Kolejny wpływowy styl XVII wieku. stał się klasycyzmem (od łacińskiego „classicus” - „wzorowy”). Kierował się naśladowaniem starożytnych modeli, co wcale nie oznaczało ich prostego powtarzania. Powstanie klasycyzmu jako integralnego systemu stylistycznego wiązało się z ustanowieniem absolutyzmu we Francji. Monarchowie byli pod wrażeniem idei dostojnego porządku, imponującej jedności, ścisłego podporządkowania. Państwo twierdzące, że jest „rozsądne”, starało się być postrzegane jako stabilizująca, jednocząca zasada. Podobne dążenia tkwiły także w świadomości burżuazji, która podzielała ideał państwa racjonalnie zorganizowanego. Atrakcyjną stroną klasycyzmu była jego orientacja moralna i obywatelska.
Zwolennicy klasycyzmu uważali, że sztuka powinna odzwierciedlać nie tyle rzeczywistość, co uszlachetnione, idealne życie, zbudowane na zasadach racjonalności, przyczyniające się do doskonalenia człowieka i społeczeństwa. W tym względzie klasycyzm dążył do wyrażenia wzniosłych ideałów, do symetrii i ścisłej organizacji, logicznych i klarownych proporcji, do harmonii formy i treści dzieła literackiego, obrazowego czy muzycznego.
Estetyka klasycyzmu tworzyła ścisłą hierarchię gatunków. Zostały podzielone na "wysoka"(tragedia, epos, oda, obraz historyczny, mitologiczny, religijny itp.) i "Niska"(komedia, satyra, bajka, malarstwo rodzajowe, pejzaż, martwa natura itp.). Każdy gatunek miał ścisłe granice, a ich mieszanie uznano za niedopuszczalne.
Architektura. W przeciwieństwie do pretensjonalnego baroku, klasycystyczna architektura charakteryzowała się wyraźną geometrią form, logiką i regularnością planowania, połączeniem gładkiej ściany z porządkiem, portykami, kolumnadami, rzeźbami, płaskorzeźbami i powściągliwym wystrojem. Do wszystkich moich wygląd budynek musiał wykazywać klarowność, porządek i reprezentatywność. Symetria stała się integralną cechą wszystkich kompozycji architektonicznych. Powściągliwa i majestatyczna sztuka starożytnych Greków i Rzymian stała się wzorem do naśladowania, dlatego podstawą architektonicznego języka klasycyzmu był porządek zbliżony proporcjami i kształtami do antycznego. Rozwiązanie przestrzenne budynków wyróżniały klarowne plany, wyraźna logika elewacji, w której wystrój architektoniczny pełnił jedynie rolę „akompaniamentu” nie przesłaniającego ogólnej struktury budynku. Już w budynkach jednego z założycieli francuski klasycyzm architekt Francois Mansart(1598 - 1666) plastyczne bogactwo barokowego wystroju elewacji łączy się z klarownością i prostotą ogólnej kompozycji wolumetrycznej i przestrzennej ( pałac Maisons– Laffite).
Ścisły porządek został wprowadzony nawet w przyrodzie. Francuski ogrodnik i architekt krajobrazu André Le Notre(1613–1700) stał się twórcą systemu regularnych tzw. Francuski» park.
Wnętrza budynków wyróżniała miękkość kolorów, umiarkowanie plastyczne i rzeźbiarskie detale oraz szerokie zastosowanie efektów malarskich i perspektywicznych.
Klasycyzm został przyjęty jako styl wiodący w absolutystycznych monarchiach Europy. Odniósł wielki sukces w Anglii, gdzie z koniec XVII w. stał się wiodącym stylem budynków urzędowych. Najważniejszym z nich był londyński katedra św. Paweł jest największym kościołem protestanckim na świecie. Pomysły największego angielskiego architekta i naukowca KrzysztofRena(1632-1723), ucieleśniona w tej świątyni, miała znaczący wpływ na rozwój architektury sakralnej w Europie i Stanach Zjednoczonych.
We Francji za panowania Ludwika XIV (1643-1715) na bazie klasycyzmu powstał tzw. duży styl”. Surowy i racjonalny klasycyzm nie mógł w pełni odzwierciedlać triumfu i wielkości monarchii absolutnej. Dlatego francuscy mistrzowie zwrócili się ku formom włoskiego baroku, od którego klasycyzm zapożyczył niektóre elementy zdobnicze. Efektem tego było powstanie dwóch wspaniałych zespołów – pałacu królewskiego Żaluzja i wiejska rezydencja królewska Wersal. W ich budowie brał czynny udział jeden z czołowych mistrzów francuskiego klasycyzmu. Louis Lewo(ok. 1612-1670). Innym znanym twórcą Wersalu jest architekt i urbanista. Jules Hardouin-Mansart(1646-1708) był także autorem wspaniałej Katedra Inwalidów w Paryżu. " duży styl” zapewnił stopniowe rozprzestrzenianie się idei klasycyzmu w większości krajów europejskich i położył podwaliny pod międzynarodową europejską kulturę dworską.
Obraz. Podobnie jak w innych formach sztuki, w malarstwie artyści musieli skupić się na doskonałych przykładach epoki starożytności i wysokiego renesansu. Fabuły płócien zostały zapożyczone głównie z mitologii i historii starożytnej, a bohaterowie zostali przedstawieni jako ludzie o silnych charakterach i czynach. Jednym z głównych był wątek obowiązku, motyw afirmacji najwyższych zasad etycznych. Zgodnie z estetyką klasycyzmu umysł był głównym kryterium piękna, dlatego w przeciwieństwie do baroku klasycyzm nie pozwalał na przesadną ekspresję emocjonalną. Miara i porządek stały się podstawą klasycznego dzieła malarskiego. Prace malarskie miały wyróżniać się ogólną harmonią, a figury – rygorem i klasyczną kompletnością. Linia i światłocień stały się głównymi elementami modelowania formy. Kolorowi natomiast przypisano rolę podrzędną, posłużono się nim do ujawnienia plastyczności postaci i przedmiotów, do oddzielenia planów przestrzennych obrazu.
Logiczny rozwój fabuły, proporcjonalność części całości, zewnętrzny porządek, harmonia, równowaga kompozycji - wszystko to stało się charakterystycznymi cechami stylu słynnego francuskiego artysty. NikolaPoussin(1594-1665). Poussin często zwracał się do tematów historii starożytnej („ Śmierć Germanika"), mitologia (" Królestwo Flory”), oddając je na służbę swojej ówczesnej epoce. Śpiewając przykłady wysokiej moralności i sprawności obywatelskiej, dążył do wychowania doskonałej osobowości. Artysta ujawnił głębokie filozoficzne znaczenie chrześcijańskich dogmatów w cyklu „ siedem sakramentów».
W krajobrazie wyraźnie widać zasady klasycyzmu. Artyści starali się przedstawiać nie prawdziwą, ale „ulepszoną” naturę, stworzoną przez artystyczną wyobraźnię twórcy. „Idealny krajobraz”, który uosabiał marzenie klasyków „złotego wieku” ludzkości, znalazł odzwierciedlenie w obrazach Claude Lorrain(1600-1682). Jego idylliczne pejzaże z nieskończoną odległością (" Sanktuarium w Delfach”) miał ogromny wpływ na rozwój europejskiego, a przede wszystkim angielskiego malarstwa pejzażowego.
Teatr i literatura. Najwyraźniej prawa klasycyzmu przejawiały się w dramaturgii. W XVII wieku powstały główne zasady konstrukcji klasycznej tragedii: jedność akcji, miejsca i czasu; prostota fabuły, w której rozsądek i obowiązek dominowały nad spontanicznymi ludzkimi uczuciami i namiętnościami. Główną intrygą było nie dezorientowanie widza i pozbawienie obrazu integralności. Dużo uwagi poświęcono wewnętrznemu światu bohatera, który uosabia sprzeczność ludzkiej osobowości.
Wybitnym przedstawicielem klasycyzmu był francuski dramaturg Pierre Corneille(1606-1684). Temat państwa jako ucieleśnienia rozumu i interesów narodowych zabrzmiał w wielu jego tragediach („ Horacy», « cyna"). Tragiczny konflikt namiętności i obowiązku leżał u podstaw tragikomedii” Sid».
Problemy relacji między jednostką a państwem stały się podstawą fabuły wielu tragedii”. Jean Racine(1639-1699). Jego " Fedra„stał się szczytem dramaturgii nie tylko samego pisarza, ale całego francuskiego klasycyzmu.
Mniej wyraźnie manifestowały się wymagania klasycyzmu w komediach. W XVII wieku francuska dramaturgia dała początek największemu komikowi, twórcy gatunku komedii społecznej Jean Baptiste Moliere(1622–1673). W swojej pracy wyśmiewał przesądy klasowe szlachty, ciasnotę umysłu burżuazji, hipokryzję duchownych i korupcyjną siłę pieniądza („ Tartuffe», « Don Juan», « Kupiec w szlachcie"). To dzięki Molierowi w 1680 roku pojawił się w Paryżu słynny teatr Komedia Francuska.
Teatr w XVII wieku istniała klasyczna szkoła tragicznej zabawy ( Floridor, Scaramouche, M. Bejart, Molier). Charakteryzowała ją wyjątkowa postawa aktorów na scenie, wyważone czytanie poezji, cały system intonacji i gestów.
W literaturze klasycyzmu ważną rolę odgrywa proza. Utwory prozatorskie pisane w stylu klasycznym z reguły odzwierciedlały poglądy polityczne, filozoficzne, religijne i etyczne ich autorów i miały wyraźny charakter edukacyjny, moralizatorski. W literaturze prozatorskiej dominowały utwory w formie listów, eksperymenty moralistyczne lub filozoficzne, aforyzmy, kazania, słowa pogrzebowe i wspomnienia.
Muzyka. We Francji zasady klasycyzmu wpłynęły na ukształtowanie się francuskiego stylu operowego. Tak więc w operach wybitnego francuskiego kompozytora i dyrygenta Jean-Baptiste Lully(1632-1687) ucieleśniał takie charakterystyczne cechy klasyczne, jak patos i heroizm, prymat zasady „muzycznej symetrii”, dominacja wątków mitologicznych („ Perseusz», « Faeton»).
Nastąpiło przenikanie klasycyzmu do muzyki instrumentalnej. We Włoszech narodziła się tradycja klasycznej techniki skrzypcowej, która przetrwała głównie do dziś. Jej założycielem był Arcangelo Corelli(1653-1713). Stał się także jednym z twórców sonaty skrzypcowej i gatunku koncert wielki(„koncert wielki”), który stał się podstawą rozwoju muzyki symfonicznej.
Urodzony w absolutystycznej Francji klasycyzm zyskał uznanie niemal we wszystkich krajach Europy, stając się znaczącym kamieniem milowym w ich artystycznym rozwoju.
Aleksiej Cwiekow.
Klasycyzm.
Klasycyzm to artystyczny styl mowy i kierunek estetyczny w artystycznym Literatura XVII-XVIII wiek, powstały we Francji w XVII wieku. Założycielem klasycyzmu jest Boileau, w szczególności jego dzieło „Sztuka poetycka” (1674). Boileau opierał się na zasadach harmonii i proporcjonalności części, logicznej harmonii i zwięzłości kompozycji, prostoty fabuły, jasności języka. We Francji szczególnie rozwinęły się gatunki „niskie” – bajka (J. Lafontaine), satyra (N. Boileau). Rozkwitem klasycyzmu w literaturze światowej były tragedie Corneille'a, Racine'a, komedie Moliera, bajki La Fontaine'a, proza La Rochefoucaulda. W dobie oświecenia twórczość Woltera, Lessinga, Goethego i Schillera kojarzy się z klasycyzmem.
Najważniejsze cechy klasycyzmu:
1. Odwołaj się do obrazów i formularzy starożytna sztuka.
2. Bohaterowie są wyraźnie podzieleni na pozytywnych i negatywnych.
3. Fabuła jest zwykle oparta na trójkąt miłosny: bohaterka jest kochanką bohatera, drugą kochanką.
4. Pod koniec klasycznej komedii występek jest zawsze karany i dobre triumfy.
5. Zasada trzech jedności: czas (działanie trwa nie dłużej niż jeden dzień), miejsce, działanie.
Estetyka klasycyzmu ustanawia ścisłą hierarchię gatunków:
1. Gatunki „wysokie” - dramat, epos, oda, obraz historyczny, mitologiczny, religijny.
2. Gatunki "niskie" - komedia, satyra, bajka, malarstwo rodzajowe. (Wyjątkiem jest najlepsze komedie Moliere, zostali przypisani do „wysokich” gatunków)
W Rosji klasycyzm powstał w pierwszej połowie XVIII wieku. Pierwszym pisarzem, który posłużył się klasycyzmem, był Antioch Cantemir. W literaturze rosyjskiej klasycyzm reprezentowany jest przez tragedie Sumarokowa i Knyazhnina, komedie Fonvizina, poezję Kantemira, Łomonosowa, Derżawina. Puszkin, Gribojedow, Bieliński krytykowali „zasady” klasycyzmu.
Historia powstania rosyjskiego klasycyzmu według VI Fiodorowa:
1. Literatura czasów Piotra Wielkiego; ma charakter przejściowy; główna cecha - intensywny proces "sekularyzacji" (tj. Zastąpienie literatury religijnej literaturą świecką - 1689-1725) - przesłanki powstania klasycyzmu.
2. 1730-1750 - lata te charakteryzują się kształtowaniem się klasycyzmu, tworzeniem nowego systemu gatunkowego i dogłębnym rozwojem języka rosyjskiego.
3. 1760-1770 - dalsza ewolucja klasycyzmu, rozkwit satyry, pojawienie się przesłanek powstania sentymentalizmu.
4. Ostatnie ćwierćwiecze – początek kryzysu klasycyzmu, design sentymentalizmu, utrwalenie tendencji realistycznych
a. Kierunek, rozwój, nachylenie, aspiracja.
b. Koncepcja, pomysł na prezentację, obrazy.
Przedstawiciele klasycyzmu przywiązywali dużą wagę do edukacyjnej funkcji sztuki, dążąc w swoich dziełach do tworzenia wizerunków bohaterów godnych naśladowania: odpornych na surowość losu i zmienne koleje losu, kierujących się w swoich działaniach obowiązkiem i rozumem. Literatura stworzyła obraz nowego człowieka, który był przekonany, że musi żyć dla dobra społeczeństwa, być obywatelem i patriotą. Bohater wnika w tajniki wszechświata, staje się aktywną twórczą naturą, takie dzieła literackie zamieniają się w podręcznik życia. Literatura stawiała i rozwiązywała palące pytania swoich czasów, pomagała czytelnikom dowiedzieć się, jak żyć. Tworząc nowych bohaterów, zróżnicowanych w charakterze, reprezentujących różne klasy, pisarze klasycyzmu umożliwili kolejnemu pokoleniu dowiedzieć się, jak żyli ludzie XVIII wieku, co ich martwiło, co czuli.
Wśród stylów artystycznych niemałe znaczenie ma klasycyzm, który upowszechnił się w rozwiniętych krajach świata w okresie od XVII do początku XIX wieku. Stał się spadkobiercą idei Oświecenia i pojawił się w prawie wszystkich rodzajach sztuki europejskiej i rosyjskiej. Często wchodził w konflikt z barokiem, zwłaszcza na etapie powstawania we Francji.
Wiek klasycyzmu w każdym kraju jest inny. Przede wszystkim rozwinęła się we Francji - już w XVII wieku, nieco później - w Anglii i Holandii. W Niemczech i Rosji kierunek ten ustalił się bliżej połowy XVIII wieku, kiedy w innych państwach zaczynał się już czas klasycyzmu. Ale to nie jest tak znaczące. Ważniejsze jest jeszcze jedno: kierunek ten stał się pierwszym poważnym systemem w dziedzinie kultury, który położył podwaliny pod jej dalszy rozwój.
Czym jest klasycyzm jako kierunek?
Nazwa pochodzi od łacińskiego słowa classicus, co oznacza „wzorowy”. Główna zasada przejawiała się w odwołaniu do tradycji starożytności. Były postrzegane jako norma, do której należy dążyć. Autorów prac pociągały takie cechy jak prostota i klarowność formy, lapidarność, rygor i harmonia we wszystkim. Dotyczyło to wszelkich dzieł powstałych w okresie klasycyzmu: literackich, muzycznych, malarskich, architektonicznych. Każdy twórca starał się znaleźć swoje miejsce na wszystko, jasne i ściśle określone.
Główne cechy klasycyzmu
Wszystkie formy sztuki zostały scharakteryzowane następujące funkcje pomagając zrozumieć, czym jest klasycyzm:
- racjonalne podejście do obrazu i wykluczenie wszystkiego, co związane ze zmysłowością;
- głównym celem osoby jest służenie państwu;
- ścisłe kanony we wszystkim;
- ustalona hierarchia gatunków, których mieszanie jest niedopuszczalne.
Specyfikacja cech artystycznych
Analiza poszczególnych rodzajów sztuki pozwala zrozumieć, w jaki sposób w każdym z nich tkwił styl „klasycystyczny”.
Jak klasycyzm urzeczywistniał się w literaturze
W tej formie sztuki klasycyzm został zdefiniowany jako szczególny kierunek, w którym wyraźnie wyrażała się chęć reedukacji słowem. Twórcy dzieł sztuki wierzyli w szczęśliwą przyszłość, w której zwycięży sprawiedliwość, wolność wszystkich obywateli i równość. Oznaczało to przede wszystkim wyzwolenie od wszelkiego rodzaju ucisku, w tym religijnego i monarchicznego. Klasycyzm w literaturze z pewnością wymagał przestrzegania trzech jedności: akcji (nie więcej niż jedna fabuła), czasu (wszystkie wydarzenia zmieściły się w jeden dzień), miejsca (nie było ruchu w przestrzeni). W tym stylu większe uznanie uzyskali J. Moliere, Voltaire (Francja), L. Gibbon (Anglia), M. Twain, D. Fonvizin, M. Lomonosov (Rosja).
Rozwój klasycyzmu w Rosji
Nowy kierunek artystyczny zadomowił się w sztuce rosyjskiej później niż w innych krajach - bliżej połowy XVIII wieku - i zajmował czołową pozycję aż do pierwszej trzeciej XIX wieku. Rosyjski klasycyzm, w przeciwieństwie do zachodnioeuropejskiego, opierał się bardziej na tradycjach narodowych. W tym objawiła się jego oryginalność.
Początkowo trafił do architektury, gdzie osiągnął swoje największe wyżyny. Było to związane z budową nowa stolica i rozwój rosyjskich miast. Osiągnięciem architektów było stworzenie majestatycznych pałaców, wygodnych budynków mieszkalnych, podmiejskich majątków szlacheckich. Na szczególną uwagę zasługuje tworzenie zespołów architektonicznych w centrum miasta, które w pełni wyjaśniają, czym jest klasycyzm. Są to na przykład budynki Carskiego Sioła (A. Rinaldi), Ławra Aleksandra Newskiego (I. Starow), Mierzeja Wyspy Wasiljewskiej (J. de Thomon) w Petersburgu i wiele innych.
Szczyt aktywności architektów można nazwać budową Pałacu Marmurowego według projektu A. Rinaldiego, w którego dekoracji po raz pierwszy zastosowano kamień naturalny.
Nie mniej znany jest Petrodvorets (A. Schluter, V. Rastrelli), który jest przykładem sztuki ogrodowej i parkowej. Liczne budowle, fontanny, rzeźby, sam układ – wszystko uderza proporcjonalnością i czystością wykonania.
Kierunek literacki w Rosji
Na szczególną uwagę zasługuje rozwój klasycyzmu w literaturze rosyjskiej. Jej założycielami byli V. Trediakovsky, A. Kantemir, A. Sumarokov.
Jednak największy wkład w rozwój koncepcji klasycyzmu wniósł poeta i naukowiec M. Łomonosow. Opracował system trzech uspokojeń, który określał wymagania pisania dzieł sztuki i stworzył próbkę uroczystego przesłania - odę, która była najbardziej popularna w literaturze drugiej połowy XVIII wieku.
Tradycje klasycyzmu w pełni przejawiły się w sztukach D. Fonvizina, zwłaszcza w komedii „Undergrowth”. Oprócz obowiązkowa zgodność trzy jedności i kult rozumu, następujące punkty należą do cech rosyjskiej komedii:
- wyraźny podział bohaterów na negatywnych i pozytywnych oraz obecność argumentatora wyrażającego stanowisko autora;
- obecność trójkąta miłosnego;
- kara występku i triumf dobra w finale.
Dzieła epoki klasycyzmu jako całości stały się najważniejszym elementem rozwoju sztuki światowej.
Klasycyzm(od łac. klasyk- wzorowy), podobnie jak barok, okazał się fenomenem o skali ogólnoeuropejskiej. W epoce zaczęła się kształtować poetyka klasycyzmu późny renesans we Włoszech. W przededniu klasycyzmu rozgrywa się tragedia włoskiego dramaturga J. Trissino „Sofonisby” (1515), napisana na wzór starożytnych tragików. Nakreślił cechy, które później stały się charakterystyczne dla klasycznej dramaturgii - logicznie zbudowana fabuła, poleganie na słowie, a nie na akcja sceniczna, racjonalność i ponadindywidualny charakter aktorzy. Istotny wpływ na ukształtowanie się klasycyzmu w krajach europejskich wywarła „Poetyka” (1561) włoskiego Yu Ts Scaligera, który z powodzeniem antycypował smak następnego stulecia, epoki logiki i rozumu. Niemniej jednak kształtowanie się klasycyzmu ciągnęło się przez całe stulecie, a jako integralny system artystyczny, klasycyzm początkowo rozwinął się we Francji w połowie XVII wieku.
Rozwój klasycyzmu we Francji jest ściśle związany z powstaniem i rozkwitem scentralizowanej władzy królewskiej (monarchii absolutnej). Autokratyczna państwowość ograniczała prawa samowolnej arystokracji feudalnej, dążyła do uregulowania i uregulowania relacji między jednostką a państwem oraz wyraźnego rozróżnienia sfer życia prywatnego i osobistego. Duch regulacji i dyscypliny rozciąga się na sferę literatury i sztuki, określając ich aspekt merytoryczny i cechy formalne. W celu kontrolowania życia literackiego z inicjatywy pierwszego ministra kardynała Richelieu utworzono Akademię Francuską, a sam kardynał w latach 30. XVII wieku wielokrotnie interweniował w literackie spory.
Kanony klasycyzmu ewoluowały w ostrych sporach z literaturą precyzyjną, a także z hiszpańskimi dramatopisarzami (Lope de Vega, Tirso de Molina). Ci ostatni wyśmiewali w szczególności żądanie jedności czasu. ("Co do twoich 24 godzin, cóż może być bardziej absurdalnego dla miłości, która zaczęła się w środku dnia, kończy wieczorem ślubem!") Kontynuacja pewnych tradycji renesansu (podziw dla starożytności, wiara w rozum , ideał harmonii i miary), klasycyzm był renesansem i rodzajem antytezy, co sprawiało, że wiązał się, przy wszystkich głębokich różnicach, z barokiem.
Humaniści renesansu najwyższą wartość widzieli w swobodnie manifestującej się naturze człowieka. Ich bohater to harmonijna osobowość, wyzwolona spod władzy korporacji klasowej i niepohamowana w swoim indywidualizmie. Humaniści XVII wieku - założyciele klasycyzmu - na skutek historycznych doświadczeń europejskich namiętności wydawały się siłą destrukcyjną, anarchiczną, generowaną przez egoizm. Normy moralne (cnoty) mają teraz pierwszeństwo w ocenie osoby. Główną treścią twórczości w klasycyzmie jest sprzeczność między naturalną naturą człowieka a obywatelskim obowiązkiem, między jego namiętnościami a rozumem, która zrodziła tragiczne konflikty.
Klasycy widzieli cel sztuki w poznaniu prawdy, która jest dla nich ideałem piękna. Klasycy zaproponowali metodę, by to osiągnąć, opartą na trzech centralnych kategoriach ich estetyki: rozumu, modelu i smaku (te pojęcia stały się także obiektywnymi kryteriami artyzmu). Aby stworzyć wielkie dzieło, zdaniem klasyków należy kierować się nakazami rozumu, opierając się na „wzorcowych”, czyli klasycznych, dziełach starożytności (starożytności) i kierując się zasadami dobrego smaku („dobry gust” jest najwyższy sędzia „pięknych”). Klasycy wprowadzają więc do twórczości artystycznej elementy działalności naukowej.
Zasady klasycznej poetyki i estetyki wyznacza system poglądy filozoficzne era oparta na racjonalizmie Kartezjusza. Rozum jest dla niego najwyższym kryterium prawdy. W sposób racjonalno-analityczny można wniknąć w idealną istotę i cel każdego obiektu lub zjawiska, zrozumieć wieczne i niezmienne prawa, które leżą u podstaw porządku świata, a zatem kreatywność artystyczna.
Racjonalizm pomógł przezwyciężyć uprzedzenia religijne i średniowieczną scholastykę, ale miał też swój własny słaba strona. Świat w tym systemie filozoficznym rozpatrywany był z pozycji metafizycznych - jako niezmienny i nieruchomy.
Koncepcja ta przekonała klasyków, że ideał estetyczny jest wieczny i niezmienny przez cały czas, ale z największą kompletnością i doskonałością został wcielony w sztukę starożytności. Aby odtworzyć ten ideał, należy zwrócić się do sztuki starożytnej i dokładnie przestudiować jej zasady i prawa. Jednocześnie, zgodnie z ideałami politycznymi XVII wieku, szczególną uwagę zwrócono na sztukę cesarskiego Rzymu (epoka koncentracji władzy w rękach jednej osoby – cesarza), poezję „złotego wiek” - dzieło Wergiliusza, Owidiusza, Horacego. Oprócz Poetyki Arystotelesa, N. Boileau oparł się na Liście do Pisonów Horacego w swoim poetyckim traktacie Sztuka poetycka (1674), skupiając i uogólniając teoretyczne zasady klasycyzmu, podsumowując praktykę artystyczną swoich poprzedników i współczesnych.
Starając się odtworzyć świat starożytności („uszlachetniony” i „poprawiony”), klasycy pożyczają z niego tylko „ubrania”. Choć Boileau, odnosząc się do współczesnych pisarzy, pisze:
I zwyczaje krajów i lat, które musisz studiować.
W końcu klimat nie może nie wpływać na ludzi.
Ale bój się moczyć w wulgarnym złym guście
Francuski duch Rzymu... –
to nic innego jak deklaracja. W literackiej praktyce klasycyzmu pod nazwami starożytni bohaterowie ludzie z XVII-XVIII wieku ukrywają się, a starożytne opowieści ujawniają przede wszystkim sformułowanie najbardziej dotkliwych problemów naszych czasów. Klasycyzm jest z gruntu antyhistoryczny, ponieważ kieruje się „odwiecznymi i niezmiennymi” prawami rozumu.
Klasycy głoszą zasadę naśladownictwa natury, ale jednocześnie nie dążą do odtworzenia rzeczywistości w całości. Nie interesuje ich to, co jest, ale to, co powinno być zgodne z wyobrażeniami ich umysłu. Wszystko, co nie odpowiada wzorcowi i „dobremu gustowi”, zostaje wyrzucone ze sztuki, uznane za „nieprzyzwoite”. W przypadkach, w których konieczne jest odtworzenie brzydkiego, jest on estetycznie przekształcany:
Wcielone w sztukę, potwora i gada
Nadal cieszy nas nieufne spojrzenie:
Pędzel artysty pokazuje nam przemianę
Przedmioty podłe w przedmioty podziwu...
Innym kluczowym problemem poetyki klasycznej jest problem prawdy i prawdopodobieństwa. Czy pisarz powinien przedstawiać zjawiska wyjątkowe, niewiarygodne, niezwykłe, ale zapisane w historii („prawda”), czy tworzyć obrazy i sytuacje, które są fikcyjne, ale odpowiadające logice rzeczy i wymogom rozumu (tj. „wiarygodne ")? Boileau preferuje drugą grupę zjawisk:
Nie dręcz nas niesamowitymi rzeczami, niepokojącymi umysł:
A prawda czasami nie jest prawdą.
Cudowne bzdury, których nie będę podziwiać:
Umysł nie dba o to, w co nie wierzy.
Pojęcie wiarygodności również leży u podstaw klasycznego charakteru: bohater tragiczny nie może być „drobny i nieistotny”,
Ale nadal, bez słabości, jego charakter jest fałszywy.
Achilles urzeka nas swoim zapałem,
Ale jeśli płacze, kocham go bardziej.
W końcu w tych małych rzeczach natura ożywa,
A prawda jest taka, że nasz obraz jest niesamowity.
(N. Boileau, „Sztuka poetycka”)
Boileau jest bliski pozycji J. Racine'a, który opierając się na „Poetyce” Arystotelesa, w przedmowie do tragedii „Andromacha” napisał o swoich bohaterach, że „powinni być ludźmi przeciętnymi w swoich przymiotach duchowych, czyli mieć cnoty, ale podlegać słabościom i nieszczęściom musi spaść na nich w wyniku jakiegoś błędu, który może wzbudzić dla nich litość, a nie wstręt.
Nie wszyscy klasycy podzielali tę koncepcję. P. Corneille, inicjator francuskiej tragedii klasycznej, miał tendencję do tworzenia wyjątkowych postaci. Jego bohaterowie nie ronią łez z widowni, ale wzbudzają niezaprzeczalny podziw dla swojej wytrzymałości i bohaterstwa. W przedmowie do swojej tragedii „Nycomedes” Corneille oświadczył: „Czułość i namiętności, które powinny być duszą tragedii, nie mają tu miejsca: króluje tu tylko heroiczna wielkość, rzucająca spojrzenie pełne pogardy na swe smutki, które ma nie pozwól im wyrwać z serca bohater nie ma ani jednej skargi, stawia czoła podstępnej polityce i przeciwstawia się jej tylko ze szlachetną rozwagą, maszerując z otwartym przyłbicą, bez dreszczy przepowiada niebezpieczeństwo i nie oczekuje pomocy od kogokolwiek, z wyjątkiem jej męstwa i miłości... "Corneille motywuje przekonywanie tworzonych im obrazów pojęciem żywotnej prawdy i historycznej autentyczności: "Historia, która dała mi możliwość ukazania w najwyższym stopniu tej wielkości, była zabrany przeze mnie od Justina".
Kult rozumu wśród klasyków wyznacza także zasady tworzenia charakteru – jednej z centralnych kategorii estetycznych klasycyzmu. Dla klasyków charakter nie oznacza zespołu indywidualnych cech konkretnej osoby, ale ucieleśnia pewien rodzajowy, a zarazem odwieczny magazyn ludzkiej natury i psychologii. Dopiero w aspekcie wiecznego, niezmiennego i uniwersalnego charakteru człowieka stał się przedmiotem badania artystyczne sztuka klasyczna.
Idąc za teoretykami starożytności – Arystotelesem i Horacym – Boileau uważał, że „sztuka” powinna zachować „dla każdego z jego szczególnych uczuć”. Te „specjalne uczucia” określają psychologiczną budowę człowieka, czyniąc z jednego wulgarnego dandysa, innego skąpca, a trzeciego rozrzutnika itd. Charakter został więc zredukowany do jednej dominującej cechy. Nawet Puszkin zauważył, że hipokryta Tartuffe nawet „prosi o szklankę wody, hipokryta” w Moliere, a skąpy Harpagon jest „skąpy i nic więcej”. Nie ma sensu szukać w nich więcej treści psychologicznych. Kiedy Harpagon rozmawia ze swoim kochankiem, zachowuje się jak skąpiec, a ze swoimi dziećmi zachowuje się jak skąpiec. "Jest tylko jedna farba, ale nakłada się ją coraz grubiej i grubiej, aż w końcu sprowadza obraz do poziomu codziennej, psychologicznej nieprawdopodobieństwa." Ta zasada typizacji doprowadziła do ostrego podziału bohaterów na pozytywnych, cnotliwych i negatywnych, złośliwych.
O postaciach bohaterów tragedii decyduje też jedna wiodąca cecha. Jednowierszowy charakter bohaterów Corneille'a podkreśla ich integralność, co potwierdza "rdzeń" ich charakteru. Racine jest trudniejszy: pasja, która określa charakter jego bohaterów, jest sama w sobie sprzeczna (zazwyczaj jest to miłość). To właśnie na wyczerpaniu całej gamy psychologicznych odcieni namiętności polega metoda charakterystyki Racine'a - metoda, jak metoda Corneille'a, głęboko racjonalistyczna.
Wcielając w postać cechy rodzajowego, „wiecznego”, sam artysta klasycystyczny starał się przemawiać nie ze swojego szczególnego, niepowtarzalnie indywidualnego „ja”, ale z punktu widzenia męża stanu. Dlatego w klasycyzmie przeważają gatunki „obiektywne” – przede wszystkim dramatyczne, a wśród gatunków lirycznych dominują te, w których obowiązuje orientacja bezosobowa, uniwersalnie znacząca (ode, satyra, bajka).
Normatywność i racjonalność klasycznej estetyki przejawia się także w ścisłej hierarchii gatunków. Istnieją gatunki „wysokie” - tragedia, epopeja, oda. Ich sferą jest życie publiczne, wydarzenia historyczne, mitologia; ich bohaterami są monarchowie, generałowie, postacie historyczne i mitologiczne. O takim wyborze tragicznych bohaterów decydowały nie tyle gusta i wpływy dworu, ile miara moralnej odpowiedzialności tych ludzi, którym powierzono losy państwa.
Gatunki „wysokie” przeciwstawiane są gatunkom „niskim” – komedia, satyra, bajka – zamienione w sferę prywatnego życia codziennego szlachty i mieszczan. Pośrednie miejsce zajmują gatunki "środkowe" - elegia, sielanka, przesłanie, sonet, pieśń. przedstawiający wewnętrzny świat indywidualna osoba gatunki te w okresie rozkwitu literatury klasycznej, przesycone wysokimi ideałami obywatelskimi, nie zajęły żadnego zauważalnego miejsca w proces literacki. Na te gatunki przyjdzie czas później: będą miały znaczący wpływ na rozwój literatury w dobie kryzysu klasycyzmu.
Proza, zwłaszcza beletrystyka, jest ceniona przez klasyków znacznie niżej niż poezja. „Miłość myśli wierszem”, wykrzykuje Boileau na początku swojego traktatu i „podnosi do Parnasu” tylko gatunki poetyckie. Rozpowszechniają się te gatunki prozy, które mają przede wszystkim charakter informacyjny – kazania, wspomnienia, listy. Jednocześnie proza naukowa, filozoficzna i epistolarna, wkraczając w epokę kultu nauki w domenie publicznej, nabiera cech dzieła prawdziwie literackiego i ma już wartość nie tylko naukową czy historyczną, ale także estetyczną („Listy prowincjała” i „Myśli” B. Pascala, „Maksymy, czyli refleksje moralne” F. de La Rochefoucauld, „Charaktery” J. de La Bruyère'a itp.).
Każdy gatunek w klasycyzmie ma ścisłe granice i wyraźne cechy formalne. Niedozwolona jest mieszanka wzniosłości i podstawy, tragizmu i komizmu, heroizmu i zwyczajności: to, co dozwolone w satyrze, jest wykluczone w tragedii, to, co dobre w komedii, jest nie do przyjęcia w epice. Tu panuje „swoiste prawo jedności stylu” (G. Gukovsky) – każda jednostka gatunkowa ma swój sztywny kanon formalno-stylistyczny. Z „ prawdziwa literatura„. „Od teraz tylko cały system gatunków jest w stanie wyrazić różnorodność życia”.
Podejście racjonalistyczne determinowało również stosunek do formy poetyckiej:
Uczysz się myśleć, a potem pisać.
Mowa podąża za myślą; jaśniej lub ciemniej
A fraza jest wzorowana na idei;
To, co jest jasno zrozumiane, zabrzmi wyraźnie,
A dokładne słowo natychmiast nadejdzie.
(N. Boileau, „Sztuka poetycka”)
Każda praca musi być ściśle przemyślana, kompozycja musi być zbudowana logicznie, poszczególne części muszą być proporcjonalne i nierozłączne, styl musi być jasny do stopnia przejrzystości, język zwięzły i precyzyjny. Pojęcie miary, proporcji, symetrii jest nieodłączne nie tylko w literaturze, ale we wszystkich kultura artystyczna klasycyzm - architektura, malarstwo, sztuka ogrodnicza. Myślenie naukowe i artystyczne epoki ma wyraźny charakter matematyczny.
W architekturze ton zaczynają nadawać budynki użyteczności publicznej, wyrażające ideę państwowości. Podstawą schematów planowania są prawidłowe figury geometryczne(kwadrat, trójkąt, koło). Architekci klasycystyczni opanowali budowę ogromnego kompleksu, składającego się z pałacu i parku. Stają się przedmiotem szczegółowych, zweryfikowanych matematycznie kompozycji. We Francji po raz pierwszy nowe trendy zostały w pełni ucieleśnione we wspaniałym zespole wersalskim (1661–1689, architekci L. Levo, A. Le Nôtre, J. Hardouin-Mansart i inni).
Wyróżnia się klarownością, logiką, harmonią kompozycyjną obrazy klasycy. N. Poussin - twórca i szef francuskiego klasycyzmu w malarstwie - wybierał tematy dające umysłowi do myślenia, wychowujące w człowieku cnoty i uczące mądrości. Historie te odnalazł przede wszystkim w: starożytna mitologia i legendarną historię Rzymu. Jego obrazy „Śmierć Germanika” (1627), „Zdobywanie Jerozolimy” (1628), „Gwałt Sabinek” (1633) poświęcone są obrazowi „bohaterskich i niezwykłych czynów”. Kompozycja tych obrazów jest ściśle uporządkowana, przypomina kompozycję starożytnych płaskorzeźb (aktorzy znajdują się w płytkiej przestrzeni, podzielonej na szereg planów). Poussin wyraźnie rysuje bryły postaci w niemal rzeźbiarski sposób, starannie kalibruje ich budowę anatomiczną, układa ubrania w klasyczne fałdy. Rozkład kolorów na obrazie podlega tej samej ścisłej harmonii.
Surowe prawa panowały także w sztuce werbalnej. Prawa te zostały szczególnie sztywno ustanowione dla wysokich gatunków, ubranych w obowiązkową formę poetycką. Tak więc tragedia, podobnie jak epos, musi koniecznie zostać wyjaśniona w majestatycznym wierszu aleksandryjskim. Fabuła tragedii, historycznej lub mitologicznej, została zaczerpnięta z czasów starożytnych i była zwykle znana widzowi (później klasycy zaczęli czerpać materiał do swoich tragedii z Historia Wschodu, podczas gdy rosyjscy klasycy woleli fabuły z własnej historii narodowej). Sława fabuły skłoniła widza nie tyle do postrzegania złożonej i zawiłej intrygi, co do analizy przeżyć emocjonalnych i przeciwstawnych dążeń bohaterów. Zgodnie z definicją G. A. Gukowskiego „klasyczna tragedia nie jest dramatem akcji, ale dramatem rozmów; klasycznego poety nie interesują fakty, ale analiza, bezpośrednio uformowana w słowie” .
Prawa logiki formalnej wyznaczały strukturę gatunków dramatycznych, zwłaszcza tragedii, która miała składać się z pięciu aktów. Komedie mogły być też trzyaktowe (komedie jednoaktowe pojawiały się w XVIII wieku), ale w żadnym wypadku nie cztero- lub dwuaktowe. Dla gatunków dramatycznych klasycy podnieśli także zasadę trzech jedności – miejsca, akcji i czasu, sformułowaną w traktatach J.Trissino i J.Scaligera, opartych na Poetyce Arystotelesa, w prawo niepodważalne. Zgodnie z zasadą jedności miejsca, cała akcja sztuki musi odbywać się w jednym miejscu – pałacu, domu, a nawet pokoju. Jedność czasu wymagała, aby cała akcja spektaklu zmieściła się w czasie nie dłuższym niż jeden dzień, a im bardziej odpowiadał czasowi spektaklu – trzy godziny – tym lepiej. Wreszcie jedność działania zakładała, że wydarzenia przedstawione w sztuce muszą mieć swój początek, rozwój i koniec. Ponadto gra nie powinna zawierać „dodatkowych” odcinków ani postaci, które nie są bezpośrednio związane z rozwojem głównego wątku fabularnego. W przeciwnym razie, jak wierzyli teoretycy klasycyzmu, różnorodność wrażeń uniemożliwiała widzowi dostrzeżenie „rozsądnej podstawy” życia.
Wymóg trzech jedności zasadniczo zmienił strukturę dramatu, gdyż zmusił dramaturgów do przedstawienia nie całego systemu wydarzeń (jak to miało miejsce np. w średniowiecznych misteriach), ale tylko epizodu, który dopełnia to czy tamto wydarzenie. Same wydarzenia były „zdjęte ze sceny” i mogły obejmować duży okres czasu, ale miały charakter retrospektywny, a widz poznawał je z monologów i dialogów bohaterów.
Początkowo te trzy zjednoczenia nie były formalne. Zasada wiarygodności leżąca u ich podstaw, podstawowa zasada klasycyzmu, rozwinięta w walce z tradycjami teatr średniowieczny, z jego sztukami, których akcja trwała czasem kilka dni, obejmując setki wykonawców, a fabuła pełna była wszelkiego rodzaju cudów i naiwnych efektów naturalistycznych. Ale podnosząc zasadę trzech jedności w niezachwianą zasadę, klasycy nie brali pod uwagę osobliwości subiektywne postrzeganie sztuka pozwalająca na artystyczną iluzję, nie-tożsamość obraz artystyczny reprodukowany obiekt. Romantycy, którzy odkryli „podmiotowość” widza, przystąpią do szturmu na teatr klasyczny od obalenia władzy trzech jedności.
Szczególnym zainteresowaniem ze strony pisarzy i teoretyków klasycyzmu był gatunek epicki, lub bohaterski wiersz, które Boileau postawił nawet ponad tragedią. Dopiero w eposie, według Boileau, poeta „zyskał dla siebie przestrzeń / Urzeka nasz umysł i spojrzenie wysoką fikcją”. Klasycznych poetów w eposie przyciąga także specjalny, heroiczny motyw oparty na główne wydarzenia przeszłość i bohaterowie o wyjątkowych walorach oraz sposób opowiadania wydarzeń, które Boileau sformułował w następujący sposób:
Niech Twoja historia będzie mobilna, przejrzysta, zwięzła,
A w opisach i wspaniałych i bogatych.
Podobnie jak w tragedii, w eposie ważna jest oprawa moralna i dydaktyczna. Przedstawiając heroiczne czasy, epos, według W. Trediakowskiego, daje „mocną instrukcję”. rasa ludzka ucząc tego kochać cnotę” („Wyjaśnienie o heroicznym poemacie”, 1766).
W artystycznej strukturze eposu Boileau przypisuje decydującą rolę fikcji („Układając mit jako podstawę, żyje z fikcji ...”). Stosunek Boileau do mitologii antycznej i chrześcijańskiej jest konsekwentnie racjonalistyczny – mit antyczny przyciąga go przejrzystością alegorii, która nie przeczy rozumowi. Z drugiej strony cuda chrześcijańskie nie mogą być przedmiotem estetycznego ucieleśnienia, co więcej, według Boileau, ich użycie w poezji może narazić na szwank dogmat religijny („sakramenty Chrystusa nie są dla zabawy”). Charakteryzując epos, Boileau opiera się na starożytnym eposie, przede wszystkim na Eneidzie Wergiliusza.
Krytykując „epopeję chrześcijańską” T. Tasso („Jerusalem Liberated”), Boileau sprzeciwia się również epopei narodowej heroicznej opartej na materiale wczesnośredniowieczny(„Alaric” J. Scuderi, „Dziewica” J. Chaplin). Klasycystyczny Boileau nie akceptuje średniowiecza jako epoki „barbarzyństwa”, co oznacza, że wątki zaczerpnięte z tej epoki nie mogą mieć dla niego wartości estetycznej i dydaktycznej.
Zasady eposu sformułowane przez Boileau, skoncentrowane na Homerze i Wergiliuszu, nie znalazły pełnego i wyczerpującego wcielenia w XVII-wiecznej literaturze. Ten gatunek jest już przestarzały, a teoretyk I.G. Herder ruch literacki w Niemczech „Storm and Onslaught” (lata 70. XVIII wiek), z pozycji historyzmu, wyjaśnił niemożność jego zmartwychwstania (mówi o starożytnym eposie): „Epos należy do dzieciństwa ludzkości”. W XVIII wieku podejmowano próby stworzenia heroicznej epopei opartej na materiale narodowym w ramach klasyki system sztuki tym bardziej nie zostały one ukoronowane sukcesem („Henriada” Woltera, 1728; „Rossiyada” M. Cheraskov, 1779).
Oda, jeden z głównych gatunków klasycyzmu, ma również ścisłą formę. Jego obowiązkową cechą jest „zaburzenie liryczne”, sugerujące swobodny rozwój myśli poetyckiej:
Niech burzliwy styl Ody stara się losowo:
Piękny pomięty piękny jej strój.
Precz z nieśmiałymi rymami, których umysły są flegmatyczne
W samych namiętnościach obserwuje się porządek dogmatyczny...
(N. Boileau, „Sztuka poetycka”)
Niemniej jednak ten „porządek dogmatyczny” był ściśle przestrzegany. Oda, podobnie jak słowo oratoryjne, składała się z trzech części: „ataku”, czyli wprowadzenia do tematu, uzasadnienia, w którym ten temat się rozwijał, oraz energetycznego, emocjonalnego zakończenia. „Nieporządek liryczny” jest czysto zewnętrzny: przechodząc od myśli do myśli, wprowadzając liryczne dygresje, poeta podporządkował budowę ody rozwojowi głównej idei. Liryzm ody nie jest indywidualny, ale, że tak powiem, zbiorowy, wyraża „aspiracje i dążenia całego organizmu państwowego” (G. Gukovsky).
W przeciwieństwie do „wysokiej” tragedii i epopei, klasyczne „niskie gatunki” – komedia i satyra – zamieniają się we współczesną codzienność. Celem komedii jest edukowanie, wyśmiewanie niedociągnięć, „korygowanie humoru kpiną; / Śmiać się i korzystać z jej bezpośredniego statutu” (A. Sumarokov). Klasycyzm odrzucił pamfletową (czyli skierowaną przeciwko konkretnym jednostkom) satyryczną komedię Arystofanesa. Komika interesują uniwersalne ludzkie przywary w ich codziennej manifestacji - lenistwo, ekstrawagancja, skąpstwo itp. Ale to wcale nie znaczy, że klasyczna komedia pozbawiona jest treści społecznych. Klasycyzm charakteryzuje się wyraźną orientacją ideologiczną i moralno-dydaktyczną, dlatego też odwołanie się do kwestii istotnych społecznie nadało wielu klasycznym komediom publiczne, a nawet aktualne brzmienie (Tartuffe, Don Giovanni, Misanthrope Moliera; Brigadier, Undergrowth D. Fonvizin, " Wąż” V. Kapnista).
W swoich ocenach komedii Boileau skupia się na „poważnej” komedii moralizatorskiej, prezentowanej w starożytności przez Menandera i Terence'a, a współcześnie przez Moliera. Boileau uważa „Mizantropa” i „Tartuffe” za najwyższe osiągnięcie Moliera, ale krytykuje komika za wykorzystanie tradycji ludowej farsy, uważając je za niegrzeczne i wulgarne (komedia „Sztuczki Scapina”). Boileau opowiada się za stworzeniem komedii postaci, a nie komedii intryg. Później temu typowi komedii klasycznej, która dotyka problemów o znaczeniu społecznym lub społeczno-politycznym, zostanie przypisana definicja komedii „wysokiej”.
Satyra ma wiele wspólnego z komedią i baśnią. Wszystkie te gatunki wspólny temat obrazy - ludzkie wady i przywary, ogólna ocena emocjonalna i artystyczna - ośmieszenie. Struktura kompozycyjna satyry i baśni opiera się na połączeniu zasad autora i narracji. Autor satyry i bajki często posługuje się dialogiem. Jednak w przeciwieństwie do komedii, w satyrze dialog nie jest związany z akcją, z systemem wydarzeń, a obraz zjawisk życiowych, w przeciwieństwie do bajki, opiera się w satyrze na obrazie bezpośrednim, a nie alegorycznym.
Będąc ze względu na swój talent poetą satyrykiem, Boileau teoretycznie odchodzi od starożytna estetyka, który przypisywał satyrę „niskim” gatunkom. Satyrę postrzega jako gatunek aktywny społecznie. Szczegółowo opisując satyrę, Boileau przywołuje rzymskich satyryków Luciliusa, Horacego, Persia Flaccusa, którzy śmiało potępiali występki możni świata ten. Ale przede wszystkim stawia Juvenal. I choć francuski teoretyk zwraca uwagę na „kwadratowe” pochodzenie satyry rzymskiego poety, jego autorytet dla Boileau jest niezaprzeczalny:
Straszna prawda jego wierszy żyje,
A jednak piękno w nich błyszczy tu i tam.
Temperament satyryka zwyciężył nad teoretycznymi postulatami Boileau i w jego obronie prawa do osobistej satyry skierowanej przeciwko konkretnym, wszystkim sławni ludzie(„Dyskurs o satyrze”; charakterystyczne jest, że Boileau nie rozpoznawał satyry na twarzach w komedii). Taka technika nadała klasycznej satyrze aktualny, dziennikarski koloryt. Rosyjski klasyczny satyryk A. Kantemir również szeroko stosował metodę satyry na twarzach, nadając swoim „supra-indywidualistycznym” postaciom, uosabiając jakiś rodzaj ludzkiego występku, portretowe podobieństwo do swoich wrogów.
Ważny wkład klasycyzmu do dalszy rozwój literatura była rozwinięciem jasnego i harmonijnego języka dzieł sztuki („Co jasno zrozumiane, to jasno zabrzmi”), uwolnionego od obcego słownictwa, zdolnego do wyrażania różnych uczuć i przeżyć („Gniew jest dumny, potrzebuje aroganckich słów ,/ Ale smutki skargi nie są takie napięte”), skorelowane z postaciami i wiekiem bohaterów („Więc starannie wybierz język:/ Nie umie mówić jak młody człowiek, staruszek”).
Formacja klasycyzmu zarówno we Francji, jak iw Rosji zaczyna się od reform językowych i poetyckich. We Francji pracę tę rozpoczął F. Malherbe, który jako pierwszy przedstawił pojęcie dobrego smaku jako kryterium umiejętności artystycznej. Malherbe zrobił wiele, aby oczyścić język francuski z licznych prowincjonalizmów, archaizmów i dominacji zapożyczonej łaciny i greckie słowa, wprowadzony do obiegu literackiego przez poetów Plejad w XVI wieku. Malherbom przeprowadził kodyfikację francuskiego języka literackiego, który wyeliminował z niego wszystko, co przypadkowe, skupił się na umiejętnościach mowy oświeconych mieszkańców stolicy, pod warunkiem, że język literacki powinien być zrozumiały dla wszystkich grup ludności. Nie bez znaczenia jest także wkład Malherbe w dziedzinę francuskiej wersyfikacji. Sformułowane przez niego zasady metryki (stałe miejsce na cezurę, zakaz przechodzenia z jednej linii poetyckiej do drugiej itp.) nie tylko weszły w poetykę francuskiego klasycyzmu, ale zostały zasymilowane przez teorię i praktykę poetycką innych Kraje europejskie.
W Rosji M. Łomonosow wykonał sto lat później podobną pracę. Teoria Łomonosowa „trzech uspokojeń” wyeliminowała różnorodność i nieporządek formy literackie komunikacja, charakterystyczna dla literatury rosyjskiej końca XVII - pierwszej tercji XVIII w., usprawnione użycie słów literackich w obrębie określonego gatunku, determinujące rozwój mowa literacka do Puszkina. Nie mniej ważna jest poetycka reforma Trediakowskiego-Łomonosowa. Reformując wersyfikację w oparciu o organiczny dla języka rosyjskiego system sylabotoniczny, Trediakowski i Łomonosow położyli w ten sposób podwaliny pod narodową kulturę poetycką.
W XVIII wieku klasycyzm przeżywał swój drugi rozkwit. Decydujący wpływ na to, jak również na inne kierunki stylistyczne, ma: oświecenie- ruch ideologiczny, który ukształtował się w warunkach ostrego kryzysu absolutyzmu i skierowany przeciwko systemowi feudalno-absolutystycznemu i wspierającemu go Kościołowi. Idee oświecenia opierają się na koncepcji filozoficznej Anglika J. Locke'a, który zaproponował nowy model procesu poznania, oparty na uczuciu, doznaniu, jako jedynego źródła ludzkiej wiedzy o świecie („Doświadczenie o człowieku Umysł", 1690). Locke zdecydowanie odrzucił doktrynę „wrodzonych idei” R. Kartezjusza, porównując duszę urodzonego człowieka do czystej karty (tabula rasa), gdzie doświadczenie pisze „swoje własne litery” przez całe życie.
Takie spojrzenie na naturę człowieka doprowadziło do idei decydującego wpływu na kształtowanie się osobowości środowiska społecznego i naturalnego, które czyni człowieka dobrym lub złym. Ignorancja, przesądy, uprzedzenia zrodzone z feudalnego porządek publiczny, określają, zdaniem oświeconych, nieład społeczny, zniekształcają pierwotną moralną naturę człowieka. I tylko edukacja ogólna może wyeliminować rozbieżność między istniejącymi stosunkami społecznymi a wymogami rozumu i natury ludzkiej. Literaturę i sztukę zaczęto uważać za jeden z głównych instrumentów transformacji i reedukacji społeczeństwa.
Wszystko to zadecydowało o fundamentalnie nowych funkcjach w Klasycyzm XVIII stulecie. Przy zachowaniu podstawowych zasad estetyki klasycznej w sztuce i literaturze klasycyzmu oświeceniowego istotnie zmienia się rozumienie celu i zadań wielu gatunków. Szczególnie wyraźnie przeobrażenie klasycyzmu w duchu ustawień edukacyjnych widać w tragediach Woltera. Pozostając wiernym głównym zasady estetyczne klasycyzm, Voltaire stara się wpływać nie tylko na umysły odbiorców, ale także na ich uczucia. Poszukuje nowych tematów i nowych środków wyrazu. Kontynuując rozwój starożytnego motywu znanego klasycyzmowi, w swoich tragediach Voltaire nawiązuje także do wątków średniowiecznych („Tankred”, 1760), orientalnych („Mahomet”, 1742), związanych z podbojem Nowego Świata („Alzira”, 1736). ). Podaje nowe uzasadnienie tragedii: „Tragedia jest poruszającym obrazem, animowanym obrazem, a przedstawione w nim osoby muszą działać” (czyli dramaturgia jest pojmowana przez Woltera nie tylko jako sztuka słowa, ale także jako sztuka). ruchu, gestu, mimiki).
Voltaire wypełnia klasyczną tragedię ostrą treścią filozoficzną i społeczno-polityczną, odnoszącą się do rzeczywistych problemów naszych czasów. Dramaturg skupia się na walce z fanatyzmem religijnym, arbitralnością polityczną i despotyzmem. Tak więc w jednym z jego najbardziej słynne tragedie„Mohammed” Voltaire udowadnia, że każda deifikacja jednostki prowadzi w końcu do jej niekontrolowanej władzy nad innymi ludźmi. Nietolerancja religijna prowadzi bohaterów tragedii „Zair” (1732) do tragicznego rozwiązania, a bezlitosni bogowie i zdradzieckie kapłani popychają słabych śmiertelników do popełniania zbrodni („Edyp”, 1718). W duchu wysokich problemów społecznych Voltaire ponownie zastanawia się i przekształca heroiczną epopeję i odę.
W okresie Rewolucji Francuskiej (1789–1794) nurt klasycystyczny w życie literackie ma szczególne znaczenie. Klasycyzm tego czasu nie tylko uogólnił i przyswoił nowatorskie rysy tragedii Woltera, ale też radykalnie przebudował gatunki wysokie. M.J. Chenier odmawia w ogóle potępienia despotyzmu, dlatego za przedmiot obrazu bierze nie tylko starożytność, ale także Europę czasów nowożytnych ("Karol IX", "Jean Calas"). Bohater tragedii Chenier propaguje idee prawa naturalnego, wolności i prawa, jest blisko ludzi, a ludzie w tragedii nie tylko wchodzą na scenę, ale także działają razem z głównym bohaterem ("Kai Gracchus", 1792). Pojęcie państwa jako kategorii pozytywnej, przeciwstawnej osobistej, indywidualistycznej, zostaje w umyśle dramaturga zastąpione kategorią „naród”. To nie przypadek, że Chenier nazwał swoją sztukę „Karol IX” „tragedią narodową”.
W ramach klasycyzmu epoki Rewolucji Francuskiej powstaje także nowy rodzaj ody. Zachowując klasyczną zasadę pierwszeństwa rozumu nad rzeczywistością, rewolucyjna oda obejmuje w swoim świecie podobnie myślących ludzi bohater liryczny. Sam autor nie wypowiada się już we własnym imieniu, ale w imieniu współobywateli, używając zaimka „my”. Rouget de Lisle w Marsylii wypowiada hasła rewolucyjne niejako razem ze swoimi słuchaczami, skłaniając w ten sposób ich i siebie do rewolucyjnych przemian.
Twórcą klasycyzmu nowego typu, odpowiadającego duchowi czasu, w malarstwie był J. David. Wraz z jego obrazem „Przysięga Horatii” (1784) do francuskiego Sztuka pochodzi nowy temat- obywatelski, publicystyczny w prostocie wyrazu, nowy bohater - republikanin rzymski, zdrowy moralnie, stawiający przede wszystkim obowiązek ojczyzny, nowy manier - surowy i ascetyczny, przeciwstawiający się wyrafinowanej kameralnej stylistyce malarstwa francuskiego drugiej połowy XVIII wieku.
Pod wpływem literatura francuska w XVIII w. narodowe wzorce klasycyzmu ukształtowały się w innych krajach europejskich: w Anglii (A. Pop, J. Addison), we Włoszech (V. Alfieri), w Niemczech (I. K. Gottsched). W latach 70.-1780. w Niemczech pojawił się tak oryginalny fenomen artystyczny, jak „klasycyzm weimarski” (J.W. Goethe, F. Schiller). Wracając do artystycznych form i tradycji starożytności, Goethe i Schiller postawili sobie za zadanie stworzenie nowej literatury wysokiego stylu jako głównego środka edukacji estetycznej harmonijnej osoby.
Powstanie i rozkwit rosyjskiego klasycyzmu przypadają na lata 1730-1750 i przebiegają w dość zbliżonych warunkach do francuskich warunków formowania się państwa absolutystycznego. Jednak mimo szeregu punktów wspólnych w estetyce rosyjskiego i francuskiego klasycyzmu (racjonalizm, normatywność i regulacja gatunkowa, abstrakcyjność i konwencjonalność jako naczelne cechy obrazu artystycznego, uznanie roli oświeconego monarchy w ustanowieniu sprawiedliwego, opartego w sprawie prawa porządek publiczny), rosyjski klasycyzm ma swoje unikalne cechy narodowe.
Idee Oświecenia od samego początku karmiły rosyjski klasycyzm. Twierdzenie o naturalnej równości ludzi prowadzi pisarzy rosyjskich do idei pozaklasowej wartości osoby. Już Cantemir w swojej drugiej satyrze „Filaret i Eugeniusz” (1730) deklaruje, że „ta sama krew płynie zarówno w wolnych, jak i niewolnikach”, a ludzie „szlachetni” „wykażą jedną cnotę”. Czterdzieści lat później A. Sumarokow w satyrze „O szlachcie” będzie kontynuował: „Jaka jest różnica między panem a chłopem? Zarówno ta, jak i ta ożywiona bryła ziemi”. Fonvizinsky Starodum („Nedorosl”, 1782) określi szlachectwo osoby liczbą uczynków dokonanych za ojczyznę („bez uczynków szlacheckich stan szlachecki jest niczym”), a oświecenie osoby będzie bezpośrednio zależne od wychowanie w nim cnoty (" główny cel całej ludzkiej wiedzy - dobre obyczaje").
Widząc w edukacji „gwarancję dobrobytu państwa” (D. Fonvizin) i wierząc w użyteczność oświeconej monarchii, klasycy rosyjscy rozpoczynają długi proces edukowania autokratów, przypominając im o ich obowiązkach wobec poddanych:
Bogowie nie uczynili go królem dla jego korzyści;
On jest królem, aby człowiek był dla wszystkich ludzi nawzajem:
Musi dawać swoim ludziom cały czas,
Wszystkie troski, wszystko i zapał o ludzi...
(W. Trediakowski, „Tilemakhida”)
Jeśli król nie wypełnia swoich obowiązków, jeśli jest tyranem, musi zostać usunięty z tronu. Może się to również stać poprzez powstanie ludowe ("Dmitry the Pretender" A. Sumarokova).
Głównym materiałem dla rosyjskich klasyków nie jest starożytność, ale ich własna historia narodowa, z której woleli rysować fabuły dla wysokich gatunków. I zamiast abstrakcyjnego władcy idealnego, „filozofa na tronie”, charakterystycznego dla europejskiego klasycyzmu, pisarze rosyjscy, jako wzorowy władca, „robotnik na tronie”, uznali bardzo specyficzny osobowość historyczna- Piotr I.
Teoretyk rosyjskiego klasycyzmu Sumarokow, opierając się w Liście o poezji (1748) na Sztukę poetycką Boileau, wprowadza do swego traktatu teoretycznego szereg nowych zapisów, składa hołd nie tylko mistrzom klasycyzmu, ale także przedstawicielom innych nurtów. Stawia więc na Heliconie wraz z Malherbe i Racine, Camões, Lope de Vega, Milton, Pop, „nieoświecony” Szekspir, a także współczesnymi pisarzami – Detouche i Voltaire. Sumarokow dość szczegółowo wypowiada się o heroiczno-komicznym wierszu, a list, o którym Boileau nie wspomina, szczegółowo wyjaśnia cechy bajkowego „magazynu” na przykładzie bajek ominiętego Boileau La Fontaine i rozwodzi się nad gatunkiem pieśń, o której francuski teoretyk wspomina mimochodem. Wszystko to świadczy nie tylko o osobistych upodobaniach estetycznych Sumarokowa, ale także o zmianach dojrzewających w europejskim klasycyzmie XVIII wieku.
Zmiany te związane są przede wszystkim z rosnącym zainteresowaniem literatury życiem wewnętrznym jednostki, co ostatecznie doprowadziło do znacznej restrukturyzacji struktury gatunkowe klasycyzm. Charakterystycznym przykładem jest tu praca G. Derzhavina. Pozostając „głównie klasykiem” (V. Belinsky), Derzhavin wprowadza do swojej poezji silny element osobisty, niszcząc tym samym prawo jedności stylu. W jego poezji pojawiają się złożone formacje gatunkowe - oda-satyra („Felitsa”, 1782), wiersze anakreontyczne pisane na fabule odycznej („Wiersze na narodziny porfirowego dziecka na Północy”, 1779), elegia z cechami przesłania i ody („ O śmierci księcia Meshchersky”, 1779) itp.
Droga dla nowych trendy literackie, klasycyzm nie pozostawia bez śladu literatury. Zwrot do sentymentalizmu odbywa się w ramach „średnich” gatunków klasycystycznych – elegii, przesłań, sielanek. Poeci początku XIX wieku, K. Batyushkov i N. Gnedich, pozostając zasadniczo wiernymi ideałowi klasycznemu (częściowo także kanonowi klasycyzmu), każdy z nich poszedł własną drogą do romantyzmu. Batyushkov - od "poezji lekkiej" do elegii psychologicznej i historycznej, Gnedich - do tłumaczenia Iliady i gatunków związanych ze sztuką ludową. P. Katenin wybrał dla swojej Andromachy (1809) surowe formy klasycznej tragedii Racine'a, choć już jako romantyk interesuje się samym duchem kultury antycznej. Wysoka obywatelska tradycja klasycyzmu znalazła swoją kontynuację w kochających wolność lirykach poetów Radishcheva, dekabrystów i Puszkina.
Wstęp
muzyka klasycystyczna
Klasycyzm w muzyce różnił się od klasycyzmu w sztukach pokrewnych. Treść utworów muzycznych związana jest ze światem ludzkich uczuć, które nie podlegają ścisłej kontroli umysłu. Jednak kompozytorzy tej epoki stworzyli bardzo smukłą i system logiczny zasady budowy. W dobie klasycyzmu ukształtowały się i osiągnęły do perfekcji takie gatunki jak opera, symfonia, sonata.
Znaczenie pracy polega na rozważeniu związku dominujący kierunek w sztuce i nurtach w muzyce epoki klasycznej.
Celem pracy jest badanie klasycyzmu i jego przejawów w muzyce.
Osiągnięcie celu wiąże się z rozwiązaniem szeregu zadań:
1) scharakteryzować klasycyzm jako nurt w sztuce;
2) badanie cech klasycyzmu w muzyce.
Opierając się na ideach regularności, racjonalności porządku światowego, mistrzowie klasycyzmu dążyli do jasnych i ścisłych form, harmonijnych wzorów i ucieleśnienia wysokich ideałów moralnych. Uważali dzieła sztuki antycznej za najwyższe, niedoścignione przykłady twórczości artystycznej, dlatego opracowali antyczne wątki i obrazy.
Charakterystyka klasycyzmu jako nurtu w sztuce
Klasycyzm - kierunek artystyczny w sztuce i literaturze XVII - początku XIX wieku. Pod wieloma względami przeciwstawiał się baroku z jego pasją, zmiennością, niekonsekwencją, broniąc swoich zasad.
Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizmu, które ukształtowały się równolegle z ideami filozofii Kartezjusza. Dzieło sztuki z punktu widzenia klasycyzmu „powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, ujawniając tym samym harmonię i logikę samego wszechświata” . Zainteresowanie klasycyzmem jest tylko wieczne, niezmienne - w każdym zjawisku stara się rozpoznać tylko istotne, cechy typologiczne, odrzucając losowe pojedyncze cechy. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm czerpie wiele zasad i kanonów ze sztuki antycznej (Arystoteles, Horacy).
Klasycyzm ustanawia ścisłą hierarchię gatunków, które dzielą się na wysokie (ode, tragedia, epopeja) i niskie (komedia, satyra, bajka). Każdy gatunek ma ściśle określone cechy, których mieszanie jest niedozwolone.
Klasycyzm pojawił się we Francji. W powstawaniu i rozwoju tego stylu można wyróżnić dwa etapy. Pierwszy etap odnosi się do XVII wiek. Dla klasyków tego okresu dzieła sztuki starożytnej były niezrównanymi przykładami twórczości artystycznej, gdzie ideałem był porządek, racjonalność, harmonia. W swoich pracach poszukiwali piękna i prawdy, przejrzystości, harmonii i kompletności konstrukcji. Drugi etap, XVIII wiek. Wszedł do historii kultury europejskiej jako Wiek Oświecenia lub Wiek Rozumu. Mężczyzna przywiązany bardzo ważne wiedzy i wierzył w umiejętność wyjaśniania świata. Główny bohater to osoba gotowa na heroiczne czyny podporządkowując swoje zainteresowania ogólnym, duchowym impulsom - głosowi rozumu. to wyróżnia męstwo moralne, odwaga, prawdomówność, wierność obowiązkom. Racjonalna estetyka klasycyzmu znajduje odzwierciedlenie we wszystkich formach sztuki.
Architekturę tego okresu charakteryzuje porządek, funkcjonalność, proporcjonalność części, tendencja do balansowania i symetrii, klarowność pomysłów i konstrukcji oraz ścisła organizacja. Z tego punktu widzenia symbolem klasycyzmu jest geometryczny układ królewskiego parku w Wersalu, gdzie zgodnie z prawami symetrii ulokowano drzewa, krzewy, rzeźby i fontanny. Standardem rosyjskiej surowej klasyki był Pałac Taurydzki, zbudowany przez I. Starowa.
W malarstwie logiczne rozwinięcie fabuły, wyraźna wyważona kompozycja, wyraźny przekaz objętości, podrzędna rola koloru za pomocą światłocienia, użycie barw lokalnych (N. Poussin, C. Lorrain, J. David) nabrała głównego znaczenia.
W sztuce poetyckiej istniał podział na gatunki „wysokie” (tragedia, oda, epopeja) i „niskie” (komedia, bajka, satyra). Wybitni przedstawiciele literatury francuskiej P. Corneille, F. Racine, J.B. Moliere miał wielki wpływ na kształtowanie się klasycyzmu w innych krajach.
Ważnym momentem tego okresu było powstanie różnych akademii: nauk ścisłych, malarstwa, rzeźby, architektury, inskrypcji, muzyki i tańca.
Klasycyzm stylu artystycznego (łac. classicus Ї „wzorowy”) powstał w XVII wieku we Francji. Opierając się na ideach regularności, racjonalności porządku światowego, mistrzowie tego stylu „szukali jasnych i surowych form, harmonijnych wzorów, ucieleśnienia wysokich ideałów moralnych”. Uważali dzieła sztuki antycznej za najwyższe, niedoścignione przykłady twórczości artystycznej, dlatego opracowali antyczne wątki i obrazy. Klasycyzm pod wieloma względami przeciwstawiał się baroku z jego pasją, zmiennością, niekonsekwencją, utwierdzając swoje zasady w różne rodzaje sztuka, w tym muzyka. W XVIII-wiecznej operze klasycyzm reprezentuje twórczość Christopha Willibalda Glucka, który stworzył nową interpretację tego typu sztuki muzycznej i dramatycznej. szczyt rozwoju muzyczny klasycyzm było dziełem Josepha Haydna,
Wolfgang Amadeus Mozart i Ludwig van Beethoven, którzy pracowali głównie w Wiedniu i tworzyli reżyserię kultura muzyczna druga połowa XVIII - początek 19 wiekЇ klasycyzmu wiedeńskiego Klasycyzm w muzyce pod wieloma względami różni się od klasycyzmu w literaturze, teatrze czy malarstwie. W muzyce nie sposób oprzeć się na dawnych tradycjach – są one prawie nieznane. Ponadto treść utworów muzycznych często kojarzy się ze światem ludzkich uczuć, które nie podlegają ścisłej kontroli umysłu. Jednak kompozytorzy szkoły wiedeńskiej stworzyli bardzo harmonijny i logiczny system reguł konstruowania dzieła. Dzięki takiemu systemowi najbardziej złożone uczucia zostały ubrane w przejrzystą i doskonałą formę. Cierpienie i radość stały się dla kompozytora przedmiotem refleksji, a nie doświadczenia. A jeśli w innych rodzajach sztuki prawa klasycyzmu już na początku XIX wieku. wielu wydawał się przestarzały, wtedy w muzyce rozwinął się system gatunków, form i zasad harmonii Szkoła wiedeńska, zachowuje swoją wartość do dziś.
