Lato to cudowna pora roku. Bogactwo kolorów i aromatów inspiruje do sięgnięcia po farby i pędzle. Ta lekcja dotyczy akwareli przedstawiającej polne kwiaty.
Pierwszą rzeczą, jaką widzi początkujący artysta, patrząc na bukiet polnych kwiatów, jest mnóstwo małych gałązek, liści i różnorodnych kwiatów. I od razu panika! Jak możesz to wszystko narysować?! Nie martw się, . Więc zacznijmy...
Pierwszy krok. Zrób harmonijny bukiet: ułóż kwiaty w określonej kolejności. Mały wyżej i dalej. Tworzą tło. Kwiaty wg większy i jaśniejszy powinno być włączone pierwszoplanowy. Dlatego przycinaj je, aby pąki nie zachodziły na tło. Umieść lampę stołową, aby oświetlić bukiet. Dzięki temu uzyskasz bardziej kontrastowe cienie
Do pracy nad szkicem akwarelowym będziemy potrzebować:
- Akwarela;
- Papier akwarelowy;
- szczotki wiewiórkowe lub syntetyczne (nr 2, nr 5, nr 10)
- kreda bezbarwna na bazie oleju (pozwala pozostawić papier biały, tworząc film na powierzchni)
- Woda w pojemniku;
- Serwetka (wytrzyj pędzle)
Odsuń się 3-4 cm od krawędzi arkusza, aby uzyskać marginesy, których nie można przekroczyć. Pomoże to utrzymać „powietrze” w obrazie. Szkic prostym ołówkiem Rysunek wstępny. Nie naciskaj ołówka, aby podczas poprawiania nie uszkodzić górnej warstwy papieru. Dopasuj kompozycję do kształtu geometrycznego, owalu lub trójkąta.
Rozważ kompozycję jako całość. Obejrzyj wzrokiem cały bukiet. Zmruż oczy, a zobaczysz rozmycie. Rysowanie wszystkich kolorów na raz powoduje fragmentację kompozycji. Wybierz duże kwiaty i skup się na nich, badając kształt i kolor. Oni są.
rysunek tłaRozpoczynając pracę z farbami, przygotuj sobie wybór kolorów na palecie zimno I ciepły odcienie, które są obecne w naszym bukiecie. Te miejsca na krawędziach płatków, które chcemy pozostawić białe, zarezerwowaliśmy bezbarwną kredą. Zaczynając od tła. Po prawej stronie mamy lampę oświetlającą martwą naturę, dlatego dominują ciepłe odcienie ochry. W cieniach używamy fioletu, szmaragdu i ultramaryny. Następnie przechodzimy do samych kolorów i zarysowujemy ciepłe odcienie różu, żółci i jasnej zieleni. Za pomocą cienkiej warstwy glazury w kolorze ultramaryny nakładamy cienie na płatki, tworząc w ten sposób kształt kwiatu. Upewnij się, że bukiet nie zawiera wielu szczegółów i zaznacz drobne szczegóły w tle. To musi być napisane ogólnie, najlepiej w sposób surowy, kiedy farba przechodzi z jednego koloru w drugi, tworząc niepowtarzalne odcienie. Rysunek okazuje się nie ozdobiony, ale żywy.
narysuj dzikie kwiatyKiedy skończysz z głównymi dużymi kształtami, dodaj niuanse cienkim pędzlem: łodygi i liście na pierwszym planie. Szkic jest już gotowy, można go teraz wykorzystać w przyszłości do pomalowania martwej natury farbami olejnymi
(1) Kiedy za Berga padło słowo „ojczyzna”, uśmiechnął się. (2) Nie dostrzegałem piękna otaczającej mnie przyrody, nie rozumiałem, kiedy żołnierze mówili:
„(3) Odzyskajmy naszą ojczyznę i napojmy nasze konie z naszej rodzimej rzeki.”
- (4) Gadaj! – Berg powiedział ponuro. – (5) Ludzie tacy jak my nie robią tego i nie robią
może ojczyzna.
- (6) Ech, Berg, pęknij duszy! – odpowiedzieli żołnierze z ciężkim wyrzutem. –
(7) Nie kochasz ziemi, ekscentryku. (8) A także artysta!
(9) Może dlatego Berg nie był dobry w krajobrazach.
(10) Kilka lat później, wczesną jesienią, Berg udał się do Murom
lasów, nad jezioro, gdzie spędził lato i mieszkał jego przyjaciel artysta Yartsev
około miesiąca. (11) Nie chodził do pracy i nie zabrał ze sobą zapasów ropy
farby, ale przyniosłem tylko małe pudełko akwareli.
(12) Całymi dniami leżał na zielonych łąkach i przyglądał się kwiatom
i zioła, zebrane jaskrawoczerwone owoce róży i pachnący jałowiec,
długie igły, liście osiki, gdzie były rozrzucone po polu cytrynowym
czarne i niebieskie plamy, delikatne porosty o delikatnym popielatym odcieniu i
więdnący goździk. (13) Dokładnie zbadał jesienne liście od środka,
gdzie zażółcenie zostało lekko dotknięte ołowianym szronem.
(14) O zachodzie słońca stada żurawi przeleciały nad jeziorem, szemrając.
południe, a Wania Zotow, syn leśniczego, za każdym razem mówił do Berga:
- (15) Wydaje się, że ptaki nas wyrzucają, odlatując do ciepłych mórz.
(16) Berg po raz pierwszy poczuł głupią zniewagę: ukazały mu się żurawie
zdrajcy. (17) Opuścili ten las i uroczyście
kraina pełna bezimiennych jezior, nieprzebytych zarośli, suchego listowia,
odmierzony szum sosen i powietrze pachnące żywicą i wilgotnym bagnem
mchy.
(18) Pewnego dnia Berg obudził się z dziwnym uczuciem. (19) Jasne cienie
gałęzie drżały na czystej podłodze, a za drzwiami lśnił cichy błękit. (20)Słowo
Berg spotykał „blask” jedynie w książkach poetów, uważał go za pompatyczny i
pozbawione jasnego znaczenia. (21) Ale teraz zdał sobie sprawę, jak precyzyjne jest to słowo
przekazuje to szczególne światło, które pochodzi z wrześniowego nieba i słońca.
(22) Berg wziął farby i papier i nawet nie pijąc herbaty, poszedł nad jezioro.
(23) Wania przetransportował go na drugi brzeg.
(24) Bergowi się spieszyło. (25) Berg chciał całej mocy kolorów, wszystkich swoich umiejętności
ręce, wszystko co drżało gdzieś w sercu, oddajcie temu papierowi, żeby chociaż
w setnej części zobrazować wspaniałość tych lasów, majestatycznie umierających i
Tylko. (26) Berg pracował jak opętany, śpiewał i krzyczał.
…(27) Dwa miesiące później do domu Berga przyniesiono zawiadomienie o wystawie,
w których miał uczestniczyć: poprosili go, aby powiedział, ilu jego
Artystka tym razem zaprezentuje swoje prace. (28) Berg usiadł przy stole i szybko napisał:
„Wystawiam tylko jeden szkic akwarelowy wykonany tego lata – mój
pierwszy krajobraz.
(29) Po chwili Berg siedział i myślał. (30) Chciał zobaczyć co
W subtelny sposób pojawiło się w nim jasne i radosne poczucie ojczyzny.
(31) Dojrzewał tygodniami, latami, dziesięcioleciami, ale nadszedł ostateczny impuls
skraj lasu, jesień, krzyki żurawi i Wania Zotow.
- (32) Ech, Berg, pęknij duszo! – przypomniał sobie słowa bojowników.
(33) Bojownicy mieli wtedy rację. (34) Berg wiedział, że jest teraz powiązany z
swój kraj nie tylko umysłem, ale całym sercem, jako artysta i tak dalej
miłość do ojczyzny uczyniła jego mądre, ale suche życie ciepłym, wesołym i pełnym ciepła
sto razy piękniejsza niż wcześniej.
(wg K.G. Paustowskiego*)
Pokaż pełny tekst
Wcześniej czy później człowiek zaczyna czuć niezrozumiałe, wzruszające pokrewieństwo z naturą i kulturą swojego kraju. K. Paustovsky w opowiadaniu „Akwarele” opisał światopogląd artysty Berga przed i po odkryciu w sobie tego uczucia oraz poruszył problem miłości do ojczyzny.
Jak strasznie jest nie zauważyć piękna lasów, pełnych rzek i cienkich potoków, nie czerpać z nich inspiracji i witalności! Ludzie sztuki szczególnie głęboko odczuwają jedność z naturą. Trudno sobie wyobrazić twórcę uśmiechającego się na słowo „ojczyzna”, a przecież taki jest Berg. Nic dziwnego, że nazwali go „duszą krakersa” i dodali: „A także artystą!” Tak, taki był, ale ten promienny poranek go odmienił, pomógł dostrzec piękno ojczystej ziemi i poczuć nową radość.
Jedną z najwspanialszych rzeczy w Maine są skaliste plaże usiane kamykami o najróżniejszych kształtach, kolorach i rozmiarach. W tym roku w końcu zdecydowałam się uchwycić ten multikolorowy kamień w akwareli. I oto co dostałem...
Zastanawiasz się, jak udało mi się stworzyć tak ciekawe tekstury na skałach i tej falistej ramie? Przeczytaj i dowiedz się wszystkiego!
Pewnego wieczoru, podczas odpływu, poszliśmy z przyjacielem na plażę, aby zrobić kilka szkiców.
Podczas gdy mój przyjaciel pilnie mnie rysował, ja skupiłem się na stercie kamieni pod moimi stopami.
Najpierw naszkicowałem ołówkiem ogólne zarysy kamieni.
Następnie narysowałem wzór wiecznym piórem i czarnym tuszem, a następnie nałożyłem pierwszą warstwę akwareli na mokrą powierzchnię.
Starałam się osiągnąć różnorodność kolorystyczną, naprzemiennie odcienie ciemniejsze z jasnymi i kontrastowymi.
W niektórych przypadkach czekałam aż farba lekko wyschnie i dodawałam trochę więcej, nieco ciemniejszych odcieni. Tak wyszły plamy, za pomocą których mogę później stworzyć teksturę na kamieniach.
Tylko na to miałam czas na plaży. Słońce już zachodziło, a ja musiałam ugotować obiad, więc spakowałam swoje rzeczy i ruszyłam do domu.
W domu w pracowni kontynuowałem pracę nad rysunkiem i skupiłem się na tworzeniu tekstur.Zwilżyłem lekko szary bruk w lewym górnym rogu i wziąłem kilka ciemnych, ziemistych akwareli, czarny ołówek akwarelowy i odpryski farby. Trzymając spryskiwacz nad kamieniem, potarłem go lekko grafitem, niczym tarką, tak aby cząsteczki pigmentu dostały się do rysunku.
Po lekkim zmoczeniu przykleiły się do papieru i zaczęły przypominać fakturą granitu.
(Gdy papier wyschnie, nadmiar cząstek pigmentu można usunąć, odwracając arkusz wzorem do dołu i lekko uderzając nim w tylną stronę)
Tę samą technikę zastosowałam na szarym kamieniu w lewym dolnym rogu zdjęcia, jednak tym razem wzięłam okrągły pędzel i delikatnie dotknęłam okruszki ołówka w kilku miejscach, aby nieco złagodzić efekt i nadać kamieniowi charakteru.
Gdy chciałam nadać kamykowi cętkowany wygląd, robiłam takie plamy nakładając na papier końcówkę okrągłego pędzla...
A potem lekko rozmazałam farbę palcem, żeby plamy nie wyglądały już tak uporządkowanie.
Ta metoda jest bardzo skuteczna w tworzeniu cętkowanej tekstury.
W miarę postępów dodawałem kolejne warstwy akwareli na wyschniętą warstwę bazową, aby pogłębić kolory i podkreślić cienie. W niektórych miejscach nałożyłem odrobinę soli.
Po wyschnięciu sól utworzyła charakterystyczną teksturę, która była idealna dla granitowego kamienia.
Tak wyglądał rysunek na wczesnym etapie, kiedy dopiero zacząłem dodawać tekstury...
Kiedy chciałem dodać teksturę do kamienia, ale martwiłem się, że farba dostanie się na sąsiednie kamienie, użyłem folii maskującej, aby ją odizolować.
Wyciąłem kawałek folii (około 2 cm większy od kamienia z każdej strony), przyłożyłem go do miejsca, z którym miałem pracować, i za pomocą krajalnicy ostrożnie przeciąłem folię wokół kamienia (uważając, aby nie przeciąć kamienia). papier).
Następnie usunąłem wycięty fragment filmu z tego obszaru.
Otaczające części arkusza przykleiłam paskami papieru. Teraz, gdy cały papier wokół jest chroniony, możesz dodać teksturę w dowolny sposób. Na przykład tutaj nałożyłem farbę zmiętą folią...
Rozpryskałem farbę na ten bruk, a następnie osuszyłem niektóre rozpryski, aby były jaśniejsze, pozostawiając inne nietknięte.
Gdy wszystkie krawędzie zostaną pokryte folią, łatwo będzie nałożyć farbę na małe kamyki za pomocą gąbki.
Gdy skończyłem z gąbką i sprayem, usunąłem folię.
Kiedy byłem już zadowolony z tekstur i cieni na skałach, dodałem cienie. Kiedy robiłam zdjęcie do szkicowania na plaży, słońce już zachodziło, a rzucane cienie były bardzo wyraziste. Teraz postanowiłam pozwolić sobie na odrobinę swobody twórczej i cofnęłam wskazówki zegara, skracając cienie. (Przepraszam, zapomniałem zrobić zdjęcie kroku w cieniu).
Ostatnim krokiem było dodanie pęknięć i rowków na niektórych kamieniach.
i plamy białej, nieprzezroczystej akwareli na tym kamyku.
Używając kryjącej białej farby rozcieńczonej wodą, na jednym z dużych kamieni namalowałem jasne żyły. Nie chciałam, żeby biała farba zbytnio odstawała od tła.
Obraz jest skończony! Najtrudniejsza rzecz przede mną: musiałam zdecydować, co zrobić z otaczającą białą przestrzenią.
Postanowiłem zrobić ramkę z taśmy papierowej. Kawałki zielonej wstążki rozdarłam wzdłuż na dwie połówki, tak aby brzegi były nierówne i pofalowane.
Następnie przykleiłem kawałki taśmy w odległości około 5mm od wzoru, krawędziami skierowanymi na zewnątrz, tak aby przecinały się w rogach. (Przed użyciem taśmy maskującej pamiętaj o kilkukrotnym nałożeniu jej na tkaninę, dzięki temu będzie mniej lepka i zapobiegnie podarciu papieru w przypadku konieczności odklejenia).
Górną warstwę taśmy przecięłam w rogach krajalnicą pod kątem 45 stopni.
Następnie odciąłem dodatkowy kawałek taśmy wystający z krawędzi.
Okazało się, że to schludny kącik.
Czas pomalować pozostałą przestrzeń wokół krawędzi. Ponieważ miałam pisać na mokro, pod prześcieradło podłożyłam papierowe ręczniki, żeby zabezpieczyć album przed farbą. Po wymieszaniu tych samych odcieni, które zostały użyte do kamieni, zacząłem obficie nakładać farbę wokół krawędzi wzoru.
Bardzo ważne było zachowanie prawidłowej konsystencji. Kolory powinny płynnie przechodzić między sobą, ale nie powinny się całkowicie mieszać. Zależało mi na tym, aby wszystkie odcienie były wyraźnie rozróżnialne i odzwierciedlały kolorystykę kamieni, a nie zlewały się w brudny bałagan.
Po wyschnięciu krawędzi usunąłem taśmę klejącą i odkryłem, że w niektórych miejscach w rogach farba nadal spływała pod nią. Cholera!
Nie panikować! Część farby zebrałam suchym pędzlem, a czego nie udało mi się usunąć, po prostu zamalowałam białą, kryjącą akwarelą.
Teraz mogliśmy kontynuować pracę nad projektem ramy. Aby ułatwić sobie pracę, potrzebowałem kawałka grubej siatki okiennej. Po prostu położyłem go na papierze i narysowałem wzdłuż niego ołówkiem proste linie, odchodzące od środka arkusza do krawędzi w odległości około 5 mm od siebie.
Ta metoda jest wygodna do oznaczania linii równoległych bez długich, żmudnych pomiarów.
Jedynym problemem było to, że raz złamałem ołówek na siatce, ale w każdym razie było to znacznie szybciej, niż gdybym użył linijki.
Przerysowałem każdą linię wiecznym piórem...
Linie w rogach zostały narysowane ręcznie.
Wszystko wygląda świetnie, ale zdecydowałem się pójść dalej. Jak zawsze!
Umieściłem pasek taśmy maskującej 1 cm od krawędzi papieru, aby posłużył się jako prowadnica.
Następnie narysowałem linie od taśmy do krawędzi papieru pomiędzy liniami, które już narysowałem, aby przyciemnić krawędzie.
Zadanie ukończone!
Kusiło mnie, aby dodać więcej szczegółów (narysować kolejną cienką linię wokół projektu), ale zdecydowałem się zostawić więcej miejsca. Musiałem sobie przypomnieć, że wolna przestrzeń do oddychania zawsze się przyda. Wcale nie trzeba go niczym wypełniać.
Kiedy patrzę na ten kolorowy obraz, przenoszę się z powrotem do Maine. Pamiętam szczęśliwe godziny spędzone na plaży, rozmowy z przyjacielem, delikatny szum fal uderzających o brzeg i uczucie absolutnego spokoju. Rysowanie pozwala mi przeżyć moment, w którym jestem w trakcie tworzenia i przenosi mnie w te wspaniałe czasy, kiedy patrzę na ukończoną pracę. Wiele miłych wspomnień znalazło schronienie pomiędzy kartami moich albumów.
Techniki akwareli są dość różnorodne, ale także złożone. Farby należy rozcieńczyć wodą, dzięki czemu stają się bardziej mobilne. To z kolei pozwala na zastosowanie różnych technik: dopracowanie drobnych szczegółów, wykonanie szerokich wypełnień, przelewanie jednego pociągnięcia w drugie.
Podczas nauki rysowania przydatne jest wykonywanie szkiców akwarelami. Bardzo ważne jest, aby spojrzeć na pracę całościowo i poczuć malownicze otoczenie.
- Nie bój się rysować. Warzywa, owoce czy pejzaże może malować każdy, najważniejsze jest, aby uwierzyć w siebie i znaleźć w sobie inspirację.
- Jakość odgrywa ważną rolę, od niej zależy efekt końcowy. Trzeba wypróbować wszystkie dostępne rodzaje arkuszy, aby wybrać idealny papier dla siebie. Należy robić notatki na arkuszach (waga papieru, jego rodzaj i jaki był efekt).
- Odwiedzając park lub inne malownicze miejsce, trzeba zabrać ze sobą aparat. Przecież fotografie w przyszłości będą mogły inspirować do tworzenia nowych dzieł. Kiedy zaczynasz tworzyć nowe szkice akwarelą, to właśnie zdjęcia będą Ci przypominać, jak powinny wyglądać.
- Aby usunąć nadmiar wilgoci ze pędzli, będziesz potrzebować serwetek lub ręczników papierowych.
Szkice akwarelowe: owoce i warzywa
Malowania akwarelą uczymy się etapami. Zaczynają od prostszych zadań, a dopiero potem przechodzą do bardziej złożonych. Na początek możesz użyć dowolnego owocu lub warzywa jako natury. Głównym zadaniem w tym przypadku jest przekazywanie tonów i rysowanie wolumenu obiektów za pomocą tła i padających cieni.
W pierwszym etapie musisz narysować kontury za pomocą prostego ołówka. Lepiej nie używać gumki, ale po prostu narysować cienką, lekko zauważalną linię wyjaśniającą. Aby nie zapomnieć o cieniach, możesz lekko zacienić niezbędne obszary.
Następnie, pozostawiając refleksy we właściwych miejscach, całą powierzchnię obrazu wypełniamy najjaśniejszym odcieniem. Gdy mokre podłoże będzie już gotowe, zacznij pisać wybrane warzywo lub owoc. Pierwszy powinien być półtonem, a następnie, zaczynając od niego, piszą cienie i światło. Na koniec pozostaje wyjaśnić rozwiązania tonalne.
Po opanowaniu szkiców warzyw akwarela nie będzie już problemem, a następnie możesz przejść do przedstawiania kilku warzyw lub owoców, potem dzbanka i martwej natury.
Jak namalować pejzaż akwarelą
Atmosfera akwarelowych szkiców to tylko jedna chwila, ulotny stan natury, który akwarelistka zdołała uchwycić.
Zaczynając rysować szkice, najpierw musisz sobie to wyobrazić w głowie. Artysta musi określić, ile miejsca na arkuszu zajmie niebo, a ile ziemia. Często linia horyzontu jest obniżona nieco poniżej środka, co jest kompozycyjnie poprawne. Szkic akwarelowy zaczyna być przedstawiany z nieba, zwłaszcza jeśli artysta wybrał technikę mokrą.
W drugim etapie rysowane są płaszczyzny krajobrazowe. Wzmocnione są odcienie ciemnych obszarów. Na tym etapie należy skoncentrować się nie tylko na płaszczyznach, ale także na poszczególnych szczegółach. Ostatnim etapem jest praca cienkimi pędzlami, które służą do rysowania drobnych szczegółów i dopełniania obrazu.
Szkice kwiatów w akwareli
Kiedy początkujący artysta zaczyna rysować bukiet kwiatów, pierwszą rzeczą, którą widzi, jest mnóstwo małych gałązek i kwiatów. Jednak nie bądź zakłopotany. Kiedy zabierasz się do pracy, pierwszą rzeczą, którą musisz zrobić, to harmonijnie ułożyć kwiaty we właściwej kolejności. Tło tworzą małe kwiaty, są one przedstawione dalej i powinny być mniejsze.
Musisz wycofać się 3-4 cm od krawędzi arkusza - będzie to rama, poza którą nie będziesz mógł wyjść. Wstępny obraz należy naszkicować ołówkiem, ale nie dociskaj go, aby nie zdeformować papieru. Kompozycja powinna przypominać figurę geometryczną (trójkąt lub owal).
Pracując z farbami, musisz przygotować wybór niezbędnych zimnych i ciepłych odcieni na palecie, która będzie obecna na zdjęciu. Pracę rozpoczynają od tła, początkowo pracując z jasnymi kolorami, a następnie przyciemniając obszary zacienione.
Następnie przechodzą do rysowania kwiatów. Początkowo zarysowuje się jasne odcienie, a następnie do płatków dodaje się cienie cienką warstwą glazury. Trzeba zwrócić uwagę, aby wiele drobnych szczegółów nie pojawiało się w tle.
Szkice akwarelą należy malować w sposób ogólny, lepiej robić to „na surowo”, aby jeden kolor płynnie przechodził w drugi. W ten sposób powstają niepowtarzalne odcienie, a rysunek okazuje się żywy. Wystarczy pomalować małe płatki i łodygi cienkim pędzlem.
Akwarela jest bardzo podobna do gwaszu, więc można ich używać razem. Różnica pomiędzy tymi farbami polega na przezroczystości. Akwarela jest bardziej przezroczysta niż gwasz. To właśnie ta właściwość decyduje o wyniku końcowym. Jednakże te dwie techniki opierają się na podobnych technikach.
Tworząc studia akwarelowe należy kontrolować ilość wody, w której należy rozcieńczyć farbę. Płyn nie tylko rozpuszcza farbę i czyni ją bardziej przezroczystą, ale także decyduje o stopniu przejrzystości przyszłego rysunku. Dlatego najlepszym sposobem na naukę techniki akwareli jest określenie wymaganej ilości wody.
Biblioteka
materiały
Syktywkar, Rosja
(z doświadczenia zawodowego)
adnotacja
W tym artykule omówionomożliwośćakwarelijako sztukatechnologiai metodystylizacjamotyw, jako metodaformowanieprzyszłośćkreatywnośćartysty.
Autorka analizujetechnicznysztuczki isposoby pracyWakwarele iprawa autorskiesą oferowanezaleceniana realizacjęszkice akwarelowewytrzymaćgraficznieekspresyjnystylpraca.
Słowa kluczowe:
akwarela, obraztechnologia, techniki, środki wyrazu, czyste powietrzeakwarela, akwarelanaszkicować; artystaporady;
Akademicki kurs „malarstwa” w systemie kształcenia zawodowego ma na celu opanowanie technik technicznych różnych technologii malarskich w procesie studiowania teorii kolorystyki i kolorystyki. W klasycznym nauczaniu „malarstwa akademickiego” wskazane było rozpoczęcie od studiowania technologii akwareli, dlatego w praktyce pedagogicznej studenci zaczęli postrzegać „akwarelę” jako technologię malarską i odpowiednio przygotowywane jest szkolenie mające na celu ćwiczenie opanowania technik malarskich. Rozpoczęcie kursu opanowania technik malarskich od opanowania technologii farb akwarelowych nie jest dziś popularne, ponieważ technologia ta wymaga od uczniów cierpliwości, wytrwałości i uważności, co nie zawsze jest łatwe dla studentów i trudne do przyswojenia w procesie edukacyjnym . Akwarela wykorzystywana w procesie nauczania malarstwa może jednak kształtować u uczniów sposoby twórczego myślenia, jeśli w ramach szkolenia zostaną uwzględnione zadania edukacyjne, które pozwolą im zinterpretować malowniczość technik akwarelowych w wyraziste graficznie plamy i linie, które uwydatnią treść „ motyw” obrazu.
Artur Fonvizin.
Bibliografia
1.Magiczna akwarela autorstwa Arthura Fonvizina. Kod dostępu
Aplikacja
Torlopova N.G. Domek z piernika. 2007, bum. akwarela
Torlopova N.G. Stara brzoza. 2007, bum. akwarela
Torlopova N.G. IZBA. 2013, bum. akwarela
Torlopova N.G. Obyachevsky dał rok 2007, bum. akwarela
Znajdź materiał na dowolną lekcję,
wskazanie przedmiotu (kategorii), klasy, podręcznika i tematu:
Możesz także wybrać rodzaj materiału:
Krótki opis dokumentu:
Natalya Gennadievna Torlopova
Syktywkar, Rosja
INTERPRETACJA GRAFICZNA STUDIUM AKWARELI
(z doświadczenia zawodowego)
adnotacja
W artykule omówiono możliwości akwareli jako technologii artystycznej oraz sposoby stylizacji motywu jako metody kształtującej twórczość przyszłego artysty.
Autor artykułu analizuje techniki i metody techniczne pracy w akwareli oraz podaje autorskie zalecenia dotyczące wykonania szkicu akwarelowego, pozwalającego zachować wyrazisty graficznie styl dzieła.
W tym artykule omówiono możliwości akwareli jako technologii artystycznej i metod stylizacji motywu, jako metody kształtowania przyszłej twórczości artysty.
Autorka analizuje oferowane są sztuczki techniczne i sposoby pracy w akwarelach oraz prawa autorskie, zalecenia dotyczące realizacji szkiców akwarelowych, aby wytrzymać wyrazisty graficznie styl pracy.
Słowa kluczowe: akwarela; technologia malowania; technika; środki wyrazu; plener akwarelowy; szkic akwarelowy; porady artysty;
akwarela, technologia malarska, techniki, środki wyrazu, akwarela plenerowa, szkic akwarelowy;artysta porady;
Akademicki kurs „malarstwa” w systemie kształcenia zawodowego ma na celu opanowanie technik technicznych różnych technologii malarskich w procesie studiowania teorii kolorystyki i kolorystyki. W klasycznym nauczaniu „malarstwa akademickiego” wskazane było rozpoczęcie od studiowania technologii akwareli, dlatego w praktyce pedagogicznej uczniowie zaczęli postrzegać „akwarelę” jako technologię malarską i dlatego szkolenie opierało się na praktyce opanowanie technik malarskich. Rozpoczęcie kursu opanowania technik malarskich od opanowania technologii farb akwarelowych nie jest dziś popularne, ponieważ technologia ta wymaga od uczniów cierpliwości, wytrwałości i uważności, co nie zawsze jest łatwe dla studentów i trudne do przyswojenia w procesie edukacyjnym . Akwarela wykorzystywana w procesie nauczania malarstwa może jednak kształtować u uczniów sposoby twórczego myślenia, jeśli w ramach szkolenia zostaną uwzględnione zadania edukacyjne, które pozwolą im zinterpretować malowniczość technik akwarelowych w wyraziste graficznie plamy i linie, które uwydatnią treść „ motyw” obrazu.
Akwarela to ciekawa, ale złożona technologia artystyczna. Za pomocą akwareli możesz tworzyć wspaniałe szkice obrazkowe, które oddają drobne niuanse kolorów i charakteryzują się delikatnymi przejściami między kolorami. Klasyczne techniki malarstwa akwarelowego pozwalają subtelnie oddać malarską przestrzeń i rzeźbić bryłę przedstawianych obiektów z iluzorycznym przeniesieniem materialności.
Akwarela była pierwotnie technologią graficzną: wykorzystywano ją do ilustrowania rękopisów i książek, projektów architektonicznych oraz szkiców wytworów artystycznych. A dziś jest popularny wśród grafików do tworzenia ilustracji i grafik sztalugowych. W praktyce współczesnych artystów pracujących z akwarelami nieczęsto spotyka się obrazowe rozwiązanie szkicu, które technicznie reprezentuje różnorodne odcienie i niuanse kolorystyczne plastikowej plamki. Aby szkic wyglądał malowniczo, artyści często stosują technikę „surową”, która pozwala farbom swobodnie przepływać po papierze, swobodnie przepływać i mieszać się, tworząc miękkość i większą skojarzalność użytego koloru. Ale nie jest faktem, że tylko mokry papier pomaga rozwiązać problemy z malowaniem. W historii akwareli jest przykład odmiennego podejścia. Są to akwarele wybitnego rosyjskiego artystyArtur Fonvizin.„Niektórzy artyści i historycy sztuki uważają, że Fonvizin malował akwarele na mokrej powierzchni papieru. To nie jest prawda. Artysta nie pracował na zwilżonym papierze, gdy był całkowicie zdany na kaprysy farby rozlewającej się po mokrym papierze.” Pomimo tego, że artysta pracował w technice akwareli suche na sucho, co wymagało dokładnego przemyślenia kolejności nakładania warstw farby, w efekcie uzyskano świeży i dźwięczny kolor, bezpośredniość wykonania i pozorną lekkość obrazu. plama akwarelowa została zachowana. Pewna niedokończona natura jego dzieł sprawia wrażenie szczególnej lakonizmu i wyrazistości.
Praca artystyczna w akwareli wymaga wysokiej jakości wykonania i wymaga od artysty wirtuozerii i odwagi w opanowaniu tworzywa artystycznego. Dla wielu artystów akwarela pozostaje ulubioną technologią pozwalającą wykorzystać potencjał twórczy. Jeśli w procesie edukacyjnym z uczniami wykorzystamy akwarelę nie tylko jej obrazowym potencjałem, ale także jej rzeczywistymi możliwościami graficznymi, stawiając w szkicach edukacyjnych zadanie interpretacji plamy obrazowej w wyrazisty graficznie obraz elementów przedstawianego „motywu”, to daje nam to realne możliwości kształtowania kreatywności uczniów. Mogą to być zadania: ograniczenie palety barw do 3 kolorów; biorąc pod uwagę cechy asocjacyjne kształtu kolorowej plamki; uwzględnienie tonacji miejsca i jego położenia przy rozwiązywaniu planów przestrzennych; rozwiązanie szkicu za pomocą linii różniących się wykonaniem technicznym i charakterem nacisku lub linii, które różnią się w zależności od rodzaju użytego sprzętu (pędzel, szturchnięcie, szpachla, pędzel z włosia, grzebień...) itp.
Wśród artystów naszej republiki można wymienić kilka nazwisk, które oczywiście preferują tę technologię w swojej działalności twórczej i wykorzystują jej możliwości techniczne zgodnie z osobistą metodą interpretacji. Są to Władimir Kokaczow, Tatiana Wasilijewa i Witalij Trofimow. Tym samym prace W. Kokaczowa, wykonane „surową” techniką, sprawiają wrażenie miękkiej plastyczności, lekkości i są niezwykle pogodne, gdyż autor nie boi się wprowadzić do obrazu czystego koloru. Akwarele Tatiany Wasiljewej są poetyckie i subtelne w niuansach kolorystycznych, zawierają w sobie oryginalną autorską interpretację: delikatną, liryczną i kobiecą interpretację. Akwarelowe pejzaże Witalija Trofimowa są energetyczne, mocne swoimi mokrymi wypełnieniami, a jednocześnie bogatą kolorystyką elementów, umiejętnie zorganizowane w powściągliwą północną kolorystykę, wywołującą wrażenie monumentalności i doniosłości zdeterminowanej ograniczoną paletą barw, którymi posługuje się artysta. Siłą jego akwareli jest to, że ucieleśniają ulubiony motyw artysty – unikalny krajobraz okołobiegunowy. Każdy artysta wie, jak znaleźć w akwareli odpowiednie techniki, które odpowiadają jego osobistemu postrzeganiu otaczającego go świata. Ich prace żyją na pograniczu typów „malarstwa” i „grafiki”.
Aby artysta mógł zdobyć praktyczne doświadczenie w akwareli, oprócz pracy w szkoleniu, bardziej przydatne może być wyjście w plener. Szybko zmieniające się środowisko świetlne ogranicza czas realizacji szkicu, podczas którego skupia się doświadczenie i wiedza artysty, które intuicyjnie prowadzą rękę artysty i błyskawicznie interpretują to, co zaobserwowane, na artystyczny obraz. Dzięki nieprzewidywalnej płynności, plastyczności, lekkości tonu, w połączeniu z różnorodnymi technikami technicznymi i różnorodnym sprzętem, możliwe jest wykonanie szkicu zarówno za pomocą środków kolorowania obrazkowego, jak i rozwiązanie jego obrazu za pomocą środków szkicowania graficznego . Arkusz graficzny można także stworzyć z pamięci w warsztacie na podstawie obrazowego szkicu akwarelowego powstałego w plenerze, co pozwoli przemyśleć kompozycję dzieła, przebieg jego realizacji, że tak powiem, kierunek i konstrukcji „obrazu”.
Szkice akwarelowe, które wykonujemy w plenerze, można określić jako gatunek „grafiki reportażowej”. Szybkie studia uchwycą motyw krajobrazowy lub architektoniczny, stan oświetlenia czy bogactwo kolorów środowiska naturalnego, niemal jak „fotorelacje” z miejsca zdarzenia. Ale prawie każdy motyw, powstały w procesie obserwacji stanu naturalnego i wykonany akwarelą, wnosi swoje osobiste, emocjonalne przeżycie. Album ze szkicami i szkicami zatrzymuje w pamięci to, co widział troskliwy widz: krajobrazy i architekturę, zabytki i cechy krajobrazu. W szkicu artysta może uchwycić chwilowe wrażenie pory dnia lub pory roku, które można wyrazić poprzez wybór palety farb, koloru lub charakteru plam obrazów lub ich kombinacji. Na stan i treść dzieła wpływa także impuls emocjonalny, jakiego doświadcza artysta postrzegając konkretny krajobraz, po którym aktualnie podróżuje. Stan oświetlenia otoczenia zmienia się tak szybko, że w plenerze nie trzeba męczyć się z długimi studiami. Nie jest wcale konieczne, abyśmy podczas wykonywania szkicu akwarelowego dążyli do oddania jedynie dokładnej „kopii” obserwowanego zjawiska lub wybranego motywu krajobrazu, czy też kolorystyki otoczenia. W procesie pracy nad szkicem następuje jednoczesna interpretacja tego, co widać w obrazie na arkuszu. Kształt i konfiguracja plam wzmacnia obraz artystyczny, który tworzy artysta. Jego dobór kolorów i rozwiązań kolorystycznych, różnorodność lub odwrotnie, ograniczone odcienie, wzmacniają i konkretyzują to, co jest przedstawiane. Uformowany zarys zestawień kolorystycznych i plamek nadaje estetykę gotowemu szkicowi. Czas wykonania etiudy jest maksymalnie skompresowany, trwa ona 20 – 30 minut, dlatego wymaga od wykonawcy maksymalnej koncentracji uwagi podczas obserwacji. Po wypełnieniu kolorem głównych miejsc motywu, pierwsza warstwa ma możliwość wyschnięcia. Detale wykańcza się na sucho, zmieniając wielkość i charakter pędzla lub przy użyciu innego sprzętu (paleta, suche włosie). Opisana technika wykonania szkicu odzwierciedla nasz indywidualny styl i autorstwo stylu wykonawczego w szkicach akwarelowych w plenerze. Takie rozwiązanie nie bierze się znikąd, wymaga doświadczenia technicznego i twórczego zgromadzonego w akwareli.
W ukształtowaniu własnego akwarelowego stylu graficznego pomogły liczne eksperymenty mające na celu utrwalenie zasad teorii nauki o kolorze oraz żmudne badanie środków kompozycyjnych i technik publiczności podczas wykonywania różnych martwych natur.
W tym artykule postaramy się ujawnić kolejność i niektóre techniki pracy z akwarelami podczas tworzenia szkicu motywu pejzażowego, uogólnionego stylistycznie na arkusz graficzny i zaproponować uczniom pewne zalecenia dotyczące opanowania takiego doświadczenia.
Co definiuje nasze szkice akwarelowe jako obrazy graficzne? Środkami wyrazu grafiki są plama tonalna, linia oraz liniowy sposób uzyskania plamy, który w dużej mierze zależy od temperamentu artysty. Obrazy w arkuszu graficznym mają wyraziste przejścia tonalne i wyraźnie widoczne sylwetki lub kontury. W procesie pisania motywu pejzażowego bardzo ważny jest początkowy moment przemyślenia kolejności stosowania plam barwnych: dużych i średnich, które determinują duże relacje tonalne przedstawianego obrazu. Następnie zakłada się skalę elementów, ich kształt i dynamikę sylwetek, układ kombinacji plam w zadanym formacie, tak aby uzyskać ich stabilną równowagę. I dopiero potem zaczynamy szkicować. Rysunek musi być dokładny i wystarczająco szczegółowy. W nim od razu rozwiązujemy problemy ogólnej kompozycji motywu, biorąc pod uwagę skalę dużych brył krajobrazu: nieba, ziemi, obiektów i obrazów panoramicznych, elementów wyznaczających centrum kompozycyjne i ideę motywu. Pracując nad rysunkiem krajobrazu, nie należy aktywnie używać gumki, która uszkadza powierzchnię arkusza. Wykonując długi, wielosesyjny szkic, najlepiej wstępnie obrobioną tekturę wykonać na cienkim papierze i ostrożnie przenieść ją na latarkę. Jeżeli szkic wykonywany jest podczas jednej sesji, zalecamy wykonanie rysunku rozcieńczoną ultramaryną za pomocą cienkiego pędzelka.
Przed rozpoczęciem pracy z farbami należy zwilżyć całą powierzchnię arkusza wodą za pomocą gąbki, aby pozbyć się nadmiaru kleju, kurzu lub nadmiernego wysuszenia palnika. Pracę w kolorze należy zaczynać od najjaśniejszych tonów, a kończyć na ciemnych, ciepłych i gęstych kolorach oraz półsuchych pędzlach.
Do każdej indywidualnej pracy ograniczamy się do grupy farb, tzw. palety barw: lepiej ograniczyć się do 4-5 kolorów. Farby, które dzięki różnorodnemu mieszaniu pozwalają na kreowanie bogactwa tonalnego i holistyczne łączenie elementów motywu w niezbędną i ujednoliconą barwę. Aby osiągnąć bogactwo kontrastów kolorystycznych i podkreślić akcenty kompozycyjne motywu, w wybranej grupie barw zawsze znajdują się barwy o tonacji ciepłej i zimnej.
Podczas pracy z akwarelami bardzo ważne jest przestrzeganie technologii mieszania farb i kolejności ich nakładania na arkusz. Każdą kolejną warstwę nakładamy po dokładnym wyschnięciu poprzedniej. Wykonanie szkicu motywu pejzażowego zajmuje nam od dwudziestu minut do godziny, pośpiech w pracy paradoksalnie nie jest konieczny, a wręcz szkodliwy. Dlaczego dla początkujących tak ważne jest podążanie za łańcuchem technologicznym w akwareli? Wiąże się to przede wszystkim z właściwościami technicznymi akwareli i zachowaniem jej głównej właściwości - przezroczystości.
Tradycyjnie pracę nad szkicem krajobrazu rozpoczynamy od wypełnienia nieba, natomiast staramy się od razu stworzyć ewentualną grafikę chmur, jeśli takie występują. Lub też szerokim pędzlem wypełnionym kolorem dynamicznie bawimy się i rozprowadzamy kolor po powierzchni, którą definiujemy jako niebo. O ile farba swobodnie rozprowadza się po mokrym papierze, to istnieje możliwość skomplikowania koloru poprzez dodanie innych kolorów, np. ochry czy różu. Pracując nad plamą nieba, należy szybko i ostrożnie posługiwać się pędzlem, tak aby w niektórych miejscach pozostawić obszary białego papieru do uchwycenia światła, wzoru lub prześwitów niektórych obszarów chmur i nieba.
Pracując nad szkicem, należy również wziąć pod uwagę cechy przestrzenne ciepłych i zimnych tonów, które pomagają poprawnie rozwiązać problemy tonalne planów obrazowych. Można zatem nabrać na pędzel dużą ilość niebieskiego koloru (ultramaryna, FC, cerelium lub kobalt, w zależności od stanu dnia) i gdy papier jest wilgotny, obrysować linię tła dynamiczną, poziomą kreską. Szczegóły nie są tu potrzebne, ważne jest uzyskanie kontrastu pomiędzy niebem a linią ziemi.
Styl graficzny szkicu charakteryzuje także sposób lub jakimi technikami wprowadzamy plamy barwne w przestrzeń opracowanego formatu. Perspektywa powietrzna wymaga umiejętnego wykorzystania przestrzennych walorów koloru: rozwinięcie tonalne planów wymaga użycia niebieskich farb i kolorów rozcieńczonych wodą w obrazie tła; oraz ciepłe obrazy dużych elementów z mocnymi kontrastami kolorystycznymi podczas przedstawiania pierwszego planu szkicu. Sylwetki przedstawionych przez nas elementów motywu są wyraźnie widoczne poprzez zastosowanie płaskich i stylizowanych plam, bez tworzenia iluzji objętości. Kolor plamy na szkicach nigdy nie będzie jednolity i jednobarwny, bo... Sama akwarela, która jest płynna i poruszająca, nie pozwoli Ci tego zrobić. W pierwszym etapie rejestracji wypełniamy format całkowicie, jaśniejszymi tonami i kolorami, co pozwoli nam w kolejnym etapie wprowadzić elementy pierwszego planu, zgodnie z wcześniej napisaną podkładką kolorystyczną. Jedna z ważnych cech farb akwarelowych polega na uzyskaniu wyraźnie widocznej plamy barwnej na papierze, nawet przy niskim nasyceniu barw. Dlatego nie jest konieczne osiągnięcie faktycznie obserwowanej tonacji i koloru przedstawionych obiektów (można wziąć kilka tonów jaśniejszych lub odwrotnie, ciemniejszych). Należy jednak możliwie najdokładniej obserwować relacje światło-tonalne między dużymi elementami krajobrazu oraz w transmisji oświetlenia i ilości szczegółów.
Po ustaleniu dużych relacji kolorystycznych, gdy praktycznie nie ma już obszarów białego papieru, rozpoczynamy bardziej szczegółowe opracowywanie poszczególnych wyrazistych sylwetek: wprowadzane są najbardziej wyraziste i charakterystyczne detale motywu krajobrazu: domy, drzewa, trawa itp. (patrz „Stara Brzoza”). Ich plamy niekoniecznie muszą mieć gęstą, jednolitą płaszczyznę, kolor w nich może być rozłożony od jasnego do ciemnego i odwrotnie. Samo miejsce można wypełnić różnymi odcieniami, ale w jednym tonie. Nie powinniśmy zapominać, że kolor szkicu jest względny. Wszystko to pozwala powiązać to miejsce z konkretnym obrazem, np. korona drzewa może mieć jedno miejsce, które w dowolnym kroku „a la prima” jest wzbogacane o różne odcienie, ale nie więcej niż 2 -3 kolory. Na tym etapie pracy pomaga nam przemyślana wcześniej organizacja kompozycji arkusza: kierunek głównych elementów i detali, dobór ważnych i charakterystycznych detali. Pracę wykonuje się pędzlami średniej wielkości, wypełnienia wykonuje się wtedy, gdy są one bogatsze i bardziej przejrzyste. Odcień koloru przedmiotu uzyskuje się zarówno poprzez zmieszanie kilku farb, jak i czysty kolor rozcieńczony zmienną ilością wody. Jest to dopuszczalne w grafice. Możesz bardzo ostrożnie wprowadzić roztwory sadzy gazowej, ponieważ ta farba pozwala stłumić bardzo jasny odcień plamy lub przenieść ją w głąb przestrzeni szkicu. Aby wyjaśnić relacje przestrzenne na szkicu, przydatne jest użycie rozcieńczonych farb ultramarynowych lub szmaragdowych, które mają subiektywną jakość wnikania obrazu głębiej w format i mają właściwości glazury.
Aby uformować w swojej pracy masy tonalne elementów krajobrazu, należy wykorzystać różnorodne możliwości techniczne pędzli i sprzętu artystycznego. Dla nieba i ziemi: szerokie pędzle fletowe lub duże okrągłe. Aby uzyskać szczegółowe informacje - pierwsze numery „białych” i „kolumnowych” nitek, wachlarzy lub nawet pędzli z włosia. Do szkiców wielkoformatowych można także użyć gąbki. Do grafiki i detalowania elementów można zastosować następujące techniki: „spryskiwanie”, „szturchanie”, „drapanie” grzebieniem, nożem, tyłem pędzla lub szpachelką; Aby stworzyć teksturę lub niepowtarzalny projekt graficzny, stosuje się technikę „embossingu”: polegającą na nałożeniu na wilgotną kolorową powierzchnię fragmentu teksturowanego materiału (dzianiny, tektury falistej, skóry itp.). Wybór techniki nie jest sprawą fundamentalną, podyktowany jest naszym nastrojem emocjonalnym w pracy i dostępnym materiałem.
Aby ukończyć szkic, możesz jeszcze raz zwrócić uwagę na graficzne, liniowe opracowanie szczegółów, aby nadać krajobrazowi stylistyczną kompletność graficzną. Prace wykonuje się cienkimi pędzlami. Możesz także narysować linie, które wyjaśniają kształt i charakteryzują niektóre drobne szczegóły obrazów. Ażurowość obrazu może sugerować samo wypełnienie sylwetki lub zarys głównych elementów obrazu krajobrazu. Wprowadzenie tej techniki łagodzi nadmierny kontrast sylwetki i nadaje rysunkowi miękkość i plastyczność. Wykończenie szkicu jest zatem typowe dla pracy wykonywanej przez kilka sesji.
W niektórych pracach pomijamy ten etap. Dzieje się tak, gdy podczas początkowego rozwoju relacji kolorystycznych niemal natychmiast uzyskuje się lakoniczne i charakterystyczne plamy kolorystyczne, wyraźnie zarysowujące niezbędne elementy motywu i dokładnie je charakteryzujące. Szkice tego typu odzwierciedlają znaną w praktyce malarskiej metodę „a la prima”. W tym przypadku do dopracowania szczegółów pierwszego planu odpowiedni jest rysunek małymi pędzlami.
Na podstawie opisanych doświadczeń praktycznych można sformułować szereg zaleceń. Szkic akwarelowy krajobrazu w sposób graficzny jest niewątpliwie rozwiązaniem następujących problemów:
1. obserwacja obiektów obrazowych, wydobywanie tego, co w nich charakterystyczne i typowe;
2. tworzenie przejrzystych planów przestrzennych (odległych, środkowych i pierwszego planu);
3. zgodność z łańcuchem technologicznym podczas pracy z farbami akwarelowymi;
4. uzyskanie pięknej i wyrazistej sylwetki za pomocą wypełnienia akwarelowego;
5. ćwiczenie techniki wypełniania plamy sylwetki obiektu obrazowego, tworząc kombinację plam o cienkim kolorze i przezroczystości;
6. dopracowanie graficzne - linie rysunku motywu i elementów, wykonane cienkimi pędzlami.
Bibliografia
1. Magiczna akwarela Arthura Fonvizina. Kod dostępu http://mizrah.ru/post155983442/
Zostaw swój komentarz
Zadawać pytania.
