ศิลปินรัสเซียในครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ศิลปะครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 สมาคมนิทรรศการการท่องเที่ยว

ภาพวาดครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19

ต้นศตวรรษที่ 19 เป็นประเพณีที่เรียกว่ายุคทองของวัฒนธรรมรัสเซีย นี่เป็นช่วงเวลาที่อัจฉริยะของ A. Pushkin, A. Griboyedov และ N. Gogol ฉายแววและโรงเรียนจิตรกรรมรัสเซียในคนของ K. Bryullov ได้รับการยอมรับจากยุโรป ปรมาจารย์แห่งยุคประวัติศาสตร์นี้ แม้จะมีสถานการณ์ชีวิตอันน่าทึ่ง พยายามดิ้นรนในงานศิลปะเพื่อสร้างความสามัคคีอันเงียบสงบและความฝันอันสดใส โดยหลีกเลี่ยงการแสดงความปรารถนาทางโลก สาเหตุส่วนใหญ่มาจากอารมณ์ทั่วไปของความผิดหวังในการต่อสู้อย่างแข็งขันซึ่งมีชัยในยุโรปตะวันตกและรัสเซียหลังจากการล่มสลายของแนวความคิดของการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งยิ่งใหญ่ ผู้คนเริ่ม "ถอนตัว" หมกมุ่นอยู่กับความฝันอันโดดเดี่ยว ยุคของแนวโรแมนติกมาถึงซึ่งในรัสเซียใกล้เคียงกับการเริ่มต้นรัชสมัยของจักรพรรดิอเล็กซานเดอร์ที่ 1 และสงครามกับนโปเลียน

ภาพเหมือนของต้นศตวรรษที่ 19 สะท้อนให้เห็นถึงโลกที่ซ่อนเร้นของประสบการณ์ทางอารมณ์ ความเศร้าโศก และความผิดหวัง Orest Adamovich Kiprensky (พ.ศ. 2325–2379) กลายเป็นตัวแทนหลักของเทรนด์โรแมนติกในการถ่ายภาพบุคคลของรัสเซีย Kiprensky จบการศึกษาจากสถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Kiprensky ใช้ชีวิตที่วุ่นวายซึ่งมีทุกอย่าง: แรงกระตุ้นโรแมนติกที่คลั่งไคล้ความรักที่เร่าร้อนชื่อเสียงและความตายในความยากจนในต่างประเทศ จากช่วงแรกช่วงชีวิตของเขาในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กมรดกอันล้ำค่ายังคงอยู่ - ทำงานได้ดีในการวาดภาพในประเภทแนวตั้ง ("Portrait of AK Schwalbe", "Portrait of EV Davydov", "Portrait of Countess EP Rostopchina", "Portrait ของ D. N. Khvostovoy "และอื่น ๆ ) ภาพเหมือนของฮีโร่ของ Kiprensky นั้นถูก จำกัด อย่างเด่นชัดอย่าแสดงอารมณ์ของพวกเขา แต่บนใบหน้าของพวกเขาแต่ละคนมีรอยประทับของลักษณะ "การเตรียมการ" ของแนวโรแมนติกสำหรับการทดลองชะตากรรมความสำคัญของบุคลิกภาพของมนุษย์โดยไม่คำนึงถึงอสังหาริมทรัพย์ เพศและอายุ

ในปีแรกของศตวรรษที่ 19 สไตล์เอ็มไพร์มาถึงรัสเซียจากนโปเลียนฝรั่งเศส - การกลับมาอีกครั้งของความคลาสสิค ความชัดเจนที่มีเหตุผล ความสมดุลที่ลงตัว ความรุนแรงที่สง่างาม การเอาชนะความปรารถนาทางโลกเพื่อเห็นแก่อุดมคติของความกล้าหาญของผู้รักชาติ คุณลักษณะทั้งหมดนี้เป็นที่ต้องการของสไตล์คลาสสิกในช่วงสงครามผู้รักชาติกับนโปเลียน ตัวเลขที่โดดเด่นที่สุดของความคลาสสิกในภาพวาดของรัสเซียคือ Fyodor Petrovich Tolstoy (1783–1873) ซึ่งเป็นประติมากร จิตรกร และช่างเขียนแบบที่โดดเด่น ในสิ่งมีชีวิตที่มีเสน่ห์ดึงดูดใจ ผลไม้และดอกไม้ปรากฏเป็น "ไข่มุกแห่งการสร้างสรรค์" เป็นอุดมคติในสมัยโบราณแห่งความสมบูรณ์แบบที่กลมกลืนกัน ชำระล้างทุกสิ่ง "ทางโลก" และโดยบังเอิญ

เพลิงไหม้ของมอสโก ขบวนการพรรคพวก ชัยชนะของสงครามกับนโปเลียน ทั้งหมดนี้เป็นครั้งแรกที่บีบให้ขุนนางมองดูผู้คนอย่างสดใหม่ ตระหนักถึงตำแหน่งของพวกเขา และตระหนักถึงศักดิ์ศรีความเป็นมนุษย์ของพวกเขา ในงานของ Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780–1847) โลกของข้ารับใช้ปรากฏขึ้นเป็นครั้งแรก ศิลปินคนนี้ขัดกับกิจวัตรทางวิชาการที่กำหนดไว้ - เขาเริ่มวาดภาพไม่เป็นไปตามแบบแผนทางวิชาการ แต่เป็น "ธรรมชาติ" ซึ่งเป็นความกล้าหาญที่ยิ่งใหญ่ในสมัยนั้น เสิร์ฟของเขาสำหรับ Venetsianov - ผู้อยู่อาศัยในหมู่บ้าน Safonkovo ​​จังหวัดตเวียร์ โลกของชาวนาในภาพวาดของ Venetsianov ถูกมองว่าราวกับว่ามาจากหน้าต่างของอสังหาริมทรัพย์อันสูงส่งแสนโรแมนติก: ไม่มีที่สำหรับวิจารณ์ความอยุติธรรมทางสังคมการทำงานหนักเกินไป โลกของเวเนเซียนอฟเต็มไปด้วยความสมบูรณ์แบบที่กลมกลืนกัน เงียบสงบ สันติสุขที่ชัดเจน ความสามัคคีของผู้คนและธรรมชาติ เสน่ห์ที่สงบและเรียบง่ายของธรรมชาติรัสเซียตอนเหนืออันเงียบสงบ ซึ่งประกอบเป็นเสน่ห์พิเศษของภาพวาดของเขา แทรกซึมเข้าสู่ประเภทชาวนาที่มีเงื่อนไขตามบทกวีของเวเนเซียนอฟเป็นครั้งแรก ด้วยค่าใช้จ่ายของเขาเองในที่ดินของเขา Venetsianov ได้ก่อตั้งโรงเรียนสำหรับศิลปินซึ่งเขาคัดเลือกมาจากข้าราชการเป็นหลัก นักเรียนของเขาบางคนยังคงทำงานศิลปะอย่างมีศักดิ์ศรี ดังนั้นการตกแต่งภายในบทกวีของ Kapiton Alekseevich Zelentsov (1790–1845) ทิวทัศน์ของ Grigory Vasilyevich Soroka (1823–1864) และ Evgraf Fedorovich Krendovsky (ค.ศ. 1810–1853) สมควรได้รับความสนใจ อ้างอิงจากส A. Benois "Venetsianov คนเดียวเลี้ยงดูทั้งโรงเรียนทฤษฎีทั้งหมดได้หว่านเมล็ดพันธุ์แรกของภาพวาดพื้นบ้านรัสเซีย"

ผู้สำเร็จการศึกษาที่ดีที่สุดของ Academy of Arts ได้รับสิทธิ์ในการฝึกงานในอิตาลี - ประเทศแห่ง "ชีวิต" โบราณและผลงานชิ้นเอกที่สวยงามของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปินหลายคนที่เดินทางไปอิตาลีและพำนักอยู่ในประเทศนี้เป็นเวลาหลายปี ไม่ต้องการกลับไปรัสเซีย ที่ซึ่งจิตวิญญาณของกฎระเบียบทางศิลปะของรัฐบาลปกครอง จิตรกรต้องพึ่งพาคำสั่งจากราชสำนัก

ในอิตาลี ศิลปินมากพรสวรรค์ Mikhail Ivanovich Lebedev (1811–1837) ที่เสียชีวิตแต่เนิ่นๆ ได้วาดภาพภูมิทัศน์สุดโรแมนติกที่ดีที่สุดของเขา ธรรมชาติอันงดงามของอิตาลีและดวงอาทิตย์ทางตอนใต้ที่เอื้ออาทรเป็นแรงบันดาลใจให้กับจิตรกรภูมิทัศน์ที่มีพรสวรรค์มากที่สุดในยุคนี้ ซิลเวสเตอร์ เฟโอโดซิเยวิช เชดริน (พ.ศ. 2334–1830) เชดรินเดินทางไปพักผ่อนที่อิตาลีในปี พ.ศ. 2361 และอาศัยอยู่ที่นั่นเนื่องจากเจ็บป่วยจนกระทั่งเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2380 เขาได้ทำซ้ำรูปแบบเดียวกันนี้หลายครั้ง - ภาพพาโนรามาตระการตาของกรุงโรม ทิวทัศน์อันเงียบสงบของโขดหินและทะเลบนชายฝั่งทางใต้ของอิตาลีในบริเวณใกล้เคียงกับเนเปิลส์และซอร์เรนโต เชดรินเป็นคนแรกที่เริ่มวาดภาพภูมิทัศน์ในที่โล่ง (กลางแจ้ง) ทำให้เขาเป็นอิสระจากสีตามแบบแผนทางวิชาการแบบดั้งเดิม เราจะไม่พบกับพายุโรแมนติกและฝนตกในภูมิประเทศของเขาแสงแดดสดใสและความสงบสุขในภูมิประเทศของเขาผู้คนใช้ชีวิตโสดกับธรรมชาติโดยรอบและธรรมชาติให้ความสุขความผ่อนคลายแก่ผู้คน "ช่วย" ในการทำงานทุกวัน

Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) เป็นจิตรกรที่มีชื่อเสียงที่สุดในบรรดาปรมาจารย์ชาวรัสเซียในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 ผืนผ้าใบอันยิ่งใหญ่ของเขา "วันสุดท้ายของปอมเปอี" ซึ่งสร้างขึ้นในอิตาลี ประสบความสำเร็จอย่างล้นหลามในยุโรปและในรัสเซีย ในบ้านเกิดของเขา Bryullov ได้รับการต้อนรับในฐานะวีรบุรุษของชาติ Bryullov นักเขียนแบบร่างอัจฉริยะผู้หลงใหลในความงามภายนอกของโลก พยายาม "ฉีดเลือดใหม่" เข้าสู่สถาบันการศึกษาที่กำลังจะตาย เติมประสบการณ์โรแมนติกที่สดใส ทั้งในภาพวาดและในภาพวาด Bryullov แสดงถึงชีวิตในรูปแบบของโรงละคร ภาพเหมือนในพิธีขนาดใหญ่ของเขา ซึ่งแสดงภาพบุคคลราวกับว่าถูกจับได้ในช่วงเวลาของการกระทำ "สวมบทบาท" ("Horsewoman", "Portrait of N.V. Kukolnik" เป็นต้น) ประสบความสำเร็จอย่างมากกับลูกค้า ศิลปินไม่ได้ตั้งตัวเองให้ทำหน้าที่ถ่ายทอดบุคลิกลักษณะเฉพาะของปัจเจกบุคคล หลักๆ แล้ว เขาหมกมุ่นอยู่กับความงามภายนอกที่ดึงดูดใจของผู้หญิง ความสง่างามของเสื้อผ้าราคาแพง ความหรูหราของการตกแต่งภายใน ในปีสุดท้ายของการทำงาน Bryullov ออกจากอุดมคติของความฉลาดภายนอกที่ "เงียบสงบ" ภาพบุคคลของเขามีความใกล้ชิดและลึกซึ้งยิ่งขึ้น ("Portrait of A. N. Strugovshchikov", "Self-Portrait" ของปี 1848)

เหนือสิ่งอื่นใด ศิลปินในครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 เป็นบุคคลสำคัญของอเล็กซานเดอร์ อันดรีวิช อิวานอฟ (1806–1858) อ้างอิงจากส A. Benois "วิญญาณที่ไร้เดียงสาและอยากรู้อยากเห็นอาศัยอยู่ในตัวเขาซึ่งเป็นวิญญาณที่แท้จริงของผู้เผยพระวจนะกระหายความจริงและไม่กลัวความทุกข์ทรมาน" ในอิตาลีที่ซึ่ง Ivanov ถูกส่งตัวไปพักผ่อนหลังจากจบการศึกษาจาก Academy of Arts เป็นเวลาประมาณยี่สิบปีที่เขาทำงานบนผืนผ้าใบอันยิ่งใหญ่ "The Appearance of Christ to the People" และกลับไปบ้านเกิดของเขาไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต ประชาชนชาวรัสเซียไม่ชื่นชมภาพนี้ และในไม่ช้าผู้เขียนก็เสียชีวิตด้วยอหิวาตกโรคในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ไม่มีเวลารับเงินสำหรับภาพวาดหลักในชีวิตของเขาที่จักรพรรดิได้มา

ภาพร่างการเตรียมการของ Ivanov สำหรับ The Appearance of Christ to the People กลายเป็นผลงานชิ้นเอกที่แท้จริง ศิลปินที่ทำงานในที่โล่งใกล้กรุงโรมเพื่อค้นหาความจริงของสีได้ค้นพบสีที่น่าอัศจรรย์โดยคาดการณ์ถึงความสำเร็จของนักประพันธ์ชาวฝรั่งเศส Ivanov เป็นศิลปินนักปราชญ์ที่แท้จริงของความรู้สึกทางศาสนาที่สามารถพูดคำใหม่ในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพทางศาสนาในวัฏจักรสีน้ำ "Biblical Sketches" เพื่อนำเสนอความยิ่งใหญ่และเข้าใจยากที่สุดด้วย "ความเคร่งขรึมอีสเตอร์อย่างแท้จริง" (A. Benois) ).

Vasily Andreevich Tropinin (1776 (?) - 1857) กลายเป็นจิตรกรภาพเหมือนมอสโกมืออาชีพคนแรกผู้ก่อตั้งโรงเรียนจิตรกรรมมอสโก สำหรับศิลปินที่เป็นทาส เขามีโชคชะตาที่มีความสุข: เคาท์ มอร์คอฟ อาจารย์ของเขา จ่ายค่าเล่าเรียนที่ Academy of Arts สนับสนุนงานของเขา และในปี ค.ศ. 1823 ก็ให้อิสระแก่เขา ทันทีหลังจากนั้น Tropinin ซึ่งเป็นที่นิยมในหมู่ชาวมอสโกได้รับตำแหน่ง "ได้รับการแต่งตั้งให้เป็นนักวิชาการ" ศิลปินทิ้งแกลเลอรี่ใบหน้าของมอสโกหลังไฟไหม้ให้เราซึ่งในบรรยากาศแห่งอิสรภาพพิเศษการต้อนรับของผู้อยู่อาศัยความสามารถในการดื่มด่ำกับความสุขของชีวิต ภาพเหมือนของ Tropinin ตื่นตาตื่นใจกับความมีชีวิตชีวาและในขณะเดียวกันก็มองดูบุคคลที่มีความรักใคร่และใจดี

Pavel Andreevich Fedotov (ค.ศ. 1815-1852) เป็นทหารรักษาพระองค์ในกรมทหารฟินแลนด์ แต่เมื่ออายุได้ 29 ปีในปี พ.ศ. 2387 เขาออกจากการรับราชการทหารและอุทิศตนให้กับงานศิลปะทั้งหมด โชคชะตาทำให้เขาทำงานได้ประมาณแปดปี - Fedotov เสียชีวิตเมื่ออายุ 37 ในโรงพยาบาลจิตเวชโดยสามารถวาดภาพได้ไม่มากนัก แต่แต่ละภาพเป็นไข่มุกล้ำค่าที่เข้าสู่คลังศิลปะรัสเซีย ศิลปินทำงานในสาขาประเภทประจำวันทำให้มีความสูงและความคมชัดใหม่ เขาเติมฉากจากชีวิตของพ่อค้าและขุนนางด้วยอารมณ์ขันเล็กน้อย ล้อเลียนด้วยศีลธรรมสมัยใหม่ (“การจับคู่ของเมเจอร์”, “เจ้าสาวทางเลือก” ฯลฯ ) Fedotov นำเสนอโลกของผู้คนและสภาพแวดล้อมที่เป็นเป้าหมายด้วยภาพที่สมบูรณ์แบบที่น่าทึ่ง การซึมซับความรัก ความอ่อนโยน และความจริง ภาพสุดท้ายของศิลปินที่ป่วยหนัก “Anchor, more anchor! ความชื่นชมยินดีของโลกและความสงบสุขที่เปล่งประกายหายไปในนั้น - ภาพใหม่ที่มีสติสัมปชัญญะและวิพากษ์วิจารณ์อย่างลึกซึ้ง - ความสมจริง - เข้าสู่เวทีประวัติศาสตร์

ซิลเวสเตอร์ เชดริน. นิวโรม. ปราสาทของเทวดาศักดิ์สิทธิ์พ.ศ. 2367 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

ในภูมิทัศน์ของ Shchedrin ภาพลักษณ์ของเมืองนิรันดร์นั้นทั้งสง่างามและใกล้ชิด ปราสาทของ Holy Angel ที่มีหินหนักจำนวนมากสร้างความสมดุลด้วยอาคารและเรือบนฝั่งซ้ายของแม่น้ำไทเบอร์ การไหลของแม่น้ำที่สง่างามและราบรื่น "นำ" สายตาของผู้ชมมาสู่สะพานโค้งโบราณและภาพเงาของมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความยิ่งใหญ่ของกรุงโรม ในเบื้องหน้าชีวิตประจำวันของชาวกรุงไหลอย่างสงบและไม่เร่งรีบ: พวกเขาดึงเรือขึ้นฝั่งเตรียมพร้อมที่จะแล่นเรือรีบไปทำธุรกิจ ... รายละเอียดทั้งหมดของภูมิประเทศมีชีวิตชีวาเห็นในธรรมชาติปราศจากธรรมเนียมปฏิบัติทางวิชาการ . ภาพวาดนั้นสวยงามมาก: ทุกสิ่งถูกปกคลุมไปด้วยอากาศ แทรกซึมด้วยแสงที่นุ่มนวลในตอนเช้าที่พร่าเลือน

ซิลเวสเตอร์ เชดริน. Grotto of Matromanio บนเกาะคาปรี

ถ้ำใต้ร่มเงาให้ทัศนียภาพอันน่าทึ่งของผืนน้ำและโขดหินของอ่าวทะเล ซึ่งดูราวกับว่ากำลังอาบแดดอยู่ท่ามกลางแสงแดดจ้า ซุ้มโค้งของกรอสร้างฉากประเภทหนึ่งที่กั้นพื้นที่ห่างไกลของอ่าวทะเลได้อย่างมีประสิทธิภาพจากโลกของชีวิตประจำวันใกล้กับผู้ชม

ซิลเวสเตอร์ เชดริน. ท่าเรือเล็กๆ ในซอร์เรนโตที่มองเห็นเกาะ Ischia และ Procidoพ.ศ. 2369 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

จากมุมมองมากมายของซอร์เรนโตโดย Shchedrin ภูมิประเทศนี้เป็นจิตวิญญาณของชาวกรีกมากที่สุด รังสีของดวงอาทิตย์ "จับต้องได้" ลงมาจากสวรรค์ สะท้อนบนผิวน้ำสีเงินอันเงียบสงบของอ่าว ส่องสว่างกระท่อมและเรือชายฝั่งอย่างนุ่มนวล เน้นความช้าและสม่ำเสมอของการเคลื่อนไหวในร่างเล็กๆ ของชาวประมงที่ยุ่งกับงานบ้านในแต่ละวัน สีสันของทิวทัศน์นั้นส่องสว่าง เงาก็โปร่งใส ทุกอย่างเต็มไปด้วยอากาศ

ซิลเวสเตอร์ เชดริน. เฉลียงปกคลุมด้วยองุ่น

หนึ่งในภูมิทัศน์ที่ดีที่สุดของศิลปินที่เขียนขึ้นในบริเวณใกล้เคียงของเนเปิลส์นั้นเต็มไปด้วยจิตวิญญาณของชาวกรีกที่มีความสงบสุขและความกลมกลืนของแสง ธรรมชาติปรากฏใน Shchedrin เป็นภาพของสวรรค์บนดิน มันหายใจด้วยลมหายใจที่สดชื่นและชื้นของทะเล กลิ่นหอมของใบองุ่นอุ่น ผู้คนต่างดื่มด่ำกับการพักผ่อนอย่างมีความสุขบนเฉลียงบนเฉลียงจากดวงอาทิตย์ที่แผดเผา แสงแดดสีทองของดวงอาทิตย์ทะลุผ่านกิ่งก้านที่พันกันของเถาวัลย์วางลงบนหินที่รองรับระเบียงและสะท้อนด้วยแสงสะท้อนที่สดใสบนพื้นหญ้าที่ถูกไฟไหม้ ... Shchedrin ถ่ายทอดเอฟเฟกต์แสงที่ซับซ้อนที่สุดอย่างเชี่ยวชาญ การรวมกันขององค์ประกอบแสง สี และอากาศที่ไม่เคยเห็นมาก่อนในภูมิทัศน์

แม็กซิม โวโรบเยฟ คืนฤดูใบไม้ร่วงในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (ท่าเรือกับสฟิงซ์อียิปต์บนเนวาในเวลากลางคืน)พ.ศ. 2378 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

ในมุมมองที่ดีที่สุดแห่งหนึ่งของปีเตอร์สเบิร์ก Vorobyov แสดงถึงความโรแมนติกที่เต็มไปด้วยความสุขต่อหน้าเมืองที่ยอดเยี่ยมและสถาปัตยกรรมของเมือง แสงจ้าของพระจันทร์เต็มดวงเปลี่ยนมุมที่แท้จริงของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กให้เป็นภาพที่สวยงาม ยักษ์สฟิงซ์หินที่มีชื่อเสียงวางกรอบคันกั้นหินแกรนิตด้วยเงามืด เส้นทางแสงจันทร์บนเนวาทอดสายตามองไปไกลๆ และเชื้อเชิญให้พวกเขาชื่นชมสัดส่วนที่ไร้ที่ติของพระราชวังที่อยู่ฝั่งตรงข้าม ผู้ร่วมสมัยในภูมิประเทศของ Vorobyov ชื่นชม "ความโปร่งใสของสี" ความอิ่มตัวของแสงและความอบอุ่น "ความสดและความค่อยเป็นค่อยไปในเงามืด"

แม็กซิม โวโรบเยฟ ต้นโอ๊กแตกด้วยฟ้าผ่าพ.ศ. 2385 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

ภูมิทัศน์นี้ถูกสร้างขึ้นเพื่อเป็นสัญลักษณ์แทนความตายที่ไม่คาดคิดของภรรยาของศิลปิน Cleopatra Loginovna Vorobieva, nee Shustova สายฟ้าแลบวาบทำให้ลำต้นของต้นไม้ใหญ่แตกออก ในยามพลบค่ำสีน้ำเงินที่ลึกลงไป โลกได้รวมเข้ากับท้องฟ้า ที่เชิงต้นโอ๊ก คลื่นทะเลอันเกรี้ยวกราดพุ่งขึ้น ซึ่งเป็นร่างที่โดดเดี่ยวซึ่งแทบจะมองไม่เห็นในห้วงห้วงแห่งธาตุ ที่นี่ศิลปินรวบรวมแรงจูงใจที่ชื่นชอบสำหรับแนวโรแมนติก: ความสิ้นหวังอันน่าเศร้าของบุคคลก่อนผลกระทบขององค์ประกอบที่สง่างาม แต่ไร้ความปราณี

มิคาอิล เลเบเดฟ ในสวนสาธารณะชิงิพ.ศ. 2380 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

หลังจากจบการศึกษาจาก Academy of Arts แล้ว Lebedev ได้เดินทางไปอิตาลีเพื่อศึกษาต่อในวัยเกษียณ ซึ่งเขาได้เขียนไว้ว่า “สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าการทำงานโดยปราศจากธรรมชาติในอิตาลี (และทุกๆ ที่) ถือเป็นบาป” ในผลงานที่ดีที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา ศิลปินกล้าแยกตัวออกจากหลักการของภูมิทัศน์แบบคลาสสิกซึ่งเป็นแบบดั้งเดิมสำหรับเวลานี้ องค์ประกอบถูกสร้างขึ้นในแนวทแยงมุมและเต็มไปด้วยการเคลื่อนไหว บรรยากาศของวันที่อากาศร้อนอบอ้าวของพืชพันธุ์ทางใต้ถ่ายทอดอย่างตื่นเต้นและเต็มตา ดินหินของถนนกว้างที่วาดด้วยจังหวะอิสระดูเหมือนจะดูดซับความร้อนของดวงอาทิตย์

พร้อมด้วยซิลวี่ เชดริน เลเบเดฟ ซึ่งเสียชีวิตก่อนวัยอันควร ได้กลายมาเป็นผู้บุกเบิกการวาดภาพของรัสเซียที่มีชีวิตและสัมผัสได้ถึงธรรมชาติโดยตรง

กริกอรี่ เชอร์เน็ตซอฟ ขบวนพาเหรดเนื่องในโอกาสเปิดอนุสาวรีย์ให้กับอเล็กซานเดอร์ที่ 1 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเมื่อวันที่ 30 สิงหาคม พ.ศ. 2377พ.ศ. 2377 พิพิธภัณฑ์ State Russian เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

Chernetsov เป็นจิตรกรในราชสำนักของจักรพรรดินิโคลัสที่ 1 ซึ่งถือว่าตัวเองเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านศิลปะ ผลงานของ Chernetsov สะท้อนรสนิยมของจักรพรรดิได้อย่างแม่นยำ - มีใจชอบในกิจการทหาร Nicholas I เรียกร้องให้ศิลปิน "โปรโตคอล" แก้ไขธรรมชาติในการวาดภาพขบวนพาเหรดเครื่องแบบอาวุธ ฯลฯ ภาพพาโนรามาของ Palace Square ดูเหมือนจะถูกวาดตามไม้บรรทัดขนาดใหญ่ ท้องฟ้าทางตอนเหนือที่มีเมฆฝนเป็น "เงา" อันงดงามของขบวนพาเหรดที่ด้านหน้าของเสาอเล็กซานเดอร์ซึ่งสร้างขึ้นตามโครงการของสถาปนิกชาวฝรั่งเศส Montferrand

โอเรสต์ คิพรีนสกี้ ภาพเหมือนของ A.K. Schwalbe1804 พิพิธภัณฑ์ State Russian เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ภาพเหมือนพ่อของศิลปิน Adam Karlovich Schwalbe ทาสของเจ้าของที่ดิน A. S. Dyakonov Kiprensky ชอบบอกว่าภาพนี้ซึ่งจัดแสดงในนิทรรศการในเนเปิลส์และโรมถูกเข้าใจผิดว่าเป็นผลงานของ Rembrandt หรือ Rubens ศิลปินสามารถถ่ายทอดลักษณะของบุคคลที่ถูกพรรณนา - มีพลังและมั่นคง ใบหน้าที่มีริ้วรอยลึกและคางที่เอาแต่ใจได้รับการแกะสลักอย่างยอดเยี่ยม มือที่ถือไม้เท้าอย่างมั่นใจจะถูกเน้นด้วยแสง งานแรกนี้เป็นผลงานชิ้นเอกที่ไม่มีเงื่อนไขของพู่กันของ Kiprensky ซึ่งเป็นพยานถึงการซึมซับเทคนิคการวาดภาพของปรมาจารย์ผู้เฒ่าอย่างลึกซึ้ง

โอเรสต์ คิพรีนสกี้ ภาพเหมือนของ Count F.V. Rostopchin

นายกเทศมนตรีกรุงมอสโก Fyodor Vasilyevich Rostopchin (1765-1826) มีอารมณ์ขันที่หายากและมีส่วนร่วมในกิจกรรมวรรณกรรม สีของมอสโกในตอนนั้นทั้งหมดไปที่ร้านเสริมสวยที่มีชื่อเสียงของ Rostopchins ในระหว่างการรุกรานของนโปเลียน มีข่าวลือว่า Rostopchin สั่งให้เผามอสโก

ในงานนี้ การวาดภาพและระบายสีที่ยอดเยี่ยม เราจะไม่เห็นลักษณะพิเศษใด ๆ ของตัวละครของโมเดล: ภาพเหมือนนั้นเรียบง่ายและเจียมเนื้อเจียมตัว เมื่อเทียบกับเจ้านายของยุคก่อน Kiprensky ให้ความสำคัญกับเครื่องประดับและเสื้อผ้าน้อยลง เสื้อโค้ตโค้ตสีดำและมือที่พับอยู่นั้นถูกมองว่าเป็นจุดเดียว นี่คือวิธีที่ Rostopchin ให้ความเห็นเกี่ยวกับงานนี้: "ฉันนั่งเฉยๆและไม่เบื่อด้วยมือของฉันพับ"

โอเรสต์ คิพรีนสกี้ ภาพเหมือนของคุณหญิง E. P. Rostopchinaพ.ศ. 2352 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

ภาพเหมือนถูกประหารชีวิตโดย Kiprensky เป็นคู่กับภาพเหมือนของคู่สมรสของท่านเคาน์เตส F. V. Rostopchin Ekaterina Petrovna Rostopchina (1775-1859) เป็นสุภาพสตรีที่รอคอยของ Catherine II เธอแอบเปลี่ยนมานับถือนิกายโรมันคาทอลิกและใช้ชีวิตอย่างสันโดษในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา Kiprensky สร้างภาพลักษณ์ที่นุ่มนวล ใจดี และจริงใจต่อบุคคลที่ถูกนำเสนอ รูปลักษณ์ทั้งหมดของเธอทำให้หายใจเงียบและซึมซับตนเอง โทนสีอุดมไปด้วยการเปลี่ยนสีเงินและสีมะกอกที่ละเอียดอ่อนและละเอียดอ่อน ซึ่งสอดคล้องกับอารมณ์ของภาพบุคคล

โอเรสต์ คิพรีนสกี้ ภาพเหมือนของชีวิต Hussars พันเอก E. V. Davydovพ.ศ. 2352 พิพิธภัณฑ์ State Russian เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ภาพเหมือนเป็นภาพลูกพี่ลูกน้องของกวีผู้โด่งดังและวีรบุรุษแห่งสงครามในปี ค.ศ. 1812 Denis Davydov - Evgraf Vladimirovich Davydov (1775-1823) เมื่อวาดภาพเหมือน เขาเป็นพันเอกของ Life Guards Hussars เข้าร่วมในการสู้รบกับนโปเลียนใกล้ Austerlitz ร่างถูกล้อมรอบด้วยพลบค่ำแสนโรแมนติกลึกลับ ซึ่งคุณสามารถเห็นใบไม้ของต้นมะกอกตัดกับพื้นหลังของท้องฟ้าสีฟ้าดำ Kiprensky พบสีที่กลมกลืนกันอย่างยอดเยี่ยม: สีแดงของเครื่องแบบ, เปียสีทอง, เลกกิ้งสีขาว ... เมื่อเผชิญหน้ากับ Davydov มีเสน่ห์ภายนอกมากกว่าจิตวิทยาเชิงลึก วีรบุรุษผู้กล้าหาญและกล้าหาญแสดงท่าทางที่กล้าหาญและความกล้าหาญร่าเริงของเยาวชน

โอเรสต์ คิพรีนสกี้ ภาพเหมือนของ A.A. Chelishchevพ.ศ. 2351 - ต้นปี พ.ศ. 2352 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

Alexander Alexandrovich Chelishchev (1797-1881) ถูกเลี้ยงดูมาใน Corps of Pages จากปี 1808 และต่อมาได้เข้าร่วมในสงครามในปี 1812 นั่นคือเขาเป็นรุ่นที่กำหนดชะตากรรมของรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ในหน้ากากของเด็กชายอายุ 11 ปี Kiprensky สังเกตเห็นการแสดงออกพิเศษแบบเด็กๆ บนใบหน้าของเขา ดวงตาวาววับสีเข้มมองผู้ชมอย่างครุ่นคิดและตั้งใจอ่านอย่างจริงจัง“ การเตรียมตัว” สำหรับการทดสอบชีวิตที่ยากลำบาก โทนสีของภาพพอร์ตเทรตนั้นอิงจากการผสมผสานสีดำ สีขาว สีแดง และสีทองสว่างตัดกันที่ชื่นชอบของ Kiprensky

โอเรสต์ คิพรีนสกี้ ภาพเหมือนของ D. N. Khvostovaพ.ศ. 2357 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

หนึ่งในภาพผู้หญิงที่มีเสน่ห์ที่สุดของ Kiprensky นั้นเต็มไปด้วยอารมณ์แห่งการไตร่ตรองอย่างไตร่ตรอง Daria Nikolaevna Khvostova (1783–?) เป็นหลานสาวของคุณยายของ M. Lermontov

ศิลปินไม่ได้หยุดความสนใจของผู้ชมเกี่ยวกับเครื่องประดับบนเสื้อผ้าของเธอ ซึ่งต่างจากจิตรกรภาพเหมือนในสมัยก่อน: พวกเขาได้รับการประดับประดาอย่างประณีตโดยมีจุดขนาดใหญ่ทั่วไป ดวงตาอยู่ในภาพเหมือน - ดวงตาสีเข้มที่น่าทึ่ง ซึ่งดูเหมือนจะปกคลุมไปด้วยหมอกแห่งความผิดหวัง ความทรงจำอันน่าเศร้า และความหวังที่ขี้อาย

โอเรสต์ คิพรีนสกี้ ภาพเหมือนของ E. S. Avdulinaพ.ศ. 2365 (1823?) พิพิธภัณฑ์ State Russian เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

Ekaterina Sergeevna Avdulina (1788–1832) เป็นภรรยาของพลตรี AN Avdulin นักเลงศิลปะที่ยิ่งใหญ่และเป็นสมาชิกของ Society for the Encouragement of Artists ผู้เป็นที่รักของคฤหาสน์บน Palace Embankment และโฮมเธียเตอร์ที่ กระท่อม Kamennoostrovsky เธอสวมหมวกที่สวมศีรษะอันทันสมัยและถือพัดในมือ ซึ่งเป็นคุณลักษณะที่ขาดไม่ได้ของผู้หญิงในยุคนี้นอกบ้าน มือที่พับของเธอเป็นคำพูดจาก La Gioconda ของ Leonardo da Vinci ซึ่ง Kiprensky เคยเห็นในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์อย่างไม่ต้องสงสัย หนึ่งในผู้ร่วมสมัยของเขาอ้างว่าในภาพนี้ “ความกลมของร่างกายและแสงนั้นสมบูรณ์แบบ และสัญลักษณ์ที่ levka สูญเสียกลีบของมันยืนอยู่ในแก้วน้ำ! .. ” เรามีธรรมชาติที่โรแมนติกและครุ่นคิดอยู่ต่อหน้าเราซึ่งแช่อยู่ในความคิดที่ซ่อนอยู่ กิ่งก้านของดอกไม้สีขาวละเอียดอ่อนในกระจกที่บอบบางบนหน้าต่างดูเหมือนจะเปรียบได้กับภาพของผู้หญิงที่ปรากฎ

โอเรสต์ คิพรีนสกี้ ภาพเหมือนตนเอง.พ.ศ. 2371 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

ภาพเหมือนตนเองนี้ถูกวาดก่อนที่ศิลปินจะเดินทางไปอิตาลี ก่อนที่เราจะเป็นอาจารย์ที่มีชื่อเสียงซึ่งได้รับการชื่นชมจากผู้ร่วมสมัยของเขาและในขณะเดียวกันก็เป็นคนที่เหนื่อยและผิดหวัง ตามบันทึกของผู้ร่วมสมัยของเขา "Kiprensky หล่อด้วยดวงตาที่สวยงามและหยิกหยักศกตามธรรมชาติ" เขาหรี่ตาเล็กน้อย มองผู้ชมอย่างค้นหา ราวกับกำลังถามอะไรบางอย่าง ภาพพอร์ตเทรตได้รับการออกแบบในโทนสีอบอุ่นและสมบูรณ์ สีสันบนใบหน้าสะท้อนถึงสีของเสื้อคลุม พื้นหลังเช่นเดียวกับในงานอื่น ๆ ของอาจารย์ดูเหมือนจะเป็นพลบค่ำที่หนาทึบซึ่งร่างของบุคคลที่ปรากฎนั้นถูกเน้นเบา ๆ

โอเรสต์ คิพรีนสกี้ ภาพเหมือนของ A. S. Pushkinพ.ศ. 2370 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

ภาพวาดถูกวาดในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กตามคำสั่งของ A. Delvig ทันทีหลังจากการกลับมาของกวีจาก Mikhailovsky พลัดถิ่น ผู้ร่วมสมัยที่รู้จักพุชกินแย้งอย่างใกล้ชิดว่าไม่มีภาพเหมือนของกวี ภาพลักษณ์ของพุชกินนั้นไร้ชีวิตประจำวันลักษณะที่ปรากฏของ "Arap" จะอ่อนลง สายตาของเขาเหินผ่านผู้ชม - ศิลปินดูเหมือนจะถูกจับโดยศิลปินในช่วงเวลาแห่งความเข้าใจที่สร้างสรรค์ พื้นหลังที่สว่างขึ้นรอบๆ ศีรษะคล้ายกับรัศมี ซึ่งเป็นสัญญาณของการถูกเลือก พุชกินสวมเสื้อคลุมลายตารางหมากรุกอังกฤษเปรียบเสมือนไบรอนกวีชาวอังกฤษผู้ยิ่งใหญ่ เขาแสดงทัศนคติของเขาต่อภาพเหมือนในข้อความบทกวีถึง Kiprensky“ แฟชั่นที่เป็นที่ชื่นชอบของปีกเบา ... ” -“ ฉันมองตัวเองเหมือนอยู่ในกระจก / แต่กระจกบานนี้ทำให้ฉันประจบประแจง”

วาซิลี โทรปินิน. ภาพเหมือนของ A.V. Tropinin ลูกชายของศิลปินตกลง. พ.ศ. 2361 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

ภาพเหมือนคือ Arseny Tropinin (1809–1885) ลูกชายคนเดียวของศิลปิน ภาพเหมือนนี้โดดเด่นท่ามกลางผลงานอื่นๆ ของอาจารย์ด้วยความอบอุ่นและความจริงใจจากภายในเป็นพิเศษ Tropinin แก้ปัญหาที่ยากที่สุด - เขาพบภาพหมายถึงการแสดงโลกพิเศษของจิตวิญญาณของเด็ก ภาพเหมือนไม่มีการวางตัวนิ่ง: เด็กผู้ชายถูกวาดในลักษณะโค้งเล็กน้อย ผมสีทองของเขาถูกโยน รอยยิ้มแสดงบนใบหน้าของเขา ปกเสื้อของเขาถูกเปิดออกอย่างไม่ระมัดระวัง ด้วยจังหวะที่ยาวและเคลื่อนไหว ศิลปินปั้นรูปร่าง และจังหวะแบบไดนามิกนี้กลับกลายเป็นว่าสอดคล้องกับอารมณ์แบบเด็กๆ ความคาดหวังอันแสนโรแมนติกของการค้นพบ

วาซิลี โทรปินิน. ภาพเหมือนของ P. A. Bulakhov

เสน่ห์ของตัวละครตัวนี้อยู่ที่ความมีชีวิตชีวาและความอุ่นใจ ในความกลมกลืนของความสัมพันธ์ที่เรียบง่ายและชัดเจนกับโลก ใบหน้าแดงก่ำเป็นมันเงาของเขาหล่อหลอมด้วยการเคลื่อนไหวแบบเคลื่อนที่ เสื้อกั๊กขนสีเงิน แขนเสื้อสีน้ำเงินถูกทาอย่างกว้างๆ และอิสระ ผ้าพันคอ "ผูก" ด้วยแปรงเพียงไม่กี่จังหวะ ... การวาดภาพลักษณะนี้สอดคล้องกับ ภาพมอสโก Bulakhov ที่ร่าเริงและร่าเริงมากซึ่งตาม A. Benois มีลักษณะคล้ายกับ "แมวที่เลียครีม"

วาซิลี โทรปินิน. ภาพเหมือนของ K.G. Ravich.พ.ศ. 2366 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

ภาพเหมือนของคอนสแตนติน จอร์จิเยวิช ราวิช เจ้าหน้าที่สำนักงานสำรวจที่ดินในมอสโก เป็นภาพที่มีจิตวิญญาณของมอสโกมาก ห่างไกลจากความเข้มงวดอย่างเป็นทางการและการปิดอย่างลึกซึ้งในตัวเอง Ravich ดูเหมือนจะแปลกใจกับศิลปิน: เขาอยู่ในชุดเดรส ผมของเขายุ่งเหยิง เนคไทของเขาหลวม เงาสะท้อนของชุดคลุมสีแดงสด “วาบ” พร้อมบลัชออนบนใบหน้าที่โฉบเฉี่ยวและมีอัธยาศัยดี Ravich เป็นการแสดงออกถึงชนชั้นสูงของมอสโกทั่วไป - เขาเป็นคนรักการสนุกสนานและเล่นไพ่ ต่อจากนั้น เขาถูกตั้งข้อหาถึงแก่กรรมของหนึ่งในผู้เล่นที่ได้รับบาดเจ็บหลังจากการสูญเสียครั้งใหญ่ ใช้เวลาเจ็ดปีในคุกและถูกส่งตัวไปยังไซบีเรีย "ด้วยความสงสัย"

วาซิลี โทรปินิน. ภาพเหมือนของ A. S. Pushkinพ.ศ. 2370 All-Russian Museum of A. S. Pushkin, St. Petersburg

ภาพวาดถูกวาดในเดือนแรกของปี 2370 ไม่นานหลังจากที่กวีกลับมาจากการเนรเทศมิคาอิลอฟสกี S. Sobolevsky เพื่อนของ Pushkin เล่าว่า "Pushkin เองสั่งภาพเหมือนให้ Tropinin แอบและนำมาให้ฉันด้วยความประหลาดใจด้วยเรื่องตลกต่างๆ (ราคา 350 รูเบิล)" ตามเวอร์ชั่นอื่น ภาพเหมือนได้รับคำสั่งจากโซโบเลฟสกีเองซึ่งต้องการเห็นกวีไม่ "เรียบ" และ "มีน้ำมันใส่ผม" แต่ "กระเซิง กับแหวนลึกลับหวงแหนบนนิ้วหัวแม่มือของมือข้างหนึ่ง" เป็นผลให้ในภาพบุคคล ความสนิทสนมของภาพอยู่ร่วมกับ "ระดับความสูง" ที่โรแมนติกซึ่งถ่ายทอดได้อย่างสมบูรณ์แบบโดยชีวิตของจิตวิญญาณของกวีผู้ยิ่งใหญ่

วาซิลี โทรปินิน. ภาพเหมือนของ K. P. Bryullov

Tropinin พบกับ Karl Bryullov ในปี 1836 ในกรุงมอสโก ที่ซึ่งผู้เขียน The Last Day of Pompeii หยุดระหว่างทางจากอิตาลีไปยังเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มาสโทรนี้วาดด้วยดินสอและอัลบั้มโดยมีฉากหลังของภูเขาไฟวิสุเวียสปะทุ “ใช่ ตัวเขาเองเป็นวิสุเวียสตัวจริง!” - พวกเขาพูดคุยเกี่ยวกับ Bryullov โดยชื่นชมพลังแห่งพรสวรรค์ของเขา ภาพเหมือนเป็นการแสดงออกถึงความน่าสมเพชของสาธารณชนต่อการรับรู้ของ Bryullov ในฐานะปรมาจารย์ที่ยอดเยี่ยมซึ่งมีลักษณะคล้ายคลึงกับอพอลโล "ผมสีทอง" Bryullov ชื่นชม Tropinin อย่างสูงสารภาพในจดหมายฉบับหนึ่งของเขาถึงศิลปิน:“ ฉันจูบจิตวิญญาณของคุณซึ่งโดยความบริสุทธิ์ของมันมีความสามารถในความเข้าใจอย่างเต็มที่ถึงความสุขและความสุขที่เติมเต็มหัวใจของฉัน ... ”

วาซิลี โทรปินิน. ช่างทำลูกไม้.พ.ศ. 2366 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

ก่อนหน้าเราไม่ใช่ภาพเหมือนของหญิงสาวคนหนึ่ง แต่เป็นภาพบทกวีโดยรวมของช่างฝีมือเช่น Tropinin ที่สามารถพบได้ในบ้านของ Muscovites ผู้สูงศักดิ์ ศิลปินไม่ได้พรรณนาถึงงานที่ซับซ้อนและอุตสาหะของเธอ เขาชื่นชมและชื่นชมเสน่ห์และความงามของเยาวชน ป. สวินินเขียนเกี่ยวกับภาพนี้ว่า “เธอค้นพบวิญญาณที่บริสุทธิ์ไร้เดียงสาของความงามและรูปลักษณ์ของความอยากรู้อยากเห็นที่เธอขว้างใส่คนที่เข้ามาในขณะนั้น: แขนของเธอถูกข้อศอกหยุดลงพร้อมกับจ้องมอง ถอนหายใจออกมาจากอกสาวพรหมจารีที่คลุมด้วยผ้าเช็ดหน้ามัสลิน

ศิลปินมักถูกตำหนิเพราะรอยยิ้มที่ไม่เปลี่ยนแปลงของตัวละครของเขา “ทำไม ฉันไม่ได้ประดิษฐ์ ฉันไม่ได้แต่งรอยยิ้มเหล่านี้ ฉันเขียนมันจากชีวิต” โทรปินินตอบ

วาซิลี โทรปินิน. ภาพเหมือนตนเองหน้าหน้าต่างที่มองเห็นเครมลินพ.ศ. 2389 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

ในการถ่ายภาพตนเอง Tropinin พรรณนาตัวเองว่าเป็นศิลปินที่ขยันขันแข็งที่สามารถ "ออกไปสู่โลกกว้าง" ด้วยความช่วยเหลือจากงานฝีมือ การทำงานหนัก และพรสวรรค์ เขาแต่งตัวในชุดทำงานโดยพิงไม้เท้าถือจานสีและแปรงในมือซ้าย ภาพพาโนรามาอันกว้างไกลของเครมลินที่อยู่ข้างหลังเขาคือการแสดงตัวตนของความคิดของศิลปินเกี่ยวกับเมืองบ้านเกิดของเขา “ความสงบที่ใบหน้าเก่าที่ใจดีของ Tropinin หายใจนั้นไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับเขา เขาดิ้นรนกับอุปสรรคและการกดขี่อย่างต่อเนื่อง เขาได้รับความสงบภายใต้เงาแห่งศรัทธาและศิลปะ” เอ็น. รามาซานอฟ ผู้รู้จักศิลปินรายนี้เขียน ภาพเหมือนตนเองซึ่งถูกเก็บไว้ในบ้านของเขาหลังจากการตายของ Tropinin ถูกซื้อโดย Muscovites จากลูกชายของศิลปินโดยการสมัครสมาชิกและนำเสนอเป็นของขวัญให้กับพิพิธภัณฑ์ Rumyantsev เพื่อเป็นการแสดงความเคารพเป็นพิเศษและการยอมรับการบริการของอาจารย์ในสมัยโบราณ เงินทุน.

คาร์ล บรูลลอฟ. เที่ยงอิตาลี (ผู้หญิงอิตาลีเก็บองุ่น).พ.ศ. 2370 พิพิธภัณฑ์ State Russian เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ภาพนี้ถูกสร้างขึ้นเพื่อเป็นห้องอบไอน้ำสำหรับ "Italian Morning" (1823, Kunsthalle, Kiel) และถูกส่งไปยังรัสเซียเพื่อเป็นรายงานระหว่างที่ศิลปินอยู่ในอิตาลี Bryullov ใช้โอกาสนี้ในอิตาลีเพื่อศึกษานางแบบ (ที่ St. Petersburg Academy ผู้หญิงไม่ได้โพสท่าสำหรับศิลปิน) เขาหมกมุ่นอยู่กับการแสดงร่างของหญิงสาวในเอฟเฟกต์แสงที่แตกต่างกัน - ในตอนเช้าหรือในแสงจ้าของช่วงบ่ายของอิตาลี ฉากประเภทนี้เต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งความเย้ายวนอันแสนหวาน ความงามอันสุกงอมของอิตาลีสะท้อนความสุกงอมขององุ่นที่เต็มไปด้วยน้ำหวานที่ส่องประกายระยิบระยับท่ามกลางแสงแดด

คาร์ล บรูลลอฟ. วันที่ขัดจังหวะ ("น้ำไหลผ่าน ... ")สีน้ำ. พ.ศ. 2370–1830 State Tretyakov Gallery, มอสโก

ในอิตาลี Bryullov เป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งประเภท "อิตาลี" ซึ่งเป็นที่นิยมอย่างมากในหมู่นักสะสมและนักเดินทาง ภาพวาดของศิลปินเกี่ยวกับชีวิตประจำวันของชาวอิตาลีผสมผสานความงามแบบคลาสสิกเข้ากับโลกทัศน์ที่โรแมนติกของความเป็นจริง หนึ่งในภาพสีน้ำที่ดีที่สุดของประเภท "อิตาลี" ฉากประเภทที่มีเสน่ห์ซึ่งเต็มไปด้วยอารมณ์ขันที่มีอัธยาศัยดีแผ่ขยายออกไปในฉากหลังของธรรมชาติอิตาลีที่สวยงามหวานชื่น Bryullov เชี่ยวชาญเทคนิคสีน้ำคลาสสิกอย่างเชี่ยวชาญถ่ายทอดสภาพแวดล้อมที่ส่องสว่างของวันที่อิตาลีร้อนบนแผ่นกระดาษเสื้อเชิ้ตของวีรบุรุษเป็นประกายด้วยสีขาวผนังหินของบ้านที่ร้อนจากแสงแดด

คาร์ล บรูลลอฟ. บัทเชบา.

โครงเรื่องอิงตามตำนานของหญิงสาวอาบน้ำที่กษัตริย์เดวิดเห็นขณะเดินไปตามหลังคาวังของเขา

Bryullov ร้องเพลงอย่างกระตือรือร้นเกี่ยวกับความงามของผู้หญิงซึ่ง "จักรวาลสามารถสวมมงกุฎได้เท่านั้น" ความอ่อนโยนของร่างกาย "โบราณ" ที่สวยงามของบัทเชบาซึ่งส่องสว่างด้วยแสงอาทิตย์ที่เฉียงของดวงอาทิตย์อัสดงนั้นถูกปกคลุมไปด้วยผ้าม่านอันเขียวชอุ่มซึ่งศิลปินได้กลายเป็นแท่นสำหรับความงาม สายน้ำใสไหลลงสระเป็นประกายระยิบระยับด้วยแสงอาทิตย์ ผืนผ้าใบทั้งหมดเต็มไปด้วยเสน่ห์ตระการตาและความสุขของการเป็นอยู่

คาร์ล บรูลลอฟ. ผู้ขี่.พ.ศ. 2375 State Tretyakov Gallery, มอสโก

ภาพพิธีการของหญิงสาวชาวอิตาลี Giovannina (หญิงขี่ม้า) และ Amazilia Paccini ได้รับมอบหมายจาก Bryullov โดย Countess Yulia Samoilova เพื่อนของศิลปินผู้ดูแลเด็กกำพร้าเหล่านี้ ศิลปินผสมผสานภาพคนขี่ม้าแบบดั้งเดิมเข้ากับพล็อตเรื่อง ก่อนพายุฝนฟ้าคะนอง ขี่ม้าที่สวยงามรีบกลับจากการเดิน อามาซิเลียผู้เปี่ยมเสน่ห์รีบวิ่งออกไปพบน้องสาวของเธอที่ระเบียง ใบหน้าของ Giovannina แม้จะกระโดดอย่างรวดเร็ว แต่ก็ยังคงสวยงามอย่างไม่มีที่ติ ก่อนที่เราจะเป็นเทคนิคที่ชื่นชอบในยุคของแนวโรแมนติก: การปะทะกันขององค์ประกอบทางธรรมชาติอันยิ่งใหญ่และความยืดหยุ่นของจิตวิญญาณมนุษย์ ศิลปินชื่นชมความงามที่เบ่งบานของวัยเยาว์ ชื่นชมความน่ารักของเด็กๆ ความสง่างามของม้าพันธุ์แท้ ประกายของผ้าไหมและลอนผมที่เปล่งประกาย ... ภาพเหมือนกลายเป็นปรากฏการณ์ที่มีเสน่ห์สง่างาม เป็นเพลงสวด ความงดงามของชีวิต

คาร์ล บรูลลอฟ. วันสุดท้ายของปอมเปอีพ.ศ. 2376 พิพิธภัณฑ์ State Russian เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

พล็อตของภาพมาจาก Bryullov หลังจากเยี่ยมชมการขุดค้นของ Pompeii ซึ่งเป็นเมืองโรมันโบราณใกล้ Naples ซึ่งเสียชีวิตในศตวรรษที่ 1 จากการปะทุของ Mount Vesuvius เมื่อทำงานกับภาพศิลปินใช้คำอธิบายของนักประวัติศาสตร์พลินีผู้น้องซึ่งเป็นพยานถึงการตายของเมือง ธีมหลักของภาพคือ "ผู้คนยึดครองด้วยความกลัว" ก่อนพลังแห่งโชคชะตาที่พิชิตทั้งหมด การเคลื่อนไหวของผู้คนมาจากความลึกของภาพไปยังผู้ชมในแนวทแยงมุม

แสงเย็นของฟ้าผ่าเน้นกลุ่มคนที่แยกจากกันเป็นหนึ่งเดียวด้วยแรงกระตุ้นทางวิญญาณเดียว ทางด้านซ้ายในกลุ่มศิลปินวาดภาพตัวเองด้วยกล่องสีบนหัวของเขา N. Gogol เขียนว่าร่างที่สวยงามของ Bryullov กลบความสยองขวัญในตำแหน่งของเขาด้วยความงาม ศิลปินผสมผสานความกระตือรือร้นของโลกทัศน์ที่โรแมนติกเข้ากับเทคนิคดั้งเดิมของความคลาสสิค ภาพดังกล่าวประสบความสำเร็จอย่างมากในยุโรปและในรัสเซีย Bryullov ได้รับการต้อนรับอย่างมีชัย: “คุณนำถ้วยรางวัลที่สงบสุข / กับคุณไปที่หลังคาของพ่อคุณ - / และมันเป็นวันสุดท้ายของปอมเปอี / สำหรับพู่กันรัสเซียในวันแรก” (E. Baratynsky)

คาร์ล บรูลลอฟ. ภาพเหมือนของ I. A. Krylovพ.ศ. 2382 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

ภาพวาดของ Ivan Andreevich Krylov (1768/1769–1844) ถูกวาดโดยศิลปินในคราวเดียวและยังสร้างไม่เสร็จ มือของ Krylov เสร็จสมบูรณ์โดยนักเรียน F. Goretsky จากปูนปลาสเตอร์ของผู้คลั่งไคล้ที่เสียชีวิตไปแล้ว Krylov ในรูปเหมือนอายุประมาณ 70 ปีรูปร่างหน้าตาของเขาถูกทำเครื่องหมายด้วยความสูงส่งที่เข้มงวดและมีชีวิตชีวาและมีพลัง ความเชี่ยวชาญที่งดงามของภาพเหมือน การผสมผสานที่ฟังดูโรแมนติกของสีดำ สีแดงที่ร้อนแรง และสีเหลืองทองอันเป็นที่รักของ Bryullov นั้นช่างน่าหลงใหล

คาร์ล บรูลลอฟ. ภาพเหมือนของ N. V. Kukolnikพ.ศ. 2379 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Bryullov เป็นผู้มีส่วนร่วมประจำในตอนเย็นที่โบฮีเมียวรรณกรรมในสมัยนั้นมารวมตัวกัน Nestor Vasilyevich Kukolnik (1809–1868) นักเขียนบทละคร นักข่าว และบรรณาธิการของนิตยสาร Khudozhestvennaya Gazeta ที่มีชื่อเสียง เป็นผู้เข้าร่วมที่ขาดไม่ได้ของพวกเขา ช่างทำตุ๊กตามีรูปลักษณ์ที่น่าอึดอัดใจ - สูงมาก ไหล่แคบ ใบหน้ายาวที่มีลักษณะผิดปกติ หูใหญ่ ตาเล็ก ในภาพวาด Bryullov ทำให้รูปลักษณ์ของเขาสวยงาม ทำให้เขามีความลึกลับของนักเดินทางที่โรแมนติก หูของเขาถูกซ่อนไว้ใต้หมวกผมยาว ใบหน้าซีดของเขามีรอยยิ้มเจ้าเล่ห์ บรรยากาศโรแมนติกเสริมด้วยพลบค่ำที่มืดมิดของวันที่ผ่านไป กำแพงที่ทรุดโทรม ชวนให้นึกถึงกาลเวลาที่ไม่สิ้นสุด และความเวิ้งว้างของทะเลในระยะไกล

คาร์ล บรูลลอฟ. ภาพเหมือนของ A. N. Strugovshchikovพ.ศ. 2383 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

Alexander Nikolaevich Strugovshchikov (1808–1878) เป็นเพื่อนของ Bryullov นักแปลจากภาษาเยอรมันและเป็นผู้จัดพิมพ์หนังสือพิมพ์ Art ภาพวาดถูกวาดในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในเวิร์กช็อปของ Bryullov ที่ Palace Square Strugovshchikov โพสท่าบนเก้าอี้ที่หุ้มด้วยหนังสีแดง (ในเก้าอี้ตัวเดียวกันที่เราเห็น Bryullov ใน Self-Portrait ที่มีชื่อเสียงของปี 1848) ในหน้ากากของ Strugovshchikov ที่เหนื่อยล้าเล็กน้อยศิลปินเน้นความประหม่าและการปลดออก ลัทธิทำลายล้างและความเศร้าโศกเป็นหน้ากากที่ชื่นชอบในยุคนั้นเมื่อ Strugovshchikov กล่าวว่า "การสังหารหมู่ในวันที่ 14 ธันวาคมได้หายไป ... ความปรารถนาของผู้คนที่ก้าวหน้าในสังคมที่จะเข้าไปยุ่งเกี่ยวกับการเมืองภายในของชีวิตของเราและ เส้นทางสู่สิ่งนี้ถูกปิดกั้น”

คาร์ล บรูลลอฟ. ภาพเหมือนของคุณหญิง Yu. P. Samoilova ทิ้งลูกบอลไว้กับ Amazilia Pacini ลูกสาวบุญธรรมของเธอไม่เกินปี พ.ศ. 2385 พิพิธภัณฑ์ State Russian เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ภาพวาดถูกวาดในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งเคาน์เตสที่แปลกประหลาดและเป็นอิสระได้รับมรดกมหาศาล ในภาพ เธอแสดงร่วมกับลูกสาวบุญธรรมของเธอ ซึ่งด้วยความเปราะบางของเธอ เริ่มต้นและเติมเต็มความงามที่หรูหราและเป็นผู้ใหญ่ของ Samoilova การเคลื่อนไหวของร่างของเคานท์เตสนั้นสมดุลด้วยการหมุนม่านกำมะหยี่อันทรงพลังซึ่งดูเหมือนว่าจะดำเนินต่อไปในชุดที่หรูหราตระการตาของเธอ ในภาพที่เป็นทางการที่ดีที่สุดของปรมาจารย์นี้ รู้สึกถึงไฟที่ร้อนแรงผิดปกติซึ่งเป็นผลมาจากความสัมพันธ์พิเศษของศิลปินกับนางแบบ

คาร์ล บรูลลอฟ. ภาพเหมือนตนเอง.พ.ศ. 2391 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

ตามบันทึกของนักเรียนของ Bryullov ภาพเหมือนตนเองนี้ถูกวาดโดยอาจารย์ในช่วงที่ป่วยหนักในเวลาเพียงสองชั่วโมง ผลงานสร้างความประทับใจด้วยความสามารถอันชาญฉลาดในการดำเนินการ: ผมถูก "หวี" ด้วยการเคลื่อนไหวเล็กน้อยของแปรง ใบหน้าซีดเซียว ซีด ผอมแห้งด้วยเงาโปร่งใส แขนที่ห้อยย้อยย้อยได้รับแรงบันดาลใจในจังหวะเล็กๆ... ในขณะเดียวกัน ภาพก็ไม่ได้ไร้ซึ่งความหลงตัวเองและศิลปะที่สง่างาม สภาพร่างกายที่ยากลำบากของอาจารย์เน้นเฉพาะไฟที่สร้างสรรค์ซึ่งแม้จะป่วยหนัก แต่ก็ไม่ตายใน Bryullov จนกระทั่งสิ้นสุดชีวิตของเขา

คาร์ล บรูลลอฟ. ภาพเหมือนของนักโบราณคดี M. Lanchiพ.ศ. 2394 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

ภาพเหมือนของเพื่อนเก่าของ Bryullov นักโบราณคดีชาวอิตาลี Michelangelo Lanci (พ.ศ. 2322-2410) มีความโดดเด่นในการพรรณนาถึงบุคลิกลักษณะของบุคคลอย่างชัดเจน ซึ่งเป็นการประกาศวิธีการที่สมจริงในศิลปะการวาดภาพบุคคล นักโบราณคดีดูเหมือนจะถูกจับได้ในช่วงเวลาของการสนทนาที่มีชีวิตชีวา: เขาถอดปากกาออกและชี้นำการเอาใจใส่และมองคู่สนทนาอย่างชาญฉลาด สีสันสดใสและน่าฟัง สร้างขึ้นจากการผสมผสานระหว่างเสื้อคลุมสีแดงสดและขนสีเงิน เน้นย้ำถึงความรักในชีวิตของนางแบบ

ความดังของ "พลังงาน" ของภาพเหมือนเป็นสิ่งที่น่าทึ่งกว่าเนื่องจากความแข็งแกร่งทางกายภาพของ Bryullov นั้นหมดลงแล้ว ภาพเหมือนเป็นงานสำคัญชิ้นสุดท้ายของศิลปินที่ป่วยหนัก

อเล็กซานเดอร์ บรูลลอฟ ภาพเหมือนของ N. N. Pushkinaพ.ศ. 2374–1832 กระดาษสีน้ำ พิพิธภัณฑ์ All-Russian แห่ง A. S. Pushkin, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ภาพวาดสีน้ำของ Alexander Bryullov น้องชายของ Karl Bryullov ได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่คนรุ่นเดียวกัน ในบรรดาสิ่งที่ดีที่สุดและมีค่าที่สุดสำหรับลูกหลานคือภาพเหมือนของ Natalya Nikolaevna Pushkina ภรรยาของกวีผู้ยิ่งใหญ่ ศิลปินไม่เพียงแต่จับภาพลักษณะเฉพาะของเธอเท่านั้น แต่ยังยกระดับความงามที่พรรณนาไว้เหนือ "ร้อยแก้วแห่งชีวิต" โดยยืนยันในอุดมคติของผู้หญิงเรื่อง "ความงามอันบริสุทธิ์" ที่เราพบในบทกวีของพุชกิน: "ความปรารถนาของฉันเป็นจริงแล้ว ผู้สร้าง / ส่งคุณมาหาฉัน คุณ มาดอนน่าของฉัน / ความงามที่บริสุทธิ์ที่สุดของตัวอย่างที่บริสุทธิ์ที่สุด

อเล็กซานเดอร์ บรูลลอฟ ภาพเหมือนของ E. P. Bakuninaไม่เกิน 2375 สีน้ำบนกระดาษแข็ง State Tretyakov Gallery, มอสโก

Ekaterina Pavlovna Bakunina (1795–1869) เป็นน้องสาวของ Alexander Bakunin เพื่อนในสถานศึกษาของ Pushkin กวีสามารถพบกับหนุ่ม Bakunina ที่ลูกบอลของสถานศึกษาซึ่งมีญาติสนิทของนักเรียนและคนรู้จักที่ได้รับเชิญมารวมตัวกัน “เธอช่างหวานเหลือเกิน! ชุดดำติดกับบาคูนิน่าที่รัก! แต่ฉันไม่ได้เจอเธอมาสิบแปดชั่วโมงแล้ว อ่า! ตำแหน่งและความปวดร้าวอะไร ... แต่ฉันมีความสุขเป็นเวลา 5 นาที” (จากไดอารี่ของพุชกินปี 1815) ในห้องภาพเหมือนย่อส่วน เราเห็นบาคูนินในวัยผู้ใหญ่แล้ว แต่ความไพเราะของลายเส้น สีโปร่งใสอันละเอียดอ่อนของสีน้ำนั้นสอดคล้องกับความรู้สึกกระตือรือร้นของกวีหนุ่ม

ปีเตอร์ โซโกโลฟ. ภาพเหมือนของ A. S. Pushkinพ.ศ. 2379 สีน้ำบนกระดาษ พิพิธภัณฑ์ All-Russian แห่ง A. S. Pushkin, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

Sokolov เป็นปรมาจารย์ที่ยอดเยี่ยมของภาพเหมือนสีน้ำในยุคพุชกิน พู่กันของศิลปินเป็นของภาพเหมือนตลอดชีพของพุชกินสามภาพ ภาพเหมือนของเพื่อนร่วมรุ่น เพื่อน และศัตรูของเขา ภาพนี้เป็นตัวแทนของกวีในบั้นปลายชีวิตของเขา - เหน็ดเหนื่อยเล็กน้อย ประสบกับความผิดหวังและความวิตกกังวลมากมาย ลูกชายของ Sokolov นักวาดภาพสีน้ำ A. Sokolov พูดถึงวิธีการทำงานของ Sokolov:

“ด้วยความกล้าหาญที่โดดเด่น โทนสีของใบหน้า เดรส เครื่องประดับลูกไม้หรือพื้นหลังวางลงทันที เกือบจะเต็มกำลัง และลงรายละเอียดด้วยสีผสม ส่วนใหญ่เป็นสีเทา มีเสน่ห์และรสชาติที่โดดเด่น เพื่อให้จังหวะของแปรง จังหวะของมันการสืบเชื้อสายของสีสู่ความว่างเปล่ายังคงอยู่ในใจโดยไม่รบกวนความสมบูรณ์ของทุกส่วน จากนี้ไปไม่มีการทรมานและแรงงานใดที่สังเกตได้จากผลงานของเขา ทุกอย่างออกมาสด สว่าง และในขณะเดียวกันก็ดูโดดเด่นและเต็มไปด้วยสีสัน

อเล็กซี่ เวเนเซียนอฟ ภาพเหมือนตนเอง.พ.ศ. 2354 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐมอสโก

ในภาพเหมือนตนเอง Venetsianov อายุ 31 ปี แต่ดูเหมือนว่าเขาจะเหนื่อยและฉลาด ในเวลานี้ เขาเป็นจิตรกรวาดภาพเหมือนที่มีชื่อเสียงอยู่แล้ว ซึ่งประสบความสำเร็จด้วยการทำงานและความอุตสาหะของเขาเอง ภาพเหมือนตนเองแสดงออกถึงความจริงจัง ความจริงใจ และความเรียบง่าย ศิลปินถือจานสีและแปรงในมือมองดูงานอย่างระมัดระวัง แสงที่มีชีวิตชีวาและอบอุ่นช่วยสร้างรูปร่างอย่างนุ่มนวล Venetsianov นำเสนอภาพนี้ต่อ Academy of Arts และได้รับตำแหน่ง "ได้รับการแต่งตั้งให้เป็นนักวิชาการ" สำหรับเขา

อเล็กซี่ เวเนเซียนอฟ คนเลี้ยงแกะที่หลับใหลระหว่างปี พ.ศ. 2366 ถึง พ.ศ. 2369 พิพิธภัณฑ์รัสเซียแห่งรัฐเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ภูมิทัศน์ของหมู่บ้านรัสเซียที่น่าตื่นตาตื่นใจในเสน่ห์ที่ทะลุทะลวงเต็มไปด้วยความสงบเงียบและสดใส: พื้นผิวเรียบของแม่น้ำและสวนผักสีเขียวและพื้นที่เพาะปลูกที่อยู่ห่างไกลและเนินเขาที่เป็นป่า ... สีสันของภูมิทัศน์คือ สว่างไสว เต็มเสียง ราวกับมีแสงแทรกอยู่ “ The Sleeping Shepherd” เป็นหนึ่งในภาพวาดที่ดีที่สุดโดย Venetsianov ในแง่ของอารมณ์ที่ไพเราะและจริงใจ ในการถ่ายทอดความสัมพันธ์ที่ใกล้ชิดระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ Venetsianov ปรากฏตัวที่นี่ในฐานะผู้ค้นพบเสน่ห์อันละเอียดอ่อนของธรรมชาติรัสเซียเจียมเนื้อเจียมตัว

อเล็กซี่ เวเนเซียนอฟ บนที่ดินทำกิน ฤดูใบไม้ผลิ.ครึ่งแรกของปี 1820 State Tretyakov Gallery, มอสโก

รูปภาพแสดงสัญลักษณ์เปรียบเทียบของฤดูใบไม้ผลิ หญิงชาวนาสวมชุดอาบแดดที่สง่างาม เปรียบเสมือนเทพธิดาแห่งดอกไม้บานและใบไม้ผลิ ก้าวย่างก้าวอย่างสง่างามบนผืนดินที่เหมาะแก่การเพาะปลูก ทางด้านซ้ายในพื้นหลัง หญิงชาวนาอีกคนที่มีม้าดูเหมือนจะเคลื่อนไหวต่อไปเป็นวงกลมของตัวละครหลัก ซึ่งปิดทางด้านขวาบนเส้นขอบฟ้าโดยมีร่างผู้หญิงอีกคนหนึ่งที่ดูเหมือนผีโปร่งแสง ถัดจากความงามที่โตเต็มที่ของฟลอรา เราจะเห็นสัญลักษณ์เปรียบเทียบการเริ่มต้นชีวิต - คิวปิดทารกที่รายล้อมไปด้วยพวงหรีดของคอร์นฟลาวเวอร์ ทางด้านขวาของภาพ ถัดจากตอไม้แห้ง มีต้นอ่อนบางๆ เอื้อมไปรับแสงแดด

ภาพนี้แสดงถึงวัฏจักรนิรันดร์ของชีวิต: การเปลี่ยนแปลงของฤดูกาล การเกิดและการเหี่ยวเฉา... นักวิจัยตั้งข้อสังเกตว่าภาพวาดนี้โดย Venetsianov ซึ่งมีอารมณ์งดงามและชัดเจนเชิงเปรียบเทียบ ผสมผสานกับลวดลายของรัสเซีย เข้าได้กับรสนิยมของจักรพรรดิอเล็กซานเดอร์ที่ 1

อเล็กซี่ เวเนเซียนอฟ ในการเก็บเกี่ยว ฤดูร้อน.กลางปี ​​1820? State Tretyakov Gallery, มอสโก

ภาพนี้ถูกสร้างโดย Venetsianov ในฐานะคู่หูกับงาน "บนที่ดินทำกิน ฤดูใบไม้ผลิ” และเป็นส่วนหนึ่งของวัฏจักรชนิดหนึ่งเกี่ยวกับฤดูกาล โลกแห่งชีวิตชาวนาที่นี่ปราศจากความทุกข์ยากที่น่าเบื่อหน่ายของแรงงานในชนบท นี่คือไอดีลที่ศิลปินมองเห็นจากหน้าต่างของคฤหาสน์ชั้นสูงที่ "โรแมนติก" แต่หัวใจของไอดีลนี้คือความคิดที่ฉลาดและซื่อสัตย์ของศิลปินเกี่ยวกับความงามและความสำคัญอันสูงส่งของความกังวลของชาวนาในชีวิตประจำวัน เกี่ยวกับเสน่ห์พิเศษของธรรมชาติรัสเซีย “ ใครในภาพวาดรัสเซียทั้งหมดสามารถถ่ายทอดอารมณ์ฤดูร้อนอย่างแท้จริงเช่นเดียวกับการลงทุนในภาพวาด "ฤดูร้อน" ของเขาซึ่งอยู่ด้านหลังผู้หญิงที่ปลูกในเชิงมุมด้วยโปรไฟล์ที่ยืดออกเล็กน้อยรัสเซียล้วนๆ ธรรมชาติไม่ยืดอีกต่อไป แผ่ขยายออกไป: ทุ่งนาสีเหลืองอันห่างไกลซึ่งสุกงอมในอากาศที่ร้อนระอุจากแสงแดด!” อุทาน A. Benois

อเล็กซี่ เวเนเซียนอฟ หญิงสาวในผ้าพันคอ .

หญิงสาวชาวนาที่สวยงามเขียนโดย Venetsianov ด้วยความอบอุ่นและความจริงใจที่ไม่ธรรมดา เธอจ้องไปที่ผู้ชมด้วยสายตาที่มีชีวิตชีวา ริมฝีปากที่อวบอิ่มของเธอยิ้มเล็กน้อย ผ้าพันคอลายทางสีน้ำเงินและผมด้านหลังสีเข้มเป็นมันเงาช่วยขจัดความอ่อนโยนของใบหน้าแบบสาว ๆ ของเธอ พื้นที่ของภาพเต็มไปด้วยแสงที่นุ่มนวล สีนี้มาจากการผสมผสานที่ลงตัวระหว่างโทนสีเขียวอ่อน สีฟ้า และสีเบจอ่อน

อเล็กซี่ เวเนเซียนอฟ คนเกี่ยวข้าวปลายทศวรรษ 1820 พิพิธภัณฑ์ State Russian เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ในภาพนี้เราเห็นเด็กชายชาวนา Zakharka ฮีโร่ของภาพวาดหลายภาพโดย Venetsianov และ Anna Stepanova แม่ของเขา เด็กชายพิงไหล่ของแม่ด้วยความตื่นตระหนกจากการทำงานหนักและความร้อนในตอนกลางวัน รู้สึกทึ่งกับผีเสื้อสีสดใสที่เกาะอยู่บนมือของเธอ แบบฟอร์มหล่อด้วยสีหนาและสมบูรณ์ เส้นที่โค้งมนและเรียบเนียนช่วยเติมเต็มองค์ประกอบด้วยความสมดุลและความสงบ โครงเรื่องในชีวิตประจำวันที่ไม่โอ้อวดจากชีวิตชาวนา Venetsianov กลายเป็นการบรรยายบทกวีเกี่ยวกับความงามอันน่าหลงใหลของโลกและความสุขของความสามัคคีกับธรรมชาติ

อเล็กซี่ เวเนเซียนอฟ หญิงชาวนากับคอร์นฟลาวเวอร์ .ยุค 1830 State Tretyakov Gallery, มอสโก

หญิงสาวชาวนาไร้ความร่าเริงโรแมนติก ภาพลักษณ์ของเธอเรียบง่ายและเต็มไปด้วยบทกวีที่สงบและจริงใจ หมกมุ่นอยู่กับความคิดของเธอ เธอสัมผัสถึงดอกคอร์นฟลาวเวอร์สีฟ้าสดใสอย่างเศร้าและแยกจากกัน สีของภาพสร้างขึ้นจากความกลมกลืนอันละเอียดอ่อนของสีขาวควันนวล สีเงิน และโทนสีเหลืองอ่อนๆ สะท้อนถึงอารมณ์เล็กน้อยที่ครุ่นคิดของหญิงสาว

กริกอรี โซโรคา. ทิวทัศน์ของที่ดิน Spasskoye ในจังหวัด Tambovยุค 1840 หอศิลป์ภูมิภาคตเวียร์

Grigory Soroka ผู้รับใช้ของ P. I. Milyukov ศึกษาเป็นระยะๆ กับ Venetsianov ที่ Safonkovo ​​ที่ดินของเขา ศิลปิน A. Mokritsky เขียนว่า Venetsianov สอนนักเรียนของเขา:“ วัตถุทั้งหมดเหล่านี้ซึ่งจิตรกรต้องสัมผัสและถ่ายทอดความแตกต่างทางวัตถุ ... สำหรับสิ่งนี้ ... ความระมัดระวังเป็นพิเศษของดวงตา, ​​ความเข้มข้นของความสนใจ, การวิเคราะห์, ความไว้วางใจอย่างสมบูรณ์ ในธรรมชาติและการแสวงหาการเปลี่ยนแปลงอย่างต่อเนื่องเป็นสิ่งจำเป็นในระดับต่างๆและตำแหน่งของแสง ต้องการความชัดเจนของความเข้าใจและความรักที่มีต่ออุดมการณ์”

Magpie มีความสามารถนำศีลของผู้ให้คำปรึกษามาสู่ชีวิต เขาแก้ปัญหาภาพที่ซับซ้อนได้อย่างสมบูรณ์แบบ เติมเต็มภูมิทัศน์ด้วยความสงบแบบคลาสสิกและความจริงใจในแสง ภายหลัง Venetsianov เขาค้นพบความงามในลวดลายอันเงียบสงบของธรรมชาติพื้นเมืองของเขา

ยุค 1840 พิพิธภัณฑ์ State Russian เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ผิวน้ำที่นิ่งสงบของทะเลสาบโมลดินสกี้ครองราชย์ในภาพ กำหนดอารมณ์ของแสงอันวิจิตรงดงาม ทุกสิ่งสัมผัสได้ถึงความช้าและความเงียบ: เด็กชายกำลังตกปลาที่ชายฝั่ง เพื่อนของเขากำลังแล่นเรือไปตามชายฝั่งอย่างเงียบๆ อาคารของที่ดินบนฝั่งตรงข้ามถูกฝังอยู่ในพุ่มไม้หนาทึบของธรรมชาติ "สวยงามตลอดกาล" การถ่ายทอดความงามของบทกวีพิเศษของธรรมชาติรัสเซียและอารมณ์ของความสงบที่ตื่นตาตื่นใจซึ่งเต็มไปด้วยความสง่างามทำให้ภูมิทัศน์นี้เกี่ยวข้องกับผลงานที่ดีที่สุดของ A. Venetsianov

กริกอรี โซโรคา. ชาวประมง. ดูในที่ดินของ Spasskoye จังหวัด Tambovชิ้นส่วน

คาปิตัน เซเลนท์ซอฟ ในห้องพักปลายทศวรรษ 1820 State Tretyakov Gallery, มอสโก

ในตอนท้ายของยุค 20 ของศตวรรษที่ 19 ประเภทการตกแต่งภายในกลายเป็นที่นิยมในหมู่ศิลปินซึ่งสะท้อนถึงความสนใจของลูกค้าจากสังคมชั้นสูงใน "บทกวีเกี่ยวกับชีวิตในบ้าน" ภาพวาดของ Zelentsov ใกล้เคียงกับผลงานที่ดีที่สุดของที่ปรึกษา A. Venetsianov ก่อนที่ผู้ชมจะกางห้องชุดที่กว้างขวางและตกแต่งอย่างมีรสนิยมจำนวนสามห้อง สว่างไสวไปด้วยแสงไฟ มีภาพวาดและเหรียญรางวัลโดย F. Tolstoy อยู่บนผนัง รูปปั้นของ Venus อยู่ที่มุมใกล้หน้าต่าง เฟอร์นิเจอร์ไม้มะฮอกกานีอันสง่างามวางอยู่ตามผนัง ห้องพักมี "ภาพเคลื่อนไหว" โดยชายหนุ่มสองคนที่ฝึกสุนัข เมื่อมองดูการตกแต่งภายในนี้ จะให้ความรู้สึกสงบและสว่างไสวซึ่งสอดคล้องกับแนวคิดในอุดมคติของชีวิตส่วนตัว

เฟดอร์ สลาฟยันสกี้ สำนักงานของ A. G. Venetsianovพ.ศ. 2382–1840 พิพิธภัณฑ์ State Russian เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

Slavyansky ยังคงเป็นครูของเขา A. Venetsianov ทั้งในแนวตั้งและในประเภทการตกแต่งภายใน อารมณ์ที่สดใสและกลมกลืนซึมซาบเข้าสู่ภายในที่ดีที่สุดของเขา โดยพรรณนาถึงห้องต่างๆ ในบ้านของพี่เลี้ยง ห้องที่ทาสีอย่างสวยงามช่วยเตือนถึงความก้าวหน้าอันยอดเยี่ยมในการศึกษามุมมอง ชายหนุ่มคนหนึ่งนอนลงบนโซฟาที่หลังห้องท่ามกลางแสงพร่าเลือน บางทีอาจเป็นตัวศิลปินเองหรือหนึ่งในนักเรียนของเจ้าของบ้าน ทุกอย่างในพื้นที่นี้ชวนให้นึกถึงการให้บริการทางศิลปะและความสนใจทางศิลปะ: สำเนาจากรูปปั้นโบราณ, นางแบบสาวชาวนาใน kokoshnik ข้างหน้าต่าง, ราวกับว่าฟื้นจากแสงแดดสดใส, ภาพวาดบนผนัง, ซับในเตาที่ทำใน "ของเก่า" " สไตล์.

จากหนังสือของผู้เขียน

ภาพวาดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 * * *ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 วิจิตรศิลป์ของรัสเซียถูกครอบงำด้วยแนวคิดทางสังคมและการเมือง ไม่มีประเทศในยุโรปอื่นใดที่มีการวาดภาพความสมจริงที่สำคัญเช่นนี้มาอย่างยาวนาน - ประวัติศาสตร์

วัฒนธรรมแห่งศตวรรษที่ 19 เป็นวัฒนธรรมสถาปนาความสัมพันธ์ชนชั้นนายทุน ในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบแปด ทุนนิยมเป็นระบบที่ก่อตัวขึ้นอย่างสมบูรณ์ มันครอบคลุมทุกสาขาของการผลิตวัสดุซึ่งนำไปสู่การเปลี่ยนแปลงที่สอดคล้องกันในขอบเขตที่ไม่มีประสิทธิผล (การเมือง, วิทยาศาสตร์, ปรัชญา, ศิลปะ, การศึกษา, ชีวิตประจำวัน, จิตสำนึกทางสังคม)
วัฒนธรรมในยุคนี้มีลักษณะเฉพาะด้วยการสะท้อนความขัดแย้งภายในของสังคมชนชั้นนายทุน การปะทะกันของแนวโน้มที่เป็นปฏิปักษ์, การต่อสู้ของชนชั้นหลัก - ชนชั้นนายทุนและชนชั้นกรรมาชีพ, การแบ่งขั้วของสังคม, การเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วของวัฒนธรรมทางวัตถุและจุดเริ่มต้นของความแปลกแยกของแต่ละบุคคลกำหนดธรรมชาติของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของเวลานั้น

ในศตวรรษที่ 19 การปฏิวัติกำลังเกิดขึ้นเกี่ยวข้องกับการเกิดขึ้นของเครื่องจักรที่ทำให้บุคคลแปลกแยกจากธรรมชาติ ทำลายความคิดปกติเกี่ยวกับบทบาทที่โดดเด่นของเขา และเปลี่ยนบุคคลให้กลายเป็นสิ่งมีชีวิตที่พึ่งพาเครื่องจักร ภายใต้เงื่อนไขของการใช้เครื่องจักรที่เข้มข้นขึ้นบุคคลนั้นไปรอบนอกของชีวิตฝ่ายวิญญาณแยกตัวออกจากรากฐานทางวิญญาณ สถานที่ทำงานหัตถกรรมที่เกี่ยวข้องกับบุคลิกภาพและความคิดสร้างสรรค์ของอาจารย์ถูกยึดครองโดยงานที่ซ้ำซากจำเจ

วัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของศตวรรษที่ XIX. พัฒนาและดำเนินการภายใต้อิทธิพลของสองปัจจัยที่สำคัญที่สุด: ความสำเร็จในด้านปรัชญาและวิทยาศาสตร์ธรรมชาติ วัฒนธรรมที่โดดเด่นชั้นนำของศตวรรษที่ XIX เป็นวิทยาศาสตร์
ทิศทางของค่านิยมต่างๆ ขึ้นอยู่กับตำแหน่งเริ่มต้นสองตำแหน่ง: การจัดตั้งและการอนุมัติค่านิยมของวิถีชีวิตของชนชั้นนายทุนในด้านหนึ่ง และการปฏิเสธที่สำคัญของสังคมชนชั้นนายทุนในอีกด้านหนึ่ง ดังนั้นการปรากฏตัวของปรากฏการณ์ที่แตกต่างกันดังกล่าวในวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 19: แนวโรแมนติก, สัจนิยมเชิงวิพากษ์, สัญลักษณ์, นิยมนิยม, แง่บวกและอื่น ๆ

คุณสมบัติของโลกทัศน์วัฒนธรรมยุโรปของศตวรรษที่ XIX เป็นภาพสะท้อนของหลักการที่ขัดแย้งกันซึ่งสังคมกระฎุมพีที่พัฒนาแล้ว แต่ถึงกระนั้น ก็ไม่เท่าเทียมกันในแง่ของการเจาะลึกเข้าไปในตัวตนและโลกฝ่ายวิญญาณของบุคคลในแง่ของความตึงเครียดเชิงสร้างสรรค์ในด้านวิทยาศาสตร์ วรรณกรรม ปรัชญา และศิลปะ

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19รัสเซีย ศิลปะพัฒนาภายในโรงเรียนวิชาการ จิตรกรรม. ประเภทประวัติศาสตร์และการต่อสู้มีการแพร่กระจายอย่างกว้างขวางซึ่งเกี่ยวข้องกับชัยชนะในสงครามรักชาติปี 1812 และการเพิ่มขึ้นของความประหม่าของชาติ ตั้งแต่กลางทศวรรษ 60 ของศตวรรษที่ 19 รัสเซีย จิตรกรหันไปใช้ธีมของวิถีชีวิตประเภทสังคมที่ปรากฏในทัศนศิลป์ ในทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษ บางส่วนถูกแทนที่ด้วยภูมิทัศน์แบบอิมเพรสชันนิสต์ใน ภาพวาดโดยศิลปินชาวรัสเซียคุณสมบัติของนีโอคลาสสิกและความทันสมัยปรากฏขึ้น

โรงเรียนวิชาการ จิตรกรรมในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 เธอได้รับตำแหน่งที่แข็งแกร่งในฐานะผู้นำเทรนด์ในรูปแบบศิลปะและแนวโน้ม วิธีการหลักคือความคลาสสิค ประเภทหลักคือ ภาพเหมือน ภูมิทัศน์ตกแต่ง และประวัติศาสตร์ จิตรกรรม. หนุ่มสาว จิตรกรไม่พอใจกับความอนุรักษ์นิยมที่ไร้เหตุผลของสถาบันและเพื่อไม่ให้เขียน ภาพวาดเกี่ยวกับเรื่องในพระคัมภีร์และในตำนาน หันไปใช้ประเภทแนวตั้งและแนวนอน พวกเขาปรากฏตัวขึ้นในลักษณะแนวโรแมนติกและความสมจริงมากขึ้น

ในรูป จิตรกรรม O. A. Kiprensky มีภาพที่โรแมนติกมากมาย: ภาพเหมือนของเด็กผู้ชาย A. A. Chelishchev (1810-1811), คู่สมรส F. V. และ E. P. Rostopchins (1809), คู่สมรส V. S. และ D. N. Khvostov ( 1814), E. S. Avdulina (1822)

ภาพเหมือนของ V.A. Tropininเขียนในลักษณะที่เป็นจริง บุคคลที่ปรากฎเป็นภาพกลางในพวกเขา ความสนใจทั้งหมดมุ่งมาที่เขา ตัวเลขและลักษณะใบหน้าเขียนด้วยความชัดเจนทางกายวิภาคและความน่าเชื่อถือ (ภาพเหมือนของ Counts Morkov, 1813-1815; "Bulakhov", 1823; "K. G. Ravich", 1823)

แปรงโดย V.A. Tropininเป็นภาพเหมือนที่มีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งของ A. S. Pushkin - ภาพที่กวีวางมือบนกองกระดาษและดูเหมือนจะฟังเสียงภายในของเขา
ใน รูปภาพ K. P. Bryullov "วันสุดท้ายของปอมเปอี" เขียนตามศีลทั้งหมดของโรงเรียนวิชาการ จิตรกรรมสะท้อนให้เห็นถึงการพัฒนาความคิดทางสังคมของรัสเซียความคาดหวังของการเปลี่ยนแปลงซึ่งเกี่ยวข้องกับการเพิ่มขึ้นของจิตสำนึกของชาติ จิตรกรรมเป็นสัญลักษณ์ของความกล้าหาญของผู้คนที่มองเข้าไปในดวงตาของภัยพิบัติร้ายแรง ในบรรดาภาพวาดที่มีชื่อเสียงอื่น ๆ ของ K. P. Bryullov เราสามารถตั้งชื่อว่า "Italian morning", "Italian noon", "Horsewoman", "Bathsheba" ในสิ่งเหล่านี้และอื่น ๆ อีกมากมาย ภาพวาดให้กับศิลปินความสามารถเท่าเทียมกันสามารถจับภาพความงามของร่างกายมนุษย์และความงามของธรรมชาติได้

ความคิดปลุกจิตวิญญาณผู้คนสะท้อนให้เห็นในผลงานของ A.A. Ivanov เหนือชื่อเสียงที่สุด จิตรกรรม, "การปรากฏของพระคริสต์สู่ประชาชน" เขาทำงานประมาณยี่สิบปี พระเยซูบน รูปภาพวาดไว้แต่ไกล และยอห์นผู้ให้รับบัพติศมาอยู่ข้างหน้า ชี้ไปที่ผู้คนที่พระผู้ช่วยให้รอดที่ใกล้เข้ามา ใบหน้าของผู้คนที่รอคอยพระเยซูสว่างขึ้นเมื่อพระองค์เข้าใกล้ จิตวิญญาณของพวกเขาเต็มไปด้วยความปิติยินดี

จิตรกร A. G. Venetsianov และ P. A. Fedotov ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ได้วางรากฐานของประเภทสังคมใน จิตรกรรม. A. G. Venetsianov ในของเขา รูปภาพทำให้ชีวิตชาวนาในอุดมคติมุ่งเน้นไปที่ความงามและความสูงส่งของผู้คนโดยไม่คำนึงถึงสถานะทางสังคม ("ลานนวดข้าว", "บนการเก็บเกี่ยว. ฤดูร้อน", "บนที่ดินทำกิน ฤดูใบไม้ผลิ", "หญิงชาวนากับคอร์นฟลาวเวอร์"
ตั้งแต่ยุค 50 ของศตวรรษที่ 19 ทิศทางหลัก วิจิตรศิลป์รัสเซียความสมจริงกลายเป็นและประเด็นหลักคือภาพชีวิตของคนทั่วไป การอนุมัติทิศทางใหม่เกิดขึ้นในการต่อสู้ที่ดื้อรั้นกับสมัครพรรคพวกของโรงเรียนวิชาการ จิตรกรรม. พวกเขาแย้งว่าศิลปะควรสูงกว่าชีวิตไม่มีที่สำหรับธรรมชาติของรัสเซียและหัวข้อทางสังคม อย่างไรก็ตามนักวิชาการถูกบังคับให้ทำสัมปทาน ในปี พ.ศ. 2405 ทุกประเภท ทัศนศิลป์มีสิทธิเท่าเทียมกันซึ่งหมายความว่ามีการประเมินคุณค่าทางศิลปะเท่านั้น ภาพวาดโดยไม่คำนึงถึงเรื่อง

17. ศิลปะรัสเซียในครึ่งแรก - กลางศตวรรษที่ 19 ยวนใจ, อารมณ์อ่อนไหว - ทิศทางของศิลปะคลาสสิก

หลังสงครามรักชาติ ค.ศ. 1812.: ความสนใจที่เพิ่มขึ้นในชีวิตพื้นบ้าน; ความเป็นปัจเจกของมนุษย์นำไปสู่การก่อตัวของอุดมคติใหม่ซึ่งมีพื้นฐานมาจากความคิดของบุคคลที่เป็นอิสระทางจิตวิญญาณ ความรู้สึกลึกล้ำ และการแสดงความรู้สึกอย่างหลงใหล อุดมคตินี้สะท้อนให้เห็นในงานของตัวแทนของแนวความคิดที่สร้างสรรค์ใหม่ - แนวโรแมนติกการก่อตั้งซึ่งเกิดขึ้นพร้อมกันกับความตายของลัทธิคลาสสิค

ในการวาดภาพสังเกตได้การเหี่ยวเฉาของความคลาสสิคและการสถาปนาความโรแมนติกและความสมจริง

แนวโรแมนติก- ทิศทางในศิลปะของครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ซึ่งนำความเป็นปัจเจกมาสู่เบื้องหน้า กอปรด้วยแรงบันดาลใจในอุดมคติ

แต่ความสำเร็จที่แท้จริงของการวาดภาพคืออย่างไรก็ตามในเส้นเลือดที่แตกต่างกัน - แนวโรแมนติก ความทะเยอทะยานที่ดีที่สุดของจิตวิญญาณมนุษย์ การขึ้นๆ ลงๆ และการทะยานของจิตวิญญาณนั้นแสดงออกด้วยภาพวาดสุดโรแมนติกในสมัยนั้น และเหนือสิ่งอื่นใดคือภาพเหมือน ในประเภทภาพเหมือนควรให้ Orest Kiprensky (1782-1836) เป็นผู้นำ

Kiprensky เรียนโดยเริ่มจากโรงเรียนการศึกษาที่ Academy of Arts ซึ่งเขาศึกษาในชั้นเรียนจิตรกรรมประวัติศาสตร์ ศิลปินใช้เอฟเฟกต์สีตัวหนาเพื่อสร้างแบบจำลองแบบฟอร์ม การวาดภาพอิมปัสโตมีส่วนช่วยในการแสดงออกของพลังงานช่วยเพิ่มอารมณ์ความรู้สึกของภาพ ด้วยความเป็นธรรม ดี.วี. สราเบียโนวาแนวโรแมนติกของรัสเซียไม่เคยมีการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่ทรงพลังเช่นนี้ในฝรั่งเศสหรือเยอรมนี ไม่มีความตื่นเต้นสุดขีดหรือความสิ้นหวังที่น่าเศร้าอยู่ในนั้น ในแนวโรแมนติกของ Kiprensky ยังมีความกลมกลืนของความคลาสสิกอีกมากจากการวิเคราะห์ "ขดลวด" ของจิตวิญญาณมนุษย์อย่างละเอียดถี่ถ้วนซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของอารมณ์อ่อนไหว “ ศตวรรษปัจจุบันและศตวรรษที่ผ่านมา” ชนกันในงานของ Kiprensky ยุคแรกซึ่งก่อตั้งขึ้นเป็นคนที่มีความคิดสร้างสรรค์ในปีที่ดีที่สุดของชัยชนะทางทหารและความหวังอันสดใสของสังคมรัสเซียและประกอบขึ้นเป็นความคิดริเริ่มและเสน่ห์ที่อธิบายไม่ได้ของเขา ภาพเหมือนโรแมนติกในช่วงต้น

ในสมัยอิตาลีตอนปลายเนื่องจากชะตากรรมส่วนตัวของเขาหลายสถานการณ์ ศิลปินจึงแทบไม่สามารถสร้างสิ่งใดที่เท่ากับงานแรกของเขาได้ แต่ถึงกระนั้นที่นี่ ก็ยังเรียกผลงานชิ้นเอกดังกล่าวว่าเป็นหนึ่งในภาพถ่ายบุคคลที่ดีที่สุดตลอดช่วงชีวิตได้ พุชกิน(1827, Tretyakov Gallery) ซึ่งวาดโดยศิลปินในช่วงสุดท้ายของการพำนักในบ้านเกิดของเขา หรือภาพเหมือนของ Avdulina (ค.ศ. 1822 พิพิธภัณฑ์รัสเซีย) เต็มไปด้วยความโศกเศร้าอย่างสง่างาม

ส่วนอันล้ำค่าของงานของ Kiprensky- ภาพกราฟิก ส่วนใหญ่ทำด้วยดินสออิตาลีเนื้ออ่อนพร้อมสีพาสเทล สีน้ำ ดินสอสี การปรากฏตัวของภาพร่างดินสออย่างรวดเร็วมีความสำคัญในตัวเองซึ่งเป็นลักษณะของเวลาใหม่: การเปลี่ยนแปลงใด ๆ บนใบหน้าการเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณใด ๆ ได้อย่างง่ายดาย บันทึกไว้ในพวกเขา แต่กราฟิกของ Kiprensky ก็กำลังมีวิวัฒนาการเช่นกัน: ในงานชิ้นต่อมาของเขาไม่มีความเป็นธรรมชาติและความอบอุ่น แต่พวกมันมีคุณธรรมและประณีตกว่าในการดำเนินการ (ภาพเหมือนของ S.S. Shcherbatova, it. car., State Tretyakov Gallery)

ขั้วโลก AO สามารถเรียกได้ว่าโรแมนติกสม่ำเสมอ Orlovsky(ค.ศ. 1777-1832) ซึ่งอาศัยอยู่ในรัสเซียเป็นเวลา 30 ปี และนำเสนอธีมวัฒนธรรมรัสเซียที่มีลักษณะเฉพาะของคู่รักตะวันตก (พักแรม พลม้า ซากเรืออับปาง “ใช้ดินสอ วาด ​​ออร์ลอฟสกี ดาบ และการต่อสู้” พุชกินเขียนไว้ เขาหลอมรวมอย่างรวดเร็วบนดินรัสเซียซึ่งสังเกตได้ชัดเจนเป็นพิเศษในภาพบุคคล ในพวกเขาผ่านคุณลักษณะภายนอกทั้งหมดของแนวโรแมนติกยุโรปด้วยความดื้อรั้นและความตึงเครียดมีบางสิ่งที่เป็นส่วนตัวซ่อนเร้นและเป็นความลับ (Self-portrait, 1809, State Tretyakov Gallery) ในทางกลับกัน Orlovsky มีบทบาทบางอย่างในการ "ฝ่าฟัน" เส้นทางสู่ความสมจริงด้วยภาพสเก็ตช์ประเภท ภาพวาดและภาพพิมพ์หินที่แสดงฉากและประเภทของถนนในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งทำให้ quatrain อันโด่งดังมีชีวิตชีวา

ในที่สุด ความโรแมนติกพบการแสดงออกในแนวนอน. ซิลเวสเตอร์ เชดริน (พ.ศ. 2334-2473) เริ่มต้นอาชีพสร้างสรรค์ในฐานะนักเรียนของอาเซมยอน เชดริน ลุงของเขาด้วยการประพันธ์เพลงคลาสสิก: การแบ่งอย่างชัดเจนออกเป็นสามแผน (แผนที่สามมักจะเป็นสถาปัตยกรรม) ที่ด้านข้างของปีก แต่ในอิตาลีที่ซึ่งเขาออกจากสถาบันเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก คุณลักษณะเหล่านี้ไม่ได้ถูกรวมเข้าด้วยกัน ไม่ได้กลายเป็นโครงการ มันอยู่ในอิตาลีที่ Shchedrin อาศัยอยู่มานานกว่า 10 ปีและเสียชีวิตในความสามารถที่ยอดเยี่ยมของเขาซึ่งเขาเปิดเผยว่าตัวเองเป็นศิลปินโรแมนติกกลายเป็นหนึ่งในจิตรกรที่ดีที่สุดในยุโรปพร้อมกับ Constable และ Corot เขาเป็นคนแรกที่เปิดภาพวาดในอากาศสำหรับรัสเซีย จริงเช่นเดียวกับ Barbizons Shchedrin วาดภาพร่างในที่โล่งเท่านั้นและวาดภาพให้เสร็จ ("ตกแต่ง" ตามที่เขากำหนด) ในสตูดิโอ อย่างไรก็ตามแรงจูงใจเปลี่ยนการเน้น ดังนั้น กรุงโรมในผืนผ้าใบของเขาจึงไม่ใช่ซากปรักหักพังอันยิ่งใหญ่ในสมัยโบราณ แต่เป็นเมืองสมัยใหม่ที่มีชีวิตของคนธรรมดา - ชาวประมง พ่อค้า กะลาสีเรือ แต่ชีวิตธรรมดาภายใต้พู่กันของเชดรินได้รับเสียงอันประเสริฐ

ท่าเรือซอร์เรนโต, เขื่อนของเนเปิลส์, ไทเบอร์ที่ปราสาทเซนต์. เทวดา คนตกปลา แค่พูดคุยกันบนระเบียงหรือพักผ่อนใต้ร่มไม้ ทุกสิ่งล้วนถ่ายทอดผ่านปฏิสัมพันธ์อันซับซ้อนของแสงและอากาศ เป็นการหลอมรวมกันอันน่ารื่นรมย์ของโทนสีเงิน-เทา ซึ่งมักจะรวมกันเป็นสีแดง - ในเสื้อผ้าและผ้าโพกศีรษะในใบไม้ที่เป็นสนิมซึ่งกิ่งก้านสีแดงกิ่งใดกิ่งหนึ่งหายไป ในงานสุดท้ายของ Shchedrin ความสนใจในเอฟเฟกต์ chiaroscuro นั้นชัดเจนมากขึ้นเรื่อย ๆ โดยคาดการณ์ถึงคลื่นแห่งความโรแมนติคครั้งใหม่โดย Maxim Vorobyov และนักเรียนของเขา (เช่น "มุมมองของเนเปิลส์ในคืนเดือนหงาย") เช่นเดียวกับจิตรกรภาพเหมือน Kiprensky และจิตรกรการต่อสู้ Orlovsky จิตรกรภูมิทัศน์ Shchedrin มักวาดภาพประเภท

O.A. Kiprensky(พ.ศ. 2325-2379) จิตรกรภาพเหมือน ที่สื่อถึงอุดมคติโรแมนติกได้อย่างเต็มตา สไตล์ของเขาซึมซับคุณสมบัติของความกลมกลืนแบบคลาสสิกและอารมณ์อ่อนไหว ภาพบุคคลเผยให้เห็นทุกสิ่งที่ดีที่สุดและมีความสำคัญในตัวบุคคล: ธรรมชาติที่กระตือรือร้นและโรแมนติก ความรอบคอบและความกระตือรือร้นของชายหนุ่มที่เพิ่งเรียนรู้เกี่ยวกับโลก ช่วงที่แล้ว ภาพเหมือนตลอดชีพที่ดีที่สุดของ A.S. พุชกิน - ภาพเหมือนของกวีผู้ยิ่งใหญ่นั้นมีความเฉพาะเจาะจงทางประวัติศาสตร์และในขณะเดียวกันก็มีความปรารถนาที่จะให้ภาพรวมของบุคลิกภาพเชิงสร้างสรรค์ในอุดมคติ

เอส.เอฟ. เชดริน(พ.ศ. 2334-2573) จิตรกรภูมิทัศน์ เขาเป็นคนแรกที่เปิด "ภาพวาดทางอากาศ", "กรุงโรมใหม่"; "มุมมองของซอร์เรนโตใกล้เนเปิลส์".

V.A. โทรปินิน, แนะนำองค์ประกอบของความโรแมนติกในการถ่ายภาพบุคคลประเภท สืบสานประเพณีซาบซึ้งในปลายศตวรรษที่ 18 สัมผัสอิทธิพลแบบโรมาเนสก์ในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 (ภาพเหมือนของลูกชาย; A.S. พุชกิน; ภาพเหมือนตนเอง) เขาเป็นตัวเป็นตนในภาพของชาวนาไม่เพียง แต่ความบริสุทธิ์ทางวิญญาณเท่านั้น แต่ยังรวมถึงขุนนางด้วย รายละเอียดของชีวิตประจำวันและกิจกรรมด้านแรงงานทำให้พวกเขาใกล้ชิดกับการวาดภาพประเภทมากขึ้น (“ช่างทำลูกไม้”, “ช่างเย็บทอง”)

ภาพวาดประวัติศาสตร์ของยุค 30-40: จุดตัดของความคลาสสิคและความโรแมนติก

ภาพวาดประวัติศาสตร์รัสเซียในยุค 30-40พัฒนาภายใต้สัญลักษณ์ของความโรแมนติก “ อัจฉริยะแห่งการประนีประนอม” ระหว่างอุดมคติของลัทธิคลาสสิกและนวัตกรรมของแนวโรแมนติกถูกเรียกโดยนักวิจัยคนหนึ่ง (MM Allenov) Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) ชื่อเสียงมาที่ Bryullov ในขณะที่ยังอยู่ที่ Academy: แม้ว่าการศึกษาปกติของ Bryullov ก็กลายเป็นภาพวาดที่เสร็จสิ้นแล้วเช่นในกรณีเช่น Narcissus (1819, Russian Museum) หลังจากจบหลักสูตรด้วยเหรียญทอง ศิลปินก็เดินทางไปอิตาลี ในงานก่อนยุคอิตาลี Bryullov หันไปใช้วิชาในพระคัมภีร์ (“The Appearance of Three Angels to Abraham at the Oak of Mamre”, 1821, Russian Museum) และของเก่า (“Oedipus and Antigone”, 1821, the Tyumen Regional Museum of Local Lore ) ทำงานในการพิมพ์หิน, ประติมากรรม, เขียนฉากละคร, วาดเครื่องแต่งกายสำหรับการแสดง. ภาพวาด "Italian Morning" (1823 ไม่ทราบตำแหน่ง) และ "Italian Noon" (1827, Russian Museum) โดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพแรกแสดงให้เห็นว่าจิตรกรเข้าใกล้ปัญหาในที่โล่งได้อย่างไร Bryullov กำหนดภารกิจของเขาดังนี้: "ฉันให้แสงสว่างแก่นางแบบในดวงอาทิตย์โดยสมมติว่ามีแสงพื้นหลังเพื่อให้ใบหน้าและหน้าอกอยู่ในเงาและสะท้อนจากน้ำพุที่ส่องแสงจากดวงอาทิตย์ซึ่งทำให้เงาทั้งหมดน่าพอใจมากขึ้นเมื่อเทียบกับแบบธรรมดา แสงสว่างจากหน้าต่าง”

งานของ plein air painting จึงเป็นที่สนใจของBryullovแต่เส้นทางของศิลปินกลับเป็นคนละทิศคนละทาง ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2371 หลังจากการเดินทางไปปอมเปอี Bryullov ได้ทำงานที่เท่าเทียมกันของเขา - วันสุดท้ายของปอมเปอี (1830-1833) เหตุการณ์ที่แท้จริงของประวัติศาสตร์โบราณคือการตายของเมืองในระหว่างการปะทุของวิสุเวียสในปี ค.ศ. 79 อี - ให้โอกาสศิลปินแสดงความยิ่งใหญ่และศักดิ์ศรีของมนุษย์ในการเผชิญกับความตาย ลาวาที่ลุกเป็นไฟกำลังใกล้เข้ามาในเมือง อาคารและรูปปั้นต่างๆ กำลังพังทลาย แต่เด็กๆ จะไม่ทิ้งพ่อแม่ของพวกเขา แม่อุ้มเด็กชายหนุ่มช่วยชีวิตผู้เป็นที่รัก ศิลปิน (ซึ่ง Bryullov แสดงภาพตัวเอง) นำสีสันออกไป แต่เมื่อเขาออกจากเมืองไปเขามองด้วยดวงตาเบิกกว้างพยายามจับภาพที่น่ากลัว

ถึงตายก็ยังสวยผู้หญิงที่ขี่ม้าบ้าถูกโยนลงจากรถม้าที่สวยงามเพียงใดในใจกลางขององค์ประกอบ หนึ่งในคุณสมบัติที่สำคัญของภาพวาดของเขาแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในภาพวาดของ Bryullov: ความเชื่อมโยงระหว่างรูปแบบคลาสสิกของผลงานของเขาและคุณสมบัติของแนวโรแมนติกซึ่งความคลาสสิคของ Bryullov นั้นรวมกันเป็นหนึ่งโดยศรัทธาในความสูงส่งและความงามของธรรมชาติของมนุษย์ ดังนั้น "ที่พัก" ที่น่าทึ่งของรูปแบบพลาสติกที่รักษาความชัดเจน การวาดภาพของความเป็นมืออาชีพสูงสุด เหนือกว่าวิธีการแสดงภาพอื่นๆ ด้วยเอฟเฟกต์แสงที่โรแมนติก ใช่แล้ว และแก่นเรื่องของความตายที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ชะตากรรมที่ไม่หยุดยั้งนั้นเป็นลักษณะของความโรแมนติก

ตามมาตรฐานที่กำหนด, รูปแบบศิลปะที่เป็นที่ยอมรับ, ความคลาสสิคในหลาย ๆ ด้าน จำกัด ศิลปินที่โรแมนติก อนุสัญญาของภาษาวิชาการซึ่งเป็นภาษาของ "โรงเรียน" ตามที่สถาบันการศึกษาถูกเรียกในยุโรป ได้แสดงออกมาอย่างสมบูรณ์ในปอมเปอี: ท่าทางการแสดง, ท่าทาง, การแสดงออกทางสีหน้า, เอฟเฟกต์แสง แต่ต้องยอมรับว่า Bryullov ต่อสู้เพื่อความจริงทางประวัติศาสตร์ พยายามอย่างแม่นยำที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้เพื่อสร้างอนุสาวรีย์เฉพาะที่ค้นพบโดยนักโบราณคดีและทำให้คนทั้งโลกประหลาดใจ เพื่อเติมเต็มฉากที่พลินีผู้น้องบรรยายด้วยสายตาในจดหมายถึงทาสิทัส จัดแสดงครั้งแรกในมิลาน จากนั้นในปารีส ภาพวาดดังกล่าวถูกนำไปยังรัสเซียในปี พ.ศ. 2377 และประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม โกกอลพูดอย่างกระตือรือร้นเกี่ยวกับเธอ ความสำคัญของงานของ Bryullov สำหรับการวาดภาพรัสเซียนั้นถูกกำหนดโดยคำพูดที่รู้จักกันดีของกวี: "และ "วันสุดท้ายของปอมเปอี" กลายเป็นวันแรกสำหรับพู่กันรัสเซีย

K.P. Bryullov- ตัวแทนของจิตรกรรมประวัติศาสตร์ซึ่งมีองค์ประกอบงานของความคลาสสิคและความโรแมนติกที่เกี่ยวพันกัน "วันสุดท้ายของปอมเปอี"

"หญิงขี่ม้า" ภาพเหมือนตนเอง

P.A. Fedotov- จิตรกรประเภท เขามีอยู่ในส่วนลึกของความเข้าใจในชีวิต ซึ่งเป็นแก่นแท้อันน่าทึ่งของมัน พรสวรรค์ได้รับการเปิดเผยอย่างเต็มที่ที่สุดในการวาดภาพประเภท โดยเขาเปลี่ยนจากการ์ตูนล้อเลียน ("The Fresh Cavalier"; "The Picky Bride") ไปสู่ภาพที่น่าเศร้าและพูดน้อย ("The Widow") ไปจนถึงระบบเปรียบเทียบเชิงเปรียบเทียบ ศิลปะของเขาเป็นแบบอย่างสำหรับศิลปินหลายชั่วอายุคน: Wanderers รับรู้และพัฒนาสิ่งที่น่าสมเพชที่สำคัญของงานของเขา ศิลปินในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 - 20 ดึงดูดละครและอุปมา;

เอ.เอ. อิวานอฟ- “การปรากฏของพระคริสต์สู่ประชาชน” - ภาพที่ศิลปินรัสเซียรุ่นต่อๆ มาศึกษา สะท้อนความหมายที่ใกล้ชิดที่สุดของพระกิตติคุณและแก่นแท้ของแรงบันดาลใจทางวิญญาณของผู้คน

A.E. Martynov จิตรกรภูมิทัศน์และช่างแกะสลักสร้างหนึ่งในชุดภาพพิมพ์หินชุดแรก "คอลเลกชันมุมมองของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและบริเวณโดยรอบ"

ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ XIX ในวิจิตรศิลป์รัสเซียพัฒนาไปในลักษณะเช่น อารมณ์อ่อนไหว(จากภาษาอังกฤษซาบซึ้ง - อ่อนไหว) - เทรนด์ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 18 มันถูกเตรียมโดยวิกฤตของการตรัสรู้เหตุผลนิยม อย่างไรก็ตาม องค์ประกอบของความซาบซึ้งในผลงานของปรมาจารย์ชาวรัสเซียมักจะรวมกับองค์ประกอบของความคลาสสิคหรือแนวโรแมนติก คุณสมบัติที่สมบูรณ์ที่สุดของอารมณ์ความรู้สึกเป็นตัวเป็นตนในผลงานของศิลปินที่โดดเด่น A.G. Venetsianovaผู้ซึ่งวาดภาพภูมิทัศน์ชนบทของรัสเซียตอนกลางด้วยความรัก ภาพเหมือนของชาวนา

ลักษณะเฉพาะของอารมณ์อ่อนไหวของรัสเซีย:

ให้ความสนใจกับมนุษย์

ลัทธิแห่งความรู้สึกและจินตนาการ

การพัฒนาเรื่องราวทางจิตวิทยาครอบครัว

ภาพของธรรมชาติ

Alexei Gavrilovich Venetsianov เป็นผู้ก่อตั้งประเภทที่แท้จริง(1780-1847). ผู้รังวัดที่ดินโดยการศึกษา Venetsianov ออกจากบริการเพื่อประโยชน์ในการวาดภาพ ย้ายจากมอสโกไปยังเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและกลายเป็นนักเรียนของ Borovikovsky เขาเริ่มก้าวแรกใน "ศิลปะ" ในรูปแบบของภาพเหมือน สร้างบทกวีที่ไพเราะน่าฟัง บางครั้งก็ถูกพัดพาด้วยภาพอารมณ์โรแมนติกในสีพาสเทล ดินสอ น้ำมัน (ภาพเหมือนของ V.C. Putyatina, State Tretyakov Gallery) แต่ในไม่ช้าศิลปินก็ทิ้งภาพเหมือนเพื่อประโยชน์ของการ์ตูนล้อเลียน และสำหรับการ์ตูนล้อเลียนที่เต็มไปด้วยแอ็คชั่นเรื่องหนึ่ง "The Nobleman" ฉบับแรกสุดของ "Magazine of Caricatures for 1808 in Faces" ที่เขาคิดขึ้นก็ปิดตัวลง อันที่จริงการแกะสลักโดย Venetsianov เป็นภาพประกอบของบทกวีของ Derzhavin และแสดงภาพผู้ร้องที่แออัดอยู่ในห้องรอในขณะที่มีขุนนางปรากฏอยู่ในกระจกอยู่ในอ้อมแขนของความงาม (สันนิษฐานว่านี่เป็นภาพล้อเลียนของ Count เบซโบรอดโก้)

เมื่อถึงช่วงเปลี่ยนทศวรรษ 10-20 Venetsianov ออกจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กไปยังตเวียร์ที่เขาซื้อที่ดินขนาดเล็ก ที่นี่เขาพบหัวข้อหลัก อุทิศตนเพื่อพรรณนาถึงชีวิตชาวนา ในภาพวาด "โรงนา" (1821-1822, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย) เขาแสดงฉากแรงงานในการตกแต่งภายใน ในความพยายามที่จะทำซ้ำอย่างแม่นยำไม่เพียงแต่ท่าของผู้ปฏิบัติงานเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการจัดแสงด้วย เขายังสั่งให้เลื่อยผนังด้านหนึ่งของลานนวดข้าวออกด้วย ชีวิตตามที่เป็นอยู่ - นั่นคือสิ่งที่ Venetsianov ต้องการจะพรรณนาโดยการวาดภาพชาวนาปอกเปลือกหัวบีท เจ้าของที่ดินมอบหมายงานให้หญิงสาวในสวน คนเลี้ยงแกะนอนหลับ; หญิงสาวที่มีบีทรูทอยู่ในมือ เด็กชาวนาชื่นชมผีเสื้อ ฉากเก็บเกี่ยวการทำหญ้าแห้ง ฯลฯ แน่นอนว่า Venetsianov ไม่ได้เปิดเผยความขัดแย้งที่รุนแรงที่สุดในชีวิตของชาวนารัสเซียไม่ได้หยิบ "คำถามที่เจ็บปวด" ในยุคของเรา นี่คือวิถีชีวิตแบบปิตาธิปไตยและงดงาม

แต่ศิลปินไม่ได้นำบทกวีมาจากภายนอกไม่ได้ประดิษฐ์มันขึ้นมาแต่ก็ตักมันขึ้นมาในชีวิตของผู้คนที่เขาพรรณนาด้วยความรักเช่นนั้น ในภาพวาดของ Venetsianov ไม่มีโครงเรื่องที่น่าทึ่งพล็อตแบบไดนามิกในทางกลับกันพวกมันคงที่ "ไม่มีอะไรเกิดขึ้น" ในตัวพวกเขา แต่มนุษย์มีความสามัคคีกับธรรมชาติอยู่เสมอ ในการทำงานหนักชั่วนิรันดร์ และทำให้ภาพของเวเนเชียนอฟเป็นอนุสรณ์อย่างแท้จริง เขาเป็นความจริงหรือไม่? ในความเข้าใจคำนี้โดยศิลปินในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - แทบจะไม่ ในแนวคิดของเขามีแนวคิดคลาสสิกมากมาย (ควรจดจำ "ฤดูใบไม้ผลิบนทุ่งไถ", หอศิลป์ State Tretyakov) และโดยเฉพาะอย่างยิ่งจากความคิดที่ซาบซึ้ง ("On the Harvest. Summer", State Tretyakov Gallery) และใน ความเข้าใจในอวกาศของเขา - จากความโรแมนติกด้วย และถึงกระนั้นงานของ Venetsianov ก็เป็นขั้นตอนหนึ่งในการสร้างความสมจริงที่สำคัญของรัสเซียในศตวรรษที่ 19 และนี่ก็เป็นความสำคัญที่ยั่งยืนของภาพวาดของเขาด้วย สิ่งนี้กำหนดตำแหน่งของเขาในศิลปะรัสเซียโดยรวม

Venetsianov เป็นครูที่ยอดเยี่ยมโรงเรียนของ Venetsianov, the Venetians - เป็นกาแลคซี่ทั้งหมดของศิลปินในยุค 20-40 ที่ทำงานร่วมกับเขาทั้งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและในที่ดินของเขา Safonkovo นี่คือ A.V. Tyranov, E.F. Krendovsky, K.A. เซเลนซอฟ, เอ.เอ. Alekseev, S.K. Zaryanko, แอล.เค. Plakhov, N.S. Krylov และอื่น ๆ อีกมากมาย ในบรรดานักเรียนของ Venetsianov มีชาวนาจำนวนมาก ภายใต้พุ่มไม้ของชาวเวนิส ไม่เพียงแต่เกิดฉากชีวิตชาวนาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงฉากในเมืองด้วย: ถนนในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ประเภทพื้นบ้าน ภูมิประเทศ เอ.วี. Tyranov ยังวาดภาพภายใน ภาพบุคคล ภูมิทัศน์ และภาพนิ่ง ชาวเวนิสชื่นชอบ "ภาพครอบครัวในการตกแต่งภายใน" เป็นพิเศษ - พวกเขาผสมผสานความเป็นรูปธรรมของภาพเข้ากับรายละเอียดของการเล่าเรื่อง ถ่ายทอดบรรยากาศของสิ่งแวดล้อม (เช่น ภาพวาดของ Tyranov เรื่อง "The Workshop of the Chernetsov Brothers", 1828 ซึ่งรวมเอาภาพบุคคล ประเภท และภาพนิ่ง)

18. ปัญหาวิชาการในการวาดภาพรัสเซียในช่วงที่สองของศตวรรษที่ 19

วิชาการ- ทิศทางในภาพวาดยุโรปในศตวรรษที่ 17-19 จิตรกรรมเชิงวิชาการเกิดขึ้นระหว่างการพัฒนาสถาบันศิลปะในยุโรป พื้นฐานโวหารของการวาดภาพเชิงวิชาการในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 คือความคลาสสิคในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - การผสมผสาน วิชาการเติบโตขึ้นตามรูปแบบภายนอกของศิลปะคลาสสิก ผู้ติดตามมีลักษณะเฉพาะของรูปแบบนี้เป็นภาพสะท้อนในรูปแบบศิลปะของสมัยโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา วิชาการช่วยจัดวางของวัตถุในการศึกษาศิลปะ เติมเต็มประเพณีของศิลปะโบราณ ซึ่งทำให้ภาพลักษณ์ของธรรมชาติเป็นอุดมคติ ในขณะที่ชดเชยบรรทัดฐานของความงาม

สำหรับนักวิชาการรัสเซียในครึ่งแรกของ XIXศตวรรษมีลักษณะเฉพาะด้วยรูปแบบที่ประเสริฐ ลักษณะเชิงเปรียบเทียบสูง ความเก่งกาจ หลายร่าง และความโอ่อ่าตระการ ฉากในพระคัมภีร์ ทิวทัศน์ของร้านเสริมสวย และภาพบุคคลในพิธีได้รับความนิยม แม้ว่าภาพวาดจะมีเนื้อหาจำกัด แต่ผลงานของนักวิชาการก็โดดเด่นด้วยทักษะทางเทคนิคระดับสูง ตัวแทน - K. Bryullov ("ไรเดอร์")

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ความสมจริงเริ่มเข้าครอบงำในการต่อสู้กับนักวิชาการอย่างดื้อรั้นซึ่งเป็นผู้นำของ Academy of Arts เจ้าหน้าที่ของสถาบันการศึกษาเป็นแรงบันดาลใจให้นักเรียนเห็นว่าศิลปะเหนือชีวิต และเสนอเฉพาะธีมในพระคัมภีร์และในตำนานเท่านั้นสำหรับการสร้างสรรค์ นักเรียนสิบสี่คนของชั้นเรียนประวัติศาสตร์ไม่ต้องการวาดภาพในหัวข้อที่เสนอจากตำนานนอร์สและยื่นคำร้องให้ถอนตัวจากสถาบันการศึกษา กลุ่มกบฏรวมตัวกันใน kamunnu นำโดย Kramskoy

และในปี 70 สังคมของคนพเนจรได้ก่อตั้งขึ้น. คนพเนจร" รวมกันเป็นหนึ่งในการปฏิเสธ "วิชาการ" ด้วยตำนาน ภูมิทัศน์ที่ประดับประดา และการแสดงละครที่โอ่อ่า พวกเขาต้องการพรรณนาถึงการใช้ชีวิต สถานที่ชั้นนำในงานของพวกเขาถูกครอบครองโดยฉากประเภท (ทุกวัน) ชาวนามีความเห็นอกเห็นใจเป็นพิเศษสำหรับผู้พเนจร Perov ("Troika", "พ่อแม่เก่าที่หลุมฝังศพของลูกชาย", "ดื่มชาใน Mytishchi") S. A. Korovina "บนโลก" Myasoedov "เครื่องตัดหญ้า" Kramskoy - ภาพเหมือนของ Nekrasov, Tolstoy, "Christ in the Desert", Myasoedov, Savrasov, Ge

19. สมาคมนิทรรศการการท่องเที่ยว

ในยุค 70 ภาพวาดประชาธิปไตยแบบก้าวหน้าชนะการรับรู้ของสาธารณชน เธอมีผู้วิจารณ์ของเธอเอง - I.N. Kramskoy และ V.V. Stasov และนักสะสมของเขา - P.M. เทรตยาคอฟ. ถึงเวลาแล้วที่ความสมจริงในระบอบประชาธิปไตยของรัสเซียกำลังเบ่งบานในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

ณ เวลานี้ ณ ใจกลางโรงเรียนราชการ- สถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - การต่อสู้เพื่อสิทธิของศิลปะเพื่อเปลี่ยนเป็นชีวิตจริงในชีวิตจริงซึ่งส่งผลให้เกิด "กบฏ 14" ที่เรียกว่าในปี 2406 ผู้สำเร็จการศึกษาจาก Academy จำนวนหนึ่งปฏิเสธที่จะเขียนภาพแบบเป็นโปรแกรมในหัวข้อหนึ่งของมหากาพย์สแกนดิเนเวียเมื่อมีปัญหาสมัยใหม่ที่น่าตื่นเต้นมากมายและไม่ได้รับอนุญาตให้เลือกชุดรูปแบบได้อย่างอิสระจึงออกจาก Academy ก่อตั้ง "Petersburg Artel ของศิลปิน” (F. Zhuravlev, A. Korzukhin, K Makovsky, A. Morozov, A. Litovchenko และอื่น ๆ ) "อาร์เทล" ไม่นาน และในไม่ช้าพลังศิลปะของมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กก็รวมตัวกันในสมาคมนิทรรศการศิลปะการเดินทาง (1870) นิทรรศการเหล่านี้เรียกว่าเป็นงานเคลื่อนที่เพราะพวกเขาจัดขึ้นไม่เพียง แต่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโก แต่ยังอยู่ในต่างจังหวัดด้วย (บางครั้งใน 20 เมืองระหว่างปี) มันเหมือนกับการ "ไปหาผู้คน" ของศิลปิน ความเป็นหุ้นส่วนมีมานานกว่า 50 ปี (จนถึงปี 2466) นิทรรศการแต่ละงานถือเป็นงานใหญ่ในชีวิตของจังหวัด ต่างจาก Artel ที่ Wanderers มีโปรแกรมเชิงอุดมคติที่ชัดเจน - เพื่อสะท้อนชีวิตที่มีปัญหาทางสังคมที่รุนแรงทั้งหมดในทุกหัวข้อ

Myasoedov อ้างว่าความสำเร็จของการแสดงครั้งแรกควรกำหนดชะตากรรมในอนาคตของห้างหุ้นส่วนไว้ล่วงหน้าหลายประการและปรากฏว่าถูกต้อง การประชุมสามัญครั้งแรกของสมาคมซึ่งจัดขึ้นเมื่อวันที่ 6 ธันวาคม พ.ศ. 2413 ได้กำหนดให้เปิดนิทรรศการ "15 กันยายนแห่งอนาคต 2414 และไม่เกิน 1 ตุลาคม" แต่ไม่สามารถทำได้ตามกำหนดเวลานี้: นิทรรศการครั้งแรกเปิดเฉพาะในวันที่ 29 พฤศจิกายน พ.ศ. 2414 และปิดในวันที่ 2 มกราคมของปีใหม่ พ.ศ. 2415 ดังนั้นจึงสามารถรับชมได้นานกว่าหนึ่งเดือนเล็กน้อย แต่เดือนนี้มีความสำคัญต่อการประเมินองค์กรใหม่ นิทรรศการดังกล่าวได้รับการยอมรับในทันที แม้ว่าจะมีศิลปินเพียง 16 คนที่แสดงในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โดยแสดงผลงาน 47 ชิ้น เพียงอย่างเดียวนี้แตกต่างจากนิทรรศการทางวิชาการที่กว้างขวางมากขึ้นในแง่ของจำนวนการจัดแสดง

“การเป็นหุ้นส่วนมีเป้าหมาย” § 1 ของกฎบัตร . กล่าว, - องค์กรที่ได้รับอนุญาตอย่างถูกต้องในการจัดนิทรรศการศิลปะการเดินทางในรูปแบบของ: a) เปิดโอกาสให้ผู้อยู่อาศัยในจังหวัดได้ทำความคุ้นเคยกับศิลปะรัสเซียและติดตามความก้าวหน้า b) พัฒนาความรักในศิลปะในสังคม c) ทำให้ศิลปินทำการตลาดผลงานได้ง่ายขึ้น

ศิลปะของผู้พเนจรคือการแสดงออกแนวความคิดประชาธิปไตยปฏิวัติในวัฒนธรรมศิลปะแห่งชาติในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 แนวความคิดทางสังคมและความเป็นพลเมืองสูงของแนวคิดนี้ทำให้แนวคิดนี้แตกต่างไปจากภาพวาดแนวยุโรปของศตวรรษที่ 19

ความร่วมมือถูกสร้างขึ้นจากความคิดริเริ่มของ Myasoedovสนับสนุนโดย Perov, Ge, Kramskoy, Savrasov, Shishkin, พี่น้อง Makovsky และ "สมาชิกผู้ก่อตั้ง" อีกหลายคนที่ลงนามในกฎบัตรข้อแรกของการเป็นหุ้นส่วน ในปี 1970 และ 1980 ศิลปินที่อายุน้อยกว่าได้เข้าร่วมเช่น Repin, Surikov, Vasnetsov, Yaroshenko, Savitsky, Kasatkin และอื่น ๆ ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1980 Serov, Levitan และ Polenov ได้มีส่วนร่วมในการจัดนิทรรศการ รุ่นของผู้พเนจร "รุ่นพี่" ส่วนใหญ่มีความหลากหลายในสถานะทางสังคม โลกทัศน์ของเขาถูกสร้างขึ้นในบรรยากาศของยุค 60 ผู้นำ นักทฤษฎีของขบวนการคือ Ivan Nikolaevich Kramskoy(2380-2430) ซึ่งในปี 2406 ยังเป็นผู้นำ "กบฏ 14" ผู้จัดงานที่ยอดเยี่ยมและนักวิจารณ์ศิลปะที่โดดเด่น เขามีศรัทธาที่ไม่สั่นคลอน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในพลังการศึกษาของศิลปะ ออกแบบมาเพื่อสร้างอุดมคติของพลเมืองของแต่ละบุคคลและปรับปรุงในทางศีลธรรม ธีมของงานของ Kramskoy นั้นไม่ใช่เรื่องปกติของชาว Wanderers

เขาไม่ค่อยเขียนประเภทภาพวาดหันไปเรื่องพระกิตติคุณ แต่เขา" คริสต์ในทะเลทราย" - การทำสมาธิของคนเหงาลึกนั่งอยู่กับฉากหลังของภูมิประเทศที่เป็นหินทะเลทราย คริสต์ความพร้อมของเขาที่จะเสียสละตัวเองในนามของเป้าหมายสูงสุด - ทั้งหมดนี้ชัดเจนสำหรับปัญญาชนประชานิยมในยุค 70 ในประเภทภาพเหมือน เขายังถูกครอบงำโดยบุคลิกที่ประเสริฐและมีจิตวิญญาณสูงส่ง Kramskoy สร้างแกลเลอรี่ภาพของบุคคลที่ใหญ่ที่สุดในวัฒนธรรมรัสเซีย - ภาพเหมือนของ Saltykov-Shchedrin, Nekrasov, L. Tolstoy สำหรับลักษณะทางศิลปะของ Kramskoy ความแห้งแล้งของโปรโตคอลบางอย่างความซ้ำซากจำเจของโครงร่างการเรียบเรียงเป็นลักษณะเฉพาะ คุณสมบัติที่ดีที่สุดในแง่ของความสว่างคือภาพเหมือนของ L.N. ตอลสตอยได้รับมอบหมายจาก Tretyakov ซึ่งผู้ชมรู้สึกประทับใจกับดวงตาสีเทาน้ำเงินที่สงบนิ่งและเฉียบแหลม ภาพเหมือนของ A. G. Litovchenko โดดเด่นด้วยความร่ำรวยที่งดงาม Kramskoy เป็นศิลปินนักคิด เขาเป็นคนหัวโบราณในงานของเขา

นอกจาก Kramskoy ในบรรดาผู้ที่ลงนามในกฎบัตรของห้างหุ้นส่วน, มีศิลปินอีกท่านหนึ่งที่หมกมุ่นอยู่กับวิชาคริสเตียน - นิโคไล นิโคเลวิช เก(1831-1894). เขาจบการศึกษาจาก Academy โดยได้รับรางวัลเหรียญทองใหญ่สำหรับภาพวาด "Saul at the Fairy of Endor" ในปีพ.ศ. 2406 เขาได้ตีพิมพ์ผลงานอิสระเรื่องใหญ่เรื่องแรกของเขาเรื่อง The Last Supper แสงและเงา ความดีและความชั่ว การปะทะกันของสองหลักการที่แตกต่างกันเป็นรากฐานของงานของ Ge สิ่งนี้เน้นโดยความแตกต่างของแสงและเงาและไดนามิกของท่าที่แสดงออก กระยาหารมื้อสุดท้ายแสดงความปรารถนาของศิลปินที่มีต่อรูปแบบศิลปะทั่วๆ ไป ในการทำให้เป็นอนุสรณ์ สำหรับงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่ตามประเพณีของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ในอดีต ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เขาได้รับตำแหน่งศาสตราจารย์สำหรับภาพวาดนี้

จีวาดรูปมาเยอะมาก. ภาพเหมือนของเขาแตกต่างจากผลงานของ Kramskoy ในด้านอารมณ์ของพวกเขาบางครั้งละครเช่นภาพเหมือนของ Herzen: ความขมขื่นของข้อสงสัยการทรมานของการสะท้อนถึงจุดเจ็บปวดถูกอ่านบนใบหน้าของนางแบบ ภาพเหมือนของนักประวัติศาสตร์ N. I. Kostomarov ที่เจ้าอารมณ์สดใหม่และเป็นอิสระอย่างผิดปกติถูกทาสี Ge เช่นเดียวกับ Kramskoy เป็นหนึ่งในผู้จัดงานของสมาคม ในนิทรรศการครั้งแรกในปี 2414 เขาแสดงภาพวาดประวัติศาสตร์ "Peter I สอบปากคำ Tsarevich Alexei Petrovich ใน Peterhof" ศิลปินพยายามถ่ายทอดความเป็นรูปธรรมสูงสุดของสถานการณ์ ผลงานทั้งหมดของ Ge ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาเต็มไปด้วยแนวคิดทางศีลธรรมและศาสนาในการสร้างโลกขึ้นใหม่ ด้วยวิธีที่แปลกใหม่ เขายังแก้ปัญหาที่เป็นทางการ เช่น การค้นหาสี แสง พื้นผิว เขาฝ่าฝืนหลักการทางวิชาการอย่างกล้าหาญ มักใช้องค์ประกอบที่ไม่เป็นชิ้นเป็นอัน แสงที่คมชัดและการตัดกันของสีที่คมชัด และเขียนด้วยอารมณ์และการแสดงออก ("กลโกธา", "ความจริงคืออะไร พระคริสต์กับปีลาต")

ผู้จัดงานขบวนการ Kramskoyและ Ge ในการทำงานของพวกเขาตามเส้นทางที่แตกต่างจากสหายของพวกเขาในสมาคมจิตรกรประเภท พวกเขาหันไปหาเรื่องคริสเตียน พวกเขามีโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างและเป็นภาพ - พลาสติกที่แตกต่างกันโดยมุ่งเน้นไปที่ประเพณีศิลปะในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19: สำหรับ Ge - สำหรับคนที่โรแมนติกสำหรับ Kramskoy - สำหรับคนที่มีเหตุผล - คลาสสิก

Vasily Maksimovich Maksimov(1844-1911) แล้วในองค์ประกอบหลายร่างแรก - "พ่อมดมาถึงงานแต่งงานของชาวนา" - มาถึงหัวข้อหลักของเขา - ภาพลักษณ์ของชีวิตชาวนาซึ่งตัวเขาเองซึ่งเป็นชาวนารู้ดีมาก ภาพวาดที่ตามมานั้นไร้ความรู้สึกรื่นเริง ในภาพเปลือยทั้งหมดของพวกเขาภาพลักษณ์ของรัสเซียหลังการปฏิรูปที่ยากจนเกิดขึ้น ("แผนกครอบครัว", "แม่สามีเจ้าเล่ห์", "ทุกสิ่งในอดีต")

ผู้พเนจรแห่งยุค 70 ภายในประเภทสามารถยกปัญหาที่สำคัญที่สุดและรุนแรงที่สุดในชีวิตสาธารณะได้เช่นเดียวกับ Grigory Grigorievich Myasoedov(1834-1911) ในภาพวาด Zemstvo กำลังรับประทานอาหารกลางวัน ความจริงใจของศรัทธาของชาวนารัสเซียแสดงโดย Konstantin Apollonovich Savitsky (1844-1905) ในภาพวาดขนาดใหญ่ "Meeting the Icon" ปรมาจารย์ด้านองค์ประกอบหลายส่วน "งานซ่อมทางรถไฟ", "สู่สงคราม"

นิโคไล อเล็กซานโดรวิช ยาโรเชนโก(1846-1898): “Stoker” และ “Prisoner” ซึ่ง “Stoker” เป็นภาพแรกของคนงานในภาพวาดรัสเซีย และ “Prisoner” เป็นภาพที่เกี่ยวข้องมากที่สุดในช่วงหลายปีของการเคลื่อนไหวปฏิวัติแบบประชานิยมที่มีความรุนแรง "Cursist" - ประเภทแนวตั้ง

วลาดิเมียร์ เอโกโรวิช มาคอฟสกี- "ในห้องรอที่หมอ", "ไปเยี่ยมคนจน", "รอ", "ประณาม", "การล่มสลายของธนาคาร", "วันที่", "บนถนน" Makovsky จัดการเพื่อตอบสนองต่อหลายหัวข้อ ภาพวาดของเขาเผยให้เห็นชะตากรรมอันน่าทึ่งไม่เฉพาะกับบุคคลเท่านั้น แต่รวมถึงชนชั้นและรุ่นต่างๆ ทั้งหมดด้วย มาคอฟสกีไม่ได้หลีกเลี่ยงสถานการณ์ที่ซาบซึ้งและประโลมโลกเสมอไป (เช่น "ฉันจะไม่ให้คุณเข้ามา!") แต่ในผลงานที่ดีที่สุดของเขา เขายังคงซื่อสัตย์ต่อความจริงของชีวิตและประหลาดใจกับความสมบูรณ์ของเรื่องราวที่งดงาม ความสมบูรณ์ของ ภาพที่งอกออกมาจากฉากชีวิตประจำวันที่สังเกตเห็นได้ด้วยตาแหลมคมของเขา

20. ประเภทครัวเรือน

ในศิลปะยุคกลาง ฉากประเภทตามปกติแล้ว การสังเกตอย่างเป็นรูปธรรมเกี่ยวกับชีวิตประจำวันเกิดขึ้น โดยมีการพัฒนาแนวโน้มความเห็นอกเห็นใจทางโลกภายในกรอบของโลกทัศน์ทางศาสนาที่ครอบงำ และมักถูกถักทอเป็นองค์ประกอบทางศาสนาและเชิงเปรียบเทียบ สิ่งเหล่านี้มีอยู่ทั่วไปในภาพวาด ภาพนูนต่ำนูนสูง และภาพจำลอง - ภาพวาดรัสเซียในศตวรรษที่ 17

ในรัสเซียการพัฒนาแนวเพลงในชีวิตประจำวันในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18. ที่เกี่ยวข้อง (ยกเว้น "ฉากในบ้าน" โดย "จิตรกรหนุ่ม" ของ I. Firsov) ที่มีความสนใจในชาวนา และที่นี่ฉากชนบทในอุดมคติอันงดงาม (I. M. Tankov) ถูกต่อต้านโดยการแสดงภาพชีวิตชาวนาดั้งเดิมด้วยความรักและถูกต้องในภาพวาดของ M. Shibanov ความจริงที่โหดร้ายและแน่วแน่ในการแสดงความยากจนของชาวนาในสีน้ำของ I. A. Ermenev

ในศตวรรษที่ 19 ศิลปินประชาธิปไตยกล่าวถึงสู่ประเภทประจำวันในฐานะศิลปะแบบเป็นโปรแกรม ซึ่งทำให้สามารถประเมินและเปิดเผยความสัมพันธ์ทางสังคมและบรรทัดฐานทางศีลธรรมที่มีในสังคมชนชั้นนายทุนและชนชั้นสูงอย่างมีวิจารณญาณ และการแสดงออกในชีวิตประจำวัน เพื่อปกป้องสิทธิของการทำงาน ผู้ถูกกดขี่ เพื่อให้ผู้ชมเป็นประจักษ์พยานโดยตรงต่อความขัดแย้งทางสังคมที่เติมเต็มชีวิตประจำวันและความขัดแย้ง ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 บทบาทสำคัญในการยืนยันสุนทรียศาสตร์ของชีวิตประจำวันเล่นโดยภาพที่เป็นความจริง แต่ด้านเดียวของแง่มุมที่สดใสและไร้เมฆของชีวิตของชาวนาและชนชั้นประชาธิปไตยในเมือง (AG Venetsianov และโรงเรียนเวนิสในรัสเซีย) มีเสน่ห์ด้วยความเรียบง่ายของบทกวีและความจริงใจที่สัมผัสได้

ในชีวิตประจำวันของสัจนิยมที่สำคัญของรัสเซียการเสียดสีของระบบศักดินาและความเห็นอกเห็นใจผู้ด้อยโอกาสได้รับการเสริมด้วยการแทรกซึมลึกและแม่นยำเข้าสู่โลกแห่งจิตวิญญาณของตัวละครการบรรยายโดยละเอียดการพัฒนาโครงเรื่องที่น่าทึ่งและความสัมพันธ์ของตัวละครอย่างละเอียด ลักษณะเหล่านี้ชัดเจนในกลางศตวรรษที่ 19 ในภาพวาดของ P. A. Fedotov เต็มไปด้วยการเยาะเย้ยและความเจ็บปวดในภาพวาดของ A. A. Agin และศิลปินชาวยูเครน T. G. Shevchenko ผสมผสานการประชาสัมพันธ์โดยตรงและคมชัดเข้ากับประสบการณ์โคลงสั้น ๆ ของโศกนาฏกรรมชีวิตของชาวนาและคนจนในเมือง

บนพื้นฐานนี้เติบโตขึ้นการจัดเวทีใหม่ประเภทประจำวันของ Wanderers ซึ่งมีบทบาทสำคัญในงานศิลปะของพวกเขา ซึ่งสะท้อนถึงชีวิตพื้นบ้านในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ด้วยวิธีที่สมบูรณ์และแม่นยำเป็นพิเศษ และเข้าใจกฎหมายพื้นฐานอย่างเข้มข้น G. G. Myasoedov, V. M. Maksimov, K. A. Savitsky, V. E. Makovsky และ - ด้วยความลึกและขอบเขตพิเศษ - I. E. Repin ผู้แสดงภาพการกดขี่ของคนป่าเถื่อนไม่เพียง พลังอันยิ่งใหญ่ที่ซ่อนอยู่ในนั้นและความกล้าหาญของนักสู้เพื่อการปลดปล่อยให้เป็นอิสระ ความกว้างของงานของรูปภาพประเภทนี้มักจะทำให้องค์ประกอบทางประวัติศาสตร์เข้าใกล้มากขึ้น ในภาพวาดของ N. A. Yaroshenko, N. A. Kasatkin, S. V. Ivanov, A. E. Arkhipov ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 สะท้อนให้เห็นถึงความขัดแย้งของระบบทุนนิยม การแบ่งชั้นของชนบท ชีวิตและการต่อสู้ของชนชั้นกรรมกร และคนจนในชนบท

ประเภทครัวเรือนจากปี 1860-70 อนุมัติประเภทใหม่จิตรกรรมประเภทที่เกี่ยวข้องกับอิมเพรสชั่นนิสม์ในหลาย ๆ ด้านและพัฒนาในฝรั่งเศสโดย E. Manet, E. Degas, O. Renoir, A. Toulouse-Lautrec ความงดงามของชีวิตประจำวันที่เปลี่ยนไปด้วยศิลปะ การแสดงออกถึงชีวิตที่ดูเหมือนสุ่ม ไม่เป็นชิ้นเป็นอัน ไม่คาดคิด สถานการณ์ที่เข้าครอบงำทันที อารมณ์และสถานะที่เปลี่ยนแปลงได้ ลักษณะที่เฉียบคมของรูปลักษณ์และการเคลื่อนไหวตามปกติของตัวละคร ความสนใจในผู้คนที่ยืนหยัด นอกบรรทัดฐานทางสังคมมาก่อนในนั้น หลายประเทศใช้คุณสมบัติโวหารของประเภทการวาดภาพประเภทนี้ในหลายประเทศโดยผู้เชี่ยวชาญประเภทชีวิตประจำวันซึ่งพยายามผสมผสานการรับรู้ชีวิตพื้นบ้านที่กว้างขวางเข้ากับความสดและความคาดไม่ถึงของแง่มุมต่างๆ (VA Serov, FA Malyavin, KF Yuon ในประเทศรัสเซีย).

ในงานศิลปะของโซเวียต แนวเพลงในชีวิตประจำวันได้รับคุณสมบัติใหม่กำหนดโดยการก่อตัวและการพัฒนาของสังคมสังคมนิยม - การมองโลกในแง่ดีทางประวัติศาสตร์ การยืนยันของแรงงานที่ไม่เห็นแก่ตัวและวิถีชีวิตใหม่บนพื้นฐานของความสามัคคีของหลักการทางสังคมและส่วนบุคคล ศิลปิน (B.M. Kustodiev, I. A. Vladimirov) ได้พยายามจับการเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นจากการปฏิวัติเพื่อชีวิตของประเทศในช่วงปีแรกของอำนาจโซเวียตในปีแรกๆ ในงานของ A. A. Deineka และ Yu. I. Pimenov ซึ่งเป็นสมาชิกของสมาคม OST ลักษณะและต่อมาสำหรับพวกเขา โครงสร้างภาพเขียนที่กระฉับกระเฉงและกระฉับกระเฉงซึ่งอุทิศให้กับการก่อสร้าง แรงงานอุตสาหกรรม และกีฬาเริ่มถูกกำหนด การค้นหาปรมาจารย์แห่ง AHRR และ OST เข้าสู่ศิลปะแห่งความสุขและยืนยันชีวิตในช่วงทศวรรษที่ 1930 จิตรกร S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, T. G. Gaponenko, V. G. Odintsov, F. G. Krichevsky ประติมากร I. M. Chaikov จับภาพแง่มุมที่สดใสและมีสีสันของชีวิตฟาร์มในเมืองและส่วนรวม

ในประเภทครัวเรือนของสหภาพโซเวียต. ชีวิตแนวหน้าและหลังที่ยากลำบากของปีสงครามด้วยความเศร้าโศกและความสุขก็สะท้อนออกมา (ภาพวาดโดย Yu. . Soyfertis) และความทะเยอทะยานทางจิตวิญญาณความกระตือรือร้นในการทำงานส่วนรวมและชีวิตทางสังคมลักษณะทั่วไปของวิถีชีวิตประจำวันของ ชีวิตในช่วงหลังสงคราม (ภาพวาดโดย TN Yablonskaya, SA Chuikov, FP Reshetnikov, SA Grigoriev, U. M. Japaridze, E. F. Kalnyn, แกะสลักโดย L. A. Ilyina) ตั้งแต่ครึ่งหลังของปี 1950 ปรมาจารย์โซเวียต ข.ก. มุ่งมั่นที่จะขยายขอบเขตการสังเกตของชีวิตสมัยใหม่ เพื่อแสดงความกล้าหาญและเจตจำนงของชาวโซเวียต แข็งแกร่งขึ้นในงานสร้างสรรค์ ในการเอาชนะความยากลำบาก ในภาพวาดของ G. M. Korzhev, V. I. Ivanov, E. E. Moiseenko, Yu. P. Kugach, T. T. Salakhov, G. S. Khandzhyan, E. K. Iltner, I. A. Zarin, IN Klychev, ในการแกะสลักของ GF Zakharov, VM Yurkunas, ชีวิตประจำวัน VV Tolly ผู้คนดูร่ำรวยและซับซ้อน เต็มไปด้วยความคิดและประสบการณ์ที่ยอดเยี่ยม

วิจิตรศิลป์ของรัสเซียมีลักษณะแนวโรแมนติกและความสมจริง อย่างไรก็ตามวิธีการที่ได้รับการยอมรับอย่างเป็นทางการคือความคลาสสิค Academy of Arts กลายเป็นสถาบันที่อนุรักษ์นิยมและเฉื่อยชาที่ขัดขวางความพยายามในเสรีภาพในการสร้างสรรค์ เธอเรียกร้องให้ปฏิบัติตามศีลคลาสสิกอย่างเคร่งครัดสนับสนุนการเขียนภาพเขียนในหัวข้อในพระคัมภีร์ไบเบิลและในตำนาน ศิลปินรุ่นเยาว์ชาวรัสเซียที่มีความสามารถไม่พอใจกับกรอบแนวคิดทางวิชาการ ดังนั้นพวกเขาจึงมักหันไปใช้ประเภทแนวตั้ง
อุดมคติอันโรแมนติกของยุคการก้าวขึ้นของชาติได้รวมอยู่ในภาพวาด ศิลปินได้ค้นพบความหลากหลายและความคิดริเริ่มของโลกรอบตัวโดยปฏิเสธหลักการที่เข้มงวดซึ่งไม่อนุญาตให้มีการเบี่ยงเบน สิ่งนี้ไม่เพียงสะท้อนให้เห็นในประเภทที่คุ้นเคยอยู่แล้ว - ภาพบุคคลและภูมิทัศน์ - แต่ยังเป็นแรงผลักดันให้เกิดการวาดภาพในชีวิตประจำวันซึ่งเป็นศูนย์กลางของความสนใจของผู้เชี่ยวชาญในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ ในขณะเดียวกันความเป็นอันดับหนึ่งยังคงอยู่ในประเภทประวัติศาสตร์ เป็นที่หลบภัยสุดท้ายของลัทธิคลาสสิก อย่างไรก็ตาม แม้แต่ที่นี่ แนวคิดและธีมโรแมนติกก็ยังถูกซ่อนอยู่เบื้องหลัง "ส่วนหน้า" แบบคลาสสิกที่เป็นทางการ
ยวนใจ - (โรแมนติกฝรั่งเศส) ทิศทางเชิงอุดมคติและศิลปะในวัฒนธรรมจิตวิญญาณของยุโรปและอเมริกาในช่วงปลายทศวรรษที่ 18 - ครึ่งปีแรก ศตวรรษที่ 19 สะท้อนให้เห็นถึงความผิดหวังในผลของการปฏิวัติฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ในอุดมการณ์ของการตรัสรู้และความก้าวหน้าทางสังคม ลัทธิจินตนิยมเปรียบเทียบลัทธินิยมนิยมและการปรับระดับของแต่ละบุคคลด้วยความทะเยอทะยานเพื่อเสรีภาพที่ไม่ จำกัด และ "อนันต์" ความกระหายในความสมบูรณ์แบบและการต่ออายุ สิ่งที่น่าสมเพชของความเป็นอิสระส่วนบุคคลและทางแพ่ง ความขัดแย้งอันเจ็บปวดระหว่างอุดมคติและความเป็นจริงทางสังคมเป็นพื้นฐานของโลกทัศน์และศิลปะที่โรแมนติก การยืนยันคุณค่าโดยธรรมชาติของชีวิตทางจิตวิญญาณและความคิดสร้างสรรค์ของแต่ละบุคคล, ภาพของความสนใจที่แข็งแกร่ง, ภาพของความสนใจที่แข็งแกร่ง, ธรรมชาติทางจิตวิญญาณและการรักษา, สำหรับคู่รักหลายคน - ฮีโร่ของการประท้วงหรือการต่อสู้อยู่ติดกับแรงจูงใจของ "โลก ความโศกเศร้า", "ความชั่วร้ายของโลก", "ด้านกลางคืน" ของวิญญาณ, แต่งในรูปแบบการประชด, บทกวีพิสดารของสองโลก. ความสนใจในอดีตชาติ (มักทำให้เป็นอุดมคติ) ประเพณีคติชนวิทยาและวัฒนธรรมของตนเองและของชนชาติอื่น ๆ ความปรารถนาที่จะสร้างภาพสากลของโลก (โดยพื้นฐานคือประวัติศาสตร์และวรรณคดี) แนวคิดของการสังเคราะห์ทางศิลปะพบการแสดงออกใน อุดมการณ์และแนวปฏิบัติของยวนใจ
ในทัศนศิลป์ แนวจินตนิยมแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในการวาดภาพและกราฟิก ไม่ค่อยมีความชัดเจนในประติมากรรมและสถาปัตยกรรม (เช่น กอธิคปลอม) โรงเรียนศิลปะแนวจินตนิยมแห่งชาติส่วนใหญ่ในทัศนศิลป์พัฒนาขึ้นเพื่อต่อสู้กับลัทธิคลาสสิกทางวิชาการอย่างเป็นทางการ
ในลำไส้ของวัฒนธรรมของรัฐที่เป็นทางการนั้นจะเห็นได้ชัดเจนถึงชั้นของวัฒนธรรม "ชนชั้นสูง" ซึ่งให้บริการชนชั้นปกครอง (ขุนนางและราชสำนัก) และมีความอ่อนไหวเป็นพิเศษต่อนวัตกรรมจากต่างประเทศ พอจะนึกถึงภาพเขียนโรแมนติกของ O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov และศิลปินคนสำคัญอื่นๆ ของศตวรรษที่ 19
Kiprensky Orest Adamovich ศิลปินชาวรัสเซีย ปรมาจารย์ด้านวิจิตรศิลป์แนวโรแมนติกของรัสเซียที่รู้จักกันในนามจิตรกรภาพเหมือนที่ยอดเยี่ยม ในภาพวาด "Dmitry Donskoy on the Kulikovo Field" (1805, Russian Museum) เขาแสดงให้เห็นถึงความรู้ที่มั่นใจเกี่ยวกับศีลของภาพประวัติศาสตร์วิชาการ แต่ในระยะแรก ภาพเหมือนจะกลายเป็นพื้นที่ที่ความสามารถของเขาถูกเปิดเผยอย่างเป็นธรรมชาติและเป็นธรรมชาติมากที่สุด ภาพเหมือนภาพแรกของเขา (“A.K. Schwalbe”, 1804, ibid.) ซึ่งเขียนในลักษณะ “Rembrandtian” โดดเด่นด้วยระบบแสงและเงาที่แสดงออกถึงอารมณ์และน่าทึ่ง ตลอดหลายปีที่ผ่านมา ทักษะของเขาซึ่งแสดงออกมาตั้งแต่แรกในความสามารถในการสร้างภาพที่มีลักษณะเฉพาะตัวที่ไม่เหมือนใคร โดยเลือกใช้พลาสติกชนิดพิเศษเพื่อกำหนดคุณลักษณะนี้ เต็มไปด้วยพลังที่น่าประทับใจ: ภาพเหมือนของเด็กผู้ชายโดย A. A. Chelishchev (ประมาณปี 1810-11), ภาพคู่ของคู่สมรส F. V. และ E. P. Rostopchins (1809) และ V. S. และ D. N. Khvostovs (1814, ทั้งหมด - Tretyakov Gallery) ศิลปินเล่นกับความเป็นไปได้ของสีและแสงและความแตกต่างของสีมากขึ้นเรื่อยๆ พื้นหลังแนวนอน รายละเอียดเชิงสัญลักษณ์ (“E. S. Avdulina”, ประมาณ 1822, ibid.) ศิลปินรู้วิธีสร้างภาพเหมือนในพิธีขนาดใหญ่ด้วยบทเพลง เกือบจะผ่อนคลายอย่างใกล้ชิด (“Portrait of the Life Hussars Colonel Yevgraf Davydov”, 1809, Russian Museum) ภาพเหมือนของหนุ่ม A.S. พุชกินเป็นหนึ่งในสิ่งที่ดีที่สุดในการสร้างภาพลักษณ์ที่โรแมนติก Pushkin ของ Kiprensky ดูเคร่งขรึมและโรแมนติกในรัศมีแห่งความรุ่งโรจน์ของบทกวี “ คุณประจบฉัน Orestes” พุชกินถอนหายใจเมื่อมองดูผ้าใบที่เสร็จแล้ว Kiprensky ยังเป็นนักเขียนแบบร่างอัจฉริยะที่สร้างตัวอย่างทักษะด้านกราฟิก (ส่วนใหญ่ใช้เทคนิคดินสอและสีพาสเทลของอิตาลี) ซึ่งมักจะเหนือกว่าภาพบุคคลของเขาด้วยอารมณ์ที่เปิดโล่งและสว่างไสวอย่างน่าตื่นเต้น เหล่านี้เป็นประเภทในชีวิตประจำวัน (“ The Blind Musician”, 1809, Russian Museum; “Kalmychka Bayausta”, 1813, Tretyakov Gallery) และชุดภาพวาดดินสอที่มีชื่อเสียงของผู้เข้าร่วมในสงครามรักชาติปี 1812 (ภาพวาด E. I. Chaplits, A. R. Tomilova , PA Olenina ภาพวาดเดียวกันกับกวี Batyushkov และคนอื่น ๆ , 1813-15, Tretyakov Gallery และคอลเล็กชั่นอื่น ๆ ); การเริ่มต้นอย่างกล้าหาญที่นี่ได้รับความหมายแฝงที่จริงใจ ภาพสเก็ตช์และหลักฐานข้อความจำนวนมากแสดงให้เห็นว่าศิลปินในช่วงเวลาที่โตเต็มที่ของเขามุ่งไปที่การสร้างภาพขนาดใหญ่ (ในคำพูดของเขาเองจากจดหมายถึง AN Olenin ในปี 1834) "ภาพที่น่าทึ่งหรือในภาษารัสเซียเป็นภาพที่โดดเด่นและมีมนต์ขลัง ” ซึ่งผลลัพธ์ของประวัติศาสตร์ยุโรปจะถูกพรรณนาในรูปแบบเชิงเปรียบเทียบตลอดจนชะตากรรมของรัสเซีย “ผู้อ่านหนังสือพิมพ์ในเนเปิลส์” (1831, Tretyakov Gallery) - ในลักษณะที่ปรากฏเป็นเพียงภาพกลุ่ม - อันที่จริงมีการตอบสนองเชิงสัญลักษณ์อย่างลับๆต่อเหตุการณ์ปฏิวัติในยุโรป
อย่างไรก็ตาม ความทะเยอทะยานที่สุดของอุปมาอุปมัยที่งดงามของ Kiprensky ยังไม่บรรลุผลหรือหายไป (เช่น "สุสานของ Anacrion" ซึ่งสร้างเสร็จในปี 1821) อย่างไรก็ตาม การค้นหาที่โรแมนติกเหล่านี้ได้รับความต่อเนื่องอย่างมากในผลงานของ K. P. Bryullov และ A. A. Ivanov
ลักษณะที่สมจริงสะท้อนให้เห็นในผลงานของ V.A. โทรปินิน ภาพเหมือนในยุคแรกๆ ของทรอปินิน ซึ่งวาดด้วยสีที่ถูกจำกัด (ภาพครอบครัวของเคานต์มอร์คอฟในปี ค.ศ. 1813 และ พ.ศ. 2358 ทั้งในแกลเลอรี Tretyakov) ยังคงเป็นประเพณีของยุคแห่งการตรัสรู้ทั้งหมด: แบบจำลองนี้เป็นศูนย์กลางของภาพที่ไม่มีเงื่อนไขและมั่นคงใน พวกเขา. ต่อมาการระบายสีของภาพวาดของ Tropinin จะเข้มข้นขึ้น ปริมาณมักจะถูกหล่อขึ้นอย่างชัดเจนและเป็นรูปแกะสลัก แต่ที่สำคัญที่สุด ความรู้สึกโรแมนติกอย่างหมดจดขององค์ประกอบที่เคลื่อนไหวของชีวิตค่อยๆ เพิ่มขึ้นอย่างบอกเป็นนัย มีเพียงส่วนหนึ่งเท่านั้นที่ดูเหมือนว่าฮีโร่ของภาพเหมือน เป็นส่วนย่อย ("Bulakhov", 2366; "KG Ravich" , 2366; ภาพเหมือนตนเอง ประมาณ พ.ศ. 2367 ทั้งสาม - อ้างแล้ว) นั่นคือ AS Pushkin ในภาพเหมือนที่มีชื่อเสียงของปี 1827 (All-Russian Museum of AS Pushkin, Pushkin): กวีวางมือบนกองกระดาษราวกับว่า "ฟังรำพึง" ฟังความฝันที่สร้างสรรค์ที่ล้อมรอบ ภาพที่มีรัศมีที่มองไม่เห็น เขายังวาดภาพเหมือนของ A.S. พุชกิน. ก่อนที่ผู้ดูจะดูฉลาดด้วยประสบการณ์ชีวิตไม่ใช่คนที่มีความสุขมาก ในภาพเหมือนของ Tropinin กวีมีเสน่ห์ในแบบบ้านๆ ความอบอุ่นและความสะดวกสบายแบบเก่าของมอสโกบางส่วนเล็ดลอดออกมาจากผลงานของ Tropinin จนกระทั่งอายุ 47 ปี เขาอยู่ในความเป็นทาส ดังนั้นบางทีใบหน้าของคนธรรมดาจึงดูสดชื่นมากดังนั้นจึงได้แรงบันดาลใจมาจากผืนผ้าใบของเขา และความเยาว์วัยและเสน่ห์ของ "ช่างทำลูกไม้" ของเขานั้นไม่มีที่สิ้นสุด ส่วนใหญ่แล้ว V.A. Tropinin หันไปหาภาพลักษณ์ของผู้คน ("The Lacemaker", "Portrait of a Son" ฯลฯ )
การค้นหาทางศิลปะและอุดมการณ์ของความคิดทางสังคมของรัสเซีย ความคาดหวังของการเปลี่ยนแปลง สะท้อนให้เห็นในภาพวาดของ K.P. Bryullov "วันสุดท้ายของปอมเปอี" และ A.A. Ivanov "การปรากฏตัวของพระคริสต์ต่อผู้คน"
งานศิลปะที่ยอดเยี่ยมคือภาพวาด "วันสุดท้ายของปอมเปอี" โดย Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) ในปี ค.ศ. 1830 ศิลปินชาวรัสเซีย Karl Pavlovich Bryullov ได้ไปเยี่ยมชมการขุดค้นของเมืองปอมเปอีโบราณ เขาเดินไปตามทางเท้าโบราณ ชื่นชมภาพเฟรสโก และคืนอันน่าสลดใจของวันที่ 79 สิงหาคม ค.ศ. 79 เกิดขึ้นในจินตนาการของเขา e. เมื่อเมืองถูกปกคลุมด้วยขี้เถ้าร้อนแดงและภูเขาไฟวิสุเวียสที่ถูกปลุกให้ตื่นขึ้น สามปีต่อมา ภาพวาด "วันสุดท้ายของปอมเปอี" ได้เดินทางจากอิตาลีไปยังรัสเซียอย่างมีชัย ศิลปินพบสีสันอันน่าทึ่งเพื่อพรรณนาโศกนาฏกรรมของเมืองโบราณซึ่งกำลังจะตายภายใต้ลาวาและเถ้าถ่านของภูเขาไฟวิสุเวียสที่ปะทุ ภาพนี้เต็มไปด้วยอุดมคติที่มีมนุษยนิยมสูง มันแสดงให้เห็นถึงความกล้าหาญของผู้คน ความไม่เห็นแก่ตัวของพวกเขา แสดงให้เห็นในช่วงภัยพิบัติร้ายแรง Bryullov อยู่ในอิตาลีในการเดินทางเพื่อธุรกิจจาก Academy of Arts ในสถาบันการศึกษาแห่งนี้ ได้มีการฝึกอบรมด้านเทคนิคการวาดภาพและการวาดภาพเป็นอย่างดี อย่างไรก็ตาม Academy เน้นไปที่มรดกโบราณและธีมที่กล้าหาญอย่างชัดเจน จิตรกรรมเชิงวิชาการมีลักษณะการตกแต่งภูมิทัศน์ การแสดงละครขององค์ประกอบโดยรวม ฉากจากชีวิตสมัยใหม่ภูมิทัศน์รัสเซียธรรมดาถือว่าไม่คู่ควรกับแปรงของศิลปิน ความคลาสสิคในการวาดภาพได้รับชื่อวิชาการ Bryullov เกี่ยวข้องกับ Academy กับงานทั้งหมดของเขา
เขามีจินตนาการอันทรงพลัง ดวงตาที่แหลมคม และมือที่ซื่อสัตย์ - และเขาได้สร้างสรรค์สิ่งมีชีวิตที่สอดคล้องกับหลักการของวิชาการ ด้วยความสง่างามของพุชกินอย่างแท้จริง เขาสามารถจับภาพความงามของร่างกายมนุษย์ที่เปลือยเปล่าได้บนผืนผ้าใบ และการสั่นของแสงตะวันบนใบไม้สีเขียว ผลงานชิ้นเอกของภาพวาดรัสเซียที่ไม่เสื่อมคลายจะคงอยู่ตลอดไปบนผืนผ้าใบของเขา "The Horsewoman", "Bathsheba", "Italian Morning", "Italian Noon", ภาพเหมือนในพิธีการมากมายและใกล้ชิด อย่างไรก็ตาม ศิลปินมักมุ่งความสนใจไปที่หัวข้อประวัติศาสตร์ขนาดใหญ่ เป็นการพรรณนาถึงเหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์ของมนุษย์ หลายแผนของเขาในเรื่องนี้ไม่ได้ดำเนินการ Bryullov ไม่เคยทิ้งความคิดในการสร้างผืนผ้าใบมหากาพย์ตามพล็อตจากประวัติศาสตร์รัสเซีย เขาเริ่มวาดภาพ "The Siege of Pskov โดยกองทัพของ King Stefan Batory" มันแสดงให้เห็นจุดสุดยอดของการล้อมปี ค.ศ. 1581 เมื่อนักรบปัสคอฟและ ชาวเมืองโจมตีชาวโปแลนด์ที่บุกเข้าไปในเมืองและโยนพวกเขาไว้หลังกำแพง แต่ภาพยังไม่เสร็จและงานในการสร้างภาพเขียนประวัติศาสตร์ระดับชาติอย่างแท้จริงไม่ได้ดำเนินการโดย Bryullov แต่โดยศิลปินรัสเซียรุ่นต่อไป Bryullov อายุเท่าพุชกินอายุยืนกว่าเขา 15 ปี เขาป่วยในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา จากภาพเหมือนตนเองที่วาดในขณะนั้น ผู้ชายผมสีแดงที่มีลักษณะละเอียดอ่อนและมีลักษณะที่สงบและครุ่นคิดกำลังมองมาที่เรา
ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ XIX ศิลปิน Alexander Andreyevich Ivanov (1806-1858) อาศัยและทำงาน เขาอุทิศชีวิตสร้างสรรค์ทั้งหมดของเขาให้กับแนวคิดเรื่องการปลุกจิตวิญญาณของผู้คนโดยรวบรวมไว้ในภาพวาด "การปรากฏตัวของพระคริสต์ต่อประชาชน" เป็นเวลากว่า 20 ปีที่เขาทำงานเกี่ยวกับภาพวาด "The Appearance of Christ to the People" ซึ่งเขาได้ใช้พลังและความสดใสของพรสวรรค์ทั้งหมดของเขา เบื้องหน้าของผืนผ้าใบอันโอ่อ่าของเขา บุคคลผู้กล้าหาญของยอห์นผู้ให้รับบัพติศมาดึงดูดสายตา ชี้ให้ผู้คนไปยังพระคริสต์ที่กำลังใกล้เข้ามา ร่างของเขาได้รับในระยะไกล เขายังไม่มา เขากำลังมา เขาจะมาแน่นอน ศิลปินกล่าว และใบหน้าและจิตวิญญาณของผู้ที่รอคอยพระผู้ช่วยให้รอดก็สดใส ชำระล้าง ในภาพนี้ เขาแสดงให้เห็นตามที่ I. E. Repin กล่าวในภายหลังว่า "คนที่ถูกกดขี่ กระหายหาถ้อยคำแห่งเสรีภาพ"
ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ XIX ภาพวาดรัสเซียรวมถึงโครงเรื่องในชีวิตประจำวัน
คนแรกที่พูดกับเขาคือ Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847) เขาอุทิศงานของเขาเพื่อวาดภาพชีวิตของชาวนา เขาแสดงให้เห็นชีวิตนี้ในอุดมคติ รูปแบบที่ประดับประดา จ่ายส่วยให้ซาบซึ้งในสมัยนั้น อย่างไรก็ตาม ภาพวาด "ลานนวดข้าว" ของเวเนเชียนอฟ "ตอนเก็บเกี่ยว" ฤดูร้อน”, “บนที่ดินทำกิน. ฤดูใบไม้ผลิ”, “หญิงชาวนากับคอร์นฟลาวเวอร์”, “Zakharka”, “เช้าของเจ้าของที่ดิน” สะท้อนให้เห็นถึงความงามและความสูงส่งของคนรัสเซียธรรมดาที่ทำหน้าที่ยืนยันศักดิ์ศรีของบุคคลโดยไม่คำนึงถึงสถานะทางสังคมของเขา
ประเพณีของเขายังคงดำเนินต่อไปโดย Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852) ภาพวาดของเขาดูสมจริง เต็มไปด้วยเนื้อหาเสียดสี เผยให้เห็นศีลธรรมในเชิงพาณิชย์ ชีวิตและขนบธรรมเนียมของชนชั้นสูงในสังคม ("การจับคู่ของ Major", "Fresh Cavalier" เป็นต้น) เขาเริ่มอาชีพของเขาในฐานะศิลปินเสียดสีในฐานะเจ้าหน้าที่รักษาความปลอดภัย จากนั้นเขาก็สร้างภาพสเก็ตช์ชีวิตกองทัพที่ตลกและซุกซน ในปี ค.ศ. 1848 ภาพวาดของเขา "The Fresh Cavalier" ถูกนำเสนอในนิทรรศการทางวิชาการ มันเป็นการเยาะเย้ยที่กล้าหาญไม่เพียงแต่กับระบบราชการที่โง่เขลาและพอใจในตนเองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเพณีทางวิชาการด้วย เสื้อคลุมสกปรกซึ่งตัวละครหลักของภาพสวมนั้นดูคล้ายกับเสื้อคลุมโบราณมาก Bryullov ยืนอยู่หน้าผืนผ้าใบเป็นเวลานานแล้วพูดกับผู้เขียนครึ่งหนึ่งด้วยความตลกขบขัน: "ยินดีด้วยคุณเอาชนะฉันได้" ภาพวาดอื่นๆ โดย Fedotov ("Breakfast of an Aristocrat", "Major's Matchmaking") ก็มีลักษณะที่ตลกขบขันและเสียดสีเช่นกัน ภาพวาดสุดท้ายของเขาเศร้ามาก ("Anchor, more anchor!", "Widow") ร่วมสมัยอย่างถูกต้องเปรียบเทียบป. Fedotov ในการวาดภาพกับ N.V. โกกอลในวรรณคดี การเปิดเผยภัยพิบัติของศักดินารัสเซียเป็นหัวข้อหลักของงานของ Pavel Andreevich Fedotov

ภาพวาดรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ถูกทำเครื่องหมายด้วยความเจริญรุ่งเรืองของวิจิตรศิลป์รัสเซีย มันกลายเป็นศิลปะที่ยิ่งใหญ่อย่างแท้จริง ตื้นตันใจด้วยความน่าสมเพชของการต่อสู้เพื่อปลดปล่อยของประชาชน ตอบสนองต่อความต้องการของชีวิตและรุกล้ำเข้ามาในชีวิตอย่างแข็งขัน ในที่สุดในทางวิจิตรศิลป์ ความสมจริงก็ถูกสร้างขึ้น ซึ่งเป็นภาพสะท้อนที่เป็นจริงและครอบคลุมของชีวิตผู้คน ความปรารถนาที่จะสร้างชีวิตนี้ขึ้นใหม่บนพื้นฐานของความเสมอภาคและความยุติธรรม
การเปลี่ยนแปลงอย่างมีสติของภาพวาดรัสเซียใหม่ไปสู่สัจนิยมประชาธิปไตย สัญชาติ ความทันสมัย ​​ถูกทำเครื่องหมายเมื่อสิ้นสุดยุค 50 พร้อมกับสถานการณ์การปฏิวัติในประเทศ ด้วยวุฒิภาวะทางสังคมของปัญญาชน raznochintsy ด้วยการตรัสรู้เชิงปฏิวัติของ Chernyshevsky, Dobrolyubov , Saltykov-Shchedrin กับบทกวีที่รักของผู้คนของ Nekrasov ใน “บทความเกี่ยวกับยุคโกกอล” (ในปี ค.ศ. 1856) เชอร์นีเชฟสกีเขียนว่า: “หากตอนนี้ภาพวาดโดยทั่วไปอยู่ในตำแหน่งที่ค่อนข้างอนาถ เหตุผลหลักสำหรับเรื่องนี้จะต้องถือเป็นความแปลกแยกของศิลปะนี้จากแรงบันดาลใจสมัยใหม่” แนวคิดเดียวกันนี้ถูกอ้างถึงในบทความหลายฉบับของนิตยสาร Sovremennik
แก่นสำคัญของศิลปะคือผู้คน ไม่เพียงแต่ผู้ถูกกดขี่และความทุกข์ทรมานเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้คนด้วย - ผู้สร้างประวัติศาสตร์ นักสู้ประชาชน ผู้สร้างสิ่งที่ดีที่สุดในชีวิตทั้งหมด
การยืนยันความสมจริงในงานศิลปะเกิดขึ้นในการต่อสู้ที่ดื้อรั้นกับทิศทางอย่างเป็นทางการซึ่งเป็นตัวแทนของผู้นำของ Academy of Arts คนงานในสถาบันการศึกษาเป็นแรงบันดาลใจให้นักเรียนด้วยแนวคิดที่ว่าศิลปะสูงกว่าชีวิต โดยเสนอเฉพาะหัวข้อในพระคัมภีร์และในตำนานเท่านั้นสำหรับผลงานของศิลปิน
แต่การวาดภาพได้เริ่มเข้าร่วมกับแรงบันดาลใจสมัยใหม่แล้ว - ก่อนอื่นในมอสโก โรงเรียนมอสโกไม่ได้รับสิทธิพิเศษแม้แต่หนึ่งในสิบของสถาบันศิลปะเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก แต่ไม่ค่อยพึ่งพาหลักคำสอนที่หยั่งรากลึก บรรยากาศในนั้นมีชีวิตชีวามากขึ้น แม้ว่าครูที่โรงเรียนส่วนใหญ่จะเป็นนักวิชาการ แต่นักวิชาการเป็นรองและผันผวน พวกเขาไม่ได้กดขี่ข่มเหงอำนาจเหมือนที่ทำที่ Academy F. Bruni เสาหลักของโรงเรียนเก่า ซึ่งครั้งหนึ่งเคยแข่งขันกับ Bryullov กับภาพวาด “พญานาคทองแดง”.
ในปี พ.ศ. 2405 สภาศิลปะแห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กได้ตัดสินใจที่จะทำให้สิทธิของทุกประเภทเท่าเทียมกันโดยยกเลิกความเป็นอันดับหนึ่งของภาพวาดทางประวัติศาสตร์ ตอนนี้เหรียญทองได้รับรางวัลโดยไม่คำนึงถึงธีมของภาพโดยพิจารณาเฉพาะข้อดีของมันเท่านั้น อย่างไรก็ตาม "เสรีภาพ" ภายในกำแพงของสถาบันการศึกษาได้ไม่นาน
ในปี พ.ศ. 2406 ศิลปินรุ่นเยาว์ที่เข้าร่วมการแข่งขันทางวิชาการได้ยื่นคำร้อง "ขออนุญาตเลือกหัวข้อสำหรับผู้ที่ต้องการได้อย่างอิสระ นอกเหนือจากหัวข้อที่กำหนด" สภาสถาบันการศึกษาปฏิเสธ สิ่งที่เกิดขึ้นต่อไปถูกกล่าวถึงในประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียว่าเป็น "การจลาจลในสิบสี่" นักเรียนสิบสี่คนของชั้นเรียนประวัติศาสตร์ไม่ต้องการเขียนรูปภาพในหัวข้อที่เสนอจากตำนานสแกนดิเนเวีย - "งานฉลองใน Valgaal" และยื่นคำร้องอย่างท้าทาย - เพื่อออกจากสถาบันการศึกษา พบว่าตัวเองไม่มีการประชุมเชิงปฏิบัติการและไม่มีเงินกลุ่มกบฏรวมตัวกันในชุมชน - คล้ายกับชุมชนที่ Chernyshevsky อธิบายในนวนิยาย What Is to Be Done? - Artel of Artists นำโดยจิตรกร Ivan Nikolaevich Kramskoy คนงานของ Artel ได้รับคำสั่งให้แสดงผลงานศิลปะต่างๆ อาศัยอยู่ในบ้านหลังเดียวกัน รวมตัวกันในห้องนั่งเล่นส่วนกลางเพื่อพูดคุย อภิปรายเกี่ยวกับภาพวาด และอ่านหนังสือ
อาร์เทลเลิกกันเจ็ดปีต่อมา มาถึงตอนนี้ในยุค 70 ตามความคิดริเริ่มของศิลปิน Grigory Grigorievich Myasoedov สมาคมได้เกิดขึ้น - Association of Artistic Mobile Inserts สมาคมวิชาชีพและการค้าของศิลปินที่ยืนอยู่ในตำแหน่งอุดมการณ์ที่ใกล้ชิด
สมาคมผู้พเนจรไม่เหมือนสมาคมอื่นๆ ในยุคหลังๆ ที่ไม่มีการประกาศและแถลงการณ์ใดๆ กฎบัตรระบุเพียงว่าสมาชิกของพันธมิตรควรดำเนินกิจการด้านวัตถุด้วยตนเองไม่ขึ้นอยู่กับใครในแง่นี้ตลอดจนจัดนิทรรศการด้วยตนเองและพาพวกเขาไปยังเมืองต่าง ๆ ("ย้าย" พวกเขาไปทั่วรัสเซีย) เพื่อทำความคุ้นเคยกับ ประเทศที่มีศิลปะรัสเซีย ทั้งสองประเด็นนี้มีความสำคัญอย่างยิ่ง โดยยืนยันถึงความเป็นอิสระของศิลปะจากทางการและเจตจำนงของศิลปินในการสื่อสารกับผู้คนในวงกว้าง ไม่เพียงแต่ในเมืองหลวงเท่านั้น บทบาทหลักในการสร้างหุ้นส่วนและการพัฒนากฎบัตรเป็นของนอกเหนือจาก Kramskoy ถึง Myasoedov, Ge - จาก Petersburgers และจาก Muscovites - ถึง Perov, Pryanishnikov, Savrasov
"ผู้พเนจร" รวมตัวกันในการปฏิเสธ "วิชาการ" ด้วยตำนาน ภูมิทัศน์ที่ประดับประดา และการแสดงละครที่โอ่อ่า พวกเขาต้องการพรรณนาถึงการใช้ชีวิต สถานที่ชั้นนำในงานของพวกเขาถูกครอบครองโดยฉากประเภท (ทุกวัน) ชาวนามีความเห็นอกเห็นใจเป็นพิเศษสำหรับผู้พเนจร พวกเขาแสดงความต้องการ ความทุกข์ยาก ตำแหน่งที่ถูกกดขี่ของเขา ในเวลานั้น - ในยุค 60-70 ศตวรรษที่ XIX - ด้านอุดมการณ์ของศิลปะมีมูลค่าสูงกว่าสุนทรียศาสตร์ ศิลปินจำคุณค่าของการวาดภาพได้ตามเวลาเท่านั้น
บางทีเครื่องบรรณาการที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสำหรับอุดมการณ์อาจได้รับโดย Vasily Grigoryevich Perov (1834-1882) พอจะจำภาพเขียนของเขาได้ว่า "การมาถึงของเจ้าหน้าที่ตำรวจเพื่อการสอบสวน", "การดื่มชาใน Mytishchi" ผลงานบางชิ้นของ Perov เต็มไปด้วยโศกนาฏกรรมที่แท้จริง ("Troika", "Old Parents at the Son's Grave") Perov วาดภาพบุคคลจำนวนมากในยุคที่มีชื่อเสียงของเขา (Ostrovsky, Turgenev, Dostoevsky)
ผืนผ้าใบบางส่วนของ "คนพเนจร" ที่วาดจากชีวิตหรือภายใต้ความประทับใจของฉากจริง เสริมแนวคิดของเราเกี่ยวกับชีวิตชาวนา ภาพวาดโดย S. A. Korovin“ On the World” แสดงให้เห็นถึงการต่อสู้กันในชนบทระหว่างเศรษฐีกับชายยากจน V. M. Maksimov จับความโกรธ น้ำตา และความเศร้าโศกของการแบ่งครอบครัว เทศกาลอันเคร่งขรึมของแรงงานชาวนาสะท้อนให้เห็นในภาพวาดของ G. G. Myasoedov "เครื่องตัดหญ้า"
ในงานของ Kramskoy สถานที่หลักถูกครอบครองโดยภาพเหมือน เขาวาด Goncharov, Saltykov-Shchedrin, Nekrasov เขาเป็นเจ้าของภาพถ่ายบุคคลที่ดีที่สุดของลีโอ ตอลสตอย สายตาของนักเขียนไม่ละสายตาจากผู้ดู ไม่ว่าเขาจะมองไปที่ผ้าใบจากจุดใดก็ตาม ผลงานที่ทรงพลังที่สุดชิ้นหนึ่งของ Kramskoy คือภาพวาด "Christ in the Desert"
นิทรรศการครั้งแรกของ Wanderers ซึ่งเปิดในปี 1871 ได้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงการมีอยู่ของทิศทางใหม่ที่เป็นรูปเป็นร่างตลอดช่วงทศวรรษที่ 60 มีการจัดแสดงเพียง 46 ชิ้น (ตรงกันข้ามกับนิทรรศการขนาดใหญ่ของ Academy) แต่ได้รับการคัดเลือกมาอย่างดี และถึงแม้ว่านิทรรศการจะไม่ได้ตั้งใจเป็นโปรแกรมโดยเจตนา แต่โปรแกรมที่ไม่ได้เขียนโดยทั่วไปก็ปรากฏให้เห็นค่อนข้างชัดเจน มีการนำเสนอทุกประเภท - ประวัติศาสตร์ ชีวิตประจำวัน ภาพทิวทัศน์ - และผู้ชมสามารถตัดสินได้ว่า "ผู้พเนจร" นำมาให้พวกเขาอย่างไร มีเพียงประติมากรรมเท่านั้นที่โชคไม่ดี (มีเพียงหนึ่งชิ้นและถึงกระนั้นประติมากรรมที่โดดเด่นเล็กน้อยโดย F. Kamensky) แต่งานศิลปะประเภทนี้ "โชคร้าย" มาเป็นเวลานานอันที่จริงแล้วในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ
ในตอนต้นของยุค 90 ในหมู่ศิลปินรุ่นเยาว์ของโรงเรียนมอสโกมีผู้คนที่สมควรและดำเนินการตามประเพณีการท่องเที่ยวของพลเมืองอย่างจริงจังและจริงจัง: S. Ivanov พร้อมชุดภาพวาดเกี่ยวกับผู้อพยพ S. Korovin - ผู้เขียน ภาพวาด "On the World" ที่น่าสนใจและการปะทะกันของหมู่บ้านก่อนการปฏิรูปอย่างน่าทึ่ง (น่าทึ่งมาก!) ได้รับการเปิดเผยอย่างรอบคอบ แต่พวกเขาไม่ใช่คนกำหนดทิศทาง: โลกแห่งศิลปะซึ่งอยู่ไกลจากผู้พเนจรและสถาบันการศึกษากำลังใกล้เข้ามา Academy มีลักษณะอย่างไรในขณะนั้น? ทัศนคติที่เคร่งครัดในอดีตของเธอหายไป เธอไม่ยืนกรานในข้อกำหนดที่เข้มงวดของนีโอคลาสซิซิสซึ่มอีกต่อไป ในลำดับชั้นที่มีชื่อเสียงของแนวเพลง เธอค่อนข้างอดทนต่อแนวเพลงในชีวิตประจำวัน เธอเพียงต้องการให้มัน "สวย" ไม่ใช่ "มูซิก" ( ตัวอย่างผลงานที่ไม่ใช่งานวิชาการที่ "สวยงาม" - ฉากจากชีวิตโบราณของ S. Bakalovich ที่โด่งดังในขณะนั้น) ส่วนใหญ่แล้ว การผลิตที่ไม่ใช่ทางวิชาการเหมือนกับในประเทศอื่นๆ คือร้านเสริมสวยของชนชั้นกลาง "ความงาม" ของมัน - ความน่ารักที่หยาบคาย แต่ไม่สามารถพูดได้ว่าเธอไม่ได้นำเสนอพรสวรรค์: G. Semiradsky ที่กล่าวถึงข้างต้นมีความสามารถมาก V. Smirnov ที่เสียชีวิตก่อนกำหนด (ผู้สามารถสร้างภาพวาดขนาดใหญ่ที่น่าประทับใจ "The Death of Nero"); ไม่มีใครปฏิเสธคุณค่าทางศิลปะของการวาดภาพโดย A. Svedomsky และ V. Kotarbinsky เกี่ยวกับศิลปินเหล่านี้เมื่อพิจารณาว่าพวกเขาเป็นพาหะของ "วิญญาณกรีก" Repin พูดอย่างเห็นด้วยในปีต่อ ๆ มาพวกเขาสร้างความประทับใจให้กับ Vrubel เช่นเดียวกับ Aivazovsky ซึ่งเป็นศิลปิน "วิชาการ" ด้วย ในทางกลับกัน ไม่มีใครอื่นนอกจาก Semiradsky ในช่วงเวลาของการปรับโครงสร้างองค์กรของ Academy ได้พูดอย่างเด็ดขาดในการสนับสนุนประเภทประจำวันโดยชี้ไปที่ Perov, Repin และ V. Mayakovsky เป็นตัวอย่างที่ดี ดังนั้นจึงมีจุดที่หายไปเพียงพอระหว่าง "ผู้พเนจร" กับสถาบัน และรองอธิการบดีของสถาบัน I.I. ตอลสตอยซึ่งความคิดริเริ่มของ "ผู้พเนจร" ถูกเรียกให้สอน
แต่สิ่งสำคัญที่ไม่ได้ลดบทบาทของ Academy of Arts อย่างสิ้นเชิงโดยส่วนใหญ่เป็นสถาบันการศึกษาในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษคือข้อเท็จจริงง่ายๆที่ศิลปินที่โดดเด่นหลายคนออกมาจากกำแพง นี่คือ Repin และ Surikov และ Polenov และ Vasnetsov และต่อมา - Serov และ Vrubel ยิ่งกว่านั้นพวกเขาไม่ได้ทำซ้ำ "การจลาจลของสิบสี่" และดูเหมือนจะได้รับประโยชน์จากการฝึกงานของพวกเขา
ความเคารพในการวาดภาพสำหรับรูปแบบสร้างสรรค์ที่สร้างขึ้นนั้นมีรากฐานมาจากศิลปะรัสเซีย การวางแนวทั่วไปของวัฒนธรรมรัสเซียไปสู่ความสมจริงกลายเป็นสาเหตุของความนิยมของวิธี Chistyakov ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง จิตรกรชาวรัสเซียจนถึงและรวมถึง Serov, Nesterov และ Vrubel ให้เกียรติ "กฎแห่งรูปแบบนิรันดร์ที่ไม่สั่นคลอน" และระมัดระวังเรื่อง "dematerialization " หรือการปราบปรามของธาตุอสัณฐานที่มีสีสันไม่ว่าพวกเขาจะชอบสีมากแค่ไหน
ในบรรดาผู้หลงทางที่ได้รับเชิญให้เข้าร่วม Academy มีจิตรกรภูมิทัศน์สองคนคือ Shishkin และ Kuindzhi ในเวลานั้นเอง ความเป็นใหญ่ของภูมิทัศน์ก็เริ่มต้นขึ้นในงานศิลปะทั้งในรูปแบบอิสระ ซึ่งเลวีแทนปกครองและเป็นองค์ประกอบที่เท่าเทียมกันของการวาดภาพเหมือนในชีวิตประจำวัน ประวัติศาสตร์ และบางส่วน ตรงกันข้ามกับการคาดการณ์ของ Stasov ซึ่งเชื่อว่าบทบาทของภูมิทัศน์จะลดลงในปี 1990 เพิ่มขึ้นอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน "ภูมิทัศน์แห่งอารมณ์" ที่เป็นโคลงสั้น ๆ ได้รับชัยชนะโดยนำเชื้อสายมาจาก Savrasov และ Polenov
The Wanderers ได้ค้นพบของแท้ในการวาดภาพทิวทัศน์ Alexey Kondratievich Savrasov (1830-1897) สามารถแสดงความงามและบทกวีที่ละเอียดอ่อนของภูมิทัศน์รัสเซียที่เรียบง่าย ภาพวาดของเขา "The Rooks Have Arrival" (พ.ศ. 2414) ทำให้ผู้ร่วมสมัยหลายคนมองดูธรรมชาติดั้งเดิมของพวกเขาใหม่
Fyodor Alexandrovich Vasiliev (1850-1873) มีชีวิตที่สั้น งานของเขาถูกขัดจังหวะในตอนเริ่มต้น เสริมแต่งภาพวาดในบ้านด้วยภูมิทัศน์ที่น่าตื่นเต้นและมีชีวิตชีวามากมาย ศิลปินประสบความสำเร็จเป็นพิเศษในสภาวะเปลี่ยนผ่านในธรรมชาติ: จากดวงอาทิตย์สู่ฝน จากความสงบสู่พายุ
Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898) กลายเป็นนักร้องของป่ารัสเซีย ละติจูดที่ยิ่งใหญ่ของธรรมชาติรัสเซีย Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910) ได้รับความสนใจจากการเล่นแสงและอากาศที่งดงาม แสงลึกลับของดวงจันทร์ในเมฆที่หายาก แสงสะท้อนสีแดงของรุ่งอรุณบนผนังสีขาวของกระท่อมในยูเครน แสงอาทิตย์ยามเช้าที่ลาดเอียงทะลุผ่านหมอกและเล่นในแอ่งน้ำบนถนนที่เต็มไปด้วยโคลน - สิ่งเหล่านี้และการค้นพบที่งดงามอื่น ๆ อีกมากมายถูกบันทึกไว้ ผืนผ้าใบของเขา
ภาพวาดภูมิทัศน์ของรัสเซียในศตวรรษที่ 19 มาถึงจุดสูงสุดในผลงานของ Isaac Ilyich Levitan นักเรียนของ Savrasov (1860-1900) Levitan เป็นเจ้าแห่งความสงบ เงียบสงบ ภูมิประเทศ เขาเป็นคนขี้อาย ขี้อาย และเปราะบาง เขาทำได้เพียงพักผ่อนตามลำพังกับธรรมชาติ อิ่มเอมกับอารมณ์ของภูมิประเทศที่เขารัก
เมื่อเขามาถึงแม่น้ำโวลก้าเพื่อวาดภาพดวงอาทิตย์อากาศและแม่น้ำกว้างใหญ่ แต่ไม่มีดวงอาทิตย์ เมฆนับไม่ถ้วนคืบคลานไปทั่วท้องฟ้า และฝนที่ตกหนักก็หยุดลง ศิลปินรู้สึกประหม่าจนกระทั่งเขาหลงใหลในสภาพอากาศนี้และค้นพบเสน่ห์พิเศษของสีม่วงอ่อนของสภาพอากาศเลวร้ายของรัสเซีย ตั้งแต่นั้นมา Upper Volga ซึ่งเป็นเมือง Ples ในจังหวัดก็เข้ามาทำงานของเขาอย่างแน่นหนา ในส่วนเหล่านั้น เขาสร้างผลงาน "ฝน" ของเขา: "หลังฝน", "วันมืดมน", "เหนือสันติภาพนิรันดร์" ทิวทัศน์ยามเย็นอันเงียบสงบก็ถูกทาสีที่นั่นเช่นกัน: "ตอนเย็นบนแม่น้ำโวลก้า", "ตอนเย็น เอื้อมทอง”, “เสียงกริ่งยามเย็น”, “ที่พำนักอันเงียบสงบ”
ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต Levitan ได้รับความสนใจจากผลงานของศิลปินอิมเพรสชันนิสม์ชาวฝรั่งเศส (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro) เขาตระหนักว่าเขามีสิ่งที่เหมือนกันหลายอย่างกับพวกเขา ว่าการค้นหาอย่างสร้างสรรค์ของพวกเขาเป็นไปในทิศทางเดียวกัน เช่นเดียวกับพวกเขา เขาชอบที่จะทำงานในสตูดิโอ แต่ในอากาศ (ในที่โล่งตามที่ศิลปินพูด) เช่นเดียวกับพวกเขา เขาทำให้จานสีสว่างขึ้น ขจัดสีเข้มและสีเอิร์ธโทน เช่นเดียวกับพวกเขา เขาพยายามที่จะจับภาพความคงอยู่ของสิ่งมีชีวิต เพื่อถ่ายทอดการเคลื่อนไหวของแสงและอากาศ ในเรื่องนี้พวกเขาไปไกลกว่าเขา แต่เกือบจะละลายรูปร่างสามมิติ (บ้าน ต้นไม้) ในกระแสลมแสง เขาหลีกเลี่ยงมัน
“ ภาพวาดของ Levitan ต้องมีการตรวจสอบอย่างช้าๆ” K. G. Paustovsky ผู้รอบรู้ผลงานของเขาเขียนว่า“ พวกเขาไม่ทำให้ตาตก เรื่องราวเหล่านี้เรียบง่ายและแม่นยำ เช่นเดียวกับเรื่องราวของเชคอฟ แต่ยิ่งคุณมองดูพวกเขานานเท่าไร ความเงียบของการตั้งถิ่นฐานในจังหวัด แม่น้ำที่คุ้นเคย และถนนในชนบทก็ยิ่งหวานขึ้น
ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XIX บัญชีสำหรับการออกดอกสร้างสรรค์ของ I. E. Repin, V. I. Surikov และ V. A. Serov
Ilya Efimovich Repin (1844-1930) เกิดที่เมือง Chuguev ในครอบครัวของผู้ตั้งถิ่นฐานในกองทัพ เขาสามารถเข้าสู่ Academy of Arts ซึ่ง P. P. Chistyakov กลายเป็นครูของเขาซึ่งนำกาแลคซีทั้งหมดของศิลปินที่มีชื่อเสียง (V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. A. Serov) Repin ยังได้เรียนรู้อะไรมากมายจาก Kramskoy ในปี 1870 ศิลปินหนุ่มเดินทางไปตามแม่น้ำโวลก้า ภาพวาดจำนวนมากนำมาจากการเดินทางเขาใช้สำหรับภาพวาด "Barge haulers on the Volga" (1872) เธอสร้างความประทับใจอย่างมากต่อสาธารณชน ผู้เขียนย้ายไปอยู่ในตำแหน่งของอาจารย์ที่มีชื่อเสียงที่สุดทันที
Repin เป็นศิลปินที่เก่งกาจมาก ภาพวาดประเภทอนุสาวรีย์จำนวนหนึ่งเป็นของพู่กันของเขา บางทีอาจไม่น่าประทับใจน้อยกว่า "เรือลากจูง" ที่สร้างขึ้นโดย "ขบวนทางศาสนาในจังหวัดเคิร์สต์" ท้องฟ้าสีฟ้าสดใส เมฆแห่งฝุ่นบนถนนที่โดนแสงแดดส่อง แสงสีทองของไม้กางเขนและเสื้อคลุม ตำรวจ ประชาชนทั่วไป และผู้พิการ ทุกอย่างพอดีกับผืนผ้าใบนี้ ความยิ่งใหญ่ ความแข็งแกร่ง ความอ่อนแอ และความเจ็บปวดของรัสเซีย
ในภาพเขียนของ Repin หลายภาพ มีการกล่าวถึงประเด็นการปฏิวัติ ("การปฏิเสธคำสารภาพ", "พวกเขาไม่รอ", "การจับกุมนักโฆษณาชวนเชื่อ") นักปฏิวัติในภาพวาดของเขายังคงเรียบง่ายและเป็นธรรมชาติ หลีกเลี่ยงท่าและท่าทางการแสดงละคร ในภาพวาด "การปฏิเสธคำสารภาพ" ชายผู้ถูกประณามราวกับว่าจงใจซ่อนมือไว้ในแขนเสื้อ ศิลปินเห็นอกเห็นใจวีรบุรุษในภาพวาดของเขาอย่างชัดเจน
ภาพวาดของ Repin จำนวนหนึ่งเขียนขึ้นในรูปแบบประวัติศาสตร์ ("Ivan the Terrible และ Ivan ลูกชายของเขา", "Cossacks เขียนจดหมายถึงสุลต่านตุรกี" เป็นต้น) Repin สร้างแกลเลอรีภาพบุคคลทั้งหมด เขาวาดภาพเหมือนของ - นักวิทยาศาสตร์ (Pirogov และ Sechenov) - นักเขียน Tolstoy, Turgenev และ Garshin - นักแต่งเพลง Glinka และ Mussorgsky - ศิลปิน Kramskoy และ Surikov ในตอนต้นของศตวรรษที่ XX เขาได้รับคำสั่งให้วาดภาพ "การประชุมสภาแห่งรัฐ" ศิลปินไม่เพียง แต่จะวางของขวัญจำนวนมากบนผืนผ้าใบเท่านั้น แต่ยังให้คำอธิบายทางจิตวิทยาของพวกเขาหลายคนด้วย ในหมู่พวกเขามีบุคคลที่มีชื่อเสียงเช่น S.Yu วิทเต้ เค.พี. Pobedonostsev, ป.ล. Semenov Tyan-Shansky ในภาพแทบจะไม่สังเกตเห็นได้ชัดเจน แต่ Nicholas II นั้นเขียนออกมาได้ละเอียดมาก
Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) เกิดที่ Krasnoyarsk ในครอบครัวคอซแซค ความมั่งคั่งของงานของเขาตกอยู่ที่ยุค 80 เมื่อเขาสร้างภาพเขียนประวัติศาสตร์ที่มีชื่อเสียงที่สุดสามภาพ ได้แก่ "Morning of the Streltsy Execution", "Menshikov in Berezov" และ "Boyar Morozova"
Surikov รู้ชีวิตและประเพณีของยุคอดีตเป็นอย่างดี เขารู้วิธีให้ลักษณะทางจิตวิทยาที่ชัดเจน นอกจากนี้ เขายังเป็นนักสีที่ยอดเยี่ยม (ผู้เชี่ยวชาญด้านสี) เพียงพอที่จะระลึกถึงหิมะที่ส่องประกายระยิบระยับในภาพวาด "โบยาร์ โมโรโซวา" อย่างไรก็ตาม หากจะเข้าใกล้ผืนผ้าใบมากขึ้น หิมะก็ "พัง" เป็นจังหวะสีน้ำเงิน น้ำเงิน และชมพู เทคนิคการวาดภาพนี้ เมื่อลายเส้นสองหรือสามเส้นมารวมกันในระยะไกลและให้สีที่ต้องการ ถูกใช้อย่างกว้างขวางโดยนักประพันธ์ชาวฝรั่งเศส
Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911) ลูกชายของนักแต่งเพลง วาดภาพทิวทัศน์ ผืนผ้าใบในธีมประวัติศาสตร์ ทำงานเป็นศิลปินโรงละคร แต่ชื่อเสียงทำให้เขา เหนือสิ่งอื่นใด ภาพบุคคล
ในปี 1887 Serov วัย 22 ปีกำลังพักผ่อนใน Abramtsevo กระท่อมใกล้มอสโกของผู้ใจบุญ S. I. Mamontov ในบรรดาลูกๆ ของเขา ศิลปินหนุ่มคนนี้คือผู้ชายของเขา เป็นผู้มีส่วนร่วมในการวิ่งเล่น ครั้งหนึ่ง หลังอาหารเย็น คนสองคนบังเอิญอยู่ในห้องอาหาร - Serov และ Verusha Mamontova อายุ 12 ปี พวกเขากำลังนั่งอยู่ที่โต๊ะที่มีลูกพีชเหลืออยู่และในระหว่างการสนทนา Verusha ไม่ได้สังเกตว่าศิลปินเริ่มวาดภาพเหมือนของเธออย่างไร งานดำเนินไปเป็นเวลาหนึ่งเดือน และ Verusha โกรธที่ Anton (ขณะที่ Serov ถูกเรียกตัวไปที่บ้าน) บังคับให้เธอนั่งในห้องอาหารเป็นเวลาหลายชั่วโมง
ในช่วงต้นเดือนกันยายน The Girl with Peaches ได้เสร็จสิ้นลงแล้ว แม้จะมีขนาดที่เล็ก แต่ภาพที่ทาด้วยโทนสีโรสโกลด์กลับดู "กว้างขวาง" มาก มีแสงและอากาศอยู่ในนั้นมาก เด็กสาวผู้นั่งลงที่โต๊ะราวกับครู่หนึ่งและจ้องไปที่ผู้ชม หลงใหลในความชัดเจนและจิตวิญญาณ ใช่แล้วผืนผ้าใบทั้งหมดถูกปกคลุมไปด้วยการรับรู้แบบเด็ก ๆ ในชีวิตประจำวันเมื่อความสุขไม่ได้ตระหนักถึงตัวเองและทั้งชีวิตอยู่ข้างหน้า
แน่นอนว่าชาวบ้าน "Abramtsevo" เข้าใจว่าปาฏิหาริย์เกิดขึ้นต่อหน้าต่อตาพวกเขา แต่เวลาเท่านั้นที่ให้การประมาณการขั้นสุดท้าย ทำให้ "The Girl with Peaches" เป็นหนึ่งในผลงานภาพเหมือนที่ดีที่สุดในศิลปะรัสเซียและโลก
ในปีต่อมา Serov เกือบจะทำซ้ำเวทมนตร์ของเขาได้ เขาวาดภาพเหมือนของมาเรีย ซิโมโนวิช น้องสาวของเขา (“The Girl Illuminated by the Sun”) ชื่อไม่ถูกต้องเล็กน้อย: เด็กผู้หญิงนั่งอยู่ใต้ร่มเงาและบึงด้านหลังส่องสว่างด้วยแสงอาทิตย์ยามเช้า แต่ในภาพทุกอย่างเป็นอันหนึ่งอันเดียวกัน เป็นอันหนึ่งอันเดียวกัน ทั้งตอนเช้า พระอาทิตย์ ฤดูร้อน ความเยาว์วัย และความงาม ซึ่งเป็นเรื่องยากที่จะนึกถึงชื่อที่ดีกว่านี้
Serov กลายเป็นจิตรกรแนวตั้งที่ทันสมัย นักเขียนชื่อดัง, ศิลปิน, ศิลปิน, ผู้ประกอบการ, ขุนนาง, แม้แต่พระราชาก็วางตัวต่อหน้าเขา. เห็นได้ชัดว่าไม่ใช่สำหรับทุกคนที่เขาเขียน วิญญาณของเขานอนอยู่ ภาพบุคคลในสังคมชั้นสูงบางภาพที่ใช้เทคนิคลวดลายเป็นเส้นๆ กลับกลายเป็นว่าเย็นชา
เป็นเวลาหลายปีที่ Serov สอนที่โรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมมอสโก เขาเป็นครูที่มีความต้องการ ฝ่ายตรงข้ามของรูปแบบการวาดภาพแช่แข็ง Serov ในเวลาเดียวกันเชื่อว่าการค้นหาอย่างสร้างสรรค์ควรอยู่บนพื้นฐานของความเชี่ยวชาญในเทคนิคการวาดภาพและการเขียนภาพ อาจารย์ที่โดดเด่นหลายคนคิดว่าตัวเองเป็นนักเรียนของ Serov นี่คือ MS Saryan, K.F. Yuon, P.V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.
ภาพวาดมากมายโดย Repin, Surikov, Levitan, Serov, "Wanderers" จบลงในคอลเล็กชั่นของ Tretyakov Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898) ตัวแทนของตระกูลพ่อค้ามอสโกเก่าเป็นคนไม่ธรรมดา ผอมและสูง มีเคราดก และเสียงเงียบ เขาดูเหมือนนักบุญมากกว่าพ่อค้า เขาเริ่มสะสมภาพวาดของศิลปินชาวรัสเซียในปี พ.ศ. 2399 งานอดิเรกกลายเป็นธุรกิจหลักในชีวิตของเขา ในช่วงต้นยุค 90 ของสะสมถึงระดับของพิพิธภัณฑ์ ดูดซับโชคลาภทั้งหมดของนักสะสมเกือบทั้งหมด ต่อมาได้กลายเป็นสมบัติของมอสโก Tretyakov Gallery ได้กลายเป็นพิพิธภัณฑ์ภาพวาด กราฟิก และประติมากรรมของรัสเซียที่มีชื่อเสียงระดับโลก
ในปี 1898 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในพระราชวัง Mikhailovsky (การสร้าง K. Rossi) พิพิธภัณฑ์รัสเซียได้เปิดขึ้น ได้รับผลงานจากศิลปินชาวรัสเซียจาก Hermitage, Academy of Arts และพระราชวังของจักรพรรดิบางแห่ง การเปิดพิพิธภัณฑ์ทั้งสองแห่งนี้ทำให้ได้รับความสำเร็จของการวาดภาพรัสเซียในศตวรรษที่ 19

ลัทธิคลาสสิคนิยมเป็นผู้นำในสถาปัตยกรรมและประติมากรรมในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 19 ในการวาดภาพได้รับการพัฒนาโดยศิลปินวิชาการในประเภทประวัติศาสตร์เป็นหลัก (AE Egorov - "Torture of the Savior", 1814, Russian Museum; VK Shebuev - "The Feat of the Merchant Igolkin", 1839, Russian Museum; FA Bruni - " ความตายของคามิลล่า น้องสาวของฮอเรซ", พ.ศ. 2367, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย; "งูทองแดง", พ.ศ. 2369-2484, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย) แต่ความสำเร็จที่แท้จริงของการวาดภาพนั้นกลับกลายเป็นแนวโรแมนติก ความทะเยอทะยานที่ดีที่สุดของจิตวิญญาณมนุษย์ การขึ้นๆ ลงๆ และการทะยานของจิตวิญญาณนั้นแสดงออกด้วยภาพวาดสุดโรแมนติกในสมัยนั้น และเหนือสิ่งอื่นใดคือภาพเหมือน ในประเภทภาพเหมือนควรให้ Orest Kiprensky (1782-1836) เป็นผู้นำ

Kiprensky เกิดที่จังหวัดเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและเป็นลูกชายของเจ้าของที่ดิน A.S. Dyakonov และป้อมปราการ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2331 ถึง พ.ศ. 2346 เขาศึกษาโดยเริ่มจากโรงเรียนการศึกษาที่ Academy of Arts ซึ่งเขาศึกษาในชั้นเรียนจิตรกรรมประวัติศาสตร์กับศาสตราจารย์ G.I. Ugryumov และจิตรกรชาวฝรั่งเศส G.-F. Doyen ในปี ค.ศ. 1805 เขาได้รับเหรียญทองคำใหญ่สำหรับภาพวาด "Dmitry Donskoy ในชัยชนะเหนือ Mamai" (RM) และสิทธิ์ในการเดินทางไปต่างประเทศของผู้รับบำนาญซึ่งดำเนินการในปี พ.ศ. 2359 เท่านั้น ในปี พ.ศ. 2352 พ.ศ. 2354 Kiprensky อาศัยอยู่ในมอสโกซึ่งเขาช่วย Martos ทำงานบนอนุสาวรีย์ Minin และ Pozharsky จากนั้นในตเวียร์และในปี 2355 เขากลับมาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก หลายปีหลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Academy และก่อนเดินทางไปต่างประเทศซึ่งเต็มไปด้วยความรู้สึกโรแมนติกเป็นผลงานของ Kiprensky ที่บานสะพรั่งสูงสุด ในช่วงเวลานี้ เขาได้ย้ายไปอยู่ท่ามกลางบรรดานักปราชญ์ผู้สูงศักดิ์ชาวรัสเซียที่มีความคิดอิสระ เขารู้ว่า K. Batyushkov และ P. Vyazemsky, V.A. โพสท่าให้เขา Zhukovsky และในปีต่อ ๆ มา - พุชกิน ความสนใจทางปัญญาของเขาก็กว้างเช่นกัน ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลที่เกอเธ่ซึ่ง Kiprensky แสดงให้เห็นแล้วในช่วงวัยผู้ใหญ่ของเขา สังเกตว่าเขาไม่เพียงแต่เป็นศิลปินที่มีความสามารถเท่านั้น แต่ยังเป็นคนคิดที่น่าสนใจอีกด้วย อารมณ์ซับซ้อน ครุ่นคิด และเปลี่ยนแปลงได้ - สิ่งเหล่านี้ปรากฏขึ้นต่อหน้าเรา ซึ่งแสดงโดย Kiprensky E.P. Rostopchin (1809, State Tretyakov Gallery), D.N. Khvostov (1814, Tretyakov Gallery), boy Chelishchev (c. 1809, Tretyakov Gallery) ในท่าอิสระ มองไปด้านข้างอย่างครุ่นคิด เอนกายพิงแผ่นหินโดยไม่ตั้งใจ พันเอกแห่ง Life Caps E.B. Davydov (1809, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย) ภาพนี้ถูกมองว่าเป็นภาพรวมของวีรบุรุษแห่งสงครามในปี พ.ศ. 2355 แม้ว่าจะค่อนข้างเฉพาะเจาะจงก็ตาม อารมณ์โรแมนติกได้รับการปรับปรุงด้วยการพรรณนาถึงภูมิประเทศที่มีพายุซึ่งนำเสนอภาพ สีนี้สร้างขึ้นจากสีที่เปล่งออกมาอย่างเต็มกำลัง - สีแดงกับสีทองและสีขาวกับสีเงิน - ในเสื้อผ้าของเสือกลาง - และบนความคมชัดของสีเหล่านี้กับโทนสีเข้มของภูมิทัศน์ การเปิดแง่มุมต่าง ๆ ของตัวละครมนุษย์และโลกฝ่ายวิญญาณของบุคคล Kiprensky แต่ละครั้งใช้ความเป็นไปได้ในการวาดภาพที่แตกต่างกัน ภาพวาดแต่ละภาพของปีเหล่านี้ถูกทำเครื่องหมายโดยปรมาจารย์ด้านจิตรกรรม ภาพวาดนั้นฟรีสร้างขึ้นเช่นเดียวกับในภาพวาดของ Khvostova ในการเปลี่ยนจากโทนสีหนึ่งไปอีกสีหนึ่งบนความส่องสว่างของสีที่แตกต่างกันจากนั้นบนความกลมกลืนของจุดไฟขนาดใหญ่ที่สะอาดตาเหมือนในรูปของ Chelishchev เด็กชาย ศิลปินใช้เอฟเฟกต์สีตัวหนาเพื่อสร้างแบบจำลองแบบฟอร์ม การวาดภาพอิมปัสโตมีส่วนช่วยในการแสดงออกของพลังงานช่วยเพิ่มอารมณ์ความรู้สึกของภาพ ตามที่กล่าวไว้อย่างถูกต้องโดย D. V. Sarabyanov แนวโรแมนติกของรัสเซียไม่เคยมีการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่ทรงพลังเช่นนี้ในฝรั่งเศสหรือเยอรมนี ไม่มีความตื่นเต้นสุดขีดหรือความสิ้นหวังที่น่าเศร้าอยู่ในนั้น ในแนวโรแมนติกของ Kiprensky ยังมีความกลมกลืนของความคลาสสิกอีกมากจากการวิเคราะห์ "ขดลวด" ของจิตวิญญาณมนุษย์อย่างละเอียดถี่ถ้วนซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของอารมณ์อ่อนไหว “ ศตวรรษปัจจุบันและศตวรรษที่ผ่านมา” ชนกันในงานของ Kiprensky ยุคแรกซึ่งก่อตั้งขึ้นเป็นคนที่มีความคิดสร้างสรรค์ในปีที่ดีที่สุดของชัยชนะทางทหารและความหวังอันสดใสของสังคมรัสเซียและประกอบขึ้นเป็นความคิดริเริ่มและเสน่ห์ที่อธิบายไม่ได้ของเขา ภาพเหมือนโรแมนติกในช่วงต้น

ในช่วงปลายยุคอิตาลี เนื่องจากสถานการณ์ต่างๆ ของชะตากรรมส่วนตัวของเขา ศิลปินจึงแทบไม่สามารถสร้างสิ่งใดที่เทียบเท่ากับผลงานแรกของเขาได้ แต่ถึงกระนั้นที่นี่ เราสามารถตั้งชื่อผลงานชิ้นเอกดังกล่าวว่าเป็นหนึ่งในภาพถ่ายบุคคลตลอดชีวิตที่ดีที่สุดของพุชกิน (1827, Tretyakov Gallery) ซึ่งวาดโดยศิลปินในช่วงสุดท้ายของการอยู่บ้าน หรือภาพเหมือนของอัฟดูลินา (ค.ศ. 1822, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย) ) เต็มไปด้วยความเศร้าโศก

ผลงานชิ้นหนึ่งของ Kiprensky อันทรงคุณค่าคือภาพกราฟิกพอร์ตเทรต ซึ่งส่วนใหญ่ใช้ดินสออิตาลีเนื้อนุ่มพร้อมไฮไลท์สีพาสเทล สีน้ำ และดินสอสี เขารับบทเป็นนายพล E.I. Chaplitsa (TG), A.R. Tomilova (RM), P.A. โอเลนินา (TG) ลักษณะที่ปรากฏของภาพร่างด้วยดินสออย่างรวดเร็วมีความสำคัญในตัวเองซึ่งเป็นลักษณะของเวลาใหม่: การเปลี่ยนแปลงที่หายวับไปบนใบหน้าการเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณใด ๆ จะถูกบันทึกไว้ได้อย่างง่ายดาย แต่กราฟิกของ Kiprensky ก็กำลังมีวิวัฒนาการเช่นกัน: ในงานชิ้นต่อมาของเขาไม่มีความเป็นธรรมชาติและความอบอุ่น แต่พวกมันมีคุณธรรมและประณีตกว่าในการดำเนินการ (ภาพเหมือนของ S.S. Shcherbatova, it. car., State Tretyakov Gallery)

ขั้วโลก AO สามารถเรียกได้ว่าโรแมนติกสม่ำเสมอ ออร์ลอฟสกี (ค.ศ. 1777–1832) ซึ่งอาศัยอยู่ในรัสเซียเป็นเวลา 30 ปี และนำเสนอธีมวัฒนธรรมรัสเซียที่มีลักษณะเฉพาะของคู่รักชาวตะวันตก (พักแรม พลม้า ซากเรืออับปาง “หยิบดินสอ วาด ​​ออร์ลอฟสกี ดาบ และการต่อสู้” พุชกินเขียนไว้ เขาหลอมรวมอย่างรวดเร็วบนดินรัสเซียซึ่งสังเกตได้ชัดเจนเป็นพิเศษในภาพบุคคล ในพวกเขาผ่านคุณลักษณะภายนอกทั้งหมดของแนวโรแมนติกยุโรปด้วยความดื้อรั้นและความตึงเครียดมีบางสิ่งที่เป็นส่วนตัวซ่อนเร้นและเป็นความลับ (Self-portrait, 1809, State Tretyakov Gallery) ในทางกลับกัน Orlovsky มีบทบาทบางอย่างในการ "ฝ่าฟัน" เส้นทางสู่ความสมจริงด้วยภาพสเก็ตช์ประเภท ภาพวาดและภาพพิมพ์หินที่แสดงฉากและประเภทของถนนในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งทำให้ quatrain ที่มีชื่อเสียงของ P.A. Vyazemsky:

รัสเซียในอดีต ถอดออก

คุณส่งต่อไปยังลูกหลาน

คุณคว้าเธอทั้งเป็น

ภายใต้ดินสอสีพื้นบ้าน

ในที่สุด ความโรแมนติกพบการแสดงออกในแนวนอน ซิลเวสเตอร์ เชดริน (ค.ศ. 1791–ค.ศ. 1830) เริ่มต้นอาชีพการเป็นนักเรียนของอาของเขา เซมยอน เชดรินด้วยการประพันธ์เพลงคลาสสิก: การแบ่งอย่างชัดเจนออกเป็นสามแผน (แผนที่สามมักจะเป็นสถาปัตยกรรม) ที่ด้านข้างของปีก แต่ในอิตาลีที่ซึ่งเขาออกจากสถาบันเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก คุณลักษณะเหล่านี้ไม่ได้ถูกรวมเข้าด้วยกัน ไม่ได้กลายเป็นโครงการ มันอยู่ในอิตาลีที่ Shchedrin อาศัยอยู่มานานกว่า 10 ปีและเสียชีวิตในความสามารถที่ยอดเยี่ยมของเขาซึ่งเขาเปิดเผยว่าตัวเองเป็นศิลปินโรแมนติกกลายเป็นหนึ่งในจิตรกรที่ดีที่สุดในยุโรปพร้อมกับ Constable และ Corot เขาเป็นคนแรกที่เปิดภาพวาดในอากาศสำหรับรัสเซีย จริงเช่นเดียวกับ Barbizons Shchedrin วาดภาพร่างในที่โล่งเท่านั้นและวาดภาพให้เสร็จ ("ตกแต่ง" ตามที่เขากำหนด) ในสตูดิโอ อย่างไรก็ตามแรงจูงใจเปลี่ยนการเน้น ดังนั้น กรุงโรมในผืนผ้าใบของเขาจึงไม่ใช่ซากปรักหักพังอันยิ่งใหญ่ในสมัยโบราณ แต่เป็นเมืองสมัยใหม่ที่มีชีวิตของคนธรรมดา - ชาวประมง พ่อค้า กะลาสีเรือ แต่ชีวิตธรรมดาภายใต้พู่กันของเชดรินได้รับเสียงอันประเสริฐ ท่าเรือซอร์เรนโต เขื่อนของเนเปิลส์ แม่น้ำไทเบอร์ที่ปราสาทเซนต์ เทวดา คนตกปลา แค่พูดคุยกันบนระเบียงหรือพักผ่อนใต้ร่มไม้ ทุกสิ่งล้วนถ่ายทอดผ่านปฏิสัมพันธ์อันซับซ้อนของแสงและอากาศ เป็นการหลอมรวมกันอันน่ารื่นรมย์ของโทนสีเงิน-เทา ซึ่งมักจะรวมกันเป็นสีแดง - ในเสื้อผ้าและผ้าโพกศีรษะในใบไม้ที่เป็นสนิมซึ่งกิ่งก้านสีแดงกิ่งใดกิ่งหนึ่งหายไป ในงานสุดท้ายของ Shchedrin ความสนใจในเอฟเฟกต์ chiaroscuro นั้นชัดเจนมากขึ้นเรื่อย ๆ โดยคาดการณ์ถึงคลื่นแห่งความโรแมนติคครั้งใหม่โดย Maxim Vorobyov และนักเรียนของเขา (เช่น "มุมมองของเนเปิลส์ในคืนเดือนหงาย") เช่นเดียวกับจิตรกรภาพเหมือน Kiprensky และจิตรกรการต่อสู้ Orlovsky จิตรกรภูมิทัศน์ Shchedrin มักวาดภาพประเภท

อาจฟังดูแปลก แต่ประเภทในชีวิตประจำวันพบการหักเหบางอย่างในภาพเหมือนและเหนือสิ่งอื่นใดในภาพเหมือนของ Vasily Andreevich Tropinin (1776 - 1857) ศิลปินที่ปลดปล่อยตัวเองจากการเป็นทาสเมื่ออายุ 45 ปีเท่านั้น Tropinin มีอายุยืนยาว และเขาถูกกำหนดให้รู้จักการยอมรับอย่างแท้จริง แม้กระทั่งชื่อเสียง เพื่อรับตำแหน่งนักวิชาการและกลายเป็นศิลปินที่มีชื่อเสียงที่สุดของโรงเรียนภาพเหมือนของมอสโกในช่วงปี ค.ศ. 1920 และ 1930 เริ่มต้นด้วยอารมณ์อ่อนไหว อย่างไรก็ตาม การสอนมีความอ่อนไหวมากกว่าอารมณ์อ่อนไหวของโบโรวิคอฟสกี Tropinin ได้มาซึ่งรูปแบบการพรรณนาของเขาเอง ในแบบจำลองของเขาไม่มีแรงกระตุ้นที่โรแมนติกของ Kiprensky แต่ความเรียบง่ายความไร้ศิลปะความจริงใจในการแสดงออกความจริงของตัวละครความถูกต้องของรายละเอียดครัวเรือนที่ดึงดูดใจ ภาพเหมือนของทรอปินินที่ดีที่สุด เช่น ภาพเหมือนของลูกชาย (ราว ค.ศ. 1818 Tretyakov Gallery) ภาพเหมือนของ Bulakhov (1823, Tretyakov Gallery) โดดเด่นด้วยความสมบูรณ์แบบทางศิลปะขั้นสูง โดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพเหมือนของลูกชายของ Arseny ซึ่งเป็นภาพที่จริงใจผิดปกติความมีชีวิตชีวาและความฉับไวซึ่งถูกเน้นด้วยแสงที่ชำนาญ: ด้านขวาของร่างผมถูกแทงถูกน้ำท่วมด้วยแสงแดดโดยอาจารย์ ช่วงของสีต่างๆ ตั้งแต่สีเหลืองทองไปจนถึงสีน้ำตาลอมชมพูมีความเข้มข้นอย่างผิดปกติ การใช้กระจกอย่างแพร่หลายยังคงชวนให้นึกถึงประเพณีการวาดภาพของศตวรรษที่ 18

Tropinin ทำงานตามเส้นทางของการให้ความเป็นธรรมชาติ ความคมชัด สมดุลกับองค์ประกอบที่เรียบง่ายของภาพพอร์ตเทรตหน้าอก ตามกฎแล้ว รูปภาพจะได้รับบนพื้นหลังที่เป็นกลางพร้อมอุปกรณ์เสริมขั้นต่ำ นี่เป็นวิธีที่ Tropinin A.S. พุชกิน (1827) - นั่งที่โต๊ะในท่าอิสระสวมชุดอยู่บ้านซึ่งเน้นรูปลักษณ์ที่เป็นธรรมชาติ

Tropinin เป็นผู้สร้างภาพวาดแนวตั้งแบบพิเศษนั่นคือภาพเหมือนที่แนะนำคุณสมบัติของประเภท "Lacemaker", "Spinner", "Guitarist", "Golden Sewing" เป็นภาพที่พิมพ์ออกมาโดยมีพล็อตเรื่องบางอย่างซึ่งไม่ได้สูญเสียคุณสมบัติเฉพาะของพวกเขาไป

D.V. จากผลงานของเขาศิลปินได้มีส่วนร่วมในการเสริมสร้างความสมจริงในภาพวาดรัสเซียและมีอิทธิพลอย่างมากต่อโรงเรียนมอสโก Sarabyanov ชนิดของ "Moscow Biedermeier"

Tropinin แนะนำองค์ประกอบประเภทในแนวตั้งเท่านั้น Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780–1847) เป็นผู้ก่อตั้งประเภทประจำวันอย่างแท้จริง ผู้รังวัดที่ดินโดยการศึกษา Venetsianov ออกจากบริการเพื่อประโยชน์ในการวาดภาพ ย้ายจากมอสโกไปยังเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและกลายเป็นนักเรียนของ Borovikovsky เขาเริ่มก้าวแรกใน "ศิลปะ" ในรูปแบบของภาพเหมือน สร้างบทกวีที่ไพเราะน่าฟัง บางครั้งก็ถูกพัดพาด้วยภาพอารมณ์โรแมนติกในสีพาสเทล ดินสอ น้ำมัน (ภาพเหมือนของ V.C. Putyatina, State Tretyakov Gallery) แต่ในไม่ช้าศิลปินก็ทิ้งภาพเหมือนเพื่อประโยชน์ของการ์ตูนล้อเลียน และสำหรับการ์ตูนล้อเลียนที่เต็มไปด้วยแอ็คชั่นเรื่องหนึ่ง "The Nobleman" ฉบับแรกสุดของ "Magazine of Caricatures for 1808 in Faces" ที่เขาคิดขึ้นก็ปิดตัวลง อันที่จริงการแกะสลักโดย Venetsianov เป็นภาพประกอบของบทกวีของ Derzhavin และแสดงภาพผู้ร้องที่แออัดอยู่ในห้องรอในขณะที่มีขุนนางปรากฏอยู่ในกระจกอยู่ในอ้อมแขนของความงาม (สันนิษฐานว่านี่เป็นภาพล้อเลียนของ Count เบซโบรอดโก้)

ในช่วงเปลี่ยนผ่านของยุค 10-20 Venetsianov ออกจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กไปยังจังหวัดตเวียร์ซึ่งเขาซื้อที่ดินขนาดเล็ก ที่นี่เขาพบหัวข้อหลัก อุทิศตนเพื่อพรรณนาถึงชีวิตชาวนา ในภาพวาด The Barn (1821–1822, Russian Museum) เขาแสดงฉากแรงงานในการตกแต่งภายใน ในความพยายามที่จะทำซ้ำอย่างแม่นยำไม่เพียงแต่ท่าของผู้ปฏิบัติงานเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการจัดแสงด้วย เขายังสั่งให้เลื่อยผนังด้านหนึ่งของลานนวดข้าวออกด้วย ชีวิตตามที่เป็นอยู่ - นั่นคือสิ่งที่ Venetsianov ต้องการจะพรรณนาโดยการวาดภาพชาวนาปอกเปลือกหัวบีท เจ้าของที่ดินมอบหมายงานให้หญิงสาวในสวน คนเลี้ยงแกะนอนหลับ; หญิงสาวที่มีบีทรูทอยู่ในมือ เด็กชาวนาชื่นชมผีเสื้อ ฉากเก็บเกี่ยวการทำหญ้าแห้ง ฯลฯ แน่นอนว่า Venetsianov ไม่ได้เปิดเผยความขัดแย้งที่รุนแรงที่สุดในชีวิตของชาวนารัสเซียไม่ได้หยิบ "คำถามที่เจ็บปวด" ในยุคของเรา นี่คือวิถีชีวิตแบบปิตาธิปไตยและงดงาม แต่ศิลปินไม่ได้แนะนำบทกวีจากภายนอกไม่ได้ประดิษฐ์ แต่ตักมันขึ้นมาในชีวิตของผู้คนที่เขาวาดภาพด้วยความรักเช่นนี้ ในภาพวาดของ Venetsianov ไม่มีโครงเรื่องที่น่าทึ่งพล็อตแบบไดนามิกในทางกลับกันพวกมันคงที่ "ไม่มีอะไรเกิดขึ้น" ในตัวพวกเขา แต่มนุษย์มีความสามัคคีกับธรรมชาติอยู่เสมอ ในการทำงานหนักชั่วนิรันดร์ และทำให้ภาพของเวเนเชียนอฟเป็นอนุสรณ์อย่างแท้จริง เขาเป็นความจริงหรือไม่? ในความเข้าใจคำนี้โดยศิลปินในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - แทบจะไม่ ในแนวคิดของเขา มีแนวคิดคลาสสิกมากมาย (ควรค่าแก่การจดจำ "ฤดูใบไม้ผลิ บนทุ่งไถ", หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐ) และโดยเฉพาะอย่างยิ่งจากความคิดที่ซาบซึ้ง ("ในฤดูเก็บเกี่ยว ฤดูร้อน" หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐ) และ ในความเข้าใจของเขาเกี่ยวกับอวกาศ - จากคนโรแมนติกด้วย และถึงกระนั้นงานของ Venetsianov ก็เป็นขั้นตอนหนึ่งในการสร้างความสมจริงที่สำคัญของรัสเซียในศตวรรษที่ 19 และนี่ก็เป็นความสำคัญที่ยั่งยืนของภาพวาดของเขาด้วย สิ่งนี้กำหนดตำแหน่งของเขาในศิลปะรัสเซียโดยรวม

จิตรกรรมโดย A.G. Venetsianova เช้าของเจ้าของที่ดิน

Venetsianov เป็นครูที่ยอดเยี่ยม โรงเรียน Venetsianov ชาว Venetians เป็นกาแลคซี่ทั้งหมดของศิลปินในช่วงทศวรรษที่ 1920 และ 1940 ซึ่งทำงานร่วมกับเขาทั้งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและในที่ดิน Safonkovo ​​ของเขา นี่คือ A.V. Tyranov, E.F. Krendovsky, K.A. เซเลนซอฟ, เอ.เอ. Alekseev, S.K. Zaryanko, แอล.เค. Plakhov, N.S. Krylov และอื่น ๆ อีกมากมาย ในบรรดานักเรียนของ Venetsianov มีชาวนาจำนวนมาก ภายใต้พุ่มไม้ของชาวเวนิส ไม่เพียงแต่เกิดฉากชีวิตชาวนาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงฉากในเมืองด้วย: ถนนในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ประเภทพื้นบ้าน ภูมิประเทศ เอ.วี. Tyranov ยังวาดภาพภายใน ภาพบุคคล ภูมิทัศน์ และภาพนิ่ง ชาวเวนิสชื่นชอบ "ภาพครอบครัวในการตกแต่งภายใน" เป็นพิเศษ - พวกเขาผสมผสานความเป็นรูปธรรมของภาพเข้ากับรายละเอียดของการเล่าเรื่อง สื่อถึงบรรยากาศของสิ่งแวดล้อม (เช่น ภาพวาดของ Tyranov "The Chernetsov Brothers Artists' Workshop", พ.ศ. 2371 ซึ่งรวมเอาภาพบุคคล ประเภท และภาพนิ่ง)

นักเรียนที่มีความสามารถมากที่สุดของ Venetsianov คือ Grigory Soroka (1813–1864) ศิลปินแห่งชะตากรรมที่น่าเศร้าอย่างไม่ต้องสงสัย (นกกางเขนเป็นอิสระจากความเป็นทาสโดยการปฏิรูปในปี 2404 เท่านั้น แต่จากการฟ้องร้องกับอดีตเจ้าของที่ดินเขาถูกตัดสินให้ลงโทษทางร่างกายไม่สามารถทนต่อความคิดและฆ่าตัวตายได้) ภายใต้แปรงของโซโรคาและ ภูมิทัศน์ของทะเลสาบโมลดิโนพื้นเมืองของเขา และวัตถุทั้งหมดในสำนักงานของที่ดินในออสตรอฟกี และร่างของชาวประมงที่แข็งตัวอยู่เหนือพื้นผิวทะเลสาบเปลี่ยนไป เต็มไปด้วยบทกวีที่สูงที่สุด ความเงียบอันแสนสุข แต่ยังเศร้าโศกเศร้าโศกด้วย นี่คือโลกแห่งวัตถุจริง แต่ยังเป็นโลกในอุดมคติที่ศิลปินจินตนาการไว้

ภาพวาดประวัติศาสตร์รัสเซียในช่วงทศวรรษที่ 1930 และ 1940 พัฒนาขึ้นภายใต้สัญลักษณ์ของแนวโรแมนติก Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) ถูกเรียกว่า "อัจฉริยะแห่งการประนีประนอม" ระหว่างอุดมคติของลัทธิคลาสสิกและนวัตกรรมของแนวโรแมนติก ชื่อเสียงมาที่ Bryullov ในขณะที่ยังอยู่ที่ Academy: แม้ว่าการศึกษาปกติของ Bryullov ก็กลายเป็นภาพวาดที่เสร็จสิ้นแล้วเช่นในกรณีเช่น Narcissus (1819, Russian Museum) หลังจากจบหลักสูตรด้วยเหรียญทอง ศิลปินก็เดินทางไปอิตาลี ในงานก่อนยุคอิตาลี Bryullov หันไปใช้วิชาในพระคัมภีร์ (“The Appearance of Three Angels to Abraham at the Oak of Mamre”, 1821, Russian Museum) และของเก่า (“Oedipus and Antigone”, 1821, the Tyumen Regional Museum of Local Lore ) ทำงานในการพิมพ์หิน, ประติมากรรม, เขียนฉากละคร, วาดเครื่องแต่งกายสำหรับการแสดง. ภาพวาด "Italian Morning" (1823 ไม่ทราบตำแหน่ง) และ "Italian Noon" (1827, Russian Museum) โดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพแรกแสดงให้เห็นว่าจิตรกรเข้าใกล้ปัญหาในที่โล่งได้อย่างไร Bryullov กำหนดภารกิจของเขาดังนี้: "ฉันให้แสงสว่างแก่นางแบบในดวงอาทิตย์โดยสมมติว่ามีแสงพื้นหลังเพื่อให้ใบหน้าและหน้าอกอยู่ในเงาและสะท้อนจากน้ำพุที่ส่องแสงจากดวงอาทิตย์ซึ่งทำให้เงาทั้งหมดน่าพอใจมากขึ้นเมื่อเทียบกับแบบธรรมดา แสงสว่างจากหน้าต่าง”

งานของ plein air painting จึงสนใจ Bryullov แต่เส้นทางของศิลปินนั้นอยู่ในทิศทางที่ต่างออกไป ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1828 หลังจากการเดินทางไปปอมเปอี บรีอุลลอฟก็ได้ทำงานที่เท่าเทียมกันของเขา นั่นคือ วันสุดท้ายของปอมเปอี (ค.ศ. 1830–1833) เหตุการณ์ที่แท้จริงของประวัติศาสตร์โบราณคือการตายของเมืองในระหว่างการปะทุของวิสุเวียสในปี ค.ศ. 79 อี - ให้โอกาสศิลปินแสดงความยิ่งใหญ่และศักดิ์ศรีของมนุษย์ในการเผชิญกับความตาย ลาวาที่ลุกเป็นไฟกำลังใกล้เข้ามาในเมือง อาคารและรูปปั้นต่างๆ กำลังพังทลาย แต่เด็กๆ จะไม่ทิ้งพ่อแม่ของพวกเขา แม่อุ้มเด็กชายหนุ่มช่วยชีวิตผู้เป็นที่รัก ศิลปิน (ซึ่ง Bryullov แสดงภาพตัวเอง) นำสีสันออกไป แต่เมื่อเขาออกจากเมืองไปเขามองด้วยดวงตาเบิกกว้างพยายามจับภาพที่น่ากลัว แม้ในความตาย คนๆ นั้นก็ยังสวยอยู่ เหมือนผู้หญิงที่ถูกม้าบ้าถูกโยนลงจากรถม้าที่อยู่ตรงกลางขององค์ประกอบ หนึ่งในคุณสมบัติที่สำคัญของภาพวาดของเขาแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในภาพวาดของ Bryullov: ความเชื่อมโยงระหว่างรูปแบบคลาสสิกของผลงานของเขาและคุณสมบัติของแนวโรแมนติกซึ่งความคลาสสิคของ Bryullov นั้นรวมกันเป็นหนึ่งโดยศรัทธาในความสูงส่งและความงามของธรรมชาติของมนุษย์ ดังนั้น "ที่พัก" ที่น่าทึ่งของรูปแบบพลาสติกที่รักษาความชัดเจน การวาดภาพของความเป็นมืออาชีพสูงสุด เหนือกว่าวิธีการแสดงภาพอื่นๆ ด้วยเอฟเฟกต์แสงที่โรแมนติก ใช่แล้ว และแก่นเรื่องของความตายที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ชะตากรรมที่ไม่หยุดยั้งนั้นเป็นลักษณะของความโรแมนติก

ตามมาตรฐานบางอย่าง โครงการศิลปะที่เป็นที่ยอมรับ ความคลาสสิกในหลาย ๆ ด้านจำกัดศิลปินที่โรแมนติก อนุสัญญาของภาษาวิชาการซึ่งเป็นภาษาของ "โรงเรียน" ตามที่สถาบันการศึกษาถูกเรียกในยุโรป ได้แสดงออกมาอย่างสมบูรณ์ในปอมเปอี: ท่าทางการแสดง, ท่าทาง, การแสดงออกทางสีหน้า, เอฟเฟกต์แสง แต่ต้องยอมรับว่า Bryullov ต่อสู้เพื่อความจริงทางประวัติศาสตร์ พยายามอย่างแม่นยำที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้เพื่อสร้างอนุสาวรีย์เฉพาะที่ค้นพบโดยนักโบราณคดีและทำให้คนทั้งโลกประหลาดใจ เพื่อเติมเต็มฉากที่พลินีผู้น้องบรรยายด้วยสายตาในจดหมายถึงทาสิทัส จัดแสดงครั้งแรกในมิลาน จากนั้นในปารีส ภาพวาดดังกล่าวถูกนำไปยังรัสเซียในปี พ.ศ. 2377 และประสบความสำเร็จอย่างล้นหลาม โกกอลพูดอย่างกระตือรือร้นเกี่ยวกับเธอ ความสำคัญของงานของ Bryullov สำหรับการวาดภาพรัสเซียนั้นถูกกำหนดโดยคำพูดที่รู้จักกันดีของกวี: "และ "วันสุดท้ายของปอมเปอี" กลายเป็นวันแรกสำหรับพู่กันรัสเซีย

ในปี 1835 Bryullov กลับไปรัสเซียซึ่งเขาได้รับการต้อนรับในฐานะผู้ชนะ แต่เขาไม่ได้จัดการกับประเภทประวัติศาสตร์อีกต่อไปเพราะ "การล้อมเมืองปัสคอฟโดยกษัตริย์แห่งโปแลนด์ Stefan Batory ในปี ค.ศ. 1581" ยังไม่เสร็จสิ้น ความสนใจของเขาอยู่ในทิศทางที่ต่างออกไป - ภาพเหมือนซึ่งเขาหันไปทิ้งภาพวาดประวัติศาสตร์ไว้เช่น Kiprensky ร่วมสมัยที่ยิ่งใหญ่ของเขาและซึ่งเขาได้แสดงอารมณ์เชิงสร้างสรรค์และความสามารถทั้งหมดของเขา เราสามารถติดตามวิวัฒนาการบางอย่างของ Bryullov ในประเภทนี้: จากภาพเหมือนในพิธีของยุค 30 แบบจำลองที่สามารถให้บริการได้ไม่มากเท่ากับภาพเหมือนเป็นภาพทั่วไปเช่นผ้าใบตกแต่งที่ยอดเยี่ยม "Horsewoman" (1832, State Tretyakov Gallery) ซึ่งแสดงถึงลูกศิษย์ของ Countess Yu. P. Samoilova Giovanina Pacchini ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่มีชื่อทั่วไป หรือรูปเหมือนของยุ. Samoilova กับลูกศิษย์อีกคนหนึ่ง - Amatsily (ประมาณปี 1839, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย) ไปจนถึงภาพเหมือนของยุค 40 - ห้องมากขึ้น โน้มเอียงไปทางลักษณะทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนและหลากหลาย (ภาพเหมือนของ AN. Strugovshchikov, 1840, Russian Museum; Self-portrait, 1848, State Tretyakov แกลลอรี่). เมื่อเผชิญหน้ากับนักเขียน Strugovshchikov ความตึงเครียดของชีวิตภายในถูกอ่าน ความเหนื่อยล้าและความขมขื่นของความผิดหวังเล็ดลอดออกมาจากการปรากฏตัวของศิลปินในภาพเหมือนตนเอง ใบหน้าผอมบางที่น่าเศร้ามีดวงตาที่แหลมคม มือที่บางของชนชั้นสูงแขวนไว้อย่างช่วยไม่ได้ ในภาพเหล่านี้มีภาษาที่โรแมนติกมากมาย ในขณะที่หนึ่งในผลงานชิ้นล่าสุด - ภาพเหมือนที่ลึกล้ำและเจาะลึกของนักโบราณคดี Michelangelo Lanci (1851) - เราเห็นว่า Bryullov นั้นไม่ต่างจากแนวคิดที่สมจริงในการตีความภาพ

หลังจากการตายของ Bryullov นักเรียนของเขามักใช้เฉพาะหลักการเขียนเชิงวิชาการที่เป็นทางการและหมดจดซึ่งเขาพัฒนาอย่างระมัดระวังและชื่อของ Bryullov ต้องทนต่อการดูหมิ่นมากมายจากนักวิจารณ์โรงเรียนประชาธิปไตยที่เป็นจริงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 , ส่วนใหญ่VV สตาซอฟ

บุคคลสำคัญในภาพวาดกลางศตวรรษคือ Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858) อย่างไม่ต้องสงสัย Ivanov สำเร็จการศึกษาจาก St. Petersburg Academy ด้วยสองเหรียญ เขาได้รับเหรียญทองขนาดเล็กสำหรับภาพวาด "Priam ขอ Achilles สำหรับร่างของ Hector" (1824, State Tretyakov Gallery) ซึ่งเกี่ยวข้องกับการวิจารณ์ที่สังเกตการอ่านโฮเมอร์อย่างระมัดระวังของศิลปินและเหรียญทองขนาดใหญ่สำหรับงาน "โจเซฟ การตีความความฝันของผู้ถูกคุมขังในเรือนจำและคนทำขนมปัง” (1827, Russian Museum) เต็มไปด้วยการแสดงออก แต่แสดงออกอย่างเรียบง่ายและชัดเจน ในปีพ.ศ. 2373 อีวานอฟออกจากเดรสเดนและเวียนนาไปยังอิตาลี ในปีพ.ศ. 2374 เขาไปสิ้นสุดที่กรุงโรม และเพียงหนึ่งเดือนครึ่งก่อนที่เขาจะเสียชีวิต (เขาเสียชีวิตด้วยอหิวาตกโรค) จะกลับไปบ้านเกิดของเขา

เส้นทางของ A. Ivanov ไม่เคยง่ายเลย ชื่อเสียงติดปีกไม่ได้บินไปข้างหลังเขา เช่นเดียวกับ "คาร์ลผู้ยิ่งใหญ่" ในช่วงชีวิตของเขา Gogol, Herzen, Sechenov ชื่นชมความสามารถของเขา แต่ไม่มีจิตรกรในหมู่พวกเขา ชีวิตของ Ivanov ในอิตาลีเต็มไปด้วยงานและการไตร่ตรองเกี่ยวกับภาพวาด เขาไม่ได้แสวงหาความมั่งคั่งหรือความบันเทิงทางโลก เขาใช้เวลาทั้งวันในผนังของสตูดิโอและบนภาพร่าง โลกทัศน์ของ Ivanov ได้รับอิทธิพลในระดับหนึ่งโดยปรัชญาของเยอรมัน โดยหลักแล้ว Schellingism กับแนวคิดเกี่ยวกับชะตากรรมเชิงพยากรณ์ของศิลปินในโลกนี้ ตามด้วยปรัชญาของนักประวัติศาสตร์ศาสนา D. Strauss ความหลงใหลในประวัติศาสตร์ของศาสนานำไปสู่การศึกษาทางวิทยาศาสตร์เกือบถึงตำราศักดิ์สิทธิ์ ซึ่งส่งผลให้มีการสร้างภาพร่างพระคัมภีร์ที่มีชื่อเสียงและดึงดูดใจภาพของพระเมสสิยาห์ นักวิจัยของงานของ Ivanov (D.V. Sarabyanov) เรียกหลักการของเขาว่า "หลักการยวนใจตามหลักจริยธรรม" อย่างถูกต้องนั่นคือแนวโรแมนติกซึ่งเน้นหลักเปลี่ยนจากสุนทรียศาสตร์เป็นคุณธรรม ศรัทธาอันแรงกล้าของศิลปินในการเปลี่ยนแปลงทางศีลธรรมของผู้คนในความสมบูรณ์แบบของบุคคลที่แสวงหาอิสรภาพและความจริงนำ Ivanov ไปสู่หัวข้อหลักของงานของเขา - สู่ภาพวาดซึ่งเขาอุทิศ 20 ปี (1837 - 1857), " การปรากฏตัวของพระคริสต์ต่อประชาชน" (TG, เวอร์ชันของผู้แต่ง - จังหวะ)

Ivanov ไปทำงานนี้เป็นเวลานาน เขาศึกษาภาพวาดของ Giotto ชาวเวเนเชียน โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Titian, Veronese และ Tintoretto เขียนองค์ประกอบสองร่าง "The Appearance of Christ to Mary Magdalene after the Resurrection" (1835, Russian Museum) ซึ่ง St. Petersburg Academy มอบให้ เขาดำรงตำแหน่งนักวิชาการและขยายระยะเวลาการเกษียณอายุในอิตาลีเป็นเวลาสามปี

ภาพร่างแรกของ "The Appearance of the Messiah" ย้อนหลังไปถึงปี พ.ศ. 2376 ในปี พ.ศ. 2380 ได้มีการย้ายองค์ประกอบไปยังผืนผ้าใบขนาดใหญ่ จากนั้นงานก็ดำเนินต่อไป โดยสามารถตัดสินได้จากภาพสเก็ตช์ ภาพสเก็ตช์ ภาพวาด แนวการกำหนดตัวละครและภูมิทัศน์ และการค้นหาโทนสีทั่วไปของภาพ

ในปีพ.ศ. 2388 "การปรากฏของพระคริสต์ต่อประชาชน" ได้สิ้นสุดลงแล้ว องค์ประกอบของงานเชิงโปรแกรมที่ยิ่งใหญ่นี้ขึ้นอยู่กับพื้นฐานแบบคลาสสิก (สมมาตร, ตำแหน่งของรูปหลักที่แสดงออกของเบื้องหน้า - John the Baptist - ตรงกลาง, การจัดเรียงนูนต่ำของทั้งกลุ่ม), แต่รูปแบบดั้งเดิมนั้นได้รับการคิดใหม่โดยศิลปิน จิตรกรพยายามถ่ายทอดไดนามิกของการก่อสร้าง ความลึกของพื้นที่ Ivanov แสวงหาวิธีแก้ปัญหานี้มาเป็นเวลานานและประสบความสำเร็จด้วยความจริงที่ว่าร่างของพระคริสต์ปรากฏขึ้นและเข้าใกล้ผู้คนที่ได้รับบัพติศมาโดย John ในน่านน้ำของจอร์แดนจากส่วนลึก แต่สิ่งสำคัญที่กระทบในภาพคือความจริงที่ไม่ธรรมดาของตัวละครต่างๆ ลักษณะทางจิตวิทยาของพวกมัน ซึ่งถ่ายทอดความสมจริงอันน่าทึ่งให้กับฉากทั้งหมด ดังนั้นการโน้มน้าวใจของการเกิดใหม่ฝ่ายวิญญาณของตัวละคร

วิวัฒนาการของ Ivanov ในงานของเขาเรื่อง "The Phenomenon..." สามารถกำหนดได้ว่าเป็นเส้นทางจากฉากที่เป็นรูปธรรมที่เป็นรูปธรรมไปสู่ผืนผ้าใบอันยิ่งใหญ่ที่ยิ่งใหญ่

การเปลี่ยนแปลงในโลกทัศน์ของนักคิด Ivanov ซึ่งเกิดขึ้นในช่วงหลายปีของการทำงานเกี่ยวกับภาพวาด นำไปสู่ความจริงที่ว่าศิลปินยังทำงานหลักของเขาไม่เสร็จ แต่เขาทำสิ่งสำคัญอย่างที่ Kramskoy กล่าว "เขาปลุกงานภายในในใจของศิลปินรัสเซีย" และในแง่นี้ นักวิจัยพูดถูกเมื่อพวกเขากล่าวว่าภาพวาดของ Ivanov เป็น "ลางสังหรณ์ของกระบวนการที่ซ่อนอยู่" จากนั้นจึงเกิดขึ้นในงานศิลปะ การค้นพบของ Ivanov นั้นใหม่มากจนผู้ชมไม่สามารถชื่นชมพวกเขาได้ ไม่น่าแปลกใจเลยที่เอ็นจี Chernyshevsky เรียก Alexander Ivanov หนึ่งในอัจฉริยะเหล่านั้นว่า "ผู้ซึ่งกลายเป็นคนแห่งอนาคตอย่างเด็ดเดี่ยวเสียสละ ... สู่ความจริงและเมื่อใกล้ถึงวัยผู้ใหญ่แล้วไม่กลัวที่จะเริ่มกิจกรรมอีกครั้งด้วยความทุ่มเทของเยาวชน" ( Chernyshevsky N.G.หมายเหตุในบทความที่แล้ว//ร่วมสมัย. พ.ศ. 2401 ต. XXI พฤศจิกายน. ส. 178) จนถึงปัจจุบัน ภาพนี้ยังคงเป็นสถาบันการศึกษาที่แท้จริงสำหรับปรมาจารย์รุ่นต่อรุ่น เช่น "โรงเรียนในเอเธนส์" ของราฟาเอล หรือเพดานซิสทีนของไมเคิลแองเจโล

Ivanov มีคำพูดของเขาในการเรียนรู้หลักการของ plein air ในทิวทัศน์ที่ทาสีในที่โล่ง เขาสามารถแสดงความแข็งแกร่ง ความงาม และความเข้มของสีสันของธรรมชาติทั้งหมดได้ และสิ่งสำคัญคือต้องไม่ทำลายภาพเพื่อแสวงหาความประทับใจในทันที มุ่งมั่นเพื่อความถูกต้องของรายละเอียด แต่เพื่อรักษาลักษณะที่สังเคราะห์ จึงเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะคลาสสิก ความชัดเจนที่กลมกลืนกันเล็ดลอดออกมาจากภูมิประเทศแต่ละแห่งของเขา ไม่ว่าจะเป็นภาพต้นสนโดดเดี่ยว กิ่งก้านที่แยกจากกัน ทะเลอันกว้างใหญ่ หรือหนองน้ำปอนติค โลกนี้เป็นโลกที่สง่างาม อย่างไรก็ตาม ในสภาพแวดล้อมที่มีแสงน้อยเต็มไปด้วยความสมบูรณ์อย่างแท้จริง ราวกับว่าคุณสัมผัสได้ถึงกลิ่นของหญ้า ความผันผวนของอากาศร้อน ในการปฏิสัมพันธ์ที่ซับซ้อนเช่นเดียวกันกับสิ่งแวดล้อม เขาวาดภาพร่างมนุษย์ในภาพร่างอันโด่งดังของเด็กชายเปลือยเปล่า

ในทศวรรษสุดท้ายของชีวิต Ivanov ได้เกิดแนวคิดในการสร้างภาพเขียนพระกิตติคุณในพระคัมภีร์ไบเบิลสำหรับอาคารสาธารณะบางแห่ง ซึ่งควรพรรณนาถึงเนื้อเรื่องของพระคัมภีร์ศักดิ์สิทธิ์ด้วยสีแบบตะวันออกโบราณ แต่ไม่ตรงไปตรงมาทางชาติพันธุ์ แต่เป็นภาพรวมอย่างดีเยี่ยม . ภาพวาดสีน้ำที่ยังไม่เสร็จของพระคัมภีร์ไบเบิล (TG) ครอบครองสถานที่พิเศษในงานของ Ivanov และในขณะเดียวกันก็ทำให้เสร็จอย่างเป็นธรรมชาติ ภาพสเก็ตช์เหล่านี้ทำให้เรามีโอกาสใหม่ๆ สำหรับเทคนิคนี้ ทั้งจังหวะพลาสติกและเส้นตรง จุดสีน้ำ ไม่ต้องพูดถึงความอิสระในการสร้างสรรค์ที่พิเศษสุดในการตีความโครงเรื่องด้วยตัวมันเอง แสดงให้เห็นถึงความลึกของปราชญ์ Ivanov และพรสวรรค์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขาในฐานะนักจิตรกรรมฝาผนัง (" เศคาริยาห์ต่อหน้าทูตสวรรค์", "ความฝันของโจเซฟ", "อธิษฐานเผื่อถ้วย" ฯลฯ ) วัฏจักรของ Ivanov เป็นเครื่องพิสูจน์ว่างานสเก็ตช์ที่ยอดเยี่ยมสามารถเป็นคำใหม่ในงานศิลปะได้ “ ในศตวรรษที่ 19 ศตวรรษที่แยกวิเคราะห์ความสมบูรณ์ของศิลปะในอดีตออกเป็นประเภทที่แยกจากกันและปัญหาภาพแยกกัน Ivanov เป็นอัจฉริยะที่ยอดเยี่ยมในการสังเคราะห์มุ่งมั่นในแนวคิดของศิลปะสากลตีความว่าเป็น สารานุกรมของภารกิจทางจิตวิญญาณ การชนกัน และขั้นตอนของการเติบโตของความรู้ด้วยตนเองทางประวัติศาสตร์ของมนุษย์และมนุษยชาติ” (อัลเลนอฟ M.M.ศิลปะครึ่งแรกของ XIX ศตวรรษ//Allenov M.M. , Evangulova O.S. , Lifshits L.I.ศิลปะรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 10 - ต้นศตวรรษที่ 20 M. , 1989. S. 335) อย่างไรก็ตาม Ivanov เป็นผู้ยิ่งใหญ่โดยอาชีพการงาน ในขณะที่ศิลปะที่ยิ่งใหญ่กำลังลดลงอย่างรวดเร็ว ความสมจริงของรูปแบบของ Ivanov นั้นไม่สอดคล้องกับศิลปะของธรรมชาติที่สำคัญที่ถูกสร้างขึ้น

แนวโน้มทางสังคมและวิกฤต ซึ่งกลายเป็นเทรนด์หลักในงานศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ทำให้ตัวเองเป็นที่รู้จักในด้านกราฟิกตั้งแต่ช่วงต้นทศวรรษที่ 1940 และ 1950 "โรงเรียนธรรมชาติ" มีบทบาทอย่างไม่ต้องสงสัยในวรรณคดีที่เกี่ยวข้องกับชื่อ N.V. โกกอล

อัลบั้มภาพล้อเลียนภาพพิมพ์ "Yeralash" โดย N.M. Nevakhovich ซึ่งเหมือนกับ "Journal of Caricatures" ของ Venetian ที่อุทิศให้กับการเสียดสีศีลธรรม สามารถวางวัตถุหลายตัวในหน้าเดียวของรูปแบบขนาดใหญ่ ซึ่งบ่อยครั้งที่ใบหน้าเป็นภาพบุคคล ซึ่งค่อนข้างจดจำได้ “เยราลาส” ถูกปิดตัวลงฉบับที่ 16

ในปี 1940 สิ่งพิมพ์โดย V.F. Timm นักวาดภาพประกอบและนักพิมพ์หิน “ ของเราเขียนจากชีวิตโดยชาวรัสเซีย” (1841–1842) - ภาพของประเภทของนักบุญ Myatlev เกี่ยวกับ Mrs. Kurdyukova แม่หม้ายประจำจังหวัด เดินทางไปทั่วยุโรปด้วยความเบื่อหน่าย

หนังสือของเวลานี้เข้าถึงได้ง่ายขึ้นและราคาถูกลง: ภาพประกอบเริ่มพิมพ์จากกระดานไม้เป็นจำนวนมากบางครั้งด้วยความช่วยเหลือของ polytypes - การหล่อโลหะ ภาพประกอบแรกสำหรับผลงานของโกกอลปรากฏขึ้น -“ หนึ่งร้อยภาพวาดจาก N.M. โกกอล "วิญญาณที่ตายแล้ว" เอเอ Agina แกะสลักโดย E.E. เวอร์นาดสกี้; ยุค 50 ถูกทำเครื่องหมายโดยกิจกรรมของ T. G. Shevchenko ในฐานะนักเขียนแบบร่าง (“ The Parable of the Prodigal Son” เผยให้เห็นศีลธรรมอันโหดร้ายในกองทัพ) การ์ตูนและภาพประกอบสำหรับหนังสือและนิตยสารโดย Timm และผู้ร่วมงานของเขา Agin และ Shevchenko มีส่วนทำให้เกิดการพัฒนาการวาดภาพประเภทรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

แต่แหล่งที่มาหลักของการวาดภาพประเภทในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษคือผลงานของ Pavel Andreevich Fedotov (1815–1852) เขาอุทิศชีวิตที่น่าเศร้าเพียงไม่กี่ปีของเขาในการวาดภาพ แต่เขาสามารถแสดงจิตวิญญาณของรัสเซียในทศวรรษที่ 1940 ได้ ลูกชายของทหาร Suvorov เข้ารับการรักษาที่ Moscow Cadet Corps เนื่องด้วยคุณธรรมของบิดาของเขา Fedotov รับใช้ในกองทหารรักษาการณ์ฟินแลนด์เป็นเวลา 10 ปี หลังจากเกษียณอายุ เขาได้เข้าร่วมคลาสการต่อสู้ของ A.I. เซอร์ไวด์. Fedotov เริ่มต้นด้วยภาพวาดและการ์ตูนล้อเลียนในชีวิตประจำวันด้วยซีรีส์ซีเปียจากชีวิตของ Fidelka สุนัขของสุภาพสตรีที่เสียชีวิตในอาการมึนงงและคร่ำครวญจากนายหญิงด้วยซีรีส์ที่เขาประกาศตัวเองว่าเป็นนักเขียนเสียดสีในชีวิตประจำวัน - Daumier รัสเซียในช่วงเวลาของการ์ตูนของเขา (นอกเหนือจากซีรีส์เกี่ยวกับ Fidelka - ซีเปีย "ร้านแฟชั่น", 1844-1846, State Tretyakov Gallery; "ศิลปินที่แต่งงานโดยไม่มีสินสอดทองหมั้นในความหวังในความสามารถของเขา", 1844, State Tretyakov Gallery เป็นต้น) เขาศึกษาทั้งการแกะสลักของโฮการ์ธและชาวดัตช์ แต่ที่สำคัญที่สุด - ในชีวิตรัสเซียนั้นเปิดกว้างต่อการจ้องมองของศิลปินที่มีความสามารถในทุกความไม่ลงรอยกันและความไม่ลงรอยกัน

สิ่งสำคัญในงานของเขาคือการวาดภาพทุกวัน แม้ว่าเขาจะวาดภาพเหมือนก็ตาม ก็ยังง่ายต่อการตรวจจับองค์ประกอบประเภทในองค์ประกอบเหล่านั้น (เช่น ใน "ผู้เล่น" ภาพเหมือนสีน้ำ, State Tretyakov Gallery) วิวัฒนาการของเขาในการวาดภาพประเภท - จากภาพล้อเลียนไปจนถึงโศกนาฏกรรมจากความแออัดในรายละเอียดเช่นเดียวกับใน "The Fresh Cavalier" (1846, State Tretyakov Gallery) ที่ทุกอย่าง "ถูกกล่าวถึง": กีตาร์, ขวด, การเยาะเย้ย แม่บ้านแม้กระทั่ง papillottes บนหัวของฮีโร่ที่โชคร้าย - ไปจนถึงการพูดน้อยอย่างสุดโต่งเช่นใน The Widow (1851, พิพิธภัณฑ์ศิลปะระดับภูมิภาค Ivanovo, รุ่น - State Tretyakov Gallery, พิพิธภัณฑ์ State Russian) สู่ความรู้สึกโศกนาฏกรรมของความไร้ความหมายของการดำรงอยู่เช่น ในภาพวาดสุดท้ายของเขา "Anchor, more anchor!" (ประมาณ พ.ศ. 2394 หอศิลป์ Tretyakov แห่งรัฐ) วิวัฒนาการเดียวกันในการทำความเข้าใจเกี่ยวกับสี: จากสีที่ฟังดูแรงเพียงครึ่งเดียว ผ่านสีที่บริสุทธิ์ สดใส เข้มข้น และอิ่มตัว เช่นเดียวกับใน "Major's Matchmaking" (1848, State Tretyakov Gallery, เวอร์ชัน - พิพิธภัณฑ์ State Russian) หรือ " อาหารเช้าของขุนนาง" (1849-1851, State Tretyakov Gallery ) กับโทนสีที่สวยงามของ The Widow ทรยศต่อโลกแห่งวัตถุประสงค์ราวกับว่าละลายในแสงพร่าของวันและความสมบูรณ์ของโทนสีเดียวของผืนผ้าใบสุดท้ายของเขา (“ สมอ ... "). มันเป็นเส้นทางจากการเขียนธรรมดาในชีวิตประจำวันไปจนถึงการดำเนินการในภาพที่ชัดเจนและ จำกัด ของปัญหาที่สำคัญที่สุดของชีวิตรัสเซียเช่นอะไรคือ "การจับคู่ของเมเจอร์" หากไม่ใช่การบอกเลิกหนึ่งในข้อเท็จจริงทางสังคมของชีวิต สมัยของเขา - การแต่งงานของขุนนางที่ยากจนกับพ่อค้า "ถุงเงิน"? และ "The Picky Bride" ที่เขียนบนพล็อตที่ยืมมาจาก I.A. Krylov (ใครก็ตามที่ชื่นชมศิลปินอย่างมาก) ถ้าไม่ใช่การเสียดสีเรื่องการแต่งงานเพื่อความสะดวกสบาย? หรือเป็นการประณามความว่างเปล่าของเพื่อนฆราวาสที่ขว้างฝุ่นเข้าตา - ใน "อาหารเช้าของขุนนาง"?

จุดแข็งของการวาดภาพของ Fedotov ไม่เพียง แต่ในเชิงลึกของปัญหาในพล็อตเรื่องความบันเทิง แต่ยังรวมถึงความเชี่ยวชาญอันน่าทึ่งของการดำเนินการด้วย พอจะนึกถึงห้องที่เต็มไปด้วยมนต์เสน่ห์ “ภาพเหมือนของ น.ป. Zhdanovich ที่ฮาร์ปซิคอร์ด” (1849, พิพิธภัณฑ์รัสเซีย) Fedotov รักโลกแห่งวัตถุประสงค์ที่แท้จริงเขียนทุกสิ่งด้วยความยินดีแต่งบทกวี แต่ความสุขนี้ต่อหน้าโลกไม่ได้บดบังความขมขื่นของสิ่งที่เกิดขึ้น: ความสิ้นหวังของตำแหน่งของ "แม่ม่าย" การโกหกของข้อตกลงการแต่งงาน ความปรารถนาของเจ้าหน้าที่ในการให้บริการใน "มุมหมี" หากเสียงหัวเราะของ Fedotov แตกออก โกกอลก็เหมือนกับ "เสียงหัวเราะผ่านน้ำตาที่คนทั้งโลกมองไม่เห็น" Fedotov จบชีวิตของเขาใน "บ้านแห่งความเศร้าโศก" ในปีที่ 37 ที่เป็นเวรเป็นกรรมของเขา

ศิลปะของ Fedotov ทำให้การพัฒนาภาพวาดเสร็จสมบูรณ์ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 และในขณะเดียวกันก็ค่อนข้างเป็นธรรมชาติ - ต้องขอบคุณความคมชัดทางสังคม - "ทิศทาง Fedotov" เปิดจุดเริ่มต้นของเวทีใหม่ - ศิลปะแห่งการวิจารณ์หรือ อย่างที่พวกเขามักจะพูดกันตอนนี้ว่าเป็นประชาธิปไตย ความสมจริง

เส้นทางของวัฒนธรรมศิลปะรัสเซีย เริ่มต้นด้วยความคลาสสิก วิ่งในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ผ่านแนวโรแมนติกสู่ความสมจริง จิตรกรเหล่านั้นที่เดินตามเส้นทางที่เสื่อมโทรมของลัทธิคลาสสิกซึ่งได้รับเฉดสีทางวิชาการในการวาดภาพเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 นั้นไม่ถึงความสูงมากนัก จริงอยู่ว่าผู้ร่วมสมัยชื่นชมงานศิลปะของพวกเขามาก ประเภทประวัติศาสตร์ที่พวกเขาทำงานถือเป็นประเภทที่สูงที่สุดในสถาบันการศึกษา จริงอยู่ การเปลี่ยนแปลงบางอย่างเกิดขึ้นในภาพวาดประวัติศาสตร์ พวกเขาประกอบด้วยความจริงที่ว่าธีมระดับชาติกำลังได้รับน้ำหนักมากขึ้นเรื่อย ๆ

หนึ่งในจิตรกรประวัติศาสตร์ที่มีชื่อเสียงที่สุดของต้นศตวรรษ Andrey Ivanov - พ่อของ Alexander Ivanov ผู้ยิ่งใหญ่ - ส่วนใหญ่มักจะอุทิศงานของเขาให้กับวีรบุรุษจากประวัติศาสตร์สมัยโบราณของรัสเซีย - Mstislav the Udaly หรือผู้อยู่อาศัยในเคียฟ ศิลปินต้นศตวรรษที่ 19 อีกคน Dmitry Ivanov อุทิศภาพวาดของเขาให้กับ Martha Posadnitsa ซึ่งในมุมมองของคนที่ก้าวหน้าในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 เป็นนักสู้ที่สอดคล้องกันสำหรับ Novgorod freemen ตัวละครทางประวัติศาสตร์ในผลงานทั้งหมดนี้ทำหน้าที่เป็นวีรบุรุษที่แท้จริง การหาประโยชน์ของพวกเขาเพื่อใช้เป็นข้ออ้างในการเปรียบเทียบประวัติศาสตร์กับปัจจุบัน

อย่างไรก็ตาม ภาพวาดประวัติศาสตร์ไม่ได้ก้าวหน้าในสิ่งใดที่จำเป็นเมื่อเทียบกับปรมาจารย์แห่งปลายศตวรรษที่ 18

ความคลาสสิคที่เป็นกระแสในวัฒนธรรมศิลปะของรัสเซียกำลังได้รับเสียงของพลเมืองที่ทรงพลัง ในวรรณคดีทางวิทยาศาสตร์ ช่วงเวลานี้มักจะเรียกว่าความคลาสสิกสูง

ความคลาสสิกชั้นสูงยังสะท้อนให้เห็นในภาพวาด แต่ที่นี่ ความปรารถนาของศิลปินที่จะนำศิลปะเข้ามาใกล้ชีวิตมากขึ้นมีผลมากขึ้น ลักษณะเฉพาะสำหรับจิตรกรในยุคนี้คือคำกล่าวที่โรแมนติกเกี่ยวกับความงามของเอกลักษณ์เฉพาะตัวที่ไม่ธรรมดา

หนึ่งในศิลปินที่ยืนอยู่บนจุดกำเนิดของศิลปะแห่งศตวรรษที่ 19 คือ Orest Adamovich Kiprensky (พ.ศ. 2325-2479) . หากเราวางมาตราส่วนของประวัติศาสตร์ลงบนมือข้างหนึ่ง ภาพวาดทั้งหมดของจิตรกรประวัติศาสตร์ และในอีกด้านหนึ่ง ภาพเหมือนของ Kiprensky หลายภาพ แล้วภาพหลังจะมีค่ามากกว่าอย่างไม่ต้องสงสัย พวกเขาเป็นผู้บอกเราเกี่ยวกับเวลานั้น พวกเขามีจิตวิญญาณของปีเหล่านั้น พวกเขามีความสวยงามของความตื่นเต้นและแรงกระตุ้นความปรารถนาในการเปลี่ยนแปลงของชีวิตภายใน Kiprensky ไม่พอใจกับความเป็นจริงรอบตัวเขา เขากำลังมองหาจุดเริ่มต้นที่ยอดเยี่ยมในบุคคล วาดภาพวีรบุรุษของเขาในช่วงเวลาที่ดีที่สุด ถ่ายทอดความสามารถในการรู้สึก ความปรารถนาที่จะมีชีวิตทางจิตวิญญาณ วีรบุรุษแห่ง Kiprensky มองโลกในแง่ดีมอบความไว้วางใจให้คู่สนทนา ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่บางครั้งภาพเหล่านี้ถูกเปรียบเทียบกับข้อความบทกวีถึงเพื่อน - กับประเภทของบทกวีที่แพร่หลายในสมัยก่อนพุชกินและพุชกิน

Kiprensky ค้นพบไม่เพียง แต่คุณสมบัติใหม่ของบุคคล แต่ยังรวมถึงความเป็นไปได้ใหม่ในการวาดภาพ ภาพเหมือนของเขาแต่ละคนมีโครงสร้างภาพพิเศษของตัวเอง บางส่วนสร้างขึ้นจากความคมชัดของแสงและเงา ในอีกแง่หนึ่ง วิธีการหลักในการถ่ายภาพคือการไล่ระดับสีที่ละเอียดอ่อนซึ่งอยู่ใกล้กัน การแสดงออกที่หลากหลายของใบหน้าที่สร้างสรรค์ของศิลปินยังเป็นของศตวรรษใหม่ - แนวคิดสร้างสรรค์ที่โรแมนติก

ความโรแมนติกของรัสเซียในระยะแรกแสดงโดยจิตรกรภูมิทัศน์ ซิลเวสเตอร์ เชดริน (พ.ศ. 2334-2473) . เขาเริ่มต้นในช่วงเวลาที่มีความเมื่อยล้าในภูมิทัศน์รัสเซีย: ภูมิทัศน์การตกแต่งของศตวรรษที่ 18 เสร็จสิ้นการพัฒนาและแนวโน้มที่เกิดขึ้นใหม่ในความเข้าใจเชิงโคลงสั้น ๆ ของธรรมชาติถูกแทนที่ด้วยความเข้มงวดของโปรโตคอลและความแห้งแล้งของภาพวาดวิดีโอและ แบบแผนคลาสสิก ศิลปินใช้เวลามากกว่าสิบปีในอิตาลี ซึ่งตอนนั้นศิลปินและกวีชาวรัสเซียมองว่าเป็น "ดินแดนแห่งคำสัญญา" ที่นั่นเขาประสบกับการออกดอกของความคิดสร้างสรรค์ เขาเสียชีวิตที่นั่นก่อนจะกลับไปบ้านเกิดได้ นี่เป็นปีที่ดีที่สุดในชีวิตอันแสนสั้นและความคิดสร้างสรรค์ของเขาที่เต็มไปด้วยการค้นหา Shchedrin วาดมุมมองของอิตาลี อิตาลีซึ่งมีธรรมชาติที่งดงามราวกับภาพวาด ดูเหมือนเป็นสถานที่ซึ่งจิตรกรภูมิทัศน์สามารถสร้างและควรสร้าง ธรรมชาติของ Shchedrin นั้นประเสริฐเสมอส่องแสงด้วยสีสันที่สนุกสนาน มันทำให้มึนเมาคนทำให้เขารู้สึกมีความสุข ดูเหมือนว่าจะโน้มน้าวใจไปที่ "dolce far niente" ("สวยไม่ทำอะไรเลย") ซึ่งในสายตาของชาวรัสเซียเป็นพื้นฐานที่แท้จริงของชีวิตชาวอิตาลี เส้นทางสู่ความเข้าใจในธรรมชาตินั้นเปิดกว้างสำหรับศิลปินด้วยแนวคิดโรแมนติกใหม่เกี่ยวกับความสัมพันธ์ระหว่างมนุษย์กับสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติของเขา ธรรมชาติพิสูจน์แล้วว่าสามารถกดขี่มนุษย์ด้วยความสง่างามอันยิ่งใหญ่ของเธอหรือเปิดชีวิตภายในของเธอให้เขาอยู่ร่วมกัน

วีเอ โทรปินิน (1776-1857)แสดงให้เห็นการทำงานของเขาอย่างค่อยเป็นค่อยไปและไม่คมเหมือนใน Kiprensky การเปลี่ยนจากศตวรรษที่ 18 เป็นศตวรรษที่ 19 Tropinin รับเอาขนบธรรมเนียมประเพณีของ Borovikovsky เกี่ยวกับอารมณ์นิยมและมักใช้มรดกของศตวรรษที่ 18 ซึ่งสังเกตได้ชัดเจนเป็นพิเศษในผลงานแรก ๆ ของเขา (“The Girl from Podol”)

อย่างไรก็ตามในไม่ช้าศิลปินก็อนุมัติหลักการตีความบุคคลของเขาเอง ภาพเหมือนของเขาในยุค 20-30 นั่นคือ สมัยเฟื่องฟูซึ่งเป็นพยานถึงแนวคิดเชิงเปรียบเทียบที่เป็นอิสระอย่างสมบูรณ์ Tropinin ถือได้ว่าเป็นปฏิปักษ์ของ Kiprensky ภาพเหมือนของปรมาจารย์มอสโกนั้นเรียบง่ายเสมอ "ทำเอง" ตัวละครของเขาไม่มีความตื่นเต้นภายในเป็นพิเศษ แต่ในทางกลับกัน พวกเขาทำตัวสบายๆ ใจเย็น ศิลปินที่มีความฉับไวในการรับรู้และถ่ายทอดคุณลักษณะของโมเดลและสภาพแวดล้อมที่โมเดลนี้อาศัยอยู่ ในภาพเหล่านี้มีความจริงของตัวละครและความจริงของสิ่งแวดล้อม พวกเขาแสดงความสนใจในสภาพแวดล้อมเฉพาะของบุคคล ในเสื้อผ้าของเขา ในช่วงเวลาที่ทำเครื่องหมายไว้อย่างแม่นยำซึ่งเผยให้เห็นสภาวะเฉพาะของบุคคลนี้ ในเวลาเดียวกัน ภาพบุคคลเหล่านี้มีความโดดเด่นด้วยข้อดีด้านภาพสูง: การสร้างแบบจำลองที่นุ่มนวลของปริมาตร พร้อมด้วยความสามัคคีของโทนสี ไม่ได้ขัดขวางไม่ให้ Tropinin มองเห็นทั้งคุณค่าของคุณภาพสีที่เป็นอิสระและความสวยงามของพื้นผิวในบางครั้ง คุณสมบัติทั้งหมดเหล่านี้สามารถสังเกตได้จากภาพเหมือนของลูกชาย (ค. 1818), Bulakhov (1823), Ravich (1825), Zubova (1834) และอื่น ๆ

ความสนใจของศิลปินในสิ่งแวดล้อม ในสภาพแวดล้อมที่ผู้คนอาศัยอยู่ ทำให้เขาได้รับภาพวาดประเภทพิเศษที่รวมภาพเหมือนเข้ากับแนวเพลง ใน "ช่างทำลูกไม้", "ช่างเย็บผ้าทอง", "มือกีต้าร์" จำนวนมากมีภาพบุคคลที่เป็นสัญลักษณ์และในขณะเดียวกันศิลปินก็สร้างการกระทำบางอย่างขึ้นใหม่แม้ว่าจะชัดเจนและเรียบง่าย ในงานเหล่านี้ ความเกี่ยวข้องของ Tropinin กับมรดกทางอารมณ์ของจิตรกรรุ่นก่อน ๆ นั้นชัดเจนเป็นพิเศษ แต่ภาพของ Tropinin นั้นดึงดูดเข้าหาแนวเพลงมากกว่าจนถึงจุดเริ่มต้นทุกวัน

งานของ Tropin ส่วนใหญ่กำหนดลักษณะเฉพาะของมอสโกในการวาดภาพ Tropinin เป็นบุคคลสำคัญในศิลปะมอสโก แม้ว่าตัวเขาเองจะไม่ได้ทำงานสอน แต่ครูและนักเรียนของโรงเรียนมอสโกก็ได้รับคำแนะนำจากประสบการณ์ของ Tropinin และประเพณีของเขายังคงดำเนินต่อไปจนถึงสิ้นศตวรรษที่ 19

บรรพบุรุษที่แท้จริงของประเภทในชีวิตประจำวันในภาพวาดรัสเซียคือ อเล็กซี่ กาฟริโลวิช เวเนเซียนอฟ (1780-1847) . ภาพเหมือนดินสอ สีพาสเทล และสีน้ำมัน ฝีมือเวเนเซียนอฟในทศวรรษแรกของศตวรรษ มีบุคลิกที่โรแมนติกในยุคแรกๆ จากนั้นศิลปินก็หันมาวาดภาพล้อเลียนและสเก็ตช์ทุกวัน

ในช่วงเปลี่ยนผ่านของทศวรรษที่ 10-20 ของศตวรรษที่ 19 Venetsianov พบว่าตัวเองอยู่ในประเภทชีวิตประจำวัน ผลงานที่ดีที่สุดของเขาถูกสร้างขึ้นในปี ค.ศ. 1920 (“Gumno”) โครงเรื่องภาพวาดของเขาเขาเริ่มใช้ปรากฏการณ์ที่ธรรมดาที่สุดในชีวิต: ชาวนาทำความสะอาดหัวบีท, เจ้าของที่ดินให้ "บทเรียน" แก่สาวรับใช้ของเธอในวันนั้น, คนเลี้ยงแกะที่ผล็อยหลับไปข้างต้นไม้, ฉากไถ, การเก็บเกี่ยว และการทำหญ้าแห้ง ในที่สุด เขาได้สร้างภาพเหมือนของชาวนา - เด็กชาย Zakharka ชายสูงอายุ เด็กผู้หญิงที่มีคอร์นฟลาวเวอร์ ศิลปินร้องเพลงของคนธรรมดาโดยไม่คิดเกี่ยวกับความขัดแย้งของชีวิตชาวนาพยายามค้นหาก่อนอื่นเลยคือกวีนิพนธ์ในรากฐานของชีวิตในหมู่บ้านร่วมสมัยของเขา

ร่วมสมัยของจิตรกรรมประวัติศาสตร์มีความสำคัญอย่างยิ่ง ภาพวาด "วันสุดท้ายของปอมเปอี" (1830-1833) เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง คาร์ล พาฟโลวิช บรีอุลลอฟ (ค.ศ. 1799-1852) ; โกกอลทักทายเธอและพุชกินก็อุทิศหลายบรรทัดให้เธอ ท่ามกลางแสงและเงาที่ตัดกันอย่างดุเดือด ศิลปินจินตนาการถึงความตายของชาวปอมเปอีโบราณในช่วงที่ภูเขาไฟวิสุเวียสปะทุ ความงามอันล้ำเลิศของมนุษย์และความหลีกเลี่ยงไม่ได้ของความตายของเขาอยู่ที่นี่ในความขัดแย้งที่น่าเศร้า ตัวละครที่โรแมนติกยังมีอยู่ในภาพวาดส่วนใหญ่ของ Bryullov (“ภาพเหมือนตนเอง” 1848)

ปรมาจารย์ด้านจิตรกรรมประวัติศาสตร์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือ อเล็กซานเดอร์ อันดรีวิช อีวานอฟ (1806-1858) ศิลปินที่ตามคำกล่าวของ Chernyshevsky "ความกระหายในความจริงอย่างลึกซึ้ง" ถูกรวมเข้ากับ "ความบริสุทธิ์ของจิตวิญญาณในวัยแรกเกิด" Ivanov คนที่มีสติปัญญาดีเป็นพิเศษ เชื่อมั่นอย่างแรงกล้าถึงอนาคตทางประวัติศาสตร์อันยิ่งใหญ่ของชาวรัสเซีย ในงานของเขา เขาพยายามทำความเข้าใจองค์ประกอบของขบวนการที่ได้รับความนิยมในประวัติศาสตร์ โดยคาดว่าจะมีภารกิจการวาดภาพเหมือนจริงของรัสเซียมากมายในทศวรรษต่อๆ ไป

ในช่วงกลางศตวรรษ ในยุคของเบลินสกี้และโกกอล การบอกเลิกความชั่วร้ายของชีวิตสาธารณะได้มาถึงเบื้องหน้าในทัศนศิลป์ กราฟิกรัสเซีย - ภาพประกอบหนังสือและนิตยสารเยาะเย้ยและกัดกร่อน - เป็นคนแรกที่เริ่มการเคลื่อนไหวนี้ จิตรกรรมตาม ทิศทางเสียดสีในภาพวาดนั้นสว่างที่สุด แสดงโดย Pavel Andreyevich Fedotov (1815-1852) . ภาพวาดของเขาซึ่งแสดงถึงด้านมืดของความเป็นจริงของรัสเซียเป็นจุดเริ่มต้นของศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19