Kaukaski krąg kredowy Bertolta Brechta. „Kaukaski krąg kredowy”. Bertolta Brechta. Fragment charakteryzujący kaukaski krąg kredowy

A z artykułu Mai Mamaladze „Robert Sturua” w czasopiśmie „Teatral” (2008):

„Światowy boom wokół nazwiska Sturua rozpoczął się w 1975 roku wraz z przedstawieniem Kaukaskiego Kredowego Kręgu Brechta, który stał się znakiem rozpoznawczym teatru. Spektakl, który do dziś wygląda absolutnie żywy i jest dziś jeszcze bardziej aktualny niż w roku premiery. Niektórzy z jego oryginalnych wykonawców zmarli, inni nadal odgrywają swoją rolę do dziś. Ale jest jeden, kategorycznie niezbędny - wielki Czkhikvadze. Nie występuje już w trupie z powodu ciężkiej choroby serca i rzadko, ale wciąż przychodzi na scenę, by zagrać jedną rolę - Sędziego Azdaka.

Z rozdartego białego kokonu, w którym artysta Mirian Shvelidze owinął Kvarkvare, wszystkie realizacje Sturuy zamknięte są w mówiącej formie artystycznej. I tak w Kredowym Kręgu znaleziska Georgy Aleksi-Meskhishvili stały się prawdziwym objawieniem scenograficznym – szmaty zwisające z kraty, coś pomiędzy pajęczyną a kołami wozu, model konia, baranek ofiarny na stojaku z kołami, wysadzane wielkanocnymi świecami. Z Krugiem, ciągłą twórczą symbiozą i osobistą przyjaźnią między Sturuą i Giya Kancheli, obecnie jednym z najlepszych kompozytorów na świecie, zaczął szef Teatru Rustaveli.

Z wywiadu „Robert Sturua” o artystach i pracy nad sztuką „Kaukaski krąg kredowy” w „Rossijskiej Gaziecie” (2008):

„Zawsze przygotowujesz się do pewnych głównych punktów, kamieni milowych, od których zaczynasz, wskazówek do tego, co masz na myśli. Nawiasem mówiąc, te wskaźniki muszą zostać zniszczone - albo same się zawalą po pierwszej próbie. W jakiś sposób niepostrzeżenie bardzo zbliżyłem się do moich artystów. Teraz myślimy o nich prawie tak samo. Dokładniej, myślą tak, jak ja myślałem dwadzieścia lat temu. Teraz zacząłem inaczej podchodzić do występów, czasem nawet się powtarzam. Ale nagle znajdują sztuczki, które kiedyś wymyśliłem, i podnosimy nuty - tak, oto one, moje pomysły. Czasami słyszę, że jestem ciężką i dumną osobą. Ale reżyser w zasadzie powinien raz na zawsze zapomnieć o dumie i dumie, tak myślę.

- Na kanale telewizyjnym „Kultura” z okazji Twojej rocznicy pokazywany jest Twój występ „Kaukaski krąg kredowy”. Co on dla ciebie teraz znaczy? Czy po tak długim czasie coś się zmieniło w twoim stosunku do niego?

– Teraz jest przede wszystkim nostalgiczny, bo nie jest już taki sam jak wcześniej. Wygląda na to, że postarzał się razem ze mną. Cóż... można się domyślić, jaki był. To jak stare, rozpadające się freski, które wyglądają lepiej niż wtedy, gdy były nowe, niewzruszone, nienaruszone. Czasami ta starożytność, patyna czasu - nadaje rzeczy własną estetykę. Oto ta sama Wenus z Milo – można by jej ręce przyczepić z powrotem, ale byłoby to coś innego, byłby kicz. Jednak tutaj napisałem kilka małych esejów na moją rocznicę, a oto jedna z tez tam - proszę, abyście nigdy nie rozmawiali ze mną o „kaukaskim kręgu kredowym”.

Z wywiadu z Robertem Sturuą w magazynie Itogi:

- Przywiozłeś do Moskwy swój długoletni, legendarny występ "Kaukaski kredowy krąg" z 1975 roku, który został niedawno wznowiony. Czy zmienił się jakoś od tamtego czasu?

Nic w nim nie zmieniałem. W ogóle nie pamiętam tego zbyt dobrze, aktorzy, którzy w nim grali, znają go lepiej. Nie do końca rozumiem, w czym tkwi sekret. Cieszę się, że tak go lubię, że jeszcze żyje, o ile oczywiście widz nie ma wrażenia na słowo „legenda”. Lepiej milczę, powiem tylko, że miałem lepsze występy. W każdym razie myślę, że tak. Ale oni nie żyją, ale on żyje.

Od artykułu E. Etkinda do książki „Bertolt Brecht. Teatr. sztuki. Artykuły":

„Sztuka „Kaukaski krąg kredowy” została napisana przez B. Brechta w ciągu dwóch miesięcy 1945 r. i poprawiona w latach 1953-1954. opublikowana po raz pierwszy w 1948 r. w czasopiśmie Sinn und Form, a wydanie ostateczne - w zbiorze Versuche, Heft 13, Aufbau-Verlag, Berlin, 1954. Przekład rosyjski - S. Apta - opublikowany w zbiorze: B. Brecht, Plays, M. , "Sztuka", 1956.

Pomysł na spektakl sięga lat dwudziestych, kiedy to Brecht zobaczył stary orientalny dramat Kredowy krąg, przetworzony przez Klabunda (1890–1928), w Teatrze Lessinga w Berlinie. Dopiero po prawie ćwierć wieku Brecht napisał dzieło prozatorskie, w którym wykorzystał przetworzoną przez Klabund fabułę: w 1948 roku opowiadanie „Augsburski krąg kredowy” (BadenBaden, Das goldene Tor, III, I, S. 80 –92) została opublikowana.<...>

Jako kolejne źródło fabularne należy wymienić znaną biblijną przypowieść o dworze króla Salomona, który nakazał przeciąć mieczem niemowlę i dać po połowie każdej z kobiet, które się go domagają: w ten sposób odkrył prawdziwą matkę, który sprzeciwiał się temu morderstwu i był gotów porzucić dziecko na rzecz swojego rywala. U Brechta obie wątki okazały się znacznie przerobione: zarówno w opowiadaniu, jak iw spektaklu prawdziwą matką nie jest ta, którą dziecko łączy więzami krwi, ale ta, która je wychowała i wychowała. Prawdziwe relacje międzyludzkie są ważniejsze niż formalne pokrewieństwo - to idea Brechta.

Na cześć zakończenia Roku Teatru w Rosji!

Drodzy widzowie, dobiega końca rok 2019 - Rok Teatru w Rosji.

Na cześć tego wręczamy niezwykły prezent: w październiku, listopadzie i grudniu 2019 r. ci, którzy chcieliby dołączyć do prawdziwych arcydzieł zachodniego dramatu klasycznego i zobaczyć sztukę „Kaukaski krąg kredowy”, mogą uczestniczyć w przedstawieniu za połowę ceny biletu.

Aby zrealizować bilety na promocję, należy wybrać odpowiednią datę, kliknąć przycisk „Kup bilet”, wybrać interesujące miejsca, kliknąć przycisk „Złóż zamówienie” i wpisać kod promocyjny „Rok Teatru” w oknie, które pojawi się po tym w lewym dolnym rogu.

Sztuka Bertolta Brechta oparta jest na przypowieści o królu Salomonie, która opowiada o sporze dwóch matek. Kiedy świat zamienia się w wojnę i każdy szuka tylko swojej prawdy, Grushe ratuje życie cudzego dziecka i wyrusza z nim w daleką podróż wbrew prawom zdrowego rozsądku, wbrew niebezpieczeństwu i opiniom innych . Spektakl Nikity Kobeleva o wartości bezinteresownego czynu i jednocześnie o cenie, jaką trzeba za niego zapłacić.

Jazzowy film drogi przez bezkresy Gruzji, stworzony zgodnie z prawami Brechtowskiego epickiego teatru, pełen emocji i muzyki Paula Dessau wykonywanej na żywo przez Round Band Quartet, kończy się w sądzie. Spór między dwiema matkami będzie musiał rozstrzygnąć łobuz, zbuntowany urzędnik Azdak, dając jednocześnie odpowiedź na pytanie, czym jest prawdziwa sprawiedliwość.

Jedna z najbardziej kultowych sztuk Bertolta Brechta, Kaukaski krąg kredowy, była już w repertuarze Teatru Majakowskiego. W 1964 roku w sztuce Vladimira Dudina Galina Anisimova świeciła w roli Grushe, a Lew Sverdlin grał rolę Azdaka. Teraz Nikita Kobelev dał główne role młodej aktorce teatralnej Julii Solomatinie i Artystie Ludowemu Rosji Igorowi Kostolewskiemu.

Kobielew buduje wielkoformatowe przedstawienie na skomplikowanym, obciążonym intelektualnie materiale po mistrzowsku i tak wciągająco – czasem zabawnie, czasem wzruszająco – że nie można się oderwać przez całe 3 godziny i 15 minut.
Elena Levinskaya, „Plakat teatralny”

Pomimo powagi tematu i melodramatu fabuły, występ Nikity Kobelev okazał się bardzo jasny, obszerny, wypełniony muzyką na żywo i popędem.
Irina Udyanskaya, portal Watch Russia

Dwudziestu dwóch aktorów z kilku pokoleń Majakowki występuje w spektaklu na równych prawach, niezależnie od wielkości roli, większość z nich gra kilka postaci z entuzjazmem i zapałem, tworząc trafny i wrażliwy zespół.
Svetlana BERDICHEVSKAYA, „Ekran i scena”

Młodej aktorce Julii Solomatinie w trudnej roli Gruszy udaje się z każdą minutą być niezawodną, a Igor Kostolewski, grający sędziego Azdaka, wręcz przeciwnie, wykorzystuje cały swój komediowy arsenał, tworząc niemal karnawałową maskę wiejskiego przebiegłego, któremu udaje się obrócić zwykle nieludzkie prawo na korzyść zwykłych ludzi.
Marina Shimadina, Teatr

Reżyser wybrał nie teatralny, ale kinowy gatunek - film drogi. Prawie wszyscy artyści śpiewają zongi. Szczególnie udane są Julia Solomatina, która gra rolę Gruszy, oraz Igor Kostolewski, który błyszczy jako awanturniczy staruszek Azdak.

Natalia Witwicka „Twój wypoczynek”

Nikita Kobielew, reżyser: „Jak pisał Brecht: „Złe czasy czynią ludzkość niebezpieczną dla człowieka”. Dla mnie jednym z głównych pytań dzisiaj jest: dlaczego dobry uczynek musi przeradzać się w cierpienie? Jak przetrwać w dobie zmian? W trudnych czasach nie zbawia ani prawo, ani zwykła sprawiedliwość, tylko taka ludzka manifestacja jak czyn Grushe'a, tylko wewnętrzna wolność może uratować. Azdak jest ucieleśnieniem tej wewnętrznej wolności, jest postacią absolutnie karnawałową. Wymyślanie życia, wymyślanie ról to jedyny sposób, aby przetrwać w tym chaosie i pomóc przetrwać komuś innemu”.

Wydawać by się mogło, że ta historia była nam opowiadana wiele razy. Dziewczyna nie czekała na ukochanego z wojny. Setki książek i filmów opowiadają o tej sytuacji. Zmywarka Grusza Wachnadze złożyła obietnicę i jej nie dotrzymała, co w tym takiego specjalnego? W życiu wszystko się dzieje, uczucia gasną, rodzi się nowa miłość. Tymczasem jest to bardzo niekonwencjonalna historia. Dlaczego dziewczyna jest gotowa znosić trudności i cierpieć raz po raz? Dlaczego ona rujnuje sobie życie? Podobnie jak niegdyś król Salomon, Brecht ponownie zadaje publiczności pytania. Co jest ważniejsze: miłość do mężczyzny czy miłość do dziecka?
Bardzo powoli, szczegółowo, z wieloma szczegółami, niemiecki dramaturg opowiada historię gruzińskiej wieśniaczki. Dokładniej, nawet nie on, ale narrator, którego rolę znakomicie zagrał Siergiej Rubeko. A towarzyszy mu orkiestra Round Bend, grająca muzykę Paula Dessau, oraz uczestnicy spektaklu śpiewający zongi. Właściwie na stronie internetowej teatru spektakl jest zadeklarowany jako „Jazzowy film drogi”.

Akcja spektaklu rozgrywa się w bardzo uwarunkowanej Gruzji w bardzo uwarunkowanym czasie. Wydaje się, że Brecht musiał wywołać u widza wrażenie na wpół baśni, rozgrywającej się gdzieś daleko na krańcu świata. Widz widzi więc nie konkretną Gruzję, a raczej abstrakcyjny kraj, pogrążony w otchłani wojny domowej. Tą samą drogą poszli reżyser N. Kobelev, scenograf M. Kramenko i kostiumograf M. Danilova. Imiona bohaterów są gruzińskie, ale nie ma typowych gruzińskich cech charakteru. Niektóre kostiumy zawierają elementy strojów narodowych, ale mundur wojskowy czy np. stroje Grushe i Natelli są dość międzynarodowe. A to pomaga widzowi lepiej zrozumieć bohaterów, przybliża bohaterów do nas, żyjących dzisiaj. Gama spektaklu utrzymana jest w tonacji czerwono-biało-czarnej, co przywołuje na myśl ogień i popiół. Ogień, w którym płonie gruszka i popioły, które spadają na ziemię po pożarach wojny domowej.

W spektaklu występują młodzi aktorzy i uznani mistrzowie rosyjskiego teatru i kina. Parę Pear-Simon grają Y. Solomatina i E. Matveev. Są takie wzruszające, takie młode, czasem szczere i porywcze, czasem wrogie i nieufne. Kolejną bardzo jasną rolą jest Natella, żona gubernatora (D. Poverennova). Jej zdumiewająco piękny wygląd wyraźnie kłóci się z jej wewnętrznym światem, bo nie interesuje ją los syna, ale majątki, które może odziedziczyć.
Niekwestionowaną gwiazdą spektaklu jest Igor Kostolevsky. Jego Azdak, sędzia i były urzędnik, oszust i pijak, łapówkarz i kobieciarz, to zaskakująco ciekawa postać. Wcale nie anioł, stara się jednak chronić interesy nie możnych tego świata, ale zwykłych ludzi i, jak tylko może, promuje sprawiedliwość.

Dlaczego więc właśnie teraz w Moskwie wystawiono sztukę napisaną przez niemieckiego autora ponad pół wieku temu i opowiadającą o Gruzji? Prawdopodobnie dlatego, że wszyscy potrzebujemy nadziei. I pewność, że dobre uczynki zasługują na wdzięczność, a nie karę. To bardzo jasne przedstawienie, które nie pozostawi nikogo obojętnym.

Nie tak nieoczekiwanie dla Brechta, ale okazało się, że ta sztuka to dramat kryminalny, tragedia militarna, a do tego optymistyczna i liryczna. Teatr okazał się jednocześnie długi i fascynujący. Miło jest widzieć na scenie spójną fabułę bez ewidentnych niedociągnięć, szwów i niekompetencji, które często widać pod płaszczykiem współczesnej dramaturgii.
Jest tu wiele ciekawych rzeczy. Na przykład,
I. Kostolevsky jest gwiazdą. I, jak to jest typowe dla gwiazd, przyćmiewa dużo w pobliżu. Ale nie wszystko.
Jego Azdak to doskonały sędzia, wspaniały pijak, cnotliwy urzędnik i czarujący łobuz. Jest wysoki i czarujący, nosi jasne ubrania. Oczywiste jest, że decyzja takiego sędziego będzie słuszna. Ufamy mu całkowicie. Ale dopóki do tego nie dojdzie, przeminie nie tylko całe życie, ale prawdopodobnie połowa życia bohaterów, jeśli chodzi o znaczenie.
Tutaj Olga Prokofiew (w roli teściowej) nie może zostać przyćmiona. Jest ogniem i płomieniem, jasną postacią. Nagle, po każdym poważnym okrzyku - tworzy się komiczna para - matka i syn, i naprawdę, to wszystko jest strasznie zabawne: motyw ślubny z pogrzebowym. Scena kąpieli jest niezapomniana. Aktor Aleksiej Fursenko siedział w wannie, będąc fałszywym mężem, i czarująco bawił publiczność, w ubraniu i bez.
Główną bohaterką jest Grushe, którą grała Julia Solomatina.
Młode postacie są z jakiegoś powodu nudniejsze. Czym jest Grusha, czym jest jej narzeczony Simon Khakhava (Evgeny Matveev). Nudne i wzruszające, doprowadzają do snu. Dobrze, że Gruszka ma na sobie czerwoną sukienkę, pasuje jej, podkreśla i oczy jej się nie zamykają. Najważniejszą postacią jest tu gruszka. Biedna dziewczyna, odpowiedzialna pokojówka, piękna i dobrze wychowana, wytrzymała i oddana.
Jak matka bije biomamę w sądzie. Żona gubernatora, Daria Poverennova, jest bohaterką negatywną, ale ma swoje prawa. Bo krew nie jest jak woda.
Cóż, zdarza się, że po prostu woda, a nawet mocz w ogóle.
O tym jest ta wspaniała sztuka.
Pozwolono płakać (bo to wrażliwy, los dzieci) i śmiać się (Olga Prokofiewa i Aleksiej Fursenko, brawo!) i mieć nadzieję na sprawiedliwość nawet w naszym świecie.

Podobało mi się wszystko! I porywcza jak łania Grusza (Juliya Solomatina), silna i silna, mimo młodego wieku.
Tak szczery, tak prawdziwy.
I umierający mąż (Aleksey Fursenko) - specjalnie do sceny w korycie :)
A łobuz Azdak (Igor Kostolevsky) jest tak czarujący, że wszyscy byli gotowi wybaczyć mu wszystkie jego wybryki.
To z powodu Igora Kostolewskiego bardzo chciałem zobaczyć ten spektakl. I było warto! Brawo!
I oczywiście nie mogłem nie lubić żołnierza Simona Khakhava (Pavel Parkhomenko), tak szczerze kochającego, zawsze gotowego do pomocy
i tak podobny w zwyczajach do Gruzina :)
Ale szczególnie uderzyła mnie teściowa w tym przedstawieniu.
Olga Prokofieva - świetnie poradziła sobie z tą rolą! Do dziś pamiętam te tace, placki, tę porywczość i szybkość.
Ani przez chwilę nie wątpiłem, że oto ona - prawdziwa gruzińska matka!

To naprawdę niesamowity występ, od pierwszych minut tak bardzo wciąga w to, co się dzieje, że obudzić się można tylko czując ból we własnych dłoniach podczas końcowych braw.
A wcześniej nie tylko wczuwasz się w to, co się dzieje, ale będziesz żyć z bohaterami. łapać gęsi, marznąć w górach, męczyć się, trząść w kolanach, pić świeże mleko, chodzić nad przepaścią, bać się i kochać.

Iść do teatru!

Baśnie nie są moim ulubionym gatunkiem, ale przeszedłem przez Brechta. „Caucasian Chalk Circle” – fabułę znają wszyscy, a produkcja jest naprawdę bardzo ciekawa, choć odniosłem wrażenie, że niektóre sceny nie były ze sobą powiązane.
ALE w teatrze jest coś z dźwiękiem i mikrofonami. A w chórze dziewcząt jest fałszywy, zresztą dostała główną arię ... najwyraźniej celowo, pod wrażeniem i zapamiętana. wciąż dzwoni mi w uszach.

Pamiętacie piosenkę dla dzieci? „Jeśli jesteś miły, to dobrze, ale jeśli jesteś przeciwny, to źle”. Dobroć jest najbardziej wrażliwą cechą osoby, jak mi się wydaje. Niewygodne, niepotrzebne, bez dochodów, same problemy. I jest ceniony we współczesnym okrutnym świecie za prawie grosza. Ale w piosence jednak prawda. A „kiedy jest na odwrót”, jest naprawdę źle i to nie tylko dla ciebie, ale dla całego świata. Okazuje się, że tak.
Oglądałem premierę w Teatrze Majakowskiego i myślałem o kruchości dobroci i jej niesamowitej żywotności. A także o tym, jak poprzez spektakl, jego główny temat oraz sposoby i środki, za pomocą których on się w tym spektaklu faktycznie objawia, można poczuć i zrozumieć osobowość reżysera. Liczy się osobowość, a nie tylko styl i charakter pisma.
Nikita Kobelev wystawił „Kaukaski kredowy krąg” B. Brechta w stylu jazzowym. Na scenie (a raczej w małym fosie orkiestrowym) muzycy grali przez trzy i pół godziny. Siedziałem w loży benoir, blisko rampy, i doskonale widziałem ich twarze. Nie tylko się bawili, ale wczuwali się w to, co się dzieje i brali czynny udział w akcji. A muzyka, wygląd i gesty tworzyły magiczną gruzińską atmosferę. I wydarzyły się straszne wydarzenia: wojna, morderstwa, odcięte głowy przeciwników, zapomniane przez matkę dziecko ratujące jej życie, pościgi, próby i starcia. Ale jazz cały czas wychodził na światło dzienne, dawał nadzieję, łagodził surowość.
Spektakl ma dużo czerwonych i czarnych kolorów, emanujących niepokojem i kłopotami. Główna bohaterka, prosta zmywarka, dziewczyna o cudownym imieniu Grushe (z akcentem na ostatnią sylabę), w jaskrawoczerwonej sukience. A ta suknia, niczym ogromne pulsujące serce, albo bije na wietrze, albo chowa się pod czarną marynarką lub bogatym welonem. lub nawet całkowicie odgrodzony od wszystkich szorstką, grubą wyściełaną kurtką. Tak, i na samym początku spektaklu jest niesamowita scena - Gruszka w swojej czerwieni łapie gęś - ogromne białe prześcieradło, a taniec tych dwóch kolorów, niczym symbol nadziei i cierpienia, ustawia w prawo nastrój. Bardzo fajnie, chociaż nie lubię tego słowa, ale tu jest na miejscu, w tej roli Julia Solomatina. Jest symbolem dobroci, miłosierdzia, a zarazem szczęścia.
Pierwszy akt, stanowiący dwie trzecie całego przedstawienia, jest pełen wydarzeń, dynamiczny, pełen pieśni, humoru (tak, nieważne, humor tu jest na miejscu!) i wspaniałych, barwnych scen. Zwrócę uwagę na Konstantina Konstantinowa, który gra kilka ról - a każda to małe arcydzieło! I wspaniała Olga Prokofiewa, prawdziwa gruzińska matka i teściowa. Idealne dopasowanie do roli.
Po przerwie przedstawienie zamienia się w benefis dla jednego aktora, Igora Kostolewskiego. Jego postać – Azdak, wiejski urzędnik, z woli losu i swojego pro-hinduskiego charakteru zostaje sędzią. Nie wiem, na ile odpowiada to woli reżysera, ale Azdak okazał się swego rodzaju uniwersalnym ulubieńcem, przebiegłym, czasem uczciwym, bardzo narcystycznym dżentelmenem. Chociaż, jak Igor Matwiejewicz może nie być ulubieńcem wszystkich, oczywiście nie mogę sobie tego wyobrazić.
Spektakl prowadzi Narrator, Siergiej Rubeko, który swoim dobrze wyszkolonym głosem i luksusowym futrem przypomina Chaliapina. Nadaje ton całej historii, pojawia się nagle, znika w nikąd, ale bez batuty dyrygenta umiejętnie i zręcznie kieruje całą tą "orkiestrą".
Zakończenie trochę mnie rozczarowało. Cudowny chłopak: słomiane włosy, nieśmiały wygląd, nieśmiały chód. Dlaczego włożył miecz w swoje ręce i wsunął manekiny dzieci do „morderstwa”? I jak smutno stał, kiedy dwie kobiety w czerwieni zaczęły go ciągnąć w różne strony na rozkaz Azdaka... Kredowy krąg okazał się bardzo płaski i mało zaakcentowany. Był to jednak pierwszy pokaz dla publiczności.
Jazzowa intonacja występu, gruziński akcent, czerwień, ciekawa scenografia - występ okazał się jasny i zapadający w pamięć. I dobrze, że na scenie, jak w bajce, dobro zwycięża zło. Może nawet w życiu...

Bębny w nocy, smarki w kwietniu, zamieszanie w Teatrze Majakowskiego

Wszystko, co musisz wiedzieć o poczuciu smaku twórców spektaklu: w jednej ze scen Kostolevsky, na swój obraz, zwraca się do publiczności frazą „Czy jest tu ktoś, kto mnie zna? Nie widzę twoich rąk, wielki książę! Dostaję ataku koprolalii za każdym razem, gdy aktor błaga o aplauz; Publiczność sama decyduje, kiedy klaskać, a kiedy nie. W zasadzie ten przegląd można zakończyć, ale moja mama urodziła mnie jako grafomana nie po to.

To po prostu źle zrobiony spektakl, w którym nie wszystko do wszystkiego pasuje. Gatunek ten jest określany jako „jazzowy film drogi”. Mówisz serio? Brzmi równie śmiesznie jak „butik wielu marek”.

Spektakl udaje brechtowski teatr epicki, ale cały pierwszy akt to łzawy melodramat, w którym Solomatina wcale nie próbuje odejść od swojej bohaterki, ale całkowicie się do niej przyzwyczaja. A drugi akt to głupia farsa (i wcale nie kabaret) prowadzona przez przesadnie aktorskiego Kostolewskiego.

Scenę otaczają lampy niczym lustro w garderobie, ale nie wchodzą one w żadną interakcję z minimalistycznym designem, który z jednej strony jest jak najbardziej konwencjonalny i odległy od wizerunku Gruzji, z drugiej zaś strony, z jakiegoś powodu, wioska musi być pokazana przez krowy poinstruowane cztery piętra na raz. Tak samo jest z kostiumami – czasem są „realistyczne”, czasem przypominają szaty, potem generalnie wchodzą w grę jeansy.

Co wspólnego ma złowrogie brzmienie saksofonu z Gruzją lub ponurym minimalizmem scenerii? Na muzykę nie ma żadnych skarg (w przeciwieństwie do wokalu, ale cóż), ale odbiera się ją jako sztuczny ząb.

Kobielew zasłynął jako znakomity reżyser małej formy, a kredowy krąg odbierany jest jako próba wciągnięcia się na wielką scenę. Tak, żeby od razu z muzyką i tłumem, jak na gruzińskim weselu.

PS Spektakl zawiera zwrot „nie próbuj biegać jak smarki w kwietniu”, który można przekształcić w elegancki eufemizm. Na przykład: Jurij Butusow wystawił sztukę „Smark w kwietniu” w Teatrze Wachtangowa.

Jak nieprzewidywalne jest nasze życie! W sobotę rano rozpoczęliśmy remont naszego domu. Mój dzień był zaplanowany co do godziny. Gotowanie, sprzątanie, przygotowywanie się na przyjazd ekipy pracowników, ponowne sprzątanie, oglądanie telewizji. Krótko mówiąc, miałem spędzić sobotni dzień pędząc między remontowaną kuchnią a łazienką i już przygotowałem respirator, ale wylądowałem wśród beau monde i mądrych ludzi i musiałem wdychać zapach scen)) )
Dzięki ketoszy i Bożej opatrzności miałam szczęście być na premierze teatru, który uwielbiam od młodości.

Teatr. Majakowski to po prostu konstelacja wybitnych aktorów. Igor Kostolevsky, Evgenia Simonova, Anna Ardova – lista jest długa.
W teatrze tym wystawiano już spektakl na podstawie sztuki Bertolta Brechta „Kaukaski kredowy krąg”. Potem zabłysła w nim Galina Anisimova w roli Gruszki. Minęło wiele lat, a teraz młody i bardzo utalentowany reżyser Nikita Kobielew przywrócił tę kultową sztukę Brechta na scenę słynnego teatru.
Fabuła jest przypowieścią o królu Salomonie. To odwieczny spór między dwiema matkami o to, która bardziej kocha dziecko. Ale jak to wszystko brzmiało jak nowe!

Gatunek filmu drogi obejmuje niekończącą się drogę. Przy zachwycającym muzycznym akompaniamencie kwartetu Round Band młoda Grusza (Julia Solomatina) idzie gruzińską drogą wojskową, niosąc w ramionach cudze dziecko. To „szlachetnie urodzone” dziecko zostało porzucone przez własną matkę – wdowę po straconym namiestniku (Daria Poverennova) i objęcie go opieką wiąże się z wieloma kłopotami. Ale dziewczyna nie może zrobić inaczej.
W drodze do swojego brata w górach Grushe napotyka wiele przeszkód i wielu różnych ludzi. Ktoś jej pomaga, ktoś jest obojętny, a ktoś wrogi. Ale Grusha nie może już odmówić małemu Michaiłowi. Został jej synem.
Niesamowita tkanina muzyczna, w którą owinięta jest fabuła, staje się niezależnym bohaterem spektaklu. Całej akcji spektaklu towarzyszy piękna muzyka. Bez tego nie sposób wyobrazić sobie tej historii. W pewnym momencie muzycy stają się aktorami i wznoszą się na scenę.
Obsada aktorska jest tak dobra, że trudno wybrać tylko jedną. Oczywiście czekałem na pojawienie się na scenie Igora Kostolewskiego w roli Azdaka. Wiedziałam, że to będzie ekstrawagancja, ale nie wiedziałam, że aż tak mnie zadziwi! Niesamowita swoboda wewnętrzna Azdaka, jego ironia i umiejętność widzenia ludzi na wskroś zostały oddane przez aktora tak dokładnie, że można się tylko zastanawiać, jak, no cóż, jak mu się to udaje? To, co zrobił Kostolevsky, to arcydzieło!
Młoda aktorka Julia Solomatina to wschodząca gwiazda teatru. Grusha ją kocha, wierzy, ma nadzieję iw rezultacie sprawiedliwość triumfuje. Delikatna, pełna wdzięku dziewczyna jest wrażliwa i czuła, ale tak stanowczo broni swojego prawa do kochania cudzego dziecka, że staje się jasne – nikt nie może nagiąć Gruszy! I tylko miłość może wygrać.
To wspaniałe, niesamowite, pojemne wykonanie. Muzyka Paula Dessau tak upiększa narrację, że nie sposób wyobrazić sobie jednego bez drugiego.

Reżyser Nikita Kobelev to prawdziwy talent. Powrót na scenę epickiej sztuki Bertolta Brechta był triumfem. Świetna robota aktorów i reżysera. Brawo! Brawo! Brawo!

Niezwykłe połączenie Bertolta Brechta i gruzińskiej scenerii. Sztuka została napisana w 1946 roku i początkowo wszystko było napisane. rozgrywa się w abstrakcyjnym mieście, ale potem autor zrobił „dyg” zwycięskiemu Gruzinowi Stalinowi… W sumie przedstawienie mi się podobało, chociaż trwa ponad trzy godziny: pierwszy akt trwa prawie dwie godziny. Akcja kołysze się stopniowo, temat uchodźców odbija się echem w dzisiejszym. Brechtowska ekspresja organicznie przypada gruzińskiemu szaleństwu. A w scenie na dworze Kostolewskiego po prostu chce się krzyczeć razem z aktorami, krzycząc na przemian i całkiem odpowiednio. Piosenki do mikrofonu odbierane są jako czysty rap. Ale to jest wplecione w tkankę opowieści z godnością. Niedaleko nas, w loży reżysera, siedziała francuska żona Kostolewskiego, Consuelo, do której aktor kierował swoje uwagi. Zachichotała basowo. Ogólnie ze sceny leciały iskry. polecane do oglądania).

Są spektakle, które niejako wcale nie są spektaklami, ale całkowicie realnym emocjonalnym przeżyciem czyjegoś życia, z całkowitym oderwaniem od dzisiejszej rzeczywistości i pełnym zaangażowaniem w wydarzenia rozgrywające się na scenie.
Taki „Kaukaski krąg kredowy” na scenie Teatr. Majakowski(premiera w kwietniu 2016).
Autorem sztuki jest Bertolt Brecht, niemiecki dramaturg, poeta, prozaik, postać teatralna, teoretyk sztuki, założyciel Berliner Ensemble Theatre!
Sztuka „Kaukaski krąg kredowy” (niem. Der kaukasische Kreidekreis) została napisana w 1945 roku! A w 1954 roku wystawił ją Brecht w słynnym Berliner Ensemble Drama Theatre w Berlinie, w tym samym czasie kompozytor Paul Dessau napisał muzykę do sztuki, także, jak rozumiesz, Niemiec.
Po spektaklu, kiedy wszystkie uczucia, które przeżyłeś, wciąż kipią w tobie jak rzeka Terek, nie sposób uwierzyć, że Brecht nie jest Gruzinem, że nie ma gruzińskich korzeni, że w ogóle nie ma z Gruzją nic wspólnego! W 1975 roku Robert Sturua wystawił „Kaukaski krąg kredowy” w Teatrze Tbilisi. Shota Rustaveli z muzyką Gii Kancheli stał się najjaśniejszym wydarzeniem w życiu teatralnym. I to jest zrozumiałe - wybitny gruziński reżyser, gruzińscy aktorzy, gruziński kompozytor. A Brecht jest Niemcem! Wniosek jest więc tylko jeden – jest geniuszem, bo tylko geniusze potrafią tak głęboko, mocno, wiarygodnie odczuć i opisać tak odległą od niego kulturę.
Scena- Kaukaz.
Czas- „feudalna Gruzja” (dla odniesienia: „Gruzja była częścią Imperium Rosyjskiego od 1801 do 1917 roku. Od XV do XVIII wieku Gruzja była podzielona i znajdowała się między muzułmańskim Iranem (Persją) a Turcją”). Ale czas w przedstawieniu jako takim jest bardzo warunkowy.
Koło kredy kaukaskiej- to zarysowany kredą na ziemi krąg, do którego wchodzą dwie kobiety, które będą musiały walczyć o prawo do macierzyństwa. Jest to fikcyjny symbol sprawiedliwego sądu; jest mało prawdopodobne, aby taka metoda wymiaru sprawiedliwości istniała w Gruzji. Ale niech tak będzie - kółko kredowe. Kreda. Na ziemi. Dziecko. I dwie matki.

Wykonanie przebiega w porządku rosnącym, od nuty „do” do nuty „si”. Powoli, w szczegółach, chronologiczny łańcuch wydarzeń rozwija się w szczegółach.

Scena pierwsza: Szlachetne dziecko
Scena 2: Ucieczka w północne góry
Scena trzecia: W północnych górach
Scena czwarta: Historia sędziego
Scena piąta: kredowy krąg

Sceneria spektaklu jest trójpoziomowa, a akcja może toczyć się na każdym poziomie.

W grze jest dużo czerwieni. Zmywarka Grushe Vakhnadze i księżniczka Natella Abashvili mają na sobie czerwone sukienki. Dekoracje są czerwone. Czerwień symbolizuje ogień, krew i niebezpieczeństwo, niepokoi i podnieca.

W programie dużo muzyki. Przedstawienie muzyczne. Muzykę, jak pamiętacie, napisał niemiecki kompozytor. Ale ona jest… Gruzinką. Tak namiętny, jasny, dźwięczny, że wydaje się, że Muzyka odgrywa w tym spektaklu osobną rolę. W fosie orkiestry znajduje się zespół, którego muzycy ubrani są w okrągłe filcowe kapelusze swańskie. Saksofon, klarnet, trąbka, akordeon, gitara basowa itp.

W spektaklu jest wiele piosenek - wokale na żywo. Niemal wszyscy bohaterowie śpiewają (na scenie są mikrofony), a nie tylko wymieniają uwagi.

W sztuce jest dużo miłości. Zawsze zaskakuje nas delikatny kwiat przedzierający się przez asfalt, dążący do światła. Tak więc w naszym życiu najważniejszą, mocną, niezapomnianą rzeczą jest miłość. A miłość macierzyńska jest na ogół kategorią, która nie ma definicji. Czy da się to opisać słowami, czymś zmierzyć?

W roli głównej bohaterki Grusha Vakhnadze (wieśniaczka, zmywarka do naczyń) gra Julia Solomatina. Ta rola była dla niej stworzona. A raczej i tak - stworzyła oszałamiający obraz Prawdziwej Matki. Trzymała, porywała, przykuwała uwagę całym przedstawieniem – a przede wszystkim swoim bezgranicznym obdarzeniem duchowym, otwartą szczerością. Powiedziałbym nawet, że takie przyzwyczajenie się do roli może być niebezpieczne dla aktorki. Ponieważ nie ma krawędzi, nie ma granicy między obrazem scenicznym a prawdziwą osobą. Na scenie nie ma aktorki Solomatiny, jest Grushe Vakhnadze (wieśniaczka, zmywarka do naczyń). Ale dla nas, widzów, bycie świadkami tak hojnej reinkarnacji jest szczęściem.

Czasami zastanawiasz się, co to za osoba - ledwo chodzi, jest ścigana, trzęsie się z zimna, chce jeść, ale zapomina o swoich trudach i przede wszystkim zdobywa jedzenie dla dziecka , a jednocześnie kubek mleka kosztuje połowę jej tygodniowych zarobków. Teoretycznie bohaterka pod ciosami losu powinna płakać, no cóż, przynajmniej trochę. Jak możesz sobie poradzić bez łez w jej sytuacji. Ale Grusha Vakhnadze nie tylko nie płacze, ale także potrafi śpiewać! W tym człowieku - małym, kruchym, pozornie bezbronnym - żyje miłość o takiej sile, że można się nią wygrzewać jak w słońcu.

Tak, wyrzuć to dziecko - zabiją cię teraz.
Tak rzucę ci to dziecko - zaśpiewaj sobie.
Tak, rzucasz tym dzieckiem - nie przynoś sobie wstydu na głowę, jesteś kawalerem, będą rzucać w ciebie kamieniami.
No dalej, zostaw to dziecko - to obcy! Nieznajomy!
…
Kupiłem program w przerwie i nie miałem czasu przeczytać nazwisk aktorów. Kiedy więc na scenie pojawił się wiejski urzędnik Azdak, ze szczególnego skupienia uwagi, z wyciszonej sali, było jasne, że gra mistrz. tak, było Igora Kostolewskiego! Stary Azdak to bardzo trudna postać. Jest mądry, bardzo doświadczony, przeżył długie życie i wiele widział, ale daleko mu do świętości, jest chciwy na picie, nieuczciwy, przebiegły. Dlatego nie wiadomo, w którą stronę będzie wiał wiatr, na jakie szale sędzia Azdak dołoży ciężar.
Krąg kredowy to jego decyzja.
Kredowe kółko określi, kto jest prawdziwą matką małego Michaela.

Podobało mi się Olga Prokofiewa w roli teściowej. Ja też jej nie poznałem, a poza tym, nie poznawszy, byłem pod wrażeniem pasji aktorskiej. W sumie gra aktorska jest znakomita. Tylko rysunek roli Daria Poverennova(Natella Abashidze), wydawała się zbyt powierzchowna, przeszkadzała nadmierna gestykulacja.

Spektakl znajduje taki odzew w duszy, ogarnia taką falą empatii, że łzy spływające po policzkach w finale są zjawiskiem całkowicie przewidywalnym.

Niesamowite, wspaniałe, pełne muzycznego wykonania. Trwa 3 godziny i 15 minut z jedną przerwą, podczas gdy nie sposób się oderwać. Kostolevsky gra w drugim akcie. Po zakończeniu publiczność zgotowała owację na stojąco. I przez długi czas. Dużo jazzu. Jestem zachwycony.
Nikita Kobielew jest geniuszem.

Niesamowity spektakl: wydawałoby się, że to bardzo prosta fabuła, ale jak niesamowicie rozwinięta, jak zainscenizowana przez reżysera! Długie, ale ani przez chwilę nie nużące przedstawienie, z wstawkami muzycznymi, orkiestrą na żywo, numerami utworów, z napisem „od autora”. Nie znałem sztuki i spodziewałem się, że niuanse sztuki będą się rozwijać z każdą minutą. Co ciekawe, rozwój fabuły jako całości nie jest trudny do odgadnięcia. Ale działania bohaterów w danym momencie pozostają nieprzewidywalne. Wydawać by się mogło, że główna bohaterka zbliżyła się do dziecka i nigdy go nie opuści, jednak niespodziewanie wrzuca go do cudzego domu. Potem, równie nieoczekiwanie dla siebie w spektaklu i dla widza, cofa to. Wydawać by się mogło, że dzieckiem powinna zająć się dziwna dojrzała kobieta, sama matka, nie może go w żaden sposób opuścić… jak go zdradza, boi się o dom… Jest wiele nieoczekiwanych zwroty akcji w grze, i to jest cudowne. Życie bohaterów jest nieprzewidywalne i dlatego ekscytująco interesujące. Już bardzo dawno nie oglądałem tak solidnych, pięknych, profesjonalnie wystawionych spektakli. Aktorzy byli wspaniali! Chciałbym szczególnie podkreślić wykonawcę głównej roli kobiecej Julii Solomatina. Bardzo podobał mi się narrator Siergiej Rubeko. Wielkie dzięki dla Teatru Majakowskiego! Polecam wszystkim.

Opowieści pokojówki, które miały miejsce na małym skrawku biblijnej gruzińskiej ziemi.
Służąca znajduje się z porzuconym dzieckiem z książęcej rodziny.
Jego ojciec został zabity, matka uciekła, a ponieważ na Kaukazie panuje zwyczaj mordowania całej rodziny, syn, który nie może chodzić, musi odpowiadać za ojca i wydaje się, że z góry jest już jasne, po której stronie moc.
Ale pokojówka nie może zostawić torby z dzieckiem i ryzykując życie w każdej sekundzie, ratuje chłopca od nieuchronnej śmierci, edukuje go, choć patrzą na nią z ukosa, bo ma dziecko bez męża.
W końcu kobieta jest naczyniem grzechu, a jeśli chodzi o objętość jej serca, któż jest w stanie to opisać?
Kiedy wojna się skończy i biologiczna matka chłopca wróci, będzie chciała go zwrócić, by przejąć pozostawiony spadek, ale mądry sędzia-łapówkarz mierzy siłę matczynych uczuć po staremu – niech matki ciągną za chłopie każdy na siebie.
Tym, który nie może skrzywdzić dziecka, jest matka.
W scenerii cała księga życia i niekończący się wyczyn.
Czy Bóg naprawdę jest Miłością?

Trzy godziny spędzone w teatrze mijają jednym tchem.
Historia, która mogłaby wstrząsnąć światem, gdyby nie codziennie.
Brawa dla aktorów i wszystkich zaangażowanych w tę produkcję.

Teatr Majakowskiego wystawił „Kaukaski krąg kredowy”. rodzaj jazzowego filmu drogi. Swoją drogą, z zespołem jazzowym na żywo. Z gruzińskimi motywami i melodiami, ale czasem zdanie.
Jest to znana nam historia z czasów biblijnych, o sporze dwóch matek, który rozwiązał król Salomon.
Tylko tutaj jest zmywarka Grushe, która przechodzi przez wiatry, zimno, ratując porzucone dziecko. Tylko tutaj ślub zamienia się w pogrzeb przy śmiechu publiczności. A potem eleganckie zmartwychwstanie prawie zmarłego małżonka i jego ablucja.
I jest wyrok. Tylko nie Salomon nim rządzi, ale pijak i oszust Azdak. A jeśli naprawdę, to wspaniały Igor Kostolevsky. Tu triumfuje jako aktor (i jako bohater-urzędnik). Jego zdanie i gest „A ja biorę!” to jest coś!. Szczerze mówiąc, moja dziecięca miłość do dekabrysty Anenkowa minęła bardzo dawno temu i nie śledziłem szczególnie ról Igora Matwiejewicza. Ale dojrzały Kostolevsky to coś! Dostojny, mądry... Jestem pod wrażeniem.
Julia Solomatina jest bardzo ładna jako Gruszka. Bardzo mi się podobało jak śpiewa, piękny głos.
A żołnierz Simon Khakhava, grany przez Pawła Parkhomenko, jest gruzińskim temperamentem, młodzieńczo gorącym, ale powściągliwym jak prawdziwy żołnierz. Świetna rola.
Siergiej Rubeko jest wspaniały w roli Narratora, jest po prostu niezrównany.
Daria Poverennova w roli książęcej żony (i matki dziecka) jest wychowana, jak przystało na nieczułą księżniczkę.
Bardzo podobał mi się Alexey Fursenko w roli Umierającego Męża. Dość zabawna rola.

Spektakl mądry, smutny i wesoły zarazem, jak wszystkie sztuki Bertolta Brechta. Koniecznie idź, nie pożałujesz!

Spektakl oparty na sztuce Bertolta Brechta. Nie znałem tej pracy i chciałem zobaczyć przynajmniej ze wstępnego punktu widzenia. Poza tym Brecht i Kaukaz nie są najbardziej oczywistym połączeniem, mimo że Kaukaz bardzo kocham! Ale nadal Kaukaz to raczej egzotyczna sceneria i lokalny smak, w który aktorzy grają z przyjemnością. Sama historia mogła wydarzyć się wszędzie. Zmienia się władza, starzy władcy giną, pojawiają się nowi. Ale życie toczy się dalej. I jak w tym zamieszaniu wychować małego człowieczka porzuconego przez własną matkę? A na domiar złego osąd Salomona. Ale spektakl wciąż jest o miłości, jest zbawieniem, jest wieczny.

Wykonanie trudno nazwać łatwym. Wiele wydarzeń, a wydarzenia nie są łatwe. Śmieszne momenty ustępują miejsca tragicznym. Albo przypowieść, albo opowieść o drodze.
Jak nie pamiętać starożytnej japońskiej „klątwy” - abyście żyli w epoce zmian. To właśnie w trudnych chwilach trudno zachować ludzką twarz, a współczucie i życzliwość mogą pójść na boczny tor. „Moja chata jest na krawędzi” i w ogóle trudno kategorycznie potępić tych, którzy tak postępują..

Ale też dużo tej samej muzyki. Jak to na Kaukazie, ale bez muzyki?!
W spektaklu bierze udział cała orkiestra - "Round Band". bardzo to kocham! I tutaj zawsze wakacje i smutek idą w parze. Nawet muzyka jest albo brawurowym marszem żałobnym, albo stonowanym zapalającym tańcem weselnym. Cóż, nigdy nie wiadomo, dokąd zaprowadzi sytuacja.
Więc postacie też śpiewają! Przede wszystkim pamiętam głos Gruszy - bardzo uduchowiony. Ale muzyka docierała nawet w nieoczekiwanych miejscach. Na przykład, kto by pomyślał, że nawet krzyk będzie wpleciony w tradycyjną polifonię :-)))))
Ciekawa wielopoziomowa scenografia. A wysoka sceneria - czasami w pałacu powyżej pokazuje plebejuszy, potem wysokość wyżyny.

Absolutnie cudowna odtwórczyni głównej roli Grushe Yulia Solomatina. Tak drżący, przeżywający, prawdziwy, ale też z charakterem! I jakie włosy! I co za głos - śpiewa bardzo przenikliwie!
Sędzia Azdak bardzo lubił Salomona Igora Kostolewskiego. Jest jak Salomon z przypowieści. Mędrzec z orientalnych opowieści. I jakże trafna jest władcza reprezentatywność samego Kostolewskiego. Nawet zdejmując cuchnące buty, nie traci pewności siebie. I nie nieokiełznana pewność siebie, ale całkiem spora świadomość wiedzy o świecie. W niektórych momentach zazwyczaj wychodził na błazeńskie chwile. Ale kto jest tu najmądrzejszy i najsprawiedliwszy, wciąż jest oczywiste. A ciężar odpowiedzialności bardzo ciąży, bo on to rozumie, tę odpowiedzialność. Jasne i fajne! Drugi akt to w zasadzie benefis Azdaka.
Okazuje się, że tego dnia zadebiutował Jewgienij Matwiejew w roli Szymona Chachawy. Nie mogę powiedzieć, że rola jest duża. ale ważne. I przez ten krótki czas trzeba było pokazać, że jest godzien miłości tak wspaniałej dziewczyny jak Grusza. I poradził sobie z tą rolą! Żałuję nawet, że było go tak mało.
Olga Prokofiewa była piękna, choć w małej, ale jasnej roli teściowej. Taka wspaniała gospodyni!
Pamiętam też „gospodarza”, przepraszam za „głos autora” Arkadego Czcheidze – Siergieja Rubeko. I jak fajnie „wyrażał” różne momenty!
Klasyczny kapral szumowiny Wiaczesław Kowaliow. Niemożliwie obrzydliwe! i to jest komplement, jeśli już!
Umierający mąż - Aleksiej Fursenko. Scena w łazience jest oczywiście czarująca i chuliganka na skraju faulu!
Romana Fomina polubiłem zarówno jako niezdarnego żołnierza, jak i pewnego siebie pretendenta do roli sędziego.

Notatki amatora.

Nr 23. Teatr. Vl. Majakowski. Kredowe koło kaukaskie (B. Brecht). reż. N. Kobielew.

„Wszystko na świecie powinno należeć do tego, od którego ma więcej sensu,
A to oznacza dzieci – do serca matki, aby rosły i dojrzewały
Wagony są dla dobrych kierowców, żeby szybko się toczyły.
A dolinę temu, kto ją nawadnia, aby wydała owoc.

Reżyser Nikita Kobielew wziął sobie do serca Brechtowskie „być budowniczym sceny”: już na samym początku zamiast scenerii na tylnej scenie widać gigantyczne schodkowe sześciany, wyłaniające się spod spływającego po nich czerwonego baldachimu. Akcja rozgrywa się w Niedzielę Wielkanocną, a kolor czerwony jest symbolem tego dnia. Sukienki obu głównych bohaterek – Gruszki i Natelli są również czerwone. Przez rozcięcia w tkaninie aktorzy wchodzą w wąski pas proscenium. Ale później, po egzekucji gubernatora, bordowa tkanina odpada, a przed oczami pojawia się ponura wielopoziomowa konstrukcja platform, po których bohaterowie będą „podróżować”. Akcja toczy się jednocześnie na czterech poziomach: scena, podium, druga kondygnacja, antresola. Dodaje to wszechstronności, pewnej polifonii. Jest objętość, perspektywa, głębia. Reżyser starannie buduje scenografię, kompozycja często przypomina piękny i efektowny obraz.

„Brecht” zaczyna się dosłownie od pierwszych sekund spektaklu: aktor, zwracając się do publiczności ze sceny, prosi o wyłączenie telefonów, komentuje przedstawienie i wchodzi w krótki dialog z pracownikiem technicznym, pytając: „Czy wydajność jest krótsza”? To reminiscencja, gra na oryginalnym tekście. Są jeszcze inne nieodzowne atrybuty „teatru epickiego”: aktorzy wchodzą na scenę przez widownię, konwenansów jest dużo – od bicia „gęsi”, przedstawionej za pomocą prześcieradła, po przejście mostu nad przepaścią , odtworzony przy użyciu zwykłej planszy, ale grany przez aktorkę, mimo wszystko niezawodny. Miejsce akcji jest pokazane warunkowo. O tym, że to Gruzja, można się domyślić jedynie po strojach i imionach postaci. Opowiadana historia jest uniwersalna i mogła wydarzyć się zawsze i wszędzie.

Pojawia się postać narratora, który z dystansu obserwuje to, co dzieje się na scenie, w razie potrzeby pomagając aktorom, naśladując krzyki gęsi lub płacz dziecka, a nawet usuwając teatralne rekwizyty spod ich stóp. . Narrator okresowo rzuca publiczności krótkie uwagi z wyjaśnieniami, zwracając się bezpośrednio do publiczności. I oczywiście w spektaklu jest dużo muzyki i zongów. Czterech multiinstrumentalistów z grupy Round Bend jest bezpośrednio zaangażowanych w to, co się dzieje, aż do wejścia na scenę z piosenkami w odcinku wiejskiego wesela. Dodaje to realizmu, szumu życia. Muzyka dla Brechta to ciągły i pełny udział w spektaklu, jeden z filarów podtrzymujących całą strukturę twórczą. Częściowo ironiczna, częściowo przejmująca muzyka Paula Dessau, tworząca charakterystyczną „epicką” atmosferę, a zongi są wykonywane zapalająco, ale nieco szorstko, pomimo pomocy czterech wokalistów wspierających. Emocjonalne wykonanie zongów Jurija Butusowa, z których każdy można uznać za niezależną liczbę, dosłownie „przenika do wątroby”. Ale tutaj efekt jest słabszy.

Spektakl o sprawiedliwości opowiada o niesprawiedliwości świata, który ludzie sami sobie zaaranżowali. Świat, w którym rządzą nie najcenniejsi, ale najbardziej przebiegli i okrutni, gdzie czyny moralne stoją w sprzeczności z prawem i trzeba za nie słono zapłacić, gdzie najlepsi cierpią bardziej niż inni. A te najlepsze zachowały się właśnie wśród ludzi, którzy są milsi, bardziej ofiarni i bardziej humanitarni niż rządząca elita. Czy władza korumpuje ludzi, czy też dążą do niej najgorsi – to już inna kwestia. Grushe, prosta zmywarka do naczyń, narażając się na śmiertelne niebezpieczeństwo, ratuje dziecko porzucone podczas ucieczki gubernatora, poświęcając jednocześnie własne życie osobiste i przyszłość. Ale wszystko kończy się stosunkowo dobrze, udaje jej się wyjść zwycięsko ze wszystkich prób. Sprawiedliwość, której symbolem jest test kredowego koła, wciąż triumfuje w finale. Prawda jest dla biednych.

Charakterystyczne jest to, że kluczowa decyzja o tym, kto powinien być matką chłopca, okazuje się mądra i sprawiedliwa, ale podejmuje ją bystra, ale bardzo kontrowersyjna postać Azdak, który bierze łapówki: „Biorę to”, informuje powolnego -rozsądni składający petycje cztery razy. Brecht ma wiele biegunów w grze, przeciwstawne pary semantyczne, które elektryzują to, co się dzieje: biedni-bogaci, są to ludzie-władza, dobro-zło, szef-podwładny, chciwość-bezinteresowność, prawda-oszustwo itp.

Reżyser wyszedł z opowieścią o trudnych perypetiach kobiety, która zdecydowała się na akt miłosierdzia w naszym trudnym świecie. O tym, ile człowiek musi przezwyciężyć, aby pozostać sobą i zapanować sprawiedliwość. O tym, że dla dobrego celu będziesz musiał kłamać, cierpieć, a nawet bić innych ludzi. Zauważalna jest chęć zaskoczenia widza, bycia zapamiętanym, rozśmieszenia (zwłaszcza scena kąpieli niedawnego „umierania” w łazience). Postacie Kobeleva są jak w oknie, są dobitnie wypukłe, komiczne, wszystko jest bardzo wyraźne, głośne. Każdy główny bohater jest postacią wcieloną. Ich intencje i motywy są przejrzyste. Ich działania są proste i jednoznaczne. Mówią, co myślą.

Młoda aktorka Julia Solomatina dość pewnie poradziła sobie z centralną i trudną rolą Gruszy. Jej bohaterka jest impulsywna, prosta i ludzka: „Jesteś milszy niż gruszka, ale nie możesz tego nazwać mądrym”. Kolejną charyzmatyczną i głośną postacią jest Azdak, sprytnie zagrany przez Igora Kostolewskiego. Jest niejednoznaczny, ale w głębi duszy jest przyzwoity i pozostaje wobec siebie szczery: „W ogóle nie mam dobrego serca. Ile razy mam ci powtarzać, że jestem osobą umysłową? Narzeczony Grushe'a, żołnierz Simon, stanowi przykład przyzwoitości. Wierny poczuciu obowiązku żołnierza, jest gotów chronić żonę gubernatora, mimo śmiertelnego niebezpieczeństwa.

Wszystkie postacie nie z ludu są negatywne: trzęsący się przed egzekucją namiestnik, cyniczny tłusty książę w groteskowej czapce, zła, niewdzięczna żona wojewody, która porzuciła swoje dziecko, ale nie zapomniała zabrać niezliczonych strojów podczas ucieczki, dla której własne dziecko okazuje się jedynie sposobem na otrzymanie spadku. Towarzyszą im inni łajdacy i mordercy: sędzia, patriarcha, szef policji. Brecht jest bezlitosny dla „elity”: „Nie przeżuwaj jak wielki książę lub świnia”. W społeczeństwie góra i dół są pomieszane: bystrzy ludzie żyją na samym dole, a u władzy jest tylko zgnilizna i gówno. Zrobienie naprawdę dobrego uczynku jest jak dokonanie wyczynu w naszym zagmatwanym świecie, a sprawiedliwości trzeba bronić pięściami i krwią.

Kredowe kółko stało się taką pokusą. Nie można tego nazwać prostym, lekkim czy ciężkim, ale tym, jak się po nim oddycha. A jednocześnie bardzo chcę znów zanurzyć się w tym fantastycznym wirze żywych głosów i muzyki, takiej, która wciąga, hipnotyzuje. Tkają starożytną tkaninę, splatając losy, dusze i układając wszystko na swoim miejscu, czasem nielogicznie, ale w swoim szaleństwie jest to absolutnie poprawne.

Nie ma sensu opowiadać fabuły od nowa, bo Brecht nie toleruje „streszczenia poprzednich odcinków”. Jak opowiedzieć przypowieść, nie mam talentu Siergieja Rubenki, tego, którego głosem stworzył fantastyczny świat Gruzji, wydawało się, że sam tam jesteś, na Wojskowej Drodze, w Górach Północnych, wiatr drapie cię skórę i nie wiesz, kto jest twoim przyjacielem, a kto wrogiem.

Biedna Grusza, jak boli cię dusza, obraz stworzony przez Julię Solomatinę nie tylko łamie ci serce, śpieszysz się, żeby ją uratować przed nią samą lub przed ludźmi, albo po prostu śpiesz się i idź, chociaż trochę ulżyj jej trudnemu ciężarowi, zbłądzić od niej w kłębek wokół dziecka, by chociaż jakoś schować się przed zimną wodą, bo nawet niebo płacze patrząc na jej bohaterkę. W końcu ile trzeba szaleństwa i miłości, aby rzucić wszystko w wojenny cykl i uratować dziecko, zupełnie obce, by obrócić cały twój świat, wszystkie twoje nadzieje, tylko po to, żeby go ogrzać i nakarmić. A potem, za chwilę, będziesz się śmiał, tak jak w życiu, od miłości do nienawiści, od smutku do radości, o krok

Uderzył mnie Kostolewski, to brzmi zabawnie, bo początkowo postrzega się go jako utalentowanego i uznanego aktora, ale został uderzony. Dla mnie zawsze był, taki szlachetny, przystojny, błękitnokrwisty, ulubieniec i bon vivant, a potem na scenie pojawił się włóczęga. Cóż, nie włóczęga, włóczęga, ale wiejski alkoholik, oszust i łobuz. Pierwsze chwile były po prostu niesamowite, mózg rozumie, że to Kostolewski, ale w środku wszystko jest oszołomione, oczy wyskakują i brzmi „ten włóczęga? to nie może być… no, nie może”. Zafascynował mnie jego Azdak, oto kuferek, łobuz, który szczęśliwym trafem znalazł się w satysfakcjonującym miejscu, zaczynając od dostarczania łapówek urzędnikowi we własnej osobie, ale jest niesamowicie obowiązkowy, nie sposób nawet potępić korupcję w jego osobie, można tylko podziwiać.

Można długo chwalić, tyle trzeba mieć w tym spektaklu do szczęścia, można mówić o doskonałej reżyserii, zwięzłej, ale jeszcze jaśniejszej scenografii. Chyba najuczciwiej będzie tak... Miałem szczęście do miejsca, i to jeszcze skromnie powiedziane, ale aktorzy mieli nie iluzoryczną szansę odeprzeć szaloną kobietę, która była gotowa rzucić się na scenę i upaść u ich stóp :) Nie wiem jak się powstrzymałem. Więc drugi raz na pewno zaciągnę kogoś ze sobą do trzymania za kark.

Brechta można szanować i kochać tylko za „Romans za trzy grosze” – to prawdziwa gra umysłu geniusza, ale jego sztuki, czy to „Człowiek z Sezuan” w Teatrze Taganka, czy „Kaukaski krąg kredowy” w Teatrze Majakowskiego, nie lubię. Fabuły tych sztuk Brechta są bardzo (zbyt)alegoryczne i groteskowe, a oprócz tytułu, imion bohaterów, tak naprawdę nie mają żadnego realnego związku z opisywanymi krajami, czy to z Chinami, czy z Gruzją.
W historii powstania sztuki piszą, że Brecht wybrał Gruzję na miejsce akcji, na znak szacunku dla „ojca narodów”, w 1945 roku (czas powstania sztuki) – zwycięzcy faszyzmu : decyzja jest z pewnością bardzo daleko idąca. Stąd brak narodowego posmaku, konkretnych detali, w opowiadanej w sztuce historii wszystko jest bardzo warunkowe.
Piszą, że produkcja tej sztuki odbyła się w Gruzji w 1975 roku z dodatkiem barwy narodowej, charakterów narodowych i temperamentu. był wielkim sukcesem. - Nie ma możliwości zweryfikowania rzetelności takiej oceny. Ale po obejrzeniu tego spektaklu w Teatrze Majakowskiego w reżyserii młodego reżysera Nikity Kobeleva nasuwa się pytanie: czy reżyser nie jest za młody na tak samodzielną pracę? Co więcej, nie ma żadnych skarg na obsadę: obsada jest bardzo mocna. Nie pozostawiało to wrażenia, że obsada była znacznie silniejsza, wyższa niż ta przesadnie groteskowa gra z głupkowatymi postaciami, które grali, i jej wcieleniem młodego reżysera.

Wykonanie przebiega w porządku rosnącym, od nuty „do” do nuty „si”. Powoli, w szczegółach, chronologiczny łańcuch wydarzeń rozwija się w szczegółach.

Scena pierwsza: Szlachetne dziecko
Scena 2: Ucieczka w północne góry
Scena trzecia: W północnych górach
Scena czwarta: Historia sędziego
Scena piąta: kredowy krąg

Sceneria spektaklu jest trójpoziomowa, a akcja może toczyć się na każdym poziomie.

W spektaklu jest wiele piosenek - wokale na żywo. Niemal wszyscy bohaterowie śpiewają (na scenie są mikrofony), a nie tylko wymieniają uwagi.

Spektakl znajduje taki odzew w duszy, ogarnia taką falą empatii, że łzy spływające po policzkach w finale są zjawiskiem całkowicie przewidywalnym.

Kredowe koło kaukaskie, to trzeba zobaczyć, trzeba posłuchać,... choć nie... najdokładniej, wciąż chcę. Są w moim życiu spektakle, które wciągają, zachwycają, bawią i są takie, na które „nie chcę ich puścić”, takie, na które będę chodzić wciąż i wciąż, ciągną i przekonują wszystkich tych, którzy się zgadzają i po prostu upadli pod pachy i nie udało się uciec.

Reżyser Nikita Kobelev to prawdziwy talent. Powrót na scenę epickiej sztuki Bertolta Brechta był triumfem. Świetna robota aktorów i reżysera. Brawo! Brawo! Brawo!

Oglądałem premierę w Teatrze Majakowskiego i myślałem o kruchości dobroci i jej niesamowitej żywotności. A także o tym, jak poprzez spektakl, jego główny temat oraz sposoby i środki, za pomocą których on się w tym spektaklu faktycznie objawia, można poczuć i zrozumieć osobowość reżysera. Liczy się osobowość, a nie tylko styl i charakter pisma.
Nikita Kobelev wystawił „Kaukaski kredowy krąg” B. Brechta w stylu jazzowym. Na scenie (a raczej w małym fosie orkiestrowym) muzycy grali przez trzy i pół godziny. Siedziałem w loży benoir, blisko rampy, i doskonale widziałem ich twarze. Nie tylko się bawili, ale wczuwali się w to, co się dzieje i brali czynny udział w akcji. A muzyka, wygląd i gesty tworzyły magiczną gruzińską atmosferę. I wydarzyły się straszne wydarzenia: wojna, morderstwa, odcięte głowy przeciwników, zapomniane przez matkę dziecko ratujące jej życie, pościgi, próby i starcia. Ale jazz cały czas wychodził na światło dzienne, dawał nadzieję, łagodził surowość.
Spektakl ma dużo czerwonych i czarnych kolorów, emanujących niepokojem i kłopotami. Główna bohaterka, prosta zmywarka, dziewczyna o cudownym imieniu Grushe (z akcentem na ostatnią sylabę), w jaskrawoczerwonej sukience. A ta suknia, niczym ogromne pulsujące serce, albo bije na wietrze, albo chowa się pod czarną marynarką lub bogatym welonem. lub nawet całkowicie odgrodzony od wszystkich szorstką, grubą wyściełaną kurtką. Tak, i na samym początku spektaklu jest niesamowita scena - Gruszka w swojej czerwieni łapie gęś - ogromne białe prześcieradło, a taniec tych dwóch kolorów, niczym symbol nadziei i cierpienia, ustawia w prawo nastrój. Bardzo fajnie, chociaż nie lubię tego słowa, ale tu jest na miejscu, w tej roli Julia Solomatina. Jest symbolem dobroci, miłosierdzia, a zarazem szczęścia.
Pierwszy akt, stanowiący dwie trzecie całego przedstawienia, jest pełen wydarzeń, dynamiczny, pełen pieśni, humoru (tak, nieważne, humor tu jest na miejscu!) i wspaniałych, barwnych scen. Zwrócę uwagę na Konstantina Konstantinowa, który gra kilka ról - a każda to małe arcydzieło! I wspaniała Olga Prokofiewa, prawdziwa gruzińska matka i teściowa. Idealne dopasowanie do roli.
Po przerwie przedstawienie zamienia się w benefis dla jednego aktora, Igora Kostolewskiego. Jego postać – Azdak, wiejski urzędnik, z woli losu i swojego pro-hinduskiego charakteru zostaje sędzią. Nie wiem, na ile odpowiada to woli reżysera, ale Azdak okazał się swego rodzaju uniwersalnym ulubieńcem, przebiegłym, czasem uczciwym, bardzo narcystycznym dżentelmenem. Chociaż, jak Igor Matwiejewicz może nie być ulubieńcem wszystkich, oczywiście nie mogę sobie tego wyobrazić.
Spektakl prowadzi Narrator, Siergiej Rubeko, który swoim dobrze wyszkolonym głosem i luksusowym futrem przypomina Chaliapina. Nadaje ton całej historii, pojawia się nagle, znika w nikąd, ale bez batuty dyrygenta umiejętnie i zręcznie kieruje całą tą "orkiestrą".
Zakończenie trochę mnie rozczarowało. Cudowny chłopak: słomiane włosy, nieśmiały wygląd, nieśmiały chód. Dlaczego włożył miecz w swoje ręce i wsunął manekiny dzieci do „morderstwa”? I jak smutno stał, kiedy dwie kobiety w czerwieni zaczęły go ciągnąć w różne strony na rozkaz Azdaka... Kredowy krąg okazał się bardzo płaski i mało zaakcentowany. Był to jednak pierwszy pokaz dla publiczności.
Jazzowa intonacja występu, gruziński akcent, czerwień, ciekawa scenografia - występ okazał się jasny i zapadający w pamięć. I dobrze, że na scenie, jak w bajce, dobro zwycięża zło. Może nawet w życiu...

We współpracy z R. Berlau

Tłumaczenie S. Apt

POSTACIE

Stary wieśniak jest po prawej stronie.
Wieśniaczka jest po prawej stronie.
Młody wieśniak.
Bardzo młody pracownik.
Po lewej stary rolnik.
Wieśniaczka po lewej stronie.
Kobieta agronom.
Młody traktorzysta.
Ranny żołnierz.
Inni kolektywni rolnicy i kolektywni rolnicy.
przedstawiciel stolicy.
Arkadij Czcheidze - piosenkarz.
Jego muzyka jest.
Giorgi Abashvili - gubernator.
Natela jest jego żoną.
Michał jest ich synem.
Gogi jest adiutantem.
Arsen Kazbeki to gruby książę.
Koński posłaniec z miasta.
Niko Mikadze, Micha Loladze - lekarze.
Simon Hahava jest żołnierzem.
Grusha Vakhnadze - sudo! mycie.
Trzej architekci.
Cztery pokojówki.
Pielęgniarka.
Kucharz.
Kucharz.
Pan młody.
Słudzy w pałacu gubernatora.
Opancerzeni ludzie i żołnierze gubernatora i grubego księcia.
Żebracy i żebracy.
Stary rolnik sprzedający mleko.
Dwie szlachetne damy.
Oberżysta.
Pracownik.
Kapral.
Pancerz „Dubina”.
Wieśniaczka.
Jej mąż.
Trzech kupców.
Ławrientij Wachnadze - brat Gruszy.
Aniko jest jego żoną.
Ich pracownicy.
Wieśniaczka jest tymczasową teściową Gruszy.
David to jej syn, mąż Gruszy.
Mnich.
Goście weselni.
Dzieci.
Azdak jest wiejskim urzędnikiem.
Shalva jest policjantem.
Stary zbieg to Wielki Książę.
Bratanek Arsena Kazbekiego.
Lekarz.
Niepełnosprawny.
Kiepski.
Drapieżnik.
Właściciel innego zajazdu.
Tamara jest synową właściciela.
Pracownik właściciela.
Stara biedna wieśniaczka.
Irakli to jej szwagier, bandyta.
Trzy pięści.
Ilo Shuboladze, Sandro Oboladze - prawnicy.
Bardzo stare małżeństwo.

I

Kontrowersje w dolinie
Zrujnowana kaukaska wioska. Kolektywni rolnicy, delegaci z dwóch wiosek, głównie kobiety i starsi mężczyźni, siedzą w kręgu wśród ruin, piją wino i palą. Jest też kilku żołnierzy. Ze stolicy przyjechał do nich przedstawiciel państwowej komisji ds. odbudowy gospodarki.

Wieśniaczka po lewej stronie (przedstawia). Tam u podnóża zatrzymaliśmy trzy faszystowskie czołgi, ale sad jabłkowy był już zniszczony.

Staruszek jest po prawej stronie. I nasza mleczarnia! Zostały tylko ruiny!

Młody traktorzysta. Podpaliłem farmę, towarzyszu.

Pauza.

Przedstawiciel. Posłuchaj teraz protokołu. Do Nuku przybyła delegacja kolektywu hodowli owiec Aszchetia. Gdy naziści posuwali się naprzód, kołchoz na polecenie władz wypędzał swoje stada na wschód. Teraz kołchoz podnosi kwestię ponownej ewakuacji. Delegacja zapoznała się ze stanem terenu i stwierdziła, że zniszczenia są bardzo duże.

Delegaci po prawej kiwają twierdząco.
Sąsiedni kołchoz sadowniczy imienia Róży Luksemburg (zwracając się do siedzących po prawej stronie) proponuje wykorzystanie dawnych pastwisk kołchozu Aszchetia do sadownictwa i uprawy winorośli. Ta ziemia to dolina, trawa tam jest zła. Jako przedstawiciel komisji restytucyjnej sugeruję, aby obie wsie same zdecydowały, czy kołchoz Aszchetia powinien tu wrócić, czy nie.

Staruszek jest po prawej stronie. Przede wszystkim po raz kolejny protestuję przeciwko surowym regułom wypowiadania się. Jechaliśmy tutaj z kołchozu Aszchetia przez trzy dni i trzy noce, a teraz chcesz dyskutować w zaledwie pół dnia!

Ranny żołnierz po lewej stronie. Towarzyszu, nie mamy teraz tak wielu wiosek, nie mamy tak wielu robotników i nie mamy tak dużo czasu.

Młody traktorzysta. Wszystkie przyjemności wymagają normy. Tytoń jest normalny, wino jest normalne, dyskusja jest również normalna.

Stary człowiek po prawej stronie (z westchnieniem). Do diabła z faszystami! No to przemówię do rzeczy. Pozwól, że wyjaśnię, dlaczego chcemy odzyskać naszą dolinę. Powodów jest wiele, ale zacznę od najprostszego. Makine Abakidze, rozwiń ser.

Wieśniaczka po prawej stronie wyciąga z dużego kosza ogromną główkę sera zawiniętą w szmatę.Śmiech i brawa.

Proszę, towarzysze, jedzcie.

Po lewej stary wieśniak (z niedowierzaniem). Co to jest, środek wpływu?

Stary człowiek po prawej stronie (ku śmiechu obecnych). Cóż to za środek wpływu, Surab, rabusie. Już cię znamy. Jesteś taki, że weźmiesz ser i zdobędziesz dolinę.

Śmiech.
Niczego od ciebie nie wymagam, tylko szczerej odpowiedzi. Czy lubisz ten ser?

Stary człowiek po lewej stronie. Dobra, odpowiem. Tak lubię to.

Staruszek jest po prawej stronie. Więc. (Z goryczą.) Powinienem wiedzieć, że nie masz pojęcia o serze.

Stary człowiek po lewej stronie. Dlaczego tego nie rozumiem? Jak mówiłem, lubię ser.

Staruszek jest po prawej stronie. Bo nie da się go lubić. Bo nie jest taki sam jak kiedyś. Dlaczego on taki nie jest? Ponieważ nasze owce mniej lubią nową trawę niż starą. Ser to nie ser, bo trawa to nie trawa. To jest problem. Proszę zapisać to w protokole.

Stary człowiek po lewej stronie. Tak, masz świetny ser.

Staruszek jest po prawej stronie. W żadnym wypadku nie jest super, po prostu przeciętnie. Cokolwiek powie młodzież, nowe pastwisko nie jest dobre. Oświadczam, że nie da się tam mieszkać. Że tam nawet rano nie śmierdzi rano.

Ktoś się śmieje.

Przedstawiciel. Nie złość się, że się śmieją, rozumieją cię. Towarzysze, dlaczego kochają swoją ojczyznę? A oto dlaczego: tam chleb jest smaczniejszy, niebo wyżej, powietrze pachnące, głosy głośniejsze, łatwiej chodzić po ziemi. Czyż nie?

Staruszek jest po prawej stronie. Dolina jest nasza od niepamiętnych czasów.

Żołnierz po lewej stronie. Co oznacza „od niepamiętnych czasów”? Nic nie może należeć „od niepamiętnych czasów”. Kiedy byłeś młody, nie należałeś do siebie, ale do książąt Kazbeków.

Staruszek jest po prawej stronie. Zgodnie z prawem dolina jest nasza.

Młody traktorzysta. W każdym razie prawa muszą zostać zrewidowane: być może nie są już odpowiednie.

Staruszek jest po prawej stronie. A potem powiedz. Czy ma znaczenie, jakie drzewo rośnie w pobliżu domu, w którym się urodziłeś? Lub jakiego masz sąsiada - czy to naprawdę ma znaczenie? Chcemy wrócić choćby po to, żeby mieć was, rabusiów, za naszych sąsiadów. Znowu możesz się śmiać.

Staruszek po lewej (śmiech). Dlaczego więc nie możesz spokojnie wysłuchać, co twój sąsiad, nasz agronom Kato Vakhtangov, ma do powiedzenia na temat doliny?

Wieśniaczka jest po prawej stronie. Nie powiedzieliśmy jeszcze wszystkiego o naszej dolinie. Nie wszystkie domy zostały zniszczone, ale przynajmniej fundamenty gospodarstwa pozostały.

Przedstawiciel. Możesz liczyć na pomoc rządu - tu i tam, wiesz o tym.

Wieśniaczka jest po prawej stronie. Towarzyszu upoważniony, nie mamy tu handlu. Nie mogę zdjąć twojego kapelusza i założyć inny - ten, mówią, jest lepszy. Może jest lepsza, ale ty lubisz swoją.

Młody traktorzysta. Ziemia nie jest kapeluszem, nie kapeluszem w naszym kraju, towarzyszu.

Przedstawiciel. Spokojnie, towarzysze. Zgadza się, przydział ziemi należy traktować raczej jako narzędzie, które wytwarza użyteczne rzeczy, ale błędem byłoby nie brać pod uwagę faktu, że ludzie są przywiązani do określonego kawałka ziemi. Przed kontynuowaniem dyskusji sugeruję, abyście opowiedzieli towarzyszom z kołchozu Aszchetia, co zamierzacie zrobić z tą doliną.

Staruszek jest po prawej stronie. Zgadzać się.

Stary człowiek po lewej stronie. Zgadza się, niech Kato powie.

Przedstawiciel. Towarzyszu agronom!

Kobieta agronom (wstaje, ma na sobie wojskową tunikę). Towarzysze, zeszłej zimy, gdy tu na przedgórzu toczyły się walki, my partyzanci rozmawialiśmy między sobą, jak po wypędzeniu Niemców przywrócić ogrodnictwo i dziesięciokrotnie powiększyć powierzchnię naszych ogrodów. Zaprojektowałem system nawadniający. Jeśli zbudujemy tamę na górskim jeziorze, zaopatrujemy w wodę trzysta hektarów jałowej ziemi. Wtedy nasz kołchoz mógłby zajmować się nie tylko sadownictwem, ale i uprawą winorośli. Ale projekt opłaci się tylko wtedy, gdy sporna ziemia w dolinie kołchozu Aszchetia trafi w nasze ręce. Oto obliczenia. (Przekazuje przedstawicielowi teczkę.)

Staruszek jest po prawej stronie. Wpiszcie w protokole, że nasz kołchoz zamierza otworzyć stadninę koni.

Młody traktorzysta. Towarzysze, ten projekt powstawał w tych dniach i nocach, kiedy byliśmy zmuszeni mieszkać w górach, kiedy często brakowało nam nabojów i karabinów. Trudno było nawet zdobyć ołówek.

Oklaski z obu stron.

Staruszek jest po prawej stronie. Dziękuję towarzyszom z kołchozu Róży Luksemburg i wszystkim, którzy bronili swojej ojczyzny!

Kolektywni rolnicy podają sobie ręce i przytulają się.

Wieśniaczka po lewej stronie. Chcieliśmy wtedy, aby nasi żołnierze, nasi mężowie i wasi mężowie po powrocie zastali swoją ojczyznę jeszcze bardziej urodzajną.

Młody traktorzysta. Jak powiedział poeta Majakowski: „Chwalę Ojczyznę, która jest, ale trzy razy - która będzie!”

Wszyscy delegaci z prawej strony, z wyjątkiem starca, wstają i wraz z przedstawicielem środka oglądają rysunki agronoma.

Bardzo młody robotnik po prawej (stary mężczyzna po prawej). Nawodnią całą ziemię między wzgórzami, spójrz, Rezo.

Staruszek jest po prawej stronie. Nie ma co oglądać. Już wiedziałem, że projekt będzie dobry. Nie pozwolę na przyłożenie sobie kagańca do piersi.

Przedstawiciel. Nie lufę, tylko ołówek.

Śmiech.

Stary człowiek po prawej stronie (wstaje ponuro i idzie obejrzeć rysunki). Ci rabusie, niestety, dobrze wiedzą, że nie możemy oprzeć się maszynom i projektom.

Wieśniaczka jest po prawej stronie. Rezo Bereshvili, kiedy sam masz nowe projekty, jesteś najbardziej nieznośny ze wszystkich, to wiadomo.

Przedstawiciel. Więc co mam zrobić z protokołem? Czy mogę zapisać, że w swoim kołchozie opowiecie się za oddaniem doliny w związku z tym projektem?

Wieśniaczka jest po prawej stronie. Ja tak. A ty Rezo?

Stary człowiek po prawej stronie (pochylony nad rysunkami). Sugeruję, abyś dał nam kopie rysunków.

Wieśniaczka jest po prawej stronie. W takim razie możesz iść na kolację. Jeśli weźmie rysunki i zacznie je omawiać, problem zostanie rozwiązany. Znam go. Wszyscy tacy jesteśmy.

Delegaci ze śmiechem obejmują się.

Stary człowiek po lewej stronie. Niech żyje kołchoz „Aszchetia”! Życzymy powodzenia w hodowli koni!

Wieśniaczka po lewej stronie. Towarzysze, na cześć naszych drogich gości, delegatów kołchozu Aszchetii i przedstawiciela centrum, zaplanowaliśmy występ z udziałem śpiewaka Arkadego Czcheidze. Spektakl jest związany z naszym pytaniem.

Oklaski. Młody kierowca ciągnika pobiegł za piosenkarzem.

Wieśniaczka jest po prawej stronie. Tylko, towarzysze, aby wasza gra była dobra. Płacimy za to doliną.

Wieśniaczka po lewej stronie. Arkadij Czcheidze zna na pamięć dwadzieścia jeden tysięcy wersetów.

Stary człowiek po lewej stronie. Nauczyliśmy się tego utworu pod jego kierunkiem. Nie jest łatwo zdobyć Arkadego.

Komisja planistyczna, towarzyszu, powinna dopilnować, żeby częściej odwiedzał nas na północy.

Przedstawiciel. Bardziej interesuje nas ekonomia.

Staruszek po lewej (uśmiecha się). Robisz porządek w dystrybucji traktorów i winorośli. Dlaczego nie ingerujecie w dystrybucję piosenek?

Młody kierowca ciągnika wprowadza do kręgu piosenkarza Arkadego Czcheidze, krępego mężczyznę o najzwyklejszym wyglądzie. Za nim czterech muzyków ze swoimi instrumentami. Artyści są oklaskiwani.

Młody traktorzysta. To jest towarzysz przedstawiciel, Arkady.

Piosenkarz pozdrawia otaczających go kołchozów.

Wieśniaczka jest po prawej stronie. To dla mnie wielki zaszczyt cię poznać. Słyszałem o twoich piosenkach, kiedy byłem w szkole.

Piosenkarz. Tym razem pokażemy przedstawienie z piosenkami, w którym bierze udział prawie cały kołchoz. Mamy ze sobą stare maski.

Staruszek jest po prawej stronie. Może to jakaś stara legenda?

Piosenkarz. Bardzo stary. Nazywa się to „kręgiem kredowym”, jego ojczyzną są Chiny. Ale zagramy to w zmodyfikowanej formie. Yura, pokaż mi maski. Towarzysze, to dla nas wielki zaszczyt przemawiać do was po tak trudnej dyskusji. Mamy nadzieję, że zgodzicie się, że głos starego poety i ryk traktora nie są przeszkodą. Mieszanie różnych win może nie nadawać się dobrze, ale stara i nowa mądrość tworzą doskonałą mieszankę. Myślę jednak, że przed rozpoczęciem spektaklu wszyscy będziemy nakarmieni? To pomaga, wiesz.

Wszyscy dobrze się bawią.

Przedstawiciel (odnosząc się do piosenkarza). Jak długa jest ta historia, Arkady? Muszę dziś wieczorem wrócić do Tbilisi.

Piosenkarz (mimochodem). Właściwie są tu dwie historie. Kilka godzin.

Przedstawiciel (bardzo szczery). Nie może być krócej?