Г. Ломакин(1811-1885). Славата на талантлив учител по пеене дойде при Ломакин рано и бързо се разпространи навсякъде северна столица. Той беше поканен да преподава в много учебни заведения: кадетски, военноморски и пажски корпус, към лицея, театралното училище, юридическото училище (където по това време е учил П. И. Чайковски). В това училище се срещна Г.Я. Ломакин с изкуствовед В.В. Стасов. Изключителният руски критик многократно е отбелязвал „отличното училище“ на Ломакин, „правилния път на учене“, „вроден талант“, „значение и умение за ръководене на хора“, които изиграха значителна роля в кариерата на нашия сънародник. През 1862 г. заедно с известен композитор M.A. Балакирев, Ломакин организира безплатно музикално училище - за да просвети и образова народа. В училище G.Ya. Ломакин не само създаде прекрасен нов хор, но и успя да организира обучението на бъдещи учители по музика. Много от неговите ученици станаха известни музиканти: певци, хорови диригенти, преподаватели. Последните годиниГавриил Якимович посвети живота си на композирането: преди това можеше да композира музика само на пристъпи, през кратки часове почивки между часовете с хорове. През този период той създава редица композиции за хора, написва няколко романса. И през 1883 г., когато М.А. Балакирев, Ломакин също получи рядка възможност да публикува своите произведения. Той посвещава последните дни от живота си на тяхното преразглеждане и редактиране на пробни листове.
А. Архангелски (1846-1924)
Съдебен параклис.
Независим хор (1880).
Параклисът на граф Шереметьев.
C.V. Смоленски (1848-1909)
Директор на Синодалното училище (1889-1901).
Директор на придворния хор (1901-1903).
Директор на частни курсове за регентство (Санкт Петербург)
СРЕЩУ. Орлов (1856-1907).
Хор на Руското хорово дружество (1878-1886).
Параклис на Руското хорово дружество (1882-1888).
Регент на Синодалния хор (1886-1907).
Александър Дмитриевич Касталски (1856-1926).
Синодален хор (регент от 1901 г.).
Павел Григориевич Чесноков (1877-1944).
Частен духовен хор A.P. Каютова.
Хор на Руското хорово дружество (1916-1917).
Регент на московските църкви.
Николай Михайлович Данилин (1856-1945).
Синодален хор (1910-1918).
Частен хор Каютов (1915-1917).
Ленинградски академичен параклис.
Държавен хор на СССР.
Свешников Александър Василиевич(1890-1980), хоров диригент, Народен артистСССР (1956), Герой Социалистически труд(1970). През 1936-37г художествен ръководителДържавен хор на СССР, организиран на базата на създадения през 1928 г. Всесъюзен радио вокален ансамбъл; през 1937-1941 г. - Ленинград. параклиси; от 1941 г. - Държавен хор на руската песен (по-късно Държавен академичен руски хор на СССР). Организатор (1944) и директор на Москва. хорово училище (от 1991 г. Академия за хорово изкуство на името на С.). Професор (от 1946), ректор (1948-74) Москва. консерватория. Държавна награда на СССР (1946 г.).
ЮРЛОВ Александър Александрович (1927-73),хоров диригент, народен артист на РСФСР (1970), Азербайджан. SSR (1972). Ученик А.В. Свешников. От 1958 г. художествен ръководител и главен диригент на Реп. Руски хор параклис(от 1973 г. неговото име). Професор по музикална пед. институт. Гнесини (от 1970 г.). Държавна награда на СССР (1967 г.).
ТевлинБорис Григориевич хоров диригент, професор (1981), ръководител на катедрата хорово дирижиранеМосковска държавна консерватория на името на П. И. Чайковски (1993-2007). Народен артист на Руската федерация (1995).
КазачковСемьон Абрамович (1909-2005) - учител, професор, ръководител на катедрата по хорово дирижиране в Казанската държавна консерватория.
МининВладимир Николаевич (р. 1929), хоров диригент, народен артист на СССР (1988). Студентът В.Г. Соколова, А.В. Свешников. От 1972 г. ръце. основана от него Москва. камерен хор, от 1987 г. (същевременно) художествен ръководител на Държавния. Руски хор. От 1978 професор (през 1971-79 ректор) Музикално-пед. институт. Гнесините. Държавна награда на СССР (1982 г.).
ДмитрякГенадий Александрович - хоров и оперен и симфоничен диригент, заслужил артист на Русия, художествен ръководител и главен диригент на Държавния академичен хор на Русия на името на А.А. Юрлов и Капела „Московски Кремъл“, доцент на катедрата по хорово дирижиране на Руската музикална академия. Гнесиних.
Изисквания за диригент на хор
Отлично владеене на диригентската техника;
Да умее правилно да разпределя членовете на хора на части в съответствие с техните пеещ гласи обхват;
Лесно навигирайте в цялото разнообразие от музикални произведения от различни стилове, епохи, посоки, познавайте теоретичните основи на записа и четенето хорови партитури;
Имайте тънки ухо за музика, чувство за ритъм и развит художествен вкус.
Жанрове хорова музика
ВИЛАНЕЛА(Италианска селска песен) - италианска песен от 15-16 век, предимно 3-гласна, с пар ал. движение на гласове, жив характер, лирично или хумористично съдържание.
КАНОН(гръцка норма, правило) - полифоничен. музикален. базирана на формата. на строго непрекъснато, имитация, при което. гласовете повтарят мелодията на водещия глас, влизайки преди да завърши с предишния. Канонът се отличава по броя на гласовете, интервалите между тях (Канон в прима, квинта, октава и т.н.), броя на темите, имитирани едновременно (прост канон; двоен, например в № 4 от Реквиема на Моцарт, и др.), формата на имитация (Канон в увеличаване, намаляване). В така наречения безкраен канон краят на мелодията преминава в нейното начало, така че гласовете могат да влизат отново произволен брой пъти. В канона с „променлив индикатор” (Вл. Протопопов) по време на подражанието мелодичният образец и ритъм се запазват, но интервалът се променя. Каноничната имитация, в една или друга форма, често се използва в хор. оп.; има пиеси, написани под формата на К. („Ехо“ от О. Ласо, „Песен за чучулигата“ от Ф. Менделсон, аранж. Н. А. Римски-Корсаков „Вървя с безделник“ и др.).
КАНТ(от lat, cantus - пеене, песен) - вид стара хорова или ансамблова песен капачка. Възникнала през 16 век. в Полша, по-късно - в Украйна, от 2-ри пол. 17 век - в Русия, като стана широко разпространен като ранен тип градска песен; до началото 18 век - любим жанр на домашната, ежедневна музика. Отначало кантът е химн-песен с религиозно съдържание, по-късно е пропит със светски теми; се появяват ръбове. лирически, пасторални, питейни, комични, маршови и пр. В епохата на Петър Велики се появяват панегиричните песни, т.нар. viva; изпълнявани от хорове на певци по време на празненства и триумфални шествия, придружени от топовен огън, фанфари и камбанен звън. Стилни знациканта: куплетна форма, подчинение на музикалния ритъм на поетиката; ритмична яснота и плавност на мелодията; основно 3-гласов склад с паралелно движение на 2-те горни гласа, басът често е мелодично развит; има и имитация. В канта има естествена корелация на мелодия и хармония, баланс хармонични функции- субдоминанти, доминанти, тоници. Б. Асафиев посочва, че „в еволюцията на музиката от втората половина на XVIII и началото на XIXв кантът става вид кратка енциклопедиятриумфален хомофоничен стил" (" музикална формакато процес”, Л., 1963, с. 288). Канти се разпространяват в ръкописни сборници, без да се посочват авторите на текста и музиката, въпреки че често се използват стихотворения на съвременните поети Тредиаковски, Ломоносов, Сумароков и др. Първата обр. нар. песни. Постепенно кантът се усложни, придобивайки черти на романтика. По-късно (през 19 век) на основата на кант се създават войнишки, питейни, студентски и отчасти революционни песни. Влиянието на Кант се среща и в руския език. класическа музика, на Глинка ("Слава" от операта "Иван Сусанин") и др.
КАНТАТА(италиански cantare - да пея) - произведение за певци-солисти, хор и оркестър, тържествен или лирико-епичен характер. Кантатите могат да бъдат хорови (без солисти), камерни (без хор), със или без акомпанимент на пиано, в едно движение или да се състоят от няколко завършени номера. От ораторията (подобна на нея по изразни средства) кантатата обикновено се отличава с по-малкия си размер, еднообразието на съдържанието и по-слабо развит сюжет. Кантатата възниква в Италия (17 век), първо като пиеса за пеене (за разлика от сонатата). Това означава, че кантатата заема своето място в творчеството на Й. С. Бах, който пише кантати на духовни, митологични и битови теми. В Русия кантата се проявява през 18-ти век и достига своето развитие през 19-ти и 20-ти век: солова театрална кантата („Черният шал“ от Верстовски), поздравителни, юбилейни, лирически, лирико-философски канти („Прощални песни“ на учениците от Екатеринински и Смолни институт“ от Глинка; „Москва“, „До радост“ от Чайковски; „Свитезянка“ от Римски-Корсаков; „Йоан Дамаскин“, „След четене на псалма“ от Танеев; „Пролет “, „Камбаните” от Рахманинов; „Кантата за откриване на паметника на Глинка” от Балакирев и др. г.).
Жанрът кантата е развит в творчеството съветски композитори, особено в писания за исторически, патриотични и модерна тема(„Александър Невски” от Прокофиев, Симфония-кантата „На Куликово поле” от Шапорин, „Кантата за родината” от Арутюнян и др.). Модерен немски композиторК. Орф пише сценични кантати (Кармина Бурана и др.).
МАДРИГАЛ(Италиански) - лирическа песенна роден език. (за разлика от песнопенията на лат., ез.), първоначално монофоничен. В епохата ранен ренесанс(XIV в.) се изпълнява на 2-3 гласа. В епохата късен Ренесанс(16 в.) заема център, място в светската музика, представляваща едночастна или многогласна вокална композиция на полифоничен склад за 4-5 гласа; се разпространява извън Италия. Жанрът мадригал е предимно лиричен, тясно свързан с поетическия текст (до илюстрацията на отделни думи). Формиран в аристократичните среди, мелодичният мадригал (за разлика от фротола, виланела, шансон и др.) е далеч от народната музика, често твърде изтънчен; в същото време той имаше и прогресивно значение, разширявайки обхвата на образите и изразните средства. По-прост, свързан с фолклора, емоционален английски мадригал от 16-17 век. (Т. Морли, Д. Дауланд, Д. Уилби). До 17 век мадригалът се отклонява от вокално полифоничния стил, като набляга на соловия глас с инструментален съпровод. Изключителни майстори на мадригала (на различни етапи от неговото развитие) са Аркаделт, Виларт, А. Габриели, Палестрина, Маренцио, Джезуалдо, Монтеверди.
МОТЕТ(от френски mot - дума) - вокален жанр. полифоничен. музика. Първоначално във Франция (12-14 век) няколко бяха комбинирани в мотет. (най-често 3) самостоятелни мелодии с различни текстове: в долния глас (тенор) - църковен. песнопение на латински текст, в средата (мотет) и горната част (triplum) - любовни или комични песни на разговорен език Френски. Католическата църква се бори срещу подобни „вулгарни мотети“, като ги противопоставя (от 15 век) с полифонични химни на един-единствен латински текст. За хора са написани мадригали с капачка. (от края на 16 век и със съпровод), се състои от няколко (2, 3 или повече) раздела, в полифоничен, често в акордов склад. През 17 век имаше мотети за солови певци с инструментален съпровод.
ОПЕРЕН ХОР- един от основните компоненти на съвременния оперен спектакъл. Във връзка с епохата, жанра, индивидуалността на композитора, хорът в операта играе различна роля от създаване на домашен фон, декоративен елемент, участник в пролога, интермедии към гл. действащо лице. В opera seria ("сериозна опера", 17-18 век) хорът почти липсваше, в opera buffa ("комична опера", 18 век) се появяваше спорадично (например на финала). Засилва се ролята на хора като носител на образа на народа в оперите на Глук и Херубини, макар че често хорът е. сцените в тях имат ораторно-статичен характер. По-голямо драматично значение придава хорът в западноевропейските опери от първата третина на 19 век от Росини (Уилям Тел), Верди (Набуко, Битката при Леняно) с техните образи на героичния народ; в операта на Майербер участието на хора подчертава драматични кулминации.В лирическата опера от 19 век. хорът допринася за създаването на подходяща атмосфера, национален колорит, настроение (оп. Бизе, Верди, Гуно); в народно-битовата опера хоровете са с жанрово естество, близки до народната песен, танц (оп. Монюшко, Сметана). рус. светското хорово изкуство за първи път е представено от оперни хорове (18 век, оп. Фомин, Пашкевич и др.); и в други хоровезаемат голямо място в руски. опери, които са „крайъгълен камък догмата и утвърждаване на народност и демокрация” (Б. Асафиев). Оперно и хорово творчество рус. композитори е изключително разнообразна.
В историко-патриотичните опери („Иван Сусанин“ от Глинка, „Княз Игор“ от Бородин, „Псковската девойка“ от Римски-Корсаков и др.) хорът става основен актьорзаедно с героите. особено ( голямо значениезакупи хора фолклорни музикални драмиМусоргски („Борис Годунов“, „Хованщина“), където образът на народа е представен по много начини, в развитие. В руските ежедневни опери от Верстовски ("Асколдов гроб"), Даргомижски ("Русалка"), Серов ("Вражеската сила"), Чайковски ("Черевички", "Чародницата") и др., има тясна връзка с народна песен. Националната идентичност е отразена в хоровите сцени на опери, свързани с ориенталска тематика (Руслан и Людмила на Глинка, Демонът на Рубинщайн, Княз Игор на Бородин и др.). При изобразяването на приказни, фантастични сюжети се използват хорови средства (оп. Глинка, Верстовски, Римски-Корсаков). Хорът се използва и в ораторския план, обикновено в пролога, епилога (опери на Глинка, Серов, Рубинщайн, Бородин и др., при изпълнение на химни и др. („Орлеанската дева“ от Чайковски, „Хованщина ” от Мусоргски и др.). Традициите за активно участие на хора в руската класическа опера са продължени и в съветската музикално творчество: опери на руски съветски композитори "Война и мир", "Семьон Котко" от Прокофиев, "Декабристи" от Шапорин, "Катерина Измайлова" от Шостакович, "Емелян Пугачов" от Ковал, " Тих Дон” и „Преобърната девствена почва” от Дзержински, „Октомври” от Мурадели, „Виринея” от Слонимски и др. национални оперисъдържат отделни хорове и развити хорови сцени. Оперният хор има свои специфики на изпълнение: това е преди всичко голяма яркост, изпъкналост на нюансите (подобно на декоративен дизайн), акцент върху текста, способността му да „лети през оркестъра“ в аудитория. Тъй като оперният хор често е в движение, е необходимо специално доверие и независимост на всеки от неговите членове. За да развият тези качества, в някои групи певците научават синхронизиране, когато изучават своите партии. Наличието на мизансцени, в които хорът не вижда диригента, налага т.нар. предавания (диригентски темп), водени зад кулисите от хормайстори; в същото време, за да се постигне синхрон на изпълнението, се прави малко олово към "точките" на диригента (повече или по-малко, в зависимост от дълбочината на хора).
ОРАТОРИЯ(от лат, уау - казвам, моля се) - основно музикално произведение за хор, солисти, орк .; комп. от вокални ансамбли, арии, речитативи, завършени оркестрови номера., ораторията възниква в Италия, в началото на 16-17 век, почти едновременно с кантатата и операта и е близка по структура до тях. От кантатата се отличава с по-големия си размер, детайлността на сюжета, епично-драматичния характер, а от операта – с преобладаването на повествователния елемент над драматичния, развитие. Ораторията се развива от драматизирани възхвали (духовни хвалебни химни), изпълнявани в специални зали на църквата - оратории. Особен вид оратории са Страстите; по структура и вид ораторията включва още меса, реквием, Стабат матер и др. Ораториалният жанр достига своя връх в творчеството на Бах и особено на Хендел, който създава типа юнашко-епична оратория; Ораториите на Хайдн се отличават с жанрово-битови и лирико-философски черти. През 19 век прод. Жанрът на ораторията е създаден от Менделсон, Шуман, Берлиоз, Брамс, Дворжак, Лист, Верди и други; през 20 век. - Хонегер, Бритън и др. Първият означава руската оратория "Минин и Пожарски" от Дегтярев; редица оратории са създадени от А. Рубинщайн („Вавилонско разтърсване”, „Изгубеният рай” и др.). В оперите на руската класика техниките в ораториален стил са широко използвани под формата на големи хорови сцени (Иван Сусанин, Руслан и Людмила от Глинка, Юдит на Серов, Княз Игор на Бородин, Садко на Римски-Корсаков и др.). Жанрът на ораторията се използва широко от съветските композитори при въплъщаване на исторически и съвременни теми („Емелян Пугачов“ от Ковал, „Легенда за битката за руската земя“ от Шапорин, „Песен на горите“ от Шостакович, „На стража“ за мир“ от Прокофиев, „Реквием“ от Кабалевски, „Махагон „Зарина“ и др.).
ПЕСЕН- най-простата и разпространена форма вокална музика, който съчетава поетичния образ с музикалния. Характерно за песента е наличието на цялостна, самостоятелна, мелодична мелодия, простота на структурата (обикновено точка или 2-, 3-частна форма). Музиката на песента съответства на общото съдържание на текста, без да го детайлизира (например в много разпространена куплетна песен). Има народни и професионални (продуцирани от композитори) песни, които се различават по жанр, произход, структура и т.н. Жанрът на хоровата песен е често срещан: народна песен(селска и градска), съветска масова песен, отп. хорове на руски и съветски композитори. В западноевропейската музика хоровата песен се култивира от композитори-романти (Вебер, Шуберт, Менделсон, Шуман, Брамс). В преносен смисъл терминът песен. или песен (за да се подчертае епичната, тържествената, поетическата възвишеност на произведението) се използват в заглавията на основните музикални произведения, кантати (например „Песен на съдбата“ на Брамс, „Песен на триумфа“).
ХОРОВ- религиозно песнопение в католическата и протестантската църкви. Протестантският полифоничен хорал (въведен през 16 век от водачите на Реформацията) е изпълнен от цялата общност на Немски(противопоставено на унисонния григориански напев, който се пее на латински от специални мъже певци). Мелодиите на хорала се отличават със заседнал ритъм. Обикновено се нарича хоров склад (или просто хорал). представяне на акорда чрез еднакви продължителности в бавно движение.
Цикъл от концертни програми(Русия, 2010 г.). 10 броя.
В модерното няма по-авторитетни фигури музикална култураотколкото представители на световния диригентски елит. Създателите на цикъла са избрали десет значими имена - Саймън Ратъл, Лорин Маазел, Даниел Баренбойм, Марис Янсонс, както и техните известни руски колеги, . Днес те са всепризнати майстори и ръководители на най-големите оркестри.
Всяка програма е базирана на изпълнението на един от посочените маестро с неговия оркестър.
Солисти: цигуларите Вадим Репин и Сергей Крилов, обоист Алексей Уткин, пианист Денис Мацуев и др.
Програмата е най-разнообразна – от I.S. Бах към А. Шьонберг и А. Пярт. Всички произведения са сред шедьоврите на световната музика.
Водещ на цикъла е пианистът Денис Мацуев.
1-во издание. .
Солистът Вадим Репин.
Програма: И. Стравински. Симфония в три движения; М. Брух. Концерт за цигулка № 1 в соль минор; Л. Бетовен. Симфония № 7.
2-ри брой. Владимир Федосеев и Болшой симфоничен оркестър. P.I. Чайковски.
Програма: Л. Бетовен. Симфония № 4.
Записано в Златната зала на Musikverein във Виена.
3-то издание. „Марис Янсонс и Симфоничният оркестър на Баварското радио“.
Програма: Р. Вагнер. Въведение и „Смъртта на Изолда” от операта „Тристан и Изолда”; Р. Щраус. Сюита от валсове от операта "Der Rosenkavalier".
4-ти брой. „Даниел Баренбойм и оркестърът на западно-източния диван“.
Програма: V.A. Моцарт. Концерт № 7 фа мажор за три пиана и оркестър. Солисти - Даниел Баренбойм, Яел Карет, Карим Саид. А. Шьонберг. Вариации за оркестър. Г. Верди. Увертюра към операта „Силата на съдбата”.
5-то издание. „Владимир Спиваков и Националния филхармоничен оркестър на Русия.
Сергей Прокофиев. Концерт № 3 за пиано и оркестър. Симфония No 1 „Класическа”. Солист Денис Мацуев. Записване в Голяма залаМосковската консерватория през 2008 г.
6-то издание. „Лорин Маазел и симфоничният оркестър на Артуро Тосканини“
Програма: Джакино Росини. Увертюра към операта „Италианец в Алжир”; Йоханес Брамс. Симфония № 2.
Записано в Голямата зала на Московската консерватория.
7-ми брой. Юрий Темирканов и Академичния симфоничен оркестър на Филхармонията в Санкт Петербург. Д.Д. Шостакович.
8-мо издание. Юрий Башмет и камерен ансамбъл"Солисти на Москва".
Програма: Йозеф Хайдн - Концерт за виолончело и оркестър. Солист Стивън Исерлис (Великобритания), Николо Паганини - 5 каприса (аранж. Е. Денисов за цигулка и камерен оркестър). Солист Сергей Крилов (Италия); V.A. Моцарт - Дивертименто №1.
Запис в БЗК.
9-то издание. Михаил Плетнев и Руският национален оркестър
Руският национален оркестър ще изпълни сюита от балета на П.И. Чайковски" Лебедово езеро", съставено от Михаил Плетнев. Запис в Държавния академичен Болшой театър на Русия като част от Големия фестивал RNO, 2009 г.
10-то издание. Валери Гергиев и Симфоничния оркестър на Мариинския театър
Симфоничният оркестър на Мариинския театър с диригент Валери Гергиев изпълнява оркестрови хитове - увертюри от опери на Росини, Верди, Вагнер, валсове от балети на Чайковски, фрагменти от Ромео и Жулиета на Прокофиев.
Съветската епоха беше щедра на таланти. Имената на блестящи съветски пианисти, цигулари, виолончели, певци и, разбира се, диригенти са влезли в историята на световната култура. По това време се формира модерна представа за ролята на диригента – ръководител, организатор, майстор.
Какви бяха те, музикални ръководители съветска епоха?
Пет портрета от галерията на изключителни диригенти.
НИКОЛАЙ ГОЛОВАНОВ (1891–1953) 
Още на шестгодишна възраст, по време на разходка, Николай се опита да дирижира военен оркестър. През 1900 г. младият любител на музиката е приет в Синодалното училище. Тук се разкриха неговите вокални, диригентски и композиторски способности.
Станал вече зрял майстор, Голованов с голяма любовпише за годините на обучение: „Синодалното училище ми даде всичко – нравствени принципи, принципи на живот, способност да работя усилено и системно, насади свещена дисциплина”.
След няколко години работа като регент, Николай влезе в класа по композиция на Московската консерватория. През 1914 г. го завършва с малък златен медал. През целия си живот Николай Семенович пише духовни песнопения. Той продължи да работи в този жанр дори когато религията беше провъзгласена за „опиум на народа“.
Фрагмент от изпълнението на увертюрата на Чайковски "1812"
През 1915 г. Голованов е приет в Болшой театър. Всичко започва със скромна позиция като помощник-хормайстор, а през 1948 г. става главен диригент. Отношенията с известния театър не винаги бяха гладки: Николай Голованов трябваше да понесе много обиди и разочарования. Но не те останаха в историята, а брилянтни интерпретации на руската опера и симфонична класика, ярки премиерикомпозиции на съвременни композитори и първите радиопредавания на класическа музика в СССР с негово участие.
Диригентът Генадий Рождественски си спомня майстора така: „Той не издържа на средата. Безразличен среден. И в нюанси, и във фрази, и по отношение на случая.
Въпреки че Голованов няма студенти-диригенти, неговите интерпретации на руска класика стават образци за млади музиканти. Александър Гаук е предопределен да стане основател на съветската диригентска школа.
АЛЕКСАНДЪР ГАУК (1893–1963) 
Александър Гаук учи в Петроградската консерватория. Учи композиция в класа на Александър Глазунов, дирижиране - в класа на Николай Черепнин.
През 1917 г. започва музикално-театралния период от живота му: той работи в Петроградския театър за музикална драма, а след това в Ленинградския театър за опера и балет.
През 30-те години на миналия век симфоничната музика е в центъра на интересите на Гаук. Няколко години ръководи симфоничния оркестър на Ленинградската филхармония, а през 1936 г. оглавява новосъздадения Държавен симфоничен оркестър на СССР. Театърът не му липсваше, само съжаляваше, че не е имал шанс да постави „Пиковата дама“ на любимия си Чайковски.
А. Онегер
Тихия океан 231
През 1953 г. Гаук става главен диригент на Болшой симфоничен оркестър на Държавното радио и телевизия на СССР. Тази работа беше много интензивна и интересна. Оркестърът свиреше програми, както се казва, в на живо. През 1961 г. маестрото е "учтиво" пенсиониран.
Радост за Гаук беше педагогическа дейност. Евгений Мравински, Александър Мелик-Пашаев, Евгений Светланов, Николай Рабинович - всички те бяха ученици на маестрото.
Евгений Мравински, който вече е известен майстор, ще напише на своя учител в поздравително писмо: „Вие сте единственият ни диригент, който носи традициите на истинска велика култура“.
ЕВГЕН МРАВИНСКИ (1903-1988) 
Целият живот на Мравински беше свързан с Петербург-Ленинград. Той е роден в благородно семейство, но в трудни години трябваше да се занимава с „неблагородни” дела. Например, работа като статист в Мариинския театър. Важна роля в съдбата му изигра личността на ръководителя на театъра - Емил Купър: „Той беше този, който въведе в мен онова „зърно от отрова“, което до края на живота ми ме свърза с дирижьорското изкуство "
Заради музиката Мравински напуска университета и влиза в Петроградската консерватория. Отначало студентът усърдно се занимава с композиция, а след това се интересува от дирижиране. През 1929 г. той идва в класа на Гаук и много бързо усвоява основите на този сложен (или „тъмен“, както казваше Римски-Корсаков) бизнес. След като завършва консерваторията, Мравински става асистент-диригент в Ленинградския театър за опера и балет.
През 1937 г. се състоя първата среща на диригента с музиката на Дмитрий Шостакович. На Мравински е поверена премиерата на своята Пета симфония.
Отначало Шостакович дори се уплаши от метода на работа на диригента: „За всяка мярка, за всяка мисъл Мравински ме направи истински разпит, изисквайки от мен отговор на всички съмнения, които се появиха в него. Но още на петия ден от съвместната ни работа разбрах, че този метод определено е правилният.”
След тази премиера музиката на Шостакович ще се превърне в постоянен спътник в живота на маестрото.
През 1938 г. Мравински печели Първия всесъюзен диригентски конкурс и веднага е назначен за ръководител на Ленинградския филхармоничен оркестър. Много от артистите на оркестъра бяха много по-възрастни от диригента, така че не се поколебаха да му дадат „ценни инструкции“. Но ще мине много малко време, на репетициите ще се създаде работна атмосфера и този екип ще се превърне в гордост на националната култура.
Репетиция на Ленинградския филхармоничен оркестър
Не толкова често в историята на музиката има примери, когато диригентът е работил с една група от няколко десетилетия. Евгений Мравински ръководи филхармоничния оркестър половин век, по-младият му колега Евгений Светланов ръководи държавния оркестър в продължение на 35 години.
Дмитрий Шостакович, Симфония № 8
ЕВГЕНИЙ СВЕТЛАНОВ (1928–2002) 
За Светланов Болшой театър беше роден в особен смисъл на думата. Родителите му са солисти на оперната трупа. Бъдещият маестро направи своя дебют на известната сцена на крехка възраст: той свири малък синЧио-Чио-сан в Мадама Бътерфлай на Пучини.
Почти веднага след като завършва консерваторията, Светланов идва в Болшой театър, овладявайки цялата театрална класика. През 1963 г. става главен диригент на театъра. Заедно с него трупата отива на турне в Милано, в Ла Скала. Светланов изправя пред съда на взискателната публика Борис Годунов, княз Игор, Садко.
През 1965 г. той оглавява Държавния симфоничен оркестър на СССР (същият, който някога е ръководен от неговия учител Александър Гаук). Заедно с този екип, който става академичен през 1972 г., Светланов реализира мащабен проект - „Антология на руската симфонична музикав грамофон." Значението на тази работа беше много точно определено от музикалния директор на Радио Франс Рене Гьоринг, който работи много с диригента: „Това истински подвигСветланов, още едно доказателство за неговото величие.
М. Балакирев, симфония No 2, финал
Работейки с GASO, диригентът не забравя за Болшой театър. През 1988 г. постановката „Златният петел” (реж. Георги Ансимов) се превръща в истинска сензация. Светланов покани "неоперния" певец Александър Градски в суперсложната част на Астролога, което придаде още повече оригиналност на представлението.
Концерт "Хитове на отминалия век"
Сред най-важните постижения на Евгений Светланов е въведението широк обхватслушатели на музика изключителен композиторНиколай Мясковски, много рядко изпълняван от съветски оркестри.
Завръщането на концертната сцена на малко известни композиции се превърна в една от ключовите задачи за маестро Генадий Рождественски.
ГЕНАДИЙ Рождественски (роден през 1931 г.) 
Диригентите, които свирят на инструменти или композират музика, не са рядкост. Но рядко се срещат диригенти, които могат да говорят за музика. Генадий Рождественски е истински уникален човек: той може да разкаже и да пише за него музикални произведенияразлични епохи.
Рождественски учи дирижиране при баща си, известния диригент Николай Аносов. Мама, певицата Наталия Рождественская, направи много, за да развие артистичния вкус на сина си. Все още не е завършил консерваторията, Генадий Рождественски е приет в Болшой театър. Дебютът му е „Спящата красавица“ на Чайковски. През 1961 г. Рождественски ръководи Големия симфоничен оркестър на Централната телевизия и радиоразпръскване. По това време се появяват и репертоарните предпочитания на диригента.
Той овладява музиката на 20-ти век с голям интерес, а също така запозна публиката с „нехитовите“ композиции. Музикологът, доктор по история на изкуството Виктор Зукерман признава в писмо до Рождественски: „От дълго време исках да изразя дълбоко уважение и дори възхищение от вашата безкористна, може би дори аскетична дейност при изпълнение на незаслужено забравени или малко известни произведения.
Творчески подход към репертоара определи работата на маестрото с други оркестри – известни и не толкова, младежки и „възрастни“.
Всички амбициозни диригенти мечтаят да учат при професор Рождественски: от 15 години той е ръководител на катедрата по оперно и симфонично дирижиране в Московската консерватория.
Професорът знае отговора на въпроса „Кой е диригент?“: „Това е среда между автора и слушателя. Или, ако желаете, някакъв филтър, който пропуска потока, излъчван от партитурата, през себе си и след това се опитва да предаде това на публиката.
Филмът "Триъгълници на живота"
(с фрагменти от изпълненията на диригента), в три части
Публикации в музикалния раздел
С махването на ръка
Валери Гергиев. Снимка: Михал Долежал / ТАСС
Топ 5 на руските диригенти.
Валери Гергиев
Веднъж служителите на авторитетно списание за класическа музика се заеха да разберат кога спи маестро Гергиев. Сравнявахме графици на турнета, репетиции, полети, пресконференции и гала приеми. И се оказа: никога. Оказва се, че той също не яде, не пие, не вижда семейството си и, разбира се, не почива. Е, в работоспособността - ключът към успеха. Това е единственият начин да станете един от най-търсените и популярни диригенти в света – какъвто е Валери Гергиев.
На 7-годишна възраст Валера е доведена от родителите си в музикално училище. Момчето изглеждаше много загрижено и продължаваше да гледа през прозореца. Все пак той се разсея от футбола и там нашите губят! След като изслуша, учителят се обърна към майка си: „Струва ми се, че той няма слух. Може би той ще стане Пеле... „Но майчино сърценяма да изневериш. Тя винаги е знаела, че нейният Валера е гений и се е погрижила той да бъде приет в музикално училище. Месец по-късно учителят върна думите му. триумф млад музикант, който замина от Владикавказ за Ленинград, в консерваторията, беше победата на конкурса Херберт фон Караян - най-престижния от всички. Оттогава Гергиев знае цената на победите - и, доколкото може, се грижи за младите и талантливи музикантикоито са наблизо.
На 35 години той е художествен ръководител на Мариинския театър! Немислимо: огромен колос с две трупи - оперна и балетна - и отличен симфоничен оркестър, наследен от Юрий Темирканов, е на ваше разположение. И можете да пускате всякаква музика, която искате. Дори Вагнер, толкова обичан от Гергиев. Валери Абисалович ще постави Der Ring des Nibelungen в своя театър - и четирите опери се въртят четири вечери подред. Днес само Мариинският театър може да го направи.
Но мълчаливото съревнование с Москва все още продължава. Построена е нова сцена за Болшой, затворена за реконструкция - а Гергиев строи нова в Санкт Петербург концертна зала, без нито една държавна стотинка (Мариински-3), след това - луксозен нова сценаМариински-2.
Гергиев завладява Москва сериозно и дълго в началото на 2000-те, когато основа великденски празники, разбира се, го водеше. Какво се случи в столицата на Великден! Болшая Никитская беше блокирана от полицията, по пътя към Голямата зала на Консерваторията имаше солидни медийни лица, те не просто поискаха допълнителен билет - те го извадиха от ръцете си за всякакви пари. Московчани толкова копнееха за добри оркестри, че бяха готови да се молят за Гергиев, който със своя оркестър им осигуряваше не само качество - понякога имаше откровения. И така, като цяло, продължава и до днес. Само че сега вече не са няколко концерта, както през 2001 г., а 150 - в цяла Русия и дори извън нейните граници. Голям човек!
Владимир Спиваков. Снимка: Сергей Фадейчев / ТАСС
Владимир Спиваков
Професор Янкелевич подари на талантливия ученик от ЦМУ Володя Спиваков самата цигулка, с която ще направи своята музикална кариера. Инструмент венециански майсторГобети. Тя получи "инфаркт" - дървена вложка на гърдите и производителите на цигулки вярваха, че всъщност не трябва да звучи. Но не и със Спиваков. „Вовочка, добре е да продаваш цигулки с теб: всеки тиган започва да звучи след три минути“, веднъж му казал стар производител на цигулки. Много по-късно, с усилията на съпругата си Сати, Владимир Теодорович ще има желания Страдивариус. Цигуларът Владимир Спиваков покори света с Гобети: той спечели няколко престижни състезания и обиколи всички най-добри сцени на планетата на турне, без да пренебрегва обаче вътрешния край, включително руския - публиката също чакаше там.
Блестящият цигулар покори целия свят. Но в средата на 70-те, в разгара на кариерата си, той започва да изучава професията на диригент. Старейшината на школата по дирижиране Лорин Маазел попита дали не е загубил ума си. Защо му трябва това, щом играе толкова божествено. Но Спиваков беше непреклонен. Неговите страхотен учителЛеонард Бърнстейн е толкова запленен от постоянството и таланта на ученика, че му дава диригентската си палка. Но едно е да се научиш да дирижираш, друго е да намериш екип за това. Спиваков не го търси, той го създава: през пролетта на 1979 г. се появява камерният оркестър „Виртуози на Москва“. Оркестърът бързо стана известен, но преди официалното признаване, музикантите трябваше да репетират през нощта - в кочалки, ЖЕК, в клуба на Военната академия Фрунзе. Според самия Спиваков, веднъж в Томск оркестърът е изнесъл три концерта в един и същи ден: в пет, седем и девет часа. А слушателите донесоха храна на музикантите – картофи, баници, кнедли.
Пътят до Голямата зала на консерваторията за московските виртуози не беше дълъг: да се каже, че оркестърът е популярен, не е достатъчно, само суперлатив. По примера на своя фестивал във френския Колмар, той организира фестивал в Москва, където кани световни звезди. До творческите сили се появи още една линия - благотворителна, фондация Спиваков знае как да намира и подкрепя таланти, а стипендиантите се състезават само със себе си (един от първите беше Евгений Кисин).
През 2000-те Владимир Теодорович създава друга група - Националния филхармоничен оркестър на Русия. Базиран в Москва международна къщамузика, чийто президент е Владимир Спиваков.
Юрий Башмет. Снимка: Валентин Барановски / ТАСС
Юрий Башмет
Ето един човек с щастлива съдба. Той, като Юрий Гагарин, е първият. Разбира се, той не се носи в лимузина с отворен покрив по улиците на нашата столица и всички други столици по света, не го наричат по улиците и площадите. Въпреки това... Музикалните училища са кръстени на него, а ентусиазираните фенове по целия свят положиха в краката му, може би милион алени рози - или дори повече.
Знаеше ли той, когато премина от цигулка на виола в Централното музикално училище в Лвов, че този инструмент, който досега се смяташе за непретенциозен, ще прослави? И Бийтълс са виновни за всичко. Може да се каже, че те дадоха на света и виолата, и Башмет. Като всеки тийнейджър, той се увлече - дотолкова, че направи своя група и тайно се изявява по празниците от родителите си. И тогава той не знаеше как да признае, че има пачка банкноти с големи номинали, скрити, докато майка ми харчеше по една на месец.
След Централното музикално училище в Лвов той влезе в Московската консерватория, отиде на първото чуждестранно състезание - веднага замахна на престижния ARD в Мюнхен (а нямаше други на виола) и спечели! Мислите ли, че кариерата му е започнала тук? Просто не вкъщи. В Голямата зала на Консерваторията той свири соло, когато неговата виола вече звучи в Ню Йорк, Токио и на европейски сцени. В Москва наблюдаваха субординация: „Как да ви дадем зала, когато имаме почтени и популярни хора в нашия персонал?“ (Нямаше значение, че бяха членове на оркестъра.)
Не искате да пуснете със солови програми? Ще създам оркестър. Феновете и почитателите пътуваха из цяла Русия за московските солисти, това беше едно от най-добрите камерни оркестриСССР. И тогава – звукът на виолата е чут от композитори, които по щастлив случай (XX век!) търсят нови изразни средства. Те създадоха идол за себе си и публиката, започнаха да пишат нови и нови опуси за виола. Днес има десетки произведения, посветени на него, а страстта на композитора не спира: всеки иска да пише за Башмет.
Юрий Башмет днес ръководи два оркестъра ("Московски солисти" и " Нова Русия”), оглавява няколко фестивала (най-известният от тях е Winter, в Сочи), отделя много време на работа с деца: организира майсторски класове и участва в младежки симфоничен оркестър, където, разбира се, най-доброто от най-добрата игра.
Юрий Темирканов. Снимка: Александър Куров / ТАСС
Юрий Темирканов
Предполагаше ли Сергей Прокофиев, че малкото момче, син на шефа на Комитета по изкуствата на Кабардино-Балкария (той се грижеше за московския музикален „десант“ по време на евакуацията), ще стане един от най-добрите диригенти в свят? И освен това, страстен почитател на музиката на самия Прокофиев: за сметка на Юрий Темирканов не само изпълнението на известните партитури на композитора, но и възраждането на забравени. Неговите интерпретации на симфониите на Шостакович или оперите на Чайковски се считат за стандартни, те се ръководят от тях. Неговият оркестър - с дълго име, което разговорно се превърна в "Заслуга" (от почетния екип на Русия - Академичния симфоничен оркестър на Санкт Петербургската филхармония на името на Д. Д. Шостакович), - влезе в класацията на най-добрите оркестри в света .
На 13-годишна възраст Темирканов пристига в Ленинград и свързва съдбата си с този град. Централното музикално училище към консерваторията, самата консерватория, първо оркестровия, след това диригентския, с легендарния Иля Мусин. Кариерата му се развива бързо: след консерваторията той дебютира в Малкия оперен театър (Михайловски), в следващата годинаспечели състезанието и отиде на турне - в Америка - с Кирил Кондрашин и Давид Ойстрах. След това оглавява Ленинградския филхармоничен оркестър и през 1976 г. става главен диригент на Кировския театър. Където създава същите референтни интерпретации на оперите на Чайковски и поставя една от тях - Пиковата дама. Между другото, Валери Гергиев наскоро възстанови тази постановка и я върна на сцената на Мариинския театър. През 1988 г. това е особената гордост на диригента: той е избран - а не назначен "отгоре"! - главен диригент на самата "Заслуга", а след това и художествен ръководител на Филхармонията в Санкт Петербург.
Алгис Журайтис. Снимка: Александър Косинец / ТАСС
Алгис Журайтис
Народният артист на Русия, лауреат на Държавната награда на СССР Алгис Журайтис е живял 70 години и 28 от тях са работили в най-добрият театърголяма държава - Голяма. Родом от Литва, той завършва Вилнюската консерватория (и по-късно получава друго образование в Московската консерватория) и дебютира в Литовския театър за опера и балет. Талантливият диригент бързо беше забелязан в столицата - и Журайтис получи място в Москва: първо той беше асистент-диригент на Болшой симфоничен оркестър на Всесъюзното радио, след това диригент на Mosconcert и накрая през 1960 г. до Болшой театър.
Журайтис стана известен с работата си с Юрий Григорович: известният хореограф продуцира повечето представления в Болшой с Журайтис, включително легендарния Спартак.
Скандална слава донесе на диригента статията му във вестник "Правда", посветена на експерименталното изпълнение на Алфред Шнитке и Юрий Любимов Пиковата дама: в резултат на публикацията постановката не дочака премиерата, беше забранена . Много по-късно, в своите интервюта, Шнитке ще предположи, че зад появата на тази публикация стои секретарят на ЦК на КПСС по идеология - Михаил Суслов, известен с умелите си интриги.
През последните 20 години диригентът е женен за певицата Елена Образцова. „В един миг се влюбих в Алгис Журайтис. Не разбирам как стана - за една секунда! Връщаха се от турне и се озоваха в едно и също купе... Нямаше провокации и от двете страни. Седнахме и си побъбрихме. И изведнъж между нас пламна искра! И вече не можех да живея без него."
Итай Талгам
Известен израелски диригент и консултант, който помага на лидери от бизнеса, образованието, правителството, медицината и други области да станат "диригенти" на екипите си и да постигнат хармония чрез сътрудничество.
Итай Талгам твърди, че лидерските умения са универсални, а стиловете на общуване на диригент с оркестър в много отношения са подобни на отношенията на шефа със служителите в една компания. Но няма универсален принцип за организиране на такива взаимоотношения. Авторът споделя своите наблюдения за методите на управление на оркестра, наблюдавани от велики диригенти, и ги разделя на шест условни категории.
1. Доминиране и контрол: Рикардо Мути
Италианският диригент Рикардо Мути е внимателен към детайлите и много педантичен в управлението на оркестъра както в репетиции, така и в изпълнения. Всички нюанси на играта са съсредоточени в неговите жестове: той уведомява музикантите за променящия се тон много преди те да трябва да го възстановят. Мути контролира всяка стъпка на подчинените си, никой и нищо не остава без вниманието му.
Тоталният контрол се дължи на факта, че самият диригент изпитва натиск от висшето ръководство: борда на директорите или постоянно присъстващия дух на великия композитор. Такъв лидер винаги е обект на осъждане от безмилостното супер-его.
Доминиращият лидер е нещастен. Подчинените му го уважават, но не го харесват. Това беше особено ясно показано от примера на Mutti. Между него и висшето ръководство на миланците опера"Ла Скала" имаше конфликт. Диригентът очерта исканията си към властите, ако не бъдат изпълнени, той заплаши да напусне театъра. Надяваше се оркестърът да застане на негова страна, но музикантите казаха, че са загубили доверие в лидера. Мути трябваше да се пенсионира.
Мислите ли, че тази диригентска стойка е трон? За мен това е пустинен остров, където цари самотата.
Рикардо Мути
Въпреки това Рикардо Мути се смята за един от най-великите диригенти на 20-ти век. Итай Талгам казва, че на семинарите по управление на персонала повечето студенти казаха, че не биха искали такъв лидер. Но на въпроса: „Ефективно ли е неговото ръководство? Може ли да принуди подчинените да си вършат работата?" Почти всички отговориха утвърдително.
Доминиращият лидер не вярва в способността на служителите да се организират. Той поема пълна отговорност за резултата, но изисква безпрекословно подчинение.
Когато работи
Тази тактика е оправдана при наличие на проблеми с дисциплината в отбора. Авторът дава пример от биографията на Мути и разказва за опита му с Израелската филхармония. Това е прекрасен екип, но стилът на неговата работа се формира на кръстопътя на европейска, средиземноморска и близкоизточна култури. Разнообразието от традиции доведе до липса на формална дисциплина в оркестъра.
В този момент, когато пръчката на Мути замръзна във въздуха в очакване на първите ноти, един от музикантите реши да премести стола си. Чу се скърцане. Диригентът спря и каза: „Господа, аз не виждам думите „стол скърца“ в партитурата си. От този момент нататък в залата звучеше само музика.
Когато не работи
Във всички останали случаи и особено когато работата на служителите е свързана с. Стилът на управление на Mutti изключва наличието на грешки и всъщност те често водят до нови открития.
2 Кръстник: Артуро Тосканини
Звездният диригент Артуро Тосканини показа максимално участие в живота на оркестъра на репетиции и на сцената. Той не беше срамежлив в израженията и се скара на музикантите за грешките им. Тосканини стана известен не само с таланта си на диригент, но и с професионалния си нрав.
Тосканини приемаше присърце всеки провал на своите подчинени, защото грешката на единия е грешка на всички, особено на диригента. Той беше взискателен към другите, но не повече от себе си: идваше на репетиции предварително и не иска привилегии. Всеки музикант разбра, че диригентът искрено се тревожи за резултата и не се обижда от обиди за неточно свирене.
Тосканини поиска пълна отдаденост от музикантите и очакваше безупречно изпълнение. Той вярваше в таланта им и беше събиран на концерти. Личеше си колко се гордее със своето "семейство" след успешно представяне.
Важен мотиватор на служителите в такъв екип е желанието да работят добре „за бащата“. Такива лидери са обичани и уважавани.
Когато работи
В случаите, когато екипът е готов да приеме трите основни принципа на семейната култура: стабилност, емпатия и взаимна подкрепа. Също така е важно мениджърът да има авторитет, да е компетентен в своята област и да има професионални постижения. Такъв лидер трябва да бъде третиран като баща, така че той трябва да бъде по-умен и по-опитен от своите подчинени.
Към този принцип на управление често се прибягва, когато екипът преминава през трудни времена. В периода на укрепване на профсъюзите големи компаниивъведе слогани от категорията "Ние сме едно семейство!" Ръководството се стреми да подобри условията на труд, дава възможност на служителите да получават допълнително образование, провежда корпоративни събитияи осигурява на подчинените социален пакет. Всичко това е насочено към мотивиране на служителите да работят в името на властите, които се грижат за тях.
Когато не работи
В някои съвременни организации, където взаимоотношенията между хората понякога са по-важни от формалната йерархия. В такива групи дълбоко емоционално участие не се подразбира.
Подобен принцип на управление изисква не само авторитета и компетентността на лидера, но и способността на подчинените да оправдаят очакванията, които им се поставят. Итай Талгам разказва за опита си от обучението при диригента Менди Родън. Той изискваше много от ученика и възприемаше всеки свой провал като лично поражение. Този натиск, съчетан с псувни, потиска автора. Той осъзна, че такъв учител ще му помогне да получи диплома, но няма да възпита творческа личност в него.
3. Според инструкциите: Рихард Щраус
Авторът казва, че много от мениджърите, присъстващи на неговите семинари, са били само забавни от поведението на Щраус на сцената. Посетителите го избраха за потенциален лидер само на базата на това, че с такъв шеф не можете наистина да се занимавате с работа. Клепачите на диригента са спуснати, самият той изглежда далечен и само от време на време хвърля поглед към една или друга част от оркестъра.
Този диригент не цели да вдъхновява, той само сдържа оркестъра. Но ако се вгледате внимателно, става ясно какво е в основата на такъв принцип на управление - следвайте инструкциите. Щраус не е фокусиран върху музикантите, а върху нотите, дори и оркестърът да свири негово произведение. С това той показва колко е важно стриктно да се спазват правилата и ясно да се изпълнява работата, като не се допускат собствени интерпретации.
Трябва да се разбере, че липсата на интерпретация и откриване в музиката никак не е лоша. Този подход ви позволява да изложите структурата на произведението, да го изиграете по начина, по който авторът е замислил.
Такъв лидер се доверява на подчинените, изисква от тях да следват инструкциите и вярва, че ще могат да ги спазват. Това отношение ласкае и мотивира служителите, те придобиват самочувствие. Основният недостатък на подхода е, че никой не знае какво ще се случи, ако възникне ситуация, която не е посочена в инструкциите.
Когато работи
Този принцип на контрол работи в различни поводи. Понякога е най-удобно за спокойни професионалисти, които са свикнали да работят по буквата на закона. Понякога е просто необходимо да се предоставят на служителите задължителни инструкции, например, когато взаимодействат различни групи подчинени.
Авторът дава пример за опита си с оркестъра и рок групата Natasha's Friends. Проблемът възникна поради факта, че музикантите от групата стигнаха до края на втория час от тричасова репетиция. Бяха сигурни, че нищо няма да ги спре да посветят остатъка от деня на музиката, без да се замислят, че репетициите на оркестъра са подложени на по-строги времеви рамки.
Когато не работи
Принципът на управление, базиран на следване на инструкциите, не работи там, където трябва да се насърчава способността за създаване и създаване на нови идеи. Подобно на абсолютното подчинение на лидера, спазването на инструкциите предполага липса на грешки, водещи до нови открития. Освен това може да лиши служителите от професионален ентусиазъм.
Авторът дава пример от биографията на диригента Леонард Бърнщайн. Израелският филхармоничен оркестър под негово ръководство репетира финала на симфонията на Малер. Когато кондукторът даде сигнал за влизане на месинга, в отговор настъпи тишина. Бърнщайн вдигна очи: някои от музикантите си бяха тръгнали. Факт е, че краят на репетицията беше насрочен за 13:00 часа. Часовникът беше 13:04.
4. Гуру: Херберт фон Караян
Маестро Херберт фон Караян едва отваря очи на сцената и не поглежда музикантите. Той само очаква, че подчинените му сякаш магически обмислят желанията му. Това беше предшествано предварителна работа: диригентът внимателно обясняваше нюансите на играта на репетициите.
Гуруто не даваше времева рамка на музикантите, нито задаваше ритъма, той само слушаше внимателно и предаваше на оркестъра мекотата и дълбочината на звука. Музикантите бяха идеални един за друг. Те самите станаха взаимозависими диригенти и усъвършенстваха уменията си да свирят заедно отново и отново.
Такъв подход говори за арогантността на лидера: той действа, заобикаляйки приетите постулати и винаги е сигурен в успеха. В същото време членовете на екипа са много по-зависими един от друг, отколкото от указанията на ръководството. Те имат право да влияят пряко върху резултатите от работата. Те носят допълнителна отговорност, така че да бъдеш в такъв екип за някои може да бъде психологически труден тест. Този стил на управление е подобен на доминацията на Mutti, тъй като лидерът също е недостъпен за диалог и налага своята визия за организацията на подчинените.
Когато работи
Когато работата на екипа е свързана с творчеството на служителите, например в областта на изкуството. Американският художник Saul LeWitt нае млади художници (общо няколко хиляди), обясни концепции и даде някои насоки. След това подчинените отидоха да създават без контрола на Левит. Той се интересуваше от резултата, а не от подчинението в процеса. Разумен и мъдър лидер, той разбра, че съвместното творчество само обогатява проекта. Това го прави най-излагания художник в света: през целия си живот той прави повече от 500 самостоятелни изложби.
Когато не работи
Във всеки екип уместността на този принцип на управление зависи от много индивидуални фактори. Този подход често води до провал, поради което например Cadbury & Schweppes създадоха код корпоративно управление Cadbury, който описва процедури, предназначени да предпазят компанията от прекомерното его на лидера и да предадат важна информация на всички участници в процеса.
Авторът също разказва предупредителна приказкаот собствен опит. Той искаше да започне работата си със Симфоничния оркестър на Тел Авив с високопрофилна иновация. Итай Талгам раздели струнната секция на квартети и постави духовите инструменти между тях. Той предположи, че по този начин всеки от музикантите може да се почувства като солист. Експериментът се провали: участниците не можеха да общуват, тъй като бяха далеч един от друг, така че играха изключително зле.
5 Водещ танц: Карлос Клайбер
Карлос Клайбер танцува на сцената: изпъва ръце, скача нагоре-надолу, навежда се и се люлее от едната към другата страна. Друг път той ръководи оркестъра само с върха на пръстите си, а понякога просто стои и слуша музикантите. На сцената диригентът споделя радостта си и я умножава. Той има ясна визия за формата и ръководи музикантите, но го прави не като лидер, а като соло танцьор. Той постоянно изисква от подчинените да участват в интерпретациите и не зарежда инструкциите си с подробности.
Такъв лидер управлява не хора, а процеси. Той предоставя на подчинените поле за иновации, стимулира ги да творят сами. Служителите споделят властта и отговорността с лидера. В такъв екип е лесно да поправите грешка и дори да я трансформирате в нещо ново. „Танцуващите“ мениджъри ценят амбициозните служители, предпочитайки ги пред тези, които са в състояние да изпълняват съвестно работата си според инструкциите.
Когато работи
Подобен принцип се прилага, когато обикновен служител може да има по-подходяща информация от шефа. Като пример авторът цитира опита си от работа с агенции за борба с тероризма. Агент в полеви условиятрябва да може самостоятелно да взема решения, като понякога нарушава преките заповеди на командването, защото има най-пълно и актуално познаване на ситуацията.
Когато не работи
Когато служителите не се интересуват от съдбата на компанията. Авторът твърди още, че такъв подход не може да бъде изкуствено наложен. Това ще работи само ако можете искрено да се радвате на успеха на служителите и резултата от работата.
6. Търсене на смисъл: Леонард Бърнщайн
Тайната на взаимодействието на Леонард Бърнстейн с оркестъра се разкрива не на сцената, а извън нея. Диригентът не искаше да разделя емоциите, житейски опити стремежи от музиката. За всеки от музикантите Бернщайн беше не само лидер, но и приятел. Той покани не професионалист, а човек да работи: в неговите оркестри на първо място изпълняват, слушат и композират музика и едва след това подчинени.
Бърнщайн постави пред музикантите основен въпрос: "За какво?" Това беше: той не го принуждаваше да играе, а кара самия човек да иска да играе. Всеки имаше свой собствен отговор на въпроса на Бърнщайн, но всеки еднакво чувстваше участието си в общата кауза.
Когато работи
Диалогът на ръководството със служителите и осмислянето на техните дейности ще бъде от полза за всяка организация, където работата на членовете на екипа не е доведена до набор от подобни действия. Важно условие за това е служителите да уважават лидера и да го считат за компетентен.
Когато не работи
Итай Талгам разказва за ситуация, когато се опитал да приложи метода на Бернщайн, но срещнал само неразбиране от страна на подчинените си. Причината беше, че много от музикантите на Симфоничния оркестър на Тел Авив бяха доста по-възрастни и изобщо не го познаваха. Първата репетиция не мина добре. „Нещо не е наред“, каза Талгам на оркестъра. - Просто не знам какво. Темпо, интонация, нещо друго? Какво мислиш? Какво може да се поправи? Един от по-възрастните музиканти се изправи и каза: „Откъдето сме дошли, диригентът не ни попита какво да правим. Той знаеше какво да прави."
В книгата „Невежият маестро“ Итай Талгам не само говори за принципите на управление на великите диригенти, но и разкрива три важни качестваефективен лидер: невежество, осмисляне на празнотите и мотивационно слушане. Авторът говори не само за това какъв трябва да бъде лидерът, но и за ролята на подчинените в работните комуникации. Няма универсален принцип на управление, всеки ефективен лидер го развива самостоятелно. И можете да научите нещо и да възприемете някои техники от шестте велики диригенти, за които е писано в тази книга.
