ฮอลแลนด์. ศตวรรษที่ 17 ประเทศกำลังประสบกับความเจริญรุ่งเรืองที่ไม่เคยมีมาก่อน ที่เรียกว่า "วัยทอง" ในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 หลายจังหวัดของประเทศได้รับเอกราชจากสเปน

ตอนนี้เนเธอร์แลนด์โปรเตสแตนต์ไปตามทางของพวกเขาเอง และคาธอลิกแฟลนเดอร์ส (ปัจจุบันคือเบลเยี่ยม) ภายใต้ปีกของสเปน-ของตัวเอง

ในฮอลแลนด์ที่เป็นอิสระ แทบไม่มีใครต้องการภาพวาดทางศาสนา คริสตจักรโปรเตสแตนต์ไม่เห็นด้วยกับการตกแต่งที่หรูหรา แต่เหตุการณ์นี้ "เล่นอยู่ในมือ" ของการวาดภาพทางโลก

แท้จริงแล้วผู้อยู่อาศัยในประเทศใหม่ทุกคนต่างตื่นขึ้นด้วยความรักในงานศิลปะประเภทนี้ ชาวดัตช์ต้องการเห็นชีวิตของตัวเองในรูป และศิลปินก็เต็มใจไปพบพวกเขา

ไม่เคยมีการแสดงภาพความเป็นจริงโดยรอบมากเท่านี้มาก่อน คนธรรมดา ห้องธรรมดา และอาหารเช้าที่ธรรมดาที่สุดของชาวเมือง

ความสมจริงเจริญรุ่งเรือง จนถึงศตวรรษที่ 20 มันจะเป็นคู่แข่งที่คู่ควรกับวิชาการด้วยนางไม้และเทพธิดากรีก

ศิลปินเหล่านี้ถูกเรียกว่า "เล็ก" ดัตช์ ทำไม? ภาพวาดมีขนาดเล็กเพราะถูกสร้างขึ้นสำหรับบ้านหลังเล็ก ดังนั้น ภาพเขียนเกือบทั้งหมดของแจน เวอร์เมียร์จึงสูงไม่เกินครึ่งเมตร

แต่ผมชอบรุ่นอื่นมากกว่า ในเนเธอร์แลนด์ในศตวรรษที่ 17 ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ ชาวดัตช์ "ใหญ่" อาศัยและทำงาน และคนอื่น ๆ ทั้งหมดนั้น "เล็ก" เมื่อเปรียบเทียบกับเขา

เรากำลังพูดถึงแรมแบรนดท์ มาเริ่มกันที่

1. แรมแบรนดท์ (1606-1669)

แรมแบรนดท์. ภาพเหมือนตนเองในวัย 63 ปี 1669 หอศิลป์แห่งชาติลอนดอน

แรมแบรนดท์มีโอกาสได้สัมผัสกับอารมณ์ที่หลากหลายที่สุดในช่วงชีวิตของเขา ดังนั้นในงานแรกของเขาจึงมีความสนุกสนานและความองอาจมาก และความรู้สึกที่ซับซ้อนมากมายในภายหลัง

ที่นี่เขายังเด็กและไร้กังวลในภาพวาด "The Prodigal Son in the Tavern" ภรรยาสุดที่รักของ Saskia คุกเข่าลง เขาเป็นศิลปินยอดนิยม ออเดอร์เข้ารัวๆๆๆ

แรมแบรนดท์. ลูกชายสุรุ่ยสุร่ายในโรงเตี๊ยม 1635 Old Masters Gallery, เดรสเดน

แต่ทั้งหมดนี้จะหายไปในอีก 10 ปีข้างหน้า Saskia จะตายจากการบริโภค ความนิยมจะหายไปเหมือนควัน บ้านหลังใหญ่ที่มีคอลเล็กชั่นที่ไม่เหมือนใครจะถูกนำไปเป็นหนี้

แต่แรมแบรนดท์คนเดิมจะปรากฏขึ้นซึ่งจะคงอยู่นานหลายศตวรรษ ความรู้สึกเปลือยเปล่าของตัวละคร ความคิดที่เป็นความลับที่สุดของพวกเขา

2. ฟรานส์ ฮาลส์ (1583-1666)

ฟรานส์ ฮาลส์. ภาพเหมือนตนเอง. 1650 พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก

Frans Hals เป็นหนึ่งในจิตรกรภาพเหมือนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล ดังนั้นฉันจะจัดอันดับให้เขาในหมู่ชาวดัตช์ "ใหญ่" ด้วย

ในฮอลแลนด์ในขณะนั้น เป็นธรรมเนียมที่จะต้องจ้างกลุ่มภาพเหมือน ดังนั้นจึงมีงานที่คล้ายกันจำนวนมากที่แสดงภาพผู้คนที่ทำงานร่วมกัน: มือปืนจากสมาคม แพทย์จากเมืองหนึ่ง การจัดการบ้านพักคนชรา

ในประเภทนี้ Hals โดดเด่นที่สุด ท้ายที่สุดแล้ว ภาพบุคคลเหล่านี้ส่วนใหญ่ดูเหมือนสำรับไพ่ ผู้คนนั่งที่โต๊ะด้วยสีหน้าแบบเดียวกันและเพียงแค่มอง Hals แตกต่างออกไป

ดูภาพกลุ่มของเขา "Arrows of the Guild of St. จอร์จ"

ฟรานส์ ฮาลส์. ลูกศรของสมาคมเซนต์ จอร์จ. 1627 พิพิธภัณฑ์ Frans Hals, Haarlem, เนเธอร์แลนด์

ที่นี่คุณจะไม่พบการทำซ้ำเพียงครั้งเดียวในท่าทางหรือการแสดงออกทางสีหน้า ในขณะเดียวกันก็ไม่มีความโกลาหลที่นี่ มีตัวละครมากมาย แต่ไม่มีใครดูเหมือนฟุ่มเฟือย ต้องขอบคุณการจัดเรียงตัวเลขที่ถูกต้องอย่างน่าประหลาดใจ

ใช่ และในภาพเดียว Hals ก็มีศิลปินมากมาย โมเดลของเขาเป็นธรรมชาติ ผู้คนจากสังคมชั้นสูงในภาพวาดของเขาปราศจากความยิ่งใหญ่ที่เกินจริง และนางแบบจากด้านล่างก็ไม่ได้ดูถูกเหยียดหยาม

และตัวละครของเขามีอารมณ์ร่วมมาก พวกเขายิ้ม หัวเราะ เยาะเย้ย อย่างเช่น "ยิปซี" ที่ดูเจ้าเล่ห์นี้

ฟรานส์ ฮาลส์. ยิปซี. 1625-1630

Hals เช่น Rembrandt จบชีวิตด้วยความยากจน ด้วยเหตุผลเดียวกัน ความสมจริงของเขาขัดกับรสนิยมของลูกค้า ที่ต้องการจะเสริมแต่งรูปลักษณ์ของตน Hals ไม่ได้ไปเพื่อเยินยอทันที และด้วยเหตุนี้จึงลงนามในประโยคของเขาเอง - "Oblivion"

3. เจอราร์ด เทอร์บอร์ช (1617-1681)

เจอราร์ด เทอร์บอร์ช. ภาพเหมือนตนเอง. 1668 Mauritshuis Royal Gallery, The Hague, เนเธอร์แลนด์

Terborch เป็นปรมาจารย์ประเภทในประเทศ เศรษฐีและนักเลงไม่ค่อยพูดช้า ผู้หญิงอ่านจดหมาย และพ่อค้าหาบเร่ดูเกี้ยวพาราสี สองหรือสามร่างที่เว้นระยะอย่างใกล้ชิด

เป็นอาจารย์ผู้นี้ที่พัฒนาศีลของประเภทในประเทศ ซึ่งจากนั้นจะยืมโดย Jan Vermeer, Pieter de Hooch และชาวดัตช์ "เล็ก" อื่น ๆ อีกมากมาย

เจอราร์ด เทอร์บอร์ช. น้ำมะนาวหนึ่งแก้ว ปีค.ศ.1660 พิพิธภัณฑ์เฮอร์มิเทจ เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

A Glass of Lemonade เป็นหนึ่งในผลงานที่มีชื่อเสียงของ Terborch แสดงให้เห็นถึงข้อดีอีกอย่างของศิลปิน ภาพที่สมจริงอย่างไม่น่าเชื่อของผ้าของชุด

Terborch ยังมีผลงานที่ไม่ธรรมดาอีกด้วย ซึ่งพูดถึงความปรารถนาของเขาที่จะก้าวไปไกลกว่าความต้องการของลูกค้า

"เครื่องบด" ของเขาแสดงให้เห็นถึงชีวิตของชาวฮอลแลนด์ที่ยากจนที่สุด เราเคยเห็นสนามหญ้าแสนสบายและห้องพักสะอาดในรูปของชาวดัตช์ "ตัวเล็ก" แต่ Terborch กล้าแสดงฮอลแลนด์ที่ไม่สวย

เจอราร์ด เทอร์บอร์ช. เครื่องบด 1653-1655 พิพิธภัณฑ์รัฐเบอร์ลิน

ตามที่คุณเข้าใจงานดังกล่าวไม่ต้องการ และเป็นเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นได้ยากแม้แต่ใน Terborch

4. แจน เวอร์เมียร์ (1632-1675)

แจน เวอร์เมียร์. การประชุมเชิงปฏิบัติการของศิลปิน 1666-1667 พิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches เวียนนา

สิ่งที่ Jan Vermeer ดูเหมือนไม่เป็นที่รู้จักอย่างแน่นอน เห็นได้ชัดว่าในภาพวาด "Artist's Workshop" เขาวาดภาพตัวเอง จริงจากด้านหลัง

ดังนั้นจึงเป็นที่น่าแปลกใจที่ความจริงใหม่จากชีวิตของอาจารย์เพิ่งเป็นที่รู้จัก มีความเกี่ยวข้องกับผลงานชิ้นเอกของเขา "Street of Delft"

แจน เวอร์เมียร์. ถนนเดลฟท์ 1657 Rijksmuseum ในอัมสเตอร์ดัม

ปรากฎว่า Vermeer ใช้เวลาในวัยเด็กของเขาบนถนนสายนี้ บ้านในรูปเป็นของป้าของเขา เธอเลี้ยงลูกห้าคนของเธอที่นั่น เธออาจนั่งเย็บผ้าอยู่ที่หน้าประตูขณะที่ลูกสองคนของเธอกำลังเล่นอยู่บนทางเท้า Vermeer ตัวเองอาศัยอยู่ในบ้านตรงข้าม

แต่บ่อยครั้งที่เขาวาดภาพการตกแต่งภายในของบ้านเหล่านี้และผู้อยู่อาศัย ดูเหมือนว่าโครงเรื่องของภาพเขียนจะง่ายมาก นี่คือหญิงสาวสวย ชาวเมืองผู้มั่งคั่ง กำลังตรวจตราชั่งของตน

แจน เวอร์เมียร์. ผู้หญิงที่มีน้ำหนัก 1662-1663 หอศิลป์แห่งชาติ วอชิงตัน

Vermeer โดดเด่นกว่าชาวดัตช์ "ตัวเล็ก" อีกหลายพันคนอย่างไร

เขาเป็นจ้าวแห่งแสงที่ไม่มีใครเทียบได้ ในภาพวาด "Woman with Scales" แสงจะปกคลุมใบหน้าของนางเอก ผ้า และผนังอย่างอ่อนโยน ทำให้ภาพมีจิตวิญญาณที่ไม่รู้จัก

และองค์ประกอบของภาพวาดของ Vermeer ก็ได้รับการตรวจสอบอย่างรอบคอบ คุณจะไม่พบรายละเอียดเพิ่มเติมเพียงอย่างเดียว การลบหนึ่งในนั้นก็เพียงพอแล้วรูปภาพจะ "พัง" และความมหัศจรรย์จะหายไป

ทั้งหมดนี้ไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับเวอร์เมียร์ คุณภาพที่น่าทึ่งเช่นนี้ต้องใช้ความอุตสาหะ ปีละ 2-3 ภาพเท่านั้น ส่งผลให้ไม่สามารถเลี้ยงดูครอบครัวได้ Vermeer ยังทำงานเป็นตัวแทนจำหน่ายงานศิลปะ โดยขายผลงานของศิลปินคนอื่นๆ

5. ปีเตอร์ เดอ ฮูช (1629-1684)

ปีเตอร์ เดอ ฮูช. ภาพเหมือนตนเอง. 1648-1649 Rijksmuseum, อัมสเตอร์ดัม

Hoch มักถูกเปรียบเทียบกับ Vermeer พวกเขาทำงานพร้อมกัน มีช่วงเวลาหนึ่งในเมืองเดียวกัน และในประเภทเดียว - ครัวเรือน ใน Hoch เรายังเห็นร่างหนึ่งหรือสองร่างในสนามหญ้าหรือห้องพักแบบดัตช์ที่แสนสบาย

ประตูและหน้าต่างที่เปิดอยู่ทำให้พื้นที่ของภาพวาดของเขามีหลายชั้นและให้ความบันเทิง และตัวเลขก็เข้ากับพื้นที่นี้อย่างกลมกลืนกันมาก ตัวอย่างเช่นในภาพวาดของเขา "Servant with a girl in the yard"

ปีเตอร์ เดอ ฮูช. แม่บ้านกับหญิงสาวในสนาม 1658 หอศิลป์แห่งชาติลอนดอน

จนถึงศตวรรษที่ 20 Hoch มีมูลค่าสูง แต่มีเพียงไม่กี่คนที่สังเกตเห็นผลงานไม่กี่ชิ้นของ Vermeer คู่แข่งของเขา

แต่ในศตวรรษที่ 20 ทุกอย่างเปลี่ยนไป ความรุ่งโรจน์ของ Hoch จางหายไป อย่างไรก็ตาม เป็นการยากที่จะไม่รู้จักความสำเร็จของเขาในการวาดภาพ ไม่กี่คนที่สามารถรวมสิ่งแวดล้อมและผู้คนเข้าด้วยกันได้อย่างมีประสิทธิภาพ

ปีเตอร์ เดอ ฮูช. ผู้เล่นการ์ดในห้องอาบแดด 1658 Royal Art Collection, ลอนดอน

โปรดทราบว่าในบ้านเจียมเนื้อเจียมตัวบนผ้าใบ "ผู้เล่นการ์ด" มีรูปภาพในกรอบราคาแพง

นี่เป็นอีกครั้งที่พูดถึงว่าภาพวาดที่เป็นที่นิยมในหมู่ชาวดัตช์ทั่วไปเป็นอย่างไร รูปภาพประดับบ้านทุกหลัง: บ้านของเศรษฐีผู้มั่งคั่ง ชาวเมืองเจียมเนื้อเจียมตัว และแม้แต่ชาวนา

6. แจน สตีน (1626-1679)

แจน สแตน. ภาพเหมือนตนเองกับพิณ 1670s พิพิธภัณฑ์ Thyssen-Bornemisza, มาดริด

แจน สตีนอาจเป็นชาวดัตช์ "ตัวเล็ก" ที่ร่าเริงที่สุด แต่รักธรรม เขามักจะวาดภาพโรงเตี๊ยมหรือบ้านยากจนที่พบรอง

ตัวละครหลักของมันคือผู้ชื่นชอบและผู้หญิงที่มีคุณธรรมง่าย ๆ เขาต้องการสร้างความบันเทิงให้ผู้ชม แต่เตือนเขาโดยปริยายเกี่ยวกับชีวิตที่ชั่วร้าย

แจน สแตน. ความวุ่นวาย. 1663 พิพิธภัณฑ์ประวัติศาสตร์ศิลป์ เวียนนา

สแตนยังมีงานที่เงียบกว่า เช่น "เข้าห้องน้ำตอนเช้า" แต่ที่นี่เช่นกัน ศิลปินทำให้ผู้ชมประหลาดใจด้วยรายละเอียดที่ตรงไปตรงมาเกินไป มีร่องรอยของหมากฝรั่งและไม่ใช่หม้อเปล่า และมันก็ไม่ได้อยู่ที่สุนัขนอนอยู่บนหมอนเลย

แจน สแตน. ห้องน้ำตอนเช้า. 1661-1665 Rijksmuseum, อัมสเตอร์ดัม

แต่ถึงแม้จะเป็นเรื่องเล็กน้อย แต่โทนสีของสแตนก็เป็นมืออาชีพมาก ในเรื่องนี้เขาแซงหน้า "ชาวดัตช์ตัวเล็ก" หลายคน ดูว่าถุงน่องสีแดงเข้ากันได้ดีกับแจ็กเก็ตสีน้ำเงินและพรมสีเบจสดใสได้อย่างไร

7. จาค็อบส์ ฟาน รุยส์เดล (1629-1682)

ภาพเหมือนของรุยส์ดาเอล ภาพพิมพ์หินจากหนังสือศตวรรษที่ 19

1 - พัฒนาการของจิตรกรรมเนเธอร์แลนด์

ภาพวาดในศตวรรษที่ 16 ยังคงเป็นศิลปะที่ชื่นชอบของแฟลนเดอร์สและฮอลแลนด์ หากศิลปะเนเธอร์แลนด์ในสมัยนี้ แม้จะรุ่งเรือง สงบ และเจริญเต็มที่ของศตวรรษที่ 15 และที่สำคัญกว่าและเป็นอิสระมากขึ้น การพัฒนาเพิ่มเติมในศตวรรษที่ 17 ยังคงเป็นศิลปะเฉพาะกาล มองหาหนทาง เหตุผลสำหรับเรื่องนี้ ไม่ว่าพวกเขาจะพูดอะไรส่วนใหญ่อยู่ในการเปลี่ยนแปลงที่ทรงพลัง แต่ไม่สม่ำเสมอไปทางเหนือของรูปแบบภาษาทางใต้ซึ่งการประมวลผลโดยจิตรกรชาวเนเธอร์แลนด์ชั้นนำของศตวรรษที่ 16 ประสบความสำเร็จในความเห็นของคนรุ่นเดียวกันเท่านั้น ความคิดเห็นของลูกหลาน การที่ศิลปินชาวเนเธอร์แลนด์ในสมัยนั้นไม่พอใจเช่นเดียวกับชาวเยอรมันส่วนใหญ่ด้วยการเร่ร่อนไปทางเหนือของอิตาลี แต่ตรงไปยังกรุงโรมซึ่งมีรูปแบบที่ประณีตซึ่งขัดกับธรรมชาติทางเหนือกลายเป็นอันตรายถึงชีวิตสำหรับเธอ ถัดจากกระแส "โรมัน" ซึ่งถึงจุดสุดยอดในปี ค.ศ. 1572 ที่การก่อตั้งกลุ่มภราดรภาพแห่ง Antwerp แห่ง Romanists กระแสน้ำระดับชาติในด้านการวาดภาพไม่เคยแห้งแล้ง ภารกิจระดับชาติที่หายากซึ่งการเคลื่อนไหวของศตวรรษที่สิบห้าพบว่ามีความต่อเนื่องและสีสันตามมาด้วยความครอบงำของอิตาลีหลายทศวรรษ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ เมื่อ "อิตาลี" นี้หยุดนิ่งอย่างรวดเร็วในลักษณะวิชาการ การปฏิเสธอย่างแข็งกร้าวของชาติก็ปรากฏขึ้นในทันที เผยให้เห็นภาพวาดเส้นทางใหม่ หากก่อนหน้านี้เยอรมนีเป็นผู้นำในการพัฒนาประเภทและภูมิทัศน์อย่างอิสระในกราฟิก ตอนนี้กิ่งก้านเหล่านี้ได้กลายเป็นสาขาอิสระของการวาดภาพขาตั้งในมือของชาวดัตช์ ตามด้วยภาพกลุ่มและลวดลายทางสถาปัตยกรรมในภาพวาด โลกใหม่ได้เปิดขึ้น อย่างไรก็ตาม มีการแลกเปลี่ยนจิตรกรที่มีชีวิตชีวาระหว่างแฟลนเดอร์สและฮอลแลนด์ตลอดศตวรรษที่ 16 ซึ่งต้นกำเนิดของปรมาจารย์มีความหมายน้อยกว่าประเพณีที่พวกเขาปฏิบัติตาม ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่สิบหก เราจะต้องสังเกตพัฒนาการของภาพวาดเนเธอร์แลนด์ในศูนย์กลางหลักต่างๆ อย่างที่สอง การติดตามพัฒนาการของแต่ละสาขาจะเป็นการดียิ่งขึ้น

ในเนเธอร์แลนด์ การวาดภาพขาตั้งตอนนี้ครอบงำ ศิลปะการทำสำเนา การแกะสลักไม้ และการแกะสลักทองแดง ส่วนใหญ่ได้รับอิทธิพลจากกราฟิกเยอรมันชั้นสูง แม้จะมีความสำคัญของลุคแห่งไลเดน จิตรกร-ช่างแกะสลักที่มีจินตนาการอิสระ แม้จะมีข้อดีของปรมาจารย์เช่น Hieronymus Kok, Hieronymus Viriks และ Philip Galle สำหรับการเผยแพร่การค้นพบของเพื่อนร่วมชาติของพวกเขาและถึงแม้จะมีความสมบูรณ์ของภาพสูงที่ได้รับแกะสลักทองแดง ในมือจากการผสมผสานของ Gendrik Goltzius (1558-1616) และนักเรียนของเขา การแกะสลักทองแดงและการแกะสลักไม้ไม่ได้มีบทบาทสำคัญในเนเธอร์แลนด์เช่นเดียวกับในเยอรมนี หนังสือขนาดย่อในเนเธอร์แลนด์ยังอาศัยอยู่เฉพาะในยุครุ่งเรืองในอดีตเท่านั้น ผลที่เราสามารถระบุได้ในบางโอกาสเท่านั้น ในทางตรงกันข้าม ที่นี่เองที่ภาพเขียนฝาผนัง อย่างเด็ดขาดกว่าที่อื่น ยกให้สิทธิและหน้าที่ของตนกับผืนพรม ซึ่งประวัติศาสตร์เขียนขึ้นโดยกิฟเฟร มุนท์ซ และเพนชาร์ด และอื่นๆ อีกทางหนึ่ง การวาดภาพบนกระจก ศึกษาโดย Levy ส่วนใหญ่ในเบลเยียม การทอพรมไม่สามารถแยกออกจากศิลปะอันยิ่งใหญ่ของภาพวาดชาวเนเธอร์แลนด์ในศตวรรษที่ 16 บนเครื่องบินได้ การทอผ้าในส่วนที่เหลือของยุโรปเริ่มจางหายไปก่อนการทอพรมของเนเธอร์แลนด์ ในเนเธอร์แลนด์บทบาทนำในงานศิลปะชิ้นนี้ได้รับการมอบให้กับบรัสเซลส์อย่างไม่ต้องสงสัย อันที่จริงแม้แต่ Leo X ก็สั่งให้ผลิตพรมราฟาเอลที่มีชื่อเสียงในการประชุมเชิงปฏิบัติการของ Peter van Aelst ในกรุงบรัสเซลส์ในปี ค.ศ. 1515-1519 พรมที่มีชื่อเสียงอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง ซึ่งวาดโดยชาวอิตาลี ซึ่งเก็บรักษาไว้ในพระราชวัง โบสถ์ และของสะสมต่างๆ ล้วนมีต้นกำเนิดจากบรัสเซลส์อย่างไม่ต้องสงสัย มาตั้งชื่อพรมกัน 22 ผืนกับผลงานของสคิปิโอใน Garde Meuble ในกรุงปารีส พรม 10 ผืนที่มีเรื่องราวความรักของ Vertumnus และ Pomona ในวังมาดริด และวัวทอ 26 ตัวจากเรื่องราวของ Psyche ในวังใน Fontainebleau จากการ์ตูนดัตช์โดย Barend van Orley (d. 1542) และ Jan Cornelis Vermeyen (ค.ศ. 1500-1559) การล่าของ Maximilian ใน Fontainebleau และการพิชิตตูนิสในวังมาดริดก็ถักทอเช่นกัน สาขาศิลปะนี้ได้ลืมรูปแบบที่เข้มงวดในอดีตไปโดยมีพื้นที่จำกัดเพื่อให้ดูงดงามยิ่งขึ้น และความลึกของสไตล์เพื่อความหรูหราของสีที่สว่างกว่า ในเวลาเดียวกัน ภาพวาดบนกระจกในประเทศเนเธอร์แลนด์ เหมือนกับที่อื่นๆ ใช้พลาสติกมากกว่าเดิม โดยมีทิศทางของสีที่สว่างกว่า และที่นี่เป็นครั้งแรกที่เธอเผยความงดงามของเธออย่างกว้างขวางและหรูหรา หน้าต่างหลายบานเช่นในโบสถ์เซนต์. Waltrude in Mons (1520) ในโบสถ์เซนต์ จาค็อบในลัททิช (ค.ศ. 1520-1540) และโบสถ์เซนต์ แคทเธอรีนในกูกสตราเตน (ค.ศ. 1520-1550) ซึ่งภาพวาดในลวดลายทางสถาปัตยกรรมยังคงเต็มไปด้วยเสียงสะท้อนแบบโกธิก เช่นเดียวกับภาพชุดใหญ่ที่แต่งกายแบบเรเนสซองส์ทั้งหมด เช่น หน้าต่างอันงดงามของมหาวิหารในกรุงบรัสเซลส์ บางส่วนขึ้นไปถึง Orlais ( ค.ศ. 1538) และโบสถ์ขนาดใหญ่ใน Gude ผลงานบางส่วนโดย Woeter และ Dirk Crabeth (1555-1577) ส่วนหนึ่งโดย Lambert van Noort (ก่อนปี 1603) เป็นภาพเขียนแก้วที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งของศตวรรษที่ 16 แม้ว่าเราจะเห็นด้วยว่าภาพเขียนกระจกโมเสกแบบโบราณนั้นดูมีสไตล์มากกว่าภาพวาดแบบเขี้ยวใหม่ แต่ก็อดไม่ได้ที่จะประทับใจในความสงบ ด้วยสีจำนวนเล็กน้อยที่กลมกลืนกับหน้าต่างบานใหญ่ของทิศทางนี้

ส่วนหนึ่งของภาพวาดพิเศษแสดงอยู่ในส่วนหนึ่งของฮอลแลนด์ด้วยภาพเขียนขนาดใหญ่ที่วาดบนไม้สำหรับเพดานโค้ง ซึ่งในรูปหลายเหลี่ยมของคณะนักร้องประสานเสียงในโบสถ์แสดงถึงการพิพากษาครั้งสุดท้ายและเหตุการณ์ในพระคัมภีร์อื่นๆ ในอุบาทว์ ที่คล้ายคลึงกันของพันธสัญญาเดิมกับ ใหม่. ภาพวาดประเภทนี้ ตีพิมพ์และประเมินโดย Gustav van Kalken และ Jan Six ถูกค้นพบใหม่ในโบสถ์ใน Enkhuizen (ค.ศ. 1484) นาร์เดน (1518) Alkmaar (1519) Warmhuizen (1525) และในโบสถ์ St. แอกเนสในอูเทรคต์ (1516)

ข้อมูลที่เก่าแก่ที่สุดเกี่ยวกับภาพวาดเนเธอร์แลนด์ของศตวรรษที่ 16 พบได้ในคำอธิบายของ Guicciardini เกี่ยวกับเนเธอร์แลนด์ ในบทสรุปของภาพวาดของ Lampson และในหนังสือจิตรกรชื่อดังของ Karel van Mander พร้อมบันทึกโดย Hymans ในภาษาฝรั่งเศสและ Hans Flörke ในภาษาเยอรมัน ในงานทั่วไป ควรชี้ไปที่ผลงานของ Waagen, Schnaase, Michiel, A. I. Waters and Torel เช่นเดียวกับผลงานของ Riegel และ B. Riehl ตาม Scheibler และผู้แต่งหนังสือเล่มนี้เมื่อสามสิบปีที่แล้วทำงานเกี่ยวกับการศึกษาภาพวาดเนเธอร์แลนด์ในช่วงเวลานี้ ตั้งแต่นั้นมา ผลลัพธ์ของเขาได้รับการเสริมบางส่วน บางส่วนได้รับการยืนยันจากการสอบสวนแยกใหม่โดย Scheibler, Hyymans, Gulin (van Loo) และ Friedländer ประวัติของภาพวาด Antwerp เขียนโดย Max Rooses และ F. I. van den Branden; สำหรับประวัติศาสตร์ศิลปะ Leuven Van Evan ได้วางรากฐานมานานกว่าสามสิบปีแล้ว สำหรับ Mecheln - Neeffs สำหรับ Lüttich - Gelbig สำหรับ Haarlem van der Willigen

2 – ความน่าดึงดูดใจของเนเธอร์แลนด์สำหรับศิลปิน

ในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 16 ศิลปินจากเมืองต่างๆ ของเฟลมิช ดัตช์ และวัลลูนได้แห่กันไปที่แอนต์เวิร์ป ในรายชื่ออาจารย์และนักศึกษาของ Antwerp Guild of Painters ที่ตีพิมพ์โดย Rombouts และ van Lerius ในบรรดาชื่อที่ไม่รู้จักนับพัน จิตรกรชาวเนเธอร์แลนด์ผู้โด่งดังส่วนใหญ่ในศตวรรษนี้ผ่านพ้นไปก่อนเรา พวกเขานำโดย Quentin Masseys the Elder ซึ่งเป็นปรมาจารย์ชาวเฟลมิชผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งตามที่เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปแล้วเกิดในปี 1466 จากผู้ปกครองของ Antwerp ที่เมือง Leuven และในปี 1491 ได้กลายเป็นหัวหน้าของสมาคม St. ลุคในแอนต์เวิร์ปซึ่งเขาเสียชีวิตในปี ค.ศ. 1530 ข้อมูลของเราเกี่ยวกับอาจารย์ท่านนี้เพิ่มขึ้นในช่วงเวลาไม่นานนี้ ต้องขอบคุณ Guillemans, Carl Justi, Gluck, Cohen และ de Baucher โคเฮนแสดงให้เห็นว่าเควนตินได้รับการเลี้ยงดูในลูเวนในผลงานของ Old Fleming Dirk Bouts ที่เข้มงวดและเห็นได้ชัดว่าติดกับลูกชายของเขา Albrecht Bouts (ca. 1461-1549) ซึ่ง Van Even, Gulin และคนอื่น ๆ เห็นในเจ้านายของ " อัสสัมชัญของพระแม่" ของพิพิธภัณฑ์บรัสเซลส์ ไม่ว่าเควนตินจะอยู่ในอิตาลีหรือไม่ก็ไม่ได้รับการพิสูจน์ และไม่จำเป็นต้องเป็นไปตามสไตล์ของเขา ซึ่งอาจพัฒนาบนผืนดินในท้องถิ่นไปสู่อิสรภาพ ความกว้าง และความกระตือรือร้นของจิตวิญญาณแห่งเวลาทั้งทางเหนือและทางใต้ แม้แต่เสียงสะท้อนของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในโครงสร้างของภาพวาดและเครื่องแต่งกายของเขาในภายหลัง เต็มไปด้วยอารมณ์อันกว้างใหญ่ของภูมิทัศน์ของเขาด้วยอาคารที่หรูหราบนเนินเขาในป่าบนภูเขาและความอ่อนโยนของการสร้างแบบจำลองร่างกายที่มั่นใจของเขาซึ่งอย่างไรก็ตามไม่มีอะไรทำ ด้วย "sfumato" ของ Leonardo da Vinci อย่าทำให้เราเชื่อว่าเขาต้องรู้จักผลงานของอาจารย์ท่านนี้ ถึงกระนั้นเขาก็ไม่เย็นชาต่อขบวนการเรอเนสซองส์และนำภาพวาดเฟลมิชอย่างกล้าหาญและเข้มแข็งไปข้างหน้าในกระแสหลักในยุคของเขา แน่นอน เขาไม่ได้มีความหลากหลาย ความแข็งแกร่ง และความลึกทางจิตวิญญาณของDürer แต่เขาเหนือกว่าเขาในพลังภาพของพู่กัน ภาษารูปร่างของเควนติน โดยทั่วไปแล้วจะอยู่เหนือในสาระสำคัญและไม่ปราศจากความหยาบและมุมในการพึ่งพารูปแบบอื่น ปรากฏในหัวบางประเภทที่มีหน้าผากสูง คางสั้น และปากที่ยื่นเล็กน้อยเล็กน้อย สีของเขาฉ่ำ สว่างและเป็นประกาย ในโทนสีของร่างกายพวกเขาเปลี่ยนเป็นขาวดำที่เย็นชาและในเสื้อผ้าที่มีสีรุ้งหลากสีซึ่งDürerปฏิเสธอย่างแน่นอน งานเขียนของเขาใช้พลังทั้งหมดในการลงรายละเอียดอย่างขยันขันแข็ง เช่น เกล็ดหิมะโปร่งแสงและเส้นผมที่พลิ้วไหว ความสมบูรณ์ของจินตนาการไม่ใช่ลักษณะเฉพาะของ Quinten แต่เขารู้วิธีที่จะให้ชีวิตทางจิตวิญญาณที่ใกล้ชิดอย่างยิ่งกับการกระทำอย่างเงียบ ๆ กลุ่มหลักของภาพวาดของเขามักจะใช้พื้นที่เบื้องหน้าเต็มความกว้าง ภูมิทัศน์ที่สว่างไสวทำให้เปลี่ยนจากแผนระดับกลางไปเป็นพื้นหลังได้อย่างสง่างาม

รูปปั้นครึ่งตัวของพระผู้ช่วยให้รอดและพระมารดาของพระองค์ในเมืองแอนต์เวิร์ป วาดด้วยความรัก แต่ถูกแปรรูปอย่างแห้งแล้ง ไม่ต้องสงสัยเลยว่ามีอายุย้อนไปถึงศตวรรษที่ 15 การทำซ้ำของพวกเขาในลอนดอนมีพื้นหลังสีทองแทนที่จะเป็นสีเขียวเข้ม แท่นบูชาขนาดใหญ่สี่ชิ้นให้แนวคิดเกี่ยวกับพลังที่เป็นผู้ใหญ่ของ Quentin ในตอนต้นของศตวรรษใหม่ ประตูที่เก่ากว่าคือประตูแท่นบูชาที่แกะสลักซึ่งปรากฏในปี 1503 ในซานซัลวาดอร์ในบายาโดลิด พวกเขาพรรณนาถึงความรักของคนเลี้ยงแกะและโหราจารย์ หลักฐานที่ Carl Justi อ้างมาทำให้เราตระหนักได้ว่ามันทำงานตามแบบฉบับของ Quentin ผลงานที่ใหญ่ที่สุดและดีที่สุดของ Quinten ที่เป็นที่รู้จัก เข้าถึงได้ง่าย สร้างเสร็จในปี 1509 แท่นบูชาของ St.. อันนาแห่งพิพิธภัณฑ์บรัสเซลส์ ส่องประกายด้วยความงามอันเงียบสงบ กับนักบุญ เกิดในอารมณ์เพ้อฝันถึงส่วนตรงกลางและแล้วเสร็จในปี ค.ศ. 1511 แท่นบูชาของ ap. พิพิธภัณฑ์ John of the Antwerp ซึ่งเป็นส่วนตรงกลางของภาพที่กว้าง ทรงพลัง และเปี่ยมด้วยความรัก แสดงถึงการคร่ำครวญเหนือพระกายของพระคริสต์ ประตูของแท่นบูชาของนักบุญ แอนนามีเหตุการณ์ต่าง ๆ จากชีวิตของโจอาคิมและแอนนาที่เขียนอย่างกว้างๆ และมีชีวิตชีวาด้วยการถ่ายทอดชีวิตฝ่ายวิญญาณที่ยอดเยี่ยม ปีกของแท่นบูชานักบุญยอห์นมีความทรมานของจอห์นสองคนที่ด้านในและร่างของพวกเขาที่ด้านนอกตามประเพณีเก่าถูกนำเสนอในรูปแบบของรูปปั้นที่ทาสีด้วยโทนสีเทาบนพื้นหลังสีเทา ผลงานชิ้นที่สี่ติดต่อกันตาม Gulin อันมีค่าอันมีค่าขนาดใหญ่ของ Quentin พร้อมการตรึงกางเขนในคอลเล็กชันของ Mayer van den Bergt ในเมือง Antwerp ในบรรดาภาพทางศาสนาขนาดเล็กมีภาพวาดหลายภาพซึ่งก่อนหน้านี้ถือว่าเป็นผลงานของ "จิตรกรภูมิทัศน์" Patinir และเหนือสิ่งอื่นใดการตรึงกางเขนที่สวยงามกับชาวมักดาลาโอบกอดเท้าของไม้กางเขนในหอศิลป์แห่งชาติในลอนดอนและใน หอศิลป์ลิกเตนสไตน์ในกรุงเวียนนา ติดกับภาพวาดเหล่านี้เป็น "การคร่ำครวญถึงพระกายของพระคริสต์" เพียงเล็กน้อยในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ซึ่งถ่ายทอดความเข้มงวดของพระกายศักดิ์สิทธิ์และความเศร้าโศกของมารีย์และยอห์นอย่างชำนาญซึ่งทุกคนไม่ได้รับการยอมรับว่าเป็นงานโดย ควินเทน. ไม่ต้องสงสัยเลยว่า Madonnas ที่หรูหราและนั่งอย่างเคร่งขรึมในกรุงบรัสเซลส์และเบอร์ลินและภาพอันน่าทึ่งของ Magdalene ในเบอร์ลินและ Antwerp เป็นของแท้

เควนติน แมสซีย์สยังเป็นผู้เติมเต็มประเภทครึ่งร่างขนาดเท่าคนจริงของเนเธอร์แลนด์อีกด้วย ภาพวาดประเภทนี้ส่วนใหญ่ที่มีนักธุรกิจอยู่ในสำนักงาน ล้วนแต่เป็นผลงานของเวิร์กช็อปเท่านั้น งานเขียนด้วยลายมือตัดสินโดยจดหมายที่มั่นใจและเขียนเสร็จแล้วคือ "The Gold Weigher and His Wife" ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ "Unequal Pair" ที่ Countess Pourtales ในปารีส มันไปโดยไม่บอกว่าเควนตินยังเป็นจิตรกรวาดภาพที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขาอีกด้วย ภาพเหมือนที่แสดงออกและมีศิลปะมากกว่าเขานั้นไม่ได้วาดที่ไหนเลยในขณะนั้น ภาพที่โด่งดังที่สุดคือภาพเหมือนของแคนนอนบางส่วนตัดกับฉากหลังของภูมิทัศน์ที่กว้างและสวยงามในแกลเลอรีลิกเตนสไตน์ ภาพเหมือนของปีเตอร์ เอกิดิอุสในการศึกษาของเขาที่ปราสาทลองฟอร์ด และภาพเหมือนของอีราสมุสเขียนในพระราชวังสโตรกานอฟในกรุงโรม ภาพเหมือนของ Jean Carondelet บนพื้นหลังสีเขียวในมิวนิก Pinakothek มาจากผู้ชื่นชอบ Orlais ที่ดีที่สุด ความกว้างที่เพิ่มมากขึ้นของแนวคิดและวิธีการวาดภาพของปรมาจารย์สามารถติดตามได้อย่างแม่นยำในภาพบุคคลเหล่านี้

รูปที่ 76 - Masseys, Quentin ภาพเหมือนของทนายความ

ผู้ติดตามที่ไม่ต้องสงสัยปรากฏตัวพร้อมกับ Quentin Masseys โดยเฉพาะอย่างยิ่งในด้านประเภทภาพเหมือนในรูปครึ่งตัวขนาดใหญ่ ภาพเหมือนบางภาพซึ่งเดิมถือว่าเป็นผลงานของเขา เช่น "Two misers" ในวินด์เซอร์ ซึ่ง Baucher เป็นเจ้าของกรรมสิทธิ์ของ Quentin และ "Torg เพราะไก่" ใน Dresden เนื่องจากรูปร่างที่ว่างเปล่าและสีที่เย็นชา ถูกนำมาประกอบกับลูกชายของเขาอีกครั้ง Jan Masseys Marinus Klas จาก Romersval (Reimersval) (ตั้งแต่ปี 1495 ถึง 1567 และหลังจากนั้น) ซึ่งในปี 1509 เป็นนักเรียนของกิลด์ Antwerp ก็อยู่ติดกับ Quentin อย่างใกล้ชิด สไตล์การเขียนของเขารุนแรงกว่า แต่ก็ยังไม่มีเนื้อหา มากกว่าของเควนติน ด้วยความรักพิเศษ เขาอาศัยรอยย่นของผิวหนังและรายละเอียดของแขนขา "เซนต์เจอโรม" ในกรุงมาดริดเขียนโดยเขาในปี ค.ศ. 1521 "ผู้เก็บภาษี" ในมิวนิกในปี ค.ศ. 1542 "ผู้เปลี่ยนกับภรรยา" ในกรุงโคเปนเฮเกนในปี ค.ศ. 1560 "การเรียกอัครสาวกแมทธิว" ในชุดของลอร์ดนอร์ธบรูก ในลอนดอน. ด้วยภาพเหล่านี้ เราทำเครื่องหมายหัวข้อที่เขาชื่นชอบ Gulin เรียกเขาว่า "หนึ่งในปรมาจารย์เฟลมิชผู้ยิ่งใหญ่คนสุดท้าย"

รูปที่ 77 - "คนเก็บภาษี" ในมิวนิกในปี 1542

3 - โจคิม ปาตินีร์

Patinier of Dinan (ค.ศ. 1490-1524) ซึ่งกลายเป็นปรมาจารย์ Antwerp ในปี ค.ศ. 1515 ซึ่งเป็นจิตรกรภูมิทัศน์ที่แท้จริงคนแรกที่ Dürer รู้จัก ได้รับการพัฒนาร่วมกับ Boats, David และ Quentin Masseys แต่ถึงกระนั้น ภูมิทัศน์ของเขาที่มีต้นไม้ น้ำ และบ้านเรือน โดยมีโขดหินอยู่ด้านหลัง กองหิน เขายังคงเชื่อมโยงทุกหนทุกแห่งกับเหตุการณ์ในพระคัมภีร์ และไม่ได้ให้ภูมิทัศน์ที่พัฒนาอย่างเป็นธรรมชาติและมีส่วนรวมในอารมณ์เหมือนภาพทิวทัศน์สีน้ำของDürerหรือภาพเขียนสีน้ำมันขนาดเล็ก Altdorfer และภาพวาดโดย Huber ในส่วนที่แยกจากกัน Patinir สังเกตตามธรรมชาติและศิลปะและถ่ายทอดหน้าผาหินสูงชัน กลุ่มต้นไม้เขียวชอุ่ม วิวแม่น้ำกว้างไกลของบ้านเกิดของเขา หุบเขาของมิวส์ตอนบน เขาวาดภาพใบไม้ของต้นไม้ตามแบบจำลองเก่าของชาวดัตช์ที่มีจุดเป็นเม็ดเล็ก ๆ อย่างไรก็ตาม เขาซ้อนส่วนต่าง ๆ ทับกันอย่างน่าอัศจรรย์และไม่เคารพต่อมุมมองที่ว่าภาพธรรมชาติของเขามักจะดูรกและไม่เป็นธรรมชาติ ภาพวาดหลักที่มีลายเซ็นคือ: ภูมิทัศน์ในกรุงมาดริดที่มี "สิ่งล่อใจของนักบุญแอนโธนี" ซึ่งปัจจุบันมีสาเหตุมาจากเควนติน แมสซีย์ และภูมิทัศน์อันตระการตาที่มี "การล้างบาปของพระเจ้า" ของหอศิลป์เวียนนา ภูมิทัศน์ที่มี Rest on the Flight to Egypt ซึ่งเป็นที่โปรดปรานของเขาในภูมิทัศน์ที่ Antwerp และ St. เจอโรมในคาร์ลสรูเฮอ ในกรุงเบอร์ลิน นอกเหนือจากพิพิธภัณฑ์แล้ว ผลงานของเขายังอยู่ในคอลเล็กชั่น Kaufmann; ในประเทศอื่นๆ สามารถพบเห็นได้ในแกลเลอรีหลักในมาดริดและเวียนนา

รูปที่ 78 - สิ่งล่อใจของนักบุญ แอนโทนี่

Henry (Gendrik) Bles หรือ Met de Bles จากเมือง Bouvigne (ตั้งแต่ปี 1480 ถึง 1521 ขึ้นไป) ซึ่งเป็นจิตรกรภูมิทัศน์ร่วมสมัยเกือบร่วมสมัยแห่งหุบเขามิวส์คนที่สอง ซึ่งอยู่ถัดจาก Patinir (ตั้งแต่ ค.ศ. 1480 ถึง ค.ศ. 1521 ขึ้นไป) ซึ่งได้รับฉายาว่า Civetta โดยชาวอิตาลีสำหรับสัญลักษณ์ "นกฮูก" ของเขาได้รับการพัฒนา เป็นที่แน่ชัดว่าเขาอยู่ในอิตาลีและไม่ค่อยแน่ใจว่าเขาอาศัยอยู่ใน Antwerp ภาพเขียนทางศาสนาระดับปานกลางจำนวนหนึ่ง ได้แก่ Adoration of the Magi และต้นแบบที่มีลายเซ็น "Henricus Blesius" ของ Munich Pinakothek ซึ่งมีต้นกำเนิดในเมือง Antwerp จริงๆ ระยะทางแนวนอนซึ่งพิจารณาจากแรงจูงใจและการประหารชีวิตนั้นอยู่ติดกับภูมิประเทศของปาตินีร์ แม้ว่าโทนสีน้ำตาลจะสว่างกว่าก็ตาม อย่างไรก็ตาม รูปแบบของภาพวาดเหล่านี้มีน้อยเกินไปที่เหมือนกันกับรูปแบบของภูมิทัศน์ที่แท้จริงของ Civetta ซึ่งเป็นจิตรกรภูมิทัศน์ที่โดดเด่นของแหล่งโบราณ จึงไม่มีข้อสงสัยว่าภาพเขียนทางศาสนาของ ระบุว่ากลุ่ม Blesov เป็นของจิตรกรภูมิทัศน์ Henry Met de Bles ไม่ว่าในกรณีใด ร่วมกับ Voll เราถือว่าลายเซ็นบนรูปภาพมิวนิกเป็นของแท้ จิตรกรภูมิทัศน์ที่มีชื่อนี้เมื่อเปรียบเทียบกับ Patinir ประการแรกมีความโดดเด่นด้วยสีขาวมากกว่าจากนั้นเขาก็มีความมั่นใจมากขึ้น แต่น่าเบื่อกว่าในการจัดองค์ประกอบและในที่สุดก็นุ่มนวลกว่า แต่ดูโอ้อวดมากกว่าในลักษณะของการวาดภาพ ในเวลาเดียวกัน ในไม่ช้าเขาก็ปฏิเสธที่จะจัดภูมิทัศน์ที่มีบุคคลสำคัญทางศาสนาและแทนที่ด้วยประเภท ทิวทัศน์ของพระองค์ด้วยวิถีแห่งกางเขนที่สถาบันศิลปะเวียนนาและพระราชวังโดเรียในกรุงโรม ภูมิทัศน์ภูเขาขนาดใหญ่ที่น่าอัศจรรย์ด้วยโรงสีกลิ้ง เตาหลอมเหล็กและโรงตีเหล็กที่ Uffizi และภูมิทัศน์ที่มีโขดหิน แม่น้ำ และ (เกือบ) มองไม่เห็น) สะมาเรียแห่งเวียนนาแกลเลอรี ซึ่งเป็นเจ้าของภาพวาดของเขาจำนวนหนึ่ง ในการเปลี่ยนไปใช้รูปแบบสุดท้ายเป็นภูมิทัศน์ที่มีพ่อค้าและลิงในเดรสเดน

Jan Gossaert จาก Maubeuge (Mabuze; ประมาณ 1470-1541) ซึ่งมักเรียก Mabuze หลังจากบ้านเกิดของเขาในภาษาละติน Malbodius ทำงานได้อย่างน่าเชื่อถือใน Antwerp จากเดวิดเขาผ่านไปยังเควนตินและในอิตาลี (1508-1519) หลังจากประมวลผลอิทธิพลของโรงเรียนอิตาลีตอนบนแล้วเขาก็พัฒนาเป็นตัวแทนหลักของสไตล์โรมัน - ฟลอเรนซ์ในเบลเยียม ไม่เพียงแต่สถาปัตยกรรมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงตัวเลขและองค์ประกอบทั้งหมดมีส่วนร่วมในการเปลี่ยนแปลงของภาษาของรูปแบบ ดังนั้นด้วยพลาสติกเย็นที่ทำด้วยความคมชัด สไตล์ของเขาจึงดูมีมารยาทและไม่เป็นศิลปะ ในทางตรงกันข้าม งานก่อนหน้าของ Mabuse เช่น Adoration of the Magi ที่มีชื่อเสียงใน Castle Howard พร้อมลายเซ็นของเขา Christ on the Mount of Olives ในเบอร์ลิน แท่นบูชา Madonna สามส่วนในพิพิธภัณฑ์ใน Palermo เป็นงานเก่าของเนเธอร์แลนด์ที่มี ทะลุทะลวง ภาษาสำคัญของรูปแบบ และสี จากภาพเขียนต่อมา "อดัมและอีฟ" ที่แฮมป์ตันคอร์ต "ผู้เผยแพร่ศาสนาลุคเขียนพระแม่มารี" ที่ Rudolfinum ในปรากและ "มาดอนน่า" ในมาดริดมิวนิกและปารีสด้วยเทคนิคทางเทคนิคทั้งหมดมีความโดดเด่นแล้ว ความเยือกเย็นโดยเจตนาของรูปแบบและน้ำเสียงของลัทธิอิตาลีของเขา ภาพเขียนในตำนานในลักษณะนี้ เช่น "Hercules and Dejanira" โดย Cook ในริชมอนด์ (1517), "Neptune and Amphitrite" ในเบอร์ลิน และ "Danae" ในมิวนิก (1527) เป็นเรื่องที่ทนไม่ได้เพราะยังคงพยายามผสมผสานความเป็นจริงอย่างสมบูรณ์ หัวที่มีรูปร่างเป็นพลาสติกเย็น อย่างไรก็ตาม ภาพเหมือนของ Mabuse ในเบอร์ลิน ปารีส และลอนดอนแสดงให้เขาเห็นจากด้านที่ดีที่สุด ถึงกระนั้น ภาพบุคคลก็หวนคืนสู่ธรรมชาติเสมอ

รูปที่ 79 - "ดาวเนปจูนและแอมฟิไทรต์" ในเบอร์ลิน

ปรมาจารย์ที่เกี่ยวข้องซึ่งพัฒนาภายใต้อิทธิพลของ Quentin, Patinir และ Mabuse คือ Jos van Cleve the Elder (ประมาณ 1485-1540) ซึ่งเป็นอาจารย์ในอัมสเตอร์ดัมในปี ค.ศ. 1511 ซึ่งไม่ว่าในกรณีใด ๆ ได้ไปเยือนอิตาลี หลังจากศึกษาโดย Kemmerer, Firmenich-Richartz, Justi, Gluck, Gulin และคนอื่นๆ ก็ถือได้ว่าเป็นปรมาจารย์ที่อุดมสมบูรณ์ งดงาม และหล่อเหลาของ Assumption of the Virgin ซึ่งรู้จักกันในชื่อนั้นจากภาพทั้งสองของเขาด้วยพล็อตนี้ ในเมืองโคโลญ (ค.ศ. 1515) และในมิวนิก ไม่มีใครอื่นนอกจากท่านโจส ฟาน คลีฟผู้อาวุโสคนนี้ แม้ว่าโวลล์จะจำเขาได้เพียงภาพเหมือนในมิวนิกเท่านั้น Scheibler ให้บริการที่ยอดเยี่ยมโดยการเปรียบเทียบผลงานของเขา ภาพวาดเหล่านี้จากพู่กันของเขา เช่นเดียวกับภาพวาดอื่นๆ ก่อนหน้านี้ สำหรับความรื่นรมย์และความเรียบง่ายแบบ Low German ทั้งหมด ได้สัมผัสกับอิทธิพลแรกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแล้ว ผลงานหลักของวัยกลางคน เมื่อเขายังผสมผสานความสดชื่นของภาพวาดด้วยโทนสีอบอุ่นและพู่กันที่เรียบลื่น เป็นแท่นบูชาในโบสถ์อันสูงส่งของ "มาดอนน่ากับเชอร์รี่" ในกรุงเวียนนา "ความรักของพวกโหราจารย์" ขนาดเล็กในเดรสเดน , "มาดอนน่า" อันงดงามใน Ince Hall ใกล้ Liverpool และ "Crucifixion" ที่ Weber's ในฮัมบูร์ก พวกเขาโดดเด่นด้วยความร่ำรวย แต่มีเพียงรูปแบบเรอเนสซองส์ที่แสดงออกเพียงครึ่งเดียวด้วยการเล่นคิวปิดประติมากรรมและภูมิทัศน์ที่สวยงามซึ่งยังคงเป็นลักษณะที่สมดุลมากขึ้นของ Patinir สไตล์ภายหลังของเขา เย็นกว่าในร่างที่แสดงออกด้วยพลาสติกบางส่วนเท่านั้น และเมื่อเทียบกับ Mabuse แบบจำลองที่นุ่มนวลกว่าและอ่อนโยนกว่า เป็นตัวแทนของ "ความรักของพวกโหราจารย์" ขนาดใหญ่ในเมืองเดรสเดน ซึ่งเป็นภาพ "คร่ำครวญถึงพระคริสต์" ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และ ที่สถาบัน Stedel "แท่นบูชาของ Three Wise Men" ในเนเปิลส์และ "Holy Family" ใน Palazzo Balbi ในเจนัว ภาพเหมือนของเขาที่วาดอย่างนุ่มนวลและสม่ำเสมอในแกลเลอรี่ของเบอร์ลิน เดรสเดน โคโลญ คัสเซิล และมาดริด และภาพที่สวยที่สุดในหมู่พวกเขา ภาพเหมือนผู้ชายของคอลเล็กชั่นคอฟมันน์ในเบอร์ลิน ยังคงและเคยรู้จักมาก่อน ส่วนใหญ่ใช้ชื่อปลอม อิทธิพลที่แข็งแกร่งของ Quentin Masseys มากกว่าต้นแบบของ "Assumption of the Virgin" นั้นแสดงโดย "อาจารย์จากแฟรงค์เฟิร์ต" ซึ่งศึกษาโดยWeizsäckerด้วยภาพหลักของเขาของแท่นบูชาในแฟรงค์เฟิร์ตศึกษาโดยWeizsäckerด้วยภาพหลักของเขา แท่นบูชา "การตรึงกางเขน" ของสถาบัน Staedel และ "ปรมาจารย์แห่งเซนต์เลือด" ในบรูจส์; หอศิลป์เวเบอร์ในฮัมบูร์กมี "แท่นบูชาพระแม่มารี" ในงานของเขา

4 - โรงเรียนบรัสเซลส์

เมื่อกลับมาที่บรัสเซลส์เราพบกันที่นี่ในทศวรรษแรกของศตวรรษ Barend van Orley ปรมาจารย์ท้องถิ่นที่ยอดเยี่ยม (เสียชีวิตในปี ค.ศ. 1542) ผู้ซึ่งสำเร็จการศึกษาภายใต้การแนะนำของ Raphael ในกรุงโรมแม้ว่าจะเหมือนกันก็ตาม เวลามันเป็นไปไม่ได้ที่จะพิสูจน์ว่าเขาอยู่ในอิตาลี ศิลปินแห่งศตวรรษที่ 15 ในตอนต้น ราวปี ค.ศ. 1520 ภายใต้อิทธิพลของ Raphael, Dürer และ Mabuse เขาส่งต่อไปยังลัทธิโรมันและเป็นตัวแทนที่สำคัญที่สุดในเนเธอร์แลนด์ เมื่อสามสิบปีที่แล้ว Alphonse Waters ได้แสดงให้เห็น และเมื่อเร็ว ๆ นี้ Friedländer ได้ยืนยันอีกครั้งอย่างถี่ถ้วนว่าในตอนแรกเขาอุทิศตนให้กับการวาดภาพโบราณเป็นหลัก และต่อมาคือการทอพรมและภาพวาดบนกระจกขนาดใหญ่ ไม่เพียงแต่ Hunts of Maximilian ที่กล่าวถึงแล้วของ Louvre แต่ยังรวมถึง Life of Abraham ที่ Gampton Court และ Madrid, Battle of Pavia ที่ Naples และภาพเขียนแก้วที่สวยที่สุดบางส่วนใน Brussels Cathedral ทำจากกระดาษแข็งของเขา

รูปที่ 80 - การต่อสู้ของ Pavia

ฟรีดแลนเดอร์ถือว่าแท่นบูชาของอัครสาวกเป็นแท่นบูชาที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่ ส่วนตรงกลางซึ่งมีเหตุการณ์ต่างๆ จากชีวิตของอัครสาวกโธมัสและแมทธิวเป็นของหอศิลป์เวียนนา และประตูสู่หอศิลป์บรัสเซลส์ เขาอ้างถึง 1512 ประตูแท่นบูชาของนักบุญ Walburga ใน Turin Gallery ตกแต่งในสไตล์โกธิกบริสุทธิ์ ประดับประดาด้วยจิตวิญญาณของเฟลมิชเก่า เริ่มต้นในปี ค.ศ. 1515 และแล้วเสร็จในปี ค.ศ. 1520 แท่นบูชาที่เกือบจะพร้อม ๆ กันแสดงถึงคำเทศนาของนักบุญ Norbert ในมิวนิกได้มอบสถาปัตยกรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาแล้วซึ่งเข้าใจได้ไม่ดี ในบรรดาภาพถ่ายบุคคลที่ยอดเยี่ยม เรียบง่าย และเป็นความจริง ลายเซ็นของเขาคือภาพ Dr. Celle จากปี 1519 ในกรุงบรัสเซลส์ ลัทธิอิตาลีของ Orlais แสดงออกค่อนข้างและในทันทีแม้ว่าจะมีการปรับแก้เล็กน้อยใน "การทดลองงาน" (1521) ของพิพิธภัณฑ์บรัสเซลส์ใน "มาดอนน่า" ที่เพิ่งได้รับของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ (1521) ซึ่งสอดคล้องกับสิ่งที่คล้ายกัน ภาพปี ค.ศ. 1522 ในการครอบครองของเอกชนในสเปนเช่นเดียวกับในแท่นบูชา "การกุศลของคนจน" ของพิพิธภัณฑ์ Antwerp พร้อมรูปการพิพากษาครั้งสุดท้ายและผลงานแห่งความเมตตา เรามองไปที่แท่นบูชาที่มีการตรึงกางเขนในรอตเตอร์ดัมเป็นงานในยุคต่อมา และร่วมกับฟรีดแลนเดอร์ เราพิจารณาภาพเหมือนของคารอนเดเลตในมิวนิก ที่มาจากมอสส์ว่าเป็นงานที่เป็นผู้ใหญ่ที่สุดของปรมาจารย์ แท่นบูชาจากบั้นปลายชีวิตของเขากลับกลายเป็นงานที่ค่อนข้างธรรมดาในเวิร์กช็อปของเขา

Pieter Kok van Aelst (1502-1550) นักเดินทาง "Flemish Vitruvius" ในอิตาลี ซึ่งอาศัยอยู่ที่ Antwerp ก่อนที่จะย้ายไปบรัสเซลส์ เป็นนักเรียนของ Orlais ในฐานะจิตรกรในจิตวิญญาณของออร์เลส์ เรารู้จักเขาจากพระกระยาหารมื้อสุดท้ายในพิพิธภัณฑ์บรัสเซลส์ ในคอลเลกชันเดียวกันมีภาพวาดของศิลปินที่เกี่ยวข้องกับ Orlais, Cornelis และ Jan van Conincksloogh (1489-1554) ซึ่งไม่มีร่องรอยของการพัฒนาใด ๆ ที่มองเห็นได้อย่างไรก็ตามในภาพวาดของจิตรกรภูมิทัศน์บรัสเซลส์ Luca-Hassel van Helmont (1496-1561) ของ Vienna Gallery และ Weber Collection ในฮัมบูร์กซึ่งเป็นไปตามทิศทางของ Civetta อย่างไรก็ตาม ไม่มีภูมิทัศน์ใดของโรงเรียนแห่งนี้จากแม่น้ำมิวส์ที่สามารถเปรียบเทียบได้ในทันทีทันใดของการรับรู้และการแสดงออกอย่างมีสีสันกับภูมิทัศน์ของอัลท์ดอร์เฟอร์และโรงเรียนดานูบ

รูปที่ 81 - เฟลมิช วิตรูเวียส

สำหรับโรงเรียนในบรัสเซลส์ ร่วมกับ Gulin เรายังสามารถรวม "เจ้าแห่งหุ่นครึ่งตัวหญิง" ได้ ซึ่ง Wickhoff เสนอแนะไม่น้อยไปกว่า Jean Clouet จิตรกรในราชสำนักดัตช์ของกษัตริย์ฟรานซิสที่ 1 ชาวฝรั่งเศส นักวิชาการชาวเวียนนาผู้มีความสามารถจริงๆ ให้โอกาสที่เขาทำงานในฝรั่งเศส แต่เขาคือ Jean Clouet ยังคงเป็นที่น่าสงสัยมากกว่า ผู้หญิงของเขาอ่านหนังสือหรือทำดนตรี ซึ่งมักจะวาดทีละตัวหรือหลายๆ รูปครึ่งตัวท่ามกลางเครื่องเรือนที่ตกแต่งอย่างหรูหรา ได้รับการเก็บรักษาไว้ในคอลเลกชั่นมากมาย Wyckhoff เพิ่งแยกและแก้ไข ผู้หญิงสามคนที่สวยที่สุดในการแสดงดนตรี แกลเลอรี่ Harrach ในกรุงเวียนนา ในแง่ของความซับซ้อนของประเภทในชีวิตประจำวัน รูปภาพเหล่านี้ผสมผสานภาพวาดที่เรียบง่ายและสีที่ร้อนแรงเข้ากับท่าทางอันสูงส่งและแอนิเมชั่นที่สงบ นำมาซึ่งบันทึกใหม่ในประวัติศาสตร์ของการวาดภาพ

ในเมืองบรูจส์ ผู้สืบทอดตำแหน่งต่อจากเดวิดจะดึงดูดความสนใจในทันที ซึ่งรวมถึง Adrian Isenbrandt หัวหน้าสมาคมแห่งเมือง Bruges จากปี 1510 ซึ่งเสียชีวิตในปี 1551 ร่วมกับ Gulin เราอาจมีสิทธิ์ที่จะเห็นผลงานของเขาในภาพวาดที่ Waagen อ้างว่าเป็นอาจารย์ของ Haarlem Jan Mostaert อย่างผิดพลาด เขามีจินตนาการเพียงเล็กน้อยในสภาพภูมิประเทศที่สงบและเต็มไปด้วยอารมณ์ ร่างที่วาดเรียบง่ายและชัดเจน ด้วยน้ำเสียงที่โอ่อ่าตระการตาด้วยโทนสีร่างกายที่ไม่ค่อยบริสุทธิ์ เขานำสไตล์ของ David มาสู่เสน่ห์ที่อ่อนโยนยิ่งขึ้น "ความรักของพวกโหราจารย์" ขนาดใหญ่ของเขาในโบสถ์พระแม่มารีในเมืองลูเบคมีวันที่ 1581 ในขณะที่ "พระแม่แห่งความเศร้าโศก" ในโบสถ์พระแม่ในบรูจส์ถูกเขียนขึ้นอย่างน้อยสิบปีต่อมา จากบรรดาภาพเขียนที่มักนำมาประกอบกับเขา Gulin ได้แยกแยะบางส่วนออก ตัวอย่างเช่น "The Appearance of the Madonna" ("Deipara Virgo") ของพิพิธภัณฑ์ Antwerp และประกอบเป็น Ambrosius Benson (ประมาณปี ค.ศ. 1550) ซึ่ง กลายเป็นเจ้าแห่งเมืองบรูจส์ในปี ค.ศ. 1519

แนวโน้มระดับชาติใหม่ของเควนติเนียนซึ่งตรงกันข้ามกับศิลปะของปรมาจารย์เหล่านี้ซึ่งมีอิทธิพลต่อสไตล์อิตาลีทำให้เกิดความขัดแย้งคือ Jan Provost of Mons ผู้ซึ่งตั้งรกรากในเมือง Bruges ประมาณ 1494 และเสียชีวิตที่นี่ในปี 1529 พร้อมกับภาพวาดที่เชื่อถือได้เท่านั้นในภายหลัง . , ตัวอย่างเช่น, Last Judgment of 1525 ในพิพิธภัณฑ์ใน Bruges, Last Judgment อีกครั้งที่ Weber ในฮัมบูร์กและ Madonna in Glory ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในทางตรงกันข้าม Lancelot Blondel (1496-1561) ซึ่งภาพเขียนโดดเด่นสำหรับการประดับประดาอันอุดมสมบูรณ์ของพวกเขาทำในโทนสีน้ำตาลบนสีทองและรูปทรงที่เย็นชาว่ายอย่างสมบูรณ์ตลอดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา แท่นบูชาปี 1523 กับชีวิตของ Saints Cosmas และ Damian ในโบสถ์ St. เจมส์ยกตัวอย่างของยุคแรกๆ ที่ยังไม่สม่ำเสมอ และรูปแบบต่อมาที่เป็นผู้ใหญ่ก็แสดงให้เห็นในแท่นบูชามาดอนน่าในปี ค.ศ. 1545 ในโบสถ์และในภาพกับอัครสาวกลุคในปีเดียวกันในพิพิธภัณฑ์ในบรูจส์ จากนั้นบลอนเดิลก็ตามด้วยแคลส์ที่ก้าวหน้าน้อยกว่า ซึ่งมีเพียงปีเตอร์ แคลส์ผู้เฒ่า (ค.ศ. 1500-1576) ซึ่งมีภาพเหมือนตนเองพร้อมลายเซ็นที่ยอดเยี่ยมในปี ค.ศ. 1560 อยู่ในหอศิลป์แห่งชาติในคริสเตียเนีย ไปไกลกว่าครึ่งแรกของศตวรรษ

5 – ศิลปะแห่งเนเธอร์แลนด์ตอนเหนือ

จิตรกรที่สำคัญที่สุดในครึ่งแรกของศตวรรษที่ 16 ศึกษาในยุคปัจจุบันโดย Dülberg รวมตัวกันในเนเธอร์แลนด์ตอนเหนือ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในไลเดน อูเทรคต์ อัมสเตอร์ดัม และฮาร์เลม ขบวนการหลักปรากฏตัวครั้งแรกพร้อมกับความกระฉับกระเฉงในไลเดน Cornelis Engebrechts (1468-1533) ปรากฏตัวที่นี่ในฐานะปรมาจารย์ที่ลงมือบนเส้นทางใหม่ ผลงานหลักสองชิ้นของเขาในพิพิธภัณฑ์ไลเดนคือแท่นบูชาที่มีการตรึงกางเขน (ประมาณ พ.ศ. 1509) การสังเวยของอับราฮัมและงูทองแดงที่ด้านใน การเยาะเย้ยของพระผู้ช่วยให้รอดและการสวมมงกุฎของพระผู้ช่วยให้รอดด้วยมงกุฎหนามที่ด้านนอก ปีกและแท่นบูชาที่มีการคร่ำครวญเหนือพระกายของพระคริสต์ (ประมาณ ค.ศ. 1526) ) พร้อมฉากเล็ก ๆ ของ Passion of Christ ที่ด้านข้างและมีประตูอันงดงามพร้อมผู้บริจาคและนักบุญ ในผลงานทั้งสอง ความหลงใหลในการเล่าเรื่องที่มีชีวิตชีวานั้นยิ่งใหญ่ และประสบความสำเร็จในการนำเสนอสู่ดินแดนแห่งภูมิทัศน์อันอุดมสมบูรณ์ ในการตรึงกางเขน การถ่ายโอนร่างกายนั้นงดงาม แม้จะมีเงาสีน้ำตาลเทาและเอฟเฟกต์สีประกายระยิบระยับที่ผสมผสานกันอย่างลงตัว การเคลื่อนไหวที่น่าสมเพชยังค่อนข้างเป็นละคร ร่างที่ยาวและยาวด้วยหัวเล็ก ๆ ขายาวน่องหนาและข้อเท้าบางเห็นได้ชัดว่ามีความสัมพันธ์ที่ห่างไกลกับธรรมชาติเท่านั้น ใบหน้าของผู้ชายจมูกยาว ส่วนผู้หญิงที่มีใบหน้าส่วนบนสูงและส่วนล่างที่สั้นอย่างน่าทึ่งนั้นไม่มีความคล้ายคลึงกับตนเองเลย ภาพวาดของแท่นบูชาที่มีการคร่ำครวญเหนือพระกายของพระคริสต์นั้นถูกวาดให้คมน้อยลงและถูกแต่งขึ้นอย่างนุ่มนวลและมีสีมากขึ้นโดยถ่ายในโทนสีน้ำตาล สถาปัตยกรรมทั้งหมดในภาพวาดเหล่านี้เป็นสถาปัตยกรรมแบบโกธิกตอนปลาย และร่างทั้งหมดหากไม่มีความสัมพันธ์ที่ถูกต้องโดยทั่วไป พยายามอย่างอิสระจากความเชื่อมโยงของศตวรรษที่ 15 กับเสรีภาพของศตวรรษที่ 16 เราไม่สามารถแสดงรายการภาพวาดขนาดเล็กจำนวนมากจากคอลเล็กชันอื่น ๆ ได้ที่นี่ ซึ่งนักเลงที่เก่งที่สุดมักอ้างจาก Engebrechtsen ทว่าในหมู่พวกเขามี "สิ่งล่อใจของนักบุญแอนโธนี" เล็กๆ ในเดรสเดน!

รูปที่ 82 - ลูก้า ฟาน เลย์เดน

นักเรียนหลักของ Engebrechts คือลูกชายที่มีชื่อเสียงของ Guy Jacobs, Lucas van Leiden (ตั้งแต่ 1494 หรือก่อนหน้าจนถึงปี 1533) ซึ่งไม่เพียงทำหน้าที่เป็นจิตรกรเท่านั้น แต่ยังเป็นช่างแกะสลักและช่างแกะสลักผลงานของเขาและช่างเขียนแบบงานแกะสลักไม้ ซึ่งเขาสามารถเปรียบเทียบกับDürerได้ เขาทิ้งรูปสลักทองแดง 170 อัน สลัก 9 อัน และลายไม้ 16 อัน พัฒนาการทางศิลปะของเขาปรากฏชัดเจนที่สุดในงานแกะสลักทองแดงที่เน้นโดย Folbert หลังจากประสบการณ์ช่วงแรกๆ เช่น โมฮัมเหม็ดที่หลับใหล (1508) แล้วในการกลับใจใหม่ของซาอูล (1509) และในการยั่วยวนของนักบุญ แอนโธนีที่มีร่างยาวเหมือนกับร่างของเอนเกเบรชต์ นายน้อยย้ายไปยังภาษาของรูปแบบที่ชัดเจนขึ้นและการจัดกลุ่มที่ถูกต้องมากขึ้นในฉากหลังของภูมิประเทศที่อุดมสมบูรณ์ แล้วในปี ค.ศ. 1510 บนแผ่นกระดาษที่มี "Adam and Eve in exile", "Esce Homo", "The Milkmaid" เขาบรรลุความสูงที่น่าทึ่งของรูปแบบแห่งชาติที่เป็นผู้ใหญ่ชีวิตภายในและความสมบูรณ์ทางเทคนิคที่อ่อนโยนจากนั้นบนแผ่นด้วย "Pentefry" (1512) ) และด้วย "พีระมุส" (1514) เขาพยายามถ่ายทอดความรู้สึกที่เร่าร้อนและในระยะต่อไปแกะสลักเช่น "แบกกางเขน" (1515), "คัลวาเรีย" ขนาดใหญ่ (1517) และ "พระคริสต์ในหน้ากาก" ของชาวสวน" (1519) ตกอยู่ใต้ร่มเงาของดูเรอร์ อิทธิพลของดูเรอร์ที่มีต่อลุคสิ้นสุดลงในรูปของจักรพรรดิแม็กซิมิเลียน (1520) ในซีรีส์เรื่อง Passion of Christ (1521) ที่ใหญ่ขึ้นใน The Dentist (1523) และ The Surgeon (1524) แต่ราวปี ค.ศ. 1525 ภายใต้อิทธิพลของ Mabuse ลุคได้เปลี่ยนมาเรียนที่ Marcantonio แห่งโรมันอย่างเปิดเผย ซึ่งมองเห็นได้ชัดเจนไม่เฉพาะในรูปแบบเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเนื้อหาการแกะสลักอันวิจิตรงดงามของเขาด้วย (ค.ศ. 1527 และ 1528) ใน "วีนัสและคิวปิด" (1528) ในซีรีส์ Fall (1529) และ "Venus and Mars" (1530) พื้นที่แปลงของเขาแตกต่างกันไปตามแปลงของDürer แต่ด้วยจิตวิญญาณ ความแข็งแกร่ง และการเจาะทะลุ ลูก้าไม่สามารถเทียบได้กับนูเรมเบอร์เกอร์ผู้ยิ่งใหญ่ ภาพเขียนสีน้ำมันที่ยังหลงเหลืออยู่ของเขายืนยันความประทับใจนี้ ช่วงเวลาที่สดใสและร่าเริงของวัยรุ่น ได้แก่ "ผู้เล่น" ของ Earl of Pembroke ใน Wilton Goes และ "Players of Chess" ในกรุงเบอร์ลิน ราวปี ค.ศ. 1515 เบอร์ลินมาดอนน่าปรากฏตัวขึ้นด้วยสีสันอันงดงามซึ่งได้รับอิทธิพลจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเล็กน้อย จิตวิญญาณของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยารู้สึกแข็งแกร่งยิ่งขึ้นใน "มาดอนน่า" และ "การประกาศ" ในปี 1522 ในมิวนิก ผลงานที่ดีที่สุดของอิตาลีตอนปลาย ได้แก่ Last Judgment (1526) ที่มีชื่อเสียงของเขาในพิพิธภัณฑ์ Leiden จากนั้น Moses Spouting Water from a Rock in the German Museum (1527) ซึ่งเป็นภาพวาดที่สำคัญด้วยลักษณะท่าทางยาวและสีเย็น และในภาพวาดสามส่วนที่บรรยายการรักษาคนตาบอดแห่งเมืองเจริโค (1531) ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ภาพกลางของการพิพากษาครั้งสุดท้ายในเมืองไลเดนแสดงถึงพระคริสต์ในระยะไกล โดยปราศจากมารีย์และยอห์น บนสายรุ้ง ด้านล่างเขา ทางขวาและซ้าย เหล่าอัครสาวกมองด้วยความสงสัยจากด้านหลังก้อนเมฆ และบนพื้นดินด้วยแสงเล็กน้อย ขอบฟ้าโค้ง "การฟื้นคืนชีพของคนตาย" ร่างไม่แออัดเป็นลูกบอล แต่ด้วยจิตวิญญาณของอิตาลีโดยเจตนา พวกมันกระจัดกระจายไปทั่วภาพตามลำพังหรือเป็นกลุ่มอย่างชัดเจนและแน่นอน แต่แสดงออกด้วยภาษาของรูปแบบของตนเองโดยไม่ได้ตั้งใจ ร่างเปลือยแต่ละคนมุ่งมั่นที่จะแสดงออกและโดดเด่นด้วยโทนสีร่างกายที่พิเศษและตามใจชอบท่ามกลางบุคคลใกล้เคียง ด้วยรูปแบบการคำนวณทั้งหมดของงานคู่บารมี มันยังคงคิดและดำเนินการอย่างอิสระโดยสมบูรณ์ ด้วยความงดงาม การถ่ายทอดชีวิตของบรรยากาศ ความกลมกลืนของโทนสีและความนุ่มนวลของการเขียน มันเหนือกว่างานจิตรกรรมภาคเหนือเกือบทั้งหมดพร้อมกัน

ในอัมสเตอร์ดัม ในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษ ปรมาจารย์ Jacob Cornelis van Ostsazanen (1470-1533) เจริญรุ่งเรืองโดยใช้รูปแบบสถาปัตยกรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในภาพวาดในภายหลัง แต่ยังคงเป็นศิลปินที่เคร่งครัดและแห้งแล้งในจิตวิญญาณของชาวดัตช์เก่า แก่นแท้ของจินตนาการของเขา ข้อสันนิษฐานว่าเขาพึ่งพาเอนเกเบรชต์นั้นไร้หลักฐานใดๆ รูปร่างของเขามีหน้าผากสูงและใบหน้าส่วนล่างเล็ก เขาดึงผมแต่ละเส้นแยกกัน และหมุนวงเวียนของพื้นหน้าอย่างแน่นหนาและขยันหมั่นเพียร เขาวาดภาพอย่างมั่งคั่งและขยันหมั่นเพียรแม้ว่าจะค่อนข้างคมชัด แต่นางแบบด้วยสีที่สว่างและอุดมสมบูรณ์ การแกะสลักของเขาบนทองแดงเป็นที่รู้จักของ Bartsch และ Passavant และภาพเขียนของเขาถูกเปรียบเทียบโดย Scheibler เป็นครั้งแรก "Saul at the Fairy of Endor" ของเขาปรากฏใน Rijksmuseum ในปี ค.ศ. 1560 และภาพเหมือนชายของคอลเลกชันเดียวกันในปี ค.ศ. 1533 ภาพวาดของ Ostsazanen ยังอยู่ใน Kassel เบอร์ลิน Antwerp เนเปิลส์เวียนนาและเฮก การผสมผสานระหว่างความงดงามภายนอกกับความอบอุ่นของความรู้สึกภายในเป็นแรงดึงดูดที่แปลกประหลาด

รูปที่ 83 - ซาอูลที่แม่มดแห่งเอนดอร์

ในเมืองอูเทรคต์ แจน ฟาน สกอร์เรล (1495-1562) ปรมาจารย์ที่ได้รับการยกย่องว่าเป็นชาวไร่ชาวอิตาลีอย่างแท้จริงในฮอลแลนด์ มีชื่อเสียง เขาเป็นนักเรียนของ Jacob Cornelis ในอัมสเตอร์ดัม, Mabuse ใน Antwerp จากนั้นเดินทางไปเยอรมนีและอิตาลี สไตล์แรกเริ่มที่มีอิทธิพลแบบเจอร์แมนิกของดูเรร์แสดงให้เห็นโดยแท่นบูชาที่สวยงามพร้อมกับครอบครัวศักดิ์สิทธิ์ในปี ค.ศ. 1520 ในโอเบอร์เวลลัค ซึ่งเต็มไปด้วยการสังเกตโดยตรง ท่าทางภาษาอิตาลีโดยเฉลี่ยของเขาแสดงโดย "พักผ่อนบนเที่ยวบินสู่อียิปต์" ในพิพิธภัณฑ์อูเทรคต์และเตือนให้ดัลเบอร์กูนึกถึงดอสโซ ดอสซี ภายหลัง ภาพวาดโรงเรียนโรมันที่เย็นชาและจงใจของเขา วางเคียงกันโดย Justi, Scheibler และ Bode แต่ทาสีในภาษาดัตช์ด้วยเงาสีน้ำตาล The Crucifixion (1530) ในพิพิธภัณฑ์ประจำจังหวัดบอนน์มีสัญลักษณ์ของชื่อ Scorel อิ่มเอมกับอารมณ์ในภูมิทัศน์ "บัพติศมาของพระเจ้า" ในพิพิธภัณฑ์ Gaarlem รับรองโดย Van Mander ภาพวาดที่เหลือในสไตล์นี้สามารถพบได้ดีที่สุดในอูเทรคต์และอัมสเตอร์ดัม แท่นบูชาของเขากับพระคริสต์ก็ยอดเยี่ยมเช่นกันในรูปแบบของคนทำสวนที่ Weber's ในฮัมบูร์ก ภาพเหมือนของเขามีชีวิตชีวายิ่งขึ้น เช่น Agathe van Schonhoven (1529) ใน Doria Gallery ในกรุงโรม ภาพเขียนไม้ของพิพิธภัณฑ์ฮาร์เลมและอูเทรคต์ ซึ่งแสดงภาพผู้แสวงบุญฮาร์เลมและอูเทรคต์ไปยังดินแดนศักดิ์สิทธิ์ในรูปแบบครึ่งร่าง เดินทีละส่วน เป็นขั้นบันไดที่อยู่ก่อนหน้ากลุ่มภาพเหมือนของภาพวาดชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่ เห็นได้ชัดว่า Scorel ยังเป็นเจ้าของภาพครอบครัวของ Kassel Gallery ซึ่งสร้างความประทับใจอย่างมาก

6 – ม.ค. Mostaert

Jan Mostaert (1474-1556) ถือเป็นปรมาจารย์หลักของ Haarlem ในเวลานี้ เนื่องจากไม่มีผลงานที่น่าเชื่อถือของเขาจึงได้รับการแสวงหาผลงานที่ดีของอาจารย์นิรนาม เมื่อเร็ว ๆ นี้ Gluck ได้สันนิษฐานว่าภาพชายที่สวยงามในกรุงบรัสเซลส์กับ Tiburtine Sibyl กับพื้นหลังแนวนอน ประตูสองบานที่มีผู้บริจาคจากคอลเลกชันเดียวกัน และ "ความรักของโหราจารย์" ที่น่ารักใน Amsterdam Rijksmuseum เป็นผลงานที่แท้จริงของ มอสเตอร์. Benois และFriedländer ได้เพิ่มที่นี่นอกเหนือจากภาพบุคคลบางส่วนแท่นบูชาที่สวยงามของ Passion of the Lord ซึ่งเป็นทรัพย์สินของ d'Ultremont ในกรุงบรัสเซลส์ซึ่งดูเหมือนอยู่ใน Haarlem แต่มีพระปรมาภิไธยย่อซึ่งไม่ว่ากรณีใดจะสามารถทำได้ จะนำมาประกอบกับ Mostaert ไม่ว่าในกรณีใด Mostaert ตัวจริงหากเขาเป็นเช่นนี้ เขาเป็นผู้เชี่ยวชาญในช่วงเปลี่ยนผ่านจากยุคโกธิกไปจนถึงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ผู้มีพรสวรรค์ที่มีพรสวรรค์ในด้านภูมิทัศน์และภาพเหมือน และความสามารถในการเขียนอย่างสวยงาม

รูปที่ 84 - "ความรักของพวกโหราจารย์" ในอัมสเตอร์ดัม Rijksmuseum

ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 ดังที่ได้กล่าวมาแล้ว นำมาสู่ภาพวาดของเนเธอร์แลนด์ ร่วมกับความสมจริงระดับชาติใหม่ ซึ่งเป็นชัยชนะที่สมบูรณ์เหนืออุดมการณ์ของอิตาลี ซึ่งถึงกระนั้น ก็เตรียมทางให้เสรีภาพในการเคลื่อนไหวของภาพเขียนระดับชาติอันยิ่งใหญ่ของวันที่ 17 ศตวรรษ.

ปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ของลัทธิอิตาลีเนเธอร์แลนด์ที่พัฒนาเต็มที่ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 นั้นแตกต่างจากรุ่นก่อนซึ่งพวกเขาอยู่ติดกัน Orleys, Mabuse และ Scorelay โดยการเลียนแบบด้านใต้ที่เฉียบแหลมและด้านเดียว เป้าหมายของปณิธานซึ่งบรรลุผลสำเร็จได้เรียกว่า Dutch Michelangelos และ Raphaels ไม่ต้องสงสัยเลยว่าพวกเขามีทักษะทางเทคนิคที่ยอดเยี่ยม และสิ่งนี้ก็แสดงให้เห็นชัดโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการถ่ายภาพบุคคล ซึ่งทำให้พวกเขาต้องรักษาธรรมชาติไว้ ภาพวาดขนาดใหญ่ที่มีมารยาทของพวกเขาซึ่งมีเนื้อหาเกี่ยวกับฆราวาสหรือศักดิ์สิทธิ์มักขาดการมองเห็นและความรู้สึกในทันที แต่ยังขาดข้อได้เปรียบทางศิลปะอย่างแท้จริงตลอดไป สิ่งนี้ใช้ได้กับนักเรียนของ Orley ในเมือง Mecheln, Michel van Coxey (1499-1592) ที่มีภาพวาดขนาดใหญ่โบกมือในโบสถ์และของสะสมในเบลเยียม และสำหรับนักเรียนของ Mabuse ใน Luttich, Lambert Lombard (1505-1566) ซึ่งมีภาพเขียนสีน้ำมันเกือบเป็นที่รู้จัก เฉพาะในงานแกะสลักร่วมสมัยเท่านั้น เช่นเดียวกับพี่ชายของ Cornelis Floris ลูกศิษย์ชาวลอมบาร์ด Frans Floris de Vriendt (1517-1576) อาจารย์ที่มีอิทธิพลมากที่สุดของศิลปินเหล่านี้ทั้งหมด ภาพที่ดีที่สุดของเขาคือพลังเต็มรูปแบบของ "Dropping of the Angels" (1554) อยู่ใน Antwerp และ "Last Judgment" ที่อ่อนแอกว่า (1566) อยู่ในพิพิธภัณฑ์บรัสเซลส์ นักเรียนของ Floris ได้แก่ Marten de Voe (1532-1603), Crispian van den Broek (1524-1591) และพี่น้อง Franken สามคนซึ่งเป็นสาขาอาวุโสของศิลปินตระกูลนี้ Hieronymus Franken I (1540-1610), Frans Franken I (1542 ถึง 1616 ) และ Ambrosius Francken (1544-1618) เป็นที่รู้จักจากภาพเขียนประวัติศาสตร์ต่างๆ ที่มีร่างเล็กๆ ท่ามกลางภูมิประเทศ ซึ่งแฟรงเกนรุ่นน้องยังคงปรับแต่งรูปแบบล่าสุดของศตวรรษที่ 17 ผู้สูงศักดิ์ Leiden Otto van Veen (Venius; 1558-1629) ที่น่าสนใจสำหรับเราในฐานะครูของ Rubens ก็อยู่ในเสาหลักของภาพวาด Antwerp "ผู้ยิ่งใหญ่" เขาเป็นนักเรียนของ Federigo Zuccaro ในกรุงโรม และในภาพวาดที่ไร้ซึ่งอำนาจของเขา (ในบรัสเซลส์ แอนต์เวิร์ป และอัมสเตอร์ดัม) เขาพยายามอย่างไม่ต้องสงสัยเพื่อความสงบและความชัดเจนแบบคลาสสิก

นักเล่นกลชาวเฟลมิชรุ่นก่อนนี้ก่อตั้งโดยผู้เชี่ยวชาญที่มาจากเควนติน มอสเซส ผู้เขียนฉากประเภทต่าง ๆ พร้อมกับเรื่องราวของเนื้อหาเกี่ยวกับฆราวาสและศาสนา นั่นคือลูกชายของ Quentin, Jan Mosses (1509-1575) และภาพวาดในพระคัมภีร์ไบเบิลของเขาซึ่งเขียนขึ้นด้วยจิตวิญญาณแห่งทิศทางของอิตาลีเริ่มในปี ค.ศ. 1558 ด้วย "การปฏิเสธของโจเซฟและแมรี่" ของพิพิธภัณฑ์ Antwerp อย่างไรก็ตาม ต่อมาภาพวาดจากชีวิตพื้นบ้านที่มีครึ่งร่าง ตัวอย่างเช่น "Merry Society" (1564) ในกรุงเวียนนายังคงอยู่ในดินท้องถิ่นอย่างน้อยก็ในการออกแบบ อาจารย์ที่เกี่ยวข้องคือแจน แซนเดอร์ส ฟาน เฮมเมสเซน (ประมาณ ค.ศ. 1500 ถึง 1563; หนังสือเกี่ยวกับเขาโดยเกรฟ) ซึ่งมีภาพโปรดคือการเรียกอัครสาวกแมทธิวในขนาดครึ่งร่างตามธรรมชาติ เริ่มต้นด้วยภาพวาดในมิวนิกของเขา (1536) และภาพวาดของบุตรน้อยหลง (1536) ที่เป็นเนื้อเดียวกันในบรัสเซลส์และจนถึงการรักษาของ Tobias ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ (1555) เราสามารถติดตามการพัฒนาซึ่งอยู่ติดกันบางส่วน ไปจนถึงเควนตินและปิดท้ายด้วยความเย็นชาของอิตาลีด้วยเงาสีน้ำตาลและไฮไลท์สีขาว Gemmessen อาจถือได้ว่าเป็นจิตรกรประเภทถ้าร่วมกับ Eisenman เราถือว่าภาพวาดของ "จิตรกรพระปรมาภิไธยย่อบรันสวิก" ที่มีชีวิตชีวาซึ่งได้รับการตั้งชื่อตามชื่อย่อของภาพวาด "Feeding the Poor" ในเมือง Braunschweig ซึ่งเป็นตัวแทนของภูมิทัศน์ครึ่งหนึ่ง ถึงกระนั้น เราไม่เคยมั่นใจอย่างเต็มที่ถึงความถูกต้องของมุมมองนี้ ซึ่งขณะนี้ถูกละทิ้งโดยผู้เชี่ยวชาญที่ทันสมัยกว่าส่วนใหญ่ แต่ Graefe ยอมรับอีกครั้ง อย่างไรก็ตาม Gemmessen เสียชีวิตใน Haarlem ซึ่งเขาย้ายไปอยู่ที่ประมาณปี 1550

Marten van Hemskerk (1498-1547) นักเรียนของ Scorel ก็อาศัยอยู่ที่ Gaarlem ด้วย ในภาพวาดปี 1532 ของเขาโดยพิพิธภัณฑ์ Gaarlem ที่วาดภาพอัครสาวกลุค เขายังค่อนข้างร้อนแรงและจริงใจ แต่ในงานต่อมา เช่น ในภาพเย็นที่มีเงาสีน้ำตาล "งานฉลองแห่งเบลชัซซาร์" (1568) ในสถานที่เดียวกัน เขาอยู่ในเทรนด์แฟชั่นของอิตาลี อย่างไรก็ตาม ที่สำคัญที่สุด อาจารย์ฮาร์เลมในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 คือคอร์เนลิอุส คอร์เนลิส ฟาน ฮาร์เลม (1562-1633) ภาพวาดสไตล์อิตาลีอันเยือกเย็นของเขาในรูปแบบพระคัมภีร์และในตำนาน โดยจงใจเปิดเผยร่างกายที่เปลือยเปล่าสีตามอำเภอใจต่อผู้ชม พูดเกินจริงจุดอ่อนของการพิพากษาครั้งสุดท้าย ลุค แวน เลย์เดน ในขณะที่เขาเต็มไปด้วยชีวิตและการเคลื่อนไหว "อาหารค่ำของมือปืน" ของ 1583 ของพิพิธภัณฑ์ฮาร์เลมตรงบริเวณสถานที่สำคัญในประวัติศาสตร์ของภาพเหมือนชาวดัตช์ในรูปแบบของกลุ่ม

Joachim Uteval (1566-1638) เมื่อเขากลับจากอิตาลีไปยังเมือง Utrecht ซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขา ผลงานภาพวาดขนาดใหญ่ของเขาที่พิพิธภัณฑ์ Utrecht นั้นมีความดั้งเดิมน้อยกว่าในภาพวาดเล็กๆ ที่มีเนื้อหาในตำนาน เช่น "Parnassus" (1596) ในเดรสเดน สำหรับกิริยาท่าทางทั้งหมดของเขาถูกทำเครื่องหมายด้วยจินตนาการทางกวีและความสามัคคีที่มีสีสัน Pieter Pourbus (1510-1584) เป็นหนึ่งในชาวดัตช์ที่ตั้งรกรากอยู่ในแฟลนเดอร์ส ลูกชายของเขา Frans Pourbus I (1545-1581) เกิดที่ Bruges แล้ว ทั้งสองเป็นของจิตรกรภาพเหมือนที่เก่งที่สุดในยุคนั้น แต่ในภาพวาดประวัติศาสตร์ที่รู้จักกันในเมืองบรูจส์และเกนต์ พวกเขาสามารถผสมผสานความแข็งแกร่งและความชัดเจนในแบบดั้งเดิมเข้ากับการเลียนแบบของชาวอิตาลีได้

ตรงกันข้ามกับจิตรกรประวัติศาสตร์เหล่านี้ของเทรนด์อิตาลี แน่นอนว่าปรมาจารย์ของกระแสดัตช์ระดับชาตินั้นในขณะเดียวกันก็เป็นตัวแทนหลักของพื้นที่ศิลปะพื้นบ้านหลักของการวาดภาพคน ประเภท ภูมิทัศน์ ธรรมชาติที่ตายแล้ว และลวดลายทางสถาปัตยกรรม แต่กิ่งก้านทั้งหมดเหล่านี้ยังไม่มีเวลาที่จะแยกตัวออกจากกันและจากภาพเขียนประวัติศาสตร์ รูปภาพในพระคัมภีร์ส่วนใหญ่ใช้เป็นข้ออ้างสำหรับทิวทัศน์ ประเภท และธรรมชาติที่ตายแล้ว

7 - ปีเตอร์ อาร์ตส์

ในบรรดาจิตรกรประเภทอิสระที่มีอายุมากที่สุดคือ Pieter Arts หรือ Artsen (1508-1575) ซึ่งมีชื่อเล่นว่า Lange Pier ซึ่งทำงานใน Antwerp มานานกว่ายี่สิบปี แต่เกิดและเสียชีวิตในอัมสเตอร์ดัม Sivere จัดการพวกเขาได้สำเร็จ แท่นบูชาพับในปี 1546 ค้นพบอีกครั้งโดย Sievers ในอาราม Rogarts ใน Antwerp (ปัจจุบันอยู่ในพิพิธภัณฑ์ที่นั่น) ยังคงตั้งอยู่บนดินของโรงเรียนโรมัน ผลงานที่ดีที่สุดของอาจารย์ที่มีความปรารถนาอย่างแรงกล้าในความสมจริงมีลักษณะเป็นแนวเพลง แม้แต่ "การถือไม้กางเขน" (1552) ของเขาในกรุงเบอร์ลินที่มีผู้หญิงในตลาดและเกวียนบรรทุกสัมภาระก็สร้างความประทับใจให้กับประเภท ภาพวาดที่ดีที่สุดของเขาที่มีการวาดเส้นรอบวงอย่างระมัดระวัง ย้ายไปที่ภาพวาดของธรรมชาติที่ตายแล้ว และ "เต้นรำกับไข่" (1554) ในอัมสเตอร์ดัม "วันหยุดของชาวนา" (1550) ในกรุงเวียนนา "พ่อครัว" (1559) ขนาดเท่าของจริงในบรัสเซลส์ และในวัง Bianco ในเจนัวเปิดเส้นทางใหม่ เขาจับภาพชาวนาได้อย่างเต็มตาและซื่อสัตย์ สื่อถึงการกระทำอย่างชัดเจน และบางส่วนของการตกแต่งภายในหรือภูมิทัศน์ก็เชื่อมโยงกับร่างของเขาอย่างน่าประหลาดใจ ภาพวาดของเขาเรียบง่ายและเต็มไปด้วยการแสดงออก ภาพวาดกว้างและราบรื่น โทนสีท้องถิ่นถูกเน้นอย่างคมชัดทุกที่

Joachim Bekelaer นักศึกษาจาก Antwerp แห่งเมือง Athsen (1533-1575) เข้ากับภาพวาดทางศาสนาของ Gemmessen แต่เป็นผู้นำนักประดิษฐ์ด้วยภาพวาด "ธรรมชาติ-มอร์ต" ขนาดใหญ่ของเขาในตลาดและห้องครัวของ Vienna Gallery "ยุติธรรม" (1560) ของเขาในมิวนิกนำเสนอในส่วนตรงกลาง "พระคริสต์ทรงแสดงแก่ผู้คน" และ "ตลาดผัก" (1561) ในสตอกโฮล์มมี "กระบวนการสู่คัลวารี" อยู่เบื้องหลัง หอศิลป์สตอกโฮล์มและพิพิธภัณฑ์เนเปิลส์มีผลงานมากมาย

คอร์นีเลียส แมสซีย์ส ลูกชายอีกคนของเควนติน (ประมาณปี ค.ศ. 1511 ถึง ค.ศ. 1580 และหลังจากนั้น) ก็มีความสำคัญในแบบของเขาเช่นกัน ซึ่งส่วนใหญ่รู้จักกันในชื่อช่างแกะสลักที่รวดเร็วและช่างแกะสลักรูปภาพจากชีวิตพื้นบ้าน ในภาพวาดสีน้ำมันหายาก เช่น ในทิวทัศน์พร้อมคนขับรถแท็กซี่ (1542) ของพิพิธภัณฑ์เบอร์ลิน เขายังยืนอยู่บนผืนดินของชาติ

พวกเขายังเข้าร่วมโดยปรมาจารย์หลักของศิลปะดัตช์แห่งชาติในเวลานี้ในหลาย ๆ ด้านศิลปินชาวดัตช์ที่ใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 16, Pieter Brueghel the Elder (Brueghel Bruegel) หรือที่เรียกว่า Muzhitsky (1525-1569) ซึ่งเกิดในปี หมู่บ้านชาวดัตช์ Brueghel และกลายเป็นลูกศิษย์และลูกสะใภ้ของ Peter Cook van Aelst ใน Antwerp และในปี ค.ศ. 1563 เขาย้ายไปบรัสเซลส์ Gimans, Mikhel, Bastelar, Gulin, Romdal และคนอื่น ๆ เขียนเกี่ยวกับเขาเมื่อไม่นานมานี้ เขาอยู่ในกรุงโรม แต่ส่วนหนึ่งภายใต้อิทธิพลของ Hieronymus Bosch เขาเป็นคนที่สร้างความประทับใจทางใต้ทั้งหมดใหม่และมุมมองของชาวดัตช์เกี่ยวกับธรรมชาติให้เป็นต้นฉบับใหม่ทั้งหมด ของกำนัลที่แข็งแกร่งจากการสังเกตแสดงให้เขาเห็นว่าเขาเป็นคนเสียดสีที่ให้คำแนะนำในผลงานจำนวนหนึ่งและในหลาย ๆ เรื่องเป็นผู้เล่าเรื่องที่ผ่อนคลายและสำคัญที่สุดที่สุดและเหนือสิ่งอื่นใดประเภทที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและจิตรกรภูมิทัศน์แห่งเวลาของเขาสามารถทำงานใหม่ได้อย่างน่าอัศจรรย์ แม้แต่เรื่องราวในพระคัมภีร์ในทิศทางของภูมิทัศน์และประเภท ในช่วงปีแรกๆ ของชีวิต ปีเตอร์อุทิศตนให้กับงานกราฟิกเป็นหลักในการให้บริการของช่างแกะสลักและสำนักพิมพ์ Hieronymus Cock ที่เมือง Antwerp ผลงานบางส่วนของเขาถูกคนอื่นแกะสลัก และงานบางส่วนที่เขาแกะสลักด้วยตัวเองนั้นเอง มันอยู่ในงานแกะสลักที่ทำขึ้นตามภาพวาดของเขาซึ่งเกี่ยวข้องกับความเข้าใจของเขาเองเกี่ยวกับธีมในพระคัมภีร์ซึ่งปีศาจที่น่าอัศจรรย์และองค์ประกอบการสอนเสียดสีปรากฏขึ้น เขาเป็นศิลปินที่ยิ่งใหญ่อย่างแท้จริงในภาพวาดของเขา และภาพวาดแรกสุดของเขาคือ 1559 ครึ่งหนึ่งของภาพวาด ประมาณ 35 ภาพที่รอดชีวิตมาจนถึงทุกวันนี้อยู่ในพิพิธภัณฑ์ Vienna Court Shrove Tuesday และ Great Lent (1559) เกมสำหรับเด็ก (1560) ยังคงรักษาขอบฟ้าที่สูงส่งและองค์ประกอบการแกะสลักของเขากระจัดกระจาย จากนั้นเขาก็ไปสู่ความงดงาม ขอบฟ้าของมันจมลงจำนวนตัวเลขลดลง แต่พวกเขาก็รวมกันเป็นกลุ่มที่เหนียวแน่นมากขึ้นซึ่งเชื่อมต่อถึงกันและกับภูมิทัศน์ ผลงานที่ดีที่สุดของเขาในแง่ของความงดงามอย่างแท้จริงคือภาพขนาดเล็กในเวลาต่อมา ตัวอย่างเช่น The Hanged Men in Darmstadt และ The Blind Men in Naples ทั้งสองวาดภาพในปี ค.ศ. 1568 รูปภาพที่มีรูปปั้นมีความโดดเด่นด้วยภาพวาดที่สื่อความหมายได้ดีเยี่ยมและมักถูกเขียนขึ้น ด้วยแปรงเบา ๆ พร้อมการขยายเสียงท้องถิ่นที่คมชัดซึ่งประสานกันอย่างละเอียด ภูมิทัศน์ของเขาซึ่งมักจะเป็นตัวแทนของภาพวาดที่มีขนาดเท่ากันมักจะใช้แปรงที่สมบูรณ์แบบมากขึ้นและด้วยการสังเกตแสงและเงาที่ชัดเจนยิ่งขึ้น เขานำภาพร่างอันงดงามตระการตาจากธรรมชาติจากการเดินทางไปไกลกว่าเทือกเขาแอลป์ ถ่ายทอดธรรมชาติของภูเขาสูงที่มีหน้าผาสูงชันและแม่น้ำที่คดเคี้ยวอย่างเป็นธรรมชาติและในมุมมองที่แท้จริง อย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนของภูมิทัศน์ ยกเว้นภาพร่างของดูเรอร์ . การแสดงที่งดงามราวภาพวาดของพวกเขาถูกครอบงำด้วยสีเอิร์ธโทนสีน้ำตาลเข้มที่มีใบไม้สีเขียวอมฟ้าแสดงเป็นจุดเล็กๆ ด้วยโทนสีที่โปร่งสบายที่หลากหลายและการถ่ายทอดปรากฏการณ์ในชั้นบรรยากาศที่รุนแรง การศึกษาเหล่านี้จึงโดดเด่นเพียงลำพังท่ามกลางภูมิประเทศของศตวรรษที่ 16 ตัวเลขที่นำมาใช้ในการฟื้นฟูช่วยเพิ่มอารมณ์ธรรมชาติของภูมิทัศน์ ภูมิทัศน์ในเดือนพฤศจิกายน ธันวาคม และกุมภาพันธ์ของเขาช่างงดงาม ท่าจอดเรือของเขาซึ่งเป็นครั้งแรกในเวียนนาได้รับการเขียนขึ้นอย่างแน่นหนา นอกจากนี้ยังมีการจัดเก็บภูมิทัศน์ภูเขาขนาดใหญ่ด้วย "การแปลงของอัครสาวกเปาโล" ตัวอย่างของภูมิทัศน์ทางประวัติศาสตร์ขนาดใหญ่ "ความพ่ายแพ้ของชาวฟิลิสเตีย" - ตัวอย่างที่เป็นแบบอย่างของการวาดภาพการต่อสู้ที่รวมมวลชนที่สับสนในการเคลื่อนไหวตามธรรมชาติและ "Tower of Babel" - ต้นแบบของการเลียนแบบ "งานแต่งงานของชาวนา" ในกรุงเวียนนา - แนวเพลงชาวนาที่ดีที่สุด - ในการก่อสร้างตามธรรมชาติและความละเอียดอ่อนของการวาดภาพเหนือกว่าภาพวาดทั้งหมดของ Tenier ที่แสดงฉากในประเทศจากชีวิตของชาวนา ที่เธอชี้ทางให้ ภาพวาดในพระคัมภีร์ที่แสดงออกมากที่สุดของเขา ได้แก่ ภูมิทัศน์ที่เต็มไปด้วยหิมะที่มีการสังหารหมู่ผู้บริสุทธิ์และภูมิทัศน์ในฤดูใบไม้ผลิที่มีไม้กางเขนอยู่ด้วย ในบรรดาภาพสัญลักษณ์ เราควรสังเกต "ดินแดนแห่งเทพนิยาย" ของคอลเล็กชั่น Kaufmann ในกรุงเบอร์ลินและ "Triumph of Death" ขนาดใหญ่ซึ่งเห็นได้ชัดว่าเป็นต้นฉบับในมาดริด

รูปที่ 85 - "ผู้ถูกแขวนคอ"

รูปที่ 86 - ภาพวาด "ชัยชนะแห่งความตาย"

ลูกชายของ Pieter Brueghel, Pieter Brueghel the Younger (1564-1638) เรียกว่า "Infernal" อย่างไม่ถูกต้องในความเป็นจริงเป็นเพียงผู้ลอกเลียนแบบที่อ่อนแอของผู้เฒ่าผู้เฒ่าซ้ำภาพเขียนเหล่านี้บางส่วน Pieter Brueghel ผู้เฒ่าผู้อาวุโสคนสุดท้ายในดึกดำบรรพ์และเป็นปรมาจารย์สมัยใหม่คนแรกตามที่ Gulin กล่าวถึงเขาโดยทั่วไปคือนักประดิษฐ์ที่ทำนายอนาคต

8 - ภาพเหมือน

ภาพเหมือนของชาวเนเธอร์แลนด์ในช่วงเวลานี้พยายามดิ้นรนเพื่อความสมบูรณ์แบบของภาพอย่างอิสระและมั่นใจ ในเมืองแอนต์เวิร์ป จิตรกรภาพเหมือนชาวเฟลมิชที่เก่งที่สุดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 คือนักเรียนของลอมบาร์ด บิลเลม เคย์ (เกิดในปี ค.ศ. 1568) ซึ่งรูปปั้นครึ่งตัวของผู้หญิงคนหนึ่งอยู่ในพิพิธภัณฑ์ไรจ์คในอัมสเตอร์ดัม และเอเดรียน โธมัส เคย์ นักเรียนและลูกพี่ลูกน้องของเขา (ค) . 1558-1589) โด่งดังจากภาพเหมือนของเขาในกรุงเวียนนาและบรัสเซลส์ ในเมืองบรูจส์ ตามที่ระบุไว้แล้ว Pourbuses ส่วนใหญ่เจริญรุ่งเรือง Pieter Pourbus (ประมาณ ค.ศ. 1510-1584) โดดเด่นด้วยภาพถ่ายบุคคลสำคัญของคู่รัก Fernagant (1551) ในพิพิธภัณฑ์ Bruges นำเสนอโดยมีฉากหลังเป็นทิวทัศน์ของเมืองที่หรูหราในแง่ของสีสันและลูกชายของเขา Frans Pourbus the Elder (1545) ค.ศ. 1581) ซึ่งภาพเหมือนซึ่งเขียนขึ้นด้วยความสังเกตอย่างดีเยี่ยมและมีพลังในโทนสีอบอุ่น เป็นภาพที่ดีที่สุดสำหรับช่วงเวลาของพวกเขา เช่น ภาพเหมือนของชายที่มีเคราสีแดง (1573) ในกรุงบรัสเซลส์ ปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงระดับโลกในการวาดภาพเหมือนชาวเนเธอร์แลนด์ในศตวรรษนี้คือ Utrechtian Antonis Mor (Antonio Moro; 1512-1578) ลูกศิษย์ของ Scorel ซึ่งรู้สึกเหมือนอยู่บ้านในเมืองหลักทั้งหมดในยุโรป Hymans ได้อุทิศหนังสือที่กว้างขวางและยอดเยี่ยมให้กับเขา ในงานแรก ๆ ของเขาเช่นในภาพคู่ของศีลของ Utrecht (1544) ในกรุงเบอร์ลินการพึ่งพา Scorel ของเขายังคงมองเห็นได้ชัดเจน ต่อมาเขาได้รับอิทธิพลเป็นพิเศษจาก Holbein และ Titian ซึ่งเขาดำรงตำแหน่งตรงกลาง ในภาพบุคคลในช่วงกลางของพวกเขา จัดวางอย่างสวยงามและทาสีอย่างมั่นใจและราบรื่นด้วยสีที่ชัดเจน ตัวอย่างเช่น ในภาพของ Jeanne dArchel ในชุดสีแดง (1561) ในลอนดอน สุภาพบุรุษที่มีนาฬิกา (1565) ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในผู้ชาย ภาพเหมือนของปี 1564 ในกรุงเฮกและในกรุงเวียนนา และจากนั้นในคัสเซิล เดรสเดน และคาร์ลสรูเออ บางครั้งเขาก็คล้ายกับโมโรนีร่วมสมัยในอิตาลีของเขา ภาพเหมือนในเวลาต่อมาของเขาดูนุ่มนวลและคุมโทนมากขึ้น ที่งดงามที่สุดของพวกเขา ภาพเหมือนของ Hubert Goltzius (1576) ในกรุงบรัสเซลส์ แสดงให้เห็นถึงความรักในการวาดรายละเอียดแม้กระทั่งลงไปที่เครา

จิตรกรภาพเหมือนชาวดัตช์หลายคนในยุคนี้ทำงานในต่างประเทศเป็นหลัก Nicholas Neufchatel เขียนในนูเรมเบิร์ก, Geldorp Gortius ในโคโลญ (1558-1615 หรือ 1618); หลังจากการตายของ Holbein อาณานิคมของจิตรกรภาพเหมือนชาวดัตช์ทั้งหมดตั้งรกรากในลอนดอนซึ่งเราจะพบกันในภายหลัง

ในฮอลแลนด์ และที่สะดุดตาที่สุดในอัมสเตอร์ดัม ภาพวาดพื้นบ้านในท้องถิ่นของภาพเหมือนกลุ่มค่อยๆ เติบโตขึ้นจนกลายเป็นหนึ่งในสาขาศิลปะที่สำคัญของการวาดภาพขนาดใหญ่ ความคิดริเริ่มนี้จัดทำโดยหัวหน้าสมาคมยิงปืน ในช่วงปลายศตวรรษปรากฏ "กายวิภาคศาสตร์" ซึ่งแสดงภาพกลุ่มของสมาคมศัลยแพทย์และ "กระดาน" ซึ่งแสดงถึงการประชุมสภาของสถาบันการกุศลต่างๆ ลูกศรโดย Dirk Jacobs (ประมาณ 1495-1565) ใน Rijksmuseum ในอัมสเตอร์ดัมและใน Hermitage ใน St. Petersburg ภาพวาดโดย Cornelis Anthony Teinissen (ประมาณ 1500-1553) ใน Rijksmuseum และในศาลากลางในอัมสเตอร์ดัมแล้วภาพวาดนี้ ใจดีโดย Dirk Barendts (1534-1592) ที่ได้รับอิสรภาพอย่างช้าๆ ) ในพิพิธภัณฑ์ Rijksmuseum แสดงให้เห็นว่าคนครึ่งตัวของมือปืนเรียงแถวกันเป็นแถวต่อเนื่องกันก่อนแล้วค่อยเปลี่ยนเป็นกลุ่มที่สร้างขึ้นอย่างมีศิลปะด้วยการเลือกผู้บังคับบัญชา , การแบ่งเส้นในแนวทแยงมุม, การสร้างจิตวิญญาณของใบหน้าและความสัมพันธ์ที่มีชีวิตชีวายิ่งขึ้นซึ่งแสดงให้เห็นระหว่างกัน แม้แต่ในภาพวาด "The Dinners of the Riflemen" การเคลื่อนไหวของประเภทที่ถูก จำกัด เริ่มเข้ามาหลังจากปี 1580 เท่านั้น และเมื่อเป็นรูปเต็มตัว ลูกธนูยืนอยู่บนพื้นเป็นครั้งแรกในภาพวาดปี 1588 โดย Cornelis Ketel (1548-1616) ในพิพิธภัณฑ์ Rijksmuseum และอาจารย์ใช้วิธีการ "ดั้งเดิม" ที่ประหยัดเพื่อสร้างองค์ประกอบ การยิงภาพวาดโดย Pieter Isaacs (d. 1625) จากคอลเล็กชั่นเดียวกันตกอยู่ในกลุ่มที่แยกจากกันอย่างเชี่ยวชาญและ "กระดาน" ที่เก่าแก่ที่สุดของคอลเล็กชั่นเดียวกันกลุ่มภาพเหมือนของคณะกรรมการของช่างทำผ้าลินินกิลด์ในปี ค.ศ. 1599 และที่เก่าแก่ที่สุด " Anatomy" การบรรยายเกี่ยวกับกายวิภาคศาสตร์โดย Sebastian Egberts 1503 ซึ่งเป็นเจ้าของโดย Art Pieters (1550-1612) ลูกชายของ Pieter Aartsen ในที่สุด ในฮาร์เลม ภาพการถ่ายภาพของคอร์เนลส์ ฟาน ฮาร์แลม คอร์เนลิส (1562-1638) ปี 1583 เป็นประเภทมากกว่ากลุ่มภาพเหมือน เนื่องจากการกระทำของบุคคลที่ได้รับการแนะนำและทำให้เกิดรัฐประหารทั้งหมด ในขณะที่การถ่ายภาพของ ต้นแบบเดียวกันของปี 1599 . และการประชุม Haarlem เดียวกันพร้อมกับเสรีภาพในการเคลื่อนไหวที่ได้รับกลับมาสู่กระแสหลักของกลุ่มภาพเหมือนจริงอีกครั้ง

รูปที่ 87 - ภาพวาด "กายวิภาค"

9 - จิตรกรรมภูมิทัศน์

ภาพวาดภูมิทัศน์ของชาวดัตช์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 ก็มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเช่นกัน แทนที่จะเป็นภูมิประเทศ Maas อันน่าอัศจรรย์ของ Patinir, Blesov และ Gassels มีทิวทัศน์ของ Pieter Brueghel ผู้ริเริ่มผู้กล้าหาญ แม้ว่าโดยทั่วไปแล้ว พวกมันเป็นผลจากจินตนาการอิสระ แต่สำหรับพวกเราแล้ว พวกเขาดูเหมือนเป็นธรรมชาติจริงๆ เป็นไปได้ว่า Pieter Arts มีอิทธิพลต่อเขาด้วย "ความเป็นเอกภาพของระนาบแนวนอน" ตามที่ Johanne de Jong กล่าวไว้ แต่มันคือ Brueghel ไม่ใช่ Arts ซึ่งเป็นจิตรกรภูมิทัศน์ตัวจริง ภูมิทัศน์ของโรงเรียน Mecheln โดยมี Hans Bol ปรมาจารย์ที่เก่าแก่ที่สุด (1534-1593) ผสมผสานกับสไตล์ของ Bregel ด้วยลักษณะการวาดภาพต้นไม้ผ่านจุดเล็กๆ ด้วยความเขียวขจี ภูมิประเทศในตำนานขนาดใหญ่สองแห่งในสตอกโฮล์มไม่ได้ให้ความคิดที่ดีเกี่ยวกับเขา เนื่องจากภูมิประเทศเล็กๆ เก้าแห่งในเดรสเดน ซึ่งเคลื่อนไหวส่วนหนึ่งมาจากพระคัมภีร์ ส่วนหนึ่งเกิดจากเหตุการณ์ในชีวิตประจำวัน นอกจากนี้ยังมีศิลปินชาวเมเคินที่เกี่ยวข้องกับพวกเขา ได้แก่ ลูคัส ฟาน วัลเค็นบอร์ช (ประมาณ ค.ศ. 1540-1622) ซึ่งภูมิทัศน์ส่วนใหญ่ถูกทาสีเพื่อประโยชน์ของตนเอง พี่ชายของเขา มาร์เทน (1542-1604) ลูกชายของเขา เฟรเดอริก ฟาน วัลเค็นบอร์ช (1570-1623) ซึ่ง ภาพวาดสามารถศึกษาได้ดีที่สุดในกรุงเวียนนา

ร่วมกับแนวโน้มในอดีตเหล่านี้ในการวาดภาพทิวทัศน์เฟลมิช มีรูปแบบใหม่ปรากฏขึ้น โดยตระหนักถึงความไม่เพียงพอของมุมมองทั่วไปของภูมิทัศน์ในขณะนั้นที่มีช่องว่าง แต่มาช่วยด้วยเงินทุนไม่เพียงพอ ความยากลำบากที่นำเสนอโดยภาพของโลกถูกกำจัดโดย "หลังเวที" ที่เกิดขึ้นทีละคน และความยากลำบากในมุมมองถูกขจัดโดย "แผนสามแผน" ที่ใช้ก่อนหน้านี้ ด้านหน้าสีน้ำตาล ตรงกลางสีเขียว และด้านหลังสีน้ำเงิน และเหนือสิ่งอื่นใด วิธีการเขียนต้นไม้ที่มีจุดถูกแทนที่ด้วย "รูปแบบกระจุก" ที่สมบูรณ์แบบกว่า เพราะมันสร้างใบไม้จากมัดที่เป็นใบเดี่ยว ในเบื้องหน้าเขียนทีละใบ ผู้ก่อตั้งแนวโน้มในช่วงเปลี่ยนผ่านนี้ดังที่ Van Mander ได้แสดงให้เห็นแล้วคือ Gillis van Coninxloo (1544-1607) ซึ่ง Sponsel แนะนำให้เรารู้จักดีกว่า เขาเกิดที่เมืองแอนต์เวิร์ปและเสียชีวิตในอัมสเตอร์ดัม และได้รับอิทธิพลจากการวาดภาพทิวทัศน์ทั้งชาวดัตช์และเฟลมิช ภูมิทัศน์ที่เต็มไปด้วยควันอันโอ่อ่าของเขาในปี ค.ศ. 1588 พรรณนาถึงคำพิพากษาของไมดาสในเดรสเดนและภูมิทัศน์สองแห่งในปี ค.ศ. 1598 และ 1604 ใน Liechtenstein Gallery พวกเขาอธิบายเขาเพียงพอ Matthew Brill เกิดในปี ค.ศ. 1550 ที่เมือง Antwerp และเสียชีวิตในปี 1584 ที่กรุงโรม นำสไตล์ Coninxloo มาสู่อิตาลี ที่ซึ่ง Pavel Brill น้องชายของเขา (1554-1626) ได้พัฒนามันต่อไป ติดกับ Carracci ซึ่งก่อนหน้านี้เราไม่สามารถพูดถึงอาจารย์คนนี้ได้ .

ในที่สุด ลวดลายทางสถาปัตยกรรมก็ได้พัฒนาในประเทศเนเธอร์แลนด์ให้เป็นสาขาศิลปะอิสระ Hans Vredemann de Vries (1527-1604) ได้คิดค้นภาพของแกลเลอรี่ในสไตล์เรเนสซอง ภาพวาดที่มีลายเซ็นของเขาประเภทนี้อยู่ในเวียนนา ตามด้วยลูกศิษย์ของเขา เฮนดริก สเตนไวค์ ผู้อาวุโส (ประมาณ ค.ศ. 1550-1603) ที่มีโบสถ์แบบโกธิก ห้องโถงขนาดใหญ่ และห้องใต้ดินที่ทำด้วยหินทรงพลัง ห้องชั้นในที่ค่อนข้างแห้ง แต่วาดไว้อย่างชัดเจนนั้นโดดเด่นด้วยเงาที่ลึกและ chiaroscuro ที่ละเอียดอ่อน โบสถ์แบบโกธิกแบบแรกสุดที่เขาวาดในปี 1583 อยู่ที่ Ambrosiana ในมิลาน

ดังนั้นศตวรรษที่ 16 ในเนเธอร์แลนด์จึงเตรียมทางสำหรับศตวรรษที่ 17 ในทุกพื้นที่ อย่างไรก็ตาม ภาพวาดทุกประเภทเหล่านี้บรรลุถึงความเป็นอิสระ เสรีภาพ และความประณีตอย่างสมบูรณ์โดยสมบูรณ์โดยคำนึงถึงศิลปะดัตช์แห่งชาติของศตวรรษใหม่เท่านั้น

01 - การพัฒนาภาพวาดเนเธอร์แลนด์ 02 - ความน่าดึงดูดใจของเนเธอร์แลนด์สำหรับศิลปิน 03 - Joachim Patinier 04 - โรงเรียนบรัสเซลส์ 05 - ศิลปะแห่งเนเธอร์แลนด์ตอนเหนือ 06 - Jan Mostaert 07 - Pieter Arts 08 - ภาพเหมือน 09 - การวาดภาพทิวทัศน์

เช่นเดียวกับในรัฐอื่นๆ ของยุโรปตะวันตก การเกิดขึ้นของโลกทัศน์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในเนเธอร์แลนด์ ซึ่งจนกระทั่งถึงปี ค.ศ. 1447 ถูกปกครองโดยเบอร์กันดีและหลังจากนั้นโดยราชวงศ์ฮับส์บูร์ก มีความเกี่ยวข้องกับการพัฒนาการผลิตและการค้าตลอดจนการเติบโตของเมืองและ การก่อตัวของชาวเมือง ในเวลาเดียวกัน ประเพณีศักดินายังคงแข็งแกร่งในประเทศ ดังนั้นศิลปะดัตช์รูปแบบใหม่จึงถูกนำมาใช้ช้ากว่าในภาษาอิตาลีมาก

ในภาพวาดเนเธอร์แลนด์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนเหนือ ลักษณะเด่นของสไตล์กอธิคมีอยู่เป็นเวลานาน ศาสนามีบทบาทในชีวิตของชาวดัตช์มากกว่าชาวอิตาลี มนุษย์ในผลงานของปรมาจารย์ชาวดัตช์ไม่ได้เป็นศูนย์กลางของจักรวาลเช่นเดียวกับศิลปินแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี ในช่วงเกือบศตวรรษที่สิบห้าทั้งหมด ผู้คนในภาพวาดของเนเธอร์แลนด์ได้รับการถ่ายทอดด้วยแสงแบบโกธิกและไม่มีตัวตน ตัวละครในภาพวาดชาวดัตช์มักแต่งตัวไม่มีความเย้ายวน แต่ก็ไม่มีอะไรที่สง่างามและกล้าหาญ หากปรมาจารย์แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชาวอิตาลีวาดภาพเฟรสโกขนาดมหึมา ผู้ชมชาวดัตช์ชอบที่จะชื่นชมภาพวาดขาตั้งขนาดเล็ก ผู้เขียนงานเหล่านี้ทำงานอย่างระมัดระวังในทุกรายละเอียดของผืนผ้าใบ แม้แต่รายละเอียดที่เล็กที่สุด ซึ่งทำให้งานเหล่านี้น่าสนใจและน่าสนใจสำหรับผู้ชม

ในศตวรรษที่สิบห้า ในเนเธอร์แลนด์ศิลปะของจิ๋วยังคงพัฒนาต่อไป แต่ในช่วงต้นทศวรรษ 1420 ภาพวาดแรกปรากฏขึ้นซึ่งผู้เขียนคือ Jan van Eyck และ Hubert van Eyck น้องชายที่เสียชีวิตคนแรกของเขาซึ่งกลายเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนศิลปะชาวดัตช์

ยาน ฟาน เอค

ไม่สามารถกำหนดเวลาเกิดของ Jan van Eyck ได้อย่างถูกต้องแม่นยำซึ่งเป็นหนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของโรงเรียนจิตรกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของเนเธอร์แลนด์ล้มเหลว มีเพียงข้อเสนอแนะว่า Van Eyck เกิดระหว่าง 1390 ถึง 1400 ในช่วงระหว่างปี ค.ศ. 1422 ถึง ค.ศ. 1428 จิตรกรหนุ่มปฏิบัติตามคำสั่งของเคานต์จอห์นแห่งบาวาเรียแห่งฮอลแลนด์: เขาทาสีผนังของปราสาทในกรุงเฮก

ตั้งแต่ 1427 ถึง 1429 Van Eyck เดินทางรอบคาบสมุทรไอบีเรีย ในปี ค.ศ. 1428 หลังจากการเสียชีวิตของจอห์นแห่งบาวาเรีย ศิลปินได้เข้ารับราชการของฟิลิปเดอะกู๊ด ดยุคแห่งเบอร์กันดี คนหลังสามารถชื่นชมของขวัญของจิตรกรผู้เป็นปรมาจารย์ไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังได้เปิดเผยความสามารถทางการทูตของเขาด้วย Soon Van Eyck อยู่ที่สเปน จุดประสงค์ของการเยี่ยมชมของเขาคือได้รับมอบหมายจากดยุคแห่งเบอร์กันดี - เพื่อจัดงานแต่งงานและวาดภาพเหมือนของเจ้าสาว ศิลปินซึ่งเล่นบทบาทของนักการทูตพร้อม ๆ กันสามารถรับมือกับหน้าที่ที่ได้รับมอบหมายได้อย่างยอดเยี่ยมและทำงานที่ได้รับมอบหมายให้สำเร็จ ต่อมาไม่นาน รูปเหมือนของเจ้าสาวก็พร้อม น่าเสียดายที่งานของจิตรกรชื่อดังคนนี้ยังไม่ได้รับการอนุรักษ์

ตั้งแต่ 1428 ถึง 1429 van Eyck อยู่ในโปรตุเกส

งานที่สำคัญที่สุดของ Van Eyck คือภาพวาดแท่นบูชาของโบสถ์ St. Bavo ในเมือง Bruges ซึ่งดำเนินการร่วมกับพี่ชาย Hubert ลูกค้าเป็นเศรษฐีจากเกนต์ Jodocus Veidt ต่อมาได้ชื่อว่าเกนต์ แท่นบูชาที่วาดโดยปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียง มีชะตากรรมที่ยากลำบาก ในช่วงสงครามศาสนา ในศตวรรษที่ 16 เพื่อที่จะกอบกู้มันจากการถูกทำลาย มันถูกแยกออกจากกันและซ่อนไว้ แม้แต่ชิ้นส่วนที่แยกจากกันถูกนำออกจากเนเธอร์แลนด์ไปยังประเทศอื่น ๆ ของโลก และในศตวรรษที่ 20 เท่านั้นที่พวกเขากลับบ้านเกิดซึ่งพวกเขาถูกรวบรวม แท่นบูชาตกแต่งโบสถ์เซนต์บาโวอีกครั้ง อย่างไรก็ตาม งานบางส่วนไม่ได้รับการบันทึก ดังนั้น ชิ้นส่วนของต้นฉบับที่ถูกขโมยไปชิ้นหนึ่งในปี 1934 จึงถูกแทนที่ด้วยสำเนาที่ดี

องค์ประกอบโดยรวมของแท่นบูชา Ghent ประกอบด้วยภาพวาด 25 ภาพ ฮีโร่ที่มีอักขระมากกว่า 250 ตัว ที่ปีกด้านนอกของแท่นบูชาในส่วนล่างเป็นภาพลูกค้า Jodocus Veidt และ Isabella Borlut ภรรยาของเขา ร่างของยอห์นผู้ให้บัพติศมาและยอห์นผู้เผยแพร่ศาสนาก็วางอยู่ที่นี่ด้วย ในแถวกลาง มีฉากหนึ่งเกี่ยวกับเรื่องราวในพระคัมภีร์ที่มีชื่อเสียง: หัวหน้าทูตสวรรค์กาเบรียลนำข่าวดีเรื่องการประสูติของพระคริสต์มาสู่พระแม่มารีผู้บริสุทธิ์ องค์ประกอบโดดเด่นด้วยความสามัคคีของสีที่ใช้โดยผู้แต่ง: ภาพวาดทั้งหมดได้รับการออกแบบในโทนสีเทาพาสเทล

ลักษณะเด่นของภาพวาดนี้คือศิลปินรายล้อมตัวละครในพระคัมภีร์ด้วยความเป็นจริงในชีวิตประจำวัน ดังนั้น จากหน้าต่างห้องของมารีย์ จะมองเห็นเมืองที่ไม่เหมือนกับเบธเลเฮมโดยสิ้นเชิง นี่คือเกนต์ บนถนนสายหนึ่งที่จิตรกรผู้ร่วมสมัยสามารถจดจำบ้านของ Veidt ที่ร่ำรวยได้อย่างง่ายดาย ของใช้ในครัวเรือนรอบๆ มารีย์ไม่เพียงแต่เต็มไปด้วยความหมายเชิงสัญลักษณ์เท่านั้น (อ่างล้างหน้าและผ้าเช็ดตัวปรากฏที่นี่เพื่อเป็นสัญลักษณ์ของความบริสุทธิ์ของมารีย์ บานหน้าต่างสามบานเป็นสัญลักษณ์ของตรีเอกานุภาพนิรันดร) แต่ยังได้รับการออกแบบมาเพื่อให้สิ่งที่เกิดขึ้นใกล้ชิดยิ่งขึ้น สู่ความเป็นจริง

ในช่วงวันหยุดทางศาสนา ประตูของแท่นบูชาถูกเปิดออก และภาพอันน่าทึ่งปรากฏขึ้นต่อหน้าผู้ชม โดยเล่าถึงโครงสร้างของโลกด้วยความเข้าใจของบุคคลในศตวรรษที่ 15 ดังนั้นในชั้นบนสุดมีภาพของพระตรีเอกภาพ: พระเจ้าพระบิดาซึ่งสวมเสื้อคลุมของสมเด็จพระสันตะปาปาปักด้วยทองคำที่เท้าของเขามีมงกุฎ - สัญลักษณ์ของพระเยซูคริสต์ตรงกลางของแถวเป็นนกพิราบซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของ พระวิญญาณบริสุทธิ์ พระพักตร์ของพระมารดาของพระเจ้าและยอห์นผู้ให้รับบัพติศมาหันไปทางพวกเขา เพลงสรรเสริญตรีเอกานุภาพร้องโดยทูตสวรรค์ ที่ Van Eyck พวกเขาได้รับการเลี้ยงดูโดยชายหนุ่มที่แต่งกายด้วยชุดคลุมที่ตกแต่งอย่างหรูหรา ชุดนี้ปิดโดยร่างของบรรพบุรุษของเผ่าพันธุ์มนุษย์ - อดัมและอีฟ

แถวบนสุดของภาพเป็นทุ่งหญ้าเขียวขจีกว้าง ซึ่งบรรดาธรรมิกชน ผู้เผยพระวจนะ อัครสาวก นักรบ ฤาษี และผู้แสวงบุญเดินขบวนไปยังลูกแกะบูชายัญ ตัวละครบางตัวเป็นตัวแทนของคนจริงๆ ในหมู่พวกเขาคุณสามารถหาศิลปินเองได้เช่นเดียวกับพี่ชายของเขา Hubert และ Philip the Good ดยุคแห่งเบอร์กันดี ภูมิทัศน์ที่นี่ก็น่าสนใจเช่นกัน ต้นไม้และพืชขนาดเล็กทั้งหมดถูกวาดโดยอาจารย์ด้วยความแม่นยำเป็นพิเศษ หนึ่งได้รับความรู้สึกที่ศิลปินตัดสินใจที่จะแสดงความรู้ทางพฤกษศาสตร์ของเขาแก่ผู้ชม

ในพื้นหลังขององค์ประกอบภาพเมืองสวรรค์แห่งเยรูซาเล็มซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของศาสนาคริสต์ อย่างไรก็ตาม สำหรับอาจารย์ การถ่ายทอดความคล้ายคลึงกันของโครงสร้างทางสถาปัตยกรรมของเมืองในเทพนิยายกับอาคารจริงที่มีอยู่ในสมัยของ Van Eyck มีความสำคัญมากกว่า

ชุดรูปแบบทั่วไปขององค์ประกอบดูเหมือนเป็นการเชิดชูความกลมกลืนของระเบียบโลกมนุษย์ นักวิทยาศาสตร์แนะนำว่าแหล่งวรรณกรรมที่เป็นไปได้สำหรับงานนี้ของศิลปินที่มีชื่อเสียงคือ "การเปิดเผยของ John Chrysostom" หรือ "ตำนานทองคำ" โดย Jacopo da Varagina

ไม่ว่างานของ Van Eyck จะเป็นธีมใด สิ่งสำคัญสำหรับศิลปินคือการพรรณนาโลกแห่งความเป็นจริงให้ถูกต้องและเป็นกลางที่สุดเท่าที่จะทำได้ วิธีการถ่ายทอดไปยังผืนผ้าใบ ในขณะที่ถ่ายทอดคุณลักษณะทั้งหมดของมัน หลักการนี้กลายเป็นผู้นำในการสร้างเทคนิคใหม่ของการเป็นตัวแทนทางศิลปะ มันแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในผลงานภาพเหมือนของศิลปิน

ในปี ค.ศ. 1431 พระคาร์ดินัล Niccolò Albergati ผู้แทนของสมเด็จพระสันตะปาปามาถึงเบอร์กันดี ในเวลาเดียวกัน Jan van Eyck ได้วาดภาพเหมือนของพระคาร์ดินัล ในระหว่างการทำงานมีการแก้ไขและเพิ่มเติมภาพวาด ควรสังเกตว่าอาจารย์กังวลมากกว่าที่นี่ไม่ใช่การแสดงประสบการณ์ภายในของบุคคล แต่ด้วยการถ่ายทอดลักษณะที่ปรากฏ ลักษณะส่วนบุคคล และเส้นใบหน้า รูปร่าง ท่าทาง และการแสดงออกทางสีหน้าที่แม่นยำยิ่งขึ้น

ในภาพเหมือนของพระคาร์ดินัลอัลเบอร์กาตีที่ทาสีในภายหลังด้วยสีน้ำมัน การเน้นในภาพเปลี่ยนจากการให้รายละเอียดเกี่ยวกับรูปลักษณ์ของบุคคลเป็นการแสดงโลกภายในของเขา ดวงตาของตัวละครซึ่งเป็นกระจกของจิตวิญญาณมนุษย์ซึ่งสะท้อนความรู้สึก ประสบการณ์ ความคิด บัดนี้กลายเป็นส่วนสำคัญในการเปิดเผยภาพ

วิธีการทางศิลปะของ Van Eyck พัฒนาขึ้นได้อย่างไร โดยเปรียบเทียบผลงานก่อนหน้าของเขากับภาพเหมือนที่มีชื่อเสียง "Timothy" ซึ่งวาดในปี 1432 บุคคลที่คิดรอบคอบและมีบุคลิกที่อ่อนโยนปรากฏขึ้นต่อหน้าผู้ชม สายตาของเขาจับจ้องไปที่ความว่างเปล่า อย่างไรก็ตาม มุมมองนี้ทำให้วีรบุรุษ Van Eyck เป็นคนเปิดเผย เจียมเนื้อเจียมตัว เคร่งศาสนา จริงใจ และใจดี

พรสวรรค์ของศิลปินไม่สามารถคงที่ได้ อาจารย์จะต้องค้นหาวิธีแก้ปัญหาใหม่ ๆ และวิธีการแสดงและวาดภาพโลกอยู่เสมอรวมถึงโลกภายในของบุคคลด้วย นั่นคือฟาน เอค ขั้นตอนต่อไปในการพัฒนางานของเขาถูกทำเครื่องหมายด้วยงานวาดภาพที่เรียกว่า "ชายในผ้าโพกหัวแดง" (1433) ซึ่งแตกต่างจากตัวละครในภาพวาด "ทิโมธี" ฮีโร่ของผืนผ้าใบนี้มีรูปลักษณ์ที่แสดงออกมากขึ้น ดวงตาของเขาหันไปทางผู้ชม ดูเหมือนคนแปลกหน้าจะเล่าเรื่องที่น่าเศร้าของเขาให้เราฟัง รูปลักษณ์ของเขาแสดงถึงความรู้สึกที่เฉพาะเจาะจง: ความขมขื่นและความเสียใจกับสิ่งที่เกิดขึ้น

"ทิโมธี" และ "ชายในผ้าโพกหัวแดง" แตกต่างอย่างมากจากผลงานที่สร้างโดยอาจารย์ก่อนหน้านี้: พวกเขานำเสนอภาพทางจิตวิทยาของฮีโร่ ในเวลาเดียวกัน ศิลปินไม่สนใจโลกฝ่ายวิญญาณของบุคคลใดบุคคลหนึ่งมากเท่ากับในทัศนคติของเขาต่อความเป็นจริง ดังนั้น ทิโมธีจึงมองดูโลกอย่างครุ่นคิด และชายในผ้าโพกหัวก็รับรู้ว่าเป็นสิ่งที่ไม่เป็นมิตร อย่างไรก็ตาม หลักการวาดภาพบุคคลนี้มาช้านาน
เวลาไม่สามารถดำรงอยู่ในกรอบของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ที่ซึ่งแนวคิดหลักคือการระบุลักษณะเฉพาะของภาพอย่างชัดเจนและแสดงโลกภายในของมัน แนวคิดนี้กลายเป็นจุดเด่นในผลงานที่ตามมาของ Van Eyck

ยาน ฟาน เอค แนวของชายในผ้าโพกหัวสีแดง . 1433

ในปี ค.ศ. 1434 ศิลปินวาดภาพผลงานที่โด่งดังที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา - "Portrait of the Arnolfini couple" ซึ่งตามนักประวัติศาสตร์ศิลป์ระบุว่าพ่อค้าจาก Lucca ตัวแทนของบ้าน Medici ในเมือง Bruges, Giovanni Arnolfini กับ Giovanna ภรรยาของเขา

ในพื้นหลังขององค์ประกอบภาพมีกระจกทรงกลมขนาดเล็ก จารึกด้านบนระบุว่าหนึ่งในพยานในพิธีคือแจน ฟาน เอค ศิลปินเอง

ภาพที่ศิลปินสร้างขึ้นนั้นแสดงออกอย่างผิดปกติ ความสำคัญของพวกเขาถูกเน้นโดยข้อเท็จจริงที่ว่า
ที่ผู้เขียนวางตัวละครของเขาไว้ในสภาพแวดล้อมที่ธรรมดาที่สุดเมื่อเห็นแวบแรก สาระสำคัญและความหมายของภาพได้รับการเน้นที่นี่ผ่านวัตถุที่ล้อมรอบตัวละครและมีความหมายที่เป็นความลับ ดังนั้นแอปเปิ้ลที่กระจัดกระจายอยู่บนขอบหน้าต่างและโต๊ะเป็นสัญลักษณ์ของความสุขสวรรค์, ลูกประคำคริสตัลบนผนังเป็นศูนย์รวมของความกตัญญู, แปรงเป็นสัญลักษณ์ของความบริสุทธิ์, รองเท้าสองคู่เป็นสัญลักษณ์ของความซื่อสัตย์ในการสมรส, เทียนที่จุดไฟในความสวยงาม โคมระย้าเป็นสัญลักษณ์ของเทพที่บดบังศีลศักดิ์สิทธิ์ของพิธีแต่งงาน ความคิดเรื่องความซื่อสัตย์และความรักได้รับการแนะนำโดยสุนัขตัวเล็ก ๆ ที่ยืนอยู่ที่เท้าของเจ้าของ สัญลักษณ์ของความซื่อสัตย์ในชีวิตสมรส ความสุขและอายุยืน ทั้งหมดนี้สร้างความรู้สึกอบอุ่นและใกล้ชิด ความรัก และความอ่อนโยนที่รวมคู่สมรสเป็นหนึ่งเดียว

สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือภาพวาด Madonna of Chancellor Rolen ของ Van Eyck ซึ่งสร้างขึ้นในปี 1435 ขนาดเล็ก (0.66 × 0.62 ม.) งานนี้สร้างความประทับใจให้กับขนาดของพื้นที่ ความรู้สึกดังกล่าวถูกสร้างขึ้นในภาพเนื่องจากความจริงที่ว่าศิลปินแสดงให้ผู้ชมเห็นภูมิทัศน์ด้วยอาคารในเมืองแม่น้ำและภูเขาที่มองเห็นได้ในระยะไกลผ่านห้องใต้ดินโค้ง

เช่นเดียวกับ Van Eyck สภาพแวดล้อม (ในกรณีนี้คือภูมิทัศน์) ที่ล้อมรอบตัวละครมีบทบาทสำคัญในการเปิดเผยตัวละครของพวกเขา แม้ว่าตัวละคร การตกแต่งภายใน และภูมิทัศน์จะไม่เป็นเอกภาพแบบองค์รวมที่นี่ ทิวทัศน์พร้อมอาคารที่พักอาศัยซึ่งอยู่ตรงข้ามกับร่างอธิการบดีถือเป็นจุดเริ่มต้นทางโลก และภูมิทัศน์ที่มีโบสถ์ซึ่งอยู่ด้านหลังพระแม่มารี เป็นสัญลักษณ์ของศาสนาคริสต์ สองฝั่งแม่น้ำกว้างเชื่อมต่อกันด้วยสะพานซึ่งคนเดินถนนและคนขี่ม้าผ่านไป ตัวตนของการปรองดองของหลักการทางวิญญาณและทางโลกคือพระกุมารของพระคริสต์นั่งอยู่บนตักของมารีย์อวยพรนายกรัฐมนตรี

งานที่เสร็จสิ้นในช่วงเวลาแห่งการก่อตัวของวิธีการสร้างสรรค์ของ Van Eyck ถือเป็นองค์ประกอบแท่นบูชา Madonna ของ Canon van der Pale ซึ่งสร้างขึ้นในปี 1436 ลักษณะเด่นของภาพคือความยิ่งใหญ่ ตอนนี้ร่างของฮีโร่เติมเต็มพื้นที่ทั้งหมดของภาพจนแทบไม่มีที่ว่างสำหรับแนวนอนหรือภายใน นอกจากนี้ในมาดอนน่าของ Canon van der Pale ตัวละครหลักไม่ใช่มาดอนน่าเลย แต่เป็นลูกค้าของภาพวาดเอง สำหรับเขาแล้ว Mary และ St. โดนาตุสชี้นิ้วบอกนักบุญ จอร์จ.

วิธีการวาดตัวละครหลักก็เปลี่ยนไปเช่นกัน

นี่ไม่ใช่การไตร่ตรองอย่างง่ายอีกต่อไปโดยแสดงทัศนคติของเขาต่อโลก ผู้ชมเห็นคนที่ถอนตัวออกจากตัวเองโดยคิดอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับสิ่งที่สำคัญมาก ภาพที่คล้ายคลึงกันจะเป็นผู้นำในศิลปะดัตช์ในสมัยต่อ ๆ ไป

ในงานต่อมา Van Eyck แสดงภาพที่เป็นรูปธรรมมากยิ่งขึ้น ตัวอย่างนี้คือภาพวาด "Portrait of Jan van Leeuw" (1436) บุคคลที่ปรากฎในภาพเหมือนเปิดให้เรา สายตาของเขาจับจ้องไปที่ผู้ชม ซึ่งสามารถจดจำความรู้สึกของฮีโร่ได้อย่างง่ายดาย หนึ่งต้องมองเข้าไปในดวงตาของเขาเท่านั้น

จุดสุดยอดของงานของอาจารย์ถือเป็นงานสุดท้าย วาดในปี 1439 ภาพเหมือนของ Margarita van Eyck ภรรยาของเขา ที่นี่เบื้องหลังการปรากฏตัวของนางเอกที่ศิลปินวาดอย่างละเอียดถี่ถ้วนตัวละครของเธอนั้นมองเห็นได้ชัดเจน ภาพลักษณ์ของ Van Eyck ไม่เคยมีมาก่อน สีที่ใช้ก็ผิดปกติสำหรับศิลปินเช่นกัน: ผ้าสีแดงม่วงของเสื้อผ้า, ขนสโมคกี้ที่ขอบ, ผิวสีชมพูของนางเอกและริมฝีปากซีดของเธอ

Jan van Eyck เสียชีวิตเมื่อวันที่ 9 กรกฎาคม ค.ศ. 1441 ในเมืองบรูจส์ ผลงานของเขาซึ่งได้รับอิทธิพลจากปรมาจารย์ที่ตามมาหลายคน ได้วางรากฐานสำหรับการก่อตัวและพัฒนาภาพวาดของเนเธอร์แลนด์

พี่น้อง Van Eyck ร่วมสมัยคือ Robert Campin ผู้เขียนงานตกแต่งและภาพ ครูของจิตรกรหลายคนรวมถึงศิลปินชื่อดัง Rogier van der Weyden

องค์ประกอบแท่นบูชาและภาพเหมือนของ Campin โดดเด่นด้วยความปรารถนาในความถูกต้อง อาจารย์พยายามพรรณนาวัตถุทั้งหมดเพื่อให้ดูเหมือนในความเป็นจริง

ศิลปินชาวดัตช์ที่ใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่สิบห้า คือ Rogier van der Weyden ผู้วาดภาพแท่นบูชาอันน่าทึ่ง (“Descent from the Cross” หลังปี 1435) และภาพบุคคลทางจิตวิญญาณที่แสดงออกถึงอารมณ์ (“Portrait of Francesco d’Este”, 1450; “Portrait of a Young Woman”, 1455) Rogier van der Weyden เปิดการประชุมเชิงปฏิบัติการครั้งใหญ่ครั้งแรกในเนเธอร์แลนด์ ซึ่งมีศิลปินยุคเรอเนซองส์ที่มีชื่อเสียงหลายคนศึกษาอยู่ จิตรกรเป็นที่รู้จักกันอย่างแพร่หลายไม่เพียง แต่ในบ้านเกิดของเขาเท่านั้น แต่ยังอยู่ในอิตาลีด้วย

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่สิบห้า ศิลปินดังกล่าวทำงานในเนเธอร์แลนด์เช่น Jos van Wassenhove ซึ่งทำมากในการพัฒนาภาพวาดชาวดัตช์ Hugo van der Goes ที่มีพรสวรรค์ผิดปกติผู้เขียนแท่นบูชา Portinari ที่มีชื่อเสียง Jan Memling ซึ่งทำงานในลักษณะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี ปรากฏ: มาลัยและพุต, การทำให้ภาพในอุดมคติ, ความชัดเจนและความชัดเจนของการสร้างองค์ประกอบ (“มาดอนน่ากับลูก, เทวดาและผู้บริจาค”)

หนึ่งในปรมาจารย์ที่ฉลาดที่สุดของ Northern Renaissance ของปลายศตวรรษที่สิบห้า คือ เฮียโรนีมัส บอช

Hieronymus Bosch (เฮียโรนีมัส ฟาน อาเค่น)

Hieronymus van Aken ซึ่งต่อมามีชื่อเล่นว่า Bosch เกิดระหว่างปี 1450-1460 ในแฮร์โทเกนบอช พ่อของเขา ลุงสองคน และน้องชายของเขาเป็นศิลปิน พวกเขากลายเป็นครูคนแรกของจิตรกรมือใหม่

งานของ Bosch มีความโดดเด่นด้วยความแปลกประหลาดและการเสียดสีที่กัดกร่อนในการแสดงภาพผู้คน แนวโน้มเหล่านี้ปรากฏชัดในผลงานยุคแรกๆ ของศิลปิน ตัวอย่างเช่น ในภาพวาด "การถอดหินแห่งความโง่เขลาออก" แสดงให้เห็นการดำเนินการง่ายๆ ที่หมอรักษาบนศีรษะของชาวนา จิตรกรเยาะเย้ยพระสงฆ์ ความไม่จริงใจและการเสแสร้งของพระสงฆ์ มุมมองของชาวนามุ่งไปที่ผู้ชม ทำให้เขาเปลี่ยนจากผู้สังเกตการณ์ภายนอกให้เป็นผู้สมรู้ร่วมคิดในสิ่งที่เกิดขึ้น

ผลงานบางชิ้นของ Bosch เป็นภาพประกอบต้นฉบับของนิทานพื้นบ้านและตำนานคริสเตียน นี่คือภาพวาดของเขา "The Ship of Fools", "The Temptation of St. แอนโธนี่", "สวนแห่งความสุขทางโลก", "ความรักของพวกโหราจารย์", "การเยาะเย้ยของพระคริสต์" โครงงานเหล่านี้เป็นลักษณะของศิลปะของแฟลนเดอร์สในศตวรรษที่ 15-16 อย่างไรก็ตาม ภาพที่แปลกประหลาดของผู้คนและสัตว์มหัศจรรย์ที่แสดงไว้ที่นี่ โครงสร้างทางสถาปัตยกรรมที่แปลกตาที่นำเสนอโดยจิตรกร ทำให้ภาพเขียนของ Bosch แตกต่างจากผลงานของปรมาจารย์คนอื่นๆ ในขณะเดียวกัน องค์ประกอบของความสมจริงก็มีให้เห็นอย่างชัดเจนในองค์ประกอบเหล่านี้ ซึ่งต่างไปจากวิจิตรศิลป์ของเนเธอร์แลนด์ในขณะนั้น ด้วยจังหวะที่แม่นยำ อาจารย์ทำให้ผู้ชมเชื่อในความเป็นจริงและความถูกต้องของสิ่งที่เกิดขึ้น

ในผืนผ้าใบที่เน้นหัวข้อทางศาสนา พระเยซูมักพบว่าพระองค์รายล้อมไปด้วยผู้คนที่ยิ้มแย้มอย่างมุ่งร้ายและคลุมเครือ ภาพเดียวกันถูกนำเสนอในภาพวาด "Carrying the Cross" ซึ่งเป็นสีที่ประกอบด้วยเฉดสีซีดและเย็น ท่ามกลางผู้คนที่จำเจ ร่างของพระคริสต์โดดเด่น ทาสีด้วยสีที่ค่อนข้างอบอุ่นกว่า อย่างไรก็ตาม นี่เป็นสิ่งเดียวที่ทำให้เขาแตกต่างจากคนอื่น ใบหน้าของตัวละครทั้งหมดมีการแสดงออกเหมือนกัน แม้แต่ใบหน้าที่สดใสของเซนต์. เวโรนิกาแทบไม่แยกแยะนางเอกจากตัวละครอื่น นอกจากนี้ การผสมผสานระหว่างสีฟ้าและสีเหลืองที่เป็นพิษของผ้าโพกศีรษะของเธอช่วยเพิ่มความรู้สึกกำกวม

สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษในผลงานของ Bosch คือองค์ประกอบของแท่นบูชาที่เรียกว่า "กองหญ้า" ภาพเปรียบเทียบของชีวิตมนุษย์แผ่ออกไปต่อหน้าผู้ชม ผู้คนนั่งเกวียน: อยู่ระหว่างนางฟ้ากับมาร ต่อหน้าทุกคนที่พวกเขาจูบ สนุกสนาน เล่นเครื่องดนตรี ร้องเพลง เกวียนตามมาด้วยสมเด็จพระสันตะปาปาและจักรพรรดิ ประชาชนจากสามัญชนปิดคอลัมน์ ฝ่ายหลังต้องการเข้าร่วมในการเฉลิมฉลองชีวิตวิ่งไปข้างหน้าและตกอยู่ใต้ล้อเกวียนพบว่าตัวเองถูกบดขยี้อย่างไร้ความปราณีโดยไม่มีเวลาเข้าใจรสชาติของความสุขและความสุขของมนุษย์ องค์ประกอบโดยรวมได้รับการสวมมงกุฎโดยพระเยซูตัวเล็กนั่งอยู่บนก้อนเมฆและยกพระหัตถ์ขึ้นสู่สวรรค์ร่วมกับการสวดอ้อนวอน ความประทับใจของความสมจริงของสิ่งที่เกิดขึ้นถูกสร้างขึ้นด้วยความช่วยเหลือของภูมิทัศน์ที่โดดเด่นด้วยความเป็นรูปธรรมและความน่าเชื่อถือ

เฮียโรนีมัส บอช การเยาะเย้ยของพระคริสต์

Bosch มักจะแนะนำองค์ประกอบที่น่าอัศจรรย์ในภาพวาดของเขา พวกเขาเป็นหลักเปิดเผยความตั้งใจของศิลปิน นี่คือนกที่บินอยู่บนท้องฟ้าด้วยใบเรือแทนที่จะเป็นปีก ปลาที่มีกีบม้าแทนครีบ คนที่เกิดจากตอไม้ หัวมีก้อยและภาพหลอนอื่นๆ อีกมากมาย และทั้งหมดนี้เป็นอุปกรณ์เคลื่อนที่ที่ผิดปกติใน Bosch แม้แต่สิ่งมีชีวิตที่เล็กที่สุดก็ยังได้รับพลังงานและนำทางไปที่ไหนสักแห่ง

เมื่อดูภาพวาดของ Bosch คนหนึ่งจะรู้สึกว่าอาจารย์ตัดสินใจที่จะแสดงทุกสิ่งที่เลวทรามต่ำช้ามืดมนและน่าละอายในโลกนี้ อารมณ์ขันไม่มีที่ในผืนผ้าใบเหล่านี้ มันถูกแทนที่ด้วยการเยาะเย้ยที่เป็นพิษ การเสียดสี เน้นให้เห็นถึงข้อบกพร่องทั้งหมดของระเบียบโลกมนุษย์

ในงานของศิลปินช่วงปลาย พลวัตค่อนข้างจะอ่อนแอลง อย่างไรก็ตาม ความไม่มีที่สิ้นสุดของพื้นที่ที่แสดงและลักษณะหลายร่างของรูปภาพยังคงอยู่ นี่คือวิธีที่คุณสามารถกำหนดลักษณะผืนผ้าใบที่เรียกว่า "John on Patmos" สิ่งที่น่าสนใจเป็นพิเศษคือข้อเท็จจริงที่ว่าที่ด้านหลังของมัน อาจารย์ได้วางภูมิทัศน์ที่สวยงามตระการตาและสวยงาม ศิลปินสามารถถ่ายทอดความโปร่งใสของอากาศและส่วนโค้งของฝั่งแม่น้ำและสีฟ้าอ่อนของท้องฟ้าสูงได้อย่างน่าประหลาดใจ อย่างไรก็ตาม สีสันที่สดใสและเส้นโครงร่างที่แม่นยำทำให้งานดูตึงเครียดและน่าเศร้า

ลักษณะเด่นที่สำคัญของงานของ Bosch คือการมุ่งเน้นที่มนุษย์และโลกของเขา ความปรารถนาที่จะแสดงชีวิตของผู้คน ความรู้สึก ความคิด และความปรารถนาอย่างเป็นกลาง สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นได้อย่างเต็มที่ที่สุดในองค์ประกอบแท่นบูชาที่เรียกว่า "สวนแห่งความยินดี" ซึ่งบาปของมนุษย์จะแสดงให้เห็นโดยไม่มีการปรุงแต่ง งานนี้ไดนามิกมาก คนทั้งกลุ่มเดินผ่านหน้าผู้ชม ซึ่งผู้เขียนจัดไว้หลายระดับเพื่อให้มองเห็นได้ดีขึ้น ความประทับใจจะค่อยๆ ก่อตัวขึ้นจากการเคลื่อนไหวทางเดียวอย่างต่อเนื่องของร่างต่างๆ ซึ่งช่วยเพิ่มความรู้สึกโศกนาฏกรรมและเตือนผู้ดูถึงวงกลมทั้งเจ็ดแห่งนรก

สไตล์ศิลปะของ Bosch เกิดจากความขัดแย้งระหว่างความเป็นจริงกับอุดมคติของศิลปะยุคกลาง ศิลปินหลายคนในสมัยนั้น ด้วยความปรารถนาที่เข้าใจได้อย่างสมบูรณ์ในการแต่งเติมความมืดมน เต็มไปด้วยชีวิตที่ขัดแย้ง ได้สร้างภาพที่สวยงามในอุดมคติซึ่งห่างไกลจากความเป็นจริงที่โหดร้าย ในทางตรงกันข้าม งานของ Bosch มุ่งเป้าไปที่ภาพลักษณ์ของความเป็นจริงโดยรอบ ยิ่งกว่านั้น ศิลปินพยายามที่จะเปลี่ยนโลกของผู้คนจากภายในสู่ภายนอกและแสดงด้านที่ซ่อนเร้น ดังนั้นจึงหวนคืนสู่ศิลปะที่มีนัยสำคัญทางปรัชญาและอุดมการณ์ที่ลึกซึ้ง

ภูมิทัศน์มีบทบาทหลักอย่างหนึ่งใน The Adoration of the Magi ตัวละครหลักแสดงไว้ที่นี่โดยเป็นส่วนหนึ่งของทั้งหมด ไม่ได้มีความหมายที่เป็นอิสระ สิ่งที่สำคัญกว่าในการเปิดเผยความตั้งใจของศิลปินคือสิ่งที่อยู่เบื้องหลังร่างของตัวละคร - ภาพวาดทิวทัศน์: พลม้า ต้นไม้ สะพาน เมือง ถนน แม้จะมีขนาด แต่ภูมิทัศน์ก็ให้ความรู้สึกว่างเปล่า ความเงียบ และความสิ้นหวัง อย่างไรก็ตาม นี่เป็นสิ่งเดียวที่ยังคงริบหรี่ของชีวิตและมีความหมายบางอย่าง ร่างมนุษย์ที่นี่นิ่งและไม่มีนัยสำคัญ การเคลื่อนไหวของพวกเขาซึ่งคงที่ในช่วงเวลาหนึ่งถูกระงับ ตัวเอกหลักคือภูมิทัศน์อย่างแม่นยำ ถูกสร้างจิตวิญญาณ และดังนั้นจึงคมชัดยิ่งขึ้นในการแรเงาความว่างเปล่า ความไร้จุดหมาย และความไร้ประโยชน์ของชีวิตมนุษย์

ในองค์ประกอบ "The Prodigal Son" รูปภาพของธรรมชาติและตัวเอกก่อให้เกิดความสามัคคี วิธีการแสดงออกที่นี่
ลักษณะทั่วไปของสีที่ผู้เขียนใช้: ภูมิทัศน์และร่างมนุษย์ถูกทาสีด้วยเฉดสีเทา

ในงานชิ้นหลังของ Bosch สิ่งมีชีวิตในจินตนาการไม่ได้รับพื้นที่มากเท่ากับในงานก่อนหน้านี้อีกต่อไป มีเพียงบางแห่งเท่านั้นที่ยังคงปรากฏร่างแปลกแยกออกมา อย่างไรก็ตาม สิ่งเหล่านี้ไม่ใช่สัตว์ครึ่งตัวที่มีพลังกระฉับกระเฉงทุกที่ ขนาดและกิจกรรมของพวกเขาลดลงอย่างมาก สิ่งสำคัญในตอนนี้สำหรับจิตรกรคือการแสดงความเหงาของบุคคลในโลกที่โหดร้ายไร้วิญญาณซึ่งทุกคนยุ่งอยู่กับตัวเองเท่านั้น

Hieronymus Bosch เสียชีวิตในปี ค.ศ. 1516 งานของเขามีอิทธิพลต่อการก่อตัวของวิธีการทางศิลปะของปรมาจารย์ที่โดดเด่นหลายคนรวมถึง Pieter Brueghel the Elder ภาพอันน่าทึ่งของผลงานของ Bosch ได้กำหนดลักษณะที่ปรากฏของภาพวาดของศิลปินเซอร์เรียลลิสต์ไว้ล่วงหน้าเป็นส่วนใหญ่

ในตอนต้นของศตวรรษที่สิบหก ปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 15 ยังคงอาศัยและทำงานในเนเธอร์แลนด์ต่อไป - Hieronymus Bosch และ Gerard David แต่ในขณะนั้นลักษณะของ High Renaissance ปรากฏในภาพวาดชาวดัตช์ (แม้ว่าจะมีขอบเขตน้อยกว่าในภาษาอิตาลี)

ในช่วงเวลานี้ เศรษฐกิจของเนเธอร์แลนด์กำลังเฟื่องฟูอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน อุตสาหกรรมพัฒนาอย่างรวดเร็ว งานฝีมือของกิลด์ถูกแทนที่ด้วยโรงงาน การค้นพบอเมริกาทำให้เนเธอร์แลนด์เป็นศูนย์กลางการค้าระหว่างประเทศที่สำคัญ ความประหม่าของประชาชนเพิ่มขึ้น และแนวโน้มการปลดปล่อยแห่งชาติก็ทวีความรุนแรงมากขึ้นด้วย ซึ่งในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 15 นำไปสู่การปฏิวัติ

หนึ่งในปรมาจารย์ที่สำคัญที่สุดของสามคนแรกของศตวรรษที่สิบหก คือ เควนติน แมสซีย์ เขาเป็นผู้แต่งแท่นบูชาจำนวนมาก บางที เขาอาจเป็นผู้สร้างงานประเภทแรกในจิตรกรรมเนเธอร์แลนด์ โดยได้วาดภาพระบายสีอันโด่งดังของเขาเรื่อง The Money Changer with his Wife (1514) Masseys วาดภาพบุคคลที่ยอดเยี่ยมซึ่ง
ศิลปินพยายามถ่ายทอดความลึกของโลกภายในของบุคคล (ภาพเหมือนของ Etienne Gardiner, Erasmus of Rotterdam, Peter Egidius)

ในเวลาเดียวกันกับ Masseys ในเนเธอร์แลนด์พวกเขาทำงานร่วมกับสิ่งที่เรียกว่า นักประพันธ์ที่หันไปหาผลงานของอาจารย์ชาวอิตาลี ในงานของพวกเขา นักประพันธ์ไม่ได้พยายามที่จะสะท้อนความเป็นจริง เป้าหมายหลักของพวกเขาคือการสร้างภาพลักษณ์ของบุคคลที่ยิ่งใหญ่ ตัวแทนที่สำคัญที่สุดของแนวโน้มนี้คือ Jan Gossart ชื่อเล่น Mabuse และ Bernard van Orley

ในช่วงที่สามของศตวรรษที่สิบหก ทำงานเป็นปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงในยุคของเขาซึ่งเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้ง Joachim Patinir จิตรกรรมภูมิทัศน์ยุโรป ภาพวาดของเขาที่มีที่ราบกว้าง ยอดเขาที่เป็นหิน และแม่น้ำที่สงบนิ่ง รวมถึงภาพทางศาสนาที่มีร่างมนุษย์เล็กๆ ลวดลายในพระคัมภีร์ค่อยๆ ใช้พื้นที่น้อยลงในภูมิทัศน์ของเขา (“บัพติศมา”, “ภูมิทัศน์พร้อมเที่ยวบินสู่อียิปต์”) ภาพวาดของ Patinir มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินในรุ่นต่อ ๆ ไป

ผู้ร่วมสมัยของ Patinir เป็นปรมาจารย์ที่ใหญ่ที่สุดของเวลานี้ Luke of Leiden ผู้ซึ่งทำงานเกี่ยวกับเทคนิคการแกะสลัก ผลงานของเขามีความโดดเด่นในด้านความสมจริงและความสมบูรณ์ขององค์ประกอบ เช่นเดียวกับอารมณ์ที่ลึกซึ้ง (“Mohammed with a killered monk”, 1508; “David and Saul”, 1509) งานแกะสลักหลายชิ้นของเขามีลักษณะเฉพาะด้วยองค์ประกอบของประเภทในชีวิตประจำวัน ("เกมหมากรุก", "ภรรยานำเสื้อผ้าของโจเซฟไปที่โปทิฟาร์") ภาพเหมือนของลุคแห่งไลเดนมีความสมจริงและเหมือนจริง (“Portrait of a Man”, ca. 1520)

ประเภทในชีวิตประจำวันเริ่มแพร่หลายในภาพวาดในช่วงที่สองของศตวรรษที่ 16 ศิลปินที่สานต่อประเพณีของ Masseys ทำงานใน Antwerp - Jan Sanders van Hemessen ผู้สร้าง The Changer หลายเวอร์ชันและ Marinus van Roimerswale ผู้เขียน The Merry Society ด้วยภาพลักษณ์ที่แปลกประหลาดของเหล่าผู้เปลี่ยนและเด็กผู้หญิงที่มีคุณธรรมง่าย ๆ ผู้เชี่ยวชาญเหล่านี้จึงลบบรรทัดที่แยกองค์ประกอบประจำวันและองค์ประกอบทางศาสนาออก

คุณสมบัติของประเภทในชีวิตประจำวันยังแทรกซึมเข้าไปในการถ่ายภาพบุคคลซึ่งตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดคือศิลปินอัมสเตอร์ดัม Dirk Jacobs และ Cornelis Teynissen ท่าทางและท่าทางที่เป็นธรรมชาติทำให้ภาพพอร์ตเทรตดูมีชีวิตชีวาและน่าเชื่อ ต้องขอบคุณ Jacobs และ Teinissen ที่ทำให้ภาพวาดของเนเธอร์แลนด์เต็มไปด้วยรูปแบบใหม่ที่เป็นต้นฉบับ ซึ่งกลายเป็นภาพเหมือนกลุ่ม

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมานี้ ลัทธิโรมันยังคงพัฒนาต่อไป โดยมีปรมาจารย์คือ Peter Cook van Aelst และ Jan Scorel ซึ่งมีความสามารถและความสามารถมากมาย เขาไม่เพียงแต่เป็นจิตรกรเท่านั้น แต่ยังเป็นนักบวช นักดนตรี วาทศิลป์ วิศวกร และผู้รักษาคอลเลกชันงานศิลปะของสมเด็จพระสันตะปาปาเอเดรียนที่ 6 ด้วย

วิกฤตทัศนคติของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งกลืนกินศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 ก็ส่งผลกระทบต่อเนเธอร์แลนด์เช่นกัน ในช่วงปีค.ศ. 1550-1560 ในการวาดภาพชาวดัตช์แนวโน้มที่เหมือนจริงยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่องโดยได้รับคุณสมบัติของสัญชาติ ในเวลาเดียวกัน ลัทธิโรมันก็ถูกกระตุ้นด้วย ซึ่งองค์ประกอบของกิริยามารยาทเริ่มครอบงำ

ลักษณะเฉพาะที่มีอยู่ในภาพวาดของ Frans Floris ศิลปิน Antwerp การเรียบเรียงในพระคัมภีร์ของเขาทำให้ประหลาดใจด้วยบทละครที่เกินจริง มุมที่ซับซ้อน และพลวัตที่เกินจริง (The Downfall of the Angels, 1554; The Last Judgement, 1566)

ตัวแทนที่โดดเด่นของการวาดภาพเหมือนจริงของเวลานี้คือ Peter Artsen ปรมาจารย์ Antwerp ซึ่งวาดภาพฉากประเภทร่างใหญ่เป็นส่วนใหญ่และสิ่งมีชีวิต บ่อยครั้งที่เขาผสมผสานทั้งสองประเภทนี้เข้ากับผลงานของเขา แต่หนึ่งในนั้นก็มีชัยเหนืออีกประเภทหนึ่งเสมอ ในภาพวาด "งานเลี้ยงชาวนา" (1550) ชีวิตยังคงมีบทบาทรองและใน "ร้านขายเนื้อ" (1551) วัตถุผลักบุคคลนั้นไปที่พื้นหลัง ผืนผ้าใบของ Artsen โดดเด่นด้วยความถูกต้องแม้ว่าศิลปินจะพยายามนำเสนอภาพของชาวนาในฐานะที่เป็นอนุสรณ์และสง่างาม (ชาวนาในตลาด 1550; ชาวนาที่ Hearth, 1556; Dance Among the Eggs, 1557) ในภาพวาด "The Cook" (1559), "The Peasant" (1561) ด้วยภาพในอุดมคติที่ชัดเจนของพวกเขารู้สึกเห็นอกเห็นใจผู้แต่งอย่างจริงใจต่อคนทั่วไป

ปรมาจารย์การวาดภาพเหมือนจริงของเนเธอร์แลนด์ที่สำคัญที่สุดในศตวรรษที่ 16 คือปีเตอร์ บรูเกลผู้เฒ่า

ปีเตอร์ บรูเกลผู้เฒ่า

Pieter Brueghel (Bregel) ชื่อเล่น Elder หรือชาวนา เกิดระหว่างปี 1525 ถึง 1530 ในช่วงต้นปี 50 ศตวรรษที่ 16 เขาอาศัยอยู่ใน Antwerp ซึ่งเขาศึกษาการวาดภาพกับ P. Cook van Aelst ในช่วงเวลาตั้งแต่ปี ค.ศ. 1552 ถึง ค.ศ. 1553 ศิลปินทำงานในอิตาลีและตั้งแต่ปี ค.ศ. 1563 ในกรุงบรัสเซลส์ ในขณะที่อยู่ในเนเธอร์แลนด์ จิตรกรได้พบกับนักคิดที่เป็นประชาธิปไตยและหัวรุนแรงของประเทศ ความคุ้นเคยนี้อาจกำหนดจุดสนใจเฉพาะของงานของศิลปิน

งานแรกเริ่มของ Brueghel โดดเด่นด้วยอิทธิพลของศิลปะแบบ Mannerist และวิธีการทางศิลปะของ Hieronymus Bosch โดยส่วนใหญ่เป็นภาพทิวทัศน์ที่สื่อถึงความประทับใจของจิตรกรในการเดินทางไปอิตาลีและเทือกเขาแอลป์ ตลอดจนภาพธรรมชาติของเนเธอร์แลนด์ซึ่งเป็นบ้านเกิดของศิลปิน ในงานเหล่านี้ ความปรารถนาของผู้เขียนที่จะแสดงภาพขนาดใหญ่ที่ยิ่งใหญ่บนผืนผ้าใบขนาดเล็กจะเห็นได้ชัดเจน นั่นคือ "ท่าเรือเนเปิลส์" ของเขาซึ่งกลายเป็นทะเลแห่งแรกในประวัติศาสตร์การวาดภาพ

ในผลงานแรกของเขา ศิลปินพยายามที่จะแสดงออกถึงความไม่มีที่สิ้นสุดของพื้นที่ที่บุคคลสูญหาย มีขนาดเล็กลง กลายเป็นสิ่งไม่มีนัยสำคัญ ต่อมา ภูมิทัศน์ที่ Brueghel มีมิติที่สมจริงมากขึ้น การตีความของบุคคลที่อาศัยอยู่ในโลกนี้ก็เปลี่ยนไปเช่นกัน ตอนนี้ภาพของบุคคลนั้นมีความหมายพิเศษและไม่ใช่ร่างที่บังเอิญปรากฏบนผืนผ้าใบ ตัวอย่างนี้คือภาพวาดที่สร้างขึ้นในปี 1557 และเรียกว่า "The Sower"

ในเรื่อง The Fall of Icarus เนื้อเรื่องหลักที่แสดงถึงความคิดที่ว่าความตายของคนเพียงคนเดียวจะไม่หยุดยั้งการหมุนของวงล้อแห่งชีวิต เสริมด้วยอีกหลายคน ดังนั้น ฉากไถนาและภูมิทัศน์ชายฝั่งทะเลที่นำเสนอที่นี่จึงเป็นสัญลักษณ์ของความสม่ำเสมอของชีวิตมนุษย์และความยิ่งใหญ่ของโลกธรรมชาติ แม้ว่าผืนผ้าใบจะอุทิศให้กับตำนานโบราณ แต่แทบไม่มีอะไรที่ทำให้นึกถึงการตายของอิคารัส แค่มองใกล้ๆ ก็เห็นขาพระเอกที่ตกลงไปในทะเล ไม่มีใครสนใจการตายของอิคารัส - ทั้งคนเลี้ยงแกะชื่นชมทิวทัศน์ที่สวยงามหรือชาวประมงที่ตั้งอยู่บนชายฝั่งหรือชาวนาไถนาของเขาหรือลูกเรือของเรือใบที่มุ่งหน้าสู่ทะเลเปิด สิ่งสำคัญในภาพไม่ใช่โศกนาฏกรรมของตัวละครโบราณ แต่เป็นความงามของบุคคลรายล้อมไปด้วยธรรมชาติที่สวยงาม

ผลงานทั้งหมดของ Brueghel มีเนื้อหาที่มีความหมายลึกซึ้ง พวกเขายืนยันแนวคิดเรื่องความเป็นระเบียบและความโอ่อ่าของระเบียบโลก อย่างไรก็ตาม การกล่าวว่าผลงานของ Brueghel มองโลกในแง่ดีอาจเป็นเรื่องที่ผิด หมายเหตุในแง่ร้ายในภาพวาดแสดงโดยตำแหน่งพิเศษที่ผู้เขียนถ่าย ดูเหมือนว่าเขาจะอยู่ที่ไหนสักแห่งนอกโลก เฝ้าดูชีวิตจากภายนอกและลบออกจากภาพที่โอนไปยังผืนผ้าใบ

เวทีใหม่ในผลงานของศิลปินถูกทำเครื่องหมายด้วยการปรากฏตัวในปี ค.ศ. 1559 ของภาพวาด "The Battle of Carnival and Lent" การจัดวางองค์ประกอบนี้มีพื้นฐานมาจากกลุ่มคนจำนวนมากที่คลั่งไคล้ มัมเมอร์ พระและพ่อค้า เป็นครั้งแรกในงานของ Brueghel ที่ความสนใจทั้งหมดไม่ได้เน้นที่ภาพวาดทิวทัศน์ แต่มุ่งไปที่ภาพของฝูงชนที่เคลื่อนไหว

ในงานนี้ ผู้เขียนได้แสดงมุมมองโลกทัศน์พิเศษ ลักษณะของนักคิดในสมัยนั้น เมื่อโลกของธรรมชาติถูกทำให้เป็นมนุษย์ มีชีวิตชีวา และในทางกลับกัน โลกของผู้คนกลับถูกเปรียบเช่น ชุมชนแมลง . จากมุมมองของบรูเกล โลกของผู้คนก็เป็นจอมปลวกตัวเดียวกัน และผู้อยู่อาศัยในนั้นก็ไม่มีนัยสำคัญและไม่มีนัยสำคัญพอๆ กับที่พวกมันมีขนาดเล็ก ความรู้สึก ความคิด การกระทำก็เช่นเดียวกัน ภาพที่วาดภาพคนร่าเริง ทว่ากลับทำให้เกิดความรู้สึกเศร้าหมองและเศร้าหมอง

อารมณ์เศร้าแบบเดียวกันทำให้ภาพเขียน "Flemish Proverbs" (1559) และ "Children's Games" (1560) ในระยะหลัง มีการแสดงเด็กในเบื้องหน้า อย่างไรก็ตาม มุมมองของถนนที่แสดงในภาพนั้นไม่มีที่สิ้นสุด เธอคือผู้ที่มีความหมายหลักในการจัดองค์ประกอบ: กิจกรรมของผู้คนนั้นไร้ความหมายและไม่มีนัยสำคัญพอ ๆ กับความสนุกสนานของเด็ก ๆ ชุดรูปแบบนี้ - คำถามเกี่ยวกับสถานที่ในชีวิตของบุคคล - กลายเป็นประเด็นสำคัญในงานของ Brueghel ในช่วงปลายทศวรรษ 1550

ตั้งแต่ช่วงปี ค.ศ. 1560 ความสมจริงในภาพวาดของ Brueghel ถูกแทนที่ด้วยจินตนาการที่สดใสและน่ากลัวในแง่ของพลังในการแสดงออกที่เหนือกว่าแม้แต่งานพิลึกของ Bosch ตัวอย่างของงานดังกล่าว ได้แก่ ภาพวาด "Triumph of Death" (1561) และ "Mad Greta" (1562)

ใน The Triumph of Death มีการแสดงโครงกระดูกที่พยายามทำลายผู้คน ในทางกลับกัน พวกเขาพยายามหลบหนีในกับดักหนูขนาดใหญ่ ภาพเปรียบเทียบเต็มไปด้วยความหมายเชิงสัญลักษณ์ที่ลึกซึ้ง และออกแบบมาเพื่อสะท้อนมุมมองโลกทัศน์และความเข้าใจของผู้เขียนในโลก

ใน Crazy Greta ผู้คนไม่หวังว่าจะได้รับความรอดจากสัตว์ร้ายซึ่งมีจำนวนเพิ่มขึ้น ไม่มีใครรู้ว่าสัตว์ร้ายเหล่านี้มาจากไหน พยายามจะเข้ามาแทนที่ผู้คนบนโลก อย่างหลังโกรธจัดนำสิ่งสกปรกที่อาเจียนออกมาโดยสัตว์ประหลาดยักษ์เป็นทองคำและลืมเกี่ยวกับอันตรายที่จะเกิดขึ้นและบดขยี้ซึ่งกันและกันในฝูงชนพยายามครอบครองแท่ง "ล้ำค่า"

ในองค์ประกอบนี้ เป็นครั้งแรกที่ทัศนคติของศิลปินที่มีต่อผู้ถูกครอบงำด้วยความโลภอย่างไม่มีการควบคุมได้แสดงให้เห็น อย่างไรก็ตาม ความคิดนี้พัฒนาในบรูเกลไปสู่การอภิปรายอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับชะตากรรมของมวลมนุษยชาติ ควรสังเกตด้วยว่าแม้จะมีองค์ประกอบที่น่าอัศจรรย์หลากหลาย แต่ภาพวาดของ Brueghel ทำให้เกิดความรู้สึกเฉียบพลันผิดปกติของรูปธรรมและความเป็นจริงของสิ่งที่เกิดขึ้น สิ่งเหล่านี้เป็นภาพสะท้อนของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในเวลานั้นในเนเธอร์แลนด์ - การปราบปรามที่กระทำโดยผู้พิชิตชาวสเปนในประเทศ บรูเกลเป็นศิลปินกลุ่มแรกๆ ที่สะท้อนเหตุการณ์และความขัดแย้งในยุคสมัยของเขาบนผืนผ้าใบ โดยแปลเป็นภาษาศิลปะและภาพ

อารมณ์รุนแรงและโศกนาฏกรรมค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วยการไตร่ตรองอย่างเงียบและเศร้าของบรูเกลเกี่ยวกับชะตากรรมของผู้คน ศิลปินกลับกลายเป็นภาพจริงอีกครั้ง ตอนนี้สถานที่หลักในการจัดองค์ประกอบภาพได้รับภูมิทัศน์ขนาดใหญ่ที่ไปไกลสุดขอบฟ้า การเยาะเย้ยถากถางของผู้เขียนซึ่งเป็นลักษณะของงานก่อนหน้านี้กลายเป็นความอบอุ่น การให้อภัย และความเข้าใจในแก่นแท้ของจิตวิญญาณมนุษย์

ในขณะเดียวกัน ผลงานก็ปรากฏขึ้นด้วยอารมณ์ของความเหงา ความเศร้าและความเศร้าเล็กน้อย ท่ามกลางผืนผ้าใบดังกล่าว Monkeys (1562) และ The Tower of Babel (1563) ครอบครองสถานที่พิเศษ ในทางตรงกันข้ามกับภาพวาดที่มีชื่อเดียวกันที่เขียนไว้ก่อนหน้านี้สถานที่หลักถูกครอบครองโดยร่างของผู้สร้าง หากก่อนหน้านี้ศิลปินสนใจโลกแห่งธรรมชาติที่สวยงามและสมบูรณ์แบบมากขึ้น ตอนนี้การเน้นความหมายก็เปลี่ยนไปที่ภาพลักษณ์ของบุคคล

ในงานเช่น "The Suicide of Saul" (1562), "Landscape with Flight to Egypt" (1563), "Carrying the Cross" (1564) อาจารย์เอาชนะโศกนาฏกรรมของกิจกรรมของผู้คนบนโลกที่ไร้สติ นี่เป็นแนวคิดใหม่สำหรับ Brueghel ซึ่งเป็นคุณค่าโดยธรรมชาติของชีวิตมนุษย์ ในเรื่องนี้ องค์ประกอบ "แบกไม้กางเขน" เป็นที่สนใจเป็นพิเศษ โดยที่โครงเรื่องทางศาสนาและปรัชญาที่รู้จักกันดีถูกตีความว่าเป็นฉากมวลชนที่มีหุ่นทหาร ชาวนา เด็ก - คนธรรมดาจำนวนมากเฝ้าดูด้วยความสงสัยในสิ่งที่เกิดขึ้น .

ในปี ค.ศ. 1565 วัฏจักรของภาพวาดได้ถูกสร้างขึ้นซึ่งกลายเป็นผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงของศิลปะโลก ผืนผ้าใบนี้อุทิศให้กับฤดูกาล: “วันที่มืดมน ฤดูใบไม้ผลิ”, “เก็บเกี่ยว ฤดูร้อน”, “การกลับมาของฝูงสัตว์. ฤดูใบไม้ร่วง”, “นักล่าในหิมะ ฤดูหนาว". องค์ประกอบเหล่านี้แสดงถึงความคิดของผู้เขียนอย่างกลมกลืนในการแสดงความยิ่งใหญ่และในขณะเดียวกันก็แสดงให้เห็นถึงความเป็นจริงที่สำคัญของโลกธรรมชาติ

ด้วยความถูกต้องทั้งหมด อาจารย์สามารถจับภาพธรรมชาติบนผืนผ้าใบที่มีชีวิต ความรู้สึกของความเป็นจริงที่จับต้องได้เกือบทั้งหมดเกิดขึ้นได้จากการใช้สีบางโทนสีของศิลปินซึ่งเป็นสัญลักษณ์แปลก ๆ ของฤดูกาลนี้หรือฤดูกาลนั้น: เฉดสีน้ำตาลแดงของโลกรวมกับโทนสีเขียวสร้างภูมิทัศน์ในพื้นหลังของ "มืดมน" วัน"; สีเหลืองเข้มกลายเป็นสีน้ำตาลในองค์ประกอบของ "Harvest"; ความโดดเด่นของสีแดงและเฉดสีน้ำตาลทั้งหมดในภาพวาด "The Return of the Herds"

วัฏจักรบรูเกลอุทิศให้กับสภาวะธรรมชาติในช่วงเวลาต่างๆ ของปี อย่างไรก็ตาม มันผิดที่จะบอกว่ามีเพียงภูมิทัศน์เท่านั้นที่ได้รับความสนใจหลักของศิลปินที่นี่ ในภาพเขียนทั้งหมดมีคนที่แสดงโดยศิลปินว่ามีร่างกายแข็งแรงและหลงใหลในอาชีพบางอย่างเช่นการเก็บเกี่ยวการล่าสัตว์ ลักษณะเด่นของภาพเหล่านี้คือการผสานเข้ากับโลกธรรมชาติ ร่างมนุษย์ไม่ได้ต่อต้านภูมิทัศน์ แต่ถูกจารึกไว้อย่างกลมกลืนในองค์ประกอบ การเคลื่อนไหวของพวกเขาเกิดขึ้นพร้อมกับพลวัตของพลังธรรมชาติ ดังนั้นการเริ่มต้นงานเกษตรจึงเกี่ยวข้องกับการตื่นขึ้นของธรรมชาติ ("Gloomy Day")

ในไม่ช้า การแสดงภาพผู้คนและเหตุการณ์ที่เหมือนจริงจะกลายเป็นแนวทางนำในงานศิลปะของบรูเกล ภาพเขียน "สำมะโนในเบธเลเฮม", "การสังหารหมู่ผู้บริสุทธิ์", "คำเทศนาของยอห์นผู้ให้รับบัพติสมา" ซึ่งปรากฏในปี ค.ศ. 1566 เป็นเวทีใหม่ในการพัฒนาไม่เพียง แต่งานของศิลปินเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปะของเนเธอร์แลนด์ด้วย ทั้งหมด. ภาพที่วาดบนผืนผ้าใบ (รวมถึงภาพในพระคัมภีร์) ในปัจจุบันไม่เพียงแต่ถูกเรียกให้ใช้เพื่อแสดงถึงแนวคิดสากลเท่านั้น แต่ยังเป็นสัญลักษณ์ของระเบียบโลกทางสังคมที่เฉพาะเจาะจงอีกด้วย ดังนั้น ในภาพวาด "การสังหารหมู่ผู้บริสุทธิ์" เนื้อเรื่องของพระกิตติคุณจึงทำหน้าที่เป็นหน้าจอสำหรับพรรณนาความเป็นจริง: การโจมตีโดยหน่วยหนึ่งของกองทัพสเปนในหมู่บ้านเฟลมิช

ผลงานที่สำคัญในช่วงสุดท้ายของงานของศิลปินคือภาพวาด "การเต้นรำของชาวนา" ซึ่งสร้างโดย Brueghel ในปี ค.ศ. 1567 หัวข้อของผืนผ้าใบคือชาวนาเต้นรำซึ่งบรรยายโดยอาจารย์ในขนาดที่ขยายใหญ่ขึ้น มันเป็นสิ่งสำคัญสำหรับผู้เขียนไม่เพียง แต่จะถ่ายทอดบรรยากาศของวันหยุด แต่ยังแสดงให้เห็นถึงความยืดหยุ่นของการเคลื่อนไหวของร่างกายมนุษย์ ทุกอย่างในตัวบุคคลเป็นที่สนใจของศิลปิน: ลักษณะใบหน้า, การแสดงออกทางสีหน้า, ท่าทาง, ท่าทาง, ลักษณะการเคลื่อนไหว แต่ละร่างเขียนขึ้นโดยอาจารย์ด้วยความเอาใจใส่และแม่นยำอย่างยิ่ง ภาพที่สร้างขึ้นโดย Brueghel นั้นยิ่งใหญ่ สำคัญ และน่าสมเพชทางสังคม เป็นผลให้เกิดภาพขึ้นซึ่งเป็นตัวแทนของผู้คนจำนวนมากที่เป็นเนื้อเดียวกันซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของชาวนา องค์ประกอบนี้จะกลายเป็นพื้นฐานในการพัฒนาประเภทชาวนาในครัวเรือนในงานศิลปะของ Brueghel

อะไรคือสาเหตุของการปรากฏตัวของธีมพื้นบ้านในงานของศิลปิน? นักประวัติศาสตร์ศิลป์แนะนำว่าผลงานของเขาเป็นการตอบสนองต่อเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในเนเธอร์แลนด์ เวลาในการเขียนภาพ "ระบำชาวนา" เกิดขึ้นพร้อมกับช่วงเวลาของการปราบปรามการจลาจลที่เป็นที่นิยมเรียกว่า "ลัทธิไอคอน" (กลุ่มกบฏที่นำโดยคาลวิน) ทำลายรูปเคารพและประติมากรรมในโบสถ์คาทอลิก) ด้วยการเคลื่อนไหวนี้ ซึ่งเริ่มขึ้นในปี ค.ศ. 1566 การปฏิวัติในเนเธอร์แลนด์จึงเริ่มต้นขึ้น เหตุการณ์สะเทือนขวัญทั้งหมดของศิลปินที่มีชื่อเสียงถึงแก่น

นักประวัติศาสตร์และนักประวัติศาสตร์ศิลป์ยังเชื่อมโยงการปรากฏของผลงานอีกชิ้นหนึ่งของบรูเกล - "งานวิวาห์ของชาวนา" เข้าด้วยกันด้วยการยึดถือคตินิยม ภาพที่สร้างขึ้นที่นี่มีขนาดที่ใหญ่กว่าเมื่อเทียบกับร่างของนาฏศิลป์ อย่างไรก็ตามชาวนาได้รับความแข็งแกร่งและพลังที่เกินจริงในองค์ประกอบ การทำให้ภาพเป็นอุดมคติเช่นนี้ไม่ใช่เรื่องปกติสำหรับผลงานของศิลปินที่สร้างขึ้นก่อนหน้านี้ ในภาพเดียวกัน ผู้เขียนแสดงความเมตตากรุณาต่อผู้คนที่เขาวาดไว้บนผืนผ้าใบอย่างไม่ธรรมดา

อารมณ์ที่ร่าเริงและยืนยันชีวิตได้ในไม่ช้าก็ถูกแทนที่ด้วยการมองโลกในแง่ร้ายและความหวังที่ยังไม่บรรลุผลซึ่งสะท้อนให้เห็นในภาพวาด "Misanthrope", "Cripples", "The Nest Thief", "The Blind" เป็นที่น่าสังเกตว่าพวกเขาทั้งหมดเขียนขึ้นในปี ค.ศ. 1568

ใน "คนตาบอด" ร่างของคนพิการจะแสดงอยู่เบื้องหน้า ใบหน้าของพวกเขาน่าเกลียดมาก วิญญาณของคนเหล่านี้ดูเหมือนจะเหมือนกัน ภาพเหล่านี้เป็นตัวตนของทุกสิ่งที่มีพื้นฐานอยู่บนโลก: ความโลภ ผลประโยชน์ส่วนตน และความอาฆาตพยาบาท เบ้าตาเปล่าของพวกเขาเป็นสัญลักษณ์ของความมืดบอดทางวิญญาณของผู้คน ผืนผ้าใบได้รับตัวละครที่น่าเศร้าที่เด่นชัด ในบรูเกล ปัญหาความว่างเปล่าทางวิญญาณ ความไม่สำคัญของมนุษย์เพิ่มขึ้นจนเป็นสัดส่วนสากล

สิ่งสำคัญในการจัดองค์ประกอบคือบทบาทของภูมิทัศน์ซึ่งผู้เขียนนำเสนอว่าเป็นการต่อต้านโลกของผู้คน

เนินเขาสูงขึ้นไปในระยะไกล ต้นไม้ โบสถ์ ทุกอย่างเต็มไปด้วยความเงียบ ความเงียบสงบ และสันติสุข ผู้คนและธรรมชาติดูเหมือนจะเปลี่ยนสถานที่ที่นี่ เป็นภูมิทัศน์ในภาพที่แสดงความคิดของมนุษย์ ความดี จิตวิญญาณ และตัวเขาเองกลับกลายเป็นว่าอยู่ที่นี่ทางวิญญาณที่ตายแล้วและไร้ชีวิตชีวา บันทึกที่น่าเศร้าได้รับการปรับปรุงโดยการใช้สีเย็นอ่อนโดยผู้เขียน ดังนั้นพื้นฐานของสีคือสีม่วงอ่อนที่มีโทนสีเหล็กซึ่งช่วยเพิ่มความรู้สึกสิ้นหวังในสถานการณ์ที่บุคคลนั้นล้มลง

งานสุดท้ายของ Brueghel the Elder เป็นงานที่เรียกว่า "Dance under the gallows" (1568) ในภาพ ผู้ชมจะเห็นร่างของคนที่กำลังเต้นรำอยู่ไม่ไกลจากตะแลงแกง ผืนผ้าใบนี้ได้กลายเป็นการแสดงออกถึงความผิดหวังที่สุดของศิลปินในระเบียบโลกร่วมสมัยและผู้คน มันฟังดูเข้าใจถึงความเป็นไปไม่ได้ที่จะกลับไปสู่ความสามัคคีในอดีต

Pieter Brueghel เสียชีวิตเมื่อวันที่ 5 กันยายน ค.ศ. 1569 ที่กรุงบรัสเซลส์ จิตรกรผู้ยิ่งใหญ่ได้กลายมาเป็นผู้ก่อตั้งกระแสนิยมประชาธิปไตยในงานศิลปะของเนเธอร์แลนด์ในศตวรรษที่ 16

ภาพวาดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือ แนวคิดที่เป็นที่ยอมรับทั่วไป แต่มีเงื่อนไขของ "ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนเหนือ" (ค.ศ. 1500 - ระหว่างปี ค.ศ. 1540 ถึง ค.ศ. 1580) ถูกนำมาใช้โดยการเปรียบเทียบกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีกับวัฒนธรรมและศิลปะของเยอรมนี เนเธอร์แลนด์ ฝรั่งเศส หนึ่งในคุณสมบัติหลักของวัฒนธรรมศิลปะของประเทศเหล่านี้คือการเชื่อมโยงทางพันธุกรรมกับศิลปะแบบโกธิกตอนปลาย

ในศตวรรษที่ 15 สถานที่ชั้นนำในโรงเรียนศิลปะยุโรปตอนเหนือถูกจับโดยภาพวาดชาวดัตช์: ผลงานของ R. Kampen, Jan van Eyck, D. Bouts, Hugo van der Goes, Rogier van der Weyden, H. Memling ถูกทำเครื่องหมายด้วยโลกทัศน์ที่ไม่เชื่อเรื่องพระเจ้า ใส่ใจทุกรายละเอียดและทุกปรากฏการณ์ของชีวิต ความหมายเชิงสัญลักษณ์เชิงลึกที่ซุ่มซ่อนอยู่เบื้องหลังนั้นเป็นลักษณะทั่วไปที่กว้างที่สุดของภาพวาดโดยปีเตอร์ บรูเกลผู้เฒ่าและเฮียโรนีมัส บอช

ภาพเหมือน (A. Mohr, J. van Scorel), ภูมิทัศน์ (I. Patinir) และประเภทประจำวัน (Luke of Leyden) ได้รับการพัฒนาอย่างอิสระในศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของดัตช์ ลัทธิโรมันกลายเป็นปรากฏการณ์แปลก ๆ ผู้เชี่ยวชาญที่พยายามผสมผสานเทคนิคศิลปะของศิลปะอิตาลีกับประเพณีของชาวดัตช์

ในเยอรมนี ลักษณะแรกของงานศิลปะใหม่นี้ปรากฏขึ้นในช่วงทศวรรษ 1430 (L. Moser, H. Mulcher, K. Witz) และยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งศิลปะได้รับอิทธิพลอย่างมากจากแนวคิดเรื่องการปฏิรูปและเหตุการณ์ในสงครามชาวนาในปี ค.ศ. 1524-1526 เริ่มขึ้นเมื่อช่วงเปลี่ยนวันที่ 15 และ ศตวรรษที่ 16 และสิ้นสุดในปีค.ศ. 1530-1540 (ภาพวาดและภาพวาดโดย Albrecht Dürer, M. Grunewald, Lucas Cranach the Elder, A. Altdorfer, H. Holbein the Younger)

สไตล์ที่ร่าเริงและสง่างามของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของฝรั่งเศสแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนที่สุดในภาพวาดและภาพเหมือนดินสอของ J. Fouquet (หรือที่รู้จักในนามปรมาจารย์ด้านย่อส่วนที่โดดเด่น)

คุณสมบัติของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้รับการหักเหที่แปลกประหลาดในศิลปะของอังกฤษซึ่งภายใต้อิทธิพลของ H. Holbein Jr. ที่ทำงานในลอนดอนได้มีการก่อตั้งโรงเรียนสอนวาดภาพเหมือนระดับชาติ (N. Hilliard) และในสเปนซึ่ง ศิลปิน (A. Berruguete, D. de Siloe, L. de Morales) ใช้ประสบการณ์การวาดภาพแบบอิตาลีเพื่อสร้างสไตล์ของคุณเอง รุนแรง และแสดงออก ลักษณะเฉพาะ องค์ประกอบเฉพาะ หรือเทคนิคบางอย่างของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาพบได้ในวัฒนธรรมศิลปะของโครเอเชีย ฮังการี สาธารณรัฐเช็ก โปแลนด์ ลิทัวเนีย และประเทศอื่นๆ ในยุโรป

Jan van Eyck, Hieronymus Bosch และ Pieter Brueghel the Elder เป็นตัวเป็นตนในช่วงต้นกลางและปลายของภาพวาดของเนเธอร์แลนด์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาด้วยงานของพวกเขา A. Durer, Grunewald (M. Nithardt), L. Cranach the Elder, H. Holbein the Younger อนุมัติหลักการของศิลปะใหม่ในเยอรมนี

ปัจจุบันความคิดสร้างสรรค์ของผู้มีอำนาจได้เข้ามาแทนที่การไม่เปิดเผยตัวตนในยุคกลาง สิ่งที่สำคัญในทางปฏิบัติอย่างยิ่งคือทฤษฎีของเปอร์สเปคทีฟเชิงเส้นและทางอากาศ สัดส่วน ปัญหาของกายวิภาคศาสตร์ และแบบจำลองแสงและเงา ศูนย์กลางของนวัตกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา "กระจกแห่งยุค" ทางศิลปะเป็นภาพวาดที่ดูเหมือนลวงตาตามธรรมชาติ ในศิลปะทางศาสนาจะแทนที่ไอคอน และในศิลปะแบบฆราวาสทำให้เกิดแนวภูมิทัศน์ที่เป็นอิสระ ภาพวาดประจำวัน ภาพเหมือน ( หลังมีบทบาทสำคัญในการยืนยันภาพอุดมคติของคุณธรรมความเห็นอกเห็นใจ)

โรงเรียนแม่น้ำดานูบ กระแสจิตรกรรมและกราฟิกทางตอนใต้ของเยอรมนีและออสเตรียในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 16 โรงเรียนแม่น้ำดานูบรวมภาพวาดยุคแรกโดย Lucas Cranach the Elder ผลงานของ A. Altdorfer (ดูสไลด์แรก "The Battle of Alexander the Great at Issus" 1529), W. Huber และศิลปินอื่น ๆ โดดเด่นด้วยเสรีภาพในจินตนาการทางศิลปะที่สดใส อารมณ์ความรู้สึก, การรับรู้เกี่ยวกับพระเจ้า, ภูมิทัศน์ของป่าไม้หรือแม่น้ำ, ความสนใจในการลงสีในตำนานที่ยอดเยี่ยมของพล็อต; พวกเขายังโดดเด่นด้วยลักษณะการเขียนแบบไดนามิกที่หุนหันพลันแล่น ความคมชัดของภาพวาด และความเข้มของโทนสี กระแสศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีความเกี่ยวพันกันในโรงเรียน Danubian กับประเพณีแบบโกธิกช่วงปลาย งานของDürerกำหนดแนวโน้มชั้นนำในศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของเยอรมัน อิทธิพลของเขาที่มีต่อศิลปินร่วมสมัย รวมทั้งศิลปินของโรงเรียนดานูบนั้นยิ่งใหญ่ มันแทรกซึมเข้าไปในอิตาลีในฝรั่งเศส พร้อมกับDürerและหลังจากเขา กาแล็กซี่ของศิลปินหลักก็ปรากฏตัวขึ้น ในหมู่พวกเขามีลูคัส ครานัคผู้เฒ่า (ค.ศ. 1472-1553) ผู้ซึ่งรู้สึกถึงความกลมกลืนของธรรมชาติและมนุษย์ และแมทเธียส ก็อทฮาร์ดท์ นีธาร์ดท์ ผู้มีจินตนาการอันทรงพลังที่เรียกว่า แมทเธียส กรูเนวัลด์ (ค.ศ. 1475-1528) ซึ่งมีความเกี่ยวข้องกับพื้นบ้านลึกลับ คำสอนและประเพณีกอธิค งานของเขาเต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งการกบฏ ความบ้าคลั่งหรือความปีติยินดีอย่างยิ่ง ความรู้สึกที่รุนแรงและการแสดงออกที่เจ็บปวดของการแวบวับ จากนั้นจางลง จากนั้นจางลง จากนั้นสีลุกเป็นไฟและแสง

ศิลปะการพิมพ์แกะสลักบนไม้และโลหะซึ่งมีขนาดใหญ่อย่างแท้จริงระหว่างการปฏิรูป ได้รับคุณค่าสุดท้าย การวาดภาพจากงานสเก็ตช์จะกลายเป็นความคิดสร้างสรรค์ที่แยกจากกัน ลักษณะเฉพาะของสโตรก สโตรก ตลอดจนเนื้อสัมผัสและผลกระทบของความไม่สมบูรณ์ (ไม่สิ้นสุด) เริ่มถูกมองว่าเป็นผลงานศิลปะที่เป็นอิสระ

ภาพวาดที่เป็นอนุสรณ์กลายเป็นภาพที่งดงามราวกับภาพวาด ลวงตา-สามมิติ ทำให้ได้รับอิสรภาพทางสายตามากขึ้นเรื่อยๆ จากเทือกเขาของกำแพง

ทัศนศิลป์ทุกประเภทในขณะนี้ละเมิดการสังเคราะห์ยุคกลางเสาหิน (ซึ่งสถาปัตยกรรมครอบงำ) ได้รับความเป็นอิสระเปรียบเทียบ ประเภทของรูปปั้นทรงกลมที่ต้องใช้ทางเบี่ยงพิเศษ อนุสาวรีย์ขี่ม้า รูปปั้นครึ่งตัวกำลังก่อตัว (ในหลาย ๆ ด้านเพื่อฟื้นฟูประเพณีโบราณ) มีการสร้างประติมากรรมและหลุมฝังศพรูปแบบใหม่ที่เคร่งขรึม

ระบบระเบียบแบบโบราณกำหนดสถาปัตยกรรมใหม่ไว้ล่วงหน้า ซึ่งประเภทหลักมีความชัดเจนในสัดส่วนที่ชัดเจนอย่างกลมกลืน และในขณะเดียวกันก็มีพระราชวังและวัดที่พูดจาเป็นพลาสติกด้วยพลาสติก ลักษณะความฝันแบบยูโทเปียของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไม่พบศูนย์รวมเต็มรูปแบบในการวางผังเมือง แต่สร้างจิตวิญญาณให้กับสถาปัตยกรรมตระการตาโดยปริยาย ซึ่งขอบเขตเน้น "ทางโลก" แนวราบที่มีการจัดวางศูนย์กลางในมุมมอง ไม่ใช่แนวดิ่งแบบโกธิกขึ้นไปข้างบน ศิลปะการตกแต่งประเภทต่างๆรวมถึงแฟชั่นได้รับความพิเศษในรูปแบบ "ภาพ" ในแบบของตัวเอง ในบรรดาเครื่องประดับ พิลึกมีบทบาทสำคัญอย่างยิ่ง

เนเธอร์แลนด์. แนวความคิดค่อยๆ แทรกซึมเข้าไปในหัวข้อทางศาสนาของภาพวาดชาวดัตช์ รายละเอียดเฉพาะที่สะสมอยู่ภายในกรอบของศิลปะแบบโกธิกช่วงปลายที่ตกแต่งอย่างประณีตและตกแต่งอย่างดี และเน้นอารมณ์มากขึ้น บทบาทนำในกระบวนการนี้เล่นโดยย่อส่วนซึ่งแพร่หลายอย่างกว้างขวางในศตวรรษที่ 13-15 ที่ศาลของขุนนางฝรั่งเศสและเบอร์กันดีซึ่งรวบรวมช่างฝีมือที่มีความสามารถจากการประชุมเชิงปฏิบัติการในเมืองรอบตัวพวกเขา ในหมู่พวกเขา ชาวดัตช์เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง (พี่น้อง Limburg เจ้านายของ Marshal Boucicault) หนังสือชั่วโมง (ที่แม่นยำกว่านั้น หนังสือชั่วโมง - หนังสือสวดมนต์ประเภทหนึ่งที่สวดมนต์ในแต่ละชั่วโมงถูกจัดเรียงเป็นเดือน) เริ่มตกแต่งด้วยฉากการทำงานและความบันเทิงในช่วงเวลาต่างๆ ของปีและภูมิทัศน์ที่เกี่ยวข้อง ด้วยความรักที่ละเอียดถี่ถ้วน เหล่าผู้เชี่ยวชาญได้บันทึกความงดงามของโลกรอบตัวพวกเขา สร้างสรรค์ผลงานศิลปะชั้นสูง สีสันสดใส เต็มไปด้วยความสง่างาม (Turin-Milan Book of Hours 1400-1450) ภาพจำลองเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์และภาพเหมือนปรากฏในพงศาวดารทางประวัติศาสตร์ ในศตวรรษที่ 15 ภาพเหมือนแพร่กระจายออกไป ตลอดศตวรรษที่ 16 ภาพวาดในชีวิตประจำวัน ภูมิประเทศ ชีวิตยังคง ภาพวาดในเรื่องที่เป็นตำนานและเชิงเปรียบเทียบมีความโดดเด่นในฐานะประเภทอิสระ

นับตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ 15 องค์ประกอบของการเล่าเรื่องเข้มข้นขึ้นในภาพวาดของชาวดัตช์ ในด้านหนึ่ง การกระทำและอารมณ์อันน่าทึ่งในอีกด้านหนึ่ง ด้วยการทำลายความสัมพันธ์แบบปิตาธิปไตยที่ประสานชีวิตของสังคมยุคกลาง ความรู้สึกปรองดอง ความเป็นระเบียบและความสามัคคีของโลกและมนุษย์หายไป บุคคลตระหนักถึงความสำคัญที่สำคัญที่เป็นอิสระของเขาเขาเริ่มเชื่อในความคิดและความตั้งใจของเขา ภาพลักษณ์ของเขาในงานศิลปะนั้นมีเอกลักษณ์เฉพาะตัวในเชิงลึกมากขึ้นเรื่อย ๆ ซึ่งเผยให้เห็นความรู้สึกและความคิดที่อยู่ลึกที่สุด ความซับซ้อนของพวกเขา ในเวลาเดียวกัน บุคคลค้นพบความเหงา โศกนาฏกรรมของชีวิต ชะตากรรมของเขา ความวิตกกังวลและการมองโลกในแง่ร้ายเริ่มปรากฏให้เห็นในรูปลักษณ์ของเขา

แนวคิดใหม่ของโลกและบุคคลที่ไม่เชื่อในความแข็งแกร่งของความสุขทางโลกนี้สะท้อนให้เห็นในศิลปะที่น่าเศร้า โรเจอร์ ฟาน เดอร์ เวย์เดน(ประมาณ ค.ศ. 1400-1464) ในภาพเขียนเรียงความเรื่องศาสนา ("Descent from the Cross", Madrid, Prado) และภาพเหมือนทางจิตวิทยาที่ยอดเยี่ยมซึ่งเขาเป็นปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด

ในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 15 มีการปฏิวัติครั้งใหญ่ในการพัฒนาภาพวาดยุโรปตะวันตก - ภาพวาดขาตั้งปรากฏขึ้น ประเพณีทางประวัติศาสตร์เชื่อมโยงการทำรัฐประหารครั้งนี้กับกิจกรรมของพี่น้อง van Eykov- ผู้ก่อตั้งโรงเรียนจิตรกรรมชาวดัตช์ ผู้ก่อตั้งความสมจริงในเนเธอร์แลนด์ ซึ่งสรุปงานในการค้นหาปรมาจารย์ด้านประติมากรรมกอธิคตอนปลายและภาพย่อส่วนปลายของศตวรรษที่ 14 และต้นศตวรรษที่ 15

แท่นบูชาในเกนต์เป็นโกดังเก็บของแบบหลายส่วนแบบสองชั้นขนาดใหญ่ มีภาพเขียนเรียงเป็นแถวและตัวเลขหลายร้อยชิ้นรวมกันอยู่ในนั้นด้วยแนวคิดและสถาปัตยกรรมศาสตร์ เนื้อหาของการเรียบเรียงมาจากคัมภีร์ของศาสนาคริสต์ พระคัมภีร์และพระกิตติคุณ อย่างไรก็ตาม แปลงในยุคกลางเหมือนที่เคยเป็นมา มีการคิดใหม่และตีความในภาพมีชีวิตที่เป็นรูปธรรม หัวข้อการเชิดชูเทพเจ้า การสร้างสรรค์ของเขา การไตร่ตรองเกี่ยวกับชะตากรรมของมนุษยชาติ แนวคิดเรื่องความสามัคคีของมนุษยชาติและธรรมชาติ สำนึกแห่งการตรัสรู้ ความชื่นชมในความหลากหลายของรูปแบบโลกเป็นครั้งแรกในภาษาดัตช์ ศิลปะพบการแสดงออกทางภาพที่สมบูรณ์แบบที่นี่ ในส่วนล่างของพับวาง "ความรักของลูกแกะ" การจัดองค์ประกอบภาพได้รับการออกแบบให้เป็นฉากมวลชนอันตระการตาในทิวทัศน์ โดยพื้นที่ซึ่งมีมุมมองที่เพิ่มขึ้น - การจ้องมองอย่างตั้งใจในส่วนลึกของภูมิทัศน์

ในส่วนบนของรอยพับนั้นแสดงภาพทรงกลมสวรรค์ที่อาศัยอยู่โดยซีเลสเชียล: ตรงกลางบนบัลลังก์ทองคำพ่อทูนหัวสูงเกินมนุษย์ในมงกุฏของราชวงศ์ Mary และ John the Baptist ทูตสวรรค์ร้องเพลงและเล่นดนตรีที่ส่องสว่างด้วยแสงแดดอยู่ที่ปีกด้านข้าง

ศิลปินยังแก้ปัญหาการวาดภาพร่างมนุษย์เปลือยเปล่าในรูปแบบใหม่ ในภาพของอดัมไม่มีร่องรอยของอิทธิพลของคลาสสิกโบราณบนพื้นฐานของการที่ชาวอิตาลีวาดภาพเปลือยที่เหมาะสมในสัดส่วน การสร้างร่างมนุษย์โดย Van Eyck สอดคล้องกับบุคลิกลักษณะเฉพาะนี้เท่านั้น วิสัยทัศน์ใหม่ที่ตรงไปตรงมามากขึ้นของมนุษย์นี้เป็นการค้นพบที่สำคัญในศิลปะยุโรปตะวันตก

ในช่วงหลายปีแห่งการเติบโต แจน ฟาน เอคสร้างผลงานซึ่งอารมณ์ การบรรยายที่มีรายละเอียด ลักษณะเฉพาะของแท่นบูชาในเกนต์ ถูกแทนที่ด้วยความกระชับขององค์ประกอบแท่นบูชาที่เป็นส่วนประกอบสำคัญ พวกเขาประกอบด้วยร่างสองหรือสามร่างที่ล้อมรอบด้วยสภาพแวดล้อม "หลาย" วัตถุที่สวยงามและมีราคาแพงซึ่งอยู่ภายใต้ความสามัคคีของทั้งหมด ตัวละครและสภาพแวดล้อมของพวกมันไม่รวมกันด้วยการวางแผน แต่ด้วยอารมณ์ครุ่นคิดทั่วไป สมาธิภายใน "Madonna of Chancellor Rolin", "Madonna of Canon van der Pale" Van Eyck ปฏิเสธประเภทของรูปโปรไฟล์ที่กล้าหาญซึ่งเป็นลักษณะของนักย่อส่วนปลายศตวรรษที่ 14 และจิตรกรชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 15 เอาชนะความแปลกแยกและโดดเดี่ยวของภาพเหมือนของชาวอิตาลี แจน ฟาน เอค หันใบหน้าของบุคคลที่แสดงให้เห็นในสามในสี่โดยเน้นความลึกของภาพ นำมันเข้ามาใกล้ผู้ชมมากขึ้น มักจะวางมือของเขาในการย่อหน้า เติมชีวิตชีวาให้กับพื้นหลัง กับการเล่นของ chiaroscuro "ภาพเหมือนของพระคาร์ดินัลอัลเบอร์กาตี", "ทิโมธี", "ชายในผ้าโพกหัวแดง"

สถานที่พิเศษไม่เฉพาะในผลงานของ Jan van Eyck เท่านั้น แต่ในงานศิลปะดัตช์ทั้งหมดในศตวรรษที่ 15-16 ยังเป็นของ "Portrait of Giovanni Arnolfini และภรรยาของเขา" ศิลปินก้าวข้ามขอบเขตของภาพเหมือนอย่างหมดจด เปลี่ยนเป็นฉากแต่งงาน ให้กลายเป็นความเชื่อเรื่องการแต่งงาน ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของสุนัขที่วาดไว้ที่เท้าของทั้งคู่

โรเบิร์ต แคมปิน. เฟลมิช มาสเตอร์ เนื่องจากมีความเกี่ยวข้องกับขนบธรรมเนียมประเพณีของชาวดัตช์ย่อส่วนและประติมากรรมของศตวรรษที่ 14 แคมเปนเป็นเพื่อนร่วมชาติกลุ่มแรกของเขาที่ก้าวไปสู่หลักการทางศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น ผลงานของกัมแปง (อันมีค่า "The Annunciation", "The Werl Altarpiece") มีความเก่าแก่มากกว่าผลงานของ Jan van Eyck ร่วมสมัยของเขา แต่ผลงานเหล่านี้โดดเด่นในเรื่องความเรียบง่ายของภาพที่เป็นประชาธิปไตย ชอบที่จะตีความโครงเรื่องในชีวิตประจำวัน ตามกฎแล้วภาพของนักบุญในภาพวาดของเขาถูกวางไว้ในการตกแต่งภายในเมืองที่สะดวกสบายพร้อมรายละเอียดที่ทำซ้ำด้วยความรักของสถานการณ์ เนื้อเพลงของรูปภาพ สีสันอันหรูหรา ซึ่งอิงจากความแตกต่างของโทนสีอ่อนในท้องถิ่น ถูกรวมเข้าด้วยกันใน Campin ด้วยการเล่นผ้าคลุมที่สลับซับซ้อน ขณะที่แกะสลักด้วยไม้ หนึ่งในจิตรกรภาพเหมือนคนแรกในภาพวาดยุโรป ("Portrait of a Man" ภาพเหมือนของคู่สมรส)

"มาดอนน่าและลูก". เธอปรากฎที่บ้าน - ดูเหมือนว่าเธอเพิ่งวางหนังสือให้อาหารทารก รายละเอียดทั้งหมดมีรายละเอียดมาก ภูมิทัศน์ของเมืองที่มองผ่านหน้าต่างนั้นชัดเจนและแม่นยำราวกับตัวเลขที่อยู่เบื้องหน้า และหน้าหนังสือ การตกแต่งที่ชายกระโปรงชุดมาดอนน่าและม่านบังตาของเตาผิงก็ถูกเขียนขึ้นอย่างปราณีต

โรเจอร์ ฟาน เดอร์ เวย์เดน(ประมาณ 1400-1464) เน้นความรู้สึกและอารมณ์ของใบหน้า. ผลงานของ Rogier van der Weyden มีลักษณะเฉพาะด้วยการนำเทคนิคทางศิลปะของ Jan van Eyck มาใช้ซ้ำ ในองค์ประกอบทางศาสนาของเขา ตัวละครที่ตั้งอยู่ในการตกแต่งภายในด้วยมุมมองที่ห่างไกลหรือกับพื้นหลังที่มีเงื่อนไข Rogier van der Weyden มุ่งเน้นไปที่ภาพเบื้องหน้าโดยไม่ให้ความสำคัญกับการส่งความลึกของพื้นที่และรายละเอียดในชีวิตประจำวันอย่างแม่นยำ ของสถานการณ์ การปฏิเสธความเป็นสากลทางศิลปะของ Jan van Eyck อาจารย์ในผลงานของเขามุ่งเน้นไปที่โลกภายในของบุคคลประสบการณ์และทัศนคติทางจิตใจของเขา ภาพวาดของศิลปิน Rogier van der Weyden ซึ่งยังคงรักษาการแสดงออกทางจิตวิญญาณของศิลปะกอธิคตอนปลายในหลาย ๆ ด้านมีลักษณะเป็นองค์ประกอบที่สมดุลความนุ่มนวลของจังหวะเชิงเส้นความอิ่มตัวทางอารมณ์ของสีท้องถิ่นที่กลั่นและสดใส ("การตรึงกางเขน" "การประสูติ" ส่วนตรงกลางของ "Bladelin Altarpiece", "Adoration Magi", Alte Pinakothek, "Descent from the Cross")

กระแสแบบโกธิกในผลงานของโรเจอร์เด่นชัดเป็นพิเศษในอันมีค่าขนาดเล็กสองอัน - ที่เรียกว่า "แท่นบูชาแห่งมารีย์" ("การคร่ำครวญ" ทางด้านซ้าย - "ครอบครัวศักดิ์สิทธิ์" ทางด้านขวา - "การปรากฏตัวของพระเยซูคริสต์" ) และต่อมา - "แท่นบูชาของนักบุญยอห์น" ("บัพติศมา" ทางด้านซ้าย - "การกำเนิดของยอห์นผู้ให้รับบัพติสมา" ทางด้านขวา - "การดำเนินการของยอห์นผู้ให้รับบัพติศมา" เบอร์ลิน) ผลงานของโรเจอร์ ซึ่งมากกว่าผลงานของแจน ฟาน เอค นั้นมีความเกี่ยวข้องกับประเพณีของศิลปะยุคกลาง และซึมซับด้วยจิตวิญญาณของการสอนในคริสตจักรที่เคร่งครัด

ภาพวาดโดยศิลปิน Rogier van der Weyden "Descent from the Cross" พฤติกรรมของตัวละครที่เต็มไปด้วยความเศร้าโศกและความเศร้าโศกทำให้ภาพวาดนี้เป็นหนึ่งในสิ่งที่น่าตื่นเต้นที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะและเป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของการวาดภาพของศตวรรษที่ 15 รายละเอียดต่างๆ เช่น น้ำตาที่ไหลอาบใบหน้าของแมรี่ แม็กดาลีน และผ้าที่เสื้อคลุมของเธอร่วงหล่น ขณะที่เธอกำมือไว้อย่างโศกเศร้าแสดงให้เห็นว่า Van der Weyden เป็นผู้สังเกตชีวิตที่เฉียบแหลม แต่การจัดองค์ประกอบโดยรวม โดยร่างที่ซุกอยู่เบื้องหน้า ใกล้กรอบ ราวกับว่าพวกเขาถูกวางไว้ในกล่องตื้น คล้ายกับภาพที่มีชีวิตจากขบวนคริสต์มาส มากกว่าที่จะพรรณนาถึงเหตุการณ์จริงได้อย่างแม่นยำ ศิลปินละเว้นจากการปรับภาพให้เป็นรายบุคคล เช่นเดียวกับที่เขาปฏิเสธที่จะย้ายฉากไปสู่สถานที่จริงที่เป็นรูปธรรม

Hugo van der Goes(ประมาณ 1435-1482) ผลงานของ Hus ผู้ซึ่งสานต่อประเพณีของ Jan van Eyck และ Rogier van der Weyden ในงานศิลปะของชาวดัตช์ มีลักษณะเฉพาะโดยมีแนวโน้มไปสู่ความจริงที่กล้าหาญของภาพ การแสดงละครที่เข้มข้น ในการแต่งเพลงของเขา ค่อนข้างไม่แน่นอนในแง่ของโครงสร้างเชิงพื้นที่และอัตราส่วนของสัดส่วนของร่าง เต็มไปด้วยรายละเอียดที่ละเอียดอ่อนและตีความด้วยความรัก (ชิ้นส่วนของสถาปัตยกรรม เสื้อคลุมที่มีลวดลาย แจกันดอกไม้ ฯลฯ) ศิลปิน Hugo van der Goes ได้แนะนำบุคคลที่สดใสมากมาย ตัวละคร รวบรวมโดยประสบการณ์เดียว มักจะให้ความสำคัญกับประเภทพื้นบ้านทั่วไปที่มีไหวพริบเฉียบแหลม พื้นหลังสำหรับรูปแท่นบูชาของ Hus มักเป็นภูมิทัศน์กวี มีการไล่เฉดสีบางๆ ("ฤดูใบไม้ร่วง") ภาพวาดของ Hus มีลักษณะเฉพาะด้วยการสร้างแบบจำลองพลาสติกอย่างระมัดระวัง ความยืดหยุ่นของจังหวะเชิงเส้น การลงสีที่กลั่นอย่างเย็นโดยอิงจากความกลมกลืนของโทนสีเทา-น้ำเงิน ขาวและดำ (อันมีค่า "ความรักของพวกโหราจารย์" หรือแท่นบูชาที่เรียกว่า Portinari "ความรักของพวกโหราจารย์" พวกโหราจารย์" และ "ความรักของคนเลี้ยงแกะ" หอศิลป์ เบอร์ลิน-ดาห์เลม) ลักษณะของภาพวาดแบบโกธิกตอนปลาย (ภาพความปีติยินดีอย่างมาก, จังหวะการพับผ้าที่คมชัด, ความตึงเครียดของการตัดกัน, สีสันที่ไพเราะ) ปรากฏในอัสสัมชัญของพระแม่มารี (หอศิลป์เทศบาลเมืองบรูจส์)

"ตก". ครึ่งจิ้งจกครึ่งคน พญานาคในการพรรณนาถึงการล่มสลายของอดัมและอีฟมองอย่างกังวลใจขณะที่อีฟซึ่งปกคลุมไปด้วยม่านตาที่ปลูกอย่างพิถีพิถัน ยื่นมือของเธอไปยังต้นไม้แห่งความรู้สำหรับแอปเปิลลูกที่สอง หลังจากชิม ชิ้นแรก ความละเอียดถี่ถ้วนที่แต่ละใบ ใบหญ้า ม้วนผมถูกเขียนออกมานั้นช่างน่าอัศจรรย์ (เคียวที่ผิดปกติที่ด้านหลังศีรษะของพญานาคดึงความสนใจ)

เมมลิง ฮันส์(ประมาณ ค.ศ. 1440-1494) ในงานของ Memling ซึ่งรวมเอาคุณสมบัติของศิลปะกอธิคและเรเนซองส์ตอนปลายเข้าด้วยกันทุกวันการตีความเชิงโคลงสั้นเรื่องศาสนาการไตร่ตรองอย่างนุ่มนวลการสร้างองค์ประกอบที่กลมกลืนกันผสมผสานกับความปรารถนาที่จะทำให้ภาพในอุดมคติเป็นนักบุญเทคนิคของเก่า ภาพวาดชาวดัตช์ (ภาพอันมีค่า "พระแม่มารีกับนักบุญ" แท่นบูชาที่มี " การพิพากษาครั้งสุดท้าย"; อันมีค่าของการหมั้นลึกลับของเซนต์แคทเธอรีนแห่งอเล็กซานเดรีย) ผลงานของเมมลิง ได้แก่ "บัทเชบา" ภาพขนาดเท่าของจริงของร่างกายผู้หญิงเปลือยที่หายากในงานศิลปะของเนเธอร์แลนด์ และภาพเหมือนที่แม่นยำในการสร้างรูปลักษณ์ใหม่ของนางแบบ (ภาพชาย, เมาริซ, กรุงเฮก; ภาพเหมือนของวิลเลม มอเรล และ Barbara van Vlanderberg) โดดเด่นด้วยสัดส่วนที่ยาวขึ้น ความสง่างามของจังหวะเชิงเส้น

ภาพวาดโดย Hans Memling "Descent from the Cross", Diptych of Granada, ปีกซ้าย ช่วงเวลาที่น่าตื่นเต้นของประวัติศาสตร์คริสเตียนถูกลดขนาดลงเหลือเพียงภาพง่ายๆ ที่เจ็บปวดของคนสามคนที่รองรับพระวรกายของพระคริสต์ และเศษบันไดที่วางอยู่บนไม้กางเขน ตัวเลขบิดเบี้ยวในพื้นที่เบื้องหน้า ขณะที่ภูมิทัศน์ในระยะไกลแสดงถึงส่วนที่มองเห็นได้ แต่ไม่รับรู้เชิงปริมาตรขององค์ประกอบภาพ

บ๊อช เฮียโรนีมัส การวาดภาพเป็นเรื่องสนุก(ประมาณ 1450 / 60-1516), Hieronymus Bosch ในการประพันธ์หลายร่างของเขา, ภาพวาดเกี่ยวกับคำพูดพื้นบ้าน, สุภาษิตและอุปมา ("สิ่งล่อใจของเซนต์แอนโธนี", อันมีค่า "สวนแห่งความยินดี", "ความรักของ Magi", "Ship of Fools") ผสมผสานจินตนาการยุคกลางที่ซับซ้อน ภาพปีศาจพิลึกพิลั่นที่สร้างขึ้นโดยจินตนาการที่ไร้ขอบเขตกับแนวคติชนวิทยา-เหน็บแนมและศีลธรรม ด้วยนวัตกรรมที่สมจริงซึ่งไม่ธรรมดาสำหรับศิลปะแห่งยุคของเขา ภูมิหลังทางกวีนิพนธ์ การสังเกตชีวิตที่กล้าหาญ ซึ่งถ่ายโดยศิลปิน Hieronymus Bosch อย่างเหมาะสม ประเภทพื้นบ้านและฉากในชีวิตประจำวัน ปูทางสำหรับการก่อตัวของประเภทและภูมิทัศน์ในชีวิตประจำวันของชาวดัตช์ ความกระหายในการประชดประชันและชาดกสำหรับศูนย์รวมในรูปแบบเสียดสีพิลึกของภาพกว้างของชีวิตพื้นบ้านมีส่วนทำให้เกิดลักษณะที่สร้างสรรค์ของ Pieter Brueghel ผู้เฒ่าและศิลปินอื่น ๆ

สไตล์ของ Bosch มีเอกลักษณ์และไม่เหมือนใครในประเพณีการวาดภาพของชาวดัตช์ ภาพวาดของ Hieronymus Bosch นั้นไม่เหมือนกับผลงานของศิลปินคนอื่นๆ ในยุคนั้นเลย เช่น Jan van Eyck หรือ Rogier van der Weyden โครงเรื่องของภาพวาดของ Bosch ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับตอนต่างๆ จากชีวิตของพระคริสต์หรือนักบุญที่ต่อต้านความชั่วร้าย หรือรวบรวมจากอุปมานิทัศน์และสุภาษิตเกี่ยวกับความโลภและความโง่เขลาของมนุษย์

ความสมจริงที่สดใสของผลงานของ Bosch ความสามารถในการพรรณนาการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณของบุคคล ความสามารถที่น่าทึ่งในการวาดถุงเงินและขอทาน พ่อค้าและคนพิการ ทั้งหมดนี้ทำให้เขามีสถานที่สำคัญในการพัฒนาการวาดภาพประเภท

งานศิลปะของ Bosch สะท้อนถึงอารมณ์วิกฤตที่ครอบงำสังคมดัตช์เมื่อเผชิญกับความขัดแย้งทางสังคมที่เพิ่มขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 15 ในเวลานี้ เมืองเก่าแก่ของดัตช์ (Bruges, Tent) ซึ่งถูกควบคุมโดยกฎระเบียบทางเศรษฐกิจในท้องถิ่นที่แคบ สูญเสียอำนาจในอดีต วัฒนธรรมของพวกเขากำลังจะตาย ในงานของศิลปินบางคน ระดับศิลปะลดลงอย่างเห็นได้ชัด แนวโน้มแบบโบราณหรือแนวโน้มที่จะถูกครอบงำโดยรายละเอียดเล็กๆ น้อยๆ ในชีวิตประจำวันปรากฏออกมา ซึ่งขัดขวางการพัฒนาต่อไปของความสมจริง

Durer(Durer) Albrecht (1471-1528), จิตรกรชาวเยอรมัน, ช่างเขียนแบบ, ช่างแกะสลัก, นักทฤษฎีศิลปะ ผู้ก่อตั้งศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของเยอรมันDürerศึกษาเครื่องประดับกับพ่อของเขาซึ่งเป็นชาวฮังการีวาดภาพ - ในการประชุมเชิงปฏิบัติการของศิลปินนูเรมเบิร์ก M. Wohlgemut (1486-1489) ซึ่งเขานำหลักการของชาวดัตช์และ ศิลปะกอธิคตอนปลายของเยอรมัน ทำความคุ้นเคยกับภาพวาดและการแกะสลักของปรมาจารย์ชาวอิตาลีในยุคแรกๆ (รวมถึง A. Mantegna) ในปีเดียวกัน Dürer ได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก M. Schongauer ในปี ค.ศ. 1490-1494 ระหว่างการเดินทางไปตามแม่น้ำไรน์ซึ่งเป็นข้อบังคับสำหรับผู้ฝึกหัดกิลด์ Dürer ได้แกะสลักขาตั้งหลายอันด้วยจิตวิญญาณของยุคโกธิกตอนปลาย ภาพประกอบสำหรับ "เรือคนโง่" ของเอส. แบรนต์ และอื่นๆ อิตาลี (1494-1495) ) ประจักษ์ในความปรารถนาของศิลปินที่จะเชี่ยวชาญวิธีการทางวิทยาศาสตร์ในการทำความเข้าใจโลกเพื่อการศึกษาธรรมชาติในเชิงลึกซึ่งความสนใจของเขาถูกดึงดูดให้เป็นปรากฏการณ์ที่ดูเหมือนไม่มีนัยสำคัญที่สุด ("Grass Bush", 1503, คอลเล็กชั่น Albertina, เวียนนา) และปัญหาที่ซับซ้อนของการเชื่อมต่อในธรรมชาติระหว่างสีกับสภาพแวดล้อมที่มีแสงน้อย ("บ้านริมสระน้ำ", สีน้ำ, ประมาณ 1495-1497, บริติชมิวเซียม, ลอนดอน) Dürer ยืนยันความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับบุคลิกภาพในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในยุคนี้ (ภาพเหมือนตนเอง, 1498, Prado)

อารมณ์ของยุคก่อนการปฏิรูปซึ่งเป็นช่วงก่อนการต่อสู้ทางสังคมและศาสนาที่ทรงพลังDürerแสดงเป็นชุดของไม้แกะสลัก "Apocalypse" (1498) ในภาษาศิลปะซึ่งเทคนิคของศิลปะเยอรมันแบบโกธิกปลายเยอรมันและอิตาลีแบบออร์แกนิก รวม การเดินทางครั้งที่สองไปยังอิตาลีทำให้ความปรารถนาของDürerมีความชัดเจนมากขึ้น ความเป็นระเบียบเรียบร้อยของโครงสร้างองค์ประกอบ ("งานฉลองแห่งสายประคำ", 1506, การศึกษาอย่างรอบคอบเกี่ยวกับสัดส่วนของร่างกายมนุษย์ที่เปลือยเปล่า ("Adam and Eve", 1507, Prado , มาดริด) ในเวลาเดียวกันDürerไม่แพ้ ( โดยเฉพาะอย่างยิ่งในกราฟิก) ความระมัดระวังในการสังเกตการแสดงออกของวัตถุประสงค์ความมีชีวิตชีวาและการแสดงออกของภาพลักษณะของศิลปะกอธิคตอนปลาย (วัฏจักรของแม่พิมพ์ "Great Passion" ประมาณ 1497-1511 " Life of Mary", ประมาณ 1502-1511, "Small Passion", 1509 -1511) ความแม่นยำที่น่าทึ่งของภาษากราฟิก การพัฒนาที่ดีที่สุดของความสัมพันธ์ระหว่างแสงกับอากาศ ความชัดเจนของเส้นและปริมาตร พื้นฐานทางปรัชญาที่ซับซ้อนที่สุด เนื้อหามีความโดดเด่นด้วย "การแกะสลักที่เชี่ยวชาญ" สามชิ้นบนทองแดง: "The Horseman, Death and the Devil" (1513) - ภาพของการยึดมั่นในหน้าที่ที่ไม่สั่นคลอนความแน่วแน่ก่อนการพิจารณาชะตากรรม "Melancholy" (1514) เป็นศูนย์รวม แห่งความขัดแย้งภายในของจิตวิญญาณสร้างสรรค์ที่กระสับกระส่ายของมนุษย์ "นักบุญเจอโรม" (1514) - การสรรเสริญของมนุษย์ ความคิดเชิงวิจัยที่อยากรู้อยากเห็น เมื่อถึงเวลานี้ ดูเรอร์ได้รับตำแหน่งกิตติมศักดิ์ในบ้านเกิดของเขาที่นูเรมเบิร์ก และมีชื่อเสียงในต่างประเทศ โดยเฉพาะในอิตาลีและเนเธอร์แลนด์ (ซึ่งเขาเดินทางในปี ค.ศ. 1520-1521) Dürerเป็นเพื่อนกับนักมนุษยนิยมที่โดดเด่นที่สุดในยุโรป ในบรรดาลูกค้าของเขามีทั้งเศรษฐีชาวเมือง เจ้าชายชาวเยอรมัน และจักรพรรดิแม็กซิมิเลียนที่ 1 ซึ่งเขาวาดภาพด้วยปากกาสำหรับหนังสือสวดมนต์ (1515)

ในชุดภาพเหมือนของยุค 1520 (J. Muffel, 1526, I. Holzschuer, 1526 ทั้งในหอศิลป์, Berlin-Dahlem เป็นต้น) Dürer ได้สร้างประเภทของชายแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาขึ้นใหม่ จิตสำนึกที่ภาคภูมิใจในคุณค่าของตนเองในบุคลิกภาพของตัวเอง อัดแน่นไปด้วยพลังทางจิตวิญญาณที่เข้มข้นและจุดมุ่งหมายในทางปฏิบัติ ภาพเหมือนตนเองที่น่าสนใจของ Albrecht Dürer เมื่ออายุ 26 ปีในถุงมือ มือของนางแบบที่วางอยู่บนแท่นเป็นเทคนิคที่รู้จักกันดีในการสร้างภาพลวงตาของความใกล้ชิดระหว่างบุคคลที่ถูกพรรณนากับผู้ชม ดูเรอร์อาจได้เรียนรู้เคล็ดลับภาพนี้จากผลงานอย่างเช่น โมนาลิซาของลีโอนาร์ด ซึ่งเขาเห็นขณะเดินทางไปอิตาลี ภูมิทัศน์ที่มองเห็นได้ผ่านหน้าต่างที่เปิดอยู่นั้นเป็นลักษณะเด่นของศิลปินชาวเหนือ เช่น ยาน ฟาน เอคและโรเบิร์ต แคมปิน Dürerปฏิวัติศิลปะยุโรปเหนือด้วยการผสมผสานประสบการณ์การวาดภาพแบบเนเธอร์แลนด์และอิตาลี ความเก่งกาจของแรงบันดาลใจก็แสดงให้เห็นในงานทฤษฎีของDürer ("คู่มือการวัด ... ", 1525; "หนังสือสี่เล่มเกี่ยวกับสัดส่วนของมนุษย์", 1528) ภารกิจทางศิลปะของ Durer เสร็จสมบูรณ์โดยภาพวาด "The Four Apostles" (1526, Alte Pinakothek, Munich) ซึ่งรวบรวมอารมณ์ทั้งสี่ของผู้คนที่เชื่อมโยงกันด้วยอุดมคติทางมนุษยนิยมทั่วไปของความคิดอิสระ ความมุ่งมั่น ความแข็งแกร่งในการต่อสู้เพื่อความยุติธรรมและความจริง

ศิลปะของเนเธอร์แลนด์ในศตวรรษที่ 15 การแสดงครั้งแรกของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในเนเธอร์แลนด์มีขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 15 ภาพเขียนแรกๆ ที่จัดว่าเป็นอนุสรณ์สถานยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายุคแรกๆ ได้ถูกสร้างขึ้นโดยพี่น้อง Hubert และ Jan van Eyck ทั้งคู่ - Hubert (เสียชีวิตในปี 1426) และ Jan (ประมาณ 1390-1441) - มีบทบาทสำคัญในการก่อตัวของ Dutch Renaissance แทบไม่มีอะไรเป็นที่รู้จักเกี่ยวกับฮิวเบิร์ต เห็นได้ชัดว่าแจนเป็นคนมีการศึกษาสูง ศึกษาเรขาคณิต เคมี การทำแผนที่ ปฏิบัติภารกิจทางการทูตของดยุกแห่งเบอร์กันดี ฟิลิป เดอะกู๊ด ซึ่งเขาเดินทางไปโปรตุเกส ขั้นตอนแรกของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในเนเธอร์แลนด์สามารถตัดสินได้จากผลงานภาพของพี่น้องซึ่งสร้างขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 15 และในหมู่พวกเขาเช่น "สตรีที่มีไม้หอมเมอร์ที่หลุมฝังศพ" (อาจเป็นส่วนหนึ่งของ polyptych; Rotterdam, พิพิธภัณฑ์ Boijmans-van Beiningen), “ Madonna in the Church" (เบอร์ลิน), "Saint Jerome" (ดีทรอยต์, Art Institute)

โรโบ แคมเปน จิตรกรชาวดัตช์ ทำงานในทัวร์นาเมนต์ ตัวตนของ Robert Campin ถูกปกคลุมไปด้วยความลึกลับ ระบุโดยนักประวัติศาสตร์ศิลป์ด้วยสิ่งที่เรียกว่า Master of Flemalle ผู้เขียนภาพเขียนทั้งกลุ่ม เนื่องจากมีความเกี่ยวข้องกับขนบธรรมเนียมประเพณีของชาวดัตช์ย่อส่วนและประติมากรรมของศตวรรษที่ 14 แคมเปนเป็นเพื่อนร่วมชาติกลุ่มแรกของเขาที่ก้าวไปสู่หลักการทางศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น ผลงานของกัมแปง (ภาพอันมีค่าของการประกาศ, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน; ฉากแท่นบูชา Werl, 1438, ปราโด, มาดริด) มีความโบราณมากกว่าผลงานของแจน ฟาน เอคร่วมสมัยของเขา แต่โดดเด่นด้วยความเรียบง่ายของภาพที่เป็นประชาธิปไตย ชอบการตีความในชีวิตประจำวัน แปลง ตามกฎแล้วภาพของนักบุญในภาพวาดของเขาถูกวางไว้ในการตกแต่งภายในเมืองที่สะดวกสบายพร้อมรายละเอียดที่ทำซ้ำด้วยความรักของสถานการณ์ เนื้อเพลงของรูปภาพ สีสันอันหรูหรา ซึ่งอิงจากความแตกต่างของโทนสีอ่อนในท้องถิ่น ถูกรวมเข้าด้วยกันใน Campin ด้วยการเล่นผ้าคลุมที่สลับซับซ้อน ขณะที่แกะสลักด้วยไม้ หนึ่งในจิตรกรภาพเหมือนคนแรกในภาพวาดยุโรป (“Portrait of a Man”, Art Gallery, Berlin-Dahlem, ภาพเหมือนของคู่สมรส, หอศิลป์แห่งชาติ, ลอนดอน) งานของ Kampen มีอิทธิพลต่อจิตรกรชาวดัตช์หลายคน รวมถึงนักเรียนของเขา Rogier van der Weyden

Rogier van der Weyden จิตรกรชาวดัตช์ (หรือที่รู้จักว่า Rogier de la Pature เขาอาจจะศึกษาใน Tournai กับ Robert Campin) จากปี 1435 เขาทำงานในกรุงบรัสเซลส์ซึ่งเขาเป็นผู้นำการประชุมเชิงปฏิบัติการขนาดใหญ่ในปี 1450 เขาได้ไปเยือนกรุงโรม ฟลอเรนซ์ เมืองเฟอร์รารา ภาพวาดและแท่นบูชายุคแรก Van der Weiden เปิดเผยอิทธิพลของ Jan van Eyck และ Robert Campin ผลงานของ Rogier van der Weyden ซึ่งเป็นหนึ่งในปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนเหนือตอนต้นมีลักษณะเฉพาะด้วยการประมวลผลเทคนิคทางศิลปะของ Jan van Eyck ที่แปลกประหลาด องค์ประกอบทางศาสนาซึ่งเป็นตัวละครที่ตั้งอยู่ในการตกแต่งภายในที่มีมุมมองที่เปิดกว้างสู่แผนที่ห่างไกลหรือบนพื้นหลังที่มีเงื่อนไข Rogier van der Weyden มุ่งเน้นไปที่ภาพเบื้องหน้าไม่ให้ความสำคัญกับการถ่ายโอนความลึกของพื้นที่และทุกวันอย่างแม่นยำ รายละเอียดของสถานการณ์ การปฏิเสธความเป็นสากลทางศิลปะของ Jan van Eyck อาจารย์ในผลงานของเขามุ่งเน้นไปที่โลกภายในของมนุษย์ประสบการณ์และอารมณ์ทางจิตของเขา วาดโดยศิลปิน Rogier van d er Weiden ซึ่งยังคงรักษาการแสดงออกทางจิตวิญญาณของศิลปะกอธิคตอนปลายในหลาย ๆ ด้านมีลักษณะเป็นองค์ประกอบที่สมดุลความนุ่มนวลของจังหวะเชิงเส้นความอิ่มตัวทางอารมณ์ของสีท้องถิ่นที่กลั่นและสดใส (“ การตรึงกางเขน”, พิพิธภัณฑ์ Kunsthistorisches, เวียนนา; “การประสูติ” ส่วนตรงกลางของ “ฉากแท่นบูชา Bladelin”, ประมาณ 1452 -1455, หอศิลป์, เบอร์ลิน-ดาห์เลม; ความรักของพวกโหราจารย์, Alte Pinakothek, มิวนิก; “Descent from the Cross” ราวปี 1438 พิพิธภัณฑ์ปราโด มาดริด) ภาพเหมือนของ Rogier van der Weyden (“Portrait of a Young Woman”, National Gallery of Art, Washington) มีความโดดเด่นด้วยภาพพูดน้อย เผยให้เห็นถึงความเฉพาะเจาะจงของนางแบบอย่างชัดเจน

Hus Hugo van der จิตรกรยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเนเธอร์แลนด์ เขาทำงานเป็นหลักในเกนต์ตั้งแต่ปี 1475 - ในอาราม Rodendal ประมาณ 1481 เยี่ยมชมโคโลญ ผลงานของ Hus ผู้ซึ่งสานต่อประเพณีของ Jan van Eyck และ Rogier van der Weyden ในงานศิลปะของชาวดัตช์ มีลักษณะเฉพาะโดยมีแนวโน้มไปสู่ความจริงที่กล้าหาญของภาพ การแสดงละครที่เข้มข้น ในการเรียบเรียงของเขา ค่อนข้างธรรมดาในแง่ของโครงสร้างเชิงพื้นที่และอัตราส่วนของสัดส่วนของร่าง เต็มไปด้วยรายละเอียดที่ละเอียดอ่อนและตีความด้วยความรัก (ชิ้นส่วนของสถาปัตยกรรม เสื้อคลุมที่มีลวดลาย แจกันดอกไม้ ฯลฯ) ศิลปิน Hugo van der Goes ได้แนะนำตัวละครมากมายที่ มีลักษณะเฉพาะตัวที่สดใส รวบรวมโดยประสบการณ์เดียว มักจะชอบประเภทพื้นบ้านที่มีไหวพริบเฉียบแหลม พื้นหลังสำหรับรูปแท่นบูชาของ Hus มักจะเป็นภูมิทัศน์กวี ละเอียดอ่อนในการไล่สีที่มีสีสัน (“The Fall”, ประมาณ 1470, Kunsthistorisches Museum, Vienna) ภาพวาดของ Hus มีลักษณะเฉพาะด้วยการสร้างแบบจำลองพลาสติกอย่างระมัดระวัง ความยืดหยุ่นของจังหวะเชิงเส้น การลงสีที่กลั่นอย่างเย็นโดยอิงจากความกลมกลืนของโทนสีเทา-น้ำเงิน ขาวและดำ (การบูชาอันมีค่าของโหราจารย์หรือที่เรียกว่าแท่นบูชาปอร์ตินารี ราวปีค.ศ. 1474–1475 Uffizi; การนมัสการของโหราจารย์และ "ความรักของคนเลี้ยงแกะ", หอศิลป์, เบอร์ลิน-ดาห์เลม) ลักษณะของภาพวาดแบบโกธิกตอนปลาย (ภาพความปีติยินดีอย่างมาก, จังหวะการพับผ้าที่คมชัด, ความตึงเครียดของการตัดกัน, สีสันที่ไพเราะ) ปรากฏในอัสสัมชัญของพระแม่มารี (หอศิลป์เทศบาลเมืองบรูจส์)

Hans Memling (ประมาณ ค.ศ. 1440-1494) จิตรกรชาวดัตช์ เคยศึกษากับ Rogier van der Weyden; จากปี 1465 เขาทำงานในบรูจส์ ในงานของ Memling ซึ่งรวมเอาคุณสมบัติของศิลปะกอธิคและเรเนซองส์ตอนปลายเข้าด้วยกันทุกวันการตีความเชิงโคลงสั้นเรื่องศาสนาการไตร่ตรองอย่างนุ่มนวลการสร้างองค์ประกอบที่กลมกลืนกันผสมผสานกับความปรารถนาที่จะทำให้ภาพในอุดมคติเป็นนักบุญเทคนิคของเก่า ภาพวาดชาวดัตช์ (ภาพอันมีค่า "พระแม่มารีกับนักบุญ" ค.ศ. 1468 หอศิลป์แห่งชาติ ลอนดอน ภาพวาดศาลเจ้าเซนต์เออร์ซูลา ค.ศ. 1489 พิพิธภัณฑ์ฮานส์ เมมลิง เมืองบรูจส์ แท่นบูชาพร้อมการพิพากษาครั้งสุดท้าย ประมาณปี ค.ศ. 1473 โบสถ์พระแม่มารี , Gdansk; อันมีค่าของการหมั้นลึกลับของ St. Catherine of Alexandria, พิพิธภัณฑ์ Memling, Bruges) ผลงานของเมมลิงซึ่งมีความโดดเด่นคือ "บัทเชบา" การแสดงภาพร่างผู้หญิงเปลือยขนาดเท่าจริงซึ่งหายากในงานศิลปะของเนเธอร์แลนด์ (ค.ศ. 1485, พิพิธภัณฑ์รัฐบาเดน-เวิร์ทเทมแบร์ก, สตุตการ์ต) และภาพบุคคลที่แม่นยำในการสร้างรูปลักษณ์ใหม่ของนางแบบ (ภาพเหมือนชาย, Mauritshuis, The Hague; ภาพเหมือนของ Willem Morel และ Barbara van Vlanderberg, 1482, Royal Museum of Fine Arts, Brussels) มีความโดดเด่นด้วยสัดส่วนที่ยืดยาว ความสง่างามของจังหวะเชิงเส้น และการใช้สีตามเทศกาลที่ตัดกันอย่างนุ่มนวล โทนสีแดง น้ำเงิน เขียวซีด และน้ำตาล

Hieronymus van Aken Hieronymus van Aken ชื่อเล่น Bosch เกิดที่ Hertogenbosch (เขาเสียชีวิตที่นั่นในปี ค.ศ. 1516) นั่นคือห่างจากศูนย์ศิลปะหลักของเนเธอร์แลนด์ งานแรก ๆ ของเขาไม่ได้ปราศจากสัมผัสของความดึกดำบรรพ์ แต่แล้วพวกเขาก็ผสมผสานความรู้สึกที่เฉียบแหลมและน่าวิตกเกี่ยวกับชีวิตของธรรมชาติเข้ากับความแปลกประหลาดที่เย็นชาในการพรรณนาผู้คนอย่างแปลกประหลาด บ๊อชตอบสนองต่อกระแสของศิลปะสมัยใหม่ - ด้วยความกระหายในความจริง ด้วยการสร้างภาพบุคคลให้กระชับ และจากนั้น - บทบาทและความสำคัญของมันลดลง เขานำเทรนด์นี้ไปสู่ขีดจำกัด ในศิลปะของ Bosch ภาพเสียดสีหรือดีกว่าประชดประชันของเผ่าพันธุ์มนุษย์ปรากฏขึ้น

Quentin Masseyn หนึ่งในปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของศตวรรษที่สาม - Quentin Masseys (เกิดราวปี 1466 ใน Louwepe เสียชีวิตในปี 1530 ใน Antwerp) ผลงานยุคแรกๆ ของเควนติน แมสซีย์ส แสดงให้เห็นร่องรอยของขนบธรรมเนียมเก่าแก่ที่เด่นชัด งานสำคัญชิ้นแรกของเขาคือภาพอันมีค่าที่อุทิศให้กับนักบุญแอนน์ (1507 - 1509; บรัสเซลส์ พิพิธภัณฑ์) ฉากที่ด้านนอกของประตูด้านข้างมีลักษณะเป็นฉากกั้น ภาพที่ด้อยพัฒนาทางจิตใจ มีความสง่างาม ตัวเลขถูกขยายและจัดองค์ประกอบอย่างใกล้ชิด พื้นที่ดูเหมือนจะควบแน่น แรงดึงดูดที่มุ่งสู่จุดเริ่มต้นในชีวิตจริงทำให้ Masseys สร้างสรรค์หนึ่งในประเภทแรก ซึ่งเป็นภาพวาดประจำวันในรูปแบบศิลปะแห่งยุคใหม่ เรากำลังพูดถึงภาพวาด "Changer with his wife" (1514; Paris, Louvre) ในเวลาเดียวกันความสนใจอย่างต่อเนื่องของศิลปินในการตีความความเป็นจริงโดยทั่วไปทำให้เขา (อาจเป็นครั้งแรกในเนเธอร์แลนด์) ให้หันไปหางานศิลปะของ Leonardo da Vinci ("Mary and Child"; Poznan, Museum) แม้ว่าจะสามารถทำได้ที่นี่ พูดมากขึ้นเกี่ยวกับการยืมหรือเลียนแบบ

Jan Gossaert จิตรกรชาวเนเธอร์แลนด์ศึกษาใน Bruges ทำงานใน Antwerp, Utrecht, Middelburg และเมืองอื่น ๆ ไปเยือนอิตาลีในปี ค.ศ. 1508-1509 ในปี ค.ศ. 1527 Gossaert เดินทางผ่าน Flanders กับ Lucas van Leyden ผู้ก่อตั้งลัทธิโรมันในภาพวาดของชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 16 Gossaert พยายามที่จะควบคุมความสำเร็จของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีในด้านการจัดองค์ประกอบ กายวิภาค และมุมมอง: หมายถึงวิชาในสมัยโบราณและในพระคัมภีร์ เขามักจะวาดภาพร่างเปลือยบนพื้นหลังของสถาปัตยกรรมโบราณหรือใน สภาพแวดล้อมทางธรรมชาติถ่ายทอดด้วยวิธีการที่ระมัดระวังและเป็นกลางตามแบบฉบับของศิลปะดัตช์ รายละเอียด (“Adam and Eve”, “Neptune and Amphitrite”, 1516, ทั้งใน Art Gallery, Berlin; “Danae”, 1527, Alte Pinakothek, Munich ). ประเพณีทางศิลปะของโรงเรียนดัตช์นั้นใกล้เคียงกับภาพวาดของ Jan Gossaert มากที่สุด (ภาพ Diptych ที่วาดภาพ Chancellor Jean Carondelet, 1517, Louvre, Paris)

Pieter Brueghel ผู้เฒ่าชื่อเล่น Muzhitsky (ระหว่างปี 1525 ถึง 1530-1569) ก่อตั้งขึ้นเป็นศิลปินใน Antwerp (เขาเรียนกับ P. Cook van Aelst) เยือนอิตาลี (ค.ศ. 1551-1552) ใกล้ชิดกับนักคิดหัวรุนแรงของเนเธอร์แลนด์ . เมื่อพิจารณาถึงเส้นทางที่สร้างสรรค์ของ Brueghel ทางจิตใจควรตระหนักว่าเขาได้จดจ่ออยู่กับความสำเร็จทั้งหมดของภาพวาดเนเธอร์แลนด์ในช่วงเวลาก่อนหน้าในงานศิลปะของเขา ความพยายามที่ไม่ประสบความสำเร็จของลัทธิโรมันนิยมตอนปลายในการสะท้อนชีวิตในรูปแบบทั่วไป การทดลองที่ประสบความสำเร็จมากขึ้นแต่จำกัดของ Aartsen ในการยกย่องภาพลักษณ์ของผู้คน ได้เข้าสู่การสังเคราะห์ที่ทรงพลังกับ Brueghel อันที่จริง ความอยากที่จะสร้างสรรค์วิธีการสร้างสรรค์ที่เหมือนจริงซึ่งเกิดขึ้นเมื่อต้นศตวรรษ รวมกับมุมมองเชิงลึกเกี่ยวกับโลกทัศน์ของอาจารย์ ได้นำผลอันยิ่งใหญ่มาสู่ศิลปะของชาวดัตช์

Savary Roelant จิตรกรเฟลมิช หนึ่งในผู้ก่อตั้งประเภทสัตว์ในภาพวาดชาวดัตช์ เกิดในคอร์ทเรย์ในปี ค.ศ. 1576 ศึกษาภายใต้ Jan Brueghel the Velvet ภาพวาดโดย Saverey Roelant “Orpheus” ภาพวาดออร์ฟัสอยู่ในแนวหินใกล้แม่น้ำ ล้อมรอบด้วยสัตว์ป่าและนกแปลกตามากมาย หลงเสน่ห์เสียงอันไพเราะของไวโอลินของเขา ดูเหมือนว่า Saverey จะเพลิดเพลินกับภูมิทัศน์ที่ชุ่มฉ่ำและมีรายละเอียดด้วยพืชพรรณและสัตว์นานาชนิด มุมมองที่น่าอัศจรรย์และสมบูรณ์แบบนี้แสดงในรูปแบบ Mannerist แต่ได้รับแรงบันดาลใจจากภูมิทัศน์บนเทือกเขาแอลป์ที่จิตรกร Roelant Savery ได้เห็นระหว่างการเดินทางไปสวิตเซอร์แลนด์ในช่วงต้นทศวรรษ 1600 ศิลปินสร้างภาพวาดหลายสิบภาพเกี่ยวกับออร์ฟัสและสวนเอเดน ทำให้อาสาสมัครเหล่านี้เป็นตัวละครที่มีมนต์ขลัง มีชีวิตชีวาและเต็มไปด้วยรายละเอียด ภาพวาดของ Savery โดดเด่นด้วยอิทธิพลของ Jan Brueghel เขาเสียชีวิตในปี ค.ศ. 1639 ในเมืองอูเทรคต์

ความแตกต่างจากศิลปะอิตาลี ศิลปะดัตช์กลายเป็นประชาธิปไตยมากกว่าศิลปะอิตาลี มีลักษณะเด่นของคติชนวิทยา แฟนตาซี พิลึก เสียดสี แต่ลักษณะสำคัญคือความรู้สึกที่ลึกซึ้งของอัตลักษณ์ของชีวิต รูปแบบของวัฒนธรรมพื้นบ้าน ชีวิต ขนบธรรมเนียม ประเภท ตลอดจนการแสดงความแตกต่างทางสังคมใน ชีวิตของสังคมชั้นต่างๆ ความขัดแย้งทางสังคมในชีวิตของสังคม ขอบเขตของความเป็นศัตรูและความรุนแรงในนั้น ความหลากหลายของกองกำลังที่เป็นปฏิปักษ์ได้เพิ่มความตระหนักในความไม่ลงรอยกันของสังคม ดังนั้นแนวโน้มที่สำคัญของ Dutch Renaissance ที่แสดงออกในยุครุ่งเรืองของการแสดงพิสดารพิสดารที่แสดงออกและบางครั้งก็น่าเศร้าในงานศิลปะและวรรณคดีมักจะซ่อนอยู่ภายใต้หน้ากากของเรื่องตลก "เพื่อบอกความจริงกับกษัตริย์ด้วยรอยยิ้ม" ลักษณะเด่นอีกประการหนึ่งของวัฒนธรรมศิลปะดัตช์ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือความมั่นคงของประเพณียุคกลาง ซึ่งส่วนใหญ่กำหนดธรรมชาติของความสมจริงของชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 15 และ 16 ทุกสิ่งใหม่ ๆ ที่เปิดเผยต่อผู้คนในระยะเวลานานถูกนำไปใช้กับระบบทัศนะยุคกลางแบบเก่า ซึ่งจำกัดความเป็นไปได้ในการพัฒนามุมมองใหม่โดยอิสระ แต่ในขณะเดียวกันก็บังคับให้พวกเขาดูดซึมองค์ประกอบที่มีค่าที่มีอยู่ในระบบนี้ .

ความแตกต่างจากศิลปะอิตาลี ศิลปะดัตช์มีลักษณะใหม่ที่มองเห็นได้จริงของโลก การยืนยันคุณค่าทางศิลปะของความเป็นจริงตามที่เป็นอยู่ การแสดงออกถึงความเชื่อมโยงทางธรรมชาติระหว่างมนุษย์กับสิ่งแวดล้อมของเขา ความเข้าใจในความเป็นไปได้ที่ธรรมชาติและ ชีวิตมอบให้มนุษย์ด้วย ในการพรรณนาถึงบุคคล ศิลปินมีความสนใจในคุณลักษณะและลักษณะพิเศษ ทรงกลมของชีวิตประจำวันและจิตวิญญาณ จิตรกรชาวดัตช์แห่งศตวรรษที่ 15 จับภาพความหลากหลายของบุคลิกลักษณะต่างๆ ของผู้คนอย่างกระตือรือร้น ความสมบูรณ์อันมีสีสันที่ไม่รู้จักจบสิ้นของธรรมชาติ ความหลากหลายของวัสดุ สัมผัสบทกวีในชีวิตประจำวันอย่างละเอียด ไม่เด่น แต่ใกล้เคียงกับมนุษย์ ความสะดวกสบายของการตกแต่งภายในที่อยู่อาศัย ลักษณะเด่นของการรับรู้ต่อโลกเหล่านี้ปรากฏให้เห็นในภาพวาดและกราฟิกของชาวดัตช์ในศตวรรษที่ 15 และ 16 ในรูปแบบของชีวิตประจำวัน ภาพเหมือน การตกแต่งภายใน และภูมิทัศน์ พวกเขาเผยให้เห็นถึงความรักในรายละเอียดตามแบบฉบับของชาวดัตช์ ความเป็นรูปธรรมของภาพ การเล่าเรื่อง ความละเอียดอ่อนในการสื่ออารมณ์ และในขณะเดียวกัน ความสามารถอันน่าทึ่งในการสร้างภาพองค์รวมของจักรวาลด้วยความไม่มีที่สิ้นสุดเชิงพื้นที่

ความแตกต่างจากศิลปะอิตาลี การเปลี่ยนแปลงที่เกิดขึ้นในงานศิลปะในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 15 ได้รับผลกระทบอย่างเต็มที่จากการวาดภาพ ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเธอเกี่ยวข้องกับการปรากฏตัวในยุโรปตะวันตกของภาพวาดขาตั้ง ซึ่งแทนที่ภาพเขียนฝาผนังของโบสถ์โรมาเนสก์และหน้าต่างกระจกสีแบบโกธิก ภาพวาดขาตั้งในธีมทางศาสนาเดิมทีเป็นภาพวาดไอคอน ในรูปของรอยพับที่ทาสีด้วยฉากพระกิตติคุณและพระคัมภีร์ พวกเขาตกแต่งแท่นบูชาของโบสถ์ ผู้เข้าร่วมทางโลกค่อยๆ ถูกรวมเข้าในองค์ประกอบของแท่นบูชา ซึ่งต่อมาได้ความหมายที่เป็นอิสระในภายหลัง ภาพวาดขาตั้งแยกออกจากภาพวาดไอคอนและกลายเป็นส่วนสำคัญของการตกแต่งภายในของบ้านที่ร่ำรวยและชนชั้นสูง สำหรับศิลปินชาวดัตช์ วิธีหลักในการแสดงออกทางศิลปะคือสี ซึ่งเปิดโอกาสให้สร้างภาพขึ้นมาใหม่ด้วยสีสันที่สดใสและจับต้องได้มากที่สุด ชาวดัตช์ตระหนักดีถึงความแตกต่างที่ละเอียดอ่อนระหว่างวัตถุ, การสร้างพื้นผิวของวัสดุ, เอฟเฟกต์แสง - ความสว่างของโลหะ, ความโปร่งใสของแก้ว, การสะท้อนของกระจก, ลักษณะการหักเหของแสงสะท้อนและแสงกระจาย, ความประทับใจ ของบรรยากาศโปร่งสบายของภูมิประเทศที่ทอดยาวออกไปไกล เช่นเดียวกับกระจกสีแบบโกธิก ซึ่งประเพณีมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาการรับรู้ภาพของโลก สีเป็นสื่อหลักในการถ่ายทอดความสมบูรณ์ทางอารมณ์ของภาพ การพัฒนาความสมจริงในเนเธอร์แลนด์ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงจากอุบาทว์เป็นสีน้ำมัน ซึ่งทำให้สามารถทำซ้ำวัตถุที่เป็นสาระสำคัญของโลกได้อย่างลวงตามากขึ้น การปรับปรุงเทคนิคการวาดภาพสีน้ำมันที่รู้จักกันในยุคกลาง การพัฒนาองค์ประกอบใหม่เกิดจากแจน ฟาน เอค การใช้สีน้ำมันและสารเรซินในการวาดภาพขาตั้ง โดยทาบนชั้นบางๆ โปร่งใสบนสีรองพื้นและพื้นชอล์กสีขาวหรือสีแดง เน้นความอิ่มตัว ความลึก และความบริสุทธิ์ของสีสดใส ขยายความเป็นไปได้ของการวาดภาพ - ทำให้บรรลุผล ความสมบูรณ์และความหลากหลายของสี การเปลี่ยนโทนสีที่ดีที่สุด ภาพวาดที่คงทนของแจน ฟาน เอคและวิธีการของเขายังคงดำเนินไปอย่างไม่เปลี่ยนแปลงในศตวรรษที่ 15 และ 16 ตามแนวทางปฏิบัติของศิลปินในอิตาลี ฝรั่งเศส เยอรมนี และประเทศอื่นๆ