Chyba nie ma na świecie ani jednego teatru, w którym główne godło teatru – maski – nie byłoby przedstawione w sali w formie płaskorzeźby lub w jakiejś innej formie. Teatralne symbole komedii i tragedii są wyrazem istoty tego spektakularnego establishmentu.
starożytne greckie muzy
Aby odpowiedzieć na pytanie, dlaczego tak się stało, musimy przejść do początków cywilizacja europejska- kultura Starożytna Grecja, w którym sama dramaturgia pojawiła się przed naszą erą, jej głównymi gałęziami są tragedia i komedia, ich patronki (odpowiednio Melpomene i Thalia) oraz symbole sceny, które pozostały przez wieki - maski. Atrybuty teatralne, które ostatecznie przekształciły się w emblemat. Wszystko zaczęło się, jak zwykle, od starożytne greckie mity. Dziewięć córek Zeusa i Mnemosyne (tytanidy, córki Urana i Gai), uosabiające pamięć, stało się muzami patronami nauki i sztuki. Każda z nich miała swój własny wizerunek, odpowiadający obszarowi, któremu patronowała i nadzorowała.
Od niepamiętnych czasów
Melpomene i Thalia, patronki przedstawień teatralnych, od czasów starożytnych przedstawiane są jako kobiety trzymające maski. Teatralne symbole stopniowo leczyły ich niezależne życie i zaczął personifikować scenę. Ale pochodzenie tych atrybutów sięga czasów starożytnych. Na przykład Arystoteles, wychowawca Aleksandra Wielkiego, który żył w IV wieku p.n.e., zeznaje, że nawet za jego czasów historia używania masek na arenie teatralnej zaginęła w odwiecznych czeluściach czasu. I nie jest to zaskakujące. Rzeczywiście, w czasach starożytnych wszystkie przedstawienia teatralne odbywały się na placach i arenach. Zebrało się mnóstwo ludzi, a żeby zobaczyć charakter postaci w ostatnich rzędach, usłyszeć, o czym mówią, aktorzy zaczęli używać masek. Jaskrawo narysowane, wyrażające radość lub złość, zamiast ust miały ustnik, który wzmacnia dźwięk.
Różnorodność masek
Nie można sobie wyobrazić starej akcji bez maski. Atrybuty teatralne były warunkiem koniecznym i głównym przedstawienia. I oczywiście było ich wielu - były maski męskie i żeńskie, bohaterowie i złoczyńcy, starcy, młodzi ludzie i dzieci, bogowie i inne istoty wyższego rzędu. Maski przedstawiały smutek i radość. Stopniowo, wraz z pojawieniem się budynków teatralnych ze sceną i pewną akustyką, potrzeba maski znika, ale służąc teatralnym spektaklom tysiąclecia, pozostaje symbolem tej formy sztuki. Dwie maski - komedie i tragedie - uosabiają teatr w ogóle, a ponadto symbolizują jego starożytność. Obaj mają otwarte usta, choć nie ma możliwości wzmocnienia dźwięku. W Thalii, symbolu komedii, kąciki ust są uniesione, w Melpomene żałośnie opuszczone. Każdy zna maski teatralne. Poniższe zdjęcia przedstawiają najczęstsze wizerunki duetu.
Przenoszony przez wieki
Ogólnie rzecz biorąc, rola masek w życiu człowieka jest bardzo wysoka. Nigdy nie wyszły z użytku, nawet gdy zostały zakazane przez prawo (rewolucja francuska). Rytualne, karnawałowe maski istniały od zawsze. Możesz o nich mówić bardzo długo, jeśli pamiętasz Wenecję. W dzisiejszych czasach demonstracje protestacyjne we wszystkich krajach świata rzadko obywają się bez masek, ucieleśniających jedną lub drugą polityk. Maska stała się symbolem tajemnicy. Co dało początek wielu wyrażeniom tym słowem, sugerującym tajemnicę, nieszczerość, zagadkę. Istnieje nieskończona liczba masek. Szczególne miejsce wśród całości zajmują różnorodne maski teatralne. Niektóre zdjęcia można zobaczyć poniżej.
Złoto na najwyższym poziomie
Złotej masce poświęcono specjalne miejsce. Złoto zawsze symbolizowało coś w najwyższym stopniu, czy to medal, czy kula kolejowa.
To symbol pomyślnego zakończenia czegoś dużego i ważnego. Nic dziwnego, że wraz ze złotą wenecką maską, która uosabia najwyższy stopień społecznego sukcesu, pojawiła się teatralna złota maska, symbolizująca szczyt aktorstwa i reżyserii. W 1994 roku rosyjska świątynia w Melpomene nabyła własną festiwal teatralny dość wysoki standard, bo fundatorami było Ministerstwo Kultury Federacja Rosyjska i rząd Moskwy, a od 2002 roku Sbierbank Rosji został generalnym sponsorem corocznego festiwalu Złotej Maski. Prezes Stowarzyszenia z o tej samej nazwie długie lata jest Georgy Taratorkin. Festiwal poprzedzony jest rygorystycznym i profesjonalnym doborem spektakli, prowadzonym przez cały rok przez rady eksperckie, w skład których wchodzą wybitni i wybitni choreografowie, dyrygenci, reżyserzy i aktorzy.
Rozpoznawanie rówieśników
Ogólnorosyjski festiwal odbywa się wiosną i kończy kolorową piękną ceremonią wręczenia nagród, której symbolem jest wizerunek złotej maski, który własnoręcznie opracował i wykonał artysta Oleg Sheintsis.
Nagroda teatralna „Złota Maska” przyznawana jest w kilku kategoriach. Ma znak wysokiej jakości: Michaił Uljanow powiedział, że nagrodę przyznają profesjonaliści profesjonalistom. Nie można go zdobyć za pieniądze lub „znajomość”. Ona ma wysoki status- Narodowa Nagroda Teatralna, ufundowana przez tak poważną organizację jak Związek Pracowników Teatru. Nagroda nie ma odpowiednika pieniężnego, jej głównym atutem jest uznanie talentów i osiągnięć przez współpracowników.
Maski dla dzieci
Dzieci mają swoje hobby i nagrody, które istnieją równolegle ze światem dorosłych – teatrzyki dziecięce, świąteczne kolorowe karnawały, szkolne przedstawienia. Do tego wszystkiego często wymagane są maski teatralne dla dzieci. A tu już jest miejsce na wędrowanie fantazji: bajki, filmy animowane - wszystko jest na usługi dzieci. Możesz zrobić maskę Ilyi Muromets lub Shreka, dowolnego zwierzęcia, w tym bajecznego, lub Barbie Muszkietera. Ponadto szkice masek na każdy gust są dostępne dla każdego.
Konferencja „Mała Akademia”Historia maski teatralnej
Wykonywane:
Kuzovleva Evangelina Siergiejewna
uczeń 5 klasy „G”
Liderzy:
Bahir Elena Juriewna
Valchuk Marina Konstantinovna
Petersburg
rok 2014
Wstęp. 3.
Historyczne formy maski teatralnej:
Teatralna maska w starożytnej Grecji. C. 4.
Zrozumienie maski we włoskim teatrze commedia dell'arte. S.8.
Tradycyjna maska w teatr japoński Ale. S.9.
S.11.
Wniosek:
Funkcje maski teatralnej w toku rozwój historyczny teatr
- „Maska” jako urozmaicenie i sposób działania we współczesnym
wydajność. S. 12.
Lista wykorzystanej literatury
Aplikacje
1. Wstęp.
Cel - poznaj historię teatralnej maski
Cele badań - selekcjonować i analizować literaturę dotyczącą historii maski teatralnej i jej roli w spektaklach.
Dziś, kiedy idziemy do teatru, rzadko widzimy na scenie aktora w masce. W nowoczesne rozumienie częściej kojarzy się z ideą maskarady lub karnawału. Ale nie zawsze tak było. Aktor przez wieki nie pojawiał się bez niej na scenie. Odegrała ogromną rolę w spektaklu: wzbogaciła warsztat aktorski i zdolność wpływania na widza, pozwoliła osiągnąć zupełnie inny poziom ekspresji, przekształciła akcję teatralną w tajemniczy, wysublimowany rytuał, wprowadził umowność, symbolikę , karykatura w spektaklu.
Historia maski teatralnej ma ponad dwa tysiące lat - pierwsza z masek, o których istnieją wiarygodne informacje, została wykorzystana w starożytny teatr grecki kilka wieków przed naszą erą. Aktorzy używają teatralnych masek na całym świecie, nic więc dziwnego, że jest ich bardzo dużo i potrafią się od siebie uderzająco różnić. To dość zaskakujące, że czasami maski, które pojawiły się w różnym czasie iw różnych miejscach na ziemi, okazują się nieco podobne.
W pracy tej wykorzystałem przede wszystkim prace dotyczące historii teatru, które przedstawiają rekonstrukcję spektaklu teatralnego starożytnej Grecji, średniowiecznych Włoch i Japonii, w celu porównania głównych typów maski teatralnej, jej przeznaczenia i możliwości artystyczne w spektaklach teatralnych różne epoki i kraje, żeby zobaczyć, jak wyglądają, dlaczego aktorzy uciekali się do ich pomocy, jakie korzyści mogła dawać maska i jakie trudności stwarzała? A także zrozumieć znaczenie, jakie maska może mieć we współczesnym spektaklu, jak może pomóc współczesny aktor i widza. W końcu wraz z odrzuceniem maski we współczesnym teatrze jej bogactwo również odeszło w przeszłość. ekspresyjne możliwości i zrozumienie, że maska może wzbogacić spektakl, uszlachetnić go, pomóc stworzyć na scenie warunkowy, poetycki teatr.
W swojej pracy chcę rozważyć główne odmiany maski teatralnej, aby pokazać, które znaczenie musiał stworzyć szczególną atmosferę spektaklu i jak może pomóc teraz aktorowi - przekazać widzowi wzniosłą treść, wzbogacić ekspresję aktora, jego zdolność do transformacji.
Myślę, że znajomość historii teatralnej maski jest jednym z przykładów możliwej owocnej współpracy z tradycją, której odwoływanie się do bogatego doświadczenia zawsze staje się źródłem świeżych oczu i nowych odkryć we współczesnym życiu. Zobaczymy, że historia teatralnej maski to ekscytująca i fascynująca podróż, z wieloma niesamowitymi odkryciami i tajemnicami, które na zawsze pozostaną nierozwiązane.
2. Historyczne formy maski teatralnej.
Teatralna maska w starożytnej Grecji.
Wiele ciekawych nieoczekiwane fakty, z których niektóre nowoczesny mężczyzna może wydawać się ciekawa, kojarzy się z maską aktora w starożytnym teatrze greckim i rzymskim.
Spektakle w starożytnej Grecji grane były kilka razy w roku i było to wydarzenie zbliżone do święta narodowego lub Igrzyska Olimpijskie. „W dni spektakli sądy były zamknięte, praca zgromadzeń ludowych i innych instytucji rządowych została przerwana, życie handlowe i przemysłowe zamarło, a wszyscy obywatele w szczególnie radosnych, świątecznych nastrojach szli razem do teatru” .
Odbyły się konkursy między aktorami i dramatopisarzami i wyłoniono zwycięzców. .
Teatry starożytnej Grecji były ogromne - amfiteatry pod otwarte niebo mógł pomieścić dziesiątki tysięcy widzów, na przykład teatr Dionizosa w Atenach - 17 000, a teatr miasta Megalopolis - 44 000 . Mimika twarzy aktora byłaby niemożliwa do rozpoznania przez większość widzów, więc występował w masce, która sprawiała, że „cechy” postaci były bardziej zauważalne. „Maska aktora była wykonana z drewna, a częściej z lnu” . « Antyczne maski wykonywano z popularnych nadruków i tynkowanego lnu, a później ze skóry i wosku.» .
Starożytni autorzy zwracali uwagę, że konstrukcja maski wzmacniała również brzmienie głosu, co również było bardzo ważnym zadaniem dla gigantycznych greckich teatrów. W tym celu w specjalny sposób opracowano również projekt sceny. "Zarówno w Grecji, jak iw Rzymie bawili się w maskach o specjalnym kształcie ust, w formie lejka - ustnika. To urządzenie wzmocniło głos aktora i umożliwiło wysłuchanie jego przemówienia do wielu tysięcy widzów amfiteatru. /.../ Usta maski były zwykle obramowane metalem, a czasami cała maska wewnątrz była wyłożona miedzią lub srebrem, aby wzmocnić rezonans.» .
Maska aktora została założona na głowę aktora jak hełm - wraz z fryzurą i była już wcześniej wymyślona. „Sądząc po opisach starożytnych, maski różniły się między sobą także różnicą w karnacji i włosach. Niektórzy mieli przymocowane do nich brody; maski królów były wyposażone w diadem. Maski młodych kobiet wyróżniały się również szczególnie skomplikowanymi fryzurami. .
„W przypadku komedii takich jak The Birds, The Clouds czy The Wasps, maski chóru były fantastyczne” . „Arystofanes sprawił, że chór jego pieśni pojawił się albo w postaci chmur, albo w postaci ptaków, albo żab /.../ i mamy pewne dowody, że chór z „Chmury” rozśmieszył widzów swoimi brzydkimi maski z ogromnymi nosami” . Z drugiej strony „próbowali osiągnąć podobieństwo portretowe, w którym na scenę wprowadzono prawdziwe twarze” .
Aktor musiał założyć odpowiednią maskę za sceną i był gotowy do wyjścia na scenę. Wymagało wielu zmian masek. Faktem jest, że w starożytnym greckim przedstawieniu początkowo brał udział jeden aktor, który prowadził „dialog” z chórem: sam dramaturg był jedynym aktorem w swojej sztuce, który „odpowiedział” swoimi uwagami do pieśni chóru” . Na zmianę reprezentował różne postacie który rozmawiał na przykład z ludźmi. Często wcielał się w postać posłańca, który opowiadał długie historie o wydarzeniach, które miały miejsce poza sceną, zamiast, jak to jest u nas w zwyczaju, pozwolić widzowi zobaczyć je na własne oczy na scenie.
Co więcej, szczególnie interesujące jest to, że podczas grania tej samej postaci mogli przedstawiać się różni aktorzy. W starożytnym greckim przedstawieniu aktorzy nie tylko mówili, ale także śpiewali, jak we współczesnej operze. Najtrudniejsze i najbardziej odpowiedzialne „aria” i teksty do recytacji „wkładają w usta różnych aktorzy, który z tego powodu nie mógł być jednocześnie wyniesiony na scenę” w wykonaniu głównego aktora - który posiadał najlepsze dane i umiejętności aktorskie, najpotężniejszy i najbardziej wyrazisty głos. W rzeczywistości pomogli mu drugi i trzeci aktorzy. Czasem, gdy na scenie miało być kilka postaci, mógł wyjść w masce „statysta” – performer z chóru, który nie wymawiał tekstu, ale po prostu był obecny na scenie jako jeden z aktorów- słuchacze.
Dla głównych bohaterów spektaklu można było przygotować dwie lub trzy maski, które przedstawiały go na przykład w radości i smutku. Tekst spektaklu został skomponowany w taki sposób, aby wszelkie zmiany w losach bohatera odbywały się za kulisami, aby mógł wyjść i zmienić maskę na taką, jakiej potrzebował.
Zachowały się dowody, że były też maski, na których prawa połowa twarzy przedstawiała jedną emocję, a lewa drugą. Za pomocą tej maski aktor wydawał się być w stanie grać, zwracając się do audytorium w profilu z właściwą stroną. Jednak badacze starożytnych dowodów, które przetrwały do dziś, którzy przywrócili wygląd starożytnego greckiego przedstawienia, zauważyli, że jeśli takie maski były używane, to prawdopodobnie rzadko.
Kolejna ciekawa cecha: w starożytnej Grecji i starożytnym Rzymie, a także w innych krajach na całym świecie aż do renesansu kobiety nie mogły uczestniczyć w przedstawieniach teatralnych. . W każdym razie w spektaklach „poważnych”: aktorki występowały tylko w „niskich gatunkach” – pantomima, były tancerkami, akrobatami, członkami trup wędrownych. W starożytności i średniowieczu sceny teatralne zarówno w krajach europejskich, jak i krajach Wschodu bohaterki przedstawiali mężczyźni. Najlepsi aktorzy umiejętnie przedstawiać kobiecy głos i ruch. W tych warunkach maska kobiety była bardzo, bardzo przydatna. Rzymski poeta Juwenal napisał: „Łatwo uwierzyć, że to nie jest maska aktora, tam przemawia Kobieta” .
Być może w więcej późny okres istnienie starożytnego teatru greckiego, aktorzy „zakładają maskę tylko wtedy, gdy musieli nadać twarzy charakterystyczne rysy, tak że do tego czasu zaczęła ona służyć dokładnie tym samym celom, do których aktorzy teraz uciekają się do złożonego makijażu” , na przykład w rolach osób starszych .
Teatr i spektakl starożytnego Rzymu wiele zapożyczył z teatru greckiego, w tym maskę. Cesarz „Sam Neron działał w tragedii, nakazując, aby maski bogów i bogiń, które reprezentował, były podobne do jego twarzy lub twarzy jego żony” .
Zrozumienie maski we włoskim teatrze commedia dell'arte.
Kolejną z najjaśniejszych kart w historii maski teatralnej jest włoski teatr commedia dell'arte (LakomediaDell" arte). A to zupełnie inne, wyjątkowe spojrzenie na maskę w spektakl teatralny. Nie bez powodu w historii sztuki teatralnej teatr komedii dell'arte nazywany jest także teatrem masek. .
Nadszedł jego rozkwitXVI- XVIIwiek. Był to pierwszy profesjonalny teatr w Europie: nazwa dosłownie przetłumaczona w ten sposób - słowo "komedia" oznaczało "teatr", "arte" - "rzemiosło", "zawód". Był to teatr wędrownych trup aktorskich, które podróżowały po Włoszech, a nawet sąsiednich krajach. Dlatego było wiele podobnych znaków - "masek" z różne nazwy, który przedstawiał typowych dla tamtych czasów mieszkańców Włoch - kupca weneckiego, naukowca zwany Doktorem, kapitana armii hiszpańskiej, parę kochanków, dwoje służących wyglądających jak błazny - z których jeden jest zwykle bardziej przebiegły i zaradny , a drugi jest rustykalny.
Tutaj maska została nazwana obrazem, postacią każdej konkretnej postaci, która działała w różne występy bez zmian. „Maska to wizerunek aktora, który przyjmuje raz na zawsze /.../ całkowicie wykluczona jest możliwość, że aktor dziś gra Pantalona, jutro Arlekina czy nawet Doktora /.../ nie ma ról tam. Jest rola. Jedna rola, jaką aktor odgrywa we wszystkich sztukach” .
Uważa się, że aktorzy komedii dell'arte dużo improwizowali podczas spektaklu, co jest możliwe właśnie w przypadku, gdy aktor był mocno przywiązany do swojej jedynej postaci i mógł z powodzeniem go wcielić w rolę. różne sytuacje. Każdy aktor mógł przedstawić swoją postać na swój sposób, ale grał tylko jednego z nich, a czasami przez lata - w tym samym przebraniu, z tymi samymi cechami charakteru, nawykami i indywidualnymi cechami zachowania.
Dla wielu postaci w komedii dell'arte nieodzownym elementem kostiumu była maska na twarz wykonana „z tektury lub ceraty”. To stary wenecki kupiec Pantalone, naukowiec lub filozof pod ogólnym imieniem Doktor, dobrze znany wszystkim Arlekin i inni służący - każdy z własną postacią - Brigella, Coviello, Pulcinella, których łączy wspólna nazwa - zani. „Maski to powszechny atrybut postaci komiksowych, ai tak nie wszystkie. Czasami maskę zastępuje grubo wybielona twarz, albo wielkie okulary, albo zaklejony nos. .
Dla innych postaci „maska” była całym ich wyglądem - kostiumem, mową, zachowaniem. Na przykład para kochanków wyróżniała się luksusowymi, modnymi kostiumami, mówiła poprawnym językiem literackim i demonstrowała wyrafinowane maniery. Ale nawet to był obraz wymyślony raz na zawsze: „każdy aktor i każda aktorka byli niezmiennymi typami. W różnych przedstawieniach występowali ze swoim stałym imieniem ” .
Tradycyjna maska w japońskim teatrze Noh.
Japoński teatr Noh to starożytna sztuka teatralna z bogata historia i wielowiekowe tradycje. Podobnie jak w starożytnym teatrze greckim muzyka, taniec i śpiew są ze sobą połączone. „Wykonywanie tych sztuk – naszym zdaniem – ma bardzo zbliżony charakter do naszej opery, ponieważ aktorzy na scenie przez większą częśćśpiewać lub mówić melodyjnym recytatywem; Ale obecność chóru i orkiestry również przybliża No do opery. Z drugiej strony sztuka Nie pod wieloma względami zbliża się do naszego baletu, gdyż ruchy aktorów opierają się na tańcu, a w niektórych miejscach zamieniają się w prawdziwy taniec, który jest jednocześnie centralnym miejscem zarówno całej roli, jak i cały występ jako całość. . Estetykę teatru No, podobnie jak estetykę starożytnego greckiego spektaklu, cechuje wysublimowana poezja, a nie prawdomówność.
W teatrze, ale występuje tylko w masce główny bohater i aktor towarzyszący, jeśli jest to rola kobieca. Maska pomaga aktorowi stworzyć specjalny obraz: „nadaje aktorowi tajemniczego uroku, charyzmy, zamienia jego postać w rzeźbę udrapowaną pięknymi ubraniami” .
Maski wykonane są ze specjalnego drewna wyłącznie przez dziedzicznych rzemieślników, którzy przekazują swoje umiejętności z pokolenia na pokolenie. O niesamowitym mistrzostwie ich wykonania świadczy fakt, że wiele masek teatru Noh jest eksponowanych jako dzieła sztuki w muzeach i galeriach.
Starożytna maska aktora teatru Noh daje niesamowity efekt - dzięki znakomitym umiejętnościom aktora wydaje się, że ożywa: przechyl go samolotem w dół, zamieniając go w cień i zdradź wyraz smutku; poruszaj szybko głową z boku na bok pokazując silne emocje" .
Nic dziwnego, „jak inne rzeczy w średniowieczna japonia obdarowano maską (wraz z lustrem, amuletem, mieczem) magiczne właściwości; aktor nadal traktuje maskę jako przedmiot sakralny: garderoba aktora ma zawsze swój ołtarz ze starożytnymi maskami” .
Makijaż jako rodzaj teatralnej maski w japońskim teatrze Kabuki.
Najczęściej używano makijażu jako substytutu maski Inne czasy na całym świecie, w tym Grecji. „Sami starożytni mówili, że początkowo maskę zastąpiono posmarowaniem twarzy moszczem winnym lub pokryciem jej liśćmi roślin” .
Możemy rozważyć ciekawą i dobrze znaną wersję takiej „maski” w japońskim teatrze Kabuki. Jest to sztuka znacznie młodsza od teatru Noh – jego historia to „tylko” około dwustu lat.
Uderzającą cechą teatru Kabuki jest pragnienie autentyzmu na scenie przedmiotów i kostiumów, ale szczera konwencja w pracy „służących scen” i charakteryzacja aktora. „Wszystkie rzeczy, podobnie jak kostiumy, nie są rekwizytami, nie imitacjami, ale autentycznymi, a ponadto wysokiej jakości” . Ale „rzeczom na scenie Kabuki przypisuje się specjalne sługi, charakterystyczny atrybut teatru warunkowego: ci warunkowo „niewidzialni” ludzie (są ubrani i przebrani na czarno) wykonują obowiązki sług scenicznych podczas akcji, pomagają aktorom, gdy bawić się rzeczami, podawać im przedmioty, uwalniać od niepotrzebnych ruchów” .
Specjalny warunkowy makijaż, a także cała akcja w spektaklu Kabuki to tradycja rozświetlona przez czas. Odzwierciedlało to „pragnienie zachowania i odtworzenia teatralnego wyglądu wielkich aktorów”, którzy „wymyślili” taką lub inną kombinację kolorów i wzorów makijażu dla każdego rodzaju roli, na przykład szlachetnego rycerza, chłopa, odważny bohater lub nieszczęśliwy bohater. Również w makijażu aktorów teatru Kabuki zauważalny jest „wpływ masek scenicznych starego teatru Noh”.
Jak wspomnieliśmy wcześniej, klucz do zrozumienia teatru No tkwi w teatralnej masce, ponieważ aktorzy tego teatru nie uciekają się do makijażu i mimiki. To w masce tkwi wiele funkcji, odzwierciedlających nie tylko filozofię teatru „A”, ale także zasady wschodniej doktryny filozoficznej.
„Maska, maskus” z łaciny - maska, ale jest jeszcze więcej starożytne słowo ta, która najdokładniej oddaje istotę maski Sonaze, ma zawierać. To właśnie ta funkcja maski była aktywnie wykorzystywana w rytualnej akcji. Z definicji E.A. Torchinova, który przez rytuał rozumie zestaw pewnych aktów, które mają święte znaczenie i mając na celu odtworzenie tego czy innego głębokiego doświadczenia lub jego symbolicznej reprezentacji, możemy stwierdzić, że maska jest tarczą chroniącą przed obrazem, ale jednocześnie rodzajem drogi do niego (18, s. 67.).
W teatrze „Nie” jest 200 masek, które są ściśle tajne. Bardzo jasne grupy to: bogowie (postacie kultów buddyjskich i sintoistycznych), mężczyźni (nadworni arystokraci, wojownicy, ludzie z ludu), kobiety (dworne damy, konkubiny szlachetnych panów feudalnych, pokojówki), szaleni (ludzie zszokowani żalem), demony (postacie fantastyczny świat). Maski różnią się również wiekiem, charakterem i wyglądem. Niektóre maski są przeznaczone do konkretnych zabaw, inne mogą służyć do tworzenia istniejących postaci w dowolnej grze. Na tej podstawie twórcy Teatru No wierzyli, że na ich scenie jest reprezentowany cały świat (9, s. 21).
Maski są cięte w różnych rozmiarach ze starannie wyselekcjonowanego drewna i malowane specjalną farbą. Technologia produkcji masek jest tak złożona, że większość masek używanych na ten moment maski, stworzone przez słynnych rzeźbiarzy masek w XIV-XVII wieku. Wykonane maski przez współczesnych mistrzów- imitacja starych dzieł. W związku z tym możemy ocenić, że każda z masek teatru jest niezależna 
dzieło sztuki.
Warto zauważyć, że mimo całej różnorodności masek, w teatrze „Nie” maska często nie wyraża konkretnej postaci, a jest tylko jego „duchem”, historią, uogólnieniem ludzka forma.
Ponieważ materiał literacki teatr „Ale” jest folklor starożytna Japonia maska w teatrze pełni funkcję dyrygenta duchowego doświadczenia. Maska nosi w sobie wszystkie charakterystyczne cechy nie tylko osobowości, cechy charakterystyczne z tamtych czasów i powstał w tym czasie, można przypuszczać, że zanurza widza w zaproponowanych okolicznościach.
Jednocześnie maska odwraca uwagę od „lokalnego”, „widzenia”, bo według wschodnich filozofów „prawda nie jest otwarta dla oczu, im dalej pójdziesz, tym więcej zobaczysz”, czyli bezpośrednio związany z filozofią buddyzmu zen i filozofią teatru „Ale”. Potwierdza również fundamentalne zasady wiodących koncepcji estetycznych teatru No - monomane i yugen.
Aktor teatru „Ale” nie zawsze gra rolę w masce. Tylko nosi maskę główny aktor(shiete) i performerki ról kobiecych. Towarzysze bohatera zakładają maskę dopiero w drugim akcie po chwili „przemiany”. Jeśli dziewczyna gra romantyczną postać, aktor zwykle nie nosi maski. Twarz aktora, będąc bez niego, jest absolutnie statyczna, ponieważ zabawa z twarzą w teatrze „Ale” jest uważana za wulgarną.
Biorąc pod uwagę teatr „Ale”, współczesna badaczka kultury Wschodu – E. Grigorieva przekonuje, że maska jako „spokojna emocja” przypomina próżność namiętności. (8, s. 345) Maska jest jak „grzmiąca cisza”. Można stwierdzić, że maska jest kluczem do ujawnienia istoty roli, jest jej historią i rezultatem.
Przed dotknięciem maski aktor dostraja się do „magicznej pustki” – całkowicie się oczyszcza. Teatroznawca Grigorij Kozincew wspomina w swojej książce Przestrzeń tragedii rozmowę z Akirą Kurasawą, znawcą teatru No. „Zaczynam sobie zdawać sprawę, że 'zakładanie maski' jest tak samo trudnym procesem jak 'wchodzenie w postać'. (8, s. 346) Na długo przed rozpoczęciem spektaklu artysta stoi przy lustrze. Chłopak daje mu maskę, a on ostrożnie ją bierze i bezgłośnie zagląda w jej rysy. Wyraz oczu zmienia się niepostrzeżenie, wygląd staje się inny. Maska „przechodzi w osobę”. Następnie powoli i uroczyście zakłada maskę i odwraca się do lustra. Nie ma już osoby i maski osobno, teraz są całością ”(8, s. 345-346.) Z tego wynika, że maska usuwa aktora z świat zewnętrzny, przyczynia się do jego wejścia w stan „nie-ja”.
Aktor teatru "Ale" nigdy nie dotyka przedniej powierzchni maski, dotyka jej tylko w miejscu, gdzie znajdują się sznurki, które mocują maskę do twarzy aktora. Po występie W podobny sposób maska jest usuwana z aktora, a następnie umieszczana w specjalnym etui do następnego użycia. W rzeczywistości w każdym… szkoła teatralna rola jest „spalana” po jej wdrożeniu. W przeciwnym razie rola zniewoli samego wykonawcę.
Zakładając maskę, aktor dosłownie staje się nią, będąc przewodnikiem bohatera, przekazującym nie tylko jego emocje, obraz moralny i fizyczny, ale także jego ducha. W jego duszy powinno być tylko jedno uczucie, które wyraża maska.
Tylko utalentowany aktor potrafi ożywić maskę, przekształcając jej statyczność w osobę aktywną. Być może wynika to z gry światła, zmian kąta, ruchu, ale są też inne przykłady, w których te czynniki nie miały miejsca. Niemiecki dramaturg K. Zuckmayer w swoich pamiętnikach opisuje przypadek, który przydarzył się aktorowi Verne Krause, kiedy rytualna maska płakała na jego oczach, a aktor, który w niej był, odczuwał niewypowiedziany ból. (4, s. 109-111)
W masce aktor teatru „Nie” prawie nie widzi publiczności, ale publiczność też nie widzi jego twarzy. Te niewidoczne połączenia i tworzą spójną całość spektaklu.
Teatralne maski specjalne nakładki z wycięciem na oczy (przedstawiające ludzka twarz, zwierzęca głowa, fantastyczne lub mitologiczne stworzenia) noszone na twarzy aktora. Wykonane z papieru, papier-mache i innych materiałów. W antycznym teatrze, gdzie spektakle odbywały się w ogromnych amfiteatrach na świeżym powietrzu przed tłum tysięcy, M. t. zastępował grę mimiczną, przekazywał różne nastroje emocjonalne (np. na jednym profilu maski przedstawiano cierpienie, na drugim radość); Aby wzmocnić głos aktora, M. t. został wyposażony od wewnątrz w metalowe rezonatory. W teatrze rzymskim akrobacje stosowano głównie w improwizowanych scenach ludowych, znanych jako atellani. W Starożytna Rosja i średniowiecznej Europie maski były używane przez błazny i histriony. W XVI i XVIII wieku komiczne postacie włoskiej komedii dell'arte nosiły m.in. W XVII wieku maski zaczęły wychodzić z użycia. Czasami M. t. jest używany w nowoczesnym teatrze (na przykład „kaukaski kredowe koło Brecht, Berliner Ensemble Theatre, NRD). M. t. był szeroko rozpowszechniony w tradycyjnym teatrze ludów Azji (w Indiach wylewano ludowe przedstawienia i ramlila, w Indonezji teatr topeng, w Japonii teatr noo i inne). W teatrze XX wieku często zastępuje go makijaż przypominający maskę (występy kathakali w Indiach, kabuki w Japonii).
Duża sowiecka encyklopedia. - M.: Encyklopedia radziecka. 1969-1978 .
Zobacz, jakie „Maski teatralne” znajdują się w innych słownikach:
Wśród starożytnych Greków i Rzymian M. służył aktorom jako najwygodniejszy sposób przekazywania charakteru ról. Sądząc po najnowszych odkryciach, można założyć, że M. były używane w tym samym celu od czasów starożytnych w Egipcie i Indiach, ale nie dotarliśmy do nas w sprawie M. tam ... ...
Lub, według starych masek, hari używane i są bardzo rozpowszechnione wśród większości różne narody, zaczynając od prymitywnych, a kończąc na najbardziej kulturalnych. Aby je zbadać, z punktu widzenia etnologii i historii kultury, w ciągu ostatnich 10 15 ... ... Encyklopedia Brockhaus i Efron
- (Nagrody teatralne Rosji) nagrody przyznawane w dziedzinie sztuki teatralnej w Federacji Rosyjskiej. Rodzaje nagród Złota Maska”. Status Narodowa Nagroda Teatralna. Założyciel Związku Pracowników Teatru Rosji ... ... Wikipedia
Ludi scaenici. reprezentacje T. w starożytności, zarówno w Atenach, jak iw Rzymie, nie znajdowały się w rękach prywatnych; byli odpowiedzialni za państwo, chociaż egzekucję w każdym indywidualnym przypadku powierzono osobom prywatnym. W Atenach spektakle tragedii i ... Prawdziwy słownik starożytności klasycznej
Lub, zgodnie ze starymi "maskami", "hari" było używane i jest bardzo rozpowszechnione wśród szerokiej gamy ludów, od prymitywnych do najbardziej kulturalnych. Aby je zbadać, z punktu widzenia etnologii i historii kultury, w ostatnich ... ... Słownik encyklopedyczny F.A. Brockhaus i I.A. Efron
Teatralne maski- Aktorzy zaangażowani w tragedie i komedie nosili T. m. Robiono je najczęściej z cholegi, którą dano za pomocą gipsu. forma, po której pomalowano maski, wykonano w nich nacięcia na oczy i usta, a na wierzchu ... ... Słownik starożytności
ORAZ; pl. rodzaj. sok, daktyle oszustwo; oraz. [Francuski] maska] 1. Specjalna nakładka z wizerunkiem ludzkiej twarzy, pyska zwierzęcia itp. nakładana na twarz osoby. M. niedźwiedź. M.kat. Malowane m. M. z papier mache. Załóż maskę. // Nakładka na ... ... słownik encyklopedyczny
I wyspa Wielkiej Brytanii w Ocean Atlantycki, który jest częścią grupy Wysp Brytyjskich (patrz Wyspy Brytyjskie). Zobacz Wielka Brytania (stan). II Wielka Brytania oficjalne imię Połączony... ... Wielka radziecka encyklopedia
MASKA (od rosyjskiego do rozmazu), in mitologia słowiańska(patrz MITOLOGIA SŁOWIAŃSKA (podejście alternatywne)) pierwotnie wszystko, co nakładano na twarz (pierwotnie maski z roślin do pielęgnacji skóry twarzy lub malowane maski bogów). Później "maska" ... ... słownik encyklopedyczny
- (maska francuska) 1) nakładka z wycięciami na oczy, zakrywająca twarz, czasem z wizerunkiem twarzy ludzkiej, głowy zwierzęcia lub mityczne stworzenie. Maski rytualne były noszone przez wykonawców obrzędów religijnych w prymitywnych kultach. Maski… … Wielki słownik encyklopedyczny
Książki
- Maski literackie i artystyczne: teoria i poetyka, S.G. Isaev. W współczesna krytyka literacka pojęcie maski jest ponownie zawarte w słownikach encyklopedycznych i do tej pory podano terminologiczną definicję maski. Opis systemu maski…
E. Sperański
Dla tych, którzy lubią sztukę dramatyczną, są zaangażowani w kółka teatralne, warto zrozumieć ten problem. A może, po zrozumieniu tego, niektórzy z was będą chcieli „przyjąć do służby” te bardzo interesujące sztuczki aktorskie: granie w masce i bez nauczonego wcześniej tekstu. Ale to nie jest łatwe zadanie. Aby było jaśniej, o czym mówimy, zaczniemy od najprostszego: z prostą czarną maską...
PROSTA CZARNA MASKA
Znasz oczywiście ten kawałek czarnego materiału ze szczelinami na oczy, zakrywający górną połowę twarzy. Ma jedną magiczną właściwość: zakładając ją na twarz, konkretna osoba z imieniem i nazwiskiem chwilowo… znika. Tak, zamienia się niejako w niewidzialną osobę, w osobę bez twarzy, staje się „nieznaną osobą”.
Prosta czarna maska... Uczestniczka karnawałów, festiwali, kojarzona ze wakacjami, z muzyką, tańcem, serpentynami. Ludzie od dawna domyślali się jego magicznych właściwości. Nosząc maskę, możesz spotkać się z wrogiem i odkryć przed nim ważny sekret. W masce możesz powiedzieć swojemu przyjacielowi coś, czego czasami nie możesz powiedzieć z otwartą twarzą. Zawsze jest w niej coś tajemniczego i zagadkowego. "Ona milczy - tajemnicza, będzie mówić - taka słodka ..." - mówi się o niej w "Maskaradzie" Lermontowa.
W starym, przedrewolucyjnym cyrku CZARNA MASKA wchodziła na arenę i kładła wszystkich zapaśników jeden po drugim na łopatkach.
TYLKO DZISIAJ!!!
WALKI Z CZARNĄ MASKĄ! W PRZYPADKU PORAŻENIA CZARNA MASKA OBJAWI TWARZ I PODA SWOJE IMIĘ!
Właściciel cyrku wiedział, kto ukrywa się pod czarną maską. Czasami był to najbardziej bezużyteczny zapaśnik, cierpiący na otyłość serca i duszność. A cała walka była kompletnym oszustwem. Ale publiczność nalała się na tajemniczą Czarną Maskę.
Ale nie zawsze prosta czarna maska kojarzyła się z balami, maskaradami i klasycznymi zapasami na arenie cyrkowej. Uczestniczyła też w bardziej niebezpiecznych przedsięwzięciach: pod nią ukrywali się różnego rodzaju poszukiwacze przygód, bandyci, wynajęci zabójcy. Czarna Maska uczestniczyła w intrygach pałacowych, spiskach politycznych, dokonywała przewrotów pałacowych, zatrzymywała pociągi i rabowała banki.
A jej magiczna właściwość okazała się tragiczna: płynęła krew, błyszczały sztylety, grzechotały strzały ...
Widzisz, co oznaczał kiedyś ten strzęp materii pokrywający górną połowę twarzy. Ale najciekawsze jest to, że nie będziemy o nim rozmawiać. W końcu zaczęliśmy rozmawiać o „Teatrze Maski”. Tak więc, w przeciwieństwie do prostej czarnej maski, istnieje inny rodzaj maski. Nazwijmy to TEATREM. I ma jeszcze silniejsze właściwości magiczne niż zwykła czarna maska...
MASKA TEATRALNA
Jaka jest różnica między maską teatralną a prostą czarną maską?
A oto co: czarna maska niczego nie przedstawia, tylko zamienia osobę w niewidzialność. A maska teatralna zawsze coś przedstawia, zamienia człowieka w inną istotę.
Mężczyzna założył maskę założył maskę lisa - i zamienił się w przebiegła bestia z bajki dziadka Kryłowa. Założył maskę Pinokia i zamienił się w bajeczny wizerunek drewnianego człowieka z bajki A. Tołstoja ... I to oczywiście jest znacznie silniejsza i ciekawsza magiczna właściwość niż zdolność prostej czarnej maski do uczynić z osoby niewidzialną osobę. A ludzie od dawna domyślali się tej właściwości maski teatralnej i używali jej od czasów starożytnych.
MASKI TEATRALNE W STAROŻYTNOŚCI
Oczywiście byłeś w cyrku. Wyobraźcie sobie więc pomieszczenia cyrkowe, ale tylko wielokrotnie większe, a ponadto bez dachu. A ławki nie są drewniane, ale wyrzeźbione z kamienia. Będzie to amfiteatr, czyli miejsce, w którym odbywały się przedstawienia teatralne starożytnych Greków i Rzymian. Takie amfiteatry mieściły niekiedy nawet 40 tysięcy widzów. A słynny rzymski amfiteatr Koloseum, którego ruiny można jeszcze zobaczyć w Rzymie, został zaprojektowany dla 50 tysięcy widzów. Spróbuj więc zagrać w takim teatrze, gdzie publiczność w tylnych rzędach nie zobaczy twojej twarzy i nawet nie usłyszy twojego głosu…
Aby być lepiej widocznym, aktorzy tamtych czasów stanęli na koturnach - specjalnym rodzaju stojaka - i założyli maski. Były to duże, ciężkie maski wykonane z drewna, coś w rodzaju skafandrów do nurkowania. I przedstawiali różne ludzkie uczucia: gniew, żal, radość, rozpacz. Taka maska, jaskrawo zabarwiona, była widoczna z bardzo dużej odległości. Aby aktor był słyszalny, usta maski zostały wykonane w formie małego rogu-rezonatora. słynne tragedie Ajschylos, Sofokles, Eurypides grali w TRAGICZNYCH maskach. Komedie Arystofanesa i Plauta, nie mniej znane, grano w maskach komicznych. 
Czasami podczas przedstawienia aktorzy zmieniali maskę. W jednej scenie aktor grał w masce ROZPACZA, potem odszedł, aw innej scenie pojawił się w masce GNIEWU lub GŁĘBOKIEJ MEDYTACJI.
Ale ty i ja możemy już nie potrzebować takich masek, przedstawiających zamrożone ludzkie uczucia. Nie potrzebujemy zarówno rezonatorów, jak i coturnów, chociaż aktorzy… Teatr lalek nadal używaj cothurns, aby przyciąć ich wysokość do ekranu lalki. Nie potrzebujemy tego wszystkiego, bo nie zamierzamy wskrzesić teatru starożytnej Grecji i Rzymu i grać dla czterdziestu czy pięćdziesięciu tysięcy widzów. Nie interesują nas maski grozy czy gromkiego śmiechu, ale maski-postacie, maski-obrazy. Dlatego unikniemy masek, które zbyt ostro i żywo przedstawiają wszelkie uczucia, na przykład maski uśmiechu i płaczu; wręcz przeciwnie, postaramy się nadać naszym maskom neutralny wyraz, aby mogły odgrywać różne stany ludzka dusza. A potem widzom wyda się, że nasze maski albo się uśmiechają, albo płaczą, marszczą brwi, albo są zdziwione - gdyby tylko szczere oczy aktora błyszczały spod maski ...
TEATRALNE MASKI KLOWNÓW I AKTORÓW
Znalezienie własnej maski się liczy powodzenia klauni i aktorzy cyrkowi. Pomyślnie znaleziona maska czasami zmienia całe życie aktora, czyni go światową sławą, przynosi mu sławę.
Ale znalezienie maski nie jest tak łatwe, jak się wydaje. Przede wszystkim konieczne jest, aby wszystkie wewnętrzne i zewnętrzne cechy aktora pokrywały się z obrazem, który przedstawia maska. A najtrudniejsze jest odgadnięcie samego obrazu, zagranie takiej osoby, takiej postaci, która przypominałaby wiele osób naraz, wcielałaby się nie w jedną postać, ale zbierałaby indywidualne cechy charakterystyczne wielu, czyli w innych. słowa, aby wizerunek maski był zbiorowy lub typowy, a ponadto koniecznie nowoczesny. Tylko wtedy ta maska będzie rezonować z duża liczba widzów, stanie się bliską, ukochaną maską, nad którą ludzie będą się śmiać lub płakać. Ale takie szczęście zdarza się rzadko, może raz na sto lub dwieście lat.
Tak się stało znany aktor Charlie Chaplin. Znalazł swoją maskę, która zaczęła przechodzić z filmu do filmu: czarne wąsy, lekko uniesione brwi, jakby w zdziwieniu, melonik na głowie, laska w dłoniach... I ogromne, za duże buty. Czasem zmieniały się poszczególne detale stroju: np. na głowie zamiast melonika pojawił się słomkowy kapelusz, ale sama maska pozostawała zawsze taka sama. Prawda, żeby być precyzyjnym, nie była to maska, ale własna twarz Chaplina z przyklejonymi wąsami. Ale w końcu żywa ludzka twarz może czasami stać się maską, jeśli zamarznie lub stanie się nieaktywna, jeśli zawsze gra na niej ten sam uśmiech lub grymas.
Kolejny taki przykład maski na twarz. Aktor filmowy Buster Keaton, sławny w swoim czasie, nigdy się nie uśmiechał ... Bez względu na to, czego doświadczył, bez względu na to, w jakich absurdalnych sytuacjach się znalazł, zawsze patrzył poważnie, a publiczność „ryczała” z zachwytu, umierała z śmiech. Jego „przerażająca” poważna twarz stała się jego maską. Ale oto, co jest interesujące: zapomniano o masce Bustera Keatona, ale maska Chaplina żyje do dziś. A to dlatego, że Chaplin znalazł dla swojej maski typowy obraz, który jest bliski każdemu widzowi, obraz małego śmiesznego człowieka, który nigdy nie traci serca, mimo że życie bije go na każdym kroku. A Buster Keaton zagrał po prostu osobną postać mężczyzny, który nigdy się nie uśmiecha. Obraz Chaplina był szerszy, bardziej typowy.
Ale nie mówię tego wszystkiego, żebyście natychmiast pospieszyli szukać swojej maski. Nie, niech zrobią to trudne zadanie zawodowi aktorzy! Oczywiście to, co zdarza się raz na sto lub dwieście lat, może przydarzyć się każdemu z was. Ale kiedy jesteś w szkole, i sztuka teatralna robisz to, bo kochasz teatr, a nie dlatego, że chcesz stać się sławny na całym świecie. Nawet marzenie o tym jest raczej głupie, bo sława zwykle przychodzi do tych, którzy w ogóle o tym nie myślą. I odwrotnie, ten, kto o tym myśli, najczęściej staje się przegranym. Nie, mamy skromniejsze intencje. I tak nie mówimy o masce, dla której trzeba jeszcze wymyślić postać, obraz, mówimy o masce, która przedstawia już istniejącą postać znaną widzom, zaczerpniętą z życia lub z literatury. Ale oprócz masek chcieliśmy też zrozumieć, czym jest improwizacja... Dlatego koniecznie musimy zapoznać się z włoskim „Teatrem Maski”, w którym były zarówno maski, jak i improwizacja.
WŁOSKA „COMEDIA DEL ARTE”, CZYLI „KOMEDIA MASKI”
Włoska „Komedia masek” lub, jak to się nazywa, „Commedia dell'arte”, powstała w odległej przeszłości. Ale jego prawdziwy rozkwit nastąpił w XVII wieku. Wtedy w trupach komedii dell'arte zaczęli pojawiać się sławni aktorzy, ulubieńcy ludu, a wszystkie inne przedstawienia teatralne zastąpiły przedstawienia masek. 
Czym były te maski? W końcu wiemy już, że teatralna maska zawsze przedstawia kogoś. Oto kilka masek commedia dell'arte dla Ciebie:
1. PANTALONE - kupiec wenecki. Chciwy, głupi staruszek zawsze staje w zabawnej sytuacji. Okradają go, oszukują i z powodu swojej głupoty idzie do każdego losowania. Jego maska to sowy nos, wystający wąsik, mała broda i torebka z pieniędzmi przy pasie. 
2. DOKTOR - satyra na uczonego prawnika, sędziego. Chatterbox i haczyk. W czarnej półmasce, czarnym płaszczu, kapeluszu z szerokim rondem. 
3. KAPITAN - karykatura wojskowego poszukiwacza przygód, przechwałki i tchórza. Strój hiszpański: krótki płaszcz przeciwdeszczowy, bloomersy, czapka z piórkiem. Mówi z hiszpańskim akcentem.
Już po tych trzech maskach można zrozumieć, czym była włoska komedia dell'arte. Była to kolekcja masek przedstawiających różnych przedstawicieli ówczesnego społeczeństwa włoskiego. Co więcej, wszystkie zostały wyeksponowane w zabawny sposób, czyli były to maski satyryczne. Prości ludzie chcieli śmiać się w teatrze z tych, którzy sprawili im wiele smutku w życiu: kupiec wzbogacił się jego kosztem, uczony prawnik zabrał go do więzienia, a „kapitan” okradł go i zgwałcił. (W tym czasie Włochy były okupowane przez Hiszpanów, więc „kapitan” nosił hiszpański kostium i mówił z hiszpańskim akcentem.) złota rączka, lokaj i wiejski chłopiec. To byli już prawdziwi klauni, bawiący publiczność w przerywnikach. Zanni nazywano inaczej: Brighella, Arlequin, Pinokio, Pulcinella. Razem z nimi bawiły się pokojówki: Smeraldina, Colombina.
Te obrazy-maski stały się znane całemu światu. Ich nazwiska brzmiały ze scen teatralnych, poeci pisali o nich wiersze, artyści je malowali. Tak, znasz niektóre z nich. Pamiętasz Pinokia? A pamiętasz, co widzi na scenie teatru lalek? Ten sam Pierrot, Columbine, Arlequin.
Oprócz masek komedię dell'arte wyróżniała jeszcze jedna bardzo ciekawa właściwość: jej aktorzy nie uczyli się ról, ale podczas przedstawień wypowiadali własne słowa, te, które przyszły im do głowy w momencie akcji. Improwizowały.
CZYM JEST IMPROWIZACJA
Momenty improwizacji pojawiają się na każdym kroku w życiu: przemowa wygłoszona improwizowana; bez przygotowania, żart opowiedziany do rzeczy... Nawet gdy uczeń przy tablicy tłumaczy nabytą lekcję własnymi słowami lub rozwiązuje twierdzenie, jest to też rodzaj improwizacji...
Tak więc improwizują włoscy aktorzy komedii dell'arte. Nie mieli ról, a raczej tekstu roli. Autorzy pisali dla nich nie spektakle rozbite na dialogi i monologi, ale scenariusze, w których jedynie nakreślali, co aktor powinien zrobić i powiedzieć podczas spektaklu. A sam aktor musiał wypowiedzieć słowa, które podpowiedziała mu jego fantazja i wyobraźnia.
Niektórzy z was mogą się radować. To dobrze! Więc nie musisz uczyć się tekstu, ćwiczyć, ale od razu idź i bij swoją rolę własnymi słowami?!
To nieprawda!..
O TRUDNEJ SZTUCE IMPROWIZACJI
Tak, to kusząca, fascynująca, ale trudna sztuka. Wymaga od aktora wykorzystania wszystkich swoich zdolności, pamięci, fantazji, wyobraźni. Wymaga dokładnej znajomości scenariusza, czyli tego, co masz do powiedzenia i zrobienia na scenie. "Ex nihil - nihil est" - wśród starożytnych Rzymian istniało takie przysłowie: "Nic nie powstaje z niczego".
Jeśli więc „bez niczego” chcesz zacząć improwizować, nie odniesiesz sukcesu. Możesz to łatwo sprawdzić. Weź dowolną historię A.P. Czechowa, powiedzmy „Kameleon” lub „Chirurgia”, lub historię jakiegoś współczesnego autora i spróbuj ją odegrać w formie sceny, na twarzach, własnymi słowami, czyli improwizując. A zobaczysz, jakie to trudne. Staniesz z otwartymi ustami i czekasz na monit...
Co zasugerować? W końcu twoja rola nie ma słów, autor nie napisał osobnych linijek dla każdej postaci, jak to ma miejsce w sztukach ... Oznacza to, że musisz upewnić się, że same słowa rodzą się w twojej głowie i łatwo opuszczają język .
Musisz więc bardzo dobrze znać obraz, który grasz: jego charakter, chód, sposób mówienia, co robi w tej scenie, czego chce i w jakim jest stanie. A potem musisz dobrze poznać swojego partnera, umieć się z nim komunikować, słuchać go i mu odpowiadać. A kiedy już wiesz to wszystko, musisz wielokrotnie przymierzać się na swojej scenie, próbować grać tak i tak, czyli w skrócie trzeba pracować, ćwiczyć…
I muszę wam powiedzieć, że aktorzy-improwizatorzy włoskiej „Komedii masek” pracowali jak zwierzęta, przygotowując się do wyjścia na scenę: ćwiczyli, wymyślali różne sztuczki, wymyślali zabawne kwestie. Oczywiście łatwiej było im grać w maskach, a maski były dobrze znanymi obrazami teatralnymi, które przechodziły od spektaklu do spektaklu. A jednak pracowali nie mniej niż aktorzy, którzy grali tekst autora. Ale każda praca jest w końcu nagradzana i przynosi radość. I oczywiście również poczujesz radość, gdy pewnego dnia na jednej z prób nagle zdasz sobie sprawę, że możesz łatwo i odważnie mówić własnymi słowami w imieniu swojej roli.
Będzie to oznaczało, że opanowałeś sztukę improwizacji.
CO I JAK GRAĆ W MASKACH, IMPROWIZOWAĆ!
Cóż, spotkaliśmy dwóch ciekawe sztuczki aktorstwo: z teatrem masek i sztuką improwizacji. A wiemy już, że te dwie metody działania łączyły się kiedyś w genialną sztukę komedii dell'arte. Teraz pozostaje nam zastanowić się, jak „zaadoptować” tę sztukę, jak ją wykorzystać, powiedzmy, w klubie teatralnym.
Niektórzy mogą wątpić: żywa ludzka twarz jest lepsza niż nieruchoma maska, a dobry autor jest lepszy niż „swoje własne słowa”, knebel improwizatorów. Czy warto więc wskrzesić te przestarzałe techniki komedii dell'arte?
Ale po pierwsze, nigdy się nie starzeją. Dopóki ludzie nie zapomnieli żartować, śmiać się, fantazjować, improwizacja będzie żyć dalej. Po drugie, mówiąc o maskach i improwizacji, wcale nie chcemy znieść żywej twarzy aktora i dobra gra dobry autor. Wręcz przeciwnie, chcemy je, te różne sposoby działania: maski, improwizacja i żywa ludzka twarz wypowiadająca tekst autora – wszystko to istniało obok siebie, wzbogacało się nawzajem.
Ponieważ każdy z nich przyjęcia teatralne mieć własny biznes. Sztuka napisana przez autora ma ciekawą fabułę, starannie dopracowaną cechy psychologiczne aktorzy. Oczywiście nie ma sensu grać takiego utworu z użyciem masek i improwizacji. Ale ożyw polityczna kreskówka, aby wystawić bajkę, wprowadzić wesołe przerywniki do dramatycznego spektaklu, żywo i dowcipnie odpowiedzieć na każde wydarzenie dnia dzisiejszego - to sprawa masek-improwizatorów i nikt nie zrobi tego lepiej niż oni. Ale jak to zrobić?... Przecież ty i ja nie mamy jeszcze autorów, którzy piszą specjalne scenariusze dla aktorów improwizujących.
Oznacza to, że sam będziesz musiał wymyślać tematy i pisać scenariusze swoich wystąpień. 
Bohaterami bajek są w istocie także maski. Każde zwierzę ma swój własny charakter. Tutaj na przykład Niedźwiedź i Osioł (z „Kwartetu”).
Może to zrobić jeden z członków twojego koła dramatycznego, który ma do tego zdolność i pragnienie. Możesz też zrobić to razem, kolektywnie, co oczywiście jest o wiele przyjemniejsze.
Przypomnijmy, że rozmawialiśmy o masce teatralnej. Zawsze przedstawia ugruntowaną już postać, obraz znany zarówno widzom, jak i samym aktorom. W takiej masce łatwiej improwizować, bo aktorka zna już jej biografię lub, jak kto woli, jej wygląd, przyzwyczajenia. A pisząc skrypty, musimy o tym pamiętać. A przede wszystkim muszą wyselekcjonować kilka znanych nam i widzom, dawnych znajomych, obrazów scenicznych. Pomogą nam napisać ten lub inny scenariusz. Takich starych znajomych możemy dość łatwo znaleźć zarówno w życiu, jak iw literaturze. Od dzisiejszych wiadomości może przyjść do nas wizerunek amatora” zimna wojna”, stając się bohaterem szkicu politycznego, karykatura ożywa. Obrazy mogą przyjść do ciebie z bajek Kryłowa. W końcu każdy bajkowy obraz - lis, niedźwiedź, wilk, zając - kryje w sobie jakiś rodzaj wadą lub brakiem ludzkiego charakteru. I tak obrazy proszą o maski leniwego studenta, łobuza lub „pochłaniacza". Pomyśl o scenariuszu, w którym działaliby znani bohaterowie literaccy lub historyczni, ale graliby na tematy, które są bliskie dla ciebie istotne.
Rysunki O. Zotova.
