Piotr Czajkowski
Ilustracja do baśni Hoffmanna „Dziadek do orzechów i król myszy”. 1840 Staatsbibliothek Bamberg / Wikimedia CommonsJeden z najsłynniejszych Rosjan muzyczne bajki- balet Piotra Czajkowskiego „Dziadek do orzechów”, ostatni balet kompozytor. Libretto do baśni Ernsta Theodora Hoffmanna „Dziadek do orzechów i król myszy” stworzył słynny choreograf Marius Petipa. Historia o zwycięstwie Klary (lub Ma-ri) i Dziadka do Orzechów król myszy a Dziadek do orzechów przemienia się w księcia, stał się bożonarodzeniowym klasykiem.
W „Dziadku do orzechów” przenikają się dwa światy: ten prawdziwy, którego bohaterami jest rodzina Clary-Marie, oraz fantastyczny, w którym wśród bohaterów pojawiają się Dziadek do orzechów, zabawki, lalka, król myszy, Cukrowa Wróżka i inne . Kompozytor ukazuje świat rzeczywisty za pomocą prostych muzycznie środków: przejrzystej orkiestracji o znanych barwach i taniec klasyczny- mazurek, walc, galop, polka. Fantastyczny świat jest przedstawiony zupełnie inaczej i to w jego stworzeniu przejawiła się innowacja Czajkowskiego.
W magiczny świat otwiera Ojciec Chrzestny Drosselmeyer, jego występowi towarzyszy ciekawe zestawienie barw melodyjnej altówki i dwóch puzonów. W świecie baśni dochodzi do walki dobra ze złem, co oczywiście ma swoje odzwierciedlenie w muzyce. Idee dobra charakteryzują dźwięki o miękkiej barwie. Przeważają tu pasaże fletu, kojąca gra harfy, iskrzące dzwonienie niebiańskiego instrumentu, co było wówczas nowością. Celesta- instrument klawiszowo-perkusyjny podobny do miniaturowego fortepianu, ale z metalowymi lub szklanymi płytkami w środku. Dźwięk przypomina bicie kryształowych dzwonów (nazwa celesta jest tłumaczona z włoskiego jako „niebiańska”).. Idee zła ukazane są za pomocą zupełnie innej orkiestracji, charakteryzującej się niższym rejestrem, z udziałem klarnetu basowego i tuby. Złowieszczy szelest armii Króla Myszy ukazany jest poprzez marsz wykonywany przez fagoty i niskie smyczki. W magicznym świecie i innych tańcach: hiszpański taniec czekolady, taniec arabski kawa, chiński taniec herbaciany i oczywiście tajemniczy Walc Kwiatów.
Wykonanie: Berlin Orkiestra Symfoniczna, dyrygent Siemion Byczkow
Opera „Opowieść o carze Saltanie” (1900)
Nikołaj Rimski-Korsakow
Iwan Bilibin. Ilustracja do „Opowieści o carze Saltanie”. 1905 Wikimedia Commons „Opowieść o carze Saltanie”, napisana przez Rimskiego-Korsakowa z okazji stulecia jego urodzin, to jedna z najbogatszych oper pod względem różnorodności barw orkiestrowych. Akcja rozgrywa się w Tmutarakan oraz w mieście Ledenets na wyspie Buyan. Opowieści o mieście towarzyszy uroczysty motyw dzwonu. We wstępie przed ostatnią sceną opery ukazane są trzy cuda z tekstu Puszkina. Wiewiórkę ze złotymi orzechami reprezentuje w orkiestrze temat pieśni ludowej „W ogrodzie, w warzywniku” w wykonaniu fletu piccolo. Maszerują morscy bohaterowie i wujek Czernomor: ten sam motyw powtarza się w basie ze wzrostem głośności. A głównym cudem jest Księżniczka Łabędzi. Urocza, kapryśna melodia stopniowo rozwija się w melodyjny temat, ilustrujący magiczna transformacjałabędź Piękna księżniczka. Księżniczka Łabędzi pomaga księciu Guidonowi we wszystkim: na przykład zamienia go w trzmiela, aby mógł udać się do Tmutarakan i spotkać się z ojcem. To tutaj w operze rozbrzmiewa słynna wirtuozowska melodia lotu trzmiela.
Wykonali: Orkiestra Symfoniczna i Chór Teatru Bolszoj, dyrygent Wasilij Nebolsin, soliści Iwan Pietrow, Jewgienija Smolenskaja
Opera „Złoty Kogucik” (1907)
Nikołaj Rimski-Korsakow
Natalia Gonczarowa. Scenografia do opery Złoty Kogucik. 1914 Obrazy artystyczne / DIOMEDIA Opera „Złoty kogucik” również opiera się na fabule baśni Puszkina. Bajkę otwiera Astrolog, który daje królowi Dodonowi Tutaj i poniżej znajdują się warianty pisowni Nikołaja Rimskiego-Korsakowa. złoty kogut Partię koguta wykonuje wysoki głos żeński – sopran. Królowa Szemakhan – źródło wszelkich nieszczęść chciwego Dodona – śpiewa o cudownych krainach, w których się urodziła, przy akompaniamencie harfy i instrumentów dętych drewnianych. Temat Królowej brzmi elegancko, zatrzymując się na wysokich tonach; ogólnie jej aria ma orientalny posmak. Ale ta bajka nie jest prosta. A królestwo Dodona nie jest prawdziwe. Kompozytor naśmiewa się z pechowego władcy. I tak na posiedzeniu Dumy carskiej rozbrzmiewają błazenskie motywy, a Dodon śpiewa wyznanie miłości do królowej She-Machana na melodię ludowej pieśni „Czyżik-Pizhik”.
Wykonawcy: Akademicka Orkiestra Symfoniczna Filharmonii Moskiewskiej, dyrygent Dmitry Kitayenko, Academic Duży chór Ogólnounijne Radio i Telewizja Centralna, soliści Evgeny Nesterenko, Boris Tarkhov, Elena Ustinova
Opera „Słowik” (1908-1914)
Igora Strawińskiego
Mary Newell. Ilustracja do baśni Hansa Christiana Andersena „Słowik”. 1898 Wikimedia Commons Pierwsza opera Igora Strawińskiego, Słowik, oparta jest na baśni Hansa Christiana Andersena. Podobnie jak w bajce, tak i w operze bardzo ważna jest konfrontacja prawdziwego słowika z mechanicznym. Rola żywego słowika została napisana na haj kobiecy głos- sopran koloraturowy. Wdaje się w dyskusję z tematem mechanicznego słowika, który wykonuje orkiestra. Zgodnie z fabułą, mimo że cesarz wolał mechanicznego słowika od prawdziwego, tylko pieśń żywego słowika może wyleczyć cesarza z śmiertelna choroba i przywróci radość wszystkim jego dworzanom. Wspaniale oddany jest kontrast między naturą a porcelanowym pałacem chińskiego cesarza: na przykład orkiestra gra delikatny nokturn, gdy akcja rozgrywa się na skraju lasu, i pompatyczny chiński (dokładniej tutaj Strawiński naśladuje chiński tradycja muzyczna) maszeruj, gdy znajdziemy się w bujnych korytarzach pałacu.
Wykonawcy: Washington Opera Orchestra and Chorus, dyrygent Igor Strawiński, soliści Laurent Driscol, Reri Grist, Donald Gramm
Opera „Choinka” (1900)
Władimir Rebikow
Arthura Rackhama. Dziewczynka z zapałkami. 1932 George G. Harrap & Co. Fabuła opery bożonarodzeniowej „Jółka” Władimira Rebikowa opiera się na dwóch baśniach o biednych dzieciach pozbawionych ciepła w świąteczny wieczór. Są to „Dziewczynka z zapałkami” Andersena i opowiadanie „Chłopiec pod choinką”. Operę poprzedza wskazanie kompozytora, że akcja może rozgrywać się „w chwili obecnej, w mieście, w którym opera jest wystawiana”. Opera jest kameralna, postaci jest niewielu, oni tylko śpiewają główny bohater(biedna dziewczyna) i duch jej matki. Intonalnie melodie pisane dla Dziewczyny przypominają zwykłą mowę, a krótkie, żałosne intonacje brzmią jak jej prośba o jałmużnę. Obfitość dysonansów we wstępie znacznie unowocześnia brzmienie.
Opera ma kilka motywów przewodnich. Najbardziej czuły i pełen czci jest walc, który uosabia nieosiągalne szczęście, idealny świat, w którym jest ciepło i dobrze. Po raz pierwszy walc zabrzmi na fortepianie podczas wakacji w domu, w którym stoi bogato udekorowana choinka. Walc przerywany jest krótkimi frazami muzycznymi wykonywanymi przez Dziewczynę zaglądającą do okien domu. Za drugim razem walc brzmi inaczej: to miraż, sen Dziewczyny, w której znalazła się w luksusowym pałacu. Wokoło jest wiele innych dzieci, a Książę prowadzi Dziewczynę do tronu – w wykonaniu drugiego walca biorą udział flety, skrzypce z subtelnymi echami altówek i fagotów, przy akompaniamencie czelesty, dzwonków i harfy.
Wykonawcy: Wiktor Ryabchikov.
Niestety, pełne nagranie opery nie jest dostępne w serwisach streamingowych, ale mamy nadzieję, że znajdziecie okazję, aby usłyszeć ją na żywo
Balet „Kopciuszek” (1944)
Siergiej Prokofiew
Arthura Rackhama. Ilustracja do bajki „Kopciuszek”. 1919 Biblioteka Publiczna Nowego Jorku Balet oparty na stałym wątku baśni Charlesa Perraulta. Wyczerpany ciągłą pracą Kopciuszek (nawet ją motyw liryczny brzmi na zmęczoną) marzy o pójściu na bal, jej paskudne siostry Krivlyaka i Zlyuka kłócą się o szal (ich karykatura i szkodliwość podkreślają sucha orkiestracja i dysonanse); Książę początkowo zachowuje się arogancko, ale miłość go przemienia: na balu pojawia się przy grzmocie fanfar, a gdy tylko widzi Kopciuszka, muzyka natychmiast zmienia się na liryczną. Transformację Kopciuszka, jak powinno być zgodnie z fabułą, prowadzi matka chrzestna, ale dziewczynę ubiera zespół wróżek wszystkich pór roku, któremu towarzyszy zestaw tańców. No i oczywiście na balu wykonywane są wszelkiego rodzaju tańce dworskie: paspier, bourre, mazurek, menuet. A w środku święta, gdy goście próbują smakołyków, orkiestra gra marsz. Został on skomponowany przez Prokofiewa wcześniej do innego dzieła, opery Miłość do trzech pomarańczy (1919). Miłość Kopciuszka i Księcia rodzi się przy dźwiękach Wielkiego Walca, ale zegar wybija północ: na tle skrzypiec tremolo i fragmentów klarnetów ksylofon i pukanie drewnianego klocka odmierzają czas. Kolejnym przypomnieniem nieubłaganego czasu jest bicie zegara, które towarzyszy całemu baletowi.
Wykonawcy: Rosyjska Orkiestra Narodowa, dyrygent Michaił Pletnev
Balet „Mały garbaty koń” (1955)
Rodion Szczedrin
Szkic scenerii do baletu „Mały garbaty koń”. 1939 Obrazy dziedzictwa / Obrazy dzieł sztuki / DIOMEDIA Pierwszy balet kompozytora Rodiona Szczedrina powstał na podstawie baśni Piotra Erszowa „Mały garbaty koń”. Już od pierwszych taktów muzyka ma swój klimat święto narodowe. Trąbki i rogi na zmianę prowadzą akcję poprzez szybko otwierający się temat, który oddaje niekończący się zgiełk tłumu. Melodia tańca brzmi typowo rosyjskim tupnięciem. Gatunek ditty jest szeroko reprezentowany w baśniowym balecie: oto energetyczne melodie w scenie Iwana z braćmi oraz refreny skomponowane przez Szczedrina w „Dziewczęcym okrągłym tańcu”. Kompozytor wchodzący w skład orkiestry duża liczba instrumenty perkusyjne: dzwonki, dzwonki, dzwonki, trójkąt, bębny, kotły i grzechotki.
Do głównego nurtu wprowadzają nas trzy sceny pierwszego aktu aktorzy balet Pod „bałałajką” przy akompaniamencie fagotów i niskich instrumentów smyczkowych pojawia się motyw przewodni braci Iwana. Bracia mają jeden temat, ponieważ Danila i Gavrila są do siebie podobni we wszystkim. To ciężki, kanciasty temat z precyzyjnym rytmem, akcentami i powtórzeniami: bracia są uparci i aroganccy.
Mały Konik jest nie tyle magiczny, co sprytny i ma swój własny umysł. Motyw konia grany jest na flecie piccolo i dzwonkach. Przypomina to motyw przewodni samego Iwana, któremu we wszystkim pomaga Konek. Carską Dziewicę charakteryzuje kilka wątków. Jej pierwszym motywem przewodnim jest motyw wezwania z niezwykle kolorową orkiestracją, do której melodia upodabnia bohaterkę fantastyczny świat ten balet. A drugi motyw przewodni Carskiej Dziewicy pojawia się po spotkaniu z Iwanem. Zostaje rosyjską bohaterką – brzmi Kołysanka, zapożyczone przez kompozytora ze zbioru Łiadowa „Pieśni narodu rosyjskiego”.
Balet się kończy Wesołych Świąt z biciem dzwonów. Młodzi ludzie nazywają się Iwan i Carska Dziewica. Młodzi ludzie prowadzą okrągłe tańce: płynny rosyjski taniec panny młodej zastępuje młodzieńczy taniec pana młodego. Wspólnej zabawie towarzyszy motyw Małego Garbatego Konia.
Wykonawcy: Moskiewska Orkiestra Akademicka Teatr Muzyczny ich. K. S. Stanisławski i wł. I. Niemirowicz-Danczenko, dyrygent Georgy Zhemchuzhin
Opera-balet „Dziecko i magia” (1919-1925)
Maurycego Ravela
Ilustracja z okładki libretta „Dziecko i magia”. 1925 Autor: Agostini/Getty Images Libretto „Dziecka i zaklęć” Maurice’a Ravela oparte jest na kilku dziełach literackich: baśniach Perraulta, braci Grimm, Andersena i Maeterlincka. Zgodnie z fabułą niegrzeczny chłopiec jest rehabilitowany przez zwierzęta i animowane przedmioty: Kanapa, Puchar Chiński, Ogień, Kot, Krzesło, Nietoperz– oto tylko niektóre z nich. Ten opera-balet, więc wszyscy bohaterowie nie tylko śpiewają melodyjne arie, ale także tańczą fokstrota, walca bostońskiego, menueta, galopu, kankana i inne tańce.
Niezwykła orkiestra tworzy atmosferę magii. Zawiera, wraz z tradycyjnymi instrumenty symfoniczne Istnieją specjalne fantastyczne barwy: maszyna dęta (aeolifon), luteal (modyfikacja fortepianu forte), flet jazzowy ze skrzydełkiem, a nawet tarka do sera! Muzyka często opiera się na onomatopei: orkiestra i wykonawcy naśladują miauczenie kota i żaby, bicie zegara i dźwięk pękającego kubka. Nauczyciel arytmetyki, wypełzając z podartej książki, śpiewa albo dźwięcznym falsetem, albo celowo nosowym głosem, zatykając nos. Tak więc w tej humorystycznej scenie powstaje wir niespójnych ruchów, od którego chłopiec zaczyna odczuwać zawroty głowy. W innej scenie partia wokalna Fire oddaje swobodny ruch płomieni: jej kręta, wirtuozowska melodia, sięgająca niezwykle wysokich tonów, jest bardziej instrumentalna niż wokalna.
Wykonawcy: Narodowa Orkiestra Radia Francuskiego, dyrygent Laurin Maazel, soliści Françoise Auger, Michel Seneschal
Bajka symfoniczna „Piotruś i Wilk” (1936)
Siergiej Prokofiew
Okładka partytury bajki „Piotruś i Wilk”. 1959- „Muzgiz” Specjalnie dla Moskwy Siergiej Prokofiew napisał muzyczną opowieść symfoniczną teatr dziecięcy. Główny bohater bajki - dziesięcioletni Petya, odważny pionier - zwycięzca Wilka, który pokonał go, zanim pojawili się Łowcy. Zwykle bajkę wykonuje się w ten sposób: narrator czyta tekst, a orkiestra wyraża wszystko, co się w niej dzieje.
Temat każdej postaci odgrywa jeden instrument lub grupa instrumentów o podobnej barwie orkiestry symfonicznej. Na przykład Dziadek, niezadowolony z faktu, że jego wnuk opuścił bramę bez pozwolenia, przedstawiony jest przez niski instrument dęty drewniany – fagot; nieustraszona Petya - Kwartet smyczkowy(dwie partie skrzypiec, altówki i wiolonczeli) oraz jego przyjaciel i asystent Bird – flet, który najlepiej oddaje trzepot małych skrzydełek i dźwięczne tryle.
Przekazana jest postać głównego wroga Petyi, Wilka instrumenty dęte blaszane, najpotężniejszy, najgłośniejszy w orkiestrze. W niskim rejestrze trzy rogi grają ciężkie akordy w tonacji molowej. Ptak ma także złych życzeń: Kota, którego pełzający chód przekazuje klarnet, oraz arogancką i arogancką Kaczkę. W chwili sporu Kaczki z Ptakiem o to, kto jest prawdziwym ptakiem, w orkiestrze rozbrzmiewają jednocześnie dwa tematy: gwiżdżące fragmenty fletu obrazują śpiew Ptaka, zaś kwakanie Kaczki przekazuje inny instrument dęty drewniany - obój. Chociaż Kaczka się przechwalała, biegła zbyt wolno, a szybki Wilk połknął ją po drodze. Ale Wilk nie mógł uciec przed Petyą: chłopiec go złapał i przy pomocy Łowców wysłał go do Muzeum Zoologiczne. Opowieść kończy się uroczystą procesją zwycięzców, w której po kolei słychać tematy przewodnie wszystkich bohaterów.
Wykonawcy: Państwowa Akademicka Orkiestra Symfoniczna ZSRR, dyrygent Jewgienij Swietłanow, tekst czyta Natalia Sats
Opera „Śnieżna dziewica” (1881)
Nikołaj Rimski-Korsakow
Dmitrij Stellecki. Szkic kurtyny do opery „Śnieżna Panna”. Lata 1910 Obrazy artystyczne / DIOMEDIA Libretto opery napisał sam Rimski-Korsakow na podstawie sztuki Ostrowskiego „Śnieżna dziewica”. Śnieżna Panna przybywa do magicznego królestwa Berendeyów, aby znaleźć ciepłe uczucie miłości, ale osiągnąwszy to, tragicznie się rozpływa. Słuchacze opery nie powinni być smutni, bo tylko dzięki pojawieniu się i śmierci Śnieżnej Dziewicy w królestwie Berendey znów nadchodzi ciepłe lato, obdarzone promieniami boga Yarili.
Rimski-Korsakow podzielił liczne postacie opery na trzy grupy: mitologiczne (Ojciec Mróz, Vesna-Krasna, Leshy), półmitologiczne (Snow Maiden, Lel, car Berendey) i rzeczywiste (Kupava, Mizgir, Bobyl i Bobylikha, Bermyata). , Biryuchi). Każda grupa ma swoją charakterystykę muzyczną, każda postać ma swój motyw przewodni. Na przykład pojawieniu się wiosny towarzyszy ciepła barwa rogów, a pojawieniu się mrozu towarzyszy zamrożona „zimna” muzyka w niskim rejestrze. Obraz piosenkarka folk Lelya składa się z trzech piosenek - piosenki przeciągniętej, okrągłej piosenki tanecznej i piosenki tanecznej, a wizerunek Snow Maiden łączy ścisłą partię fletu z lirycznymi melodiami w część wokalna. Pojawieniu się „prawdziwego” mężczyzny Mizgira towarzyszy gęsta barwa klarnetu basowego. Chóry odgrywają w operze dużą rolę: na przykład lud Berendey uczestniczy w fabule, na przykład w scenie „Widząc Maslenicę” i w finale: dźwięk chóru wzrasta - jak jasność słońca, który znów jaśnieje nad królestwem Berendey.
Wykonali: Orkiestra Symfoniczna i Chór Teatru Bolszoj, dyrygent Evgeny Svetlanov, soliści Ivan Kozlovsky, Vera Firsova, Alexey Krivchenya
Balet „Ognisty ptak” (1909-1910)
Igora Strawińskiego
Lew Bakst. Iwan Carewicz i Ognisty Ptak. 1915 Wikimedia Commons Igor Strawiński napisał „Ognistego ptaka” na zamówienie Siergieja Diagilewa dla „Poronu Rosyjskiego”. Libretto, stworzone przez wybitnego choreografa Michaiła Fokina, opiera się na wątkach kilku ludowe opowieści(o Iwanie Carewiczu, Ognistym Ptaku i Szarym Wilku, o Nieśmiertelnym Koszeju i Ukochanej Księżniczce) oraz jednego autorskiego – „Nocne tańce” Sołoguba. W pogoni za Ognistym Ptakiem Iwan Carewicz trafia do cudownego ogrodu. Widzi tam bohaterów, których Kościej Nieśmiertelny zamienił w kamień, ponieważ próbowali ocalić skradzione przez niego narzeczone. Teraz panny młode księżniczki mieszkają w zamku Koshchei i wychodzą do ogrodu, aby się bawić. Wraz z nimi jest Ukochana Piękność, w której zakochuje się Iwan Carewicz. Rozwścieczeni słudzy Koszczeja chwytają Iwana, który pobiegł za księżniczkami, ale udaje mu się uciec dzięki oślepiającemu światłu z pióra Ognistego Ptaka. W ten sposób czar złego królestwa zostaje złamany, a na jego miejscu powstaje chrześcijańskie miasto. Zaczarowani bohaterowie ożywają i odnajdują swoje narzeczone, a Iwan Carewicz – obecnie władca nowego miasta – poślubia Ukochaną Piękność.
Trójka współistnieje w balecie świat wróżek: ciemne królestwo Koshcheya, wspaniały ogród ze złotymi jabłkami i chrześcijańskie miasto z kopułami. Armia Koszczeewa rozpoczyna „Filthy Dance” charakterystycznymi rytmicznymi przerwami i jasnymi gwizdami fletu piccolo; Pojawieniu się Firebirda towarzyszą delikatne melodie kołysanki wykonywanej przez instrumenty dęte drewniane i smyczkowe. W okrągłym tańcu księżniczek Strawiński posługuje się cytatem z rosyjskiej pieśni ludowej „Jak w przedszkolu, przedszkole”, a w radosnym finale – z piosenki „To nie sosna kołysała się u bramy”.
Wykonawcy: Columbia Symphony Orchestra, dyrygent Igor Strawiński
Balet „Śpiąca królewna” (1889)
Piotr Czajkowski
Lew Bakst. Projekt kostiumów do baletu „Śpiąca królewna”. 1921 Obrazy artystyczne / DIOMEDIA W balecie „Śpiąca królewna” Czajkowskiego, napisanym na podstawie baśni Charlesa Perraulta, jak to zwykle bywa w baśniach, zderzają się dwa światy: świat dobra, za który odpowiedzialna jest wróżka Lilac, oraz świat zła, uosabianego przez wróżkę Carabosse. Każda wróżka ma swój motyw przewodni: wróżka Liliowa ma delikatny liryczny walc, a wróżka Carabosse ma niestabilną i ostrą, ciągle zmieniającą się muzykę.
Wątki zderzają się już w prologu i tam dobro wygrywa. Ale w chwili, gdy główna bohaterka baletu, Aurora, ukłuła się wrzecionem otrzymanym od Carabosse, temat złej wróżki brzmi zwycięsko. Motyw przewodni snu Aurory na początku nawiązuje melodyjnie do motywu przewodniego wróżki Carabosse, jednak już w drugim akcie baletu bliski jest tematowi dobra. Pełne zwycięstwo dobra następuje w trzecim akcie, wypełnionym radosnymi melodiami. W finale dużą rolę odgrywają liczne urządzenia onomatopeiczne. Przy dźwiękach poloneza na weselu księcia Désiré i księżniczki Aurory pojawiają się goście – postacie z innych baśni Charlesa Perraulta: Kopciuszek i Książę Fortuna, Piękna i Bestia, Sinobrody z żoną i inni. Każda para postaci jest prezentowana indywidualnie, zarówno muzycznie, jak i choreograficznie. Na przykład pas de deux Księżniczki Floryny i Błękitnego Ptaka, dzięki trzepoczącym falom ramion, lekkim skokom i kółkom, przypomina swobodny i łatwy lot ptaków. Muzycznie obraz ten przekazują kręte melodie w wykonaniu fletów i klarnetów, które imitują śpiew fantastycznych ptaków. W odcinku „Kot w butach i biały kotek” dźwięk obojów i fagotów naśladuje miauczenie kota, a w odcinku „Czerwony Kapturek i Wilk” rytmicznie oddaje małe, pospieszne kroki dziewczynki.
Wykonawcy: Londyńska Orkiestra Symfoniczna, dyrygent André Previn
Balet „Cipollino” (1974)
Karen Chaczaturyan
Kadr z kreskówki „Cipollino”. 1961 Film Soyuzmult Fabuła baletu oparta jest na słynnej baśni „Przygody Cipollino” Gianniego Rodariego o dzielnym chłopcu cebulowym walczącym z bogatymi władcami Cytryną i Pomidorem, a podstawą muzyczną jest wspaniała kreskówka „Cipollino” z 1961 roku. W balecie znalazła się także muzyka z innych filmów animowanych, których kompozytorem był Chaczaturian: „Kiedy zapalają się choinki” (1950), „Podróżnicy w lesie” (1951), „Słodka opowieść” (1970), „Niezwykły mecz” (1955). ), „Starzy znajomi” (1956).
W balecie tym nie ma przypisanych bohaterom motywów przewodnich, muzyka podąża za fabułą, a nie konkretnymi postaciami. Na przykład pościg za Cipollino jest bardzo trafnie oddany za pomocą żywiołowej muzyki o skocznym rytmie, która daje widzom do zrozumienia, że o bohatera nie trzeba się bać. Dziecięcą prostotę i przystępność baletu podkreśla przewaga w partyturze liczb efektownych (np. uwolnienie Cipollino i spotkanie z przyjaciółmi, pojawienie się Księcia Cytryny ze strażą) nad tradycyjnymi liczbami baletowymi (jak Magnolia i Cherry pas de deux, odmiana strażnika, odmiana Magnolie). Prosta choreografia pozwala na udział w przedstawieniach nawet młodym tancerzom. I na podstawie baletu Chaczaturian stworzył suitę dla dzieci na fortepian na cztery ręce.
Wykonawcy: Orkiestra Symfoniczna Teatru Bolszoj, dyrygent Aleksander Kopyłow
Hans Christian Andersen (1805-1875)
Więcej niż jedno pokolenie ludzi wychowało się na twórczości duńskiego pisarza, gawędziarza i dramaturga. Hans od wczesnego dzieciństwa był wizjonerem i marzycielem, którego uwielbiał teatry lalek i wcześnie zaczął pisać wiersze. Ojciec zmarł, gdy Hans nie miał jeszcze dziesięciu lat, chłopiec pracował jako praktykant u krawca, potem w fabryce papierosów, a w wieku 14 lat już bawił się drobne role V Teatr Królewski w Kopenhadze. Andersen napisał swoją pierwszą sztukę w wieku 15 lat, odniosła ona ogromny sukces, w 1835 roku ukazał się jego pierwszy zbiór baśni, który do dziś czyta z zachwytem wiele dzieci i dorosłych. Najbardziej znane z jego dzieł to „Krzemień”, „Calineczka”, „Mała Syrenka”, „Steady ołowiany żołnierzyk», « Królowa Śniegu», « brzydka kaczka”, „Księżniczka na ziarnku grochu” i wiele innych.
Charlesa Perraulta (1628-1703)
Francuski pisarz, gawędziarz, krytyk i poeta już jako dziecko był wzorowym, doskonałym uczniem. Otrzymał dobre wykształcenie, zrobił karierę jako prawnik i pisarz, został przyjęty do Akademii Francuskiej i dużo pisał publikacje naukowe. Swoją pierwszą książkę z baśniami opublikował pod pseudonimem - na okładce widniało imię jego najstarszego syna, gdyż Perrault obawiał się, że jego reputacja gawędziarza może zaszkodzić jego karierze. W 1697 roku ukazał się jego zbiór „Opowieści matki gęsi”, który przyniósł Perraultowi światową sławę. Na podstawie fabuły jego baśni słynne balety I opera działa. Jeśli chodzi o większość znane prace, niewiele osób nie czytało w dzieciństwie o Kotu w butach, Śpiącej królewnie, Kopciuszku, Czerwonym Kapturku, Domku z piernika, Kciuku, Sinobrodym.
Siergiejewicz Puszkin (1799-1837)
Zasłużoną miłością ludzi cieszą się nie tylko wiersze i wiersze wielkiego poety i dramaturga, ale także wspaniałe baśnie wierszowane.
Aleksander Puszkin ponownie zaczął pisać swoje wiersze wczesne dzieciństwo, otrzymał dobre wykształcenie w domu, ukończył Liceum Carskie Sioło (uprzywilejowane instytucja edukacyjna), przyjaźnił się z innymi znani poeci, w tym „dekabrystów”. W życiu poety były zarówno okresy wzlotów i upadków, jak i tragicznych wydarzeń: oskarżenia o wolnomyślicielstwo, niezrozumienie i potępienie władzy, a w końcu śmiertelny pojedynek, w wyniku którego Puszkin otrzymał śmiertelną ranę i zmarł w wieku 38 lat. Ale jego dziedzictwo pozostaje: ostatnia bajka, napisany przez poetę, stał się „Opowieścią o złotym koguciku”. Znane są także: „Opowieść o carze Saltanie”, „Opowieść o rybaku i rybie”, „Opowieść o martwa księżniczka i siedmiu bogatyrów”, „Opowieść o księdzu i robotniku Baldzie”.
Bracia Grimm: Wilhelm (1786-1859), Jacob (1785-1863)
Jacob i Wilhelm Grimm byli nierozłączni od młodości aż po grób: łączyły ich wspólne zainteresowania i wspólne przygody. Wilhelm Grimm dorastał jako chorowity i słaby chłopiec, dopiero w r wiek dojrzały jego zdrowie mniej więcej wróciło do normy, Jakub zawsze wspierał swojego brata. Bracia Grimm byli nie tylko znawcami niemieckiego folkloru, ale także lingwistami, prawnikami i naukowcami. Jeden brat wybrał drogę filologa, studiującego starożytną literaturę niemiecką, drugi został naukowcem. Światowa sława Braciom przywieziono bajki, choć niektóre dzieła uważane są za „nie dla dzieci”. Do najbardziej znanych należą: „Królewna Śnieżka i szkarłatny kwiat”, „Słoma, żar i fasola”, „Muzycy uliczni z Bremy”, „Dzielny mały krawiec”, „Wilk i siedem koźlątek”, „Jaś i Małgosia” oraz inni.
Paweł Pietrowicz Bazhov (1879-1950)
Jako pierwszy wystąpił rosyjski pisarz i folklorysta traktowanie literackie Legendy Uralu pozostawiły nam bezcenne dziedzictwo. Urodził się w prostej rodzinie robotniczej, ale nie przeszkodziło mu to ukończyć seminarium duchownego i zostać nauczycielem języka rosyjskiego. W 1918 zgłosił się na ochotnika na front, a po powrocie postanowił zająć się dziennikarstwem. Dopiero z okazji 60. urodzin autora ukazał się zbiór opowiadań „Pudełko malachitowe”, który przywiózł Bazhov miłość ludzi. Ciekawe, że bajki są pisane w formie legend: mowa ludowa, folklorystyczne obrazy sprawiają, że każda praca jest wyjątkowa. Bardzo znane bajki: « Miedziana Góra gospodyni", " Srebrne kopyto”, „Pudełko malachitowe”, „Dwie jaszczurki”, „Złote włosy”, „Kamienny kwiat”.
Rudyard Kipling (1865-1936)
Znany pisarz, poeta i reformator. Rudyard Kipling urodził się w Bombaju (Indie), w wieku 6 lat został przywieziony do Anglii, te lata nazwał później „latami cierpienia”, bo ludzie, którzy go wychowali, okazali się okrutni i obojętni. Przyszły pisarz zdobył wykształcenie, wrócił do Indii, a następnie udał się w podróż, odwiedzając wiele krajów Azji i Ameryki. Kiedy pisarz miał 42 lata, został nagrodzony nagroda Nobla– i do dziś pozostaje najmłodszym pisarzem-laureatem w swojej kategorii. Najsłynniejszą książką dla dzieci Kiplinga jest oczywiście „Księga dżungli”, której głównym bohaterem jest chłopiec Mowgli. Bardzo ciekawie jest przeczytać także inne bajki: „Kot, który chodzi sam”, „Gdzie wielbłąd ma garb?”, „Jak lampart ma swoje cętki” – wszystkie opowiadają o odległych krainach i są bardzo interesujące.
Ernst Teodor Amadeusz Hoffmann (1776-1822)
Hoffmann był człowiekiem niezwykle wszechstronnym i utalentowanym: kompozytorem, artystą, pisarzem, gawędziarzem. Urodził się w Królewcu, gdy miał 3 lata, jego rodzice rozeszli się: starszy brat wyjechał z ojcem, a Ernst został z matką; Hoffmann nigdy już brata nie zobaczył. Ernst zawsze był psotnikiem i marzycielem; często nazywano go „sprawiającym kłopoty”. Co ciekawe, obok domu, w którym mieszkali Hoffmannowie, znajdował się pensjonat dla kobiet, a Ernstowi tak spodobała się jedna z dziewcząt, że zaczął nawet kopać tunel, aby ją poznać. Kiedy dół był już prawie gotowy, wujek dowiedział się o tym i kazał zasypać przejście. Hoffmann zawsze marzył, że po jego śmierci pozostanie pamięć o nim - i tak się stało; jego bajki czytane są do dziś: najbardziej znane to „Złoty garnek”, „Dziadek do orzechów”, „Mały Tsakhes, nazywany Zinnoberem” i inni.
Alana Milne’a (1882-1856)
Któż z nas nie zna zabawnego misia z trocinami w głowie – Kubusia Puchatka i jego zabawnych przyjaciół? – autor tych śmieszne historie i jest Alanem Milne. Pisarz spędził dzieciństwo w Londynie, był cudowny wykształcona osoba, następnie służył w armii królewskiej. Pierwsze opowieści o niedźwiedziu powstały w 1926 roku. Co ciekawe, Alan nie czytał swoich dzieł własnemu synowi Christopherowi, woląc wychowywać go na poważniejszym poziomie historie literackie. Krzysztof już jako dorosły czytał bajki swojego ojca. Książki zostały przetłumaczone na 25 języków i cieszą się dużą popularnością w wielu krajach na całym świecie. Oprócz opowieści o Kubuś Puchatek znane są bajki „Księżniczka Nesmeyana”, „Zwykła bajka”, „Książę Królik” i inne.
Aleksiej Nikołajewicz Tołstoj (1882-1945)
Aleksiej Tołstoj pisał w wielu gatunkach i stylach, otrzymał tytuł akademika, w czasie wojny był korespondentem wojennym. Jako dziecko Aleksiej mieszkał na folwarku Sosnówka w domu ojczyma (matka opuściła ojca, hrabiego Tołstoja, gdy była w ciąży). Tołstoj spędził kilka lat za granicą, studiując literaturę i folklor różne kraje: Tak zrodził się pomysł napisania baśni „Pinokio” na nowo w nowy sposób. W 1935 roku ukazała się jego książka „Złoty klucz, czyli przygody Pinokia”. Aleksiej Tołstoj wydał także 2 zbiory własnych bajek, zwane „Opowieściami syren” i „Opowieściami syreni”. Srocze opowieści" Najbardziej znane dzieła „dla dorosłych” to „Walking in Torment”, „Aelita”, „Hyperboloid inżyniera Garina”.
Aleksander Nikołajewicz Afanasjew (1826-1871)
To wybitny folklorysta i historyk, którym od lat się interesuje Sztuka ludowa i zbadałem to. Najpierw pracował jako dziennikarz w archiwum Ministerstwa Spraw Zagranicznych, gdzie rozpoczął swoje badania. Afanasjew uważany jest za jednego z najwybitniejszych naukowców XX wieku, jego zbiór rosyjskich opowieści ludowych jest jedynym zbiorem rosyjskich opowieści wschodniosłowiańskich, który można nazwać „ książka ludowa„w końcu wychowało się na nich więcej niż jedno pokolenie. Pierwsza publikacja pochodzi z 1855 roku, od tego czasu książka była kilkakrotnie wznawiana.
Cel : utrwalić, rozszerzyć pojęcia „bajki muzycznej”, „malarstwa muzycznego”, przedstawić kompozytora Rimskiego - Korsakowa - jako „muzycznego gawędziarza”, rozwinąć umiejętności poznawcze i myślenia.
Sprzęt : akordeon guzikowy, magnetofon, suita symfoniczna Rimskiego-Korsakowa „Szeherezada”, przygotowane slajdy do lekcji
Podczas zajęć
1. Moment organizacyjny
Nauczyciel :
Cześć chłopaki! Podczas rok szkolny Dowiedzieliśmy się wielu nowych rzeczy, rozmawialiśmy o różnorodności gatunków i intonacyjnej ekspresji mowy muzycznej. Słuchaliśmy oper, baśni symfonicznych, baśni muzycznych. Na dzisiejszej lekcji utrwalimy naszą wiedzę i zapoznamy się z nowym dziełem, muzyczną baśnią znanego Ci kompozytora.
Spójrzcie na portret i powiedzcie mi, jak nazywa się ten kompozytor?
studenci : To portret słynnego rosyjskiego kompozytora Rimskiego-Korsakowa
Nauczyciel : Tak, zgadza się, to znany wam rosyjski kompozytor Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow. A kto pamięta jego pochodzenie?
studenci : Pochodzi z muzykalnej rodziny, jego ojciec grał na pianinie, a mama i wujek śpiewali. pieśni ludowe.
Nauczyciel : Kiedy zauważyłeś jego zdolności muzyczne?
studenci : Kiedy miał 2 lata. On miał absolutny luz, rytm, pamięć.
Nauczyciel : Chłopaki, przypomnijmy sobie, z jakimi jego dziełami się zapoznaliśmy? Jakie znasz działania?
studenci : Opera „Sadko”, „Snow Maiden”, epopeja, „Opowieść o carze Saltanie”.
Nauczyciel : OK, przypomnieliśmy sobie dzieła, które znamy, i mam ostatnie pytanie: kogo nazywamy zwolennikiem Rimskiego-Korsakowa?
studenci : M.Glinka.
Nauczyciel: Tak, podobnie jak Glinka, Rimski-Korsakow był zakochany w bogatej kulturze artystycznej, historii i sposobie życia narodu rosyjskiego i to było źródłem jego twórczej inspiracji. Szczególnie pociągały go starożytne wierzenia ludowe, obrzędy i pieśni związane z ludowymi wyobrażeniami o przyrodzie, legendy, eposy i baśnie. W tej pasji objawiło się indywidualne rozumienie narodowości sztuki Rimskiego-Korsakowa, tu odnalazł swoją drogę jako rosyjskiego artysty i muzyka.
Nauczyciel : Chłopaki, co kompozytor opisał w swoich utworach?
studenci : Zdjęcia morza, lasu, świtu, rozgwieżdżonego nocnego nieba, krajobrazów Północy, Południa, szkice ze świata ptaków i zwierząt, przeniesienie wszelkiego rodzaju „głosów natury”.
Nauczyciel : Tak, oczywiście, a dziś poznamy nowe dzieło, suitę symfoniczną Rimskiego-Korsakowa „Szeherezada”. Apartament (z francuskiego) Zestaw– „rząd”, „sekwencja”) to cykliczna forma muzyczna składająca się z kilku niezależnych, kontrastujących ze sobą części, połączonych wspólną koncepcją. „Szeherezada” oparta jest na arabskich baśniach „1000 i 1 noc”. Rimski-Korsakow powiedział: „W istocie moja rodzina to bajka, epopeja i na pewno rosyjska”. I dlatego nazywano go „muzycznym gawędziarzem”.
– A teraz proponuję wysłuchać fragmentu suity charakteryzującej przyrodę, obraz morza, szum fal.
(Słuchanie fragmentu suity symfonicznej „Szeherezada”).
Nauczyciel : Chłopaki, co słyszeliście w apartamencie? Jaki jest charakter pracy?
Nauczyciel: Zgadza się, chłopaki. A teraz chcę ci powiedzieć streszczenie suita symfoniczna.
Sułtan Shahriar, przekonany o zdradzie i niewierności kobiet, poprzysiągł egzekucję każdej ze swoich żon już po pierwszej nocy; ale sułtana Szeherezada uratowała jej życie, udało mu się zająć go bajkami, opowiadając mu je przez 1000 i 1 nocy, tak że Shahriar powodowany ciekawością nieustannie odkładał jej egzekucję i ostatecznie całkowicie porzucił swój zamiar. Szeherezada opowiadała mu wiele cudów, cytując wiersze poetów i słowa piosenek, wplatając baśnie w baśnie i opowieści w opowieści.
Tematyka wschodnia zajmuje wspaniałe miejsce w muzyce Rimskiego-Korsakowa oraz „Szeherezada to jeden z najlepszych przykładów rosyjskiej muzyki klasycznej poświęconej tematyce Wschodu”.
Oprócz Rimskiego-Korsakowa jest wielu kompozytorów, którzy zwrócili się ku baśniom. A dzisiaj przedstawimy Wam bajeczną piosenkę Yu Chichkova do słów M. Plyatskovsky'ego „Magiczny kwiat”. Słuchaj uważnie, określ charakter, a wtedy dowiemy się wszystkiego razem.
(Wykonanie piosenki „ Magiczny kwiat”Yu Chichkova jako nauczyciel i nauka z uczniami.)
2. Ocena wiedzy studentów
3. Podsumowanie lekcji
Nauczyciel : Chłopaki, czego nowego nauczyliście się na dzisiejszej lekcji?
Studenci: Kompozytor Rimski-Korsakow „ muzyczny gawędziarz" Zapoznaliśmy się ze suitą symfoniczną „Szeherezada”
Publikacje w dziale Muzyka
Bajkowe opery kompozytorów rosyjskich
Kazka to jeden z najatrakcyjniejszych gatunków dla kompozytorów rosyjskich. Wiele arcydzieła opery napisane na bajkach. Ale bajka, jak zauważył Puszkin, jest „kłamstwem, ale jest w niej podpowiedź”. Nie wszystkie baśniowe opery miały bajecznie szczęśliwy los dzięki podpowiedziom i nieoczekiwanym rozwiązaniom muzycznym. Tak czy inaczej, współczesny słuchacz ma możliwość wyboru bajkowej opery według własnego gustu.
Michaił Glinka, „Rusłan i Ludmiła” (1842)
Produkcja Teatru Maryjskiego w roli Ludmiły – Anna Netrebko
Niestety, kompozytor nazwał premierę, która odbyła się 2 grudnia 1876 roku, „uroczystą porażką”. Czajkowski był bardzo zdenerwowany, ale przyczyny niepowodzeń znalazł w samej muzyce. Pisał do kompozytora i pianisty Siergieja Tanejewa: „Styl „Vakuli” wcale nie jest operowy: nie ma szerokości i zakresu”.
W lutym 1885 Czajkowski rozpoczął redagowanie opery. Po przejściu różne warianty nazwiska (m.in. „Buty carycy”), osiedlił się na „Czerewiczkach”. Kompozytor uczynił tkankę orkiestrową bardziej przejrzystą i dodał kilka nowych numerów muzycznych.
Tym razem opera była przygotowywana do wystawienia w Moskwie, w Teatrze Bolszoj. Sam Czajkowski stał przy stanowisku dyrygenta. Pokonując straszny niepokój, po mistrzowsku prowadzi próby. Na premierze 19 stycznia 1887 roku otrzymał owację na stojąco. Publiczność powitała kompozytora Czajkowskiego i dyrygenta Czajkowskiego.
Rimski-Korsakow także uległ urokowi bożonarodzeniowej opowieści Gogola. Nie chciał jednak konkurować z Czerewiczkami. Mimo to po śmierci Czajkowskiego Rimski-Korsakow postanowił stworzyć własną wersję „Nocy”. Kompozytor i dyrygent Nikołaj Czerepnin, porównując te dwie opery, powiedział: „Wszystkie czary i tajemnicze fragmenty wyszły mu [Rimskiemu-Korsakowowi] lepiej, ale część liryczna Czajkowskiego jest cieplejsza”..
Nikołaj Rimski-Korsakow, Złoty kogut (1907)
Spośród 15 oper kompozytora niemal połowę można nazwać baśniami. Wszystko w nich jest jak Puszkin: jest zarówno wskazówka, jak i lekcja. Ale przede wszystkim są tam wskazówki i lekcje ostatnia opera Rimski-Korsakow – „Złoty Kogucik”. Na skutek tragicznego zbiegu okoliczności kompozytor nie miał okazji zobaczyć jej na scenie. Walka z cenzurą przeciągnęła się zbyt długo. Być może właśnie to skróciło życie Nikołaja Andriejewicza.
Premiera opery (lub, jak określił kompozytor, „bajki w twarz”) odbyła się we wrześniu 1909 roku w moskiewskim teatrze Siergieja Zimina. Nieco później zhańbiony „Kogucik” został dopuszczony na scenę cesarską: w listopadzie tego samego roku opera została wystawiona w Teatr Bolszoj.
W „Złotym koguciku” zawsze jako pierwsze rzucały się w oczy aluzje polityczne. Ale niesamowite muzyczne i dramatyczne odkrycia kompozytora wciąż nie są w zasięgu wszystkich reżyserów. Wokaliści dostali to także od wielkiego gawędziarza Rimskiego-Korsakowa. Tylko piosenkarka gotowa do wykonywania ryzykownych akrobacji wokalnych zasługuje na miano Królowej Shemakha. Partia Astrologa jest całkowicie ekskluzywna: została napisana na tenor-altino. Ten jest wysoki męski głos jest niezwykle rzadkie. Potrafi zachwycić publiczność swoją niezwykłą barwą głosu i specjalny dźwięk najwyższe nuty. Uderzający przykład tenor-altino z modern historia muzyki- Aleksander Gradski. Nawiasem mówiąc, znakomicie wykonał rolę astrologa.
Wiadomo, że Rimski-Korsakow obawiał się innowacji w język muzyczny. Jednak Siergiej Prokofiew, jeden z najbardziej zdesperowanych i nowatorskich kompozytorów XX wieku, odkrył w Złotym Koguciku wiele zupełnie nowych harmonii.
Siergiej Prokofiew, „Miłość do trzech pomarańczy” (1919)
Astrolog operowy, po wypowiedzeniu proroczych słów we wstępie do Złotego koguta, wpada przez właz. W operze Prokofiewa „Miłość do trzech pomarańczy” na podstawie baśni Carla Gozziego Właz teatralny jest wykorzystywany bardzo aktywnie: postacie efektownie się z niego wyłaniają i stylowo znikają.
W 1918 roku młody Siergiej Prokofiew opuścił Rosję. Rozpoczyna się jego amerykańsko-europejska wędrówka. W niczym nie przypominały one podróży księcia – bohatera jego opery „Miłość do trzech pomarańczy”. Z woli wiedźmy Faty Morgany wędrował po całym świecie w poszukiwaniu pomarańczy. W krytycznych sytuacjach z pomocą przychodził mu dobry mag Chelius. Prokofiew podróżował z własnej woli: szukał wolności twórczej i uznania, ale nie miał znajomego magika.
Pierwszym znaczącym wydarzeniem w podróżach zagranicznych kompozytora było wystawienie w Chicago w 1921 roku opery „Miłość do trzech pomarańczy”. Prokofiew pisał o tym tak: „Mieszkańcy Chicago są jednocześnie dumni i zawstydzeni, że urządzają „modernistyczną premierę”. Ale o wiele większe wrażenie na kompozytorze wywarła sceniczna wersja opery w Leningradzie, w dawnym Teatrze Maryjskim (1926). Z kolei reżyser spektaklu Siergiej Radłow, pod wrażeniem talentu Prokofiewa, nazwał jego muzykę „niemal fizycznym pompowaniem wigoru w ludzką krew”.
Przepis na koktajl witaminowy Prokofiewa jest bardzo prosty: do znajomych postaci z bajek (księcia, księżniczki, czarodziejów) dodajemy ekscentryczność, chichotanie z tradycji, geniusz motywy muzyczne. Wszystko to jest mieszane i podawane bez mdłego syropu operowego.
