใจในนิทานพื้นบ้าน ตำนาน เทพนิยาย ในคนทั่วไป การกลับคืนสู่รากเหง้าและธรรมชาติ ในการพัฒนาแนวโรแมนติกของเยอรมันต่อไปความสนใจในลวดลายเทพนิยายและตำนานนั้นแตกต่างออกไปซึ่งแสดงออกอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในผลงานของพี่น้องวิลเฮล์มและจาค็อบกริมม์ฮอฟฟ์มันน์ G. Heine เริ่มทำงานภายใต้กรอบของแนวโรแมนติกในเวลาต่อมาได้รับการปรับปรุงแก้ไขที่สำคัญ แนวโรแมนติกเชิงปรัชญาเรียกร้องให้มีการคิดใหม่เกี่ยวกับศาสนาและการแสวงหาลัทธิอเทวนิยม "ศาสนาที่แท้จริงคือความรู้สึกและรสชาติของอนันต์" ต่อมาในทศวรรษที่ 1820 สไตล์โรแมนติกได้แพร่กระจายไปยังอังกฤษ ฝรั่งเศส และประเทศอื่นๆ แนวโรแมนติกของอังกฤษรวมถึงผลงานของนักเขียน Racine, John Keats, William Blake แนวโรแมนติกในวรรณคดีแพร่หลายในประเทศยุโรปอื่น ๆ เช่นในฝรั่งเศส - Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, George Sand, Stendhal; ในอิตาลี - N. U. Foscolo, A. Manzoni, Leopardi, ในโปแลนด์ - Adam Mickiewicz, Juliusz Slowatsky, Zygmunt Krasinsky, Cyprian Norwid; ในสหรัฐอเมริกา - Washington Irving, Fenimore Cooper, W. K. Bryant, Edgar Poe, Nathaniel Hawthorne, Henry Longfellow, Herman Melville
ในแนวโรแมนติกของรัสเซีย เสรีภาพจากอนุสัญญาแบบคลาสสิกปรากฏขึ้น เพลงบัลลาด ละครโรแมนติก ได้ถูกสร้างขึ้น แนวคิดใหม่ของสาระสำคัญและความหมายของบทกวีได้รับการยืนยันซึ่งเป็นที่ยอมรับว่าเป็นทรงกลมที่เป็นอิสระของชีวิตซึ่งเป็นการแสดงออกถึงแรงบันดาลใจสูงสุดในอุดมคติของมนุษย์ ความโรแมนติกของวรรณคดีรัสเซียแสดงให้เห็นถึงความทุกข์ทรมานและความเหงาของตัวเอก ในรัสเซีย V. A. Zhukovsky, K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov สามารถนำมาประกอบกับกวีโรแมนติกได้เช่นกัน กวีนิพนธ์ยุคแรก ๆ ของ A. S. Pushkin ก็พัฒนาขึ้นภายใต้กรอบของแนวโรแมนติก กวีนิพนธ์ของ M. Yu. Lermontov ถือได้ว่าเป็นจุดสุดยอดของแนวโรแมนติกของรัสเซีย เนื้อเพลงเชิงปรัชญาของ F. I. Tyutchev เป็นทั้งความสมบูรณ์และการเอาชนะแนวโรแมนติกในรัสเซีย ยวนใจเกิดขึ้นจากการเคลื่อนไหวทางวรรณกรรม แต่มีผลกระทบอย่างมากต่อดนตรีและภาพวาด ในทัศนศิลป์ แนวจินตนิยมแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในการวาดภาพและกราฟิก และน้อยกว่าในด้านสถาปัตยกรรม การพัฒนาความโรแมนติกในการวาดภาพดำเนินไปด้วยการโต้เถียงที่คมชัดกับสมัครพรรคพวกของลัทธิคลาสสิค พวกโรแมนติกเยาะเย้ยบรรพบุรุษของพวกเขาสำหรับ "เหตุผลที่เย็นชา" และไม่มี "การเคลื่อนไหวของชีวิต" ในศตวรรษที่ 18 ศิลปินที่ชื่นชอบคือภูมิทัศน์ของภูเขาและซากปรักหักพังที่งดงาม คุณสมบัติหลักของมันคือไดนามิกขององค์ประกอบ, ความกว้างขวาง, สีสัน, chiaroscuro (เช่นผลงานของ Turner, Géricaultและ Delacroix) ในช่วงปี ค.ศ. 1920 และ 1930 ผลงานของศิลปินหลายคนมีความโดดเด่นด้วยเรื่องน่าสมเพชและความตื่นเต้นเร้าใจ ในนั้นมีแนวโน้มที่จะมีลวดลายที่แปลกใหม่และการเล่นจินตนาการที่สามารถนำพาออกจาก "ชีวิตประจำวันที่มืดมน" การต่อสู้กับบรรทัดฐานของนักคลาสสิกที่เยือกเย็นนั้นกินเวลานานเกือบครึ่งศตวรรษ คนแรกที่สามารถรวบรวมทิศทางใหม่และ "ปรับ" แนวโรแมนติกคือ Theodore Géricault ตัวแทนของภาพวาด: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Karl Friedrich Lessing, Karl Spitzweg, Karl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Fuseli, Martin
โรแมนติกในเพลง
ดนตรีในสมัยโรแมนติกเป็นช่วงเวลาในประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปที่ครอบคลุมช่วงปี 1800-1910 โดยประมาณ ในดนตรีทิศทางของแนวโรแมนติกเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1820 การพัฒนาเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 19 ทั้งหมด - ความมั่งคั่งของวัฒนธรรมดนตรีของยุโรปตะวันตก ยวนใจไม่ได้เป็นเพียงเนื้อเพลง แต่ครอบงำความรู้สึก, ความสนใจ, องค์ประกอบทางจิตวิญญาณซึ่งเป็นที่รู้จักเฉพาะในมุมของจิตวิญญาณของตัวเอง ศิลปินที่แท้จริงเปิดเผยพวกเขาด้วยความช่วยเหลือจากสัญชาตญาณอันชาญฉลาด
ดนตรีในยุคนี้พัฒนาจากรูปแบบ แนวเพลง และแนวความคิดทางดนตรีที่สร้างขึ้นในสมัยก่อน เช่น ยุคคลาสสิก นักประพันธ์เพลงโรแมนติกพยายามแสดงความลึกและความสมบูรณ์ของโลกภายในของบุคคลด้วยความช่วยเหลือทางดนตรี ดนตรีมีลายนูนมากขึ้นเป็นรายบุคคล แนวเพลงกำลังพัฒนารวมถึงเพลงบัลลาด แนวความคิด โครงสร้างของผลงานที่จัดตั้งขึ้นหรือระบุไว้ในสมัยก่อนเท่านั้น ได้รับการพัฒนาภายใต้แนวโรแมนติก เป็นผลให้ผู้ฟังมองว่างานที่เกี่ยวข้องกับแนวโรแมนติกนั้นมีความหลงใหลและแสดงออกทางอารมณ์มากขึ้น เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่าผู้บุกเบิกแนวจินตนิยมในทันที ได้แก่ ลุดวิก ฟาน เบโธเฟนในดนตรีออสโตร-เยอรมัน และลุยจิ เครูบินีในภาษาฝรั่งเศส ความโรแมนติกมากมาย (เช่น Schubert, Wagner, Berlioz) ถือว่า K.V. Gluck เป็นบรรพบุรุษที่อยู่ห่างไกลจากพวกเขา ช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนผ่านจากความคลาสสิกไปสู่ความโรแมนติกถือเป็นช่วงก่อนโรแมนติก ซึ่งเป็นช่วงที่ค่อนข้างสั้นในประวัติศาสตร์ดนตรีและศิลปะ หากในวรรณคดีและการวาดภาพแนวโรแมนติกโดยทั่วไปเสร็จสิ้นการพัฒนาในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ชีวิตของแนวโรแมนติกทางดนตรีในยุโรปจะยาวนานกว่ามาก แนวโรแมนติกทางดนตรีเป็นกระแสที่เกิดขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 และพัฒนาร่วมกับแนวโน้มต่างๆ ในด้านวรรณคดี ภาพวาด และโรงละคร ตัวแทนหลักของแนวโรแมนติกในดนตรีคือ: ในออสเตรีย - Franz Schubert และความโรแมนติกตอนปลาย - Anton Bruckner และ Gustav Mahler; ในเยอรมนี - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms, Ludwig Spohr; ในอังกฤษ เอ็ดเวิร์ด เอลการ์; ในฮังการี - Franz Liszt; ในนอร์เวย์ Edvard Grieg; ในอิตาลี - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, Giuseppe Verdi ต้น; ในสเปน เฟลิเป้เปเดรล; ในฝรั่งเศส - D. F. Ober, Hector Berlioz, J. Meyerbeer และ Cesar Franck ตัวแทนของแนวโรแมนติกตอนปลาย; ในโปแลนด์ - Frederic Chopin, Stanislav Moniuszko; ในสาธารณรัฐเช็ก - Bedrich Smetana, Antonin Dvorak;
ในรัสเซีย Alexander Alyabyev, Mikhail Glinka, Alexander Dargomyzhsky, Mily Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, Modest Mussorgsky, Alexander Borodin, Caesar Cui, P. I. Tchaikovsky ทำงานสอดคล้องกับแนวโรแมนติก
ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ดนตรีได้รับการประกาศให้เป็นรูปแบบของศิลปะในอุดมคติ ซึ่งเนื่องจากความเฉพาะเจาะจง การแสดงออกถึงการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณได้อย่างเต็มที่ที่สุด เป็นดนตรีในยุคโรแมนติกที่เป็นผู้นำในระบบศิลปะ ยวนใจในดนตรีมีลักษณะเฉพาะด้วยการดึงดูดโลกภายในของบุคคล ดนตรีสามารถแสดงสิ่งที่ไม่รู้ ถ่ายทอดสิ่งที่คำไม่สามารถถ่ายทอดได้ แนวโรแมนติกมักพยายามหลบหนีจากความเป็นจริง สัมผัสชีวิตคนธรรมดาเข้าใจความรู้สึกพึ่งพาดนตรีช่วยให้ตัวแทนของแนวโรแมนติกทางดนตรีทำให้งานของพวกเขาเป็นจริง ปัญหาบุคลิกภาพถูกหยิบยกขึ้นมาเป็นปัญหาหลักของดนตรีโรแมนติก และในมุมมองใหม่ - ซึ่งขัดแย้งกับโลกภายนอก ฮีโร่ที่โรแมนติกมักจะโดดเดี่ยวเมื่อเขาเป็นเพียงบุคคลที่มีพรสวรรค์และโดดเด่น ธีมของความเหงาอาจเป็นที่นิยมมากที่สุดในศิลปะโรแมนติกทั้งหมด ศิลปิน กวี นักดนตรีเป็นตัวละครที่ชื่นชอบในผลงานแนวโรแมนติก (“The Poet's Love” โดย Schumann, “Fantastic Symphony” โดย Berlioz พร้อมคำบรรยาย - “ตอนจากชีวิตของศิลปิน”) การเปิดเผยของละครส่วนตัวมักจะได้รับสัมผัสของอัตชีวประวัติท่ามกลางความโรแมนติกซึ่งนำความจริงใจเป็นพิเศษมาสู่ดนตรี ตัวอย่างเช่น งานเปียโนของ Schumann หลายชิ้นเกี่ยวข้องกับเรื่องราวความรักที่เขามีต่อ Clara Wieck Richard Wagner เน้นย้ำลักษณะอัตชีวประวัติของโอเปร่าของเขาอย่างมาก การเอาใจใส่ต่อความรู้สึกนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงแนวเพลง - เนื้อเพลงได้รับตำแหน่งที่โดดเด่น ซึ่งภาพแห่งความรักมีอิทธิพลเหนือกว่า แก่นของธรรมชาติมักจะเกี่ยวพันกับธีมของ การพัฒนาแนวเพลงและการแสดงซิมโฟนีแบบโคลงสั้น ๆ ในมหากาพย์นั้นเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับภาพของธรรมชาติ (หนึ่งในองค์ประกอบแรกคือซิมโฟนี "ยอดเยี่ยม" C - dur โดย F. Schubert) การค้นพบนักประพันธ์เพลงโรแมนติกที่แท้จริงคือธีมของแฟนตาซี ดนตรีเป็นครั้งแรกที่เรียนรู้ที่จะรวบรวมภาพที่น่าอัศจรรย์ด้วยวิธีการทางดนตรีล้วนๆ ในโอเปร่าของศตวรรษที่ 17 - 18 ตัวละครที่ "แปลกประหลาด" (เช่น Queen of the Night จาก Mozart's The Magic Flute) พูด "ธรรมดา"
ภาษาดนตรี โดดเด่นเพียงเล็กน้อยจากภูมิหลังของคนจริง นักประพันธ์เพลงโรแมนติกได้เรียนรู้ที่จะถ่ายทอดโลกแห่งจินตนาการว่าเป็นสิ่งที่จำเพาะเจาะจง (ด้วยความช่วยเหลือของวงออร์เคสตราและสีสันที่กลมกลืนกัน) ตัวอย่างที่น่าสังเกตคือ "ฉาก Wolf Gulch" ใน Weber's Magic Shooter ความสนใจในศิลปะพื้นบ้านเป็นลักษณะเด่นของดนตรีแนวโรแมนติก เช่นเดียวกับกวี - แนวโรแมนติกที่เสริมแต่งและปรับปรุงภาษาวรรณกรรมด้วยค่าใช้จ่ายของคติชนวิทยานักดนตรีหันมาใช้คติชนวิทยาระดับชาติอย่างกว้างขวาง - เพลงพื้นบ้านเพลงบัลลาดมหากาพย์ (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. สเมทาน่า, อี. กรีก). ทุกสิ่งที่ได้ยินด้วยหูก็แปรเปลี่ยนเป็นความคิดสร้างสรรค์ในทันที คติชนวิทยา - เพลง, การเต้นรำ, ตำนาน - ถูกประมวลผล, ธีม, โครงเรื่อง, น้ำเสียงที่นำมาจากที่นั่น ท่ามกลางความโรแมนติก เพลงได้รับคุณค่าพิเศษ (ในรัสเซีย ความโรแมนติก) การเต้นรำใหม่ปรากฏขึ้น - mazurkas, polonaises, waltzes รวบรวมภาพของวรรณกรรมแห่งชาติ ประวัติศาสตร์ ธรรมชาติพื้นเมือง พวกเขาอาศัยน้ำเสียงสูงต่ำและจังหวะของนิทานพื้นบ้านแห่งชาติ ฟื้นฟูโหมดไดอาโทนิกแบบเก่า ภายใต้อิทธิพลของนิทานพื้นบ้าน เนื้อหาของเพลงยุโรปเปลี่ยนไปอย่างมาก
.
ธีมและรูปภาพใหม่เรียกร้องจาก Romantics ให้พัฒนาวิธีการใหม่ๆ ของภาษาดนตรีและหลักการสร้างรูปร่าง การขยายเสียงต่ำและโทนสีของดนตรี (โหมดธรรมชาติ และในแง่ของการแสดงออก นายพลกำลังหลีกทางให้กับเอกลักษณ์เฉพาะตัวมากขึ้นเรื่อยๆ
ในการประสานเสียง หลักการของกลุ่มวงดนตรีทำให้การโซโลเสียงของวงออเคสตราเกือบทั้งหมด ในช่วงรุ่งเรืองของแนวโรแมนติก มีแนวดนตรีใหม่ๆ เกิดขึ้นมากมาย รวมถึงประเภทของโปรแกรมเพลง (บทกวีไพเราะ บัลลาด แฟนตาซี แนวเพลง) ช่วงเวลาที่สำคัญที่สุดในสุนทรียศาสตร์ของดนตรีแนวโรแมนติกคือแนวคิดของการสังเคราะห์ศิลปะซึ่งพบว่ามีการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดในผลงานโอเปร่าของ R. Wagner และในรายการเพลงของ G. Berlioz, R. Schumann ฟ. ลิสท์
ผลผลิต
การเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกได้รับอิทธิพลจากเหตุการณ์หลักสามเหตุการณ์: การปฏิวัติฝรั่งเศส สงครามนโปเลียน การเกิดขึ้นของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติในยุโรป ยวนใจเป็นวิธีการและทิศทางในดนตรีและวัฒนธรรมทางศิลปะเป็นปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนและเป็นที่ถกเถียงกัน ในทุกประเทศเขามีความสดใส
การแสดงออกของชาติ ชาวโรแมนติกต่อต้านผลลัพธ์ของการปฏิวัติชนชั้นนายทุน แต่พวกเขากลับก่อกบฏในรูปแบบต่างๆ เนื่องจากทุกคนมีอุดมคติของตนเอง แต่ด้วยใบหน้าและความหลากหลายที่หลากหลาย ความโรแมนติกจึงมีลักษณะที่มั่นคง: ความผิดหวังในโลกรอบตัวเรา ความรู้สึกเป็นส่วนหนึ่งของจักรวาล ความไม่พอใจในตัวเอง การค้นหาความสามัคคี ความขัดแย้งกับสังคม ทั้งหมดมาจากการปฏิเสธการตรัสรู้และหลักการที่มีเหตุผลของลัทธิคลาสสิกซึ่งผูกมัดความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ สนใจบุคลิกภาพที่แข็งแกร่งซึ่งต่อต้านโลกทั้งใบและพึ่งพาตัวเองเท่านั้นและสนใจโลกภายในของบุคคล แนวคิดของการสังเคราะห์งานศิลปะพบการแสดงออกในอุดมการณ์และแนวปฏิบัติเกี่ยวกับแนวโรแมนติก วิสัยทัศน์ของโลกที่เป็นปัจเจกบุคคลนำไปสู่การเกิดขึ้นของแนวดนตรีใหม่ ร่วมกับแนวโน้มการพัฒนาของการทำดนตรีที่บ้าน การแสดงในแชมเบอร์ ซึ่งไม่ได้ออกแบบมาสำหรับผู้ชมจำนวนมากและเทคนิคการแสดงที่สมบูรณ์แบบ สิ่งเหล่านี้ทำให้ประเภทของเปียโนย่อส่วน - อย่างกะทันหัน ช่วงเวลาทางดนตรี เวลากลางคืน โหมโรง แนวการเต้นมากมายที่มี ไม่เคยคิดในวงการดนตรีอาชีพมาก่อน ธีมโรแมนติก ลวดลาย อุปกรณ์แสดงออก เข้าสู่ศิลปะของรูปแบบทิศทางต่าง ๆ ความสัมพันธ์ที่สร้างสรรค์ กองกำลังที่ต่อต้านลัทธิจินตนิยมเริ่มก่อตัวขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 (Brahms, Brückner, Mahler) ด้วยรูปลักษณ์ภายนอก มีแนวโน้มที่จะกล่าวถึงโลกแห่งความเป็นจริง ความเที่ยงธรรม และการปฏิเสธอัตนัย แต่ถึงกระนั้นก็ตาม โลกทัศน์ที่โรแมนติกหรือโลกทัศน์กลับกลายเป็นแนวโน้มโวหารทางศิลปะที่มีผลมากที่สุดอย่างหนึ่ง แนวจินตนิยมในฐานะทัศนคติทั่วไปซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของคนหนุ่มสาวส่วนใหญ่ในฐานะความปรารถนาในเสรีภาพในอุดมคติและสร้างสรรค์ยังคงมีชีวิตอยู่ในศิลปะโลก
วรรณกรรม
Rapatskaya L. A. แนวจินตนิยมในวัฒนธรรมศิลปะของยุโรปในศตวรรษที่ 19: การค้นพบ "คนใน" // วัฒนธรรมศิลปะโลก 11 เซลล์ ใน 2 ส่วน M. : Vlados, 2008
Bryantseva V.N. วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ-อ. "ดนตรี" 2001 A.V. Serdyuk, O.V. Umanets วิธีการพัฒนาศิลปะดนตรียูเครนและต่างประเทศ - H.: Osnova, 2001 Berkovsky N.Ya. แนวจินตนิยมในเยอรมนี / บทความเบื้องต้นโดย A. Anikst - L.: "นิยาย", 1973
ไม่มีศิลปะดนตรีแนวเดียวของศตวรรษที่ 19 รอดพ้นจากอิทธิพลของเบโธเฟน ตั้งแต่เนื้อร้องของชูเบิร์ตไปจนถึงละครเพลงของแว็กเนอร์ จากเชอร์โซ การทาบทามที่น่าอัศจรรย์ของเมนเดลโซห์น ไปจนถึงซิมโฟนีโศกนาฏกรรมของมาห์เลอร์ จากรายการเพลงละครของแบร์ลิออซ ไปจนถึงความลึกซึ้งทางจิตวิทยาของไชคอฟสกี - ปรากฏการณ์ทางศิลปะที่สำคัญแทบทุกเรื่องของ ศตวรรษที่ 19 ได้พัฒนาด้านหนึ่งของความคิดสร้างสรรค์หลายแง่มุมของเบโธเฟน หลักการทางจริยธรรมขั้นสูงของเขา มาตราส่วนความคิดของเชคสเปียร์ นวัตกรรมทางศิลปะที่ไร้ขอบเขต ทำหน้าที่เป็นดาวนำทางสำหรับนักประพันธ์เพลงจากโรงเรียนและแนวโน้มที่หลากหลายที่สุด “ยักษ์ซึ่งเรามักจะได้ยินเสียงฝีเท้าตามหลังเราเสมอ” Brahms กล่าวถึงเขา
ตัวแทนที่โดดเด่นของโรงเรียนโรแมนติกด้านดนตรีได้อุทิศหน้าหลายร้อยหน้าให้กับเบโธเฟนโดยประกาศให้เขาเป็นคนที่มีความคิดเหมือนกัน Berlioz และ Schumann ในบทความวิพากษ์วิจารณ์ที่แยกจากกัน Wagner ได้ยืนยันถึงความสำคัญอย่างยิ่งของ Beethoven ในฐานะนักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติกคนแรก
เนื่องจากความเฉื่อยของความคิดทางดนตรี มุมมองของเบโธเฟนในฐานะนักประพันธ์เพลงที่มีความเกี่ยวข้องอย่างลึกซึ้งกับโรงเรียนโรแมนติกจึงคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ ในขณะเดียวกัน มุมมองทางประวัติศาสตร์ในวงกว้างที่เปิดขึ้นในศตวรรษที่ 20 ทำให้เราเห็นปัญหา "เบโธเฟนและกลุ่มโรแมนติก" ในมุมมองที่แตกต่างออกไปเล็กน้อย การประเมินการมีส่วนร่วมที่นักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติกทำกับศิลปะโลก เราได้ข้อสรุปว่าบีโธเฟนไม่สามารถระบุตัวตนหรือเข้าใกล้คู่รักที่บูชาเขาอย่างไม่มีเงื่อนไขอย่างไม่มีเงื่อนไข ไม่ใช่ลักษณะเฉพาะของเขา หลักและทั่วไปซึ่งทำให้สามารถรวมกันเป็นหนึ่งเดียวในแนวคิดของงานของบุคคลทางศิลปะที่หลากหลายเช่น Schubert และ Berlioz, Mendelssohn และ Liszt, Weber และ Schumann ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในช่วงวิกฤต เมื่อเบโธเฟนหมดแรงมองหาวิธีใหม่ๆ ในงานศิลปะ โรงเรียนโรแมนติกที่กำลังเติบโต (ชูเบิร์ต เวเบอร์ มาร์ชเนอร์ และอื่นๆ) ไม่ได้เปิดโอกาสใดๆ ให้กับเขาเลย และทรงกลมใหม่เหล่านั้นซึ่งยิ่งใหญ่ในความหมายซึ่งในที่สุดเขาก็พบในงานของเขาในสมัยที่แล้วโดยลักษณะที่เด็ดขาดไม่สอดคล้องกับรากฐานของแนวโรแมนติกทางดนตรี
มีความจำเป็นต้องชี้แจงขอบเขตที่แยกเบโธเฟนและโรแมนติกออก เพื่อสร้างจุดสำคัญของความแตกต่างระหว่างปรากฏการณ์ทั้งสองนี้ ใกล้กันในเวลา สัมผัสแต่ละด้านอย่างไม่มีเงื่อนไขและยังแตกต่างกันในสาระสำคัญทางสุนทรียะ
ก่อนอื่น ให้เรากำหนดช่วงเวลาของความเหมือนกันระหว่างเบโธเฟนกับคู่รัก ซึ่งทำให้คนหลังมีเหตุผลที่จะเห็นคนที่มีใจเดียวกันในศิลปินที่ยอดเยี่ยมคนนี้
กับพื้นหลังของบรรยากาศดนตรีในยุคหลังการปฏิวัติ นั่นคือ ชนชั้นนายทุนยุโรปในตอนต้นและกลางศตวรรษที่ 19 เบโธเฟนและคู่รักชาวตะวันตกรวมกันเป็นหนึ่งโดยแพลตฟอร์มร่วมที่สำคัญ - ต่อต้านความเฉลียวฉลาดโอ้อวดและความบันเทิงที่ว่างเปล่าซึ่งเริ่ม ครองปีเหล่านั้นบนเวทีคอนเสิร์ตและโรงละครโอเปร่า
เบโธเฟนเป็นนักแต่งเพลงคนแรกที่เลิกใช้แอกของนักดนตรีในราชสำนัก คนแรกที่การประพันธ์เพลงไม่ได้มาจากภายนอกและไม่ได้เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมของเจ้าศักดินาหรือตามข้อกำหนดของศิลปะในโบสถ์ เขาและนักประพันธ์เพลงคนอื่น ๆ ในศตวรรษที่ 19 รองจากเขาเป็น "ศิลปินอิสระ" ผู้ซึ่งไม่รู้จักการพึ่งพาอาศัยในศาลหรือคริสตจักรที่น่าอับอาย ซึ่งเป็นนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่มากมายในยุคก่อน - Monteverdi และ Bach Handel and Gluck, Haydn และ Mozart ... แต่ถึงกระนั้น อิสรภาพที่ได้รับจากข้อกำหนดที่รัดกุมของสภาพแวดล้อมของศาลก็นำไปสู่ปรากฏการณ์ใหม่ๆ ที่ศิลปินเองก็เจ็บปวดไม่แพ้กัน ชีวิตทางดนตรีในตะวันตกกลับกลายเป็นว่าถูกครอบงำโดยผู้ชมที่มีการศึกษาต่ำ ไม่สามารถชื่นชมแรงบันดาลใจในศิลปะที่สูงส่งและมองหาความบันเทิงเบาๆ เท่านั้นในนั้น ความขัดแย้งระหว่างการค้นหานักประพันธ์เพลงขั้นสูงกับระดับสังคมนิยมของชนชั้นนายทุนเฉื่อยเฉื่อยในระดับมหาศาลได้ขัดขวางนวัตกรรมทางศิลปะในศตวรรษที่ผ่านมา นี่เป็นโศกนาฏกรรมทั่วไปของศิลปินในยุคหลังการปฏิวัติ ซึ่งก่อให้เกิดภาพลักษณ์ของ "อัจฉริยะที่ไม่รู้จักในห้องใต้หลังคา" ซึ่งพบได้ทั่วไปในวรรณคดีตะวันตก เธอระบุถึงความน่าสมเพชที่เปิดเผยอย่างเปิดเผยของงานนักข่าวของ Wagner โดยสร้างแบรนด์โรงละครดนตรีร่วมสมัยว่าเป็น "ดอกไม้ที่ว่างเปล่าของระบบสังคมที่เน่าเฟะ" มันทำให้เกิดความประชดประชันที่กัดกร่อนของบทความของ Schumann: ตัวอย่างเช่นเกี่ยวกับผลงานของนักแต่งเพลงและนักเปียโน Kalkbrenner ที่ฟ้าร้องไปทั่วยุโรป Schumann เขียนว่าเขาเขียนข้อความอัจฉริยะสำหรับศิลปินเดี่ยวก่อนแล้วจึงคิดว่าจะเติมช่องว่างได้อย่างไร ระหว่างพวกเขา. ความฝันของ Berlioz เกี่ยวกับสถานะทางดนตรีในอุดมคติเกิดขึ้นโดยตรงจากความไม่พอใจอย่างรุนแรงกับสถานการณ์ที่หยั่งรากลึกในโลกดนตรีร่วมสมัยของเขา โครงสร้างทั้งหมดของยูโทเปียทางดนตรีที่เขาสร้างขึ้นแสดงถึงการประท้วงต่อต้านจิตวิญญาณของผู้ประกอบการเชิงพาณิชย์และการอุปถัมภ์ของรัฐในกระแสถอยหลังเข้าคลอง ซึ่งเป็นลักษณะของฝรั่งเศสในช่วงกลางศตวรรษที่ผ่านมา และ Liszt ต้องเผชิญกับความต้องการที่ จำกัด และย้อนหลังอย่างต่อเนื่องของสาธารณชนในการแสดงคอนเสิร์ตถึงระดับการระคายเคืองที่ดูเหมือนว่าเขาจะเริ่มตำแหน่งในอุดมคติของนักดนตรียุคกลางซึ่งในความคิดของเขามีโอกาสที่จะสร้างเน้น ด้วยมาตรฐานอันสูงส่งของเขาเองเท่านั้น
ในสงครามต่อต้านความหยาบคาย กิจวัตรประจำวัน ความเบา พันธมิตรหลักของนักประพันธ์เพลงในโรงเรียนแสนโรแมนติกคือเบโธเฟน เป็นงานของเขาที่ใหม่ กล้าหาญ และมีจิตวิญญาณ ซึ่งกลายเป็นธงที่สร้างแรงบันดาลใจให้นักประพันธ์เพลงรุ่นใหม่ที่มีความก้าวหน้าในศตวรรษที่ 19 แสวงหาความจริงจัง จริงใจ และเปิดมุมมองใหม่ของศิลปะ
และในการต่อต้านประเพณีดนตรีคลาสสิกที่ล้าสมัย Beethoven และความโรแมนติคถูกมองว่าเป็นช่วงกลางศตวรรษที่ 19 โดยรวม การแตกสลายของเบโธเฟนด้วยสุนทรียภาพทางดนตรีของยุคแห่งการตรัสรู้เป็นแรงผลักดันให้พวกเขาค้นหาด้วยตนเอง เป็นการบ่งบอกถึงจิตวิทยาของยุคใหม่ พลังทางอารมณ์ที่ไม่เคยปรากฏมาก่อนของดนตรีของเขา คุณภาพโคลงสั้น ๆ อิสระของรูปแบบเมื่อเปรียบเทียบกับความคลาสสิคของศตวรรษที่ 18 และสุดท้ายคือแนวความคิดทางศิลปะที่กว้างที่สุดและวิธีการแสดงออก ทั้งหมดนี้ปลุกเร้าความชื่นชมของความรักและได้รับพหุภาคีเพิ่มเติม พัฒนาการด้านดนตรีของพวกเขา เฉพาะความเก่งกาจของงานศิลปะของเบโธเฟนและการดิ้นรนเพื่ออนาคตเท่านั้นที่สามารถอธิบายปรากฏการณ์ที่ดูเหมือนขัดแย้งกันซึ่งนักประพันธ์เพลงที่มีความหลากหลายมากที่สุดและบางครั้งก็แตกต่างกันโดยสิ้นเชิงรับรู้ว่าตัวเองเป็นทายาทและผู้สืบทอดของเบโธเฟนโดยมีเหตุที่แท้จริงสำหรับความคิดเห็นดังกล่าว และที่จริงแล้ว ชูเบิร์ตไม่ได้เอาบีโธเฟนที่พัฒนาความคิดเชิงบรรเลงที่ก่อให้เกิดการตีความใหม่โดยพื้นฐานเกี่ยวกับแผนเปียโนในเพลงประจำวันใช่หรือไม่ Berlioz ได้รับคำแนะนำจาก Beethoven เท่านั้น โดยสร้างการประพันธ์เพลงไพเราะอันโอ่อ่า ซึ่งเขาใช้ซอฟต์แวร์และเสียงร้อง การทาบทามของโปรแกรม Mendelssohn อิงตามทาบทามของเบโธเฟน การเขียนประสานเสียงร้องและไพเราะของ Wagner ย้อนกลับไปในสไตล์โอเปร่าและโอราโทริโอของเบโธเฟนโดยตรง บทกวีไพเราะของ Liszt ซึ่งเป็นลูกหลานทั่วไปของยุคโรแมนติกในดนตรี - มีที่มาในลักษณะที่เด่นชัดของสีซึ่งปรากฏอยู่ในผลงานของเบโธเฟนตอนปลายแนวโน้มต่อการเปลี่ยนแปลงและการตีความวงจรโซนาตาฟรี ในเวลาเดียวกัน Brahms อ้างถึงโครงสร้างแบบคลาสสิกของซิมโฟนีของเบโธเฟน ไชคอฟสกีรื้อฟื้นละครภายในของพวกเขา โดยเชื่อมโยงกับตรรกะของการก่อตัวของโซนาตา ตัวอย่างของความเชื่อมโยงระหว่างเบโธเฟนกับนักประพันธ์เพลงในสมัยศตวรรษที่ 19 นั้นคงไม่มีวันสิ้นสุด
และบนเครื่องบินที่กว้างกว่า มีความคล้ายคลึงกันระหว่างเบโธเฟนกับผู้ติดตามของเขา กล่าวอีกนัยหนึ่ง งานของเบโธเฟนคาดการณ์ถึงแนวโน้มทั่วไปที่สำคัญบางประการในงานศิลปะในศตวรรษที่สิบเก้าโดยรวม
ประการแรก นี่คือจุดเริ่มต้นทางจิตวิทยา ที่จับต้องได้ทั้งในเบโธเฟนและในศิลปินรุ่นต่อไปเกือบทั้งหมด
ไม่โรแมนติกมากนัก แต่โดยทั่วไปแล้วศิลปินในศตวรรษที่ 19 ได้ค้นพบภาพของโลกภายในที่ไม่เหมือนใครของบุคคลซึ่งเป็นภาพที่ทั้งเป็นส่วนสำคัญและเคลื่อนไหวอย่างต่อเนื่องหันเข้าด้านในและหักเหด้านต่าง ๆ ของวัตถุประสงค์โลกภายนอก โดยเฉพาะอย่างยิ่ง การเปิดเผยและการยืนยันของทรงกลมแห่งจินตนาการนี้ ประการแรก ความแตกต่างพื้นฐานระหว่างนวนิยายจิตวิทยาของศตวรรษที่ 19 กับประเภทวรรณกรรมของยุคก่อน ๆ อยู่ที่ความแตกต่าง
ความปรารถนาที่จะพรรณนาความเป็นจริงผ่านปริซึมของโลกแห่งจิตวิญญาณของความเป็นเอกเทศนั้นเป็นลักษณะของดนตรีในยุคหลังเบโธเฟนทั้งหมด เมื่อหักเหผ่านลักษณะเฉพาะของการสื่อความหมาย มันก่อให้เกิดเทคนิคการสร้างรูปแบบใหม่ที่มีลักษณะเฉพาะซึ่งปรากฏอย่างสม่ำเสมอทั้งในโซนาตาและควอเตตตอนปลายของเบโธเฟน และในงานบรรเลงและโอเปร่าของแนวโรแมนติก
สำหรับศิลปะแห่ง "ยุคจิตวิทยา" หลักการคลาสสิกของการสร้างซึ่งแสดงแง่มุมที่เป็นวัตถุประสงค์ของโลกได้สูญเสียความเกี่ยวข้อง กล่าวคือ การก่อตัวเฉพาะเรื่องที่แตกต่างอย่างชัดเจน โครงสร้างที่สมบูรณ์ การแบ่งส่วนสมมาตรและสมดุลของรูปแบบ โครงสร้างชุดวงจรของทั้งหมด เบโธเฟนก็เหมือนกับคู่รักโรแมนติกพบเทคนิคใหม่ ๆ ที่ตรงกับงานของศิลปะจิตวิทยา นี่คือแนวโน้มสู่ความต่อเนื่องของการพัฒนา ต่อองค์ประกอบของความเป็นหนึ่งเดียวในระดับของวงจรโซนาตา ไปสู่การเปลี่ยนแปลงอย่างอิสระในการพัฒนาเนื้อหาเฉพาะเรื่อง มักจะขึ้นอยู่กับการเปลี่ยนผ่านแรงจูงใจที่ยืดหยุ่น ไปสู่สองมิติ - เสียงร้อง - เครื่องดนตรี - โครงสร้างของคำพูดทางดนตรีราวกับว่ารวบรวมความคิดของข้อความและคำบรรยายของข้อความ * .
* ดูข้อมูลเพิ่มเติมในบท "โรแมนติกในดนตรี" ส่วนที่ 4
เป็นคุณลักษณะเหล่านี้ที่รวบรวมผลงานของเบโธเฟนตอนปลายและกลุ่มโรแมนติกซึ่งในแง่มุมอื่น ๆ มีความแตกต่างกันโดยพื้นฐาน แฟนตาซี "Wanderer" ของ Schubert และ "Symphonic Etudes" ของ Schumann, "Harold in Italy" ของ Berlioz และ "Scottish Symphony" ของ Mendelssohn, "Preludes" ของ Liszt และ "Ring of the Nibelungen" ของ Wagner - ผลงานเหล่านี้อยู่ไกลแค่ไหนในแง่ของช่วงของภาพ , อารมณ์, เสียงภายนอกจากโซนาต้าและสี่ของเบโธเฟนช่วงที่แล้ว! อย่างไรก็ตาม ทั้งคู่ต่างก็มีแนวโน้มเดียวที่มุ่งสู่การพัฒนาที่ต่อเนื่อง
นำ Beethoven ผู้ล่วงลับมาใกล้ชิดกับนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติกและการขยายขอบเขตของปรากฏการณ์ที่ครอบคลุมโดยงานศิลปะของพวกเขา คุณลักษณะนี้ไม่เพียงแสดงออกมาในความหลากหลายของธีมเท่านั้น แต่ยังแสดงให้เห็นในระดับคอนทราสต์ที่รุนแรงเมื่อเปรียบเทียบภาพในงานเดียวกัน ดังนั้นหากนักประพันธ์เพลงของศตวรรษที่ 18 มีความเปรียบต่างเหมือนที่เคยเป็นบนระนาบเดียว ในช่วงปลายเบโธเฟนและในผลงานหลายชิ้นของโรงเรียนโรแมนติก ภาพของโลกต่างๆ จะถูกเปรียบเทียบ ด้วยจิตวิญญาณแห่งความแตกต่างอย่างมหึมาของเบโธเฟน ความโรแมนติกปะทะกันทางโลกและทางโลก ความเป็นจริงและความฝัน ศรัทธาที่เปี่ยมด้วยจิตวิญญาณและความหลงใหลในกาม ให้เรานึกถึง Sonata ของ Liszt ใน h-moll, Fantasia ของ Chopin ใน f-moll, "Tannhäuser" ของ Wagner และผลงานอื่น ๆ อีกมากมายของโรงเรียนดนตรีและโรแมนติก
ในที่สุด เบโธเฟนและความโรแมนติกก็มีลักษณะเฉพาะด้วยความปรารถนาในการแสดงรายละเอียด ซึ่งเป็นความปรารถนาที่มีลักษณะเฉพาะอย่างมากในวรรณคดีของศตวรรษที่ 19 ไม่เพียงแต่โรแมนติกเท่านั้น แต่ยังดูสมจริงอีกด้วย กระแสนี้หักเหผ่านความเฉพาะเจาะจงทางดนตรีในรูปแบบของพื้นผิวที่มีองค์ประกอบหลายองค์ประกอบ แบบย่อ และมักจะเป็นแบบหลายชั้น (โพลี-เมโลดิก) ซึ่งมีความแตกต่างอย่างมาก ความไพเราะของดนตรีของเบโธเฟนและแนวโรแมนติกก็เป็นเรื่องปกติเช่นกัน ในแง่นี้ ศิลปะของพวกเขาไม่เพียงแค่เสียงที่โปร่งใสของผลงานคลาสสิกในศตวรรษที่ 18 เท่านั้น ตรงกันข้ามกับโรงเรียนบางแห่งในศตวรรษของเราซึ่งเกิดขึ้นเป็นปฏิกิริยาต่อสุนทรียศาสตร์ของแนวโรแมนติกปฏิเสธเสียงอึกทึก "หนา" ของวงออเคสตราหรือเปียโนของศตวรรษที่ 19 และปลูกฝังหลักการอื่น ๆ ในการจัดโครงสร้างดนตรี (เช่น อิมเพรสชั่นนิสม์หรือนีโอคลาสสิก)
คุณยังสามารถชี้ไปที่จุดที่มีความคล้ายคลึงกันในหลักการของการสร้างบีโธเฟนและนักประพันธ์เพลงโรแมนติก และในแง่ของการรับรู้ทางศิลปะในปัจจุบันของเรา ช่วงเวลาแห่งความแตกต่างระหว่างเบโธเฟนและความโรแมนติกมีความสำคัญอย่างยิ่ง โดยพื้นฐานแล้ว เมื่อเทียบกับภูมิหลังนี้ ลักษณะของความธรรมดาสามัญระหว่างพวกเขาดูเหมือนจะลดน้อยลงไปเบื้องหลัง
วันนี้ เป็นที่ชัดเจนสำหรับเราว่าการประเมินของเบโธเฟนโดยคู่รักชาวตะวันตกเป็นไปในทางเดียว ในแง่ที่มีแนวโน้มว่ามีแนวโน้มสูง พวกเขา "ได้ยิน" เฉพาะแง่มุมเหล่านั้นของดนตรีของเบโธเฟนที่ "สอดคล้องกับแนวความคิดทางศิลปะ" ของพวกเขาเอง
โดยเฉพาะอย่างยิ่ง พวกเขาไม่รู้จักควอร์เต็ตหลังของเบโธเฟน งานเหล่านี้ไปไกลกว่าแนวคิดทางศิลปะของแนวโรแมนติก ดูเหมือนจะเป็นความเข้าใจผิด ซึ่งเป็นผลงานของจินตนาการของชายชราผู้สูญเสียความคิด พวกเขาไม่ชื่นชมผลงานของเขาในยุคแรก เมื่อ Berlioz ขีดปากกาขีดขีดความสำคัญของงานของ Haydn ว่าเป็นศิลปะประยุกต์ทางราชสำนัก เขาได้แสดงออกในรูปแบบสุดโต่งซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของนักดนตรีหลายคนในรุ่นของเขา แนวโรแมนติกทำให้ความคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 ผ่านไปอย่างง่ายดายและด้วยงานของเบโธเฟนยุคแรกซึ่งพวกเขามักจะพิจารณาว่าเป็นเวทีที่นำหน้างานที่แท้จริงของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่
แต่ถึงแม้จะเข้าใกล้ความโรแมนติกกับงานของเบโธเฟนในยุค "ผู้ใหญ่" ความข้างเดียวก็ปรากฏออกมาเช่นกัน ตัวอย่างเช่น พวกเขายกตำแหน่งโปรแกรม "Pastoral Symphony" ให้สูงขึ้น ซึ่งในแง่ของการรับรู้ในปัจจุบันของเรา ไม่ได้อยู่เหนือผลงานอื่นๆ ของเบโธเฟนในแนวเพลงไพเราะเลย ใน Fifth Symphony ที่ดึงดูดใจพวกเขาด้วยความโกรธเกรี้ยว อารมณ์ที่ฉุนเฉียว พวกเขาไม่เห็นคุณค่าของโครงสร้างที่เป็นทางการอันเป็นเอกลักษณ์ ซึ่งเป็นส่วนสำคัญที่สุดของการออกแบบงานศิลปะโดยรวม
ตัวอย่างเหล่านี้ไม่ได้สะท้อนถึงความแตกต่างอย่างเฉพาะเจาะจงระหว่างเบโธเฟนและกลุ่มโรแมนติก แต่มีความแตกต่างกันอย่างลึกซึ้งระหว่างหลักการด้านสุนทรียะของเบโธเฟน
ความแตกต่างพื้นฐานที่สุดระหว่างพวกเขาคือทัศนคติ
ไม่ว่าคู่รักจะเข้าใจงานของพวกเขาอย่างไร พวกเขาทั้งหมดแสดงออกมาในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่งที่ไม่สอดคล้องกับความเป็นจริง ภาพคนเหงาหลงอยู่ในโลกต่างดาวและศัตรู การหลบหนีจากความเป็นจริงที่มืดมนเข้าสู่โลกแห่งความฝันที่สวยงามที่เข้าถึงไม่ได้ การประท้วงที่รุนแรงบนห้วงความตื่นเต้นทางจิตใจ ความลังเลใจระหว่างความสูงส่งและความเศร้าโศก เวทย์มนต์และจุดเริ่มต้นนรก - เป็นภาพทรงกลมนี้ ซึ่งต่างจากงานของเบโธเฟน ที่อยู่ในศิลปะของดนตรี ถูกค้นพบครั้งแรกโดยคู่รัก และพัฒนาโดยพวกเขาด้วยความสมบูรณ์แบบทางศิลปะขั้นสูง โลกทัศน์มองโลกในแง่ดีอย่างกล้าหาญของเบโธเฟน ความสงบของเขา ความคิดที่หลุดลอยไปซึ่งไม่เคยกลายเป็นปรัชญาของโลกอื่น ทั้งหมดนี้ไม่ได้ถูกรับรู้โดยนักประพันธ์เพลงที่คิดว่าตนเองเป็นทายาทของเบโธเฟน แม้แต่ในชูเบิร์ตผู้ซึ่งยังคงรักษาความเรียบง่ายดินการเชื่อมต่อกับศิลปะแห่งชีวิตพื้นบ้านในระดับที่มากกว่าความโรแมนติกของคนรุ่นต่อไป - แม้แต่ในเขาจุดสุดยอดงานคลาสสิกส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับอารมณ์ของความเหงาและความเศร้า . เขาเป็นคนแรกใน Marguerite ที่ Spinning Wheel, The Wanderer, Winter Path cycle, Unfinished Symphony และผลงานอื่น ๆ อีกมากมายที่สร้างภาพแห่งความเหงาทางจิตวิญญาณที่กลายเป็นเรื่องปกติสำหรับคู่รัก Berlioz ซึ่งถือว่าตัวเองเป็นผู้สืบทอดต่อประเพณีที่กล้าหาญของ Beethoven กระนั้นก็ตามในซิมโฟนีของเขามีความไม่พอใจอย่างสุดซึ้งต่อโลกแห่งความเป็นจริงและโหยหา "ความเศร้าโศกของโลก" ที่ไม่เป็นจริงของ Byron ความหมายในแง่นี้คือการเปรียบเทียบ "Pastoral Symphony" ของเบโธเฟนกับ "Scene in the Fields" ของ Berlioz (จาก "Fantastic") ผลงานของเบโธเฟนเต็มไปด้วยอารมณ์ที่กลมกลืนกัน ซึมซาบด้วยความรู้สึกของการผสมผสานระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ งานของ Berlioz มีเงาสะท้อนความเป็นปัจเจกที่มืดมน และแม้แต่นักประพันธ์เพลงในยุคหลังเบโธเฟนที่กลมกลืนและสมดุลที่สุด Mendelssohn ก็ไม่ได้เข้าใกล้การมองโลกในแง่ดีและความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณของเบโธเฟน โลกที่ Mendelssohn มีความสามัคคีอย่างสมบูรณ์เป็นโลกเล็ก ๆ ที่ "อบอุ่น" ที่ "อบอุ่น" ซึ่งไม่รู้จักพายุทางอารมณ์หรือความคิดที่เฉียบแหลม
สุดท้ายนี้ ให้เราเปรียบเทียบฮีโร่ของเบโธเฟนกับฮีโร่ทั่วไปในเพลงของศตวรรษที่ 19 แทนที่จะเป็นเอ็กมอนต์และเลโอโนรา - วีรบุรุษ บุคลิกที่กระตือรือร้น ยึดถือหลักการทางศีลธรรมอันสูงส่ง เราพบกับตัวละครที่กระสับกระส่ายและไม่พอใจ ซึ่งสลับไปมาระหว่างความดีและความชั่ว Max จาก Weber's Magic Shooter, Manfred ของ Schumann, Tannhäuser ของ Wagner และคนอื่นๆ อีกหลายคนถูกมองในลักษณะนี้ หาก Florestan ใน Schumann เป็นสิ่งที่มีศีลธรรม ประการแรก ภาพนี้ - เดือดดาล คลั่งไคล้ การประท้วง - เป็นการแสดงออกถึงความคิดของการทรยศต่อโลกภายนอกซึ่งเป็นแก่นสารของอารมณ์ที่ไม่ลงรอยกัน ประการที่สอง โดยรวมแล้วเกี่ยวกับ Eusebius ผู้ซึ่งถูกพัดพาจากความเป็นจริงไปสู่โลกแห่งความฝันที่สวยงามที่ไม่มีอยู่จริง เขาได้แสดงบุคลิกที่แตกต่างตามแบบฉบับของศิลปินโรแมนติก ในการเดินขบวนศพที่แยบยลสองครั้ง - "Heroic Symphony" ของ Beethoven และ "Twilight of the Gods" ของ Wagner - สาระสำคัญของความแตกต่างในโลกทัศน์ของ Beethoven และนักประพันธ์เพลงโรแมนติกสะท้อนอยู่ในหยดน้ำ สำหรับเบโธเฟน ขบวนแห่ศพเป็นฉากหนึ่งของการต่อสู้ ซึ่งนำไปสู่ชัยชนะของประชาชนและชัยชนะของความจริง ใน Wagner การตายของฮีโร่เป็นสัญลักษณ์ของการตายของเหล่าทวยเทพและความพ่ายแพ้ของความคิดที่กล้าหาญ
ทัศนคติที่แตกต่างกันอย่างลึกซึ้งนี้ถูกหักเหในรูปแบบดนตรีที่เฉพาะเจาะจง ทำให้เกิดเส้นแบ่งที่ชัดเจนระหว่างรูปแบบศิลปะของเบโธเฟนและแนวโรแมนติก
มันปรากฏตัวเป็นหลักในทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่าง
การขยายขอบเขตของการแสดงออกทางดนตรีโดยคู่รักนั้นเชื่อมโยงกับขอบเขตของภาพที่น่าอัศจรรย์น่าอัศจรรย์ที่พวกเขาค้นพบ สำหรับพวกเขา นี่ไม่ใช่ลูกน้อง ไม่ใช่ทรงกลมสุ่ม แต่ เฉพาะเจาะจงที่สุดและเป็นต้นฉบับ- ในมุมมองทางประวัติศาสตร์อันกว้างใหญ่ แยกแยะความแตกต่างระหว่างศตวรรษที่ 19 กับยุคดนตรีก่อนหน้าทั้งหมดได้อย่างไร อาจเป็นประเทศแห่งนิยายที่สวยงามเป็นตัวเป็นตนในความปรารถนาของศิลปินที่จะหนีจากความเป็นจริงที่น่าเบื่อในชีวิตประจำวันสู่โลกแห่งความฝันที่ไม่สามารถบรรลุได้ ก็ยังเถียงไม่ได้ว่าในศิลปะดนตรีความประหม่าของชาติซึ่งเฟื่องฟูอย่างงดงามในยุคของแนวโรแมนติก (อันเป็นผลมาจากสงครามปลดปล่อยชาติเมื่อต้นศตวรรษ) แสดงออกด้วยความสนใจที่เพิ่มขึ้นในนิทานพื้นบ้านของชาติ เต็มไปด้วยลวดลายในเทพนิยาย
สิ่งหนึ่งที่แน่นอน: มีการกล่าวคำใหม่ในศิลปะโอเปร่าของศตวรรษที่ 19 เฉพาะเมื่อ Hoffmann, Weber, Marschner, Schumann และหลังจากนั้น - และในระดับสูงโดยเฉพาะอย่างยิ่ง - Wagner ทำลายพื้นฐานด้วยแผนการที่เป็นตำนานและตลกทางประวัติศาสตร์ที่ แยกออกจากโรงละครดนตรีคลาสสิกไม่ได้ และทำให้โลกของโอเปร่าสมบูรณ์ด้วยลวดลายที่น่าอัศจรรย์และเป็นตำนาน ภาษาใหม่ของการแสดงซิมโฟนีโรแมนติกก็มีต้นกำเนิดมาจากผลงานที่เชื่อมโยงอย่างแยกไม่ออกกับรายการในเทพนิยาย - ในการทาบทาม "โอเบอโรเนียน" ของเวเบอร์และเมนเดลโซห์น การแสดงออกของนักเปียโนแสนโรแมนติกในวงกว้างนั้นเกิดขึ้นจากทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่างของ "Fantastic Pieces" ของ Schumann หรือ "Kreisleriana" ในบรรยากาศของเพลงบัลลาดของ Mickiewicz - Chopin ฯลฯ เป็นต้น การเสริมแต่งอย่างยิ่งใหญ่ของสีสัน - กลมกลืนและ timbre - จานสีซึ่งเป็นหนึ่งในชัยชนะที่สำคัญที่สุดของศิลปะโลกของศตวรรษที่ 19 การเสริมความแข็งแกร่งโดยทั่วไปของเสน่ห์ทางเสียงที่เย้ายวนซึ่งแยกดนตรีคลาสสิกออกจากดนตรีในยุคหลังเบโธเฟนโดยตรง - ทั้งหมดนี้ สาเหตุหลักมาจากช่วงของภาพที่ยอดเยี่ยมและน่าอัศจรรย์ ครั้งแรกที่พัฒนาอย่างต่อเนื่องในผลงานของศตวรรษที่ 19 จากที่นี่ ไปสู่บรรยากาศทั่วไปของกวีนิพนธ์ การเชิดชูความงามตระการตาของโลก โดยปราศจากดนตรีโรแมนติกที่คิดไม่ถึง กำเนิดขึ้น
ในทางกลับกัน เบโธเฟนเป็นมนุษย์ต่างดาวอย่างลึกซึ้งต่อทรงกลมอันน่าอัศจรรย์ของภาพ แน่นอน ในแง่ของพลังกวี ศิลปะของเขาไม่ได้ด้อยไปกว่าความโรแมนติกเลย อย่างไรก็ตาม ความมีจิตวิญญาณที่สูงส่งของความคิดของเบโธเฟน ความสามารถในการแต่งกลอนในแง่มุมต่างๆ ของชีวิต ไม่เกี่ยวข้องกับภาพที่มีมนต์ขลัง น่าอัศจรรย์ ตำนาน และลึกลับนอกโลกแต่อย่างใด มีเพียงคำใบ้ของพวกเขาเท่านั้นที่ได้ยินในบางกรณี ยิ่งกว่านั้น พวกมันมักจะอยู่ในฉากและไม่ได้เป็นศูนย์กลางในแนวคิดโดยรวมของงาน เช่น ใน Presto จาก Seventh Symphony หรือตอนจบของ Fourth อย่างหลัง (ดังที่เราเขียนไว้ข้างต้น) ดูเหมือนว่าไชคอฟสกีจะเป็นภาพมหัศจรรย์จากโลกแห่งวิญญาณเวทย์มนตร์ การตีความนี้ได้รับแรงบันดาลใจจากประสบการณ์ของการพัฒนาดนตรีครึ่งศตวรรษหลังเบโธเฟนอย่างไม่ต้องสงสัย ไชคอฟสกีได้ฉายจิตวิทยาดนตรีของปลายศตวรรษที่ 19 ไปสู่อดีต แต่ถึงแม้จะยอมรับในวันนี้ว่า "การอ่าน" ข้อความของเบโธเฟนก็ไม่มีใครพลาดที่จะเห็นได้เท่าไหร่ ในแง่ของสีตอนจบของเบโธเฟนนั้นสว่างน้อยกว่าและสมบูรณ์น้อยกว่างานโรแมนติกแฟนตาซี ซึ่งโดยรวมแล้วถือว่าด้อยกว่าเขาอย่างมากในแง่ของความสามารถและความแข็งแกร่งของแรงบันดาลใจ
เป็นเกณฑ์ของลัทธิสีนิยมที่เน้นย้ำเส้นทางที่แตกต่างกันอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ตามด้วยการค้นหาแนวโรแมนติกและเบโธเฟนที่เป็นนวัตกรรมใหม่ แม้แต่ในงานของสไตล์ปลายเมื่อมองแวบแรกซึ่งห่างไกลจากโกดังแบบคลาสสิกมาก ภาษาฮาร์โมนิกและเครื่องดนตรี-เสียงต่ำของเบโธเฟนก็มักจะง่ายกว่า ชัดเจนกว่าเรื่องโรแมนติกเสมอ ในระดับที่มากขึ้นแสดงถึงหลักการจัดระเบียบที่มีเหตุผลของดนตรี การแสดงออก เมื่อเขาเบี่ยงเบนจากกฎของความกลมกลืนเชิงฟังก์ชันแบบคลาสสิก ความเบี่ยงเบนนี้นำไปสู่โหมดยุคก่อนคลาสสิกและโครงสร้างโพลีโฟนิกแบบโบราณ มากกว่าความสัมพันธ์เชิงหน้าที่ที่ซับซ้อนของความกลมกลืนแบบโรแมนติกและโพลีเมโลดี้อิสระ เขาไม่เคยพยายามดิ้นรนเพื่อความเฉลียวฉลาดแบบพอเพียง ความหนาแน่น ความหรูหราของเสียงฮาร์มอนิก ซึ่งเป็นส่วนสำคัญที่สุดของภาษาดนตรีที่โรแมนติก การเริ่มต้นที่มีสีสันในเบโธเฟน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในเปียโนโซนาตารุ่นต่อมา ได้รับการพัฒนาให้อยู่ในระดับที่สูงมาก และถึงกระนั้นก็ไม่เคยถึงค่าที่โดดเด่นไม่เคยระงับแนวคิดเสียงทั่วไป และโครงสร้างที่แท้จริงของงานดนตรีไม่เคยสูญเสียความโดดเด่น ความโล่งใจ เพื่อแสดงให้เห็นถึงแรงบันดาลใจด้านสุนทรียะที่ตรงกันข้ามของ Beethoven และ Romantics ให้เราเปรียบเทียบ Beethoven และ Wagner อีกครั้งซึ่งเป็นนักแต่งเพลงที่นำแนวโน้มทั่วไปของวิธีการแสดงออกที่โรแมนติกมาสู่จุดสุดยอด แว็กเนอร์ซึ่งถือว่าตนเองเป็นทายาทและผู้สืบสกุลของเบโธเฟน ได้เข้าใกล้อุดมคติของเขามากขึ้นในหลายๆ ด้าน อย่างไรก็ตาม สุนทรพจน์ทางดนตรีที่ละเอียดมากของเขา เต็มไปด้วยเสียงต่ำและเฉดสีภายนอก เผ็ดร้อนในเสน่ห์เย้ายวน ทำให้เกิด "ความซ้ำซากจำเจของความหรูหรา" (Rimsky-Korsakov) ซึ่งทำให้ความรู้สึกของรูปแบบและพลวัตภายในของดนตรีหายไป . สำหรับเบโธเฟน ปรากฏการณ์ดังกล่าวเป็นไปไม่ได้โดยพื้นฐานแล้ว
ระยะห่างมหาศาลระหว่างความคิดทางดนตรีของเบโธเฟนและกลุ่มโรแมนติกนั้นชัดเจนพอๆ กับทัศนคติที่มีต่อแนวเพลงขนาดเล็ก
ภายในกรอบของห้องขนาดเล็ก ความโรแมนติกมาถึงจุดสูงสุดอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนสำหรับงานศิลปะประเภทนี้ โกดังแห่งเนื้อเพลงแห่งศตวรรษที่ 19 แห่งใหม่ซึ่งแสดงอารมณ์ที่หลั่งไหลออกมาโดยตรง อารมณ์ที่ใกล้ชิดในช่วงเวลานั้น ความเพ้อฝัน ถูกรวบรวมไว้ในเพลงและเปียโนการเคลื่อนไหวเดียว ที่นี่เองที่นวัตกรรมของความรักแสดงออกอย่างน่าเชื่อถือ อิสระและกล้าหาญโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ความรักของชูเบิร์ตและชูมันน์, "Musical Moments" และ "Impromptu" ของชูเบิร์ต, "Songs without Words" ของ Mendelssohn, ละครกลางคืนและมาซูร์กาของโชแปง, เปียโนจังหวะเดียวของ Liszt, วัฏจักรของชูมันน์และโชแปงของตัวละครย่อส่วน - ทั้งหมดนี้เป็นองค์ประกอบใหม่ที่โรแมนติกและยอดเยี่ยม ความคิดในดนตรีและสะท้อนความเป็นตัวตนของผู้สร้างได้อย่างดีเยี่ยม ความคิดสร้างสรรค์ที่สอดคล้องกับขนบธรรมเนียมคลาสสิกของโซนาตาและไพเราะนั้นยากกว่ามากสำหรับนักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติก แทบจะไม่ได้เข้าถึงความโน้มน้าวใจทางศิลปะและความสมบูรณ์ของรูปแบบที่เป็นลักษณะเฉพาะของการเคลื่อนไหวครั้งเดียวของพวกเขา ยิ่งไปกว่านั้น หลักการสร้างรูปร่าง ตามแบบฉบับของวัตถุขนาดเล็ก แทรกซึมเข้าสู่วงจรไพเราะของแนวโรแมนติกอย่างต่อเนื่อง ซึ่งทำให้รูปลักษณ์ดั้งเดิมของพวกเขาเปลี่ยนไปอย่างสิ้นเชิง ตัวอย่างเช่น "Unfinished Symphony" ของชูเบิร์ตซึมซับรูปแบบของการเขียนเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ยังคง "ยังไม่เสร็จ" นั่นคือสองส่วน "ยอดเยี่ยม" Berlioz ถูกมองว่าเป็นวัฏจักรขนาดมหึมาของจิ๋วโคลงสั้น ๆ Heine ผู้ซึ่งเรียก Berlioz ว่า "ตัวตลกขนาดเท่านกอินทรี" จับความรู้สึกที่ขัดแย้งในดนตรีของเขาอย่างละเอียดอ่อนระหว่างรูปแบบภายนอกของโซนาตาขนาดมหึมาและความคิดของนักแต่งเพลงที่มุ่งไปสู่ขนาดเล็ก แมนน์แมนเมื่อเขาหันไปหาซิมโฟนีวัฏจักรในระดับมากสูญเสียความเป็นตัวตนของศิลปินโรแมนติกซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในชิ้นเปียโนและความรักของเขา บทกวีไพเราะที่สะท้อนไม่เพียง แต่ภาพสร้างสรรค์ของ Liszt เองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโครงสร้างทางศิลปะทั่วไปของกลางศตวรรษที่ 19 ด้วยความปรารถนาที่ชัดเจนทั้งหมดที่จะรักษาโครงสร้างไพเราะทั่วไปของลักษณะความคิดของเบโธเฟน ส่วนหนึ่งการสร้างความโรแมนติกจากวิธีการสร้างรูปร่างของเธอที่มีสีสันและหลากหลายรูปแบบ ฯลฯ เป็นต้น
ในงานของเบโธเฟนมีแนวโน้มตรงกันข้าม แน่นอน ความหลากหลาย ความหลากหลาย ความอุดมสมบูรณ์ของการค้นหาของเบโธเฟนนั้นยอดเยี่ยมมากจนไม่ยากที่จะค้นหางานย่อส่วนในมรดกของเขา และยังเป็นไปไม่ได้ที่จะไม่เห็นว่าการประพันธ์ประเภทนี้ครองตำแหน่งรองในเบโธเฟนโดยให้คุณค่าทางศิลปะกับประเภทโซนาตาขนาดใหญ่ ทั้ง bagatelles หรือ "German Dances" หรือเพลงไม่สามารถให้ความคิดเกี่ยวกับบุคลิกลักษณะทางศิลปะของนักแต่งเพลงที่แสดงออกอย่างยอดเยี่ยมในด้านรูปแบบอนุสาวรีย์ วัฏจักรของเบโธเฟน "To a Distant Beloved" ถูกชี้ให้เห็นอย่างถูกต้องว่าเป็นต้นแบบของวัฏจักรโรแมนติกในอนาคต แต่ดนตรีนี้ด้อยกว่าเพียงใดในแง่ของแรงบันดาลใจ ความสดใสเฉพาะเรื่อง ความไพเราะที่ไพเราะ ไม่เพียงแต่กับวงจรชูเบิร์ตและชูมันน์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงผลงานโซนาตาของเบโธเฟนด้วย! บทเพลงบรรเลงของเขามีความไพเราะน่าฟังเพียงใด โดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานแนวปลาย ให้เรานึกถึงตัวอย่างเช่น Andante จากการเคลื่อนไหวช้าของ Ninth Symphony, Adagio จาก Tenth Quartet, Largo จาก Seventh Sonata, Adagio จาก Twenty-ninth Sonata รวมถึงคนอื่น ๆ อีกจำนวนนับไม่ถ้วน ในเพลงประกอบเสียงจิ๋วของเบโธเฟน แรงบันดาลใจอันไพเราะมากมายนั้นแทบจะหาไม่พบเลย ในขณะเดียวกันก็เป็นลักษณะเฉพาะที่อยู่ภายในกรอบของวัฏจักรเครื่องมือเช่น องค์ประกอบของโครงสร้างของวัฏจักรโซนาตาและการแสดงละคร, เบโธเฟนมักจะสร้างภาพย่อส่วนสำเร็จรูป โดดเด่นด้วยความงามและการแสดงออกในทันที ตัวอย่างขององค์ประกอบย่อประเภทนี้ที่เล่นบทบาทของตอนหนึ่งในวัฏจักรนั้นไม่มีที่สิ้นสุดท่ามกลาง scherzos และ minuets ของโซนาตา ซิมโฟนี และควอเตตของเบโธเฟน
และยิ่งในช่วงท้ายของความคิดสร้างสรรค์ (กล่าวคือ พวกเขากำลังพยายามทำให้เขาใกล้ชิดกับศิลปะโรแมนติกมากขึ้น) เบโธเฟนมุ่งสู่ผืนผ้าใบที่ยิ่งใหญ่และยิ่งใหญ่ จริงอยู่ในช่วงเวลานี้เขาสร้าง "Bagateli" op 126 ซึ่งมีกวีนิพนธ์และความคิดริเริ่ม เหนือกว่างานอื่นๆ ทั้งหมดของเบโธเฟนในรูปแบบของย่อส่วนเพียงส่วนเดียว แต่เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่เห็นว่าภาพจำลองขนาดเล็กเหล่านี้สำหรับเบโธเฟนเป็นปรากฏการณ์พิเศษที่ไม่พบว่ามีความต่อเนื่องในงานที่ตามมาของเขา ในทางตรงกันข้าม ผลงานทั้งหมดของทศวรรษที่ผ่านมาในชีวิตของเบโธเฟน - ตั้งแต่เปียโนโซนาตา (หมายเลข 28, 29, 30, 31, 32) ไปจนถึงพิธีมิสซาเคร่งขรึม จากซิมโฟนีที่เก้าไปจนถึงสี่กลุ่มสุดท้าย - ด้วยพลังแห่งศิลปะสูงสุด ยืนยันความคิดที่ยิ่งใหญ่และสง่างามของเขา , ความโน้มเอียงไปสู่สเกล "จักรวาล" ที่ยิ่งใหญ่, แสดงออกถึงทรงกลมเป็นรูปเป็นร่างนามธรรมอย่างประเสริฐ
การเปรียบเทียบบทบาทของตัวละครย่อส่วนในงานของเบโธเฟนกับงานโรแมนติกทำให้เห็นชัดโดยเฉพาะอย่างยิ่งว่ามนุษย์ต่างดาว (หรือล้มเหลว) อย่างหลังเกี่ยวข้องกับแนวคิดเชิงปรัชญาเชิงนามธรรมอย่างไร ซึ่งเป็นลักษณะเด่นของเบโธเฟนโดยรวมโดยเฉพาะ สำหรับผลงานในยุคหลัง
ขอให้เราระลึกว่าความดึงดูดของเบโธเฟนที่มีต่อเสียงประสานนั้นสม่ำเสมอตลอดอาชีพการงานของเขาเป็นอย่างไร ในช่วงหลังของความคิดสร้างสรรค์ โพลิโฟนีกลายเป็นรูปแบบการคิดที่สำคัญที่สุดสำหรับเขา ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของสไตล์ ในข้อตกลงอย่างเต็มที่กับการวางแนวความคิดเชิงปรัชญา ความสนใจอันแรงกล้าของเบโธเฟนในช่วงสุดท้ายในกลุ่มสี่นั้นถูกรับรู้ - ประเภทที่พัฒนาอย่างแม่นยำในงานของเขาเองเป็นเลขชี้กำลังของการเริ่มต้นทางปัญญาในเชิงลึก
ตอนของเบโธเฟนตอนปลายได้รับแรงบันดาลใจและมึนเมาด้วยความรู้สึกที่เป็นโคลงสั้น ๆ ซึ่งคนรุ่นต่อ ๆ มาไม่ได้เห็นโดยไม่มีเหตุผลโดยไม่มีเหตุผลเห็นต้นแบบของเนื้อเพลงโรแมนติกตามกฎแล้วมีความสมดุลตามวัตถุประสงค์ซึ่งส่วนใหญ่มักจะเป็นชิ้นส่วนโพลีโฟนิกที่เป็นนามธรรม อย่างน้อย ให้เราระบุความสัมพันธ์ระหว่าง Adagio กับตอนจบแบบโพลีโฟนิกใน Sonata ที่ยี่สิบเก้า ความทรงจำสุดท้าย และเนื้อหาก่อนหน้าทั้งหมดในสามสิบเอ็ด ท่วงทำนองเพลงของ cantilena ฟรีของส่วนที่ช้า ซึ่งมักจะสะท้อนความไพเราะของบทเพลงที่โรแมนติกอย่างแท้จริง ปรากฏในตอนปลายของ Beethoven ที่รายล้อมไปด้วยเนื้อหาที่เป็นนามธรรมและเป็นนามธรรมล้วนๆ ธีมเหล่านี้มักใช้การหักเหของแสงโพลีโฟนิก ธีมเหล่านี้มักใช้โครงสร้างแบบเส้นตรง ปราศจากเพลงประกอบ ธีมเหล่านี้จึงเปลี่ยนจุดศูนย์ถ่วงของงานจากส่วนที่ไพเราะช้า และนี่เป็นการละเมิดภาพลักษณ์โรแมนติกของดนตรีทั้งหมดแล้ว แม้แต่รูปแบบสุดท้ายของเปียโนโซนาต้าตัวสุดท้ายที่เขียนใน "Arietta" ซึ่งบนพื้นผิวนั้นชวนให้นึกถึงเพลงโรแมนติกขนาดย่อซึ่งนำพาไกลจากทรงกลมโคลงสั้น ๆ ที่ใกล้ชิดกับความเป็นนิรันดร์กับจักรวาลอันตระหง่าน โลก.
อย่างไรก็ตาม ในดนตรีแนวโรแมนติก ขอบเขตของปรัชญานามธรรมกลายเป็นรองจากองค์ประกอบทางอารมณ์และโคลงสั้น ๆ ดังนั้น ความสามารถในการแสดงออกของโพลิโฟนีจึงด้อยกว่าสีสันที่กลมกลืนกันอย่างมาก ตอนที่ตรงกันข้ามมักหาได้ยากในผลงานของ Romantics และเมื่อเกิดขึ้นแล้วจะมีรูปลักษณ์ที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงโดยมีโครงสร้างทางจิตวิญญาณที่เป็นลักษณะเฉพาะ ดังนั้นใน "วันสะบาโตของแม่มด" จาก "Fantastic Symphony" ของ Berlioz ใน Liszt sonata ใน b-moll เทคนิคความทรงจำคือผู้ถือ Mephistopheles ภาพลักษณ์ที่ประชดประชันประชดประชันและไม่ใช่ความคิดไตร่ตรองที่ประเสริฐซึ่งแสดงถึงลักษณะเฉพาะของโพลีโฟนี ของเบโธเฟนตอนปลาย และเราทราบในการผ่าน บาคหรือปาเลสไตน์
ไม่มีอะไรเกิดขึ้นโดยบังเอิญในความจริงที่ว่าไม่มีความโรแมนติกใด ๆ ต่อแนวศิลปะที่พัฒนาโดยเบโธเฟนในจดหมายสี่ฉบับของเขา Berlioz, Liszt, Wagner ถูก "ตรงกันข้าม" สำหรับประเภทห้องนี้ด้วยความยับยั้งชั่งใจภายนอกไม่มี "ท่าทางวาทศิลป์" และความหลากหลายและการระบายสีเสียงต่ำที่ซ้ำซากจำเจ แต่แม้แต่นักประพันธ์เพลงที่สร้างดนตรีไพเราะภายใต้กรอบของเสียงสี่ก็ยังไม่ปฏิบัติตามเส้นทางของเบโธเวเนีย ในสี่ของ Schubert, Schumann, Mendelssohn การรับรู้ทางอารมณ์และความรู้สึกที่มีสีสันของโลกครอบงำเหนือความคิดที่เข้มข้น ในลักษณะที่ปรากฏทั้งหมด พวกเขามีความใกล้ชิดกับซิมโฟนิกและเปียโนโซนาตามากกว่างานเขียนสี่ชิ้นของเบโธเฟน ซึ่งมีลักษณะเฉพาะด้วยตรรกะ "เปล่า" ของความคิดและจิตวิญญาณอันบริสุทธิ์ต่อความเสียหายของละครและการเข้าถึงธีมนิยมในทันที
มีคุณลักษณะโวหารที่สำคัญอีกประการหนึ่งที่แยกโครงสร้างความคิดของเบโธเฟนออกจากความโรแมนติก กล่าวคือ "สีสันท้องถิ่น" ซึ่งค้นพบครั้งแรกโดยพวกโรแมนติก และกลายเป็นหนึ่งในชัยชนะทางดนตรีที่โดดเด่นที่สุดในศตวรรษที่ 19
คุณลักษณะของสไตล์นี้ไม่เป็นที่รู้จักสำหรับความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีในยุคคลาสสิก แน่นอนว่าองค์ประกอบของคติชนมักจะแทรกซึมเข้าไปในงานของนักประพันธ์เพลงมืออาชีพในยุโรปมาโดยตลอด อย่างไรก็ตามก่อนยุคของแนวโรแมนติกพวกเขามักจะถูกยุบด้วยวิธีการแสดงออกที่เป็นสากลและปฏิบัติตามกฎหมายของภาษาดนตรียุโรปทั่วไป แม้แต่ในกรณีที่ภาพในละครโอเปร่ามีความเกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมที่ไม่ใช่ของยุโรปและสีท้องถิ่นที่มีลักษณะเฉพาะ (เช่น ภาพ "janissary" ในการ์ตูนโอเปร่าของศตวรรษที่ 18 หรือสิ่งที่เรียกว่า "อินเดีย" โดย Rameau) ภาษาดนตรีเองไม่ได้อยู่นอกเหนือกรอบของสไตล์ยุโรปที่เป็นหนึ่งเดียว และตั้งแต่ทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 19 เป็นต้นไป นิทานพื้นบ้านชาวนาเก่าเริ่มเจาะลึกผลงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกอย่างต่อเนื่องและในรูปแบบที่เน้นเป็นพิเศษและกำหนดลักษณะประจำชาติและดั้งเดิมของพวกเขา
ดังนั้น ความสร้างสรรค์ทางศิลปะที่สดใสของ "Magic Shooter" ของ Weber จึงมีความเกี่ยวข้องกับน้ำเสียงที่เป็นลักษณะเฉพาะของนิทานพื้นบ้านเยอรมันและเช็กในระดับเดียวกับวงกลมของภาพที่น่าอัศจรรย์ ความแตกต่างหลักระหว่างโอเปร่าคลาสสิกของอิตาลีของรอสซินีกับ "วิลเลียม เทล" ของเขาอยู่ที่ข้อเท็จจริงที่ว่าองค์ประกอบทางดนตรีของโอเปร่าที่โรแมนติกอย่างแท้จริงนี้ได้ซึมซับรสชาติของนิทานพื้นบ้านทีโรล ในเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ของชูเบิร์ต เพลงเยอรมันในชีวิตประจำวันเป็นครั้งแรก "ล้าง" จากชั้นของ "แลคเกอร์" โอเปร่าของอิตาลีต่างประเทศและเปล่งประกายด้วยผลัดกันที่ไพเราะสดใหม่ที่ยืมมาจากเพลงข้ามชาติที่ฟังทุกวันของเวียนนา แม้แต่ท่วงทำนองไพเราะของ Haydn ก็หนีไม่พ้นความคิดริเริ่มของการใช้สีในท้องถิ่น โชแปงจะเป็นอย่างไรหากปราศจากดนตรีโฟล์กของโปแลนด์, ลิสท์ที่ไม่มีคำกริยาในภาษาฮังการี, สเมทาน่า และดโวřák ที่ไม่มีนิทานพื้นบ้านเช็ก, กรีกที่ไม่มีภาษานอร์เวย์ ตอนนี้เรายังละทิ้งโรงเรียนดนตรีรัสเซีย ซึ่งเป็นหนึ่งในโรงเรียนดนตรีที่สำคัญที่สุดแห่งศตวรรษที่ 19 แยกไม่ออกจากลักษณะเฉพาะของชาติ การลงสีผลงานด้วยสีประจำชาติอันเป็นเอกลักษณ์ ความเชื่อมโยงจากนิทานพื้นบ้านถือเป็นคุณลักษณะที่โดดเด่นที่สุดอย่างหนึ่งของสไตล์โรแมนติกในดนตรี
เบโธเฟนอยู่อีกด้านหนึ่งของชายแดนในลักษณะนี้ เช่นเดียวกับรุ่นก่อน ๆ หลักการพื้นบ้านในดนตรีของเขามักจะปรากฏเป็นสื่อกลางและเปลี่ยนแปลงอย่างลึกซึ้ง บางครั้งเบโธเฟนเองก็ระบุว่าดนตรีของเขา "อยู่ในจิตวิญญาณแบบเยอรมัน" ในบางกรณีที่แยกจากกัน โดดเดี่ยวอย่างแท้จริง แต่เป็นการยากที่จะไม่สังเกตว่างานเหล่านี้ (หรือค่อนข้างเป็นงานแต่ละส่วน) ปราศจากสีในท้องถิ่นที่มองเห็นได้ชัดเจน ธีมคติชนวิทยาถูกถักทอเป็นผ้าดนตรีทั่วไปจนทำให้คุณลักษณะระดับชาติและดั้งเดิมไม่ด้อยไปกว่าภาษาของดนตรีมืออาชีพ แม้แต่ในกลุ่มที่เรียกว่า "สี่รัสเซีย" ซึ่งใช้ธีมพื้นบ้านของแท้ Beethoven พัฒนาเนื้อหาในลักษณะที่ความเฉพาะเจาะจงของชาติของชาวบ้านถูกบดบังอย่างค่อยเป็นค่อยไปรวมกับ "การเปลี่ยนคำพูด" ตามปกติของโซนาตายุโรป- สไตล์เครื่องมือ
หากความคิดริเริ่มที่เป็นกิริยาช่วยของลัทธิเฉพาะเรื่องมีอิทธิพลต่อโครงสร้างทั้งหมดของดนตรีในสี่ส่วนเหล่านี้ อิทธิพลเหล่านี้ไม่ว่าในกรณีใด จะถูกปรับปรุงใหม่อย่างล้ำลึกและไม่อาจรับรู้ได้โดยตรงที่หู เช่นเดียวกับผู้ประพันธ์เพลงแนวโรแมนติกหรือประชาธิปไตยระดับชาติ โรงเรียนแห่งศตวรรษที่ 19 และประเด็นไม่ได้อยู่ที่เบโธเฟนไม่สามารถสัมผัสถึงความคิดริเริ่มของธีมรัสเซียได้ ในทางตรงกันข้าม การเรียบเรียงเพลงภาษาอังกฤษ ไอริช และสก็อตของเขาพูดถึงความอ่อนไหวอันน่าทึ่งของผู้แต่งต่อการคิดแบบโมดอล แต่ภายในกรอบของรูปแบบศิลปะของเขาซึ่งแยกออกไม่ได้จากการคิดแบบโซนาตา การใช้สีในท้องถิ่นไม่สนใจเบโธเฟน ไม่ส่งผลต่อจิตสำนึกทางศิลปะของเขา และสิ่งนี้เผยให้เห็นอีกแง่มุมที่สำคัญโดยพื้นฐานที่แยกงานของเขาออกจากเพลงของ "ยุคโรแมนติก"
ในที่สุด ความแตกต่างระหว่างเบโธเฟนกับพวกโรแมนติกก็แสดงให้เห็นด้วยว่าสัมพันธ์กับหลักการทางศิลปะ ซึ่งตามประเพณีแล้ว นับตั้งแต่มุมมองของช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ถือเป็นจุดสำคัญที่สุดของความคล้ายคลึงกันระหว่างพวกเขา เรากำลังพูดถึงการเขียนโปรแกรม ซึ่งเป็นรากฐานที่สำคัญของสุนทรียศาสตร์อันโรแมนติกในดนตรี
นักประพันธ์เพลงโรแมนติกมักเรียกเบโธเฟนว่าเป็นผู้สร้างรายการเพลง โดยมองว่าเขาเป็นบรรพบุรุษของพวกเขา อันที่จริงเบโธเฟนมีผลงานที่มีชื่อเสียงสองชิ้นซึ่งเป็นเนื้อหาที่ผู้แต่งระบุด้วยความช่วยเหลือของคำ มันคืองานเหล่านี้ - ซิมโฟนีที่หกและเก้า - ที่โรแมนติกมองว่าเป็นตัวเป็นตนของวิธีการทางศิลปะของพวกเขาเองเป็นแบนเนอร์ของรายการเพลงใหม่ของ "ยุคโรแมนติก" อย่างไรก็ตาม หากเรามองปัญหานี้ด้วยสายตาที่เป็นกลาง ก็ไม่ยากที่จะเห็นว่ารายการของเบโธเฟนแตกต่างอย่างมากจากการเขียนโปรแกรมของโรงเรียนโรแมนติก และเหนือสิ่งอื่นใด เนื่องจากปรากฏการณ์สำหรับเบโธเฟน ทั้งที่เป็นส่วนตัวและผิดปรกติ ในดนตรีแนวโรแมนติกได้กลายเป็นหลักการที่สอดคล้องกันและจำเป็น
ความโรแมนติกของศตวรรษที่ 19 จำเป็นต้องมีการเขียนโปรแกรมเป็นปัจจัยที่จะนำไปสู่การพัฒนารูปแบบใหม่ของพวกเขาอย่างมีประสิทธิผล อันที่จริงแล้ว การทาบทาม ซิมโฟนี บทกวีไพเราะ วัฏจักรของชิ้นส่วนเปียโน - ทั้งหมดนี้เป็นลักษณะทางโปรแกรม - ก่อให้เกิดการมีส่วนร่วมที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปของแนวโรแมนติกที่มีต่อวงการดนตรีบรรเลง อย่างไรก็ตาม อะไรที่แปลกใหม่และโรแมนติกแบบเฉพาะเจาะจงในที่นี้ไม่ได้ดึงดูดใจสมาคมนอกดนตรีมากนัก ตัวอย่างที่ซึมซาบประวัติศาสตร์ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของยุโรปทั้งหมด, เท่าไหร่ วรรณกรรมลักษณะของสมาคมเหล่านี้ นักประพันธ์เพลงโรแมนติกทั้งหมดมุ่งสู่ วรรณกรรมร่วมสมัยเนื่องจากภาพที่เฉพาะเจาะจงและโครงสร้างอารมณ์ทั่วไปของบทกวีบทกวีล่าสุด มหากาพย์เทพนิยาย นวนิยายทางจิตวิทยาช่วยให้พวกเขาหลุดพ้นจากแรงกดดันของประเพณีคลาสสิกที่ล้าสมัยและ "คลำ" สำหรับรูปแบบการแสดงออกใหม่ของพวกเขา ให้เราจำได้ว่ามีบทบาทสำคัญขั้นพื้นฐานอย่างไรสำหรับ Fantastic Symphony ของ Berlioz โดยภาพของนวนิยายของ De Quincey - "ไดอารี่ของผู้สูบบุหรี่ฝิ่น" ของ Musset ฉากของ "Walpurgis Night" - จาก "Faust" ของเกอเธ่ เรื่องราวของ Hugo "วันสุดท้ายของการประณาม" และอื่น ๆ ดนตรีของ Schumann ได้รับแรงบันดาลใจโดยตรงจากผลงานของ Jean Paul และ Hoffmann ความรักของ Schubert ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีโคลงสั้น ๆ ของ Goethe, Schiller, Müller, Heine ฯลฯ ผลกระทบของ Shakespeare "ค้นพบ" โดยความโรแมนติกในเพลงใหม่ของ 19 ศตวรรษแทบจะไม่สามารถประเมินค่าสูงไปได้เลย รู้สึกได้ตลอดยุคหลังเบโธเฟน เริ่มต้นด้วย Weber's Oberon, Mendelssohn's A Midsummer Night's Dream, Romeo and Juliet ของ Berlioz และจบลงด้วยการทาบทามที่มีชื่อเสียงของ Tchaikovsky ในเรื่องเดียวกัน Lamartine, Hugo และ Liszt; เทพนิยายทางเหนือของกวีโรแมนติกและแว็กเนอร์เรื่อง Der Ring des Nibelungen; Byron และ "Harold in Italy" โดย Berlioz, "Manfred" โดย Schumann; อาลักษณ์และเมเยอร์เบียร์; Apel และ Weber ฯลฯ เป็นต้น - บุคลิกภาพทางศิลปะที่สำคัญของยุคหลังเบโธเฟนพบระบบภาพใหม่ภายใต้อิทธิพลโดยตรงของวรรณกรรมสมัยใหม่ล่าสุดหรือแบบเปิด "การต่ออายุดนตรีผ่านการเชื่อมต่อกับบทกวี" - นี่คือวิธีที่ Liszt กำหนดแนวโน้มที่สำคัญที่สุดของยุคโรแมนติกในดนตรี
โดยรวมแล้วเบโธเฟนเป็นมนุษย์ต่างดาวในการเขียนโปรแกรม ยกเว้นซิมโฟนีที่หกและเก้า ผลงานบรรเลงอื่นๆ ทั้งหมดของเบโธเฟน (มากกว่า 150 ชิ้น) เป็นจุดสุดยอดของดนตรีในรูปแบบที่เรียกว่า "สัมบูรณ์" เช่น ควอเทตและซิมโฟนีของไฮด์และโมสาร์ทที่โตแล้ว โครงสร้างเสียงสูงต่ำของพวกเขาและหลักการของการสร้างโซนาตาเป็นภาพรวมของประสบการณ์ในการพัฒนาดนตรีครั้งก่อนเป็นเวลากว่าหนึ่งศตวรรษครึ่ง ดังนั้น ผลกระทบของการพัฒนาเฉพาะเรื่องและโซนาตาของเขาจึงปรากฏให้เห็นในทันที เปิดเผยต่อสาธารณะ และไม่ต้องการการเชื่อมโยงพิเศษทางดนตรีเพื่อเปิดเผยภาพอย่างเต็มที่ เมื่อเบโธเฟนหันไปเขียนโปรแกรม ปรากฎว่าแตกต่างจากนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติกอย่างสิ้นเชิง
ดังนั้น ซิมโฟนีที่เก้าซึ่งใช้ข้อความบทกวีของบทกวี "To Joy" ของชิลเลอร์จึงไม่ใช่โปรแกรมซิมโฟนีในความหมายที่ถูกต้องของคำ นี่เป็นผลงานที่มีรูปแบบเฉพาะ ซึ่งรวมเอาสองประเภทที่เป็นอิสระ อย่างแรกคือวงซิมโฟนิกขนาดใหญ่ (ไม่มีตอนจบ) ซึ่งในรายละเอียดทั้งหมดของธีมและการจัดรูปแบบ ผสมผสานสไตล์ "สัมบูรณ์" ตามแบบฉบับของเบโธเฟน ประการที่สองคือบทเพลงประสานเสียงที่มีพื้นฐานมาจากข้อความของชิลเลอร์ ซึ่งเป็นจุดสุดยอดอันยิ่งใหญ่ของงานทั้งหมด เธอเท่านั้นที่ปรากฎ หลังจากนั้นวิธีการที่การพัฒนาโซนาตาเครื่องมือได้หมดลงแล้ว นักประพันธ์เพลงโรแมนติกซึ่งคนที่เก้าของเบโธเฟนทำหน้าที่เป็นนายแบบไม่ได้ปฏิบัติตามเส้นทางนี้เลย เพลงแกนนำของพวกเขาพร้อมคำนั้นมักจะกระจัดกระจายไปทั่วทั้งผืนผ้าใบของงานโดยทำหน้าที่เป็นโปรแกรมการเสริม ตัวอย่างเช่น โรมิโอและจูเลียตของ Berlioz ถูกสร้างขึ้นมาในลักษณะนี้ ซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างดนตรีและละครเพลงออเคสตรา และในซิมโฟนีเพลง "Laudatory" และ "Reformation" ของ Mendelssohn และต่อมาในเพลง Second, Third และ Fourth ของ Mahler ดนตรีที่เปล่งเสียงด้วยคำนั้นปราศจากความเป็นอิสระของแนวเพลงดังกล่าวที่แสดงถึงบทกวีของเบโธเฟนต่อข้อความของชิลเลอร์
"ศิษยาภิบาลซิมโฟนี" มีความใกล้ชิดยิ่งขึ้นในรูปแบบภายนอกของการเขียนโปรแกรมกับงานโซนาตาซิมโฟนิกของความรัก และแม้ว่าเบโธเฟนเองจะระบุในคะแนนว่า "ความทรงจำเกี่ยวกับชีวิตในชนบท" เหล่านี้เป็น "การแสดงอารมณ์มากกว่าการวาดภาพด้วยเสียง" อย่างไรก็ตาม การเชื่อมโยงโครงเรื่องเฉพาะมีความชัดเจนมากที่นี่ จริงอยู่พวกเขาไม่ได้งดงามมากเท่าตัวละครในละคร แต่ในความเชื่อมโยงอย่างลึกซึ้งกับโรงละครดนตรีนั้นมีความเฉพาะเจาะจงอันเป็นเอกลักษณ์เฉพาะของธรรมชาติเชิงโปรแกรมของซิมโฟนีที่หกปรากฏออกมา
เบโธเฟนได้รับคำแนะนำจากที่นี่ไม่เหมือนกับความรักโรแมนติกไม่ใช่ระบบความคิดทางศิลปะสำหรับดนตรีใหม่อย่างสมบูรณ์ซึ่งอย่างไรก็ตามสามารถแสดงตัวเองในวรรณคดีล่าสุดได้ เขาอาศัย "ซิมโฟนีอภิบาล" ในระบบที่เป็นรูปเป็นร่างซึ่ง (ดังที่เราได้แสดงไว้ข้างต้น) ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับจิตสำนึกของนักดนตรีและคนรักดนตรีมานานแล้ว
เป็นผลให้รูปแบบการแสดงออกทางดนตรีใน Pastoral Symphony สำหรับความคิดริเริ่มทั้งหมดนั้นอยู่ในระดับมากโดยอิงจากคอมเพล็กซ์น้ำเสียงที่เป็นที่ยอมรับ รูปแบบเฉพาะของ Beethovenian ใหม่ที่เกิดขึ้นกับพื้นหลังของพวกเขาไม่ได้ปิดบังพวกเขา มีความรู้สึกว่าในซิมโฟนีที่หก เบโธเฟนจงใจหักเหแสงผ่านปริซึมของรูปแบบไพเราะใหม่ของเขากับภาพและรูปแบบการแสดงออกของโรงละครดนตรีแห่งการตรัสรู้
ด้วย orus "om ที่ไม่เหมือนใครนี้ Beethoven หมดความสนใจในการเขียนโปรแกรมที่เป็นประโยชน์ ในอีกยี่สิบ (!) ปีข้างหน้า - และประมาณสิบในนั้นตรงกับช่วงปลายสไตล์ - เขาไม่ได้สร้างงานชิ้นเดียวที่มีหัวข้อที่เป็นรูปธรรมและชัดเจน สมาคมนอกดนตรีในลักษณะ "อภิบาลซิมโฟนี" *
* ในปี ค.ศ. 1809-1810 นั่นคือในช่วงเวลาระหว่าง Appassionata กับโซนาตาช่วงปลายแรกโดยมีการค้นหาเส้นทางใหม่ในด้านดนตรีเปียโนเบโธเฟนเขียนโซนาตาที่ยี่สิบหกซึ่งมีหัวข้อโปรแกรม ("Les Adieux", "L" ไม่มี " , "La Retour") ชื่อเหล่านี้มีผลน้อยมากต่อโครงสร้างของเพลงโดยรวมในเนื้อหาและการพัฒนาของมันโดยบังคับให้จำประเภทของโปรแกรมที่เป็น พบในดนตรีบรรเลงของเยอรมันก่อนการตกผลึกของสไตล์โซนาตา-ซิมโฟนิกคลาสสิก โดยเฉพาะในควอเตตและซิมโฟนียุคแรกๆ ของไฮเดน
เหล่านี้เป็นช่วงเวลาที่สำคัญและเป็นพื้นฐานของความแตกต่างระหว่างเบโธเฟนกับนักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติก แต่เป็นมุมมองเพิ่มเติมของปัญหาที่เกิดขึ้นที่นี่ ให้เราให้ความสนใจกับความจริงที่ว่านักประพันธ์เพลงของปลายศตวรรษที่ 19 และในปัจจุบันของเรา "ได้ยิน" แง่มุมดังกล่าวของศิลปะของเบโธเฟนซึ่งความโรแมนติกของศตวรรษที่ผ่านมาคือ " หูหนวก".
ดังนั้น ความน่าดึงดูดของเบโธเฟนตอนปลายที่มีต่อโหมดเก่า (op. 132, Solemn Mass) คาดว่าจะมีมากกว่าระบบโทนเสียงหลัก-รองแบบคลาสสิก ซึ่งเป็นแบบอย่างของดนตรีในยุคของเราโดยทั่วไป แนวโน้มที่มีอยู่ในผลงานโพลีโฟนิกในช่วงปลายปีของเบโธเฟน ในการสร้างภาพโดยไม่ผ่านความสมบูรณ์ของชาติและความงามโดยตรงของศิลปะเฉพาะเรื่อง แต่ผ่านการพัฒนาหลายขั้นตอนที่ซับซ้อนของทั้งหมดตามธีม "นามธรรม" ได้แสดงออกมาในโรงเรียนนักประพันธ์เพลงหลายแห่งในศตวรรษของเราด้วย โดยเริ่มที่ Reger ความโน้มเอียงไปทางพื้นผิวเชิงเส้น ต่อการพัฒนาแบบโพลีโฟนิกสะท้อนรูปแบบการแสดงออกแบบนีโอคลาสสิกสมัยใหม่ สไตล์สี่ของเบโธเฟนซึ่งไม่พบความต่อเนื่องกับนักประพันธ์เพลงโรแมนติกชาวตะวันตกได้รับการฟื้นฟูในลักษณะที่แปลกประหลาดในสมัยของเราในงานของ Bartok, Hindemith, Shostakovich และในที่สุด หลังจากช่วงเวลาครึ่งศตวรรษระหว่างเพลงที่ 9 ของ Beethoven กับการแสดงซิมโฟนีของ Brahms และ Tchaikovsky การแสดงซิมโฟนีเชิงปรัชญาที่ยิ่งใหญ่ "กลับมามีชีวิตอีกครั้ง" ซึ่งเป็นอุดมคติที่ไม่สามารถบรรลุได้สำหรับนักประพันธ์เพลงในช่วงกลางและไตรมาสที่สามของศตวรรษที่ผ่านมา ในงานของปรมาจารย์ที่โดดเด่นของศตวรรษที่ 20 ในงานไพเราะของ Mahler และ Shostakovich, Stravinsky และ Prokofiev, Rachmaninov และ Honegger มีจิตวิญญาณที่สง่างามความคิดทั่วไปแนวคิดขนาดใหญ่ที่เป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะของเบโธเฟน
ในหนึ่งร้อยหรือหนึ่งร้อยห้าสิบปี นักวิจารณ์ในอนาคตจะสามารถจับภาพแง่มุมต่างๆ ของงานของเบโธเฟนได้อย่างเต็มที่มากขึ้นและประเมินความสัมพันธ์ของเขากับการเคลื่อนไหวทางศิลปะต่างๆ ในยุคต่อๆ มา แต่ถึงกระนั้นวันนี้ก็ยังชัดเจนสำหรับเรา: อิทธิพลของเบโธเฟนในด้านดนตรีไม่ได้จำกัดอยู่เพียงความเกี่ยวข้องกับโรงเรียนโรแมนติก เฉกเช่นที่เชคสเปียร์ค้นพบโดยคู่รัก ก้าวข้ามขอบเขตของ "ยุคโรแมนติก" มาจนถึงทุกวันนี้ ให้แรงบันดาลใจและเติมพลังให้กับการค้นพบเชิงสร้างสรรค์ที่สำคัญในวรรณคดีและละคร ดังนั้นเบโธเฟนซึ่งครั้งหนึ่งเคยถูกยกขึ้นเป็นโล่โดยนักประพันธ์เพลงโรแมนติกไม่เคยหยุด ตื่นตาตื่นใจกับความสอดคล้องของคนรุ่นใหม่แต่ละคนด้วยแนวคิดขั้นสูงและการค้นหาความทันสมัย
เบโธเฟนโชคดีพอที่จะเกิดในยุคที่เข้ากับธรรมชาติของเขาอย่างสมบูรณ์แบบ นี่คือยุคที่เต็มไปด้วยกิจกรรมทางสังคมที่ยิ่งใหญ่ ซึ่งหลัก ๆ คือการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในฝรั่งเศส การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งยิ่งใหญ่ อุดมการณ์ดังกล่าวส่งผลกระทบอย่างมากต่อนักแต่งเพลง ทั้งต่อโลกทัศน์และผลงานของเขา เป็นการปฏิวัติที่ทำให้เบโธเฟนเป็นสื่อพื้นฐานในการทำความเข้าใจ "ภาษาถิ่นของชีวิต"
แนวคิดเรื่องการต่อสู้อย่างกล้าหาญกลายเป็นแนวคิดที่สำคัญที่สุดในงานของเบโธเฟน แม้ว่าจะไม่ใช่แนวคิดเดียวก็ตาม ประสิทธิภาพ, ความปรารถนาอย่างแข็งขันเพื่ออนาคตที่ดีกว่า, ฮีโร่ที่เป็นหนึ่งเดียวกับมวลชน - นี่คือสิ่งที่ผู้แต่งนำเสนอต่อหน้า แนวคิดเรื่องความเป็นพลเมือง ภาพลักษณ์ของตัวเอก - นักสู้เพื่ออุดมการณ์ของพรรครีพับลิกัน ทำให้งานของเบโธเฟนที่เกี่ยวข้องกับศิลปะของลัทธิคลาสสิกปฏิวัติ “เวลาของเราต้องการคนที่มีจิตวิญญาณที่ทรงพลัง” นักแต่งเพลงกล่าว เป็นสิ่งสำคัญที่เขาอุทิศโอเปร่าเพียงเรื่องเดียวของเขาไม่ใช่ให้กับ Susana ที่มีไหวพริบ แต่เพื่อ Leonora ที่กล้าหาญ
อย่างไรก็ตามไม่เพียง แต่กิจกรรมทางสังคมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชีวิตส่วนตัวของนักแต่งเพลงด้วยทำให้ธีมของวีรบุรุษมาถึงหน้างานของเขา ธรรมชาติทำให้เบโธเฟนมีจิตใจที่อยากรู้อยากเห็นและกระฉับกระเฉงของนักปรัชญา ความสนใจของเขามักกว้างอย่างผิดปกติ โดยขยายไปถึงการเมือง วรรณกรรม ศาสนา ปรัชญา วิทยาศาสตร์ธรรมชาติ ศักยภาพในการสร้างสรรค์อันยิ่งใหญ่อย่างแท้จริงถูกต่อต้านโดยโรคภัยไข้เจ็บ - หูหนวกซึ่งดูเหมือนว่าจะปิดเส้นทางสู่ดนตรีได้ตลอดไป เบโธเฟนพบพลังที่จะต่อต้านโชคชะตา และแนวคิดเรื่องการต่อต้าน การเอาชนะก็กลายเป็นความหมายหลักในชีวิตของเขา พวกเขาคือผู้ที่ "ปลอมแปลง" ตัวละครที่กล้าหาญ และในทุกแนวเพลงของเบโธเฟน เราจำผู้สร้างได้ - อารมณ์ที่กล้าหาญของเขา เจตจำนงที่ไม่เปลี่ยนแปลง การดื้อรั้นต่อความชั่วร้าย กุสตาฟ มาห์เลอร์กำหนดแนวคิดนี้ดังนี้: “ถ้อยคำที่เบโธเฟนกล่าวหาว่ากล่าวเกี่ยวกับหัวข้อแรกของซิมโฟนีที่ห้า -“ โชคชะตามาเคาะที่ประตู” ... สำหรับฉันแล้ว ยังห่างไกลจากเนื้อหามหาศาล แต่เขาสามารถพูดเกี่ยวกับเธอได้: "ฉันเอง"
การกำหนดระยะเวลาของชีวประวัติสร้างสรรค์ของเบโธเฟน
- I - 1782-1792 - สมัยบอนน์ จุดเริ่มต้นของเส้นทางสร้างสรรค์
- II - 1792-1802 - สมัยเวียนนาตอนต้น
- III - 1802-1812 - สมัยกลาง เวลาสำหรับความคิดสร้างสรรค์
- IV - 1812-1815 - ปีเปลี่ยนผ่าน
- V - 1816-1827 - ช่วงปลาย.
วัยเด็กและปีแรก ๆ ของเบโธเฟน
วัยเด็กและปีแรก ๆ ของเบโธเฟน (จนถึงฤดูใบไม้ร่วงปี 1792) เกี่ยวข้องกับบอนน์ซึ่งเขาเกิด ธันวาคม 1770 ของปี. พ่อและปู่ของเขาเป็นนักดนตรี ใกล้กับชายแดนฝรั่งเศส บอนน์เป็นหนึ่งในศูนย์กลางของการตรัสรู้ของเยอรมันในศตวรรษที่ 18 ในปี ค.ศ. 1789 มหาวิทยาลัยเปิดขึ้นที่นี่ท่ามกลางเอกสารการศึกษาที่พบหนังสือเกรดของเบโธเฟนในเวลาต่อมา
ในวัยเด็ก การศึกษาทางวิชาชีพของเบโธเฟนได้รับมอบหมายให้ดูแลครูที่ "บังเอิญ" ที่เปลี่ยนไปบ่อยๆ ซึ่งเป็นคนรู้จักของพ่อ ซึ่งให้บทเรียนในการเล่นออร์แกน ฮาร์ปซิคอร์ด ขลุ่ย และไวโอลินแก่เขา เมื่อค้นพบพรสวรรค์ทางดนตรีที่หายากของลูกชาย พ่อของเขาต้องการทำให้เขาเป็นเด็กอัจฉริยะ "โมสาร์ทคนที่สอง" ซึ่งเป็นแหล่งรายได้มหาศาลและคงที่ ด้วยเหตุนี้ ตัวเขาเองและเพื่อนๆ ในโบสถ์ที่ได้รับเชิญจากเขา จึงเข้ารับการฝึกอบรมด้านเทคนิคของเบโธเฟนตัวน้อย เขาถูกบังคับให้ฝึกเปียโนแม้ในเวลากลางคืน อย่างไรก็ตามการแสดงสาธารณะครั้งแรกของนักดนตรีหนุ่ม (ในปี พ.ศ. 2321 มีการจัดคอนเสิร์ตในเมืองโคโลญ) ไม่ได้แสดงให้เห็นถึงแผนการทางการค้าของบิดาของเขา
Ludwig van Beethoven ไม่ได้กลายเป็นเด็กอัจฉริยะ แต่เขาค้นพบพรสวรรค์ของเขาในฐานะนักแต่งเพลงค่อนข้างเร็ว เขามีอิทธิพลอย่างมาก Christian Gottlieb Nefeผู้สอนให้เขาแต่งเพลงและเล่นออร์แกนตั้งแต่อายุ 11 ขวบ เป็นคนที่มีความมั่นใจในสุนทรียศาสตร์และการเมืองขั้นสูง เป็นหนึ่งในนักดนตรีที่มีการศึกษามากที่สุดในยุคของเขา เนฟได้แนะนำเบโธเฟนให้รู้จักกับผลงานของบาคและฮันเดล ให้ความรู้แก่เขาในด้านประวัติศาสตร์ ปรัชญา และที่สำคัญที่สุด ได้เลี้ยงดูเขาด้วยจิตวิญญาณแห่งความเคารพอย่างลึกซึ้งต่อวัฒนธรรมเยอรมันพื้นเมืองของเขา . นอกจากนี้ Nefe ยังเป็นผู้จัดพิมพ์คนแรกของนักประพันธ์เพลงอายุ 12 ปี โดยได้ตีพิมพ์ผลงานชิ้นแรกของเขา - รูปแบบเปียโนบน Dressler's March(1782). รูปแบบเหล่านี้กลายเป็นงานแรกของเบโธเฟนที่ยังหลงเหลืออยู่ สามเปียโนโซนาต้าเสร็จในปีต่อไป
ถึงเวลานี้เบโธเฟนได้เริ่มทำงานในวงออร์เคสตราโรงละครและดำรงตำแหน่งผู้ช่วยออร์แกนในโบสถ์ในศาลและอีกไม่นานเขาก็ทำงานเป็นบทเรียนดนตรีในครอบครัวชนชั้นสูง (เนื่องจากความยากจนของครอบครัวเขาเป็น บังคับให้เข้าใช้บริการเร็วมาก) ดังนั้นเขาจึงไม่ได้รับการศึกษาอย่างเป็นระบบ: เขาเข้าเรียนที่โรงเรียนจนถึงอายุ 11 ปีเท่านั้น เขียนผิดพลาดมาตลอดชีวิตและไม่เคยเข้าใจความลับของการคูณ อย่างไรก็ตาม ต้องขอบคุณความอุตสาหะของเขาเอง ทำให้เบโธเฟนกลายเป็นคนมีการศึกษา: เขาเชี่ยวชาญภาษาละติน ฝรั่งเศส และอิตาลีอย่างอิสระ และอ่านมากอย่างต่อเนื่อง
ในความฝันที่จะเรียนกับ Mozart ในปี ค.ศ. 1787 Beethoven ได้ไปเยือนเวียนนาและได้พบกับไอดอลของเขา หลังจากฟังการแสดงด้นสดของชายหนุ่ม Mozart กล่าวว่า “จงสนใจเขา สักวันเขาจะให้โลกพูดถึงเขา” เบโธเฟนล้มเหลวในการเป็นนักเรียนของโมสาร์ท เนื่องจากแม่ของเขาป่วยหนัก เขาจึงถูกบังคับให้กลับไปบอนน์อย่างเร่งด่วน ที่นั่นเขาพบการอุปถัมภ์ทางศีลธรรมในผู้รู้แจ้ง ครอบครัวเบรนนิ่ง
แนวความคิดเกี่ยวกับการปฏิวัติฝรั่งเศสได้รับการตอบรับอย่างกระตือรือร้นจากเพื่อนๆ ในกรุงบอนน์ของเบโธเฟน และมีอิทธิพลอย่างมากต่อการสร้างความเชื่อมั่นในระบอบประชาธิปไตยของเขา
พรสวรรค์ของเบโธเฟนในฐานะนักแต่งเพลงไม่ได้พัฒนาเร็วเท่ากับพรสวรรค์อันยอดเยี่ยมของโมสาร์ท เบโธเฟนแต่งค่อนข้างช้า เป็นเวลา 10 ปีแรก - บอนน์ ช่วงเวลา (1782-1792)มีการเขียนงาน 50 ชิ้น รวมถึง 2 cantatas, เปียโนโซนาตาหลายตัว (ปัจจุบันเรียกว่าโซนาติน), ควอเตตเปียโน 3 ชิ้น, ทรีโอ 2 ชิ้น ความคิดสร้างสรรค์ของบอนน์ส่วนใหญ่ประกอบด้วยรูปแบบต่างๆ และเพลงสำหรับการทำดนตรีมือสมัครเล่น ในหมู่พวกเขามีเพลง "Marmot" ที่รู้จักกันดี
สมัยเวียนนาตอนต้น (1792-1802)
แม้จะมีความสดและความสว่างขององค์ประกอบที่อ่อนเยาว์ แต่เบโธเฟนก็เข้าใจว่าเขาจำเป็นต้องศึกษาอย่างจริงจัง ในเดือนพฤศจิกายน ค.ศ. 1792 ในที่สุดเขาก็ออกจากบอนน์และย้ายไปเวียนนา ศูนย์ดนตรีที่ใหญ่ที่สุดในยุโรป ที่นี่เขาศึกษาข้อแตกต่างและองค์ประกอบด้วย I. Haydn, I. Schenk, I. Albrechtsberger และ ก. ซาลิเอรี . ในเวลาเดียวกัน เบโธเฟนเริ่มแสดงเป็นนักเปียโนและในไม่ช้าก็ได้รับชื่อเสียงในฐานะนักด้นสดที่ไม่มีใครเทียบได้และเป็นนักเปียโนที่เก่งกาจที่สุด
อัจฉริยะรุ่นเยาว์ได้รับการอุปถัมภ์จากคนรักดนตรีที่มีชื่อเสียงหลายคน - K. Likhnovsky, F. Lobkowitz, เอกอัครราชทูตรัสเซีย A. Razumovsky และคนอื่น ๆ , โซนาตาของเบโธเฟน, ทริโอ, ควอเตตและต่อมาแม้แต่ซิมโฟนีก็เป่าเป็นครั้งแรกในร้านของพวกเขา ชื่อของพวกเขาสามารถพบได้ในการอุทิศผลงานของผู้แต่งหลายคน อย่างไรก็ตาม แนวทางปฏิบัติของเบโธเฟนกับผู้อุปถัมภ์ของเขานั้นแทบไม่เคยได้ยินมาก่อนเลยในขณะนั้น ภูมิใจและเป็นอิสระ เขาไม่ให้อภัยใครที่พยายามทำให้ศักดิ์ศรีความเป็นมนุษย์ของเขาขายหน้า คำพูดในตำนานที่นักแต่งเพลงมอบให้กับผู้มีพระคุณที่ดูถูกเขาเป็นที่รู้จัก: "มีและจะมีเจ้าชายเป็นพัน ๆ คน เบโธเฟนมีเพียงหนึ่งเดียวเท่านั้น"ไม่ชอบการสอน แต่ Beethoven ยังคงเป็นครูของ K. Czerny และ F. Ries ในการเล่นเปียโน (ทั้งคู่ได้รับชื่อเสียงในยุโรปในเวลาต่อมา) และ Archduke Rudolf แห่งออสเตรียในการแต่งเพลง
ในทศวรรษแรกของเวียนนา เบโธเฟนเขียนเพลงเปียโนและแชมเบอร์เป็นหลัก: คอนแชร์โตเปียโน 3 ตัวและโซนาต้าเปียโน 2 โหล 9(จาก 10) ไวโอลิน sonatas(รวมถึงหมายเลข 9 - "Kreutzer") โซนาต้าเชลโล 2 ตัว ควอเตต 6 สาย, วงดนตรีสำหรับเครื่องดนตรีต่างๆ, บัลเลต์ "The Creations of Prometheus".
เมื่อต้นศตวรรษที่ 19 งานไพเราะของเบโธเฟนก็เริ่มขึ้นเช่นกัน: ในปี 1800 เขาได้เสร็จสิ้น ซิมโฟนีแรกและในปี 1802 - ที่สอง. ในเวลาเดียวกัน Oratorio เดียวของเขา "Chris on the Mount of Olives" ถูกเขียนขึ้น สัญญาณแรกของโรคที่รักษาไม่หายซึ่งปรากฏในปี พ.ศ. 2340 - อาการหูหนวกแบบก้าวหน้าและการตระหนักถึงความสิ้นหวังของความพยายามทั้งหมดในการรักษาโรคนี้ทำให้เบโธเฟนประสบภาวะวิกฤตทางจิตในปี พ.ศ. 2345 ซึ่งสะท้อนให้เห็นในเอกสารที่มีชื่อเสียง - "พินัยกรรมไฮลิเกนชตัดท์" . ความคิดสร้างสรรค์เป็นทางออกของวิกฤต: "... การฆ่าตัวตายไม่เพียงพอสำหรับฉัน" นักแต่งเพลงเขียน - "แค่มัน ศิลปะ มันเก็บฉันไว้"
ยุคกลางของความคิดสร้างสรรค์ (1802-1812)
1802-12 - ช่วงเวลาแห่งการบานของอัจฉริยะของเบโธเฟน แนวคิดในการเอาชนะความทุกข์ด้วยความแข็งแกร่งของจิตวิญญาณและชัยชนะของความสว่างเหนือความมืด ซึ่งเขาได้รับความทุกข์ทรมานอย่างสุดซึ้ง หลังจากการต่อสู้อันดุเดือด กลับกลายเป็นว่าสอดคล้องกับแนวคิดของการปฏิวัติฝรั่งเศส ความคิดเหล่านี้รวมอยู่ในซิมโฟนีที่ 3 ("Heroic") และซิมโฟนีที่ห้าในโอเปร่า "Fidelio" ในเพลงสำหรับโศกนาฏกรรมของ J. W. Goethe "Egmont" ใน Sonata - หมายเลข 23 ("Appassionata")
โดยรวมแล้วนักแต่งเพลงสร้างขึ้นในช่วงปีเหล่านี้:
ซิมโฟนีหกชุด (จากหมายเลข 3 ถึงหมายเลข 8) สี่ชุดที่ 7-11 และชุดอื่นๆ ของห้องอื่นๆ โอเปร่า Fidelio คอนแชร์โตเปียโน 4 และ 5 ไวโอลินคอนแชร์โต้ ตลอดจนทริปเปิลคอนแชร์โต้สำหรับไวโอลิน เชลโล และเปียโน กับวงออเคสตรา
ปีที่เปลี่ยนผ่าน (1812-1815)
1812-15 ปี - จุดเปลี่ยนในชีวิตทางการเมืองและจิตวิญญาณของยุโรป ตามด้วยช่วงเวลาของสงครามนโปเลียนและขบวนการปลดปล่อยที่เพิ่มขึ้นตามมาด้วย รัฐสภาแห่งเวียนนา (พ.ศ. 2357-2558) หลังจากนั้นแนวโน้มปฏิกิริยาราชาธิปไตยก็ทวีความรุนแรงขึ้นในนโยบายภายในประเทศและต่างประเทศของประเทศในยุโรป รูปแบบของความคลาสสิคที่กล้าหาญทำให้เกิดแนวโรแมนติกซึ่งกลายเป็นเทรนด์ชั้นนำในวรรณคดีและพยายามทำให้ตัวเองเป็นที่รู้จักในดนตรี (F. Schubert) เบโธเฟนได้แสดงความเคารพต่อความปีติยินดีที่ได้รับชัยชนะ โดยสร้างภาพยนตร์แฟนตาซีไพเราะเรื่อง "The Battle of Vittoria" และบทเพลง "Happy Moment" ซึ่งฉายรอบปฐมทัศน์ซึ่งกำหนดเวลาให้ตรงกับรัฐสภาแห่งเวียนนา และทำให้เบโธเฟนประสบความสำเร็จอย่างไม่เคยได้ยินมาก่อน อย่างไรก็ตาม งานเขียนอื่นๆ ในปี ค.ศ. 1813-17 สะท้อนให้เห็นถึงการแสวงหาวิธีการใหม่ๆ อย่างไม่หยุดยั้งและเจ็บปวดในบางครั้ง ในเวลานี้มีการเขียนโซนาตาเชลโล (หมายเลข 4, 5) และเปียโน (หมายเลข 27, 28) การจัดเรียงเพลงของประเทศต่าง ๆ หลายสิบเพลงสำหรับเสียงพร้อมวงดนตรีซึ่งเป็นวงจรเสียงแรกในประวัติศาสตร์ของประเภท “แด่ผู้เป็นที่รักอันไกลโพ้น”(1815). รูปแบบของงานเหล่านี้เป็นแบบทดลอง โดยมีการค้นพบที่แยบยลมากมาย แต่ก็ไม่ได้แข็งแกร่งเท่ากับในยุคของ "ลัทธิคลาสสิกปฏิวัติ" เสมอไป
ช่วงปลาย (ค.ศ. 1816-1827)
ทศวรรษสุดท้ายของชีวิตของเบโธเฟนถูกรบกวนทั้งจากบรรยากาศทางการเมืองและจิตวิญญาณที่กดขี่โดยทั่วไปในออสเตรียของ Metternich และจากความยากลำบากและความวุ่นวายส่วนตัว อาการหูหนวกของนักแต่งเพลงก็สมบูรณ์ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2361 เขาถูกบังคับให้ใช้ "สมุดบันทึกการสนทนา" ซึ่งคู่สนทนาเขียนคำถามที่ส่งถึงเขา หลังจากสูญเสียความหวังเพื่อความสุขส่วนตัว (ชื่อของ "ผู้เป็นที่รักอมตะ" ซึ่งส่งจดหมายอำลาของเบโธเฟนเมื่อวันที่ 6-7 กรกฎาคม พ.ศ. 2355 ยังไม่ทราบ นักวิจัยบางคนพิจารณาเธอ J. Brunswick-Deim คนอื่น ๆ - A. Brentano) , เบโธเฟนดูแลเลี้ยงดูคาร์ล หลานชายของเขา ลูกชายของน้องชายของเขาที่เสียชีวิตในปี พ.ศ. 2358 สิ่งนี้นำไปสู่การต่อสู้ทางกฎหมายระยะยาวกับแม่ของเด็กชายคนนี้ (ค.ศ. 1815-20) ในเรื่องสิทธิในการดูแล แต่เพียงผู้เดียว หลานชายที่มีความสามารถแต่ขี้เล่นทำให้เบโธเฟนเศร้าโศกมาก
ช่วงปลายประกอบด้วย 5 ควอร์เต็ต (หมายเลข 12-16), "33 Variations on a Waltz by Diabelli", เปียโน Bagatelles op. 126, โซนาต้าสองตัวสำหรับเชลโล op.102, ความทรงจำสำหรับเครื่องสาย, งานทั้งหมดนี้ เชิงคุณภาพแตกต่างจากก่อนหน้านี้ทั้งหมด ช่วยให้คุณพูดคุยเกี่ยวกับสไตล์ ช้า Beethoven ซึ่งมีความคล้ายคลึงกับสไตล์ของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกอย่างชัดเจน แนวความคิดในการต่อสู้ระหว่างแสงสว่างและความมืดซึ่งเป็นศูนย์กลางของเบโธเฟน ได้มาซึ่งงานภายหลังของเขาอย่างเด่นชัด เสียงเชิงปรัชญา. ชัยชนะเหนือความทุกข์ยากไม่ได้เกิดจากการกระทำที่กล้าหาญอีกต่อไป แต่ด้วยการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณและความคิด
ในปี พ.ศ. 2366 เบโธเฟนเสร็จสิ้น “พิธีมิสซา"ซึ่งเขาเองก็ถือว่างานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขา พิธีมิสซาเคร่งขรึมดำเนินการครั้งแรกเมื่อวันที่ 7 เมษายน พ.ศ. 2367 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก หนึ่งเดือนต่อมา คอนเสิร์ตเพื่อผลประโยชน์ครั้งสุดท้ายของเบโธเฟนได้จัดขึ้นที่เวียนนา ซึ่งนอกเหนือไปจากส่วนต่างๆ ของพิธีมิสซา ครั้งสุดท้ายของเขา ซิมโฟนีที่เก้าพร้อมคอรัสสุดท้ายกับคำว่า "Ode to Joy" โดย เอฟ. ชิลเลอร์ ซิมโฟนีที่เก้าพร้อมเสียงเรียกครั้งสุดท้าย - โอบกอดนับล้าน! - กลายเป็นข้อพิสูจน์ทางอุดมการณ์ของนักแต่งเพลงต่อมนุษยชาติและมีอิทธิพลอย่างมากต่อซิมโฟนีแห่งศตวรรษที่ 19 และ 20
เกี่ยวกับประเพณี
เบโธเฟนมักถูกกล่าวถึงว่าเป็นนักแต่งเพลงที่เติมเต็มยุคคลาสสิกในดนตรี และในทางกลับกัน ปูทางไปสู่ความโรแมนติก โดยทั่วไปแล้วสิ่งนี้เป็นความจริง แต่เพลงของเขาไม่ตรงตามข้อกำหนดของสไตล์ใดสไตล์หนึ่ง นักแต่งเพลงมีความอเนกประสงค์มากจนไม่มีฟีเจอร์โวหารที่ครอบคลุมความสมบูรณ์ของภาพสร้างสรรค์ของเขา บางครั้งในปีเดียวกันนั้นเอง เขาได้สร้างสรรค์ผลงานที่ตัดกันจนยากที่จะแยกแยะระหว่างกัน (เช่น ซิมโฟนีที่ 5 และ 6 ซึ่งแสดงครั้งแรกในคอนเสิร์ตครั้งเดียวในปี 1808) หากเราเปรียบเทียบผลงานที่สร้างขึ้นในช่วงเวลาต่างๆ เช่น ในช่วงต้นและผู้ใหญ่ หรือผู้ใหญ่และช่วงปลาย งานเหล่านี้จะถูกมองว่าเป็นการสร้างสรรค์ของยุคศิลปะที่แตกต่างกัน
ในเวลาเดียวกัน ดนตรีของเบโธเฟนที่มีความแปลกใหม่มีความเชื่อมโยงกับวัฒนธรรมเยอรมันก่อนหน้านี้อย่างแยกไม่ออก ได้รับอิทธิพลอย่างปฏิเสธไม่ได้จากเนื้อร้องเชิงปรัชญาของ J.S. Bach ซึ่งเป็นภาพที่กล้าหาญของฮันเดล โอเปร่าของ Gluck ผลงานของ Haydn และ Mozart ศิลปะดนตรีของประเทศอื่น ๆ ก็มีส่วนทำให้เกิดรูปแบบของเบโธเฟน โดยเฉพาะในฝรั่งเศส ซึ่งเป็นแนวเพลงปฏิวัติมวลชน ซึ่งยังห่างไกลจากรูปแบบที่อ่อนไหวอย่างกล้าหาญของศตวรรษที่ 18 การประดับประดา การกักขัง ตอนจบที่นุ่มนวลตามแบบฉบับของเขาเป็นเรื่องของอดีต การประพันธ์เพลงของเบโธเฟนที่ประโคมประโคมมากมายนั้นใกล้เคียงกับเพลงและเพลงสวดของการปฏิวัติฝรั่งเศส พวกเขาแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความเรียบง่ายที่เคร่งครัดและสูงส่งของดนตรีของผู้แต่ง ผู้ชอบพูดซ้ำ: "มันง่ายกว่าเสมอ"
Yasakova Ekaterina นักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 10 ของ MOAU "โรงยิมหมายเลข 2 ใน Orsk"
ความเกี่ยวข้องของหัวข้อการวิจัย "ลักษณะโรแมนติกในผลงานของ Ludwig van Beethoven" เกิดจากการพัฒนาหัวข้อนี้ไม่เพียงพอในประวัติศาสตร์ศิลปะ ตามเนื้อผ้า งานของเบโธเฟนมีความเกี่ยวข้องกับโรงเรียนเวียนนาคลาสสิก อย่างไรก็ตาม ผลงานในช่วงที่โตเต็มที่และช่วงปลายของงานแต่งมีลักษณะของสไตล์โรแมนติก ซึ่งไม่เพียงพอในวรรณกรรมดนตรี ความแปลกใหม่ทางวิทยาศาสตร์ของการศึกษานี้โดดเด่นด้วยรูปลักษณ์ใหม่ในการทำงานภายหลังของเบโธเฟนและบทบาทของเขาในการพัฒนาแนวจินตนิยมในดนตรี
ดาวน์โหลด:
ดูตัวอย่าง:
ฉัน บทนำ
ความเกี่ยวข้อง
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน ตัวแทนโรงเรียนคลาสสิกแห่งเวียนนา ตามด้วย J. Haydn และ W. A. Mozart ได้พัฒนารูปแบบของดนตรีคลาสสิกที่ทำให้สามารถสะท้อนปรากฏการณ์ต่างๆ ของความเป็นจริงในการพัฒนาได้ แต่เมื่อพิจารณาอย่างรอบคอบถึงงานของผู้ร่วมสมัยที่ฉลาดทั้งสามนี้ เราสามารถสังเกตได้ว่าการมองโลกในแง่ดี ความร่าเริง และการเริ่มต้นที่สดใสที่มีอยู่ในผลงานส่วนใหญ่ของ Haydn และ Mozart นั้นไม่ใช่ลักษณะเฉพาะของงานของ Beethoven
หนึ่งในรูปแบบทั่วไปของเบโธเฟน โดยเฉพาะอย่างยิ่งการพัฒนาอย่างลึกซึ้งโดยนักแต่งเพลง คือการดวลของมนุษย์กับโชคชะตา ชีวิตของเบโธเฟนถูกบดบังด้วยความต้องการและความเจ็บป่วย แต่วิญญาณของไททันไม่แตกสลาย "คว้าโชคชะตาไว้ที่คอ" - นั่นคือคำขวัญที่เขาย้ำอยู่เสมอ อย่าคืนดีไม่ยอมแพ้ต่อการปลอบใจ แต่ต่อสู้และชนะ จากความมืดสู่แสงสว่าง จากความชั่วร้ายสู่ความดี จากความเป็นทาสสู่อิสรภาพ นั่นคือเส้นทางที่วีรบุรุษของเบโธเฟน พลเมืองของโลกใช้
ชัยชนะเหนือโชคชะตาในผลงานของเบโธเฟนเกิดขึ้นได้ในราคาสูง การมองโลกในแง่ดีอย่างผิวเผินนั้นต่างจากเบโธเฟน การยืนยันชีวิตของเขาได้รับและชนะ
ดังนั้นโครงสร้างทางอารมณ์พิเศษของผลงานของเขา ความลึกของความรู้สึก ความขัดแย้งทางจิตใจที่รุนแรง แนวความคิดหลักของงานของเบโธเฟนคือประเด็นสำคัญของการต่อสู้เพื่ออิสรภาพอย่างกล้าหาญ โลกแห่งภาพผลงานของเบโธเฟน ภาษาดนตรีที่สดใส นวัตกรรมทำให้เราสรุปได้ว่าเบโธเฟนเป็นเทรนด์ศิลปะสองแนว ได้แก่ ความคลาสสิคในยุคแรกและความโรแมนติกในงานที่โตแล้ว
แต่ถึงกระนั้น งานของเบโธเฟนก็ยังมีความเกี่ยวข้องกับโรงเรียนคลาสสิกของเวียนนามาโดยตลอด และลักษณะที่โรแมนติกในงานชิ้นต่อๆ มาของเขานั้นยังไม่เพียงพอในวรรณกรรมดนตรี
การศึกษาปัญหานี้จะช่วยให้เข้าใจโลกทัศน์ของเบโธเฟนและแนวคิดเกี่ยวกับผลงานของเขาได้ดีขึ้น ซึ่งเป็นเงื่อนไขที่ขาดไม่ได้ในการทำความเข้าใจดนตรีของผู้แต่งและส่งเสริมความรักที่มีต่อมัน
วัตถุประสงค์ของการวิจัย:
เพื่อเปิดเผยแก่นแท้ของความโรแมนติกในผลงานของ ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน
ความนิยมของดนตรีคลาสสิก
งาน:
สำรวจผลงานของ Ludwig van Beethoven
ทำการวิเคราะห์โวหารของ Sonata No. 14
และตอนจบของซิมโฟนีหมายเลข 9
ระบุสัญญาณโลกทัศน์ที่โรแมนติกของผู้แต่ง
วัตถุประสงค์ของการศึกษา:
ดนตรีโดย แอล. เบโธเฟน
หัวข้อการศึกษา:
คุณสมบัติโรแมนติกในเพลงของแอล. เบโธเฟน
วิธีการ:
เปรียบเทียบ - เปรียบเทียบ (คุณสมบัติคลาสสิกและโรแมนติก):
A) ผลงานของ Haydn, Mozart - L. Beethoven
B) ทำงานโดย F. Schubert, F. Chopin, F. Liszt, R. Wagner,
I. Brahms - L. Beethoven
2. ศึกษาเนื้อหา
3. การวิเคราะห์รูปแบบเสียงสูงต่ำของงาน
ครั้งที่สอง ส่วนสำคัญ.
บทนำ.
กว่า 200 ปีผ่านไปแล้วตั้งแต่กำเนิดของ Ludwig van Beethoven แต่ดนตรีของเขายังคงอยู่และปลุกเร้าผู้คนนับล้าน ราวกับว่ามันถูกเขียนขึ้นโดยคนร่วมสมัยของเรา
อย่างน้อยใครก็ตามที่คุ้นเคยกับชีวิตของเบโธเฟนเพียงเล็กน้อยก็อดไม่ได้ที่จะตกหลุมรักชายผู้นี้ บุคลิกที่กล้าหาญและโค้งคำนับก่อนที่ชีวิตเขาจะสำเร็จ
อุดมคติอันสูงส่งที่ร้องโดยเขาในงานของเขา เขาแบกรับมาตลอดชีวิตของเขา ชีวิตของเบโธเฟนเป็นตัวอย่างของความกล้าหาญและการต่อสู้กับอุปสรรคอย่างดื้อรั้น ความโชคร้ายที่ยากจะเอาชนะได้สำหรับอีกคนหนึ่ง ตลอดชีวิตของเขา เขามีอุดมคติในวัยเด็ก - อุดมคติของเสรีภาพ ความเสมอภาค ภราดรภาพเขาสร้างซิมโฟนิซึมประเภทวีรสตรีดราม่าในด้านดนตรี โลกทัศน์ของเขาเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของแนวคิดรักอิสระของการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งยิ่งใหญ่ ซึ่งสะท้อนถึงผลงานของนักแต่งเพลงหลายชิ้น
สไตล์ของเบโธเฟนมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยขอบเขตและความเข้มข้นของงานโมทีฟ ขอบเขตของการพัฒนาโซนาตา ความแตกต่างเฉพาะเรื่อง ไดนามิก จังหวะ และความแตกต่างของรีจิสเตอร์ กวีนิพนธ์แห่งฤดูใบไม้ผลิและเยาวชน ความสุขของชีวิต การเคลื่อนไหวนิรันดร์ นี่คือความซับซ้อนของภาพกวีในผลงานของเบโธเฟนในภายหลังเบโธเฟนพัฒนาสไตล์ของตัวเอง ก่อตัวขึ้นในฐานะนักประพันธ์เพลงที่มีความคิดริเริ่มและสร้างสรรค์ที่สดใส ซึ่งพยายามคิดค้นและสร้างสรรค์สิ่งใหม่ ๆ และไม่พูดซ้ำสิ่งที่เขียนไว้ก่อนหน้าเขา สไตล์คือความสามัคคีและความกลมกลืนขององค์ประกอบทั้งหมดของงานซึ่งมีลักษณะเฉพาะตัวงานไม่มากเท่ากับบุคลิกภาพของผู้แต่ง เบโธเฟนมีสิ่งเหล่านี้มากมาย
ยืนกรานที่จะปกป้องความเชื่อมั่นของเขาทั้งในด้านศิลปะและการเมืองโดยไม่หันหลังให้ใคร นักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่ Ludwig van Beethoven ผ่านเส้นทางชีวิตของเขาไปโดยไม่หันหลังให้ใคร
งานของเบโธเฟนเริ่มต้นขึ้นใหม่ในศตวรรษที่สิบเก้า ไม่เคยพักผ่อนบนเกียรติยศของเขา มุ่งมั่นไปข้างหน้าเพื่อการค้นพบใหม่ Beethoven อยู่ไกลก่อนเวลาของเขา ดนตรีของเขาเป็นแรงบันดาลใจและจะเป็นแรงบันดาลใจให้คนรุ่นหลังต่อไป
มรดกทางดนตรีของเบโธเฟนมีความหลากหลายอย่างน่าทึ่ง เขาสร้างซิมโฟนี 9 ตัว, โซนาตา 32 ตัวสำหรับเปียโน, ไวโอลินและเชลโล, ทาบทามไพเราะในละครของเกอเธ่ "Egmont", 16 เครื่องสาย, 5 คอนแชร์โตกับวงออเคสตรา, "The Solemn Mass", cantatas, โอเปร่า "Fidelio", โรแมนติก, การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน ( มีประมาณ 160 เพลงรวมถึงรัสเซีย)
ศึกษา.
ในวรรณคดีดนตรีและหนังสืออ้างอิงและพจนานุกรมต่างๆ บีโธเฟนนำเสนอเป็นแบบคลาสสิกแบบเวียนนาและไม่มีการกล่าวถึงเลยแม้แต่น้อยว่างานของเบโธเฟนในเวลาต่อมามีลักษณะที่โรแมนติก ลองมาดูตัวอย่าง:
1. สารานุกรมอิเล็กทรอนิกส์ "ไซริลและเมโทเดียส"
เบโธเฟน (เบโธเฟน) ลุดวิกฟาน (รับบัพติสมา 17 ธันวาคม พ.ศ. 2313 บอนน์ - 26 มีนาคม พ.ศ. 2370 เวียนนา) นักแต่งเพลงชาวเยอรมันตัวแทนของคลาสสิกเวียนนาโรงเรียน สร้างซิมโฟนีประเภทวีรกรรมดราม่า (3rd "Heroic", 1804, 5, 1808, 9, 2366, ซิมโฟนี; โอเปร่า "Fidelio" เวอร์ชันสุดท้ายของปี 1814; ทาบทาม "Coriolan", 1807, "Egmont", 1810; วงดนตรีบรรเลง โซนาตา คอนแชร์โต้) อาการหูหนวกที่สมบูรณ์ที่เกิดขึ้นกับเบโธเฟนในช่วงกลางอาชีพของเขาไม่ได้ทำลายความตั้งใจของเขา งานเขียนในภายหลังมีความโดดเด่นด้วยลักษณะทางปรัชญา 9 ซิมโฟนี 5 คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและวงออเคสตรา; 16 เครื่องสายและเครื่องสายอื่นๆ โซนาต้าบรรเลง 32 สำหรับเปียโนฟอร์เต (ในหมู่พวกเขา Pathetique, 1798, Moonlight, 1801, Appassionata, 1805), 10 สำหรับไวโอลินและเปียโน; "พิธีมิสซา" (2366)
2. พจนานุกรมสารานุกรมดนตรีมอสโก "ดนตรี" 1990
BEETHOVEN Ludwig van (1770-1827) - เยอรมัน นักแต่งเพลงนักเปียโนผู้ควบคุมวง อักษรย่อ ดนตรี เขาได้รับการศึกษาจากบิดาของเขา นักร้องประสานเสียงของศาลกรุงบอนน์ โบสถ์และเพื่อนร่วมงานของเขา ตั้งแต่ปี 1780 นักเรียนของ K.G. Nefe ที่เลี้ยง B. ด้วยจิตวิญญาณของชาวเยอรมัน การตรัสรู้
เหตุการณ์ในการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งยิ่งใหญ่มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของโลกทัศน์ของบี การปฎิวัติ; งานของเขามีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับความทันสมัย เขากับคดีความ วรรณกรรม ปรัชญา กับศิลปะ มรดกแห่งอดีต (โฮเมอร์ พลูตาร์ค ดับเบิลยู เชคสเปียร์ เจ. เจ. รูสโซ ไอ. วี. เกอเธ่ I. คานท์ เอฟ. ชิลเลอร์) หลัก แรงจูงใจเชิงอุดมคติของความคิดสร้างสรรค์ B. - แก่นเรื่องของวีรบุรุษ ต่อสู้เพื่ออิสรภาพ หลอมรวมด้วยพลังพิเศษในซิมโฟนีที่ 3, 5, 7 และ 9 ในโอเปร่า Fidelio ใน Egmont Overture ใน fp. โซนาต้าหมายเลข 23 (ที่เรียกว่า Arpa8$yupa1a) เป็นต้น
ตัวแทนของคลาสสิกเวียนนา โรงเรียน B. ตาม I. Haydn และ W. A. Mozart พัฒนารูปแบบของคลาสสิก ดนตรีทำให้สามารถสะท้อนปรากฏการณ์ต่าง ๆ ของความเป็นจริงในการพัฒนาของพวกเขา โซนาต้า-ซิมโฟนี. วงจรของ B. ถูกขยาย เต็มไปด้วยละครและเนื้อหาใหม่ ในการตีความของช. และฝ่ายข้างเคียงและความสัมพันธ์ของพวกเขา ข. หยิบยกหลักการของความแตกต่างเป็นการแสดงออกถึงความสามัคคีของสิ่งที่ตรงกันข้าม
3. I. โพรโคโรว่า. วรรณกรรมเพลงต่างประเทศ.มอสโก "ดนตรี". พ.ศ. 2531
ลุดวิก แวน เบโธเฟน (1770 - 1827) กว่าสองร้อยปีผ่านไปนับตั้งแต่การกำเนิดของนักแต่งเพลงชาวเยอรมันชื่อ Ludwig van Beethoven อัจฉริยภาพอันทรงพลังของเบโธเฟนบานสะพรั่งในช่วงต้นศตวรรษที่ 19
ในงานของเบโธเฟน ดนตรีคลาสสิกถึงจุดสุดยอด และไม่เพียงเพราะเบโธเฟนสามารถเอาสิ่งที่ดีที่สุดที่เคยทำสำเร็จมาแล้ว เหตุการณ์ร่วมสมัยของการปฏิวัติฝรั่งเศสเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 ซึ่งประกาศอิสรภาพ ความเสมอภาค และภราดรภาพของประชาชน เบโธเฟนสามารถแสดงให้เห็นในดนตรีของเขาว่าผู้สร้างการเปลี่ยนแปลงเหล่านี้คือผู้คน เป็นครั้งแรกที่ความปรารถนาอันกล้าหาญของผู้คนแสดงออกมาด้วยพลังดังกล่าวในดนตรี
อย่างที่เราเห็น ไม่มีการเอ่ยถึงลักษณะโรแมนติกของงานของเบโธเฟนเลย อย่างไรก็ตาม โครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่าง เนื้อเพลง ผลงานรูปแบบใหม่ทำให้เราพูดถึงเบโธเฟนว่าเป็นเรื่องโรแมนติกได้ เพื่อที่จะเปิดเผยลักษณะโรแมนติกในผลงานของเบโธเฟน เราจะทำการวิเคราะห์เปรียบเทียบโซนาตาของเฮย์เดน โมสาร์ท และบีโธเฟน ในการทำเช่นนี้ คุณต้องค้นหาว่าโซนาตาคลาสสิกคืออะไร. Moonlight Sonata แตกต่างจากโซนาตาของ Haydn และ Mozart อย่างไร แต่ก่อนอื่น มานิยามความคลาสสิคกันก่อน
คลาสสิก หนึ่งในพื้นที่ที่สำคัญที่สุดของศิลปะในอดีต รูปแบบศิลปะบนพื้นฐานของสุนทรียศาสตร์เชิงบรรทัดฐานต้องยึดมั่นในกฎเกณฑ์ศีลและความสามัคคีอย่างเคร่งครัดกฎของลัทธิคลาสสิกมีความสำคัญอย่างยิ่งในฐานะวิธีการเพื่อให้แน่ใจว่าเป้าหมายหลัก - เพื่อให้ความกระจ่างและสั่งสอนสาธารณะโดยอ้างถึงตัวอย่างที่ประเสริฐงานศิลปะจากมุมมองของลัทธิคลาสสิกควรสร้างขึ้นบนพื้นฐานของศีลที่เข้มงวดซึ่งเผยให้เห็นถึงความกลมกลืนและตรรกะของจักรวาลเอง
ตอนนี้ให้พิจารณาโครงสร้างของโซนาตาคลาสสิก การพัฒนาโซนาตาคลาสสิกมาไกล ในงานของ Haydn และ Mozart โครงสร้างของวงจรโซนาตาและซิมโฟนีได้รับการขัดเกลาในที่สุด มีการกำหนดจำนวนชิ้นส่วนที่มั่นคง (สามในโซนาตาสี่ในซิมโฟนี)
โครงสร้างของโซนาต้าคลาสสิก
ส่วนแรกของวงจร– มักจะเป็น Allegro - การแสดงออกถึงความไม่สอดคล้องของปรากฏการณ์ชีวิต เธอสะกดในรูปแบบโซนาต้าพื้นฐานของรูปแบบโซนาตาคือการตีข่าวหรือความขัดแย้งของทรงกลมดนตรีสองวงที่แสดงโดยฝ่ายหลักและฝ่ายรองค่าชั้นนำถูกกำหนดให้กับฝ่ายหลักส่วนแรกประกอบด้วยสามส่วน: นิทรรศการ - การพัฒนา - บทสรุป
ส่วนช้าที่สองวงจรโซนาต้า-ซิมโฟนี (มักจะ Andante, Adagio, Largo) - ตรงกันข้ามกับส่วนแรก มันเผยให้เห็นโลกของชีวิตภายในของบุคคล หรือโลกแห่งธรรมชาติ ฉากประเภท
Minuet - การเคลื่อนไหวที่สามวัฏจักรสี่ส่วน (ซิมโฟนีสี่ส่วน) - เกี่ยวข้องกับการแสดงออกในชีวิตประจำวันด้วยการแสดงออกของความรู้สึกร่วมกัน (การเต้นรำที่รวมกลุ่มคนจำนวนมากที่มีอารมณ์ร่วม)รูปแบบมักจะซับซ้อนไตรภาคี
รอบชิงชนะเลิศไม่ได้เป็นเพียงส่วนสุดท้ายเท่านั้น แต่ยังเป็นส่วนสุดท้ายของรอบอีกด้วย มีความคล้ายคลึงกันกับส่วนอื่นๆ แต่มีคุณสมบัติที่มีอยู่ในตอนจบเท่านั้น - หลายตอนที่วงดนตรีทั้งหมดมีส่วนร่วมตามกฎแล้วเขียนในรูปแบบของ rondo (การทำซ้ำแนวคิดหลักหลายครั้ง - การละเว้นสร้างความประทับใจความสมบูรณ์ของข้อความ) . บางครั้งใช้แบบฟอร์มโซนาต้าในตอนจบ
พิจารณาโครงสร้างของโซนาตาของ Haydn, Mozart และ Beethoven:
ไฮเดน. โซนาต้าในอีไมเนอร์
เพรสโต้ . มันมีสองรูปแบบที่ตัดกันประเด็นหลักคือกระสับกระส่ายกระสับกระส่าย ส่วนด้านข้างนั้นสงบกว่าและเบากว่า
อันดันเต้ . ส่วนที่สองเบา ๆ สงบเหมือนคิดอะไรดีๆ
อัลเลโกร แอสไซ ส่วนที่สาม. ตัวละครมีความสง่างามเต้น การก่อสร้างใกล้เคียงกับรูปแบบของรอนโด
โมสาร์ท. โซนาต้าในซีไมเนอร์
โซนาต้าอยู่ในสามการเคลื่อนไหว
โมลโต อัลเลโกร การเคลื่อนไหวครั้งแรกเขียนในรูปแบบโซนาตาอัลเลโกร. มันมีสองรูปแบบที่ตัดกันเนื้อหาหลักดูเคร่งขรึม เคร่งขรึม ส่วนด้านข้างไพเราะและอ่อนโยน
อดาจิโอ ส่วนที่สองตื้นตันใจด้วยความรู้สึกสดใส ตัวเพลง
อัลเลโกร แอสไซ การเคลื่อนไหวที่สามเขียนในรูปแบบของรอนโด ตัวละครเป็นกังวลเครียด
หลักการสำคัญของโครงสร้างของโซนาตาคลาสสิกคือการมีอยู่ในส่วนแรกของสองรูปแบบที่หลากหลาย (รูปภาพ) ซึ่งเข้าสู่ความสัมพันธ์ที่น่าทึ่งในระหว่างการพัฒนานี่คือสิ่งที่เราเห็นใน Sonatas ที่พิจารณาของ Haydn และ Mozart ส่วนแรกของโซนาตาเหล่านี้เขียนในรูปแบบโซนาตา อัลเลโกร: มีสองรูปแบบ - คนจรจัดหลักและด้านข้างตลอดจนสามส่วน - นิทรรศการการพัฒนาและการบรรเลง
การเคลื่อนไหวครั้งแรกของ Moonlight Sonata ไม่ได้อยู่ภายใต้ลักษณะโครงสร้างเหล่านี้ที่ทำให้ชิ้นส่วนเครื่องดนตรีเป็นโซนาตา ในตัวเธอไม่มีสองธีมที่แตกต่างกันมาขัดแย้งกัน
“โซนาต้าแสงจันทร์”- องค์ประกอบที่ชีวิต ความคิดสร้างสรรค์ อัจฉริยะด้านเปียโนของเบโธเฟนผสานเข้าด้วยกันเพื่อสร้างผลงานที่สมบูรณ์แบบอย่างน่าทึ่ง
ภาคแรกเป็นแนวสโลว์โมชั่นแฟนตาซีอิสระ ดังนั้นเบโธเฟนจึงอธิบายการทำงาน - Quasi una Fantasia -แนวแฟนตาซีที่ไม่มีกรอบการจำกัดที่เข้มงวดซึ่งกำหนดโดยรูปแบบคลาสสิกที่เคร่งครัด
ความอ่อนโยนความเศร้าการทำสมาธิ คำสารภาพของผู้ประสบภัย. ในเพลงที่เกิดและพัฒนาต่อหน้าต่อตาผู้ฟังอย่างที่เป็นอยู่นั้น สามบรรทัดติดอยู่ในทันที: เสียงเบสทุ้มลึกลง การเคลื่อนไหวโยกที่วัดได้ของเสียงกลาง และท่วงทำนองวิงวอนที่ปรากฏขึ้นหลังจากการแนะนำสั้นๆ . มันฟังดูกระตือรือร้น ยืนกราน พยายามจะเข้าถึงจุดที่สว่างสดใส แต่ในท้ายที่สุด ก็ตกลงสู่ก้นบึ้ง จากนั้นเบสก็จบการเคลื่อนไหวอย่างเศร้าสร้อย ไม่มีทางออก. รอบตัวมีแต่ความสิ้นหวัง
แต่นั่นเป็นวิธีที่ดูเหมือนว่า
อัลเลเกรตโต - ส่วนที่สองของโซนาต้าเบโธเฟนเรียกคำที่เป็นกลางอัลเลเกรตโต ไม่มีทางอธิบายธรรมชาติของดนตรี: ศัพท์ภาษาอิตาลีอัลเลเกรตโต หมายถึงจังหวะของการเคลื่อนไหว - เร็วปานกลาง
ส่วนที่เป็นโคลงสั้น ๆ นี้คืออะไรซึ่ง Franz Liszt เรียกว่า "ดอกไม้ระหว่างสองเหว"? คำถามนี้ยังคงทำให้นักดนตรีกังวล บางคนคิดว่าอัลเลเกรตโต ภาพเหมือนดนตรีของจูเลียต คนอื่นๆ มักละเว้นจากคำอธิบายเชิงเปรียบเทียบของส่วนที่ลึกลับ
อย่างไรก็ตามอัลเลเกรตโต ด้วยความเรียบง่ายที่เน้นย้ำให้เห็นถึงความยากลำบากที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสำหรับนักแสดง ไม่มีความแน่นอนของความรู้สึกที่นี่ น้ำเสียงสูงต่ำสามารถตีความได้จากความสง่างามที่ไม่โอ้อวดไปจนถึงอารมณ์ขันที่เห็นได้ชัดเจน ดนตรีทำให้นึกถึงภาพของธรรมชาติ บางทีนี่อาจเป็นความทรงจำของริมฝั่งแม่น้ำไรน์หรือชานเมืองเวียนนาซึ่งเป็นวันหยุดพื้นบ้าน
Presto agitato - โซนาต้าตอนจบ ในตอนต้นซึ่งเบโธเฟนในทันที แม้จะรวบรัด บ่งบอกถึงจังหวะและลักษณะนิสัย - "เร็วมาก ตื่นเต้น" - ฟังดูเหมือนพายุที่กวาดล้างทุกสิ่งให้พ้นทาง คุณจะได้ยินเสียงคลื่นสี่คลื่นหมุนวนด้วยความกดดันอย่างมากในทันที คลื่นแต่ละลูกจะจบลงด้วยการกระแทกสองครั้ง - องค์ประกอบกำลังโหมกระหน่ำ แต่มาถึงหัวข้อที่สอง เสียงบนของเธอกว้างไพเราะ: บ่น, ประท้วง สถานะของความตื่นเต้นสุดขีดได้รับการเก็บรักษาไว้ด้วยเสียงคลอ - ในการเคลื่อนไหวเช่นเดียวกับในช่วงเริ่มต้นของตอนจบที่มีพายุ เป็นหัวข้อที่สองที่พัฒนาต่อไป แม้ว่าอารมณ์ทั่วไปจะไม่เปลี่ยนแปลง: ความวิตกกังวล ความวิตกกังวล ความตึงเครียดยังคงมีอยู่ตลอดทั้งส่วน เปลี่ยนอารมณ์แค่บางเฉด บางครั้ง ดูเหมือนว่าความอ่อนล้าจะมาเยือน แต่บุคคลนั้นกลับลุกขึ้นมาเอาชนะความทุกข์ได้อีกครั้ง ในขณะที่การหยุดนิ่งของโซนาตาทั้งหมดนั้น โคดาก็เติบโตขึ้น ซึ่งเป็นส่วนสุดท้ายของตอนจบ
ดังนั้น เราจึงเห็นว่าในโซนาตาคลาสสิกของ Haydn และ Mozart มีวัฏจักรสามส่วนที่คงอยู่อย่างเคร่งครัดโดยมีลำดับของชิ้นส่วนตามแบบฉบับ เบโธเฟนเปลี่ยนประเพณีที่จัดตั้งขึ้น:
นักแต่งเพลง | ทำงาน | ส่วนแรก | ส่วนที่สอง | ส่วนที่สาม |
ไฮเดน | โซนาต้า อีไมเนอร์ | Presto | อันดันเต้ | อัลเลโกร assai |
เอาท์พุท:
ส่วนแรกของ Moonlight Sonata ไม่ได้เขียนตามหลักการของ Sonata คลาสสิก แต่เขียนในรูปแบบอิสระ แทนที่จะเป็นโซนาต้าธรรมดา Allegro - Quasi una Fantasia - เหมือนแฟนตาซี ในภาคแรกไม่มีรูปแบบที่แตกต่างกันสองรูปแบบ (ภาพ) ที่เข้าสู่ความสัมพันธ์ที่น่าทึ่งในระหว่างการพัฒนา
ทางนี้, Moonlight Sonata เป็นรูปแบบที่โรแมนติกของรูปแบบคลาสสิกสิ่งนี้ยังสะท้อนให้เห็นในการจัดเรียงส่วนของวัฏจักรใหม่ (ส่วนแรกคือ Adagio ไม่ใช่ในรูปแบบโซนาตา อัลเลโกร), และในโครงสร้างโดยนัยของโซนาตา
กำเนิดโซนาต้าแสงจันทร์
เบโธเฟนได้อุทิศโซนาตาให้กับจูเลียต กิกเซียร์ดี
ความสงบและความเศร้าที่สดใสของส่วนแรกของโซนาตาอาจทำให้คุณนึกถึงความฝันยามค่ำคืน พลบค่ำ และความเหงา ซึ่งชวนให้นึกถึงท้องฟ้าที่มืดมิด ดวงดาวที่สว่างไสว และแสงลึกลับของดวงจันทร์ โซนาตาที่สิบสี่เป็นชื่อของการเคลื่อนไหวครั้งแรกที่ช้า: หลังจากที่นักแต่งเพลงเสียชีวิต การเปรียบเทียบเพลงนี้กับคืนเดือนหงายมาถึงจิตใจของกวีโรแมนติก Ludwig Relshtab
Juliet Guicciardi คือใคร?
ในตอนท้ายของปี 1800 เบโธเฟนอาศัยอยู่กับครอบครัวบรันสวิก ในเวลาเดียวกัน Juliet Guicciardi ซึ่งเป็นญาติของ Brunswicks เดินทางมายังครอบครัวนี้จากอิตาลี เธออายุสิบหกปี เธอชอบดนตรี เล่นเปียโนเก่ง และเริ่มเรียนจากเบโธเฟน และรับคำแนะนำจากเขาได้อย่างง่ายดาย ในตัวละครของเธอ Beethoven ถูกดึงดูดด้วยความร่าเริง เข้ากับคนง่าย และมีธรรมชาติที่ดี เธอเป็นแบบที่เบโธเฟนจินตนาการไว้หรือเปล่า?
ในคืนอันแสนเจ็บปวดอันยาวนาน เมื่อเสียงในหูของเขาไม่ทำให้เขาหลับ เขาฝันว่า ท้ายที่สุดแล้ว จะต้องมีคนมาช่วยเขา เข้าใกล้อย่างไม่มีขอบเขต เติมความเหงาให้สว่างไสว! แม้จะมีความโชคร้ายเกิดขึ้น แต่เบโธเฟนก็มองเห็นสิ่งที่ดีที่สุดในผู้คนและให้อภัยจุดอ่อน: ดนตรีเสริมความมีน้ำใจของเขา
บางทีในจูเลียตในบางครั้งเขาไม่ได้สังเกตเห็นความเหลื่อมล้ำโดยพิจารณาว่าเธอคู่ควรกับความรักเอาความงามของใบหน้าของเธอเพื่อความงามของจิตวิญญาณของเธอ ภาพลักษณ์ของจูเลียตเป็นตัวเป็นตนในอุดมคติของผู้หญิงที่เขาพัฒนามาตั้งแต่สมัยบอนน์ นั่นคือความรักที่อดทนของแม่ของเขา Beethoven ตกหลุมรัก Juliet Guicciardi ด้วยความกระตือรือร้นมีแนวโน้มที่จะพูดเกินจริงศักดิ์ศรีของผู้คน
ความฝันที่ไม่สมหวังก็อยู่ได้ไม่นาน เบโธเฟนอาจเข้าใจถึงความไร้ประโยชน์ของความหวังในความสุข
เบโธเฟนต้องละทิ้งความหวังและความฝันมาก่อน แต่คราวนี้โศกนาฏกรรมรุนแรงมาก เบโธเฟนอายุสามสิบปี ความคิดสร้างสรรค์เท่านั้นที่สามารถฟื้นฟูศรัทธาของนักแต่งเพลงในตัวเองได้หลังจากการทรยศของจูเลียต ซึ่งชอบนักแต่งเพลงที่ไร้ความสามารถอย่าง เคาท์ แกลเลนเบิร์ก มากกว่าเขา เบโธเฟนก็จากไปเพื่อที่ดินของมาเรีย เออร์เดดี เพื่อนของเขา เขากำลังมองหาความสันโดษ เขาเดินเตร่อยู่ในป่าเป็นเวลาสามวันโดยไม่กลับบ้าน เขาถูกพบในพุ่มไม้ที่ห่างไกลจากความหิวโหย
ไม่มีใครได้ยินการร้องเรียนแม้แต่ครั้งเดียว เบโธเฟนไม่ต้องการคำพูดใดๆ ทุกอย่างถูกพูดด้วยดนตรี
ตามตำนานเล่าว่า Beethoven เขียน "Moonlight Sonata" ในฤดูร้อนปี 1801 ใน Koromp ในศาลาของสวนสาธารณะในคฤหาสน์ Brunsvik ดังนั้นโซนาตาในช่วงชีวิตของ Beethoven จึงถูกเรียกว่า "Sonata-arbor" ในบางครั้ง
ความลับของความนิยมของ Moonlight Sonata ในความคิดของเราคือดนตรีไพเราะและไพเราะมากจนเข้าถึงจิตวิญญาณของผู้ฟัง ทำให้เขาเห็นอกเห็นใจ เห็นอกเห็นใจ และจดจำส่วนลึกที่สุดของเขา
ผู้บุกเบิกซิมโฟนีของเบโธเฟน
ซิมโฟนี (จากกรีกซิมโฟนี - พยัญชนะ) ชิ้นส่วนของดนตรีสำหรับวงดุริยางค์ซิมโฟนีที่เขียนในรูปแบบโซนาตาไซคลิกรูปแบบสูงสุดของดนตรีบรรเลง มักประกอบด้วย 4 ส่วน ซิมโฟนีแบบคลาสสิกได้เข้ามามีบทบาท 18 - ขอ ศตวรรษที่ 19 (J. Haydn, W. A. Mozart, L. Beethoven) บทเพลงซิมโฟนี (F. Schubert, F. Mendelssohn), โปรแกรมซิมโฟนี (G. Berlioz, F. Liszt) ได้รับความสำคัญอย่างมากในหมู่นักประพันธ์เพลงโรแมนติก
โครงสร้าง. เนื่องจากมีความคล้ายคลึงกันในโครงสร้างกับโซนาต้า, โซนาต้าและซิมโฟนีรวมกันเป็นหนึ่งภายใต้ชื่อทั่วไปว่า "โซนาต้า-ซิมโฟนีไซเคิล" ในซิมโฟนีคลาสสิก (ในรูปแบบที่นำเสนอในผลงานคลาสสิกเวียนนา - ไฮเดน โมสาร์ทและเบโธเฟน) มักจะมีสี่ส่วน ส่วนที่ 1 เขียนอย่างรวดเร็วในรูปแบบโซนาตา ประการที่สองในการเคลื่อนไหวช้าเขียนในรูปแบบของการเปลี่ยนแปลง rondo, rondo-sonata, สามส่วนที่ซับซ้อน, น้อยกว่าในรูปแบบของโซนาตา; อันดับที่ 3 - scherzo หรือ minuet - ในรูปแบบ da capo สามส่วนที่มีสามคน (นั่นคือตามโครงการ A-trio-A); การเคลื่อนไหวครั้งที่ 4 อย่างรวดเร็ว - ในรูปแบบโซนาตาในรูปแบบของรอนโดหรือโซนาตารอนโด
ไม่เพียงแต่ใน Moonlight Sonata เท่านั้น แต่ยังรวมถึงในซิมโฟนีที่เก้าด้วย Beethoven ยังทำหน้าที่เป็นผู้ริเริ่มอีกด้วย ในตอนจบที่สดใสและสร้างแรงบันดาลใจ เขาได้สังเคราะห์ซิมโฟนีและออราทอริโอ (การสังเคราะห์เป็นการผสมผสานระหว่างศิลปะหรือแนวเพลงต่างๆ) แม้ว่าซิมโฟนีหมายเลขเก้าจะไม่ใช่งานสร้างครั้งสุดท้ายของเบโธเฟนก็ตาม แต่เป็นการแต่งเพลงที่ทำให้การค้นหาเชิงอุดมคติและศิลปะของคีตกวีสมบูรณ์แบบ แนวคิดของเบโธเฟนเกี่ยวกับประชาธิปไตยและการต่อสู้อย่างกล้าหาญพบว่ามีการแสดงออกสูงสุด หลักการใหม่ของการคิดไพเราะถูกรวบรวมไว้ด้วยความสมบูรณ์แบบที่หาที่เปรียบมิได้ แนวคิดเชิงอุดมคติของซิมโฟนีนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงขั้นพื้นฐานในแนวเพลงซิมโฟนีและการแสดงละคร ในสาขาดนตรีบรรเลงล้วนๆ เบโธเฟนแนะนำคำนี้ คือ เสียงของมนุษย์ การประดิษฐ์ของเบโธเฟนนี้ถูกใช้มากกว่าหนึ่งครั้งโดยนักประพันธ์เพลงของศตวรรษที่ 19 และ 20
ซิมโฟนีที่เก้า. สุดท้าย.
การรับรู้ถึงความเป็นอัจฉริยะของเบโธเฟนในช่วงทศวรรษสุดท้ายของชีวิตเขาเป็นแบบยุโรป ในอังกฤษ ภาพเหมือนของเขาสามารถเห็นได้ทุกมุม Academy of Music ทำให้เขาเป็นสมาชิกกิตติมศักดิ์ นักแต่งเพลงหลายคนใฝ่ฝันที่จะพบเขา Schubert, Weber, Rossini โค้งคำนับต่อหน้าเขาอย่างแน่นอน จากนั้นซิมโฟนีที่เก้าก็ถูกเขียนขึ้น - มงกุฎของงานทั้งหมดของเบโธเฟน ความลึกและความสำคัญของแนวคิดจำเป็นต้องมีองค์ประกอบที่ผิดปกติสำหรับซิมโฟนีนี้ นอกเหนือจากวงออเคสตราแล้ว นักแต่งเพลงยังได้แนะนำนักร้องเดี่ยวและคณะนักร้องประสานเสียงอีกด้วย และในวันที่เสื่อมโทรม เบโธเฟนยังคงยึดมั่นในกฎเกณฑ์ในวัยเด็กของเขา ในตอนท้ายของซิมโฟนีคำพูดจากบทกวีของกวีชิลเลอร์ "To Joy" ฟัง:
Joy เปลวไฟชีวิตหนุ่ม!
คำมั่นสัญญาวันใหม่ที่สดใส
กอดกันเป็นล้าน
รวมความสุขเป็นหนึ่งเดียว
ที่นั่นเหนือประเทศที่เต็มไปด้วยดวงดาว -
พระเจ้าพิสูจน์ความรัก!
ดนตรีอันทรงพลังและสง่างามในตอนจบของซิมโฟนี ชวนให้นึกถึงเพลงสวด เรียกผู้คนทั่วโลกมาสู่ความสามัคคี ความสุข และความสุข
Ninth Symphony สร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2367 ยังคงเป็นผลงานชิ้นเอกของโลกในปัจจุบัน เธอได้รวบรวมอุดมคติที่ไม่มีวันเสื่อมสลายซึ่งมนุษยชาติได้ต่อสู้ดิ้นรนเพื่อผ่านความทุกข์ทรมานมานานหลายศตวรรษ - สู่ความปิติยินดี ความสามัคคีของผู้คนทั่วโลก ไม่น่าแปลกใจที่ Ninth Symphony จะแสดงทุกครั้งที่เปิดเซสชันของ UN
การประชุมสุดยอดครั้งนี้เป็นการเริ่มต้นครั้งสุดท้ายของความคิดอันยอดเยี่ยม ความเจ็บป่วย ความต้องการแข็งแกร่งขึ้น แต่เบโธเฟนยังคงทำงานต่อไป
หนึ่งในการทดลองที่กล้าหาญที่สุดของเบโธเฟนในการอัปเดตแบบฟอร์มคือการร้องเพลงประสานเสียงครั้งสุดท้ายของ Ninth Symphony ให้เป็นข้อความในบทกวี "To Joy" ของ F. Schiller
ที่นี่ ครั้งแรกในประวัติศาสตร์ดนตรี Beethovenดำเนินการสังเคราะห์ประเภทไพเราะและ oratorio. ประเภทของซิมโฟนีมีการเปลี่ยนแปลงโดยพื้นฐาน เบโธเฟนนำคำนี้ไปใช้ในดนตรีบรรเลง
การพัฒนาภาพลักษณ์หลักของซิมโฟนีเริ่มจากธีมที่น่าสลดใจและไม่อาจหยุดยั้งของการเคลื่อนไหวครั้งแรกไปจนถึงธีมของความสุขที่สดใสในตอนจบ
การจัดวงจรไพเราะก็เปลี่ยนไปเช่นกันเบโธเฟนผู้ใต้บังคับบัญชาหลักการปกติของความแตกต่างกับแนวคิดของการพัฒนาที่เป็นรูปเป็นร่างอย่างต่อเนื่องดังนั้นการสลับชิ้นส่วนที่ไม่ได้มาตรฐาน: อันดับแรกสองส่วนที่รวดเร็วซึ่งละครของซิมโฟนีเข้มข้นและส่วนที่สามที่ช้าเตรียมส่วนสุดท้าย - ผลลัพธ์ของกระบวนการที่ซับซ้อนที่สุด
แนวคิดสำหรับซิมโฟนีนี้ถือกำเนิดขึ้นโดยเบโธเฟนเมื่อนานมาแล้ว ย้อนกลับไปในปี พ.ศ. 2336 จากนั้นแผนนี้ก็ไม่เกิดขึ้นเนื่องจากชีวิตเล็ก ๆ และประสบการณ์ที่สร้างสรรค์ของเบโธเฟน จำเป็นต้องผ่านไปสามสิบปี (ทั้งชีวิต) และจำเป็นต้องเป็นปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่และยิ่งใหญ่ที่สุดอย่างแท้จริงเพื่อให้คำพูดของกวี -
“กอดล้าน
ผสานจูบเบา ๆ ! - ฟังในเพลง
การแสดงครั้งแรกของ Ninth Symphony ในกรุงเวียนนาเมื่อวันที่ 7 พฤษภาคม พ.ศ. 2367 กลายเป็นชัยชนะที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของนักแต่งเพลง มีการทะเลาะวิวาทกันที่ทางเข้าห้องโถงเพราะตั๋ว - จำนวนคนที่ต้องการไปคอนเสิร์ตนั้นยอดเยี่ยมมาก ในตอนท้ายของการแสดง นักร้องคนหนึ่งจับมือเบโธเฟนและพาเขาขึ้นไปบนเวทีเพื่อที่เขาจะได้เห็นห้องโถงที่มีผู้คนพลุกพล่าน ทุกคนปรบมือ และโยนหมวกของพวกเขาขึ้น
The Ninth Symphony เป็นหนึ่งในการสร้างสรรค์ที่โดดเด่นที่สุดในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมดนตรีโลก ในแง่ของความยิ่งใหญ่ของแนวคิด ความกว้างของแนวคิด และพลวัตอันทรงพลังของภาพดนตรี ซิมโฟนีที่เก้ามีมากกว่าทุกสิ่งที่เบโธเฟนสร้างขึ้นเอง
ในวันที่พยัญชนะของเธอ
เอาชนะโลกแห่งการทำงานที่ยากลำบาก
แสงเหนือแสง เมฆเคลื่อนผ่านก้อนเมฆ
ฟ้าร้องเคลื่อนไปบนฟ้าร้องดาวดวงหนึ่งเข้ามาในดาว
และถูกแรงบันดาลใจอย่างฉุนเฉียว
ในวงดุริยางค์ของพายุฝนฟ้าคะนองและความตื่นเต้นของฟ้าร้อง
คุณปีนบันไดที่มีเมฆมาก
และได้สัมผัสดนตรีแห่งจักรวาล
(นิโคไล ซาโบล็อตสกี้)
ลักษณะทั่วไปในผลงานของเบโธเฟนและนักประพันธ์เพลงโรแมนติก
แนวโรแมนติก - ทิศทางเชิงอุดมคติและศิลปะในวัฒนธรรมจิตวิญญาณยุโรปและอเมริกาในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 การยืนยันคุณค่าโดยธรรมชาติของชีวิตทางจิตวิญญาณและความคิดสร้างสรรค์ของแต่ละบุคคล, ภาพลักษณ์ของความปรารถนาอย่างแรงกล้า, ธรรมชาติแห่งจิตวิญญาณและการรักษา . หากการตรัสรู้มีลักษณะโดยลัทธิแห่งเหตุผลและอารยธรรมตามหลักการของมัน ความโรแมนติกก็ยืนยันลัทธิธรรมชาติ, ความรู้สึกและความเป็นธรรมชาติในมนุษย์
ในดนตรีทิศทางของแนวโรแมนติกเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 1820 การพัฒนาเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 19 ทั้งหมด นักประพันธ์เพลงรักพยายามแสดงความลึกและความร่ำรวยของโลกภายในของมนุษย์ด้วยความช่วยเหลือทางดนตรี ดนตรีมีลายนูนมากขึ้นเป็นรายบุคคล แนวเพลงกำลังพัฒนารวมถึงเพลงบัลลาด
ดนตรีโรแมนติกแตกต่างจากดนตรีของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา มันสะท้อนความเป็นจริงผ่านประสบการณ์ส่วนตัวของบุคคล คุณสมบัติหลักของแนวโรแมนติกคือความสนใจในชีวิตของจิตวิญญาณมนุษย์การถ่ายทอดความรู้สึกและอารมณ์ต่างๆ ความสนใจเป็นพิเศษของความโรแมนติกได้แสดงต่อโลกฝ่ายวิญญาณของบุคคลซึ่งนำไปสู่การเพิ่มขึ้นของบทบาทของเนื้อเพลง
การพรรณนาถึงอารมณ์รุนแรง วีรกรรมของการประท้วงหรือการต่อสู้เพื่อปลดปล่อยชาติ ความสนใจในวิถีชีวิตพื้นบ้าน ในนิทานพื้นบ้านและเพลง วัฒนธรรมของชาติ อดีตทางประวัติศาสตร์ ความรักในธรรมชาติ เป็นจุดเด่นของงานตัวแทนที่โดดเด่นของโรงเรียนโรแมนติกแห่งชาติ . นักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติกหลายคนพยายามสังเคราะห์ศิลปะ โดยเฉพาะดนตรีและวรรณกรรม ดังนั้นประเภทของวงจรเพลงจึงพัฒนาและไปถึงจุดสูงสุด (“The Beautiful Miller's Woman” และ “The Winter Road” โดย Schubert, “The Love and Life of a Woman” และ “The Love of the Poet” โดย Schumann เป็นต้น .)
การดิ้นรนของความโรแมนติกขั้นสูงเพื่อความเป็นรูปธรรมของการแสดงออกที่เป็นรูปเป็นร่างนำไปสู่การยืนยันของการเขียนโปรแกรมเป็นหนึ่งในคุณสมบัติที่สว่างที่สุดของแนวโรแมนติกทางดนตรี ลักษณะเฉพาะของแนวโรแมนติกเหล่านี้ยังปรากฏอยู่ในงานของเบโธเฟน: การสวดมนต์ความงามของธรรมชาติ ("อภิบาลซิมโฟนี") ความรู้สึกและประสบการณ์ที่อ่อนโยน ("ถึงเอลีส") แนวคิดของการต่อสู้เพื่อเอกราช (เอ็กมอนต์ทาบทาม) ความสนใจ ในดนตรีพื้นบ้าน (การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน ), การต่ออายุรูปแบบโซนาต้า, การสังเคราะห์แนวไพเราะและโอราทอริโอ (ซิมโฟนีที่เก้าทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับศิลปินแห่งยุคโรแมนติก, หลงใหลในความคิดของศิลปะสังเคราะห์ที่สามารถเปลี่ยนแปลงได้ ธรรมชาติของมนุษย์และการชุมนุมทางจิตวิญญาณของมวลชน) วัฏจักรเพลงโคลงสั้น ๆ (“ แด่ผู้เป็นที่รักอันห่างไกล”)
จากการวิเคราะห์ผลงานของเบโธเฟนและนักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติก เราได้รวบรวมตารางที่แสดงคุณลักษณะทั่วไปในงานของพวกเขา
คุณสมบัติทั่วไปในผลงานของเบโธเฟนและนักประพันธ์เพลงโรแมนติก:
เอาท์พุต :
เมื่อเปรียบเทียบงานของเบโธเฟนกับงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติก เราพบว่าดนตรีของเบโธเฟนมีทั้งในรูปแบบที่เป็นรูปเป็นร่าง (บทบาทของเนื้อเพลงที่เพิ่มขึ้น ความสนใจในโลกแห่งจิตวิญญาณของบุคคล) และในรูปแบบ (มีสองส่วนใน "Unfinished" ของชูเบิร์ต " ซิมโฟนีแทนที่จะเป็นสี่ประเภท กล่าวคือ ออกจากรูปแบบคลาสสิก) และในแง่ของประเภท (โปรแกรมซิมโฟนีและโอเวอร์เจอร์, วงจรเพลงเช่นของชูเบิร์ต) และในลักษณะ (ความตื่นเต้น, ประเสริฐ) มันใกล้เคียงกับ เพลงของนักประพันธ์เพลงโรแมนติก
สาม. บทสรุป.
จากการศึกษางานของเบโธเฟน เราได้ข้อสรุปว่ารูปแบบทั้งสองผสมผสานกันในตัวเขา - ความคลาสสิคและความโรแมนติก ในซิมโฟนี - "Heroic", "Fifth Symphony" ที่มีชื่อเสียงและอื่น ๆ (ยกเว้น "Ninth Symphony") โครงสร้างเป็นแบบคลาสสิกอย่างเคร่งครัดเช่นเดียวกับในโซนาตาจำนวนมาก และในเวลาเดียวกันโซนาตาเช่น "Appassionata", "น่าสงสาร" นั้นสร้างแรงบันดาลใจมากประเสริฐและรู้สึกได้ถึงจุดเริ่มต้นที่โรแมนติก ความกล้าหาญและเนื้อร้อง - นี่คือโลกที่เป็นรูปเป็นร่างของผลงานของเบโธเฟน
บุคลิกที่แข็งแกร่งในทุกสิ่ง Beethoven สามารถหลุดพ้นจากกฎเกณฑ์ที่เข้มงวดและหลักการของลัทธิคลาสสิค รูปแบบที่ไม่ใช่แบบดั้งเดิมใน sonatas และ quartets สุดท้ายการสร้างซิมโฟนีประเภทใหม่โดยพื้นฐานการดึงดูดโลกภายในของบุคคลการเอาชนะศีลของรูปแบบคลาสสิกความสนใจในศิลปะพื้นบ้านความสนใจไปยังโลกภายในของ บุคคล, จุดเริ่มต้นโคลงสั้น ๆ, โครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของงาน - ทั้งหมดนี้เป็นสัญญาณของมุมมองที่โรแมนติกของผู้แต่ง ท่วงทำนองที่สวยงามของเขา "For Elise", Adagio จากโซนาตา "Pathetic", Adagio จากโซนาต้า "Moonlight" รวมอยู่ในคอลเลคชันเสียง "ท่วงทำนองโรแมนติกศตวรรษที่ XX ". นี่เป็นการยืนยันอีกครั้งว่าผู้ฟังมองว่าเพลงของเบโธเฟนเป็นเรื่องโรแมนติก นอกจากนี้ยังเป็นการยืนยันว่าเพลงของเบโธเฟนมีมาโดยตลอดและจะมีความทันสมัยสำหรับคนทุกรุ่น ในความเห็นของเรา บีโธเฟนคือเบโธเฟน ไม่ใช่ชูเบิร์ตซึ่งเป็นนักประพันธ์เพลงโรแมนติกคนแรก
เบโธเฟนเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นที่สุดในโลกวัฒนธรรมดนตรี ดนตรีของเขาเป็นนิรันดร์ เพราะมันสร้างความตื่นเต้นให้ผู้ฟัง ช่วยให้เข้มแข็งและไม่ถอยหนีเมื่อเผชิญกับความยากลำบาก เมื่อฟังเพลงของเบโธเฟนแล้ว เราไม่สามารถเพิกเฉยต่อเพลงนี้ได้ เพราะมันสวยงามและสร้างแรงบันดาลใจมาก ดนตรีทำให้เบโธเฟนเป็นอมตะ ฉันชื่นชมความแข็งแกร่งและความกล้าหาญของชายผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ ฉันชื่นชมเพลงของเบโธเฟนและชอบมันมาก!
เขาเขียนราวกับว่าตอนกลางคืน
ฉันจับสายฟ้าและเมฆด้วยมือของฉัน
และเปลี่ยนคุกของโลกให้เป็นเถ้าถ่าน
ในช่วงเวลาเดียวด้วยความพยายามอันยิ่งใหญ่
ก. คูมอฟ
บรรณานุกรม
Prokhorova I. วรรณกรรมดนตรีของต่างประเทศ มอสโก "ดนตรี" 2531
I.Givental, L.Shchukina - Ginggold. วรรณคดีดนตรี. ฉบับที่ 2 มอสโก ดนตรี. พ.ศ. 2531
Galatskaya V.S. วรรณกรรมเพลงต่างประเทศ. ฉบับที่ 3 มอสโก ดนตรี, 1974.
Grigorovich VB นักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุโรปตะวันตก ม.: การศึกษา, 2525.
สโปโซบิน IV รูปแบบดนตรี มอสโก ดนตรี, 1980.
โคนิกส์เบิร์ก เอ., ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน. มอสโก ดนตรี, 1970.
เคนโตวา S.M. "มูนไลท์ โซนาต้า" ของเบโธเฟน - มอสโก ดนตรี, 1988.
สารานุกรมและพจนานุกรม
พจนานุกรมสารานุกรมดนตรี มอสโก "ดนตรี", 1990
สารานุกรมอิเล็กทรอนิกส์ "Cyril and Methodius", 2004
อีซุน. สารานุกรมอิเล็กทรอนิกส์ "Cyril and Methodius", 2005
Vlasov V.G. สไตล์ในงานศิลปะ: พจนานุกรมของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 1995
วัสดุจากเว็บไซต์http://www.maykapar.ru/
งานดนตรี
ไอ. ไฮเดน. โซนาต้าในอีไมเนอร์ ซิมโฟนีหมายเลข 101
วีเอ โมสาร์ท. โซนาต้าในซีไมเนอร์ ซิมโฟนีหมายเลข 40
แอล. เบโธเฟน. ซิมโฟนีหมายเลข 6, หมายเลข 5, หมายเลข 9 Egmont Overture Sonatas Appassionata น่าสงสาร Lunar ละครเรื่อง "To Elise"
เอฟ ชูเบิร์ต. วงจรเพลง "The Beautiful Miller's Woman" ละครเรื่อง "Musical Moment"
เอฟ ชูเบิร์ต. "ซิมโฟนีที่ยังไม่เสร็จ"
ฟ.โชแปง. "การศึกษาปฏิวัติ" โหมโรงที่ 4 วอลซ์.
เอฟ รายการ. "ความฝันของความรัก". "ฮังการีแรปโซดีหมายเลข 2"
อาร์. วากเนอร์. "การขี่วาลคิรี".
I. บราห์มส์. "การเต้นรำฮังการีครั้งที่ 5"
