Historia tańca dla dzieci. Tańce ludów prymitywnych. Historia powstania i rozwoju tańca. Taniec szablowy

Rozmowa dla młodszych uczniów

„Historia powstania i rozwoju tańca”

(w ramach rozwoju estetycznego)

Kochani, czy kiedykolwiek zadaliście sobie pytanie: „Co to jest taniec?”, gdy zobaczyliście na scenie lub w telewizji występ baletowy, piękny taniec ludowy lub popowy. „Skąd jego początki? Jak opanować tę sztukę? Dziś poznacie historię powstania i rozwoju sztuki tańca.

Już w najdawniejszych czasach taniec był jednym z pierwszych języków, w których ludzie mogli wyrażać swoje uczucia.

Czy wiesz, że pierwsze tańce w starożytności były dalekie od tego, co nazywa się tym słowem dzisiaj? Starożytny człowiek różnymi ruchami i gestami przekazywał swoje wrażenia z otaczającego go świata, oddając w nie swój nastrój, swój stan umysłu. Krzyki, śpiewy, zabawy pantomimiczne splatały się z tańcem. Czynności te miały znaczenie rytualne. IPierwsze tańce miały charakter rytualny i ceremonialny.

Taniec od zawsze był ściśle związany z życiem i codziennością człowieka. Dlatego każdy taniec odpowiada charakterowi, duchowi ludzi, z których powstał. Wraz ze zmianą ustroju społecznego i warunków życia zmienił się charakter i tematyka sztuki, zmienił się także taniec.

Tańce ekspresyjne miały ogromne znaczenie zarówno w życiu codziennym, jak i publicznym. Bardzo często rozpoczynały się uroczystości, którym towarzyszyły tańce. Wraz z rozwojem społeczeństwa rozwinęły się także tańce i pojawiły się różne ich formy: już u starożytnych Greków tańce można było podzielić na sakralne (ceremonialne, rytualne), militarne, sceniczne i towarzyskie. Inne ludy miały tańce o mniej więcej tym samym charakterze.

Na Rusi początki różnych tańców sięgają czasów starożytnych. Najstarszym rosyjskim tańcem ludowym był taniec okrągły - jest to taniec masowy, jego konstrukcja - proste koło, uosabiające ruch Słońca wokół Ziemi. Później pojawiły się kadryle, lance, szóstki itp.

Ale pierwsze tańce zawodowe, pierwsze balety powstały w średniowiecznej Francji. To tam z czasem wyrosła francuska choreografia z tańców z kołysaniem i tupaniem, skakaniem i podskakiwaniem, zwanych branles (od słowa Branle – taniec kołyszący, kołyszący). Do dziś profesjonalna choreografia zachowuje terminologię w języku francuskim.

W Rosji choreografia powstała w VI wieku. PNE. i przez długi czas istniały różne nauki i metody nauczania, aż ponad sto lat temu baletnica i nauczycielka A.Ya. Vaganova nie stworzyła logicznego, przejrzystego systemu tańca klasycznego. Właśnie w tym systemie od wielu lat uczy się dzieci tańca klasycznego w szkołach, pracowniach i wydziałach baletowych i choreograficznych. Jest to system A.Ya. Vaganova jest podstawą profesjonalnego tańca.

Zapowiedź:

Rozwój metodologiczny

„Cechy nauczania ludowego tańca scenicznego w różnych grupach wiekowych dziecięcej grupy choreograficznej”

Pedagog – choreograf

Chesnokova T.E.

1. Wstęp
2. Znaczenie kultury ludowej i ludowego tańca scenicznego w edukacji estetycznej dzieci.
3. Budowa lekcji ludowego tańca scenicznego w dziecięcym zespole choreograficznym.
4. Charakterystyka wiekowa nauczania ludowego tańca scenicznego.

Sztuka ludowa to cudowna, niewyczerpana skarbnica, z której twórcy tańca czerpali i będą czerpać materiał do swojej twórczości. Tylko kochając, rozumiejąc i poznając sztukę ludową, możesz z niej korzystać i czerpać z niej korzyści.

Taniec jest swego rodzaju kroniką życia ludzi. Przemiany w życiu ludzi znajdują odzwierciedlenie w rozwoju sztuki ludowej. W choreografii pojawiają się nowe motywy, wątki i obrazy. Ostatnio taniec sceniczny zauważalnie wzbogacił się o technikę, stając się bardziej wyrazisty i złożony. Ale tak jak poprzednio, tańce te odzwierciedlają duszę ludzi, podkreślając taki czy inny sposób wykonania.

Jednym ze skarbów sztuki ludowej jest taniec ludowy.

A ponieważ mówimy tutaj o dziecięcym zespole folklorystycznym, należy zauważyć, że taniec ludowy jest jednym z najważniejszych środków edukacji estetycznej dzieci.

Praca z dziećmi to codzienne, godzinowe, rok po roku przekazywanie dziecku duchowych doświadczeń życiowych, kształtowanie jego osobowości, rozwijanej kompleksowo i harmonijnie.

Jedno z ogniw procesu edukacyjnego jako całości można uznać za lekcję.ludowy taniec sceniczny,w którym edukacja i szkolenie są nierozłączne.

Progresywna praktyka nauczania podkreśla główne kierunki procesu edukacyjnego: „trzeba uczyć się łatwo, przyjemnie, dokładnie”, „trzeba uczyć w sposób przystępny i trwały”.

Na tej podstawie możemy wyróżnić podstawowe zasady procesu uczenia się, które należy zastosować przy konstruowaniu lekcji tańca ludowego:

1. Od prostych do złożonych;
2. Dostępność.

Na przykład, studiując element tańca ukraińskiego - ruch „biegacza”, najpierw uczymy się tego ruchu w kole w jego „czystej formie”, dopiero potem można go wykonywać w połączeniu z innymi ruchami: różnymi zwrotami, pozycjami rąk , a następnie w bardziej złożonych kombinacjach.

Nowy materiał najlepiej jest wyjaśniać prosto, jasno i w kilku słowach.

Podstawą lekcji tańca scenicznego ludowego jest konstrukcja lekcji tańca klasycznego, która obejmuje ćwiczenia przy drążku i na środku.

Biorąc pod uwagę ogólną specyfikę tańca ludowego, lekcja ma nieco inną strukturę, a raczej drugą połowę lekcji. Jeśli w tańcu klasycznym „środkiem” jest adagio i allegro, to w ludowym tańcu scenicznym jest to nauka indywidualnych kombinacji tanecznych i etiud. Kolejność ćwiczeń na maszynie ustalana jest zgodnie z zasadą ruchów naprzemiennych trenujących różne grupy mięśni.

W gotowej formie lekcja tańca ludowego może wyglądać następująco:

1) demi i grand plie.

2) Przesuwanie stopy po podłodze (battement tendu)

3) Ćwiczenia pięty angażujące piętę

Noga podporowa.

4) Małe rzuty (battement tendu jete)

5) Ćwicz ze zrelaksowaną stopą (flic-flac)

6) Przygotowanie do „liny”

7) Niskie i wysokie skręty kolan (battement fondu)

8) Stukanie ułamkowe

9) Ruchy obrotowe nogi (rond de jambe)

10) Rozwarcie nóg 90 stopni (devoloppe)

11) Zygzaki

12) Duże rzuty nogą roboczą pod kątem 90 stopni (wielki

Battement tendu jete)

13) Ćwiczenia twarzą w twarz z maszyną

14) Skoki

15) Przysiady

Ćwicz na środku:

1. Obroty
2. Nauka indywidualnych kombinacji i ruchów tanecznych
3. Szkice

Ale lekcję można zbudować w tej formie tylko podczas pracy z osobą dorosłą.

zespół, ponieważ ciało dziecka nie wytrzyma takiego obciążenia.

Z powyższej lekcji tańca ludowego należy wybrać tylko te znane elementy lekcji, które dziecko może wykonać i pomóc rozwinąć stabilność, koordynację, muzykalność, zachowując jednocześnie ogólną strukturę lekcji.

Dzieci w różnym wieku znacznie różnią się od siebie stopniem rozwoju psychicznego, moralnego i fizycznego. Biorąc pod uwagę specyfikę wieku, mocne strony i możliwości dzieci, nauczyciel-choreograf musi zbudować lekcję tańca scenicznego ludowego, przedstawiając optymalne wymagania dla każdego wieku.

Wiadomo, że cechamłodszy wiekjest jego aktywność emocjonalna, chęć podjęcia konkretnych, stosunkowo krótkotrwałych działań. Oznacza to, że w przypadku młodszych dzieci lekcja może opierać się na elementach gry. W takim przypadku każdy wyjaśniony materiał zostanie lepiej przyswojony, ze względu na cechy psychologiczne młodszych dzieci, to znaczy zdolność do aktywnego, specyficznego działania emocjonalnego. Nie można przez dłuższy czas skupiać uwagi dziecka na ćwiczeniu tych samych elementów. W tym przypadku męczy się fizycznie i jego uwaga błądzi. Dziecko potrzebuje uwolnienia emocjonalnego, zmiany działań, zmiany informacji.

W adolescencjaWażne jest uwzględnienie pragnienia dorosłości, niezależności i wyraźniejszej świadomości swoich działań. Tutaj około 1/3 lekcji poświęcona jest ćwiczeniom przy drążku, po czym można przejść do „środka”. Lekcja nie powinna być monotonna, należy czerpać korzyści z każdej jej części, nawet jeśli jest krótka i interesująca dla dziecka właśnie ze względu na jej nowość. Nauczyciel sam musi zdecydować, jaka będzie konkretna waga każdego ruchu podczas lekcji i określić proporcję części lekcji. Pierwsze, najprostsze ruchy wyprzedzają te bardziej złożone i są niezbędne, aby dziecko później mogło tańczyć poprawnie i pięknie. Na początku nie ma potrzeby zatrzymywania uwagi dziecka przez dłuższy czas na jednym ruchu. Zbyt długie przebywanie przy maszynie może powodować nudę, a nawet utratę zainteresowania zajęciami. Wskazane jest rozpoczęcie od „środka” kilkoma ćwiczeniami wykonanymi na maszynie. Tutaj dużą uwagę przywiązuje się do koordynacji ruchu nóg z ruchami ciała i głowy. Stopniowo zajęcia w „środku” stają się coraz bardziej skomplikowane: ukończone poszczególne części zostaną połączone w małe etiudy.

W grupie dziecięcejstarszyćwiczenia na drążku stają się bardziej złożone technicznie i emocjonalnie. Czas przeznaczony na trening w „środku” stopniowo wzrasta w związku z redukcją ćwiczeń na maszynie. Ćwiczenia, zarówno na drążku, jak i w środku, ulegają modyfikacji, tempo ich wykonywania przyspiesza, a szkice stają się bardziej złożone. Nie należy „dawać” wszystkich nowych elementów na raz, podczas jednej lekcji, należy bardzo ostrożnie dać dzieciom możliwość opanowania niektórych elementów; następnie odłóż na jakiś czas poznany materiał, zastępując go nowym. Poprawność, klarowność i precyzja wykonania elementów tańca ludowego musi wejść do podświadomości dziecka, zapisać się w jego pamięci mięśniowej i stać się swego rodzaju odruchem. Tylko w tym przypadku możesz stworzyć warunki niezbędne do udanej pracy nad różnymi numerami tanecznymi.

Treść muzyczna lekcji jest niezwykle ważna. Dopiero w trakcie kolejnych serii zajęć dzieci przyzwyczajają się do swego rodzaju melodyjnego myślenia. W związku z tym dla osób w średnim i starszym wieku wybierana jest muzyka bardziej zróżnicowana, o bardziej złożonym wzorze rytmicznym i kolorystyce melodycznej. W grupie młodszych dzieci należy wybierać melodie niezwykle jasne, jasne, pomysłowe, szczególnie na początku. Akompaniament muzyczny na lekcjach musi być organicznie powiązany z wykonywanymi ruchami, odpowiadać charakterowi ruchów, stylowi i narodowości oraz musi być wyraźnie spójny z rytmem.

Wszystko razem wzięte kultywuje zarówno kulturę muzyczną, jak i gust dzieci, co ma niemałe znaczenie w przyszłości.

Wybór repertuaru i narodowości, które mają być studiowane, odgrywa również ważną rolę w konstruowaniu lekcji tańca ludowego w grupie dziecięcej, ponieważ nie wszystkie narodowości można przyjąć na naukę w grupie dziecięcej. Na przykład elementy tańca rosyjskiego i białoruskiego w grupie dziecięcejmłodszy wiekprzyswoją się łatwiej niż elementy tańca polskiego i uzbeckiego. W grupie dziecięcejwiek średni i starszyW związku z tym repertuar powinien zostać poszerzony. Można już uczyć się elementów tańca ukraińskiego, tatarskiego, baszkirskiego i innych.

Dzieci są w stanie nauczyć się niesamowitej ilości rzeczy. Aktywnie, zachłannie i z wdzięcznością odpowiadają na słowa nauczyciela.

Wszystko to pozwala nam stwierdzić, że nie tylko do budowy lekcji tańca na scenie ludowej, ale także do całej pracy z dziecięcą grupą taneczną jako całości należy podchodzić z wyczuciem, profesjonalnie i kompetentnie, biorąc pod uwagę wszystkie specyficzne cechy dzieciństwa , z miłością do dzieci i do własnego zawodu.

Literatura

1. Inozemtseva G.V. „Taniec ludowy” - M., 1971

2. Reznikova Z.P. „Tańce narodów świata” - M., 1959

3. Stukolkina N.M. „Cztery ćwiczenia. Lekcje tańca charakterystycznego” –

M., 1972

4. Uralskaya V.I. „Natura tańca” – M., 1981

5. Goleizovsky K.Ya. „Obrazy rosyjskiej choreografii ludowej” - M.,

1964

1. Gusiew G.P. „Metodyka nauczania tańca ludowego” – M., 2004
2. Telegina Los Angeles „Taniec ludowy” – Samara, 2002
3. Gusiew G.P. „Metodyka nauczania tańca ludowego: - Ćwiczenia przy barze” – M., 2003
4. Uralskaya V.I. „Narodziny tańca” – M., 2982

Wyślij swoją dobrą pracę do bazy wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http://www.allbest.ru/

Federalna państwowa budżetowa instytucja edukacyjna wyższej edukacji zawodowej

MOSKWA PAŃSTWOWY UNIWERSYTET KULTURY I SZTUKI

Wydział Działalności Społeczno-Kulturalnej

Departament Działalności Kulturalnej i Rekreacyjnej

PRACA KURSOWA

na temat: historia tańca

w dyscyplinie akademickiej: „Historia i teoria działalności społeczno-kulturalnej”

Moskwa 2013

Wstęp

Sekcja 1 Powstanie tańca: od czasów starożytnych do narodzin baletu

1.1 Przyczyny pojawienia się tańca i jego geneza

1.2 Starożytny Egipt, Chiny, Indie, Grecja, Rzym

1.3 Tańce ludowe w Europie od średniowiecza do renesansu

Sekcja 2 Era baletu za granicą i w Rosji

2.1 Balet na Zachodzie

2.2 Balet rosyjski

Sekcja 3 Kierunki tańca współczesnego

3.1 Taniec jazzowy

3.2 Taniec nowoczesny i jazzowy

3.3 Nowoczesna klasyka za granicą

3.4 Taniec towarzyski

Wniosek

Źródła i literatura

Wstęp

Porozmawiajmy o tańcu. W naszych czasach, epoce elektroniki, szybkiego rytmu, większość nazwałaby tańcem to, co dzieje się w nocnych klubach, gdy ruch zostaje zredukowany do prymitywności. Jednak taniec składa się nie tylko z „dwóch tupnięć i trzech trzasków”. Ma swoją historię, jest jedną z najstarszych obok muzyki form sztuki, może nawet starszą, kwestia jest dyskusyjna. Taniec przeszedł długą drogę zmian, rozpadając się na wiele rozwidleń stylu. Tym bardziej aktualne jest zatem pytanie zadane na samym początku naszej podróży: czym jest taniec?

Taniec– rytmiczne, wyraziste ruchy ciała, zwykle ułożone w określoną kompozycję i wykonywane przy akompaniamencie muzyki. Taniec, jak wspomniano powyżej, jest być może najstarszą ze sztuk: odzwierciedla potrzebę człowieka, sięgającą najdawniejszych czasów, przekazywania innym ludziom poprzez swoje ciało radości lub smutku. Poza tym taniec jest demokratyczny. Zaprasza ciało do rozmowy, daje mu możliwość mówienia. Taniec pomaga rozwijać potencjał twórczy i osobisty, pozbyć się kompleksów, pozbyć się lęku przed wystąpieniami publicznymi, uczy relaksacji.

Taniec powstał z różnorodnych ruchów i gestów związanych z procesami pracy i emocjonalnymi wrażeniami człowieka na temat otaczającego go świata. Ruchy te ulegały stopniowo artystycznemu uogólnieniu, w wyniku czego powstał taniec, jeden z najstarszych przejawów sztuki ludowej. Początkowo kojarzony ze słowem i pieśnią, taniec stopniowo nabrał samodzielnego znaczenia. Tańcami celebrowano niemal wszystkie ważne wydarzenia z życia człowieka pierwotnego: narodziny, śmierć, wojnę, wybór nowego wodza, uzdrowienie chorych. Taniec wyrażał modlitwy o deszcz, o światło słoneczne, o płodność, o ochronę i przebaczenie, był integralną częścią różnych sakramentów i tajemnic, począwszy od społeczeństw prymitywnych po Egipt, Chiny, Grecję. Co dał taniec? Jak to usystematyzowałeś? Powstało „Pa”.

Kroki taneczne (francuskie pas – „krok”) wywodzą się z podstawowych form ruchu człowieka – chodzenia, biegania, skakania, podskakiwania, skakania, ślizgania się, obracania i kołysania. Kombinacje podobnych ruchów stopniowo przekształcały się w tradycyjne kroki taneczne.

Główne cechy tańca to:

Rytm – stosunkowo szybkie lub stosunkowo wolne powtarzanie i zmienianie podstawowych ruchów;

Rysunek to połączenie ruchów w kompozycji; dynamika – zróżnicowanie zakresu i intensywności ruchów;

Technika to stopień kontroli ciała i umiejętności wykonywania podstawowych kroków i pozycji. W wielu tańcach ogromne znaczenie mają także gesty, zwłaszcza ruchy rąk.

Obecnie sztuka choreograficzna obejmuje zarówno tradycyjną sztukę ludową, jak i profesjonalną sztukę sceniczną. Sztuka tańca jest w mniejszym lub większym stopniu obecna w kulturze każdej grupy etnicznej. I zjawisko to nie może być przypadkowe, ma charakter obiektywny, gdyż tradycyjna choreografia ludowa zajmuje pierwszoplanowe miejsce w życiu społecznym społeczeństwa zarówno we wczesnych stadiach rozwoju człowieka, jak i obecnie, gdy pełni jedną z funkcji kultury, jest jedną z wyjątkowych instytucji socjalizacji ludzi, a przede wszystkim dzieci, młodzieży i młodzieży, a także pełni szereg innych funkcji właściwych kulturze jako całości.

historia tańca balet ludowy

1. Pojawienie się tańca: od czasów starożytnych do narodzin baletu

1.1 Przyczyny pojawienia się tańca i jego geneza

Skąd więc wziął się taniec, jak w człowieku rozwinęła się potrzeba ruchu w określonym rytmie? Bardzo interesujący artykuł Konstantina Pietrowicza Czernikowa na temat istnienia tańca i jego powstania opowie wspaniałą historię na ten temat.

W rzeczywistości taniec, jako zjawisko czysto społeczne, reprezentuje całą warstwę, która poprzez swoje metody i techniki odzwierciedla rozwój historyczny, społeczny i kulturowy społeczeństwa ludzkiego. Warstwa ta jest bardzo interesująca i moim zdaniem nie została wystarczająco głęboko „zaorana” przez współczesną naukę. Historycy skupili się bardziej na aspektach gospodarczego i społeczno-politycznego rozwoju społeczeństwa, historycy sztuki dużo więcej uwagi poświęcają architekturze czy malarstwu, a na współczesnych scenach teatralnych, a zwłaszcza popowych, taniec odgrywa daleko od pierwszej roli w porównaniu z wokalem czy ten sam gatunek konwersacji. Skąd taka niechęć? Przecież sztuka choreograficzna jest bodaj najstarszą na świecie, przetrwała tysiące lat, powstała w środowisku człowieka w czasach, gdy cywilizowane społeczeństwo z jego ekonomią i polityką w zasadzie jeszcze nie istniało. Dlaczego taniec, który u zarania dziejów ludzkości, obok kultu i magii, był najważniejszym ze wszystkich rodzajów aktywności umysłowej i społeczno-kulturowej człowieka, teraz zeszedł na dalszy plan? Kiedy i dlaczego to się stało? Postaramy się zrozumieć całą tę różnorodność zagadnień.

Oczywiste jest, że taniec nie jest czymś, bez czego człowiek nie może żyć, jak na przykład bez wody i jedzenia. Człowiek jako gatunek przeszedł długą i bardzo trudną ścieżkę ewolucji, której głównym zadaniem było przetrwanie.

Oznacza to, że jeśli starożytny człowiek spędzał część swojego cennego czasu nie na zdobywaniu pożywienia czy organizowaniu swojego życia, ale na ćwiczeniu tych samych rytmicznych ruchów ciała, to było to dla niego naprawdę bardzo ważne. Co mogło być tak ważne dla naszych odległych przodków? Wielu jest skłonnych wierzyć, że są to ceremonie rytualne. Tak, to logiczne. Z bogami i demonami nie należy żartować. Należy je stale czcić, uspokajać i składać ofiary, ale, jak widzisz, aby czcić i składać ofiary, wcale nie jest konieczne galopowanie, skakanie, wirowanie i wicie się w określonym tempie i rytmie. Wszystko można zrobić o wiele bardziej racjonalnie i przy mniejszym wysiłku, który nadal będzie potrzebny na polowaniu lub podczas wojny z sąsiadami. Najprawdopodobniej przyczyna pojawienia się tańca leży nieco głębiej, niż się powszechnie uważa.

Jeśli wierzyć licznym współczesnym słownikom i encyklopediom, można ogólnie zdefiniować taniec jako formę sztuki, która odzwierciedla zewnętrzne przejawy życia w formie figuratywnej i artystycznej, poprzez ruchy ludzkiego ciała, mimikę i pantomimę. Taniec. Czy nie jest tym, kim widzimy? Tak, to prawda, ale nie do końca. Nie wszystko można wytłumaczyć po prostu reakcją człowieka na otaczający go świat. Czym jest przejaw żywej natury, jeśli nie stale zmieniającym się przejawem tego, co wewnętrzne? Taniec opiera się na działaniu. Ale nie może być działania zewnętrznego bez działania wewnętrznego. Wszelkie działania zewnętrzne, wyrażające się w ruchach, gestach, pozach, krokach tanecznych, mają swój początek i kształtują się wewnętrznie – w myślach, doznaniach, uczuciach, doświadczeniach. Wydaje mi się, że dotarliśmy więc do źródła. Źródłem powstania tańca, a także kultu religijnego, była psychika, wewnętrzny, duchowy świat człowieka.

Psychika stała się inicjatorem pojawienia się tańca jako zjawiska społecznego. Oczywiście początkowo było to ściśle powiązane z kultem i magią, nie można było ich od siebie oddzielić. Podział i węższa specjalizacja tych zjawisk nastąpiła znacznie później. I kult stopniowo przejął kontrolę.

Prymat kultu tłumaczy się faktem, że magowie i kapłani byli ludźmi mądrymi i kreatywnymi na swój sposób, więc nie zajęło im wiele wysiłku, aby zrozumieć, jak „oszukiwać” i wywierać presję na swoich bliskich, oraz głównym motywatorem w tej sprawie był strach przed niezidentyfikowaną siłą.

W tych warunkach taniec zeszedł na dalszy plan i zaczął jedynie „służyć” rytuałom, ozdabiać je i wzmacniać czynnik oddziaływania psychologicznego i energetyczno-emocjonalnego na uczestników obrzędów i ceremonii religijnych. Porozmawiamy o wpływie tańca na organizm ludzki, ale teraz wróćmy do pytania o przyczyny jego powstania.

Kiedy powstał taniec? Logicznie rzecz biorąc, najbardziej prawdopodobnym, w sensie chronologicznym, czasem powstania tradycji tanecznych wydaje się okres Madeleine (15–10 tysięcy lat temu).

To właśnie w tym okresie sztuka prymitywna, a przede wszystkim malarstwo jaskiniowe osiągnęła swój najwyższy poziom rozwoju. Logicznym jest założenie, że to właśnie w tym okresie, kiedy rosnąca złożoność ludzkiej psychiki i komunikacji zapoczątkowała pojawienie się zapotrzebowania na sztuki piękne, mogło pojawić się zapotrzebowanie na inne formy sztuki – w tym taniec, czego potwierdzeniem jest dostarczają malowidła jaskiniowe w jaskiniach Francji i Hiszpanii, gdzie spośród 1794 rysunków - 512 przedstawia ludzi w różnych pozach i momentach ruchu, które są okresowo powtarzane, ponadto około 100 rysunków poświęconych jest jakimś rodzajom humanoidalnych stworzeń. Jeśli weźmiemy pod uwagę, że malarstwo jaskiniowe jest bardzo realistyczne, wręcz fotograficzne, artysta nie potrafił jeszcze myśleć abstrakcyjnie, niczego nie wymyślił i namalował to, co zobaczył na własne oczy, to można zadać pytanie – co widział? Jeśli odrzucimy wersję o kosmitach lub mutantach, to najprawdopodobniej są to ludzie przebrani za zwierzęta lub jakieś duchy, które naśladują.

Starożytny człowiek malował imitacje zwierząt i duchów. Ale jeśli ludzie to wtedy robili, to czym jest to, jeśli nie tańcem? W tym samym czasie miały miejsce narodziny muzyki i instrumentów muzycznych. Wszystkie rodzaje sztuki były ze sobą bardzo ściśle powiązane, dlatego też muzykę łączono z tańcem. Odpowiedź na pierwsze pytanie została udzielona. Taniec nie pozostawia tak dokładnego „pomnika” jak malarstwo czy architektura, ale narodziny tańca nie mogły nastąpić wcześniej. Społeczeństwo nie było gotowe. Kolejne pytanie brzmi: jak powstała kultura tańca?

Powiedzieliśmy już, że sztuka tańca zrodziła się w głębi coraz bardziej złożonej ludzkiej psychiki i stała się zewnętrznym przejawem potrzeby człowieka na określony rodzaj ruchów ciała. Z takimi potrzebami wychodzimy naprzeciw Państwu cały czas. Oprócz instynktu i naturalnych odruchów człowiek ma pamięć biomechaniczną. Człowiek nie może żyć bez ruchu mięśni! Jeśli jakiś narząd z tego czy innego powodu będzie nieaktywny przez pewien czas, wówczas nieuchronnie zaniknie. Potrzebujemy ruchu, żeby żyć! Wszystko na tym świecie jest w ciągłym ruchu, wszystko wibruje i zmienia się. Człowiek jest dzieckiem tego świata i nie może istnieć w oderwaniu od jego obiektywnych praw. „Nic nie trwa wiecznie”, „Wszystko płynie, wszystko się zmienia” – głosi popularna mądrość. Dlatego człowiek, oprócz niezbędnych ruchów produkcyjnych, wsłuchując się w głos natury, zmuszony był wykonywać dodatkowe ruchy, aby zachować siły witalne. Wydawałoby się, po co mu to, skoro prymitywne życie było fizycznie trudne i pełne niebezpieczeństw, człowiek otrzymał już dużo aktywności fizycznej i najwyraźniej nie cierpiał z powodu braku aktywności fizycznej. Ale nie!

Jesteśmy istotami o złożonej i wysoce zorganizowanej psychice, nasze uczucia i myśli wpływają na nasze pola energetyczne, dlatego ładunek mentalny, duchowy jest dla nas jeszcze ważniejszy niż ten fizyczny, ponieważ to nasza psychika poprzez impulsy bioelektryczne, kontroluje wszystkie procesy fizyczne w naszym organizmie. Jestem przekonany, że to właśnie ta potrzeba okresowego doładowania psychicznego zapoczątkowała najwcześniejsze w człowieku potrzebę rytmicznych ruchów ciała. Uwaga - nie w prostych, ale w rytmicznych ruchach ciała. Dlaczego? Tak, ponieważ wszystkie nasze narządy wewnętrzne, całe ciało i układ nerwowy znajdują się w ciągłych wibracjach i pulsacjach, które mają swój własny rytm: serce bije w określonym rytmie, cykl oddechowy również przebiega ściśle rytmicznie itp. Dlatego też ładowanie psychoenergetyczne powinno odbywać się także rytmicznie, tak aby nie popaść w dysonans z naturalnymi rytmami biologicznymi organizmu. W tym przypadku nie mówimy o znanych nam tańcach, ale o kulturze najwcześniejszych form rytmicznych ruchów ciała, którym towarzyszy prymitywny, najprawdopodobniej akompaniament głosu i hałasu, co można uznać za sam początek tańca kultura.

Między innymi słuchanie przyjemnej muzyki i poruszanie się dla przyjemności wytwarza hormon szczęścia, który jest jedną z pośrednich przyczyn pojawienia się tańca.

Inicjatorem sztuki tańca była sama psychika człowieka starożytnego. Potrzeba poznania siebie, świata, wyrażania siebie i przyjemności. A przedstawiciele kultu nie przegapili okazji, wykorzystując taniec w rytuałach. Najprawdopodobniej były masywne, co wzmacniało efekt poprzez „efekt stadny”. W prymitywnym społeczeństwie prawie niemożliwe było nie przestrzeganie tego efektu, więc zasady dyktowali kapłani i przywódcy.

Pierwsze tańce starożytności były dalekie od tego, co nazywa się dzisiaj tym słowem. Miały zupełnie inne znaczenie. Za pomocą różnorodnych ruchów i gestów osoba przekazała swoje wrażenia z otaczającego go świata, oddając w nich swój nastrój, swój stan umysłu. Krzyki, śpiewy, zabawy pantomimiczne splatały się z tańcem. Sam taniec zawsze i wszędzie był ściśle związany z życiem i sposobem życia ludzi. Dlatego każdy taniec odpowiada charakterowi i duchowi ludzi, z których pochodzi. Wraz ze zmianą ustroju społecznego i warunków życia zmienił się charakter i tematyka sztuki, zmienił się także taniec. Jej korzenie sięgały głęboko w sztukę ludową.

Taniec był bardzo powszechny wśród narodów starożytnego świata. Tancerze starali się, aby każdy ruch, gest i wyraz twarzy wyrażał jakąś myśl, działanie lub czyn. Tańce ekspresyjne miały ogromne znaczenie zarówno w życiu codziennym, jak i publicznym.

Dla człowieka żyjącego w prymitywnym społeczeństwie taniec jest sposobem myślenia i życia. Techniki łowieckie ćwiczone są w tańcach przedstawiających zwierzęta; Taniec wyraża modlitwy o płodność, deszcz i inne pilne potrzeby plemienia. Miłość, praca i rytuał są ucieleśnione w ruchach tanecznych. Taniec w tym przypadku jest tak związany z życiem, że w języku meksykańskich Indian Tarahumara pojęcia „praca” i „taniec” wyrażają się tym samym słowem. Głęboko postrzegając rytmy natury, ludzie prymitywnego społeczeństwa nie mogli powstrzymać się od naśladowania ich w swoich tańcach.

Tańce prymitywne są zwykle wykonywane w grupach. Okrągłe tańce mają określone znaczenie i określone cele: wypędzanie złych duchów, uzdrawianie chorych, odpędzanie kłopotów od plemienia. Najczęstszym ruchem jest tutaj tupanie, być może dlatego, że powoduje drżenie ziemi i poddaje się człowiekowi. Tańce w kucki są powszechne w społeczeństwach prymitywnych; tancerze uwielbiają się kręcić, drgać i skakać. Skakanie i kręcenie się wprawiają tancerzy w stan ekstazy, czasami kończący się utratą przytomności. Tancerze zazwyczaj nie noszą ubrań, ale noszą maski, wyszukane nakrycia głowy i często malują swoje ciała. Akompaniamentem jest tupanie, klaskanie i gra na wszelkiego rodzaju bębnach i rurach wykonanych z naturalnych materiałów.

Plemiona prymitywne nie mają uregulowanej techniki tańca, ale doskonałe przygotowanie fizyczne pozwala tancerzom całkowicie poświęcić się tańcu i tańczyć z absolutnym oddaniem, aż do szaleństwa. Tańce tego rodzaju nadal można zobaczyć na wyspach południowego Pacyfiku, Afryce oraz Ameryce Środkowej i Południowej.

1.2 Starożytny Egipt, Chiny, Indie, Grecja, Rzym

Tak więc taniec zaczął się rozwijać. W różnych krajach, kulturach, ale wszędzie miało to miejsce i przypisywano jej ważną rolę.

Kultura starożytnego Egiptu, w którym poziom społeczeństwa był dość wysoki, była bogata w muzykę i taniec. Egipcjanie bardzo lubili zabawę i żadne święto ani wydarzenie nie odbyło się bez tańca przy akompaniamencie muzyki. W starożytnym Egipcie sztuka tańca była bardzo ceniona. I biorąc pod uwagę fakt, że ten stan był przez długi czas izolowany ze względu na określone położenie geograficzne, kultura ich tańca rozwinęła się niezależnie i bez interwencji innych ludów i kultur. Dlatego tańce w starożytnym Egipcie były wyjątkowe i niepodobne do niczego innego. Przez długie lata rozwoju kulturalnego w czasach faraonów powstało wiele rodzajów choreografii: tańce rozrywkowe, haremowe, rytualne, religijne, a nawet tańce wojskowe.

Ważne informacje wizualne na temat rozwoju tańca w starożytnym Egipcie można znaleźć w zapisach hieroglificznych, drewnianych płaskorzeźbach, obrazach wyrytych w kamieniu, rzeźbach i różnych przedmiotach ze starożytnych grobowców. W Abydos – miejscu, gdzie według Egipcjan pochowano boga zmarłego Ozyrysa – podczas letniego przesilenia odbywały się rytuały połączone z tańcem i muzyką. W świątyniach mieszkały grupy śpiewaków i tancerzy, które uczestniczyły w kulcie bogów. Jednym z głównych świąt był rytuał poświęcony bykowi Apis, podczas którego „słudzy” byka wykonywali tajne tańce.

Poczucie teatralności było bardzo silne wśród mieszkańców starożytnego Egiptu. Nawet tancerze świątynni wykonywali akrobatyczne wyczyny, a na płaskorzeźbach widać kobietę wykonującą szpagaty, kobietę wyrzucaną w powietrze, a następnie podnosiną przez dwóch partnerów, oraz mężczyznę stojącego na jednej nodze i szykującego się do wykonania piruetu.

Tańce pogrzebowe i ceremonialne wyróżniały się surowością i prostotą, jednak z biegiem czasu zaczęły pojawiać się inne, bardziej dekoracyjne rodzaje tańca. Mężczyźni i niewolnice uczono tańca dla rozrywki domowej. Do Egiptu sprowadzono tancerzy z innych krajów. Podróżujące trupy aktorów zawodowych wykonywały pantomimy i akrobacje przy akompaniamencie tamburynów i kastanietów. Przez pewien czas popularne były tańce czarnych pigmejów.

W dziełach starożytnych poetów, pisarzy i artystów odnaleziono nazwy tańców i ich uczestników, a także opisano zasady ich wykonania.

Kiedy ludzie mówią o tańcach ludowych w kulturze chińskiej, większość ludzi od razu wyobraża sobie kolorowe występy taneczne przedstawicieli różnych grup etnicznych innych niż Chińczycy Han. Tymczasem od najdawniejszych czasów plemiona te, które później zaczęły łączyć jedna wspólna nazwa - narodowość Han, posiadały różne formy tańców rytualnych. Wczesne tańce ludowe w Chinach, podobnie jak inne formy sztuki prymitywnej, były głównie rytualną formą różnorodnych przesądów i wierzeń. Tańce te wykonywano, aby prosić bogów o dobre zbiory lub udane polowanie.

Znacznie później, za panowania dynastii Han (206 p.n.e. - 220 r. p.n.e.), rozwinęły się tańce ludowe większości grup etnicznych zamieszkujących Chiny. Tańce ludowe, które pojawiły się w tym czasie, odzwierciedlały także przesądy i wierzenia ludzi. Wierzyli, że składając bogom rytualne ofiary, uda im się ich przekonać, aby w przyszłości zapewnili im jeszcze większe korzyści.

Główne chińskie tańce ludowe to obrazowanie i taniec lwa. Początkowo były częścią dziedzictwa kulturowego jedynie Chińczyków Han, jednak z biegiem czasu tańce te zaczęto wykonywać także przedstawiciele innych grup etnicznych zamieszkujących Chiny. Oprócz tego jedną z bardziej subtelnych form chińskiego tańca ludowego jest taniec dworski, czasami nazywany także tańcem pałacowym. Pierwotnie powstał na dworze cesarzy Han w czasach dynastii Qin (221 p.n.e. - 206 p.n.e.). Inni chińscy cesarze, w tym cesarze pochodzenia mongolskiego i mandżurskiego, nadal rozwijali tę formę sztuki tańca. Taniec smoka i taniec lwa są zwykle wykonywane podczas obchodów Księżycowego Nowego Roku.

Bazując na interpretacjach mitologii hinduskiej, początki tańca miały miejsce w Indiach, a twórcą był bóg Śiwa, który poprzez taniec zamienił powszechny chaos we Wszechświat. Wierzono, że prawo do tańca mają tylko niebiańscy, a w żadnym wypadku zwykli śmiertelnicy. Podczas uroczystości w niebiańskim pałacu piękni, półboscy tancerze wili się w tańcu, zachwycając i zachwycając wszystkich wokół siebie. Sam bóg Śiwa był uważany za najdoskonalszego tancerza, wszystkie inne bóstwa miały zaszczyt mu towarzyszyć. Taniec stał się dostępny dla zwykłych ludzi na ziemi dopiero po tym, jak wielki mędrzec Bharata, który dzięki swoim dobrym uczynkom zasłużył na prawo do odwiedzenia boskiego pałacu i rozkoszowania się spektaklem tańca, zwrócił się do bogów Brahmy i Śiwy z prośbą o nauczanie zwykłych ludzi tę sztukę.

W starożytnych Indiach taniec uważany był za wyraz duszy, stanu wewnętrznego człowieka w najwyższej formie. Dzięki szczególnemu podejściu hinduizmu do wszelkiej sztuki jako ucieleśnienia boskiego wewnętrznego piękna w człowieku, sztukę zrównano na równi z religią. Nic więc dziwnego, że mieszkańcy starożytnego Hindustanu na długo zanim nauczyli się pisać, czytać i tworzyć rzeźby z kamienia, swoją wiarę w bogów i posłuszeństwo wobec nich wyrażali ruchami ciała. Taniec dla Hindusów w starożytnym świecie był integralną częścią obrzędów i rytuałów religijnych. Początkowo te kompozycje choreograficzne były dość prymitywne, ale wkrótce osiągnęły niemal doskonałość. Ogólnie uważa się, że klasyczny taniec indyjski jest wyjątkową formą jogi, która harmonijnie łączy energię duchową i wytrzymałość fizyczną. Fakt, że taniec w starożytnych Indiach był integralną częścią życia ludzi, potwierdzają liczne pisma święte, opowieści o mędrcach oraz różne figurki przedstawiające tancerzy zastygłych w misternych pozach.

Warto zauważyć, że tańce indyjskie to nie tylko piękny zestaw różnych ruchów, ale pełnoprawne opowiadanie konkretnej historii. Ta funkcja przetrwała do dziś. Współcześni tancerze posługują się ściśle określonymi krokami, pociągnięciami, ruchami ramion, muśnięciami, a nawet spojrzeniami, które odzwierciedlają określone uczucia, działania, a nawet całe zdarzenia. Nawet w starożytnych Indiach młode i piękne, specjalnie wybrane dziewczęta, które nie osiągnęły jeszcze dojrzałości płciowej, zostały żonami bogów, którym poświęcono świątynię. Tańczyli nago, co było demonstracją ich uczuć do bóstwa.

Kolejną uderzającą cechą kultury tanecznej starożytnych Hindusów jest interpretacja tekstów przy akompaniamencie kroków choreograficznych. Każdy tancerz wykonywał historie i tańce, co wynikało ze swoich umiejętności i szczególnego światopoglądu. Działanie to było całkowicie przepojone takim czy innym ładunkiem semantycznym i oświeceniem innych.

Po pewnym czasie tańce w Indiach zaczęły tracić swą religijną istotę i już w średniowieczu tańce wykonywano głównie jako zabawę dworską i barwne akcje. Uczestnicy tańca śpiewali nie bogom, ale swoim patronom. Współczesny taniec hinduski charakteryzuje się niesamowitą elegancją, wdziękiem i bogactwem uczuć. Choreografia indyjska jest wyjątkowa i nie ma odpowiednika na całym świecie.

Według legendy święte tańce zostały przeniesione do Grecji z Egiptu przez Orfeusza. Widział ich podczas świąt świątynnych Egipcjan. Ale podporządkował swoje ruchy i gesty własnemu rytmowi, a one stały się bardziej spójne z charakterem i duchem Greków. Tańce te wykonywano przy dźwiękach liry i wyróżniały się surową urodą. Święta, a co za tym idzie tańce, często były poświęcone różnym bogom: Dionizosowi, bogini Afrodycie, Atenie. Odzwierciedlały określone dni roboczego roku kalendarzowego.

Tańce wojskowe w starożytnej Grecji odegrały dużą rolę w zaszczepianiu młodzieży odwagi, patriotyzmu i poczucia obowiązku. Zwykle tańce wojskowe, pyrrusowe wykonywały dwie osoby. Były takie masowe pyrrysze, w których tańczyli tylko młodzi mężczyźni, a czasem razem z młodymi mężczyznami tańczyły dziewczęta. Tańce wojskowe odtwarzały bitwę, różne formacje bojowe, były to złożone kompozycje choreograficzne. W rękach tancerzy były łuki, strzały, tarcze, zapalone pochodnie, miecze, włócznie i strzały. Fabuła tańców bohaterskich z reguły odzwierciedlała mity i legendy o bohaterach.

Tańce na cześć greckiego boga płodności i winiarstwa, Dionizosa, charakteryzowały się niekontrolowaną i burzliwą zabawą. Dionizję obchodzono wiosną, kiedy winnice zaczęły się zielenić, a przyroda ożywała. Z przodu niesiono posąg Dionizosa w fioletowo-złotej szacie, a za nim mumery: półnagie nimfy i najady z kwiatami i liśćmi winogron w luźnych włosach oraz satyry z kozimi rogami w zwierzęcych skórach. Prawdopodobnie Dionizje były pierwszymi maskaradami.

Scena starożytnych tańców greckich była częścią przedstawień teatralnych, w których każdy gatunek miał swoje własne tańce. Podczas tańców performerzy odmierzali czas stopami, do których zakładali specjalne żelazne lub drewniane sandały, a rytm bili rękami za pomocą kastanietów – muszli ostryg – zakładanych na środkowe palce.

U schyłku Cesarstwa Rzymskiego taniec i pantomima stały się niemoralnymi widowiskami i szanowani obywatele Rzymu traktowali je z pogardą. O tańcach Rzymian pisali w swoich traktatach Cyceron i Horacy.

1.3 Tańce ludowe w Europie od średniowiecza do renesansu

Średniowiecze. Epokę tę charakteryzowało ostre poczucie lęku przed śmiercią; obraz śmierci, podobnie jak diabła, stale odnajduje się w średniowiecznej symbolice. Obraz tańczącej śmierci pojawił się już w starożytności; postać śmierci pojawia się także w tańcach wielu społeczeństw prymitywnych. Ale to właśnie w średniowieczu obraz śmierci przekształcił się w symbol ogromnej mocy. „Taniec śmierci” (danse macabre) szczególnie rozpowszechnił się w Europie w XIV wieku, w okresach epidemii dżumy. W sensie społecznym taniec ten, podobnie jak sama śmierć, zrównał przedstawicieli różnych klas. W latach zarazy „taniec śmierci” często przeradzał się w histeryczną zabawę. Zwykle zaczynało się od szybkiego tańca; potem jeden z tancerzy nagle upadł na ziemię, udając martwego, a pozostali nadal tańczyli wokół niego, przedstawiając w parodii żałobę zmarłych. Jeśli zmarłego przedstawiał mężczyzna, do życia przywracały go pocałunki dziewcząt; jeśli była dziewczyną, mężczyźni ją całowali. Po „zmartwychwstaniu” nastąpił ogólny okrągły taniec.

Ze średniowiecza pochodzi wiele historii o maniakalnej obsesji na punkcie tańca. W czasie świąt chrześcijańskich ludzie nagle zaczęli śpiewać i tańczyć w pobliżu kościołów, zakłócając odprawiane tam nabożeństwa. Te szalone tańce zaobserwowano we wszystkich krajach. W Niemczech otrzymali nazwę „Św. Vitta”, a we Włoszech – „tarantella”.

Taniec był nie tylko niezbędnym środkiem relaksu, ale także główną rozrywką. Taniec średniowieczny nadal był w dużej mierze przedstawieniem improwizowanym. Ludzie uwielbiali okrągłe tańce, ale nie było stabilnych zasad tańca. Taniec był akceptowaną formą zalotów; ich wykonawcy towarzyszyli tańcu śpiewem; ruchy były najprostsze. W XII wieku. kult romantycznej miłości i rycerskości znacząco przekształcił taniec, zagłuszając jego jawnie erotyczne rysy. Taniec był jednym ze zwyczajowych zajęć rycerza i stanowił swego rodzaju dom równoległy do ​​turniejów plenerowych. Zwykle jedna para prowadziła taniec, a inni przyłączali się, poruszając się powoli w kręgu; formą tego tańca pod wieloma względami przypominał poloneza.

W późnym średniowieczu pojawiła się różnica między tańcem par dworskich a tańcem grup wiejskich. W wymiarze społecznym nie istniał jeszcze sztywny podział. Wieśniacy potrafili naśladować taniec dworski, a rycerze czasami lubili przyłączać się do tańca wokół wioski. Chłopi oddawali się tańcu z nieskrępowaną spontanicznością, rycerze tańczyli bardziej rygorystycznie, kierując się etykietą dworską. Taniec ludowy nadal miał charakter improwizacyjny, podczas gdy taniec dworski stawał się coraz bardziej manieryczny. Główną formą sztuki pałacowej był taniec figurowy, w którym grupa tancerzy kolejno tworzyła formacje taneczne.

Duże znaczenie dla rozwoju tańca dworskiego miało pojawienie się zawodowych nauczycieli tańca, którzy nie tylko uczyli szlachtę, ale także pełnili rolę arbitrów w zakresie etykiety i manier i zwykle mieli ogromny wpływ na atmosferę na dworze.

Taniec był stałym elementem praktyk religijnych w większości głównych religii i był powszechny w chrześcijaństwie aż do XIII wieku. Uznawano ją za uzupełnienie kultu muzycznego, wokalnego lub instrumentalnego. Na imprezach towarzyskich i uroczystościach świeckich, często kojarzonych z uroczystościami religijnymi, odbywały się także tańce, podobnie jak oficjalne ceremonie, takie jak wizyty królewskie i koronacje. Ale ten fizyczny przejaw radości i uwielbienia nie ograniczał się do specjalnych okazji. Taniec był także częścią codziennego życia. Istnieje wiele raportów na temat popołudniowych tańców i wykorzystania tańca do stworzenia zdrowego ciała. Łączyło to taniec z ćwiczeniami wojskowymi, z których większość wykonywana była na nogach i wymagała nie tylko wytrzymałości fizycznej, ale także zwinności i szybkiej pracy nóg.

W okresie renesansu ogromne znaczenie zyskał taniec codzienny. Nie tylko bale i wieczory, ale także bujne uroczystości uliczne, które czasami osiągały niezwykłą jasność i przepych, nie obejdą się bez niego. W salach pałacowych włoskiej szlachty odbywają się przerywniki teatralne z pieśniami i tańcami. Podstawą tych luksusowych okularów jest taniec.

Rozwój tańca teatralnego w okresie renesansu kojarzony jest głównie z północnymi Włochami, choć nieco później, gdy taniec ten rozprzestrzenił się po całej Europie, dwory francuskie stały się źródłem jego wyrafinowanej stylizacji i barokowego piękna. Władcy włoskich miast-państw coraz większą uwagę zwracali na wspaniałe spektakle. Stopniowo wyłonił się zestaw technik tanecznych z wieloma obowiązkowymi zasadami. Żwawy taniec wiejski nie był odpowiedni dla dworskich pań i panów. Ich ubrania, podobnie jak sale czy ogrody, w których tańczyli, sama struktura ich myśli absolutnie nie pozwalała na niezorganizowany ruch. Aby przywrócić porządek i wzmocnić dyscyplinę, istnieli specjalni mistrzowie tańca, dla których taniec był ucieleśnieniem powściągliwości i wyrafinowania. Nie pozostało już w nim nic „ludowego”; taniec stawał się coraz bardziej teatralny. Profesjonalni mistrzowie tańca z wyprzedzeniem ćwiczyli ze szlachtą poszczególne kroki i figury oraz kierowali ruchami grup tancerzy, a widzami byli inni dworzanie.

Rozwój sztuki muzycznej w okresie renesansu był ściśle powiązany z rozwojem tańca, gdyż prawie wszyscy liczący się kompozytorzy w swoich dziełach skupiali się na tańcu.

Maskarady, Momerie i procesje karnawałowe, ulubione rozrywki w średniowieczu, szczególnie rozpowszechnione w okresie renesansu. Przede wszystkim w okresie renesansu ludzie lubili maskarady, czyli taniec w maskach, a maski miały w tej epoce szczególne znaczenie. Osoby pragnące zachować incognito podróżowały w maskach; przedstawiciele walczących rodów szlacheckich zakrywali twarze pod maskami. Najbardziej uderzającym przykładem jest Romeo, który przedostał się na bal Capuletów (tragedia Szekspira „Romeo i Julia”).

Karnawał wniósł także ogromny wkład w taniec jako rozrywkę publiczną. Najwspanialsze z nich to tzw. triumfy – przedstawienia o tematyce mitologicznej z umiejętnie wykonanymi dekoracjami. Nieco skromniejsze były curry – maskarady rzemieślników i kupców we włoskich miastach: tutaj tłumy zamaskowanych ludzi paradowały za ozdobnymi symbolami swoich zawodów.

Odmiany tańca średniowiecznego.

Taniec basowy - z języka francuskiego. basse danse - „niski taniec” - ogólna nazwa przesuwających się „tańców bez skoków” z XVI wieku; po raz pierwszy pojawili się na dworze burgundzkim. „Taniec niski” stanowił przeciwieństwo „tańca wysokiego” (danse haute), dla którego charakterystyczne są wysokie skoki i podskoki. Taniec basowy był tańcem ceremonialnym, podobnym do poloneza, czyli tzw. kojarzy się bardziej z chodzeniem niż z tańcem jako takim. Taniec basowy uważany jest za poprzednika grafiki. Taniec można wykonać w wersji dwuczęściowej (zwykle) lub trójstronnej. Taniec basowy składał się z trzech części: samego tańca basowego, jego powtórzenia oraz tordionu – tańca ze skakanką. Taniec basowy zniknął w XVI wieku i został zastąpiony pawaną.

Estampie lub estampida to średniowieczna forma instrumentalna i taniec pochodzący z Prowansji. Średniowieczni autorzy wspominają o stantipie, być może łacińskiej nazwie estampida. Każdy stantip składał się z pewnej liczby „punktów” (puncti): każde punctum (punkt) składało się z dwóch części o takich samych początkach (apertum) i różnych zakończeniach (clausum). Dodatkiem do stantipe była ductia, która również składała się z „kropek”, do których tańczyli. Estampy można uznać za jeden z głównych tańców średniowiecza.

Saltarello to energiczny taniec włoski w szybkim tempie, tri-beat, czasem bi-beat. Nazwa pochodzi od słowa saltare – „skakać”. Saltarello było szczególnie powszechne w XVI-XVII wieku, ale w rękopisach angielskich i włoskich spotykane jest już w XIV wieku. W XVI wieku saltarello wykonywano w parach z tańcem basowym i passamezzo (po nich). Dziś saltarello tańczy się we Włoszech i Hiszpanii w taki sam sposób jak tarantellę.

Moresca (Morisco) to taniec pantomimiczny znany od wczesnego średniowiecza. Tancerze, zgodnie z mocno romantycznymi wyobrażeniami o Maurach, nosili groteskowe kostiumy z dzwoneczkami u kostek; w muzyce dominowały rytmy punktowane i egzotyczne barwy. Często twarze jednego lub więcej tancerzy były pomalowane na czarno. W Europie taniec rozprzestrzenił się na te regiony, w których istniał kontakt między muzułmanami i chrześcijanami. Wodorosty europejskie pochodzą z Hiszpanii, gdzie wspominano o nich już w XV wieku.

Courant to taniec dwuczęściowy, pierwotnie pantomimiczny, znany od XVI wieku. W XVII wieku dzwonek stopniowo zyskiwał trzyczęściowy metr. zaczęto wykonywać w parach z allemandem (po nim). Cecha charakterystyczna dzwonów XVII-wiecznych. Często występują zmiany metrum z 3/2 na 6/4 i odwrotnie, co odpowiadało naprzemienności dwóch głównych figur tanecznych – pas de courante i pas de coupe.

Gigue to angielski taniec popularny w XVI wieku. Nazwa pochodzi od starofrancuskiego słowa giguer („tańczyć”) lub staroangielskiego słowa giga (skrzypce ludowe). Początkowo jig był wykonywany w metrum 4/4, później zaczęto komponować jigi w metrum 6/8 z przerywanymi ósemkami.

Pavane to taniec, który otworzył bale w XVI-XVII wieku, w dwuczęściowym (czasem trójdzielnym) rozmiarze, przedstawiającym powolną, majestatyczną procesję. Pavana pochodzi z Hiszpanii, jej nazwa związana jest ze słowem pavo („paw”); być może pawana jest późniejszą formą tańca basowego. W XVII wieku Po pawanie zwykle następowała szybka, skacząca galiarda. We Włoszech i Niemczech padovana (od nazwy włoskiego miasta Padwa) była często synonimem pavany. Niemieccy kompozytorzy po 1600 roku pisali uroczyste, bujne kompozycje, które nazywano „pawanami”. Pavanes komponowali także angielscy madrygaliści W. Bird, J. Bull, O. Gibbons i J. Dowland.

Galliard to wesoły, żywy taniec XVI-XVII w., początkowo dość szybki, później wykonywany w bardziej powściągliwym tempie, w rytmie trzech taktów. Galliarda, pierwotnie dwudzielna, zmieniła następnie swój licznik i stała się „parą” z pavane lub passamezzo (wykonywanym po nich). Galliard był jednym z ulubionych tańców europejskich XVII wieku.

Branle to ogólna nazwa tańców XVI-XVII wieku. Różne prowincje Francji miały swoje własne wersje branle - Burgundia, Poitou, Szampania, Pikardia, Lotaryngia, Aubrois, Bretania. W XV wieku Branle ukończył taniec basowy w XVI-XVII wieku. stał się tańcem niezależnym, którego odmiany połączono w suity. Kolejność części w zestawie branle jest następująca: branle podwójne, branle proste, branle wesołe, montirande i gawot; Kolejność może być różna, ale gawot zawsze pojawia się na końcu. Branle był często włączany do baletów epoki baroku, nawet gdy sam taniec wyszedł już z użycia.

Bergamasca - taniec XVI-XVII wieku. w metrum 2/4 lub 4/4 pochodził z włoskiego miasta Bergamo. O Bergamasce wspomina Szekspir w komedii Sen nocy letniej, dlatego taniec ten był znany w Anglii już w XVI wieku. W ówczesnych rękopisach bergamasca ma specyficzną melodię, która często jest basso ostinato (czyli stale powtarzanym basem) z wariacjami.

Chaconne to taniec hiszpański powstały w XVI-XVIII wieku, zbliżony do passacaglii. Według opisów autorów z XVI i XVII wieku taniec ten przybył do Hiszpanii z Indii Zachodnich. W swojej pierwotnej formie, zmysłowej i temperamentnej, chaconne z XVII wieku. przekształcił się w taniec powolny, dostojny muzycznie - z wariacyjnym rozwinięciem opartym na basso ostinato.

Allemande - z francuskiego. allemand - „niemiecki” - taniec XVI-XVIII wieku, jak sama nazwa wskazuje, pochodzenia niemieckiego. Podobnie jak pawana, allemanda jest tańcem o umiarkowanym tempie i metrum dwudzielnym. Po tym spokojnym tańcu zwykle następował żywy, trzytaktowy dźwięk.

W okresie renesansu świecka rozrywka, kropla po kropli, stawała się coraz bardziej wyrafinowana i wyrafinowana. Elementy teatru i tańca przenikały zarówno do starej, jak i młodej sfery życia panów feudalnych – czasami biesiady na zamkach przypominały spektakl teatralny: w przerwach między serwowaniem gościom poszczególnych dań zaproszeni artyści i muzycy odgrywali małe scenki taneczne i pantomimiczne, śpiewali arie i grali na instrumentach muzycznych. Do XV wieku tańce nieco się zmieniły - stały się bardziej złożone, stały się szybsze i zwinniejsze, dziś wykonywano skoki, a nawet lekkie podniesienia - prędzej czy później dama z pomocą pana uniosła się w powietrze. Pojawiło się wiele nowych tańców, każdy z określonymi ruchami (krokami). Co więcej, naprawdę trzeba było je poznać - zarówno tańce, jak i ruchy - w taki sam sposób, jak zasady etykiety.

W ten sposób taniec rozwinął się w coś, co nazywamy baletem lub tańcem klasycznym. Rozważmy jego historię osobno i bardziej szczegółowo.

2. Era baletu za granicą i w Rosji

2.1 Balet na Zachodzie

W XV wieku, u schyłku średniowiecza, wzrosło zainteresowanie kulturą starożytnej Grecji, co doprowadziło do powstania takiej koncepcji, jak renesans. W okresie renesansu zmieniły się priorytety w życiu kulturalnym, a tancerzom kojarzono się z ludźmi idealnymi. Narodził się balet, podobnie jak sam renesans we Włoszech. Sama nazwa „balet” jest również ściśle związana z Włochami, ponieważ ballo oznacza taniec. W pałacach odbywały się przedstawienia dla miejscowej szlachty, a spektakl teatralny uświetniali tancerze. W najwcześniejszych etapach baletu publiczność brała udział pod koniec przedstawienia. Oczywiście w porównaniu do baletu współczesnego, w średniowieczu choreografia była znacznie słabsza. Podstawowe ruchy składały się z kroków wzorowanych na tańcach dworskich. Wyjaśnia to również fakt, że bardzo niewiele osób można było uznać za choreografów.

Dzięki Katarzynie Medycejskiej, Włoszce, która poślubiła króla Francji Henryka II, sztuka baletu zaczęła rozprzestrzeniać się poza Włochy. W pełni wspierała i finansowała produkcję spektakli tanecznych. Przedstawienia wystawiane były głównie z okazji słynnych wydarzeń państwowych, jak np. przyjazd polskich ambasadorów. Później balet uzyskał pełne wsparcie monarchów francuskich i włoskich i zaczęto tworzyć specjalne teatry, które miały występować za pieniądze przed zwykłą publicznością.

Na początku było to jak scena taneczna połączona jedną akcją lub nastrojem, epizod w przedstawieniu muzycznym lub operze. Zapożyczony z Włoch balet dworski kwitnie we Francji jako wspaniałe widowisko ceremonialne. Za początek ery baletu we Francji i na całym świecie należy uznać 15 października 1581 r., kiedy na dworze francuskim odbyło się przedstawienie uważane za pierwszy balet - „Balet komediowy królowej” (lub „Cerce” ), w inscenizacji włoskiego skrzypka, „muzyka głównego inspektora” Baltazariniego de Belgioso. Muzyczną podstawą pierwszych baletów były tańce dworskie, które były częścią starożytnej suity. W drugiej połowie XVII w. pojawiły się nowe gatunki teatralne, takie jak komedia-balet, opera-balet, w których muzyce baletowej przyznano istotne miejsce i próbowano ją dramatyzować. Jednak balet stał się samodzielną formą sztuki scenicznej dopiero w drugiej połowie XVIII wieku dzięki reformom przeprowadzonym przez francuskiego choreografa Jeana Georgesa Noverre’a (szczególnie ważne było jego dzieło „Listy o tańcu”). Opierając się na estetyce francuskiego oświecenia, tworzył spektakle, w których treść ujawnia się w dramatycznie ekspresyjnych obrazach, ustanawiając aktywną rolę muzyki jako „programu determinującego ruchy i działania tancerza”.

Założycielem i protoplastą baletu był także Ludwik XIV, Król Słońce, który kochał taniec. W wieku dwunastu lat (1651) zadebiutował w tzw. „ballets de cour” – baletach dworskich, wystawianych co roku w czasie karnawału.

Barokowy karnawał to nie tylko święto i rozrywka, ale okazja do zabawy w „świecie do góry nogami”. Na przykład król na kilka godzin stał się błaznem, artystą lub błaznem, podczas gdy błazen mógł sobie pozwolić na pojawienie się w przebraniu króla. W jednym z przedstawień baletowych, zatytułowanym „Balet nocy”, młody Ludwik miał okazję po raz pierwszy wystąpić przed swoimi poddanymi w postaci Wschodzącego Słońca (1653), a następnie Apolla, Boga Słońca ( 1654).

Kiedy Ludwik XIV zaczął rządzić samodzielnie (1661), gatunek baletu dworskiego został oddany na służbę interesom państwa, pomagając królowi nie tylko w kreowaniu jego reprezentacyjnego wizerunku, ale także w zarządzaniu społeczeństwem dworskim (i innymi sztukami). Role w tych przedstawieniach podzielili jedynie król i jego przyjaciel, hrabia de Saint-Aignan.

W 1661 roku Ludwik XIV został założycielem pierwszej na świecie szkoły baletowej – Królewskiej Akademii Tańca. Kierownikiem szkoły był Lully, który zadecydował o rozwoju baletu na następne stulecie. Ponieważ Lully był kompozytorem, ustalił zależność ruchów tanecznych od konstrukcji fraz muzycznych, a charakteru ruchów tanecznych od charakteru muzyki. We współpracy z Molierem i Pierrem Beauchampem, nauczycielem tańca Ludwika XIV, stworzono teoretyczne i praktyczne podstawy sztuki baletowej. Pierre Beauchamp zaczął tworzyć terminologię tańca klasycznego. Do dziś w języku francuskim używane są określenia określające i opisujące podstawowe pozycje i kombinacje baletowe.

Dalszy rozwój i rozkwit baletu nastąpił w epoce romantyzmu. Jeszcze w latach 30. XVIII w. Francuska baletnica Camargo skróciła spódnicę i porzuciła szpilki, co pozwoliło jej wprowadzić do tańca płozy. Do końca XVIII wieku. kostium baletowy staje się znacznie lżejszy i swobodniejszy, co znacznie przyczynia się do szybkiego rozwoju techniki tańca. Dramatyzacja baletu wymagała rozwoju muzyki baletowej. Pierwszą próbę symfonizacji baletu podjął Beethoven w balecie „Dzieła Prometeusza” (1801). Kierunek romantyczny został ustalony w baletach Adana „Giselle” (1841) i „Korsarz” (1856). Balety Delibesa Coppélia (1870) i ​​Sylvia (1876) uważane są za pierwsze balety symfoniczne. Jednocześnie pojawiło się uproszczone podejście do muzyki baletowej (w baletach C. Pugny, L. Minkusa, R. Drigo i in.), jako muzyki melodyjnej, wyraźnej rytmicznie, służącej jedynie jako dodatek do tańca.

Pod koniec XVIII wieku narodził się nowy kierunek w sztuce - romantyzm, który wywarł silny wpływ na balet. Próbując nadać swojemu tańcu większą przewiewność, performerzy próbowali stanąć na palcach, co doprowadziło do wynalezienia pointów. W przyszłości aktywnie rozwija się technika palcowa tańca kobiecego. Pierwszą osobą, która jako środek wyrazu wykorzystała taniec pointe, była Maria Taglioni. Tancerka porzuciła ciężkie stroje, peruki i makijaż nieodłącznie związany z baletem, tańcząc jedynie w skromnej, lekkiej sukience. Premiera baletu Sylfida miała miejsce w Wielkiej Operze Paryskiej w marcu 1832 roku, zapoczątkowując erę romantyzmu baletowego. To wtedy Taglioni wprowadził baletową tutu i pointy. Przed Marią ładne baletnice urzekały publiczność wirtuozerską techniką tańca i kobiecym wdziękiem. Taglioni, bynajmniej nie piękność, stworzyła nowy typ baletnicy – ​​duchową i tajemniczą. W La Sylphide ucieleśniała wizerunek nieziemskiej istoty uosabiającej ideał, nieosiągalne marzenie o pięknie. W zwiewnej białej sukni, unoszącej się w lekkich skokach i marzącej na czubkach palców, Taglioni stała się pierwszą baletnicą, która założyła pointy i uczyniła z nich integralną część baletu klasycznego. W tym czasie pojawiło się wiele wspaniałych baletów, ale niestety balet romantyczny stał się ostatnim okresem rozkwitu sztuki tańca na Zachodzie. Od drugiej połowy XIX wieku balet, tracąc swoje dawne znaczenie, stał się dodatkiem do opery. Dopiero w latach 30. XX wieku, pod wpływem baletu rosyjskiego, rozpoczęło się odrodzenie tej formy sztuki w Europie.

2.2 Balet rosyjski

Niewątpliwie balet rosyjski pozostanie w historii na wieki. Pełno w nim geniuszy tańca, klasyków baletu, choreografów i neoklasyków, współczesnych, ale nie to jest tematem naszej pracy, dlatego podkreślimy najważniejsze wydarzenia, które rozwinęły rosyjską „klasykę” i wypromowały ją na świecie.

Według I. E. Zabelina pierwsze przedstawienie baletowe w Rosji odbyło się w Maslenicy 17 lutego 1672 roku na dworze cara Aleksieja Michajłowicza w Preobrazhenskoje. Reitenfels datuje to przedstawienie na 8 lutego 1675 roku. Spektakl baletu o Orfeuszu kompozytora G. Schutza wyreżyserował Nikołaj Lima. Przed rozpoczęciem przedstawienia aktor wcielający się w Orfeusza wszedł na scenę i zaśpiewał przetłumaczone carowi przez tłumacza niemieckie kuplety, w których wychwalano cudowne właściwości duszy Aleksieja Michajłowicza. W tym czasie po obu stronach Orfeusza stały dwie piramidy ozdobione sztandarami i oświetlone wielokolorowymi światłami, które po pieśni Orfeusza zaczęły tańczyć.

Później specjalnym dekretem cesarza Piotra Wielkiego taniec stał się integralną częścią etykiety dworskiej. W latach trzydziestych XVIII wieku. W Petersburgu na dworze Anny Iwanowny regularnie odbywały się przedstawienia operowe i baletowe. Choreografie scen tanecznych w operach opracowali choreografowie J. B. Lande i A. Rinaldi (pseudonim Fossano). Młodzież szlachecka miała obowiązek uczyć się tańca, dlatego w Petersburgu taniec towarzyski stał się dyscypliną obowiązkową w Korpusie Kadetów Szlacheckich. Wraz z otwarciem teatru letniego w Ogrodzie Letnim i teatru zimowego w skrzydle Pałacu Zimowego kadeci zaczynają brać udział w tańcach baletowych. Nauczycielem tańca w korpusie był Jean-Baptiste Lande. Rozumiał doskonale, że szlachta nie będzie w przyszłości zajmować się sztuką baletową, chociaż tańczyła w baletach razem z profesjonalistami. Lande jak nikt inny nie widział potrzeby rosyjskiego teatru baletowego. We wrześniu 1737 r. złożył petycję, w której uzasadnił potrzebę utworzenia nowej szkoły specjalnej, w której uczyłyby się sztuki choreograficznej dziewczęta i chłopcy prostego pochodzenia. Wkrótce takie pozwolenie zostało wydane. Tak więc w 1738 roku otwarto pierwszą w Rosji szkołę tańca baletowego (obecnie Akademia Baletu Rosyjskiego A. Ya. Vaganova). Spośród pałacowej służby wybrano dwanaście dziewcząt i dwunastu smukłych chłopców, których Lande zaczął uczyć. Od 1743 r. dawni uczniowie Landego zaczęli otrzymywać pensje jako tancerze baletowi. Szkole bardzo szybko udało się zapewnić rosyjskiej scenie doskonałych tancerzy corps de ballet i wspaniałych solistów. Nazwiska najlepszych uczniów pierwszej kohorty pozostały w historii: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrei Nesterov.

Na początku XIX wieku rosyjska sztuka baletowa osiągnęła dojrzałość twórczą. Rosyjscy tancerze wnieśli do tańca ekspresję i duchowość.

Balet w tym czasie zajmował uprzywilejowaną pozycję wśród innych form sztuki teatralnej. W historii naszego teatru baletowego często spotykane są nazwiska zagranicznych mistrzów, którzy odegrali znaczącą rolę w rozwoju rosyjskiego baletu. Przede wszystkim są to Charles Didelot, Arthur Saint-Leon i Marius Petipa. Pomogli stworzyć rosyjską szkołę baletową. Ale utalentowani rosyjscy artyści dali także możliwość ujawnienia talentów swoich nauczycieli. To niezmiennie przyciągało do Moskwy i Petersburga największych choreografów Europy. Nigdzie na świecie nie spotkali tak dużej, utalentowanej i dobrze wyszkolonej trupy jak w Rosji. W połowie XIX wieku w rosyjskiej literaturze i sztuce pojawił się realizm. Choreografowie gorączkowo, ale bezskutecznie, próbowali stworzyć realistyczne przedstawienia. Nie wzięli pod uwagę, że balet jest sztuką konwencjonalną, a realizm w balecie znacznie różni się od realizmu w malarstwie i literaturze. Rozpoczął się kryzys sztuki baletowej. Treść przedstawień była prymitywna, proste fabuły służyły jedynie jako pretekst do efektownych tańców, w których artyści demonstrowali swoje umiejętności. Dla tancerzy najważniejsze było udoskonalenie formy i techniki tańca klasycznego, i w tym osiągnęli wirtuozerię. Nowy etap w historii rosyjskiego baletu rozpoczął się, gdy wielki rosyjski kompozytor P. Czajkowski po raz pierwszy skomponował muzykę do baletu. To było Jezioro Łabędzie. Wcześniej muzyki baletowej nie traktowano poważnie. Uważano, że jest to niższy rodzaj twórczości muzycznej, stanowiący jedynie dodatek do tańca. Dzięki Czajkowskiemu muzyka baletowa stała się poważną sztuką, obok muzyki operowej i symfonicznej. Wcześniej muzyka była całkowicie zależna od tańca, teraz taniec musiał podporządkować się muzyce. Potrzebne były nowe środki wyrazu i nowe podejście do tworzenia spektaklu. Dalszy rozwój baletu rosyjskiego wiąże się z nazwiskiem moskiewskiego choreografa A. Gorskiego, który porzucając przestarzałe techniki pantomimy, w przedstawieniu baletowym zastosował nowoczesne techniki reżyserskie. Przywiązując dużą wagę do malowniczej oprawy spektaklu, przyciągał do pracy najlepszych artystów. Jednak prawdziwym reformatorem sztuki baletowej jest Michaił Fokin, który zbuntował się przeciwko tradycyjnej konstrukcji przedstawienia baletowego. Przekonywał, że tematyka spektaklu, jego muzyka, epoka, w której rozgrywa się akcja, wymagają za każdym razem innego ruchu tanecznego, innego schematu tanecznego. Inscenizując balet „Noce egipskie”, Fokin inspirował się poezją W. Bryusowa i starożytnymi rysunkami egipskimi, a obrazy baletu „Pietruszka” inspirowały się poezją A. Blok. W balecie Daphnis i Chloe porzucił taniec na pointach i swobodnymi, elastycznymi ruchami ożywił starożytne freski. Jego Chopiniana ożywiła atmosferę baletu romantycznego.

...

Podobne dokumenty

Historia powstania i ewolucji dworskiego tańca towarzyskiego: polonez, quadryl, galop, pas de Patiner („polka współczesna”), pas de Grace, chacon, kotylion. Studium historii sportowego tańca towarzyskiego w XX wieku: tańce towarzyskie Europy i Ameryki Łacińskiej.

praca na kursie, dodano 27.10.2010


Historia rozwoju tańca jako zupełnie szczególnej formy sztuki. Taniec jest jedną z najskuteczniejszych form magicznego (świętego) rytuału. Taniec magiczny wczoraj i dziś, pozy i pozycje. Symbolika tańca. Podstawowe postanowienia i pojęcia. Historia tańca brzucha.

streszczenie, dodano 28.04.2011


Historia powstania gruzińskiego zespołu tańca ludowego. Ewolucja i reforma tańca gruzińskiego, narodowy charakter baletu. Gruziński zespół tańca ludowego na obecnym etapie. Zespół pieśni i tańca ludowego „Erissini”, gruzińskie melodie polifoniczne.

streszczenie, dodano 12.07.2010


Definicja tańca, jego kierunki i rodzaje. Krótki opis ścieżki twórczej tancerza baletowego Igora Moiseeva. Tańce sceniczne ludowe. Specyfika choreograficznego przedstawienia rzeczywistości. Rola tańca magicznego w rozwoju akademizmu u dzieci.

streszczenie, dodano 8.04.2009


Geneza tańca orientalnego jako zespolenia ludzkiego ciała z muzyką. Ocena porównawcza różnych stylów tańca brzucha: egipskiego, libańskiego, tureckiego, perskiego, arabskiego, greckiego, amerykańskiego. Wykonanie tańca z chustą, cymbałami i szablami.

test, dodano 28.04.2012


Przesłanki i przyczyny pojawienia się tańca towarzyskiego w Rosji, jego rozwój na ziemi rosyjskiej. Nowoczesny taniec towarzyski jako synteza sportu i sztuki. Cechy pracy nauczyciela z różnymi kategoriami uczniów. Wpływ tańca na rozwój osobowości.

praca na kursie, dodano 25.06.2011


Jazz jako zjawisko artystyczne. Rozwój tańców jazzowych w latach 30-50-tych. XX wiek. Główne rodzaje tańca jazzowego. Rozwój jazzu w latach 60. Pojawienie się jazzu i tańca współczesnego. Znaczenie improwizacji w tańcu jazzowym. Istota i cechy techniki tańca jazzowego.

streszczenie, dodano 16.05.2012


Tańce klasyczne, ludowe, charakterystyczne, historyczne, codzienne, towarzyskie i popowe. Początki współczesnego baletu rosyjskiego. Profesjonalizacja rosyjskiego tańca ludowego. Pojawienie się tańca teatralnego w Rosji. Początki edukacji choreograficznej w Rosji.

streszczenie, dodano 20.04.2015


Balet i odmiany tańca scenicznego. Tworzenie obrazu choreograficznego na scenie. Techniki i style taneczne XX i początku XXI wieku, ukształtowane na bazie amerykańskiego i europejskiego tańca nowoczesnego i postmodernistycznego. Bezpłatny taniec plastyczny.

prezentacja, dodano 16.10.2014


Taniec szamański jako warunek powstania tańca Ałtaju, historia jego rozwoju. Rola zespołów folklorystycznych w przekazywaniu tradycji narodowych. Teatr Tańca „Altam” jako pierwsza profesjonalna grupa sztuki choreograficznej Republiki Ałtaju.

Ministerstwo Kultury Federacji Rosyjskiej

Ministerstwo Kultury Obwodu Swierdłowskiego

Państwowa Instytucja Edukacyjna Średniego Szkolnictwa Zawodowego Obwodu Swierdłowska

Szkoła Azbestowa Sztuki

Spektakl choreograficzny „Więzy”

Końcowa praca kwalifikacyjna

Wykonawca:

Chazowa Daria Aleksiejewna,

Student IV roku

dział choreograficzny

________ ____________

Data podpis

Praca kwalifikacyjna Opiekun naukowy:

Lyashchenko N.A., nauczyciel, przyjęty do obrony

Głowa wydział wydziału choreograficznego wydział choreograficzny

kreatywność kreatywność

________ ________________ ______ ________________

data N.A. Podpis daty Lyashchenko

Azbest 2015

Rozdział 1. Uzasadnienie wyboru spektaklu choreograficznego………..……….3

1.1. Historia powstania tańca, stylu…………………………….…..3

1.2. Źródła i motywacja wyboru tematu spektaklu……….13

Rozdział 2. Scenariusz muzyczno-choreograficzny…………………………..16

2.1. Analiza ideowo-tematyczna…………………………………...…..16

2.2. Koncepcja kreatywna produkcji……………………………...…...17

Rozdział 3. Znaczenie praktyczne……………………………………………...24

Źródła informacji……………………………………………………………26

Aplikacje……………………………………………………………………………27

Rozdział 1. Uzasadnienie wyboru spektaklu choreograficznego

"Powiązany"

Historia powstania tańca współczesnego

Taniec współczesny to niezależna forma sztuki, w której ruch, muzyka, światło i kolory łączą się w nowy sposób, a ciało nabrało prawdziwego pełnokrwistego języka. Taniec współczesny przekonuje, że sztuka jest kontynuacją życia i samorozumienia.

Taniec nowoczesny to pojęcie względne, chwilowe. Każdy okres ma swoją własną kulturę muzyczną, która rodzi nowe rodzaje tańca. Każdy taniec można nazwać nowoczesnym, ale na swój czas. Zatem taniec nowoczesny jest tańcem nowoczesnym, modnym i odpowiednim na miarę swoich czasów. Celem tańca współczesnego jest wyrażanie ludzkich uczuć i nastrojów. To dość swobodny, uniwersalny styl tańca, który nie ma jasnych standardów. Choreografowie, próbując przekazać myśli i uczucia ludzi, nieustannie poszukują i wymyślają nowe ruchy, często mieszając różne techniki, style i kierunki.

Taniec nowoczesny ma swoje korzenie w balecie klasycznym. Z jednej strony taniec nowoczesny powstał jako reakcja na formalne, sztywne ograniczenia baletu klasycznego (np. nacisk w tym stylu kładzie się na swobodne, ekspresyjne ruchy, czego nie ma w balecie klasycznym, w którym wszystko podlega pewnym zasady), z drugiej strony taniec nowoczesny zawiera wiele ruchów i kroków z baletu klasycznego, które znajdują się w repertuarze tańca współczesnego.

Przyczyną powstania nowoczesnego kierunku choreografii był kryzys klasycznej szkoły baletowej na początku XX wieku. Tancerze tamtych czasów potrzebowali nowych technik, które pozwoliły im wyrazić nowe wyobrażenia o ludzkiej wolności, dalekie od tradycji tańca klasycznego.

Ideą tańca współczesnego jest swoboda i ekspresja ruchów, które dają niesamowitą możliwość wyrażenia swoich uczuć w najbardziej żywych kolorach.

Na przestrzeni XX wieku pojawiło się wiele różnych kierunków, taniec nowoczesny obejmuje takie kierunki jak: taniec nowoczesny, kontakt improwizacja, jazz nowoczesny, taniec współczesny, free plastik, lock, pop lock, breakdance, hip-hop, jazz, funk i wiele innych.

Idee tańca współczesnego wyprzedził już w 1830 roku słynny francuski nauczyciel i teoretyk ruchu scenicznego Francois Delsarte, który badał związek między głosem, gestem i emocjami. Twierdził, że tylko gest wolny od konwencji i stylizacji jest w stanie zgodnie z prawdą oddać wszystkie niuanse ludzkich przeżyć.

Początki tańca współczesnego sięgają początków XX wieku, trzema muzami wczesnego tańca nowoczesnego w Ameryce były Isadora Duncan, Ruth St. Denis i Loy Fuller. Stworzyli własne szkoły baletu nowoczesnego – sztuki wolnej od konwencji. Improwizacja i swobodna choreografia to podstawowe zasady sztuki tańca współczesnego. W różny sposób integrowali w swoich tańcach filozofię, dramat, wodewil i historię starożytną, co posłużyło za punkt wyjścia do stworzenia podstaw tańca współczesnego. XX wiek przyniósł wiele nowych rodzajów i stylów tańca, z których najbardziej znane to boogie-woogie, taniec jazzowy, blues, Charleston, rock and roll, Macarena, step, lambada i tańce latynoamerykańskie. Pod koniec XX wieku powszechne stały się tańce w stylu disco, hip-hop, breakdance, hustle, krump, tektonika, rytm i blues i inne.

Isadora Duncan i kilka jej podobnie myślących osób postanowiło rzucić wyzwanie tradycyjnej choreografii. Otworzyli własne szkoły, w których uczyli podstaw współczesnego baletu. Główną ideą tego stylu tańca była swobodna choreografia oparta na improwizacji i wyrażaniu własnych emocji. Isadora Duncan uznawana jest za powszechnie uznawaną twórczynię tańca współczesnego. Swoją działalność rozpoczął pod koniec XIX wieku. Isadora Duncan to innowatorka i reformatorka choreografii, która w swoich tańcach nadała plastyczne ucieleśnienie treści muzycznych, wolnych od formalistycznych form baletu klasycznego. Klasyczną szkołę baletową skontrastowała ze swobodnym tańcem plastycznym. Wykorzystywała starożytną grecką plastyczność, tańczyła w chitonie i bez butów. Jako jedna z pierwszych wykorzystała w tańcu muzykę symfoniczną, m.in. Chopina, Glucka, Schuberta, Beethovena i Wagnera. Isadora marzyła o stworzeniu nowej osoby, dla której taniec byłby czymś więcej niż naturalnym. Swoim tańcem przywracała harmonię duszy i ciała. Otworzyła przed ludźmi taniec w czystej postaci, „wartościowy sam w sobie”, zbudowany według praw czystej sztuki. W harmonijnej sztuce tańca Isadory Duncan pragnienie harmonii i piękna wyraża się w idealnej formie. Zaczynając od muzyki, zmierzała w stronę kanonu harmonicznego, przez co stała się główną i jedyną założycielką całego tańca współczesnego. Duncanowi udało się idealnie dopasować emocjonalną ekspresję obrazów muzycznych i tanecznych. Ruch zrodził się z muzyki, a nie był przez nią poprzedzony. Język tańca Duncana był językiem naturalnych, wyrazistych, swobodnych ruchów. Niezwykle ekspresyjna i muzykalna Isadora w swoich tańcach improwizacyjnych wykorzystywała swobodne, zrelaksowane ruchy ciała. Głównym bogiem Duncana była naturalność. W swoim imieniu zaprzeczyła technice i wyczerpującemu treningowi. Praktyka artystyczna Duncana zadziwiała współczesnych niesamowitym połączeniem świata przeżyć emocjonalnych, sztuk plastycznych i muzyki.

Drugie pokolenie w dziedzinie tańca współczesnego to tacy choreografowie jak: Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman, Helen Tamiris, Hania Holm. Ich zasługa polega przede wszystkim na tym, że każdy z nich był nie tylko znakomitym choreografem i performerem, ale także pedagogiem, który stworzył własny system szkolenia tancerzy. Pierwszym nauczycielem, choreografem i performerem, który konsekwentnie tworzył system tańca, był M. Graham. Pierwsze inscenizacje w Nowym Jorku w 1926 roku, „Heretyk” i „Prymitywne tajemnice”, przyniosły sukces jej grupie. Graham tworzył spektakle oparte na legendarnych tematach epickich i fabułach z mitologii starożytnej i biblijnej. Przede wszystkim dążyła do stworzenia dramatycznie bogatego języka tańca, zdolnego przekazać cały kompleks ludzkich doświadczeń. Drugą najważniejszą choreografką i pedagogiem była Doris Humphrey. Przywiązując dużą wagę do plastycznej precyzji i techniki tańca, Doris Humphrey jednocześnie przeciwstawiła się pięknu i wyrafinowaniu tańca Saint Denis. Na jej twórczość wpływał folklor amerykańskich Indian i Murzynów, a także sztuka Wschodu. Jako pierwsza w Stanach Zjednoczonych uczyła kompozycji tanecznej, a swoje doświadczenia podsumowała w książce „The Art of Dance”.

W latach 50. zaczęło tworzyć trzecie pokolenie. Po drugiej wojnie światowej młodzi performerzy i choreografowie stanęli przed dość palącym pytaniem: kontynuować tradycje starszego pokolenia, czy szukać własnych sposobów rozwoju sztuki tańca. Część choreografów całkowicie porzuciła doświadczenia poprzednich pokoleń i pogrążyła się w eksperymencie. Wielu z nich odrzuciło zwyczajową przestrzeń sceniczną i przeniosło swoje przedstawienia na ulice, do parków itp., odrzuciło formę przedstawienia, wciągającą widza w spektakl teatralny. Zmieniło się podejście do kostiumów, muzyki i innych elementów akcji teatralnej. Wielu choreografów całkowicie porzuciło akompaniament muzyczny i posługiwało się wyłącznie instrumentami perkusyjnymi lub hałasem. Kompozytorzy często stawali się współtwórcami choreografa, tworząc muzykę jednocześnie z ruchem. Jednym z kontynuatorów tradycji poprzedniego pokolenia był Jose Limon. Jego choreografia jest złożoną syntezą amerykańskiego tańca współczesnego i tradycji hiszpańsko-meksykańskich z ostrymi kontrastami zasad lirycznych i dramatycznych. Bohaterowie ukazani są w chwilach największego napięcia, skrajnego duchowego uniesienia, gdy ich poczynaniami kieruje podświadomość. Największą popularność zdobyły jego spektakle „Pavane of the Moor”, „Dancing for Isadora”, „Mass of War Times”. Duchowym „ojcem” awangardy choreograficznej był niewątpliwie Merce Cunningham. Był jednym z tych, którzy poszli własną drogą i założyli własną szkołę tańca. Jego performansy zadziwiały nieoczekiwanym podejściem do ruchu. Cunningham postrzegał spektakl jako połączenie niezależnie stworzonych, niezależnych elementów. M. Cunningham uważał, że tańcem może być każdy ruch, a kompozycja tańca budowana jest według praw przypadku. Głównym zadaniem choreografa jest stworzenie chwilowej choreografii, w której każdy wykonawca ma swój własny rytm i własny ruch. Podobnie jak M. Graham i D. Humphrey, M. Cunningham stworzył własną technikę i szkołę tańca. Tym samym na początku lat 70. XX w. wyłoniło się kilka głównych szkół tańca – nowoczesnych: technika M. Grahama, D. Humphreya i H. Limona, technika M. Cunninghama. W tym samym czasie rozwijał się i udoskonalał system tańca jazzowego.

Taniec jazzowy wywodzi się z tańców plemion afrykańskich. Taniec jazzowy został przywieziony do Ameryki przez niewolników z Afryki w XVII i XVIII wieku. Będąc już w Ameryce, szybko przywrócili swoje święta i zwyczaje oraz przystosowali się: zamiast bębnów zaczęli klaskać w dłonie i wybijać rytm stopami. Na kilka stuleci połączyły się dwie kultury, afrykańska i amerykańska, w wyniku czego powstał wyjątkowy ognisty taniec. W latach 20 W XX wieku muzyka i taniec jazzowy zyskały ogromną popularność. Na scenie zaczęli występować profesjonalni tancerze, wnosząc nowe techniki do stylu jazzowego i zaczynając uczyć jazzu innych. Jednocześnie jazz został wzbogacony o elementy tańców europejskich.

W latach 40. i 50. Muzyka popularna uległa znaczącym zmianom, a taniec wraz z nią. W tym okresie pojawiły się nowoczesne style jazzowe. Obecnie istnieje wiele stylów jazzu tańczonych do różnych rodzajów muzyki. Ale wszystkie te style łączą energiczne i rytmiczne ruchy. Rytm i koordynacja to najważniejsze aspekty tańca jazzowego. Cechą charakterystyczną jazzu jest synkopa – podkreślane są nie tylko mocne uderzenia taktu, ale także słabe uderzenia taktu. W tańcu jazzowym często wykorzystuje się ruchy bioder i miednicy, które nadają tańcu szczególnej wyrazistości. Izolowane ruchy są główną cechą tańca jazzowego. Naturalnie nauczyciele i choreografowie w coraz większym stopniu syntetyzowali różne techniki i style tańca podczas swoich lekcji i występów. Pierwszym nauczycielem i choreografem, który w swojej twórczości połączył techniki tańca nowoczesnego i jazzowego, był Luigi (Eugene Louis), który dokonał syntezy technik tańca klasycznego i jazzu. W 1966 roku Gus Giordano opublikował pierwszy podręcznik poświęcony współczesnym technikom jazzowym. Zainteresowanie współczesnym tańcem jazzowym stopniowo rośnie, a amerykańscy nauczyciele organizują pierwsze seminaria. Tak więc na początku lat 70. powstał nowy kierunek - nowoczesny jazz. Taniec jazzowy, przechodząc od tańca codziennego, folklorystycznego poprzez sceniczny, teatralny, stopniowo staje się szczególnym rodzajem sztuki tańca, który podbija całą Europę.Szkoła ta podbiła wiele krajów świata, pozwala na najpełniejsze kształcenie umiejętności tancerza ciało. Taniec jazzowy stale się zmienia, częściowo z tego powodu. Tancerze mogą wnieść do tańca własne ruchy, a także dlatego, że jazz tańczy się do szerokiej gamy muzyki. Obecnie można wyróżnić rodzaje jazzu: jazz klasyczny i jazz tradycyjny. Są to wczesne formy tańca jazzowego wykonywane przez Afrykanów.

Afrojazz to próba połączenia współczesnego jazzu z jego afrykańskim przodkiem. Swoją nazwę wzięła od ulicy w Nowym Jorku, przy której znajduje się wiele teatrów.

Pod koniec lat 60. taniec jazzowy mocno zajął swoje miejsce w wielu obszarach współczesnej choreografii, jednocześnie rozpoczynając proces łączenia głównych szkół współczesnej choreografii. Pierwszym nauczycielem i choreografem, który w swojej twórczości połączył techniki tańca nowoczesnego i jazzowego, był Jack Cole Luigi (Eugene Louis), który dokonał syntezy technik tańca klasycznego i jazzu. W 1966 roku Gus Giordano opublikował pierwszy podręcznik dotyczący nowoczesnych technik tańca jazzowego. Zainteresowanie współczesnym tańcem jazzowym w Europie Zachodniej stopniowo rośnie, a pierwsze seminaria prowadzą amerykańscy nauczyciele.

W latach 70. XIX wieku w Ameryce popularne stały się style tańca ulicznego, takie jak lock, breakdance, hip-hop, w latach 90. takie style jak funk, krump. Na początku tańce te miały charakter spontaniczny: młodzi ludzie zbierając się, organizowali własne konkursy taneczne, nazywając je bitwami. Następnie z wyprzedzeniem zaczęli przygotowywać się do bitew, zapraszając widzów i grupy wsparcia. Obecnie takie zawody odbywają się już na poziomie międzynarodowym w różnych miejscach naszej planety.

Blokowanie - technicznie rzecz biorąc, blokowanie jest bardzo zbliżone do swojego przodka, hip-hopu, dlatego zapożyczono z niego wiele elementów: ostre i intensywne ruchy, różne rzucanie i machanie rękami, skoki różnego rodzaju i poziomu. Blokowanie jest syntezą ruchu i bezruchu.

Hip-hop to ruch kulturowy, który powstał wśród klasy robotniczej Nowego Jorku pod koniec lat siedemdziesiątych. Jest to styl tańca, na podstawie którego zbudowane jest całe współczesne słownictwo tańców klubowych. Wesoły i energiczny, nieagresywny taniec, którego technika opiera się na „huśtaniu” ciała, podskokach i połączeniu drobnych ruchów rękami i nogami. Muzykę wyróżnia łamany, dynamiczny rytm o średnim tempie z krótkimi wstawkami instrumentów.

Breakdance – pierwsza część przedstawia tzw górna przerwa, która daje praktycznie nieograniczone możliwości, ograniczone jedynie wyobraźnią wykonawcy lub zespołu wykonawców. Można w nim w pełni i szeroko ujawnić się, improwizując zarówno w ruchu, jak i przed występem, tworząc i wymyślając nowe elementy i ruchy. Ruchy w tym kierunku wymagają od tancerza pewnego treningu i wyróżniają się specyfiką wykonania oraz imitują nietypowe dla człowieka na co dzień rodzaje ruchów: mechaniczne z unieruchomieniem w określonych punktach lub przegubowe, przypominające ruchy nakręcanych zabawek, także imitacja ruchów robotycznych czy ruchów gumowych kończyn. Druga duża część, tzw łamanie, czasami nazywany low breakdance, wydaje nam się, jak wskazano powyżej, aktywny, energiczny i wymaga od wykonawcy porządnego przygotowania fizycznego. Dolna przerwa wygląda bardzo efektownie i jest wypełniona elementami akrobatycznymi.

Crump jest rozwinięciem stylu „Clowning” lub „Clown Dance”. Jego cechą charakterystyczną jest siła i siła performera, mające na celu uwolnienie tancerza od negatywnej energii poprzez wylanie emocji ze sceny. Taniec Clownów został stworzony na początku lat 90-tych przez Thomasa Johnsona, czyli Tommy the Clown. W 1992 roku Johnson zaczął łączyć różne lokalne elementy tańca i tworzyć niepowtarzalny, wszechstronny styl, który pomógł mu również w kontynuowaniu własnej kariery jako klaun dziecięcy. Tancerze Crump częściej współdziałają ze sobą i pracują z wagą partnera. Wykonawcy tacy jak Missy Elliott, Chemical Brothers, Black Eyed Peas, wykorzystujący krumping w swoich filmach, rozsławili ten taniec na całym świecie.

W 1972 roku pojawiła się improwizacja kontaktowa. Kontakt improwizacja to taniec, w którym improwizacja budowana jest wokół punktu kontaktu z partnerem. Kontakt improwizacja jest formą tańca swobodnego. Za twórcę szkoły kontakt improwizacji słusznie uważany jest Amerykanin Steve Paxton. Choreograf i tancerz, studiował taniec nowoczesny i klasyczny, gimnastykę i aikido oraz spędzał dużo czasu na badaniach nad improwizacją taneczną. W improwizacji kontaktowej ruch następuje po przesunięciu punktu styku ciał partnerów. Ruch dominuje, gdy stykają się dwa ciała, szukając wzajemnych trajektorii przestrzennych podczas interakcji z ciężarem ciała. W tańcu kierują się uczuciami partnerów, ich intencją utrzymania lub nieutrzymywania kontaktu fizycznego oraz kontynuowania poszukiwania wzajemnego wsparcia.

Hustle to taniec w parach oparty na improwizacji i „prowadzeniu”.

W tłumaczeniu z angielskiego hustle oznacza „hustle and busy”. To zbiorcza nazwa tańca do muzyki disco popularnej w latach 80., takiej jak disco-fox, disco swing i sam hustle.
Jest to taniec „towarzyski” – czyli w swojej istocie niezwykle prosty, tańczony w czterech liczbach (disco-fox w trzech) do niemal każdej muzyki, nie wymaga długiego szkolenia i pozwala tańczyć każdemu po odrobinie praktyki.

Im bogatsza i bardziej różnorodna stała się muzyka wraz z pojawieniem się nowych instrumentów elektromuzycznych, tym bardziej pojawiały się różne trendy muzyczne, a wraz z nimi różne style taneczne. Pod koniec lat 80. i na początku 90., wraz z pojawieniem się wideo, popularne stały się pewne style. Twórczość Michaela Jacksona, zwanego wówczas Królem Popu i Królem Tańca, dała początek nowemu typowi performansu – „a la Jackson”. Jego najsłynniejsze teledyski z albumów „Thriller”, „Bad” wykorzystywały ruchy disco, break, hip-hop.

W XX wieku pojawił się termin „taniec pop” – jest to wytwór świeckiej historii sztuki, odzwierciedlający przede wszystkim miejsce, do którego wkracza wykonawca. To znaczy nie scena teatru, ale scena przedstawienia rozrywkowego lub sali koncertowej. Pojęcie „pop dance” obejmuje także stylizacje tańców ludowych, tańców sportowych, tańców półklasycznych, tańców w stylach choreografii codziennej, stepu; obecnie na scenie możemy zobaczyć całkiem sporo przedstawień wykonywanych środkami tańca jazzowego lub taniec nowoczesny. Zatem koncepcja „pop dance” łączy całkiem sporo dziedzin sztuki choreograficznej. Jednak obecnie wiele uniwersytetów oraz instytutów kultury i sztuki ma wydziały tańca „popowego”. Niestety, z tym zamieszaniem terminologicznym nic nie da się zrobić.

Można z całą pewnością powiedzieć, że wiek XX był prawdziwym przełomem twórczym dla choreografii i swego rodzaju rewolucją w kulturze tańca.

Podsumowując, możemy powiedzieć, że taniec nowoczesny jest pojęciem względnym, chwilowym, a każdy okres ma swoją własną kulturę muzyczną, która rodzi nowe rodzaje tańca. Jednak współczesne style tańca mają dość różnorodne elementy, co czyni je bardziej demokratycznymi i przystępnymi dla osób z pewnymi ograniczeniami w zakresie plastyczności i elastyczności.

Spektakl choreograficzny „Lina” opiera się na kierunku tańca współczesnego – wolnej plastyczności.

Darmowy plastik- ruch, który narodził się na początku XX wieku na rzecz wyzwolenia się z ram tańca klasycznego i połączenia tańca z życiem. W tym stylu sformułowano zasady, na których opierał się taniec nowoczesny i jazzowo-modernistyczny, taniec współczesny, a nawet kontakt improwizacja. Założycielką bezpłatnej chirurgii plastycznej była Isidora Duncan.

Jednym z ideologicznych źródeł tańca swobodnego był ruch na rzecz doskonalenia fizycznego, wyzwolenia ciała, zaprzeczania ramom i granicom, mieszania trendów i stylów tanecznych. Twórcy wolnego tańca wierzyli, że każdy może i powinien tańczyć, a taniec pomoże każdemu rozwijać się i zmieniać jego życie. Bezpłatna chirurgia plastyczna to zawsze emancypacja, wyrażanie siebie, „ucieczka”, to szczególne podejście do siebie, swojego ciała, szczególny sposób myślenia. Swobodna plastyczność pozwala być zarówno spontanicznym, jak i świadomym; Daje możliwość kreatywnego wyrażenia siebie, poczucia radości ruchu, harmonii ciała z muzyką i rytmem. Swobodna plastyczność to trend we współczesnej choreografii. Rodzaj tańca scenicznego, który w zadziwiający sposób łączy w sobie elementy choreografii jazzowej, stylu nowoczesnego i technik tańca klasycznego.

1.2. Źródła i motywacja wyboru tematu spektaklu choreograficznego „Więzy”

Tematyka fabuły spektaklu choreograficznego „Więzy” oparta jest na krótkometrażowym filmie „Lina”. Krótka fabuła filmu (a właściwie szkiców) jest następująca: młody mężczyzna i dziewczyna „opamiętają się” na środku ulicy, są związani liną plecami do siebie i nie mogą się uwolnić. Dziewczyna stawia opór, a facet idzie w zamierzoną stronę. Spotykani przechodnie w różny sposób reagują na ich sytuację: jedni je ignorują, inni kpią. Ostatnia napotkana osoba rozwiązuje je, głaszcze dziewczynę po twarzy i rozwiązuje ją. Wtedy dziewczyna zdaje sobie sprawę, co się stało i rozumie, że nie może żyć bez młodego mężczyzny. Młody człowiek, gdy został rozwiązany, chciał uderzyć wyzwoliciela, ale po prostu go odepchnął, wrócił do dziewczyny i razem zaczęli ponownie wiązać się liną.

Właściwie ten film jest metaforą. Lina, jako symbol relacji, pewnego rodzaju nieświadomej lub świadomej zależności w relacjach z drugą połówką – to właśnie jest głównym tematem tego filmu.

Podobną symbolikę często można znaleźć w kinie i literaturze, w pisaniu piosenek współczesnych muzyków; odmianą liny mogą być kajdanki, łańcuchy, kajdany. Podobne historie można znaleźć w mitologii Platona: idealne istoty o czterech ramionach, czterech nogach i dwóch głowach, które zostały rozdzielone przez stwórcę i które całe życie spędzają na ziemi w poszukiwaniu bratniej duszy.

Kolejnym drugoplanowym wątkiem filmu jest stosunek otaczających ich ludzi do obserwowanej przez nich sytuacji, ich reakcja. Ludzie wokół nich czerpią satysfakcję z patrzenia na cierpienie dwóch połączonych ze sobą osób. To dwójka przechodniów, którzy naśmiewają się z nich, próbują ich naśladować, a ich samoocena wzrasta z tego, co widzą. Potem na swojej drodze spotykają dwóch chuliganów, którzy próbują z nich kpić i poniżać. Tylko jedna osoba okazała współczucie i pomoc.

Pod koniec filmu, co jest ciekawsze dla zrozumienia znaczenia, jakie zamierzył autor: bohaterowie idą razem, trzymając się za ręce, ona kładzie mu głowę na ramieniu. Każdy widz, oglądając film, wyciągnie własne wnioski: ktoś powie, że miłość w związku powinna iść w parze z wolnością obojga partnerów, a ktoś zrozumie miłość nie jako już wolność, ale zależność.

Zależność występuje nie tylko w relacjach opartych na miłości, ale także w relacjach między rodzicami i dziećmi, w przyjaźniach między przyjaciółmi, między ludźmi, którzy z jakiegoś powodu są zmuszeni być razem. Moja produkcja ukazuje zależność psychologiczną pomiędzy dwojgiem przyjaciół. Świadomość wzajemnej zależności, gdy przyjaciele przekroczyli pewną granicę w swojej relacji i rozwinęli taki stopień intymności psychicznej, w którym oboje lub jedno z nich zatraciło się i ta okoliczność zaczęła obciążać każdego z nich. Na przykład takie uczucie może powstać w wyniku wzajemnej empatii w niektórych trudnych sytuacjach. Powiedzmy, że mąż lub narzeczony opuszcza jedną z przyjaciółek – wtedy druga przyjaciółka staje się „wszystkim” dla pierwszej – pocieszycielką, doradcą i matką. Jednocześnie pocieszycielka cieszy się jej potrzebą i znaczeniem, czuje się silna, dojrzała i mądra – w końcu jej rady są tak potrzebne przyjaciółce, która chętnie z nich korzysta.

Pocieszycielka, zapominając o sobie i bliskich (mężu, dzieciach), spędza dni przeżywając wydarzenia z życia przyjaciółki jak własne, nie odróżniając już życia swojego od życia przyjaciółki. W ten sposób zatracasz się w relacjach między przyjaciółmi i pojawia się uzależnienie. Przychodzi taki moment, kiedy wszystko w życiu zaczyna się poprawiać dla „nieszczęśliwej” przyjaciółki (na przykład pojawia się mężczyzna), ona stopniowo odsuwa się od pocieszycielki - w końcu nie jest już potrzebna.

I tu pocieszycielka przeżywa prawdziwą mękę – odczuwa pustkę, samotność (mimo obecności męża i bliskich), ból i jest zazdrosna o przyjaciółkę o nowego wybrańca, co powoduje u niej irytację i niechęć do komunikowania się. Z zewnątrz może to wyglądać komicznie, ale w rzeczywistości jest to bardzo bolesna sytuacja, która dla porzuconej kołdry może skutkować nerwicami, depresją i utratą zainteresowania życiem. Często ponadto byłe dziewczyny zrywają, przestając się widywać i komunikować. I ich przyjaźń, w której było wiele dobra i szczerości, dobiega końca.

Początki sztuki tańca sięgają czasów starożytnych. Dowodem na to są malowidła naskalne przedstawiające tańczące postacie, powstałe prawdopodobnie w okresie neolitu (8 – 5 tys. lat p.n.e.).

Wciąż nie ma zgody co do prymatu narodzin tańca, pieśni czy muzyki, jedno jest bezsporne – pojawienie się tańca wiąże się ze świadomością rytmu towarzyszącego określonej sekwencji ruchów ciała. Te rytmiczne ruchy ciała mogły nieść ze sobą różną treść, co później stało się powodem powstania wielu teorii na temat pochodzenia tańca (jego poprzedników nazywano grami, rytuałami magicznymi lub religijnymi, instynktami erotycznymi itp.). Każda z teorii ma prawo istnieć, a także nie można jej uważać za jedyną prawdziwą. Ich wnikliwe badania potwierdzają wniosek – taniec przez cały czas odgrywał ważną rolę w życiu społecznym człowieka, w jego harmonijnym, estetycznym i fizycznym rozwoju.

Już na pierwszym etapie swojego istnienia taniec starał się oddać rzeczywistość w formie społecznej, wydobyć jej najbardziej charakterystyczne cechy i nadać im określony obraz. Pierwszą muzyką dla tancerzy były dźwięki bębnów, dźwięk brzęczących bransoletek i amuletów, pierwszym makijażem było malowanie twarzy na wzór krwi, a pierwszym doświadczeniem aktorskiej wyrazistości było naśladowanie różnych zwierząt. Naukowcy mieli okazję zaobserwować to wszystko na początku XX wieku wśród Indian z Brazylii i niektórych plemion indiańskich Ameryki Północnej.

Oprócz odtwórczych, taniec pełnił także funkcję edukacyjną. Amerykański badacz uchwycił przykład tańca wojennego w wykonaniu 33 szeregów po 33 osoby każdy. Ta ogromna masa tancerzy, działających zaskakująco harmonijnie, odzwierciedlała siłę i potęgę armii.

Narodziny sztuki tańca

Pierwsze tańce starożytności były dalekie od tego, co nazywa się dzisiaj tym słowem. Miały zupełnie inne znaczenie. Za pomocą różnorodnych ruchów i gestów osoba przekazała swoje wrażenia z otaczającego go świata, oddając w nich swój nastrój, swój stan umysłu. Krzyki, śpiewy, zabawy pantomimiczne splatały się z tańcem. Sam taniec zawsze i wszędzie był ściśle związany z życiem i sposobem życia ludzi. Dlatego każdy taniec odpowiada charakterowi i duchowi ludzi, z których pochodzi. Wraz ze zmianą ustroju społecznego i warunków życia zmienił się charakter i tematyka sztuki, zmienił się także taniec. Jej korzenie sięgały głęboko w sztukę ludową.

Taniec był bardzo powszechny wśród narodów starożytnego świata. Tancerze starali się, aby każdy ruch, gest i wyraz twarzy wyrażał jakąś myśl, działanie lub czyn. Tańce ekspresyjne miały ogromne znaczenie zarówno w życiu codziennym, jak i publicznym. Bardzo często rozpoczynały się uroczystości, którym towarzyszyły tańce.

Dla człowieka żyjącego w prymitywnym społeczeństwie taniec jest sposobem myślenia i życia. Techniki łowieckie ćwiczone są w tańcach przedstawiających zwierzęta; Taniec wyraża modlitwy o płodność, deszcz i inne pilne potrzeby plemienia. Miłość, praca i rytuał są ucieleśnione w ruchach tanecznych. Taniec w tym przypadku jest tak związany z życiem, że w języku meksykańskich Indian Tarahumara pojęcia „praca” i „taniec” wyrażają się tym samym słowem. Głęboko postrzegając rytmy natury, ludzie prymitywnego społeczeństwa nie mogli powstrzymać się od naśladowania ich w swoich tańcach.

Tańce prymitywne są zwykle wykonywane w grupach. Okrągłe tańce mają określone znaczenie i określone cele: wypędzanie złych duchów, uzdrawianie chorych, odpędzanie kłopotów od plemienia. Najczęstszym ruchem jest tutaj tupanie, być może dlatego, że powoduje drżenie ziemi i poddaje się człowiekowi. Tańce w kucki są powszechne w społeczeństwach prymitywnych; tancerze uwielbiają się kręcić, drgać i skakać. Skakanie i kręcenie się wprawiają tancerzy w stan ekstazy, czasami kończący się utratą przytomności. Tancerze zazwyczaj nie noszą ubrań, ale noszą maski, wyszukane nakrycia głowy i często malują swoje ciała. Akompaniamentem jest tupanie, klaskanie i gra na wszelkiego rodzaju bębnach i rurach wykonanych z naturalnych materiałów.

Plemiona prymitywne nie mają uregulowanej techniki tańca, ale doskonałe przygotowanie fizyczne pozwala tancerzom całkowicie poświęcić się tańcu i tańczyć z absolutnym oddaniem, aż do szaleństwa. Tańce tego rodzaju nadal można zobaczyć na wyspach południowego Pacyfiku, Afryce oraz Ameryce Środkowej i Południowej.

Ważne informacje wizualne na temat rozwoju tańca w starożytnym Egipcie można znaleźć w zapisach hieroglificznych, drewnianych płaskorzeźbach, obrazach wyrytych w kamieniu, rzeźbach i różnych przedmiotach ze starożytnych grobowców. W Abydos – miejscu, gdzie według Egipcjan pochowano boga zmarłego Ozyrysa – podczas letniego przesilenia odbywały się rytuały połączone z tańcem i muzyką. W świątyniach mieszkały grupy śpiewaków i tancerzy, które uczestniczyły w kulcie bogów. Jednym z głównych świąt był rytuał poświęcony bykowi Apis, podczas którego „słudzy” byka wykonywali tajne tańce.

Poczucie teatralności było bardzo silne wśród mieszkańców starożytnego Egiptu. Nawet tancerze świątynni wykonywali akrobatyczne wyczyny, a na płaskorzeźbach widać kobietę wykonującą szpagaty, kobietę wyrzucaną w powietrze, a następnie podnosiną przez dwóch partnerów, oraz mężczyznę stojącego na jednej nodze i szykującego się do wykonania piruetu.

Tańce pogrzebowe i ceremonialne wyróżniały się surowością i prostotą, jednak z biegiem czasu zaczęły pojawiać się inne, bardziej dekoracyjne rodzaje tańca. Mężczyźni i niewolnice uczono tańca dla rozrywki domowej. Do Egiptu sprowadzono tancerzy z innych krajów. Podróżujące trupy aktorów zawodowych wykonywały pantomimy i akrobacje przy akompaniamencie tamburynów i kastanietów. Przez pewien czas popularne były tańce czarnych pigmejów.

W dziełach starożytnych poetów, pisarzy i artystów odnaleziono nazwy tańców i ich uczestników, a także opisano zasady ich wykonania.

Na przykład starożytny grecki poeta Homer opisał okrągły taniec w Iliadzie, a w Odysei - męski duet na tle tańczących młodych mężczyzn. Lucian napisał cały traktat „Dialog o tańcu”. Opisy tańców znajdziemy także u Arystotelesa, Filostrata, w tragediach Ajschylosa, Sofoklesa, Eurypidesa oraz w komediach Arystofanesa. Liczne wizerunki tancerzy i tancerzy na płaskorzeźbach, malowidłach wazowych i rzeźbach opowiadają także o naturze starożytnych tańców greckich. Najbardziej znane to płaskorzeźba „Tańczące młode Greczynki”, obraz wazonowy „Cordax” i „Sikinnis”, rzeźby „Tańcząca Greczynka”, „Tańcząca Maenada”, słynne figurki Tanagry, „Running Mercury”.

Tańce starożytnych Greków można podzielić na sakralne (ceremonialne, rytualne), wojskowe, sceniczne i towarzyskie. Inne ludy miały tańce o mniej więcej tym samym charakterze.

Według legendy święte tańce zostały przeniesione do Grecji z Egiptu przez Orfeusza. Widział ich podczas świąt świątynnych Egipcjan. Ale podporządkował swoje ruchy i gesty własnemu rytmowi, a one stały się bardziej spójne z charakterem i duchem Greków. Tańce te wykonywano przy dźwiękach liry i wyróżniały się surową urodą. Święta, a co za tym idzie tańce, często były poświęcone różnym bogom: Dionizosowi, bogini Afrodycie, Atenie. Odzwierciedlały określone dni roboczego roku kalendarzowego.

Tańce wojskowe w starożytnej Grecji odegrały dużą rolę w zaszczepianiu młodzieży odwagi, patriotyzmu i poczucia obowiązku. Zwykle tańce wojskowe, pyrrusowe wykonywały dwie osoby. Były takie masowe pyrrysze, w których tańczyli tylko młodzi mężczyźni, a czasem razem z młodymi mężczyznami tańczyły dziewczęta. Tańce wojskowe odtwarzały bitwę, różne formacje bojowe, były to złożone kompozycje choreograficzne. Tancerze mieli w rękawach łuki, strzały, tarcze, zapalone pochodnie, miecze, włócznie i strzałki. Fabuła tańców bohaterskich z reguły odzwierciedlała mity i legendy o bohaterach.

Tańce sceniczne starożytnych Greków były częścią przedstawień teatralnych, a każdy gatunek miał swoje własne tańce. Podczas tańców performerzy wybijali rytm stopami, w tym celu zakładali specjalne drewniane lub żelazne sandały, czasem wybijali rytm rękoma za pomocą swoistych kastanietów – muszli ostryg – zakładanych na środkowe palce.

Tańce towarzyskie i codzienne towarzyszyły uroczystościom rodzinnym i osobistym, świętom miejskim i państwowym. Były różne rodzaje tańców: domowe, miejskie i wiejskie. Różniły się one tematyką i projektem kompozycyjnym oraz składem wykonawców. To właśnie tańce towarzyskie miały ogromny wpływ na pojawienie się tańca scenicznego.

Surowi wojownicy rzymscy z pierwszych wieków naszej ery szczególnie upodobali sobie wojenne tańce na pamiątkę porwania kobiet Sabine. Według legendy wprowadził go Romulus. Odbywały się także tańce kapłanów wychwalające bogów, miały raczej charakter uroczystej procesji.

U schyłku Cesarstwa Rzymskiego taniec i pantomima stały się niemoralnymi widowiskami i szanowani obywatele Rzymu traktowali je z pogardą. O tańcach Rzymian pisali w swoich traktatach Cyceron i Horacy.

Taniec brzucha to jedna z najstarszych i najbardziej tajemniczych form sztuki tańca. Jego historia owiana jest tajemnicami i tajemnicami. Kultura Wschodu zawsze przyciągała ludzi swoim pięknem i szczególnym urokiem.

Obecnie istnieje wiele legend związanych z historią tańca brzucha i jego wykonawcami. Każdy może sobie wyobrazić elastyczne piękno poruszające się harmonijnie w rytm rytmicznej muzyki. Jednak niewiele osób może z całą pewnością odpowiedzieć na pytanie „skąd wziął się taniec brzucha?” i czy dobrze to rozumiemy.

WERSJE POCHODZENIA TAŃCA Brzucha. KORZENIE HISTORYCZNE.

Istnieje ciekawa legenda, która opisuje pojawienie się tańca brzucha jako wypadek. Podobno pewnego dnia pod powiewającym ubraniem ulicznej tancerki przeleciała pszczoła. Owad był zdezorientowany cudownym aromatem olejków wydobywającym się z dziewczyny. Tancerka, nie przerywając występu, próbowała pozbyć się irytującej, wijącej się w tańcu pszczoły. Dziewczyna zrobiła to bardzo z wdziękiem i plastycznie, więc przypadkowi widzowie wzięli to za szczególny rodzaj tańca i byli naprawdę zachwyceni. Inteligentna dziewczyna, zauważając sukces i uwagę, nadal poruszała się w nowy, niespotykany dotąd sposób, pokazując piękne linie swojego ciała i ramion. Wiele osób polubiło ten taniec i zaczął się rozprzestrzeniać.

Oczywiście jest to tylko legenda. Historia tańca brzucha trwała znacznie dłużej niż występ jednej pięknej dziewczyny. Korzenie tańca orientalnego sięgają głęboko w historię i nawet obecnie nie da się dokładnie określić miejsca narodzin tańca brzucha.

Powszechnie przyjmuje się, że podstawą tańca brzucha były starożytne tańce rytualne, które niosły ze sobą sakralne znaczenie. Chwalili kobiecą zasadę, boginie płodności i kobiety w ogóle. Taniec brzucha symbolizował to, co w ówczesnym społeczeństwie uważano za boskie przeznaczenie każdej kobiety: proces poczęcia dziecka, rodzenia płodu i samego porodu. Jednak stopniowo taniec zaczął tracić swoje sakralne znaczenie i nabrał bardziej świeckiego kierunku.

Jeśli mówimy o miejscu, w którym powstał taniec brzucha, wielu badaczy skłania się ku starożytnemu Egiptowi. Warto jednak zauważyć, że do powstania tego rodzaju tańca przyczyniło się wiele ludów. Tym samym początkowo różnorodny i bogaty taniec egipski uzupełnili tancerze z Indii. Były to giętkie i wyrafinowane bajadery, posiadające doskonałe przygotowanie choreograficzne. Ruchy ich rąk były wyjątkowe i miały szczególne znaczenie. Wpływ wywarli także bliscy sąsiedzi Egipcjan: Persowie, Syryjczycy, Palestyńczycy i niektóre kraje afrykańskie. Swój wkład wnieśli także cygańscy koczownicy. Przez wiele stuleci własne tańce ludowe łączono z tradycjami indyjskimi, arabskimi, żydowskimi i hiszpańskimi. W Grecji taniec wyrażał emocje bardziej energicznie, jasno i ostro. W Turcji wraz z rozwojem terytorium pojawiało się coraz więcej tańców ludowych, które stopniowo się ze sobą mieszały. Dzięki temu powstała szeroka gama ruchów, nowe niezwykłe rytmy i formy.

DYSTRYBUCJA I POPULARYZACJA TAŃCA Brzucha. NIEPRAWIDŁOWA NAZWA.

Napoleon otworzył Egipt na Europę. Wyrafinowani Europejczycy zainteresowali się nową, nieznaną kulturą. Zainteresowanie podsycili pisarze i artyści, którzy jako pierwsi odwiedzili tajemniczy kraj, spiesząc się, by we wszystkich barwach opisać piękno wschodu, w tym rodzime piękności-tancerki. Pierwsi podróżnicy nie pozostawali w tyle, opowiadając o kulturze Wschodu jako o czymś magicznym, egzotycznym i erotycznym. Dlatego zainteresowanie było duże i udało się to z powodzeniem wykorzystać.

Już w 1889 roku w Paryżu po raz pierwszy pojawił się tzw. „taniec orientalny”. Kilka lat później jeden z impresario takich przedstawień postanowił przyciągnąć jak największą publiczność, stosując na plakatach szczery i prowokacyjny jak na ówczesne standardy tytuł – „Danse Du Ventre” („taniec brzucha”). Oczekiwany efekt został osiągnięty. Wielu było skłonnych zapłacić każdą cenę, aby zobaczyć półnagie egzotyczne tancerki. Pomysł i styl tańca od razu pokochał Hollywood. Miało to silny wpływ na dalsze rozpowszechnianie się „tanieca brzucha”. Popularność spektaklu z udziałem tancerzy orientalnych rosła, a nazwa ściśle „dorosła” do samego stylu ich tańca.

Później próbowali interpretować tę nazwę na różne sposoby, ponownie nadając tańcowi głębokie znaczenie. Na przykład niektórzy wyznają wersję, w której taniec brzucha oznacza „taniec życia” (kilka wieków temu życie nazywano brzuchem). A życie jest kojarzone szczególnie z kobietą, matką ziemią i płodnością.

Ponadto „bellydance” może być po prostu błędną interpretacją terminu „baladi”. Oznaczało to „ojczyznę” w najszerszym tego słowa znaczeniu. Był to egipski taniec ludowy, tańczony na wsiach przy różnych okazjach, najczęściej w domu, w gronie najbliższych.

W tej chwili istnieje ponad 50 stylów tańca orientalnego. Każdy z nich jest w różnym stopniu nasycony elementami właściwymi dla tego czy innego tańca ludowego, który wiele wieków temu stanowił podstawę „tanieca brzucha”.

HARMONOGRAM ZAJĘĆ TAŃCA ORIENTALNEGO



PONIEDZIAŁEK

NIEDZIELA

KOSZT ZAJĘĆ GRUPOWYCH

LEKCJA PRÓBNA:

1
godzina
600 rubli.
200 rubli.

2
godziny
1200 rubli.
300 rubli.

3
godziny
1800 rubli.
400 rubli.

POJEDYNCZE KLASY:

1
godzina
600 rubli.

SUBSKRYPCJE: *

1
godzinę tygodniowo
4-5 godzin miesięcznie
2000 rubli.
1900 rubli.
438 rub./godz

2
godzin w tygodniu
8-10 godzin miesięcznie
4000 rubli.
3200 rubli.
369 rub./godz