“ผลงานชิ้นเอกของคลาสสิกระดับโลก
การเต้นรำที่ลงไปในประวัติศาสตร์"
มอสโก ซิมโฟนีออร์เคสตรา
ผู้ควบคุมวง - Andrey Yakovlev
ในโปรแกรม: A. P. Borodin I. F. Stravinsky, S. S. Prokofiev, A. I. Khachaturyan, M. de Falla, M. I. Glinka, C. Saint-Saens, J. Bizet, L. Bernstein
ในวันที่ 18 พฤศจิกายน คอนเสิร์ตจะจัดขึ้นบนเวทีห้องโถงใหญ่ของ Moscow Conservatory ซึ่งอุทิศให้กับองค์ประกอบของการเต้นรำและการหักเหของแสงในผลงานของนักประพันธ์เพลงหลักในช่วงเวลาและวัฒนธรรมโลกที่แตกต่างกัน “ผลงานชิ้นเอกของคลาสสิกระดับโลก การเต้นรำที่ลงไปในประวัติศาสตร์" - ผืนผ้าใบดนตรีที่น่าตื่นเต้น โดดเด่นด้วยความหมายแนวความคิด สีสันสดใส เสน่ห์อันไพเราะที่ไม่ต้องสงสัย และไดนามิกที่เกิดขึ้นเอง จาก Habanera และ Seguidilla ที่แปลกประหลาดและมีเสน่ห์ท้าทายจากโอเปร่า "Carmen" โดย Georges Bizet ไปจนถึงเพลงที่ค่อยๆ วูบวาบ " การเต้นรำตามพิธีกรรมไฟ" จากบัลเล่ต์ "Enchantress Love" ของ Manuel de Falla ชาวสเปน จากฉากพิสดารที่มีเสน่ห์ของ "Dance of Death" ของ Saint-Saëns ไปจนถึงแสง การเต้นรำที่เร่าร้อน"Mambo" จากละครเพลงอเมริกันเรื่อง "West Side Story" โดยวาทยากรและนักแต่งเพลงชื่อดัง Leonard Bernstein Moscow Symphony Orchestra และ Andrei Yakovlev จะนำเสนอให้กับผู้ฟังทุกคนในค่ำคืนอันแสนวิเศษนี้ด้วยชุดการเต้นรำคลาสสิกที่โดดเด่น ฉากการออกแบบท่าเต้น การแสดงบัลเล่ต์ โดดเด่นด้วยอารมณ์ที่เร่าร้อนอย่างแท้จริงและมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ความไพเราะอันไพเราะเช่นเดียวกับการบรรเทาจังหวะและความหลากหลายของเสียงออเคสตรา
นอกจากผลงานที่กล่าวมาข้างต้นแล้ว สถานที่ที่ดีโปรแกรมคอนเสิร์ตประกอบด้วยผลงานของนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย - นี่คือ "March of Chernomor" ที่ยอดเยี่ยมน่าขันและประสบความสำเร็จจาก "Ruslan และ Lyudmila" ที่ยอดเยี่ยมของ Glinka และสัตว์นักล่าที่ดุร้ายเหมือนบริภาษ " การเต้นรำของชาวโปลอฟเชียน"อาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ผู้มีส่วนร่วม" พวงอันยิ่งใหญ่» อเล็กซานเดอร์ ปอร์ฟิรีวิช โบโรดิน มีพลังอย่างแท้จริงเต็มไปด้วยจังหวะเคาะที่ซับซ้อนซึ่งถ่ายทอดองค์ประกอบที่เก่าแก่ของการเต้นรำของ Stravinsky - "การเต้นรำที่สกปรกของอาณาจักร Koshcheev" ปีศาจ (จาก "The Firebird") และ "The Game of Abduction" จากตำนาน "The Rite of Spring" ” จะสลับกับการแสดงบัลเลต์ของเหล่าผู้ยิ่งใหญ่ นักแต่งเพลงชาวรัสเซีย-โซเวียต: Prokofiev และ Khachaturian รสชาติโอเรียนเต็ลสีสันสดใส การเต้นรำของชาวคอเคเซียนใน “Gayane” การแสดง “Sabre Dance” อันโด่งดัง และ “Lezginka” สุดเร้าใจโดยใช้กลองโฟล์ค และฉาก Adagio อันอลังการจากเรื่อง “Spartacus” พร้อมท่วงทำนองอันศักดิ์สิทธิ์ที่บรรเลงด้วยความยินดี ณ จุดไคลแม็กซ์ ที่จะนำเสนอผู้ฟังด้วยศิลปะระดับโลก คลาสสิกที่มีชื่อเสียงดนตรีอาร์เมเนีย และเรื่องที่น่าสลดใจซึ่งเต็มไปด้วยความน่าสมเพชทางละครสูงเรื่อง "The Death of Tybalt" บัลเล่ต์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด“โรมิโอและจูเลียต” เป็นผลงานของ Prokofiev อัจฉริยะชาวรัสเซีย การแสดงชั้นยอดในตอนเย็นจะเป็นฉากการออกแบบท่าเต้น “Bolero” ของ Maurice Ravel ซึ่งเป็นผลงานที่สามารถตีความได้มากมาย ตั้งแต่การเลียนแบบการเต้นรำพื้นบ้านของสเปนไปจนถึงแนวคิดของการค่อยเป็นค่อยไป จากการเปลี่ยนแปลงไปสู่การเปลี่ยนแปลง การก่อตัวของบางอย่าง พลังร้ายแรง
ความหลากหลายทางจินตนาการของรายการ ความสมบูรณ์ และการแสดงที่คู่ควรเป็นเหตุผลที่ดีในการเข้าร่วมคอนเสิร์ตที่ยอดเยี่ยมนี้
สภาพแวดล้อม: วิธีการร้องขอ: รับ URL คำขอ: http://site/smi/russian_masterpiece/ เวอร์ชัน Django: 1.11 เวอร์ชัน Python: 3.5.6 แอปพลิเคชันที่ติดตั้ง: ["app", "redactor", "django.contrib.admin", " django.contrib.auth", "django.contrib.contenttypes", "django.contrib.sessions", "django.contrib.messages", "django.contrib.staticfiles", "น่ารำคาญ", "imagekit", "safedelete" , "froala_editor", "webpack_loader"] มิดเดิลแวร์ที่ติดตั้ง: ["django.middleware.security.SecurityMiddleware", "django.contrib.sessions.middleware.SessionMiddleware", "django.middleware.common.CommonMiddleware", "django.middleware csrf.CsrfViewMiddleware", "django.contrib.auth.middleware.AuthenticationMiddleware", "django.contrib.auth.middleware.SessionAuthenticationMiddleware", "django.contrib.messages.middleware.MessageMiddleware", "django.middleware.clickjacking.XFrameOptionsMiddleware" ] Traceback: ไฟล์ "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/Exception.py" ภายใน 41. response = get_response(request) File "/usr/local/lib/python3 .5/site-packages/django/core/handlers/base.py" ใน _legacy_get_response 249. response = self._get_response(request) ไฟล์ "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/core/ handlers/base.py" ใน _get_response 187. response = self.process_Exception_by_middleware (e, คำขอ) ไฟล์ "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/core/handlers/base.py" ใน _get_response 185 . response = wrap_callback(request, *callback_args, **callback_kwargs) File "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/annoying/decorators.py" ใน wrapper 67. output = function(request, *args, **kwargs) ไฟล์ "/opt/shkt/app/views.py" ใน Mass_media 166 บทความ = obj_404(SMI, id=page) ไฟล์ "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/ Shortcuts.py" ใน get_object_or_404 85. return queryset.get(*args, **kwargs) File "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/query.py" ใน get 370 . clone = self.filter(*args, **kwargs) ไฟล์ "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/query.py" ในตัวกรอง 781 ส่งคืน self._filter_or_exclude( เท็จ *args, **kwargs) ไฟล์ "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/query.py" ใน _filter_or_exclude 799. clone.query.add_q(Q(*args , **kwargs)) ไฟล์ "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py" ใน add_q 1260 ข้อ _ = self._add_q(q_object, self .used_aliases) ไฟล์ "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py" ใน _add_q 1286 Allow_joins=allow_joins, split_subq=split_subq, ไฟล์ "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py" ใน build_filter 1220 เงื่อนไข = self.build_lookup (การค้นหา, col , ค่า) ไฟล์ "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/sql/query.py" ใน build_lookup 1114 ส่งคืนไฟล์ Final_lookup(lhs, rhs) "/usr/local/ lib/python3.5/site-packages/django/db/models/lookups.py" ใน __init__ 24. self.rhs = self.get_prep_lookup() ไฟล์ "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/ django/db/models/lookups.py" ใน get_prep_lookup 74. คืน self.lhs.output_field.get_prep_value(self.rhs) ไฟล์ "/usr/local/lib/python3.5/site-packages/django/db/models/ fields/__init__.py" ใน get_prep_value 962 ส่งคืน int(value) ประเภทข้อยกเว้น: ValueError ที่ /smi/russian_masterpiece/ ค่าข้อยกเว้น: ตัวอักษรไม่ถูกต้องสำหรับ int() ที่มีฐาน 10: "russian_masterpiece"
การเต้นรำคลาสสิกในปัจจุบันเป็นรากฐานของการเต้นรำทุกประเภท องค์ประกอบต่างๆ ได้รับการก่อตัวขึ้นเป็นเวลาหลายปีและโดยครูที่ดีที่สุดในโรงเรียนบัลเล่ต์ในโลก ผู้เริ่มต้นทุกคนที่พบว่าตัวเองอยู่ในโลกแห่งการเต้นรำที่ยอดเยี่ยมเริ่มต้นจากทิศทางนี้
ประการแรก การเต้นรำคลาสสิกคือความบันเทิง ความงาม และ พื้นฐานที่ถูกต้องท่าเต้นใดๆ ไม่สำคัญว่านักเต้นจะพัฒนาไปในทิศทางใด เขาควรเริ่มบทเรียนด้วย
นาฏศิลป์คลาสสิกคือการเคลื่อนไหวที่ผสมผสานกันเป็นระบบเดียว แต่เพื่อให้ระบบนี้ใช้งานได้ จำเป็นต้องได้รับการฟื้นฟู เป็นสิ่งหนึ่งที่การเต้นรำมีอยู่เช่นนั้นเป็นอีกสิ่งหนึ่งที่ช่วยเปิดเผยความรู้สึกและเรื่องราวเล็กๆ น้อยๆ เช่น “ ทะเลสาบสวอน".
ประวัติศาสตร์การพัฒนาในรัสเซีย
ทิศทางของการเต้นรำคลาสสิกปรากฏในรัสเซียต้องขอบคุณ Peter I. พระราชกฤษฎีกาการประชุมปี 1718 รวมถึงการบังคับเต้นรำด้วย หลังจากนั้นไม่นานก็มีการเต้นรำในการสวมหน้ากากและการแสดง และในปี พ.ศ. 2316 โรงเรียนบัลเล่ต์แห่งแรกในรัสเซียได้เปิดขึ้นในมอสโก
ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมาจนถึง. วันนี้โรงเรียนเหล่านี้มอบนักเต้นระดับโลกที่เชิดชูบ้านเกิดของตนด้วยพรสวรรค์ของพวกเขา
ศิลปะ การเต้นรำคลาสสิกมีรูปแบบท่าเต้นสูงสุดเรียกว่าบัลเล่ต์ นี่เป็นเรื่องราวที่เกิดมาต้องขอบคุณดนตรี แต่ถูกเปิดเผยในการออกแบบท่าเต้น แบ่งออกเป็น 2 ส่วน คือ การแสดงลักษณะเฉพาะและการเต้นรำแบบคลาสสิก นอกจากนี้ยังแบ่งออกเป็นประเภทต่างๆ ดังต่อไปนี้:
ตลก;
ซิมโฟนี;
โศกนาฏกรรม.
เงื่อนไข
นักเต้นทุกคนต้องรู้เงื่อนไขของการเต้นรำแบบคลาสสิก ของพวกเขา จำนวนมากแต่ด้านล่างนี้เป็นเพียงรายการหลักเท่านั้น
Adagio แปลว่า "ช้า" ในภาษาอิตาลี แบบฝึกหัดนี้ประกอบด้วยท่า การโค้งงอ การหมุน และการบิดตัวที่ทำในท่าต่างๆ อย่างช้าๆ. ภารกิจหลักของ adagio คือการสอนนักเต้นให้เปลี่ยนจากการเคลื่อนไหวหนึ่งไปอีกการเคลื่อนไหวหนึ่งอย่างราบรื่น ฟังเพลง และพัฒนาความมั่นคง
Allegro - แปลจากภาษาอิตาลีว่า "สนุกสนาน" นี่คือการกระโดดเล็กๆ ที่จะดำเนินการเมื่อสิ้นสุดการวอร์มอัพ
Entrechat - จากภาษาฝรั่งเศสแปลว่า "ข้าม" นี่คือการออกกำลังกายที่ในระหว่างการกระโดดขาของนักเต้นจะกางออกและข้ามหลายครั้งอย่างรวดเร็ว เทคนิคนี้แสดงให้เห็นว่านักแสดงเก่งแค่ไหน
Pas de bure - การเคลื่อนไหวประกอบด้วยก้าวเล็ก ๆ
Grand - แปลจากภาษาฝรั่งเศสแปลว่า "ใหญ่" ตัวอย่างเช่นมีการเคลื่อนไหวเช่น Grand Batman Jeté ซึ่งขาถูกโยนขึ้นไปให้สูงที่สุดสำหรับนักเต้น
พาร์ terr - "บนพื้นดิน" การเคลื่อนไหวที่มีชื่อดังกล่าวหมายความว่าจะดำเนินการบนพื้นเท่านั้น
การเตรียมการ - แปลจากภาษาฝรั่งเศสว่า "การทำอาหาร" การเคลื่อนไหว การกระโดด หรือการหมุนใดๆ เริ่มต้นด้วยการเตรียมตัว
คณะบัลเล่ต์เป็นศิลปินที่เต้นรำเป็นจำนวนมาก
ฟองดูว์เป็นการเคลื่อนไหวที่ราบรื่น โดยขางอและไม่งอ
ท่าพื้นฐาน
ท่าเต้นแบบคลาสสิกถือเป็นหน้าที่ แต่พวกเขารวมกันเป็นหนึ่งเดียว - การพัฒนาการประสานงานของการเคลื่อนไหว ท่าพื้นฐานที่สุดที่นักเต้นเรียนรู้ในปีแรกของการฝึกคือ:
- เอปัลมาน Croisé ไปข้างหน้า ยกแขนขึ้นที่ตำแหน่งแรก ในขณะที่ศีรษะเอียงไปทางหูซ้ายเล็กน้อย และจ้องมองไปที่มือ มือขวา. จากนั้นขาขวาค่อย ๆ ก้าวไปข้างหน้าโดยเหยียดนิ้วเท้าออก แขนยังทำงานพร้อมกันกับขา: แขนซ้ายถูกย้ายไปที่ตำแหน่ง III และแขนขวาไปที่ตำแหน่ง II เรามองไปทางขวามือ
- เอพัลมาน โครเซ่ กลับมาแล้ว หลักการเคลื่อนไหวเหมือนกับในตัวเลือกแรก เฉพาะที่นี่เท่านั้นที่ขาซ้ายจะค่อยๆ เคลื่อนไปด้านหลัง ในขณะที่มือซ้ายเคลื่อนจากตำแหน่ง I ไปยังตำแหน่ง III อย่างราบรื่น และมือขวาไปยังตำแหน่ง II ศีรษะเป็นไปตามการเคลื่อนไหวของมือขวา
- ออกไปข้างหน้า. เราเป็นผู้นำโดยไม่ต้องยกคุณขึ้นจากพื้น ขาขวาซึ่งไปข้างหน้า. มือซ้ายย้ายจากตำแหน่ง I ไปยังตำแหน่ง III ได้อย่างราบรื่น และตำแหน่งที่ถูกต้องจะเปลี่ยนตำแหน่งไปยังตำแหน่ง II เมื่อมืออยู่ในตำแหน่งแรก ศีรษะควรมองตรงและเพ่งสายตาไปที่มือ
- ระบายกลับ. ขาซ้ายเคลื่อนไปด้านหลังอย่างนุ่มนวล ในขณะเดียวกัน เข็มนาฬิกาก็ทำการเคลื่อนไหวทั้งหมดเช่นเดียวกับในเวอร์ชันเดินหน้า
นอกจากนี้ยังมีท่าเต้นคลาสสิกที่เรียกว่าอาราเบสค์ แต่เนื่องจากมันยากกว่า ผู้เริ่มต้นจึงทำหลังจากศึกษาท่าที่แสดงก่อนหน้านี้อย่างละเอียดแล้ว
การเต้นรำพื้นบ้าน
การเต้นรำคลาสสิกพื้นบ้านเป็นรูปแบบศิลปะที่ร่าเริง มีชีวิตชีวา และรื่นเริง การเต้นรำดังกล่าวไม่ได้ถูกสร้างขึ้นโดยนักออกแบบท่าเต้นที่เก่งที่สุดเช่นเดียวกับบัลเล่ต์ แต่จากทุกสิ่งที่อยู่รอบตัวเรา
การเต้นรำพื้นบ้านคลาสสิกเป็นศิลปะโบราณช่วยให้นักเต้นเปลี่ยนจากผู้ชายชาวสเปนผู้หลงใหลไปเป็นชาวยิปซีผู้รักอิสระได้ภายในไม่กี่นาที ด้วยการศึกษาการเต้นรำพื้นบ้าน บุคคลจะเข้าใจวัฒนธรรมของแต่ละสัญชาติ และยังแยกความแตกต่างระหว่างจิตวิญญาณรัสเซียในวงกว้างกับความสะดวกในการเคลื่อนไหวของชาวไอร์แลนด์ ความตื่นเต้นของโฮปักของยูเครน และภูมิปัญญาของญี่ปุ่น
การเต้นรำพื้นบ้านเปิดโอกาสให้นักเต้นได้เยี่ยมชมประเทศใด ๆ โดยไม่ต้องออกจากกำแพงห้องเต้นรำ
การเต้นรำพื้นบ้านคลาสสิกประเภทที่ได้รับความนิยมมากที่สุด:
โกพัค (ยูเครน);
ซีร์ตากี (กรีซ);
ฮาวา นากิลา (อิสราเอล);
คาลินกา (รัสเซีย);
ซีซาร์ดาส (ฮังการี)
ตำแหน่งขา
อาวุธหลักของนักเต้นคือขาของเขา มีการเต้นรำแบบคลาสสิกทุกท่าเพื่อกางขาออก ประเด็นไม่ได้อยู่ที่การชี้นิ้วเท้าไปในทิศทางต่างๆ อย่างสวยงาม แต่ต้องแน่ใจว่าขาทั้งหมดตั้งแต่สะโพกจนถึงนิ้วเท้าหมุนอย่างถูกต้อง และเพื่อให้บรรลุเป้าหมายนี้ คุณต้องฝึกฝนทุกวัน
มี 5 ตำแหน่ง:
1. ส้นเท้าและนิ้วเท้าหันออกเพื่อให้เท้าเป็นเส้นตรงบนพื้น
2. เช่นเดียวกับข้อ 1 เพียงระยะห่างระหว่างส้นเท้าควรอยู่ที่ประมาณ 30 ซม.
3. ส้นเท้าข้างหนึ่งควรสัมผัสตรงกลางเท้าของอีกข้างหนึ่ง ตำแหน่งนี้ถูกใช้และหาได้ยากในโลกแห่งการเต้นรำ
4. เท้าหันออกและขนานกัน ดังนั้นน้ำหนักของนักเต้นจึงอยู่ตรงกลางนั่นคือไม่ได้วางอยู่บนขาข้างใดข้างหนึ่ง
5. ตำแหน่งนี้คล้ายกับท่าที่ 4 เฉพาะที่นี่เท่านั้นที่ควรกดเท้าให้แน่น
ตำแหน่งมือ
1 ตำแหน่ง แขนโค้งมนเล็กน้อยและอยู่ในระดับไดอะแฟรม ฝ่ามือหันเข้าด้านใน ไหล่ลง มือและข้อศอกควรเป็นรูปวงรี
ตำแหน่งที่ 2. แขนที่เปิดไปด้านข้างควรอยู่ในระดับต่ำกว่าไหล่เล็กน้อย ข้อศอกงอเล็กน้อย นิ้วซุก ฝ่ามือและศีรษะหันไปข้างหน้า
ตำแหน่งที่ 3. แขนโค้งมนเล็กน้อยและยกขึ้นเหนือศีรษะ แปรงควรอยู่ใกล้แต่อย่าสัมผัสกัน ฝ่ามือมองลงมาและศีรษะมองตรง
ทิศทางการเต้นรำสมัยใหม่
การเต้นรำคลาสสิกสมัยใหม่ก็มีหลายประเภทและทิศทางเช่นเดียวกับประเภทอื่นๆ ในสาขานี้ ถือเป็นส่วนที่ใหญ่ที่สุดในการออกแบบท่าเต้น ทุกทิศทาง การเต้นรำสมัยใหม่มีลักษณะและมารยาทเป็นของตัวเอง สิ่งนี้ทำให้น่าสนใจและมีเสน่ห์มากยิ่งขึ้น
แจ๊สก็เป็น ทิศทางการเต้นปรากฏขึ้นในศตวรรษที่ 19 มีกิ่งก้านสาขาซึ่งมีกิริยาท่าทางและการเคลื่อนไหวเป็นของตัวเอง แทป, ฟรีสไตล์, แอโฟร-แจ๊ส, แจ๊สคลาสสิก, ฟังก์, แจ๊สบรอดเวย์, โซล - นี่เป็นเพียงส่วนเล็ก ๆ ของจำนวนประเภททั้งหมด วิญญาณถือเป็นรูปแบบที่เก่งที่สุด มันคล้ายกับการเต้นรำบอลรูมมากและรวมถึง เป็นจำนวนมากการเคลื่อนไหวและลูกเล่นที่ซับซ้อน
ทันสมัย - ละทิ้งหลักการของการเต้นรำคลาสสิกโดยสิ้นเชิงและมีแนวทางปรัชญาของตัวเองในแต่ละการเคลื่อนไหว สิ่งสำคัญที่นี่คือความสัมพันธ์ของนักเต้นกับจังหวะและดนตรี
ห้องเต้นรำ
ทิศทางนี้สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ นี่ไม่ใช่แค่ชุดของการเคลื่อนไหวทางดนตรี แต่เป็นกีฬา ประวัติศาสตร์ ความรัก และความหลงใหลที่ผสมผสานเข้าด้วยกัน
คู่หูสื่อสารกันโดยใช้การเคลื่อนไหว การสัมผัส และการมอง โปรแกรมห้องบอลรูมประกอบด้วยการเต้นรำ 10 รายการซึ่งจะแบ่งออกเป็น 2 กลุ่ม: ยุโรปและละตินอเมริกา
เพลงวอลทซ์เป็นการเต้นรำที่สูงส่งที่สุดและเป็นการเต้นรำเดียวที่ไม่ได้รับการเปลี่ยนแปลงระหว่างการปฏิวัติการเต้นรำ
แทงโก้ - การเต้นรำที่เย้ายวน, ที่ไหน บทบาทหลักการเล่นของพันธมิตร การเต้นรำที่เต็มไปด้วยความหลงใหลและการผสมผสานการเคลื่อนไหวที่รวดเร็ว เฉียบคม และราบรื่นอย่างกลมกลืน
Rumba เป็นการเต้นรำที่น่าตื่นเต้นพอ ๆ กับแทงโก้ แต่ในขณะเดียวกันก็อ่อนโยนและสงบมาก
Cha-cha-cha เป็นการเต้นรำที่น่าทึ่งซึ่งมีพื้นฐานมาจากการเคลื่อนไหวของสะโพกและขา จังหวะของมันไม่สามารถสับสนกับจังหวะอื่นได้ (1,2, cha-cha-cha)
ประวัติความเป็นมาของบัลเล่ต์
บัลเล่ต์เป็นศิลปะที่ค่อนข้างใหม่ มีอายุมากกว่าสี่ร้อยปีเล็กน้อย แม้ว่าการเต้นรำจะประดับประดาชีวิตมนุษย์มาตั้งแต่สมัยโบราณก็ตาม บัลเล่ต์เกิดที่อิตาลีตอนเหนือในช่วงยุคเรอเนซองส์ เจ้าชายชาวอิตาลีชื่นชอบการเฉลิมฉลองในพระราชวังอันหรูหรา ซึ่งการเต้นรำถือเป็นสถานที่สำคัญ การเต้นรำในชนบทไม่เหมาะสำหรับสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษในราชสำนัก เครื่องแต่งกายของพวกเขา เช่นเดียวกับห้องโถงที่พวกเขาเต้นรำ ไม่อนุญาตให้มีการเคลื่อนไหวอย่างไม่มีการรวบรวมกัน ครูพิเศษ - ผู้เชี่ยวชาญด้านการเต้นรำ - พยายามฟื้นฟูความสงบเรียบร้อยในการเต้นรำในศาล พวกเขาซ้อมร่างของบุคคลและท่าเต้นกับขุนนางล่วงหน้าและนำกลุ่มนักเต้น การเต้นรำก็ค่อยๆ กลายเป็นการแสดงละครมากขึ้นเรื่อยๆ คำว่า "บัลเล่ต์" ปรากฏใน ปลายเจ้าพระยาศตวรรษ (จากบัลเล่ต์อิตาลีถึง - สู่การเต้นรำ) แต่แล้วมันไม่ได้หมายถึงการแสดง แต่เป็นเพียงการถ่ายทอดตอนเต้นรำเท่านั้น อารมณ์บางอย่าง. "บัลเล่ต์" ดังกล่าวมักจะประกอบด้วย "เอาท์พุต" ของตัวละครที่เชื่อมโยงถึงกันเล็กน้อยซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นวีรบุรุษในตำนานกรีก หลังจาก "ทางออก" ดังกล่าว การเต้นรำทั่วไปก็เริ่มขึ้น - " บัลเล่ต์ใหญ่" การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกคือ Queen's Comedy Ballet ซึ่งจัดแสดงในปี 1581 ในฝรั่งเศสโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวอิตาลี Baltazarini di Belgioioso ในฝรั่งเศสมีการพัฒนาบัลเล่ต์เพิ่มเติม ในตอนแรกสิ่งเหล่านี้เป็นบัลเล่ต์ที่สวมหน้ากากและจากนั้นก็เป็นบัลเล่ต์ที่ไพเราะโอ่อ่าพร้อมแผนการที่กล้าหาญและน่าอัศจรรย์ซึ่งตอนเต้นรำถูกแทนที่ด้วยเพลงร้องและการท่องบทกวี อย่าแปลกใจเลยที่บัลเล่ต์ในสมัยนั้นไม่ใช่แค่การแสดงเต้นรำเท่านั้น ในช่วงรัชสมัย พระเจ้าหลุยส์ที่ 14การแสดงบัลเล่ต์ในศาลมีความงดงามเป็นพิเศษ หลุยส์เองก็ชอบที่จะเข้าร่วมบัลเล่ต์ และได้รับฉายาอันโด่งดังว่า "ราชาแห่งดวงอาทิตย์" หลังจากแสดงบทเดอะซันใน "Ballet of the Night" ในปี 1661 เขาได้ก่อตั้ง Royal Academy of Music and Dance ซึ่งประกอบด้วยปรมาจารย์ด้านการเต้นชั้นนำ 13 คน ความรับผิดชอบของพวกเขาคือการรักษาประเพณีการเต้นรำ ผู้อำนวยการสถาบัน ซึ่งเป็นครูสอนเต้นรำของราชวงศ์ ปิแอร์ โบชอมป์ ระบุตำแหน่งหลัก 5 ประการของนาฏศิลป์คลาสสิก ในไม่ช้า Paris Opera ก็เปิดขึ้น และ Beauchamp คนเดียวกันก็ได้รับแต่งตั้งให้เป็นนักออกแบบท่าเต้น คณะบัลเล่ต์ก่อตั้งขึ้นภายใต้การนำของเขา ในตอนแรกมีเพียงผู้ชายเท่านั้น ผู้หญิงบนเวที ปารีสโอเปร่าปรากฏเฉพาะในปี ค.ศ. 1681 โรงละครแห่งนี้จัดแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์โดยนักแต่งเพลง Lully และการแสดงตลกและบัลเล่ต์โดยนักเขียนบทละคร Moliere ในตอนแรกข้าราชบริพารเข้ามามีส่วนร่วมและการแสดงแทบไม่ต่างจากการแสดงในพระราชวัง มีการเต้นรำมินูเอตช้า gavottes และพาวาเนที่กล่าวถึงแล้ว หน้ากาก ชุดเดรสหนาๆ และรองเท้าส้นสูงทำให้ผู้หญิงไม่สามารถเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนได้ ดังนั้นการเต้นรำของผู้ชายจึงโดดเด่นด้วยความสง่างามและความสง่างามที่มากขึ้น ถึง กลางศตวรรษที่ 18ศตวรรษ บัลเล่ต์ได้รับความนิยมอย่างมากในยุโรป ราชสำนักชนชั้นสูงทั้งหมดของยุโรปพยายามเลียนแบบความหรูหราของราชสำนักฝรั่งเศส เปิดในเมือง โรงโอเปร่า. นักเต้นและครูสอนเต้นรำจำนวนมากหางานทำได้ง่าย ในไม่ช้าก็ได้รับอิทธิพลจากแฟชั่นของผู้หญิง ชุดบัลเล่ต์เบาลงและเป็นอิสระมากขึ้น มองเห็นเส้นลำตัวข้างใต้ได้ นักเต้นละทิ้งรองเท้าส้นสูงและแทนที่ด้วยรองเท้าส้นสูงแบบไม่มีส้น ชุดสูทของผู้ชายก็เทอะทะน้อยลงเช่นกัน แต่ละนวัตกรรมทำให้การเต้นมีความหมายมากขึ้นและเทคนิคการเต้นสูงขึ้น บัลเล่ต์แยกออกจากโอเปร่าและค่อยๆ กลายเป็นงานศิลปะอิสระ แม้ว่าโรงเรียนบัลเล่ต์ฝรั่งเศสจะมีชื่อเสียงในด้านความสง่างามและความเป็นพลาสติก แต่ก็มีลักษณะของการแสดงที่เยือกเย็นและเป็นทางการ ดังนั้นนักออกแบบท่าเต้นและศิลปินจึงมองหาวิธีการแสดงออกแบบอื่น
ใน ปลาย XVIIIศตวรรษ ทิศทางใหม่ในงานศิลปะถือกำเนิดขึ้น - แนวโรแมนติกซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อบัลเล่ต์ พยายามทำให้การเต้นรำดูโปร่งมากขึ้น นักแสดงพยายามยืนด้วยปลายนิ้ว ซึ่งนำไปสู่การประดิษฐ์รองเท้าปวงต์ ในอนาคตเทคนิคการเต้นรำของผู้หญิงกำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน คนแรกที่ใช้การเต้นรำบนรองเท้าปวงเป็น วิธีการแสดงออกคือ มาเรีย ทาลิโอนี่ มาเรีย ทาลิโอนี(อิตาลี มาเรีย ทาลิโอนี; 23 เมษายน พ.ศ. 2347 สตอกโฮล์ม - 22 เมษายน พ.ศ. 2427 มาร์เซย์) - นักบัลเล่ต์ชาวอิตาลีผู้โด่งดังซึ่งเป็นบุคคลสำคัญในบัลเล่ต์แห่งยุคโรแมนติก มาเรียเกิดในครอบครัวของนักออกแบบท่าเต้นและนักออกแบบท่าเต้น Philippe Taglioni หญิงสาวไม่มีหุ่นบัลเล่ต์หรือมีรูปร่างหน้าตาพิเศษ อย่างไรก็ตามเรื่องนี้ พ่อของเธอตัดสินใจให้เธอเป็นนักบัลเล่ต์ มาเรียศึกษาที่เวียนนา สตอกโฮล์ม และปารีสกับฟรองซัวส์ คูลง ต่อมาพ่อของเธอทำงานร่วมกับมาเรียเอง ในปีพ. ศ. 2365 เขาได้แสดงบัลเล่ต์เรื่อง "The Reception of a Young Nymph to the Palace of Terpsichore" ซึ่งมาเรียเปิดตัวในเวียนนา นักเต้นละทิ้งเสื้อผ้าหนัก ๆ วิกผมและการแต่งหน้าที่มีอยู่ในบัลเล่ต์โดยเต้นรำในชุดเดรสสีเรียบๆเท่านั้น มาเรียสร้างความประทับใจให้กับชาวปารีสในปี 1827 ในงานเวนิสคาร์นิวัล และตั้งแต่นั้นมาเธอก็มักจะเต้นรำที่ Paris Grand Opera ที่นั่นในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2375 มีการแสดงบัลเล่ต์ La Sylphide รอบปฐมทัศน์ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของยุคแห่งความโรแมนติกของบัลเล่ต์ เธอเป็นคนที่แนะนำรองเท้าบัลเล่ต์และรองเท้าปวงต์ให้กับบัลเล่ต์ ก่อนที่ Maria Taglioni นักบัลเล่ต์แสนสวยจะดึงดูดผู้ชมด้วยเทคนิคการเต้นที่เก่งกาจและเสน่ห์ของผู้หญิง ทาลิโอนีไม่ได้สร้างความงามขึ้นมาแต่อย่างใด ชนิดใหม่นักบัลเล่ต์ - จิตวิญญาณและลึกลับ ใน La Sylphide เธอได้รวบรวมภาพลักษณ์ของสิ่งมีชีวิตที่แปลกประหลาดซึ่งแสดงถึงอุดมคติและความฝันแห่งความงามที่ไม่อาจบรรลุได้ ในชุดเดรสสีขาวพลิ้วไหว ทะยานด้วยการกระโดดแสงและความเย็นที่ปลายนิ้วของเธอ Taglioni กลายเป็นนักบัลเล่ต์คนแรกที่ใช้รองเท้า Pointe และทำให้พวกเขาเป็นส่วนสำคัญของ บัลเล่ต์คลาสสิก. เมืองหลวงทั้งหมดของยุโรปต่างชื่นชมเธอ ในวัยชราของเธอ Maria Taglioni โดดเดี่ยวและยากจน เธอสอนเต้นรำและ มารยาทที่ดีลูกหลานของขุนนางในลอนดอน บนหลุมศพมีคำจารึกไว้ดังนี้: “ Ô terre ne pèse pas trop sur elle, elle a si peu pesé sur toi“(เอิร์ธ อย่ากดดันมันมากเกินไป เพราะมันเดินมาหาคุณอย่างง่ายดาย) ในเวลานี้มีบัลเล่ต์ที่ยอดเยี่ยมมากมายปรากฏขึ้น แต่น่าเสียดายที่บัลเล่ต์โรแมนติกก็กลายเป็น ช่วงสุดท้ายรุ่งเรืองของนาฏศิลป์ในโลกตะวันตก ตั้งแต่วินาที ครึ่งหนึ่งของศตวรรษที่ 19ศตวรรษ บัลเล่ต์ซึ่งสูญเสียความสำคัญในอดีตไปกลายเป็นส่วนเสริมของโอเปร่า เฉพาะในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 20 ภายใต้อิทธิพลของบัลเล่ต์รัสเซีย การฟื้นฟูรูปแบบศิลปะนี้ในยุโรปจึงเริ่มต้นขึ้น
ในประเทศรัสเซียการแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรก - "The Ballet of Orpheus และ Eurydice" - จัดแสดงเมื่อวันที่ 8 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1673 ที่ศาลของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชในหมู่บ้าน Preobrazhenskoye ใกล้มอสโก จัดทำโดยชาวต่างชาติ Nikolai Lima (หรือ Lim) ไม่มีใครรู้แน่ชัดว่าใครคือต้นกำเนิดของเขา - น่าจะเป็นชาวสกอตที่อพยพไปฝรั่งเศสแล้วมารัสเซียในตำแหน่งเจ้าหน้าที่ในกองกำลังวิศวกรรม อย่างไรก็ตาม เป็นข้อเท็จจริงที่เชื่อถือได้อย่างยิ่งว่าความรู้ด้านบัลเล่ต์ของเขาดีมาก เขากลายเป็นผู้นำของคณะบัลเล่ต์ที่เพิ่งเกิดใหม่ เป็นครู นักออกแบบท่าเต้น และนักเต้นคนแรก “เด็กฟิลิสเตีย” สิบคนถูกส่งไปเรียนที่ลิมา และอีกหนึ่งปีต่อมาจำนวนพวกเขาก็เพิ่มขึ้นสองเท่า ในปี 1673 บนเวทีโรงละครเครมลิน ลิมาแสดง "การเต้นรำแบบฝรั่งเศส" ใน "The Ballet of Orpheus และ Eurydice" มันเป็นบัลเล่ต์ สไตล์ฝรั่งเศสท่ามกลางทิวทัศน์ของปิรามิดที่เคลื่อนไหวได้ และการแสดงบัลเล่ต์มืออาชีพครั้งแรกบนเวทีรัสเซีย ต่อมาตามพระราชกฤษฎีกาพิเศษของจักรพรรดิปีเตอร์มหาราช การเต้นรำจึงกลายเป็นส่วนสำคัญของมารยาทในราชสำนัก ในช่วงทศวรรษที่ 1730 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กมีการแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์เป็นประจำที่ศาลของ Anna Ivanovna ฉากเต้นรำในโอเปร่าได้รับการออกแบบท่าเต้นโดยนักออกแบบท่าเต้น J. B. Lande และ A. Rinaldi (ชื่อเล่น Fossano) เยาวชนผู้สูงศักดิ์จำเป็นต้องเรียนรู้การเต้นรำดังนั้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เต้นรำบอลรูมกลายเป็นวินัยบังคับในคณะนักเรียนนายร้อยผู้ดี ด้วยการเปิดโรงละครฤดูร้อนใน Summer Garden โรงละครฤดูหนาวในปีก พระราชวังฤดูหนาวนักเรียนนายร้อยเริ่มมีส่วนร่วมในการเต้นบัลเล่ต์ ครูสอนเต้นรำในคณะคือ Jean-Baptiste Lande เขาเข้าใจดีว่าขุนนางจะไม่อุทิศตนให้กับศิลปะบัลเล่ต์ในอนาคตแม้ว่าพวกเขาจะเต้นบัลเล่ต์ร่วมกับมืออาชีพก็ตาม Lande ไม่เหมือนใครที่เห็นความจำเป็นของโรงละครบัลเล่ต์รัสเซีย ในเดือนกันยายน พ.ศ. 2280 เขาได้ยื่นคำร้องโดยสามารถพิสูจน์ความจำเป็นในการสร้างโรงเรียนพิเศษแห่งใหม่ซึ่งมีเด็กหญิงและเด็กชาย ต้นกำเนิดที่เรียบง่ายจะเรียนศิลปะการออกแบบท่าเต้น ในไม่ช้าก็ได้รับอนุญาตเช่นนั้น ดังนั้นในปี ค.ศ. 1738 โรงเรียนแห่งแรกในรัสเซียจึงถูกเปิดขึ้น เต้นบัลเล่ต์(ปัจจุบันคือ Academy of Russian Ballet ตั้งชื่อตาม A. Ya. Vaganova) เด็กหญิงสิบสองคนและเด็กชายเรียวสิบสองคนได้รับเลือกจากคนรับใช้ในวังซึ่งแลนเดเริ่มสอน งานประจำวันนำมาซึ่งผลลัพธ์ประชาชนก็พอใจกับสิ่งที่พวกเขาเห็น ตั้งแต่ปี 1743 อดีตนักเรียนของ Lande เริ่มได้รับเงินเดือนในฐานะนักเต้นบัลเล่ต์ โรงเรียนจัดการได้อย่างรวดเร็วเพื่อให้เวทีรัสเซียมีนักเต้นบัลเล่ต์ที่ยอดเยี่ยมและศิลปินเดี่ยวที่ยอดเยี่ยม ชื่อของนักเรียนที่ดีที่สุดของกลุ่มแรกยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrei Nesterov ใน ต้น XIXศตวรรษที่ศิลปะบัลเล่ต์รัสเซียมาถึงแล้ว วุฒิภาวะที่สร้างสรรค์. นักเต้นชาวรัสเซียนำการแสดงออกและจิตวิญญาณมาสู่การเต้นรำ ด้วยความรู้สึกที่แม่นยำมาก A. S. Pushkin จึงอุทิศบรรทัดต่อไปนี้ให้กับ Avdotya Istomina นักบัลเล่ต์ชาวรัสเซียร่วมสมัยของเขา:
สดใส กึ่งโปร่งโล่ง
ฉันเชื่อฟังธนูวิเศษ
ล้อมรอบด้วยฝูงนางไม้
เวิร์ธ อิสโตมิน; เธอ,
เท้าข้างหนึ่งแตะพื้น
อีกวงก็หมุนช้าๆ
ทันใดนั้นเขาก็กระโดด และทันใดนั้นเขาก็บิน
แมลงวันเหมือนขนนกจากริมฝีปากของอีโอลัส
ค่ายใดจะหว่านแล้วก็จะพัฒนา
และเขาก็เหยียบขาอย่างรวดเร็ว
บัลเล่ต์ในเวลานี้ครอบครองตำแหน่งที่มีสิทธิพิเศษเหนือประเภทอื่น ๆ ศิลปะการแสดงละคร. เจ้าหน้าที่ให้ความสนใจเป็นอย่างมากและให้เงินอุดหนุนจากรัฐบาล คณะบัลเล่ต์ในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแสดงในโรงละครที่มีอุปกรณ์ครบครัน และผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนการละครจะเข้าร่วมเป็นเจ้าหน้าที่นักเต้น นักดนตรี และมัณฑนากรเป็นประจำทุกปี ในประวัติศาสตร์ของเรา โรงละครบัลเล่ต์มักพบชื่อของปรมาจารย์ชาวต่างชาติที่มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาบัลเล่ต์รัสเซีย ก่อนอื่น ได้แก่ Charles Didelot, Arthur Saint-Leon และ Marius Petipa พวกเขาช่วยสร้างโรงเรียนบัลเล่ต์รัสเซีย แต่ศิลปินชาวรัสเซียผู้มีความสามารถก็ให้โอกาสในการเปิดเผยพรสวรรค์ของครูของพวกเขาด้วย สิ่งนี้ดึงดูดนักออกแบบท่าเต้นที่ใหญ่ที่สุดของยุโรปมาที่มอสโกวและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอย่างสม่ำเสมอ ไม่มีที่ไหนในโลกที่พวกเขาจะได้พบกับคณะละครขนาดใหญ่ มีความสามารถ และได้รับการฝึกฝนมาอย่างดีเช่นในรัสเซีย ใน กลางวันที่ 19ศตวรรษ ความสมจริงมาถึงวรรณคดีและศิลปะรัสเซีย นักออกแบบท่าเต้นพยายามสร้างการแสดงที่สมจริงแต่ก็ไม่มีประโยชน์ พวกเขาไม่ได้คำนึงว่าบัลเล่ต์เป็นศิลปะทั่วไป และความสมจริงในบัลเล่ต์แตกต่างอย่างมีนัยสำคัญจากความสมจริงในการวาดภาพและวรรณกรรม วิกฤตศิลปะบัลเล่ต์เริ่มต้นขึ้น เนื้อหาของการแสดงเป็นแผนดั้งเดิมและเรียบง่ายทำหน้าที่เป็นข้อแก้ตัวสำหรับการเต้นรำอันตระการตาซึ่งศิลปินได้แสดงทักษะของพวกเขาเท่านั้น สำหรับนักเต้นสิ่งสำคัญคือการปรับแต่งรูปแบบและเทคนิคของนาฏศิลป์คลาสสิกและด้วยเหตุนี้พวกเขาจึงได้รับความสามารถพิเศษ เวทีใหม่ในประวัติศาสตร์บัลเล่ต์รัสเซียเริ่มต้นขึ้นเมื่อนักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ P. Tchaikovsky แต่งเพลงสำหรับบัลเล่ต์เป็นครั้งแรก มันคือทะเลสาบสวอน ก่อนหน้านี้ ดนตรีบัลเลต์ไม่ได้ถูกให้ความสำคัญอย่างจริงจัง เธอถือเป็นเผ่าพันธุ์ที่ด้อยกว่า ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีเป็นเพียงการร่วมเต้นรำ ขอขอบคุณไชคอฟสกี้ เพลงบัลเล่ต์ได้กลายเป็นศิลปะที่จริงจังควบคู่ไปกับโอเปร่าและ เพลงไพเราะ. เมื่อก่อนดนตรีขึ้นอยู่กับการเต้นรำโดยสิ้นเชิง บัดนี้การเต้นรำต้องยอมจำนนต่อดนตรี จำเป็นต้องมีวิธีการแสดงออกใหม่และแนวทางใหม่ในการสร้างการแสดง การพัฒนาต่อไปบัลเล่ต์รัสเซียมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของนักออกแบบท่าเต้นชาวมอสโก A. Gorsky ผู้ซึ่งละทิ้งเทคนิคละครใบ้ที่ล้าสมัยไปแล้วจึงใช้เทคนิคการกำกับสมัยใหม่ในการแสดงบัลเล่ต์ ด้วยการให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับการออกแบบการแสดงที่งดงาม เขาจึงดึงดูดศิลปินที่เก่งที่สุดมาร่วมงาน แต่นักปฏิรูปศิลปะบัลเล่ต์ที่แท้จริงคือมิคาอิล โฟคิน ผู้กบฏต่อโครงสร้างแบบดั้งเดิม การแสดงบัลเล่ต์. เขาแย้งว่าแก่นของละคร ดนตรี และยุคที่การแสดงเกิดขึ้นจำเป็นต้องมีแนวคิดที่แตกต่างกันในแต่ละครั้ง ท่าเต้น,รูปแบบการเต้นที่แตกต่าง เมื่อแสดงบัลเล่ต์ "Egyptian Nights" Fokine ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีของ V. Bryusov และภาพวาดของอียิปต์โบราณ และภาพของบัลเล่ต์ "Petrushka" ได้รับแรงบันดาลใจจากบทกวีของ A. Blok ในบัลเล่ต์ Daphnis และ Chloe เขาละทิ้งการเต้นรำบนรองเท้าปวงต์และฟื้นฟูจิตรกรรมฝาผนังโบราณด้วยการเคลื่อนไหวที่อิสระและยืดหยุ่น Chopiniana ของเขาฟื้นบรรยากาศของบัลเล่ต์โรแมนติก Fokin เขียนว่า “เขาใฝ่ฝันที่จะสร้างละครบัลเล่ต์จากความสนุกของบัลเล่ต์ และจากการเต้นให้เป็นภาษาพูดที่เข้าใจได้” และเขาก็ทำสำเร็จ
ในปี 1908 การแสดงประจำปีของนักเต้นบัลเล่ต์ชาวรัสเซียเริ่มขึ้นในปารีส ซึ่งจัดโดยนักแสดงละคร S. P. Diaghilev ฤดูกาลของรัสเซีย - บริษัทบัลเล่ต์ที่ก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2454 โดยนักละครชาวรัสเซียและนักวิจารณ์ศิลปะ Sergei Diaghilev โดยเติบโตมาจากฤดูกาลของรัสเซียในปี 1909 โดยดำเนินไปเป็นเวลา 20 ฤดูกาลจนกระทั่ง Diaghilev เสียชีวิตในปี 1929 และประสบความสำเร็จอย่างมากในต่างประเทศ โดยเฉพาะในฝรั่งเศสและบริเตนใหญ่ กิจการของ Diaghilev มีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาไม่เพียง แต่บัลเล่ต์รัสเซียเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปะการออกแบบท่าเต้นระดับโลกโดยทั่วไปด้วย ในฐานะผู้จัดงานที่มีความสามารถ Diaghilev มีไหวพริบในความสามารถ โดยเลี้ยงดูนักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นที่มีพรสวรรค์มากมาย - Vaslav Nijinsky, Leonid Massine, Mikhail Fokin, Serge Lifar, George Balanchine - และเปิดโอกาสให้ศิลปินที่ได้รับการยอมรับอยู่แล้วได้พัฒนา เพื่อนร่วมงานของเขาในโลกแห่งศิลปะ Leon Bakst และ Alexandre Benois ทำงานในฉากและเครื่องแต่งกายสำหรับผลงานของ Diaghilev ต่อมา Diaghilev ด้วยความหลงใหลในนวัตกรรมได้ดึงดูดศิลปินชั้นนำของยุโรปให้เป็นมัณฑนากร - Pablo Picasso, Andre Derain, Coco Chanel, Henri Matisse และอื่น ๆ อีกมากมาย - และศิลปินเปรี้ยวจี๊ดชาวรัสเซีย - Natalia Goncharova, Mikhail Larionov, Naum Gabo, Antoine Pevzner . การทำงานร่วมกันของ Diaghilev กับนักแต่งเพลงชื่อดังในช่วงหลายปีที่ผ่านมา - Richard Strauss, Erik Satie, Maurice Ravel, Sergei Prokofiev, Claude Debussy ก็ไม่ประสบผลสำเร็จและโดยเฉพาะอย่างยิ่งกับ Igor Stravinsky ซึ่งเขาค้นพบ จากจุดเริ่มต้นทิศทางหลักของการออกแบบท่าเต้นในฤดูกาลของเขาคือความปรารถนาที่จะผลักดันขอบเขตของบัลเล่ต์คลาสสิก การทดลองเกี่ยวกับรูปแบบการเต้นรำของ Nijinsky เกิดขึ้นก่อนเวลาดังนั้นจึงไม่ได้รับการยอมรับจากผู้ชมในทันที Fokine ได้เพิ่ม "ความเป็นพลาสติกที่สมบูรณ์" ให้กับการเคลื่อนไหว และ Massine ซึ่งยังคงปฏิบัติตามหลักการที่เขาวางไว้ ได้เสริมการออกแบบท่าเต้นด้วย "รูปแบบที่แตกหักและเสแสร้ง" ในที่สุด Balanchine ก็หลุดพ้นจากกฎเกณฑ์ของการเต้นรำเชิงวิชาการ ทำให้บัลเลต์ของเขามีเสียงที่มีสไตล์และแสดงออกมากขึ้น ฤดูกาลของ Diaghilev - โดยเฉพาะรายการแรกซึ่งรวมถึงบัลเล่ต์ "The Firebird", "Petrushka" และ "The Rite of Spring" - มีบทบาทสำคัญในการทำให้วัฒนธรรมรัสเซียเป็นที่นิยมในยุโรปและมีส่วนช่วยในการก่อตั้งแฟชั่นสำหรับ ทุกอย่างเป็นภาษารัสเซีย ตัวอย่างเช่นนักเต้นชาวอังกฤษ Patrick Healy-Kay, Alice Marks และ Hilda Munnings ใช้นามแฝงของรัสเซีย (Anton Dolin, Alicia Markova และ Lydia Sokolova ตามลำดับ) ซึ่งพวกเขาแสดงในคณะของ Diaghilev ความนิยมในฤดูกาลของเขาทำให้เกิดความหลงใหลในหมู่ชาวยุโรปด้วยเครื่องแต่งกายแบบรัสเซียดั้งเดิมและทำให้เกิดแฟชั่นใหม่ แม้แต่พระมเหสีของพระเจ้าจอร์จที่ 6 แห่งบริเตนใหญ่ก็ยังทรงอภิเษกสมรสใน "ชุดที่ถอดความตามประเพณีพื้นบ้านของรัสเซีย"
ชื่อของนักเต้นจากรัสเซีย - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - กลายเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก แต่อันดับแรกในแถวนี้คือชื่อของ Anna Pavlova ที่ไม่มีใครเทียบได้ Pavlova - โคลงสั้น ๆ เปราะบางมีเส้นลำตัวยาวดวงตาโต - ปรากฏภาพแกะสลักที่แสดงถึงนักบัลเล่ต์แสนโรแมนติก วีรสตรีของเธอถ่ายทอดความฝันแบบรัสเซียล้วนๆ เกี่ยวกับชีวิตที่กลมกลืนและมีจิตวิญญาณหรือความเศร้าโศกและความโศกเศร้าเกี่ยวกับบางสิ่งที่ไม่ได้เติมเต็ม “ The Dying Swan” สร้างโดยนักบัลเล่ต์ผู้ยิ่งใหญ่ Pavlova - สัญลักษณ์บทกวีบัลเล่ต์รัสเซียต้นศตวรรษที่ 20 ตอนนั้นเองภายใต้อิทธิพลของทักษะของศิลปินชาวรัสเซีย บัลเลต์ตะวันตกก็ส่ายตัวและพบกับลมแรงครั้งที่สอง
หลังจาก การปฏิวัติเดือนตุลาคมในปีพ. ศ. 2460 บุคคลสำคัญในโรงละครบัลเล่ต์หลายคนออกจากรัสเซีย แต่ถึงกระนั้นโรงเรียนบัลเลต์รัสเซียก็ยังรอดชีวิตมาได้ ความน่าสมเพชของการเคลื่อนไหวสู่ชีวิตใหม่ ธีมการปฏิวัติ และที่สำคัญที่สุดคือขอบเขตของการทดลองเชิงสร้างสรรค์เป็นแรงบันดาลใจให้กับปรมาจารย์บัลเล่ต์ หน้าที่ของพวกเขาคือนำเข้ามาใกล้ยิ่งขึ้น ศิลปะการออกแบบท่าเต้นแก่ประชาชนเพื่อให้มีความสำคัญและเข้าถึงได้มากขึ้น นี่คือที่มาของแนวบัลเลต์ดราม่า เหล่านี้เป็นการแสดงซึ่งมักมีพื้นฐานมาจากแผนการที่มีชื่อเสียง งานวรรณกรรมซึ่งถูกสร้างขึ้นตามกฎแห่งการแสดงละคร นำเสนอเนื้อหาผ่านละครใบ้และนาฏศิลป์เป็นรูปเป็นร่าง ในรัสเซีย บัลเล่ต์ไม่ได้สูญเสียความสำคัญในช่วงหลายปีหลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่งและระหว่างนั้น อำนาจของสหภาพโซเวียตแม้ว่าสถานการณ์ทางการเมืองและเศรษฐกิจดูเหมือนจะคุกคามการดำรงอยู่ของ Bolshoi และ Mariinsky (ซึ่งใช้ชื่อหลังการปฏิวัติเดือนตุลาคม โรงละครแห่งรัฐโอเปร่าและบัลเล่ต์ GOTOB และตั้งแต่ปี 1934 - ตั้งชื่อตาม S.M. Kirov) โรงละคร ทศวรรษที่ 1920 เป็นช่วงเวลาแห่งการทดลองอย่างเข้มข้นทั้งในรูปแบบและเนื้อหาของการแสดงบัลเล่ต์ ผลงานของ Proletkult ในประเด็นทางการเมืองและสังคมก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน และในมอสโกผลงานของ Kasyan Goleizovsky (พ.ศ. 2435-2513) และใน Petrograd (เปลี่ยนชื่อเป็น Leningrad ในปี พ.ศ. 2467) ผลงานต่าง ๆ โดย Fyodor Lopukhov (พ.ศ. 2429-2516) รวมถึง "The Greatness of the Universe” (1922) กับดนตรีซิมโฟนีที่สี่ของเบโธเฟน
"The Red Poppy" เป็นเพลงของ R.M. Glier บัลเล่ต์ที่จัดแสดงในปี 1927 โดย Vasily Tikhomirov (1876-1956) และ Lev Lashchilin (1888-1955) ในมอสโก ทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับบัลเลต์โซเวียตที่ตามมาหลายเรื่อง: มันเป็นเพลงที่หลากหลาย -การแสดง ธีมของความรักอันสูงส่งและการกระทำที่กล้าหาญและเพลงที่เขียนขึ้นเป็นพิเศษนั้นมีลักษณะไพเราะ บัลเล่ต์เช่นในปี 1932 "The Flames of Paris" โดย Vasily Vainonen (1901-1964) และในปี 1934 "The Fountain of Bakhchisarai" โดย Rostislav Zakharov (1907-1984) - ทั้งคู่พร้อมดนตรีโดย Boris Asafiev เช่นเดียวกับในปี 1939 "Laurencia " (ดนตรีโดย Alexander Crane) Vakhtang Chabukiani (2453-2535) และในปี 2483 "Romeo and Juliet" โดย Leonid Lavrovsky (2448-2510) (ดนตรีโดย Prokofiev) สามารถใช้เป็นตัวอย่างของสิ่งเหล่านั้นได้ หลักการด้านสุนทรียภาพซึ่งตามมาไม่เพียง แต่โดยคณะละครหลักเท่านั้น - โรงละครที่ตั้งชื่อตาม S.M. Kirov ในเลนินกราดและโรงละครบอลชอยในมอสโก - แต่ยังมีโรงละครประมาณ 50 แห่งที่เปิดดำเนินการในประเทศ
แม้ว่าการค้นพบบางอย่างในช่วงทศวรรษที่ 1920 จะถูกเก็บรักษาไว้ แต่การแสดงที่เน้นไปที่อุดมการณ์ทางการเมืองของสหภาพโซเวียตนั้นมีอิทธิพลเหนือกว่าและลักษณะของการแสดงก็โดดเด่นด้วยความสามารถในการเคลื่อนไหวและความยืดหยุ่น (ลักษณะที่แขนและหลัง) ในขณะเดียวกันก็พัฒนากระโดดสูง ยกกายกรรม (เช่น การสูงขึ้นบนแขนข้างหนึ่งของสุภาพบุรุษ) และการหมุนอย่างรวดเร็วซึ่งทำให้บัลเล่ต์โซเวียตมีการแสดงออกที่น่าทึ่งเป็นพิเศษ
ครูคนหนึ่งที่มีส่วนในการพัฒนารูปแบบนี้คือ Agrippina Vaganova (พ.ศ. 2422-2494) อดีตนักเต้น โรงละคร Mariinskyเธอเริ่มสอนหลังจากจบอาชีพการแสดง หลังจากเป็นครูที่โรงเรียนออกแบบท่าเต้นเลนินกราด Vaganova ได้พัฒนาโปรแกรมและหนังสือเรียนสำหรับการเต้นรำคลาสสิกและฝึกฝนนักเรียนของเธอเพื่อให้พวกเขาสามารถแสดงบัลเลต์โรแมนติกอันยิ่งใหญ่ในอดีตและบัลเล่ต์โซเวียตใหม่ด้วยเทคนิคอันชาญฉลาด ทั่วทั้งสหภาพโซเวียตรวมทั้งใน ยุโรปตะวันออกการฝึกอบรมใช้ระบบวากาโนวา
ผู้ชมใน ยุโรปตะวันตกและสหรัฐอเมริกาแทบไม่คุ้นเคยกับบัลเล่ต์ของโซเวียตจนกระทั่งกลางทศวรรษ 1950 เมื่อคณะบัลเล่ต์ของโรงละคร คิรอฟและโรงละครบอลชอยออกทัวร์ทางตะวันตกเป็นครั้งแรก ความสนใจในตัวเขาถูกปลุกเร้าด้วยทักษะอันน่าทึ่งของนักบัลเล่ต์โรงละครบอลชอย Galina Ulanova (2453-2541) ซึ่งถ่ายทอดความรู้สึกของ "จีเซลล์และจูเลียต" ด้วยการแต่งบทเพลงที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณและ Maya Plisetskaya ผู้ประหลาดใจกับเทคนิคที่ยอดเยี่ยมของเธอในบทบาทของ Odette-Odile ใน "Swan Lake" แม้ว่าโรงละครบอลชอยจะรวบรวมลักษณะอันน่าตื่นตาตื่นใจที่สุดของสไตล์โซเวียตไว้ด้วยกัน แต่ความบริสุทธิ์แบบคลาสสิกของนักเต้นที่โรงละครคิรอฟกลับพบการแสดงออกในศิลปิน เช่น Natalya Dudinskaya และ Konstantin Sergeev ซึ่งมีส่วนในการฟื้นฟูประเพณี Petipa ศิลปินรุ่นต่อไปนี้ประสบความสำเร็จอย่างมาก: Ekaterina Maksimova, Vladimir Vasiliev, Natalya Bessmertnova และ Vyacheslav Gordeev ที่โรงละคร Bolshoi, Irina Kolpakova, Alla Sizova และ Yuri Solovyov ที่โรงละคร Kirov ในปี 1961 นูเรเยฟ หนึ่งในนักเต้นชั้นนำของโรงละครคิรอฟ ยังคงอยู่ทางตะวันตกระหว่างการทัวร์คณะละครในฝรั่งเศส ศิลปินที่โดดเด่นอีกสองคนในโรงละครเดียวกัน - Natalya Makarova และ Mikhail Baryshnikov - ทำเช่นเดียวกัน (Makarova - ในลอนดอนในปี 1970, Baryshnikov - ในแคนาดาในปี 1974)
ในช่วงทศวรรษ 1980 แรงกดดันด้านการบริหารและการเมืองต่องานศิลปะในสหภาพโซเวียตลดลง Oleg Vinogradov ซึ่งเป็นผู้นำคณะบัลเล่ต์ของโรงละคร Kirov ตั้งแต่ปี 1977 เริ่มนำบัลเล่ต์ของ Balanchine, Tudor, Maurice Bejart และ Robbins เข้าสู่ละครตั้งแต่ปี 1977 ความโน้มเอียงต่อนวัตกรรมน้อยกว่าคือ Yuri Grigorovich ซึ่งตั้งแต่ปี 1964 ก็เป็นหัวหน้าบัลเล่ต์ของโรงละครบอลชอย ผลงานในช่วงแรกของเขา - "The Stone Flower" (ดนตรีโดย Prokofiev, 1957) และ "Spartacus" (ดนตรีโดย A.I. Khachaturian, 1968) - เป็นเรื่องปกติ การแสดงของสหภาพโซเวียต. Grigorovich อาศัยเอฟเฟกต์ที่น่าทึ่ง ควบคุมนักเต้นที่เคลื่อนไหวอย่างกระตือรือร้นจำนวนมากอย่างมั่นใจ และใช้กันอย่างแพร่หลาย การเต้นรำพื้นบ้าน, ชอบเรื่องราวที่กล้าหาญ
เป็นเวลาหลายปีที่เวทีโรงละครบอลชอยแสดงบัลเล่ต์ของ Grigorovich เกือบทั้งหมดหรือการดัดแปลงละครย้อนยุคเช่น Swan Lake ในช่วงปลายทศวรรษ 1980 Irek Mukhamedov และ Nina Ananiashvili จากโรงละคร Bolshoi รวมถึง Altynai Asylmuratova และ Farukh Ruzimatov จากโรงละคร คิรอฟได้รับอนุญาตให้แสดงร่วมกับคณะบัลเลต์ชั้นนำในตะวันตก จากนั้นจึงกลายเป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มเหล่านี้ แม้แต่ Vinogradov และ Grigorovich ก็เริ่มมองหาโอกาสในการแสดงความสามารถของพวกเขานอกรัสเซียซึ่งเงินทุนของรัฐสำหรับโรงละครลดลงอย่างมากหลังจากการล่มสลายของสหภาพโซเวียตในปี 1991 ในปี 1995 Grigorovich ถูกแทนที่ด้วยในฐานะผู้อำนวยการบัลเล่ต์โรงละครบอลชอยโดย Vladimir Vasiliev .
คณะอื่นๆ ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ได้แก่ บัลเล่ต์ของ Maly Opera and Ballet Theatre M. P. Mussorgsky (จนถึงปี 1991 เรียกว่า Maly Theatre of Opera and Ballet), เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก "Boris Eifman Ballet Theatre" ซึ่งนำโดยนักออกแบบท่าเต้น Boris Eifman (เกิดปี 1946) คณะออกแบบท่าเต้น Miniatures สร้างโดย Leonid Yakobson (1904- พ.ศ. 2518) ซึ่งทำงานที่โรงละคร คิรอฟในปี พ.ศ. 2485-2512 ซึ่งผลงานของเขาโด่งดังในโลกตะวันตก คณะละครเพลงที่ตั้งชื่อตาม เค.เอส. Stanislavsky และ V.I. Nemirovich-Danchenko โรงละครบัลเลต์คลาสสิก คณะ "การทดลอง" ที่สร้างขึ้นในเมือง Perm โดย Evgeny Panfilov สมควรได้รับความสนใจ
สลายตัว สหภาพโซเวียตและวิกฤตเศรษฐกิจที่ตามมาก็นำมาซึ่งความยากลำบากอย่างมาก บริษัทบัลเล่ต์ซึ่งก่อนหน้านี้ได้รับการอุดหนุนอย่างไม่เห็นแก่ตัวจากรัฐ นักเต้นและครูจำนวนมากเดินทางออกจากประเทศเพื่อตั้งถิ่นฐานในสหรัฐอเมริกา อังกฤษ เยอรมนี และประเทศตะวันตกอื่นๆ
การเต้นรำสมัยใหม่
การเต้นรำสมัยใหม่ - ทิศทางเข้า ศิลปะการเต้นรำซึ่งปรากฏเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 อันเป็นผลมาจากการละทิ้งบรรทัดฐานที่เข้มงวดของบัลเล่ต์เพื่อสนับสนุนเสรีภาพในการสร้างสรรค์ของนักออกแบบท่าเต้น
บัลเล่ต์ได้รับแรงบันดาลใจจากการเต้นรำแบบฟรีซึ่งผู้สร้างไม่ค่อยสนใจมากนัก เทคโนโลยีใหม่การเต้นรำหรือท่าเต้นพอ ๆ กับการเต้นรำเป็นปรัชญาพิเศษที่สามารถเปลี่ยนแปลงชีวิตได้ การเคลื่อนไหวนี้ซึ่งเกิดขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 (Isadora Duncan ถือเป็นผู้ก่อตั้ง) ทำหน้าที่เป็นแหล่งที่มาของกระแสมากมายในการเต้นรำสมัยใหม่และเป็นแรงผลักดันในการปฏิรูปบัลเล่ต์เอง
สุดท้ายนี้ ฉันอยากจะอ้างอิงคำพูดของ Maya Plisetskaya นักบัลเล่ต์ที่โดดเด่นของเรา ซึ่งกล่าวไว้ในการสัมภาษณ์ครั้งหนึ่งของเธอว่า “ฉันคิดว่าบัลเล่ต์เป็นศิลปะที่มีอนาคตที่ยิ่งใหญ่และน่าตื่นเต้น เขาจะมีชีวิตอยู่ค้นหาและพัฒนาอย่างแน่นอน มันจะเปลี่ยนไปอย่างแน่นอน แต่แน่นอนว่ามันจะไปในทิศทางไหนนั้นเป็นเรื่องยากที่จะคาดเดาได้อย่างแม่นยำ ไม่รู้. ฉันรู้สิ่งหนึ่ง: พวกเราทุกคน - ทั้งนักแสดงและนักออกแบบท่าเต้น - ต้องทำงานหนักมาก จริงจัง และไม่ละเว้นตัวเอง ผู้คน ความศรัทธาในศิลปะ การอุทิศตนต่อละครสามารถสร้างปาฏิหาริย์ได้ และสิ่งที่ "ปาฏิหาริย์" ของบัลเล่ต์แห่งอนาคตจะกลายเป็นสิ่งที่ถูกกำหนดโดยชีวิตเอง”
