Sztuka jest prawie tak stara jak sama ludzkość, a na przestrzeni wieków naszego istnienia powstały niezliczone, niepowtarzalne dzieła.
Sporządzenie listy większości z nich byłoby prawdopodobnie zbyt odważne wybitne arcydzieła, gdyż kryteria oceny kreatywności są zbyt subiektywne. Dlatego w naszym rankingu znalazły się obrazy i rzeźby, które z pewnością są najbardziej rozpoznawalne na świecie, co wcale nie oznacza, że są w jakiś sposób lepsze od innych genialnych dzieł.
Jakie dzieła są najbardziej znane? Dowiedz się już teraz! Być może nie znasz wszystkich i nadszedł czas, aby sprawdzić swoją erudycję i horyzonty.
25. Kąpiący się – Paul Cézanne
Obraz ten uznawany jest za prawdziwe arcydzieło. Sztuka współczesna. „Kąpiący się” to jedno z najsłynniejszych dzieł Paula Cezanne’a. Po raz pierwszy dzieło zostało zaprezentowane szerokiej publiczności na wystawie w 1906 roku. Obraz olejny Cezanne przetarł drogę artystom przyszłości, pozwalając im odejść od tradycyjnych szablonów i zbudował pomost pomiędzy postimpresjonizmem a sztuką XX wieku. 24. Dyskobol Mirona 
„Dyskobol” to legendarny grecki posąg, wykonany przez słynnego greckiego rzeźbiarza Myrona z Eleutherae (Eleutherae) w okresie od około 460 do 450 roku p.n.e. mi. Rzymianie bardzo podziwiali to dzieło i wykonali nawet kilka kopii tej rzeźby, zanim jej oryginał zniknął bez śladu. Następnie „Dyskobol” stał się symbolem igrzysk olimpijskich. 23. Apollo i Dafne – Berniniego 
Apollo i Daphne to naturalnej wielkości rzeźba stworzona przez włoskiego artystę Gian Lorenzo Berniniego około 1622-1625. Arcydzieło przedstawia półnagą kobietę próbującą uciec przed prześladowcą. Rzeźba wyraźnie świadczy o wysokim kunszcie jej twórcy, który odtworzył kulminację słynnej opowieści Owidiusza (Owidiusza) o Dafne i Phoebus (Daphna, Phoebus). 22. Nocna straż Rembrandta
Arcydzieło cieszącego się międzynarodowym uznaniem duńskiego artysty Rembrandta, Straż nocna, jest jednym z najbardziej znanych znane obrazy XVII wiek. Praca została ukończona w 1642 roku i zlecono przedstawienie portretu grupowego kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocqa i porucznika Willema van Ruytenburga (Frans Banning Cocq, Willem van Ruytenburgh). Dziś obraz zdobi wystawę Rijksmuseum w Amsterdamie. 21. Rzeź niewinnych – Rubens
„Rzeź niewiniątek” to obraz opowiadający o strasznym rozkazie króla żydowskiego Heroda, na którego rozkaz zabito wszystkie dzieci w Betlejem i okolicach do 2 roku życia. Tyran wierzył w przepowiednię, że nadejdzie dzień, w którym król Izraela usunie go z tronu i miał nadzieję, że wśród zabitych dzieci znajdzie się jego przyszły rywal. Rubens, przedstawiciel flamandzkiego baroku, napisał dwie wersje słynnej opowieści biblijnej z różnicą 25 lat. Przed Państwem stoi pierwsza wersja obrazu, która powstała w latach 1611-1612. 20. Campbell - Zupa Cebulowa z Wołowiną Warhola
Namalowana przez amerykańskiego artystę Andy'ego Warhola w 1962 roku Zupa Cebulowa z Wołowiną Campbella jest jednym z najsłynniejszych przykładów sztuki współczesnej. Warhol w swojej twórczości po mistrzowsku pokazał monotonię branży reklamowej, reprodukując wiele kopii tego samego produktu na swoim gigantycznym płótnie. Warhol powiedział też, że jadł te zupy codziennie przez 20 lat. Być może dlatego puszka zupy cebulowej stała się obiektem jego słynnego dzieła. 19. Gwiaździsta noc – Van Gogha
Obraz olejny Gwiaździsta noc jest dziełem duńskiego postimpresjonisty Vincenta van Gogha, który ukończył to legendarne dzieło w 1889 roku. Do napisania obrazu zainspirował się artysta, patrząc na nocne niebo przez okno swojego pokoju w szpitalu Saint-Paul w mieście Saint-Remy na południu Francji (Saint-Paul Asylum, Saint-Remy). To tam słynny twórca swego czasu szukał odpoczynku od emocjonalnego cierpienia, które prześladowało go do końca jego dni. 18. Malowidła naskalne jaskini Chauvet
Rysunki odkryte na południu Francji w jaskini Chauvet to jedno z najsłynniejszych i najlepiej zachowanych prehistorycznych arcydzieł sztuki światowej. Wiek tych dzieł to około 30 000 – 33 000 lat. Ściany jaskini są po mistrzowsku przedstawione z setkami prehistorycznych zwierząt, w tym niedźwiedziami, mamutami, lwami jaskiniowymi, panterami i hienami. 17. Pocałunek Rodina 
Pocałunek to marmurowy posąg stworzony przez wybitnego francuskiego rzeźbiarza Auguste'a Rodina w 1889 roku. Fabuła arcydzieła została zainspirowana twórczością autora smutna historia Paolo i Francesca, postacie z legendarnego dzieła Dantego Alighieri „Boska komedia” (Paolo, Francesca, Dante Alighieri). Kochankowie zostali zabici przez męża Franceski, który nagle przyłapał młodych ludzi, gdy oczarowani sobą chłopak i dziewczyna zamienili swój pierwszy pocałunek. 16. Manneken Pis, autor nieznany
„Manneken Pis” lub „Manneken Pis” to niewielka rzeźba z brązu, która stała się prawdziwą atrakcją fontanny w centrum Brukseli. Pierwotne autorstwo dzieła nie jest znane, ale w 1619 roku zostało ono ukończone przez belgijskiego rzeźbiarza Jerome'a Duquesnoya. Wizytówka miasta „Manneken Pis” miała zostać zainstalowana na pamiątkę wydarzeń wojny w Grimbergen, podczas której sikające dziecko, według jednej wersji, oddawało mocz na żołnierzy, a według innej gasiło nieprzyjacielską amunicję zagrażającą zniszczyć całe miasto. W święta rzeźba ubrana jest w kostiumy tematyczne. 15. Trwałość pamięci – Salvador Dali
Namalowany w 1931 roku przez słynnego hiszpańskiego malarza Salvadora Dali, Trwałość pamięci jest jednym z najbardziej rozpoznawalnych arcydzieł sztuki surrealistycznej w historii malarstwa. Praca przedstawia ponury piaszczysty brzeg usiany topniejącymi zegarami. W przypadku tak niezwykłej fabuły Dali zainspirował się teorią względności Alberta Einsteina. 14. Pieta, czyli Opłakiwanie Chrystusa Michała Anioła
Pieta to słynna renesansowa rzeźba stworzona przez florenckiego artystę Michała Anioła w latach 1498-1500. Utwór opisuje scenę biblijną – Maryja trzyma w ramionach ciało Jezusa zdjęte z krzyża. Obecnie rzeźba znajduje się w Bazylice św. Piotra w Watykanie. Pieta to jedyne dzieło Michała Anioła, które podpisał. 13. Lilie wodne – Claude Monet
„Lilie wodne” to seria około 250 obrazów olejnych autorstwa światowej sławy francuskiego impresjonisty Claude'a Moneta. Zbiór tych dzieł uznawany jest za jedno z najwybitniejszych osiągnięć sztuki początku XX wieku. Jeśli złożysz wszystkie obrazy razem, stworzysz iluzję niekończącego się krajobrazu wypełnionego liliami wodnymi, drzewami i chmurami odbitymi w wodzie. 12. Krzyk – Edvard Munch 
Krzyk to kultowe arcydzieło norweskiego ekspresjonisty Edvarda Muncha. W latach 1893–1910 napisał 4 różne wersje tej historii. Słynna twórczość artysty została zainspirowana prawdziwymi przeżyciami autora związanymi ze spacerem na łonie natury, podczas którego Munch został porzucony przez swoich towarzyszy (ich także widać na zdjęciu w tle). 11. Moai, autor nieznany
Posągi Moai to masywne kamienne monolity odkryte na Wyspie Wielkanocnej na Oceanie Spokojnym w zachodniej Polinezji. Posągi są również znane jako Głowy Wyspy Wielkanocnej, ale tak naprawdę wszystkie mają ciała ukryte pod ziemią. Posągi Moai datowane są na okres od około 1400 do 1650 roku i zostały rzekomo wyrzeźbione w kamieniu przez aborygenów, którzy niegdyś mieszkali na wyspie Rapa Nui (Rapa Nui, lokalna nazwa Wyspy Wielkanocnej). W sumie na tym obszarze odkryto około 1000 takich gigantycznych arcydzieł starożytności. Tajemnica ich przemieszczania się po wyspie wciąż pozostaje nierozwiązana, a najcięższa postać waży około 82 ton. 10. Myśliciel — Rodin 
Myśliciel to najsłynniejsze dzieło francuskiego rzeźbiarza Auguste’a Rodina. Autor ukończył swoje arcydzieło w 1880 roku i pierwotnie nazwał rzeźbę „Poeta”. Posąg był częścią kompozycji zatytułowanej „Wrota piekieł” i uosabiał samego Dantego Alighieri, autora słynnego „ Boska komedia„. Według pierwotnego pomysłu Rodina Alighieri pochyla się nad kręgami piekła, rozmyślając nad swoją pracą. Następnie rzeźbiarz przemyślał postać i uczynił z niej uniwersalny obraz twórcy. 9. Guernica – Pablo Picasso
Obraz olejny wielkości całego fresku Guernica jest jednym z najsłynniejszych dzieł tego wybitnego artysty Artysta hiszpański Pablo Picasso. Czarno-biały obraz jest reakcją Picassa na nazistowskie bombardowanie baskijskiego miasta Guernica podczas hiszpańskiej wojny domowej. Arcydzieło ukazuje całą tragedię, okropności wojny i cierpienia wszystkich niewinnych obywateli w obliczu zaledwie kilku postaci. 8. Ostatnia wieczerza – Leonardo da Vinci
Obraz ten można podziwiać dzisiaj podczas wizyty w klasztorze dominikanów Santa Maria delle Grazie (Santa Maria delle Grazie) w Mediolanie. Do najbardziej znanych należy legendarny obraz Leonarda da Vinci „Ostatnia wieczerza”. słynne arcydzieła na świecie. Artysta pracował nad tym freskiem od 1494 do 1498 roku i przedstawił na nim słynną biblijną scenę ostatniej wieczerzy Jezusa Chrystusa w otoczeniu uczniów, szczegółowo opisaną w Ewangelii Jana. 7. Statua Wolności autorstwa Eiffla, Bartholdi
Ikoniczna rzeźba znajduje się na nowojorskiej Wyspie Wolności i była niegdyś darem przyjaźni między narodami Francji i Stanów Zjednoczonych. Dziś Statua Wolności uznawana jest za międzynarodowy symbol wolności i demokracji. Autorem kompozycji był francuski rzeźbiarz Bartholdi, a zaprojektował ją i zbudował architekt Gustav Eiffel. Dar został wręczony 28 października 1886 roku. 6. Hermes z małym Dionizosem lub Hermes Olimp – Praxiteles (Praxiteles) 
Hermes z Dzieciątkiem Dionizosem to starożytna grecka rzeźba odkryta podczas wykopalisk w 1877 roku pośrodku ruin świątyni bogini Hery w Grecji. Prawa ręka Hermes zaginął, ale archeolodzy uważają, że zgodnie z fabułą zachowano boga handlu i sportowców wino pokazując go małemu Dionizosowi, bogu wina, orgii i religijnej ekstazy. 5. Stworzenie Adama przez Michała Anioła
Stworzenie Adama to jeden z najsłynniejszych fresków Michała Anioła. Powstał w latach 1508-1512 i uważany jest za najpopularniejszą kompozycję stropu Kaplicy Sykstyńskiej, kultowego ośrodka katolickiego znajdującego się w Watykanie. Obraz ilustruje moment biblijnego stworzenia pierwszego człowieka w dziejach, opisany w Księdze Rodzaju w Starym Testamencie. 4. Wenus z Milo, czyli Afrodyta z wyspy Milos 
„Wenus z Milo” urodziła się około 130–100 r. p.n.e. i jest jedną z najsłynniejszych starożytne greckie rzeźby. marmurowy posąg odkryto w 1820 roku na wyspie Milos (Milo), która jest częścią Archipelagu Cyklad na Morzu Egejskim. Tożsamość bohaterki nie została jeszcze dokładnie ustalona, jednak badacze sugerują, że autorką wykutego w kamieniu arcydzieła jest właśnie Afrodyta, grecka bogini miłości i piękna, często przedstawiana jako półnaga. Chociaż istnieje wersja, w której posąg jest odlany na obraz bogini morza Amphitrite, która była szczególnie czczona na wyspie, na której znaleziono artefakt. 3. Narodziny Wenus – Sandro Botticelli
Narodziny Wenus to dzieło włoskiego artysty Sandro Botticellego, namalowane w latach 1482-1485 i uważane za jedno z najsłynniejszych i najcenniejszych arcydzieł sztuki na świecie. Obraz przedstawia scenę ze słynnego wiersza Owidiusza Metamorfozy, w której bogini Wenus po raz pierwszy wychodzi na brzeg z morskiej piany. Prace można oglądać w Galerii Uffizi we Florencji. 2. Dawid – Michał Anioł 
Legendarna rzeźba renesansu powstała w latach 1501-1504 przez genialnego twórcę Michała Anioła. Do chwili obecnej „Dawid” uważany jest za najsłynniejszy posąg na świecie. To zachwycające arcydzieło to biblijny bohater Dawid wyryty w kamieniu. Artyści i rzeźbiarze z przeszłości tradycyjnie przedstawiali Dawida podczas bitwy, zwycięzcę nad potężnym Goliatem, wojowniczego męża i bohatera, ale Michał Anioł wybrał do swojego dzieła wizerunek uroczego młodego mężczyzny, który nie nauczył się jeszcze sztuki wojny i morderstwa . 1. Mona Lisa Leonarda da Vinci
Być może niektóre dzieła z tej listy były Wam nieznane, ale Mona Lisa Leonarda da Vinci jest znana każdemu. Jest to najsłynniejszy, najczęściej omawiany, najbardziej znany i najczęściej odwiedzany obraz na świecie. genialny mistrz napisała go w latach 1503-1506 i pozowała do płótna Lisa Gherardini, żona kupca jedwabiu Francesco del Giocondo (Lisa Gherardini, Francesco del Giocondo). Słynna ze swojego enigmatycznego wyrazu twarzy Mona Lisa jest dumą Luwru, najstarszego i najbogatszego muzeum we Francji i na świecie.AKROPOL W Atenach
FIDIUSZ
HISTORIA JEDNEGO ARCYDZIEŁA
Akropol w Atenach
Nazwa Akropol w Atenach
Data powstania V w. PNE.
architektura formy sztuki
Styl architektonicznystarożytna architektura
Zamiar pełnił funkcję sanktuarium religijnego w całej Attyce
Wygląd architektonicznyAkropol wznosi się nad wszystkimi Atenami, jego sylwetka tworzy panoramę miasta. W starożytności Partenon wznoszący się ponad wzgórzami można było zobaczyć z każdej części Attyki, a nawet statki płynące do brzegu. Przemyślana kompozycja całego zespołu, doskonale dobrane proporcje, elastyczne łączenie różnych porządków, najdoskonalsze modelowanie detali architektonicznych sprawiają, że budowle Akropolu są najwyższym osiągnięciem architektury starożytnej Grecji i jednym z najwspanialszych osiągnięć architektury starożytnej Grecji. wybitne zabytki sztuka światowa.
Rozwiązanie konstrukcyjneprzy budowie Akropolu Fidiasz zastosował system porządkowy, na który składały się trzy porządki: joński, dorycki i koryncki. Co więcej, podczas budowy Erechtejonu nie posługiwał się systemem porządkowym, lecz karjotami. We wszystkich świątyniach na Akropolu przedstawiono postacie bogów zmieszanych z ludźmi.
materiały Wszystkie elementy konstrukcji Akropolu, w tym dachówki i stopnie stylobatu, zostały wykute z lokalnego marmuru pentelskiego, który zaraz po wydobyciu był prawie biały, jednak z biegiem czasu nabrał ciepłego, żółtawego odcienia. Nie stosowano zaprawy ani cementu, układanie przeprowadzono na sucho. Bloki zostały starannie dopasowane do siebie, połączenie poziome między nimi wykonano za pomocą żelaznych zacisków dwuteowych umieszczonych w specjalnych rowkach i wypełnionych ołowiem, połączenie pionowe wykonano za pomocą żelaznych kołków.
Wymiary ok. 300 m długości i 170 m szerokości
Fidiasz (ok. 490 pne Ateny)
Główne dzieła
- Atena Promachos na Akropolu, ok. 460 p.n.e mi.
- Zeus, olimpijczyk
Pomysł na pracęAkropol w Atenach, czyli 156-metrowe skaliste wzgórze z łagodnym wierzchołkiem. W 447 roku kierownictwo dzieła powierzono słynnej rzeźbie Fidiaszowi, który najwyraźniej był autorem programu artystycznego, który stanowił podstawę całego kompleksu, jego wyglądu architektonicznego i rzeźbiarskiego.
437-432 Propyleje i Świątynia Nike Apteros
421-406 Erechtejon
448-432 Partenon
Losy dzieła
Zniszczenie Wielokrotnie odbudowywano świątynie na Akropolu z częstych wojowników.
Rekonstrukcja Po ogłoszeniu niepodległości Grecji, w trakcie prac restauratorskich (głównie pod koniec XIX w.), w miarę możliwości, starożytny wygląd Akropol.
Dzisiejszy wyglądPozostając pod otwarte niebo rzeźby zostały obecnie zastąpione kopiami. Wiele płaskorzeźb i rzeźb znajduje się w muzeach na całym świecie.
Interesujące faktyW XV wieku Partenon zamieniono na meczet, do którego przymocowano minarety, a Erechtejon stał się haremem tureckiego paszy.
Zapowiedź:
https://accounts.google.com
Zapowiedź:
Aby skorzystać z podglądu utwórz sobie konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com
Zapowiedź:
Aby skorzystać z podglądu utwórz sobie konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com
Zapowiedź:
KOLOZEUM
HISTORIA JEDNEGO ARCYDZIEŁA
Koloseum
(Amfiteatr Flawiuszów)
Krótka informacja o pracy
Nazwa Koloseum (Amfiteatr Flawiuszów).
Data powstania 75 - 80 lat. OGŁOSZENIE
Miejsce budowy Włochy, Rzym
architektura formy sztuki
Styl architektonicznyarchitektura antyczna
Zamiar w amfiteatrach wystawiali różne przedstawienia: bitwy morskie, bitwy
ludzie z egzotycznymi zwierzętami, walki gladiatorów.
Wygląd architektonicznyRzymskie Koloseum było ogromną misą
schodkowe rzędy siedzeń, zamknięte na zewnątrz w kształcie pierścienia eliptycznego
ściana.
Rozwiązanie konstrukcyjnew odniesieniu do Koloseum - elipsa. Arena jest oddzielona wysokim poziomem
ściana od miejsc dla publiczności. Wokół areny, stopniowo wznoszącej się, znajdowały się
miejsca dla widzów oddzielone szerokimi przejściami. W środku było czterech
kondygnacje siedzeń, które na zewnątrz odpowiadały trzem kondygnacjom arkad: doryckiej
Joński i Koryncki. Czwarta kondygnacja była głucha, z pilastrami korynckimi.
materiały Koloseum zbudowane jest z tufu, ściany zewnętrzne są twardsze
Do budowy sklepień i ścian użyto trawentynu, cegły i betonu.
Wymiary długość - 188 m., wysokość - 48,5 m., długość obwodowa - 520 m.
Historia powstania dzieła
Pomysł na pracęw Koloseum odbywały się popularne w Rzymie spektakle – walki gladiatorów, walki ze zwierzętami, a nawet bitwy morskie- naumachia (wtedy arena została wypełniona wodą). Oprócz tego odbyły się zawody jeździeckie, zawody sportowe i coś na wzór współczesnych koncertów. Organizacja takich widowisk była jednym z tajnych obowiązków klasy panującej i pewnym sposobem na zdobycie miłości ludu. Ze względu na wagę państwową, która wiąże się także z wysokimi kosztami, igrzyska były regulowane wieloma przepisami.
Czas trwania i etapy budowyKoloseum było używane zgodnie z jego przeznaczeniem przez cztery i pół wieku i w tym czasie było wielokrotnie uzupełniane, częściowo przebudowywane i naprawiane, bez zmiany ogólnego projektu. W 217 r. górne kondygnacje spłonęły w wyniku pożaru spowodowanego uderzeniem pioruna, lecz zostały odbudowane. W 248 roku w Amfiteatrze uroczyście obchodzono milenium Rzymu. Ostatni bastion gladiatorów odbyło się w 404 r., a w 405 r. zakazano takich widowisk, gdyż były one sprzeczne z duchem chrześcijaństwa, które w tym czasie stało się religią dominującą. Według szeregu świadectw, w połowie V wieku Koloseum zachowało jeszcze swój pierwotny wygląd, jednak już 50 lat później uległo poważnemu zniszczeniu, być może w wyniku trzęsienia ziemi. Prześladowania zwierząt organizowano w Koloseum przez ponad sto lat – ostatnie miało miejsce w roku 523, już po upadku państwa rzymskiego. Przez pewien czas Amfiteatr był sporadycznie wykorzystywany jako arena, ale w VIII-IX wieku został całkowicie opuszczony.
Losy dzieła
Zniszczenie Stopniowo Amfiteatr topił się - jego kamienie rozebrano, dolna kondygnacja łuków stopniowo schodziła pod ziemię, na ruinach rosły drzewa, a nawet żyły dzikie zwierzęta. Jako pomnik historii i architektury Arena zaczęła być postrzegana dopiero w XVIII wieku. Pierwszym papieżem, którego dotknął los Koloseum, był Benedykt XVI. Czcił je jako miejsce śmierci wielu chrześcijańskich męczenników (choć nie wszyscy współcześni uczeni się z tym zgadzają) i na pamiątkę ich cierpień ustawił na środku areny ogromny krzyż, a w pobliżu kilka ołtarzy. Symbole te istniały do 1874 roku.
Rekonstrukcja I od tego czasu Koloseum jest stale odnawiane: w różne okresy wzmocnili pozostałe ściany, które groziły zawaleniem, naprawili wewnętrzne schody, uzupełnili część utraconych części, odkopali i odkryli podziemne pomieszczenia. W 1997 r. przeprowadzono imponujące badanie Koloseum przy użyciu nowoczesnego sprzętu laserowego i podczerwieni. Prace te umożliwiły stworzenie dokładnej mapy Amfiteatru i identyfikację miejsc największych deformacji budowli.
Dzisiejszy wyglądKoloseum wciąż jest na tyle imponujące i niepowtarzalnie oryginalne, że każdy wchodzący do niego może, jeśli zechce, choć przez chwilę zobaczyć tę gigantyczną budowlę taką, jaką była, gdy tysiące podekscytowanych twarzy zwróconych było w stronę areny, a tam, wśród wichrów kurzu, krew płynęła strumieniami i trwała tak zacięta walka, której ludzki język nie jest w stanie opisać. Ale w następnej chwili pustka i ponura wielkość tych ruin wywołują u gościa cichy smutek; i być może już nigdy nie będzie tak podekscytowany i zszokowany jakimkolwiek innym spektaklem, który nie jest bezpośrednio związany z jego osobistymi uczuciami i przeżyciami… To najbardziej imponujący, najbardziej uroczysty, majestatyczny i ponury spektakl, jaki można sobie wyobrazić.
Interesujące faktyDo budowy Koloseum konieczne było osuszenie jeziora. On był
przeznaczony dla 50 000 widzów. Można było jednocześnie wypuścić na arenę
3000 gladiatorów. Umieszczanie ludzi odbywało się na zasadzie społecznej:
miejsca niższego szczebla dla cesarza, jego świty, senatorów; drugi, trzeci -
dla jeźdźców i obywateli rzymskich; czwarty jest dla wyzwoleńców. System
galerie i liczne wejścia pomogły w szybkim zapełnieniu i opróżnieniu budynku.
Aby chronić widzów przed słońcem nad całym amfiteatrem na wysokich masztach,
Na ścianie czwartej kondygnacji ufortyfikowano markizę (welarium). W głębokich
piwnice Koloseum były pomieszczeniami dla gladiatorów i klatkami dla zwierząt.
Zapowiedź:
PARTENON
IKTIN I KALLIKRAT
HISTORIA JEDNEGO ARCYDZIEŁA
Partenon
Krótka informacja o pracy
Nazwij Partenon
Data powstania 447-438 lat. pne
Miejsce budowy Grecja, Ateny
architektura formy sztuki
Styl architektonicznystarożytna architektura
Zamiar główna świątynia Akropolu, poświęcona bogini Atenie
Wygląd architektoniczny.Partenon w obecnej formie to dorycki perypter stojący na trzech marmurowych stopniach (całkowita wysokość ok. 1,5 m), posiadający 8 kolumn na końcach i 17 po bokach (jeśli liczyć kolumny narożne dwukrotnie). Wysokość kolumn perystylowych złożonych z 10–12 bębnów wynosi 10,4 m, ich średnica u podstawy wynosi 1,9 m, kolumny narożne są nieco grubsze (1,95 m). Kolumny posiadają 20 rowków (rynn pionowych) i zwężają się ku górze. Wnętrze świątyni, czyli celli (wymiar zewnętrzny 21,7-59 m), wzniesione jest nad stylobatem o dwa kolejne stopnie (całkowita wysokość 0,7 m) i posiada na końcach sześciokolumnowe portyki prostylowe, których kolumny są nieco niższe niż w zewnętrznej kolumnadzie. Cella jest podzielona na dwa pokoje. Wschodnia, dłuższa i zwana hekatompedonem (rozmiar wewnętrzny 29,9-19,2 m), została podzielona na trzy nawy dwoma rzędami po 9 kolumn doryckich, które zamknięto na zachodnim krańcu poprzecznym rzędem trzech dodatkowych kolumn. Przyjmuje się, że istniała także druga kondygnacja kolumn doryckich, która znajdowała się nad pierwszą i zapewniała wymaganą wysokość stropów. W przestrzeni ograniczonej wewnętrzną kolumnadą umieszczono kolosalną (12 m wysokości) chryzoelefantynę (wykonaną ze złota i kość słoniowa) kultowy posąg Ateny autorstwa Fidiasza. Stropy zachodniej komory celli (wymiar wewnętrzny 13,9-19,2 m) wsparte były na czterech wysokich kolumnach, zapewne jońskich.
konstruktywne rozwiązanie.Wszystkie linie świątyni wydają się idealnie proste, ponieważ architekci wzięli pod uwagę cechy ludzka wizja: aby linie proste nie wydawały się wklęsłe, uczyniono je wypukłymi. Wszystkie linie Partenonu, wszystkie jego płaszczyzny są wygięte, lekko zaokrąglone, kolumny pochylają się do wewnątrz, odległości między nimi są różne, chociaż wydają się takie same, kolumny narożne są masywniejsze i bliżej sąsiadów, w przeciwnym razie w jasnym słońcu wydawałaby się chuda.
Materiały. Wszystkie elementy konstrukcji Partenonu, łącznie z dachówką i stopniami stylobatu, zostały wykute z lokalnego marmuru pentelskiego, który zaraz po wydobyciu był prawie biały, jednak z biegiem czasu nabrał ciepłego, żółtawego odcienia. Nie stosowano zaprawy ani cementu, układanie przeprowadzono na sucho. Bloki zostały starannie dopasowane do siebie, połączenie poziome między nimi wykonano za pomocą żelaznych zacisków dwuteowych umieszczonych w specjalnych rowkach i wypełnionych ołowiem, połączenie pionowe wykonano za pomocą żelaznych kołków.
Wymiary. Wymiary świątyni w rzucie (wg stylobatu) wynoszą 30,9-69,5 m.
Iktin (druga połowa V wieku p.n.e.)
Lata działalności twórczej.Starożytny grecki architekt, drugie piętro. V w. pne mi. Największy architekt okresu klasycznego.
Główne dzieła
- Odeon Peryklesa w Atenach
- Świątynia Apolla w Basy, ok. 430 p.n.e
Kalikrates (połowa V w. p.n.e.)
Lata działalności twórczej.starożytny grecki architektser. V w. pne mi. Przedstawiciel okresu klasycznego
Główne dzieła
- Partenon, Ateny, V w. PNE.
- Świątynia Nike Apteros w Atenach, ok. 420 p.n.e
Fidiasz (wczesny V w. pne mi. - OK. 432-431 p.n.e mi.)
Lata działalności twórczej.Starożytny grecki rzeźbiarz z okresu wysokiego klasycyzmu.
Główne dzieła
- Atena Promachos na Akropolu, ok. 460 pne mi.
- Zeus, olimpijczyk
- Atena Partenos w Atenach, konsekrowana w 438 r. p.n.e mi.
- Dekoracja rzeźbiarska Partenonu w Atenach
Historia powstania dzieła
Pomysł na pracę.Partenon – centrum ateńskiego Akropolu, jedna z najbardziej majestatycznych świątyń starożytnej Grecji, poświęcona Atenie, posiada szereg unikalnych cech. (Partenon zbudowany jest w formie peryferii).
Czas trwania budowy.Budowa Partenonu trwała 16 lat i została ukończona w 432 roku p.n.e. mi.
Losy dzieła
Zniszczenie. W czasach bizantyjskich, na początku VII wieku, Partenon stał się kościołem chrześcijańskim Hagia Sophia. Wnętrzna konstrukcja świątyni uległa radykalnej przebudowie. Podczas budowy absydy zniszczono wszystkie centralne figury wschodniego frontonu. W 1456 roku Ateny zostały zdobyte przez Turków. Akropol stał się turecką fortecą. Partenon został przekształcony w meczet. W 1685 roku wybuchła wojna pomiędzy Turcją a Republiką Wenecką. W Partenonie Turcy utworzyli magazyn prochu. Podczas jej eksplozji zniszczeniu uległa cała środkowa część świątyni, z wyjątkiem ściany zachodniej większość kolumnady. Wenecjanie chcieli zabrać rzeźby jako trofeum, ale rozbiły się, ponieważ nie trzymały się dobrze po eksplozji.
Rekonstrukcja Odbudowa świątyni rozpoczęła się w r XIX wiek. Odrestaurowano kolumnadę północną oraz rzeźby na frontonie (odlewy z cementu z dodatkiem wiórów cementowych). W latach pięćdziesiątych XX w. odrestaurowano podłogę świątyni.
Dzisiejszy wygląd.Obecnie z korpusu centralnego pozostała jedynie ściana zachodnia. Z oryginalnych rzeźb zachowały się jedynie dwie figury przyczółka zachodniego i fryz na ścianie zachodniej. Dzisiejszy Partenon, a właściwie jego majestatyczne ruiny, jest biały.
Interesujące fakty.Dziś Partenon słusznie uważany jest za jeden z najwspanialszych przykładów architektury starożytnej, arcydzieło światowej sztuki i tworzyw sztucznych.
Zapowiedź:
PIRAMIDY W GIZIE
HISTORIA JEDNEGO ARCYDZIEŁA
Krótka informacja o pracy
Nazwa piramidy w Gizie
Data powstania Ww. PNE .
Miejsce budowy Egipt, Giza
architektura formy sztuki
Styl architektoniczny
Zamiar grobowce faraonów
Wygląd architektonicznyw skład zespołu wchodzi Sfinks i trzy duże piramidy: Cheopsa, Chefrena i Mekerina. Ten ostatni ma jeszcze trzy małe piramidy satelitarne. Każda piramida zawiera świątynię grobową powyżej i poniżej Nilu, a także łączący je korytarz. Sfinks to posąg lwa z ludzką głową.
Rozwiązanie konstrukcyjnetrzy pomniki ułożone są po przekątnej, ale tak, aby żaden nie przesłaniał słońca drugiego.
Materiały kamień
Wymiary Największa jest piramida Cheopsa: jest kwadratowa, każdy bok ma 250 m. Każdy kamień ma nie mniej niż 10 m. Mając początkowo 146 m wysokości, dziś osiąga zaledwie 137 m, a na miejscu szczytu utworzono platformę o szerokości 10 m. Wysokość piramidy Chefrena jest mniejsza niż poprzednia, ale jej wierzchołek znajduje się na tym samym poziomie, ponieważ stoi na wyższym miejscu. Piramida Mekerina sięga zaledwie 66 m. Długość Sfinksa wynosi 73 m.
(Data i miejsce urodzenia)
Edukacja
Lata działalności twórczej
Data i miejsce śmierci
Główne dzieła
- (Nazwa, miejsce i data budowy)
Historia powstania dzieła
Pomysł na pracę
Czas trwania i etapy budowynajpierw spędzili 10 lat układając drogę, po której ciągnięto kamienie, ale to było nic w porównaniu z konstrukcją samej piramidy. Wymagało to 20 lat pracy. Piramidę zbudowano najpierw w formie wielkich schodów, składających się z tego, co niektórzy nazywają merlonami, inni nazywają schodami. Kształt ten pozwalał na podniesienie pozostałych kamieni.
Losy dzieła
Zniszczenie zespół piramidy Cheopsa jest prawie całkowicie zniszczony, a wręcz przeciwnie, zespół piramidy Cheopsa jest w większości zachowany.
Odbudowy nie przeprowadzono.
Dzisiejszy wyglądprzetrwały do naszych czasów.
Interesujące faktyna piramidzie Cheopsa znajdują się napisy wskazujące, ile pieniędzy wydano na zakup chrzanu, cebuli i czosnku na wyżywienie robotników. Wysokość wydatków osiągnęła 6000 talentów srebra, czyli 40 000 kg.
Zapowiedź:
STONEHENGE
HISTORIA JEDNEGO ARCYDZIEŁA
stonehenge
Krótka informacja o pracy
Nazwij Stonehenge
Data powstania 3500 - 1100. PNE.
Lokalizacja Wielka Brytania, Anglia
Forma sztuki Architektura
Styl architektonicznysztuka prymitywna
Zamiar Być może Stonehenge, pełniąc funkcję świątyni Słońca, było miejscem rytualnych ceremonii i pochówków, a także służyło jako budzący grozę symbol władzy kapłanów. Nie wyklucza się innej wersji, według której Stonehenge, pełniąc funkcję obserwatorium astronomicznego, pozwala z dużą dokładnością prowadzić kalendarzową liczbę dni, oznaczać początek pory roku, przewidywać początek zaćmień Słońca i Księżyca.
Wygląd architektonicznyStonehenge składało się z dwóch okrągłych sal pośrodku, w których znajdował się ołtarz w kształcie podkowy.
materiały Do budowy kompleksu kamienie dostarczono z kamieniołomu, który znajdował się ponad 300 kilometrów od placu budowy.
Wymiary Ogólnie rzecz biorąc, Stonehenge to konstrukcja złożona z 82 pięciotonowych megalitów, 30 kamiennych bloków o wadze 25 ton każdy i 5 ogromnych tzw. Trylitów, kamieni o wadze do 50 ton. Ułożone kamienne bloki tworzą łuki, które niegdyś służyły jako doskonały wskaźnik głównych kierunków.
Historia powstania dzieła
Czas trwania i etapy budowyStonehenge I było okrągłą fosą z dwiema salami. W okręgu wzdłuż zewnętrznego wału znajduje się 56 małych „dziur” grobowych Aubrey. Na północny wschód od wejścia na pierścień stał ogromny, siedmiometrowy Kamień Obcasowy. Podczas budowy Stonehenge II pomiędzy Kamieniem Obcasu a wejściem ułożono ziemną alejkę. Wzniesiono dwa pierścienie z 80 ogromnych niebieskich bloków kamiennych, które prawdopodobnie dostarczono 320 km od południowej Walii. Na ostatnim etapie budowy megality zostały przebudowane.Niebieskie kamienie zastąpiono pierścieniową kolumnadą złożoną z 30 trylitów, z których każdy składał się z dwóch pionowych kamieni i spoczywającej na nich poziomej płyty. Wewnątrz pierścienia zainstalowano podkowę złożoną z pięciu oddzielnych trylitów.
Losy dzieła
Dzisiejszy wyglądDziś nie ma jednoznacznej odpowiedzi na pytanie, czym były te niesamowite starożytne budowle architektoniczne: świątynia, nekropolia, obserwatorium, ale w każdym razie historia architektury zaczęła się od nich.
Interesujące faktySłynny astronom Fred Hoyle, po zbadaniu wszystkich cech geometrycznych Stonehenge, ustalił, że twórcy tej struktury znali dokładny okres obiegu Księżyca i czas trwania roku słonecznego. Według wniosków innych badaczy, otwory znajdujące się wewnątrz okręgu utworzonego przez kamienne bloki dokładnie wskazują trajektorię Bieguna Świata 12-30 tysięcy lat temu.Według lokalnej legendy, mają je gigantyczne niebieskie kamienie uzdrawiająca moc, pojawili się na tej ziemi dzięki czarodziejowi Merlinowi, czarownikowi na dworze króla Artura, który przeniósł je z Irlandii. Pochodzenie ogromnego Kamienia Obcasowego wiąże się z inną legendą. Mówią, że pewnego razu diabeł zobaczył mnicha ukrywającego się wśród kamieni. Zanim nieszczęśnik zdążył uciec, diabeł rzucił w niego ogromnym głazem, który zmiażdżył mu piętę. Przez długi czas ruiny Stonehenge kojarzono z kultem kapłańskim starożytnych celtyckich druidów, choć eksperci zaprzeczają temu powiązaniu.
Zapowiedź:
Aby skorzystać z podglądu utwórz sobie konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com
Zapowiedź:
Aby skorzystać z podglądu utwórz sobie konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com
Zapowiedź:
PAŁAC MICHAJŁOWA (MUZEUM ROSYJSKIE)
DATA TWORZENIA 1819-1825
HISTORIA STWORZENIAW 1798 r. Paweł I nakazał przeznaczyć co roku kilkaset tysięcy rubli na budowę pałacu dla swojego najmłodszego syna Michaiła. Cesarz nigdy nie miał okazji zobaczyć ucieleśnienia swojej idei, w wyniku zamachu pałacowego zmarł. Decyzję o rozpoczęciu budowy podjął cesarz Aleksander I. Architektem budowanego Zamku Michajłowskiego jestKarol Iwanowicz Rossi . Prace nad projektem rozpoczął w 1817 roku, kiedy planowano urządzić rezydencję wielkiego księcia, najpierw na miejscu.Pałac Woroncowa a potem na miejscuDom Czernyszewa . Po podjęciu decyzji o budowie pałacu na tym pustkowiu,Rosja zaczął tworzyć projekt nie tylko przebudowy istniejących budynków, ale nowego zespołu architektury miejskiej. Uroczyste wmurowanie budynku odbyło się 14 lipca, a budowę rozpoczęto 26 lipca. Pałac Michajłowski Rossi związany zPerspektywa Newskiego nowa ulica Michajłowska, skręcająca wPlac Michajłowski bezpośrednio przed pałacem. Widok na ulicę Michajłowską Budynek główny budynek, po którego bokach znajdują się dwa budynki usługowe. W jednym z nich mieściły się kuchnie, w drugim arena i stajnie. Z bokupole marsowe przy pałacu pojawił się ogród - Michajłowski. Budowę budowli ukończono w 1825 roku.
WYGLĄD ARCHITEKTONICZNYMuzeum Rosyjskie jest częścią zespołu Pałacu Michajłowskiego i Zamku Inżynierskiego.Pałac Michajłowski stoi pomiędzy Newskim Prospektem a Polem Marsowym. Już z Newskiego Prospektu, z perspektywy ulicy, widać było, jak nad arkadą pierwszego piętra znajduje się pięknie skomponowany, wspaniały portyk z kolumnami korynckimi, z bogato zdobionym rzeźbą frontonem. Na całą szerokość fasady tworzy kolumnada złożona z dwudziestu pni, wsparta na bocznych gzymsach. Od strony ogrodu, w tym samym korynckim porządku dwunastu kolumn, znajduje się loggia osadzona pomiędzy dwoma masywnymi, zwieńczonymi niewielkimi frontonami.Szerokie granitowe schody przy wejściu do budynku ozdobione są dwoma posągami lwów.
INTERESUJĄCE FAKTYMuzeum Rosyjskie jest jednym z najbardziej znanych nie tylko w Petersburgu, ale w całej Rosji. Można tu zobaczyć dzieła Andrieja Rublowa, F. Szubina, K. Bryulłowa, F. Bruniego, O. Kiprenskiego, A. Iwanowa, I. Repina, A. Kuindzhiego, I. Szyszkina, W. Serowa, M. Vrubela , B. Kustodiew, K. Malewicz, M. Chagall, K. Petrov-Vodkin i inni wielcy artyści rosyjscy.
DATA TWORZENIA 1806-1819
HISTORIA STWORZENIAOd 1704 roku na Wyspie Admiralicji, położonej na lewym brzegu Newy i ograniczonej od południa Mojką, rozpoczęła się budowa stoczni-Admiralicji - według rysunku samego Piotra I. Wraz z Twierdza Piotra i Pawła ona była podstawą kompozycja architektoniczna miasta. W latach trzydziestych XVIII w. straszliwy pożar strawił część centralną Petersburg, a specjalnie utworzona komisja zaczęła opracowywać plan jego nowego rozwoju. Architekt Iwan Korobow, porzucając pierwotny ogólny układ Admiralicji w kształcie litery U, zastąpił budynki o konstrukcji szachulcowej kamiennymi. Na początku XIX wieku Andriej Zacharow rozpoczął prace nad stworzeniem nowego budynku dla Admiralicji.
WYGLĄD ARCHITEKTONICZNYNowa Admiralicja została pomyślana jako swego rodzaju pomnik rosyjskiej floty, dlatego też centralne wejście do niej zdecydowano w formie łuku triumfalnego. Budynek składa się z dwóch budynków w kształcie litery U, zewnętrznego ludowego, przeznaczonego dla Departamentu Admiralicji, oraz wewnętrznego, w którym mieściły się warsztaty. Architekt powtórzył motyw łuku w elewacjach symetrycznie rozmieszczonych pawilonów zwróconych w stronę Newy. Dekorację rzeźbiarską Admiralicji łączy jeden temat - gloryfikacja potęgi Rosji. Przed głównym wejściem po obu stronach znajdują się monumentalne postacie nimf podtrzymujących sfery niebieskie (1812, rzeźbiarz F.F. Szczedrin). Nad łukiem wieży znajduje się płaskorzeźba „Utworzenie floty w Rosji” (1812, rzeźbiarz I.I. Terebenew) o długości około 22 metrów.
Według projektu Iwana Korobowa zbudowano wieżę z iglicą. Później architekt Andriejan Zacharow zwiększył wysokość iglicy do 72 m i zwieńczył ją wiatrowskazem w postaci trójmasztowej fregaty.
DATA TWORZENIA 1819 - 1829
HISTORIA STWORZENIAProjekt budynku Sztabu Generalnego sporządzony przez Rossiego przewidywał połączenie dwóch dużych budynków zlokalizowanych w łuku centralnym Łuk triumfalny. Zdecydowano o umieszczeniu Sztabu Generalnego Wojsk Lądowych na prawym (zachodnim) skrzydle, a ministerstwa spraw zagranicznych i finansów na lewym (wschodnim) skrzydle. Prace budowlane poszły szybko 23 października 1824 roku. Rossi meldował swoim przełożonym, że cała ogromna fasada była gotowa. Gdy tylko skrzydła zostały wzniesione, pomiędzy nimi ułożono łuk.. Łuk triumfalny został zaprojektowany przez Rossiego jako pomnik bohaterskich czynów narodu rosyjskiego w wojnie Ojczyźnianej w 1812 roku..
WYGLĄD ARCHITEKTONICZNYŁuk – główny rdzeń kompozycyjny i przestrzenny budowli – wzmocniony jest po bokach podwójnymi kolumnami korynckimi oraz attyką ze schodkowym szczytem. Całość wieńczy rydwan Zwycięstwa zaprzężony w sześć koni. Całość tej efektownej kompozycji centralnej, zbliżonej proporcjami do kwadratu, nadal podtrzymuje po obu stronach wyraźny wertykalny rytm dziewięciokolumnowych portyków korynckich.Nasycony rzeźbiarskim wystrojem, monumentalnym rozwiązaniem centrum iharmonijny rytm kolumn portyków skrzydeł bocznych jest szczególnie wyrazisty na tle surowo neutralnej fasady zwróconej w stronę placu.Układ fundamentów łuku podkreśla armatura - pięknie zaaranżowane wysokie płaskorzeźby przedstawiające zbroję i broń wojskową. Nad nimi, pomiędzy kolumnami, znajdują się posągi wojowników i okucia, a po bokach łuku wysokie płaskorzeźby w postaci latających postaci.Prosto i zarazem tak pięknie zaaranżować półkilometrową fasadę budynku jest niezwykle trudno. Taki efekt, przy ogólnie spokojnym tle, tworzy aktywnie zidentyfikowane centrum, które tworzy łuk budynku i potężny łuk o doskonałych proporcjach.
INTERESUJĄCE FAKTYJak opowiadały córki Rossiego, architekt wraz z robotnikami wspiął się na samą górę w dniu otwarcia łuku. „Jeśli łuk upadnie, jestem gotowy upaść razem z nim” – powiedział jednocześnie.
DATA UTWORZENIA 1858
HISTORIA STWORZENIAPoczątkowo na łące Admiralicji zbudowano mały drewniany kościółek, wyróżniający się skromnością architektury, typową dla pierwszych budynków epoki Piotrowej. Swoją budową Piotr I postanowił uwiecznić swoje urodziny – 30 maja, który zbiegł się z dniem obchodów pamięci św. Izaaka Dalmacji. 6 sierpnia 1717 roku nad brzegiem Newy, mniej więcej w miejscu, gdzie obecnie stoi pomnik Piotra I, przy udziale cesarza, najwyższych dostojników państwowych i duchowieństwa, położono drugi kościół św. Izaaka. W maju 1735 roku od uderzenia pioruna wybuchł pożar, który dokończył rozpoczęte zniszczenia.
15 lipca 1761 roku dekretem Senatu projekt i budowę nowego kościoła św. Izaaka powierzono S.I. Chevakinsky'emu, ale utalentowany architekt nie musiał realizować swojego planu. Terminy budowy zostały przesunięte.
Wstępując na tron w 1762 roku, Katarzyna II zatwierdziła pomysł odtworzenia katedry kojarzonej z imieniem Piotra I, jednak projekt i budowę powierzono architektowi Antonio Rinaldiemu. Katedra została zaprojektowana z pięcioma złożonymi kopułami i wysoką dzwonnicą. Marmurowa okładzina miała nadawać wyrafinowania roztwór koloru fasady. Ale budowa postępowała bardzo powoli. Rinaldi był zmuszony opuścić Petersburg, nie dokończywszy rozpoczętej pracy. Kierownictwo budowy kierował O. Montferrand.
WYGLĄD ARCHITEKTONICZNYGigantyczna budowla wyłożona marmurem, zwieńczona gigantyczną kopułą i małymi kopułami dzwonnic Katedra św. Izaaka dominuje nad terenem (wysokość 101,5 m), otacza go 112 kolumny monolityczne, o wadze od 64 do 114 ton. Świątynia może pomieścić około 14 tysięcy osób.Świątynię zdobi 350 płaskorzeźb i posągów. Cała dekoracja rzeźbiarska katedry została wykonana według modeli I. Vitali, S. Pimenova, A. Lemaire'a. Wspaniały zespół posągów, płaskorzeźb, skrzydeł drzwi, dwóch frontonów, dekoracji rzeźbiarskich, połączonych jednością narracji biblijnej i ewangelicznej, jest organicznie wpisany w architekturę budynku.
INTERESUJĄCE FAKTYStrop kopuły (średnica 21,83 m) wykonany z żeliwa i żeliwa oraz zastosowanie w budowie nowej metody galwanoplastycznej do produkcji płaskorzeźb inż. B.S. Jacobi świadczą o rozwoju technologii i inżynierii.
Zapowiedź:
Aby skorzystać z podglądu utwórz sobie konto Google (konto) i zaloguj się:
Jaka jest różnica między Czarnym kwadratem Malewicza a czerwonym kółkiem Wasi Watnikow w zielone kropki? Ośmielam się nic nie mówić. To prawda, że \u200b\u200bkażdy esteta powie ci (mimo że sam Malewicz zauważył, że jego zdjęcie nic nie znaczy) o najgłębiej ukrytym znaczeniu dzieła. Jednak to samo można powiedzieć o czerwonym kółku Wasyi Watnikow z zielonymi kropkami: krąg groszku symbolizuje błędne koło bytu i tak dalej. Dlaczego więc cena dwóch zupełnie nieciekawych obrazów, przy innych rzeczach jednakowych, jest tak różna? Odpowiedź na to pytanie można znaleźć w nauce zwanej etologią, a nie w sztuce.
1. Estetyczna przyjemność z obrazu.
Logiczne jest założenie, że obraz, jak każdy inny produkt twórczego wyrażania siebie, ma na celu dostarczanie estetycznej przyjemności z kontemplacji arcydzieła, za które ludzie podobno płacą miliony. Jeśli jednak spojrzysz głębiej, staje się jasne, że przyjemność estetyczna jest ostatnią rzeczą, która wpływa na koszt płótna. To się w ogóle nie liczy. W końcu, jeśli główna wartość arcydzieła leży w jego wyglądzie i przez to wpływa na osobę, to dlaczego jego kopie kosztują ani grosza, w przeciwieństwie do oryginału? Dlatego samo arcydzieło, sam obraz - nic nie kosztuje, kosztuje jedynie ekskluzywność płótna. A może podczas kopiowania gubi się coś, co faktycznie czyni arcydzieło arcydziełem? Raczej nie, szczególnie biorąc pod uwagę dzisiejsze technologie kopiowania, a także wysokie umiejętności artystów (jeśli mówimy o przerysowywaniu). Wniosek jest tylko jeden: na cenę obrazu w zasadzie nie ma wpływu to, co powszechnie nazywa się wartością artystyczną. Wartość artystyczna jest warta grosza. I tutaj jest to wyraźnie kwestia wyłączności.
2. Czy arcydzieło w ogóle daje przyjemność estetyczną i jak silna jest ona?
Podobno nawet samą przyjemność estetyczną z wszelkiego rodzaju czarnych kwadratów ludzie też wymyślili sami. Przykładem tego jest Van Gogh, który w ciągu swojego życia sprzedał tylko jeden obraz, a ten został od niego kupiony z litości. Dlaczego za jego życia jego obrazy nikogo nie zainteresowały? Pewnie dlatego, że nikt nie zaznał przyjemności, zachwytu i podziwu z powodu jego „umiejętności”. I nikt nie widział w nich sensu, a jeśli on w nich był, to nikogo to nie obchodziło.
Ale nagle, jakiś czas po jego śmierci, jego obrazy nagle zaczynają dostarczać szerokim masom najsilniejszą przyjemność estetyczną i nabierają pewnego głębokiego znaczenia, które podziwiają miliony estetów. W jakiś sposób to jest dziwne! Jak to się dzieje, że w pewnym momencie Twoje obrazy nie podobają się nikomu, a nagle, jak za dotknięciem czarodziejskiej różdżki, cały świat zakochuje się w Twoich obrazach? Nawiasem mówiąc, dotyczy to większości artystów, jest nawet powiedzenie: uznanie przychodzi do artysty po śmierci. Z jakiegoś powodu wielcy poeci, jak Puszkin i Wysocki, oraz pisarze, jak Orwell i Bułhakow, przychodzą za życia, ale wielcy artyści dopiero po śmierci. Coś tu nie gra.
Jeśli 20 lat temu pewna dziewczyna wydawała ci się przerażająca, dzisiaj taka będzie dla ciebie. Lubił też oglądać zdjęcia. Fakt, że kiedyś obrazy artysty nie podobały się oczom, a potem nagle zaczęły sprawiać przyjemność, potwierdza tylko to, co zostało napisane w powyższym akapicie: wartość artystyczna płótna nikogo nie interesuje i nie odgrywa żadnej roli. rolę w wartości obrazu, a także w uznaniu go za arcydzieło. Przyjemność estetyczna w większości przypadków jest po prostu wymyślana przez publiczność. Jakość płótna można jedynie ocenić profesjonalny artysta, a to bardzo ograniczona kategoria społeczeństwa i z pewnością nie kupuje się takich obrazów za takie pieniądze.
Mark Rothko, Pomarańczowy, Czerwony, Żółty. Cena obrazu wynosi 86,9 mln dolarów.
Otrzymałeś estetyczną przyjemność z obrazu? Nawet jeśli otrzymali; nawet jeśli do stworzenia tego Mui Ne użyto bardzo skomplikowanych stylów rysunkowych, nie może to kosztować nawet tysięcy dolarów, niezależnie od tego, jak głęboko rzekomo jest w to zainwestowane znaczenie. Cena tego obrazu jest równa cenie materiałów wydanych na jego wykonanie + dopłata za pracę. To prawda, że \u200b\u200bprzy takiej pracy wyraźnie jest to warte ani grosza. Mam przy wejściu malarza, który jakoś niechlujnie ukończył swoje dzieło – efektem była rekonstrukcja dzieł Rothki. Tylko malarz zarabia znacznie mniej.
Z pierwszych dwóch punktów wynika, że ani estetyczna przyjemność oglądania obrazu, ani wartość artystyczna w kształtowaniu ceny nie odgrywają żadnej roli. Za kopie obrazów kosztują ani grosza. Chodzi więc o ekskluzywność i ograniczony nakład – to jedno i drugie – chodzi o to, do czyjego pędzla należy dane dzieło. W czasach Van Gogha nie było ani jednego godnego artysty? Dlaczego jego obrazy są warte miliony, a reszta nie jest nikomu potrzebna za darmo? Dlaczego we współczesnej Rosji obrazy Nikosa Safronowa kosztują tysiące razy więcej niż równie wysokiej jakości (a często więcej) dzieła tysięcy innych artystów?
3. Wyłączność płótna.
Człowiek jak wiadomo jest zwierzęciem stadnym i dla wszystkich zwierząt żyjących wspólnie w społeczności kwestia statusu odgrywa niezwykle ważną rolę, gdyż. Status określa, jak inni członkowie społeczności będą traktować tę osobę. Każda społeczność zwierząt korzysta z różnych narzędzi, aby zademonstrować swój stan – rozmiar genitaliów, rozmiar ogona, rozmiar grzywy, głośność ryku i inne. Ponieważ dana osoba odeszła dość daleko od zwierząt pod względem złożoności społeczności, w której żyje, wówczas ma znacznie więcej narzędzi do wykazywania statusu. Status jest ważny w absolutnie każdej warstwie społecznej populacji i w każdej jej grupie, niezależnie od liczby jednostek. Nawet ludzie, którzy werbalnie całkowicie odrzucają konsumpcjonizm (załóżmy, że są to skinheadzi lub punki), są całkowicie zdani na ten instynkt. A status można osiągnąć przede wszystkim właśnie poprzez konsumpcję. Na przykład każdy skinhead z lat 90. marzył o gadach z białymi sznurowadłami - taki strój wskazywał na jego wysoki status wśród otaczających go naczelnych. A w przypadku punków, mierzonym stromością Irokezów, ta cecha demonstrowania statusu jest powszechnie usuwana z dzikości jak kalka.
Dla bogatszych ludzi drogie samochody, jachty i samoloty służą na przykład do zademonstrowania swojego statusu. Bardzo bogatemu człowiekowi nie wystarczy kupić tylko fajny jacht – musi być największy na świecie. po co mu największy prywatny jacht na świecie, z którego większości funkcji nawet nie będzie korzystał? Jacht tzw po prostu stój i pokazać jego stan. Wszystko!
Ale najdroższe rzeczy na świecie to ekskluzywne lub limitowane edycje. Dla bardzo bogatej osoby mercedes nie wystarczy już do wykazania statusu, ponieważ. Wiele osób ma Mercedesa. Uproszczoną wersję tego mechanizmu można było zaobserwować na przykładzie zachowania ludzkich kobiet: jak się cieszy, gdy nabyła drogie, piękne ubrania, ale jak bardzo się denerwuje, gdy nagle jej koleżanka z pracy przychodzi w dokładnie takiej samej bluzce. Straciła wyłączność, a dzięki tej utracie osiągnęła średni status, co było powodem smutku. Aby uniknąć takich incydentów, bardzo bogata osoba kupuje za szalone pieniądze zegarek z limitowanej edycji, który w zasadzie nie różni się od innych fajnych zegarków, poza swoją ekskluzywnością. Te. płaci za wyłączność. Do tego celu służą także zegarki Rolex. Jeśli Rolexy zostaną rozdane każdemu za darmo, stracą na wartości i staną się dla każdego bezużyteczne, tak jak kiedyś zegarki Montana stały się niepotrzebne.
Stąd skandale z super drogimi zegarkami Pieskowa. Używają tych bluesów jako sposobu zademonstrowania statusu. Gdyby zegarki Pieskowa wydano w nieograniczonej serii, kosztowałyby tysiąc razy taniej. W ten sam sposób wykorzystywane są arcydzieła sztuki. Najważniejsze nie jest to, co jest rysowane - nawet jeśli jest to szczere wiadro. Najważniejsze jest mieć ekskluzywność, jakiej nie ma nikt inny! Stąd wysoka cena oryginałów i niska cena kopii. Pieskow odwiedza patriarchę, wygląda - a jego zegarek jest jeszcze fajniejszy. Co pozostaje do zrobienia w żałobie nieszczęsnego Pieskowa? Kup obraz za 50 milionów dolarów do swojej prywatnej kolekcji. Pod tym względem sztuka jest najskuteczniejszą metodą pokazania statusu: zegarek może być limitowaną edycją, ale ktoś na świecie wciąż go ma. Ale nikt nie ma oryginału takiego obrazu. Co jest na nim namalowane? Tak, piekło zrozumie, najważniejsze, że tylko ja mam!
Szczególnie interesujące jest to, że wszystkie te skomplikowane zasady, którym musi odpowiadać produkt, są tworzone przez samych ekspertów wspólnie z producentami produktu i nie mogą być obiektywnie ocenione przez konsumenta. funkcjonalność takiego produktu jest kryterium drugorzędnym – usuwają wartość zawartą w nich w postaci znaków towarowych z wielu ekskluzywnych produktów – a większość z nich natychmiast traci swoją wysoką wartość.
Pozostaje tylko zrozumieć, jakie kryteria służą do wyboru kandydatów na przyszłe arcydzieła? Dlaczego dokładnie mazarz Rothki, Lucho Fontano, Barneta Newmona, a nie malarz z mojego wejścia? Dlaczego Nikas Safronov, a nie artysta z Arbatu?
4. Wyłączność artysty.
Rozważ przykład tego samego Rothko. Kiedy Rothko zaczął malować, nie było w ogóle rynku sztuki. To byli pierwsi lata powojenne, Europa legła w gruzach, wczesny entuzjazm pierwszych mecenasów początku stulecia został już zmyty przez Wielki Kryzys, a amerykańscy artyści zostali pozostawieni sami sobie – w kraju, który ze swoich powodów nie miał ani własnej tradycji, ani własnej mitologii, ani kultury. Żadnych galerii, żadnych kuratorów, żadnych kolekcjonerów, żadnych krytyków. Nie sposób było nawet przekonująco sformułować tego, co należałoby teraz napisać: stare paradygmaty już dawno odeszły w niepamięć, ustępując miejsca europejskiej awangardzie, ale awangarda nie potrafiła się usprawiedliwić. I wtedy pojawia się ze swoim szaleństwem Rothko – twórca malarstwa pola abstrakcyjnego. Co korzystnie wyróżniało Rothko spośród tysięcy innych artystów i artystów NORMALNYCH? Był pierwszym, który zaczął to tutaj wystawiać. Te. Ekskluzywny. Dodatkowo na koszt obrazów wpływa tragedia życia artysty. A Rothko podciął sobie żyły brzytwą. Stąd lata po jego śmierci i koszt obrazów. Był ekskluzywny w swojej specyfice. Specyfika nie jako artysty (jego twórczość do sztuki piękne nie mam nic do roboty), ale jako osoba.
Pewnie zauważyłeś, że niewiele osób interesuje się zwykłymi artystami? Główny szum wokół szczerze podróżował, na przykład Frida, Van Gogh i tak dalej.
Swoją drogą, Van Gogh! W całym swoim ciężkim życiu nie sprzedał ani jednego swojego obrazu (a dokładniej jednego, a nawet ten został kupiony z litości). Mimo to nadal pisał i rysował z szaleństwem fanatyka. A jeśli stawał przed nim dylemat – głodować czy rysować, to wybierał rysowanie… W jednej z psychoz odciął sobie nawet ucho. Jego biografia wyraźnie wyróżnia się na tle wielu innych współczesnych. Jest doskonałym kandydatem do sztuk niebiańskich. Wychował się, wyróżniał się z masy artystów za swoją udrękę i pasję do malarstwa, a wszystko inne za zamazanie oczu i umysłów mieszczan.
Te. Z grubsza rzecz biorąc, od dawna w świecie sztuki istnieje krąg ludzi, którzy sprzedają mieszczanom status „arcydzieła” w stosunku do niemal każdego obrazu dowolnego artysty i ci mieszczanie dają im za to pieniądze. Tak naprawdę to nie same obrazy są warte tych pieniędzy, ale biografie wybranych artystów. I jeszcze jeden niuans: na przyszły sukces artysty i cenę jego obrazów wpływa również to, kto jako pierwszy kupi jego obraz. Jeśli miliarder, automatycznie podnosi to status autora, a co za tym idzie, koszt jego obrazów. Doskonałym tego przykładem jest Nikas Safronow.
5. Pomysłowość artysty, czyli kompetentny marketing.
Nie można sobie wyobrazić bardziej genialnego przykładu niż Nikas Safronow! Najdroższy obraz tego artysty „Sny Włoch” kosztuje 106 000 dolarów. W obrazach Safronowa nie ma nic specjalnego, takie marzenia o Włoszech - w galeriach leżą dziesiątki tysięcy. Ale tylko jeden jest wart sto tysięcy dolarów. Dlaczego? Jak napisałem w ostatnim akapicie, jednym z czynniki krytyczne Status obrazów artysty zależy od tego, kto jest właścicielem jego obrazów. Safronow w latach 90. pracował w teatrze autorytatywnej postaci show-biznesu Donatasa Bonionisa, dzięki któremu miał okazję skontaktować się z gwiazdami Scena rosyjska oraz znani politycy, którym przy okazji podarował autoportrety. Tym samym jego obrazy trafiły do domów elit. I żeby na pewno tam byli, malował celebrytów tylko jako szlachtę, królów itp.
A potem było tak: „Wow. W domu Pugaczowej wisi zdjęcie jakiegoś Safronowa. Podobno jest fajny. Znajdź mi jego numer – ja też go kupię” – podziwiał oligarcha, czyli polityk. Tak więc Safronow stał się „wielkim” artystą.
Najwyraźniejszy przykład takiej cechy można było zaobserwować podczas wystawy jednego artysty w Moskwie (nie pamiętam dokładnie kogo). Z wysokiej dzwonnicy nie wszyscy się nią przejmowali, gdy nagle odwiedził ją… Putin. Następnego dnia pod galerią ustawiła się gigantyczna kolejka pragnących dołączyć do grona osób o wysokich walorach artystycznych. Tyle, że Putin swoją kampanią pokazał stadu naczelnych, że wystawa obrazów tego artysty to wydarzenie statusowe i tyle.
6. Obrazy i Giełda
„Arcydzieła” dla prywatnych właścicieli, oprócz popisów – to esencja banknoty bardzo duży (i, jak ma nadzieję właściciel, rosnący) nominał. Jest to specyficzny instrument finansowy, w który inwestuje się pieniądze, gdy tych dodatkowych pieniędzy jest dużo. Można na przykład przypomnieć sobie japońskich kolekcjonerów, którzy zaczęli kupować dzieła sztuki i rzadkie przedmioty na całym świecie właśnie wtedy, gdy stawka CBA stała się nieprzyzwoicie niska.
No cóż, można nimi handlować, jak na giełdzie: kupujesz obraz i czekasz, aż jego cena wzrośnie. A o ile wzrośnie, zależy od tego, jak bardzo on i jego autor będą promowani, jak bardzo głębokie znaczenie dla niej wymyślone. Nawiasem mówiąc, cena rośnie nie tylko ze względu na trudne życie autora, o czym wspomniałem powyżej, ale także ze względu na trudną historię samego obrazu. Dlatego od czasu do czasu szaleńcy atakują obrazy, oblewając je farbą. W tym samym Luwrze jest to już ogólnie normą. Paradoks polega na tym, że po takich atakach farba jest oczywiście ścierana, ale ceny obrazów gwałtownie rosną, bo mają taką historię: zaatakowali obraz, oblali farbą, cudem ocaleli. Osobiście jestem skłonny wierzyć, że tego typu ataki organizowane są bezpośrednio przez właścicieli obrazów (fizycznych lub prawnych), dzięki czemu wartość tego aktywa stale rośnie.
Jeśli nagle wydarzy się coś niewiarygodnego i ceny obrazów zaczną gwałtownie spadać, zapewniam, że wszyscy ich właściciele natychmiast zapomną o ich niezrównanej wartości historycznej i maniakalnie zaczną je sprzedawać, jak to ma miejsce w przypadku niepłynnych papierów wartościowych na rynku.
W żadnym wypadku nie twierdzę, że którykolwiek z tych artystów jest zły: nie, wszyscy są utalentowani na swój sposób. Nawet Nikas Safronow, który wśród ekspertów spotyka się z najostrzejszą krytyką. W każdym razie w życiu nie będę rysował tak, jak on rysuje. Tu chodzi o coś innego. Chodzi o przyczyny nieodpowiednich kosztów malowania. I wydaje mi się, że opisałem cały proces kształtowania się cen, a co najważniejsze, powody, które skłaniają konsumenta do kształtowania takich cen, więcej niż przekonująco! A jakość obrazu, jego wartość artystyczna i estetyczna przyjemność z kontemplacji nie mają nic wspólnego z kosztami. A jeśli ktoś zacznie cię z tego powodu wytykać, to jest po prostu gwiazdą.
1. Wstęp.
Przez tysiąclecia w Chinach rozwinęła się tętniąca życiem kultura.
Na kulturę Chin wpłynął stosunek do natury, jako organicznej całości, żyjącej według własnych praw.
To natura i prawa jej rozwoju znalazły się w centrum poszukiwań twórczych, które przez długi czas wyznaczały cechy rozwoju wszystkich bez wyjątku rodzajów sztuki. Życie ludzkie w Chinach było współmierne do życia natury, jej cykli, rytmów, stanów. W Grecji człowiek był „miarą wszechrzeczy”, natomiast w Chinach jest jedynie małą cząstką natury.
Konfucjanizm i buddyzm wywarły wpływ na kulturę chińską. Wiele osiągnięć Chin sięga czasów średniowiecza.
Chiny prześcignęły wszystkie kraje świata,
We wszystkich sztukach osiągnął wyżyny.
2. Arcydzieła chińskiej architektury.
Cechy Chińska architektura jest to, że architekci mogli znaleźć najbardziej malownicze i naturalne miejsce dla architektury. Na szczytach gór wznoszą się klasztory, w trudno dostępnych miejscach budowane są chińskie świątynie i pagody, na krawędziach dróg wznoszą się kamienne stele, w centrach hałaśliwych miast wznoszą się luksusowe pałace cesarzy.
Rozciąga się wzdłuż północno-zachodniej granicy na długości 5 km Wielki Mur Chiński. Jej budowa datowana jest na IV-III wiek, a ukończona została w XV wieku. Jego celem jest ochrona państwa chińskiego przed najazdami plemion koczowniczych z północy. Wzdłuż jego wierzchołka ułożono drogę o szerokości 5-8 metrów, aby umożliwić natarcie wojsk. Budynek ten został zaprojektowany w celu ochrony potęgi państwa chińskiego.
Jeden z najpopularniejszych budynków pagoda - wieża pamiątkowa wzniesiona ku czci czynów wielkich ludzi.
Pagoda wyróżnia się imponującymi wymiarami i osiąga wysokość 50 m. Wygląd pagody jest prosty, prawie nie wykorzystuje dekoracyjnej dekoracji. piętno pagody to spiczaste krawędzie dachów. Odciąża to budynek i podkreśla aspirację ku górze.
64-metrowa Pagoda Dayanta (Wielka Pagoda Dzikich Gęsi) jest jednym z najwspanialszych przykładów architektury w stylu chińskim. Nazwa pagody nawiązuje do legendy o słynnym pielgrzymie, któremu podczas podróży z Indii do Chin w odnalezieniu drogi pomogły dzikie gęsi. Wskazali miejsce pod budowę pagody. Dayanta na tle rozległego pasma górskiego wznosi się nad obrzeżami miasta Xi'an – dawnej stolicy państwa chińskiego. Siedem kondygnacji oddzielonych od siebie gzymsami zwężającymi się ku górze pagody, podkreślającymi jej aspirację ku niebu. Dlatego z daleka sprawia wrażenie ciężkości i masywności.
Dzięki wydłużonym proporcjom pagoda sprawia wrażenie lekkiej i pełnej wdzięku.
Iluzję wysokości tworzą okna zaokrąglone u góry. W prostych i prostych liniach pagody architekt był w stanie wyrazić wzniosły duchowy impuls i wielkość swoich czasów.
Buddyjskie świątynie jaskiniowe położone w górach stały się niezwykłym zjawiskiem w architekturze. Buddysta jaskiniowy
Klasztor Yungang należy do arcydzieł światowej architektury. Na prawie 2 km rozciąga się skała o wysokości 60 metrów, w której na różnych wysokościach znajduje się ponad 20 jaskiń. Niektóre z nich osiągają wysokość 15 m. A są one zagłębione w głąb skały o 9-10 m. Każda z jaskiń poświęcona jest konkretnemu buddyjskiemu bogu. Wewnątrz znajduje się wiele wizerunków rzeźb i płaskorzeźb o tematyce buddyjskich opowieści i legend. Na zewnątrz skałę zdobią pomniki rzeźbiarskie, płaskorzeźby, posągi. Świątynia jaskiniowa uderza swoją wielkością.
Główną formą budynków sakralnych i mieszkalnych w Chinach jest prostokątny pawilon, którego główną cechą są rzeźbione wsporniki podtrzymujące dach. Charakterystycznym elementem architektury chińskiej jest wysoki, 2, 3, 4-spadowy dach. Wewnątrz budynek podzielony jest na 2 lub 3 nawy, a na zewnątrz posiada galerię z filarami podtrzymującymi również dach.
Taki dach chroni przed śniegiem i deszczem. Zbocza dachu miały ściśle zakrzywiony kształt, a jego końce były wygięte do góry. Na kalenicach dachów umieszczono ceramiczne figurki przedstawiające fantastyczne zwierzęta i smoki, później zawieszono dzwony.
Godło Chin stało się Niebiańska Świątynia w Pekinie. Dwupoziomowy stożkowy dach, oszklony niebieskimi dachówkami, stożkowe dachy reprezentują olśniewający szczyt górski.
Okazały kompleks poświęcony jest najstarszym kultom religijnym związanym ze żniwami. W którym czczono niebo i ziemię, i to właśnie ta okoliczność przesądziła o oryginalności projektu architektonicznego. Jest otoczony murem i obejmuje 3 główne świątynie: okrągłą na planie, drewnianą Świątynię Modlitwy o Żniwa, Świątynię Sklepienia Niebios i ołtarz z białego marmuru, w którym składano ofiary duchom Niebios. W tej architektonicznej świątyni jest wiele symboliki: kwadratowe terytorium pałacu symbolizuje Ziemię, budynki świątynne i ołtarz. Otoczony okrągłym tarasem – znakiem słońca, reprezentują spiczaste wierzchołki stożkowych dachów
Ciągły cykl ruchów naturalnych elementów.Widz powoli przechodzi pomiędzy łukami, wspinając się po licznych stopniach, stopniowo przyzwyczajając się do rytmu zespołu, pojmując jego piękno i wielkość.
Sztuka ogrodowa i parkowa Chin stała się znana na całym świecie.
Prawdziwe arcydzieło sztuki ogrodnictwa krajobrazowego - Kompleks Benhai w Pekinie.
Symetryczny układ Ogrodu Cesarskiego obejmuje wzgórza z masywnych głazów, gaje bambusowe, nasadzenia rzadkich drzew i krzewów.
domy ze złotymi rybkami.Nazwy pawilonów odzwierciedlają najważniejsze okresy cyklu rolniczego (dziesięć tysięcy jesien, dziesięć tysięcy wiosen) – orkę i żniwa.Około 700 mozaikowych paneli z wielobarwnych kamyków zdobi zespół ogrodowo-parkowy. Przedstawiają malownicze krajobrazy, wykwintne rośliny, bohaterów mitologicznych, sceny z przedstawień teatralnych i operowych.
W Ogrodzie Cesarskim znajduje się kolekcja kamieni o najdziwniejszych kształtach, sprowadzonych z różnych części Chin.
Obok tych niezwykłych eksponatów sosny zimą zielenią się i niewiędnący szeleszczą bambusy, a wiosną wspaniale kwitną dzikie śliwki meihua i biało-różowe piwonie. Na początku jesieni drzewo cynamonowe emanuje aromatem, chryzantemy urzekają swoim pięknem.
3. Rzeźba Chin.
Rzeźba zawsze była popularna w Chinach, już w III wieku wyrażała ideę władzy i nieograniczonej władzy. p.n.e., kiedy powstało państwo Qin.
Podczas stanowiska archeologiczne w prowincji Shaanxi w podziemnych korytarzach kompleksów grobowych odnaleziono 10-tysięczną armię z terakoty. Żołnierze i oficerowie, łucznicy i piechota, rydwany i jeźdźcy. W pełnym rozmiarze, z pełnym wyposażeniem wojskowym, zademonstrowali siłę cesarz, który stworzył pierwsze państwo chińskie.
Wszystkie postacie są pełne wyrazu, wiarygodności i różnorodności ruchów.Dowódcy wojskowi przedstawieni są zastygli w uroczystych pozach, łucznicy napinający cięciwę, żołnierze klęcząc na jednym kolanie przygotowują się do zabicia niewidzialnego wroga. W kolorystyce umknęła hierarchia stopni. Znaleziono także 130 glinianych rydwanów i 500 wyrzeźbionych koni.Gliniana armia, zbudowana w szyku bojowym, wiernie strzegła spokoju swego władcy.
Nagrobkowa sztuka plastyczna rozwinęła się dalej w sztuce VII-XIII wieku. Zespół pogrzebowy w pobliżu Xi'an, stolicy Cesarstwa Chińskiego, został udekorowany dziełami rzeźbiarskimi, w których odtworzono sceny z życia dworskiego: wdzięczni tancerze w rytmach tańca, fashionistki w jasnych strojach, żonglerzy i muzycy, służba i nomadzi.
Cechą charakterystyczną jest związek rzeźby z religią buddyjską. Można tu zobaczyć straszliwą straż wejścia, depczące smoki, buddyjskich świętych, monumentalny wizerunek Buddy. Jedną z najdoskonalszych rzeźb jest 25-metrowy posąg Budda Wajroczanna.(Władcy Kosmicznego Światła), wyrzeźbiony w górach w jaskini Lunmen.
4. Gatunki malarstwa chińskiego.
Charakterystyczną cechą malarstwa chińskiego jest chęć zrozumienia uniwersalnych praw bytu i powiązania zjawisk poprzez to, co prywatne. Reprezentują ją głównie pionowe i poziome zwoje wykonane z jedwabiu i papieru. Pionowe zwoje wisiały na ścianach i nie przekraczały 3 m. Zwoje poziome przeznaczone były do długiego oglądania i sięgały kilku metrów. Rozkładając taki zwój, widz niejako wyruszał w podróż.
Obrazy malowano najczęściej tuszem lub farbami mineralnymi, opatrzono je kaligraficznymi napisami.
Artysta albo cytował poezję, albo sam ją komponował.
Malarstwo chińskie reprezentowane jest przez różne gatunki: pejzażowe, domowe, portretowe, historyczne i domowe. Szczególnie interesujące są obrazy takie jak „góry-woda”, „kwiaty-ptaki”. Chińscy artyści potrafili wyrazić ideę nieograniczoności świata. Na majestatycznym obrazie świata gór, lasów i rzek widać małe postacie podróżników, którym się nie spieszy, po prostu kontemplują piękno.
NA szczyt góry
Nocuję w opuszczonej świątyni.
Mogę ręką dotknąć migoczących gwiazd.
Boję się mówić głośno
Z ziemskimi słowami
Jestem mieszkańcem nieba
Nie odważę się zakłócać spokoju
Li Bo. „Świątynia na szczycie góry”.
W ten sposób chiński poeta Li Bo wyraził harmonię człowieka i natury.
Malarstwo pejzażowe w Chinach nie jest bogate w kolory. Często jest monochromatyczny, ale jest w nim mnóstwo odcieni i kombinacji.Artyści osiągnęli ogromny talent w przekazywaniu perspektywy powietrznej. Forma i rozwiązanie kompozycyjne obrazu są starannie przemyślane: dla przedstawienia łańcucha górskiego wybrano format zwoju poziomego, dla obszaru górzystego ze spiczastymi szczytami sosnowymi – pionowy.
„Nie da się dać drzew bez numeru: ważniejsze jest pokazanie, jak smukłe i piękne są góry. Wśród skał, nawisów i niebezpiecznych stromizn dobrze byłoby schować dziwne drzewo.Odległe góry trzeba obniżyć i ułożyć, a pobliskie gaje wypuścić gwałtownie.
W pejzażach chińskich artystów znajduje się wiele symboli: para kaczek symbolizowała szczęście rodzinne, bażant – udaną karierę, kwiat lotosu – symbol czystości, elastyczny bambus – mądrość i odporność na przeciwności losu, sosna – alegoria długowieczności, kwitnąca śliwka Meihua – symbol szlachetności i wytrzymałości.
Jednym z uduchowionych artystów lirycznego krajobrazu jest Guo Xi. W zmienności natury tkwi jej piękno.
Wyjątkowo prosty i lakoniczny jest monochromatyczny obraz Ma Yuna „Kaczki, skały i Meihua”.
Gatunek portretu jest jednym z najstarszych w malarstwie chińskim, znanym już od V wieku. pne e., związane z kultem przodków. Wizerunek poety Li Bo ucieleśnia się w portrecie Liang Kai.
FEDERACJA ROSYJSKA
"ZATWIERDZIĆ":
Prorektor ds. nauki
_______________________ //
__________ _____________ 2011
ARCYDZIEŁA KULTURY ŚWIATOWEJ
(Dzienne nauczanie)
„GOTOWY DO WYDANIA”:
„_ 8__”_04___2011
Rozważane na posiedzeniu wydziału literatura zagraniczna Protokół nr 10
Spełnia wymagania dotyczące treści, struktury i projektu.
Tom 30 stron.
Kierownik działu ______________________________//
„11”
Rozpatrzona na posiedzeniu CMC Instytutu Prawa, Ekonomii i Zarządzania
d. Protokół nr 1
Odpowiada federalnemu państwowemu standardowi edukacyjnemu wyższego kształcenia zawodowego i programowi nauczania.
"ZGODA":
Przewodniczący CMD ________________________//
„______” ____________2011
"ZGODA":
Głowa dział metodologiczny UMU _____________//
„______” ____________2011
FEDERACJA ROSYJSKA
MINISTERSTWO EDUKACJI I NAUKI
Państwowa instytucja edukacyjna
wyższe wykształcenie zawodowe
UNIWERSYTET STANOWY Tiumeń
Instytut Humanistyczny
Katedra Literatury Zagranicznej
ARCYDZIEŁA KULTURY ŚWIATOWEJ
Kompleks szkoleniowo-metodologiczny. Program roboczy
dla studentów kierunku 020400.62 „Biologia”
(Dzienne nauczanie)
Uniwersytet Państwowy w Tiumeniu
2011
Shveibelmana światowej kultury. Kompleks szkoleniowo-metodologiczny. Program pracy dla studentów kierunku 020400.62 „Biologia” (kształcenie stacjonarne) Tiumeń, 2011, 30 stron.
Program pracy został opracowany zgodnie z wymogami Federalnego Państwowego Standardu Edukacyjnego Wyższego Szkolnictwa Zawodowego, biorąc pod uwagę zalecenia i ProOP Wyższego Szkolnictwa Zawodowego w zakresie kierunku i profilu kształcenia.
REDAKTOR ODPOWIEDZIALNY:szef wydziału spraw zagranicznych
literatura, k. philol. N.,
Profesor
© Uniwersytet Państwowy w Tiumeniu, 2011.
© 2011.
1. NOTATKA WYJAŚNIAJĄCA
1.1. CELE I ZADANIA DYSCYPLINY
Kurs do wyboru Arcydzieła kultury światowej w istocie jest to kurs syntezujący materiał z szerokiego zakresu dyscyplin humanitarnych: historii, historii sztuki, kulturoznawstwa, filozofii, psychologii i literatury. Ma charakter informacyjny, informacyjny, panoramiczny, przeglądowy, instalacyjny. Kurs zapewnia wgląd w ogólne tendencje w kulturze światowej i konkretne dzieła(pomniki, arcydzieła) kultury, które w różnych stuleciach i w kontekście różnych narodowych tradycje kulturowe ucieleśniają te ogólne trendy i wzorce. Kultura, ściśle związana nie tylko z codzienną koniecznością praktyczną, ale także ukazująca poziom rozwoju emocjonalnego i intelektualnego człowieka, odzwierciedla cały szereg różnorodnych zjawisk życiowych, w szczególności świadczy o zasadniczych przemianach zachodzących w społeczeństwie ludzkim na pewnym etapie jego rozwoju. Szczególną uwagę zwraca się na badanie zjawisk, które odegrały znaczącą rolę w powstaniu i rozwoju głównego formy gatunkowe twórczości artystycznej, a także wiodących systemów estetycznych i nurtów artystycznych.
Zajęcia wykładowe skupiają się na etapowym badaniu głównych okresów rozwoju kultury światowej: od starożytności do współczesności (głównie w jej modelu europejskim). Zasada uporządkowania materiału wykładowego jest chronologiczna. Charakterystyka osiągnięcia kulturalne tej czy innej epoki wiąże się z analizą twórczości jej najwybitniejszych przedstawicieli. Dominanta artystyczna każdej epoki pozwala na przeniesienie akcentu z historii na historię myśli filozoficznej, historię kultury, psychologię, literaturę, teatr, malarstwo itp. Dominantą przebiegu wykładu, który pozwala mniej lub bardziej celowo konstruując tak obszerny materiał, jest koncepcją człowieka.
Historiograficzny aspekt kursu wykładowego stwierdza dalszy rozwój w sesjach praktycznych. Otrzymawszy kurs wykładowy główny pomysł na temat metamorfoz pojęcia człowieka w poprzednich epokach, student ma okazję szerzej, z historycznego punktu widzenia, opowiedzieć o pojęciu człowieka w kulturze XX stulecia (malarstwo, literatura, teatr, kino, świat wirtualny). Do zjawisk kultury artystycznej zastosowano holistyczne, typologiczne podejście, które pozwala dać obraz rozwoju sztuki w jedności jej wiodących nurtów artystycznych, przejawiających się w różnych kierunkach, gatunkach i stylach sztuki i literatury.
Celkurs „Arcydzieła kultury światowej” - w celu stworzenia systemu orientowania wiedzy wśród studentów o główne kierunki rozwoju kultury światowej na przykładzie jej najważniejszych zjawisk (architektura, malarstwo, kino, literatura, rzeźba, teatr). FSES HPE zapewnia absolwentom poznanie głównych etapów historii kultury, w oparciu o konsekwentne badanie wybitnych osiągnięć w dziedzinie twórczości artystycznej w różnych regionach świata, szkół narodowych.
Główne cele– studium historii kultury różne kraje i regionach świata, dogłębną wiedzę procesy historyczne w tych kulturach narodowych ich interpretacja przez krajowych i zagranicznych historyków sztuki, filozofów, historyków, kulturologów; odkrywanie wzorców współdziałania ogólnych nurtów w sztuce; kształtowanie pomysłów na temat rozwoju koncepcji człowieka w różnych epokach i jej artystycznego ucieleśnienia; rozwój głównego budynku światowego dziedzictwa artystycznego; systematyzacja ogólnej wiedzy humanitarnej.
Podstawowe jednostki dydaktyczne Słowa kluczowe: autor, norma, tradycja, innowacja, ciągłość, teoria i historia kultury, teoria i historia sztuki, nurty i kierunki artystyczne, system podstawowych pojęć historii sztuki, kategorie estetyczne, wzorce współdziałania ogólnych trendów w obszarze kultury, a w szczególności w dziedzina artystyczna, kolejne cechy ewolucji stylów, metod artystycznych, arcydzieł, języka kultury.
materiał kursu służą jako dzieła sztuki, literatura naukowa, monografie i artykuły dotyczące problemów rozwoju kultury światowej. Proponowany wykaz literatury naukowej i krytycznej powinien pomóc studentowi w jej głębszym i systematycznym zapoznawaniu się ogólne trendy rozwój kultury światowej.
Zajęcia „Arcydzieła Kultury Świata” prowadzone są w pierwszym semestrze. Integralną częścią przedmiotu jest historia nauk estetycznych i krytyka artystyczna reprezentujące metodologię i podstawy teoretyczne dyscypliny. Kierunek ten stanowi ważny element systemu rozwoju dyscyplin humanitarnych, pozwalające zorientować się w ogólnych wzorcach rozwoju światowego procesu kulturowego.
Egzamin wystawiony na podstawie wyników pracy na zajęciach praktycznych, pisząc semestr Praca pisemna(streszczenie o ODO, test - o OZO), udostępniające słowniczek i streszczenia prac naukowych nt aktualne kwestie rozwój kulturowy.
1.2. MIEJSCE DYSCYPLINY W STRUKTURZE PRODUKTÓW LICENCYJNYCH
W dziale znajduje się dyscyplina „Arcydzieła kultury światowej”. «Cykl humanitarny i społeczny. Część wariacyjna (dyscypliny do wyboru studenta). Rozwijając i pogłębiając element humanitarny w kształceniu studenta zdobywającego specjalność niehumanitarną, dyscyplina ta jest na swój sposób niezbędnym elementem przygotowania zawodowego, gdyż poszerza ogólne horyzonty kulturowe. Kurs ten tworzy system wiedzy, który przyczynia się do rozwoju podstawowych przedmiotów humanitarnych („Historia” itp.). Rozwój tego materiału pozwala zorientować się w ogólnych wzorcach rozwoju światowej kultury artystycznej. Wybitne zjawiska sfery estetycznej, posiadające trwałą wartość kulturową i historyczną, badane są w ścisłym powiązaniu z historią filozofii, literatury i języka oraz problemami struktury społeczno-politycznej. Proponowany kurs pomaga rozwijać umiejętności samokształcenie najważniejsze zjawiska w historii światopoglądu artystycznego, jeśli to możliwe, uczą się wykorzystywać zdobytą wiedzę do doskonalenia swojej osobowości.
1.3. Kompetencje absolwenta studiów licencjackich kształtują się w wyniku opanowania tej dyscypliny.
W wyniku opanowania dyscypliny „Arcydzieła kultury światowej” Absolwent musi posiadać następujące ogólne kompetencje kulturowe:
zdolność do doskonalenia i rozwijania swojego poziomu intelektualnego, ogólnokulturowego i moralno-psychologicznego (OK-1).
W wyniku opanowania dyscypliny student musi:
Wiedzieć: podstawowe pojęcia i terminy z zakresu teorii i historii kultury; rozumieć istotę i znaczenie informacji w rozwoju współczesnego społeczeństwa informacyjnego.
Być w stanie: zastosować w praktyce podstawowe umiejętności gromadzenia specjalnych faktów przy użyciu tradycyjnych metod i nowoczesnych technologii informatycznych .
Własny: główne metody, sposoby i środki pozyskiwania, przechowywania, przetwarzania informacji, umiejętności pracy z komputerem jako środkiem zarządzania informacją; umiejętności pracy z informacją w globalnych sieciach komputerowych.
2. STRUKTURA I PRACOWNOŚĆ DYSCYPLINY
3. PLAN TEMATYCZNY
Tabela 1.1
Plan tematyczny na naukę w pełnym wymiarze godzin
№ |
Temat | tygodnie semestralne | Rodzaje pracy edukacyjnej i pracy samodzielnej, na godzinę. | Łączna liczba godzin według tematu | W tym interaktywnie na godzinę | Suma punktów |
|||||||||
Wykłady | Zajęcia praktyczne | Niezależna praca | |||||||||||||
1 | 2 | 3 | 4 | 5 | 6 | 7 | 8 | 9 |
|||||||
|
Arcydzieła kultury światowej |
|||||||||||||||
Moduł 1 |
|||||||||||||||
Kultura to świat znaczeń | 0-11 |
||||||||||||||
kultura świat starożytny(Starożytna Grecja, Starożytny Rzym) | 0-11 |
||||||||||||||
Kultura średniowiecza | 0-12 |
||||||||||||||
Kultura renesansu | 0-12 |
||||||||||||||
Całkowity | 1-8 | 8 | 8 | 52 | 68 | 4 | 0-46 |
||||||||
Moduł 2 |
|||||||||||||||
Kultura artystyczna XVII wiek | 9-10 | 0-10 |
|||||||||||||
Cechy kultury europejskiej XVIII wiek | 11-12 | 0-11 |
|||||||||||||
Kultura XIX wieku | 13-14 |
„Zapominamy o naszych matkach”. Odcinek spektaklu teatralnego poświęconego Dniu Mamy „Mamy na nas czekają!”…
Forma wydarzenia: scena ekologiczna. Grupa docelowa: uczniowie szkół podstawowych. Cele: 1....
| |||||||||||||