Partia emerytów Rosji. Na wystawie w Manege jednym z centralnych dzieł była praca „Obraz i widzowie”. Ważne jest, abyś był zrozumiany

Artysta Eric Bułatow- jeden z żywych klasyków sztuki rosyjskiej drugiej połowy XX wieku i jeden z tych, których nazwisko znane jest na całym świecie, a także kustosze muzeów, kolekcjonerzy i licytatorzy. Dwa lata temu zakrojona na szeroką skalę retrospektywa "Żyję - widzę" w Maneżu najpełniej pokazał swoją drogę w sztuce. Teraz w „Warsztat Piotra Fomenko”, w holu nowa scena do połowy grudnia odbyła się niewielka ekspozycja litografii Bułatowa - artystycznego dodatku do przedstawień teatru - ulubionego moskiewskiego publiczności.

Od ponad dwudziestu lat Bułatow mieszka w Paryżu, aby złapać go w Moskwie - powodzenia. Korzystając z okazji, ARTANDHOUSES rozmawiały z artystą o tym, jak ważne jest pierwsze wrażenie, Sots Art i niewolność społeczna, sztuka rosyjska na Zachodzie i jak oprzeć się presji rynku.

Po Galerii Trietiakowskiej i Maneżu wystawa w foyer teatru, nawet tak niezwykłego jak Warsztat Piotra Fomenko, wygląda niecodziennie. Co łączy Cię z teatrem i dlaczego ten projekt jest dla Ciebie interesujący?

Historię teatru zacznę z daleka. mam niezwykłą rzadkie imię- Eric. Jest to zwykle postrzegane jako zdrobnienie. Ale faktem jest, że moi rodzice byli wielkimi widzami teatralnymi, a ich ulubionym aktorem był Michaił Czechow. Najbardziej podobał im się w roli Erica XIV w tragedii Strindberga. I tak się stało - Strindberg, Czechow iw rezultacie jestem Erykiem.

Jeśli chodzi o obecną wystawę, będąc jeszcze studentem, dobrze znałem Petyę Fomenko - byliśmy z nim przyjaciółmi. Wspomnienia z tamtych czasów jest bardzo dużo, więc dla mnie nie jest to jeden z teatrów, ale ten, z którym moje życie jest bezpośrednio związane. Kiedy poproszono mnie o zrobienie wystawy we foyer, pomyślałyśmy z Natashą, że trudno będzie tam zrobić poważną wystawę - zarówno drogie, jak i trudne do transportu obrazy z Paryża, ale możemy pokazać litografie wykonane z oryginałów moje prace. Ale co najważniejsze, był to pretekst, by umówić się na spotkanie-rozmowę z aktorami i innymi gośćmi. Jeśli jest potrzeba, żebym coś opowiedział, wyjaśnił o swojej pracy, nie unikam tej możliwości, wręcz przeciwnie, uważam to za swój obowiązek.

Czy chodzisz do teatru?

W Paryżu – rzadko, głównie wtedy, gdy na tournee przyjeżdżają teatry z Moskwy czy Petersburga. A tak przy okazji, widzieliśmy wszystko, co Teatr Fomenko przywiózł do Paryża. W Moskwie, gdy jest okazja, jedziemy z przyjemnością.

Historycy sztuki pasjonują się klasyfikacją sztuki według stylów i trendów, a twoją pracę często określa się mianem Sots Art, ale zaprzeczasz jakiemukolwiek powiązaniu z nią…

Zaprzeczam, bo po pierwsze podstawą Sots Art jest ironia. Nie jestem przeciwny ironii jako takiej, po prostu w moich pracach nie ma ironii i nigdy. Po drugie, i to chyba najważniejsze, artyści Sots Art, idąc za mistrzami amerykańskiego pop-artu (bo Sots Art w istocie jest pop-artem opartym na sowieckim materiale ideologicznym), twierdzą, że ta warstwa rzeczywistości w której istniejemy jest jedyną prawdziwą rzeczywistością, jaką mamy. Wszystko inne - niektóre rzeki, lasy, chmury - jest niejasne i niejasne. Jak napiszą w gazecie, że taki a taki las został wycięty, to będziemy wiedzieć, że był i został wycięty. Jeśli radio ogłasza, że wojna się zaczęła, to wojna. A więc, kto wie, może w rzeczywistości nic nie ma. Sens mojej pracy zawsze był taki, że ta ideologicznie określona przestrzeń ma granicę, granicę, a moją pracą jako artysty jest wytyczenie tej granicy i pokazanie, że można ją przekroczyć, wyskoczyć z tej społecznej przestrzeni. To znaczy, moje zadanie jest wprost przeciwne do tego, co Sots Art wyraził w taki czy inny sposób, chociaż materiał jest ten sam.

„Zachód lub wschód słońca”
1989

Podobnie jak polityka...

To nie jest polityka – to jest nasze życie. Zostało to niejako nakreślone przez ideologiczne standardy, klisze. Ukształtowały naszą świadomość i nie można od nich uciec. wyrazić moje własne życie i życia, które widziałem wokół, nie musiałem się odwracać, nie udawać, że nie zauważyłem sowieckich rozkazów, ale pracować z nimi. Moim zadaniem jest wyrażanie świadomości ludzi tamtych czasów.

Jak z biegiem czasu zmieniło się znaczenie, które nadałeś swojej pracy i czy zmieniło się?

Coś się oczywiście zmieniło. Rzeczywistość sowiecka się skończyła, mieszkałem w innym kraju, choć także w przestrzeni społecznej. Przestrzeń społeczna, jak rozumiem, nie może być wolna – w taki czy inny sposób kontroluje ją jakaś ideologia. Nie było ideologii komunistycznej, ale była ideologia rynku, co też jest rzeczą niebezpieczną dla świadomości ludzi, choć nie tak agresywną i nieludzką. Mimowolnie uczy człowieka od dzieciństwa, że cały sens życia leży w nabywaniu i radości. Są ku temu całkiem zrozumiałe powody, ale jeśli ktoś zdecyduje, że żyje tylko po to, to jest to niebezpieczne. Tak więc dla mnie problem wolności - brak wolności pozostał nawet po wyjściu z ZSRR. Wyglądała inaczej, ale nie zniknęła. Stopniowo ten horyzont społeczny zmienił się w moim umyśle w horyzont egzystencjalny. Możliwość wyskoczenia z przestrzeni społecznej była już oczywista, ale wtedy pojawia się horyzont egzystencjalny, który w końcu stwarza te same problemy, ale na bardziej niepewnym i bardziej wysoki poziom. Wolę o tym nie mówić, bo wydaje mi się, że moje prace powinny już tu mówić, w każdym razie staram się to osiągnąć.

Wspomniałeś o rynku. Czy po wyjściu z ZSRR poczułeś jego presję i nowy rodzaj braku wolności?

Wszystko mi się ułożyło szczęśliwie – nie musiałem niczego udowadniać ani podbijać, byłem już uznanym artystą i tak zostałem zaproszony. Po prostu robiłem swoje. Moje prace od razu dobrze się sprzedawały i kosztowały całkiem sporo. Mieszkaliśmy z Nataszą przez rok w Ameryce i udało nam się już kupić mieszkanie w Paryżu. Ale był taki moment. Moja pierwsza wystawa odbyła się w Szwajcarii, w Kunsthalle w Zurychu, potem jeździła po Europie, pokazywana była m.in. w Centrum Pompidou oraz we Frankfurcie w Muzeum Uniwersytetu Porticus, gdzie gościł ją Kasper Koenig, ważna postać w świecie sztuki ( w 2014 roku Kasper Koenig był kuratorem Europejskiego Biennale Sztuka współczesna Manifesta 10 w Petersburgu. -DOMKI SZTUCZNE) . Odbyła się dyskusja na temat mojej pracy ze studentami i zapytano mnie, czy naprawdę robię dwa lub trzy obrazy rocznie. Odpowiedziałem, że tak, jest. Wtedy Kasper Koenig powiedział bardzo ostro: „To dlatego, że masz świadomość prowincjonalną. Mieszkałeś na prowincji, gdzie możesz to robić, ale teraz przyjechałeś do nas, a nie możesz tego zrobić tutaj. Spójrz - twój przyjaciel Kabakov natychmiast się zorientował, zachowywał się poprawnie i jak dobrze wszystko się układa. A ty potrzebujesz tego samego." Od tego czasu minęło prawie trzydzieści lat, pracowałem i nadal pracuję i nikt mi nie mówi, że to prowincjonalne. Czy można to uznać za presję? Może tak. Ale to od artysty zależy, jak zareaguje na tę presję.

"Żaluzja. Mona Lisa”
1997–1998 / 2004–2005

Dlaczego piszesz dwa lub trzy zdjęcia rocznie - czy ważne jest, abyś zdał sobie sprawę z tego, co w nie wkładasz?

Nie, zawsze wiem z góry, czego chcę. To po prostu nie działa dla mnie, to wszystko. muszę dużo zrobić rysunki przygotowawcze zrozumieć, jak wyrazić to, czego chcę i znaleźć podstawową konstrukcję przestrzenną. I dopiero gdy go znajdę, mogę przejść do obrazu jako takiego. Nigdy nie dostaję niczego łatwego, zawsze bolesnego, z z wielkim trudem i zazdroszczę artystom z talentem do lekkiego artyzmu. Ale to, co nie jest dane, nie jest dane.

Na wystawie w Manege jednym z centralnych dzieł była praca „Obraz i widzowie”. Czy ważne jest, abyś był zrozumiany?

Na pewno. Nie sądzę, żeby to miało dla kogokolwiek znaczenie. Ale wiesz, chodzi o to, że nie widzę różnicy między mną a widzem. Rozumiem siebie jako widza, na którym się skupiam. Jeśli coś jest nie tak z mojego punktu widzenia, to staram się to naprawić. Oczywiście, jeśli to, nad czym pracuję, nie spotyka się z reakcją publiczności, to dla mnie szkoda.

A potem co robisz?

Próbuję wyjaśnić. Nasza krytyka artystyczna w tej dziedzinie jest bardzo słaba. To, co piszą o mojej pracy, generalnie staram się nie czytać, ale jeśli zdarzy ci się to przeczytać, to z reguły jest to bardzo niestosowne. To jedno, gdy osąd bierze się z tego, że widz rozumie, co chcesz zrobić, ale widzi, że nie dasz rady – to poważny osąd i trzeba się z tym liczyć. Ale w większości przypadków sądy są zupełnie inne – widz nie widzi, co właściwie robię, i przypisuje mi coś, co sam sobie wyobraził, nie patrząc na moje obrazy. Nie mogę liczyć się z takim osądem, ale staram się wyjaśnić, o co mi chodziło.

„KPSU SŁOWIAŃSKIEGO”
1975

Czy możesz podać konkretny przykład?

Podam przykład z obrazem „Chwała KPZR”. Dla mnie ten obraz jest bardzo ważny, jedna z moich głównych prac. epoka sowiecka. To jest formuła ideologii sowieckiej, tak jak ją rozumiem. Ten obraz, na pierwszy rzut oka, jest plakat polityczny- litery pisane na niebie, bez ironii, wszystko jest takie, jakie jest. Ale wszystkie moje wysiłki polegały na tym, żeby między tymi czerwonymi literami a chmurami stworzyć taką odległość, żeby litery nie kleiły się do chmur, ale były oddzielone. A gdy tylko okaże się, że nie są ze sobą powiązane, od razu widać, że są sobie przeciwne, bo litery zamykają przed nami niebo i nie wpuszczają nas, nie dają nam możliwości wejścia tam. Takie jest znaczenie obrazu wizualnego. Te listy strasznie agresywnie zawłaszczają całą przestrzeń między sobą a nami, ale za nimi kryje się zupełnie inny świat - przestrzeń wolności. Jeśli tego nie widać, uzyskuje się zupełnie inny obraz. To nieporozumienie, które nieustannie pojawia się w związku z moją pracą. Interakcja przestrzenna, konflikt między przestrzenią a płaszczyzną, jest dla mnie zawsze bardzo ważny. Nie zauważać tego znaczy po prostu nie oglądać moich obrazów.

Opowiedz nam o swojej ostatniej ważnej pracy.

Najważniejsza dla mnie z tych ostatnich jest praca, którą wykonałem we Francji, w Pirenejach, w opuszczonym zakładzie metalurgicznym z XIX wieku. Przestrzeń zakładu zrobiła na mnie ogromne wrażenie swoją tragedią i jednocześnie nie beznadziejnością, bo z jednej strony jest to porzucona siła, moc, energia, a z drugiej starają się ją dać nowe życie otwierając na terytorium Centrum Kultury. Wydawało mi się, że ta przestrzeń jest bardzo podobna do tego, co dzieje się w dzisiejszej Europie i Rosji. Zrobiłem też dla nich pracę ze słów, to zdanie „Wszystko nie jest takie straszne” – dwumetrowe stalowe litery, wysokie na cztery piętra, aż po dach. Litery są czarne, mają około pół metra grubości, końce są czerwone, a gdy patrzymy na nie z perspektywy, pojawiają się przebłyski czerwieni. W dachu znajdują się okna, przez które wpada światło, co daje niesamowity efekt. Okazało się to bardzo wyraziście - napięta, dramatyczna sytuacja, obraz niepokoju, ale jednocześnie nie beznadziejny. Widziałem reakcję ludzi, którzy przyszli na otwarcie – wrażenie było mocne.

Czy litery są rosyjskie?

Czy obcokrajowcy to rozumieją?

To jest wieczne pytanie. Nie ma znaczenia, czy na moje obrazy patrzą cudzoziemcy czy Rosjanie, bo tak naprawdę percepcja nie zaczyna się od zrozumienia, zaczyna się od natychmiastowego kontaktu emocjonalnego. Nie musi to być zachwyt, wręcz przeciwnie, może być ostrym, wrogim odrzuceniem – to nie jest przerażające. Teraz, jeśli jest zupełna obojętność, jeśli ktoś patrzy na ścianę, żadne wyjaśnienia nie mogą się ożywić. Ta pierwsza chwila jest decydująca. Ale jeśli natychmiast pojawi się jakieś zainteresowanie, jakakolwiek reakcja - oszołomienie, zaprzeczenie, pytanie, to następnym krokiem będzie zrozumienie. A potem cudzoziemiec przeczyta, co oznacza to zdanie i tak jak Rosjanin, wszystko zrozumie. Niestety w moim przypadku to z rosyjskimi słowami okazało się, że jest odwrotnie w czas sowiecki. Słowa te były tak „gorące” związane z obecną sytuacją, że po przeczytaniu frazy „Chwała KPZR” lub „Witamy”, ludzie odwracali się od obrazu i wychodzili. Osoba uznała, że jest to deklaracja polityczna i jakie są tam penetracje przestrzenne. Kiedy próbowałem coś wyjaśnić, powiedzieli mi, że to blef. W tym sensie cudzoziemcy mają przewagę. Mój los był taki, że najpierw moje prace zostały docenione za granicą, a potem tutaj, w Rosji.

"Co? Gdzie? Kiedy?"
2006

Czy to dla ciebie krępujące?

Nie. Dlaczego miałbym się tym obrażać? Teraz w Rosji traktują mnie bardzo dobrze, kochają mnie, w Moskwie zresztą. A to, że od tego się zaczęło… Potem oczywiście szkoda.

Mówiąc o sztuce drugiej połowy XX wieku łączysz się z innymi artystami swojego pokolenia w grupie „nonkonformistów” lub „drugiej awangardy”. Czy czujesz się częścią tego pokolenia?

Oczywiście byliśmy połączeni, ale z drugiej strony każdy miał swój pomysł zarówno na sztukę, jak i na swoje zadanie. Wszyscy przedstawialiśmy się jako artyści, którzy nie chcą pracować na polecenie władz. A kto chce czego - pozytywny program był inny.

Byłeś w Centrum Pompidou na niedawnym otwarciu wystawy”. Czy podobał Ci się sposób prezentacji pracy?

Skomplikowany problem. Nie obrażam się, bo niektóre z moich głównych prac są tam prezentowane, są dobrze pokazane, ale nie jestem zadowolony z ogólnej sytuacji. Sama zasada selekcji, kiedy muzeum otrzymuje to, co mu jest dane, wydaje mi się wątpliwa. Kolekcjoner bardzo rzadko rozstaje się z najlepszymi rzeczami, ale muzeum powinno nadal mieć najlepsza praca. Są szczęśliwe wyjątki - Semenichins naprawdę mi dali ważna praca„Chwała KPZR”, ale ogólnie uważam, że to nie jest właściwe podejście.

Wystawa „Kolekcja! Sztuka nowoczesna w ZSRR i Rosji 1950–2000”
Centrum Pompidou
Paryż

Czy uważasz, że ten prezent może zmienić stosunek do sztuki rosyjskiej na Zachodzie, czy jest to nasze utopijne marzenie?

Myślę, że do pewnego stopnia. Proces opanowania języka rosyjskiego sztuka nadchodzi ale jak dotąd bardzo, bardzo powoli. Do tej pory na Zachodzie panuje przekonanie, że nie ma sztuki rosyjskiej. Był mały epizod - awangarda lat 20., ale to był wpływ sztuki francuskiej, a także sztuka rosyjska XIX wiek to prowincjonalny niemiecki. Awangarda okazała się obca sztuce rosyjskiej i nie miała ani poprzedników, ani naśladowców – tak jest postrzegana na Zachodzie, z czym zupełnie się nie zgadzam i staram się o niej rozmawiać i pisać. Oczywiście awangardyści negowali jakikolwiek związek ze sztuką XIX wieku, ale to cecha wszystkich innowatorów, nie tylko Rosjan. Jeśli spojrzymy na sytuację obiektywnie, okaże się, że tak nie jest. Jeśli chodzi o obserwujących, musisz to wziąć pod uwagę sytuacja polityczna, w którym znalazła się sztuka rosyjska w czasach stalinowskich, kiedy rozwijała się wcale nie według własnych praw, ale według instrukcji z góry. A uważanie, że to jest jego naturalny rozwój, jest albo głupie, albo podłe. Dlatego tutaj możemy mówić tylko o moim pokoleniu, o ludziach, którzy w końcu zaczęli próbować mówić własnym językiem. Wsiewołod Niekrasow, którego uważam za naszego największego poetę drugiej połowy XX wieku, nazwał naszą erę „erą sprzeciwu”. I tu już widać wpływ awangardy.

Niektórzy z naszych artystów są nadal rozpoznawani na Zachodzie, dosłownie dwóch lub trzech. Mówię to nie z urazy – po prostu nie mam na co narzekać. Kabakov, Komar i Melamid są rozpoznawani, ale jest to postrzegane jako osobisty sukces i nie dotyczy w ogóle sztuki rosyjskiej, która wydaje się nie istnieć. Pod wieloma względami jest to zresztą wina naszych teoretyków, nie tylko artystów. Nie myślą o tym, nie robią tego. Niemniej jednak pojawiają się młodzi artyści, którzy działają na arenie międzynarodowej. Więc prędzej czy później sztuka rosyjska zajmie jej miejsce, do czego ma prawo. Miałem nadzieję, że zrobi to moje pokolenie. Ale to nie wyszło.

Czy czujesz więź z artystami minionych pokoleń?

Oczywiście - i XIX wiek i początek XX, z konstruktywistami Malewiczem. Wystarczy spojrzeć na moje zdjęcia, opowiedzą Ci o tym.

Krytyk sztuki, obserwator rynku sztuki. Absolwent Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego. Śr. Łomonosow (Wydział Historyczny, Katedra Historii Sztuki). Stały współpracownik magazynów The Art Newspaper, Snob i Robb Report. Współpracowała z wieloma rosyjskimi mediami, m.in. radiem Business FM, Vedomosti, RBC Daily, Nezavisimaya Gazeta, magazynem Expert, portalem Culture of Moscow. Autorka albumów o życiu i twórczości artystów z serii „Galeria Geniuszy” dla wydawnictwa „Olma Media Group”.

Eryk Bułatow. Odbić się. 1994

Jest jedynym rosyjskim artystą, którego prace były wystawiane w Luwrze, w Narodowym Centrum Sztuki i Kultury Pompidou oraz w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Paryżu. W 1988 roku Eric Bułatow został uznany przez UNESCO najlepszy artysta roku. Mistrz mówi, że nie bez ironii odnosi się do tego stanu rzeczy, tymczasem pozostaje autorem obrazów, które zawsze odnoszą sukcesy na czołowych aukcjach.

Eric Władimirowicz Bułatow jest jednym z najbardziej znanych rosyjskich artystów awangardowych. Uważany jest za jednego z założycieli tzw. sztuki Sots. Urodzony w Swierdłowsku w 1933 roku. Absolwent instytut sztuki nazwany na cześć VI Surikov.

Eryk Bułatow. Żaluzja. Gioconda. 2006

Obrazy Bułatowa są rozpoznawalne na całym świecie. Wynika to z unikalnej techniki. Sztuka lub pop-art w języku rosyjskim. Jego obrazy są zawsze przesycone symboliką, która w zaszyfrowanej formie przedstawia widzowi jego obserwacje absurdalności sowieckiej rzeczywistości, która znajduje się na granicy punktu zwrotnego pędząc z boku na bok, szukając wyjścia, ale tam to tylko ślepe zaułki, wokół są tylko urzędnicy z ich całkowitą arbitralnością i wszechobecnym przemysłem Zachodu, który jest potężny jak klinem w osłabioną skorupę kultury narodu radzieckiego.

Często są to słowa i zdania ówczesnych sowieckich plakatów wyrwane z kontekstu, nałożone na sam obraz, potwierdzające, deprecjonujące lub uzupełniające się nawzajem. Wszystko to, jako niezadowolenie z rzeczywistości, jako kpina, protest i rewolucyjny nastrój, znajduje odzwierciedlenie w sztuce Erica Bułatowa.

Eryk Bułatow. Horyzont. 1971-1972

W tym sensie artysta okazał się prawdziwym talentem. Niewiele jest w naszym kraju artystów, którzy na polu awangardowym potrafili zdobyć taką popularność na całym świecie. Nie chodzi tu nawet o antysowieckie nastroje w niektórych krajach świata, które znajdują oparcie w jego obrazach, ale o sam talent autora, jego podejście do malarstwa, do symbolizmu, do nowego gatunku, który pielęgnował i postaw na nogi.

E. Bulatov zaczął tworzyć pierwsze wstawki w 1957 roku. Następnie wystawy odbywały się wyłącznie w Rosji, które jednak były dość poszukiwane ze względu na fakt, że społeczeństwo, jak powiedział Wiktor Tsoi, „czekało na zmiany”. Od 1973 artysta zaczął wystawiać za granicą. Od 1992 roku mieszka w Paryżu. Uważany za jednego z najdroższych rosyjskich artystów. Jego praca „Soviet Space” została sprzedana za 1,6 miliona dolarów na aukcji Philipsa.

Eryk Bułatow. Ulica Krasikowa. 1977

"Chciałem pokazać sowieckie życie po prostu taki, jaki jest, bez wyrażania z nim żadnego związku. W moim malarstwie nie było wyraźnego protestu, nie miałem ochoty do czegoś przekonywać widza: patrz, jakie to straszne! Nie byłem bohaterem walki społecznej jak Oscar Rabin. Moje zadanie było zasadniczo inne: chciałem, aby widz zobaczył ich życie takim, jakie jest, ale żeby zobaczył je jakby z zewnątrz”.

„Chciałem stworzyć dystans między tą rzeczywistością a świadomością widza. Temu służył obraz, działając jako dystans, jako przykład odległego spojrzenia. Zbudowałem dzieło sztuki jako instancję między rzeczywistością a świadomością To było dla mnie ważne, żeby widz pomyślał: taka właśnie jest moje życie... Aby moje obrazy odbierał nie jako lekcję, ale też sam dokonywał odkrycia.

Eryk Bułatow. Chciałem, żeby był lekki, ale to nie zadziałało. 2002

Eryk Bułatow. Przez całą tę wiosnę. 1998

Eryk Bułatow. Zdjęcie do pamięci

Margaret Rismondo. Bulwar Raspail

firmament

Jesienny krajobraz

„Breżniew. Sowiecka przestrzeń ”(1977)

Rosyjski XX wiek

Chwała KPZR

Charakterystyczną i rozpoznawalną metodą twórczą Bułatowa jest zderzenie wyrwanego z kontekstu sowieckiej rzeczywistości tekstu plakatowego z elementem figuratywnym (najczęściej pejzażowym, zapożyczonym z prasy masowej). W efekcie artyście w niezwykle przystępny sposób udaje się zilustrować absurd rzeczywistości przesyconej symbolami sowieckiej propagandy.

Oprócz prac z motywu Sots Art, nawet w ich wczesna praca Akh Bułatow opracował teorię interakcji obrazu i przestrzeni. W tych jego pracach zauważalny jest wpływ Falka. Mocny, oryginalny etap jego twórczości, nieoceniony w kontekście historii sztuki.

Prace Bułatowa są regularnie wystawiane na aukcjach sztuki współczesnej. Tak więc na aukcji Philipsa praca „Soviet Space” poszła za około 1,6 miliona dolarów, dwa kolejne płótna o tematyce sowieckiej, w tym „Revolution - Pierestrojka”, zostały sprzedane po milion dolarów, co uczyniło Bułatowa jednym z najbardziej drogich współczesnych rosyjskich artystów.

Eric Bulatov „Liberte” 1992 - to zdjęcie pojawiło się na plakacie wystawy „Kontrapunkt”

14 października 2010 roku w Luwrze otwarto wystawę „Kontrapunkt: Rosyjska sztuka współczesna”. Na wystawie prezentowane są prace ponad dwudziestu artystów. Są to Erik Bułatow, Emilia i Ilja Kabakow, Witalij Komar i Aleksander Melamid, Walery Koszlakow, Aleksiej Kallima, Władimir Dubossarski i Aleksander Winogradow, Andriej Monastyrski, Wadim Zacharow, Jurij Leiderman, Jurij Albert, Avdey Ter-Oganyan i AES the Blue Noses + F i inni. W przededniu dnia otwarcia Jurij Kowalenko, korespondent Izwiestii we Francji, spotkał się w swoim paryskim studiu z akademikiem Ericiem Bułatowem.

Izwiestija: Żaden z rosyjskich artystów nie wystawiał w Luwrze za życia. Tak, i zachodni mistrzowie, którzy otrzymali taki zaszczyt, raz lub dwa, i policzyli. Jednym słowem wejście do Luwru jest fajne!

erik bułatow: Rzeczywiście, Luwr wydaje się nam wszystkim czymś nieosiągalnym. Ale nasz wystawa się odbędzie jak w piwnicach – w średniowiecznym Luwrze, gdzie wykopano fundamenty murów i wież pałacu. To miejsce na wystawę jest absolutnie nieodpowiednie. Tam, z wyjątkiem tego, że możesz wykonać instalacje lub pokazać wideo. Prawdziwa wystawa, która by mówiła najnowocześniejszy naszej sztuki - zwłaszcza w Roku Rosji we Francji, należało zaaranżować gdzie indziej. Na przykład w Narodowym Centrum Kultury i Sztuki im. Georgesa Pompidou.

i: Więc jesteś obrażony?

Bułatow: Nie obrażam się, ale po prostu nie chcę, żeby była euforia, nieumiarkowany entuzjazm: „Ach, Luwr, Luwr!” Ale niech tak będzie, dla nas, Rosjan, Luwr - święte miejsce do którego jesteśmy przywiązani. Niech gdzieś w kącie, w szparę.

oraz: Czy posiadanie „Kontrapunktu” oznacza uznanie naszej sztuki współczesnej? A może to tylko jedno z wydarzeń w ramach Roku Krzyża Rosji i Francji?

Bułatow: Zadaję sobie to pytanie. Są oznaki obu. Z jednej strony na Zachodzie od dawna panowało przekonanie, że sztuka rosyjska, poza artystami awangardowymi lat 20., po prostu nie istnieje. Wszystko inne - przed i po - jest prowincjonalne i drugorzędne. Oczywiście doceniono trzech lub czterech naszych artystów, ale ich sukces pozostał osobisty i nie został przeniesiony na sztukę rosyjską w ogóle. Z drugiej strony trwa - choć bardzo powoli - proces ustanawiania sztuki rosyjskiej jako całości.

oraz: W jakim stopniu obecna ekspozycja w Luwrze odzwierciedla współczesną sztukę rosyjską?

bułatow: Opiera się głównie na konceptualizmie - kierunku, który dość przekonująco zostanie zaprezentowany w Luwrze. Ale to nie cała nasza sztuka. Okazuje się, że nie obiektywny obraz, ale jakiś fragment. Wielu artystów, którzy wydają mi się bardzo ważni, jest nieobecnych na tej wystawie. Myślę, że na przykład powinien był zostać zaproszony Oscar Rabin.

oraz: Publiczność czeka niespodzianki. W dniu wernisażu w Luwrze artysta Jurij Leiderman organizuje swój performance: dwie kobiety po rosyjsku stroje ludowe sto głów kapusty rozdrabnia się na oczach widzów. Ze swojej strony jego kolega Jurij Albert poprowadzi publiczność przez Luwr z zawiązanymi oczami...

bułatow: To jest nasz konceptualizm.

oraz: Twój obraz "Liberte" ("Wolność") jest reprodukowany na plakacie wystawy - echo słynnego obrazu Delacroix "Wolność na barykadach".

Bułatow: Na wystawie są dwie moje prace. Oprócz tego jest też obraz „Czarny wieczór – biały śnieg”.

i: „Liberte” to podręcznikowy obrazek pod każdym względem. Razem z twoim innym dziełem - "Soviet Space" - weszło nawet do francuskich podręczników.

bułatow: otrzymałem ten rozkaz w 1989 roku, kiedy przygotowywałem się wielkie święto z okazji 200. rocznicy rewolucji. Mieli wznieść w powietrze sterowiec, który z jednej strony miał namalować rosyjski artysta, a z drugiej Amerykanin. I wpadłem na pomysł związany z naszym sytuacja rewolucyjna lata 80. Było wtedy wiele złudzeń kochających wolność.

oraz: Jak dziś zachodnia publiczność postrzega sztukę rosyjską?

Bułatow: Zawsze z zainteresowaniem. Przekonałem się o tym na wystawie „Pejzaż rosyjski” w Galeria Narodowa w Londynie. Muzeum jest bezpłatne, ale wystawa jest płatna. A ludzie stanęli, żeby się do tego dostać. Taką samą uwagę poświęca się wystawom rosyjskim w Paryżu. Problem pojawia się z krytyką – nie jest ciekawa.

I: A po czyjej stronie jest prawda?

Bułatow: Prawda nie może być po stronie tych, którzy próbują przewodzić sztuce. Błędem jest również zakładanie, że jest po stronie publiczności. Masy chodzą na przykład do Głazunowa lub Szyłowa. W każdym razie nie można nie liczyć się z publicznością, a przynajmniej z tymi, którzy chcą zrozumieć malarstwo. Muszą być wykształceni, trzeba z nimi pracować. Nie tylko ogłaszanie jednemu artyście dobrego, drugiemu złego, ale wyjaśnianie podstawowych podstaw sztuki.

oraz: Istnieje francuskie wyrażenie „trening oka”.

Bułatow: Nie tylko oczy, ale i głowa. Oko, jak powiedział mój nauczyciel Władimir Andriejewicz Faworski, można oszukać. Świadomość trudniej oszukać.

oraz: Favorsky był nie tylko artystą, ale także filozofem.

Bułatow: Był filozofem sztuki. Był związany z Florenskim i z naszym innym filozofowie religijni. Nie jestem filozofem, tylko artystą. Po prostu staram się zrozumieć, dlaczego i dlaczego robię to w ten sposób, a nie inaczej.

oraz: Czy nie jest to zbyt duża władza przejęta przez kuratorów, których nazywamy tu komisarzami? Artyści w ich rękach, twoimi słowami, jak materiał pomocniczy - farby i pędzle?

Bułatow: Mam wrażenie, że ogólna sytuacja się zmienia. Może dlatego, że wśród kuratorów następuje zmiana pokoleń.

oraz: Czy sztuka nie straciła pod wieloma względami swoich moralnych funkcji i nie stała się częścią przemysłu rozrywkowego?

Bułatow: Nie możemy obiektywnie oceniać dzisiejszej sztuki, bo oceniamy właśnie po tym, co nam pokazano. Nie wiem, jak to się ma do tego, co dzieje się w sztuce. Co więcej, mam nadzieję, że wcale tak nie jest. A o tym, jaką sztukę dzisiaj dowiemy się, może za pięćdziesiąt lat.

oraz: Nadchodzące zwycięstwo masowej kultury drobnomieszczańskiej na Zachodzie przepowiedział Hercen. Teraz wydaje się, że w końcu zyskało przewagę w Rosji.

Bułatow: Ona nie może całkowicie wygrać. Oczywiście nie żyjemy w renesansie, ale sztuka nie może zginąć. Jeśli tak się stanie ludzka egzystencja stanie się bez znaczenia. Sztuka zadaje pytanie, którego nikt inny nie zadaje: „Dlaczego człowiek?”.

i: Nadal chodzisz do Luwru, aby uczyć się z klasykami. Czego może nauczyć się znany artysta z długą tradycją?

Bułatow: Tak naprawdę niewiele mogę zrobić. Jest wielu rzeczy, których nie mogę zrobić.

i: Upokorzenie bardziej niż duma?

Bułatow: Nie, to prawda. Każdy artysta ma ścieżkę, którą podąża. A jeśli trochę się potkniesz, natychmiast znajdziesz się w grzęzawisku, w którym w ogóle nie nawigujesz. I za każdym razem Nowa praca trzeba zacząć od zera, decydować od nowa, bo w sztuce wszystkie decyzje są jednorazowe.

oraz: Czy nadal dręczą cię twórcze męki?

Bułatow: Wraz z Favorskym Falk był moim nauczycielem. Jako student przyszedłem pokazać mu swoją pracę. I zapytał mnie: „Co o nich myślisz?” Wtedy byłem w kompletnej rozpaczy z powodu własnej przeciętności i powiedziałem mu o tym. Falk odpowiedział mi: "To znaczy, że jesteś teraz w bardzo dobrym stanie twórczym. Powiem ci coś, co nie będzie dla ciebie pocieszeniem, ale co przyda się w przyszłości. Ten stan będzie trwał przez całe twoje życie. I jeśli minie, to ty, jak skończył artysta. Nigdy nie czułam się tak bezradna jak teraz, na starość, kiedy zaczynam nową martwą naturę.

oraz: Obok dzieł jakich wielkich artystów w Galerii Trietiakowskiej lub w Luwrze chciałbyś wystawić swoje obrazy?

Bułatow: W Luwrze – to przerażające – z „Koronacją Matki Bożej” Fra Angelico iz „Koncertem wiejskim” Tycjana. W Galerii Trietiakowskiej - z Aleksandrem Iwanowem lub z Lewitanem. Moim ulubionym obrazem Lewitana jest „Jezioro”, które znajduje się w Muzeum Rosyjskim. Miał się nazywać „Rus”, ale Lewitan zawahał się nadać tę nazwę, uznając, że zdjęcie nie powiodło się.

oraz: Dlaczego w waszej moskiewskiej pracowni wisi reprodukcja Mona Lisy?

Bułatow: Napisałem artykuł o Mona Lisie. Dla mnie ważne jest, jak ten obraz jest zaaranżowany, jak ukazany jest problem granicy między sztuką a życiem. Nad tym Leonardo pracował bardziej niż ktokolwiek inny.

oraz: Ale życie jest nadal ważniejsze niż sztuka?

Bułatow: Naprawdę nie wiem. Z jednej strony to prawda, z drugiej jednak życie jest tworzywem sztuki.

oraz: Mieszkając przez około dwie dekady we Francji, uważasz się za artystę rosyjskiego czy europejskiego?

Bułatow: Jestem artystą rosyjskim z wychowania i edukacji. Dlatego jestem artystą europejskim, jak wszyscy artyści mieszkający we Francji, Niemczech czy Włoszech.

oraz: Wśród twoich ulubionych mistrzów są Lewitan i Savrasov. Czy nie możesz ich zrozumieć swoim umysłem?

Bułatow: Artyści nie wpływają na umysł, ale na uczucia. Ich sztuka na tobie albo działa natychmiast, albo nie działa wcale. Jestem przekonany, że jeśli dobrze zestawić wystawę dziewiętnastowiecznych pejzaży rosyjskich, zrobi ogromne wrażenie.

i: Kiedyś powiedziałeś mi, że Lewitan i Malewicz nie są antypodami.

Bułatow: Ponieważ oba są zakorzenione w kulturze rosyjskiej, z pewnością nie są antypodami. Starali się, aby widz był uczestnikiem tego, co robią. Dla Lewitana bardzo ważne było, aby widz – z pominięciem malarstwa – od razu trafił w jego pejzaż, do brzozowego zagajnika.

oraz: Czy dziś może pojawić się nowy malarz pejzaży na poziomie Levitana?

Bułatow: Jest taki pejzażysta. To Oleg Wasiljew (przyjaciel i kolega Bułatowa, z którym uczą się razem od wielu lat grafika książkowa. - "Aktualności"). Jest zauważany, ale wciąż niedoceniany.

oraz: Brazylijczyk Gil Vicente namalował tuzin płócien przedstawiających rzekome zabójstwa George'a W. Busha, brazylijskiego prezydenta Luli da Silvy i obecnego papieża Benedykta XVI. Czy wszystko jest dozwolone artystom? Czy istnieje cenzura w sztuce?

Bułatow: Zewnętrzna cenzura jest oczywiście fatalna dla sztuki. Musi istnieć cenzura wewnętrzna. Co to jest? Kant ujął to najlepiej: „Gwiaździste niebo nad nami i prawo moralne w nas.” I wszyscy jesteśmy zobowiązani do przestrzegania tego prawa.

Eryk Bułatow. Wolność to wolność, 1997-98

Wasza wspólna wystawa z Władimirem Logutowem otwiera się właśnie w NCCA. Logutov to bardzo młody artysta, z pokolenia 30-latków. Czy czujesz ciągłość w tym artystycznym pokoleniu?

Właśnie w tym pokoleniu, pokoleniu 30-latków, czuję zainteresowanie mną. Oto pokolenie lat 90. „Medgermenevty”, Anatolij Osmołowski, był całkowicie zorientowany na Kabakowa - nie potrzebowali mnie, a zatem ja też ich nie potrzebowałem. Odsetki Młodsza generacja Czułem, kiedy wygłaszałem publiczne wykłady.

Czy nie zdarza Ci się, że widzisz twórczość młodego artysty – rosyjskiego lub obcego – i czujesz w nim swoją tradycję?

Wiesz, coś takiego się wydarzyło. Chociaż bardzo rzadko. Ale nie mogę powiedzieć nic konkretnego: prawie nie pamiętam nazwisk. Ale zawsze cieszę się, gdy widzę jakąś bliskość z artystą i to, czy jest młody, czy nie, nie ma znaczenia.

Eryk Bułatow. Wolność to wolność II. 2000-200

Ale młode pokolenie odchodzi od malarstwa do nowych form - instalacji, sztuki wideo, performance. Ten sam Władimir Logutow kręci wideo-arty. A ty uparcie nadal robisz zdjęcia.

To jest skomplikowany problem. Czym jest obraz? To pytanie nie ma jednoznacznej odpowiedzi. Myślę, że jest ich dużo współcześni artyści pracuje dokładnie z obrazem, po prostu nie zdając sobie z tego sprawy, wierząc, że porzucili obraz. Jest wiele przykładów - Cy Twombly, każdy z naszych konstruktywistów lat 20., cały amerykański pop-art, Artyści niemieccy- Richter, Bazylea, Kiefer. Obraz to przestrzeń na płaszczyźnie. Ale samolot to tylko podstawa, z której buduje się przestrzeń – albo po jednej stronie tej płaszczyzny, albo po drugiej. To wszystko. Przestrzeń tę można również zbudować z obiektów trójwymiarowych.

- Czyli malarstwo jako metoda sztuki może się jeszcze rozwijać?

Oczywiście ewoluuje i pokazuje swoje nowe możliwości. Obraz ma bardzo duży potencjał i to jest jego siła. Jestem całkiem zadowolony ze zdjęcia. Zobacz Co to jest instalacja? Jeśli instalacja jest przestrzenią, przez którą widz musi przejść, to z pewnością nie ma ona nic wspólnego z obrazem, bo obraz wymaga przede wszystkim od człowieka stałej pozycji w stosunku do niego. Ale jeśli instalacja ma granicę: po jednej stronie jest widz, a po drugiej następuje pewien proces; Dlaczego to nie jest zdjęcie? Jak instalacja Kabakowa „Człowiek, który poleciał w kosmos ze swojego pokoju”. Sztuka wideo to także obraz. Ale moje problemy są ponad moją głową, do końca życia będę ich miał dość, więc nie będę się wspinać na te tereny, robić instalacji czy sztuki wideo. Wszystkie moje problemy są całkiem dobrze rozwiązane dzięki zdjęciom.

W ostatnie czasy, wydaje mi się, że element społeczny opuszcza Twoje obrazy, choć wcześniej odgrywał dużą rolę. Wielu nazywało cię nawet założycielem Sots Art.

Nigdy nie byłem artystą Sots Art. Oczywiście moje obrazy, takie jak „Horyzont”, odegrały dużą rolę w kształtowaniu tego trendu, zgadza się. Ale artyści z Sots Art różnią się zasadniczo ode mnie. Znaczenie jest zupełnie inne. Moje obrazy to konfrontacja rzeczywistości zideologizowanej z rzeczywistością naturalną. Dwie rzeczywistości przeciwstawiają się sobie, a nasza świadomość jest całkowicie zablokowana przez tę ideologiczną przestrzeń. W tej samej sprawie. I nikt oprócz mnie nie poradził sobie z tym konfliktem. Potem zaczęli to robić, kiedy związek Radziecki już się zawalił.

Wydaje mi się, że we współczesnej sztuce rosyjskiej, a nawet moskiewskiej, często oddziela się to, co społeczne i formalne. Niektórzy artyści mówią tylko o tym, co społeczne, inni zupełnie o tym zapominają, wybierając „samotność odbioru”, jak ten sam Logutov.

Nie powinno być takiej luki. Przestrzeń sztuki musi być przecież połączona z przestrzenią naszej egzystencji, która oczywiście obejmuje przestrzeń społeczną. W końcu co powinna zrobić sztuka? Badanie natury przestrzeni, w której się znajdujemy, badanie naszego postrzegania tej przestrzeni. Sztuka próbuje wyrazić świat, w którym istniejemy, a który nie jest właściwie opisany ani rozpoznany. W końcu świat jest za każdym razem nowy i musimy znaleźć dla niego nazwę i obraz. Oto dzieło sztuki. Łączy sztukę z życiem i myślę, że o to właśnie chodzi w sztuce. To jest moje przekonanie. Przestrzeń społeczna odgrywa w tym świecie rolę, ale jest to tylko część i, jak jestem przekonany, nie najważniejsza.

- A na Zachodzie, na przykład w Paryżu, interesują się współczesną sztuką rosyjską?

Więc nie. Tyle, że na Zachodzie mocno wiedzą, że nie istnieje, więc nie ma się czym interesować. Jest muzyka rosyjska, jest literatura rosyjska, może rosyjski teatr, ale nie było i nie było sztuki rosyjskiej.

- Dlaczego to się dzieje?

Ciekawie byłoby poznać odpowiedź na to pytanie, ale nie do mnie należy odpowiadanie. Stało się to w latach 20. i 30. XX wieku i trwa do dziś. Kiedy w Paryżu zagrzmiało nazwisko Chagalla, odebrano to jako jego osobisty sukces. I tak jest ze wszystkimi: rosyjski artysta może odnieść sukces na Zachodzie, ale ten sukces nigdy nie zostanie przeniesiony na całą rosyjską sztukę. Chagall odniósł ogromny sukces, a pobliski Larionow i Gonczarowa umierali z głodu, bo nikt się o nich nie troszczył. Nawiasem mówiąc, kilku współczesnych rosyjskich artystów również wie, jak odnieść sukces, i nie mogę narzekać.

W tej nieuwadze na sztukę rosyjską jest arogancja, ale my sami jesteśmy w dużej mierze winni, bo rosyjskie wystawy, które się tu odbywają, są czymś strasznym. Niczego nie mogą udowodnić poza tym, że tak naprawdę nie ma sztuki rosyjskiej. To jest smutne. Wydawało mi się, że to jest sprawa mojego pokolenia - wprowadzić sztukę rosyjską w jedną, globalną przestrzeń sztuki. Niestety nam się nie udało: znowu tylko pojedyncze nazwiska. Mam nadzieję, że zrobią to kolejne pokolenia. Jednak proces nie stoi w miejscu.

- A co z rosyjską awangardą?

Wiesz, w Paryżu rosyjska awangarda jest postrzegana jako lądowanie sztuki francuskiej na rosyjski. Nasz XIX wiek uważany jest za gałąź prowincjonalną sztuka niemiecka, a następnie francuskie lądowanie, które dało nieoczekiwany rezultat. Potem spadochroniarze zostali zastrzeleni i było po wszystkim. Chociaż jest to bardzo niesprawiedliwe. Uważam, że na szczególną uwagę zasługuje również wiek XIX – to zdecydowanie nie jest branża prowincjonalna, choć na pewno były tu wpływy niemieckie.

Widzisz, ważne jest, aby nasi rosyjscy teoretycy i krytycy sztuki wreszcie zaczęli poważnie zajmować się tymi kwestiami. Spójrz, w naszej historii sztuki sztuka rosyjska XIX wieku znalazła się między dwoma biegunami: albo diabeł wie co (jak myślą niektóre z naszych czołowych postaci, jak Katia Degot na Zachodzie i później), albo jest to coś niezwykłego , najpiękniejszy i najwspanialszy stworzony kiedy Or, najlepszy na świecie. W rzeczywistości obie te pozycje są szkodliwe. Nie tylko źle, ale i szkodliwie. Trzeba uważnie przyjrzeć się, czym różni się od sztuki innych krajów i szkół, na czym polega jej istota, jakie są jej wady i zalety. Po prostu stygmatyzowanie lub wychwalanie to droga donikąd.

Ponownie, jeśli mówimy o sztuce rosyjskiej jako takiej, musisz zrozumieć, na czym polega związek różne epoki i gatunki. Naprawdę rosyjski XIX wiek i rosyjska awangarda – czy są to dwie przeciwstawne, wykluczające się rzeczy? Jeśli oba są sztuką rosyjską, to jest coś w rodzaju wspólna płaszczyzna, coś zunifikowanego. Ale nikt nie analizuje tych zjawisk. Dlaczego więc chcemy, aby inni myśleli, że mamy sztukę? W końcu tak naprawdę nie możemy nic o nim powiedzieć.

Mówisz, że być może następne pokolenie artystów będzie w stanie wyeksponować rosyjską sztukę na światowej scenie. Ale teraz mamy do czynienia z procesem globalizacji, kiedy różnice między sztuką różnych krajów coraz bardziej się zacierają. Może teraz ten wybór sztuki rosyjskiej nie ma sensu?

Powiem wam, że globalizacja to tylko mit, w rzeczywistości nie istnieje. Oczywiście zarówno Kiefer, jak i Baselitz są artystami całkowicie niemieckimi, nie sposób wyobrazić sobie Francuza takiego jak Baselitz. Albo Andy Warhol. Czy mógłby być Europejczykiem? Oczywiście nie. Inną rzeczą jest to, że są jasne osobowości, ale są też nudne. A ci bystrzy bardzo dobrze wyrażają swoją narodową podstawę. ponieważ podstawa krajowa- to jest rodzaj świadomości, to nie jest technika i nie natura obrazu. Mogą być dowolne, od figuratywnych po abstrakcyjne. Ten rodzaj świadomości nie może być anulowany. Tworzą go wszyscy Kultura narodowa- i muzyka, i literatura, i filozofia.

Sztuka rosyjska w tym sensie nie różni się od innych: typ świadomości pozostaje, jest najmniej elastyczna. Narzuca ona własne cechy narodowej percepcji sztuki. A sztuka rosyjska w tym sensie różni się w pewien sposób konkretnie od francuskiej. Nasz widz chce od sztuki nie tego, czego chce Francuz.

- A czego chce nasza publiczność?

Widzieć sztuka francuska zasadniczo zapieczętowane. Nie potrzebuje widza, bo dowodzi własnego znaczenia i nie zależy od tego, jak widz na to zareaguje. To jest bardzo ważny punkt. Nie jest to ani złe, ani dobre, po prostu bardzo charakterystyczne dla świadomości francuskiej. "Nie lubisz? Dobra, odejdź! Sztuka nic na tym nie straci, a ty stracisz. A nasza sztuka wymaga widza, bez widza nie może istnieć. Żadna sztuka nie potrzebuje odbiorców w takim stopniu jak sztuka rosyjska. Dotyczy to każdej epoki - i XIX wieku, Malewicza, Tatlina i naszych konceptualistów, kogo zechcesz. To jest sedno naszej świadomości.

Przekątna. Nacięcie

Może dlatego nasza sztuka nie jest postrzegana na Zachodzie? W końcu jeśli sztuka potrzebuje odbiorców, to jest ułomna.

Więc próbują to zinterpretować, tak jak ty teraz. Ale to nie ma nic wspólnego z użytecznością samej sztuki. Po prostu rodzaj świadomości.

Materiał przygotowała Elena Iszczenko.

Artysta Eric Bulatov jest uważany za twórcę kilku nowych stylów w sztuce światowej. Spod jego pędzla wyszły prace, które dały początek gatunkom rosyjskiego pop-artu, fotorealizmu, Sots Artu i moskiewskiego konceptualizmu. Prace mistrza należą do najbardziej drogie obrazy na świecie. Bułatow, choć mieszka w dwóch domach – rosyjskim i francuskim, często przyznaje, że chętnie wraca do ojczyzny, by naładować się inspiracją i nowymi pomysłami.

Dzieciństwo i młodość

Przyszły artysta urodził się 5 września 1933 w Swierdłowsku (obecnie jest to miasto Jekaterynburg). Mały Eryk został wcześnie bez ojca – zginął na froncie w 1944 roku. Matka chłopca była imigrantką z Polski, pracowała jako stenograf. W wywiadzie Bułatow przyznał później: jego ojciec nie miał wątpliwości, że jego syn zostanie artystą. I jak się później okazało, miał rację.

Erik Bułatow nie miał wątpliwości co do wyboru zawodu i po ukończeniu szkoły wstąpił do Instytutu Sztuki imienia. W 1958 ukończył szkołę instytucja edukacyjna. Jego ulubionymi artystami w tym momencie byli i - to ich prace w dużej mierze wpłynęły na styl wczesnych prac Bułatowa.

W 1959 r. początkujący mistrz pędzla dostał pracę w wydawnictwie literatury dziecięcej Detgiz, gdzie jego kolegami ilustratorami został Oleg Wasiliew, który później, podobnie jak sam Bułatow, wyjechał z kraju.

Ich projekty „Mała syrenka”, „Śpiąca królewna” i „Kopciuszek” wciąż zachwycają zarówno dzieci, jak i dorosłych. Od 1957 r. Eryk Władimirowicz zaczął organizować pierwsze wystawy indywidualne. Z tego samego okresu zwyczajowo liczy się jego pracę zawodową.

Obraz

Charakterystyczną cechą autorskiego stylu artysty jest harmonijne połączenie popularnego w czasach sowieckich gatunku plakatu z elementem malarskim. Hasła na obrazach Erika Władimirowicza współistnieją z pejzażami i portretami. Tą techniką, zdaniem krytyków, Bułatow podkreślał absurdalność otaczającej rzeczywistości, jej przesycenie pompatycznymi przemówieniami i propagandą.

Taka sztuka Sots w twórczości Erika Bułatowa sąsiadowała z obrazami, w których wyraźnie widać wpływy stylu Roberta Falka. Niestety, ten okres w artystycznej karierze Bułatowa nie zyskał dużej popularności wśród krytyków i historyków sztuki. Sam artysta przyznaje, że Falk realnie wpłynął na jego rozwój zawodowy na wiele sposobów.

W połowie lat 60. Bułatow eksperymentował ze stylami, łącząc techniki ilustracyjne na jednym płótnie, Malarstwo akwarelowe a także grafiki. Artysta zwracał szczególną uwagę na sposoby przekazywania światła i przestrzeni.

Niestety prace Erika Władimirowicza w ZSRR znalazły się pod wpływem cenzury, ao pełnoprawnych wystawach mógł tylko pomarzyć. Dopiero w latach 1965 i 1968 Ericowi Bulatovowi udało się zrealizować krótkoterminowe wystawy swoich obrazów w Instytucie Igora Kurchatova oraz w moskiewskiej kawiarni Blue Bird.

Od lat 70. w twórczości Bułatowa zaczęły dominować wielkoformatowe płótna, w których autor zwrócił się ku wątkom społecznym i obrazom, które zalewały ówczesne środki masowego przekazu. W 1972 artysta namalował „Horyzont” – jeden z najbardziej znane obrazy. W tym momencie utwór odbierano jako parodię.

Ten sam okres w karierze Erika Władimirowicza naznaczony był licznymi wystawami zagranicznymi, które przyniosły mistrzowi międzynarodowe uznanie: obrazy Bułatowa podróżowały do Zurychu, Paryża, Wenecji i innych miast europejskich, wszędzie spotykając się z miłośnikami sztuki.

Stopniowo Eryk Władimirowicz zyskał reputację „artysty pierestrojki”, aw 1988 roku został nawet uznany za mistrza roku według Biennale w Wenecji. Rok później Bułatow wraz z rodziną przeniósł się do Nowego Jorku, a następnie w 1992 roku wyjechał do Paryża, który stał się jego drugim domem.

Na początku lat 90. artysta stopniowo odchodził od tematów politycznych: w twórczości Bułatowa Nowa strona obrazy abstrakcyjne i obrazy graficzne. A po pewnym czasie mistrz zainteresował się ceramiką, dając światu szereg utalentowanych obrazów na naczyniach.

W 2003 roku Eryk Władimirowicz zorganizował wystawę w Moskwie - po raz pierwszy po przeprowadzce. Ekspozycja prezentowana w stołecznej Galerii Trietiakowskiej spotkała się z entuzjastycznym przyjęciem w ojczyźnie mistrza.

Kolejna duża wystawa odbyła się dziesięć lat później, gdy prace artysty nadały mu tytuł laureata konkursu Innowacja. A w 2015 roku Bułatow został zaproszony na otwarcie Muzeum Garażu, a także Muzeum im. Specjalnie na to wydarzenie Eric Władimirowicz stworzył płótno „Wolność”.

Obrazy Bułatowa stopniowo przyniosły mistrzowi sławę jednego z najdroższych i najbardziej poszukiwanych artystów naszych czasów. Obraz na płótnie "Breżniew. Radziecki kosmos” wyszedł z aukcji za 1,6 miliona dolarów, a wiele obrazów o tematyce sowieckiej kosztowało nowych właścicieli po milion dolarów każdy. Na ten moment bardzo znane prace mistrzów, oprócz wymienionych, można nazwać płótnami „Nie pochylaj się”, „Chwała KPZR”, „Niebo - ciel”.

Życie osobiste

Eric Bulatov woli nie dzielić się szczegółami swojego życia osobistego. Wiadomo, że artysta ma żonę. Imię żony mistrza to Natalia.

Według Erika Władimirowicza wspierała go i pomagała mu tworzyć. Ukochana Bulatova otoczyła męża opieką i pod wieloma względami uchroniła ją przed myślami o obowiązkach domowych, które mogą zająć trochę czasu od kreatywności.

Eryk Bułatow teraz

Teraz Eric Bułatow mieszka w dwóch domach - artysta, jak sam przyznaje, dobrze czuje się zarówno w rodzinnej Rosji, jak i we Francji. W 2018 roku Anatolij Malkin przygotował film dokumentalny „Żyję i widzę”, w którym w formie wywiadu ujawnił ciekawe szczegóły biografii Erica Władimirowicza. Na tym zdjęciu Bułatow przyznał, że ze względu na wiek nie był już w stanie poświęcić tyle czasu na kreatywność, co wcześniej, ale nadal był oddany swojej ukochanej pracy.

film dokumentalny„Żyję i widzę” o Eriku Bułatovie

Ponadto twórczości i biografii artysty poświęcone są książki rosyjskich i zagranicznych historyków sztuki. Prace Bułatowa można znaleźć w Muzeum Georges Pompidou w Paryżu, a także w galeriach w New Jersey, Kolonii i Bazylei. W Rosji obrazy Erika Władimirowicza prezentowane są w Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskim.

Dzieła sztuki

1972 - „Horyzont”
1975 - „Chwała KPZR”
1977 - Breżniew. przestrzeń sowiecka"
1987 - „Nie opieraj się”
1989 - „Pierestrojka”
2010 - "Niebo - ciel"
2011 - "Góra - Dół"
2015 - „Wolność”

MOSKWA, 14 czerwca - RIA Novosti, Victoria Salnikova. Eric Bułatow jest jednym z najsłynniejszych współczesnych rosyjskich artystów, którego obrazy najprawdopodobniej wszyscy widzieli. Bulatov jest często nazywany założycielem Sots Art. Jego płótna są łatwo rozpoznawalne: to jasne napisy plakatowe na tle pejzaży.

Jedna z najnowszych i kultowych prac artysty została przeniesiona do kolekcji 13 czerwca Galeria Tretiakowska. Malowanie na płótnie„Obraz i widzowie” zostały przekazane muzeum fundacja charytatywna Władimira Potanina.

Zapamiętaliśmy główne obrazy Bułatowa - od okres sowiecki po dziś dzień.

„Cudowna podróż Nilsa z dzikimi gęsiami”, 1979

Książki zaprojektowane przez Erica Bułatowa były prawdopodobnie trzymane przez każde dziecko. Ilustracje do bajki Cudowna podróż Niels z dzikimi gęsi” Selmy Lagerlöf stał się kanoniczny. Podobnie jak wielu radzieckich artystów, równolegle z wielką sztuką, Bułatow zajmował się „małym” - projektowaniem książek dla dzieci.

„Chwała KPZR”, 1975-2005

Obraz „Chwała KPZR” znalazł się we wszystkich encyklopediach sztuki. Na początku lat 70. zaczął się rozwijać Erik Bułatow nowy styl: na realistyczne pejzaże nałożył jasne napisy zapożyczone z ideologicznych plakatów. W tym samym czasie zainteresował się eksperymentami z przestrzenią.

Płótno „Breżniew. Przestrzeń sowiecka” można pomylić z prawdziwym plakatem ideologicznym. Jednak praca była zabroniona. "Na zdjęciach nie ma krytyki politycznej - tylko potrzeba ukazania anomalii życia, które przez naszą świadomość było odbierane jako normalne"

Retrospektywa Erica Bułatowa „Żyję - Widzę” została otwarta w Centralnej Sali Wystawowej „Maneż”. Skala ekspozycji jest imponująca: zgromadzono ponad 100 prac. Postanowiliśmy opowiedzieć o wystawie za pomocą pięciu obrazów sławny artysta

Autoportret. 1968

Autoportrety są idealnym wprowadzeniem do artysty. Skala Fridy Kahlo pod względem tego gatunku nie może być nikomu prześcignięta, ale tak czy inaczej autoportret zajmuje ważne miejsce w twórczości malarzy wszystkich czasów i narodów – od Tycjana po Salvadora Dali. Eric Bułatow za długie lata praca stworzona kilka autoportretów. Utwór z 1973 roku pokazuje młody artysta na tle „linii pełzającej” - „Zakaz wjazdu”. Autoportret z 2011 roku jest jak obraz religijny: postać malarza wydaje się promieniować od wewnątrz. Jednym z wczesnych dzieł Bułatowa jest autoportret z 1968 roku. Tylko leniwi nie rozpoznają na płótnie "cześć" Rene Magritte'a - powtarzające się twarze artysty wpisane są w czarną sylwetkę mężczyzny w meloniku. Surrealizm nie zakorzenił się w twórczości Bułatowa, ale koncepcja „obrazu w obrazie” tak.

„Rosyjski XX wiek I”

Eric Bułatow zderza skrajne przeciwieństwa w przestrzeni jednego obrazu: spokój i niepokój, całkowita wolność i więzienne kraty, realistyczny obraz i sowiecki plakat. Obrazy z cyklu „Rosyjskie XX wiek” przedstawiają idylliczny rosyjski pejzaż, nad którym groźnie unosi się graficzna rzymska cyfra XX. Krajobraz jest ucieleśnieniem spokoju rosyjskiego życia, przekreślonego przez XX wiek: wznosi się stary kościół, wokół niskie domy i chaty, w tle meandruje rzeka. XX wiek najeżdża bezceremonialnie i symbolicznie. Na obrazie pod numerem I liczby przypominają promienie reflektora z XX wieku FOX na strasznym czerwonym niebie. Woda w rzece też ma krwisty kolor - idiom, któremu odpowiada obraz, nie wymaga wyjaśnienia. W pracy nr II Bułatow działa bardziej zwięźle i schematycznie: ogromne czerwone cyfry przekreślają patriarchalny krajobraz.

„Chwała KPZR”

Przynależność Bułatowa do jakiegokolwiek ruchu jest trudna do zdiagnozowania: w latach 60. artysta zajmował się abstrakcją, jego ikoniczne prace klasyfikowane są jako Sots Art, niektóre obrazy nawiązują do amerykańskiego realizmu w duchu Edwarda Hoppera. Wizytówka artysta - lakoniczne napisy przewijające się przez większość jego najsłynniejszych dzieł. Podręcznik „Chwała KPZR” - dobry przykład. Odpowiednia czerwona fraza została wybita na błękitnym niebie puszystymi chmurami. Niebo jest symbolem naturalnej wolności człowieka. Sowieckie hasło oczywiście symbolizuje mocną rękę totalitarnej władzy. Niebo żyje i zmienia się: chmury mogą przychodzić i odchodzić, a „Chwała KPZR” jest bezsensownie wieczna, przynajmniej do czasu, gdy zardzewieją liczne propagandowe billboardy w całym kraju wypchane sowieckimi hasłami. Przebiegły plan artysty, ucieleśniony, wydawałoby się, w patriotycznym formacie, był tak oczywisty, że nawet niedoświadczony wdziękami awangardy władza sowiecka uważane " kod kulturowy„i zakazał malarstwa Bułatowa.

„Luwr. Mona Lisa”

Polityka i protest, bez których przyzwoity artysta w Kraju Sowietów nie mógłby się obejść, problemy malarstwa Bułatowa oczywiście nie są wyczerpane. „Louvre Mona Lisa” to wizualna refleksja nad dialogiem między sztuką a widzem. Najważniejszą rzeczą, która interesuje artystę na płótnie da Vinci, jest atrakcyjność obrazu dla widza. Hipotetyczni goście Luwru w pracy Bułatowa wdzierają się fioletową masą do sal muzeum i zasłaniają wszystko i wszystko – pozostaje tylko tajemniczy, nieco sarkastyczny uśmiech Mony Lizy. Tłum przypomina fotografię ze starej radzieckiej gazety, z jakiegoś powodu wydrukowaną szkarłatnym atramentem, a sale muzealne to realizm niewzruszony w wieczności. Czy da się odbierać sztukę w warunkach hałaśliwego, agresywnego, jak czerwień, medialnego chaosu? Pytanie jest retoryczne.

„Obraz i widzowie” to kolejna praca na ten temat. Płótno przedstawia słynne „Pojawienie się Chrystusa ludziom” Aleksandra Iwanowa, wokół którego tłoczą się goście z przewodnikiem (nawiasem mówiąc, żoną Bułatowa) na czele. Można naprawdę docenić pracę, patrząc na nią zza pleców innych zwiedzających - wtedy towarzysze z tłumu stają się częścią pracy, a obraz magicznie zamienia się w instalację.

„Skąd mam wiedzieć gdzie”

„Mój tramwaj odjeżdża”, „Czarny wieczór, biały śnieg”, „Jak lecą chmury”, „To jest to” – zbiór wyrażeń Bułatowa jest różnorodny i trudno go policzyć. Na obrazie przewijają się słowa: „Wolność” – przez błękitne niebo, „Pociąg” – wzdłuż szyn. „Mój tramwaj odjeżdża” pędzi za zmarłą osobą – to niesamowite, jak nachylenie i układ liter mogą oddać szybki ruch. Cykl „Tutaj” jest chyba najbardziej zwięzły w twórczości Bułatowa. Dzieła – miąższ z miąższu wcześniejszych „Chwała KPZR” i „Żyję – widzę”. „Bohaterowie” płócien to tylko słowa, bez których obrazy zamieniłyby się w ascetyczną czarno-białą abstrakcję. Kiedy zadajesz egzystencjalne pytania, sceneria jest zbędna. "Skąd mam wiedzieć gdzie" - scenariusz życia wiele współcześni ludzie. Pozostaje tylko to przyznać.

Gdzie: Centralna Sala Wystawowa „Manege”, Plac Maneżnaja, 1