W prawie każdym znacząca praca sztuka jest tajemnicą, „podwójnym dnem” lub tajna historia, które chcę ujawnić.
Muzyka na pośladkach
Hieronim Bosch, „Ogród rozkoszy ziemskich”, 1500-1510.
Fragment części tryptyku
Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejsze dzieło Holenderski artysta nie ustąpiły od czasu jego pojawienia się. Prawe skrzydło tryptyku „Muzyczne Piekło” przedstawia grzeszników torturowanych w podziemiach za pomocą instrumenty muzyczne. Jeden z nich ma wytłoczone nuty na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przetłumaczyła XVI-wieczny zapis na współczesny akcent i nagrała „500-letnią piekło z piekła rodem”.
Naga Mona Lisa
Słynna „La Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nosi tytuł „Monna Vanna”, została napisana przez mało znany artysta Salai, który był uczniem i wzorem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu historyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których Salai ubrana w kobiecy strój służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.
Stary rybak
W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Csontvary namalował obraz „ Stary rybak" Wydawać by się mogło, że w obrazie nie ma nic niezwykłego, jednak Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.
Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. Każdy człowiek może być jak Bóg (powielony prawe ramię Stary człowiek) i Diabeł (duplikat lewe ramię starzec).
Czy był wieloryb?
Hendrik van Antonissen, Scena na brzegu.
Wydawałoby się, że zwyczajny krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i bezludne morze. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale oglądali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.
Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba, i przepisał obraz.
Dwa „Śniadania na trawie”
Edouard Manet, „Obiad na trawie”, 1863.
Claude Monet, „Obiad na trawie”, 1865.
Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Nawet imię jednego z najbardziej znane obrazy„Luncheon on the Grass” Maneta Monet pożyczył i napisał swój „Luncheon on the Grass”.
Podwaja się podczas Ostatniej Wieczerzy
Leonardo da Vinci, „Ostatnia wieczerza”, 1495-1498.
Kiedy Leonardo da Vinci napisał: „ Ostatnia Wieczerza„, przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich modeli. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć wzoru dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka, który leżał w rynsztoku. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie od razu zaczął malować z niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. To było kilka lat temu, kiedy śpiewał chór kościelny, Leonardo namalował z niego Chrystusa.
„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?
Rembrandt, „Nocna straż”, 1642.
Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga” wisiał w różnych pokojach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie zdawały się pojawiać na ciemnym tle, nazwano go „Nocną Strażą” i pod tą nazwą wszedł do skarbnicy sztuki światowej.
I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku odkryto, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie okazało się, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Położenie cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas akcji nie przekracza 14 godzin.
Przewrócona łódź
Henri Matisse, „Łódź”, 1937.
W Muzeum Nowego Jorku Sztuka współczesna w 1961 r. wystawiono obraz Henriego Matisse'a „Łódź”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie popełnić błędu w sposobie zawieszenia obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien znajdować się w kierunku prawego górnego rogu.
Oszustwo w autoportrecie
Vincent van Gogh, „Autoportret z fajką”, 1889.
Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Najbardziej wiarygodna wersja mówi, że van Gogh uszkodził sobie ucho podczas małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.
Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta ukazany jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. W rzeczywistości dotknięte było lewe ucho.
Obce niedźwiedzie
Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.
Słynny obraz należy nie tylko do Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że jego dotykające się niedźwiedzie nie wyjdą tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do swojego przyjaciela, artysty zwierząt Konstantina Savickiego.
Savitsky narysował prawdopodobnie najlepsze niedźwiedzie w historii Malarstwo rosyjskie, a Tretiakow nakazał zmyć swoje imię z płótna, ponieważ wszystko w obrazie „od koncepcji po wykonanie, wszystko mówi o sposobie malowania, o charakterystycznej dla Szyszkina metodzie twórczej”.
Niewinna historia „Gothica”
Granta Wooda”, amerykański gotyk", 1930.
Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką jest wypełniony szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i wsteczny charakter przedstawionych ludzi.
Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom styl gotycki i postanowił sportretować te osoby, które jego zdaniem idealnie nadawałyby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni jako bohaterowie, którymi mieszkańcy Iowa byli tak urażeni.
Zemsta Salvadora Dali
Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Gala nie była jeszcze wówczas obecna w życiu artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem i siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć tak szokującego zachowania.
W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salvadora. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku ukazał się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do „Postać w oknie”. Istnieje wersja, w której Dali zemścił się na swojej siostrze za jej książkę.
Danae o dwóch twarzach
Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae”, 1636 - 1647.
Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Przykładowo strzelanina pokazała, że we wczesnej wersji twarz księżniczki, która wdała się w romans z Zeusem, była podobna do twarzy Saskii, żony malarza, zmarłej w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertje Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.
Żółta sypialnia Van Gogha
Vincent Van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.
W maju 1888 roku Van Gogh nabył małą pracownię w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest już gotowe i postanawia namalować „Sypialnię Van Gogha w Arles”. Dla artysty bardzo ważny był kolor i wygoda pomieszczenia: wszystko musiało przywoływać na myśl o relaksie. Jednocześnie obraz jest utrzymany w niepokojących żółtych odcieniach.
Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na odcienie zieleni i żółci.
Bezzębna doskonałość
Leonardo da Vinci, „Portret Lady Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.
Powszechnie panuje opinia, że Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła wiele zębów. Studiując powiększone fotografie arcydzieła Borkowski odkrył także blizny wokół ust. „Uśmiecha się” właśnie z powodu tego, co ją spotkało – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.
Specjalizacja w kontroli twarzy
Paweł Fedotow, „Swatanie majora”, 1848.
Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnej publiczności. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad szlachetna etykieta: pojawił się bez wymaganych bukietów dla panny młodej i jej matki. A jej kupieccy rodzice sami ubrali pannę młodą w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.
Dlaczego Liberty jest naga?
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Wolność na barykadach”, 1830.
Zdaniem krytyka sztuki Etienne Julie Delacroix wzorował twarz kobiety na słynnej paryskiej rewolucjonistce – praczce Annie-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu gwardzistów. Artysta przedstawił ją z nagimi piersiami. Według jego planu jest to symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: naga pierś pokazuje, że Liberty jako zwykły człowiek nie nosi gorsetu.
Kwadrat niekwadratowy
Kazimierz Malewicz, „Czarny plac suprematystyczny", 1915.
Tak naprawdę „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do żadnego z pozostałych boków, ani do żadnego boku kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor- to wynik zmieszania różne kolory, wśród których nie było czarnego. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale zasadnicze stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, poruszającej formy.
Specjaliści z Galerii Trietiakowskiej odkryli autorski napis na słynnym obrazie Malewicza. Napis głosi: „Bitwa Czarnych w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do tytułu humorystycznego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse’a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który miał kształt całkowicie czarnego prostokąta.
Melodramat austriackiej Mony Lisy
Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.
Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdinada Blocha-Bauera. Cały Wiedeń omawiał burzliwy romans Adele i sławny artysta. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić u Klimta portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, aż artysta zaczął na nią wymiotować.
Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, aby opiekunka mogła zobaczyć, jak słabną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno się ochłodzili. Adele Bloch-Bauer nigdy nie wiedziała, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.
Obraz, który przywrócił Gauguina do życia
Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.
Najbardziej sławny obraz Gauguin ma jedną osobliwość: „czyta się” go nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w szponach w lewy dolny róg).
Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, gdzie artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka pojechał do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 roku jego działalność zaczęła się poprawiać i rozpoczął się w jego pracy jaśniejszy okres.
112 przysłów na jednym obrazku
Pieter Bruegel Starszy, „Przysłowia holenderskie”, 1559
Pieter Bruegel Starszy przedstawił ziemię zamieszkaną przez dosłowne obrazy Przysłowia holenderskie te dni. Obraz zawiera około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, np.: „płyń pod prąd”, „walenie głową o ścianę”, „uzbrojony po zęby” czy „duża ryba zjada małą rybkę”.
Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.
Subiektywność sztuki
Paul Gauguin, „Bretońska wioska w śniegu”, 1894
Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i w dodatku pod nazwą „Wodospad Niagara”. Mężczyzna prowadzący aukcję przez przypadek powiesił obraz do góry nogami, bo zobaczył na nim wodospad.
Ukryty obraz
Pablo Picasso, „Niebieski pokój”, 1901
W 2008 roku promieniowanie podczerwone ujawniło, że pod Błękitnym Pokojem ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z muszką i opierającego głowę na dłoni. „Tak szybko, jak Picasso nowy pomysł, wziął pędzel i ucieleśnił go. Ale nie miał możliwości zakupu nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza” – wyjaśnia możliwa przyczyna krytyk sztuki Patricia Favero.
Niedostępne Marokańczycy
Zinaida Serebryakova, „Nago”, 1928
Pewnego dnia Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą ofertę – wyjazdu twórcza podróż przedstawiać nagie postacie orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Z pomocą przyszedł tłumacz Zinaidy – przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikomu wcześniej ani później nie udało się uchwycić zamknięcia orientalne kobiety nagi.
Spontaniczny wgląd
Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900
Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu cara. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ramiona... I wtedy dotarło do artysty - oto obraz! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest brany pod uwagę najlepszy obraz ostatni cesarz.
Kolejny dwójka
© Fedor Reshetnikov
Słynny obraz „Deuce Again” to dopiero druga część artystycznej trylogii.
Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosny, doskonały student.
Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z robotniczych przedmieść, wys rok szkolny, przygnębiony paralizator, który ponownie złapał dwójkę. W lewym górnym rogu widać obraz „Przybył na wakacje”.
Trzecia część to „Ponowne badanie”. Wiejski dom, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zmuszony jest siedzieć w czterech ścianach i tłoczyć się. W lewym górnym rogu widać obraz „Deuce Again”.
Jak rodzą się arcydzieła
Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844
W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i zaczęła patrzeć przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim ten sam epizod w pociągu.
Lekcja anatomii od Michała Anioła
Michał Anioł, „Stworzenie Adama”, 1511
Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że Michał Anioł rzeczywiście pozostawił pewne ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najbardziej znanych dzieł znane prace. Wierzą, że prawa strona obrazu przedstawia ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadki mózgowej. A przyciągająca wzrok zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.
„Ostatnia wieczerza” Van Gogha
Vincent Van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888
Badacz Jared Baxter uważa, że obraz Van Gogha „Taras kawiarni nocą” zawiera zaszyfrowaną dedykację dla „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. W centrum obrazu stoi kelner z długie włosy i w białej tunice przypominającej szaty Chrystusa, a wokół niego jest dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca także uwagę na umieszczony bezpośrednio za kelnerem krzyż w kolorze białym.
Obraz pamięci Dali
Salvador Dali, „Trwałość pamięci”, 1931
Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Zatem, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.
O czym Munch krzyczy?
Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.
Munch opowiadał o tym, jak wpadł na pomysł jednego z najbardziej tajemnicze obrazy w malarstwie światowym: „Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebieskawym- czarny fiord i miasto – moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałam, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę.” Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?
Istnieje wersja, że pomysł na „Krzyk” narodził się u Muncha w 1883 roku, kiedy miało miejsce kilka potężnych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Po całym pomieszczeniu unosiły się ogromne ilości kurzu i popiołu na globus docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.
Pisarz wśród ludzi
Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.
Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego zdjęcia główne zdjęcie. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, widać postać w tunice. Iwanow napisał to od Mikołaja Gogola. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad podczas procesu malowania. Gogol uważał, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.
Dna Michała Anioła
Rafaela Santi”, Szkoła ateńska", 1511.
Tworzenie słynny fresk„Szkoła ateńska” Rafael uwiecznił na obrazach swoich przyjaciół i znajomych starożytni filozofowie greccy. Jednym z nich był Michelangelo Buonarotti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.
Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.
Lustro pary Arnolfinich
Jan van Eyck, „Portret pary Arnolfinich”, 1434
W lustrze za parą Arnolfinich widać odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Jan van Eyck był tutaj”. W ten sposób zazwyczaj zawierano umowy.
Jak wada zamieniła się w talent
Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.
Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i odkryła, że artysta cierpiał na zez: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba sprawiła, że artysta potrafi lepiej postrzegać rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z obrazem dwuwymiarowym, właśnie ta wada Rembrandta może być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.
Bezgrzeszna Wenus
Sandro Botticelli, „Narodziny Wenus”, 1482-1486.
Przed pojawieniem się „Narodzin Wenus” wizerunek nagiego kobiece ciało w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym z europejskich malarzy, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są pewni, że na fresku symbolizuje pogańska bogini miłości chrześcijański wizerunek: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła rytuał chrztu.
Lutniarz czy lutnista?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Lutnista”, 1596.
Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX w. historycy sztuki zgodzili się, że obraz przedstawia młodego mężczyznę (pozował mu prawdopodobnie znajomy Caravaggia, artysta Mario Minniti): na notatkach przed muzykiem widać nagranie basu wers madrygału Jakuba Arkadelta „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta nie mogłaby dokonać takiego wyboru - po prostu ciężko jest jej w gardle. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w czasach Caravaggia uważana była za instrument męski.
Tajemnice starego malarstwa Galerii Trietiakowskiej 13 sierpnia 2016
Ludzie spieszą się teraz do Państwowej Galerii Trietiakowskiej na wystawę obrazów Aiwazowskiego. Ale teraz tutaj, w Galeria Trietiakowska w Budynku Inżynierskim odbywa się wyjątkowa wystawa Sekrety starych obrazów. Kiedy znów zajrzysz? Odwrotna strona obrazy i dowiaduję się, że po drugiej stronie płótna, okazuje się, jest też najciekawsze zagadki. Kiedy jeszcze pokażą Ci, co kryje się pod główną warstwą obrazu promieniowanie rentgenowskie? Kiedy jeszcze zobaczysz szkice słynnych obrazów, w których bohaterowie i twarze mogą być zupełnie inne?
Zacznijmy od najsłynniejszego obrazu Wasilija Pukirewa „ Nierówne małżeństwo". Zwróć uwagę na młody człowiek z brodą, który stoi za panną młodą. To sam Wasilij Pukirew i wierzono, że to historia jego nieszczęśliwej miłości, kiedy jego narzeczona została zmuszona do poślubienia Aleksieja Markowicza Połtorackiego, przywódcy szlachty twerskiej.
Ale... Spójrzmy na szkic obrazu i co widzimy? Czy zauważyłeś? Za panną młodą stoi podobna, ale nieco inna osoba.
02.
To przyjaciel Pukirewa Siergiej Michajłowicz Warentsow. Był zakochany w Sofii Nikołajewnej Rybnikowej, która została wydana za mąż za Andrieja Aleksandrowicza Karzinkina. A Varentsov był obecny na tym ślubie
03.
04. Ale co jeszcze widzimy analizując obraz i historię? Okazuje się, że Andriej Karzinkin z drugiej wersji miał w chwili ślubu zaledwie 37 lat, natomiast Aleksiej Połtoracki był już dość starym człowiekiem, co widzimy w szkicu „Głowa starca”, napisanym dla obraz. Chociaż istnieją wersje, w których głowa została skopiowana od księcia Pawła Tsitsianowa lub od kucharza Władimira Iwanowicza, który służył u Varentsovów 
05. I tu wiele lat później, w 1907 r., pojawia się żartowniś - rysunek ołówkiem V.D. Suchowa. A na nim napis: „Praskovya Matveevna Varentsova, z którą 44 lata temu artysta V.V. Pukirev namalował swój słynny obraz „Nierówne małżeństwo”. Pani Varentsova mieszka w Moskwie, w przytułku Mazurin. W ten sposób zagadka obrazu została rozwiązana 
Zacząć robić. Oto obraz Izaaka Brodskiego „Park Alley”, namalowany w 1930 roku. Wydawałoby się, że co w tym niezwykłego? Park z chodzącymi ludźmi ludzie radzieccy. Badacze zwrócili jednak uwagę na drzewa, których korona nie była zbyt typowa dla parków radzieckich
06. 
Znany był ten sam obraz Brodskiego z włoskiego cyklu „Park Alley in Rome”, napisany w 1911 roku. Uważano ją za zagubioną. Dlatego badacze postanowili oświetlić obraz „Park Alley” promieniami rentgenowskimi. I co zobaczyli? Widzieli ten sam obraz „Park Alley in Rome”, który uznano za zaginiony. Wyobraź sobie rok 1930. Koło zamachowe represji zaczyna się rozwijać. I zdjęcie. wychwalanie burżuazyjnych Włoch mogło sprowadzić artystę duże problemy. A Brodski, nieznacznie zmieniając sylwetki ludzi, zamienia włoski park w park radziecki. Ale dzięki zdjęcia rentgenowskie a niestrudzonym badaczom Galerii Trietiakowskiej możemy zobaczyć obraz „Aleja parkowa w Rzymie”. Możesz porównać
07.
08. „Portret nieznanej osoby w przekrzywionym kapeluszu” – Fiodor Stepanowicz Rokotow. Wydawałoby się, co w tym niezwykłego? Cóż, twarz wygląda jak kobieca. Ale wydaje się, że nie ma nic więcej. Uważano, że był to portret hrabiego Bobrinsky'ego. 
09. Ale nie. Ujawniło nam zdjęcie rentgenowskie twarz kobiety, prawdopodobnie żona właścicielki ziemskiej Struisky Olimpiady Siergiejewnej Balbekowej. Zmarła w wieku 20 lat 
10. Praca „Portret Elżbiety Pietrowna w młodości”. nieznany artysta wydaje się także reprezentować klasyczny portret połowy XVIII wieku. To kopia obrazu nadwornego malarza L. Caravaque’a „Portret Carewnej Elżbiety Pietrowna w męskim garniturze” 
11. Ale patrząc na odwrotną stronę obrazu, widzimy lustrzany portret Elżbiety z napisem „Jej Cesarska Wysokość Księżna Koronna Gdańska w jej młodym późnym późnym wieku, który był na cześć Najjaśniejszej Cesarzowej Gdańska Elizawiet Pietrowna”. Co ciekawe, portret został namalowany na najcieńszym płótnie. To jedyna taka praca na świecie 
12.
13. Zabawna historia związana jest z obrazem „Zakonnica” Ilyi Repina. To Sofia Repina, która poślubiła brata artysty. Ale dlaczego jest przedstawiana jako zakonnica? 
14. Faktem jest, że według wspomnień siostrzenicy artysty L.A. Shevtsova-Spore, Repin i Sophia pokłócili się, a artysta wpadł w panikę. Dobrze kreatywna osoba, Zdarza się. Wzięłam go i przerobiłam jasny portret Zofii w koronkowej sukience na monastyczny. 
Chyba na tym poprzestanę i nie będę już zdradzać tajemnic pozostałych starych obrazów. Musi być dla ciebie tajemnica. I uwierz mi, wciąż istnieje wiele tajemnic różnych słynnych obrazów, które można rozwikłać. Zatem idźcie, biegnijcie pilnie na tę wyjątkową wystawę. Potrwa do 21 sierpnia. Masz jeszcze czas, żeby to złapać.
Dziękuję Gruszeńka , Katarzyna_catty , dużo20 , balakina_ann , julia_lambert , da_dmitriy , nastyono4ka ,
„Portret Sofii Aleksiejewnej Repiny-Szewcowej”. Kijowskie Narodowe Muzeum Sztuki Rosyjskiej. / „Zakonnica” (1878). Państwo Galeria Trietiakowska. Autor: I.E.Repin. W sztuce malarstwa promienie rentgenowskie umożliwiają poznanie stare obrazy dużo interesujące fakty. Podnosząc tajemniczą zasłonę, pomagają zapomnianym bohaterom odnaleźć swoje prawdziwe imiona, zdemaskować podróbki, a także odsłonić nieznane obrazy pod spodem słynne arcydzieła. I tak na przykład analiza rentgenowska płótna „Zakonnica” Ilyi Repina nieoczekiwanie wykazała, że w chwili jego powstania pozująca dziewczyna była ubrana w suknię balową, a zamiast różańca miała w sobie wachlarz. dłoni, co uwidoczniło się pod wierzchnią warstwą lakieru dzięki promieniom rentgenowskim. Jak świecka kobieta znalazła się w czarnym stroju klasztornym? Ten fascynująca historia– w dalszej części recenzji. W ubiegłym roku w Galerii Trietiakowskiej odbyła się wystawa „Sekrety Starego Malarstwa”. Znajdujące się w magazynach eksponaty, pełne legend i tajemnic, wzbudziły duże zainteresowanie publiczności, a sama wystawa okazała się ogromnym sukcesem. Prehistoria pierwszej wersji obrazu I.E. Repina „Zakonnica” (1878).
„Zakonnica” (1878). Państwowa Galeria Trietiakowska. Autor: I.E.Repin. Portret pochodzi z 1878 roku i jeśli się mu dokładnie przyjrzeć, można dostrzec rozbieżność między strojem a wyrazem twarzy dziewczyny. Trudno ją nazwać skromną zakonnicą.
„Portret Sofii Aleksiejewnej Repiny z domu Szewcowej”. Kijowskie Narodowe Muzeum Sztuki Rosyjskiej. Autor: I.E.Repin. Jako początkujący malarz i student Akademii Sztuk Pięknych Repin mieszkał obok rodziny architekta A.I. Szewcowa, który miał dwie córki. Wielu wierzyło, że Repin został porwany przez najstarszą Sophię, ale w 1872 roku Ilya poślubiła najmłodszą, młodą Verę.
„Portret żony artysty – Very Alekseevny Repiny”. (1876). Państwowe Muzeum Rosyjskie. Petersburg Autor: I.E.Repin. Sophia, jak na ironię, została jego żoną rodzeństwo- Wasilij, student Konserwatorium w Petersburgu. Ilya niejednokrotnie malował portrety Sofii Aleksiejewnej, z których jeden jest przechowywany w Kijowie Muzeum Narodowe Sztuka rosyjska. Ze wspomnień siostrzenicy artysty niezawodnie wiadomo, że istniał inny portret szwagierki, która pozowała malarzowi w sukni balowej, a podczas jednej z sesji Sophia i Ilya pokłócili się mocno . A artysta niezrównoważony emocjonalnie i łatwo zapalny, za jednym zamachem zamienił elegancką bohaterkę swojego płótna w zakonnicę. Pod czarną szatą ukrył bujną fryzurę, koronkową suknię balową i wachlarz. To był przypływ emocji, który ogarnął artystę.
„Portret Sofii Aleksiejewnej Repiny”. / "Siostra zakonna". (1878). Autor: I.E.Repin. Aby potwierdzić prawdziwość słów pamiętnikarza, prześwietlenie obrazu wykazało to w dolnej warstwie, która nie została oczyszczona przez autora. I co ciekawe: prawdziwy związek Sofia Shevtsova i Ilya Repin pozostali tajemnicą. Podobnie jak reakcja Sophii na czyn artysty. To, czy Paweł Tretiakow, który nabył go do swojej kolekcji, wiedział o tym portrecie, pozostaje tajemnicą czasu.
Obrazy Ilji Efimowicza Repina są prawdziwym dziedzictwem malarstwa rosyjskiego XIX wieku. Można na nie patrzeć godzinami, dopracowując każdy szczegół. Wiele prac artysty do dziś spowija aura tajemnic i zagadek. Do najsłynniejszych „tajemniczych” obrazów Repina: „Iwan Groźny i jego syn Iwan 16 listopada 1581 r.”, „Uroczyste posiedzenie Rady Państwa”, „Przewoźnicy barek na Wołdze”. Ale ludzie niewiele wiedzą o jednym bardzo skandalicznym obrazie.
Ilja Repin, „Wielkie posiedzenie Rady Państwa 7 maja 1901 r.”, 1903 r.
To „Paryska kawiarnia” napisana przez Ilję Efimowicza w 1874 roku. W tym czasie artysta wraz z rodziną mieszkał w Paryżu, gdzie został wysłany jako najlepszy student Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych. Początkowo Repin przeżył silny szok kulturowy: stolica Francji go uciskała, a malarzowi nie wszystko się w nim podobało, jednak po pewnym czasie nadal zakochuje się w tym mieście, podziwiając jego mieszkańców, ich wygląd i maniery.
"Tymczasem strasznie mnie interesuje Paryż: jego smak, wdzięk, lekkość, szybkość i ten głęboki wdzięk w prostocie. Zwłaszcza kostiumy paryskich kobiet! Nie da się tego opisać..."
Pod wpływem zachwytu nad Paryżem artysta postanawia malować Duży obraz, biorąc za podstawę pstrokaty tłum jednej starej kawiarni na bulwarze Clichy. Ponieważ Repin z zapałem pracuje nad nowym płótnem i maluje wszystkie postacie z życia, jego kieszenie szybko się opróżniają. Jak przyznaje artysta, lokalne modele pracowały z umiejętnościami prawdziwych aktorów, ale były drogie - 10 franków dziennie.
Ilya Repin, szkic do obrazu „Paryska kawiarnia”, 1875
Ilya Efimovich próbował poprawić swoją sytuację, zaczynając malować małe obrazy, gatunki Życie paryskie ale słabo się sprzedawały. Następnie, dowiedziawszy się o problemy finansowe artysta, napisał do niego kupiec Tretiakow i zaproponował namalowanie portretu Aleksieja Konstantynowicza Tołstoja. Po części nie był to tylko gest dobroczyńcy: Tretiakow od dawna chciał zdobyć portret tego ostatniego. Z kolei Repin zasugerował możliwość zakupu od niego portretu Turgieniewa, na co Tretiakow się zgodził. Niestety, wybitnemu kupcowi nie spodobała się współpraca z Iwanem Siergiejewiczem i nie przekazał kolejnego 1000 franków (oprócz tego, co już zapłacono za bieżącą pracę). Ale ta kwota wystarczyła, aby Ilja Efimowicz i jego rodzina mogli żyć w pokoju, a sam mistrz mógł pracować.
Skandal na skalę uniwersalną
Po zakończeniu prac nad „Kawiarnią paryską” Ilja Repin postanawia wystawić ją na głównym wernisażu w Paryżu w 1875 roku. Ciekawe, że łączna liczba prac na wystawie wyniosła ponad pięć tysięcy, a obraz Repina wisiał zbyt wysoko, ale po 3 dniach zainteresował się nim jeden odwiedzający Amerykanin. Był gotowy kupić płótno, jednak cena żądana przez artystę okazała się zbyt wysoka.
Ilja Repin, „Kawiarnia paryska”, 1875
Tymczasem Arkhip Kuindzhi zdołał rozgłosić w Petersburgu o „katastrofalnym” filmie Repina. Artysta spotkał się z największą krytyką ze strony swojego starego przyjaciela i nauczyciela Kramskoya. Iwan Nikołajewicz napisał gniewny list do Paryża, w którym nazwał swój pogląd na sztukę kruchym i niemal zdradzieckim godności narodowej:
"Nie powiem, że to nie jest fabuła. Co za fabuła! Ale nie dla nas: chansonnetów musimy słuchać od kołyski, potrzebujemy kilku pokoleń przed urodzeniem, żeby ćwiczyć różne rzeczy. Jednym słowem, ty muszą być Francuzami…”
Później Iwan Nikołajewicz przyjedzie nawet do Paryża, aby uratować przyjaciela, ale nigdy nie dojdzie do wspólnego mianownika.
Tajemnice malarstwa
Główne sekrety płótna tkwią we wspaniałej retrospektywie i zamrożonej w obrazie prawdziwi ludzie. Wiadomo zatem, że dla centralnego charakter kobiecy Najwięcej pozowała „Paris Cafe”. prawdziwa gwiazda- piosenkarka, chansonette i prima „Théâtre des Bouffes-Parisiens” Anna Judique. Artysta wielokrotnie przepisywał wygląd swojej bohaterki, zmieniając zarówno jej pozę, wyraz twarzy, jak i stopień podobieństwa do pierwowzoru. Ostatni raz zmienił go tuż przed sprzedażą w 1916 roku. Dlaczego? To pozostaje tajemnicą.
Chłopaki, włożyliśmy w tę stronę całą naszą duszę. Dziękuję za to
że odkrywasz to piękno. Dziękuję za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas na Facebook I W kontakcie z
Gdyby tylko zobaczyć na własne oczy obrazy „Dziewczyna z brzoskwiniami”, „Przybyły gawrony”, „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, „Poranek w Las sosnowy„i wiele innych dzieł języka rosyjskiego Dzieła wizualne, znane nawet każdemu, kto daleki jest od malarstwa z opakowań po cukierkach i internetowych memów.
strona internetowa przeszukał kolekcję Muzeum Sztuki i wybrałem 10 obrazów z ciekawa historia. Mamy nadzieję, że zainspirują Państwa do odwiedzenia Galerii Trietiakowskiej.
„Apoteoza wojny” Wasilij Wierieszczagin
Obraz namalowano w 1871 roku pod wrażeniem działań wojennych w Turkiestanie, które zadziwiły naocznych świadków swoim okrucieństwem. Początkowo płótno nazywało się „Triumf Tamerlana”, którego żołnierze pozostawili po sobie takie piramidy czaszek. Według historii pewnego dnia kobiety z Bagdadu i Damaszku zwróciły się do Tamerlana, skarżąc się na swoich mężów, pogrążonych w grzechach i rozpuście. Następnie okrutny dowódca nakazał każdemu żołnierzowi ze swojej 200-tysięcznej armii przynieść odcięte głowy swoich zdeprawowanych mężów. Po wykonaniu zamówienia ułożono 7 piramid głów.
„Nierówne małżeństwo” Wasilij Pukirew
Obraz przedstawia proces ślubny w Sobór. Młoda panna młoda bez posagu wbrew swojej woli wychodzi za mąż za starego urzędnika. Według jednej wersji obraz przedstawia dramat miłosny samego artysty. Prototypem na obrazie panny młodej jest nieudana narzeczona Wasilija Pukirewa. A na obrazie drużby, przedstawionym na krawędzi obrazu za panną młodą, z rękami złożonymi na piersi, jest sam artysta.
„Bojaryna Morozowa” Wasilij Surikow
Gigantyczny (304 na 586 cm) obraz Wasilija Surikowa przedstawia scenę z historii schizma kościelna w XVII wieku. Obraz poświęcony jest Teodozji Prokopiewnej Morozowej, współpracowniczce duchowego przywódcy zwolenników starej wiary, arcykapłana Avvakuma. Około 1670 r. potajemnie została zakonnicą, w 1671 r. została aresztowana, a w 1673 r. zesłana do klasztoru Pafnutiew-Borowski, gdzie zmarła z głodu w ziemnym więzieniu.
Obraz przedstawia epizod transportu szlachcianki Morozowej po Moskwie na miejsce uwięzienia. Obok Morozowej jest jej siostra Evdokia Urusova, która podzieliła los schizmatyka; w głębinach kryje się wędrowiec, w którego twarzy można odczytać rysy artysty.
„Nie spodziewaliśmy się” Ilya Repin
Drugi obraz, namalowany w latach 1884-1888, przedstawia nieoczekiwany powrót do domu wygnania politycznego. Chłopiec i kobieta przy fortepianie (najwyraźniej jego żona) są szczęśliwi, dziewczyna patrzy ostrożnie, pokojówka patrzy z niedowierzaniem, w zgarbionej postaci matki na pierwszym planie odczuwa się głęboki szok emocjonalny.
Obecnie oba obrazy znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej.
„Trójca” Andriej Rublow
Galeria Trietiakowska posiada bogatą kolekcję starożytne malarstwo rosyjskie XI-XVII w., m.in. dzieła Dionizego, Szymona Uszakowa i Andrieja Rublowa. W sali 60 galerii wisi jedna z najsłynniejszych i najbardziej znanych ikon na świecie – „Trójca”, namalowana przez Andrieja Rublowa w pierwszej ćwierci XV wieku. Trzej aniołowie zebrali się wokół stołu, na którym stał kielich ofiarny, aby prowadzić cichą, niespieszną rozmowę.
„Trójca” przechowywana jest w sali starożytnego malarstwa rosyjskiego w Galerii Trietiakowskiej, w specjalnej szklanej gablocie, w której utrzymywana jest stała wilgotność i temperatura, która chroni ikonę przed wpływami zewnętrznymi.
„Nieznany” Iwan Kramskoj
Lokalizacja filmu nie budzi wątpliwości – jest to Newski Prospekt w Petersburgu, Most Aniczkowa. Ale wizerunek kobiety wciąż pozostaje dla artysty tajemnicą. Kramskoj ani w swoich listach, ani w swoich pamiętnikach nie pozostawił żadnej wzmianki o nieznanej osobie. Krytycy połączyli ten obraz z Anną Kareniną Lwa Tołstoja, z Nastasją Filippovną Fiodora Dostojewskiego i wymieniono nazwiska sławnych dam świata. Istnieje również wersja, w której obraz przedstawia córkę artysty, Sofię Iwanownę Kramską.
W Czas sowiecki„Nieznany” Kramskoja stał się niemal rosyjski Madonna Sykstyńska- ideał nieziemskiego piękna i duchowości. I wisiał w każdym porządnym sowieckim domu.
„Bogatyrs” Wiktor Wasniecow
Wasnetsow malował ten obraz przez prawie dwadzieścia lat. Ukończono go 23 kwietnia 1898 roku i wkrótce zakupił go P. M. Tretiakow do swojej galerii.
W eposach Dobrynya jest zawsze młody, jak Alyosha, ale z jakiegoś powodu Vasnetsov go przedstawił dojrzały mężczyzna z luksusową brodą. Niektórzy badacze uważają, że rysy twarzy Dobrynyi przypominają samego artystę. Prototypem Ilyi Murometsa był chłop z prowincji Włodzimierz Iwan Pietrow, którego Wasnetsow wcześniej schwytał na jednym ze szkiców.
Nawiasem mówiąc, Ilya Muromets nie postać z bajki, A postać historyczna. Historia jego życia i wyczynów wojskowych jest prawdziwe wydarzenie. Zestarzewszy się i kończąc trudy obrony ojczyzny, został mnichem klasztoru w Kijowie Peczerskim, gdzie zmarł w 1188 r.
„Kąpiel czerwonego konia” Kuzma Petrov-Vodkin
Obraz „Kąpiel czerwonego konia”, który zadziwił współczesnych swoją monumentalnością i losem, przyniósł artystce Kuzmie Petrov-Vodkinowi światowa sława. Czerwony koń jest Losem Rosji, którego kruchy i młody jeździec nie jest w stanie utrzymać. Według innej wersji Czerwonym Koniem jest sama Rosja. W tym przypadku nie sposób nie zauważyć proroczego daru artysty, który swoim malarstwem symbolicznie przepowiedział „czerwone” losy Rosji w XX wieku.
Petrov-Vodkin wzorował konia na prawdziwym ogierze o imieniu Boy. Aby stworzyć wizerunek nastolatka siedzącego na koniu, artysta wykorzystał cechy swojego ucznia, artysty Siergieja Kałmykowa: „Do wiadomości przyszłych autorów mojej monografii. Nasza droga Kuźma Siergiejewicz przedstawiła mnie na czerwonym koniu. ...Na obrazie ospałego młodzieńca na tym sztandarze jestem przedstawiony osobiście.”
„Księżniczka łabędzi” Michaił Wrubel
Obraz został namalowany w 1900 roku na podstawie scenicznego wizerunku bohaterki opery N. A. Rimskiego-Korsakowa „Opowieść o carze Saltanie” opartej na fabule bajka o tym samym tytule A.S. Puszkin. Spektakl zaprojektował Vrubel, a rolę Księżniczki Łabędzi wykonała żona artysty Nadieżda Zabela-Vrubel. „Wszyscy śpiewacy śpiewają jak ptaki, ale Nadia śpiewa jak osoba!” - Vrubel mówił o niej.
