ประวัติโดยย่อของบัลเล่ต์ โรงอุปรากรที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก: รายการ โรงอุปรากรออสโล, ออสโล, นอร์เวย์

ส่วนสิ่งพิมพ์ โรงละคร

บัลเลต์รัสเซียที่มีชื่อเสียง 5 อันดับสูงสุด

บัลเลต์คลาสสิกเป็นรูปแบบศิลปะที่น่าทึ่งที่เกิดในอิตาลีในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่เติบโตเต็มที่ "ย้าย" ไปยังฝรั่งเศสซึ่งข้อดีของการพัฒนารวมถึงการก่อตั้ง Academy of Dance และประมวลการเคลื่อนไหวหลายอย่างเป็นของ King Louis XIV . ฝรั่งเศสส่งออกศิลปะการละครไปยังทุกประเทศในยุโรป รวมทั้งรัสเซีย ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 19 เมืองหลวงของบัลเล่ต์ยุโรปไม่ใช่ปารีสอีกต่อไปซึ่งทำให้โลกนี้เป็นผลงานชิ้นเอกของแนวโรแมนติก La Sylphide และ Giselle แต่เป็นปีเตอร์สเบิร์ก อยู่ในเมืองหลวงทางเหนือที่ Marius Petipa นักออกแบบท่าเต้นผู้ยิ่งใหญ่ได้ทำงานมาเกือบ 60 ปี ผู้สร้างระบบการเต้นคลาสสิกและผู้เขียนผลงานชิ้นเอกที่ยังไม่ออกจากเวที หลังจากการปฏิวัติเดือนตุลาคม พวกเขาต้องการโยนบัลเลต์ออกจากเรือแห่งความทันสมัย ​​แต่พวกเขาก็สามารถป้องกันได้ ยุคโซเวียตถูกทำเครื่องหมายด้วยการสร้างผลงานชิ้นเอกจำนวนมาก เรานำเสนอบัลเล่ต์ชั้นนำในประเทศห้ารายการ - ตามลำดับเวลา

"ดอนกิโฆเต้"

ฉากจากบัลเล่ต์ Don Quixote หนึ่งในผลงานชุดแรกของ Marius Petipa

รอบปฐมทัศน์ของบัลเล่ต์โดย L.F. Minkus "Don Quixote" ที่โรงละครบอลชอย พ.ศ. 2412 จากอัลบั้มของสถาปนิก Albert Kavos

ฉากจากบัลเล่ต์ Don Quixote Kitri - Lyubov Roslavleva (กลาง) การแสดงละครโดยเอเอ กอร์สกี้ มอสโก, โรงละครบอลชอย. 1900

ดนตรีโดย L. Minkus, บทโดย M. Petipa การผลิตครั้งแรก: มอสโก, โรงละครบอลชอย, 2412, ออกแบบท่าเต้นโดย M. Petipa ผลงานที่ตามมา: เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, โรงละคร Mariinsky, 2414, ออกแบบท่าเต้นโดย M. Petipa; มอสโก, โรงละครบอลชอย, 1900, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, โรงละครมาริอินสกี้, 2445, มอสโก, โรงละครบอลชอย, 2449, ทั้งหมด - ออกแบบท่าเต้นโดย A. Gorsky.

บัลเลต์ "ดอนกิโฆเต้" เป็นการแสดงละครที่เต็มไปด้วยชีวิตชีวาและความปีติยินดี เป็นการเฉลิมฉลองการเต้นชั่วนิรันดร์ ที่ไม่เคยทำให้ผู้ใหญ่เบื่อหน่าย และผู้ปกครองพาลูกๆ ไปด้วยความเพลิดเพลิน แม้ว่าจะเรียกว่าชื่อวีรบุรุษของนวนิยายชื่อดังเซร์บันเตส แต่ก็มีเรื่องหนึ่งคือ "งานแต่งงานของคิเตเรียและบาซิลิโอ" และเล่าถึงการผจญภัยของวีรบุรุษรุ่นเยาว์ซึ่งความรักได้รับชัยชนะในที่สุดแม้จะมีฝ่ายค้าน ของพ่อหัวแข็งของนางเอกที่ต้องการแต่งงานกับเธอกับ Gamache ที่ร่ำรวย

ดอนกิโฆเต้แทบไม่เกี่ยวอะไรกับมันเลย ตลอดการแสดง ศิลปินร่างสูงผอมเพรียว พร้อมด้วยเพื่อนร่วมงานตัวเตี้ยที่ท้องผูก ซึ่งรับบทเป็น ซานโช ปานซา เดินไปรอบ ๆ เวที บางครั้งก็ทำให้ยากต่อการชมการร่ายรำที่สวยงามซึ่งแต่งโดย Petipa และ Gorsky โดยพื้นฐานแล้วบัลเล่ต์คือคอนเสิร์ตในชุดเครื่องแต่งกาย การเฉลิมฉลองการเต้นรำแบบคลาสสิกและมีลักษณะเฉพาะ ที่ซึ่งศิลปินทุกคนในคณะบัลเล่ต์มีกิจกรรมให้ทำ

การแสดงบัลเลต์ครั้งแรกเกิดขึ้นที่มอสโคว์ ซึ่ง Petipa มาเยี่ยมเป็นครั้งคราวเพื่อยกระดับคณะท้องถิ่นซึ่งเทียบไม่ได้กับคณะละครที่ยอดเยี่ยมของโรงละคร Mariinsky แต่ในมอสโกหายใจง่ายกว่าดังนั้นโดยพื้นฐานแล้วนักออกแบบท่าเต้นจึงจัดฉากบัลเลต์ระลึกถึงปีที่ยอดเยี่ยมของเยาวชนที่ใช้ในประเทศที่มีแดด

บัลเลต์ประสบความสำเร็จ และอีกสองปีต่อมา Petipa ก็ย้ายไปที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งจำเป็นต้องทำใหม่ การเต้นรำที่มีลักษณะเฉพาะมีความสนใจน้อยกว่าคลาสสิกที่บริสุทธิ์ Petipa ขยาย "Don Quixote" เป็น 5 องก์ ประกอบด้วย "White Act" ที่เรียกว่า "Dream of Don Quixote" สวรรค์ที่แท้จริงสำหรับคนรักบัลเล่ต์ใน tutus เจ้าของขาสวย จำนวนคิวปิดใน "ความฝัน" ถึงห้าสิบสอง...

ดอนกิโฆเต้มาหาเราในการแก้ไขโดยนักออกแบบท่าเต้นของมอสโก Alexander Gorsky ผู้ชื่นชอบแนวคิดของ Konstantin Stanislavsky และต้องการทำให้บัลเล่ต์เก่ามีเหตุมีผลและน่าเชื่ออย่างมาก กอร์สกีทำลายองค์ประกอบที่สมมาตรของ Petipa ยกเลิกชุดตูตูในฉาก "ความฝัน" และยืนยันที่จะใช้การแต่งหน้าที่หยาบกร้านสำหรับนักเต้นชาวสเปน Petipa เรียกเขาว่า "หมู" แต่ในการเปลี่ยนแปลงครั้งแรกของ Gorsky บัลเล่ต์ได้แสดงบนเวทีของโรงละคร Bolshoi 225 ครั้ง

"ทะเลสาบสวอน"

ทิวทัศน์สำหรับการแสดงครั้งแรก โรงละครขนาดใหญ่ มอสโก พ.ศ. 2420

ฉากจากบัลเล่ต์ "Swan Lake" โดย P.I. ไชคอฟสกี (นักออกแบบท่าเต้น Marius Petipa และ Lev Ivanov) พ.ศ. 2438

ดนตรีโดย P. Tchaikovsky บทโดย V. Begichev และ V. Geltser การผลิตครั้งแรก: มอสโก โรงละครบอลชอย 2420 ออกแบบท่าเต้นโดย V. Reisinger การผลิตที่ตามมา: เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, โรงละคร Mariinsky, 2438, ออกแบบท่าเต้นโดย M. Petipa, L. Ivanov.

บัลเลต์สุดโปรดของทุกคน ซึ่งเป็นเวอร์ชันคลาสสิกซึ่งจัดแสดงในปี พ.ศ. 2438 ถือกำเนิดขึ้นเมื่อสิบแปดปีก่อนที่โรงละครมอสโก บอลชอย คะแนนของไชคอฟสกีซึ่งชื่อเสียงระดับโลกยังมาไม่ถึงคือคอลเล็กชั่น "เพลงที่ไม่มีคำพูด" และดูเหมือนจะซับซ้อนเกินไปสำหรับเวลานั้น บัลเล่ต์เกิดขึ้นประมาณ 40 ครั้งและจมลงสู่การลืมเลือน

หลังจากไชคอฟสกีเสียชีวิต Swan Lake ได้จัดแสดงที่โรงละคร Mariinsky และผลงานการแสดงบัลเลต์ที่ตามมาทั้งหมดมีพื้นฐานมาจากเวอร์ชันนี้ ซึ่งกลายเป็นเวอร์ชันคลาสสิก การกระทำได้รับความชัดเจนและตรรกะอย่างมาก: บัลเล่ต์บอกเกี่ยวกับชะตากรรมของเจ้าหญิงโอเด็ตต์ที่สวยงามซึ่งกลายเป็นหงส์ตามเจตจำนงของ Rothbart อัจฉริยะที่ชั่วร้าย Rothbart หลอกลวงเจ้าชายซิกฟรีดที่ตกหลุมรักเธออย่างไร ใช้เสน่ห์ของลูกสาว Odile และการตายของวีรบุรุษ คะแนนของไชคอฟสกีลดลงประมาณหนึ่งในสามโดยผู้ควบคุมวงริคาร์โด้ ดริโก และเรียบเรียงใหม่ Petipa เป็นผู้ออกแบบท่าเต้นสำหรับองก์ที่หนึ่งและสาม ส่วน Lev Ivanov ในองก์ที่สองและสี่ การแยกจากกันนี้สอดคล้องกับอาชีพของนักออกแบบท่าเต้นที่เก่งทั้งสองคน คนที่สองต้องอาศัยและตายในเงามืดของคนแรก Petipa เป็นบิดาแห่งบัลเลต์คลาสสิก ผู้สร้างการประพันธ์เพลงที่กลมกลืนกันไร้ที่ติ และเป็นนักร้องของนางฟ้าหญิง ของเล่นของผู้หญิง Ivanov เป็นนักออกแบบท่าเต้นที่มีความคิดริเริ่มซึ่งมีความรู้สึกอ่อนไหวต่อดนตรีเป็นอย่างมาก บทบาทของ Odette-Odile เล่นโดย Pierina Legnani "ราชินีแห่งนักบัลเล่ต์ชาวมิลาน" เธอยังเป็น Raymonda คนแรกและนักประดิษฐ์ 32 fouettes ซึ่งเป็นประเภทการหมุนที่ยากที่สุดบนรองเท้า pointe

คุณอาจไม่รู้อะไรเกี่ยวกับบัลเล่ต์ แต่ Swan Lake เป็นที่รู้จักของทุกคน ในปีสุดท้ายของการดำรงอยู่ของสหภาพโซเวียต เมื่อผู้นำที่แก่ชราเข้ามาแทนที่กันบ่อยครั้ง ท่วงทำนองที่ไพเราะของคู่หู "ขาว" ของตัวละครหลักของบัลเล่ต์และการระเบิดของแขนปีกจากหน้าจอทีวีประกาศความเศร้า เหตุการณ์. ชาวญี่ปุ่นรัก Swan Lake มากจนพร้อมที่จะชมในตอนเช้าและตอนเย็นโดยคณะใด ๆ ไม่ใช่คณะท่องเที่ยวเพียงคณะเดียวซึ่งมีอยู่มากมายในรัสเซียและโดยเฉพาะอย่างยิ่งในมอสโกที่สามารถทำได้โดยไม่มี Lebedinoy

"นัทแคร็กเกอร์"

ฉากจากบัลเล่ต์ The Nutcracker การแสดงละครครั้งแรก Marianna - Lydia Rubtsova, Clara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin โรงละครมารินสกี้ พ.ศ. 2435

ฉากจากบัลเล่ต์ The Nutcracker การแสดงละครครั้งแรก โรงละครมารินสกี้ พ.ศ. 2435

ดนตรีโดย P. Tchaikovsky บทโดย M. Petipa การผลิตครั้งแรก: เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โรงละคร Mariinsky 2435 ออกแบบท่าเต้นโดย L. Ivanov.

จากหนังสือและเว็บไซต์ ข้อมูลที่ผิดพลาดยังคงมีอยู่ว่า The Nutcracker จัดแสดงโดยบิดาของ Marius Petipa บัลเลต์คลาสสิก อันที่จริง Petipa เขียนเฉพาะบทและการผลิตบัลเล่ต์ครั้งแรกดำเนินการโดย Lev Ivanov ผู้ใต้บังคับบัญชาของเขา งานที่เป็นไปไม่ได้ตกอยู่ที่งานของ Ivanov: สคริปต์ที่สร้างขึ้นในสไตล์ของงานบัลเลต์สุดทันสมัยในขณะนั้นด้วยการมีส่วนร่วมที่ขาดไม่ได้ของนักแสดงรับเชิญชาวอิตาลี ตรงกันข้ามกับดนตรีของไชคอฟสกีซึ่งแม้จะเขียนตามคำแนะนำของ Petipa อย่างเคร่งครัด โดดเด่นด้วยความรู้สึกที่ยอดเยี่ยม ความอุดมสมบูรณ์อย่างมาก และการพัฒนาไพเราะที่ซับซ้อน นอกจากนี้นางเอกของบัลเล่ต์ยังเป็นเด็กสาววัยรุ่นและนักบัลเล่ต์ก็เตรียมไว้สำหรับ pas de deux สุดท้ายเท่านั้น (คู่กับคู่หูประกอบด้วย adagio - ส่วนช้ารูปแบบ - การเต้นรำเดี่ยวและ coda (ตอนจบอัจฉริยะ)). การผลิตครั้งแรกของ The Nutcracker ซึ่งการแสดงละครใบแรก - ส่วนใหญ่เป็นการแสดงละครใบ้แตกต่างกันอย่างมากจากช่องทางที่สอง - ไม่ประสบความสำเร็จอย่างมากนักวิจารณ์ตั้งข้อสังเกตเฉพาะ Waltz of the Snow Flakes (นักเต้น 64 คนเข้าร่วมในนั้น) และ Pas de deux of นางฟ้า Dragee และเจ้าชายไอกรน ซึ่งได้รับแรงบันดาลใจจาก Adagio with a Rose ของ Ivanov จากเรื่อง The Sleeping Beauty ที่ซึ่ง Aurora เต้นรำกับสุภาพบุรุษสี่คน

แต่ในศตวรรษที่ 20 ซึ่งสามารถเจาะลึกลงไปในเพลงของไชคอฟสกีได้ The Nutcracker ถูกกำหนดให้เป็นอนาคตที่น่าอัศจรรย์อย่างแท้จริง มีการแสดงบัลเล่ต์มากมายในสหภาพโซเวียต ประเทศในยุโรป และสหรัฐอเมริกา ในรัสเซีย การผลิตของ Vasily Vainonen ที่โรงละครโอเปร่าและบัลเลต์วิชาการแห่งรัฐเลนินกราด (ปัจจุบันคือโรงละคร Mariinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) และ Yuri Grigorovich ที่โรงละครมอสโก Bolshoi ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ

"โรมิโอและจูเลียต"

บัลเล่ต์โรมิโอและจูเลียต จูเลียต - กาลินา อูลาโนวา, โรมิโอ - คอนสแตนติน เซอร์กีฟ พ.ศ. 2482

คุณนายแพทริค แคมป์เบเปิล รับบท จูเลียต ใน โรมิโอ แอนด์ จูเลียต ของเชคสเปียร์ พ.ศ. 2438

ตอนจบของโรมิโอกับจูเลียต พ.ศ. 2483

ดนตรีโดย S. Prokofiev บทโดย S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky การผลิตครั้งแรก: Brno, Opera and Ballet Theatre, 1938, ออกแบบท่าเต้นโดย V. Psota การผลิตต่อมา: Leningrad, State Academic Opera and Ballet Theatre S. Kirov, 1940, ออกแบบท่าเต้นโดย L. Lavrovsky.

หากวลีของเช็คสเปียร์ในการแปลภาษารัสเซียที่รู้จักกันดีอ่าน "ไม่มีเรื่องราวใดในโลกที่เศร้าไปกว่าเรื่องราวของโรมิโอและจูเลียต"จากนั้นพวกเขาก็พูดเกี่ยวกับบัลเล่ต์ของ Sergei Prokofiev ผู้ยิ่งใหญ่ที่เขียนเกี่ยวกับเรื่องนี้: "ไม่มีเรื่องราวใดในโลกที่เศร้าไปกว่าเพลงบัลเลต์ของ Prokofiev". ความงดงาม สีสัน และความหมายที่น่าทึ่งอย่างแท้จริง คะแนนของ "โรมิโอและจูเลียต" ในช่วงเวลาที่ปรากฏตัวนั้นดูซับซ้อนเกินไปและไม่เหมาะกับบัลเล่ต์ นักเต้นบัลเล่ต์ปฏิเสธที่จะเต้นรำกับเธอ

Prokofiev เขียนคะแนนในปี 1934 และเดิมทีมันไม่ได้มีไว้สำหรับโรงละคร แต่สำหรับโรงเรียนออกแบบท่าเต้นทางวิชาการเลนินกราดที่มีชื่อเสียงเพื่อเฉลิมฉลองครบรอบ 200 ปี โครงการนี้ไม่ได้ดำเนินการเนื่องจากการสังหาร Sergei Kirov ใน Leningrad ในปี 1934 และการเปลี่ยนแปลงเกิดขึ้นในโรงละครดนตรีชั้นนำของเมืองหลวงที่สอง แผนการที่จะแสดงโรมิโอและจูเลียตที่มอสโกบอลชอยก็ไม่บรรลุผล ในปี 1938 การแสดงรอบปฐมทัศน์โดยโรงละครในเบอร์โน และเพียงสองปีต่อมา ในที่สุดบัลเล่ต์ของ Prokofiev ก็ถูกจัดแสดงในบ้านเกิดของผู้แต่งที่โรงละครคิรอฟในขณะนั้น

นักออกแบบท่าเต้น Leonid Lavrovsky ซึ่งอยู่ในกรอบของประเภท "ดรัมบาเล็ต" (รูปแบบของการแสดงละครออกแบบท่าเต้นของบัลเล่ต์ในช่วงทศวรรษที่ 1930-50) ได้รับการต้อนรับอย่างสูงจากทางการของสหภาพโซเวียต สร้างภาพที่น่าประทับใจและน่าตื่นเต้นด้วยฉากฝูงชนที่แกะสลักอย่างประณีตและประณีต กำหนดลักษณะทางจิตวิทยาของตัวละคร ในการกำจัดของเขาคือ Galina Ulanova นักแสดงบัลเล่ต์ที่ประณีตที่สุดซึ่งยังคงไม่มีใครเทียบได้ในบทบาทของจูเลียต

คะแนนของ Prokofiev ได้รับการชื่นชมอย่างรวดเร็วจากนักออกแบบท่าเต้นชาวตะวันตก บัลเล่ต์รุ่นแรกปรากฏขึ้นในปี 1940 ผู้สร้างของพวกเขาคือ Birgit Kuhlberg (Stockholm, 1944) และ Margarita Froman (Zagreb, 1949) ผลงานที่มีชื่อเสียงของ "Romeo and Juliet" เป็นของ Frederick Ashton (Copenhagen, 1955), John Cranko (Milan, 1958), Kenneth MacMillan (ลอนดอน, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973)I. Moiseev, 1958, ออกแบบท่าเต้นโดย Y. Grigorovich, 1968

ถ้าไม่มี "สปาตาคัส" แนวคิดของ "บัลเล่ต์โซเวียต" ก็คิดไม่ถึง นี่คือเพลงฮิตอย่างแท้จริง ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของยุคสมัย ยุคโซเวียตพัฒนารูปแบบและภาพอื่นๆ ซึ่งแตกต่างอย่างมากจากบัลเลต์คลาสสิกแบบดั้งเดิมที่สืบทอดมาจาก Marius Petipa และโรงละครอิมพีเรียลแห่งมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก นิทานที่มีตอนจบที่มีความสุขถูกเก็บถาวรและแทนที่ด้วยเรื่องราวที่กล้าหาญ

ในปี 1941 Aram Khachaturian นักประพันธ์เพลงโซเวียตชั้นนำคนหนึ่งได้พูดถึงความตั้งใจของเขาที่จะเขียนเพลงเพื่อการแสดงที่กล้าหาญและยิ่งใหญ่เพื่อจัดแสดงที่โรงละครบอลชอย แก่นของเรื่องคือตอนหนึ่งจากประวัติศาสตร์โรมันโบราณ การลุกฮือของทาสที่นำโดยสปาตาคัส Khachaturian สร้างเพลงที่มีสีสันโดยใช้ลวดลายอาร์เมเนีย จอร์เจีย รัสเซีย และเต็มไปด้วยท่วงทำนองที่สวยงามและจังหวะที่ร้อนแรง การผลิตจะต้องแสดงโดย Igor Moiseev

ต้องใช้เวลาหลายปีกว่าผลงานของเขาจะออกสู่สายตาผู้ชม และไม่ได้ปรากฏที่โรงละครบอลชอย แต่ปรากฏที่โรงละคร คิรอฟ. นักออกแบบท่าเต้น Leonid Yakobson สร้างสรรค์การแสดงที่เป็นนวัตกรรมใหม่ที่น่าทึ่ง โดยละทิ้งคุณลักษณะดั้งเดิมของบัลเล่ต์คลาสสิก รวมถึงการเต้นบนปวงต์ โดยใช้รองเท้าพลาสติคและรองเท้าบัลเล่ต์ฟรีในรองเท้าแตะ

แต่บัลเล่ต์ "Spartacus" กลายเป็นเพลงฮิตและเป็นสัญลักษณ์ของยุคที่อยู่ในมือของนักออกแบบท่าเต้น Yuri Grigorovich ในปี 1968 Grigorovich สร้างความประทับใจให้กับผู้ชมด้วยบทละครที่สร้างขึ้นอย่างสมบูรณ์ การแสดงภาพตัวละครของตัวละครหลักที่ละเอียดอ่อน การแสดงฉากฝูงชนอย่างมีฝีมือ ความบริสุทธิ์และความงามของบทกวีที่ไพเราะ เขาเรียกงานของเขาว่า "การแสดงสำหรับศิลปินเดี่ยวสี่คนกับคณะบัลเล่ต์" (คณะบัลเล่ต์ - ศิลปินที่เกี่ยวข้องกับตอนเต้นรำเป็นจำนวนมาก) Vladimir Vasiliev รับบทเป็น Spartacus, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Ekaterina Maksimova และ Aegina - Nina Timofeeva Card de ballet ส่วนใหญ่เป็นผู้ชาย ซึ่งทำให้บัลเล่ต์ "Spartacus" เป็นบัลเล่ต์ประเภทเดียว

นอกเหนือจากการอ่านที่รู้จักกันดีของ Spartacus โดย Yakobson และ Grigorovich แล้วยังมีผลงานบัลเล่ต์อีกประมาณ 20 เรื่อง ในหมู่พวกเขามีเวอร์ชันโดย Jiri Blazek สำหรับ Prague Ballet, Laszlo Serega สำหรับ Budapest Ballet (1968), Jüri Vamos สำหรับ Arena di Verona (1999), Renato Zanella สำหรับ Vienna State Opera Ballet (2002), Natalia Kasatkina และ Vladimir Vasiliev สำหรับ State Academic Theatre พวกเขากำกับ บัลเลต์คลาสสิกในมอสโก (2002)

ไม่ว่าจะชอบหรือไม่ ก็ไม่อาจมองข้ามผลงานชิ้นเอกที่มีชื่อเสียงของนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียในสี่องก์ได้ ต้องขอบคุณตำนานหงส์สาวชาวเยอรมันผู้เป็นตำนานของชาวเยอรมันที่อมตะในสายตาของบรรดาผู้ชื่นชอบศิลปะ ตามพล็อตเรื่อง เจ้าชายผู้หลงรักราชินีหงส์ ทรยศเธอ แต่ถึงกระนั้นการตระหนักรู้ถึงความผิดพลาดก็ไม่ได้ช่วยเขาหรือผู้เป็นที่รักจากองค์ประกอบที่บ้าคลั่ง

ภาพของตัวละครหลัก - โอเด็ตต์ - เสริมแกลเลอรีสัญลักษณ์หญิงที่สร้างโดยนักแต่งเพลงในช่วงชีวิตของเขา เป็นที่น่าสังเกตว่าผู้เขียนบทบัลเล่ต์ยังไม่ทราบและชื่อของผู้เขียนบทไม่เคยปรากฏบนโปสเตอร์ใด ๆ บัลเล่ต์ถูกนำเสนอครั้งแรกในปี 1877 บนเวทีของโรงละครบอลชอย แต่เวอร์ชั่นแรกถือว่าไม่ประสบความสำเร็จ การผลิตที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Petipa-Ivanov ซึ่งกลายเป็นมาตรฐานสำหรับการแสดงที่ตามมาทั้งหมด

บัลเลต์ที่ดีที่สุดในโลก: The Nutcracker ของไชคอฟสกี

บัลเล่ต์สำหรับเด็ก The Nutcracker เป็นที่นิยมในวันส่งท้ายปีเก่า ถูกนำเสนอต่อสาธารณชนครั้งแรกในปี 1892 บนเวทีของโรงละคร Mariinsky ที่มีชื่อเสียง เนื้อเรื่องอิงจากเทพนิยายของฮอฟฟ์มันน์เรื่อง "The Nutcracker and the Mouse King" การต่อสู้จากรุ่นสู่รุ่น การเผชิญหน้าระหว่างความดีและความชั่ว ปัญญาเบื้องหลังหน้ากาก ความหมายเชิงปรัชญาที่ลึกซึ้งของนิทานถูกแต่งแต้มด้วยภาพดนตรีที่สดใสที่ผู้ชมที่อายุน้อยที่สุดสามารถเข้าใจได้

การกระทำดังกล่าวเกิดขึ้นในฤดูหนาว ในวันคริสต์มาสอีฟ เมื่อความปรารถนาทั้งหมดเป็นจริงได้ และสิ่งนี้ช่วยเพิ่มเสน่ห์ให้กับเรื่องราวมหัศจรรย์ ทุกสิ่งเป็นไปได้ในเทพนิยายนี้: ความปรารถนาอันหวงแหนจะเป็นจริง หน้ากากแห่งความเจ้าเล่ห์จะหลุดออกมา และความอยุติธรรมจะพ่ายแพ้อย่างแน่นอน

************************************************************************

บัลเลต์ที่ดีที่สุดในโลก: Giselle by Adam

“ ความรักที่แข็งแกร่งกว่าความตาย” อาจเป็นคำอธิบายที่แม่นยำที่สุดเกี่ยวกับบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงในสี่องก์ของ Giselle เรื่องราวของหญิงสาวที่เสียชีวิตจากความรักที่เร่าร้อนซึ่งมอบหัวใจของเธอให้กับชายหนุ่มผู้สูงศักดิ์ที่หมั้นกับเจ้าสาวอีกคนนั้นถ่ายทอดออกมาได้อย่างเต็มตาในความสง่างามของ wilis เรียว - เจ้าสาวที่เสียชีวิตก่อนงานแต่งงาน

บัลเล่ต์ประสบความสำเร็จอย่างมากจากการผลิตครั้งแรกในปี พ.ศ. 2384 และในช่วง 18 ปีที่ผ่านมามีการแสดงละคร 150 เรื่องจากผลงานของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียงบนเวที Paris Opera เรื่องนี้ชนะใจผู้ที่ชื่นชอบศิลปะมากเสียจนดาวเคราะห์น้อยที่ค้นพบเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 ได้รับการตั้งชื่อตามตัวละครหลักของเรื่องด้วยซ้ำ และวันนี้ ผู้ร่วมสมัยของเราได้ดูแลรักษาไข่มุกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดชิ้นหนึ่งของงานคลาสสิกในภาพยนตร์เวอร์ชันคลาสสิก

************************************************************************

บัลเลต์ที่ดีที่สุดในโลก: Don Quixote by Minkus

ยุคของอัศวินผู้ยิ่งใหญ่ได้ผ่านพ้นไปนานแล้ว แต่สิ่งนี้ไม่ได้ป้องกันหญิงสาวยุคใหม่ไม่ให้ฝันที่จะพบกับดอนกิโฆเต้แห่งศตวรรษที่ 21 บัลเล่ต์ถ่ายทอดรายละเอียดทั้งหมดเกี่ยวกับคติชนวิทยาของชาวสเปนอย่างแม่นยำ และผู้เชี่ยวชาญหลายคนพยายามแสดงพล็อตเรื่องอัศวินผู้สูงศักดิ์ในการตีความสมัยใหม่ แต่เป็นผลงานคลาสสิกที่ตกแต่งเวทีรัสเซียมาเป็นเวลาหนึ่งร้อยสามสิบปี

นักออกแบบท่าเต้น Marius Petipa สามารถรวบรวมรสชาติทั้งหมดของวัฒนธรรมสเปนในการเต้นรำได้อย่างชำนาญด้วยการใช้องค์ประกอบของการเต้นรำประจำชาติและท่าทางและท่าทางบางอย่างบ่งบอกถึงสถานที่ที่เนื้อเรื่องเปิดเผยโดยตรง ประวัติศาสตร์ไม่ได้สูญเสียความสำคัญไปในวันนี้ แม้แต่ในศตวรรษที่ 21 ดอนกิโฆเต้ก็สร้างแรงบันดาลใจให้คนหนุ่มสาวอย่างชำนาญด้วยหัวใจอันอบอุ่น มีความสามารถในการกระทำที่สิ้นหวังในนามของความดีและความยุติธรรม

************************************************************************

บัลเล่ต์ที่ดีที่สุดในโลก: Romeo and Juliet โดย Prokofiev

เรื่องราวอมตะของหัวใจสองดวงที่รวมกันเป็นหนึ่งหลังจากการตายตลอดกาล ถูกรวบรวมไว้บนเวทีด้วยเสียงเพลงของ Prokofiev การผลิตเกิดขึ้นไม่นานก่อนสงครามโลกครั้งที่สอง และเราต้องจ่ายส่วยให้อาจารย์ผู้อุทิศตนที่ต่อต้านคำสั่งที่เป็นจารีตประเพณีในเวลานั้นซึ่งมีชัยในขอบเขตสร้างสรรค์ของประเทศสตาลิน: นักแต่งเพลงยังคงจุดจบที่น่าเศร้าแบบดั้งเดิม ของโครงเรื่อง

หลังจากประสบความสำเร็จอย่างยิ่งใหญ่ครั้งแรกซึ่งได้รับรางวัลการแสดงกับ Stalin Prize มีหลายเวอร์ชัน แต่แท้จริงแล้วในปี 2008 การผลิตแบบดั้งเดิมของปี 1935 ในนิวยอร์กเกิดขึ้นอย่างมีความสุขที่จบลงด้วยเรื่องราวที่มีชื่อเสียงซึ่งไม่เป็นที่รู้จักของสาธารณชนจนถึงขณะนั้น .

************************************************************************

ดูมีความสุข!

ผู้ชื่นชอบศิลปะและบัลเล่ต์มักสงสัยว่าโรงอุปรากรในโลกนี้มีชื่อเสียงในเรื่องใด? พวกเขาแตกต่างกันอย่างไรและมีประวัติการก่อสร้างอย่างไร? ทุกประเทศมีโรงละคร แต่ไม่ใช่ทุกคนที่ได้รับการยอมรับว่าเป็นโรงละครที่ดีที่สุด

รายชื่อโรงอุปรากรในโลก

ศิลปะมีคุณค่าจากผู้คนมาแต่โบราณ โอเปร่าและบัลเล่ต์เป็นสิ่งที่สวยงามอย่างไม่น่าเชื่อ มีความสง่างามและเก๋ไก๋ ในบรรดาผู้ชื่นชอบศิลปะที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในโลก ได้แก่:

  • โรงละครเอสเตทส์ในปราก;
  • La Scala ในมิลาน;
  • "ซานคาร์โล" ในเนเปิลส์;
  • โรงละครโอเดสซาในยูเครน;
  • "Grand Opera" ในปารีส;
  • ในเวียนนา;
  • "Covent Garden" ในลอนดอน;
  • "Grand Teatro Liceu" ในบาร์เซโลนา;
  • เมโทรโพลิแทนโอเปร่าในนิวยอร์ก;
  • ซิดนี่ย์โอเปร่าเฮาส์;
  • โนโวซีบีสค์ในรัสเซีย

ในทุกประเทศมีสถานที่ที่คุณสามารถดำดิ่งสู่โลกแห่งศิลปะได้ หรือละคร - นี่คือห้องพิเศษที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณของคนที่มีความสามารถ

ลา สกาล่าในมิลาน

Tetra ถูกค้นพบในปี 1778 คนรักศิลปะถือว่าสวยงามและสง่างามที่สุด ชื่อนี้ได้รับชื่อที่ไม่ธรรมดาเพราะสร้างขึ้นบนที่ตั้งของโบสถ์เก่า

ในช่วงสงครามโลกครั้งที่สอง โครงสร้างถูกทำลายอย่างสมบูรณ์ แต่ได้รับการบูรณะในภายหลัง

โรงละครโดดเด่นด้วยความจริงที่ว่าสามารถรองรับผู้ชมได้มากกว่าสองพันคนและความลึกของเวทีคือ 30 เมตร ที่น่าสนใจคือ ทิวทัศน์เปลี่ยนไปโดยใช้ระบบที่ซับซ้อนพร้อมกลไกแบบแมนนวล

ตั๋วไป La Scala สามารถมีราคาสูงถึง $2,000 ที่ทางเข้ามีการแต่งกายที่มีชุดราตรีสีดำ

ซานคาร์โลในเนเปิลส์

โรงละครแห่งนี้เป็นโรงละครที่ใหญ่ที่สุดในยุโรป การค้นพบนี้เกิดขึ้นในปี 1737 ห้องโถงได้รับการออกแบบสำหรับผู้ชมมากกว่า 3,000 คน

ประวัติของอาคารเป็นที่จดจำเนื่องจากถูกสร้างขึ้นใหม่หลังจากเกิดเพลิงไหม้ในปี พ.ศ. 2360 หลังจากนั้นจึงกลายเป็นความหรูหรายิ่งขึ้นไปอีก การตกแต่งและการตกแต่งภายในที่เก๋ไก๋ทำให้เป็นหนึ่งในโรงอุปรากรที่ดีที่สุดในโลก

ผู้เยี่ยมชม "ซานคาร์โล" ในเนเปิลส์กล่าวว่าการออกแบบตกแต่งภายในสร้างความประทับใจไม่รู้ลืม โรงละครเป็นเจ้าภาพการแสดงที่มีชื่อเสียงที่สุด

Covent Garden ในลอนดอน

เป็นหนึ่งในโรงอุปรากรที่ดีที่สุดในโลกตามที่ผู้เยี่ยมชมเป็นหนึ่งในโรงละครที่สว่างที่สุดและแปลกที่สุด Covent Garden ก่อตั้งขึ้นในปี 2489 เป็นโรงละครหลวง มีแต่นักแสดงที่เก่งที่สุดเท่านั้นที่เล่นในนั้น

ผู้ชื่นชอบศิลปะมาที่ลอนดอนเพื่อชมโอเปร่าหรือบัลเล่ต์บนเวทีที่สวยงาม ค่าตั๋วในโรงละครไม่เกิน 200 ปอนด์และโปรดักชั่นส่วนใหญ่เป็นภาษาอังกฤษ

แกรนด์โอเปร่าในปารีส

โรงอุปรากรที่มีชื่อเสียงของโลกแตกต่างจากที่อื่นในด้านความสง่างาม การตกแต่ง และความงามอันน่าทึ่ง นี่คือสิ่งที่ Grand Opera ในปารีสเป็นเช่นนี้

การค้นพบนี้เกิดขึ้นในปี 1669 ห้องโถงสามารถรองรับผู้ชมได้ 1900 คน โรงละครถือว่าสวยงามที่สุด โดดเด่นด้วยด้านหน้าอาคารที่แปลกตา เสริมด้วยซุ้มประตู ประติมากรรม และจิตรกรรมฝาผนัง

มีการแสดงในประวัติศาสตร์ของโรงละคร ตามสถิติ เวทีนี้เป็นเวทีที่มีผู้เข้าชมมากที่สุดในโลก โรงละครเป็นศูนย์กลางของชีวิตวัฒนธรรมของฝรั่งเศส

โรงละครโอเดสซาในยูเครน

สร้างขึ้นครั้งแรกในปี พ.ศ. 2353 และถูกไฟไหม้จนหมดสิ้น การบูรณะเกิดขึ้นเพียง 11 ปีหลังจากเกิดเพลิงไหม้ เมื่อสถาปนิกตัดสินใจสร้างอาคารที่ไม่ธรรมดาด้วยหลังคาทรงโดม ประวัติของโรงอุปรากรในโลกมีความหลากหลายและน่าทึ่ง โรงละครโอเดสซาก็ไม่มีข้อยกเว้น

รูปลักษณ์และการตกแต่งทำให้เขามีสิทธิ์ได้รับการขนานนามว่าเป็นหนึ่งในโรงอุปรากรที่สวยงามและมีชื่อเสียงที่สุดในโลก การตกแต่งหลักเป็นเพดานทาสีและโคมระย้าคริสตัลขนาดใหญ่

บรรยากาศของห้องทำให้แขกแต่ละคนรู้สึกเหมือนเป็นขุนนางและกระโดดเข้าสู่โลกมหัศจรรย์ เมื่อได้มาเยือนที่นี่แล้ว อยากกลับมาอีกครั้งเพื่อดื่มด่ำกับโลกแห่งศิลปะอย่างเต็มที่

โรงละครโอเปร่าแห่งรัฐเวียนนา

สไตล์ราชวงศ์ ความสมบูรณ์ของการตกแต่งภายในและเสน่ห์พิเศษทำให้โอเปร่าในเมืองเวียนนาโดดเด่น โรงละครเต็มไปด้วยชีวิตและดนตรีของโมสาร์ท ซุ้มสไตล์นีโอเรอเนซองส์ที่สวยงามแปลกตาจะสร้างความประทับใจให้ผู้มาเยือนทุกคน

แม้จะมีความจุเพียง 1,1313 คน แต่ก็ยังคงเป็นหนึ่งในโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก

ที่น่าสนใจคือทุกฤดูใบไม้ผลิจะมีการจัดบอลเวียนนา นี่เป็นงานที่สวยงามและงดงาม ที่ซึ่งสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษดูเหมือนจะถูกย้ายไปยังสมัยก่อน

Gran Teatro Liceu ในบาร์เซโลนา

อาคารนี้สร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2390 และสามารถรองรับผู้เข้าชมได้มากกว่า 2,000 คน แม้ว่าที่จริงแล้วในปี 1994 ไฟไหม้ได้ทำลายเตตร้าส่วนใหญ่ แต่ก็ได้รับการฟื้นฟูด้วยภาพวาดต้นฉบับ

การแสดงเกิดขึ้นทั้งในงานคลาสสิกและงานที่ทันสมัยกว่า ที่น่าสนใจคือ ผู้ชื่นชอบโอเปร่ามาจากทั่วทุกมุมโลกเพื่อเยี่ยมชมโรงละครที่สวยงามแห่งนี้

ลักษณะเด่นของห้องโถงคือเก้าอี้สำหรับผู้ชมซึ่งทำจากเหล็กหล่อและหุ้มด้วยกำมะหยี่สีแดงสด ผนังตกแต่งด้วยโคมไฟรูปมังกร

โรงละคร Estates ในปราก

เปิดให้บริการในปี พ.ศ. 2326 และสามารถรองรับผู้เยี่ยมชมได้ 1,200 คน เป็นอาคารโรงละครแห่งเดียวในยุโรปที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้ตั้งแต่มีการก่อสร้าง

ที่ทางเข้ามีรูปปั้น "ผู้บัญชาการ" ที่โดดเด่นซึ่งสร้างขึ้นตามโอเปร่าชื่อเดียวกันโดยโมสาร์ท เธอดูเหมือนเสื้อคลุมสีดำและแสดงถึงความคิดสร้างสรรค์

การแสดงในโรงละครมีหลายภาษา: เช็ก เยอรมัน อิตาลี ละครมีความหลากหลายและจะทำให้ผู้ชมทุกคนพอใจ

ซิดนี่ย์โอเปร่าเฮาส์

ตัวอาคารถือเป็นหนึ่งในอาคารที่สวยที่สุดในโลก สร้างขึ้นในรูปแบบของการแสดงออกซึ่งแตกต่างจากที่เหลือตรงที่หลังคาทำเป็นรูปใบเรือ

การเปิดโรงละครจัดขึ้นโดย Elizabeth II ตัวอาคารใช้เวลาสร้างมากกว่า 14 ปีและใช้เงินกว่า 7 ล้านเหรียญสหรัฐในการสร้าง

การแสดงละครถือเป็นผลงานชิ้นเอก แบ่งออกเป็น 2 ห้องโถง แต่ละห้องตกแต่งอย่างเก๋ไก๋และสง่างามเป็นพิเศษ เพดานของแต่ละห้องได้รับการอัพเกรดให้สะท้อนเสียงและทำให้ผู้ฟังสบายขึ้น

เมโทรโพลิแทนโอเปร่าในนิวยอร์ก

โรงละครแห่งนี้ในสหรัฐอเมริกามีชื่อเสียงและมีผู้เยี่ยมชมมากที่สุด ไม่มีการตกแต่งที่หรูหราและการตกแต่งที่มีราคาแพง แต่มีการติดตั้งเทคโนโลยีที่ทันสมัยเพื่อทำให้การแสดงน่าตื่นเต้นยิ่งขึ้น

เชื่อกันว่าการร้องเพลงในโรงละครแห่งนี้มีชื่อเสียงมาก แม้จะมีค่าธรรมเนียมเพียงเล็กน้อย

ห้องโถงสามารถรองรับได้กว่า 3.5 พันคน น่าแปลกที่โรงละครไม่ใช่อาคารสาธารณะและได้รับการสนับสนุนจากการบริจาคและบุคคลทั่วไป ทำให้มีค่ามากขึ้นสำหรับผู้ดู

และบัลเล่ต์

อาคารหลังใหญ่ที่สุดในรัสเซีย พื้นที่ของมันคือมากกว่า 40,000 ตารางเมตร โรงละครติดตั้งเทคโนโลยีที่ทันสมัยและออกแบบด้วยเสน่ห์พิเศษ สำหรับขนาดของมัน มันได้รับชื่อที่สอง - "ไซบีเรียนโคลอสเซียม"

ในรัสเซีย นี่คือโรงละครและอาคารศิลปะที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่ง หลังคามีรูปทรงคล้ายโดมขนาดใหญ่ ทำให้มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวและน่าสนใจ

จากมุมมองทางวิศวกรรม อาคารเป็นโครงสร้างที่ซับซ้อน ผู้ชมมองว่าเป็นเอกลักษณ์และไม่ซ้ำซากจำเจ

โรงอุปรากรที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลก แตกต่างจากที่อื่นในนั้นพวกเขามีเสน่ห์พิเศษ ในทุกประเทศมีสถานที่สำหรับการผลิตและการแสดง โอเปร่าและบัลเล่ต์เป็นหนึ่งในผลงานที่สำคัญที่สุดที่ถ่ายทอดผลงานของนักเขียนและนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงให้กับผู้ชม ขนาดที่การกระทำเกิดขึ้นบนเวทีทำให้ผู้ชมรู้สึกถึงอารมณ์ของนักแสดงและนักร้อง


คลาสสิกไม่ใช่แค่ซิมโฟนี โอเปร่า คอนแชร์โต และแชมเบอร์มิวสิคเท่านั้น ผลงานคลาสสิกที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดบางชิ้นได้ปรากฏในรูปแบบของบัลเล่ต์ บัลเล่ต์มีต้นกำเนิดในอิตาลีในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและค่อย ๆ พัฒนาเป็นรูปแบบการเต้นทางเทคนิคที่ต้องได้รับการฝึกฝนอย่างมากจากนักเต้น บริษัทบัลเล่ต์แห่งแรกที่สร้างขึ้นคือ Paris Opera Ballet ซึ่งก่อตั้งขึ้นหลังจากพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 แต่งตั้ง Jean-Baptiste Lully เป็นผู้อำนวยการ Royal Academy of Music ดนตรีประกอบบัลเล่ต์ของ Lully ถือเป็นจุดเปลี่ยนในการพัฒนาแนวเพลงโดยนักดนตรีหลายคน ตั้งแต่นั้นมา ความนิยมของบัลเล่ต์ก็ค่อยๆ จางหายไปจากประเทศหนึ่งไปอีกประเทศหนึ่ง ทำให้นักประพันธ์เพลงจากหลายเชื้อชาติมีโอกาสแต่งผลงานที่โด่งดังที่สุดของพวกเขา นี่คือเจ็ดบัลเล่ต์ที่ได้รับความนิยมและเป็นที่รักมากที่สุดในโลก


ไชคอฟสกีเขียนบัลเลต์คลาสสิกอมตะนี้ในปี พ.ศ. 2434 ซึ่งเป็นบัลเลต์ที่มีการแสดงบ่อยที่สุดในยุคปัจจุบัน ในอเมริกาเป็นครั้งแรกที่ The Nutcracker ปรากฏตัวบนเวทีในปี 1944 เท่านั้น (แสดงโดย San Francisco Ballet) ตั้งแต่นั้นมา การแสดง The Nutcracker ในช่วงปีใหม่และเทศกาลคริสต์มาสก็กลายเป็นประเพณี บัลเลต์ที่ยิ่งใหญ่นี้ไม่เพียงแต่มีดนตรีที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดเท่านั้น แต่เรื่องราวของบัลเลต์สร้างความสุขให้กับทั้งเด็กและผู้ใหญ่


Swan Lake เป็นบัลเล่ต์คลาสสิกที่มีความซับซ้อนทางอารมณ์และด้านเทคนิคมากที่สุด ดนตรีของเขานำหน้าเวลามาก และนักแสดงในยุคแรกๆ หลายคนแย้งว่าสวอนเลคเต้นยากเกินไป อันที่จริง ไม่ค่อยมีใครรู้จักเกี่ยวกับการผลิตครั้งแรกดั้งเดิม และสิ่งที่ทุกคนคุ้นเคยในปัจจุบันคือการผลิตที่ปรับปรุงใหม่โดยนักออกแบบท่าเต้นชื่อดัง Petipa และ Ivanov Swan Lake ถือเป็นมาตรฐานของบัลเลต์คลาสสิกเสมอมา และจะมีการแสดงมานานหลายศตวรรษ


ความฝันในคืนฤดูร้อน

หนังตลกของเช็คสเปียร์ A Midsummer Night's Dream ถูกดัดแปลงเป็นงานศิลปะหลากหลายสไตล์ บัลเลต์เต็มตัวชุดแรก (ตลอดทั้งคืน) ที่อิงจากงานนี้จัดทำขึ้นในปี 2505 โดยจอร์จ บาลานชิเนเพื่อบรรเลงเพลงของเมนเดลโซห์น วันนี้ A Midsummer Night's Dream เป็นบัลเลต์ยอดนิยมและเป็นที่รักของใครหลายคน


บัลเลต์ "Coppelia" เขียนโดยนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศส Leo Delibes และออกแบบท่าเต้นโดย Arthur Saint-Leon "Coppelia" เป็นเรื่องราวสบายๆ ที่บรรยายถึงความขัดแย้งของผู้ชายระหว่างความเพ้อฝันกับสัจนิยม ศิลปะกับชีวิต ด้วยดนตรีที่มีชีวิตชีวาและการเต้นรำที่มีชีวิตชีวา การแสดงรอบปฐมทัศน์โลกที่ Paris Opera ประสบความสำเร็จอย่างมากในปี 1871 และบัลเล่ต์ยังคงประสบความสำเร็จมาจนถึงทุกวันนี้ โดยอยู่ในละครของโรงละครหลายแห่ง


ปีเตอร์แพน

Peter Pan เป็นบัลเล่ต์ที่ยอดเยี่ยมเหมาะสำหรับทั้งครอบครัว การเต้นรำ ฉาก และเครื่องแต่งกายมีสีสันเหมือนในเรื่องราว ปีเตอร์ แพนค่อนข้างใหม่ในโลกของบัลเล่ต์ และเนื่องจากไม่มีเวอร์ชันคลาสสิกใดๆ เลย นักออกแบบท่าเต้น นักออกแบบท่าเต้น และผู้กำกับเพลงทุกคนจึงสามารถตีความบัลเลต์แตกต่างกันไป แม้ว่าการผลิตแต่ละรายการอาจแตกต่างกัน แต่เรื่องราวยังคงเกือบจะเหมือนเดิม ซึ่งเป็นเหตุให้บัลเล่ต์นี้จัดอยู่ในประเภทคลาสสิก


เจ้าหญิงนิทรา

เจ้าหญิงนิทราเป็นบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงคนแรกของไชคอฟสกี ในนั้นดนตรีมีความสำคัญไม่น้อยไปกว่าการเต้นรำ เรื่องราวของเจ้าหญิงนิทราเป็นการผสมผสานที่ลงตัวระหว่างการเฉลิมฉลองบัลเล่ต์ในปราสาทอันงดงาม การต่อสู้ระหว่างความดีและความชั่ว และชัยชนะอันมีชัยของความรักนิรันดร์ การออกแบบท่าเต้นถูกสร้างขึ้นโดย Marius Pepita ที่โด่งดังไปทั่วโลกซึ่งกำกับ The Nutcracker และ Swan Lake ด้วย บัลเลต์คลาสสิกนี้จะแสดงจนจบ


ซินเดอเรลล่า

ซินเดอเรลล่ามีหลายเวอร์ชั่น แต่รุ่นที่พบบ่อยที่สุดคือ Sergei Prokofiev Prokofiev เริ่มทำงานกับ Cinderella ในปี 1940 แต่เนื่องจากสงครามโลกครั้งที่สอง เขาทำคะแนนเสร็จในปี 1945 เท่านั้น ในปี 1948 นักออกแบบท่าเต้น Frederick Ashton ได้แสดงการผลิตอย่างครบถ้วนโดยใช้ดนตรีของ Prokofiev ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมาก


ประเทศอังกฤษ. ก่อนการเดินทางของคณะ Diaghilev และ Anna Pavlova ในลอนดอนในช่วงทศวรรษที่ 1910 และ 1920 บัลเล่ต์ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับอังกฤษเป็นหลักโดยการแสดงของนักบัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงบนเวทีของห้องแสดงดนตรี เช่น The Danish Adeline Genet (1878- พ.ศ. 2513) บัลเลต์อังกฤษเกิดจากผู้หญิงสองคนที่ทำงานให้กับ Diaghilev: Marie Rambert (1888-1982) ชาวโปแลนด์และ Ninette de Valois (b. 1898) เกิดในไอร์แลนด์ แต่ได้รับการฝึกฝนในลอนดอน Rambert นักเรียนของนักดนตรีและผู้สร้างระบบยิมนาสติกลีลา Emile Jacques-Dalcroze ได้รับเชิญจาก Diaghilev ให้ช่วย Nijinsky เมื่อเขาต้องทำงานกับเพลง Stravinsky's Rite of Spring ซึ่งยากมากในแง่ของจังหวะ . เป็นเวลาหลายปีที่เธอเต้นในคณะบัลเล่ต์ของคณะบัลเลต์รัสเซีย จากนั้นกลับมาอังกฤษ และในปี 1920 เธอก็เปิดโรงเรียนของตัวเองขึ้น นักเรียนของเธอแสดงครั้งแรกในชื่อ Marie Rambert Dancers จากนั้นเป็นส่วนหนึ่งของ Ballet Club ที่โรงละคร Mercury เล็กๆ ที่ประตู Nottinhill Gate ในลอนดอน ที่แรมเบิร์ตนั้นเองที่ศิลปินชื่อดังชาวอังกฤษหลายคนเริ่มอาชีพของพวกเขา รวมทั้งนักออกแบบท่าเต้น Frederick Ashton และ Anthony Tudor ทั้งคู่หันไปเต้นเป็นผู้ใหญ่ แต่ในไม่ช้าก็เริ่มแสดงบัลเล่ต์เล็ก ๆ ที่ Rambert's ในช่วงทศวรรษที่ 1930 นักเต้นชาวอังกฤษรุ่นเยาว์เติบโตขึ้นมาในด้านการแสดง เดอ วาลัวส์ ซึ่งเคยเต้นรำในคณะของเดียกิเลฟด้วย หลังจากทิ้งเขาไป เปิดโรงเรียนแห่งหนึ่งในลอนดอน ซึ่งในไม่ช้าก็กลายเป็นส่วนหนึ่งของโรงละครแซดเลอร์ส เวลส์ และในปี 1931 วิค เวลส์ บัลเลต์ได้ก่อตั้งขึ้นจากนักเรียนของเธอ ในปี พ.ศ. 2491 ได้รับการตั้งชื่อว่า "Sadler's Wells Balle" Ashton ร่วมมือกับ Ninette de Valois เพื่อสร้างบัลเล่ต์ที่จุดประกายความสามารถของศิลปินรุ่นเยาว์ที่ได้รับการฝึกฝนโดย de Valois, Margot Fontaine (1919-1991), Beryl Grey (b. 1927), Robert Helpman (1909-1986), Moira Shearer (ข. 1926). ด้วยการมีส่วนร่วมของพวกเขา ตลอดสี่สิบปีข้างหน้า การแสดงบัลเล่ต์และการแสดงสไตล์อังกฤษโดยเฉพาะจึงได้รับการพัฒนา ซึ่งโดดเด่นด้วยคุณธรรม บทละคร และบทเพลงคลาสสิกล้วนๆ ผลงานของแอชตันมีทั้งอารมณ์ขัน (Facade, 1931, ดนตรีโดย William Walton; Vain Precaution, 1960, เพลงโดย Ferdinand Herold เรียบเรียงโดย John Lunchbury) และโศกนาฏกรรม (Ondine, 1958, เพลงโดย H.W. Henze; ​​​​A Month in the Country, 1976, เกี่ยวกับดนตรีโดย F. Chopin), ไม่มีโครงเรื่อง (Symphonic Variations, 1946, เป็นดนตรีโดย S. Frank; Monotony 1 และ Monotony 2, 1965, 1966, เป็นเพลงโดย E. Satie) และการบรรยาย (Cinderella, 1948, เพลงโดย Prokofiev; Dream, 1964, เพลง F. Mendelssohn ในการประมวลผลของ Lanchbury) แอชตันเต็มใจสร้างบัลเลต์ตามงานวรรณกรรม ตัวอย่างเช่น ความฝันของเขาอิงจากบทละครของเชคสเปียร์เรื่อง A Midsummer Night's Dream และ A Moon in the Country อิงจากบทละครของทูร์เกเนฟที่มีชื่อเดียวกัน รำพึงของ Ashton คือ Margot Fonteyn ซึ่งมีพรสวรรค์ในการเป็นนักบัลเล่ต์ที่พัฒนาขึ้นพร้อมกับการทดลองออกแบบท่าเต้นของเขา เขาสร้างบัลเล่ต์ครั้งสุดท้ายให้กับเธอในปี 2506 นี่คือมาร์เกอริตและอาร์มันด์ (ตาม Lady with Camellias โดยลูกชาย Alexander Dumas และดนตรีของ F. Liszt) ในเวลานี้ Fonteyn ซึ่งอายุมากกว่าสี่สิบแล้วมีประสบการณ์เหมือนเป็นเยาวชนขั้นที่สองโดยหาคู่หูใหม่ในบุคลิกของนักเต้นรูดอล์ฟนูเรเยฟซึ่งอพยพมาจากสหภาพโซเวียต Ashton ได้รับแรงบันดาลใจจากความสามารถของนักแสดงที่หลากหลาย: ธรรมชาติอันน่าทึ่งของ Lynn Seymour (b. 1939) หรือ Christopher Gable (1940-1998) เทคนิคที่ยอดเยี่ยมและในเวลาเดียวกันอารมณ์ที่แสดงในคู่ของ Anthony Dowell ( b. 1943) และ Antoniet Sibley (b. . 1939) น่าเสียดายที่หลังจากการเสียชีวิตของ Ashton (1988) ผลงานของเขาไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้ด้วยความเอาใจใส่เช่นเดียวกับบัลเลต์ Balanchine หรือ Tudor ที่ได้รับการเก็บรักษาไว้ในอเมริกา ในช่วงทศวรรษที่ 1930 Ninette de Valois เชิญ Nikolai Sergeev (1876-1951) ผู้อำนวยการโรงละคร Mariinsky ที่อพยพมาจากรัสเซียมาแสดงบัลเลต์คลาสสิกของศตวรรษที่ 19 เพื่อเพิ่มคุณค่าให้กับละครและเปิดโอกาสให้ศิลปินได้เชี่ยวชาญก่อนหน้านี้ รูปแบบการเต้นรำที่ไม่คุ้นเคย ในปี 1956 Wells Ballet ของ Sadler ได้กลายเป็น Royal Ballet และแสดงที่ Royal Opera House, Covent Garden ในช่วงทศวรรษ 1960 และ 1970 บัลเลต์อันน่าทึ่งของ Kenneth Macmillan ได้ปรากฏตัวในละครของเขา ควบคู่ไปกับผลงานคลาสสิกแบบดั้งเดิมและการผลิตของ Frederick Ashton การแสดงของเขาโดดเด่นในละครที่ขีดเส้นใต้ เต็มไปด้วยขั้นตอนกายกรรมและการสนับสนุนที่แสดงอารมณ์ที่รุนแรง การแสดงที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของมักมิลลัน ได้แก่ โรมิโอและจูเลียตหลายองก์ (ดนตรีโดย Prokofiev, 1965) และ Manon (1974 บรรเลงเพลงโดย J. Massenet เรียบเรียงโดย Leighton Lucas) ซึ่งจัดแสดงในหลายประเทศ Ashton ผู้กำกับ Royal Ballet ตั้งแต่ปี 1963 เกษียณในปี 1970 หลังจากการจากไปของ de Valois จนกระทั่งปี 1977 บริษัททำงานภายใต้ Macmillan จากนั้น Norman Morris (b. dancer and choreographer Martha Graham (1894-1991) ในปี 1986 Dowell นักเต้นที่เคยร่วมงานกับ Ashton เข้ามาเป็นหัวหน้ากลุ่ม ในขณะที่ Macmillan ยังคงเป็นหนึ่งในนักออกแบบท่าเต้นของบริษัทจนกระทั่งเขาเสียชีวิตในปี 1992 เขาถูกแทนที่ด้วยนักออกแบบท่าเต้นโดย David Bintley (เกิดปี 1957) ซึ่งบัลเลต์ของเขาซึ่งบางครั้งก็มีดราม่า บางครั้งก็ไม่มีโครงเรื่อง มีความหลากหลายทั้งในด้านสไตล์และแนวเพลง Dowell แนะนำให้รู้จักกับผลงานการผลิตของ Balanchine และ Robbins รวมถึงผลงานของ W. Forsyth และนักเต้นของคณะละครบางคน เขาเชิญนักเต้นจากรัสเซีย ฝรั่งเศส และสหรัฐอเมริกามาเป็นแขกรับเชิญ แต่ในขณะเดียวกัน เขาก็ให้ความสนใจกับศิลปินของเขาเอง ภายใต้พรสวรรค์ของ Darcy Bussel (เกิดปี 1969) Viviana Durante (เกิดปี 1967) ก็เจริญรุ่งเรือง เพื่อตอบสนองต่อคำวิจารณ์ที่ชี้ไปที่การขาดความสนใจต่อมรดกของแอชตัน Dowell ได้จัดเทศกาลบัลเลต์สำหรับฤดูกาล 1994-1995 ตลอดช่วงทศวรรษที่ 1940 และ 1940 คณะ Balle Rambert ยังคงแสดงบัลเลต์ใหม่อย่างต่อเนื่อง โดยคงไว้ซึ่งบัลเลต์คลาสสิกดั้งเดิมในละคร ซึ่งออกแบบมาสำหรับนักแสดงกลุ่มเล็กๆ ในปีพ.ศ. 2509 คณะได้รับการจัดระเบียบใหม่โดยละทิ้งการแสดงแบบดั้งเดิมและคงไว้ซึ่งรูปแบบการเต้นรำสมัยใหม่เท่านั้น ในปี 1987 Richard Alston (เกิดปี 1948) ซึ่งได้รับอิทธิพลจากสไตล์ของนักออกแบบท่าเต้นชาวอเมริกันอย่าง Merce Cunningham (เกิดปี 1919) ได้กลายมาเป็นผู้นำ ในปี 1994 โพสต์นี้ถ่ายโดย Christopher Bruce (เกิดปี 1945) อดีตนักเต้นนำและนักออกแบบท่าเต้นของคณะ บริษัทภาษาอังกฤษอื่นๆ ได้แก่ English National Ballet ซึ่งมีบรรพบุรุษโดยตรงในบริษัทที่ก่อตั้งในปี 1949 โดยอดีตนักเต้น Diaghilev Alicia Markova และ Anton Dolin (1904-1983) ซึ่งเป็นเวลาหลายปีที่รู้จักกันในชื่อ London Ballet Festival ในปีพ.ศ. 2527 ชาวเดนมาร์ก ปีเตอร์ เชาฟุส (เกิดปี พ.ศ. 2492) ซึ่งเป็นผู้นำคณะได้ชุบชีวิตบัลเลต์โรมิโอและจูเลียตของแอชตันขึ้นใหม่ ซึ่งเกือบจะถูกลืมไปในเวลานี้ ในปี 1990 Ivan Nagy กลายเป็นหัวหน้าคณะ Royal Ballet รักษาคณะเดินทางขนาดเล็กที่สองไว้เสมอ เธอตั้งรกรากในเบอร์มิงแฮมในปี 1990 และปัจจุบันเป็นที่รู้จักในชื่อ Birmingham Royal Ballet
รัสเซียโซเวียตและประเทศอื่นๆ ในรัสเซีย บัลเล่ต์ไม่ได้สูญเสียความสำคัญไปในช่วงหลายปีหลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่งและภายใต้การปกครองของสหภาพโซเวียต แม้ว่าสถานการณ์ทางการเมืองและเศรษฐกิจดูเหมือนจะคุกคามการมีอยู่ของโรงละครบอลชอยและมาริอินสกี (ซึ่งหลังการปฏิวัติเดือนตุลาคม เรียกว่าโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์แห่งรัฐ GOTOB และตั้งแต่ปี 1934 - ชื่อของ S.M. Kirov) โรงภาพยนตร์ ทศวรรษที่ 1920 เป็นช่วงเวลาแห่งการทดลองที่เข้มข้นทั้งในรูปแบบและเนื้อหาของการแสดงบัลเล่ต์ นอกจากนี้ยังมีโปรดักชั่นของ Proletkult ในหัวข้อทางการเมืองและสังคมและในมอสโกผลงานของ Kasyan Goleizovsky (2435-2513) และในเปโตรกราด (ในปี 2467 เปลี่ยนชื่อเลนินกราด) โปรดักชั่นต่าง ๆ ของ Fyodor Lopukhov (1886-1973) รวมถึงความยิ่งใหญ่ของ จักรวาล (1922) กับเพลงซิมโฟนีที่สี่ของเบโธเฟน The Red Poppy กับเพลงของ R.M. Glier บัลเล่ต์ที่จัดแสดงในปี 1927 โดย Vasily Tikhomirov (1876-1956) และ Lev Lashchilin (1888-1955) ในมอสโก ทำหน้าที่เป็นต้นแบบสำหรับบัลเลต์โซเวียตรุ่นต่อๆ ไป: นี่คือการแสดงที่หลากหลาย การแสดง ธีมคือความปรารถนาอันสูงส่งและการกระทำที่กล้าหาญ และดนตรีที่เขียนขึ้นเป็นพิเศษนั้นมีความไพเราะในธรรมชาติ บัลเล่ต์เช่นในปี 1932 The Flames of Paris โดย Vasily Vainonen (1901-1964) และในปี 1934 The Fountain of Bakhchisarai โดย Rostislav Zakharov (1907-1984) - ทั้งคู่มีดนตรีโดย Boris Asafiev เช่นเดียวกับในปี 1939 Laurencia (ดนตรีโดย Alexander Crane ) โดย Vakhtang Chabukiani (2453-2535 ) และในปี 2483 โรมิโอและจูเลียตโดย Leonid Lavrovsky (1905-1967) (ดนตรีโดย Prokofiev) สามารถใช้เป็นตัวอย่างของหลักการด้านสุนทรียะที่ไม่เพียงตามมาด้วยคณะละครหลักเท่านั้น - โรงละคร . S.M. Kirov ในเลนินกราดและโรงละครบอลชอยในมอสโก - แต่ยังโรงละครทั้งหมดประมาณ 50 แห่งที่ทำงานในประเทศ แม้ว่าการค้นพบของแต่ละคนในปี ค.ศ. 1920 จะได้รับการเก็บรักษาไว้ แต่การแสดงที่มุ่งสู่อุดมการณ์ทางการเมืองของสหภาพโซเวียตก็มีชัย และลักษณะการแสดงก็โดดเด่นด้วยความคล่องในการเคลื่อนไหวและความยืดหยุ่น (ลักษณะที่แขนและหลัง) ในขณะเดียวกันก็พัฒนาการกระโดดสูง ลิฟต์กายกรรม (ตัวอย่างเช่น สุภาพบุรุษยกแขนข้างหนึ่งขึ้นสูง) และการหมุนอย่างรวดเร็ว ซึ่งทำให้บัลเลต์โซเวียตแสดงออกอย่างน่าทึ่งเป็นพิเศษ หนึ่งในครูที่มีส่วนร่วมในการพัฒนารูปแบบนี้คือ Agrippina Vaganova (1879-1951) อดีตนักเต้นที่โรงละคร Mariinsky เธอเริ่มสอนเมื่อสิ้นสุดอาชีพการแสดงของเธอ หลังจากเป็นครูที่โรงเรียนออกแบบท่าเต้นเลนินกราดแล้ว Vaganova ได้พัฒนาโปรแกรมและตำราเรียนนาฏศิลป์คลาสสิกและเตรียมนักเรียนของเธอให้พร้อมสำหรับการแสดงบัลเลต์สุดโรแมนติกในอดีตและของโซเวียตยุคใหม่ด้วยเทคนิคอัจฉริยะของพวกเขา ทั่วทั้งสหภาพโซเวียต เช่นเดียวกับในยุโรปตะวันออก ระบบ Vaganova ถูกนำมาใช้เป็นพื้นฐานสำหรับการฝึกอบรม ผู้ชมในยุโรปตะวันตกและสหรัฐอเมริกาแทบไม่คุ้นเคยกับบัลเล่ต์โซเวียตจนถึงกลางทศวรรษ 1950 เมื่อคณะบัลเล่ต์ของโรงละคร คิรอฟและโรงละครบอลชอยออกทัวร์ทางทิศตะวันตกเป็นครั้งแรก ความสนใจในตัวเขากระตุ้นทักษะอันน่าทึ่งของนักบัลเล่ต์ Bolshoi Galina Ulanova (2453-2541) ซึ่งถ่ายทอดความรู้สึกของ Giselle และ Juliet ด้วยบทเพลงที่แทรกซึมและ Maya Plisetskaya (b. 1925) ซึ่งใช้เทคนิคที่ยอดเยี่ยมของเธอในบทบาทของ Odette-Odile ในทะเลสาบสวอน ในขณะที่โรงละครบอลชอยรวบรวมคุณลักษณะที่งดงามที่สุดของสไตล์โซเวียต แต่ความบริสุทธิ์แบบคลาสสิกของนักเต้นของโรงละครคิรอฟพบการแสดงออกในศิลปินเช่น Natalya Dudinskaya (b. 1912) และ Konstantin Sergeev (1910-1992) ซึ่งมีส่วนทำให้ การคืนชีพของประเพณีเปติปะ ศิลปินรุ่นต่อ ๆ มาประสบความสำเร็จอย่างมาก: Ekaterina Maksimova (b. 1939), Vladimir Vasiliev (b. 1940), Natalya Bessmertnova (b. 1941) และ Vyacheslav Gordeev (b. 1948) ที่โรงละคร Bolshoi, Irina Kolpakova (b. 1933), Alla Sizova (b. 1939) และ Yuri Solovyov (1940-1977) ที่โรงละคร Kirov ในปีพ.ศ. 2504 นูเรเยฟ นักเต้นชั้นนำคนหนึ่งของโรงละครคิรอฟ อาศัยอยู่ทางตะวันตกระหว่างทัวร์คณะละครที่ฝรั่งเศส ศิลปินชื่อดังอีกสองคนในโรงละครเดียวกัน - Natalia Makarova และ Mikhail Baryshnikov - ทำเช่นเดียวกัน (Makarova - ในลอนดอนในปี 1970 Baryshnikov - ในแคนาดาในปี 1974) ในช่วงทศวรรษ 1980 Oleg Vinogradov (เกิดปี 1937) ผู้อำนวยการคณะบัลเล่ต์ของโรงละครได้ผ่อนคลายแรงกดดันด้านการบริหารและการเมืองทางการเมือง Kirov ตั้งแต่ปี 1977 เริ่มนำบัลเลต์ของ Balanchine, Tudor, Maurice Béjart (b. 1927) และ Robbins มาใช้ในละคร Yuri Grigorovich (b. 1927) มีแนวโน้มที่จะสร้างสรรค์นวัตกรรมน้อยกว่าซึ่งตั้งแต่ปี 2507 เป็นหัวหน้า Bolshoi Ballet ผลงานแรกเริ่มของเขา - The Stone Flower (ดนตรีโดย Prokofiev, 2500) และ Spartak (ดนตรีโดย A.I. Khachaturian, 1968) - โดยทั่วไปแล้วจะเป็นการแสดงของโซเวียต Grigorovich อาศัยเอฟเฟกต์ที่น่าทึ่งจัดการนักเต้นที่เคลื่อนไหวอย่างกระฉับกระเฉงอย่างมั่นใจใช้การเต้นรำพื้นบ้านกันอย่างแพร่หลายชอบแผนการที่กล้าหาญ หลายปีที่ผ่านมา โรงละครบอลชอยเน้นการแสดงบัลเลต์ของกริโกโรวิชโดยเฉพาะ หรือการดัดแปลงบทละครเก่าของเขา เช่น ทะเลสาบสวอน ในตอนท้ายของทศวรรษ 1980 Irek Mukhamedov (b. 1960) และ Nina Ananiashvili (b. 1963) จากโรงละคร Bolshoi เช่นเดียวกับ Altynai Asylmuratova (b. 1961) และ Farukh Ruzimatov (b. 1963) จากโรงละคร คิรอฟได้รับอนุญาตให้แสดงร่วมกับคณะบัลเล่ต์ชั้นนำในตะวันตก จากนั้นก็กลายเป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มเหล่านี้ แม้แต่ Vinogradov และ Grigorovich ก็เริ่มมองหาโอกาสที่จะแสดงความสามารถของพวกเขานอกรัสเซียซึ่งเงินทุนของรัฐสำหรับโรงภาพยนตร์ลดลงอย่างมากหลังจากการล่มสลายของสหภาพโซเวียตในปี 1991 ในปี 1995 Grigorovich ถูกแทนที่ในฐานะผู้อำนวยการ Bolshoi Ballet โดย Vladimir Vasiliev คณะอื่นๆ ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเป็นคณะบัลเล่ต์ของโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์มาลี M. P. Mussorgsky (จนถึงปี 1991 มันถูกเรียกว่า Maly Theatre of Opera and Ballet), เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก "Boris Eifman Ballet Theatre" ซึ่งนำโดยนักออกแบบท่าเต้น Boris Eifman (b. 1946) คณะ Choreographic Miniatures ที่สร้างโดย Leonid Yakobson ( พ.ศ. 2447-2518) ซึ่งทำงานในโรงละคร Kirov ในปี พ.ศ. 2485-2512 ซึ่งงานของเขามีชื่อเสียงในแถบตะวันตก คณะละครเพลง im. เคเอส Stanislavsky และ Vl.I. Nemirovich-Danchenko โรงละครบัลเล่ต์คลาสสิก คณะ "Experiment" สร้างขึ้นในระดับการใช้งานโดย Evgeny Panfilov (b. 1956) สมควรได้รับความสนใจ การล่มสลายของสหภาพโซเวียตและวิกฤตเศรษฐกิจที่ตามมาทำให้เกิดความลำบากอย่างใหญ่หลวงต่อคณะบัลเล่ต์ ซึ่งจนกระทั่งถึงตอนนั้นก็ได้รับเงินอุดหนุนจากรัฐอย่างไม่เห็นแก่ตัว นักเต้นและครูจำนวนมากออกจากประเทศไปตั้งรกรากในสหรัฐอเมริกา อังกฤษ เยอรมนี และประเทศตะวันตกอื่นๆ ในช่วงสงครามเย็น หลายประเทศในยุโรปตะวันออกซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มโซเวียตปฏิบัติตามหลักการของสหภาพโซเวียตทั้งในการฝึกนักเต้นและการแสดงละคร เมื่อพรมแดนเปิดออก ศิลปินจำนวนมากจากประเทศเหล่านี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งจากฮังการีและโปแลนด์ ได้เข้าร่วมความสำเร็จของการออกแบบท่าเต้นของคณะตะวันตกที่มาหาพวกเขา และเริ่มเดินทางออกนอกประเทศของตน
ฝรั่งเศส. บัลเลต์ฝรั่งเศสในต้นศตวรรษที่ 20 อยู่ในภาวะวิกฤต ศิลปินชาวรัสเซียที่ได้รับเชิญให้ไปที่ Paris Opera โดยเฉพาะจากคณะ Diaghilev นั้นแข็งแกร่งกว่านักแสดงชาวฝรั่งเศสมาก หลังจากการเสียชีวิตของ Diaghilev นักเต้นชั้นนำของคณะของเขา Sergei Lifar (1905-1986) ซึ่งครั้งหนึ่งเคยมาถึงฝรั่งเศสจากยูเครนเป็นหัวหน้า Paris Opera Ballet และยังคงอยู่ในตำแหน่งนี้ในปี 1929-1945 จากนั้นในปี 1947-1958 . ภายใต้การนำของเขานักเต้นที่ยอดเยี่ยมเติบโตขึ้นโดยเฉพาะอย่างยิ่งนักบัลเล่ต์โคลงสั้น ๆ ที่ยอดเยี่ยม Yvette Chauvire (b. 1917) ซึ่งมีชื่อเสียงในการแสดงบทบาทของ Giselle การทดลองที่น่าสนใจที่สุดในสาขาการออกแบบท่าเต้นได้ดำเนินการนอก Paris Opera โดยเฉพาะอย่างยิ่งโดย Roland Petit และ Maurice Béjart Petit (b. 1924) ออกจาก Opera ในปี 1944 และสร้าง "Ballet des Champs Elysees" ซึ่งเขาได้แสดงบัลเล่ต์ Youth and Death (1946) เป็นเพลงสำหรับ Jean องนักเต้นที่มีพลัง Babilé ( บี. 1923). จากนั้นสำหรับคณะ "Ballet de Paris" เขาได้สร้างผลงานที่มีชื่อเสียงและยาวนานที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา - Carmen (1949 ให้กับดนตรีของ J. Bizet) กับ Rene (Zizi) Jeanmer (b. 1924) ความสามารถในการแสดงละครของ Petit ทำให้เขาสามารถทำงานในหลากหลายรูปแบบและมีส่วนร่วมในกิจกรรมเชิงพาณิชย์ ตั้งแต่ปีพ.ศ. 2515-2541 เขาเป็นผู้นำ Ballet National de Marseille ซึ่งเขาได้แสดงละครที่มีสไตล์และฉุนเฉียวมากมาย หลังจากลีฟาร์ คณะละครโอเปร่าปารีสถูกนำโดยปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงเช่น Harald Lander (1905-1971), Georges Skibin (2463-2524), Violetta Verdi และ Rosella Hightower (b. 1920) ละครได้รับการเสริมแต่งด้วยผลงานของ Petit และ Béjart, Balanchine, Robbins, Grigorovich, Glen Tetley รวมถึงตัวแทนของ Paul Taylor (b. 1930) และ Merce Cunningham นักเต้นสมัยใหม่ชาวอเมริกัน ในปี 1983 รูดอล์ฟ นูเรเยฟ ได้รับการแต่งตั้งให้ดำรงตำแหน่งหัวหน้า เขาให้ความสนใจเป็นพิเศษกับการพัฒนานักเต้นบัลเลต์ เช่น Sylvie Guillaume (เกิดปี 1965) และ Isabelle Guerin (เกิดปี 1961) และเปิดโอกาสให้บริษัทได้ทดลองออกแบบท่าเต้นในทิศทางต่างๆ ในขณะที่ยังคงความคลาสสิกไว้ หลังจากการจากไปของ Nureyev (1989) Patrick Dupont (b. 1959) อดีตนักเต้นชั้นนำที่มีชื่อ "ดารา" กลับมาที่คณะตอนนี้ในฐานะผู้นำ ในปี 1970 และ 1980 กองทหารจังหวัดของฝรั่งเศสเริ่มได้รับการสนับสนุนจากรัฐและได้รับชื่อเสียงระดับนานาชาติ คณะ "Ballet of the Rhine Departments" สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษซึ่งภายใต้การดูแลของ Jean Paul Gravier ได้แสดงให้เห็นถึงการสร้างการแสดงใหม่หลายครั้งของศตวรรษที่ 18 สร้างขึ้นบนพื้นฐานของการวิจัยทางประวัติศาสตร์อย่างรอบคอบโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวสวีเดน Ivo Kramer (b. 1921) โดยเฉพาะอย่างยิ่งบัลเล่ต์ Dauberval's Vain Precaution และ Medea และ Jazon Noverre (ดนตรีโดย Jean Joseph Rodolphe) โรงอุปรากร Ballet de Lyon แสดงการแสดงนาฏศิลป์อย่างมีสไตล์ ออกแบบโดย Magy Marin (เกิดปี 1947)
เดนมาร์ก.บัลเล่ต์ในเดนมาร์กเข้าสู่ศตวรรษที่ 20 ในสภาวะที่ซบเซา ขอบคุณ Hans Beck ที่มรดกของ August Bournonville ยังคงอยู่ แต่การขาดความคิดริเริ่มนำไปสู่ความจริงที่ว่าการพัฒนา Royal Ballet ในโคเปนเฮเกนหยุดลง การฟื้นตัวของกิจกรรมบางอย่างเกิดขึ้นในช่วงปี พ.ศ. 2475-2494 เมื่อคณะนำโดยฮารัลด์แลนเดอร์ (แลนเนอร์) นักศึกษาของเบ็ค Lander เก็บงานของ Bournonville ถ้าเป็นไปได้ในเวอร์ชันดั้งเดิม แต่ยังแสดงบัลเล่ต์ของตัวเอง: Etudes (1948) ที่โด่งดังที่สุดสำหรับดนตรีโดย K. Czerny เรียบเรียงโดย Knudoge Risager) ซึ่งเป็นองค์ประกอบหลักของห้องเรียนบัลเล่ต์ ถูกนำขึ้นเวทีและแสดงละคร ในปีพ.ศ. 2494 แลนเดอร์ได้แต่งตั้ง Vera Volkova (2447-2518) ในเวลานั้นเป็นผู้เชี่ยวชาญที่มีอำนาจมากที่สุดในระบบ Vaganova ทางตะวันตกเป็นที่ปรึกษาด้านศิลปะของคณะ ด้วยความพยายามของเธอ นักเต้นชาวเดนมาร์กจึงเชี่ยวชาญเทคนิคใหม่ ซึ่งเปิดโอกาสให้พวกเขาได้แสดงผลงานในรูปแบบต่างๆ คณะออกจากการแยกตัว ออกทัวร์ยุโรป รัสเซีย และทวีปอเมริกา แอนิเมชั่นที่สง่างามและสนุกสนานซึ่งมีอยู่ในสไตล์ของ Bournonville นั้นสร้างความประทับใจได้มากที่สุด เช่นเดียวกับการเต้นที่ผาดโผน ซึ่งทำให้การแสดงของนักเต้นเดนมาร์กโดดเด่น โดยเฉพาะ Eric Brun การฝึกอบรมนักเต้นชายได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในความสำเร็จหลักของโรงเรียนในเดนมาร์ก ในช่วงทศวรรษที่ 1960 และ 1970 มีความสนใจในประวัติศาสตร์ของบัลเล่ต์เพิ่มขึ้นอย่างไม่ธรรมดา และการแสดงของ Bournonville เริ่มมีการศึกษาว่าเป็นตัวอย่างที่แท้จริงของผลงานบัลเลต์โรแมนติกที่ยังคงหลงเหลืออยู่ ส่งผลให้ Royal Danish Ballet จัดเทศกาล Bournonville Ballet ขึ้นในปี 1979 และ 1992. หลังจากแลนเดอร์ ทีมงานทำงานภายใต้การแนะนำของศิลปินหลายคน รวมถึง Flemming Flindt (เกิดปี 1936), Henning Kronshtam (เกิดปี 1934) และ Frank Andersen (เกิดปี 1954) ในปี 1994 คณะได้รับการกำกับโดย Peter Schaufus และในปี 1996-1999 โดย Maina Gielgud หญิงชาวอังกฤษ (เกิดปี 1945) ละครของ Royal Danish Ballet ค่อยๆ ขยายไปสู่การรวมผลงานของนักออกแบบท่าเต้นต่างชาติ ในขณะที่บัลเลต์ของ Bournonville เริ่มรวมอยู่ในละครของบริษัทเต้นรำทั่วโลก ในปีพ.ศ. 2525 บัลเลต์แห่งชาติของแคนาดาได้จัดแสดงบัลเลต์ทั้งหมดเนเปิลส์ (ดนตรีโดย Niels Wilhelm Gade, Edward Mats Ebbe Helsted, Holger Simon Paulli และ Hans Christian Lumby) และในปี 1985 Balle West ในเมืองซอลท์เลคซิตี้ (ยูทาห์) ของอเมริกา . ) กำกับการแสดงโดย Bruce Marks และ Tony Lander แสดงให้เห็นการสร้างบัลเลต์ Abdalla ขึ้นใหม่ (ดนตรีโดย Holger Simon Paulli) ซึ่งไม่เคยมีการแสดงมาก่อน 125 ปี
เยอรมนี. ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ในประเทศเยอรมนี ปรากฏการณ์ที่สำคัญที่สุดคือการพัฒนาของการเต้นรำเสรีซึ่งได้รับชื่อ "แสดงออก" ที่นี่ - Ausdruckstanz หลังสงครามโลกครั้งที่สอง รัฐบาลของ FRG และ GDR ให้ความสำคัญกับการสนับสนุนคณะบัลเล่ต์เป็นอย่างมาก ในเมืองหลักทุกแห่งของเยอรมนีตะวันตก กลุ่มบัลเลต์อิสระได้ถูกสร้างขึ้นที่โรงอุปรากร ซึ่งแสดงการแสดงของพวกเขาในขณะที่เข้าร่วมในโอเปร่า John Cranko จากอังกฤษ (พ.ศ. 2470-2516) ผู้แสดงและแสดงละครเวทีในคณะละครอังกฤษ Sadler's Wells Theatre Balle เป็นหัวหน้าคณะบัลเล่ต์ชตุทท์การ์ทในปี 2504 และได้สร้างละครที่ครอบคลุมถึงการแสดงหลายองก์ของเขาเอง ในหลายประการที่ชวนให้นึกถึง บัลเลต์โซเวียตอย่างมีสไตล์ เต็มไปด้วยการร่ายรำ นี่คือโรมิโอและจูเลียต (ดนตรีโดย Prokofiev, 1962) Onegin (1965, ดนตรีโดย Tchaikovsky, เรียบเรียงโดย K. Kh. Stolze) และ The Taming of the Shrew (1969, บรรเลงโดย A. Scarlatti, เรียบเรียงโดย K.-H. Stolze) บัลเลต์ที่ประสบความสำเร็จขึ้นอยู่กับกลุ่มใหญ่ ขอบเขตการมีส่วนร่วมของนักเต้นที่ยอดเยี่ยม Marcia Heide (b. 1939) ชาวบราซิลโดยกำเนิดและ American Richard Craghan คู่หูของเธอ (b. 1944) ในไม่ช้าคณะก็มีชื่อเสียงไปทั่วโลก หลังจากการเสียชีวิตของ Cranko ก่อนวัยอันควร Glen Tetley นำโดยผู้แสดงบัลเล่ต์ Solo บนออร์แกนในความทรงจำของ Cranko (อาสาสมัคร 2516 กับดนตรีโดย F. Poulenc) ท่ามกลางความสำเร็จหลักของ Cranko คือการประชุมเชิงปฏิบัติการเชิงสร้างสรรค์ที่เขาสร้างขึ้น ซึ่งนักออกแบบท่าเต้นรุ่นเยาว์สามารถทดลองได้ ชาวอเมริกัน William Forsythe และ John Neumeier (b. 1942) รวมถึงชาวเช็ก Jiri Kilian (b. 1947) เริ่มทำงานที่นี่ พวกเขาทั้งหมดกลายเป็นนักออกแบบท่าเต้นชั้นนำในโรงละครบัลเลต์ของยุโรปในทศวรรษต่อมา นอยเมเยอร์รับหน้าที่บัลเลต์ในฮัมบูร์กในปี 1973 และสร้างละครมากมายที่นั่น ทั้งจากการแสดงคลาสสิกของเขาเองและการผลิตดั้งเดิมในธีมทางศาสนาและปรัชญา ซึ่งเขาใช้ดนตรีของมาห์เลอร์ สตราวินสกี และบาค บัลเล่ต์ Passion for St. แมทธิว (1981) ใช้เวลาสี่ชั่วโมง Forsyth เข้าร่วม Stuttgart Ballet ไม่นานก่อนที่ Cranko จะเสียชีวิตและเต้นรำที่นี่ ขณะแสดงละครจนถึงปี 1984 เมื่อเขาได้รับเชิญให้เป็นหัวหน้าของ Frankfurt Ballet ได้รับอิทธิพลจากแนวคิดทั่วไปในวรรณคดีสมัยใหม่ ฟอร์ซิธจึงนำแนวคิดเหล่านี้มาประยุกต์ใช้กับบัลเล่ต์ ในท่าเต้นของเขา มีความแตกแยกแบบเดียวกับที่ทำให้วรรณกรรมในยุคหลังสมัยใหม่แตกต่าง มีการใช้คำพูดในการเต้นรำ และใช้เทคนิคที่เกี่ยวข้องกับรูปแบบศิลปะอื่นๆ เทคนิคการเต้นขึ้นอยู่กับพลังงานสุดขั้ว การละเมิดความสมดุลตามธรรมชาติ และเป้าหมายคือการถ่ายทอดความสัมพันธ์ที่โรแมนติกในช่วงเวลาที่มีความตึงเครียดสูงสุด เช่นเพลงบัลเลต์ Love Songs (1979, ดนตรีพื้นบ้าน) และตรงกลางค่อนข้างสูง (เพลงของ Leslie Stuck และ Tom Wilems) ซึ่งจัดแสดงโดย Forsyth ตามคำเชิญของ Nureyev ที่ Paris Opera ในปี 1988 ผลงานของเขาเกี่ยวกับดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ที่รุนแรงของ Tom Willems ชาวดัตช์ ซึ่งมีส่วนทำให้เกิดบรรยากาศของความแปลกแยกและความวิตกกังวลที่คลุมเครือ
เนเธอร์แลนด์.ก่อนสงครามโลกครั้งที่สอง อิทธิพลของการเต้นรำเสรีของเยอรมันมีอิทธิพลมากที่สุดในเนเธอร์แลนด์ หลังสงคราม ความสนใจของผู้ชมในบัลเล่ต์เพิ่มขึ้น และคณะ "Dutch National Ballet" ได้ก่อตั้งขึ้นในอัมสเตอร์ดัม ในปีพ.ศ. 2502 นักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นจำนวนหนึ่งออกจากคณะนี้ ได้ก่อตั้ง "โรงละครเต้นรำเนเธอร์แลนด์" ซึ่งตั้งรกรากอยู่ในกรุงเฮกและอุทิศตนเพื่อการออกแบบท่าเต้นสมัยใหม่โดยเฉพาะ คณะทั้งสองมักแลกเปลี่ยนทั้งศิลปินและการแสดง Hans van Manen (เกิดปี 1932) และ Rudy van Dantzig (เกิดปี 1933) ผู้อำนวยการฝ่ายศิลป์ของ Dutch National Ballet ร่วมกับ Glen Tetley ก่อตั้งละครของ Dutch Dance Theatre งานของ Tetley ขึ้นอยู่กับอิทธิพลที่หลากหลาย ได้แก่ Chania Holm (1898-1992) และ Martha Graham และ Jerome Robbins และ American Balle Theatre; เขาใช้ทั้งเทคนิคการใช้นิ้วของบัลเล่ต์และการใช้ร่างกายที่มากเกินไปและลักษณะมือที่แสดงออกอย่างเด่นชัดของการเต้นสมัยใหม่ แต่ไม่ได้ใช้การกระโดดและการลื่นไถลที่พัฒนาขึ้นในการเต้นรำแบบคลาสสิก บัลเลต์ของ van Dantzig และ van Manen นั้นคล้ายคลึงกับของ Tetley เนื่องจากเป็นการผสมผสานเทคนิคต่างๆ ผลงานอันน่าประทับใจของ Van Danzig Monument to a Dead Youth (1965, ดนตรีโดย Jan Berman) ได้รับการดำเนินการโดยคณะบัลเล่ต์หลายแห่งทั่วโลก ในปี 1978 จิรี กิเลียน ซึ่งมักถูกเปรียบเทียบกับทิวดอร์ ได้กลายเป็นหัวหน้าของโรงละครเต้นรำดัตช์ เพราะทั้งคู่ได้พูดคุยกันในหัวข้อที่เกี่ยวข้องกับผู้คนและชอบใช้ดนตรีของนักประพันธ์เพลงชาวยุโรปกลาง Kilian ได้เพิ่มคุณสมบัติใหม่ให้กับรูปแบบผสมผสานของรุ่นก่อนของเขา: การใช้การเคลื่อนไหวอย่างกว้างขวางโดยนอนราบกับพื้น, เอฟเฟกต์ประติมากรรมที่น่าทึ่ง, การยกสูงและสปิน บัลเลต์ของเขา The Return to a Foreign Land (1974 และ 1975 - สองฉบับ) และ Sinfonietta (1978) สร้างขึ้นเพื่อดนตรีของ L. Janáček และแสดงในหลายประเทศ แสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ที่เปิดขึ้นเมื่อรูปแบบการเต้นถูกสร้างขึ้นอย่างใกล้ชิด ตัวเลขการเต้นรำแบบเว้นระยะ สนใจในวัฒนธรรมของชาวอะบอริจินในออสเตรเลีย นักออกแบบท่าเต้นได้สร้างบัลเลต์ The Constantly Visited Place ในปี 1983 (Stamping Ground ดนตรีโดย Carlos Chavez) และ Sleep Time (เวลาดรีมไทม์ ดนตรีโดย Takemitsu) ในช่วงต้นทศวรรษ 1990 กิเลียนเข้าร่วมคณะหลักกับคณะอื่น - "โรงละครเนเธอร์แลนด์ 3" Scapino Ballet ซึ่งตั้งอยู่ในเมืองรอตเตอร์ดัมภายใต้การดูแลของ Niels Kriste (เกิดปี 1946) เป็นอีกบริษัทหนึ่งของเนเธอร์แลนด์ที่ได้รับความสนใจจากการผลิตสมัยใหม่
ศิลปะบัลเล่ต์ทั่วโลก เป็นช่วงกลางศตวรรษที่ 20 บทบาทของบัลเล่ต์เพิ่มขึ้น คณะละครเริ่มถูกสร้างขึ้นในเกือบทุกประเทศในอเมริกา ยุโรป เอเชีย รวมถึงบางภูมิภาคของเอเชียกลางและแอฟริกา เช่นเดียวกับในออสเตรเลียและนิวซีแลนด์ บัลเลต์พบสถานที่สำหรับตัวเองแม้ในประเทศที่มีประเพณีการเต้นที่หลากหลาย เช่น สเปน จีน ญี่ปุ่น และเอเชียไมเนอร์ Maurice Béjart ซึ่งเติบโตขึ้นมาในช่วงหลังสงครามฝรั่งเศส ก่อตั้ง Ballet of the 20th Century ในกรุงบรัสเซลส์ในปี 1960 คณะนี้รวมถึงโรงเรียนที่ผิดปกติอย่างมากซึ่งจัดภายใต้ชื่อ "Mudra" มีเป้าหมายในการส่งเสริมศิลปะการแสดงบัลเล่ต์ การแสดงละครเต้นรำตามจิตวิทยาและแนวคิดทางปรัชญาสมัยใหม่ มีการแสดงหลายครั้งในสนามกีฬาเพื่อให้ผู้ชมได้ชมมากที่สุด Béjart ปฏิเสธคำกล่าวอ้างของ Balanchine ว่า "บัลเล่ต์เป็นผู้หญิง" และเน้นที่นักเต้นชาย: ตัวอย่างเช่น ในบัลเล่ต์ The Firebird (เป็นเพลงของห้องชุดของ Stravinsky, 1970) เขาเปลี่ยนนักแสดงในส่วนหลักเป็นหนุ่ม ผู้ชายที่แสดงถึงพรรคพวก อย่างไรก็ตาม Susan Farrell นักบัลเล่ต์ชั้นนำของ Balanchine ซึ่งออกจากคณะนิวยอร์กชั่วคราวหลังจากที่เธอแต่งงาน ได้เต้นรำในคณะของเขาเป็นเวลาห้าปี ในปี 1987 Gerard Mortier ผู้อำนวยการ Théâtre de la Monnaie ในกรุงบรัสเซลส์ ซึ่งเป็นสถานที่ทำงานของ Ballet of the 20th Century เสนอให้ Bejart ลดค่าใช้จ่ายและลดองค์ประกอบของคณะ Bejart ซึ่งไม่เห็นด้วยกับข้อกำหนดเหล่านี้ เริ่มมองหาที่อื่นที่เขาสามารถทำงานต่อไปได้ มีการยื่นข้อเสนอมากมายให้เขาจากประเทศต่างๆ ในยุโรป และเขาเลือกโลซานในสวิตเซอร์แลนด์ ตอนนี้คณะของเขาถูกเรียกว่า "Béjart's Ballet" ในทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 20 นักบัลเล่ต์ชาวอิตาลี Carla Fracci, Alessandra Ferri (เกิดปี 1963) และ Viviana Durante นักเต้นชั้นนำของ British Royal Ballet ได้แสดงอย่างประสบความสำเร็จอย่างมากนอกประเทศอิตาลี แต่ไม่มีโรงละครในบ้านเกิดที่พวกเขาสามารถหาใบสมัครที่คู่ควรได้ ความสามารถของพวกเขา ในสเปนที่ซึ่งประเพณีการเต้นรำประจำชาติยังคงแข็งแกร่งกว่านวัตกรรมใด ๆ อย่างไรก็ตามนักออกแบบท่าเต้นท้องถิ่นที่มุ่งมั่นบัลเล่ต์คลาสสิกได้ปรากฏตัว - Nacho Duato (b. 2500) ซึ่งเป็นหัวหน้า Ballet Lirico Nacional Duato ซึ่งเป็นอดีตนักเต้นที่ Dutch Dance Theatre ออกแบบท่าเต้นที่ผสมผสานความคล่องแคล่วว่องไวของ Kilian เข้ากับความปรารถนาอันแรงกล้า ในปี ค.ศ. 1920 Rolf de Mare นักแสดงชาวสวีเดน (พ.ศ. 2441-2507) ได้ก่อตั้งบริษัทบัลเลต์แห่งสวีเดนในกรุงปารีส ออกแบบท่าเต้นโดย Jean Berlin (พ.ศ. 2436-2473) กลุ่มนี้ทำการทดลองอย่างกล้าหาญและใช้เวลาสองสามปีในการดำรงอยู่ตั้งแต่ พ.ศ. 2463 ถึง พ.ศ. 2468 ได้แข่งขันกับ Russian Ballet ของ Diaghilev Royal Swedish Ballet ซึ่งตั้งอยู่ในอาคาร Royal Opera ในสตอกโฮล์มตั้งแต่ปี 1773 กำกับการแสดงในปี 1950-1953 โดย Anthony Tudor ในปี 1950 Birgit Kulberg (เกิดปี 1908) Freken Julia (ดนตรีโดย Thure Rangström) ได้ฉายรอบปฐมทัศน์ที่นี่ ซึ่งยังคงแสดงโดยคณะละครสัตว์มากมายทั่วโลก ในปีพ. ศ. 2506 ทิวดอร์ได้รับเชิญให้เข้าร่วม Royal Ballet อีกครั้งโดยจัดแสดง Echo of Trumpets (ดนตรีโดย Bohuslav Martinu) Birgit Kulberg ผู้ซึ่งศึกษากับ Kurt Jooss และ Martha Graham ได้ก่อตั้งคณะของเธอเองในปี 1967 และทดลองผสมผสานการออกแบบท่าเต้นคลาสสิกและการเต้นรำสมัยใหม่ในการแสดงครั้งเดียว Mats Ek ลูกชายของเธอ (เกิดปี 1945) ซึ่งเป็นหัวหน้าทีมบัลเลต์ Kulberg มาตั้งแต่ปี 1990 ได้แสดงบัลเลต์ Giselle และ Swan Lake แบบใหม่อย่างสมบูรณ์ ซึ่งไม่เหมือนกับการแสดงบัลเล่ต์ Giselle และ Swan Lake แบบดั้งเดิมเลย ในศตวรรษที่ 20 คณะละครสัตว์สำคัญสามคนของแคนาดาได้เกิดขึ้น: Royal Winnipeg Ballet ซึ่งก่อตั้งขึ้นภายใต้ชื่อ Winnipeg Ballet Club ในปี 1938 และในปี 1949 ได้กลายเป็นคณะมืออาชีพ "บัลเล่ต์แห่งชาติของแคนาดา" สร้างขึ้นในโตรอนโตในปี 2494; และ Great Canadian Ballet ซึ่งเริ่มดำเนินการในมอนทรีออลในปี 2500 บัลเล่ต์แห่งชาติของแคนาดาก่อตั้งโดย Celia Franca (b. 1921) ซึ่งดำเนินการกับบริษัทอังกฤษ Balle Rambert และ Sadler's Wells Ballet จากประสบการณ์ของ Wells Balle ของ Sadler เธอเริ่มต้นด้วยการแสดงบัลเลต์คลาสสิกจากศตวรรษที่ 19 Franca กำกับคณะจนถึงปี 1974 เมื่อเธอถูกแทนที่โดย Alexander Grant (b. 1925) Reid Anderson (b. 1949) เป็นผู้นำคณะตั้งแต่ปี 1994-1996 และในปี 1996 James Kudelka (b. 1955) ได้รับการแต่งตั้งให้ดำรงตำแหน่งนี้ บัลเล่ต์พัฒนาอย่างรวดเร็วในคิวบา Alicia Alonso นักบัลเล่ต์ชาวอเมริกันที่โด่งดังที่สุดคนหนึ่งในโรงละครบัลเล่ต์ชาวอเมริกันที่โด่งดังที่สุดในสหรัฐอเมริกา กลับมายังบ้านเกิดของเธอหลังจากการปฏิวัติของฟิเดล คาสโตรในปี 2502 และก่อตั้งบริษัทบัลเล่ต์แห่งชาติของคิวบา ชีวิตบนเวทีของอลอนโซ่นั้นยาวนานมากเธอหยุดแสดงเมื่ออายุมากกว่าหกสิบปีเท่านั้น นักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นที่ยอดเยี่ยมหลายคนทำงานในบัวโนสไอเรสในช่วงเวลาต่างๆ โดยเฉพาะ Nijinska และ Balanchine อาร์เจนตินา Julio Bocca และ Paloma Herrera (เกิดปี 1975) ซึ่งกลายเป็นนักเต้นชั้นนำของ "American balle tietr" เริ่มเรียนเต้นรำในบัวโนสไอเรส นักเต้นชาวรัสเซียหลายคนหลังจากการปฏิวัติในปี 2460 ออกจากประเทศผ่านพรมแดนเอเชีย บางคนตั้งรกรากอยู่ชั่วคราวหรือถาวรในประเทศจีน หลังสงครามโลกครั้งที่สอง ครูและนักออกแบบท่าเต้นจากสหภาพโซเวียตทำงานในประเทศจีน ระหว่างการปฏิวัติวัฒนธรรมจีนในปี 1960 อิทธิพลของสหภาพโซเวียตอ่อนแอลง และเริ่มมีการสร้างสรรค์ผลงานระดับชาติ เช่น กองพันสตรีแดงหรือสาวผมหงอก (ทั้งในปี 1964) การแสดงเหล่านี้เป็นตัวอย่างของทิศทางที่ปฏิเสธการแต่งเนื้อร้องในบัลเล่ต์ว่าเสื่อมโทรม คุณลักษณะที่โดดเด่นของพวกเขาคือระเบียบวินัยเหล็กและความชัดเจนในการเต้นรำจำนวนมากที่ดำเนินการโดยคณะบัลเล่ต์บนนิ้วมือ เมื่ออิทธิพลจากต่างประเทศเพิ่มขึ้นในทศวรรษ 1970 และ 1980 บริษัทบัลเลต์ใหม่ๆ ก็เกิดขึ้นในเมืองต่างๆ ของจีน พวกเขายังถูกสร้างขึ้นในเมืองหลักของประเทศอื่น ๆ ในเอเชีย
บทสรุป.ปลายศตวรรษที่ 20 ปัญหาที่ต้องเผชิญกับศิลปะของบัลเล่ต์มีความชัดเจนมากขึ้น ในช่วงทศวรรษ 1980 เมื่อ Balanchine, Ashton และ Tudor เสียชีวิต (ในทศวรรษ 1980) และ Robbins เกษียณจากการทำงาน สุญญากาศเชิงสร้างสรรค์ก็เกิดขึ้น นักออกแบบท่าเต้นรุ่นเยาว์ส่วนใหญ่ที่ทำงานช่วงปลายศตวรรษที่ 20 ไม่ได้สนใจในการพัฒนาทรัพยากรของนาฏยศิลป์มากนัก พวกเขาชอบการผสมผสานของระบบการเต้นที่แตกต่างกัน โดยที่การเต้นแบบคลาสสิกดูหมดลง และการเต้นสมัยใหม่ขาดความแปลกใหม่ในการเปิดเผยความสามารถทางร่างกาย ในความพยายามที่จะถ่ายทอดสิ่งที่เป็นแก่นแท้ของชีวิตสมัยใหม่ นักออกแบบท่าเต้นใช้เทคนิคการใช้นิ้วประหนึ่งเพื่อเน้นย้ำความคิด แต่ละเลยการเคลื่อนไหวของมือแบบดั้งเดิม (พอร์ตเดอบราส์) ศิลปะแห่งการสนับสนุนลดลงเหลือเพียงปฏิสัมพันธ์ระหว่างคู่รัก เมื่อผู้หญิงคนหนึ่งถูกลากไปบนพื้น โยน วนเป็นวงกลม แต่แทบไม่เคยสนับสนุนหรือเต้นรำกับเธอเลย คณะละครส่วนใหญ่สร้างละครเพื่อรวมเอาเพลงคลาสสิกของศตวรรษที่ 19 เข้าไว้ด้วยกัน (Sylphide, Giselle, Swan Lake, Sleeping Beauty) บัลเล่ต์ที่มีชื่อเสียงที่สุดของปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 20 (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor และ Ashton) ผลงานยอดนิยมของ Macmillan, Cranko, Tetley และ Kilian และผลงานของนักออกแบบท่าเต้นรุ่นใหม่เช่น Forsyth, Duato, James Koudelka ในขณะเดียวกัน นักเต้นก็ได้รับการฝึกฝนที่ดีขึ้น เช่น มีครูที่มีความรู้มากขึ้น เวชศาสตร์การเต้นที่ค่อนข้างใหม่ช่วยให้นักเต้นสามารถเข้าถึงเทคนิคในการป้องกันการบาดเจ็บ มีปัญหาในการแนะนำนักเต้นให้รู้จักกับดนตรี ดนตรียอดนิยมที่แพร่หลายไม่รู้จักความหลากหลายของรูปแบบ ในหลายประเทศที่การสอนการรู้หนังสือทางดนตรีอยู่ในระดับต่ำ โฟโนแกรมถูกใช้อย่างต่อเนื่องในการแสดงละคร ทั้งหมดนี้ขัดขวางการพัฒนาทางดนตรีในหมู่นักเต้น การแข่งขันบัลเล่ต์ได้กลายเป็นปรากฏการณ์ใหม่ในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา โดยครั้งแรกจัดขึ้นที่เมืองวาร์นา (บัลแกเรีย) ในปี 2507 ไม่เพียงแต่ดึงดูดรางวัลเท่านั้น แต่ยังมีโอกาสแสดงตัวต่อผู้พิพากษาที่เป็นตัวแทนขององค์กรที่มีชื่อเสียงที่สุด มีการแข่งขันเพิ่มขึ้นเรื่อยๆ อย่างน้อยสิบรายการในประเทศต่างๆ บางคนเสนอทุนเงินร่วมกัน ในการเชื่อมต่อกับความต้องการนักออกแบบท่าเต้น การแข่งขันสำหรับนักออกแบบท่าเต้นก็เกิดขึ้นเช่นกัน

  • - การแสดงครั้งแรกในมอสโก - "The Ballet of Orpheus and Eurydice" จัดแสดงในปี 1673 โดยชาวสวีเดน N. Lim ในปี ค.ศ. 1773 แผนกหนึ่งได้เปิดขึ้นที่สถานเลี้ยงเด็กกำพร้ามอสโก...

    มอสโก (สารานุกรม)

  • - คลาสสิกปรากฏตัวครั้งแรกในญี่ปุ่นในปี 1912 เมื่อนักออกแบบท่าเต้นชาวอิตาลี Giovanni Roshi มาถึงที่นั่นผู้สอนการเต้นที่โรงละคร Teikoku Gekijo เป็นเวลาสามปี ...

    ประเทศญี่ปุ่น

  • - บัลเล่ต์ ประเภทของศิลปะการแสดงบนเวที: การแสดงละครเพลงและการออกแบบท่าเต้นที่เหตุการณ์ ตัวละคร และความรู้สึกของตัวละครทั้งหมดถูกส่งผ่านการเต้นรำ ...

    สารานุกรมศิลปะ

  • - - ทัศนียภาพของเวที คดีความ; การแสดงเนื้อหาที่เป็นตัวเป็นตนในดนตรีการออกแบบท่าเต้น ภาพ อิงจากบทละครทั่วไป plan B. ผสมผสานดนตรี การออกแบบท่าเต้น และวิจิตรศิลป์...

    สารานุกรมดนตรี

  • - มาเปิดหนังสือพุชกินกันเถอะ: โรงละครเต็มแล้ว บ้านพักส่องแสง; Parterre และเก้าอี้ - ทุกอย่างเต็มไปหมด ในสรวงสวรรค์มีการสาดกระเซ็นอย่างไม่อดทน และม่านก็ขึ้น ทำให้เกิดเสียงกรอบแกรบ...

    พจนานุกรมเพลง

  • - ประเภทของศิลปะการแสดงละครซึ่งวิธีหลักในการแสดงออกคือสิ่งที่เรียกว่าการเต้นรำ "คลาสสิก" ผลงานบนเวทีของศิลปะรูปแบบนี้...

    สารานุกรมถ่านหิน

คุณอาจสนใจ
สูตรไส้กรอกคุณหมอตาม GOST
สูตรไส้กรอกคุณหมอตาม GOST
ไส้กรอกของหมอที่เตรียมตาม GOST เป็นผลิตภัณฑ์คุณภาพสูงและดีต่อสุขภาพซึ่งเป็นส่วนผสมหลัก ...
ลูกอมชนิดใดก็ได้ วิธีทำขนม. โฮมเมดอัลมอนด์และโกโก้
ลูกอมชนิดใดก็ได้ วิธีทำขนม. โฮมเมดอัลมอนด์และโกโก้
คุณไม่มีทางรู้ว่าสิ่งนี้หรือผลิตภัณฑ์นั้นทำมาจากอะไรเพราะอาจมี "Eshki" ที่เป็นอันตรายและ ...