Portret autorstwa Valentina Serova
Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow (1844-1908) - rosyjski kompozytor, dyrygent, pedagog, postać muzyczna i publiczna. Członek Potężnej Gromady. Malowniczy i malarski charakter muzyki związanej z rosyjską przyrodą, malarstwo życie ludowe, ważnyorazrola obrazów Wschodu.Od 1861 r. Rimski-Korsakow był członkiem grupy Bałakiriewa „Potężna garść”, profesorem konserwatorium w Petersburgu (od 1871 r.), dyrektorem Wolnego Szkoła Muzyczna, szef koła Bielaewskiego. Kierownik szkoły kompozytorskiej.
Niemal 10 lat po otwarciu pierwszego rosyjskiego konserwatorium w Petersburgu, jesienią 1871 roku, w jego murach pojawił się nowy profesor kompozycji i orkiestracji. Mimo młodości - miał już dwadzieścia osiem lat - zasłynął już jako autor oryginalnych kompozycji na orkiestrę: Uwertury na tematy rosyjskie, Fantazje na tematy serbskie pieśni ludowe, obraz symfoniczny na podstawie rosyjskiego eposu „Sadko” i apartamentów na działce orientalna opowieść„Antar”. Ponadto napisano wiele romansów, a prace nad historyczną operą Pskowa Panna szły pełną parą.
Nikomu nie mogło przyszło do głowy (a tym bardziej dyrektorowi konserwatorium, który zaprosił N. Rimskiego-Korsakowa), że został kompozytorem, nie mając prawie żadnego trening muzyczny. Rimski-Korsakow urodził się w rodzinie dalekiej od zainteresowań artystycznych. Rodzice, przez rodzinna tradycja, przygotował chłopca do służby w Marynarce Wojennej (wujek i starszy brat byli marynarzami). Chociaż zdolności muzyczne ujawniono bardzo wcześnie, w małym prowincjonalnym miasteczku nie było nikogo, kto mógłby poważnie się uczyć. Lekcje gry na fortepianie udzielała sąsiadka, potem znajoma guwernantka i uczennica tej guwernantki. Muzyczne impresje dopełniły pieśni ludowe w wykonaniu amatorskiej matki i wujka oraz kultowe śpiewy w klasztorze Tichvin.
Muzyczna twórczość Rimskiego-Korsakowa charakteryzuje się barwnym i obrazowym charakterem, szczególną czystością tekstów związanych ze światem baśni, z poezją rosyjskiej natury, mistrzostwem instrumentacji i innowacją w harmonii.
Rimski-Korsakow jest właścicielem 15 oper: „Pskovityanka” (1872) – jego pierwsza opera, która odniosła szczególnie wielki sukces wśród demokratycznej młodzieży” Majowa noc” (1879) i „Noc przed Bożym Narodzeniem” (1895) – po prace o tej samej nazwie Gogol, opera baśniowa Śnieżna Panna (1896, na podstawie sztuki A.N. Ostrovsky'ego), opera epicka Sadko (1896), balet operowy Mlada (1892), opera królewska panna młoda” (1898), „Opowieść o carze Saltanie” (1900), „Kashchei the Immortal” (1902), legendarna opera „Legenda o niewidzialnym mieście Kiteż i panieńskie Fevronia” (1907, oparta na rosyjskiej epopei ), satyra na autokrację - „Złoty Kogucik” (1907).
Rimski-Korsakow stworzył wybitne dzieła symfoniczne(„Capriccio hiszpańskie”, „Szeherezada”), kompozycje na orkiestrę, romanse.
Rimski-Korsakow szeroko występował jako dyrygent spektakle operowe i orkiestry symfoniczne.Ukończył szereg prac Musorgskiego, Borodina, Dargomyżskiego.
http://www.chrono.info/
Dziedzictwo Rimski-Korsakow , artysta wyjątkowy w „głębokości związków z najstarszymi warstwami światopoglądu ludu”, „narodowa oryginalność nie tylko języka i stylu, ale całej koncepcji artystycznej i filozoficznej” zasługuje na szczególną uwagę i życzliwą postawę. W swojej pracy jest bowiem wyjątkowo oryginalny, nieoczekiwany i niepowtarzalny.
Piotr Czajkowski
Ilustracja do bajki Hoffmanna "Dziadek do orzechów i król myszy". 1840 Staatsbibliothek Bamberg/Wikimedia CommonsJedną z najsłynniejszych rosyjskich baśni muzycznych jest Dziadek do orzechów Piotra Czajkowskiego, ostatni balet kompozytor. Libretto do fabuły baśni Ernsta Theodora Hoffmanna „Dziadek do orzechów i król myszy” stworzył słynny choreograf Marius Petipa. Opowieść o tym, jak Clara (lub Ma-ri) wraz z Dziadkiem do Orzechów wygrywają król myszy a Dziadek do Orzechów zamienia się w Księcia, stał się świątecznym klasykiem.
W Dziadku do orzechów łączą się ze sobą dwa światy: prawdziwy, którego bohaterami jest rodzina Clary-Marie, oraz fantastyczny, w którym wśród bohaterów pojawiają się Dziadek do orzechów, zabawki, lalka, król myszy, wróżka Dragee i inne. Prawdziwy świat nakreślone przez kompozytora prostymi muzycznie środkami: przejrzystą orkiestracją ze znajomymi barwami i tańce klasyczne- mazurek, walc, galop, polka. Fantastyczny świat rysowany jest zupełnie inaczej i to w jego tworzeniu objawiła się innowacja Czajkowskiego.
Ojciec chrzestny Drosselmeyer otwiera magiczny świat, jego pojawieniu się towarzyszy ciekawe połączenie barwy melodyjnej altówki i dwóch puzonów. W świecie baśni rodzi się walka dobra ze złem, co oczywiście znajduje odzwierciedlenie w muzyce. Idee dobrego charakteryzują miękkie dźwięki. Dominują tu pasaże fletu, kołyszące przelewy harfy, musujące dzwonienie nowego wówczas instrumentu, cheles. Celesta- instrument klawiszowo-perkusyjny podobny do miniaturowego pianina, ale z metalowymi lub szklanymi płytkami wewnątrz. Dźwięk przypomina bicie kryształowych dzwonków (nazwa celesta jest tłumaczona z włoskiego jako „niebiański”).. Idee zła ukazane są w zupełnie innej orkiestracji, charakteryzującej się niższym rejestrem, z udziałem klarnetu basowego i tuby. Złowieszczy szelest armii Króla Myszy ukazuje marsz grany przez fagoty i niskie smyczki. W magicznym świecie istnieją inne tańce: hiszpański taniec czekoladowy, arabski taniec kawowy, chiński taniec herbaciany i oczywiście tajemniczy Walc Kwiatów.
Wykonawcy: Orkiestra Filharmonii Berlińskiej, dyrygent Siemion Bychkov
Opera „Opowieść o carze Saltanie” (1900)
Nikołaj Rimski-Korsakow
Iwan Bilibin. Ilustracja do „Opowieści o carze Saltanie”. 1905 Wikimedia Commons Opowieść o carze Saltanie, napisana przez Rimskiego-Korsakowa na stulecie jego urodzin, jest jedną z najbogatszych w różnorodność barw orkiestrowych oper. Akcja rozgrywa się w Tmutarakan oraz w mieście Ledenets na wyspie Buyan. Opowieści o mieście towarzyszy uroczysty motyw dzwonów. We wstępie do ostatniego obrazu opery ukazane są trzy cuda z tekstu Puszkina. Wiewiórkę ze złotymi orzechami reprezentuje w orkiestrze temat pieśni ludowej „W ogrodzie, w ogrodzie” w wykonaniu fletu piccolo. Maszerują morscy bohaterowie i wujek Czernomor: ten sam motyw powtarza się w basie z coraz większą głośnością. A głównym cudem jest Księżniczka Łabędzia. Urzekająca kapryśna melodia stopniowo przeradza się w melodyjny temat, ilustrujący magiczna transformacjałabędź w Piękna księżniczka. Księżniczka Łabędzia pomaga carewiczowi Gwidonowi we wszystkim: na przykład zamienia go w trzmiela, aby mógł udać się do Tmutarakan i zobaczyć ojca. To tutaj rozbrzmiewa znana w operze wirtuozowska melodia lotu trzmiela.
Występ: Orkiestra Symfoniczna i Chór Teatr Bolszoj, dyrygent Wasilij Nebolsin, soliści Iwan Pietrow, Jewgienija Smoleńska
Opera „Złoty Kogucik” (1907)
Nikołaj Rimski-Korsakow
Natalia Gonczarowa. Scenografia do opery Złoty Kogucik. 1914 Obrazy artystyczne / DIOMEDIA W wątku baśni Puszkina napisana jest również opera Złoty Kogucik. Otwiera bajkę Stargazer, która daje carowi Dodonowi Dalej, warianty pisowni Nikołaja Rimskiego-Korsakowa. złoty kogut. Partię koguta wykonuje wysoki kobiecy głos - sopran. Królowa Shemakhan, źródło wszystkich zmartwień chciwego Dodona, śpiewa o cudownych krainach, w których się urodziła, przy akompaniamencie harfy i instrumentów dętych drewnianych. Temat królowej brzmi znakomicie, z zatrzymaniem na wysokich tonach; ogólnie jej aria ma orientalny smak. Ale ta historia nie jest prosta. A królestwo Dodona nie jest prawdziwe. Kompozytor śmieje się z nieszczęsnego władcy. Tak więc na posiedzeniu dumy królewskiej słychać błazeńskie tematy, a Dodon śpiewa z motywem Piosenka ludowa„Chizhik-Pyzhik”.
Wykonawcy: Akademicka Orkiestra Symfoniczna Filharmonii Moskiewskiej, dyrygent Dmitry Kitaenko, Academic duży chór Ogólnounijne radio i telewizja centralna, soliści Evgeny Nesterenko, Boris Tarkhov, Elena Ustinova
Słowik operowy (1908-1914)
Igor Strawiński
Mary Newell. Ilustracja do bajki Hansa Christiana Andersena "Słowik". 1898 Wikimedia Commons Pierwsza opera Igora Strawińskiego, Słowik, została oparta na baśni Hansa Christiana Andersena. Jak w bajce opozycja między prawdziwym słowikiem a mechanicznym jest w operze bardzo ważna. Partia żywego Słowika została napisana na wysoki głos żeński - sopran koloraturowy. Wdaje się w spór z tematem mechanicznego słowika w wykonaniu orkiestry. Zgodnie z fabułą, mimo że cesarz wolał mechanicznego słowika od prawdziwego, tylko pieśń żywego słowika jest w stanie uleczyć cesarza z śmiertelna choroba i przywróć radość wszystkim jego dworzanom. Kontrast między naturą a porcelanowym pałacem chińskiego cesarza jest wspaniale oddany: na przykład orkiestra gra łagodny nokturn, gdy akcja toczy się na skraju lasu, a pompatyczny Chińczyk (a raczej tutaj Strawiński naśladuje Chińczyka). tradycja muzyczna) maszerują, gdy znajdziemy się we wspaniałych salach pałacu.
Wystąpili: Orkiestra i Chór Opery Waszyngtońskiej, dyrygent Igor Stravinsky, soliści Laurent Driscoll, Réri Grist, Donald Gramm
Opera "Choinka" (1900)
Władimir Rebikow
Arthura Rackhama. Dziewczynka z zapałkami. 1932 George G. Harrap & Co. Fabuła opery bożonarodzeniowej Władimira Rebikowa „Jelka” oparta jest na dwóch opowieściach o biednych dzieciach pozbawionych ciepła w świąteczny wieczór. Są to „Dziewczynka z zapałkami” Andersena oraz opowiadanie „Chłopiec przy Chrystusie”. Opera poprzedzona jest przez kompozytora wskazówką, że akcja może toczyć się „w chwili obecnej, w mieście, w którym jest wystawiana opera”. Opera jest kameralna, jest tu kilka postaci, tylko śpiewają główny bohater(biedna dziewczyna) i duch jej matki. Melodie pisane dla Dziewczynki pod względem intonacyjnym przypominają zwykłą mowę, a krótkie żałobne intonacje brzmią jak jej błaganie o jałmużnę. Obfitość dysonansów w intro sprawia, że brzmienie jest bardzo nowoczesne.
Opera ma kilka motywów przewodnich. Najbardziej czuły i pełen czci jest walc, który uosabia nieosiągalne szczęście, idealny świat, w którym jest ciepło i dobrze. Po raz pierwszy podczas wakacji w domu, w którym stoi bogato udekorowana choinka, na pianinie grany jest walc. Walc przerywają krótkie muzyczne frazy w wykonaniu Dziewczyny zaglądającej w okna domu. Za drugim razem walc brzmi inaczej: to miraż, sen Dziewczynki, w którym trafiła do luksusowego pałacu. Wokół jest wiele innych dzieci, a Książę prowadzi Dziewczynę na tron - w wykonaniu drugiego walca uczestniczą flety, skrzypce z subtelnym podtekstem altówek i fagotów, przy akompaniamencie czelesty, dzwonów i harf.
Wykonanie: Wiktor Ryabczikow.
Niestety pełne nagranie opery nie jest dostępne w serwisach streamingowych, ale mamy nadzieję, że znajdziecie możliwość posłuchania jej na żywo
Balet „Kopciuszek” (1944)
Siergiej Prokofiew
Arthura Rackhama. Ilustracja do bajki „Kopciuszek”. 1919 Nowojorska Biblioteka Publiczna Balet oparty na niezmiennej fabule baśni Charlesa Perraulta. Wyczerpana nieustanną pracą Kopciuszek (nawet jej liryczny motyw brzmi zmęczony) marzy o pójściu na bal, jej wredne siostry Krivlaaka i Zluka kłócą się o szal (ich karykaturę i szkodliwość podkreśla sucha orkiestracja i dysonanse); Książę początkowo zachowuje się arogancko, ale miłość go przemienia: na balu pojawia się grzmot fanfar, a gdy tylko widzi Kopciuszka, muzyka natychmiast zmienia się na liryczną. Przemianę Kopciuszka, zgodnie z fabułą, prowadzi matka chrzestna, ale dziewczyna jest ubrana przez zespół wróżek wszystkich pór roku w zestaw tańców. I oczywiście na balu rozbrzmiewają wszelkiego rodzaju tańce dworskie: paspier, bourre, mazurek, menuet. A w środku wakacji, kiedy goście skosztują smakołyków, orkiestra wykonuje marsz. Została skomponowana przez Prokofiewa wcześniej do innego dzieła - opery Miłość do trzech pomarańczy (1919). Miłość do Kopciuszka i Księcia rodzi się przy dźwiękach Wielkiego Walca, ale zegar wybija północ: na tle skrzypiec tremolo i pasaży klarnetów ksylofon i dźwięk drewnianego taktu odmierzają czas miarowo. Inną pamiątką po nieubłaganym czasie jest zegar, który towarzyszy całemu baletowi.
Wykonawcy: Rosyjska Orkiestra Narodowa, dyrygent Michaił Pletnev
Balet Mały garbaty koń (1955)
Rodion Szczedrin
Scenografia do baletu Mały garbaty koń. 1939 Obrazy dziedzictwa / obrazy artystyczne / DIOMEDIA Pierwszy balet kompozytora Rodiona Szczedrina powstał na podstawie fabuły baśni Piotra Erszowa „Mały garbaty koń”. Od pierwszych taktów w muzyce panuje atmosfera ludowego święta. Trąbki i rogi na zmianę grają szybko otwierający motyw przewodni w całej akcji, który oddaje niekończący się gwar tłumu. Rozbrzmiewa taneczna melodia z typowym rosyjskim tupotem. Gatunek ditty jest szeroko reprezentowany w bajce-balecie: są to energiczne melodie w scenie Iwana z braćmi i refreny skomponowane przez Szczedrina w „Dziewczęcym tańcu okrągłym”. Kompozytor w składzie orkiestry duża liczba instrumenty perkusyjne: dzwonki, dzwonki, dzwonki, trójkąty, bębny, kotły, a także grzechotki.
Trzy sceny z pierwszego aktu wprowadzają nas w główny aktorzy balet. Pod „bałałajką” przy akompaniamencie fagotów i niskich instrumentów smyczkowych pojawia się motyw przewodni braci Iwana. Bracia mają jeden motyw, ponieważ Danila i Gavrila są we wszystkim do siebie podobni. To ciężki, kanciasty temat z wyrzeźbionym rytmem, akcentami i powtórzeniami: bracia są uparci i aroganccy.
Mały Konik jest w jego umyśle nie tyle magiczny, co sprytny. Motyw Skate rozbrzmiewa na flecie piccolo i dzwonkach. Jest podobny do motywu przewodniego samego Iwana, któremu Konyok we wszystkim pomaga. Tsar Maiden charakteryzuje się kilkoma motywami. Jej pierwszym motywem przewodnim jest motyw przewodni z niesamowicie kolorową orkiestracją, ta melodia sprawia, że bohaterka jest spokrewniona z fantastyczny świat ten balet. A drugi motyw przewodni Carskiej Dziewicy pojawia się po spotkaniu z Iwanem. Staje się rosyjską bohaterką - dźwięki kołysanki, zapożyczone przez kompozytora ze zbioru Pieśni ludu rosyjskiego Liadowa.
Balet się kończy Wesołych Świąt z biciem dzwonów. Nazywają młodych - Iwan z Carską Dziewicą. Młodzież prowadzi tańce okrągłe: gładki rosyjski taniec panny młodej zastępuje waleczny taniec pana młodego. Towarzyszący ogólnej zabawie jest motyw Małego Garbatego Konia.
Występ: Orkiestra Moskiewskiego Akademickiego Teatru Muzycznego. K. S. Stanisławski i Vl. I. Niemirowicz-Danczenko, dyrygent Georgy Zhemchuzhin
Opera-balet Dziecko i magia (1919-1925)
Maurice Ravel
Ilustracja z okładki libretta „Dziecko i magia”. 1925 De Agostini/Getty Images Libretto „Dziecka i magii” Maurice'a Ravela zostało napisane na podstawie kilku utworów literackich jednocześnie: baśni Perraulta, braci Grimm, Andersena i Maeterlincka. Zgodnie z fabułą niegrzecznego chłopca reedukuje się zwierzęta i ożywione przedmioty: Kanapa, Kielich Chiński, Ogień, Kot, Fotel, Nietoperz— oto tylko niektóre z nich. To jest opera-balet, więc wszystkie postacie śpiewają nie tylko melodyjne arie, ale także tańczą fokstrota, walca-bostona, menueta, galop, kankana i inne tańce.
Atmosferę magii tworzy niezwykła orkiestra. Obejmuje, wraz z tradycyjnym instrumenty symfoniczne są specjalne, fantastyczne barwy: machina wietrzna (eolyphon), luteal (modyfikacja pianoforte), flet jazzowy ze skrzydłami, a nawet tarka do sera! Muzyka często opiera się na onomatopei: orkiestra i wykonawcy naśladują miauczenie kota i rechot żaby, bicie zegara i dźwięk tłuczonego kubka. Nauczyciel arytmetyki, wypełzając z podartej książki, śpiewa teraz dźwięcznym falsetem, a potem celowo nosowym głosem, zatykając nos. Tak więc w tej zabawnej scenie pojawia się wir niespójny ruch, od którego chłopak zaczyna odczuwać zawroty głowy. W innej scenie wokalna partia Ognia oddaje swobodny ruch płomieni: jej kręta, wirtuozowska melodia, sięgająca niezwykle wysokich dźwięków, jest bardziej instrumentalna niż wokalna.
Wykonanie: Orkiestra Narodowa Francuskie Radio, dyrygent Lauren Maazel, soliści Francoise Aguea, Michel Seneschal
Bajka symfoniczna „Piotruś i Wilk” (1936)
Siergiej Prokofiew
Okładka partytury bajki „Piotruś i Wilk”. 1959- „Muzgiz” Siergiej Prokofiew napisał muzyczną bajkę symfoniczną specjalnie dla Moskwy teatr dla dzieci. protagonista bajki - dziesięcioletni Petya, odważny pionier - zwycięzca Wilka, który pokonał go przed pojawieniem się Łowców. Zazwyczaj bajkę wykonuje się w ten sposób: narrator czyta tekst, a orkiestra wypowiada wszystko, co się w niej dzieje.
Tematem każdego bohatera jest jeden instrument lub grupa instrumentów orkiestry symfonicznej o podobnej barwie. Na przykład Dziadek niezadowolony z faktu, że jego wnuk wszedł za bramę bez pozwolenia, przedstawia niski drewniany instrument dęty - fagot; nieustraszony Petya - kwartet smyczkowy (dwie części skrzypiec, altówek i wiolonczeli) oraz jego przyjaciel i asystent Ptichka - flet, który najlepiej oddaje trzepot małych skrzydełek i dźwięczne tryle.
Przekazana zostaje postać głównego wroga Petyi - Wilka instrumenty dęte blaszane, najpotężniejszy, najgłośniejszy w orkiestrze. W niskim rejestrze trzy rogi grają ciężkie akordy w tonacji molowej. Ptak ma również przeciwników: Kota, którego przyczajony chód jest przekazywany przez klarnet, oraz arogancką i arogancką Kaczkę. W czasie sporu między Kaczką a Ptakiem o to, kim jest prawdziwy ptak, w orkiestrze brzmią jednocześnie dwa tematy: gwiżdżące pasaże fletu przedstawiają śpiew Ptaka, a kwakanie Kaczki przekazywane przez inny instrument dęty drewniany - obój. Chociaż kaczka się przechwalała, biegła zbyt wolno, a szybki Wilk połykał ją w biegu. Ale Wilk nie mógł uciec z Petyi: chłopiec złapał go i przy pomocy Łowców wysłał go do Muzeum Zoologicznego. Opowieść kończy się uroczystym korowodem zwycięzców, w którym kolejno rozbrzmiewają tematy wszystkich bohaterów.
Wykonawcy: Państwowa Akademicka Orkiestra Symfoniczna ZSRR, dyrygent Jewgienij Swietłanow, tekst czyta Natalia Sats
Opera Śnieżna Panna (1881)
Nikołaj Rimski-Korsakow
Dmitrija Stelleckiego. Projekt kurtyny do opery „Snow Maiden”. 1910 Obrazy artystyczne / DIOMEDIA Libretto opery napisał sam Rimski-Korsakow na podstawie sztuki Ostrowskiego Śnieżna Panna. Snow Maiden przybywa do magicznego królestwa Berendeyów, aby znaleźć ciepłe uczucie miłości, ale po osiągnięciu tego tragicznie się rozpływa. Słuchacze opery nie powinni być smutni, bo tylko dzięki pojawieniu się i śmierci Snow Maiden w królestwie Berendey znów nadchodzi ciepłe lato, obdarzone promieniami boga Jarili.
Rimski-Korsakow podzielił liczne postacie opery na trzy grupy: mitologiczne (Ojciec Mróz, Wiosna-Red, Goblin), półmitologiczne (Snegurochka, Lel, Car Berendej) i prawdziwe (Kupava, Mizgir, Bobyl i Bobylikha, Bermyata, biryuchi). Każda grupa ma swoją muzyczną charakterystykę, każda postać ma swój motyw przewodni. Np. pojawieniu się Springa towarzyszy ciepła barwa waltorni, a pojawieniu się Frost towarzyszy zamrożona „zimna” muzyka w niskim rejestrze. Wizerunek piosenkarki ludowej Lelyi składa się z trzech piosenek - powolnego, okrągłego tańca, tańca, a wizerunek Snow Maiden łączy surową partię fletu z lirycznymi melodiami w partii wokalnej. Pojawieniu się „prawdziwej” osoby Mizgira towarzyszy gęsta barwa klarnetu basowego. Chóry odgrywają w operze ważną rolę: na przykład ludzie z Berendeju uczestniczą w fabule, na przykład w scenie „Widząc zapusty” i w finale: dźwięk chóru narasta - jak jasność słońca, które ponownie świeci nad królestwem Berendey.
Wystąpili: Orkiestra Symfoniczna i Chór Teatru Bolszoj, dyrygent Yevgeny Svetlanov, soliści Ivan Kozlovsky, Vera Firsova, Alexey Krivchenya
Balet „Ognisty ptak” (1909-1910)
Igor Strawiński
Lew Bakst. Iwan Carewicz i Ognisty Ptak. 1915 Wikimedia Commons Igor Strawiński napisał „Ognistego ptaka” na zamówienie Siergieja Diagilewa dla rosyjskich sezonów. Libretto, stworzone przez wybitnego choreografa Michaiła Fokina, opiera się na wątkach kilku ludowe opowieści(o Iwanie Carewiczu, Ognistym Ptaku i szary Wilk, o Koshchei Nieśmiertelnym i Księżniczce Ukochanej Piękności) i jednego autora - "Nocne tańce" Sologuba. W pogoni za Ognistym Ptakiem Iwan Carewicz znajduje się w cudownym ogrodzie. Tam widzi bohaterów, których Kościej Nieśmiertelny zamienił w kamień za próbę ocalenia skradzionych przez niego narzeczonych. Teraz narzeczone-księżniczki mieszkają w zamku Koshchei i wychodzą do ogrodu, aby się bawić. Z nimi jest Ukochana Piękność, w której zakochuje się Iwan Carewicz. Rozwścieczeni słudzy Koshchei chwytają Ivana, który pobiegł za księżniczkami, ale udaje mu się uciec dzięki oślepiającemu światłu z piór Ognistego Ptaka. Tak więc czar złego królestwa zostaje zerwany, a na jego miejscu pojawia się chrześcijańskie miasto. Zaczarowani bohaterowie ożywają i znajdują swoje narzeczone, a Iwan Carewicz, obecnie władca nowego miasta, poślubia Ukochaną Piękność.
W balecie współistnieją trzy baśniowe światy: mroczne królestwo Koshchei, wspaniały ogród ze złotymi jabłkami i chrześcijańskie miasto z kopułami. Armia Koshcheyevo rozpoczyna „Bad Dance” charakterystycznymi rytmicznymi przerwami i jasnymi gwizdami fletu piccolo; pojawieniu się Ognistego Ptaka towarzyszą delikatne melodie kołysanki w wykonaniu instrumentów dętych drewnianych i smyczkowych. W okrągłym tańcu księżniczek Strawiński używa cytatu z rosyjskiej pieśni ludowej „Jak w przedszkolu, przedszkolu”, aw radosnym finale - z piosenki „Nie sosna kołysała się przy bramie”.
Wykonawcy: Columbia Symphony Orchestra, dyrygent Igor Stravinsky
Balet Śpiąca Królewna (1889)
Piotr Czajkowski
Lew Bakst. Projekt kostiumu do baletu Śpiąca Królewna. 1921 Obrazy artystyczne / DIOMEDIA W balecie Śpiąca królewna Czajkowskiego, opartym na baśni Charlesa Perraulta, jak to zwykle w baśniach bywa, zderzają się dwa światy: świat dobra, za który odpowiada wróżka bzu, i świat zła, którego uosobieniem jest wróżka Carabosse. Każda wróżka ma swój motyw przewodni: wróżka bzu ma delikatny liryczny walc, a wróżka Carabosse ma niestabilną i ostrą, ciągle zmieniającą się muzykę.
Tematy ścierają się już w prologu i tam wygrywa dobro. Ale w chwili, gdy główna bohaterka baletu – Aurora – zostaje nakłuta wrzecionem otrzymanym od Carabosse, motyw złej wróżki brzmi przemożnie. Motyw przewodni snu Aurory na początku melodyjnie nawiązuje do motywu przewodniego baśniowego Carabosse, ale już w drugim akcie baletu zbliża się do tematu dobroci. Całkowite zwycięstwo dobra następuje w trzecim akcie, wypełnionym radosnymi melodiami. Ważną rolę w finale odgrywają liczne urządzenia dźwiękonaśladowcze. Przy dźwiękach poloneza goście pojawiają się na weselu Księcia Pożądania i Księżniczki Aurory - postaci z innych bajek Charlesa Perraulta: Kopciuszek i Książę Fortune, Piękna i Bestia, Niebieska Broda oraz jego żonę i inne osoby. Każda para bohaterów prezentowana jest indywidualnie zarówno muzycznie, jak i choreograficznie. I tak np. pas de deux Księżniczki Floryny i Błękitnego Ptaka, dzięki trzepoczącym falom rąk, lekkim skokom i wirom przypomina swobodny i łatwy lot ptaków. Muzycznie obraz ten jest przekazywany za pomocą krętych melodii w wykonaniu fletów i klarnetów, naśladujących śpiew fantastycznych ptaków. W odcinku "Kot w butach i biały kot" dźwięk obojów i fagotów imituje miauczenie kota, a odcinek "Czerwony Kapturek i Wilk" rytmicznie oddaje małe pospieszne kroki dziewczyny.
Wykonawcy: London Symphony Orchestra, André Previn
Balet „Cipollino” (1974)
Karen Chaczaturian
Ramka z kreskówki „Cipollino”. 1961 Sojuzmultfilm Balet oparty jest na słynnej baśni „Przygody Cipollino” Gianniego Rodariego o dzielnym chłopcu walczącym z bogatymi władcami – Cytryną i Pomidorem, a za musical przyjmuje się wspaniałą kreskówkę „Cipollino” z 1961 roku. Balet zawiera także muzykę z innych filmów rysunkowych, których kompozytorem był Chaczaturian: „Kiedy zapalą choinki” (1950), „Leśni podróżnicy” (1951), „Słodka bajka” (1970), „Niezwykła zapałka” (1955) , „Starzy znajomi” (1956).
W tym balecie nie ma motywów przewodnich przypisanych bohaterom, muzyka podąża za fabułą, a nie konkretnymi postaciami. Na przykład pogoń za Cipollino jest bardzo trafnie przekazywana za pomocą skocznej muzyki o skocznym rytmie, dającej do zrozumienia widzom, że nie warto bać się o bohatera. Dziecięcą prostotę i przystępność baletu podkreśla także przewaga w partyturze liczb efektownych (np. uwolnienie Cipollina i spotkanie z przyjaciółmi, pojawienie się Księcia Cytryny ze strażnikami) nad tradycyjnymi (jak pas de deux z Magnolii i Wiśni, wariacja strażnika, wariacja magnolie). Prosta choreografia pozwala na udział w przedstawieniach nawet młodym tancerzom. A na podstawie baletu Chaczaturian stworzył suitę dla dzieci na fortepian na cztery ręce .
Wykonawcy: Orkiestra Symfoniczna Teatru Bolszoj, dyrygent Alexander Kopylov
Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow - gawędziarz kompozytor : większość prac jest napisana w języku bajka- opery Opowieść o carze Saltanie, Snow Maiden, Sadko, Kashchei the Immortal, Golden Cockerel, May Night itd. - które odzwierciedlały głębokie zamiłowanie Rimskiego-Korsakowa do narodowej bajeczności i pogańskiej mitologii.
Wielki gawędziarz wytrawny mistrz muzyczny krajobraz. Obrazy, które stworzył, są szczególnie różnorodne. element morza- czasem pogodnie spokojny, czasem lekko wzburzony, a czasem budzący grozę, okrutny. I nie jest to zaskakujące: od wczesne dzieciństwo Nika (jak nazywali go jego krewni) był urzeczony morzem, nawet go nie widząc.
Pamiętaj o symfonicznym wstępie do opery „Sadko” – „Ocean-morze jest niebieskie”
Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow urodził się 6 marca (18) 1844 r. W mieście Tichwin. Umiejętności muzyczne chłopiec pojawił się wcześnie, ale zgodnie z rodzinną tradycją, w wieku dwunastu lat został przydzielony do Korpusu Marynarki Wojennej w Petersburgu. Po ukończeniu Korpusu Kadetów Marynarki Wojennej w stopniu kadetów (młodszego oficera marynarki) ukończył trzyletni podróż dookoła świata. Podróż morska wprowadziła Rimskiego-Korsakowa do mórz i oceanów o różnych szerokościach geograficznych. W listach do rodziców entuzjastycznie opisuje piękności pejzaż morski. bystrym okiem artysta, wchłaniał wszystkie odcienie, wszystkie zmiany otaczającego go morskiego żywiołu. A stając się kompozytorem, przez całe życie przedstawiał go w barwach orkiestrowych.
W 1861 r. doszło do znajomości i nawiązania bliskich twórczych związków z kręgiem M. A. Bałakiriewa („ potężna wiązka”), w tym Ts. A. Cui, M. P. Musorgsky, a nieco później A. P. Borodin.
Komunikacja Rimskiego-Korsakowa z Koło Bałakiriewa przerwała mu na chwilę podróż dookoła świata, która była źródłem rozmaitych wrażeń, które odcisnęły piętno na jego twórczości.
Walentyn Sierow. Portret kompozytora N.A. Rimskiego-Korsakowa
W 1871 r. Rimski-Korsakow został zaproszony na stanowisko profesora Konserwatorium Petersburskiego i piastował to stanowisko przez prawie cztery dekady.
Teraz Konserwatorium w Petersburgu nosi imię N.A. Rimskiego-Korsakowa.
Po lewej stronie w pobliżu budynku Konserwatorium - on Plac Teatralny- znajduje się pomnik Rimskiego-Korsakowa.
Kolejnym niezapomnianym miejscem w Petersburgu jest mieszkanie-muzeum N.A. Rimskiego-Korsakowa na Zagorodnym Prospekcie. Muzeum Rimskiego-Korsakowa zostało otwarte w drugiej połowie XX wieku z inicjatywy jego potomków.
Mieszkanie kompozytora zostało przebudowane i podzielone na dwie duże izby. W jednym z nich urządzono ekspozycję, na którą składają się muzyczne rękopisy Rimskiego-Korsakowa oraz różne dokumenty, dzięki którym można prześledzić historię jego życia i twórczości. A drugi aktualnie pracuje hala koncertowa, gdzie znowu, jak sto lat temu, odbywają się „Środy Korsakowa” z przedstawieniem współcześni muzycy, śpiewacy operowi i wykonawców scenicznych.
Prawie wszyscy odwiedzili Rimskiego-Korsakowa sławni kompozytorzy oraz muzycy końca XIX i początku XX wieku: S. V. Rachmaninov, A. N. Skryabin, A. K. Glazunov, I. F. Strawiński, a także artyści V. A. Serov i I. E. Repin, piosenkarz F. I. Chaliapin i inni artyści. Rimski-Korsakow lubił urządzać w domu wieczory muzyczne z piosenkami i graniem na starym pianinie Beckera. Zazwyczaj takie spotkania kompozytorów i śpiewaków odbywały się raz w tygodniu, w środy, a w końcu zaczęto nazywać „środami Korsakowa”.
Paweł Lubimcew urodził się 19 lipca 1957 w Moskwie, w rodzinie sławni pianiści, profesorowie Instytutu Gnessin (ojciec - E. Ya. Lieberman, matka - B. L. Kremenshtein). W 1974 wstąpił do Wyższej Szkoły Teatralnej im. B. W. Szczukina przy teatrze im. Jewgienija Wachtangowa, na kursie prof. A. G. Burowa. Wśród jego nauczycieli są A. A. Kazanskaya, A. A. Kalyagin, V. A. Etush.
Po ukończeniu szkoły Shchukin P. Lyubimtsev w latach 1978-1982. pracował w Leningradzkim Akademickim Teatrze Komediowym, którego głównym dyrektorem był wówczas Piotr Fomenko (to on zasugerował, aby aktor przyjął pseudonim „Lubimcew”).
Szczególną rolę w twórczym losie P. Lyubimtseva odegrał jego nauczyciel słowo artystyczne, Artysta narodowy W Rosji Ya M. Smolensky, który na początku zaszczepił aktorowi miłość do gatunku czytania, a następnie przyciągnął go do pracy w dziale literackim i czytelniczym Moskiewskiej Państwowej Filharmonii Akademickiej.
Przez lata pracy w Filharmonii Pavel Lyubimtsev przygotował dziesiątki programów solowych opartych na twórczości A. S. Puszkina, M. Bułhakowa, O. Wilde'a, E. Poe, P. Erszowa, K. Paustowskiego, I. Andronikowa, V. Lakshin i inni iz entuzjazmem pracuje dla publiczności dziecięcej i młodzieżowej, uczestniczy w karnetach literackich i muzycznych Filharmonii Moskiewskiej: „Zabawny profesor” i „Bajki z orkiestrą”.
P. Lyubimtsev jest znany szerokiemu gronu widzów przede wszystkim jako genialny gawędziarz, autor i prezenter telewizyjny. popularne programy: „Podróż przyrodnika” (program dwukrotnie wyróżniony nagrodą „TEFI”), „Stary plakat”, „Podróż miejska”, „Chcę wiedzieć”, „Tajemnica staje się jasna”. Na podstawie audycji wydano książki „Podróże przyrodnika” (w 2 tomach) i „Moskwa z Pawłem Lubimcewem” (w 3 tomach). P. Lyubimtsev napisał także „Eseje o historii sztuki czytania” i wspomnienia „Podróż przez własne życie”.
P. Lyubimtsev nadal występuje na scenie teatralnej i występuje w filmach. Wśród najnowszych prac są role w filmach „Apothege”, „Dash”, „Happiness is ...”, „Shards of szklany pantofelek”. Gra w spektaklach „Mademoiselle Nitouche” Państwowego Teatru Akademickiego im. Evg. Vakhtangov (rola dyrektora Operetki), ” Wiśniowy Sad„Kompania” LA „Teatr” (rola Symeonowa-Piszczika), „Księżniczka cyrku” Moskiewskiego Teatru Muzycznego (rola Pelikana).
Od 1991 roku Pavel Evgenievich wykłada w Szkole Szczukina na Wydziale umiejętności aktorskie(od 2005 - kierownik katedry, od 2007 - profesor). Przez lata wystawiał wiele spektakli dyplomowych. Jest reżyserem spektakli „Noc błędów” O. Goldsmitha w Moskiewskim Akademickim Teatrze Satyry oraz „Khanuma” A. Tsagareli w Kabardyńskim Państwowym Teatrze Dramatycznym im. A. Szogencukowa. Założyciel i dyrektor Studia Teatralnego „Biały Bal” (2014).
Pavel Lyubimtsev - laureat Ogólnorosyjskie zawody artyści-czytelnicy imion N.V. Gogola i A.S. Puszkina. Czczony Artysta Federacji Rosyjskiej, Czczony Artysta Federacji Rosyjskiej, laureat Nagrody Rządu Federacji Rosyjskiej w dziedzinie kultury.
Narodowa Orkiestra Akademicka instrumenty ludowe Rosji nazwany imieniem N.P. Osipov
Narodowa Akademicka Orkiestra Instrumentów Ludowych Rosji im. N.P. Osipowa to jedna z najbardziej znanych i cenionych orkiestr na świecie. W 2014 roku znakomity zespół skończył 95 lat.
Orkiestra powstała w 1919 roku. Okres ten zbiegł się z rosnącym zainteresowaniem odrodzeniem rosyjskiej muzyki ludowej. U początków zespołu były wybitni muzycy: gracz bałałajki Borys Trojanowski (1883-1951) i dorysta Piotr Aleksiejew (1892-1960). To oni zostali liderami młodej orkiestry, której pierwszy koncert odbył się w Moskwie w Ermitażu. Bardzo szybko został oklaskiwany przez wielu prowadzących sale koncertowe nasz kraj.
B. Troyanovsky i P. Alekseev położyli podwaliny pod orkiestrowe umiejętności wykonawcze, które przez lata doskonaliły się i rozwijały. W przyszłości zespołem kierowało wielu utalentowani muzycy: Nikołaj Gołowanow (1891-1953), bracia Nikołaj (1901-1945) i Dmitrij (1909-1954) Osipow, Wiktor Smirnow (1904-1995), Witalij Gnutow (1926-1976), Wiktor Dubrowski (1927-1994), Anatolij Poletajew (ur. 1935), Nikołaj Kalinin (1944-2004), Władimir Ponkin (ur. 1951). Od 2009 roku orkiestrą kieruje Władimir Andropow, Ludowy Artysta Rosji, profesor, laureat Rządowej Nagrody FR. Nastały lata współpracy z mistrzami na najwyższym poziomie specjalne pismo odręczne orkiestrę, dzięki której stał się rozpoznawalny m.in. i przyniósł mu światową sławę.
Orkiestra nosi imię wybitnego radzieckiego muzyka Nikołaja Pietrowicza Osipowa. Jego praca w orkiestrze (1940-1945) zaznaczyła się całkowicie Nowa scena w twórczym życiu zespołu. Okres ten zbiegł się z początkiem Wielkiego Wojna Ojczyźniana. W czerwcu 1941 orkiestra została rozwiązana. Niemal wszyscy artyści zostali wcieleni do wojska i poszli na front. Był w nich N.P. Osipov trudne lata zajmowała się odbudową zespołu, poszukiwaniem muzyków na frontach Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, co pozwoliło orkiestrze kontynuować jej istnienie. Następnie N.P. Osipov zdołał ujawnić słuchaczom bogactwo i wyjątkowość brzmienia języka rosyjskiego orkiestra ludowa, dla których praktycznie nie ma ograniczeń repertuarowych. Orkiestra swoim jasnym i oryginalnym brzmieniem przyciągnęła uwagę lidera kompozytorzy radzieccy(N. Budashkina, A. Novikov, A. Kholminova i inni), którzy wzbogacili repertuar grupy o oryginalne kompozycje.
W 1946 roku orkiestra została nazwana imieniem N.P. Osipowa. W 1969 roku zespół otrzymał honorowy tytuł „akademicki”.
W wyniku wieloletniej praktyki koncertowej orkiestra wytworzyła wokół siebie przyjazną i twórczą atmosferę. Zespół stale współpracuje zarówno z czołowymi muzykami – śpiewakami, instrumentalistami, kompozytorami i dyrygentami, jak i młodymi wykonawcami. W różne lata z orkiestrą występowali wybitni mistrzowie: dyrygenci N. Anosov, A. Gauk, V. Dudarova, G. Rozhdestvensky, V. Fedoseev; śpiewacy I. Arkhipova, I. Bogacheva, O. Voronets, L. Zykina, L. Ruslanova, A. Strelchenko, E. Nesterenko, Z. Sotkilava, B. Shtokolov, A. Eisen, D. Hvorostovsky, V. Matorin; wykonawcy na instrumentach ludowych V. Gorodovskaya (harfa), A. Tsygankov (domra), bałałajkowie P. Necheporenko, M. Rozhkov, A. Tichonow, A. Gorbaczow i wielu innych muzyków.
Orkiestra N.P. Osipov prowadzi aktywną działalność twórczą i Działania edukacyjne w najlepszych salach koncertowych Moskwy, Rosji i innych krajów. Był oklaskiwany w Austrii, Australii, Wielkiej Brytanii, Niemczech, Grecji, Holandii, Danii, Kanadzie, Korei, Meksyku, Nowej Zelandii, Finlandii, Francji, Szwajcarii, Japonii. Każdy sezon to pojawienie się zupełnie nowych programów koncertowych, zarówno dla dorosłych, jak i dla większości młodzi widzowie. Tak więc w Sali Koncertowej im. Czajkowskiego w ciągu ostatnich kilku lat orkiestra przygotowała ponad 60 nowych programów, z których wiele stało się ważnymi wydarzeniami. życie kulturalne Rosja. Jeden z nich - prenumerata dla dzieci "Śmieszny profesor" - otrzymał Nagrodę Rządu Federacji Rosyjskiej.
Niepowtarzalne brzmienie instrumentów ludowych, kultura dźwięku, najwyższy poziom profesjonalne umiejętności wykonawcze sprawiają, że orkiestra zajmuje poczesne miejsce wśród najjaśniejszych zjawisk sztuki rosyjskiej.
Władimir Andropow
Władimir Andropow- Artysta Ludowy Rosji, dyrektor artystyczny i główny dyrygent Narodowa Akademicka Orkiestra Instrumentów Ludowych Rosji im. N.P. Osipowa, dyrygenta Państwowego Akademickiego Teatru Bolszoj Rosji, profesora, laureata Nagrody Rządu Federacji Rosyjskiej w dziedzinie kultury za rok 2011.
Absolwent Białoruskiego Konserwatorium Państwowego Władimir Andropow rozpoczął swoją twórczą karierę jako dyrygent Białoruskiej Orkiestry Symfonicznej. W 1978 zadebiutował w Teatrze Bolszoj operą Godzina hiszpańska M. Ravela i objął stanowisko dyrektora artystycznego i dyrygenta orkiestry estradowej. Profesjonalizm i umiejętności organizacyjne pozwoliły mu stworzyć najwyższej klasy orkiestrę dętą i przygotować z nią bogaty repertuar koncertowy, obejmujący utwory różnych autorów, epok i gatunków.
W latach 2000-2002 Władimir Andropow pełnił funkcję dyrektora artystycznego Bolszoj Opera Company. Był dyrygentem-producentem opery „Dziewczyna pięknego młynarza” G. Paisiello oraz baletów „Bezsenność” S. Żukowa, „Dama pikowa” (do muzyki VI Symfonii P. Czajkowskiego) oraz „Passacaglia” (do muzyki A. von Weberna). W jego bogatym repertuarze teatralnym znajdują się również opery Eugeniusz Oniegin, Iolanthe i Opricznik P. Czajkowskiego, Syrenka A. Dargomyżskiego, Narzeczona cara i Mozarta oraz Salieri N. Rimskiego-Korsakowa, Borys Godunow » M. Musorgski, „Nabucco” i „Siła przeznaczenia” G. Verdiego, „Tosca” G. Pucciniego, „Miłość do trzech pomarańczy” S. Prokofiewa, balety „Konik garbaty” R. Szczedrina, „Chippolino” K. Chaczaturiana. W 1988 roku dokonał jedynego na świecie nagrania opery Amerykanie E. Fomina (libretto I. Kryłowa).
W 2001 roku brał udział we wspólnej produkcji Borysa Godunowa Musorgskiego w Teatro Verdi w Trieście. Jako dyrygent gościnny współpracował z orkiestrami symfonicznymi Singapuru, Belgradu, Macedonii i zespołami rosyjskimi.
Od 2003 do 2010 V. Andropov był dyrektor artystyczny Stan Astrachań Teatr Muzyczny. Od 2009 roku jest szefem Narodowej Akademickiej Orkiestry Instrumentów Ludowych Rosji im. N.P. Osipowa.
Władimir Andropow posiada mistrzowską technikę dyrygencką: jego gest cechuje precyzja, lekkość i ekspresja. Programy z udziałem mistrza cechuje głębokie zrozumienie materiał muzyczny i odzwierciedlać własne twórcze spojrzenie na wykonywane przez siebie kompozycje.
W 2001 został odznaczony Orderem Przyjaźni.
Projekt:
„Rosyjscy kompozytorzy - gawędziarze”
Rozwój dyrektora muzycznego GBDOU Przedszkole Nr 38 Admiralteisky dzielnica Sankt Petersburga Bugrovoy N.N.
Zadania:
1. Rozwijanie gustu muzycznego u dzieci poprzez zapoznanie ich z twórczością kompozytorów rosyjskich - gawędziarzy; NA. Rimski-Korsakow, P.I. Czajkowski, MI Glinka.
2. Za pomocą dostępnej dzieciom formy percepcji - bajek - rozwinąć w dzieciach miłość i zainteresowanie klasyczną muzyką rosyjską.
3. Zapoznanie dzieci z muzyką na żywo przy pomocy DMF, wysłuchanie fragmentów baśniowych oper, baletów w wykonaniu zespołów profesjonalnych muzyków.
4. Za pomocą rozmowy i dialogu z dziećmi uzupełnij je słownictwo terminy muzyczne zaszczepić miłość do rosyjskiej muzyki klasycznej.
Prace wstępne.
1. Zajęcia zintegrowane:
a) muzyka w bajce (tak jak ją widzimy i przedstawiamy);
b) taniec w bajce (fragmenty baletu P.I. Czajkowskiego „Dziadek do orzechów”, marsz Czernomoru M.I. Glinki, walc z kwiatów z baletu „Śpiąca królewna”, fragmenty oper „Sadko” i „ „Snegurochka” N.A. Rimskiego-Korsakowa i innych.
2. Wycieczka na Plac Teatralny. do pomników kompozytorów N.A. Rimski - Korsakow i M.I. Glinka.
3. Poznawanie Orkiestra symfoniczna i narzędzia.
4. Praca z rodzicami: doradzaj rodzicom znaczenie i wpływ muzyka klasyczna o rozwoju intelektualnym dziecka (przemówienie na spotkania rodziców, indywidualne rozmowy, rekomendacje dla rodziców; uczęszczać na opery i balety kompozytorów rosyjskich.
Tematyczny plan lekcji dla projektu„Rosyjscy kompozytorzy to gawędziarze”.
1.Orkiestra symfoniczna i jej instrumenty.
2.P.I. Czajkowski - krótki życiorys. Postacie z bajek od '' album dla dzieci ‘’.
3. Bajkowa muzyka z baletów ''Dziadek do orzechów'', '' jezioro łabędzie ‘’,
''Śpiąca Królewna''.
4. MI Glinka - krótka biografia. Fragmenty opery „Rusłan i Ludmiła”.
5. Najwspanialszy rosyjski kompozytor N.A. Rimsky - Korsakov - krótka biografia. opery bajkowe; ''Sadko'', ''Śnieżna Panna'', ''Złoty Kogucik''.
6. Narysuj swój ulubiony wspaniały obraz z utworów, których słuchałem na zajęciach.
7. Quiz „Zgadnij, z jakiej bajki jestem?” / podróż przez muzyczne opowieści rosyjskich kompozytorów - gawędziarzy.
