Dzieła mistrzów sztuki zdobniczej i użytkowej. Inicjacja na mistrza sztuki i rzemiosła „Jestem stróżem. Współczesna rosyjska sztuka użytkowa

Wtorek, 15 lutego 2011 10:20 + zacytuj książkę

Artykuł powstał w oparciu (w większości) o materiały z serwisu „Country of Masters”.

Studiując niedawno odkrytą stronę „Country of Masters” i nie przestając być zaskoczonym i podziwianym różnorodnością technik kreatywność zastosowana i talentu naszych ludzi, postanowiłem usystematyzować techniki.
Lista będzie aktualizowana w miarę odkrycia nowych technik.

*Techniki związane z wykorzystaniem papieru:

1. Składanie tęczówki („składanie tęczy”) to technika składania papieru. Pojawił się w Holandii. Technika ta wymaga uwagi i dokładności, ale jednocześnie pozwala w łatwy sposób wykonać efektowne kartki lub ozdobić strony zapadającego w pamięć albumu (scrapbooking) ciekawymi elementami dekoracyjnymi.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/776

2. Plastyka papierowa pod względem kreatywności jest bardzo podobna do rzeźby. Ale w papierowym plastiku wszystkie produkty w środku są puste, wszystkie produkty są skorupami przedstawionego obiektu. A w rzeźbie albo zwiększa się objętość dodatkowymi elementami, albo nadmiar usuwa się (odcina).
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/462

3. Rurki faliste – tak nazywa się technika wykonywania wyrobów, w których do ozdabiania powierzchni lub do tworzenia figury wolumetryczne użyj rurek z tektury falistej. Tuby faliste uzyskuje się poprzez nawinięcie paska papieru na patyczek, ołówek lub igłę dziewiarską, a następnie jego sprasowanie. Skompresowana rura falista dobrze trzyma swój kształt i ma wiele opcji projektowania i użytkowania.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1492

4. Quilling (od angielskiego quilling - od słowa quil „ptasie pióro”) - sztuka zwijania papieru. Powstał w średniowieczna Europa, gdzie zakonnice tworzyły medaliony, przekręcając paski papieru o złoconych krawędziach na czubek ptasiego pióra, tworząc imitację złotej miniatury.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/587
http://stranamasterov.ru/node/1364

4. Origami (z japońskich liter: „składany papier”) to starożytna sztuka składania papierowych figurek. Sztuka origami ma swoje korzenie w Starożytne Chiny, gdzie otwarto gazetę.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/560
Rodzaje:
- Kirigami to rodzaj origami, który pozwala na użycie nożyczek i cięcia papieru w procesie tworzenia modelu. Na tym polega główna różnica pomiędzy kirigami a innymi technikami składania papieru, co podkreśla nazwa: kiru – cięcie, kami – papier.
Pop-up to cały kierunek w sztuce. Technika ta łączy elementy technik.
- Kirigami i Cięcie i pozwala na tworzenie trójwymiarowych projektów i kart złożonych w płaską figurę.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1723
- Kusudama (po japońsku dosłownie „kula lekarska”) to papierowy model, który zwykle (choć nie zawsze) formuje się poprzez zszycie ze sobą końców wielu identycznych modułów piramidalnych (zwykle stylizowanych kwiatów złożonych z kwadratowej kartki papieru), tak aby ciało ma kształty kuliste. Alternatywnie poszczególne elementy można skleić ze sobą (np. kusudama na dolnym zdjęciu jest w całości sklejona, a nie zszyta). Czasem jako ozdobę na dole doczepiany jest chwost.
Sztuka kusudamy wywodzi się ze starożytnej tradycji japońskiej, gdzie kusudama była używana do produkcji kadzidła i mieszanki suszonych płatków; być może były to pierwsze prawdziwe bukiety kwiatów lub ziół. Samo słowo jest połączeniem dwóch japońskich słów: kusuri (lekarstwo) i tama (piłka). Obecnie kusudamy są zwykle używane do dekoracji lub prezentów.
Kusudama jest ważną częścią origami, szczególnie jako prekursor origami modułowego. Często jest mylone z origami modułowym, co jest błędne, ponieważ elementy tworzące kusudamę są zszyte lub sklejone, a nie zagnieżdżone jeden w drugim, jak sugeruje origami modułowe.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/850
- Origami z kółek - składanie origami z papierowego koła. Zwykle złożone elementy są następnie sklejane w aplikację.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1636
- Origami modułowe - tworzenie trójwymiarowych figur z trójkątnych modułów origami - zostało wynalezione w Chinach. Cała figura zbudowana jest z wielu identycznych części (modułów). Każdy moduł składany jest według zasad klasycznego origami z jednej kartki papieru, a następnie moduły są łączone poprzez wsuwanie ich w siebie. Występująca w tym przypadku siła tarcia zapobiega rozpadowi konstrukcji.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/15

5. Papier-mache (fr. papier-mache „przeżuty papier”) - łatwo formowalna masa otrzymywana z mieszaniny materiałów włóknistych (papieru, tektury) z klejami, skrobią, gipsem itp. Tynki produkowane są z papier-mache , maski, pomoce dydaktyczne, zabawki, rekwizyty teatralne, pudełka. W w niektórych przypadkach nawet meble.
W Fedoskino, Palekh, Kholui papier-mâché służy jako podstawa tradycyjnych miniatur lakierowych.
Możesz ozdobić blankiet z papieru-mache nie tylko farbami, malując go znany artysta, ale stosując decoupage lub assemblaż.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/561

7. Tłoczenie (inna nazwa to „tłoczenie”) - mechaniczne wytłaczanie, które tworzy obrazy na papierze, tekturze, materiale polimerowym lub plastiku, folii, na pergaminie (technika nazywa się „pergaminem”, patrz poniżej), a także na skórze lub kora brzozowa, w której na samym materiale uzyskuje się wypukły obraz stempla wypukłego lub wklęsłego, z ogrzewaniem lub bez, czasem z dodatkowym użyciem folii i farby. Tłoczenie wykonujemy głównie na okładkach introligatorskich, pocztówkach, zaproszeniach, etykietach, opakowaniach miękkich itp.
O tego rodzaju pracy może decydować wiele czynników: siła, tekstura i grubość materiału, kierunek jego cięcia, układ i inne czynniki.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1626
Rodzaje:
- Pergamin - papier pergaminowy (gruba kalka woskowana) poddawany jest obróbce za pomocą narzędzia do wytłaczania i podczas obróbki staje się wypukły i zmienia kolor na biały. Dzięki tej technice powstają ciekawe pocztówki i można ją również wykorzystać do zaprojektowania strony wycinkowej.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1705
- Teksturowanie - nakładanie obrazu za pomocą kliszy na gładki materiał, najczęściej papier metalizowany, w celu imitowania tłoczenia folią. Stosowany również do imitowania skóry niektórych ras (na przykład banał z wzorem imitującym skórę krokodyla itp.)

*Techniki związane z tkaniem:
Tkactwa człowiek nauczył się dużo wcześniej niż ceramiki. Początkowo tkał domy z długich, giętkich gałęzi (dachy, płoty, meble), wszelkiego rodzaju koszy do różnych potrzeb (kołyski, skrzynki, wózki, czerpaki, koszyki) i butów. Mężczyzna nauczył się zaplatać włosy.
Wraz z rozwojem tego rodzaju robótek ręcznych pojawiało się coraz więcej różnych materiałów do zastosowania. Okazało się, że można tkać ze wszystkiego, co się spotka: z winorośli i trzciny, z lin i nici, ze skóry i kory brzozowej, z drutu i koralików, z gazet.... Techniki tkackie takie jak tkanie wikliny, tkanie z brzozy pojawiła się kora i trzciny. , frywolitki, tkanie makramy wiązane, tkanie klocków, tkanie koralików, ganutel, tkanie sznurka kumihimo, tkanie kolczugi, tkanie siatki, tkanie mandali indyjskich, ich imitacje (tkanie z pasków papieru i opakowań po cukierkach, tkanie z gazet i czasopism )...
Jak się okazało, ten rodzaj robótek ręcznych jest nadal popularny, ponieważ za jego pomocą można utkać wiele pięknych i przydatnych rzeczy, dekorując nimi nasz dom.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/302

1. Koraliki, podobnie jak same koraliki, mają wielowiekowa historia. Starożytni Egipcjanie jako pierwsi nauczyli się wplatać koraliki w naszyjniki, bransoletki ze sznurka i zakrywać je siatkami z koralików. sukienki damskie. Prawdziwy rozkwit produkcji koralików rozpoczął się jednak dopiero w XIX wieku. Przez długi czas Wenecjanie pilnie strzegli tajemnic tworzenia szklanego cudu. Mistrzowie i rzemieślnicy ozdabiali koralikami ubrania i buty, portfele i torebki, etui na wachlarze i etui na okulary, a także inne eleganckie rzeczy.
Wraz z pojawieniem się koralików w Ameryce rdzenni mieszkańcy zaczęli ich używać zamiast tradycyjnych indyjskich materiałów. Do paska rytualnego, kołyski, opaski na głowę, koszyka, siatki na włosy, kolczyków, tabakierek...
NA Daleka północ Futra, wysokie futrzane buty, czapki, uprzęże reniferów, skórzane okulary przeciwsłoneczne zostały ozdobione haftem koralikowym...
Nasze prababcie wykazywały się dużą pomysłowością. Wśród ogromnej różnorodności eleganckich bibelotów znajdują się niesamowite przedmioty. Pędzle i osłony kredowe, etui na wykałaczki (!), kałamarze, wykałaczki i ołówki, obroża dla ulubionego psa, uchwyt na kubek, obroże koronkowe, pisanki, szachownice i wiele, wiele, wiele więcej.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1355

2. Ganutel – ekskluzywne rękodzieło maltańskie. To w klasztorach Morza Śródziemnego nadal zachowała się ta technika tworzenia pięknych kwiatów do dekoracji ołtarza.
Ganuteli używa cienkiego spiralnego drutu i jedwabnych nici do owijania części, a także koralików, pereł lub koralików nasiennych. Wspaniałe kwiaty okazują się pełne wdzięku i lekkie.
W XVI wieku drut spiralny wykonany ze złota lub srebra nazywano po włosku „canutiglia”, po hiszpańsku „canutillo”, w języku rosyjskim słowo to prawdopodobnie przekształcono na „gimp”.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1170

3. Makrama (z języka arabskiego - warkocz, frędzle, koronka lub z języka tureckiego - szalik lub serwetka z frędzlami) - technika tkania węzłów.
Technika tkania tego węzła znana jest od czasów starożytnych. Według niektórych źródeł makrama przybyła do Europy w VIII-IX wieku ze Wschodu. Technika ta była znana m.in Starożytny Egipt, Asyria, Iran, Peru, Chiny, starożytna Grecja.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/750

4. Tkanie koronki ze szpulkami. W Rosji nadal znane są łowiska Wołogdy, Eletskiego, Kirowa, Bielewskiego i Michajłowskiego.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1687

5. Frywolitka to tkana koronka z węzłem. Nazywa się ją również koronką wahadłową, ponieważ ta koronka jest tkana przy użyciu specjalnego czółenka.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1728

* Techniki związane z malarstwem, różne rodzaje malarstwa i tworzenia obrazu:

Rysunek to gatunek w sztukach wizualnych i odpowiadająca mu technika, która tworzy obraz wizualny (obraz) na dowolnej powierzchni lub przedmiocie za pomocą środków graficznych, rysując elementy (w przeciwieństwie do elementów obrazowych), głównie z linii i pociągnięć.
Na przykład: rysunek węglem, rysunek ołówkiem, rysunek tuszem i piórem...
Malarstwo - widok Dzieła wizualne związane z przekazywaniem obrazów wizualnych poprzez nakładanie farb na stałe lub elastyczne podłoże; tworzenie obrazu za pomocą technologie cyfrowe; a także dzieła sztuki wykonane w ten sposób.
Najczęściej spotykane dzieła malarskie to te wykonane na płaskich lub prawie płaskich powierzchniach, takich jak płótno naciągnięte na blejtramie, drewno, karton, papier, impregnowane powierzchnie ścian itp. Do malarstwa zalicza się także obrazy wykonane farbami na naczyniach ozdobnych i ceremonialnych, tzw. których powierzchnie mogą mieć złożony kształt.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1218

1. Batik - tkanina malowana ręcznie przy użyciu mieszanek rezerwowych.
Technika batikowa polega na tym, że parafina, klej kauczukowy, a także niektóre inne żywice i lakiery nałożone na tkaniny (jedwab, bawełna, wełna, tworzywa sztuczne) nie przepuszczają farby - lub, jak mówią artyści , „zastrzeż” kolorowanie poszczególnych obszarów tkaniny.
Istnieje kilka rodzajów batiku - gorący, zimny, wiązany, malowanie swobodne, malowanie swobodne roztworem soli, shibori.
Batik – batik to indonezyjskie słowo. W tłumaczeniu z indonezyjskiego słowo „ba” oznacza tkaninę bawełnianą, a „-tik” oznacza „kropkę” lub „kroplę”. Ambatik - rysować, zakrywać kroplami, wykluwać się.
Malarstwo batikowe jest od dawna znane wśród ludów Indonezji, Indii itp. W Europie - od XX wieku.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/916

2. Witraż (łac. Vitrum - szkło) jest jednym z rodzajów sztuka dekoracyjna. Głównym materiałem jest szkło lub inny przezroczysty materiał. Historia witraży rozpoczyna się w czasach starożytnych. Początkowo w oknie lub drzwiach wstawiano szkło, później pojawiły się pierwsze mozaiki i malowidła niezależne kompozycje dekoracyjne, panele wykonane z kolorowych kawałków szkła lub malowane specjalnymi farbami na zwykłym szkle.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/886

3. Przedmuchanie – technika polegająca na przedmuchaniu farby przez rurkę (na kartkę papieru). Ta starożytna technika była tradycyjna dla twórców starożytnych obrazów (stosowano rurki kostne).
Nowoczesne słomki do soków nie są gorsze w użyciu. Pomagają wydmuchać rozpoznawalne, nietypowe, a czasem fantastyczne projekty z niewielkiej ilości płynnej farby na kartkę papieru.

4. Gilosz – technikę ręcznego wypalania ażurowego wzoru na tkaninie za pomocą wypalarki opracowała i opatentowała Zinaida Petrovna Kotenkova.
Gilosz wymaga starannej pracy. Trzeba to zrobić w jednym schemat kolorów i odpowiadają stylistyce zdobniczej danej kompozycji.
Serwetki, panele z aplikacjami, zakładki, chusteczki, kołnierzyki – to wszystko i wiele więcej, cokolwiek podpowie Twoja wyobraźnia, ozdobi każdy dom!
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1342

5. Grattage (od francuskiej tarki - skrobanie, drapanie) - technika drapania.
Rysunek podkreśla się poprzez zarysowanie długopisem lub ostrym narzędziem po papierze lub kartonie wypełnionym tuszem (aby zapobiec rozmazaniu się, należy dodać odrobinę detergentu lub szamponu, wystarczy kilka kropli).
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/686

6. Mozaika to jedna z najstarszych sztuk. To sposób na budowanie obrazu z małych elementów. Układanie puzzli jest bardzo ważne dla rozwoju umysłowego dziecka.
Mogą być wykonane z różnych materiałów: kapsli do butelek, koralików, guzików, kawałków plastiku, drewnianych kawałków gałązek lub zapałek, kawałków magnetycznych, szkła, kawałków ceramiki, małych kamyczków, muszelek, mozaiki termicznej, mozaiki tetris, monet, kawałków tkaniny lub papieru , zboża, zboża, nasiona klonu, makarony, dowolny materiał naturalny (łuski szyszek, igieł sosny, nasiona arbuza i melona), wióry ołówkowe, ptasie pióra itp.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/438

7. Monotypia (od greckich monos – jeden, zjednoczony i tupos – odcisk) – jedna z najprostszych technik graficznych.
Na gładkiej szklanej powierzchni lub grubym błyszczącym papierze (nie powinien przepuszczać wody) rysunek wykonuje się farbą lub farbami gwaszowymi. Arkusz papieru kładzie się na wierzchu i dociska do powierzchni. Powstały wydruk jest lustrzanym odbiciem.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/663

8. Grafika nici (izowątek, obraz nici, projekt nici) - obraz graficzny wykonany w specjalny sposób za pomocą nici na tekturze lub innym solidnym podłożu. Grafiki nitkowe nazywane są czasem izografikami lub haftami na tekturze. Jako bazę możesz także użyć aksamitu (papieru aksamitnego) lub grubego papieru. Nici mogą być zwykłe do szycia, wełniane, nici dentystyczne lub inne. Możesz także użyć kolorowych nici jedwabnych.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/452

9. Ozdoba (łac. ornamentum - dekoracja) - wzór oparty na powtarzaniu i naprzemienności jego elementów składowych; przeznaczone do ozdabiania różnorodnych przedmiotów (przyborów, narzędzi i broni, tekstyliów, mebli, książek itp.), konstrukcje architektoniczne(zarówno na zewnątrz jak i we wnętrzu), dzieła sztuki plastycznej (głównie użytkowej), prymitywne ludy także samo ciało ludzkie (koloryzacja, tatuaż). Powiązany z powierzchnią, którą zdobi i organizuje wizualnie, ozdoba z reguły odsłania lub akcentuje architekturę przedmiotu, na którym jest nałożona. Ozdoba albo operuje abstrakcyjnymi formami, albo stylizuje motywy rzeczywiste, często schematyzując je nie do poznania.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1222

10. Wydrukuj.
Rodzaje:
- Drukowanie gąbką. Nadaje się do tego zarówno gąbka morska, jak i zwykła przeznaczona do mycia naczyń.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1094
Drewno jest zwykle używane jako materiał wyjściowy do stemplowania za pomocą stempla kliszowego, aby wygodnie było go trzymać w dłoni. Jedna strona jest płaska, ponieważ Przykleja się do niego karton, a na karton przykleja się wzory. Można je (wzory) wykonać z papieru, sznurka, starej gumki, warzyw korzeniowych...
- Pieczęć (stemplowanie). Drewno jest zwykle używane jako materiał wyjściowy do stemplowania za pomocą stempla kliszowego, aby wygodnie było go trzymać w dłoni. Jedna strona jest płaska, ponieważ Przykleja się do niego karton, a na karton przykleja się wzory. Można je (wzory) wykonać z papieru, liny, starej gumki, warzyw korzeniowych itp.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1068

11. Puentylizm (francuski pointillizm, dosłownie „wskazywać”) to styl pisania w malarstwie, w którym używa się czystych farb, które nie mieszają się na palecie, nakładanych małymi pociągnięciami o kształcie prostokątnym lub okrągłym, licząc na ich optyczne wymieszanie w oczach widza okiem, w przeciwieństwie do mieszania farb na palecie. Optyczne mieszanie trzech kolorów podstawowych (czerwony, niebieski, żółty) i par dodatkowe kolory(czerwony - zielony, niebieski - pomarańczowy, żółty - fioletowy) daje znacznie większą jasność niż mechaniczna mieszanina pigmentów. Mieszanie kolorów w odcienie następuje na etapie postrzegania obrazu przez widza z dużej odległości lub w zmniejszonym formularz.
Założycielem stylu był Georges Seurat.
Inną nazwą pointylizmu jest dywizjonizm (od łacińskiego divisio – dzielenie, miażdżenie).
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/700

12. Rysowanie dłońmi. Małym dzieciom trudno jest posługiwać się pędzlem. Jest to bardzo ekscytujące zajęcie, które zapewni dziecku nowe doznania, rozwinie umiejętności motoryczne i da możliwość odkrycia nowych i Magiczny świat twórczość artystyczna to rysowanie dłońmi. Rysując dłońmi mali artyści rozwijają swoją wyobraźnię i abstrakcyjne myślenie.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1315

13. Rysunek z odciskami liści. Po zebraniu różnych opadłych liści posmaruj każdy liść gwaszem od strony żyły. Papier, na którym zamierzasz wykonać nadruk, może być kolorowy lub biały. Dociśnij kolorową stronę kartki do kartki papieru i ostrożnie ją wyjmij, chwytając za „ogon” (ogonek). Proces ten można powtarzać wielokrotnie. A teraz, po ukończeniu szczegółów, masz już motyla lecącego nad kwiatem.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/667

14. Malarstwo. Jeden z najstarszych rodzajów rzemiosła ludowego, który od kilku stuleci stanowi integralną część życia codziennego i pierwotnej kultury ludu. Po rosyjsku Sztuka ludowa Istnieje wiele odmian tego rodzaju sztuki dekoracyjnej i użytkowej.
Tutaj jest kilka z nich:
- Malarstwo Zhostovo to starożytne rosyjskie rzemiosło ludowe, które powstało na początku XIX wieku we wsi Zhostovo, rejon Mytishchi, obwód moskiewski. Jest to jeden z najbardziej znanych rodzajów rosyjskiego malarstwa ludowego. Tace Zhostovo są malowane ręcznie. Zwykle bukiety kwiatów są przedstawiane na czarnym tle.
- Malarstwo Gorodets to rosyjskie rzemiosło sztuki ludowej. Istnieje od połowy XIX wieku. w rejonie Gorodca. Jasne, lakoniczne malarstwo Gorodca (sceny rodzajowe, figurki koni, kogutów, wzory kwiatowe), wykonane dowolną kreską z biało-czarnym konturem graficznym, zdobione wirujące koła, meble, okiennice i drzwi.
- Malarstwo Khokhloma to starożytne rosyjskie rzemiosło ludowe, które narodziło się w XVII wieku w rejonie Niżnego Nowogrodu.
Khokhloma to dekoracyjne malowanie drewnianych przyborów i mebli, wykonane w kolorze czarnym i czerwonym (a czasami także zielonym) na złotym tle. Podczas malowania na drewno nakłada się proszek srebrno-cynowy. Następnie produkt powleka się specjalną kompozycją i trzy lub czterokrotnie poddaje obróbce w piekarniku, co pozwala uzyskać niepowtarzalny miodowo-złoty kolor, nadając przyborom z jasnego drewna masywny efekt. Tradycyjne elementy Khokhloma - czerwone soczyste jagody jarzębiny i truskawek, kwiaty i gałęzie. Często można spotkać ptaki, ryby i zwierzęta.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/301

15. Enkaustyka (od starożytnej greki „sztuka palenia”) to technika malarska, w której wosk jest spoiwem farby. Malowanie odbywa się za pomocą roztopionych farb (stąd nazwa). Odmianą malarstwa enkaustycznego jest tempera woskowa, charakteryzująca się jasnością i bogactwem barw. Tą techniką namalowano wiele ikon wczesnochrześcijańskich.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1485

*Techniki związane z szyciem, haftem i wykorzystaniem tkanin:
Szycie to potoczna forma czasownika „szyć”, tj. coś, co jest szyte lub zszyte.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1136

2. Patchwork, pikowanie, pikowanie czy patchwork to sztuka ludowa i rzemiosło artystyczne posiadająca wielowiekowe tradycje i cechy stylistyczne. Jest to technika wykorzystująca kawałki wielobarwnych tkanin lub elementy dzianiny. figury geometryczne do włączenia w narzutę, bluzkę lub torbę.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1347
Rodzaje:
- Karczoch to rodzaj patchworku, który ma swoją nazwę ze względu na podobieństwo do owoców karczocha. Ta technika ma inne nazwy - „zęby”, „rogi”, „łuski”, „pióra”.
Ogólnie rzecz biorąc, w tej technice wszystko sprowadza się do złożenia wyciętych części i przyszycia ich do podstawy w określonej kolejności. Lub za pomocą papieru utwórz (wklej) różne panele o okrągłym (lub wielopłaszczyznowym) kształcie na płaszczyźnie lub w objętości.
Możesz szyć na dwa sposoby: skieruj krawędź wykrojów na środek głównej części lub na jej krawędzie. Dzieje się tak, jeśli szyjesz płaski produkt. Do produktów o charakterze wolumetrycznym – końcówką skierowaną w stronę węższej części. Złożone części niekoniecznie są wycinane w kształcie kwadratów. Mogą to być prostokąty lub koła. W każdym razie spotykamy się ze składaniem wyciętych wykrojów, dlatego można argumentować, że te techniki patchworku należą do rodziny patchworkowego origami, a ponieważ tworzą objętość, zatem do techniki „3d”.
Przykład: http://stranamasterov.ru/node/137446?tid=1419
- Szalona kołdra. Niedawno natknąłem się na taki typ. Moim zdaniem jest to metoda wieloetapowa.
Najważniejsze jest to, że produkt powstaje z kombinacji różne techniki: patchwork+haft+malowanie itp.
Przykład:

3. Tsumami Kanzashi. Technika Tsumami opiera się na origami. Tylko że składają nie papier, ale kwadraty z naturalnego jedwabiu. Słowo „Tsumami” oznacza „szczypać”: artysta bierze kawałek złożonego jedwabiu za pomocą pęsety lub pęsety. Następnie płatki przyszłych kwiatów przykleja się do podstawy.
Spinka do włosów (kanzashi), ozdobiona jedwabnym kwiatem, dała nazwę zupełnie nowemu rodzajowi sztuki dekoracyjnej i użytkowej. W tej technice wykonywano ozdoby na grzebienie i pojedyncze patyczki, a także na skomplikowane konstrukcje składające się z różnorodnych akcesoriów.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1724

* Techniki związane z dziewiarstwem:
Co to jest dziewiarstwo? Jest to proces wytwarzania wyrobów z nitek ciągłych poprzez zaginanie ich w pętelki i łączenie pętelek ze sobą za pomocą prostych narzędzi ręcznych (szydełko, druty).
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/729

1. Robienie na drutach na widelcu. Ciekawy sposób szydełkowania za pomocą specjalnego urządzenia - widelca zakrzywionego w kształcie litery U. W efekcie powstają lekkie, zwiewne wzory.
2. Szydełko (tambur) – proces ręcznego wykonania tkaniny lub koronki z nitek za pomocą szydełka. tworząc nie tylko gęste, reliefowe wzory, ale także cienkie, ażurowe, przypominające koronkową tkaninę. Wzory dziewiarskie składają się z różnych kombinacji pętelek i ściegów. Prawidłowy stosunek jest taki, że grubość haczyka powinna być prawie dwukrotnie większa od grubości nici.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/858
3. Proste (europejskie) dzianie pozwala łączyć kilka rodzajów pętelek, tworząc proste i złożone ażurowe wzory.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1157
4. Tunezyjski długi szydełko (do stworzenia wzoru można użyć zarówno jednej, jak i kilku pętli jednocześnie).
5. Dzianie żakardowe - wzory są dziane na drutach z nici w kilku kolorach.
6. Dzianie lędźwiowe – imituje haft lędźwiowo-gipiurowy na specjalnej siateczce.
7. Szydełko gipiurowe (koronka irlandzka lub brukselska).

2. Piłowanie. Jednym z rodzajów jest cięcie wyrzynarką. Ozdabiając swój dom i dom ręcznie robionymi produktami czy wygodnymi w codziennym życiu zabawkami dla dzieci, doświadczasz radości z wyglądu i przyjemności z procesu ich tworzenia.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1418

3. Rzeźbienie jest rodzajem sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Jest to jeden z rodzajów artystycznej obróbki drewna obok piłowania i toczenia.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1113

* Inne techniki samowystarczalne:
1. Aplikacja (z łac. „załącznik”) to sposób pracy z kolorowymi elementami z różnych materiałów: papieru, tkaniny, skóry, futra, filcu, kolorowych koralików, koralików nasiennych, nici wełnianych, tłoczonych blaszek, wszelkiego rodzaju materiałów (aksamit, satyna, jedwab), suszone liście... To wykorzystanie różnorodnych materiałów i struktur w celu uwydatnienia możliwości ekspresyjne bardzo blisko innego medium obrazu - kolażu.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/364
Istnieje również:
- Aplikacja z plasteliny - plastelina - nowy rodzaj sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Przedstawia tworzenie sztukaterii przedstawiających mniej lub bardziej wypukłe, półobjętościowe obiekty na poziomej powierzchni. Jest to w istocie rzadko spotykany, bardzo ekspresyjny rodzaj malarstwa.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1243
- Aplikacja z „dłoni”. Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/612
- Aplikacja łamana to jeden z rodzajów technik aplikacji wielopłaszczyznowych. Wszystko jest proste i dostępne, jak układanie mozaiki. Podstawą jest kartka tektury, materiałem jest podarta na kawałki kartka kolorowego papieru (kilka kolorów), narzędziem jest klej i dłonie. Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1346

2. Assemblaż (assemblaż francuski) - technika plastyczna związana z kolażem, ale wykorzystująca trójwymiarowe części lub całe obiekty, aplikacyjnie ułożone na płaszczyźnie niczym obraz. Pozwala na artystyczne dodatki farbami, a także metalem, drewnem, tkaniną i innymi konstrukcjami. Czasami stosowana do innych dzieł, od fotomontażu po kompozycje przestrzenne, gdyż terminologia najnowszej sztuki wizualnej nie jest do końca ustalona.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1412

3. Tunel papierowy. Oryginalna angielska nazwa tej techniki to książka tunelowa, co można przetłumaczyć jako tunel książkowy lub papierowy. Istotę tej techniki widać wyraźnie po angielskiej nazwie tunel – tunel – otwór przelotowy. Wielowarstwowy charakter ułożonych w całość „książek” dobrze oddaje wrażenie tunelu. Pojawi się trójwymiarowa pocztówka. Nawiasem mówiąc, ta technika z powodzeniem łączy się różne rodzaje technik takich jak scrapbooking, aplikacja, wycinanie, tworzenie makiet i obszernych książek. Przypomina to trochę origami, ponieważ... ma na celu złożenie papieru w określony sposób.
Pierwszy papierowy tunel powstał w połowie XVIII wieku. i był ucieleśnieniem scen teatralnych.
Tradycyjnie tunele papierowe powstają na pamiątkę jakiegoś wydarzenia lub są sprzedawane turystom jako pamiątki.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1411

4. Cięcie to bardzo szerokie pojęcie.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/701
Są wycinane z papieru, piankowego plastiku, piankowej gumy, kory brzozowej, plastikowych butelek, mydła, sklejki (choć nazywa się to już piłowaniem), owoców i warzyw, a także innych różnych materiałów. Stosować różne instrumenty: nożyczki, noże do krojenia chleba, skalpel. Wycinali maski, czapki, zabawki, pocztówki, panele, kwiaty, figurki i wiele innych.
Rodzaje:
- Cięcie sylwetki to technika cięcia, w której obiekty o asymetrycznej strukturze, o zakrzywionych konturach (ryby, ptaki, zwierzęta itp.), o skomplikowanych zarysach postaci i płynnych przejściach z jednej części do drugiej, wycinane są na oko. Sylwetki są łatwo rozpoznawalne i wyraziste, powinny być pozbawione drobnych szczegółów i jakby w ruchu. Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1416
- Cięcie jest symetryczne. Przy cięciu symetrycznym powtarzamy kontury obrazu, który musi dokładnie pasować do płaszczyzny złożonej na pół kartki papieru, konsekwentnie komplikując zarys figury, aby poprawnie oddać cechy zewnętrzne obiektów w stylizowanej formie aplikacje.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/466
- Vytynanka - sztuka wycinania ażurowych wzorów z papieru kolorowego, białego lub czarnego istnieje od wynalezienia papieru w Chinach. I ten rodzaj cięcia stał się znany jako jianzhi. Sztuka ta rozprzestrzeniła się na cały świat: Chiny, Japonia, Wietnam, Meksyk, Dania, Finlandia, Niemcy, Ukraina, Litwa i wiele innych krajów.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/563
- Rzeźba (patrz poniżej).

5. Decoupage (od francuskiego decoupage - rzeczownik „to, co jest wycinane”) to technika zdobienia, aplikacji, zdobienia za pomocą wycinanych motywów z papieru. Chłopi chińscy w XII wieku. Zaczęto w ten sposób ozdabiać meble. I oprócz wycinania obrazków z cienkiego kolorowego papieru, zaczęto pokrywać je werniksem, żeby wyglądało jak obraz! Tak więc wraz z pięknymi meblami sprzęt ten trafił także do Europy.
Obecnie najpopularniejszym materiałem do decoupage są serwetki trójwarstwowe. Stąd inna nazwa - „technika serwetkowa”. Zastosowanie może być absolutnie nieograniczone - naczynia, książki, pudełka, świece, naczynia, instrumenty muzyczne, doniczki, butelki, meble, buty, a nawet ubrania! Każda powierzchnia - skóra, drewno, metal, ceramika, karton, tekstylia, gips - musi być gładka i lekka, bo... wzór wycięty z serwetki powinien być wyraźnie widoczny.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/722

6. Rzeźbienie (od angielskiego carvу - ciąć, rzeźbić, grawerować, kroić; rzeźba - rzeźbienie, rzeźbione dzieło, rzeźbiony ornament, rzeźbiona figura) w gotowaniu najprostsza forma rzeźby lub ryciny na powierzchni produktów owocowo-warzywnych, np. krótkotrwałe dekoracje stołu.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1339

7. Kolaż to gatunek twórczy, gdy dzieło powstaje z szerokiej gamy wyciętych obrazów naklejonych na papier, płótno lub cyfrowo. Pochodzi od ks. papier collée - papier klejony. Bardzo szybko zaczęto używać tego pojęcia w szerszym znaczeniu – mieszaniny różnych elementów, jasnego i wyrazistego przekazu ze skrawków innych tekstów, fragmentów zebranych na jednej płaszczyźnie.
Kolaż można wykonać dowolnymi innymi środkami - tuszem, akwarelą itp.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/324

8. Konstruktor (od łacińskiego konstruktora „budowniczy”) to termin wielowartościowy. Dla naszego profilu jest to zestaw współpracujących części. to znaczy szczegóły lub elementy jakiegoś przyszłego układu, o których autor zebrał informacje, przeanalizował je i ujął w piękny, artystycznie wykonany produkt.
Projektanci różnią się rodzajem materiału - metalem, drewnem, plastikiem, a nawet papierem (na przykład papierowe moduły origami). Łącząc różne rodzaje elementów powstają ciekawe projekty do gier i zabawy.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/984

9. Modelowanie - nadawanie kształtu tworzywu sztucznemu (plastelina, glina, plastik, masa solna, kula śnieżna, piasek itp.) za pomocą rąk i narzędzi pomocniczych. Jest to jedna z podstawowych technik rzeźbiarskich, która ma na celu opanowanie podstawowych zasad tej techniki.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/670

10. Układ to kopia obiektu ze zmianą wielkości (zwykle zmniejszoną), wykonaną z zachowaniem proporcji. Układ musi także oddawać główne cechy obiektu.
Do stworzenia tego wyjątkowego dzieła można wykorzystać różne materiały, wszystko zależy od jego przeznaczenia funkcjonalnego (układ wystawy, prezent, prezentacja itp.). Może to być papier, tektura, sklejka, klocki drewniane, elementy gipsowe i gliniane, drut.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1397
Typ układu - model - to układ roboczy, który przedstawia (symuluje) niektóre istotne cechy oryginalny. Ponadto uwaga skupiona jest na określonych aspektach modelowanego obiektu lub w równym stopniu na jego szczegółach. Model przeznaczony jest np. do wizualnego nauczania matematyki, fizyki, chemii i innych przedmiotów szkolnych, dla klubu morskiego lub lotniczego. Do modelowania wykorzystuje się różnorodne materiały: balony, masę lekką i plastyczną, wosk, glinę, gips, papier-mache, słone ciasto, papier, styropian, guma piankowa, zapałki, nici dziewiarskie, tkaniny...
Modelowanie to stworzenie modelu rzetelnie zbliżonego do oryginału.
„Modele” to obowiązujące układy. Oraz modele, które nie działają, tj. „nić” – zwykle nazywana układem.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1353

11. Produkcja mydła. Jako surowce do otrzymania głównego składnika mydła można zastosować tłuszcze zwierzęce i roślinne oraz ich substytuty (syntetyczne kwasy tłuszczowe, kalafonię, kwasy naftenowe, olej talowy).
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1631

12. Rzeźba (łac. sculptura, od sculpo – wycinam, rzeźbię) – rzeźba plastyczna – rodzaj sztuki plastycznej, której dzieła mają formę trójwymiarową i są wykonane z materiałów twardych lub plastycznych (metal, kamień, glina , drewno, gips, lód, śnieg, piasek, pianka gumowa, mydło). Metody przetwarzania - modelowanie, rzeźbienie, odlewanie, kucie, tłoczenie, rzeźbienie itp.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1399

13. Tkactwo – produkcja tkanin i tekstyliów z przędzy.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1318

14. Filcowanie (lub filcowanie lub filcowanie) – filcowanie wełny. Jest „mokro” i „sucho”.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/736

15. Tłoczenie płaskie to jeden z rodzajów sztuki zdobniczej i użytkowej, w wyniku wybicia na płycie pewnego ozdobnego reliefu, rysunku, napisu lub okrągłego obrazu figuralnego, czasem zbliżonego do grawerowania, powstaje nowe dzieło sztuki .
Obróbka materiału odbywa się za pomocą pręta - młotka, który stoi pionowo, którego górny koniec uderza młotkiem. Poruszając monetą, stopniowo pojawia się nowy kształt. Materiał musi mieć pewną plastyczność i zdolność do zmiany pod wpływem siły.
Przykłady:

Cytowano
Podobało mi się: 30 użytkowników

rozmiar czcionki: 14,0 pt; wysokość linii:150%;rodzina czcionek:" Times New Roman>, Badacz Dział Sztuki Ludowej i Dekoracyjnej Wschodniego Kazachstanu Regionalne Muzeum Architektury, Etnografii i Krajobrazu Naturalnego-Rezerwat

Twórcze dziedzictwo mistrza sztuki dekoracyjnej i użytkowej.

Fundusze Regionalnego Rezerwatu Architektury, Etnografii i Krajobrazu Naturalnego Wschodniego Kazachstanu zawierają wspaniałą kolekcję dzieł Margarity Stepanovny Mameevy () - utalentowanej artystki i nauczycielki z Ust-Kamenogorska, mistrzyni sztuk dekoracyjnych i użytkowych. W tym roku skończyłaby 80 lat. Wykazywała się talentem artystycznym i profesjonalną wiedzą w najbardziej kobiecych rodzajach sztuki zdobniczej i użytkowej: hafcie, aplikacji, szyciu i dziewiarstwie. była jedną z nielicznych rzemieślniczek we wschodnim Kazachstanie, która doskonale opanowała tak złożoną i żmudną technikę haftu, jaką jest artystyczny ścieg satynowy. Wysoki profesjonalizm i kunszt jej prac wyniosły technikę haftu na nowy poziom, odsłoniły jej szerokie możliwości i wzbudziły prawdziwe zainteresowanie wśród miłośników sztuki. Rzemieślniczka swoją twórczością udowodniła, że tak intymna forma sztuki zdobniczej i użytkowej, jaką jest haft, może daleko wykraczać poza granice „domowego rękodzieła” i zająć należne mu miejsce obok prawdziwych dzieł sztuki.

Małgorzata Stepanowna Mameeva urodziła się w 1933 roku we wsi Durnitsino, powiat romański, obwód saratowski. Po Wielkim Wojna Ojczyźniana przeprowadziła się z rodziną do Semipałatyńska, gdzie ukończyła szkołę. O jej wyborze zadecydowały zdolności i zamiłowanie do sztuk pięknych przyszły zawód poszła na studia do Republikańskiej Szkoła Artystyczna ich. w Taszkencie na wydziale sztuki i teatru. Po ukończeniu studiów w 1957 roku Mameeva przez pewien czas pracowała jako artystka w uzbeckim Teatrze Muzyczno-Dramatycznym. Akhunbabaeva w Andiżanie. Potem przez kilka lat uczyła Praca fizyczna i rysunek w Państwowym Instytucie Pedagogicznym w Andiżanie.

W połowie lat 60. Margarita Stepanovna przybyła do Ust-Kamienogorska, gdzie mieszkała do końca życia. W naszym mieście najpierw pracowała jako artystka w przedsiębiorstwach i instytucjach, następnie całkowicie poświęciła się pracy pedagogicznej, pracując w różnych średnich specjalistycznych placówkach oświatowych: szkołach pedagogicznych, muzycznych i kulturalno-oświatowych. Uczyła takich dyscyplin akademickich, jak szkolenie zawodowe (aplikacje, hafty, dziewiarstwo itp.), Sztuki wizualne, SNAP (środki agitacji wizualnej i propagandy). Według wspomnień swoich uczniów Margarita Stepanovna była wrażliwą, uważną, a jednocześnie wymagającą nauczycielką, nieskończenie oddaną swojemu zawodowi.

Równolegle z działalnością dydaktyczną Mameeva aktywnie angażowała się w kreatywność. Wypracowała własny styl wykorzystując technikę haftu ściegiem satynowym, bazując na realistycznych obrazach i przekazie najdrobniejszych niuansów kolorystycznych. Te cechy sprawiają, że jej hafty przypominają obrazy. W literaturze specjalistycznej technika leżąca u podstaw twórczości Margarity Mameevy nazywana jest „ściegiem swobodnym”, ale sama rzemieślniczka nazywała ją niczym więcej niż „artystyczną”. Stosując tradycyjne techniki haftu, unowocześniła jego techniki techniczne i artystyczne, przybliżając haft jak najbardziej do malarstwa. W tego rodzaju twórczości Mameeva najpełniej pokazała swój naturalny dar jako rysownik i kolorysta.

Oprócz techniki ściegu satynowego rzemieślniczka biegle posługiwała się różnymi rodzajami haftu, uwielbiała także pracować w technice aplikacji. Jej prace z aplikacjami na tkaninie często powstają w połączeniu z haftem lub przy użyciu różnorodnych szwów łączących i wykończeniowych. Są to przedmioty zarówno o przeznaczeniu użytkowym – torebki, poszewki na poduszki, serwetki dekoracyjne, jak i przedmioty czysto estetyczne – panele dekoracyjne, najczęściej z kompozycją fabularną.

Umiejętności i miłość do robótek ręcznych zostały zaszczepione w Mameevze już w młodym wieku. Jej matka Aleksandra Fiodorowna pięknie szyła i haftowała oraz szydełkowała wspaniałe serwetki i obrusy. Ponadto dzieciństwo i młodość przyszłej rzemieślniczki były ściśle związane trendy w modzie ten czas. Pośrodku XX W XIX wieku sztuka haftu w naszym kraju przeżywa gwałtowny rozwój, staje się masowym hobby większości kobiet; zarówno małe dziewczynki, jak i ich matki i babcie równie lubiały robótki ręczne. Za jeden z najlepszych prezentów uznawano coś własnoręcznie wykonanego – obrus z haftem lub aplikacją, poszewkę na poduszkę lub po prostu serwetkę. Te urocze, urocze produkty posłużyły do dekoracji wnętrz, tworząc w domu komfort i ciepłą, radosną atmosferę.

Margarita Stepanovna Mameeva wykonała większość prac w więcej późny okres czas - od 1985 do 1995 roku, kiedy masowa pasja do haftu i aplikacji nie była już tak popularna jak w latach 50. i 60. Mameeva rozpoczęła współpracę z Regionalnym Muzeum Etnograficznym Wschodniego Kazachstanu w 1987 roku, biorąc czynny udział w różnych wydarzeniach muzealnych: corocznych wystawach sztuki dekoracyjnej i użytkowej, jarmarkach („Miasto Mistrzów”). Jej prace były wystawiane m.in różne miasta: Ałmaty, Nowosybirsk, Leningrad, Moskwa. Należy zauważyć, że twórczość Margarity Stepanovny była bardzo wspierana przez męża, który pomagał jej w znajdowaniu tematów, rysunków i wzorów, a także brał udział w projektowaniu gotowych prac, samodzielnie wykonując dla nich ramy.

Pozyskiwanie dzieł rzemieślniczki do funduszy muzeum rozpoczęło się w 1991 roku, kiedy to zakupiono panel dekoracyjny „Żurawie” wykonany techniką haftu ściegiem atłasowym. Następnie odbiór eksponatów odbywał się w małych partiach w latach 1992, 1993, 1999. a ostatnią kolekcję zakupiono od Jurija Iwanowicza Mameeva w 2007 roku, 10 lat po śmierci żony. W efekcie powstał spójny i kompletny zbiór prac artysty, dość zróżnicowany pod względem technik, stylów i gatunków obrazu, liczący 29 jednostek magazynowych. Na podstawie posiadanego zbioru dzieł możemy scharakteryzować jej dzieło jako całość i każde dzieło z osobna, określić ich cechy artystyczne i techniczne oraz poznać historię powstania konkretnej kompozycji.

Wyjątkowym eksponatem jest serwetka wykonana techniką haftu satynowego, wykonana przez Mameevę w 1942 roku, gdy miała zaledwie 9 lat. Produkt wykonany trochę nieśmiało, ale z dużą starannością i starannością. Wzór haftu – kosz z bukietem polnych kwiatów – jest dość skomplikowany, wyróżnia się elegancją i różnorodnością drobnych detali. Kombinacje kolorów nici dobierane są kompetentnie i gustownie. Już w tej wczesnej pracy ujawniły się niezwykłe zdolności twórcze przyszłej rzemieślniczki. Warto zauważyć, że w jej dojrzałych pracach pozostanie to samo dziecinnie radosne i entuzjastyczne poczucie piękna otaczającego świata.

Temat żywej natury jest ulubionym tematem twórczości rzemieślniczki, która jako swój priorytet wybrała gatunek zwierzęcy. W większości haftowanych kompozycji odnajdujemy poetyckie, malownicze wizerunki zwierząt i ptaków na tle natury. Mameeva zawsze bardzo odpowiedzialnie i poważnie podchodziła do wyboru kompozycji do swoich dzieł, wybierając dzieła najlepszych artystów zajmujących się zwierzętami, którzy pracowali w kierunku realistycznym. Wykorzystując reprodukcje obrazów i dzieł graficznych, a także fotografie znanych mistrzów, stworzyła ich piękne kopie, różniące się od oryginału jedynie techniką wykonania i rozmiarem.

Aby dokładnie odtworzyć rysunek, Margarita Stepanovna użyła siatki w skali, aby powiększyć małą ilustrację do potrzebnego jej rozmiaru, po czym rysunek został przeniesiony na tkaninę. Dzięki wrodzonemu wyczuciu koloru, fachowej wiedzy i doświadczeniu rzemieślniczka potrafiła doskonale oddać kolorystykę kopiowanych dzieł, wykorzystując technikę artystycznego ściegu atłasowego oraz szeroką gamę odcieni nici.

Kompozycja „Psy na stojaku” powstała w 1987 roku na podstawie reprodukcji akwareli autorstwa słynnego radzieckiego grafika Walentina Iwanowicza Kurdowa. Ilustrował książki przyrodnicze dla dzieci takich pisarzy jak V. Bianchi, R. Kipling, W. Scott. „Artysta maluje energicznie i intensywnie. Jego zwierzęta są czujne, gotowe do skoku i walki. Nie ma tu miejsca na idealizację i piękne pisarstwo” – zauważono w publikacji. poświęcony kreatywności. Rzeczywiście, kompozycję wyróżnia ekstremalna dynamika i napięcie sceny myśliwskiej. Cechy te wyrażają się nie tylko w szybkim biegu psów, ale także w niektórych szczegółach krajobrazu: trawie pełzającej po ziemi pod silnym podmuchem wiatru, niepokojących przebłyskach świtu.

Haft kompozycji „Psy na stojaku” wykonany jest z kunsztem i łatwością właściwą dojrzałemu mistrzowi. Wolna powierzchnia pokrywa całą płaszczyznę podstawy tkaniny, tworząc wrażenie malowniczej tkaniny szkliwionej. Kolorystyczne zestawienie nici doskonale oddaje kolorystykę oryginału, zbudowaną na półtonach i niuansach. Zastosowanie określonych technik artystycznych, takich jak szerokie, zamaszyste ściegi stosowane w różnych, czasem przecinających się kierunkach, kontrasty plam barwnych, potęgują poczucie dynamizmu i niepokoju, tworząc ekscytujący, wyrazisty nastrój.

Należy zauważyć, że kompozycja cieszyła się dużym zainteresowaniem wśród miłośników sztuki, dlatego Mameeva wykonała jej kilka kopii, z których jedna została zakupiona przez rezerwat muzealny w 1993 roku. Panel ten, różniący się od pierwszego jedynie zmniejszonymi rozmiarami i designem, przez wiele lat zdobił stacjonarną wystawę sztuki zdobniczej i użytkowej w sali wystawowej muzeum. 14 lat później oryginalna kompozycja znalazła się także w zbiorach muzealnych jako część różnorodnej kolekcji zakupionej od niego w 2007 roku.

Mameeva wyhaftowała jedno ze swoich najlepszych dzieł, kompozycję tematyczną „Łoś”, z reprodukcji obrazu rosyjskiego artysty o tym samym tytule, opublikowanej w czasopiśmie „Artysta”, nr 3, 1977. „Spokojny, chudy łoś w pobliżu stos leśny... - wszystkie są tak bezpośrednie i prawdziwe na płótnie, że ich istnienie jest poetyckie, przekazywane przez serce artysty..." Obraz utrzymany jest w stanie Galeria Trietiakowska, urzeka szczególnym spokojem, majestatem i mądrością natury. Zwierzęta i otaczający je świat są w nierozerwalnej jedności i harmonii.

Artysta krajobrazu i malarz zwierząt Aleksiej Stiepanowicz Stiepanow, który żył w drugiej połowie XIX - pierwsza połowa XX wieków, był niezwykłym malarzem, posiadającym rzadki takt reżyserski, z jakim w magiczny sposób wykorzystywał pozornie przypadkowe wybuchy matowego różu, cytryny, głębokiej czerni w najszlachetniejszej gamie popielatych tonów. Próbowałem dokładnie przekazać tę samą wykwintną kolorystykę, wybierając niezbędne odcienie i kombinacje wątków. Pomimo bogactwa niuansów kolorystycznych udało jej się zachować w kompozycji jedność i integralność kolorystyczną, zgodną z ogólnym nastrojem dzieła.

Cały cykl prac wykorzystujących technikę haftu poświęcony jest pięknemu i tajemniczemu światu ptaków. Są to z reguły niewielkie formaty, kameralne kompozycje, przypominające raczej szybkie szkice niż gotowe prace. Łatwość wykonania i pewne niedopowiedzenie nie są przypadkowe, cechy te odpowiadają niespokojnemu charakterowi przedstawionych postaci, ich nieuchwytności, szybkości reakcji, a nawet ich środowisku. Poczucie przestrzeni powietrznej, nieba i wysokości obecne jest niemal w każdej pracy. Nawet kształt większości kompozycji jest celowo lub intuicyjnie wybierany jako okrąg lub owal. Jednocześnie Mameeva z charakterystyczną dla ornitologa dokładnością i precyzją przekazuje najdrobniejsze szczegóły dotyczące wyglądu i charakteru konkretnego gatunku ptaka: wielkość, kształt, kolor upierzenia, ruchy i zwyczaje. Nawet krajobraz lub jego szczegóły w kompozycjach niezawodnie odpowiadają siedliskom niektórych ptaków. Warto zwrócić uwagę na jeszcze jedną charakterystyczną cechę tego cyklu: niemal wszędzie znajdziemy wizerunek pary ptaków – samca i samicy, siedzących obok siebie na gałęzi, pływających lub stojących w wodzie. Potwierdzają to tytuły prac: „Gile”, „Wilgi”, „Szczygieł”, „Pelikany”, „Żurawie”.

W serii prac „ptasich” wyróżnia się wspaniała kompozycja „Flamingo”. W przeciwieństwie do wszystkich innych wizerunków ptaków, ta praca jest dość duża i jest dziełem całkowicie „malowniczym”, wypełnionym szczególnym lirycznym nastrojem, światłem słonecznym i wieloma odcieniami kolorów. Panel ten zapoczątkował serię haftów poświęconych ptakom. Powstał wcześniej niż inne, w 1991 roku na podstawie fotografii G. Smirnowa opublikowanej w jednym z magazynów.

Do najnowszych paneli dekoracyjnych wykonanych techniką haftu należą pejzaż „Nad Dżailau” i „Portret Abai”, wykonany w 1995 roku i poświęcony rocznicy wielkiego kazachskiego poety i pedagoga. Prace te były wystawiane w Semipałatyńsku na objazdowych wystawach sztuki zdobniczej i użytkowej poświęconych obchodom 150. rocznicy Abaya Kunanbayeva i 100. rocznicy Mukhtara Auezova. Należy zauważyć, że te dwie prace stanowią wyjątek w gatunkowej serii haftowanych prac Mameevy, gdyż jako jedyne powstały w „czystym” gatunku: pejzażu i portrecie. W większości jej haftów odnajdujemy fuzję gatunków, najczęściej pejzażowych i zwierzęcych.

Niewiele jest ozdobnych haftów do celów użytkowych w kreatywności. Wśród nich na szczególną uwagę zasługuje komplet serwetek „Jesienne Motywy” oraz wspaniały ozdobny obrus. Produkty te charakteryzują się jednolitym stylem wykonania, który przejawia się w plastycznych formach kompozycji, wdzięcznym designie gałązek porzeczki i jasnej, świątecznej kolorystyce opartej na kontrastowym połączeniu kolorów zielonego i czerwonego.

Prace wykonane w technice aplikacji stanowią zaledwie jedną trzecią całej kolekcji Mameevy, obejmującej dwa panele, a resztę prac o przeznaczeniu praktycznym - ozdobne torebki i poszewki na poduszki. Aplikacje Margarity Stepanovny są tworzone z charakterystycznym dla niej wysokim profesjonalizmem; łączy je wiele charakterystyczne cechy, które przejawiają się zarówno w środkach języka figuratywnego, jak i w metody techniczne. Wszystkie prace wyróżniają się lakoniczną kompozycją, stylizowanymi wzorami i zdobieniami oraz przemyślanym doborem zestawień kolorystycznych tkanin. Wyśmienity gust artystyczny rzemieślniczki przejawia się we wszystkim - od ogólnego projektu produktu po wyrafinowanie najdrobniejszych szczegółów i wykończenia. Aby zabezpieczyć formy aplikacji z tłem lub materiałem bazowym, Mameeva zawsze używała ściegów ręcznych i maszynowych. Ponadto wiele produktów zdobionych jest różnymi szwami wykończeniowymi, a w przedmiotowych kompozycjach aplikację harmonijnie uzupełnia haft.

Panele dekoracyjne „Tea Party” i „Matchmaker” powstały mniej więcej w tym samym czasie - w 1986 i 1987 roku. Kompozycje tych dzieł rzemieślniczka odnalazła także w literaturze, w jednym z najpopularniejszych wówczas magazynów kobiecych - „Kobieta radziecka”. I tak reprodukcja panelu „Swatka” znalazła się na 4. stronie okładki magazynu nr 2 z 1986 r. Kompozycje te są pod wieloma względami podobne, łączy je tematyka życia chłopskiego i rosyjskiej gościnności. Fabuła w nich jest prosta i bezpretensjonalna, w „Tea Party” odbywają się spotkania przy samowarze dwóch przyjaciółek babci, w „Matchmaker” jest scena swatania z obfitym poczęstunkiem. W zastosowaniu środków wyrazu artystycznego można doszukać się powiązań ze sztuką ludową: styl i formy obrazu przypominają popularne grafiki, a wielokolorowe i różnorodne kawałki tkaniny, zabezpieczone ręcznymi szwami, przypominają patchwork. W odróżnieniu od kompozycji lirycznych wykorzystujących technikę haftu, panele z aplikacjami wypełnione są dobrodusznym humorem i psotami, ozdobione jasnymi, kolorowymi obrazami.

Dużym zainteresowaniem cieszy się seria ozdobnych torebek i poszewek na poduszki ze stylizowanymi kazachskimi zdobieniami. Dzięki profesjonalnemu, twórczemu podejściu autora wyroby te, zachowując cechy etnograficzne, nabrały nowego znaczenia. Wyglądają stylowo i nowocześnie, są praktyczne w życiu codziennym i doskonale ozdobią wnętrze Twojego domu. Urzeka nas prostota i zwięzłość form, wyrafinowanie wykończenia, powściągliwość gustownie dobranej kolorystyki, składającej się jedynie z dwóch lub trzech kolorów tkaniny oraz oczywiście najwyższy kunszt i jakość wykonania. Wykonane są głównie z serwet w kolorach zielonym i czerwonym, które najczęściej można spotkać w kazachskim rzemiośle i sztuce, a do dekoracji i dekoracji używa się tkaniny diagonalnej lub bawełnianej. Zarówno torebki, jak i poszewki na poduszki wykorzystują tylko dwa rodzaje ozdób, ale w różnych wariantach kompozycyjnych.

Twórcze dziedzictwo Margarity Stepanovny Mameevy jest bogate i różnorodne. Istnienie profesjonalny artysta i doskonale opanowując różne techniki haftu, aplikacji, dziewiarstwa i szycia, stworzyła prawdziwe dzieła sztuki od małej prostej serwetki po skomplikowane skład fabuły. Mameeva zmieniła wyobrażenie o haftowaniu jako o rodzaju rękodzieła domowego przeznaczonego wyłącznie dla kobiet, odkrywając w swoich pracach gatunkowych jego szerokie możliwości, które śmiało można postawić na równi z najlepszymi obrazami. Jej prace wyróżniały się nie tylko wysokim profesjonalizmem i nienaganną techniką wykonania, ale każdy produkt ocieplała miłość autorki i życzliwy stosunek do otaczającego ją świata: przyrody, ludzi, zwierząt i roślin. Dzieła artysty, posiadające tak magnetyczne właściwości, nie pozostawiają nikogo obojętnym i przyciągają uwagę widzów, wzbudzając ich autentyczne zainteresowanie i podziw.

Źródła i literatura

1. Archiwum VK regionalnego rezerwatu architektonicznego, etnograficznego i krajobrazu naturalnego.

2. Bogateeva ozdoby ludowe w zastosowaniach dla dzieci. M., Edukacja, 19 s.

3. Gusakowa. M., Edukacja, 19 s.

4. Kalmykov V., Sarabyanov A. i wsp. Sto niezapomniane daty. Kalendarz artystyczny na rok 1975. M., Artysta Radziecki, 1974. S. 278-280.

5. Plastov N. Wzruszający rosyjski talent. //Artysta. – 1977, nr 3. s. 46-51.

Miejska budżetowa placówka oświatowa „Szkoła średnia nr 2 Yoshkar-Ola”

Badania

„Mistrzowie sztuki ludowej i rzemiosła”

sztuka strony Morkińskiego”

Zakończony:

uczniowie klasy 3 „B”.

Albachtina Regina,

Parmanow Danila

Kierownik:

Aleksiejew Ludmiła Iwanowna,

Nauczyciel szkoły podstawowej

Yoshkar-Ola, 2016

Wstęp

Głównym elementem

Aktualni mistrzowie

Wniosek

Wykaz używanej literatury

Wstęp

Cel badania:studiując sztukę ludową i rzemiosło mistrzów rejonu Morkinsky, tworząc album „Masters, Morkinsky Side”.

Zadania:

1. Zbierz materiały o rzemieślnikach z Twojej okolicy;

2. Dowiedz się, jakie rodzaje robótek ręcznych posiadali mistrzowie;

3. Dowiedz się, którzy mistrzowie kontynuują rzemiosło ludowe;

4. Usystematyzować i podsumować materiał o mistrzach;

5. Starajcie się zachować dziedzictwo kulturowe naszej małej ojczyzny;

6. Zaprojektuj album.

Przedmiot badań:sztuka dekoracyjna i użytkowa mieszkańców dzielnicy Morkinsky.

Przedmiot badań: twórcza działalność rzemieślników rejonu Morkinsky.

Metody badawcze:

Studiowanie literatury dotyczącej tematu badań;
Wywiady z mistrzami sztuki dekoracyjnej i użytkowej dzielnicy Morkinsky;
Zbiórka materiału, sesja zdjęciowa;
Systematyzacja zebranego materiału;

Adekwatność wybranego tematu:Ten badania ma na celu identyfikację i zachowanie dla przyszłych pokoleń nazwisk mistrzów ludowej sztuki dekoracyjnej i użytkowej rejonu Morkinsky.

Sztuka i rzemiosło

Na początku naszej pracy postanowiliśmy przestudiować literaturę na temat: „Sztuka dekoracyjna i użytkowa ludu Mari”.

Sztuka i rzemiosło- dział sztuki zdobniczej, obejmujący tworzenie wyrobów artystycznych odpowiadających codziennym potrzebom człowieka. Tworząc rzeczy o określonym kształcie i przeznaczeniu, człowiek zawsze znajduje dla nich zastosowanie i stara się zachować dostrzeganą w nich atrakcyjność i piękno. Przedmioty sztuki dziedziczone są od przodków po potomków. Oni pokazują mądrość ludowa, sposób życia, charakter.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa jest jedną z najstarszych. Człowiek od dawna próbował udekorować swój dom i robił to za pomocą dostępnego materiału - drewna, gliny, kości itp. Ludowa sztuka zdobnicza i użytkowa to nie tylko owoc umiejętności i rzemiosła, ale także integralna część życia, życie codzienne. Ważne jest nie tylko odczuwanie, ale także tworzenie czegoś pięknego.

Głównym elementem

Przeprowadziliśmy ankietę wśród mieszkańców wsi Mały Koramas, Chavainur, Shereganovo, powiat Veshurgi-Morkinsky. Przeprowadziliśmy wywiady z 7 mieszkańcami wsi w różnym wieku i także członkowie zespołu „Muro Sem”.

Z wyników ankiety wynika, że na tym obszarze są one szeroko rozpowszechnioneartystyczne rzeźbienie w drewnie i produkcja starożytnych instrumentów muzycznych.

Rzemieślnicy ludowi z przeszłości

Echeykin Piotr Pawłowicz-słynny dudziarz republiki. Urodził się i mieszkał we wsi Szereganowo. Piotr Pawłowicz nie tylko po mistrzowsku grał na dudach, ale także sam je wykonywał. Żadne wesele nie odbyło się bez jego dud i bębnów.

W 2000 roku zespół„Muro sem” pod jego kierownictwem odbyły się zawody kwalifikacyjne w grupie ugrofińskiej i reprezentowały naszą republikę na Międzynarodowy festiwal"Jedwabny Szlak". Odwiedzili Niemcy Francję Holandię Belgię Finlandię. Zespół występował zawsze w drugiej części programu koncertowego i zaskakiwał publiczność niezwykłym brzmieniem ludowych instrumentów muzycznych i Tańce ludowe. Nikt nie pozostał obojętny na kulturę ludu Mari.

Echeikin Wiaczesław Pietrowicz, syn Piotra Pawłowicza Echeikina, był dzieckiem uzdolnionym muzycznie. Z trzy lata Slava był uczestnikiem programu koncertowego, grając na piszczałce, bębnie, harmonijce ustnej, a później na dudach. Podróżowałem z ojcem różne kraje. Dojrzawszy, kontynuował dzieło ojca i poznawał niuanse budowy instrumentów ludowych.

Iwanow Grigorij Iwanowicz(Waslij Iwan Kyrgori) urodził się we wsi Mały Koramas. Zgłosił się na ochotnika do wojny, zostawiając rodzinę i dwójkę dzieci. Wyróżniał się odwagą w walce. Pod koniec wojny dostał się do niewoli i trafił do obozu koncentracyjnego. Przeżył wszystkie okropności niewoli, głodu i zimna i przeżył. Niemcy uznali go za zmarłego i wrzucili jego ciało do wąwozu za drutem kolczastym. Niemka go uratowała, ukryła i nakarmiła. Tak więc Grigorij Iwanowicz pozostał przy życiu.

Miał szczęście, że wrócił do ojczyzny. Po wojnie pracował jako nauczyciel w wiejskiej szkole. Przed wojną stolarstwa uczył się od swojego dziadka. Grigorij Iwanowicz dekorował rzeźbami proste chłopskie meble i artykuły gospodarstwa domowego. Główną uwagę zwrócono na wystrój listew, frontonu i fasady chaty. Pozostałe części budowli nie były zwykle pokryte rzeźbami. Został więc utalentowanym rzeźbiarzem.

Nowa metoda obróbki drewna przyczyniła się do przejawu talentu. Ostrożnie korzystał z odziedziczonego zestawu narzędzi i zdobywał nowe. Grigorij Iwanowicz ozdobił rzeźbami nie tylko ramy okienne, główną dekorację domu, ale także gzymsy, tralki i falbany. Później ozdobił ganek i bramę drewnianymi rzeźbami.

Nikt we wsi nie miał domu ozdobionego rzeźbami. Posypały się zamówienia na tego mistrza snycerstwa. Niestety, wzory na wykonanych przez niego domach nie zachowały się. Ale w rodzinnej wiosce jego instrumenty nadal służą dobrej sprawie.

Znany rzemieślnik zajmujący się drewnemWasiliew Anatolij Aleksandrowicz(Matran Tolya) ze wsi Chavainur. Urodził się w prostej chłopskiej rodzinie. Ojciec nie wrócił z wojny i już od najmłodszych lat musiał wykonywać ciężką pracę fizyczną. Sam nauczył się stolarstwa. Na zlecenie mieszkańców wykonywał sprzęty gospodarstwa domowego: masarkę, bujaki, wanny, beczki, bez których mieszkańcy nie mogliby przeżyć ani jednego dnia, a także sanie i sanki, ramy okienne i stodoły.

Nie pominął ludowego instrumentu muzycznego – tumyra. Wszyscy w okolicy używali tylko jego bębna i nadal to robią. Prosty, skromny człowiek pracował przez całe życie, zadowalał i zaskakiwał swoich współmieszkańców swoimi umiejętnościami. Po wojnie Anatolij Aleksandrowicz zbudował dom własnymi rękami i ozdobił go rzeźbionymi wzorami. Dom o niezwykłej urodzie nadal stoi we wsi Chavainur, przyciągając widoki odwiedzających go gości.

Aktualni mistrzowie

Obecnie narodowe instrumenty muzyczne prawie w ogóle nie są używane w życiu codziennym, można je jednak zobaczyć i usłyszeć podczas świąt folklorystycznych, festiwali i koncertów. Starsi rzemieślnicy ludowi- rzemieślników niestety też nie ma z nami, ale rośnie nowe pokolenie, które kontynuuje ich dzieło.

Wśród mistrzów dudziarzy nowego pokolenia szczególne miejsce zajmuje aktor Narodowego Teatru Dramatycznego Mari imienia M. Szketana, Siergiej Daniłow . Po ukończeniu Wyższej Szkoły Teatralnej. M.S. Szczepkina wraca na scenę teatralną.

W 2016 roku powierzono młodym aktorom rolę w nowej produkcji spektaklu „Salika”, którego nieodzownym atrybutem powinny być dudy. W tym czasie nie było już prawie żadnych mistrzów dudziarzy. Młody aktor musiał się spotkać najstarszy mistrz Echan Malinin ze wsi Kozhlaer. Najpierw mistrz nauczył go grać na dudach, a potem rzemiosła.

Będąc człowiekiem o dociekliwej naturze, Siergiej dokładnie przestudiował budowę starożytnych instrumentów muzycznych i zaczął je sam tworzyć. Był tak pochłonięty, że na podstawie teatru stworzył nawet zespół dudowy z aktorów trupy. Ze swoim zespołem, składającym się z trzech chłopców Morkinów, Siergiej udał się na Słowację, gdzie reprezentował naszą republikę na Festiwalu World Guide.

W różne zakątki w okolicy mieszkają i pracują rzemieślnicy. Rzemieślnik zajmujący się drewnem robi to, co lubi najbardziejStiepanow Oleg Giennadiewicz. Swoją ciężką pracą i wytrwałością osiągnął swój cel. Dom w centrum wsi wyróżnia się oryginalnością i pięknem.

Rzeźba w drewnie jest uważana za najpowszechniejszy rodzaj sztuki ludowej. Ona jest mu bliska. Do wykonywania wzorów rzemieślnik wykorzystuje głównie lipę, ponieważ łatwo ją wyrzeźbić. Bogactwo lip w tym regionie sprzyja rozwojowi rzemiosła.

Ale eksperymentuje też z innymi materiałami. W domu, na podwórku, w ogrodzie wszędzie widać dzieła jego twórczości i zręcznych rąk.

Ponadto zajmuje się tkaniem z łyka i wikliny, które mają głębokie korzenie. Na życzenie mieszkańców okolicznych wsi wyplata dla gości kosze i buciki łykowe.

Wniosek

Wnioski z badania:

W dzielnicy Morkinsky rozwija się sztuka i rzemiosło, artystyczna rzeźba w drewnie i produkcja starożytnych instrumentów muzycznych.
Wśród mistrzów przeważają mężczyźni. Kategoria wiekowa – od 33 lat wzwyż.
Zaobserwowaliśmy ciągłość rodziny w sztuce i rzemiośle.
Pojawiają się nowi mistrzowie rzemiosła.
Sztuka dekoracyjna i użytkowa są konserwowane i ulepszane przez rzemieślników z rejonu Morkinsky, którzy przyczyniają się do zachowania i rozwoju rzemiosła ludowego.

Używane książki:

1. S. I. Ozhegov. Słownik języka rosyjskiego. (1975)

3. Materiały z lokalnego muzeum historycznego.

4. Fotoksiążka „Mari Land”

Galaburda Ljubow Iwanowna

We wsi urodził się Lubow Iwanowna. Priuralskoe w 1957 r. Od dzieciństwa uwielbiała rysować, ale jej rozwój osobowość twórcza wydarzyło się w starszym wieku. Po przeprowadzce do Odessy Ljubow Iwanowna zbliżył się do artystów i zaczął brać u nich lekcje. W tym samym czasie ukończyła kursy projektowe, a następnie wydział plastyczny i graficzny Odeskiego Instytutu Pedagogicznego i rozpoczęła pracę w swojej specjalności. Jej praca dyplomowa „Drzewo życia” została wykonana techniką makramy.

„Ubrania Iżmskie 17-19 wieków”, „Rodzina pasterza reniferów”, „Pana młoda i pan młody”, „Starożytni łowcy Komi” – tak nazywały się dzieła, które brały udział w pierwszych wystawach. To już nie są pojedyncze lalki, ale całe sceny z mitologii ludu Komi.

Dziś o L.I. Galaburd jest znany nie tylko w Peczorze, ale także w innych miastach Republiki Komi, a nawet za granicą. W 1997 roku jej lalki odwiedziły Finlandię na wystawie ludów ugrofińskich.

Od 1989 roku Ljubow Iwanowna jest członkiem miejskiego stowarzyszenia artystów i rzemieślników Peczora.

W lutym 2000 roku L.I. Galaburda minęła ważny egzamin do dojrzałości – na tradycyjnej wystawie w Syktywkarze została przyjęta do Związku Mistrzów Republiki Komi. Ale zdaniem Ljubowa Iwanowna przed wdrożeniem nowych planów i pomysłów jest jeszcze dużo pracy.

Okoliczności życiowe zmusiły Ljubowa Iwanowna do przybycia do ziemi Komi w 1991 roku. Oto ona słynny mistrz do robienia lalek.

Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej zainteresowało się twórczością Ljubowa Iwanowny i złożyło u niej zamówienie na wykonanie lalek w strojach ludowych.

Drewnianą podstawę lalki, twarz, ubranko i wszystkie inne detale wykonała sama rzemieślniczka wraz z asystentkami ze szkolnej grupy „Umiejętne Ręce”. L.I. Galaburda i dzieci zaczęły robić takie lalki na zamówienie.

Okazały się jasne, wyraziste i wkrótce było ich tak dużo, że wystarczyły na całą wystawę.

W 1996 roku odbyła się jej pierwsza osobista wystawa w mieście Syktywkar. Twórcze prace zostały wysoko ocenione przez ekspertów. Ljubow Iwanowna otrzymał dyplom „Za rozwój tradycji ludu Komi”.

Na wystawach sztuki użytkowej w muzeum lalki L.I. Galaburda można od razu odróżnić od wszystkich innych, ponieważ każda z nich jest prawdziwym dziełem sztuki. Wykonanie takiej lalki wymaga dużo czasu i różnorodnych materiałów. Rzemieślniczka pracuje z drewnem, korą brzozową, tkaniną, papierem, skórą, futrem, zamszem i koralikami. Lalki wykonane są według opisów ze źródeł etnograficznych.

Udział w wystawach:

Od 1997 roku jest stałym uczestnikiem republikańskiej wystawy „Mistrz Roku”.

1997 - Expo-97. Syktywkar – Finlandia.

2000, lipiec-sierpień - Wystawa prac członków Związku Mistrzów Republiki Komi. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

Jewtiunin Michaił Wiktorowicz

Michaił Wiktorowicz Jewtyunin urodził się 8 września 1950 r. w mieście Nebit-Dag w turkmeńskiej SRR, w rodzinie wojskowego.

Rodzina oficerów często zmieniała garnizony, a Misza uczęszczał do pierwszej klasy w litewskim mieście Poniewież. Studiował w Kėdainiai, Siauliai, szkołę ukończył w Polsce w 1968 roku.

Ojciec, oficer w trzecim pokoleniu, marzył o karierze wojskowej dla swojego syna, ale życie postanowiło inaczej: Michaił wstąpił do Instytutu Inżynierów Lotnictwa Cywilnego w Rydze. Podczas lat studiów w instytucie (1968-1979) udało mu się odsłużyć dwa lata w siłach pancernych i przez rok pracować jako ślusarz w fabryce w Riazaniu.

Jako student ekipy budowlanej Michaił odwiedził Norylsk i Dudinkę. Północ urzekła mnie swoim romantyzmem i surowym pięknem, a po przydzieleniu młody specjalista zdecydowanie zdecydował się udać tylko na północ. W 1979 r. Michaił został zatrudniony jako inżynier elektryk w Przedsiębiorstwie Lotniczym Peczora.

W Peczorze w tamtych latach niezwykle popularny był klub turystyczny Arktos. Turyści odbywali wędrówki po Uralu i Karpatach, zwiedzali Karelię i podbijali górskie rzeki Kaukazu i Ałtaju. Na pamiątkę każdej kampanii Michaił przynosił kamienie: agat, jadeit, kryształ. W 1985 roku jego kolekcja została uzupełniona czerwonym jaspisem. Wtedy pojawił się pomysł obróbki kamienia. Kamień ten, który stał się dziełem sztuki, znajduje się w kolekcji Michaiła Wiktorowicza.

Pierwsze wyroby artystyczne: koraliki i kabachon. Potem kolczyki, wisiorki, bransoletki, znowu koraliki, świeczniki. W swoich pracach mistrz wykorzystuje kalifornit, charoit, kryształ, jadeit i rodochrozyt. Ale najbardziej ulubionym kamieniem jest agat. Najlepsze prace z niego zrobione. Michaił Wiktorowicz studiował literaturę dotyczącą technik obróbki kamienia i sam zaprojektował kilka maszyn.

Na początku lat 90. XX wieku linia lotnicza zdecydowała się zorganizować warsztat dla usług dodatkowych i zaproponowała skierowanie go do M.V. Ewtyunin. Następnie warsztat zamienił się w warsztat kamieniarski, a hobby Michaiła Wiktorowicza stało się jego pracą. To prawda, że \u200b\u200bw wolnym czasie od spraw administracyjnych musiałem angażować się w kreatywność.

Dzieło mistrza Evtyunina M.V.

Sława mistrza Peczory przekroczyła granice miasta i republiki. W 1986 roku jego prace były wystawiane w Muzeum Inta. W latach 1994-1995 M.V. Evtyunin został zaproszony na wystawę w stolicy kamieniarstwa - Jekaterynburgu, gdzie zgromadzili się rzemieślnicy z całego byłego ZSRR.

W 1995 roku Michaił Wiktorowicz wziął udział w wystawie republikańskiej w Syktywkar. Kilkakrotnie jego prace były wystawiane i z powodzeniem sprzedawane w pawilonie WOGN na targach kolorowych kamieni Gemma. Od 1996 M.V. Evtyunin pracuje w magazynie. Wolny czas poświęca na robienie tego, co kocha.

Dzieło mistrza Evtyunina M.V.

Udział w wystawach:

1986 - Wystawa. Int.

1995 - Wystawa. Syktywkar.

1995 - Wystawa. Jekaterynburg.

1998 - Wystawa. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora

Iwanow Borys Borisowicz

Urodzony w obwód włodzimierski w 1944 r. Gdy miał trzy lata, rodzice przywieźli go do Peczory i od tego czasu mieszka i pracuje w tym mieście.

Zdolność i miłość do rysowania Borysa Borysowicza są dziedziczne, jego rodzice byli dobrzy w rysowaniu. Matka była świetną szwaczką: haftowała dużo i dobrze, a jej rękami ozdobiono cały dom.

Kreatywność Ivanova to rzadkie połączenie kilku kierunków: malarstwa, grafiki, sztuki użytkowej.

Pierwsze lekcje malarstwa pobierał u represjonowanych artystów odbywających kary w Peczorze. Szczególnie pamiętam A.A. Wasiliewa udało mu się dostrzec i rozwinąć zdolności artystyczne u dziewięcioletniego chłopca.

Być może dlatego Borys Borisowicz zajmuje się dogłębnymi badaniami historii represji politycznych w regionie Peczora. Jest członkiem Towarzystwa Pamięci. Jego artykuły na temat historii Gułagu ukazywały się w gazecie Peczora Time. W martyrologii „Pokuta” znajduje się jego rysunek graficzny „Zabity, oświetlony”.

Iwanow Borys Borisowicz

Na początku swojej twórczej drogi zajmował się malarstwem i grafiką. Szczególnie lubi malować pejzaże. „Człowiek i przyroda” – zdaniem B. Iwanowa – „stanowią jedno środowisko, nie mogą bez siebie istnieć”. Dlatego lubi pracować z drewnem, jakimkolwiek drewnem jest aktualnie dostępne.

Borys Borysowicz jest jednym z mistrzów zajmujących się obróbką metali i kuciem metali. W swoich pracach stara się odtworzyć zapomniane tradycje wykańczania stolarki metalem kutym. Trudno jest w pełni zaangażować się w artystyczną obróbkę metali, ponieważ wymaga to specjalnych warsztatów i sprzętu, których w Peczorze nie ma. Tworzenie dzieł sztuki i rzemiosła wymaga dużo czasu

Praca B. B. Iwanowa

Prace Borysa Borisowicza są znakomite, wyróżniają się nienagannym smakiem, subtelnością i skomplikowaną techniką wykonania. Przykładowo świecznik wykonany w oparciu o mitologię Komi-Zyryjczyków składa się ze 100 elementów, z których każdy trzeba było doprowadzić do perfekcji. Jego praca charakteryzuje się dużym profesjonalizmem.

Artysta nie ma wolnego czasu, jest zawsze zajęty, więc nie ma studentów. „Nauczanie wiąże ręce mistrza, bo na pracę dla siebie nie będzie czasu” – mówi B.B. Iwanow. To był powód odrzucenia propozycji wydziału kultury utworzenia i kierowania szkołą mistrzów.

Borys Borysowicz stały uczestnik wystawy sztuki Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora, republikańskie wystawy sztuki ludowej. W 2000 roku został przyjęty do Związku Mistrzów Republiki Komi.

Prace Iwanowa B.B.

Udział w wystawach:

1996 - Wystawa. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

1997 - Wystawa 1997. Syktywkar – Helsinki.

1997 - Wystawa. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora

1998 - rzemieślnik Peczora. Syktywkar, rzemieślnik z Peczory. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

1999 - Wystawa indywidualna. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

2000 – „Mistrz Roku – 1999”. Syktywkar; Aleja Mistrzów. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora; Peczora jesień - 2000. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

Izyumow Jurij Aleksandrowicz

„Istnieje piękno, trzeba je odnaleźć, stworzyć i pokazać innym” – to twórcze credo mistrza Jurija Aleksandrowicza Izyumowa.

Izyumov Jurij Aleksandrowicz urodził się 30 maja 1944 r. we wsi Wodnyj w obwodzie uchtyńskim. Ojciec, nauczyciel i działacz Komsomołu, w latach przedwojennych był represjonowany i osadzony w obozach w Uchcie: głośno wątpił w zbyt szybkie tempo budowy socjalizmu. Wkrótce po nim przybyła jego matka. Dlatego rodzina pozostała w regionie Uchty. W 1963 roku, po ukończeniu szkoły średniej, Jurij został powołany do wojska. Do Peczory przybył na podstawie biletu Komsomołu w 1966 roku. Przez ponad 20 lat pracował w ATP UNGG jako kierowca ciężarówki, a następnie w warsztatach samochodowych lutował, cynował i nitował.

Umiejętność rysowania została zaprezentowana w szkolne lata. Już wtedy zaskakiwał szkicami portretów znanych pisarzy i poetów. Od dzieciństwa kochałam drewno, jego zapach, ciepło. Kiedyś zauważyłem, że towarzysz pracy zajmował się rzeźbą w drewnie. Chciałem spróbować sam. Pokazał mu pierwsze proste techniki i dał narzędzie – fragment medycznego skalpela, bezpiecznie włożony w domowej roboty drewnianą rączkę. Yu Izyumov zaczął tworzyć swoje rzeźbione przedmioty za pomocą tego narzędzia. Mądrości uczyłem się z książek i wszystkiego uczyłem się sam. Ulubione drzewo - wzrost osiki i brzozy - czapka.

Od 1991 Yu.A. Izyumov jest mistrzem-mentorem pracowni sztuki i rzemiosła Shondiban, otwartej w wydziale kultury Komitetu Wykonawczego Miasta Peczora. Jurij Aleksandrowicz starał się przekazywać swoje sekrety utalentowanym, wrażliwym uczniom i dorosłym. Chciałem zapoznać się z doświadczeniami stołecznych snycerzy, odwiedzić wystawy republikańskie i ogólnorosyjskie oraz muzea sztuki użytkowej. Odwiedziłem warsztat rzeźbiarza Syktywkara W. Rokhina, na seminarium republikańskim i na wystawie w Wołogdzie.

Nie wiadomo, co los zrobiłby z talentem mistrza, gdyby go nie było prawdziwy przyjaciel, wytrwała żona Lidii Władimirowna, która sama zabrała pierwsze prace do muzeum. W trudnych chwilach pomagała mi żona, wspierała mnie i doradzała.

Umiejętność rysowania przekazała swojej córce. Swoje obrazy rozdaje przyjaciołom w Petersburgu i rodzicom.

Jurij Aleksandrowicz uwielbiał tworzyć do muzyki. Z przyjemnością słuchałem piosenek w wykonaniu I. Talkowa, W. Wysockiego, N. Kadyszewy. Ulubiona piosenkarka - A. Pugaczowa. Fascynowały mnie powieści historyczne. Od dzieciństwa kochałam wszystkie zwierzęta, a zwłaszcza psy. Wielu, którzy znali Jurija Aleksandrowicza, zauważa, że był z natury miły, emanowało z niego jakieś światło.

Przez półtorej dekady działalność twórcza Mistrz stworzył ponad 200 produktów. Yu.A. Izyumov jest członkiem Związku Mistrzów Republiki Komi od 1993 roku. Dzieło Izyumova Yu.A. odznaczony dyplomami honorowymi Ministerstwa Kultury Komi ASRR, Ministerstwa Kultury Republiki Kazachstanu oraz dyplomami za wkład w rozwój sztuki ludowej.

Dzieło mistrza Izyumowa Yu.A.

Całe mieszkanie Izyumowów jest pięknie udekorowane przez zręczne ręce Jurija Aleksandrowicza. Na koronkowych drewnianych półkach można znaleźć tak wiele.

Wnętrze kuchni to bajka z drewna, marzenie każdej gospodyni domowej, która kocha piękno. Szafki, komody, pudła – wszystko ozdobione rzeźbami, sama kuchnia przypomina magiczną skrzynię z bajki.

Produkty marki Yu.A. Izyumow wystawiany był na wystawach w Rydze, Petersburgu, Pietrozawodsku, Moskwie, Syktywkarze, Peczorze. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora zakupiło od rzemieślnika użytkowego dziesięć przedmiotów. Norwegowie przywieźli do ojczyzny dwa produkty. Wiosną 1993 roku otrzymano zaproszenie na targi wystawowe w Ameryce, ale wyjazd ten nie był możliwy. W Muzeum Etnograficznym w Petersburgu wystawiono 30 prac. Po wystawie mistrz zaczął otrzymywać oferty od struktur komercyjnych, ale Yu Izyumov czuł w duszy, że wypuszczenie drewnianych rzeźb na strumień oznacza wyciągnięcie z niego duszy. A zamiast radości dostaniesz tanie pamiątki po tych, których nie ma ani w głowie, ani w sercu. Mistrz oddawał swoje wyroby tylko tym, których szanował i oddawał w niezawodne ręce. Nie próbował ich sprzedawać, odmawiał nawet zakupu przedmiotów na Złoty Fundusz Muzeum Sztuki Ludowej.

Dzieło mistrza Izyumowa Yu.A.

Udział w wystawach:

Od 1985 roku wyroby Yu A. Izyumova są stale eksponowane w Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

1987 - W 70. rocznicę Wielkiej Rewolucji Październikowej. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

1996 - Tęcza radości. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

1996 - Wystawa indywidualna „Zaczarowani rzeźbami”. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

Krotow Andriej Juriewicz

Urodzony w 1956 roku w mieście Baku, w rodzinie wojskowej. Ze względu na charakter pracy ojca rodzina często przenosiła się z miejsca na miejsce, podróżując po Północnym Kaukazie.

W 1977 r. Andrei, wybierając karierę wojskową, ukończył Wyższą Szkołę Wojskową w Stawropolu. W latach 1977-1993 służył w lotnictwie wojskowym jako nawigator kontroli bojowej. W 1989 r. do Peczory przybył A. Krotow.

Krotow Andriej Juriewicz

Pasja Andrieja do minerałów rozpoczęła się od spotkania z Michaiłem Jewtyuninem, wokół którego zebrał się zespół pasjonatów obróbki kamienia. Kamień, zdaniem Andrieja, przyciąga go i fascynuje wyjątkowymi kolorami, wzorami i grą światła.

Dzięki wspólnemu wysiłkowi pasjonatów kamieniarstwa w podziemiach powstał warsztat. Znajdowało się w nim wyposażenie, częściowo zakupione, ale w większości wykonane ręcznie. Gromadzi się tu także minerały, po które rzemieślnicy czasami udają się w góry. Są to kryształ górski, jaspis, amazonit, agat, kwarc i inne.

Praca Krotova A. Yu.

Andriej Juriewicz jest znany w mieście jako mistrz wyrobu biżuterii z kamienia: naszyjników, kolczyków, broszek, bransoletek i wisiorków. Biżuteria, wykonane przez niego, są poszukiwane wśród wielu przedstawicieli „płci pięknej”. Wyroby mistrza wzbudziły duże zainteresowanie na wystawach w mieście Inta, w Muzeum Geologicznym w Syktywkar. Kilkakrotnie jego prace były wystawiane w pawilonie WOGN na jarmarku kolorowych kamieni Gemma.

Oprócz biżuterii Andrei Yuryevich rzeźbi świeczniki, figurki i inne przedmioty z kamienia. Kiedyś zrobił na zamówienie trofeum za mistrzostwa Rosji w narciarstwie biegowym.

„Oryginalność i jakość” to motto, które przyświeca A.Yu. Krotov jest uznanym mistrzem Peczory w obróbce i wytwarzaniu biżuterii i przedmiotów dekoracyjnych z kamienia.

Praca Krotova A. Yu.

Udział w wystawach:

1993 -1995 - Stały uczestnik wystaw w Czytelniczej Bibliotece Rodzinnej.

1996-1999 - Muzeum Geologiczne. Syktywkar.

1997 - Wystawa. Int.

Morozow Władimir Nikołajewicz

Urodzony w północno-rosyjskim mieście Kargopol w obwodzie archangielskim, w 1927 r. w rodzinie pracownika. Mój ojciec pracował jako księgowy, moja mama była gospodynią domową.

W 1932 roku mój ojciec pojechał do Syktywkaru, aby zorganizować stowarzyszenie dla głuchoniemych. Cała rodzina przeprowadziła się do Syktywkaru wraz z ojcem: żoną i trójką dzieci. Włodzimierz Nikołajewicz mieszkał w Syktywkarze do 1944 r. Trudno było mieszkać w półpiwnicy. Wiosną mieszkanie zostało zalane po kolana wodą. Matka zmuszona była chodzić do pracy: w dzień pracowała w policji, wieczorami uczyła w programach edukacyjnych, a nocą stała w kolejkach po chleb. Moja mama zmarła wcześnie z powodu pracy i choroby.

Włodzimierz ukończył szkołę FZO w Syktywkarze jako mechanik łodziowy, pracował jako pomocnik brygadzisty, a w 1942 r. został brygadzistą.

W 1944 zgłosił się na ochotnika na front, ale nie musiał walczyć. Został wysłany na naukę do Szkoły Młodszych Dowódców na stacji Obozerskaja w obwodzie archangielskim, gdzie zachorował i został zdemobilizowany w 1946 roku. W tym samym roku wyjeżdża do Chersonia na leczenie i pracę. Po Chersoniu los sprowadził mnie do Stalina, do Dnieprodzierżyńska. W Stalinie opanował zawód modelarza.

Władimir Nikołajewicz przez ponad dziesięć lat mieszkał w południowych regionach kraju, a w 1957 r. przybył do swojej siostry w Kożwie. Nic wcześniej nie wiedziałem i nie słyszałem o nowym mieście Peczora. W tym czasie w Peczorze trwała budowa Domu Kultury Robotników Rzecznych (DKR). Dowiedziawszy się, że Władimir Nikołajewicz był modelarzem, został zatrudniony jako instruktor. Podarował uczniom sześć osób, którym uczył umiejętności modelowania. Zbudowaliśmy DKR i jednocześnie studiowaliśmy.

Po DKR wykonano sztukaterię w kinie im. M. Gorki. Tutaj w kinie znajdują się także dwa jego oryginalne dzieła rzeźbiarskie - „Górnik” i „Myśliwy”.

Dzieło mistrza Morozva V.N.

Konieczne było udekorowanie prostych budynków mieszkalnych sztukaterią (na przykład dwa domy na placu Gorkiego): gzymsy, rozety. W latach 1962-1963 zaprzestano modelowania w domach.

Zespół rzeźbiarzy pod przewodnictwem V.N. Morozova była popularna w Republice Komi: pojechali do pracy przy budowie Domu Kultury w Workucie i stacji kolejowej w Syktywkarze.

Pracując w Peczorstroju, ukończył z wyróżnieniem Wołchowską Szkołę Budowlaną i został brygadzistą w fabryce wyrobów żelbetowych. W zakładzie jego rękami wykonano wiele prac projektowych: betonową płaskorzeźbę Lenina, Izbę Honorową Pechorstroy, ozdoby ścienne, panele. Musiałem napisać i malownicze portrety dla Zarządu Honorowego. Szczególnie dużo pracy było przed wakacjami - projektowaniem plakatów.

Otrzymano także zamówienia na inne prace projektowe. Otworzyli kemping na Byzovaya.

Od 1983 r. V.N. Morozow jest na emeryturze. Zaczął ciąć drewno. Szczególnie lubię pracować z węzłem. Interesuje się pracą z różnymi materiałami. W jego kolekcji znajduje się wiele waz wykonanych z ażurowego metalu, róg do wina i różne pudełka.

Dzieło mistrza Morozowa V.N.

Udział w wystawach:

1990 - Wystawa charytatywna. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

1992 - Wystawa. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

1995 - Wystawa. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

1996 - Wystawa indywidualna. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

1998 - Wystawa. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

Osipova (Ogorodnikova) Oksana Valentinovna

Matka i córka rzemieślniczki Peczora Ogorodnikov są znane nie tylko w Republice Komi, ale także poza jej granicami. Łączą nie tylko więzy rodzinne, ale i twórczo. Galina Jakowlewna Ogorodnikowa urodziła się w 1947 roku we wsi Soski Region Kirowski. Ojciec Jakow Iwanowicz Saadakow przez całe życie pracował w fabryce Selmash. Był stolarzem, zajmował się stolarstwem i wyrabiał meble. Mama Nina Mitrofanovna, funkcjonariuszka dyżurna stacji, umiejętnie szydełkowała. Na Galinę Jakowlewną duży wpływ wywarła jej babcia Maria Efimovna, która umiała tkać, przędzić, robić na drutach, szyć i haftować.

Galina Jakowlewna przyjechała do Peczory z mężem w 1963 roku. Cały czas szyłam i robiłam na drutach dla moich dzieci.

W połowie lat 80. wiele kobiet z Peczory zainteresowało się tkaniem techniką makramy, a Galina Jakowlewna osiągnęła doskonałość w tej formie sztuki użytkowej. Pierwszą pracą jest „Pudel”. Na początku kopiowałam produkty z magazynów i kalendarzy, a potem zaczęłam tworzyć własne autorskie prace. W 1991 roku wydała album ze zdjęciami „Makrama”, którego wyroby posłużyły do ozdabiania dziecięcych przedmiotów placówki przedszkolne miasta „Korablik”, „Jłoczka”. Panele narracyjne autorstwa Galiny Jakowlewnej tworzą niepowtarzalny wygląd wnętrz przedszkoli.

Od 1984 roku Galina Jakowlewna jest członkiem miejskiego stowarzyszenia artystów, rady rzeczoznawców artystycznych, a od 1985 roku przewodniczy stowarzyszeniu artystów. W 1988 roku brała udział w festiwalu sztuki ludowej w Syktywkarze.

Galina Jakowlewna jest mistrzynią sztuki użytkowej i opanowała wiele rodzajów kreatywności: tkactwo techniką makramy, frywolitkę, robienie na drutach, szydełkowanie, rzeźbienie w drewnie.

Galina Jakowlewna uważa mistrza Yu.A. za swojego nauczyciela. Izyumow, któremu udało się przekazać swoje sekrety swojemu uczniowi. Nie gardzi ani ciężką pracą „zakupową”, ani poszukiwaniem materiału. Współpracuje z brzozą i osiką. Pod koniec lat 80-tych pracowała w spółdzielni Eleganckie. W 1990 roku prowadziła klasę makramy, a w latach 1991-1992 uczyła w pracowni Shondiban.

Jej córka, Oksana Valentinovna Osipova, poszła w ślady matki. Urodzony w 1969 roku w Peczorze. Od dzieciństwa jej rodzice zauważyli umiejętność rysowania dziewczynki. Przez kilka lat Oksana studiowała w pracowni artystycznej Domu Pionierów pod kierunkiem A. Akishina.

Rozpoczęła naukę w szkole zawodowej nr 22 w Syktyvkarze z dyplomem magistra malarstwa artystycznego. W 1989 roku ukończyła studia. Praca dyplomowa Oksany: autorska biżuteria kostiumowa, która z powodzeniem łączy malarstwo w drewnie i makramę. Był to wspólny produkt matki i córki.

W ten sposób narodziła się unia twórcza. Później stworzyli wiele efektownych dzieł, z których jednym jest bajeczna beczka „Opowieść o północy”. Na zewnątrz wygląda jak stary kikut ze splecionymi korzeniami i jest podzielony na cztery obrazy fabularne z życia starożytnego Komi (ozdobione techniką makramy).

Praca rzemieślników

Oksana Valentinovna pracowała w spółdzielni Elegant, w prywatnym przedsiębiorstwie Souvenir oraz w pracowni ludowej Shondiban. Jej kunszt nauczycielski uwidocznił się podczas pracy w zakładzie szkoleniowo-produkcyjnym, gdzie prowadziła kurs malowania drewna. Opanowuje dwanaście rodzajów malarstwa (Khokhloma, Gorodets, Połchow-Majdanowska, Wiatka, Siewierodwińsk, Ural-Syberyjski itp.). Studiując literaturę o sztuce użytkowej, Oksana odtworzyła malarstwo Peczory, a Galina Jakowlewna opracowała fabułę opartą na malarstwie Peczory na drutach.

Głównym tematem twórczości Oksany jest rodzina, dom, dzieci. Pod tym względem interesujące są jej panele tematyczne „Wczesny poranek” i „Czas na jagody” przedstawiające życie Iżemskiego Komi.

Aktywnie działała w miejskim stowarzyszeniu artystów użytkowych. W latach 1997 - 1998 Oksana była pracownikiem Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora, organizując wystawy objazdowe ze środków. Od 1999 roku mieszka we wsi Czernoreczenskoje, powiat Knyazhpogost. Pracuje w szkole średniej. Oksana Valentinovna jest członkiem Związku Rzemieślników Republiki Komi od 1998 roku.

Rzemieślniczki z Ogorodnikowa brały udział we wszystkich wystawach miejskich lokalnego muzeum historii i podróżowały ze swoimi dziełami na republikańskie pokazy talentów. Wizytówką Ogorodnikowów był wisiorek „Krina”, który chętnie dają ludziom na wakacjach. dobra pamięć. Ich prace jako pamiątki po Peczorze zostały wywiezione do wielu miast w Rosji, a także do innych krajów: Bułgarii, Czech, Włoch.

Praca rzemieślników

Udział w wystawach:

Od 1985 r. - stali uczestnicy corocznych wystaw mistrzów sztuk użytkowych w Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora, od 1994 r. - wystawy w Związku Mistrzów „Mistrz Roku” w Syktywkar.

1989 - Wystawa artystów użytkowych. Uchta.

1990 - Wystawa charytatywna. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

1992 - Wystawa rękodzieła uczniów i nauczycieli. Perm, Niżny Nowogród.

1996 - Nauczycielu, kształć ucznia. Syktywkar.

1997 - Komi Expo - 97, Tęcza Radości. Syktywkar.

1999 - Wystawa indywidualna „Lot fantazji i smaku” w Biblioteka Centralna. Peczora.

Charuzin Jurij Fiodorowicz

Urodzony w 1953 roku w mieście Kovrov, obwód włodzimierski. Mój ojciec przez całe życie był związany z lasem: pracował w leśnictwie i był stolarzem. Znali i kochali las: pomagali ojcu w pracy. Matka zajmowała się domem i dziećmi.

W latach 90. szkoły w Republice Komi zaczęły przykładać dużą wagę do odrodzenia tradycji ludu Komi i Yu.F. Kharuzinowi zaproponowano próbę pracy z korą brzozy i nauczenie tej umiejętności uczniów. Od tego czasu Jurij Fiodorowicz zaczął samodzielnie studiować literaturę dotyczącą sztuki dekoracyjnej i użytkowej ludu Komi oraz ukończył kursy nauczania sztuki użytkowej w Syktywkar. Chęć perfekcyjnego opanowania sztuki użytkowej oraz przekazania swojej wiedzy i umiejętności dzieciom zmusiła Jurija Fiodorowicza do nauki u zasłużonych mistrzów sztuki użytkowej Komi M. Kocheva i S. Overina. Pokazali nie tylko jak pracować z korą brzozową i drewnem, ale także jakich narzędzi używać i jak własnoręcznie wykonać to narzędzie.

Dzieło mistrza Kharuzina Yu.F.

Udział w wystawach:

1996 - Tęcza radości. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora

1997 - Nauczyciel-uczeń. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

1998 - rzemieślnik Peczora. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

1999 - Konferencja ludu Komi. GO „Wypoczynek”. Peczora.

2000 - Peczora jesień-2000. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

Jurkiewicz Galina Pawłowna

Galina Pavlovna urodziła się w 1950 roku we wsi Nyashabozh w obwodzie iżemskim. Po szkole wybrałam zawód nauczyciela. Jest absolwentką wydziału wychowania przedszkolnego Komi w szkole pedagogicznej w Syktywkar. Następnie przez 20 lat pracowała jako nauczycielka w przedszkolach w Vuktyl i Peczorze. Od początku lat 90. Galina Pavlovna prowadzi działalność dydaktyczną w internacie nr 8. Pracuje jako etno-nauczycielka, ucząc dzieci Komi mowa potoczna, zapoznaje je z ludowymi zabawkami, strojami, folklorem.

Pod jej kierownictwem realizowane są m.in wakacje tematyczne wystawiane są przedstawienia kukiełkowe oparte na mitologii ludu Komi. Sztuka dekoracyjna i użytkowa G.P. Yurkevich studiuje od 1984 roku. Zainteresowałam się szyciem z resztek: pasków, dywaników, zabawek Komi. W 1993 roku tak ją zafascynowało to zajęcie, że tworzenie lalek stało się jej hobby i pracą. Lalka jest zawsze przy niej: zarówno w domu, jak i w podróży. W szkole Teatr kukiełkowy Galina Pavlovna wraz ze swoimi dziećmi studiuje historię lalek Komi w oparciu o legendy i baśnie.

Praca mistrza Yurkevicha G. P.

W 1994 r. G. P. Yurkevich otrzymał zaświadczenie paszportowe uprawniające do robienia i sprzedaży lalek w strojach narodowych Komi. Jest członkiem Związku Mistrzów Republiki Komi. Co roku jej prace biorą udział w wystawie „Mistrz Roku” w Syktywkar.

Twórczym zadaniem rzemieślnika jest trzymanie się tradycji ludowych i jednocześnie tworzenie własnych, nowych w sztuce zdobniczej.

Udział w wystawach:

Od 1996 r. - stały uczestnik republikańskiej wystawy „Mistrz roku”, „Moja ulubiona zabawka” Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

1996 - Tęcza radości. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

1996 - I Kongres Ludy tureckie. Usinsk

1996 - III Zjazd Stowarzyszenia Iżemsk. Iżma.

1997 - Wystawa. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

1997 - Nauczycielu, edukuj ucznia. Syktywkar.

1997 - Drzewo życia. Podporoże.

1997 - Expo-97. Syktywkar-Helsinki.

1997 - Mozaika patchworkowa. Syktywkar.

1998 - Festiwal Zabawek. Moskwa.

1998 - rzemieślnik Peczora. Syktywkar.

1999 - Wystawa wyrobów przemysłowych. Peczora. Pałac Sportu „Jubileiny”

2000 - Peczora jesień-2000. Muzeum Historii i Wiedzy Lokalnej Peczora.

Źródło tekstu i zdjęcia:
Mała Encyklopedia Peczory [Zasoby elektroniczne]: historia, kultura, ekologia. - Elektron. dane tekstowe i hrabia. Dan. - Peczora: Bank Centralny Peczora, 2001. - 1 e-mail. Hurt dysk (CD-R).

3. Tuby faliste – tak nazywa się technika wytwarzania wyrobów, w której tuby z tektury falistej służą do ozdabiania powierzchni lub tworzenia trójwymiarowych figur. Tuby faliste uzyskuje się poprzez nawinięcie paska papieru na patyczek, ołówek lub igłę dziewiarską, a następnie jego sprasowanie. Skompresowana rura falista dobrze trzyma swój kształt i ma wiele opcji projektowania i użytkowania.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1492

4. Quilling (od angielskiego quilling - od słowa quil „ptasie pióro”) - sztuka zwijania papieru. Pochodzi ze średniowiecznej Europy, gdzie zakonnice tworzyły medaliony, skręcając paski papieru ze złoconymi krawędziami na czubek ptasiego pióra, tworząc imitację złotej miniatury.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/587
http://stranamasterov.ru/node/1364

4. Origami (z japońskich liter: „składany papier”) to starożytna sztuka składania papierowych figurek. Sztuka origami ma swoje korzenie w starożytnych Chinach, gdzie odkryto papier.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/560
Rodzaje:
- Kirigami to rodzaj origami, który pozwala na użycie nożyczek i cięcia papieru w procesie tworzenia modelu. Na tym polega główna różnica pomiędzy kirigami a innymi technikami składania papieru, co podkreśla nazwa: kiru – cięcie, kami – papier.
Pop-up to cały kierunek w sztuce. Technika ta łączy elementy technik.
- Kirigami i Cięcie i pozwala na tworzenie trójwymiarowych projektów i kart złożonych w płaską figurę.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1723
- Kusudama (po japońsku dosłownie „kula lekarska”) to papierowy model, który zwykle (choć nie zawsze) formuje się poprzez zszycie ze sobą końców wielu identycznych modułów piramidalnych (zwykle stylizowanych kwiatów złożonych z kwadratowej kartki papieru), tak aby ciało ma kształty kuliste. Alternatywnie poszczególne elementy można skleić ze sobą (np. kusudama na dolnym zdjęciu jest w całości sklejona, a nie zszyta). Czasem jako ozdobę na dole doczepiany jest chwost.
Sztuka kusudamy wywodzi się ze starożytnej tradycji japońskiej, gdzie kusudama była używana do produkcji kadzidła i mieszanki suszonych płatków; być może były to pierwsze prawdziwe bukiety kwiatów lub ziół. Samo słowo jest połączeniem dwóch japońskich słów: kusuri (lekarstwo) i tama (piłka). Obecnie kusudamy są zwykle używane do dekoracji lub prezentów.
Kusudama jest ważną częścią origami, szczególnie jako prekursor origami modułowego. Często jest mylone z origami modułowym, co jest błędne, ponieważ elementy tworzące kusudamę są zszyte lub sklejone, a nie zagnieżdżone jeden w drugim, jak sugeruje origami modułowe.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/850
- Origami z kółek - składanie origami z papierowego koła. Zwykle złożone elementy są następnie sklejane w aplikację.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1636
- Origami modułowe - tworzenie trójwymiarowych figur z trójkątnych modułów origami - zostało wynalezione w Chinach. Cała figura zbudowana jest z wielu identycznych części (modułów). Każdy moduł składany jest według zasad klasycznego origami z jednej kartki papieru, a następnie moduły są łączone poprzez wsuwanie ich w siebie. Występująca w tym przypadku siła tarcia zapobiega rozpadowi konstrukcji.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/15

5. Papier-mache (fr. papier-mache „przeżuty papier”) - łatwo formowalna masa otrzymywana z mieszaniny materiałów włóknistych (papieru, tektury) z klejami, skrobią, gipsem itp. Tynki produkowane są z papier-mache , maski, pomoce dydaktyczne, zabawki, rekwizyty teatralne, pudełka. W niektórych przypadkach nawet meble.
W Fedoskino, Palekh, Kholui papier-mâché służy jako podstawa tradycyjnych miniatur lakierowych.
Możesz ozdobić blankiet z papieru-mache nie tylko farbami, malując jak znani artyści, ale także stosując decoupage lub asamblaż.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/561

1. Koraliki, podobnie jak same koraliki, mają wielowiekową historię. Starożytni Egipcjanie jako pierwsi nauczyli się wplatać koralikowe nici w naszyjniki, bransoletki nitkowe oraz zakrywać damskie sukienki siatkami z koralików. Prawdziwy rozkwit produkcji koralików rozpoczął się jednak dopiero w XIX wieku. Przez długi czas Wenecjanie pilnie strzegli tajemnic tworzenia szklanego cudu. Mistrzowie i rzemieślnicy ozdabiali koralikami ubrania i buty, portfele i torebki, etui na wachlarze i etui na okulary, a także inne eleganckie rzeczy.
Wraz z pojawieniem się koralików w Ameryce rdzenni mieszkańcy zaczęli ich używać zamiast tradycyjnych indyjskich materiałów. Do paska rytualnego, kołyski, opaski na głowę, koszyka, siatki na włosy, kolczyków, tabakierek...
Na Dalekiej Północy futra, wysokie futrzane buty, czapki, uprzęże reniferów, skórzane okulary przeciwsłoneczne zdobiono haftem koralikowym...
Nasze prababcie wykazywały się dużą pomysłowością. Wśród ogromnej różnorodności eleganckich bibelotów znajdują się niesamowite przedmioty. Pędzle i osłony kredowe, etui na wykałaczki (!), kałamarze, wykałaczki i ołówki, obroża dla ulubionego psa, uchwyt na kubek, obroże koronkowe, pisanki, szachownice i wiele, wiele, wiele więcej.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1355

3. Makrama (z języka arabskiego - warkocz, frędzle, koronka lub z języka tureckiego - szalik lub serwetka z frędzlami) - technika tkania węzłów.
Technika tkania tego węzła znana jest od czasów starożytnych. Według niektórych źródeł makrama przybyła do Europy w VIII-IX wieku ze Wschodu. Technika ta była znana w starożytnym Egipcie, Asyrii, Iranie, Peru, Chinach i starożytnej Grecji.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/750

4. Tkanie koronki ze szpulkami. W Rosji nadal znane są łowiska Wołogdy, Eletskiego, Kirowa, Bielewskiego i Michajłowskiego.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1687

* Techniki związane z malarstwem, różne rodzaje malarstwa i tworzenia obrazu:

Rysunek to gatunek w sztukach wizualnych i odpowiadająca mu technika, która tworzy obraz wizualny (obraz) na dowolnej powierzchni lub przedmiocie za pomocą środków graficznych, rysując elementy (w przeciwieństwie do elementów obrazowych), głównie z linii i pociągnięć.
Na przykład: rysunek węglem, rysunek ołówkiem, rysunek tuszem i piórem...
Malarstwo to rodzaj sztuki plastycznej związanej z przekazywaniem obrazów wizualnych poprzez nakładanie farb na stałe lub elastyczne podłoże; kreowanie wizerunku z wykorzystaniem technologii cyfrowej; a także dzieła sztuki wykonane w ten sposób.
Najczęściej spotykane dzieła malarskie to te wykonane na płaskich lub prawie płaskich powierzchniach, takich jak płótno naciągnięte na blejtramie, drewno, karton, papier, impregnowane powierzchnie ścian itp. Do malarstwa zalicza się także obrazy wykonane farbami na naczyniach ozdobnych i ceremonialnych, tzw. których powierzchnie mogą mieć złożony kształt.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1218

2. Witraże (łac. Vitrum - szkło) to jeden z rodzajów sztuki dekoracyjnej. Głównym materiałem jest szkło lub inny przezroczysty materiał. Historia witraży rozpoczyna się w czasach starożytnych. Początkowo szkło wstawiano do okna lub drzwi, następnie pojawiły się pierwsze obrazy mozaikowe i samodzielne kompozycje dekoracyjne, panele wykonane z kolorowych kawałków szkła lub malowane specjalnymi farbami na zwykłym szkle.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/886

4. Gilosz – technikę ręcznego wypalania ażurowego wzoru na tkaninie za pomocą wypalarki opracowała i opatentowała Zinaida Petrovna Kotenkova.
Gilosz wymaga starannej pracy. Musi być wykonany w jednolitej kolorystyce i odpowiadać stylistyce zdobniczej danej kompozycji.
Serwetki, panele z aplikacjami, zakładki, chusteczki, kołnierzyki – to wszystko i wiele więcej, cokolwiek podpowie Twoja wyobraźnia, ozdobi każdy dom!
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1342

9. Ozdoba (łac. ornamentum - dekoracja) - wzór oparty na powtarzaniu i naprzemienności jego elementów składowych; przeznaczony do ozdabiania różnych przedmiotów (przyborów, narzędzi i broni, tekstyliów, mebli, książek itp.), obiektów architektonicznych (zarówno na zewnątrz, jak i we wnętrzu), dzieł sztuk plastycznych (głównie stosowanych), wśród ludów prymitywnych także samego ciała ludzkiego (koloryzacja, tatuaż). Powiązany z powierzchnią, którą zdobi i organizuje wizualnie, ozdoba z reguły odsłania lub akcentuje architekturę przedmiotu, na którym jest nałożona. Ozdoba albo operuje abstrakcyjnymi formami, albo stylizuje motywy rzeczywiste, często schematyzując je nie do poznania.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1222

11. Puentylizm (francuski pointillizm, dosłownie „wskazywać”) to styl pisania w malarstwie, w którym używa się czystych farb, które nie mieszają się na palecie, nakładanych małymi pociągnięciami o kształcie prostokątnym lub okrągłym, licząc na ich optyczne wymieszanie w oczach widza okiem, w przeciwieństwie do mieszania farb na palecie. Optyczne mieszanie trzech kolorów podstawowych (czerwony, niebieski, żółty) i par kolorów dodatkowych (czerwony - zielony, niebieski - pomarańczowy, żółty - fioletowy) daje znacznie większą jasność niż mechaniczne mieszanie pigmentów. Mieszanie kolorów w celu uzyskania odcieni następuje przy etap postrzegania obrazu przez widza z dużej odległości lub w zmniejszonym widoku.
Założycielem stylu był Georges Seurat.
Inną nazwą pointylizmu jest dywizjonizm (od łacińskiego divisio – dzielenie, miażdżenie).
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/700

12. Rysowanie dłońmi. Małym dzieciom trudno jest posługiwać się pędzlem. Jest to bardzo ekscytujące zajęcie, które zapewni dziecku nowe doznania, rozwinie umiejętności motoryczne i da możliwość odkrycia nowego, magicznego świata twórczości artystycznej - jest to malowanie palm. Rysując dłońmi mali artyści rozwijają swoją wyobraźnię i abstrakcyjne myślenie.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1315

14. Malarstwo. Jeden z najstarszych rodzajów rzemiosła ludowego, który od kilku stuleci stanowi integralną część życia codziennego i pierwotnej kultury ludu. W rosyjskiej sztuce ludowej istnieje wiele odmian tego rodzaju sztuki dekoracyjnej i użytkowej.
Tutaj jest kilka z nich:
- Malarstwo Zhostovo to starożytne rosyjskie rzemiosło ludowe, które powstało na początku XIX wieku we wsi Zhostovo, rejon Mytishchi, obwód moskiewski. Jest to jeden z najbardziej znanych rodzajów rosyjskiego malarstwa ludowego. Tace Zhostovo są malowane ręcznie. Zwykle bukiety kwiatów są przedstawiane na czarnym tle.
- Malarstwo Gorodets to rosyjskie rzemiosło sztuki ludowej. Istnieje od połowy XIX wieku. w rejonie Gorodca. Jasne, lakoniczne malarstwo Gorodca (sceny rodzajowe, figurki koni, kogutów, wzory kwiatowe), wykonane dowolną kreską z biało-czarnym konturem graficznym, zdobione wirujące koła, meble, okiennice i drzwi.
- Malarstwo Khokhloma to starożytne rosyjskie rzemiosło ludowe, które narodziło się w XVII wieku w rejonie Niżnego Nowogrodu.
Khokhloma to dekoracyjne malowanie drewnianych przyborów i mebli, wykonane w kolorze czarnym i czerwonym (a czasami także zielonym) na złotym tle. Podczas malowania na drewno nakłada się proszek srebrno-cynowy. Następnie produkt powleka się specjalną kompozycją i trzy lub czterokrotnie poddaje obróbce w piekarniku, co pozwala uzyskać niepowtarzalny miodowo-złoty kolor, nadając przyborom z jasnego drewna masywny efekt. Tradycyjnymi elementami Khokhloma są czerwona soczysta jarzębina i truskawki, kwiaty i gałęzie. Często można spotkać ptaki, ryby i zwierzęta.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/301

2. Patchwork, pikowanie, pikowanie czy patchwork to sztuka ludowa i rzemiosło artystyczne posiadająca wielowiekowe tradycje i cechy stylistyczne. To technika polegająca na łączeniu kawałków kolorowych tkanin lub dzianin o geometrycznych kształtach w koc, bluzkę czy torbę.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1347
Rodzaje:
- Karczoch to rodzaj patchworku, który ma swoją nazwę ze względu na podobieństwo do owoców karczocha. Ta technika ma inne nazwy - „zęby”, „rogi”, „łuski”, „pióra”.
Ogólnie rzecz biorąc, w tej technice wszystko sprowadza się do złożenia wyciętych części i przyszycia ich do podstawy w określonej kolejności. Lub za pomocą papieru utwórz (wklej) różne panele o okrągłym (lub wielopłaszczyznowym) kształcie na płaszczyźnie lub w objętości.
Możesz szyć na dwa sposoby: skieruj krawędź wykrojów na środek głównej części lub na jej krawędzie. Dzieje się tak, jeśli szyjesz płaski produkt. Do produktów o charakterze wolumetrycznym – końcówką skierowaną w stronę węższej części. Złożone części niekoniecznie są wycinane w kształcie kwadratów. Mogą to być prostokąty lub koła. W każdym razie spotykamy się ze składaniem wyciętych wykrojów, dlatego można argumentować, że te techniki patchworku należą do rodziny patchworkowego origami, a ponieważ tworzą objętość, zatem do techniki „3d”.
Przykład: http://stranamasterov.ru/node/137446?tid=1419
- Szalona kołdra. Niedawno natknąłem się na taki typ. Moim zdaniem jest to metoda wieloetapowa.
Konkluzja jest taka, że produkt powstaje z połączenia różnych technik: patchworku + haftu + malowania itp.
Przykład:

* Inne techniki samowystarczalne:
1. Aplikacja (z łac. „załącznik”) to sposób pracy z kolorowymi elementami z różnych materiałów: papieru, tkaniny, skóry, futra, filcu, kolorowych koralików, koralików nasiennych, nici wełnianych, tłoczonych blaszek, wszelkiego rodzaju materiałów (aksamit, satyna, jedwab), suszone liście... Takie wykorzystanie różnorodnych materiałów i struktur w celu zwiększenia możliwości wyrazu jest bardzo bliskie innemu sposobowi przedstawienia - kolażowi.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/364
Istnieje również:
- Aplikacja z plasteliny - plastelina - nowy rodzaj sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Przedstawia tworzenie sztukaterii przedstawiających mniej lub bardziej wypukłe, półobjętościowe obiekty na poziomej powierzchni. Jest to w istocie rzadko spotykany, bardzo ekspresyjny rodzaj malarstwa.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1243
- Aplikacja z „dłoni”. Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/612
- Aplikacja łamana to jeden z rodzajów technik aplikacji wielopłaszczyznowych. Wszystko jest proste i dostępne, jak układanie mozaiki. Podstawą jest kartka tektury, materiałem jest podarta na kawałki kartka kolorowego papieru (kilka kolorów), narzędziem jest klej i dłonie. Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1346

3. Tunel papierowy. Oryginalna angielska nazwa tej techniki to książka tunelowa, co można przetłumaczyć jako tunel książkowy lub papierowy. Istotę tej techniki widać wyraźnie po angielskiej nazwie tunel – tunel – otwór przelotowy. Wielowarstwowy charakter ułożonych w całość „książek” dobrze oddaje wrażenie tunelu. Pojawi się trójwymiarowa pocztówka. Nawiasem mówiąc, technika ta z powodzeniem łączy różne rodzaje technik, takie jak scrapbooking, aplikacja, wycinanie, tworzenie układów i obszernych książek. Przypomina to trochę origami, ponieważ... ma na celu złożenie papieru w określony sposób.
Pierwszy papierowy tunel powstał w połowie XVIII wieku. i był ucieleśnieniem scen teatralnych.
Tradycyjnie tunele papierowe powstają na pamiątkę jakiegoś wydarzenia lub są sprzedawane turystom jako pamiątki.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1411

4. Cięcie to bardzo szerokie pojęcie.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/701
Są wycinane z papieru, piankowego plastiku, piankowej gumy, kory brzozowej, plastikowych butelek, mydła, sklejki (choć nazywa się to już piłowaniem), owoców i warzyw, a także innych różnych materiałów. Używane są różne narzędzia: nożyczki, noże do krojenia chleba, skalpel. Wycinali maski, czapki, zabawki, pocztówki, panele, kwiaty, figurki i wiele innych.
Rodzaje:
- Cięcie sylwetki to technika cięcia, w której obiekty o asymetrycznej strukturze, o zakrzywionych konturach (ryby, ptaki, zwierzęta itp.), o skomplikowanych zarysach postaci i płynnych przejściach z jednej części do drugiej, wycinane są na oko. Sylwetki są łatwo rozpoznawalne i wyraziste, powinny być pozbawione drobnych szczegółów i jakby w ruchu. Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1416
- Cięcie jest symetryczne. Przy cięciu symetrycznym powtarzamy kontury obrazu, który musi dokładnie pasować do płaszczyzny złożonej na pół kartki papieru, konsekwentnie komplikując zarys figury, aby poprawnie oddać cechy zewnętrzne obiektów w stylizowanej formie aplikacje.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/466
- Vytynanka - sztuka wycinania ażurowych wzorów z papieru kolorowego, białego lub czarnego istnieje od wynalezienia papieru w Chinach. I ten rodzaj cięcia stał się znany jako jianzhi. Sztuka ta rozprzestrzeniła się na cały świat: Chiny, Japonia, Wietnam, Meksyk, Dania, Finlandia, Niemcy, Ukraina, Litwa i wiele innych krajów.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/563
- Rzeźba (patrz poniżej).

6. Rzeźbienie (od angielskiego carvу - ciąć, rzeźbić, grawerować, kroić; rzeźba - rzeźba, rzeźbiona praca, rzeźbiony ornament, rzeźbiona figura) w gotowaniu jest najprostszą formą rzeźby lub grawerowania na powierzchni produktów z warzyw i owoców, takie krótkotrwałe dekoracje stołu.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1339

10. Układ to kopia obiektu ze zmianą wielkości (zwykle zmniejszoną), wykonaną z zachowaniem proporcji. Układ musi także oddawać główne cechy obiektu.
Do stworzenia tego wyjątkowego dzieła można wykorzystać różne materiały, wszystko zależy od jego przeznaczenia funkcjonalnego (układ wystawy, prezent, prezentacja itp.). Może to być papier, tektura, sklejka, klocki drewniane, elementy gipsowe i gliniane, drut.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1397
Typ układu - model - to układ roboczy, który oddaje (imituje) wszelkie istotne cechy oryginału. Ponadto uwaga skupiona jest na określonych aspektach modelowanego obiektu lub w równym stopniu na jego szczegółach. Model przeznaczony jest np. do wizualnego nauczania matematyki, fizyki, chemii i innych przedmiotów szkolnych, dla klubu morskiego lub lotniczego. Do modelowania wykorzystuje się różnorodne materiały: balony, masę lekką i plastyczną, wosk, glinę, gips, papier-mache, masę solną, papier, piankę, gumę piankową, zapałki, nici dziewiarskie, tkaniny...
Modelowanie to stworzenie modelu rzetelnie zbliżonego do oryginału.
„Modele” to obowiązujące układy. Oraz modele, które nie działają, tj. „nić” – zwykle nazywana układem.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1353

13. Tkactwo – produkcja tkanin i tekstyliów z przędzy.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/1318

14. Filcowanie (lub filcowanie lub filcowanie) – filcowanie wełny. Jest „mokro” i „sucho”.
Przykłady: http://stranamasterov.ru/taxonomy/term/736

Podsumowując, należy zauważyć, że podział (połączenie według dowolnego kryterium) większości technik jest warunkowy (subiektywny), a wiele technik twórczości stosowanej ma charakter multitechnik, tj. łączą w sobie kilka rodzajów technik.

Miłej kreatywności wszystkim!
Twoja Margarita.