Wiadomo, że fotografie martwej natury są dość powszechne. Często wielu fotografów lubi przedstawiać swoje martwe natury w czerni i bieli. Aby to zrobić, musisz znajdować przedmioty, porównywać przedmioty codziennego użytku w swoim otoczeniu, a także zwiększać różnicę w teksturach i tonach. Konwersja do czerni i bieli daje wiele opcji podczas przeglądania samego zdjęcia.
Czarno-biała martwa natura pozwala skupić się na liniach fotografii, fakturach i formach. W tym przypadku znacznie łatwiej jest skupić się na tych elementach, ponieważ nie trzeba rozpraszać się kolorami. Dobre wykorzystanie tej techniki pozwoli nie tylko uzyskać bardziej obiektywny obraz pod względem jego integralności, ale także zwiększyć napięcie między różnymi przedmiotami i materiałami. Takie kombinacje można znaleźć wszędzie np. w parku, na plaży itp. Możesz robić zdjęcia dowolnych obiektów. Ponadto można fotografować obiekty w parach lub w większej liczbie. Należy zauważyć, że nie zaleca się stosowania tych samych metod konwersji zdjęcia na czarno-białe.
Aby stworzyć czarno-białą martwą naturę, musisz mieć:
Na naszych zajęciach malarskich szczególną uwagę zwracamy na martwe natury, wykonane w technika malowania dekoracyjnego.
Malarstwo dekoracyjne to temat różnorodny i obszerny. W opracowanej przez naszych nauczycieli serii lekcji na temat nauki technik zdobniczych w pracy z farbami. Na przykład przygotowano specjalne martwe natury, na których można wyraźnie pokazać różne techniki i cechy stylu dekoracyjnego.
Celem zadania jest dekoracyjna martwa natura.
- Naucz się przedstawiać przedmioty za pomocą malarstwa dekoracyjnego.
- Opanuj umiejętności przekształcania, dzielenia i układania kwiatów w kształt.
- Wypróbuj różne techniki malowania dekoracyjnego.
Panuje powszechne przekonanie, że dekoracyjne style malarskie nie pasują do programu akademickiego i są sprzeczne z podstawowymi zasadami obrazowania. W rzeczywistości jest to głębokie nieporozumienie. Wszystkie metody i zasady stylu dekoracyjnego wypływają bezpośrednio z programu akademickiego i są jego dalszym rozwojem i nieustanną ewolucją całej sztuki akademickiej.
Na pierwszy rzut oka uproszczone modelowanie i brak realistycznego obrazu mogą przedstawiać obraz błędny. Dekoracyjne wykonanie pracy stawia wiele innych, bardziej skomplikowanych zadań.
Malarstwo dekoracyjne to głębokie studium barwy lokalnej, komponowanie plam barwnych, poszukiwanie wyrazistych akcentów i efektownych rozwiązań przestrzennych.
Artysta ma obowiązek przekazać obraz, wrażenie rzeczywistego modela tak wyraźnie, jak to możliwe, przy użyciu minimum środków. Konieczne jest pokazanie objętości przedmiotu, materiału, tekstury, bez uciekania się do klasycznego modelowania. Wzrasta znaczenie analizy kształtu obiektu, konieczne jest wybranie i zamodelowanie stylizowanego obrazu, który przenosi obiekt z realistycznego obrazu na płaszczyznę kolorów.
W malarstwie dekoracyjnym linia nabiera większego znaczenia, która staje się pełnoprawnym uczestnikiem obrazu i wraz z kolorem i tonem uczestniczy w tworzeniu ogólnej kompozycji. Zmiana grubości i wyrazistości linii wyraźniej podkreśla objętość i plastyczność obiektu.
Również duża różnorodność może przynieść zmianę kształtu i częstotliwości nakładania pociągnięć, co natychmiast zamienia powierzchnię płótna w dekoracyjny panel lub mozaikę.
Na pierwszym etapie zapoznania się z możliwościami malowania dekoracyjnego zalecamy malowanie serii martwych natur, ponieważ w martwej naturze można wybierać kombinacje przedmiotów i tkanin, aby żywo zademonstrować techniki stylu dekoracyjnego.
Rodzaje dekoracyjnej martwej natury.
Istnieje kilka powszechnych technik, które sprawdziły się w praktyce iw procesie uczenia się. Nazwy są wybierane warunkowo, ponieważ we współczesnym malarstwie nie ma jasnej, międzynarodowej klasyfikacji stylów i jednolitych nazw.
Malowanie ze skrawków. Wszystkie kombinacje kolorystyczne w tej technologii są przedstawiane jako oddzielne segmenty, podkreślające strukturę przedmiotów i pokazujące ich najbardziej wyraziste właściwości. Często używane są czyste kolory i planarne mapowanie przestrzeni.
Malowanie z wyraźnie zaznaczonym konturem. Aby uwydatnić relacje formy i kolorów stosuje się tak zwaną „metodę witrażową”, gdy wszystkie obiekty i punkty załamania formy są obrysowywane czarnymi lub ciemnymi liniami, tworząc wyraźne kontury i granice między kolorami. Prace wykonane w tej technice są bardzo efektowne i jasne.
Inne techniki zdobnicze opierają się na kombinacjach czystych kolorów, różnego rodzaju zmianach pociągnięć, użyciu szpachelki, szerokich pędzli i innych narzędzi. Format artykułu nie pozwala na opisanie każdej techniki i sposobu nakładania farby. Możesz dowiedzieć się więcej odwiedzając nasze zajęcia.
Słowo „martwa natura” pochodzi od francuskiego wyrażenia „nature morte” i oznacza umartwioną lub martwą naturę. Ale wydaje mi się, że istotę tej formy sztuki lepiej oddaje angielskie wyrażenie „martwa natura” – „nieruchome, zamrożone życie”. Rzeczywiście, w istocie martwa natura to nic innego jak uchwycony kawałek życia.
Zbierając materiał do tego artykułu, napotkałem pewne trudności. Na pierwszy rzut oka fotografowanie martwej natury jest łatwe. Postaw filiżankę na stole, dodasz do niej kilka detali, ustaw światło i zatrzaśnij migawkę dla siebie. Modele fotograficzne są zawsze pod ręką, nieograniczony czas na fotografowanie. Wygodny i minimalny koszt. Właśnie dlatego początkujący fotografowie tak bardzo kochają ten gatunek. A niektórzy osiągają bardzo ciekawe rezultaty. Przejdź do dowolnej strony fotograficznej, wybierz odpowiednią sekcję i podziwiaj naprawdę szykowne zdjęcia. Ale czas mija i pojawia się wiele pytań: „Dlaczego to strzelać? Kto tego potrzebuje? Co z tego dostanę?” Nie znajdując odpowiedzi na te pytania, wiele osób przestawia się na fotografię ślubną, niemowlęcą lub zwierzęcą, która zapewnia pewien dochód. Martwa natura nie cieszy się szczególnym szacunkiem wśród mistrzów fotografii. To nie jest dochodowy biznes. Jeśli cokolwiek może przynieść, to tylko satysfakcja estetyczna. I od czasu do czasu fotografują martwe natury, by tak rzec, żeby doskonalić swoje umiejętności.
Ale jest kilku, którzy widzą w martwej naturze coś więcej niż tylko piękny obraz. Tym mistrzom martwej natury dedykuję swój artykuł.
Przyznam, że na początku chciałem dokonać wyboru prac fotografów, których lubię i którzy słusznie zajmują pierwsze miejsca w rankingach na różnych portalach fotograficznych. A potem pojawiło się pytanie: „dlaczego?” Każdy wie, jak korzystać z Internetu, większość z nich nie raz studiowała strony ze zdjęciami, zna najlepsze prace, a informacje o interesującym ich fotografie zawsze można znaleźć za pomocą wyszukiwarki. Postanowiłem opowiedzieć Wam o Fotografach Specjalnych – tych, których praca wywraca do góry nogami uznane kanony, którzy naprawdę wnieśli coś nowego do fotografii martwej natury, którym udało się dostrzec coś niezwykłego w zwykłych rzeczach. Ich pracę można traktować na różne sposoby: podziwiać lub odwrotnie, nie akceptować. Ale zdecydowanie ich praca nie może pozostawić nikogo obojętnym.
1. Cara Barer
Kara Barer (1956), fotografka z USA, wybrała do sfotografowania jeden temat - książkę. Przekształcając go, tworzy niesamowite rzeźby książkowe, które fotografuje. Możesz oglądać jej zdjęcia bez końca. W końcu każda taka rzeźba książkowa ma pewne znaczenie i jest niejednoznaczna.
2. Guido Mocafico
Szwajcarski fotograf Guido Mocafico (1962) w swojej pracy nie ogranicza się do jednego tematu. Interesuje się różnymi rzeczami.
Ale nawet biorąc jeden przedmiot, dostaje niesamowitą pracę. Jego seria „Ruch” jest znana. Wydaje się, że mechanizmy zegarowe są po prostu wzięte, ale każdy, jeśli przyjrzysz się uważnie, ma swój własny charakter.
W martwych naturach, jak wiadomo, usuwa się „przyrodę nieożywioną”. W swojej serii „Węże” Guido Mocafico złamał tę zasadę i wziął żywą istotę jako temat martwej natury. Zwinięte węże tworzą niesamowity, jasny i niepowtarzalny obraz.
Ale fotograf tworzy także tradycyjne martwe natury, fotografując je w stylu holenderskim i używając jako rekwizytów naprawdę "nieożywionych przedmiotów".
3. Carl Kleiner
Szwedzki fotograf Karl Kleiner (1983) wykorzystuje najzwyklejsze przedmioty do swoich martwych natur, komponując je w dziwaczne obrazy. Fotografie Karla Kleinera są kolorowe, graficzne i eksperymentalne. Jego wyobraźnia jest nieograniczona, używa zupełnie innych materiałów, od papieru po jajka. Wszystko, jak mówią, idzie do pracy.
4. Karol Grogg
Martwe natury amerykańskiego Charlesa Grogga wykonane są w czerni i bieli. Fotograf do fotografowania wykorzystuje również zwykłe artykuły gospodarstwa domowego, które są dostępne w każdym domu. Ale eksperymentując z ich aranżacją i łącząc je w nietypowe kombinacje, fotograf tworzy naprawdę fantastyczne zdjęcia.
5. Chema Madoz
Jestem pewien, że twórczość Chema Madoza (1958), fotografa z Hiszpanii, jest znana wielu. Jego czarno-białe martwe natury, wykonane w surrealistycznym stylu, nie pozostawiają nikogo obojętnym. Niepowtarzalny pogląd fotografa na zwykłe rzeczy jest godny podziwu. Prace Madozy są pełne nie tylko humoru, ale i głębokiego sensu filozoficznego.
Sam fotograf mówi, że jego zdjęcia powstają bez jakiejkolwiek obróbki cyfrowej.
6. Martin Klimas
W pracach Martina Klimasa (1971), fotografa z Niemiec, również nie ma photoshopa. Tylko krótki, a raczej superkrótki czas otwarcia migawki. Jego specjalnie opracowana technika pozwala uchwycić wyjątkowy moment, którego ludzkie oko nawet nie widzi. Martin Klimas fotografuje swoje martwe natury w całkowitej ciemności. Za pomocą specjalnego urządzenia, w momencie rozbicia przedmiotu, na ułamek sekundy włączany jest błysk. A kamera rejestruje Cud. Tutaj masz tylko wazon z kwiatami!
7. Jan Czerwiński
Amerykanin John Chervinsky (1961) – naukowiec zajmujący się fizyką stosowaną. A jego martwe natury to mieszanka nauki i sztuki. Tutaj nie zrozumiesz: albo martwej natury, albo podręcznika fizyki. Tworząc swoje martwe natury, John Chervinsky posługuje się prawami fizyki, uzyskując niezwykle interesujący wynik.
8. Daniel Gordon
Daniel Gordon (1980), amerykański fotograf, nie zajmujący się problematyką naukową. Fotografując martwe natury wybrał inną drogę. Drukuje na drukarce kolorowe zdjęcia ściągnięte z Internetu, zgniata te kartki, a następnie zawija w nie różne przedmioty. Okazuje się, że coś w rodzaju papierowych rzeźb. Jasny, piękny, oryginalny.
9. Andrew B. Myers
Martwych natur Andrew Myersa (1987), fotografa z Kanady, nie można pomylić z żadnymi innymi - zawsze są rozpoznawalne. Proste delikatne, spokojne tło, dużo pustej przestrzeni, co stwarza wrażenie pełni obrazu światłem i powietrzem. Najczęściej do tworzenia martwych natur wykorzystuje przedmioty z lat 70. i 80. Jego prace są graficzne, stylowe i wywołują pewną nostalgię.
10. Regina DeLuiseRegina DeLuise
Regina DeLuise (1959), fotografka z USA, nie używa lustrzanek do tworzenia swoich prac. Wybrała inny sposób - drukuje negatywy z filmu na specjalnym szmacianym papierze. Jej poetyckie obrazy zawierają szeroką gamę tonów i wiele faktur. Martwe natury są bardzo delikatne i poetyckie. Niesamowita gra światła i cienia.
11. Bohchang Koo
Bohchang Koo (1953), południowokoreański fotograf, preferuje biel. Stworzone przez niego martwe natury – biel na białym – są po prostu niesamowite. Są nie tylko piękne, ale także niosą ze sobą pewne znaczenie - zachowanie starożytnej kultury koreańskiej. W końcu fotograf specjalnie podróżuje po świecie, szukając w muzeach obiektów dziedzictwa kulturowego swojego kraju.
12. Chen Wei
Z kolei Chen Wei (1980), chińska fotografka, znajduje inspirację do swoich prac blisko domu. W dziwnych przestrzeniach, scenach i przedmiotach wykorzystuje rekwizyty wyrzucane na wysypiska śmieci przez innych.
13. Alejandra Laviada
Alejandra Laviada, fotografka z Meksyku, wykorzystuje do swoich zdjęć zrujnowane i opuszczone budynki, tworząc martwe natury ze znalezionych tam przedmiotów. Jej martwe natury opowiadają prawdziwe historie o ludziach, którzy mieszkali w tych budynkach i używali rzeczy pozostawionych jako niepotrzebne.
Uczniowie wykonują dekoracyjne martwe natury w szkole artystycznej według następującej metodyki:
1. Układ obiektów w arkuszu.
2. Transformacja (stylizacja formy).
3. Nakładanie lub splatanie sylwetek ze sobą.
4. Wypełnianie sylwetek rozwiązaniami fakturalno-dekoracyjnymi.
Jak wiecie, martwa natura to produkcja przedmiotów nieożywionych. W malarstwie sztalugowym martwe natury maluje się tradycyjnie: rzeźbią objętość przedmiotów, przekazują światłocienie, perspektywę liniową i powietrzną, przestrzeń ... W dekoracyjnej martwej naturze staje się to nieistotne. Forma przedstawionych obiektów staje się płaska i warunkowa. Światłocień jest nieobecny. Zamiast tego każda sylwetka jest ozdobiona.
Na transformacji formy musisz zatrzymać się osobno. Jego istota polega na przekształceniu pierwotnej formy przedmiotu w formę warunkową. Oznacza to, że rysunek jest uproszczony, pozbawiony zbędnych szczegółów. Forma jest zredukowana do warunkowo geometrycznej, to znaczy opiera się na prostych kształtach geometrycznych (koło, prostokąt, trójkąt ...). Na przykład dzbanek może składać się z koła i cylindra, a góra i dół mogą być uzupełnione okręgami lub elipsami. Pozostaje więc tylko charakter obiektu. Musi być rozpoznawalny. A kontury zostaną już przekształcone i doprowadzone do wspólnego stylu.
Nakładające się lub oplatające sylwetki to technika w sztuce dekoracyjnej i projektowaniu. Nałożenie na siebie sylwetek jest z definicji zrozumiałe - wtedy obiekty przesłaniają się nawzajem, a obraz staje się jakby wielowarstwowy. Ale tkactwo jest bardziej skomplikowane. Na przykład, gdy część słoika jest zasłonięta jabłkiem, to przecinające się części dzbanka i jabłka artysta może pokazać w zupełnie innym kolorze. Obiekty stają się jakby „przezroczyste”, a ich przecinające się części są widoczne dla widza. Sylwetki przedmiotów przeplatają się w tak misterny sposób, że w końcu czasem trudno je rozróżnić. A to nadaje pracom dekoracyjnym szczególny urok.
Wypełnianie konturów obiektów teksturą- nie jest szczególnie trudne. Możesz natryskiwać farbę, możesz nakładać farbę chaotycznymi pociągnięciami itp. Ale wypełnienie sylwetki dekoracyjnym rozwiązaniem jest trudniejsze. Artysta wymyśla rodzaj „ornamentu”, choć to słowo nie do końca pasuje. Tym „ozdobnikiem” wypełnia sylwetkę. Ten „ornament” jest tworzony na bazie generatrix. Linia formująca to linia, która tworzy zarys obiektu. Na przykład kontur greckiej amfory będzie wdzięcznie zakrzywiony. Dlatego też dekoracja wnętrza sylwetki będzie w podobny sposób oparta na zakrzywionych liniach. Oddzielne części takiej dekoracji przedmiotów, a także same przedmioty, można splatać. Również między nimi możesz pominąć dosłowną ozdobę. Dlatego taka dekoracja to nie tylko wypełnianie sylwetek samą fakturą lub kolorystyką. To jest bardziej złożony proces. Ale także bardziej spektakularny, na którym opiera się esencja dekoracyjnej martwej natury.
Jak każdy inny gatunek fotografii, martwa natura jest niemożliwa bez kompozycji. Co więcej, martwa natura to właśnie ten gatunek, w którym kompozycja odgrywa pierwszoplanową rolę i wymaga od fotografa największej uwagi. Przecież reportażową ramę można wiele wybaczyć, jeśli autorowi udało się uchwycić naprawdę dobry moment. I zdjęcia domowe - czy zauważyłeś, jak wzrusza się matki, gdy widzą swoje dziecko na zdjęciu, choć przeciętnym? Jest mało prawdopodobne, abyśmy na ten sam pobłażliwość ze strony publiczności poczekali, fotografując pomarańczę z butelką. Aby uzyskać pozytywny efekt, musisz spróbować. I oczywiście powinieneś zacząć od kompozycji zamierzonej ramki.
Relatywnie rzecz biorąc, kompozycja w martwej naturze jest harmonijnym połączeniem i interakcją obiektów w kadrze. Poprzez kompozycję możesz konsekwentnie pokazać widzowi wszystko, czego chcesz, stworzyć nastrój, przekazać ideę, a nawet opowiedzieć historię.
Kompozycję w martwej naturze można warunkowo podzielić na kilka typów:
- geometryczny
- przestrzenny
- kolor
kompozycja geometryczna
Nie jest tajemnicą, że wszystkie przedmioty mają kształt geometryczny (lub zbliżony do geometrycznego). Nie jest też tajemnicą, że często człowiek kojarzy każdą postać z czymś charakterystycznym dla niej. Na przykład rogi są podświadomie kojarzone ze wskaźnikami. Kiedy patrzysz na kwadrat lub prostokąt przez dłuższy czas, pojawia się uczucie stabilności (być może dlatego, że nasza podświadomość rysuje stabilny budynek). A koło tworzy uczucie komfortu i koi. Warto pamiętać, że linie poziome (osoba leżąca) są znacznie spokojniejsze niż linie pionowe (osoba stojąca). Jeśli chodzi o przekątne, to linie wznoszące – prowadzące od lewego dolnego rogu do prawego górnego – wyglądają intensywniej niż te opadające: nadal czytamy od lewej do prawej, a nasze oczy muszą „wspinać się” po obrazie, aby dostać się do bardzo wysoko. Ale kryje się w tym poczucie zwycięstwa, prawda?! Zstępujące linie, idące od lewego górnego rogu do prawego dolnego, wręcz przeciwnie, tradycyjnie kojarzą się z relaksem, smutkiem, a nawet spadkiem.
 |
 |
Wszystkie te małe sztuczki można i należy wykorzystać do własnych celów - aby przekazać koncepcję, ideę obrazu.
Przydział miejsca
Jeśli istnieje potrzeba wyeksponowania jakiegoś obiektu w martwej naturze, przypisując mu rolę bohatera, tutaj również można pobawić się kompozycją przestrzenną. Na przykład umieść główny obiekt na pierwszym planie, przed wszystkimi innymi. Lub dostosuj światło tak, aby wiodący element był oświetlony najjaśniej, a obiekty znajdujące się za nim i przed nim świeciły słabiej. I możesz to zrobić mądrzej - zapal kadzidełko lub wypuść dym papierosowy, rysując w ten sposób perspektywę powietrzną w kadrze: główna uwaga skupi się na obiektach z przodu, ponieważ te odległe utopią się w romantycznej mgiełce.
Możesz także pobawić się technicznymi aspektami aparatu: jeśli chcesz szczegółowo pokazać każdy obiekt, w tym tło lub zasłony, fotografowanie należy wykonywać przy zamkniętej przysłonie. Ale jeśli ważne jest, aby podświetlić dowolny obiekt, apertura powinna być maksymalnie otwarta. Nie należy też ignorować możliwości optyki: w kadrach robionych obiektywami szerokokątnymi obiekty są mocno zniekształcone, a im bliżej aparatu znajduje się obiekt, tym większy będzie się wydawał w stosunku do odległych. I odwrotnie, dłuższe ogniskowe „zbierają” perspektywę, przestrzeń staje się znacznie bardziej płaska.
Kompozycja kolorystyczna
Jeśli fotografia jest wykonywana w trybie czarno-białym, wiedza o właściwościach naświetlania barw nie będzie dla nas przydatna. Ale jeśli praca fotograficzna jest planowana w kolorze, ten obszar badań nie powinien być ignorowany. Zwracając nasz wzrok na psychologię koloru, zobaczymy, że każdy z kolorów ma, oprócz swojego oryginalnego koloru, swój własny ładunek semantyczny. Ciepłe kolory (pomarańczowy, żółty, czerwony, terakota) przywodzą na myśl lato, słońce, ciepło. To pierwsze skojarzenie, które nasuwa się patrząc na fotografię rozwiązaną w tych tonach. Ponadto w trakcie malowania można dowiedzieć się, że takie obiekty wydają się wizualnie bliższe. Czego nie można powiedzieć o barwach zimnych: niebieski, zielony, różowy, fioletowy – kolory te nieco oddalają obiekt od widza, a kojarzą się zwykle z zimą, zimnem, wodą.
Należy pamiętać o kontraście, czasem można na nim pobawić się, ale często nieprzemyślane zestawienia kolorystyczne odpychają lub zniekształcają sens całej produkcji. Jeśli zdecydujesz się sfotografować ogórka na pomarańczowym tle, zastanów się, czy tło zwróci na siebie uwagę. I czy to naprawdę chciałeś osiągnąć? Trzeba też pamiętać, że każdy obiekt ma zdolność odbijania lub pochłaniania odcieni kolorów pobliskich obiektów, a nawet dwa obiekty tego samego koloru na tym samym tle mogą wyglądać inaczej właśnie ze względu na różnicę w ich fakturach.
Na widza oddziałuje też nasycenie kolorów: kompozycje w delikatnych pastelowych barwach stworzą poczucie spokoju i nostalgii, a jaskrawe, krzykliwe kolory nadają się do przyciągania uwagi, wyrażania ekspresji, asertywności. Dlatego też fotografowie reklamowi tak uwielbiają jasne kolory, a fotografia artystyczna często skłania się ku stonowanej, spokojnej tonacji.
Oczywiście każda kompozycja jako całość musi być zgodna z ogólnym kolorem, prawem wewnątrz obrazu - w przeciwnym razie się rozpadnie. Dlatego należy uważać na kontrasty kolorystyczne, mogą one mieć poważny wpływ – zarówno na uatrakcyjnienie pracy, jak i na jej zniszczenie poprzez umieszczenie niepotrzebnych akcentów.
Czarny i biały
Mimo braku koloru, czarno-biała martwa natura ma swoje prawa, a kontrast również odgrywa tu ważną rolę. Sam kolor w tym przypadku zostaje zastąpiony tonem - inna gra, ale ma też zasady!
Na pewno zauważyłeś, że kobiety z nadwagą bardzo rzadko noszą białe ubrania. Faktem jest, że biały kolor wydaje się być bardziej obszerny niż czarny. Na czarno-białej fotografii oko najpierw wyłapuje najjaśniejsze miejsca, a dopiero potem przenosi się do ciemnych. Na tym efekcie opiera się wiele wizualnych sztuczek: jeśli spojrzysz na arkusz z równym czarno-białym paskiem, z pewnością będzie się wydawać, że białe paski są szersze. Należy zawsze wziąć pod uwagę tę zasadę podczas inscenizacji kompozycji, a także wziąć pod uwagę, że jasny biały obiekt, czy to na pierwszym planie, czy w tle, z pewnością będzie wydawał się głównym w tej kompozycji, a oko spadnie przede wszystkim na to.
kontrasty
Jak już wspomniano, szczególną rolę odgrywają kontrasty. Znajdując się w tej samej kompozycji na obrazie, mogą zarówno podświetlać obiekty, jak i odwrotnie, ukrywać je. Praca, zbudowana na ledwo zauważalnych fluktuacjach światła i cienia bez punktów skupiających uwagę widza, wydaje się monotonna, monotonna, bez wyrazu. Ostre kontrasty tworzą napięcie, dynamikę.
Zasada trójpodziału
Oczywiście mówiąc o kompozycji nie można nie wspomnieć o zasadzie trójpodziału. Rysując w umyśle cztery linie przechodzące przez ramę – dwie dzielące ją na trzy równe części poziomo i dwie narysowane pionowo – możesz obliczyć najbardziej efektywne obszary ramy: znajdują się one w punktach przecięcia czterech linii ze sobą. W tych strefach najlepiej umieścić główny obiekt kompozycji.
W rzeczywistości zasada trójpodziału jest uproszczoną zasadą złotego podziału, która będzie nieco trudniejsza do uzyskania. Aby to zrobić, rama musi zostać podzielona na osiem części poziomo i pionowo. A następnie narysuj od prawej i lewej strony, a także od dołu i od góry linie w odległości 3/8. Na przecięciu tych linii będą punkty złotego odcinka. Ale podział na trzy części jest znacznie wygodniejszy niż na osiem części, dlatego jest częściej stosowany w kompozycji: różnica nie jest tak zauważalna dla widza, a harmonia w kadrze, podlegająca którejkolwiek z tych zasad, jest oczywiste.
Rytm
 |
 |
Rytm, czyli powtarzanie tych samych lub podobnych linii, to bardzo potężne narzędzie kompozycyjne, które pozwala manipulować wzrokiem widza. Na „ścieżce” naprzemiennych obiektów można zajść bardzo daleko. Ale nie przesadzaj – rytm potrafi zabić całą kompozycję, pozbawiając ją dynamiki i czyniąc ją monotonną.
Komunikacja wewnętrzna
Tworząc produkcję do fotografii, należy zadbać o to, aby istniało połączenie między obiektami w kadrze. Przedmioty można łączyć kształtem (jajko i cebula), kolorem (pomidor i czerwona papryka), znaczeniem (pałeczki jabłka i cynamonu). Przedmioty muszą koniecznie komunikować się, urzekać widza, przenosząc jego wzrok z jednego obiektu w martwej naturze na inny. Takie podejście zapewnia integralność kompozycji, czyni ją interesującą, zrozumiałą i jednocześnie tajemniczą - wcale nie jest konieczne ujawnianie wszystkich wewnętrznych połączeń na raz, najciekawsze może być ukryte wewnątrz kompozycji lub ukryte przed widzem krótki czas, na przykład ze światłem.
O kompozycji można mówić bez końca, ale najważniejszą rzeczą, na której zbudowana jest martwa natura (jak zresztą fotografia w każdym innym gatunku), jest idea, fabuła i dusza obrazu. A kompozycja jest tym samym narzędziem w rękach fotografa, co sam aparat. Pamiętaj, co chcesz przekazać widzowi! I wykorzystaj wszystkie dostępne techniki kompozytorskie do własnych celów.
