W historii jazzu ten kierunek muzyczny musiał przejść wiele zmian, czasem przyjemnych, czasem trudnych i nieoczekiwanych. Niemniej jednak istnieje wielu legendarnych muzyków, zarówno w Rosji, jak i za granicą, którzy wnieśli nieoceniony wkład w pozytywny bieg historii tej muzyki. To oni stworzyli naprawdę wielkie orkiestry jazzowe.
W 1932 roku słynny rosyjski muzyk i dyrygent Aleksander Tsfasman zebrał grupę muzyczną „Moscow Guys”, która później przekształciła się w „Jazzową Orkiestrę Aleksandra Tsfasmana”. Muzycy pojawili się w popularnej i prestiżowej wówczas restauracji „Savoy”, wyruszyli w tournée po kraju, 4 lata po powstaniu uczestniczyli w stołecznych „Wieczorach jazzowych”.
Oprócz pracy jako lider odnoszącej sukcesy orkiestry, Alexander Tsfasman dawał koncerty solowe, a jak wiadomo był genialnym pianistą.
Na tej samej scenie z orkiestrą występowali tak znani muzycy jak Ivan Kozlovsky, Igor Gladkov, Mikhail Frumkin, Sergei Lemeshev, Valentin Berlinsky, Emil Geigner, Pavel i Mikhail Mikhailov, Vladimir Bunchikov, Claudia Shulzhenko, Nadieżda Kazantseva, Alexander Rivchun, Mark Bernes.
W okresie wojny zespół, wspierając wojska sowieckie, koncertował na wielu frontach. Pod względem muzycznym historycznym Tsfasman był jednym z pierwszych, którzy przynieśli rozmach w ZSRR.
Zimą 1956 roku w Sali Kolumnowej Domu Związków odbył się uroczysty koncert z okazji 50-lecia Tsfasmana, na którym orkiestra wykonała swoje najlepsze przeboje. Słynny muzyk zmarł w lutym 1971 w Moskwie. Dyrygent odcisnął wyraźny ślad w historii sowieckiej orkiestry jazzowej.
W 1934 pojawiła się legendarna orkiestra jazzowa. Muzycy, którzy byli wówczas w Szanghaju, zaczęli koncertować po kraju, a kilka lat później mistrza okrzyknięto „Jazzowym Królem Dalekiego Wschodu”.
W 1937 w orkiestrze było już 11 muzyków, a repertuar zespołu poszerzył się dzięki wykonywaniu piosenek rosyjskich w aranżacjach jazzowych.
Trudności w chińskim życiu politycznym w tym czasie skłoniły orkiestrę do przeniesienia się do Związku Radzieckiego w 1947 roku. Okres powojenny przyniósł muzykom wielki sukces. W 1955 roku Oleg Lundstrem i jego orkiestra nagrywali płyty, występowali w radiu i stawali się coraz bardziej sławni. W swojej długiej karierze orkiestra wykonała ponad 10 000 koncertów w ZSRR i dzisiejszej Rosji. W 1989 roku Lundstrem zaprosił Aleksandra Bryksina na stanowisko dyrektora orkiestry.
W 2005 roku zmarł wielki dyrygent Lundstrem. Od 2007 roku w orkiestrze pojawił się nowy dyrektor artystyczny - Boris Michajłowicz Frumkin, programy koncertów zostały zaktualizowane. Teraz orkiestra nadal z powodzeniem występuje w stolicy i zwiedza miasta Rosji.
W 1971 roku słynny muzyk Anatolij Kroll zebrał big band, który stał się jednym z najbardziej udanych w ZSRR. Orkiestra koncertowała w Europie, współpracowała z Jurijem Antonowem, Larisą Doliną, Jewgienijem Martynowem, Leonidem Serebrennikowem. Anatolij Kroll rozwiązał zespół w 1991 roku i przeniósł się do teatru Związku Pracowników Teatru Federacji Rosyjskiej. Kroll rozpoczął również współpracę jako kompozytor z Big Bandem ISS (nazwanym od Międzynarodowego Związku Handlowego). Zespół zdobył liczne pochwały krytyków i wielką miłość rosyjskich słuchaczy. Muzycy dużo podróżowali z koncertami za granicą, m.in. we Francji, Szwajcarii.
Do dziś liderem orkiestry pozostaje wielki dyrygent Anatolij Kroll.
Jedna z najwybitniejszych orkiestr jazzowych legendarnego trębacza pojawiła się w 1937 roku. Początkowo big band powstał w latach 1935-1936, muzycy podpisali kontrakt ze studiem nagraniowym Brunswick Records, ale sytuacja finansowa zespołu była nadal trudna. W 1938 był utworzyli nowy skład orkiestry, a Orkiestra Glenna Millera zaczęła się dynamicznie rozwijać i zdobywać popularność. Dzięki zwiększonym wymaganiom Millera co do profesjonalizmu i ciężkiej pracy, stworzył własny styl, inny od innych.
4 kwietnia 1939 roku Miller i jego orkiestra nagrali Moonlight Serenade. A kompozycja Tuxedo Junction, nagrana 5 lutego 1940 r., w pierwszym tygodniu sprzedała się w nakładzie 115 000 egzemplarzy i umieściła orkiestrę na 7 miejscu krajowej parady przebojów w tym samym roku.
W październiku 1942 r. ze względu na sytuację polityczną Glenn Miller wyjechał do wojska. Powołanie na stanowisko kapitana zainspirowało go do przekonania władz wojskowych do modernizacji orkiestry wojskowej i docelowo poprawy morale pracowników. Cel Millera został osiągnięty – orkiestra odniosła sukces! Pod koniec 1943 muzycy wyjechali w tournée do Anglii.
Jesienią 1944 roku orkiestra miała wyruszyć w tournée po Europie. Miller zdecydował się przybyć do Paryża wcześniej, aby lepiej przygotować się do występu, ale zdarzył się wypadek - Glenn Miller wsiadł do samolotu transportowego do Paryża i zginął w katastrofie. Mimo to orkiestra wielkiego instrumentalisty nadal istnieje iz powodzeniem koncertuje po całym świecie.
Orkiestra Ellington została zmontowana przez jej lidera w 1923 roku. Po 4 latach muzycy stali już na scenie słynnego klubu w Harlemie. Dzięki częstym audycjom radiowym koncertów z tego klubu, Ellington i jego muzycy stali się popularni. W 1931 roku Orkiestra Duke'a Ellingtona wyruszyła w swoje pierwsze tournée. Wykonywany od dziesięcioleci standard jazzowy Mood Indigo odniósł ogromny sukces.
Wydawało się, że na krótko przed początkiem ery muzyki swingowej przewidział swój wygląd. Kompozycje z 1933 Wyrafinowana Dama i Burzowa Pogoda stały się „wizytówkami” orkiestry.
Częste tournee po Europie i Ameryce przyniosły muzykom wielki i zasłużony sukces. Podstawą wykonywanej muzyki są kompozycje Ellingtona. W 1971 roku legendarna orkiestra odwiedziła ZSRR, tam też odnosząc triumf. Instrumentaliści, na czele ze swoim stałym liderem, nadal przygotowywali nowe programy koncertowe i nagrywali popularne hity, występowali w filmach, nagrywali ścieżki dźwiękowe do filmów i odbierali nagrody muzyczne. Do ostatnich dni życia Duke prowadził działalność koncertową. Muzyka wielkiego kompozytora na zawsze pozostała w sercach milionów fanów na całym świecie i inspirowała wielu kolejnych jazzmanów.
Klarnecista od wczesnego dzieciństwa był bezinteresownie oddany jazzowi i nic dziwnego, że stworzenie odnoszącej sukcesy orkiestry było jednym z jego głównych aspiracji. Wczesnym latem 1934 odbył się pierwszy występ jego Goodman Big Band. Miesiąc później jego kompozycja Moon Glow zdobyła pierwsze miejsce na amerykańskich listach przebojów. Orkiestra była często zapraszana do radia, dzięki czemu zauważalnie zwiększyła swoją popularność i ponad 10 razy zajęła pierwsze miejsca na listach jazzowych w kraju. Muzycy zdobywali dużą popularność, a wytwórnia płytowa Wiktor RCA, gdzie powstał w 1917 roku, zaoferował im lukratywny kontrakt. W trudnym okresie Wielkiego Kryzysu w USA orkiestra nie zaprzestała koncertowania, nawet biorąc pod uwagę trudną sytuację materialną artystów.
Koncert 21 sierpnia 1935 w instytucji Palomar stał się kluczowy dla twórczości Goodmana. Po występie tam jego orkiestra i sam muzyk stali się prawdziwymi gwiazdami jazzu, a zwłaszcza swingu. W grudniu 1949 Benny Goodman rozwiązał swoją legendarną orkiestrę. Dalsze działania klarnecisty polegały głównie na tworzeniu tymczasowych zespołów do tras koncertowych i nagrań. Najczęściej klarnecista gromadził grupy po 4 lub 6 muzyków, ale zdarzały się też big bandy. Muzykę Benny'ego Goodmana można określić jako wyrafinowaną, z niepowtarzalnym smakiem i oczywiście wyjątkową prezentacją jego instrumentalistów.
Jedna z najbardziej znaczących postaci swingu, Count Basie znany jest również jako lider wybitnego big bandu, który zasłużenie dopełnia wielkie orkiestry jazzowe. Orkiestra Count Basie składała się z muzyków, którzy opuścili Kansas City Orchestra Benniego Motena w 1935 roku. Przez 1 rok zespół składający się z 9 osób rozrósł się do dużej orkiestry. Liczne stacje radiowe zaczęły ich zapraszać, a sam Basie zyskał przydomek „Count” (Count). Główna różnica między Count Basie Orchestra a innymi big bandami polegała na tym, że opierała się na najwyższej randze solistów, co pozwalało na wykonywanie niespotykanych dotąd improwizacji. Sekcja rytmiczna Orkiestry Kant Basie uznawana jest za najlepszą w jazzie. Joe Johnson był za perkusją, Buddy Rich grał przez jakiś czas w orkiestrze, na saksofonie -. Z orkiestrą wystąpiły pierwsze osoby jazzu - i.
W latach 40. orkiestra popadła w ciężkie chwile, podobnie jak wiele innych big-bandów. Basie od 2 lat rozwiązuje zespół i bawi się sekstetem. Przy pierwszej okazji orkiestra zbiera się i rusza w długą trasę koncertową, co zapewnia zespołowi prawo do miana orkiestry nr 1 w rozkwicie.
Po śmierci hrabiego Basiego orkiestra nie przestała istnieć. W Rosji big band wystąpił w 1985 roku.
W 1935 roku puzonista jazzowy i trębacz Tommy Dorsey stworzył własny big band. Zespół wykonywał tzw. „jazz skomercjalizowany”, czyli pop jazz. Popularność zespołu przyniosła praca z wybitnymi aranżerami Poll Weston i Bill Feingan. Orkiestra współpracowała z Bunny Berigan, Davem Tufem, Zespół pod względem umiejętności był gorszy od zespołu Benny'ego Goodmana, ale okazał się bardziej żywotny. Orkiestra odpowiednio przetrwała kryzys swingu i big bandów pod koniec lat 40-tych. Orkiestra miała silną „laska”: Tommy został oskarżony o zwabienie do siebie najlepszych muzyków. Naukowcy przekonują, że Dorsey był perfekcjonistą i człowiekiem nastroju, co tłumaczy częste zmiany w składzie zespołu.
W 1940 roku Tommy Dorsey sprowadził początkującego wokalistę. Przez 2 lata zespół i Sinatra nagrali 80 piosenek, w tym hity In The Blue of Evening i This Love of Mine.
Tommy Dorsey był jednym z pierwszych, którzy dostosowali boogie-woogie do orkiestry, wykonując aranżacje swingowe. Jest także jednym z pierwszych białych liderów zespołów jazzowych, dla których improwizacja solowa jest obowiązkowa. zachęcał wokalistów do używania scat i "nonsensownych piosenek", aby zabawiać publiczność. Po śmierci Tommy'ego w 1956 roku zespołem kierował jego brat, a następnie Lee Castle i Warren Covington.
Wybitny perkusista Chick Webb zebrał pierwszy zespół w Harlemie w 1926 roku. Wiadomo, że w 1931 roku zespół stał się stałym rezydentem słynnego klubu Savoy. Brak umiejętności muzycznych, wzrost 130 cm nie przeszkodził Chikowi w zostaniu genialnym profesjonalistą i liderem jednej z najlepszych orkiestr na świecie.
Znaczące wydarzenie miało miejsce w 1937 roku, kiedy zespół Chicka Webba rywalizował z orkiestrą. Publiczność niemal jednogłośnie przyznała mistrzostwo mniej znanemu Chickowi. Według perkusisty Goodmana, Gene'a Krupy, Cheek zaatakował publiczność.
Oczywiście orkiestra swoją sławę zawdzięcza nie tylko wybitnej sekcji rytmicznej. W 1935 roku młoda kobieta została solistką orkiestry, która prowadziła zespół po rychłej śmierci Chicka.
Moskiewska Orkiestra Jazzowa Igora Butmana Jedną z najpopularniejszych rosyjskich orkiestr naszych czasów stworzył saksofonista. W 1999 roku założył big band, który w 2012 roku otrzymał prawo do miana Moskiewskiej Orkiestry Jazzowej.
W 2003 roku odbyło się głośne wydarzenie w świecie jazzu i przełomowe wydarzenie dla big bandu Igora Butmana. Moscow Jazz Orchestra dała wspólny koncert z Lincoln Center Jazz Orchestra pod batutą legendarnego.
W 2013 roku amerykański magazyn Downbeat nazwał orkiestrę „konstelacją wirtuozów”, a w relacji z Umbria Jazz Festival zespół porównywano do orkiestry Buddy Richa, Counta Basiego i zespołu.
W tym samym roku ukazał się album Moscow Jazz Orchestra Special Opinion. W nagraniu wzięli udział saksofonista Bill Evans, perkusista Dave Weckl, gitarzyści Mike Stern i Mitch Stein, trębacz Randy Brekker i basista Tom Kennedy.
W 2017 roku Moscow Jazz Orchestra wystąpiła na pierwszym festiwalu jazzowym w Petersburgu wraz z wokalistą.
Czym jest jazz, historia jazzu
Co to jest jazz? Te ekscytujące rytmy, przyjemna muzyka na żywo, która nieustannie ewoluuje i porusza. Z tym kierunkiem chyba nie można porównać żadnego innego i nie można go pomylić z żadnym innym gatunkiem, nawet dla początkującego. Co więcej, jest tu paradoks, łatwo go usłyszeć i rozpoznać, ale nie tak łatwo opisać go słowami, bo jazz nieustannie ewoluuje, a używane dziś koncepcje i cechy stają się przestarzałe za rok lub dwa.
Jazz - co to jest
Jazz to kierunek w muzyce, który powstał na początku XX wieku. Ściśle splata afrykańskie rytmy, rytualne śpiewy, pieśni pracy i świeckie, amerykańską muzykę minionych wieków. Innymi słowy, jest to gatunek na wpół improwizowany, który powstał z połączenia muzyki zachodnioeuropejskiej i zachodnioafrykańskiej.
Skąd wziął się jazz?
Powszechnie przyjmuje się, że pojawił się z Afryki, o czym świadczą złożone rytmy. Do tego jeszcze taniec, wszelkiego rodzaju deptanie, klaskanie i tu jest ragtime. Czyste rytmy tego gatunku w połączeniu z bluesowymi melodiami dały początek nowemu kierunkowi, który nazywamy jazzem. Jeśli zastanawiasz się, skąd wzięła się ta nowa muzyka, każde źródło podpowie, że pochodziła z pieśni czarnych niewolników, sprowadzonych do Ameryki na początku XVII wieku. Tylko w muzyce znaleźli ukojenie.
Początkowo były to motywy czysto afrykańskie, ale po kilkudziesięciu latach zaczęły mieć charakter bardziej improwizacyjny i obrastać nowymi melodiami amerykańskimi, głównie melodiami religijnymi - spirituals. Później doszły do tego piosenki skargowe - bluesowe i małe orkiestry dęte. I tak powstał nowy kierunek – jazz.
Jakie są cechy muzyki jazzowej
Pierwszą i najważniejszą cechą jest improwizacja. Muzycy muszą umieć improwizować zarówno w orkiestrze, jak i solo. Kolejną nie mniej istotną cechą jest polirytm. Swoboda rytmiczna jest chyba najważniejszą cechą muzyki jazzowej. To właśnie ta wolność sprawia, że muzycy czują się lekko i nieustannie posuwają się do przodu. Pamiętasz jakąkolwiek kompozycję jazzową? Wydaje się, że wykonawcy bez trudu grają cudowną i przyjemną dla ucha melodię, nie ma tu sztywnych ramek, jak w muzyce klasycznej, tylko niesamowita lekkość i odprężenie. Oczywiście utwory jazzowe, podobnie jak klasyczne, mają swój rytm, metrum i tak dalej, ale dzięki specjalnemu rytmowi zwanemu swingiem (z angielskiego swing) jest takie poczucie wolności. Co jeszcze jest ważne dla tego kierunku? Z pewnością trochę lub inaczej zwykła fala.
Rozwój jazzu
Pochodzący z Nowego Orleanu jazz szybko się rozprzestrzenia, stając się coraz bardziej popularny. Grupy amatorskie, składające się głównie z Afrykanów i Kreolów, zaczynają występować nie tylko w restauracjach, ale także zwiedzać inne miasta. Tak więc na północy kraju powstaje kolejne centrum jazzu - Chicago, gdzie nocne występy grup muzycznych są szczególnie pożądane. Wykonywane kompozycje komplikują aranżacje. Wśród wykonawców tego okresu wyróżnia się Louis Armstrong który przeniósł się do Chicago z miasta, w którym powstał jazz. Później style tych miast połączono w Dixieland, który charakteryzowała kolektywna improwizacja.
Masowe szaleństwo jazzu w latach 30. i 40. doprowadziło do zapotrzebowania na większe orkiestry, które mogłyby grać różnorodne melodie taneczne. Dzięki temu pojawił się swing, który jest pewnym odchyleniem od rytmicznego schematu. Stał się głównym nurtem tamtych czasów i zepchnął kolektywną improwizację na dalszy plan. Swingowe zespoły stały się znane jako big bandy.
Oczywiście takie odejście swingu od cech tkwiących we wczesnym jazzie, od narodowych melodii, wywołało niezadowolenie wśród prawdziwych koneserów muzyki. Dlatego big bandom i wykonawcom swingowym zaczyna przeciwstawiać się gra małych zespołów, w skład których wchodzą muzycy czarni. W ten sposób w latach 40. pojawił się nowy styl bebopu, który wyraźnie wyróżniał się na tle innych dziedzin muzyki. Charakteryzował się niesamowicie szybkimi melodiami, długą improwizacją i najbardziej złożonymi schematami rytmicznymi. Wśród wykonawców tego czasu wyróżniają się postacie Charliego Parkera i Dizzy Gillespie.
Od 1950 roku jazz rozwijał się w dwóch różnych kierunkach. Z jednej strony zwolennicy klasyki powrócili do muzyki akademickiej, odsuwając na bok bebop. Powstały chłodny jazz stał się bardziej powściągliwy i suchy. Z drugiej strony druga linia nadal rozwijała bebop. Na tym tle powstał hard bop, powracający tradycyjnymi ludowymi intonacjami, wyraźnym schematem rytmicznym i improwizacją. Styl ten rozwinął się w połączeniu z takimi dziedzinami jak soul jazz i jazz funk. Najbardziej zbliżyli muzykę do bluesa.
Darmowa muzyka
W latach 60. przeprowadzono różne eksperymenty i poszukiwanie nowych form. W efekcie pojawiają się jazz-rock i jazz-pop, łączące dwa różne kierunki, a także free jazz, w którym wykonawcy całkowicie rezygnują z regulacji rytmu i tonu. Wśród muzyków tego czasu zasłynęli Ornette Coleman, Wayne Shorter, Pat Metheny.
sowiecki jazz
Początkowo radzieckie orkiestry jazzowe wykonywały głównie modne tańce, takie jak fokstrot, Charleston. W latach 30. coraz większą popularność zaczyna zdobywać nowy kierunek. Mimo niejednoznacznego stosunku władz sowieckich do muzyki jazzowej nie została ona zakazana, ale jednocześnie była ostro krytykowana jako należąca do kultury zachodniej. Pod koniec lat 40. zespoły jazzowe były całkowicie prześladowane. W latach 50. i 60. wznowiono działalność orkiestr Olega Lundstrema i Eddiego Rosnera, a coraz więcej muzyków zaczęło interesować się nowym kierunkiem.
Nawet dzisiaj jazz stale i dynamicznie się rozwija, jest wiele kierunków i stylów. Ta muzyka nadal pochłania dźwięki i melodie ze wszystkich zakątków naszej planety, nasycając ją coraz większą ilością kolorów, rytmów i melodii.
Jazz to wyjątkowe zjawisko w światowej kulturze muzycznej. Ta wieloaspektowa forma sztuki powstała na przełomie wieków (XIX i XX) w Stanach Zjednoczonych. Muzyka jazzowa stała się dziełem kultur Europy i Afryki, swoistą fuzją trendów i form z dwóch regionów świata. Następnie jazz wyszedł poza Stany Zjednoczone i stał się popularny niemal wszędzie. Muzyka ta opiera się na afrykańskich pieśniach ludowych, rytmach i stylach. W historii rozwoju tego kierunku jazzu znanych jest wiele form i typów, które pojawiły się wraz z opanowaniem nowych modeli rytmów i harmonii.
Charakterystyka Jazzu
Synteza dwóch kultur muzycznych sprawiła, że jazz stał się radykalnie nowym zjawiskiem w sztuce światowej. Specyficzne cechy tej nowej muzyki to:
- Rytmy synkopowane, które generują polirytmy.
- Pulsacja rytmiczna muzyki – beat.
- Zespół odchylenia rytmu - huśtawka.
- Ciągła improwizacja w kompozycjach.
- Bogactwo harmonii, rytmów i barw.
Podstawą jazzu, zwłaszcza we wczesnych fazach rozwoju, była improwizacja połączona z przemyślaną formą (przy czym forma kompozycji niekoniecznie była gdzieś ustalona). A od muzyki afrykańskiej ten nowy styl przyjął następujące cechy charakterystyczne:
- Rozumienie każdego instrumentu jako perkusji.
- Popularne potoczne intonacje w wykonywaniu utworów.
- Podobna imitacja rozmowy podczas gry na instrumentach.
Ogólnie rzecz biorąc, wszystkie obszary jazzu wyróżniają się własnymi cechami lokalnymi, dlatego logiczne jest rozpatrywanie ich w kontekście rozwoju historycznego.
Pojawienie się jazzu, ragtime (1880-1910)
Uważa się, że jazz powstał wśród czarnych niewolników sprowadzonych z Afryki do Stanów Zjednoczonych w XVIII wieku. Ponieważ schwytani Afrykanie nie byli reprezentowani przez jedno plemię, musieli znaleźć wspólny język ze swoimi krewnymi w Nowym Świecie. Ta konsolidacja doprowadziła do powstania w Ameryce zjednoczonej kultury afrykańskiej, która obejmowała również kulturę muzyczną. Dopiero w latach 80. i 90. XIX wieku pojawiła się pierwsza muzyka jazzowa. Ten styl był napędzany światowym popytem na popularną muzykę taneczną. Ponieważ afrykańska sztuka muzyczna obfitowała w takie rytmiczne tańce, na jej podstawie narodził się nowy kierunek. Tysiące mieszczańskich Amerykanów, którzy nie mieli okazji opanować arystokratycznych tańców klasycznych, zaczęło tańczyć do fortepianu w stylu ragtime. Ragtime wniósł do muzyki kilka przyszłych baz jazzowych. Tak więc główny przedstawiciel tego stylu, Scott Joplin, jest autorem elementu „3 na 4” (dźwięki krzyżowe wzorów rytmicznych odpowiednio z 3 i 4 jednostkami).
Nowy Orlean (1910-1920)
Jazz klasyczny pojawił się na początku XX wieku w południowych stanach Ameryki, a konkretnie w Nowym Orleanie (co jest logiczne, bo handel niewolnikami był szeroko rozpowszechniony na południu).
Grały tu orkiestry afrykańskie i kreolskie, tworząc swoją muzykę pod wpływem ragtime'u, bluesa i piosenek czarnych robotników. Po pojawieniu się w mieście wielu instrumentów muzycznych z zespołów wojskowych zaczęły pojawiać się również grupy amatorskie. Legendarny muzyk z Nowego Orleanu i założyciel własnej orkiestry, King Oliver, był także samoukiem. Ważną datą w historii jazzu był 26 lutego 1917, kiedy Original Dixieland Jazz Band wydał swoją pierwszą własną płytę gramofonową. Główne cechy stylu ułożono także w Nowym Orleanie: rytm instrumentów perkusyjnych, mistrzowskie solo, wokalna improwizacja z sylabami – scat.
Chicago (1910-1920)
W latach dwudziestych, nazywanych przez klasyków „ryczącymi latami dwudziestymi”, jazz stopniowo wkracza do kultury masowej, tracąc tytuły „wstydliwe” i „nieprzyzwoite”. Orkiestry zaczynają występować w restauracjach, przenoszą się z południowych stanów do innych części Stanów Zjednoczonych. Chicago staje się centrum jazzu na północy kraju, gdzie popularność zyskują darmowe wieczorne występy muzyków (podczas takich występów często pojawiały się improwizacje i soliści z zewnątrz). Bardziej złożone aranżacje pojawiają się w stylu muzycznym. Ikoną jazzu tego czasu był Louis Armstrong, który przeniósł się do Chicago z Nowego Orleanu. Następnie style obu miast zaczęto łączyć w jeden gatunek muzyki jazzowej - Dixieland. Główną cechą tego stylu była zbiorowa improwizacja masowa, która podniosła główną ideę jazzu do absolutu.
Swing i big bandy (1930-1940)
Dalszy wzrost popularności jazzu stworzył zapotrzebowanie na duże orkiestry grające taneczne melodie. Tak powstał swing, reprezentujący charakterystyczne odchylenia od rytmu w obie strony. Swing stał się głównym kierunkiem stylistycznym tamtych czasów, przejawiającym się w pracy orkiestr. Wykonanie smukłych kompozycji tanecznych wymagało bardziej skoordynowanej gry orkiestry. Muzycy jazzowi musieli uczestniczyć równo, bez większej improwizacji (poza solistą), więc kolektywna improwizacja Dixieland to już przeszłość. W latach 30. nastąpił rozkwit takich grup, które nazywano big bandami. Cechą charakterystyczną ówczesnych orkiestr jest konkurs zespołów instrumentów, sekcji. Tradycyjnie było ich trzy: saksofony, trąbki, bębny. Najbardziej znani muzycy jazzowi i ich orkiestry to Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. Ten ostatni muzyk słynie z zaangażowania w murzyński folklor.
Bebop (lata 40.)
Odejście Swinga od tradycji wczesnego jazzu, aw szczególności klasycznych afrykańskich melodii i stylów, wywołało niezadowolenie miłośników historii. Big bandom i swingersom, którzy coraz częściej pracowali dla publiczności, przeciwstawiała się jazzowa muzyka małych składów czarnych muzyków. Eksperymentatorzy wprowadzili ultraszybkie melodie, przywrócili długą improwizację, skomplikowane rytmy i mistrzostwo gry na instrumencie solo. Nowy styl, pozycjonujący się jako ekskluzywny, zaczęto nazywać bebop. Ikonami tego okresu stali się oburzający muzycy jazzowi, tacy jak Charlie Parker i Dizzy Gillespie. Kluczowym punktem stał się bunt czarnych Amerykanów przeciwko komercjalizacji jazzu, chęć powrotu do tej muzyki intymności i wyjątkowości. Od tego momentu i od tego stylu zaczyna się historia nowoczesnego jazzu. W tym samym czasie do małych orkiestr przychodzą liderzy big bandów, chcąc odpocząć od dużych sal. W zespołach zwanych combo muzycy ci trzymali się stylu swingowego, ale mieli swobodę improwizacji.
Cool jazz, hard bop, soul jazz i jazz funk (1940-1960)
W latach pięćdziesiątych taki gatunek muzyki jak jazz zaczął się rozwijać w dwóch przeciwnych kierunkach. Zwolennicy muzyki klasycznej „ochłodzili” bebop, przywracając do mody muzykę akademicką, polifonię i aranżację. Cool jazz stał się znany ze swojej powściągliwości, suchości i melancholii. Głównymi przedstawicielami tego nurtu jazzu byli: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Wręcz przeciwnie, drugi kierunek zaczął rozwijać idee bebopu. Styl hard bop głosił ideę powrotu do początków czarnej muzyki. Do mody powróciły tradycyjne, folklorystyczne melodie, jasne i agresywne rytmy, wybuchowe solówki i improwizacja. W stylu hard bopu znani są: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Styl ten rozwijał się organicznie wraz z soul jazzem i jazzowym funkem. Te style zbliżały się do bluesa, czyniąc rytmikę kluczowym aspektem ich wykonania. W szczególności jazz funk został wprowadzony przez Richarda Holmesa i Shirley Scott.
Jazz to muzyka pełna pasji i pomysłowości, muzyka, która nie zna granic i granic. Stworzenie takiej listy jest niezwykle trudne. Ta lista została spisana, przepisana, a następnie przepisana ponownie. Dziesięć to zbyt ograniczająca liczba dla gatunku muzycznego, takiego jak jazz. Jednak niezależnie od ilości ta muzyka potrafi tchnąć życiem i energią, wybudzić się z hibernacji. Co może być lepszego niż odważny, niestrudzony, rozgrzewający jazz!
1. Louis Armstrong
1901 - 1971
Trębacz Louis Armstrong jest szanowany za swój żywy styl, pomysłowość, wirtuozerię, ekspresję muzyczną i dynamiczny spektakl. Znany ze swojego chrapliwego głosu i ponad pięćdziesięcioletniej kariery. Wpływ Armstronga na muzykę jest nieoceniony. Generalnie Louis Armstrong jest uważany za największego muzyka jazzowego wszechczasów.
Louis Armstrong z Velmą Middleton i His All Stars – Saint Louis Blues
2. Książę Ellington
1899 - 1974
Duke Ellington to pianista i kompozytor, od prawie 50 lat lider zespołu jazzowego. Ellington wykorzystywał swój zespół jako muzyczne laboratorium do swoich eksperymentów, w których demonstrował talenty członków zespołu, z których wielu pozostało z nim przez długi czas. Ellington jest niezwykle utalentowanym i płodnym muzykiem. W ciągu swojej pięćdziesięcioletniej kariery napisał tysiące kompozycji, w tym muzykę filmową i muzyczną, a także wiele znanych standardów, takich jak „Cotton Tail” i „It Don't Mean a Thing”.
Duke Ellington i John Coltrane
3. Miles Davis
1926 - 1991
Miles Davis to jeden z najbardziej wpływowych muzyków XX wieku. Wraz ze swoimi zespołami Davis jest centralną postacią w muzyce jazzowej od połowy lat 40., w tym be-bop, cool jazz, hard bop, modal jazz i jazz fusion. Davis niestrudzenie przesuwał granice artystycznej ekspresji, dzięki czemu zyskał reputację jednego z najbardziej innowacyjnych i szanowanych artystów w historii muzyki.
Kwintet Milesa Davisa
4. Charlie Parker
1920 - 1955
Saksofonista wirtuoz Charlie Parker był wpływowym solistą jazzowym i wiodącą postacią w rozwoju be-bopu, odmiany jazzu charakteryzującej się szybkimi tempami, wirtuozerską techniką i improwizacją. W swoich skomplikowanych liniach melodycznych Parker łączy jazz z innymi gatunkami muzycznymi, w tym bluesem, muzyką latynoską i klasyczną. Parker był ikoną subkultury Beat, ale przekroczył swoje pokolenie i stał się uosobieniem bezkompromisowego, intelektualnego muzyka.
Charliego Parkera
5. Nat King Cole
1919 - 1965
Znany ze swojego jedwabistego barytonu, Nat King Cole wniósł emocjonalność jazzu do popularnej muzyki amerykańskiej. Cole był jednym z pierwszych Afroamerykanów, który prowadził program telewizyjny, w którym wzięli udział artyści jazzowi, tacy jak Ella Fitzgerald i Eartha Kitt. Fenomenalny pianista i wybitny improwizator, Cole był jednym z pierwszych artystów jazzowych, który stał się ikoną popu.
Nat King Cole
6. John Coltrane
1926 - 1967
Mimo stosunkowo krótkiej kariery (pierwszy akompaniował w wieku 29 lat w 1955, formalnie rozpoczął karierę solową w wieku 33 lat w 1960 i zmarł w wieku 40 lat w 1967), saksofonista John Coltrane jest najważniejszą i najbardziej kontrowersyjną postacią w jazzie. . Mimo krótkiej kariery, dzięki swojej sławie, Coltrane miał okazję do wielu nagrań, a wiele jego nagrań ukazało się pośmiertnie. Coltrane radykalnie zmienił swój styl w trakcie swojej kariery, ale nadal pozostaje kultowym naśladownictwem zarówno swojego wczesnego, tradycyjnego brzmienia, jak i bardziej eksperymentalnego brzmienia. I nikt, niemal z religijnym zaangażowaniem, nie wątpi w jego znaczenie w historii muzyki.
John Coltrane
7 Thelonious Mnich
1917 - 1982
Thelonious Monk to muzyk o wyjątkowym stylu improwizacji, drugi po Duke'u Ellingtonie najbardziej rozpoznawalny wykonawca jazzowy. Jego styl charakteryzowały energiczne, perkusyjne linie przeplatane ostrymi, dramatycznymi milczeniami. Podczas swoich występów, podczas gdy reszta muzyków grała, Thelonious wstał z klawiatury i tańczył przez kilka minut. Po stworzeniu klasycznych kompozycji jazzowych „Round Midnight”, „Straight, No Chaser” Monk zakończył swoje dni we względnym zapomnieniu, ale jego wpływ na współczesny jazz jest widoczny do dziś.
Thelonious Monk – Okrągła północ
8. Oskar Peterson
1925 - 2007
Oscar Peterson to innowacyjny muzyk, który wykonał wszystko, od klasycznej ody Bacha po jeden z pierwszych baletów jazzowych. Peterson otworzył jedną z pierwszych szkół jazzowych w Kanadzie. Jego „Hymn do wolności” stał się hymnem ruchu na rzecz praw obywatelskich. Oscar Peterson był jednym z najbardziej utalentowanych i najważniejszych pianistów jazzowych swojego pokolenia.
Oscar Peterson – C Jam Blues
9. Wakacje Billie
1915 - 1959
Billie Holiday to jedna z najważniejszych postaci jazzu, choć nigdy nie napisała własnej muzyki. Holiday przekształciła „Embraceable You”, „I'll Be Seeing You” i „I Cover the Waterfront” w słynne standardy jazzowe, a jej wykonanie „Strange Fruit” uważane jest za jedno z najlepszych w historii amerykańskiej muzyki. Choć jej życie było pełne tragedii, improwizatorski geniusz Holiday, w połączeniu z jej delikatnym, nieco chrapliwym głosem, zademonstrował niespotykaną głębię emocji, której nie mają inni wokaliści jazzowi.
Wakacje Billie
10. Zawroty głowy Gillespie
1917 - 1993
Trębacz Dizzy Gillespie to innowator bebopu i mistrz improwizacji, a także pionier afro-kubańskiego i latynoskiego jazzu. Gillespie współpracował z różnymi muzykami z Ameryki Południowej i Karaibów. Z głęboką pasją traktował tradycyjną muzykę krajów afrykańskich. Wszystko to pozwoliło mu wnieść bezprecedensowe innowacje do współczesnych interpretacji jazzowych. Przez całą swoją długą karierę Gillespie niestrudzenie koncertował i urzekał publiczność swoim beretem, okularami w rogowej oprawie, opuchniętymi policzkami, beztroską i niesamowitą muzyką.
Dizzy Gillespie wyczyn. Charliego Parkera
11. Dave Brubeck
1920 – 2012
Dave Brubeck jest kompozytorem i pianistą, promotorem jazzu, działaczem na rzecz praw obywatelskich i badaczem muzyki. Artysta obrazoburczy rozpoznawalny z jednego akordu, niespokojny kompozytor, który przesuwa granice gatunku i buduje pomost między przeszłością a przyszłością muzyki. Brubeck współpracował z Louisem Armstrongiem i wieloma innymi znanymi muzykami jazzowymi, a także wywarł wpływ na awangardowego pianistę Cecila Taylora i saksofonistę Anthony'ego Braxtona.
Dave Brubeck
12. Benny Goodman
1909 – 1986
Benny Goodman to muzyk jazzowy, lepiej znany jako „King of Swing”. Stał się popularyzatorem jazzu wśród białej młodzieży. Jego pojawienie się oznaczało początek ery. Goodman był osobą kontrowersyjną. Nieustannie dążył do perfekcji, co znalazło odzwierciedlenie w jego podejściu do muzyki. Goodman był nie tylko wirtuozem – był kreatywnym klarnecistą i innowatorem ery pre-bebopowego jazzu.
Benny Goodman
13. Charles Mingus
1922 – 1979
Charles Mingus to wpływowy kontrabasista jazzowy, kompozytor i lider zespołu jazzowego. Muzyka Mingus to mieszanka gorącego i uduchowionego hard bopu, gospel, muzyki klasycznej i free jazzu. Jego ambitna muzyka i niesamowity temperament przyniosły Mingusowi przydomek „zły człowiek jazzu”. Gdyby był tylko graczem smyczkowym, niewiele osób znałoby dziś jego nazwisko. Był najprawdopodobniej największym kontrabasistą wszechczasów, tym, który zawsze trzymał palce na pulsie zaciekłej, ekspresyjnej mocy jazzu.
Charles Mingus
14. Herbie Hancock
1940 –
Herbie Hancock zawsze będzie jednym z najbardziej szanowanych i kontrowersyjnych muzyków jazzowych – podobnie jak jego pracodawca/mentor Miles Davis. W przeciwieństwie do Davisa, który stale posuwał się naprzód i nigdy nie oglądał się za siebie, Hancock porusza się zygzakiem między niemal elektronicznym i akustycznym jazzem, a nawet r „n” b. Pomimo jego elektronicznych eksperymentów, miłość Hancocka do fortepianu nie osłabła, a jego styl gry na fortepianie ewoluuje w coraz bardziej rygorystyczne i złożone formy.
Herbie Hancock
15. Wynton Marsalis
1961 –
Najsłynniejszy muzyk jazzowy od 1980 roku. Na początku lat 80. Wynton Marsalis stał się objawieniem, ponieważ młody i bardzo utalentowany muzyk postanowił zarabiać na życie grając akustyczny jazz, a nie funk czy R'n'B. Od lat 70. brakuje nowych trębaczy w jazzie, ale niespodziewana sława Marsalisa zainspirowała nowe zainteresowanie muzyką jazzową.
Wynton Marsalis - Rustiques (E. Bozza)
Jak rozwijał się gatunek muzyczny na przełomie XIX i XX wieku? w wyniku syntezy elementów dwóch kultur muzycznych - europejskiej i afrykańskiej. Z elementów afrykańskich można zauważyć polirytmę, powtarzanie motywu głównego, wyrazistość wokalną, improwizację, która przeniknęła do jazzu wraz z powszechnymi formami murzyńskiego folkloru muzycznego - tańcami rytualnymi, pieśniami roboczymi, spirytualizmem i bluesem.
Słowo jazz, początkowo "zespół jazzowy", zaczęto stosować w połowie I dekady XX wieku. w stanach południowych nawiązywać do muzyki tworzonej przez małe zespoły nowoorleańskie (składające się z trąbki, klarnetu, puzonu, banjo, tuby lub kontrabasu, perkusji i fortepianu) w procesie kolektywnej improwizacji na tematy bluesowe, ragtime i popularne europejskie piosenki i tańce.
Aby się zapoznać, możesz słuchać i Cesaria Evora, i, i wiele innych.
Więc co jest Acid Jazz? Jest to funky styl muzyczny z wbudowanymi elementami jazzu, funku lat 70., hip-hopu, soulu i innych stylów. Może być samplowany, może być „na żywo” i może być mieszanką dwóch ostatnich.
Przeważnie, Acid Jazz skupia się na muzyce, a nie na tekście/słowach. To jest muzyka klubowa, która ma cię wprawić w ruch.
Pierwszy singiel w dobrym stylu Acid Jazz było „Fryderyk wciąż kłamie”, autor Galliano. To była wersja okładkowa Curtis Mayfield Freddie nie żyje z filmu „Super mucha”.
Świetny wkład w promocję i wsparcie stylu Acid Jazz wprowadzony Gilles Peterson, który był DJ-em w KISS FM. Był jednym z pierwszych, którzy ustalili Acid Jazz etykieta. Na przełomie lat 80-tych i 90-tych wykonawców było wielu Acid Jazz, które były jak polecenia "na żywo" - , Galliano, Jamiroquai, Don Cherry oraz projekty studyjne - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, na zewnątrz, I Zjednoczona Organizacja Przyszłości.
Oczywiście nie jest to styl jazzowy, a rodzaj jazzowego zespołu instrumentalnego, ale mimo to znalazł się w tabeli, ponieważ każdy jazz wykonywany przez „big band” bardzo wyróżnia się na tle poszczególnych wykonawców jazzowych i małe grupy.
Liczba muzyków w big bandach waha się zwykle od dziesięciu do siedemnastu osób.
Utworzony pod koniec lat 20. XX wieku, składa się z trzy grupy orkiestrowe: saksofony - klarnety(Kołowrotki) instrumenty dęte blaszane(Mosiądz, wyróżniały się dalsze grupy piszczałek i puzonów), sekcja rytmiczna(Sekcja rytmiczna - fortepian, kontrabas, gitara, instrumenty perkusyjne). Rozkwit muzyki duże zespoły, który rozpoczął się w Stanach Zjednoczonych w latach 30. XX wieku, kojarzy się z okresem masowego entuzjazmu dla swingu.
Później, aż do czasów obecnych, występowały i wykonywały muzykę różnych stylów big bandy. W istocie jednak era big bandów zaczyna się znacznie wcześniej i sięga czasów amerykańskich teatrów minstreli drugiej połowy XIX wieku, które często powiększały kadrę wykonawczą do kilkuset aktorów i muzyków. Słuchać The Original Dixieland Jazz Band, King Oliver's Creole Jazz Band, The Glenn Miller Orchestra, And His Orchestra a docenisz cały urok jazzu w wykonaniu big bandów.
Styl jazzowy, który rozwinął się na początku - w połowie lat 40. XX wieku i otworzył epokę nowoczesnego jazzu. Charakteryzuje się szybkim tempem i złożonymi improwizacjami opartymi na zmianach harmonii, a nie melodii.
Superszybkie tempo występu zostało wprowadzone przez Parkera i Gillespie, aby powstrzymać nieprofesjonalnych od ich nowych improwizacji. Między innymi szokująca postawa stała się znakiem rozpoznawczym wszystkich bebopitów. Zakrzywiona trąbka Dizzy'ego Gillespiego, zachowanie Parkera i Gillespiego, śmieszne kapelusze Monka itp.
Powstały jako reakcja na wszechobecność swingu, bebop nadal rozwijał swoje zasady w użyciu środków wyrazu, ale jednocześnie odkrył szereg przeciwstawnych tendencji.
W przeciwieństwie do swingu, który jest głównie muzyką dużych komercyjnych zespołów tanecznych, bebop jest eksperymentalnym kierunkiem twórczym w jazzie, kojarzonym głównie z praktyką małych zespołów (combo) i antykomercyjnym w jego kierunku.
Faza bebopu była znaczącym przesunięciem uwagi w jazzie z popularnej muzyki tanecznej na bardziej artystyczną, intelektualną, ale mniej mainstreamową „muzykę dla muzyków”. Muzycy Bop preferowali złożone improwizacje oparte na brzdąkaniu akordów zamiast melodii.
Głównymi inicjatorami narodzin byli: saksofonista, trębacz, pianiści Bud Powell I Thelonious Mnich, perkusista Max Płoć. Jeśli chcesz Bądź bop, słuchać , Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Modern Jazz Quartet.
Jeden ze stylów nowoczesnego jazzu, ukształtowany na przełomie lat 40. - 50. XX wieku w oparciu o rozwój osiągnięć swingu i bopu. Pochodzenie tego stylu wiąże się przede wszystkim z nazwiskiem murzyńskiego swingowego saksofonisty. L. Young, który wypracował „zimną” metodę wydobywania dźwięku (tzw. dźwięk Lestera) przeciwną dźwiękowemu ideałowi gorącego jazzu; po raz pierwszy wprowadził też termin „cool”. Ponadto, przesłanki cool jazzu znajdują się w twórczości wielu muzyków bebopowych, takich jak np. C. Parker, T. Monk, M. Davis, J. Lewis, M. Jackson i inni.
Jednakże, fajny jazz ma znaczące różnice w stosunku do bop. Przejawiało się to w odejściu od tradycji gorącego jazzu, jakim podążał bop, w odrzuceniu nadmiernej ekspresji rytmicznej i niestabilności intonacyjnej, od celowego akcentowania specyficznie murzyńskiej barwy. Rozegrane w tym stylu: , Stan Getz, Modern Jazz Quartet, Dave Brubeck, Zoot Sims, Paul Desmond.
Wraz ze stopniowym upadkiem muzyki rockowej na początku lat 70., wraz ze zmniejszaniem się napływu pomysłów ze świata rocka, muzyka fusion stała się prostsza. W tym samym czasie wielu zaczęło zdawać sobie sprawę, że jazz elektryczny może stać się bardziej komercyjny, producenci i niektórzy muzycy zaczęli szukać takich połączeń stylów w celu zwiększenia sprzedaży. Naprawdę udało im się stworzyć rodzaj jazzu, który jest bardziej przystępny dla przeciętnego słuchacza. W ciągu ostatnich dwóch dekad pojawiło się wiele różnych kombinacji, dla których promotorzy i publicyści lubią używać terminu „Modern Jazz” na określenie „fuzji” jazzu z elementami popu, rhythm and bluesa i „world music”.
Jednak słowo „crossover” dokładniej odnosi się do istoty sprawy. Crossover i fusion osiągnęły swój cel i zwiększyły publiczność dla jazzu, szczególnie dzięki tym, którzy mieli dość innych stylów. W niektórych przypadkach ta muzyka zasługuje na uwagę, choć generalnie jazzowa zawartość w niej sprowadzona jest do zera. Przykłady stylu crossover obejmują zakres od (Al Jarreau) i nagrań wokalnych (George Benson) do (Kenny G), „Żyra Spyro” I " " . W tym wszystkim jest wpływ jazzu, niemniej jednak ta muzyka wpisuje się w pole pop-artu, które reprezentuje Gerald Albright, George Duke, saksofonista Bill Evans, Dave Grusin,.
Dixieland- najszersze określenie stylu muzycznego pierwszych muzyków jazzowych z Nowego Orleanu i Chicago, którzy nagrywali płyty w latach 1917-1923. Koncepcja ta rozciąga się również na okres późniejszego rozwoju i odrodzenia nowoorleańskiego jazzu - Odrodzenie Nowego Orleanu kontynuowane po latach 30. XX wieku. Niektórzy historycy przypisują Dixieland tylko do muzyki białych zespołów grających w stylu nowoorleańskiego jazzu.
W przeciwieństwie do innych form jazzu, repertuar utworów muzyków Dixieland pozostał dość ograniczony, oferując niekończące się wariacje tematów w obrębie tych samych melodii skomponowanych przez pierwszą dekadę XX wieku i obejmował ragtime, blues, one-step, two-steps, marches i popularne melodie. Dla stylu wydajności Dixieland charakterystyczne było złożone przeplatanie się poszczególnych głosów w kolektywną improwizację całego zespołu. Wykonawca otwierający solówkę i inni soliści, którzy niejako kontynuowali jego grę, oparli się „riffowaniu” pozostałych instrumentów dętych, aż do końcowych fraz, zwykle wykonywanych przez bębny w formie czterotaktowej. refreny, na które z kolei odpowiedział cały zespół.
Głównymi przedstawicielami tej epoki byli The Original Dixieland Jazz Band, Joe King Oliver i jego słynna orkiestra, Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke i Jimmy McPartland. Muzycy Dixieland zasadniczo szukali odrodzenia klasycznego nowoorleańskiego jazzu z przeszłości. Próby te były bardzo udane i dzięki kolejnym pokoleniom trwają do dziś. Pierwsze odrodzenie tradycji Dixieland miało miejsce w latach 40. XX wieku.
Oto tylko niektórzy jazzmani, którzy grali w Dixieland: Kenny Ball, Lu Watters Yerna Buena Jazz Band, Turk Murphys Jazz Band.
Osobną niszę w środowisku jazzowych stylów od początku lat 70. zajmowała niemiecka firma ECM (Wydanie Muzyki Współczesnej- Wydawnictwa Muzyki Współczesnej), które stopniowo stało się ośrodkiem zrzeszenia muzyków, którzy wyznawali nie tyle przywiązanie do afroamerykańskiego pochodzenia jazzu, ile umiejętność rozwiązywania najróżniejszych zadań artystycznych, nie ograniczając się do pewnego stylu, ale zgodnego z procesem twórczej improwizacji.
Z czasem jednak wykształciło się pewne oblicze firmy, co doprowadziło do wyodrębnienia artystów tej wytwórni w zakrojony na szeroką skalę i wyraźny kierunek stylistyczny. Zorientowanie założyciela wytwórni Manfred Eicher (Manfred Eicher) na połączenie różnych idiomów jazzowych, światowego folkloru i nowej muzyki akademickiej w jednym impresjonistycznym brzmieniu, pozwoliło domagać się głębi i filozoficznego zrozumienia wartości życiowych za pomocą tych środków.
Główne studio nagraniowe firmy w Oslo jest wyraźnie skorelowane z wiodącą rolą w katalogu muzyków skandynawskich. Przede wszystkim Norwegowie Jan Garbarek, Terje Rypdal, Nils Petter Molvaer, Arild Andersen, Jon Christensen. Geografia ECM obejmuje jednak cały świat. Oto Europejczycy Dave Holland, Tomasz Stańko, John Surman, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Michaił Alperin oraz przedstawiciele kultur pozaeuropejskich Egberto Gismonti, Flora Purim, Zakir Hussain, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem i wiele innych. Nie mniej reprezentatywny jest Legion Amerykański - Jack DeJohnette, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie, Leo Smith. Początkowy, rewolucyjny impuls wydawnictw firmy przerodził się z czasem w oderwany od medytacji dźwięk otwartych form ze starannie dopracowanymi warstwami dźwiękowymi.
Niektórzy zwolennicy głównego nurtu zaprzeczają ścieżce obranej przez muzyków tego kierunku; jednak jazz, jako kultura światowa, rozwija się mimo tych obiekcji i daje bardzo imponujące rezultaty.
W przeciwieństwie do wyrafinowania i chłodu chłodnego stylu, racjonalności progresywnego na wschodnim wybrzeżu Stanów Zjednoczonych, młodzi muzycy na początku lat 50. nadal rozwijali pozornie już wyczerpany styl bebopowy. Istotną rolę w tym trendzie odegrał charakterystyczny dla lat 50. wzrost samoświadomości Afroamerykanów. Ponownie zwrócono uwagę na zachowanie wierności tradycjom improwizacji Afroamerykanów. Jednocześnie zachowano wszystkie osiągnięcia bebopu, ale dodano do nich wiele fajnych osiągnięć zarówno w dziedzinie harmonii, jak i struktur rytmicznych. Muzycy nowej generacji mieli z reguły dobre wykształcenie muzyczne. Ten prąd nazywa się „twardy” okazały się dość liczne. Trębacze przyłączyli się Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, pianiści Thelonious Monk, Horacy Silver, perkusista Sztuka Blake, saksofoniści Sonny Rollins, Hank Mobley, Cannonball Adderley, kontrabasista Paul Chambers i wiele innych.
Dla opracowania nowego stylu istotna była kolejna innowacja techniczna, która polegała na pojawieniu się długogrających płyt. Teraz możesz nagrywać długie solówki. Dla muzyków stało się to pokusą i trudnym sprawdzianem, ponieważ nie każdy jest w stanie w pełni i zwięźle wypowiadać się przez długi czas. Trębacze jako pierwsi wykorzystali te zalety, zmieniając styl Dizzy'ego Gillespiego na spokojniejszą, ale głębszą grę. Najbardziej wpływowe były Tłuszcze Navarro I Clifford Brown. Muzycy ci skupili się nie na wirtuozowskich, szybkich pasażach w górnym rejestrze, ale na przemyślanych i logicznych liniach melodycznych.
Hot jazz uważany jest za muzykę nowoorleańskich pionierów drugiej fali, których najwyższa aktywność twórcza zbiegła się z masowym exodusem nowoorleańskich muzyków jazzowych na północ, głównie do Chicago. Proces ten, który rozpoczął się niedługo po zamknięciu Storyville w związku z wejściem Stanów Zjednoczonych do I wojny światowej i ogłoszeniem z tego powodu Nowego Orleanu jako portu wojskowego, wyznaczył w historii jazzu tzw. erę Chicago. . Głównym przedstawicielem tej szkoły był Louis Armstrong. Nadal występując w King Oliver Ensemble, Armstrong dokonał rewolucyjnych zmian w ówczesnej koncepcji improwizacji jazzowej, przechodząc od tradycyjnych schematów improwizacji zbiorowej do wykonywania pojedynczych partii solowych.
Już sama nazwa tego typu jazzu wiąże się z intensywnością emocjonalną charakterystyczną dla sposobu wykonania tych partii solowych. Termin Hot był pierwotnie synonimem jazzowej improwizacji solowej, aby podkreślić różnice w podejściu do solówek, które miały miejsce na początku lat dwudziestych. Później, wraz z zanikiem improwizacji zbiorowej, pojęcie to wiązało się ze sposobem wykonywania materiału jazzowego, w szczególności ze szczególnym brzmieniem, które determinuje instrumentalny i wokalny styl wykonania, tzw. metody rytmizacji i specyficzne cechy intonacyjne.
Być może najbardziej kontrowersyjny ruch w historii jazzu pojawił się wraz z nadejściem „free jazzu”. Chociaż żywioły Bezpłatny jazz istniał na długo przed pojawieniem się samego terminu, w „eksperymentach” Coleman Hawkins, Pee Wee Russell i Lenny Tristano, ale dopiero pod koniec lat pięćdziesiątych, dzięki staraniom takich pionierów jak saksofonista i pianista Cecil Taylor kierunek ten ukształtował się jako niezależny styl.
Co ci dwaj muzycy zrobili z innymi, w tym John Coltrane, Alberta Eulera i społeczności takie jak Orkiestra Sun Ra a grupa o nazwie The Revolutionary Ensemble składała się z różnych zmian w strukturze i stylu muzyki.
Wśród innowacji wprowadzonych z wyobraźnią i wielką muzykalnością było porzucenie progresji akordów, co pozwoliło muzyce poruszyć się w dowolnym kierunku. Kolejna zasadnicza zmiana nastąpiła w obszarze rytmu, gdzie „swing” został albo przedefiniowany, albo całkowicie zignorowany. Innymi słowy, pulsacja, metrum i groove nie były już istotnym elementem w tym odczytaniu jazzu. Kolejny kluczowy składnik był związany z atonalnością. Teraz muzyczne powiedzenie nie było już budowane na zwykłym systemie tonalnym.
Przenikliwe, szczekające, konwulsyjne nuty całkowicie wypełniły ten nowy dźwiękowy świat. Free jazz nadal istnieje jako realna forma ekspresji i w rzeczywistości nie jest już tak kontrowersyjnym stylem, jak na początku jego powstania.
Być może najbardziej kontrowersyjny ruch w historii jazzu pojawił się wraz z nadejściem „free jazzu”.
Nowoczesny kierunek stylistyczny, który powstał w latach 70. na bazie jazz-rocka, będący syntezą elementów europejskiej muzyki akademickiej i pozaeuropejskiego folkloru.
Najciekawsze kompozycje jazz-rockowe charakteryzują się improwizacją połączoną z rozwiązaniami kompozytorskimi, wykorzystaniem zasad harmonicznych i rytmicznych muzyki rockowej, aktywnym ucieleśnieniem melodii i rytmu Wschodu, wprowadzeniem elektronicznych środków przetwarzania i syntezy dźwięk do muzyki.
W tym stylu rozszerzył się zakres stosowania zasad modalnych, poszerzył się zestaw różnych trybów, w tym egzotycznych. W latach 70. jazz-rock stał się niezwykle popularny, wkroczyły w niego najaktywniejsze siły muzyczne. Bardziej rozwinięty w odniesieniu do syntezy różnych środków muzycznych, jazz-rock nazwano „fusion” (alloy, fusion). Dodatkowym impulsem do „fusion” był kolejny (nie pierwszy w historii jazzu) ukłon w stronę europejskiej muzyki akademickiej.
W wielu przypadkach fusion faktycznie staje się połączeniem jazzu z regularnym popem i lekkim rytmem i bluesem; krzyżowanie. Ambicje muzyki Fusion w zakresie muzycznej głębi i wzmocnienia pozostają niespełnione, chociaż poszukiwania są kontynuowane w rzadkich przypadkach, na przykład w zespołach takich jak „Tribal Tech” czy w zespołach Chick Corea. Słuchać: Weather Report, Brand X, Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans, z New Niacin, Tunele, CAB.
Nowoczesny boj nawiązuje do popularnych stylów jazzu lat 70. i 80., w których akompaniatorzy grają w stylu black pop soul, natomiast improwizacje solowe mają bardziej kreatywny i jazzowy charakter. Większość saksofonistów tego stylu używa własnego zestawu prostych fraz, na które składają się bluesowe okrzyki i jęki. Opierają się na tradycji zaczerpniętej z solówek na saksofonie w nagraniach rytmicznych i bluesowych nagrań wokalnych, takich jak King Curtis w „Coasters” Junior Walker z grupami wokalnymi wytwórni Motown, David Sanborn z „Blues Band” Paula Butterfielda. Wybitna postać w tym gatunku - często grająca solo w stylu Hanka Crawforda z ostrym akompaniamentem. Dużo muzyki , a ich uczniowie stosują to podejście. , działają również w stylu „modern funk”.
Termin ma dwa znaczenia. Po pierwsze, w jazzie jest środkiem wyrazistym. Charakterystyczny rodzaj pulsacji oparty na stałych odchyleniach rytmu od akcji referencyjnych. Stwarza to wrażenie dużej energii wewnętrznej w stanie niestabilnej równowagi. Po drugie, styl jazzu orkiestrowego, który ukształtował się na przełomie lat 20. i 30. w wyniku syntezy murzyńskich i europejskich form stylistycznych muzyki jazzowej.
oryginalna definicja „jazzowy rock” było najwyraźniej: połączenie jazzowej improwizacji z energią i rytmami muzyki rockowej. Do 1967 światy jazzu i rocka istniały niemal oddzielnie. Ale do tego czasu rock staje się bardziej kreatywny i złożony, pojawia się psychodeliczny rock, muzyka soul. W tym samym czasie niektórzy muzycy jazzowi znudzili się czystym hardbopem, ale też nie chcieli grać trudnej do odbioru muzyki awangardowej. W rezultacie dwa różne idiomy zaczęły wymieniać się pomysłami i łączyć siły.
od 1967 gitarzysta Larry Coryell, wibrafonista Gary Burton, w 1969 perkusista Billy Cobham z grupą „Dreams”, w której grali bracia Brecker, zaczęli odkrywać nowe przestrzenie stylistyczne.
Pod koniec lat 60. Miles Davis miał potencjał przejścia do jazz-rocka. Był jednym z twórców modalnego jazzu, na podstawie którego, wykorzystując rytmy 8/8 i instrumenty elektroniczne, robi nowy krok, nagrywając płyty „Bitches Brew”, „In a Silent Way”. Wraz z nim w tym czasie istnieje genialna plejada muzyków, z których wielu staje się później podstawowymi postaciami tego kierunku - (John McLaughlin), Joe Zawinul(Joe Zawinul) Herbie Hancock. Asceza, lapidarność i filozoficzna kontemplacja charakterystyczne dla Davisa okazały się bardzo mile widziane w nowym stylu.
Na początku lat 70. jazzowy rock miał swoją odrębną tożsamość jako kreatywny styl jazzowy, choć wyśmiewany przez wielu jazzowych purystów. Głównymi grupami nowego kierunku były: „Powrót na zawsze”, „Raport pogodowy”, „Orkiestra Mahawisznu”, różne zespoły Miles Davis. Grali wysokiej jakości jazz-rock, który łączył ogromny zestaw technik zarówno jazzowych, jak i rockowych. Asian Kung-Fu Generation, Ska - Jazz Foundation, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, trio, Andy Summers, Erik Truffaz- zdecydowanie powinieneś posłuchać, aby zrozumieć, jak różnorodna jest muzyka progresywna i jazz-rockowa.
Styl rap jazzowy była próbą połączenia afroamerykańskiej muzyki minionych dekad z nową dominującą formą współczesności, która pozwoliłaby oddać hołd i tchnąć nowe życie w pierwszy element tego - fusion - a także poszerzyć horyzonty drugiego . Rytmy jazz-rapu zostały całkowicie zapożyczone z hip-hopu, podczas gdy próbki i tekstury dźwiękowe pochodziły głównie z cool jazzu, soul-jazzu i hard bopu.
Ten styl był najfajniejszy i najbardziej znany w hip-hopie, a wielu artystów wykazało afro-centryczną świadomość polityczną, dodając temu stylowi historycznej autentyczności. Biorąc pod uwagę intelektualne zacięcie tej muzyki, nie jest niespodzianką, że jazz-rap nigdy nie stał się ulubieńcem ulicznych imprez; ale wtedy nikt o tym nie pomyślał.
Sami przedstawiciele jazz-rapu nazywali siebie zwolennikami bardziej pozytywnej alternatywy dla ruchu hardcore/gangsta, który na początku lat 90. wyparł rap z czołowych pozycji. Starali się szerzyć hip-hop wśród słuchaczy, którzy nie mogą zaakceptować ani zrozumieć rosnącej agresji miejskiej kultury muzycznej. W ten sposób jazz-rap znalazł większość swoich fanów w akademikach studenckich, a także był wspierany przez wielu krytyków i fanów białego alternatywnego rocka.
Komenda Języki ojczyste (Afrika Bambaataa)- ten nowojorski kolektyw afroamerykańskich grup rapowych - stał się potężną siłą reprezentującą styl rap jazzowy i obejmuje takie grupy jak: A Tribe Called Quest, De La Soul i The Jungle Brothers. Wkrótce rozpoczęli pracę Planety cyfrowe I gwiazda gangu również zyskał rozgłos. W połowie późnych lat 90. alternatywny rap zaczął przebijać się na wiele podstylów, a jazz-rap nierzadko stawał się elementem nowego brzmienia.
