ชุดบัลเล่ต์ของผู้หญิงมีความหรูหราในทุกรายละเอียด "วิสัยทัศน์ของการเต้นรำ" ชุดบัลเล่ต์ของผู้หญิงชุดแรกคืออะไร

ประวัติบัลเล่ต์ตูตู. รูปภาพ – thevintagenews.com

นักบัลเล่ต์ในจิตใจของบุคคลใด ๆ เป็นตัวแทนในตูตูอย่างแน่นอน

เครื่องแต่งกายบนเวทีนี้ได้กลายเป็นส่วนสำคัญของบัลเล่ต์คลาสสิก

อย่างไรก็ตาม นี่ไม่ใช่กรณีเสมอไป ภาพลักษณ์ที่ทันสมัยของนักบัลเล่ต์ก่อนที่จะถูกสร้างขึ้นในท้ายที่สุดได้ผ่านการเปลี่ยนแปลงมากมายและมาไกล

หลายคนอาจแปลกใจ แต่จนถึงช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 นักบัลเล่ต์แสดงบนเวทีอย่างเรียบง่ายในชุดที่สง่างาม ซึ่งแตกต่างจากที่ผู้ชมมาเพียงเล็กน้อย

มันคือเดรสที่มีคอร์เซ็ท ซึ่งสั้นกว่าปกติเล็กน้อยและค่อนข้างเทอะทะ นักบัลเล่ต์มักจะสวมส้นสูง ส่วนแบ่งของนักบัลเล่ต์ได้รับการอำนวยความสะดวกเพียงเล็กน้อยจากแฟชั่นยุคใหม่ อย่างไรก็ตาม แผนการในตำนานเริ่มถูกนำมาใช้ในบัลเล่ต์เช่น Cupid และ Psyche

Maria Tiglioni ในบัลเล่ต์ Zephyr และ Flora แพ๊คแรกหน้าตาเป็นแบบนี้ ตอนนี้เรียกว่า “shopenka”

ผู้หญิงเริ่มใส่ชุดเอวสูงโปร่งแสงโปร่งแสง พวกเขาเปียกเล็กน้อยเพื่อให้ผ้าพอดีกับร่างกายมากขึ้น กางเกงรัดรูปอยู่ใต้ชุดเดรสและสวมรองเท้าแตะที่เท้า

แต่เมื่อเวลาผ่านไป เทคนิคของนักบัลเล่ต์มีความซับซ้อนมากขึ้นและต้องใช้เสื้อผ้าที่เบากว่าสำหรับเวที ประการแรกพรีมาละทิ้งคอร์เซ็ตแล้วลดกระโปรงและชุดก็เริ่มพอดีเหมือนผิวหนังที่สอง

ใครเป็นคนคิดค้นแพ็ค

เป็นครั้งแรกในชุดบัลเล่ต์ที่ Maria Taglione ปรากฏตัวต่อหน้าผู้ชมเมื่อวันที่ 12 มีนาคม พ.ศ. 2382 ในวันนี้มีการแสดงรอบปฐมทัศน์ของ "La Sylphide" ซึ่งนักบัลเล่ต์ได้แสดงส่วนหลักของนางฟ้านางฟ้า

สำหรับบทบาทดังกล่าว จำเป็นต้องมีเครื่องแต่งกายที่เหมาะสม มันถูกประดิษฐ์ขึ้นสำหรับลูกสาวของ Filippo Taglioni

ตามฉบับหนึ่งร่างที่เงอะงะของแมรี่กลายเป็นแรงผลักดันให้เกิดการสร้างเสื้อผ้าบัลเล่ต์คลาสสิกในภายหลัง เพื่อปกปิดข้อบกพร่อง Taglioni จึงได้สวมชุดที่ทำให้นางเอกดูโปร่งโล่งและสง่างาม

ชุดนี้ถูกสร้างขึ้นตามภาพร่างของ Eugene Lamy จากนั้นกระโปรงก็เย็บจากผ้าทูล จริงอยู่ ในสมัยนั้น ตูตูไม่ได้สั้นเหมือนตอนนี้เลย

"การเปลี่ยนแปลง" ครั้งต่อไปของชุดข้อมูลเกิดขึ้นในภายหลัง แต่ในตอนแรก วงการบัลเลต์ได้สวมชุดที่สุภาพเรียบร้อยและมีความเกลียดชัง

ตูตูไม่เหมาะกับนักบัลเล่ต์ที่มีขาไม่สวยเป็นพิเศษ แต่ความสุขของผู้ชมและนักวิจารณ์ศิลปะที่ชื่นชมความโปร่งสบายของนักเต้นนั้นไร้ขอบเขต ไม่ใช่บทบาทสุดท้ายในเรื่องนี้ที่เล่นโดยกลุ่ม ดังนั้นเครื่องแต่งกายนี้จึงหยั่งรากลึกและกลายเป็นความคลาสสิค

อย่างไรก็ตาม มีตำนานเกี่ยวกับ Maria Taglioni เมื่อเธอผ่านชายแดนกับรัสเซีย เจ้าหน้าที่ศุลกากรถามว่าเธอถือเครื่องประดับอยู่หรือไม่ จากนั้นนักบัลเล่ต์ก็ยกกระโปรงขึ้นและแสดงขาของเธอ มาเรียเป็นคนแรกที่หยิบรองเท้าปวงต์

ตูตูเคยชินในรัสเซียอย่างไร

ซาร์รัสเซียเป็นคนหัวโบราณและไม่ยอมรับความแปลกใหม่ในทันที สิ่งนี้เกิดขึ้นเพียงครึ่งศตวรรษต่อมา แต่ในประเทศของเราที่แพ็คเปลี่ยนไปอีกครั้ง

ผู้ริเริ่มคือพรีมาของโรงละคร Bolshoi Adeline Dzhuri ในช่วงต้นทศวรรษ 1900 ผู้หญิงตามอำเภอใจไม่ชอบกระโปรงยาวที่เธอทำท่าให้ช่างภาพ นักบัลเล่ต์เพิ่งหยิบกรรไกรและตัดชายกระโปรงออก ตั้งแต่นั้นมา แฟชั่นสำหรับกระเป๋าขาสั้นก็หมดไป

แพ็คมีการเปลี่ยนแปลงอย่างไรบ้าง

แม้ว่าตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 20 ตูตูได้รูปทรงและรูปแบบที่เรารู้จักมาจนถึงทุกวันนี้ แต่ผู้คนก็ทดลองกับตูตูมาตลอด ในการผลิต เช่น Marius Petipa นักบัลเล่ต์สามารถแต่งตัวในชุดสไตล์ต่างๆ

ในบางฉาก เธอปรากฏตัวในชุด "พลเรือน" ตามปกติ และสำหรับการแสดงเดี่ยว เธอสวมตูตูเพื่อแสดงทักษะและความสามารถทั้งหมดของเธอ Anna Pavlova แสดงในกระโปรงยาวและกว้าง

ในช่วงทศวรรษที่ 1930 และ 1940 บัลเล่ต์ตูตูจากศตวรรษที่ 19 ได้กลับมาแสดงบนเวทีอีกครั้ง ตอนนี้เธอถูกเรียกว่าแตกต่างกัน - "shopenka" และทั้งหมดเป็นเพราะ Mikhail Fokin แต่งกายให้นักเต้นในชุดโชปิเนียน่าของเขา กรรมการคนอื่นๆ ในเวลาเดียวกันก็ใช้ตูตูที่สั้นและหรูหรา

และตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 60 เป็นต้นมา มันได้กลายเป็นเพียงวงกลมแบนๆ สิ่งที่แพ็คตกแต่งด้วย: rhinestones, ลูกปัดแก้ว, ขนนก, อัญมณีล้ำค่า

แพ็คเก็ตทำมาจากอะไร?

บัลเล่ต์ tutus เย็บจากผ้าโปร่งแสง - tulle ขั้นแรก นักออกแบบสร้างภาพร่าง แน่นอนว่าต้องคำนึงถึงคุณสมบัติของร่างของนักบัลเล่ต์แต่ละคนด้วยดังนั้นภาพร่างของชุดสำหรับนักเต้นแต่ละคนจึงแตกต่างกัน

ความกว้างของตูตูขึ้นอยู่กับความสูงของนักบัลเล่ต์ โดยเฉลี่ยรัศมีของมันคือ 48 ซม.

หนึ่งห่อใช้ผ้าทูลมากกว่า 11 เมตร ใช้เวลาประมาณสองสัปดาห์ในการทำหนึ่งชุด ด้วยรูปแบบที่หลากหลาย มีกฎเกณฑ์ที่เข้มงวดในการตัดเย็บ

ตัวอย่างเช่น ซิปหรือกระดุมไม่เคยเย็บติดบนกระเป๋า ซึ่งสามารถหลุดออกมาได้ระหว่างการแสดง มีเพียงตะขอเท่านั้นที่ใช้เป็นตัวยึด แต่ในลำดับที่เข้มงวดหรือมากกว่านั้นในรูปแบบกระดานหมากรุก และบางครั้ง หากการผลิตยากเป็นพิเศษ ตูตูจะถูกเย็บด้วยมือบนนักเต้นก่อนขึ้นเวที

แพ็คอะไรบ้าง

แพ็คมีหลายชื่อ ดังนั้น หากคุณได้ยินคำว่า "tunic" หรือ "tutu" ที่ไหนสักแห่ง ให้รู้ว่ามันหมายถึงชุดเดียวกัน ตอนนี้เรามาดูกันว่าแพ็คมีกี่ประเภท

Alexander Radunsky และ Maya Plisetskaya ในบัลเล่ต์ของ R. Shchedrin The Little Humpbacked Horse

ตูตูคลาสสิกคือกระโปรงทรงแพนเค้ก โดยวิธีการที่ศิลปินเดี่ยวมีส่วนร่วมโดยตรงในการสร้างเครื่องแต่งกายของพวกเขา พวกเขาสามารถเลือกใส่กระโปรงตูตูที่ขนานกับพื้นหรือใส่กระโปรงทรงหลวมเล็กน้อย

"Shopenka" กระโปรงยาวฉันก็เย็บจากผ้าทูล กระโปรงรูปแบบนี้ดีมากสำหรับการสร้างตัวละครในตำนานหรือสิ่งมีชีวิตที่ไม่มีชีวิต

ข้อดีของเครื่องแต่งกายนี้คือปกปิดหัวเข่าที่รัดแน่นไม่เพียงพอและข้อบกพร่องอื่นๆ แต่ดึงความสนใจไปที่เท้า

การแต่งกายอีกประเภทหนึ่งที่ไม่ตกยุคคือเสื้อทูนิค กระโปรงของเขาเป็นแบบชั้นเดียว เย็บบ่อยขึ้นจากผ้าชีฟอง ในชุดนี้มีการแสดงบทบาทของจูเลียต

ทำไมเราต้องติวเตอร์ตอนซ้อม

สำหรับการซ้อมการแสดงบัลเล่ต์ tutus จะถูกเย็บแยกกัน สวมและถอดง่ายกว่าที่นักบัลเล่ต์ขึ้นเวที

ดังนั้นทุกส่วนของเครื่องแต่งกายบนเวทีสามารถเย็บเข้าด้วยกันได้ในขณะที่สำหรับการซ้อมไม่จำเป็นต้องใช้เสื้อท่อนบน แต่ใช้เฉพาะกระโปรงกับกางเกงชั้นในเท่านั้น นอกจากนี้ ชุดซ้อมไม่ได้มีหลายชั้น

ต้องมีตูตูซ้อม ท้ายที่สุด นักเต้นควรดูทันทีว่าตูตูจะเข้าไปยุ่งตรงไหน ที่ไหนที่มันสามารถขึ้นหรือลงจากคู่หูได้ และผู้กำกับจะสามารถสร้างรูปแบบการเต้นได้

ตูตูถูกยึดไว้อย่างแน่นหนาจนไม่ได้ใช้งานเฉพาะบนเวทีบัลเล่ต์เท่านั้น จริงอยู่นอกแพ็คของเธอทำหน้าที่เป็นตัวการ์ตูนของศิลปินวาไรตี้และแม้แต่ในคณะละครสัตว์

ตั้งแต่อายุห้าขวบฉันตัดสินใจเป็นนักบัลเล่ต์อย่างแน่นหนา: เด็กผู้หญิงตัวเล็ก ๆ คนไหนที่ไม่สนใจกระโปรงพองสวยมงกุฎเหมือนเจ้าหญิงและรองเท้าผ้าซาตินที่ให้คุณโบยบินไปรอบ ๆ เวทีเหมือนผีเสื้อ? อย่างไรก็ตามเมื่อฉันข้ามธรณีประตูของชั้นเรียนบัลเล่ต์ครั้งแรกปรากฏว่ารองเท้าล้างขาของฉันจนถึงจุดเลือดทุกคนไม่ให้มงกุฎกับกระโปรงและอยู่ห่างไกลจากทันทีและฉันจะต้องทำงานที่บาร์ทั้งหมด เวลา. จากนั้นฉันก็ตระหนักว่าไม่ใช่ทุกสิ่งจะสวยงามและน่าหลงใหลอย่างที่เห็นในแวบแรก จริงอยู่บ้าง แต่สิ่งนี้ใช้ไม่ได้กับชุดบัลเล่ต์อย่างแน่นอน ฉันไม่เคยใส่อะไรที่สวยไปกว่าตูตูเลยในชีวิต!

การพูดเกี่ยวกับบัลเล่ต์ตูตูนั้นค่อนข้างยากที่จะไม่เข้าสู่ประวัติศาสตร์ ฉันจะพยายามพูดสั้นๆ

ประวัติของชุดบัลเล่ต์ค่อนข้างสมเหตุสมผล เมื่อไมนูเอตช้าเข้ามาครอบงำเวที เครื่องแต่งกายก็ยาว หนัก ปักด้วยอัญมณีล้ำค่า มีกระโปรงชั้นในและกระโปรงชั้นในจำนวนมาก เมื่อการเต้นรำมีความซับซ้อนมากขึ้น เครื่องแต่งกายก็พัฒนาขึ้นตามนั้น ในตอนแรก คอร์เซ็ตถูกถอดออก กระโปรงสั้นลงและเบาลง และคอเสื้อก็ตรงไปตรงมามากขึ้นเรื่อยๆ

เป็นครั้งแรกในสิ่งที่เรียกว่า "ตูตู" นักบัลเล่ต์ Maria Taglioni ซิลไฟด์คนแรกและบรรพบุรุษของ "บัลเล่ต์แสนโรแมนติก" กระพือปีกบนเวที (* Taglioni ยังเป็นที่รู้จักในความจริงที่ว่าเธอเป็นนักบัลเล่ต์คนแรกใน โลกจะกลายเป็นรองเท้าปวงต์ แต่เพิ่มเติมในครั้งหน้า)

กระโปรงผ้ากอซที่ไม่รู้จักมาจนบัดนี้ทอดูเหมือนว่าอากาศบาง ๆ ทำให้ชุดบัลเล่ต์ถูกต้องตามกฎหมาย ในตอนแรกนักเต้น (โดยเฉพาะขาที่คดเคี้ยวน่าเกลียด) ถึงกับประท้วงอย่างรุนแรงต่อนวัตกรรม แต่แล้วพวกเขาก็สงบลง - เมฆที่โปร่งสบายนี้ดูสวยงามมาก

โดยทั่วไป ตามที่คุณเข้าใจ ยิ่งการเต้นมีเทคนิคมากขึ้น เครื่องแต่งกายก็ดูเรียบง่ายและสั้นลง แพ็คมาในรูปแบบที่เราคุ้นเคยในตอนนี้ในช่วงกลางศตวรรษที่ 20

ตอนนี้ขอจัดการกับชื่อ Tutus แตกต่างและเปลี่ยนรูปลักษณ์ขึ้นอยู่กับบัลเล่ต์

ตูตู- คำภาษาฝรั่งเศสตลกๆ ที่แปลเป็นชุด เป็นคำที่ใช้ในภาษาอังกฤษเพื่ออ้างถึงกระโปรงบัลเล่ต์

ตูตูคลาสสิก- กระโปรงทรงแพนเค้ก นางระบำเต้นรำในแบบที่คุณอาจเดาได้ในบัลเลต์คลาสสิกที่สุด: Swan Lake, Paquita, Corsair, Acts 2 และ 3 ของ La Bayadère, The Nutcracker เป็นต้น

รัศมีมาตรฐานของตูตูอยู่ที่ 48 ซม. แต่ส่วนใหญ่แล้วขนาดของวงกลมจะแตกต่างกันไป ขึ้นอยู่กับความสูงของนักบัลเล่ต์ ปาร์ตี้ และรูปแบบการแสดงทั่วไป ศิลปินเดี่ยวขึ้นอยู่กับข้อมูลทางกายภาพของพวกเขาสามารถเลือกรูปร่างของแพ็คได้อย่างอิสระ - ตกแต่งขาของพวกเขา: พวกมันขนานกับพื้น, ลดลงเล็กน้อย, มีก้นที่สวยงามหรือตรงกันข้าม, แบนอย่างสมบูรณ์

แต่นี่คือสิ่งที่: ตูตูคลาสสิกคือเตียง Procrustean ของจริง มันแสดงให้เห็นข้อบกพร่องเล็กน้อยในรูปร่าง เข่าสั้น และขาดการซ้อม

มีแม้กระทั่งสิ่งเช่น นักบัลเล่ต์ที่ไม่ใช่ตูตู". โดยปกติแล้ว นี่คือนักบัลเล่ต์ที่มีแขนขาไม่ยาวมาก ขาที่มีรูปร่างไม่ปกติ หรือรูปร่างที่เกินที่อนุญาต - ในคำที่มีรูปแบบที่งดงาม “ นักบัลเล่ต์ที่ไม่แพ็ค” ยังสามารถเรียกได้ว่าเป็นนักบัลเล่ต์ที่มีบทบาทเป็นตัวละคร Bravura demi หรือในทางกลับกันคือส่วนที่โรแมนติก นั่นคือ คีรี จิเซลล์ ซิลไฟด์ แต่ไม่ใช่โอเด็ตต์-โอไดล์หรือนิกิยา ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของ "นักบัลเล่ต์ที่ไม่มีกระจุก" ได้แก่ Natalya Osipova และ Diana Vishneva

Diana Vishneva

นาตาเลีย โอซิโปวา

พวกเขาสามารถก้าวข้ามบทบาทที่กำหนดไว้สำหรับพวกเขาและแม้แต่ในตูตูที่ไม่ได้ตกแต่งพวกเขาจริงๆ พวกเขาก็ดูดี - นั่นคือสิ่งที่เสน่ห์ให้กับศิลปิน! อย่างไรก็ตาม Osipova ที่ขัดแย้งซึ่งเป็น Kitri ที่ดีที่สุดในโลกเพิ่งปรากฏใน Swan Lake - ดูเหมือนว่าส่วนหนึ่งของ Odette-Odile นั้นมีข้อห้ามสำหรับเธอ และไม่มีอะไรหลายคนร้องไห้)

ตูตูโรแมนติกหรือ "โชปิ่นกะ"- กระโปรงผ้าทูลยาว เธอเป็นผู้รับผิดชอบในการสร้างภาพมหัศจรรย์ "นอกโลก" - ผีของ Giselle ที่เสียชีวิตซึ่งเป็นวิญญาณที่สวยงามของ Sylph และการละทิ้งความเชื่อของบัลเล่ต์โรแมนติก "โชปิเนียน่า" เป็นไปไม่ได้เลยที่จะจินตนาการได้หากไม่มีกระโปรงโปร่งสบายเหล่านี้ - พวกเขาสร้างภาพลวงตาของการบิน, อากาศ, เสรีภาพ, ความไม่เป็นจริงของสิ่งที่เกิดขึ้น

แน่นอนว่ากระโปรงฟูยาวซ่อนขาของนักบัลเล่ต์ไว้ ในอีกด้านหนึ่ง มันเบี่ยงเบนความสนใจจากข้อบกพร่องที่อาจเกิดขึ้น และในทางกลับกัน มันดึงความสนใจทั้งหมดไปที่เท้า แต่บัลเล่ต์แสนโรแมนติกนั้นอิ่มตัวด้วยเทคนิคชั้นดีและเท้าที่ไม่ทำงานที่น่าเกลียดโดยไม่ต้องยกสูงทำให้อารมณ์โรแมนติกลดลง

ถือเป็นขั้นตอนสูงสุดของศิลปะการออกแบบท่าเต้นที่การเต้นรำกลายเป็นการแสดงบนเวทีดนตรี รูปแบบศิลปะนี้เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 15-16 ซึ่งช้ากว่าการเต้นรำมาก ในขั้นต้นมันเป็นศิลปะชั้นสูงของศาล การเต้นรำเป็นวิธีการหลักในการแสดงออกในบัลเล่ต์ แต่พื้นฐานการละคร ฉาก ผลงานของนักออกแบบเครื่องแต่งกายและการจัดแสงนั้นมีความสำคัญไม่น้อย

บัลเลต์คลาสสิกคือการรำที่นักเต้นมักจะบอกเล่าเรื่องราวผ่านการเต้น บัลเลต์คลาสสิกแบบหลายองก์มักอุทิศให้กับตำนาน เทพนิยาย และธีมทางประวัติศาสตร์ การแสดงประเภทอาจเป็นวีรบุรุษ ตลก นิทานพื้นบ้าน

ที่มาของชื่อคือบัลโลละติน - "ฉันเต้นรำ" หรือบัลเลต์ฝรั่งเศสซึ่งมีความหมายเหมือนกัน

บัลเลต์เป็นทั้งการแสดงเต้นรำและศิลปะการแสดงละครและดนตรีที่หลากหลาย ซึ่งภาพทางศิลปะที่แสดงออกได้ถูกสร้างขึ้นด้วยความช่วยเหลือของพลาสติกและการออกแบบท่าเต้น

การแสดงละครการเต้นรำเริ่มขึ้นในอิตาลีในศตวรรษที่ 15 เมื่อปรมาจารย์ด้านการเต้นเริ่มสร้างการเต้นรำในศาลและห้องบอลรูมตามการเต้นรำพื้นบ้าน

บัลเล่ต์ครั้งแรก

การแสดงบัลเลต์ครั้งแรกที่ผสมผสานการเต้นรำ ดนตรี ละครใบ้ และคำ ถูกจัดแสดงในฝรั่งเศสที่ราชสำนักของ Catherine de Medici เมื่อปลายศตวรรษที่ 16 มันถูกเรียกว่า "Circe and the Nymphs" และแสดงโดย Baltazarini di Belgiojoso นักออกแบบท่าเต้นและนักไวโอลินที่ยอดเยี่ยมที่เดินทางมาจากอิตาลีพร้อมกับวงออร์เคสตราไวโอลินของเขา

เป็นผลงานการผลิตที่มีพล็อตโบราณซึ่งวางรากฐานสำหรับการพัฒนาบัลเล่ต์ในราชสำนักฝรั่งเศส การสลับฉาก การอภิบาล การสวมหน้ากาก และการเต้นที่หลากหลายได้กลายเป็นจุดเด่นของงานเฉลิมฉลองในราชสำนักอย่างรวดเร็ว

ศีลพื้นฐานของบัลเล่ต์ที่รวบรวมโดย Pierre Beauchamp

โดยทั่วไปการเต้นรำใด ๆ ก็มีกฎเกณฑ์ที่แน่นอน และการเต้นรำกลายเป็นบัลเล่ต์เมื่อนักออกแบบท่าเต้น Pierre Beauchamp บรรยายถึงหลักการของการเต้นอันสูงส่ง

Beauchamp แบ่งการเคลื่อนไหวของนักเต้นออกเป็นกลุ่ม - กระโดด หมอบ ตำแหน่งของร่างกายต่างๆ และการหมุน พื้นฐานของศิลปะการเต้นประเภทนี้คือหลักการของการหมุนของขาซึ่งร่างกายสามารถเคลื่อนที่ไปในทิศทางต่างๆ การเคลื่อนไหวข้างต้นดำเนินการตามตำแหน่งมือสามตำแหน่งและตำแหน่งเท้าห้าตำแหน่ง

พัฒนาการของบัลเล่ต์

นับจากนั้นเป็นต้นมา การพัฒนาบัลเล่ต์ก็เริ่มขึ้น ซึ่งกลายเป็นศิลปะอิสระในศตวรรษที่ 18

การพัฒนาโรงเรียนบัลเล่ต์เริ่มต้นขึ้นทั่วยุโรป จนถึงรัสเซีย ซึ่งในปี 1738 Russian Imperial Ballet ก่อตั้งขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

นักเต้นยุคแรกมีช่วงเวลาที่ยากลำบาก - พวกเขาสวมเครื่องแต่งกายที่ซับซ้อนมาก กระโปรงหนาทึบทำให้เคลื่อนไหวได้ยาก แต่เครื่องแต่งกายก็เปลี่ยนไปทีละน้อย - รองเท้าบัลเล่ต์สูญเสียส้นเท้า เสื้อคลุมของนักบัลเล่ต์ก็เบาและโปร่งสบาย

นักออกแบบท่าเต้นสอนนักเต้นให้แสดงอารมณ์ด้วยท่าทางและการแสดงออกทางสีหน้า โครงเรื่องในตำนานถูกแทนที่ด้วยเรื่องราวเกี่ยวกับดินแดนอันห่างไกล เรื่องราวความรัก และเทพนิยาย ในรูปแบบนี้ บัลเลต์คลาสสิกยังคงมีชีวิตรอดมาจนถึงทุกวันนี้ในฐานะหนึ่งในศิลปะการเต้นวิจิตรศิลป์

วิวัฒนาการของชุดบัลเล่ต์
จากทุนของพิพิธภัณฑ์โรงละครบอลชอยวิชาการแห่งรัฐ

ชุดบัลเล่ต์เป็นการแสดงชั่วคราว และในขณะเดียวกัน ผลงานอันทรงพลังของโลกแห่งวิจิตรศิลป์ ที่ทั้งน่ากลัวและมีพลังราวกับการเต้นรำ ก็เป็นผลมาจากอิทธิพลร่วมกันของศิลปะทั้งสองนี้ ศิลปินมองว่าเป็นแหล่งสร้างสรรค์ที่ดำรงอยู่ตลอดไป แนวทางของพวกเขาในการเปลี่ยนแปลงแหล่งที่มานี้ และเวลาเองและอิทธิพลของการเต้นที่เปลี่ยนแปลงไป ดังนั้นลักษณะทางศิลปะและโวหารที่แปลกประหลาดของชุดบัลเล่ต์ซึ่งเป็นไปตามโครงสร้างที่มีคุณค่าและซับซ้อนคืออะไร? เพื่อที่จะตอบคำถามนี้และเข้าใจความคิดของเรามากขึ้น ให้เราย้อนไปในอดีต ประวัติศาสตร์ ติดตามพลวัตของการเปลี่ยนแปลง วิวัฒนาการของเครื่องแต่งกาย ตลอดจนรูปแบบและวิธีการที่ใช้โดยศิลปินละครเวทีเพราะไม่มีอดีต เราไม่สามารถเข้าใจปัจจุบันและมองไปข้างหน้าไม่ได้

ป่วย.ป่วย.

ป่วย.ป่วย.

ชุดเต้นรำมาไกลและยากลำบาก เขาไม่ได้เปิดเผยลักษณะที่แท้จริงและเป็นเอกลักษณ์ของเขาให้โลกรู้ในทันที ในรูปแบบเบื้องต้น มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับลัทธิเวทย์มนตร์และพิธีกรรมทางศาสนา กับวิถีชีวิต เป็นเวลานานมีรูปแบบมั่นคงที่เปลี่ยนแปลงค่อนข้างน้อย ต่อมาเขาได้สรุปสัญญาณทั้งหมดที่เป็นของกลุ่ม โดยระบุเครื่องประดับ สี รูปร่างของเครื่องแต่งกาย เพศ อายุ ชั้นเรียน สัญชาติ

แม้ในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 ยังคงเป็นไปไม่ได้ที่จะพูดถึงภาพลักษณ์ของชุดบัลเล่ต์เช่นเดียวกับที่เป็นไปไม่ได้ที่จะพูดถึงการก่อตัวของโรงเรียนนาฏศิลป์คลาสสิก เฉพาะใน XVIII ศตวรรษ การเต้นรำได้รับพื้นฐานทางอารมณ์ที่กว้างกว่าและพัฒนามากขึ้น ซึ่งมีส่วนช่วยในการพัฒนาศิลปะบัลเล่ต์ ครึ่งหลัง XVIII ศตวรรษ บัลเล่ต์มีความโดดเด่นในฐานะประเภทอิสระ ความพยายามครั้งแรกในการแสดงการเต้นรำต่อหน้าสาธารณชน - โดยปกติในช่วงการเฉลิมฉลองในวัง การเต้นรำกลายเป็นศิลปะไปแล้ว และการสร้างเครื่องแต่งกายสำหรับมันจะกลายเป็นส่วนหนึ่งของงานโดยรวม วัง บัลเลต์พระราชพิธีในสมัยนั้นขึ้นอยู่กับรสนิยมและแฟชั่นของสังคมผู้กล้าหาญ มันโดดเด่นด้วย pas ตัวเลขและองค์ประกอบที่กำหนดไว้อย่างเคร่งครัด ตามมารยาทในศาลการสับขาอย่างขยันขันแข็งและงุ่มง่ามนักเต้นแสดงในกระโปรงยาวภายใต้นั้นพวกเขาใส่กรอบเพื่อให้กระโปรงเปิดออกในระฆังกว้าง รองเท้าส้นสูง, ผ้าโพกศีรษะหนาๆ และวิกผมทำให้ชุดที่ไม่สบายตัวทำให้การพัฒนาเทคนิคการเต้นช้าลงมาเป็นเวลานาน ในวิจิตรศิลป์ของรัสเซีย ส่วนหนึ่งของผลงานที่อุทิศให้กับการเต้นรำในครั้งนี้ได้รับการอนุรักษ์ไว้ ในกรณีส่วนใหญ่ จะมีลักษณะคล้ายเสื้อคลุม เช่นเดียวกับในภาพวาดของ N. Lancre และ A. Watteau เครื่องแต่งกายดูสมบูรณ์และน่าสนใจมากกว่าบทบาทของพวกเขาเสมอ นั่นคือผู้ที่เกี่ยวข้องโดยตรงกับการเต้นรำ เนื่องจากศิลปินส่วนใหญ่สร้างเครื่องแต่งกายขึ้นโดยไม่รู้โครงเรื่องของการเต้นเลย เครื่องแต่งกายไม่ได้ออกแบบมาสำหรับนักเต้น เช่นเดียวกับการเต้นไม่ได้ออกแบบมาสำหรับเขา จะเห็นได้ว่าการเต้นรำประกอบด้วยการเปลี่ยนอิริยาบถอันสง่างามและการเคลื่อนไหวร่างกายเป็นหลัก มีเพียง M. Comargo เท่านั้นที่รักษาสไตล์ของศาลไว้ กระโปรงสั้นและทิ้งส้นเท้า ซึ่งทำให้สามารถแนะนำการเคลื่อนไหวใหม่ในการเต้น - entrecha

ป่วย.ป่วย.ป่วย.

อย่างไรก็ตาม เครื่องแต่งกายของตัวละครที่เดินไปรอบ ๆ เวที แม้จะมีการแสดงที่ยอดเยี่ยม แต่ก็ไม่เคยไปไกลเกินกว่าความหนักหน่วงอันวิจิตรบรรจง ความซับซ้อนฟุ่มเฟือย และการแสดงละคร เปล่าประโยชน์เราจะมองหาความคล้ายคลึงภายนอกกับนักเต้นในการวาดเครื่องแต่งกาย ศิลปินไม่ได้ปรารถนาสิ่งนี้ เครื่องแต่งกายกลายเป็นว่าไม่มีการเคลื่อนไหวภายใน หูหนวกกับภาพ ราวกับว่าขยับออกจากเครื่องแต่งกาย โดยพื้นฐานแล้วสิ่งเหล่านี้ยังคงเป็นสำหรับเราเพียงภาพที่รื้อฟื้นประเพณีและประเพณีของยุคอดีต

บัลเล่ต์ค่อยๆ ก่อตัวขึ้นเป็นปรากฏการณ์อิสระที่สำคัญ คำติชม XVIII ศตวรรษที่ประกาศความเท่าเทียมกันในศิลปะที่เกี่ยวข้องจำนวนหนึ่ง ในครึ่งหลัง XVIII ใน. บัลเลต์ของปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกก่อตัวขึ้นหลังจากนั้นบัลเลต์ของข้ารับใช้ก็ปรากฏในรัสเซีย สำหรับเจ้าของที่ดินที่อาศัยอยู่ในถิ่นทุรกันดาร โรงละครกลายเป็นแหล่งบันเทิง นักออกแบบท่าเต้นหลัก - รัสเซียและต่างประเทศ - ทำงานร่วมกับศิลปินเสิร์ฟ มีบุคลิกทางศิลปะที่แยกจากกันซึ่งดึงดูดความสนใจของศิลปิน ดังนั้นเครื่องแต่งกายของ T. Shlykova - Granatova จึงน่าสนใจ ศิลปินพยายามเจาะเข้าไปในโลกภายในของนางเอกและค้นหาเดาคุณสมบัติของการเต้นรำในอนาคตของเธอ อย่างไรก็ตาม ในชุดคอสตูม ภาพแบบคร่าวๆ มีมิติ มักจะเล็ดลอดผ่านเข้ามา เป็นไปไม่ได้เสมอไปที่ศิลปินจะแสดงและแสดงตัวละครของตัวละครอย่างเต็มที่เพื่อสำรวจความเป็นไปได้ทางภาพของบัลเล่ต์อย่างเพียงพอ และช่วงเวลานี้ทำให้เราได้พูดคุยเกี่ยวกับเครื่องแต่งกายที่เป็นขั้นตอนหนึ่งในการพัฒนาและการมีปฏิสัมพันธ์ของวิจิตรศิลป์และการเต้น

ในครึ่งแรก XIX ใน. โรงละครบัลเลต์รัสเซียกำลังเตรียมที่จะเป็นหนึ่งในโรงละครที่ดีที่สุดในโลก ในเวลานี้เครื่องแต่งกายถูกสร้างขึ้นสำหรับ A. Istomina ในรูปของ Flora, E. Kolosova ในรูปของ Diana, F. Gulen-Sor ในรูปของ Cinderella, E. Telesheva, A. Glushkovsky, N. Goltz ความสนใจไปที่การปฏิรูปชุดบัลเล่ต์ที่ทำโดย C. Didlo อันเป็นผลมาจากการแนะนำชุดรัดรูปซึ่งให้อิสระในการเคลื่อนไหวมากขึ้น Didlo ค่อยๆ เสริมสร้างการเต้นของผู้หญิงด้วยความเป็นไปได้ใหม่ๆ ในการแสดงออก องค์ประกอบใหม่ของการเต้นรำคู่ (adagio) ได้รับการสรุป และเริ่มใช้การกระโดดและเที่ยวบินที่หลากหลาย ศิลปะของนักเต้นที่โดดเด่นแห่งยุคพุชกิน A. Istomina สะท้อนถึงทักษะของความคลาสสิคและลางสังหรณ์ของความโรแมนติกที่เพิ่มขึ้น เครื่องแต่งกายของ Istomina - เทพธิดาแห่งดอกไม้ - Flora ถูกทำเครื่องหมายโดยฝรั่งเศสโดยอาจารย์ที่ไม่รู้จัก แน่นอนว่าศิลปินต้องการหารูปแบบการพัฒนาธีมของชุดโรแมนติก กระโปรงตูตูกึ่งฟูนุ่มเน้นความสมบูรณ์แบบของรูปทรง ในขณะที่การพับและพวงหรีดบนศีรษะทำให้เครื่องแต่งกายมีเอฟเฟกต์การตกแต่งที่น่าทึ่ง อย่างไรก็ตาม การรับรู้ถึงความคิดสร้างสรรค์ที่แท้จริง บุคลิกลักษณะสไตล์บัลเล่ต์ที่ลึกลับซับซ้อนและลึกลับนี้มาในภายหลัง แต่แรงจูงใจในการสร้างเครื่องแต่งกายของ Istomina นั้นเชื่อมโยงกับการเจาะจิตในวันพรุ่งนี้

ป่วย.ป่วย.ป่วย. .

หน้าใหม่ในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาชุดบัลเล่ต์เปิดขึ้นพร้อมกับการถือกำเนิดของ La Sylphide ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของยุคแห่งความโรแมนติก ผู้สร้างบัลเลต์โรแมนติกมีความสนใจในชีวิตฝ่ายวิญญาณพวกเขาถูกดึงดูดโดยตัวละครที่ประเสริฐซึ่งสามารถสัมผัสได้อย่างละเอียดและลึกซึ้ง โครงเรื่องโรแมนติกก่อให้เกิดองค์ประกอบใหม่ในภาษาการเต้นรำ มันเป็นช่วงเวลานี้ที่นักบัลเล่ต์ยืนอยู่บนนิ้วของเธอหรืออย่างที่เราพูดตอนนี้บนรองเท้าปวงต์เพื่อให้ผู้ชมรู้สึกถึงความเบาทะยานเหนือพื้นดินแนะนำการกระโดดและยกสูงการเคลื่อนไหวมากมาย เป็นรูปทรงที่ทำให้การเต้นโปร่งและเบา ความสนใจที่เพิ่มขึ้นของนักออกแบบท่าเต้นต่อโทนที่โรแมนติกของภาพทำให้ทักษะของศิลปินเพิ่มขึ้นและการขยายวิธีการแสดงศิลปะของเครื่องแต่งกายบัลเล่ต์ ในกระโปรงตูตูตูยาวสีขาวซึ่งยังคงความสง่างามไว้บนงานแกะสลักและภาพวาด เกิดรูปคริสตัลบางๆ ของ Sylph ซึ่งแสดงถึงความฝันที่เข้าใจยากและเปราะบางเกี่ยวกับความงามของหญิงสาวที่เสียชีวิตจากการสัมผัสกับโลกที่เป็นปรปักษ์ กลับมาที่เวทีซ้ำแล้วซ้ำเล่า ภาพนี้ยิ่งลึกซึ้งขึ้นเรื่อยๆ แต่ในช่วงเริ่มต้นของชีวิตการแสดงบนเวที เครื่องแต่งกายที่โปร่งใสซึ่งสร้างโดยศิลปินมีความโดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะเปิดเผยธีม ภาพลักษณ์ของนักแสดง และธรรมชาติของบัลเล่ต์โดยทั่วไป

ป่วย..ป่วย. ป่วย.

ป่วย. .ป่วย. ป่วย.

ป่วย. .ป่วย. ป่วย.

การพัฒนาชุดบัลเล่ต์ในช่วงเริ่มต้นเข้าสู่ประวัติศาสตร์ศิลปะว่าเป็นหน้าที่น่าสนใจ แต่น่าเสียดายที่มีการสำรวจเพียงเล็กน้อย และชื่อของศิลปินในกรณีส่วนใหญ่ยังไม่เป็นที่รู้จักสำหรับเรานั่นคือชะตากรรมที่ไม่อาจหลีกเลี่ยงได้ของพวกเขา

ศิลปินกำลังจะจากไปด้วยความยากลําบาก เวลาจะพาพวกเขาไป พวกเขาถูกแทนที่โดยคนอื่น ๆ ผู้เชี่ยวชาญมืออาชีพอยู่แล้ว ก่อนที่เราจะเปิดเผยความคิดและปัญหามากมายที่ครอบงำจิตใจของผู้ที่คิดเกี่ยวกับเส้นทางและชะตากรรมของศิลปะบัลเล่ต์อีกครั้ง ปัจจุบันศิลปะการแสดงละครและมัณฑนศิลป์ได้แยกออกเป็นประเภทอิสระ อย่างไรก็ตาม อย่าก้าวไปข้างหน้าก่อนกิจกรรม แต่พยายามทำความเข้าใจว่าศิลปินมืออาชีพสามารถให้บัลเล่ต์ได้อย่างไร?

เครื่องแต่งกายในบัลเล่ต์เป็นชุดที่สองของนักเต้น ซึ่งเป็นสิ่งที่แยกออกจากตัวตนของเขาไม่ได้ ซึ่งเป็นองค์ประกอบที่มองเห็นได้ของภาพลักษณ์การแสดงละครของเขา ซึ่งต้องผสานเข้ากับตัวเขา เครื่องแต่งกายเป็นวิธีการหลักในการเสริมสร้างการแสดงออกของการแสดงออกทางสีหน้าท่าทางและแน่นอนเหนือสิ่งอื่นใดการเคลื่อนไหวความเป็นพลาสติกของศิลปินเป็นวิธีการในการทำให้ร่างทั้งหมดของนักแสดงเข้าใจและสอดคล้องกับ ภาพบัลเล่ต์ที่เขาสร้างขึ้น ไม่ใช่ศิลปินทุกคนที่สามารถเป็นนักออกแบบฉาก สร้างเครื่องแต่งกายสำหรับการแสดงบัลเล่ต์ และไม่ใช่ผู้ออกแบบฉากทุกคนจะสามารถทำงานออกแบบท่าเต้นใดๆ ได้ ในที่นี้จำเป็นต้องมีการติดต่ออย่างใกล้ชิดระหว่างศิลปินกับนักออกแบบท่าเต้น ศิลปิน และนักเต้น โดยธรรมชาติของงาน ศิลปินนักวาดภาพจะต้องเตรียมพร้อมสำหรับการรับรู้และวิเคราะห์การแสดงบัลเล่ต์ได้ดีกว่าศิลปินทั่วไป เขาต้องมีส่วนร่วมในการค้นพบการแสดงและเหนือสิ่งอื่นใดคือภาพลักษณ์ของตัวละครซึ่ง บางครั้งก็หลุดลอยไปในระหว่างการรับรู้อันเนื่องมาจากธรรมเนียมปฏิบัติที่รู้จักกันดีของศิลปะการออกแบบท่าเต้น ศิลปินต้องทำนาย เขาต้องแสดงแนวความคิดของเขา และหากเป็นศิลปะ ก็จะสะท้อนกับคนส่วนใหญ่

มีศิลปินที่ทำงานในชุดบัลเล่ต์เป็นจิตรกร และมีประติมากรด้วย บางคนถูกดึงดูดด้วยสี, การเริ่มต้นการตกแต่ง, คนอื่น ๆ สนใจในปริมาณของภาพ, ความเป็นธรรมชาติในการถ่ายโอนเฉดสีของเครื่องแต่งกายทั้งหมด แน่นอนว่าการแบ่งเช่นนี้ค่อนข้างจะเป็นไปตามอำเภอใจเพราะบัลเล่ต์เป็นการสังเคราะห์ศิลปะมากมาย การสังเคราะห์นี้ไม่ได้พิจารณาจากข้อเท็จจริงที่ว่าวิจิตรศิลป์เป็นส่วนประกอบหนึ่งของงานออกแบบท่าเต้นเท่านั้น แม้ว่าศิลปะเหล่านี้แต่ละศิลปะจะมีวิธีการและความเป็นไปได้ในการแสดงออก แต่ในกรณีนี้ศิลปะเหล่านี้มีความเกี่ยวข้องในงานด้านอุดมการณ์และศิลปะทั่วไป อย่างไรก็ตาม คุณภาพของศิลปะทั้งสองนั้นถูกกำหนดโดยวิภาษวิธี ด้านหนึ่ง บัลเล่ต์เป็นศิลปะที่ไม่มีเงื่อนไขมากที่สุด เพราะเป็นการกระทำ การเต้นของบุคคลจริงในฉากจริง ในทางกลับกัน ภาพร่างของเครื่องแต่งกายมักจะเป็นภาพเสมอ การแสดงเสมอ มุมมองของมันบนระนาบของแผ่นงาน หลังจากนั้นก็จะได้รับวินาทีในชีวิตจริงโดยตรงในการแสดงบัลเล่ต์ . ดังนั้นภาพสเก็ตช์เครื่องแต่งกายไม่ว่าจะเป็นศิลปินที่คิดเชิงภาพหรือประติมากร สุดท้ายแล้ว ควรมีความสามารถในการสร้างความประทับใจด้วยความซื่อสัตย์สุจริต ถูกมองได้อย่างแม่นยำในเชิงสุนทรียะในความสามารถนี้ เป็นแบบอย่างของการแสดงในอนาคตซึ่งน่าจะชัดเจน ตรวจพบ สะท้อนอย่างเพียงพอในจิตใจ ทำให้เกิดปฏิกิริยาทางอารมณ์ที่เหมาะสม . ความสำคัญของข้อต่อทุกประเภทระหว่างศิลปะที่แตกต่างกันนั้นยิ่งใหญ่เพียงใด เครื่องแต่งกายบัลเล่ต์ยังคงเป็นสาขาเฉพาะของประวัติศาสตร์ศิลปะ งานซึ่งรวมถึงการศึกษาพิเศษว่าเป็นผลงานที่มีคุณค่าทางศิลปะที่เป็นอิสระ

การออกแบบเครื่องแต่งกายมักจะเป็นมากกว่าการออกแบบเวทีทั่วไป โดยไม่เพียงแต่ถูกมองว่าเป็นภาพประกอบหรือเนื้อหาที่มีรายละเอียดเท่านั้น แต่ยังมองว่าเป็นงานศิลปะที่เน้นการรับรู้ทางอารมณ์ การเอาใจใส่ต่อภาพลักษณ์ภายนอกที่เกี่ยวข้องกับการแสดงบัลเล่ต์ ไม่น่าแปลกใจที่โรงละครและพิพิธภัณฑ์ศิลปะทั่วโลกรวบรวมและจัดเก็บไว้เป็นนิทรรศการที่มีเอกลักษณ์ พวกเขายังกลายเป็นสมบัติของนักประวัติศาสตร์ศิลป์เพราะเครื่องแต่งกายใด ๆ โดยไม่คำนึงถึงวิธีการแสดงและภาพที่ศิลปินใช้จะมีข้อมูลทางวิทยาศาสตร์ รายละเอียดแต่ละชิ้นได้รับการออกแบบมาอย่างพิถีพิถันเพื่อรักษาลักษณะและจิตวิญญาณของการแสดงและตลอดยุคสมัย เพื่อให้ได้มาซึ่งคุณค่าทางชาติพันธุ์และการศึกษาที่สำคัญ ดังนั้นบัลเล่ต์แห่งยุคของ M. Taglioni จึงเป็นตำนานสำหรับเราในตอนนี้ ดูเหมือนว่าเวลาจะลบรายละเอียดรายละเอียดการเต้นของเธอไปหมดแล้ว อย่างไรก็ตาม ตามภาพสเก็ตช์ของเครื่องแต่งกาย เรากำลังพยายามฟื้นฟูตำนานเมื่อหลายปีก่อนนี้ การดูองค์ประกอบการแต่งกาย ท่าโพส ธรรมชาติของการเคลื่อนไหว เรากำลังพยายามทำความเข้าใจสิ่งที่เราได้เห็น เพื่อให้เข้าใจเหตุการณ์ของบัลเล่ต์ประเภทใดประเภทหนึ่ง เทคนิคการเต้นที่เราพยายามค้นหา คำตอบสำหรับคำถามของเรา

ป่วย.

หนึ่งในผู้ดูแลการแสดงละคร รวมทั้งบัลเลต์ และพระธาตุคือพิพิธภัณฑ์โรงละครบอลชอย (SABT) คอลเลกชันหลักของเขาบอกเกี่ยวกับขั้นตอนของการก่อตัวและการพัฒนาบัลเล่ต์รัสเซียตั้งแต่ตอนท้าย XIX ใน. จนถึงปัจจุบัน หน้าพงศาวดารภาพของเหตุการณ์หลักของนาฏศิลป์คลาสสิกของโรงเรียนบัลเล่ต์มอสโกเชื่อมโยงกับมัน

คอลเลกชันที่น่าสนใจของเครื่องแต่งกายตอนจบ XIX ต้นXX ศตวรรษ แสดงตัวอย่างภาพทิวทัศน์ในสมัยนั้น นี่คือผลงานของ A. Benois, K. Korovin, V. Dyachkov, E. Ponomarev, K. Waltz, A. Arapov, G. Golov

ป่วย.ป่วย.

ดังที่คุณทราบจุดเริ่มต้นของศตวรรษใหม่ถูกทำเครื่องหมายด้วยเวทีใหม่การปฏิวัติเกิดขึ้นในการพัฒนาบัลเล่ต์รัสเซียซึ่งเป็นการก้าวกระโดดสู่คุณภาพใหม่อย่างเด็ดขาด บัลเล่ต์ - ศิลปะแห่งภาพเคลื่อนไหว ต้องเป็นอิสระจากวิชาการ ต้องค้นหาเส้นทางโวหารของตัวเอง - นี่คือความคิดที่ลอยอยู่ในอากาศเมื่อต้นศตวรรษและศิลปินเริ่มปกป้องและเผยแพร่อย่างกระตือรือร้น โดยพื้นฐานแล้ว เครื่องแต่งกายซึ่งเป็นคุณภาพทางศิลปะที่น่าตื่นตาตื่นใจแบบใหม่ของการแสดงบัลเล่ต์ ได้รับตำแหน่งที่มั่นคงในทันทีท่ามกลางวิธีการแสดงออกของ A. Gorsky และ M. Fokine

ผลงานของนักออกแบบท่าเต้นคนแรกของพวกเขาได้แสดงให้เห็นแล้วว่าวิจิตรศิลป์มีความสำคัญเพียงใด การออกแบบทางศิลปะควบคู่ไปกับการแสดงดนตรีนั้นมีความสำคัญเพียงใด สิ่งนี้จะช่วยให้พวกเขายอมรับแนวคิดของบัลเล่ต์รัสเซียในช่วงที่กว้างกว่าอย่างนับไม่ถ้วนด้วยความลึกที่มากขึ้นและให้เหตุผลกับ M. Fokine สำหรับคำกล่าวของเขา: “จะยิ่งมั่งคั่ง หลากหลาย และสวยงามสักเพียงใด หากพลังที่แฝงอยู่ในนั้นตื่นขึ้น ทำลายวงจรอุบาทว์ของประเพณี สูดอากาศบริสุทธิ์แห่งชีวิต ได้สัมผัสกับศิลปะแห่งยุคสมัยและมวลมนุษยชาติและกลายเป็น เข้าถึงอิทธิพลของความงามทั้งหมดที่ฝันได้เท่านั้น ผู้ชาย!"

ในโครงสร้างองค์ประกอบของบัลเล่ต์ "Petrushka", "Pavilion of the Armada", "The Rite of Spring", "The Firebird", "Don Quixote", "The Little Humpbacked Horse", "Corsair" และอื่น ๆ สามารถทำได้ สัมผัสถึงนักออกแบบท่าเต้นที่คิดโดยใช้การผสมผสานที่ซับซ้อนและภาพที่มองเห็นได้ แม้แต่การมองคร่าวๆ ที่ภาพสเก็ตช์เครื่องแต่งกายของศิลปินหลายๆ คนก็ยังช่วยให้คุณเห็นบางสิ่งที่เหมือนกัน และเหนือสิ่งอื่นใด จินตนาการที่เป็นอิสระ นักออกแบบท่าเต้นให้โอกาสแก่ตัวละครและศิลปินของเขาในการหลบหนีจากอาณาจักรแห่งความซ้ำซากจำเจ

บัลเล่ต์สำหรับทิศทางศิลปะ "World of Art" เป็นแรงผลักดันให้เกิดความคิดสร้างสรรค์ ภารกิจของศิลปินที่รวมอยู่ในกลุ่มนี้: A. Benois, L. Bakst, B. Anisfeld, A. Golovin, N. Roerich และคนอื่น ๆ มีความโดดเด่นด้วยความกว้างและความหลากหลายและเป็นหนึ่งในคุณสมบัติที่โดดเด่นที่สุดของปีเหล่านั้น การออกแบบบัลเลต์ที่ขัดแย้งกันนั้นกลายเป็น "การบัลเลต์" ของกราฟิกและภาพวาดที่ขัดแย้งกัน บางครั้งเราพบในภาพวาดของ "โลกแห่งศิลปะ" ที่ไม่ได้อุทิศให้กับบัลเล่ต์เลย ภาพที่คาดว่าจะมีการเต้นรำ คุณสมบัติที่ดูเหมือนจะประทับอยู่ในการเต้นรำสดเท่านั้น และภาพสเก็ตช์เครื่องแต่งกายของพวกเขาก็ดูมีชีวิตชีวาและคล่องตัวกว่าที่เราเคยเห็นมาก่อนเสมอ ศิลปินปลุกนักแสดง ด้นสดในชุดคอสตูม แต่งชุดให้มีชีวิตชีวาและเล่น "จากภายใน" มีความคิดสร้างสรรค์หลายนาทีสำหรับพวกเขาบนกระดาษเนื่องจากบนเวทีมีแรงบันดาลใจในการแสดงอยู่หลายนาที เครื่องแต่งกายโบยบินและเต้นรำในพื้นที่ของเวทีร่วมกับศิลปิน กลายเป็นหนึ่งในตัวละคร เขาประสบความรู้สึกเช่นเดียวกับตัวละคร เขาไม่เพียงแต่แก้ไขสถานะของพวกเขา แต่ตัวเขาเองอยู่ในสถานะนี้

พร้อมกับความเข้าใจในสาระสำคัญของภาพ โลกภายใน "โลกแห่งศิลปะ" กำลังมองหารูปแบบภายนอกของบทบาท พวกเขาให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับการใช้น้ำเสียงของท่าทางและการแสดงออกทางสีหน้า โดยเชื่ออย่างถูกต้องว่ามีเพียงการผสมผสานระหว่างการกระทำทางกายภาพและรูปแบบท่าทางเท่านั้นที่สามารถสื่อถึงเนื้อหาของภาพได้ อย่างไรก็ตาม การเน้นที่ภาพด้านพลาสติกของเครื่องแต่งกายได้กลายเป็นคุณลักษณะที่โดดเด่นของภาพทิวทัศน์ของพวกเขา นั่นคือเหตุผลที่ภาพร่างของเครื่องแต่งกายโดย L. Bakst, A. Benois, S. Sudeikin, A. Golovin ด้วยความปราณีตที่ประณีตของพวกเขา, สุนทรียศาสตร์ "นางเงือก" ของโครงร่าง, ความเป็นเส้นตรงของการวาดภาพจึงสอดคล้องกับบัลเล่ต์ของการเปลี่ยน ศตวรรษ มุ่งมั่นเพื่อปลดปล่อยการเคลื่อนไหวและการจัดท่าทาง แนวของ "โลกแห่งศิลปะ" นั้นเบาราวกับร่างของการเต้นรำ M. Fokin ตั้งข้อสังเกตว่าการปฏิรูปเครื่องแต่งกายและการปฏิรูปการเต้นเป็นสิ่งที่แยกจากกันไม่ได้ บัลเลต์สอนศิลปินให้มองเห็นความเป็นพลาสติกของร่างกาย และในทางกลับกัน ร่างของเครื่องแต่งกายก็เปิดโอกาสให้นักเต้นแสดงความเป็นไปได้ในการแสดงออกอย่างมหาศาลของร่างกายของเขา และไม่เพียงแต่ดนตรีของเส้น จังหวะ และรูปแบบของเครื่องแต่งกายเท่านั้นที่สอดรับกับบัลเลต์ แต่ตัวบัลเลต์เองก็ใกล้เคียงกับจิตสำนึกด้านสุนทรียะของศิลปินแห่งโลกแห่งศิลปะซึ่งใช้ชีวิตด้วยความหลงใหลที่ยิ่งใหญ่ที่สุดมักจะกลายเป็น ราคะที่เกิดขึ้นเอง

ป่วย. ป่วย. ป่วย.

ป่วย.ป่วย. ป่วย.

ป่วย.ป่วย.ป่วย.

ป่วย. ป่วย. ป่วย.

แนวการวางแนวศิลปะทั่วไปของ "โลกแห่งศิลปะ" ไม่ได้ป้องกันเราจากการเปิดเผยความสำเร็จเชิงสร้างสรรค์ส่วนบุคคลของศิลปินหลายคน พิพิธภัณฑ์ของโรงละครบอลชอยเก็บภาพสเก็ตช์เครื่องแต่งกายสำหรับศิลปินเพียงคนเดียว - สมาชิกของกลุ่ม World of Art - A. Benois และ K. Korovin ซึ่งไม่ได้เป็นส่วนหนึ่งของสมาคมอย่างเป็นทางการ แต่เป็นผู้มีส่วนร่วมในการจัดนิทรรศการใน ทิศทางนี้ และพวกเขาทั้งคู่สมควรได้รับความสนใจมากที่สุด

เหล่านี้เป็นผู้เชี่ยวชาญที่หายาก: จริงจัง, บอบบาง, ด้วยวิสัยทัศน์ที่แปลกประหลาดมากของโลก, วัฒนธรรมพลาสติกที่ลึกที่สุด, ความเข้าใจที่ลึกซึ้งในสาระสำคัญของบทกวีของภาพบัลเล่ต์

A. Benois เป็นตัวแทนของการออกแบบบัลเล่ต์ "Petrushka" หนึ่งตัว แต่ด้วยบัลเล่ต์นี้เขาเข้าสู่หน้าใหม่ที่สดใสในศิลปะการตกแต่งในตอนท้าย XIX ต้นXX ศตวรรษเพราะที่นี่เขาไม่เพียงทำหน้าที่เป็นมัณฑนากรเท่านั้น แต่ยังเป็นผู้แต่งบทอีกด้วย

มันคือ A. Benois ที่เป็นหนี้ความสำเร็จของ Russian Ballet Seasons ในปารีส นักวิจารณ์เขียนเกี่ยวกับองค์กรพลาสติกของเครื่องแต่งกายและทิวทัศน์ เกี่ยวกับความงามอันน่าทึ่งของโซลูชันรูปภาพของการแสดง เมื่อพิจารณาจากภาพร่างของศิลปินแล้ว เรานึกถึงคำพูดที่ชัดเจนและชัดเจนของ T. Drozd: “ช่างศึกษาและนักประดิษฐ์ที่เก่งกาจ ในงานของเขาแต่ละงานในโรงละคร ดูเหมือนว่าเขาจะสร้างโลกใบใหม่ที่ไม่เป็นจริง เต็มไปด้วยตัวละคร สร้างขึ้นจากจินตนาการที่ไร้การควบคุมและจินตนาการที่ "กลมกลืน" อย่างแท้จริง”

ไม่ต้องสงสัยเลยว่างานของ Benois ใน "Petrushka" นั้นมีจุดมุ่งหมายเพื่อบรรลุการแสดงออกภายนอกความซบเซาในการถ่ายโอนภาพบัลเล่ต์ - "ฝูงชน" แน่นอนว่าธีมของบัลเล่ต์มีอิทธิพลต่อกวีนิพนธ์ของการออกแบบภาพ ภาพสเก็ตช์มากมายสำหรับ "Petrushka" เผยให้เห็นโลกมหัศจรรย์ของบทประพันธ์ของผู้เขียนต่อหน้าเรา ด้วยความขมขื่นที่ทำให้มึนเมาและความเจ็บปวดอันแสนหวาน เครื่องแต่งกายแต่ละชุดมีลักษณะทางสังคมและศีลธรรมที่สร้างขึ้นตามยุคอย่างชัดเจน นี่คือของเล่น แต่เป็นโลกอันน่าทึ่งของตัวละครหลัก - Petrushka, Arapa, Ballerinas และภาพของบูธพื้นบ้านที่มีสีสันและฉ่ำ: นักเต้นข้างถนนและนักมายากล, เครื่องบดอวัยวะและยิปซี, mummers และช่างฝีมือ, โค้ชและรถแท็กซี่, เสือกลางและพ่อค้า การสังเกต แก้ไข รวบรวม - ในภาพพาโนรามาแบบองค์รวม ราวกับว่ารายละเอียดแบบสุ่มไม่มีนัยสำคัญ เบอนัวส์จะให้ภาพ "เสียงต่ำ" ของเครื่องแต่งกายแก่ผู้แต่งของเขาเอง พวกเขายังแสดงความสามารถของเขาในการถ่ายทอดสภาพจิตใจความสัมพันธ์ของตัวละครหลักและความแตกต่างที่หลากหลายของจิตใจชาวบ้าน ตลอดการแสดง ศิลปินใช้สภาวะทางอารมณ์บางอย่าง รักษาไว้จากตัวเลือกการออกแบบหนึ่งไปยังอีกตัวเลือกหนึ่ง (1911 และ 1921) เครื่องแต่งกายของ Ballerina ดึงดูดใจด้วยความฉับไว เสน่ห์ของความเป็นผู้หญิงที่ตื่นขึ้น นับไม่ถ้วน ซึ่งบ่งบอกถึงความเป็นพลาสติกตามธรรมชาติของ T. Karsavina ในชุดของ Petrushka เกิดภาพลักษณ์ที่น่าอึดอัดและอ้างว้างของ V. Nijinsky และเครื่องแต่งกายของ Arap กลับดึงดูดการปรากฏตัวของฮีโร่ที่ขี้เกียจและโง่เขลาในทันที อาจกล่าวได้ว่าภาพร่างเครื่องแต่งกายของตัวละครหลักนั้นตรงกันข้ามกับฝูงชน ในขณะที่เครื่องแต่งกายของฝูงชนกลายเป็นแถวที่วุ่นวายเกือบจะไร้เหตุผลใด ๆ เลย องค์ประกอบของความมืดบน แสงสว่าง. อย่างไรก็ตาม พวกเขาอาศัยอยู่อย่างเป็นเอกภาพ เติมเต็ม และเติมเต็มซึ่งกันและกัน นี้กลายเป็นแบบจำลองภาพสำหรับการออกแบบการแสดงบัลเล่ต์โดย A. Benois

ป่วย.ป่วย.

ป่วย.ป่วย.

K. Korovin ซึ่งแตกต่างจาก Benois อย่างเป็นทางการจากสุนทรียศาสตร์ของ "World of Art" เขาพยายามสร้างโลกของเครื่องแต่งกายบัลเล่ต์ด้วยหลักการของเขาเององค์ประกอบที่เป็นรูปเป็นร่างของเขาเองหากคุณต้องการทำนอง "โลกแห่งศิลปะ" ทำให้เขาหลงใหลในการสร้างโรงละครบัลเล่ต์สังเคราะห์ ความปรารถนาในความสามัคคีของการเต้นรำและการวาดภาพ จิตสำนึกของภาพ เมื่อเครื่องแต่งกายถูกสร้างขึ้นจากการแสดงออกของท่าทางที่แพร่หลาย การใช้ละครใบ้ คุณสมบัติเหล่านี้อยู่ในผลงานของ Korovin อย่างไรก็ตาม เขาจะทำให้สีสันและสีสัน จุดสีสันสดใสเป็นจุดศูนย์กลางขององค์ประกอบของเครื่องแต่งกายบัลเล่ต์ของเขา ภาพวาดของ Korovin แตกต่างอย่างสิ้นเชิง งดงามกว่า หลากหลายกว่าและเร้าใจกว่า นี่คือศิลปินที่มีอารมณ์รุนแรงและไม่ยอมใครง่ายๆ ศิลปินที่มีความกระตือรือร้นและอารมณ์ที่เปิดกว้าง ความรู้สึกปานกลาง ดูเหมือนเขาจะไม่รู้เลย เครื่องแต่งกายของ K. Korovin ได้กลายเป็นเครื่องตกแต่งพิพิธภัณฑ์อย่างแท้จริง พิพิธภัณฑ์มีผลงานของศิลปินมากว่า 10 บัลเลต์ ซึ่งมีความหลากหลายมากที่สุดในรูปแบบ ไม่สม่ำเสมอ ไม่สม่ำเสมอในจังหวะ ในชุดเครื่องแต่งกายคาไลโดสโคปที่เป็นธรรมชาติและคาดเดาไม่ได้ ในย่านที่ปลอดโปร่งของอารมณ์ ตลอดจนความหลากหลายของการแก้ปัญหาภาพตั้งแต่ความหลงใหลในสีสันสดใสของดอนกิโฆเต้ ความสดใสของความหรูหราแบบตะวันออกของ Corsair ไปจนถึง Schubertina อันแสนโรแมนติกและ Scarlet Flower สุดอลังการ - ความคิดสร้างสรรค์ของนักบัลเล่ต์กวีอารมณ์และความคิดของเขา

โดยพื้นฐานแล้ว Korovin ทำงานออกแบบแต่ละชิ้นร่วมกับ V. Dyachkov I. Grabar เขียนเกี่ยวกับเขา: “ Dyachkov เป็นผู้เชี่ยวชาญสองเท่า ภาพวาดของเขาเป็นศิลปะที่ยอดเยี่ยมอยู่แล้ว น่าตื่นเต้นและน่าพอใจกับลักษณะเฉพาะของภาพ ความละเอียดอ่อนของเส้นและความสอดคล้องของสีที่สดใส หัวหน้าของตัวละครของเขาไม่ได้เป็นแค่จุดและสถานที่ทั่วไป แต่เป็นภาพเหมือนจริงของตัวละคร ซึ่งช่างแต่งหน้าสามารถทำงานได้อย่างง่ายดายและสนุกสนาน เทพนิยายเกี่ยวกับเครื่องแต่งกาย, คันธนู, หัวเข็มขัด, หมวก, รองเท้าของเขานั้นไม่เพียงแต่สัมผัสได้ด้วยจุดเท่านั้น แต่ยังสัมผัสได้อย่างชัดเจน ช่างตัดเสื้อไม่ต้องเสียค่าใช้จ่ายใดๆ เพื่อให้ได้สไตล์ที่ต้องการอย่างแม่นยำ

การทำงานร่วมกันอย่างจริงจังและสมบูรณ์ระหว่างสองศิลปินนี้ ประวัติศาสตร์ศิลปะแทบไม่เคยรู้มาก่อน เป็นงานใหญ่ในการเปลี่ยนภาพร่างเรียบๆ บนกระดาษให้เป็นชุดสูทสามมิติ ผลงานของพวกเขามีความพิเศษอย่างยิ่งในการผสมผสานพรสวรรค์แบบออร์แกนิก ในการทำงานก่อนอื่นพวกเขาพยายามทำความเข้าใจโลกภายในของฮีโร่เพื่อค้นหาและกระตุ้นการเคลื่อนไหวทางวิญญาณที่ภาพมีชีวิตอยู่ ดังนั้นเครื่องแต่งกายของวีรบุรุษที่พวกเขาสร้างขึ้นสำหรับ Raymonda 1908, Salambo 1909, Corsair 1911-1912, Gudula's Daughters 1902, The Firebird 1919, Schubertiana 1913, Don Quixote 1906 ได้รับผลกระทบทางอารมณ์อย่างมาก

การออกแบบบัลเลต์: The Golden Fish 1903, The Little Humpbacked Horse 1901, The Scarlet Flower, The Nutcracker 1914 สามารถรวมกันเป็นกลุ่มได้ สิ่งที่รวมเข้าด้วยกันไม่ใช่โครงเรื่องและตัวละครเดียว แต่เป็นธีมเด็กในเทพนิยายภายใน หัวข้อนี้จะได้รับความเข้าใจอย่างลึกซึ้งและขอบเขตทางจริยธรรมในผลงานของศิลปินคนอื่นๆ ในสมัยโซเวียต

ป่วย. ป่วย. ป่วย.

ป่วย.ป่วย. ป่วย.

ชุดบัลเล่ต์แห่งยุคโซเวียตสมควรได้รับความสนใจอย่างจริงจังที่สุด ช่วงเวลานี้สามารถเรียกได้ว่ามีความสำคัญและมีผลมากที่สุดในประวัติศาสตร์ของการแสดงละครและมัณฑนศิลป์อย่างปลอดภัย แน่นอนว่าชุดบัลเล่ต์ที่สั่งสมประสบการณ์มากมายในการทำความเข้าใจภาพการเต้นนั้นเป็นแรงผลักดันให้เกิดความต่อเนื่องต่อไป ศิลปินของโรงละครโซเวียตพัฒนาประเพณีของ A. Benois, L. Bakst, A. Golovin, N. Roerich และคนอื่นๆ

V. Khodasevich, M. Bobyshev, F. Fedorovsky, V. Dmitriev, M. Kurilko, P. Williams, V. Ryndin, S. Virsaladze เรียนรู้มากมายจากโลกแห่งศิลปะ ดังนั้นพวกเขาจึงพึ่งพาความสามัคคีและเครือจักรภพของบัลเล่ต์และการวาดภาพ งานของพวกเขาไม่สามารถแยกจากแนวคิดของนักออกแบบท่าเต้นได้ แต่ในทางกลับกัน การเข้าใจภาพลักษณ์ของเครื่องแต่งกายนั้นเป็นไปไม่ได้โดยไม่ต้องพึ่งพาโลกทัศน์ของตัวเอง พวกเขามีความสามารถที่โชคดีในการ "ผูก" ชุดให้เข้ากับพื้นที่และเวลาที่เฉพาะเจาะจงได้อย่างแม่นยำ ความหมายของสิ่งนี้คือความเป็นพลาสติกและรูปแบบทางจิตวิทยาของบทบาท ความรู้เกี่ยวกับพรรคและความสัมพันธ์ใกล้ชิดเป็นหนึ่งในแหล่งหลักและสิ่งเร้าของความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขา

ในชุดบัลเล่ต์ ศิลปินยังสามารถแก้ไขช่วงเวลาสำคัญๆ อันน่าทึ่งได้ด้วยการใช้รูปภาพ งานของพวกเขาได้กลายเป็นประวัติศาสตร์อันล้ำค่าของบัลเล่ต์โซเวียตไปแล้ว การตรวจสอบคอลเลกชั่นเครื่องแต่งกายที่ใหญ่ที่สุดโดยศิลปินโซเวียตซึ่งเป็นของพิพิธภัณฑ์โรงละครบอลชอย เรารับทราบโดยปริยายถึงความเหนือกว่า สถานะพิเศษของพวกเขาในลำดับชั้นของวัฒนธรรมฉาก

ป่วย.ป่วย. ป่วย.

ป่วย.ป่วย. ป่วย.

ป่วย. ป่วย.

โลกมีความซับซ้อนมากขึ้น การแสดงและภาพใหม่ๆ ในเวลาต่อมาก็ปรากฏขึ้น ขึ้นอยู่กับผู้เชี่ยวชาญของเครื่องแต่งกายบัลเล่ต์ที่จะเข้าใจและแสดงพวกเขาในงานศิลปะอย่างครบถ้วนและเก่งกาจ พวกเขาทำงานในมุมมองที่หลากหลาย: จิตวิทยาทั่วไปและเชิงจิตวิทยา เชิงโคลงสั้นและโศกนาฏกรรม สารคดีทางประวัติศาสตร์ และอุปมาอุปไมย เราสามารถติดตามได้ว่าปรมาจารย์เหล่านี้ตั้งแต่การแสดงไปจนถึงการแสดง ตั้งแต่สเก็ตช์ไปจนถึงสเก็ตช์ ไม่เพียงแต่เติบโตในทักษะทางวิชาชีพ แต่ยังแสดงความหลงใหลในวิชาของตน และพัฒนารูปแบบและลักษณะการวาดภาพของตนเอง วิธีการจัดระเบียบภาพบัลเล่ต์ ชุดแต่งกาย.

เครื่องแต่งกายในบัลเล่ต์เป็นองค์ประกอบที่สำคัญอย่างหนึ่งของการออกแบบการแสดง ซึ่งตรงตามข้อกำหนดของทั้งเนื้อหาเชิงอุดมคติและเชิงเปรียบเทียบเฉพาะ และลักษณะเฉพาะของศิลปะการออกแบบท่าเต้น บทบาทของเครื่องแต่งกายในบัลเล่ต์มีความสำคัญมากกว่าในละครหรือโอเปร่าเนื่องจากบัลเล่ต์ไม่มีข้อความด้วยวาจาและด้านที่งดงามของมันคือภาระที่เพิ่มขึ้น เช่นเดียวกับในโรงละครประเภทอื่น ๆ เครื่องแต่งกายในบัลเล่ต์แสดงลักษณะของตัวละคร เผยให้เห็นลักษณะทางประวัติศาสตร์ สังคม ชาติและปัจเจกบุคคล ในขณะเดียวกันก็ต้องเป็นไปตามข้อกำหนดของความสามารถในการเต้น กล่าวคือ เบาและสบายในการเต้น ไม่ซ่อนตัว แต่เปิดเผยโครงสร้างของร่างกาย ไม่ขัดขวางการเคลื่อนไหว แต่ช่วยเน้นย้ำ ความต้องการของรูปธรรมเป็นรูปเป็นร่างและความสามารถในการเต้นมักจะขัดแย้งกันเอง ทั้ง "อายุการใช้งาน" ที่มากเกินไปและความยากจนของชุดบัลเล่ต์เป็นสิ่งที่สุดขั้วซึ่งสามารถพิสูจน์ได้ในแต่ละกรณีโดยเนื้อหาพิเศษและประเภทของงานเฉพาะเท่านั้น ทักษะของศิลปินในบัลเล่ต์คือการเอาชนะความขัดแย้งและความสุดโต่งเหล่านี้ ในการบรรลุความเป็นเอกภาพของภาพและการเต้นรำ
ชุดบัลเล่ต์ซึ่งเป็นเสื้อผ้าของตัวละครในขณะเดียวกันก็เป็นองค์ประกอบของการแก้ปัญหาทางศิลปะแบบองค์รวมของการแสดงซึ่งนำเสนองานสีและสีที่ประสานกับทิวทัศน์ "เหมาะสม" เป็นภาพเดียว . เครื่องแต่งกายเป็นองค์ประกอบที่ "เคลื่อนที่ได้" ที่สุดของการออกแบบภาพบัลเล่ต์ ดังนั้นเขาสามารถนำจุดเริ่มต้นแบบไดนามิกมาเติมด้วยจังหวะที่สอดคล้องกับจังหวะของดนตรี ในแง่นี้ เครื่องแต่งกายเป็นเหมือนการเชื่อมโยงในการสังเคราะห์วิจิตรศิลป์และดนตรีในการแสดงบัลเล่ต์
เครื่องแต่งกายของตัวละครหลักมักจะมีความเฉพาะตัวมากกว่าเครื่องแต่งกายของคณะบัลเล่ต์ การรวมกันของเครื่องแต่งกายของคณะบัลเล่ต์เน้นอารมณ์ของเขาและไม่ได้แสดงให้เห็น ความหมายสอดคล้องกับความสามัคคีและลักษณะทั่วไปขององค์ประกอบการเต้น ความแตกต่างของสีและบางครั้งอยู่ในรูปแบบของเครื่องแต่งกาย มักจะเผยให้เห็นถึงความแตกต่างของกลุ่มคณะบัลเล่ต์ต่างๆ ในการเต้นระบำหมู่หรือองค์ประกอบท่าเต้นที่ซับซ้อนหลายเสียง (เช่น ในฉากขบวนใน "ตำนานแห่งความรัก" ที่จัดฉาก โดย Yu. N. Grigorovich ศิลปะ SB. Virsaladze) ในกรณีที่คณะบัลเล่ต์แสดงภาพฝูงชนที่แท้จริงและหลากหลาย เครื่องแต่งกายของมันก็สามารถปรับให้เป็นรายบุคคลได้เช่นกัน (เช่น ผู้คนในองก์ที่ 1 ของดอนกิโฆเต้ จัดแสดงโดย A. A. Gorsky ศิลปิน K. A. Korovin , 1900) เครื่องแต่งกายของตัวละครหลักมักจะมีความสอดคล้องกันในการตัดและสีกับเครื่องแต่งกายของคณะบัลเล่ต์ รวมกับพวกเขาตามหลักการของความสามัคคีหรือความคมชัด ขึ้นอยู่กับเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างเฉพาะของการเต้น
เครื่องแต่งกายในบัลเล่ต์มีการเปลี่ยนแปลงในอดีตที่เกี่ยวข้องกับวิวัฒนาการของศิลปะการออกแบบท่าเต้นนั่นเอง ในระยะแรกของการพัฒนา แทบไม่ต่างจากเสื้อผ้าในชีวิตประจำวันของสภาพแวดล้อมของชนชั้นสูงในราชสำนัก ในการแสดงแบบบาโรก เครื่องแต่งกายมีความเขียวชอุ่มเป็นพิเศษและมักจะมีน้ำหนักมาก ในช่วงเวลาของความคลาสสิค เสื้อคลุมโบราณ (เสื้อคลุม) ที่มีสไตล์ปรากฏขึ้นและเครื่องแต่งกายพื้นบ้านก็เริ่มเจาะเข้าไปในบัลเล่ต์ตลก นักปฏิรูปโรงละครบัลเล่ต์ J.J. Nover ศตวรรษที่ 18 ได้ทำการเปลี่ยนแปลงเครื่องแต่งกายอย่างมาก ทำให้มีน้ำหนักเบา ลดความซับซ้อนของรองเท้า และทำให้ชุดสตรีสั้นลง อย่างไรก็ตาม การปฏิรูปชุดบัลเล่ต์อย่างรุนแรงซึ่งนำไปสู่การก่อตัวของรากฐานที่ทันสมัยเกิดขึ้นในศิลปะแนวโรแมนติก ("La Sylphide", 1832, "Giselle" ในโพสต์ F. Taglioni ฯลฯ ) แทนที่จะใช้กระโปรงในบ้าน พวกเขาเริ่มใช้เสื้อคลุมตัวยาว (เพื่อไม่ให้สับสนกับเสื้อคลุมแบบโบราณ!) ซึ่งกลายมาเป็นรุ่นก่อนของชุดนั้น รองเท้าที่มีส้นสูงถูกแทนที่ด้วยรองเท้าบัลเล่ต์แบบพิเศษที่อนุญาตให้เต้นเอนปวงต์ได้ การต่อต้านโลกแห่งความจริงและมหัศจรรย์ถูกเน้นโดยเครื่องแต่งกาย ลักษณะทั่วไปในอุดมคติของการประพันธ์เพลงไพเราะแสดงออกในความสามัคคีของเครื่องแต่งกายของคณะบัลเล่ต์ ในการแสดงของ A. Saint-Leon และ M.I. Petipa เสื้อคลุมแสนโรแมนติกถูกเปลี่ยนเป็นชุดซึ่งต่อมาสั้นลงและสั้นลง
ศิลปินชาวรัสเซียมีส่วนสำคัญในการพัฒนาเครื่องแต่งกาย ศตวรรษที่ 20 สำหรับ L. S. Bakst แนวคิดเรื่องเครื่องแต่งกายถือกำเนิดขึ้นจากการเคลื่อนไหวที่ออกแบบท่าเต้น ในภาพสเก็ตช์ของเขา เครื่องแต่งกายถูกนำเสนอในลักษณะที่เฉียบคม มักเคลื่อนไหวเกินจริงของนักเต้น เครื่องแต่งกายของ K.A. Korovin โดดเด่นด้วยสีสันและความกลมกลืนของภาพกับทิวทัศน์ ความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนของยุคสมัยและบุคลิกลักษณะเฉพาะของ A.N. Benois ก็สะท้อนให้เห็นในชุดของเขาเช่นกัน ในชุดของ N. K. Roerich พลังธาตุและความแปลกใหม่ดั้งเดิมของตัวละครของเขาถูกถ่ายทอด ศิลปินของ "โลกแห่งศิลปะ" มักจะทำให้ความหมายที่มีสีสันของเครื่องแต่งกายสมบูรณ์และตีความว่าเป็นจุดที่งดงามราวภาพวาดในภาพรวม บางครั้งก็เพิกเฉยหรือข่มเหงนักเต้น (เช่น บี.ไอ. อนิสเฟลด์) แต่ในขณะเดียวกันพวกเขาก็เสริมความชัดเจนทางศิลปะและอุปมาอุปไมยของชุดบัลเล่ต์เป็นพิเศษ
ในบัลเล่ต์โซเวียต รูปแบบของเครื่องแต่งกายที่สร้างขึ้นในปี ค.ศ. 1920 F. F. Fedorovsky และ A. Ya. Golovin เป็นส่วนหนึ่งที่ใกล้เคียงกับประเพณีการวาดภาพของ "World of Art" ในเวลาเดียวกัน ตัวแทนของการเต้นรำอิสระ (ผู้ติดตามของ A. Duncan) ได้ฟื้นฟูเสื้อคลุมโบราณ (chiton) ในการทดลองของ K. Ya. Goleizovsky นักเต้นแสดงตัวเลขในชุดรัดรูป "ชุดรัดรูป" ซึ่งเปิดเผยร่างกาย แต่ในขณะเดียวกันเครื่องแต่งกายก็ถูกลดขนาดเป็นชุดบัลเล่ต์ สตูดิโอ "กลองบัลเล่ต์" N. S. Gremina ปลูกฝังเครื่องแต่งกายประจำวัน คุณสมบัติของคอนสตรัคติวิสต์สะท้อนให้เห็นในภาพร่างของ A. A. Exter ใน "Dances of Machines" โดย N. M. Forreger ในการแนะนำชุดการผลิตในบัลเล่ต์เกี่ยวกับความทันสมัย ​​("The Bolt" ในการออกแบบของ T. G. Bruni เป็นต้น) ในละครบัลเล่ต์ยุค 30-50 ศิลปินพยายามสร้างประวัติศาสตร์ สังคม และชีวิตประจำวันของเครื่องแต่งกายให้มากที่สุด นำพาให้ใกล้ชิดกับเครื่องแต่งกายอันน่าทึ่งมากขึ้น โรงละคร ("Lost Illusions" โดย Asafiev ในการออกแบบของ V.V. Dmitriev, 1936 เป็นต้น) สิ่งสำคัญอย่างยิ่งในปีเหล่านี้คือการสร้างเวที ตัวเลือกสำหรับนาร์ เครื่องแต่งกายที่เกี่ยวข้องกับการกระจายเตียงตระการตาอย่างกว้างขวาง เต้นรำ ประจำชาติ คณะบัลเล่ต์และฉากยอดนิยมในการแสดงบัลเล่ต์ (The Flames of Paris, 1932 และ Partisan Days โดย Asafiev, 1937 ออกแบบโดย Dmitriev; Heart of the Mountains, 1938 และ Laurencia, 1939 ออกแบบโดย S. B. . Virsaladze และอื่นๆ) ตรงกันข้ามกับแนวโน้มในการพัฒนาชุดบัลเล่ต์ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของช่วงเวลานี้ตั้งแต่สิ้นสุด 50s ลักษณะของนามธรรมและแผนผัง ความน่าเบื่อหน่ายและความซ้ำซากจำเจของบัลเล่ต์ในบัลเล่ต์เริ่มปรากฏให้เห็น โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการแสดงบัลเลต์ที่ไม่มีโครงเรื่องไปจนถึงซิมโฟนี ดนตรี.
ผู้ออกแบบเครื่องแต่งกายที่โดดเด่นคือ S.B. Virsaladze ผลงานของเขา (โดยเฉพาะในการแสดงที่จัดโดย Yu. N. Grigorovich) มีลักษณะเป็นเอกภาพเชิงอินทรีย์ของการแสดงลักษณะและการเต้นรำที่เป็นรูปเป็นร่าง ศิลปินไม่เคยทำให้เครื่องแต่งกายเสื่อมโทรม ไม่เคยเปลี่ยนให้เป็นเครื่องแบบที่สะอาดและเป็นนามธรรม เครื่องแต่งกายของเขาสะท้อนถึงลักษณะที่เป็นรูปเป็นร่างของฮีโร่เสมอและในขณะเดียวกันก็มีการเคลื่อนไหวซึ่งสร้างขึ้นด้วยความสามัคคีกับความคิดและผลงานของนักออกแบบท่าเต้น Virsaladze แต่งตัวตัวละครไม่มากเท่าการเต้นรำ เครื่องแต่งกายของเขาโดดเด่นด้วยรสนิยมสูงและมักจะประณีต การตัดและสีสันของพวกเขาช่วยเน้นย้ำการเต้น เครื่องแต่งกายในการแสดงของ Virsaladze ถูกนำเข้าสู่ระบบบางอย่างที่สอดคล้องกับลักษณะเฉพาะของท่าเต้น พวกเขาจับคู่สีกับทิวทัศน์ พัฒนาธีมภาพ เพิ่มจังหวะที่มีสีสันใหม่ ไดนามิกให้สอดคล้องกับการเต้นรำและดนตรี ผลงานของ Virsaladze มีลักษณะเป็น "การแสดงซิมโฟนีที่งดงาม" ซึ่งส่วนใหญ่สร้างขึ้นโดยระบบเครื่องแต่งกายของบัลเล่ต์
โรงละครบัลเลต์สมัยใหม่มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยโซลูชันเครื่องแต่งกายที่มีศิลปะหลากหลาย เขาเปลี่ยนประสบการณ์ทางประวัติศาสตร์ทั้งหมดของการพัฒนาเครื่องแต่งกาย ให้อยู่ภายใต้งานศิลปะพิเศษของการแสดงเฉพาะ