Епоха на Просвещението. 18-ти век в историята неслучайно се нарича епохата на Просвещението: научното познание, преди това притежание на тесен кръг учени, надхвърля университетите и лабораториите до светските салони на Париж и Лондон. 18-ти век в историята не случайно се нарича Епоха на Просвещението: научното познание, преди това собственост на тесен кръг учени, надхвърли университетите и лабораториите до светските салони на Париж и Лондон
Йохан Себастиан Бах Йохан Себастиан Бах е роден на 21 март 1685 г. в Айзенах, малък град в Тюрингия в Германия, където баща му Йохан Амброзиус служи като градски музикант, а чичо му Йохан Кристоф като органист. Щастливото детство завършва за него на деветгодишна възраст, когато губи майка си, а година по-късно и баща си. Сиракът е отгледан в скромния си дом от по-големия си брат, органист в близкия Ордруф; там момчето отново отиде на училище и продължи уроците си по музика с брат си. Йохан Себастиан прекарва 5 години в Ордруф. Йохан Себастиан Бах е роден на 21 март 1685 г. в Айзенах, малък град в Тюрингия в Германия, където баща му Йохан Амброзиус служи като градски музикант, а чичо му Йохан Кристоф като органист. Щастливото детство завършва за него на деветгодишна възраст, когато губи майка си, а година по-късно и баща си. Сиракът е отгледан в скромния си дом от по-големия си брат, органист в близкия Ордруф; там момчето отново отиде на училище и продължи уроците си по музика с брат си. Йохан Себастиан прекарва 5 години в Ордруф.
Йохан Себастиан Бах През 1702 г., на 17-годишна възраст, Бах се завръща в Тюрингия и след като служи за кратко като „лакей и цигулар“ във Ваймарския двор, получава позиция като органист на Новата църква в Арнщат, градът, където служи Бах. както преди, така и след него, чак до. Благодарение на брилянтно издържания тест, той веднага получи заплата, която далеч надвишава тази, изплащана на близките му. През 1702 г., на 17-годишна възраст, Бах се завръща в Тюрингия и, след като служи за кратко като „лакей и цигулар“ във Ваймарския двор, получава позиция като органист на църквата Neues в Арнщат, градът, където Бах служи както преди, така и след него, докато Благодарение брилянтно издържа теста, веднага му беше назначена заплата, която далеч надвишава тази, изплащана на близките му.
Йохан Себастиан Бах Той остава в Арнщат до 1707 г., като напуска града през 1705 г., за да присъства на известните „вечерни концерти“, проведени в Любек, в северната част на страната, от брилянтния органист и композитор Дитрих Букстехуде. Очевидно Любек беше толкова интересен, че Бах прекара там четири месеца вместо четирите седмици, които поиска като ваканция. Последвалите неприятности в службата, както и недоволството от слабия и необучен арнщатски църковен хор, който той е длъжен да ръководи, принуждават Бах да търси ново място. Той остава в Арнщат до 1707 г., като напуска града през 1705 г., за да присъства на известните „вечерни концерти“, провеждани в Любек, в северната част на страната, от брилянтния органист и композитор Дитрих Букстехуде. Очевидно Любек беше толкова интересен, че Бах прекара там четири месеца вместо четирите седмици, които поиска като ваканция. Последвалите неприятности в службата, както и недоволството от слабия и необучен арнщатски църковен хор, който той е длъжен да ръководи, принуждават Бах да търси ново място.
Йохан Себастиан Бах 1723 живее със семейството си в Лайпциг. Тук той създава най-добрите си творби.Живе със семейството си в Лайпциг. Тук той създава най-добрите си произведения. Художественото му развитие е повлияно от запознаването му с произведенията на изключителни италиански майстори, особено Антонио Вивалди, чиито оркестрови концерти Бах превежда за клавишни инструменти: такава работа му помага да овладее изкуството на изразителна мелодия, да подобри хармоничното писане и да развие чувство за форма . Художественото му развитие е повлияно от запознаването му с произведенията на изключителни италиански майстори, особено Антонио Вивалди, чиито оркестрови концерти Бах превежда за клавишни инструменти: такава работа му помага да овладее изкуството на изразителна мелодия, да подобри хармоничното писане и да развие чувство за форма .
Волфганг Амадеус Моцарт австрийски композитор. Той имаше феноменално музикално ухо и памет. Изявява се като виртуозен клавесин, цигулар, органист, диригент, блестящо импровизира. Започват уроци по музика под ръководството на баща му Л. Моцарт. Първите композиции се появяват през От 5-годишна възраст той триумфално гастролира в Германия, Австрия, Франция, Великобритания, Швейцария, Италия. През 1765 г. първата му симфония е изпълнена в Лондон. австрийски композитор. Той имаше феноменално музикално ухо и памет. Изявява се като виртуозен клавесин, цигулар, органист, диригент, блестящо импровизира. Започват уроци по музика под ръководството на баща му Л. Моцарт. Първите композиции се появяват през От 5-годишна възраст той триумфално гастролира в Германия, Австрия, Франция, Великобритания, Швейцария, Италия. През 1765 г. първата му симфония е изпълнена в Лондон.
Волфганг Амадеус Моцарт Моцарт създава Св. 600 произведения от различни жанрове. Най-важната област в работата му е музикалният театър. Творчеството на Моцарт представлява епоха в развитието на операта. Моцарт владее почти всички съвременни оперни жанрове. Моцарт създава Св. 600 произведения от различни жанрове. Най-важната област в работата му е музикалният театър. Творчеството на Моцарт представлява епоха в развитието на операта. Моцарт владее почти всички съвременни оперни жанрове.
Лудвиг ван Бетовен мажорни произведения 9 симфонии 11 увертюри 5 клавирни концерти 5 концерта за пиано и оркестър 16 струнни квартети 6 триа за струнни, духови и смесени композиции 6 младежки сонати за пиано 32 сонати за пиано (композирани на виенски сонати и виенски соната 5 пиано) 10 виолончело и пиано 32 вариации (до минор) Багатели, рондо, екосези, менуети и други пиеси за пианофорте (около 60) Опера от Фиделио Тържествена литургия Аранжименти на народни песни (шотландски, ирландски, уелски) Около 40 песни по думи на различни автори
Лудвиг ван Бетовен Бетовен е роден в Бон, вероятно на 16 декември 1770 г. (кръстен на 17 декември). Освен немска кръв във вените му тече и фламандска кръв: дядото на композитора по бащина линия, също Лудвиг, е роден през 1712 г. в Малин (Фландрия). На осемгодишна възраст малкият Бетовен изнася първия си концерт в град Кьолн. Концертите на момчето се проведоха и в други градове. Бащата, виждайки, че вече не може да учи сина си на нищо, спира да работи с него и когато момчето е на десет години, го отвежда от училището и Бетовен е роден в Бон, вероятно на 16 декември 1770 г. (кръстен на 17 декември). Освен немска кръв във вените му тече и фламандска кръв: дядото на композитора по бащина линия, също Лудвиг, е роден през 1712 г. в Малин (Фландрия). На осемгодишна възраст малкият Бетовен изнася първия си концерт в град Кьолн. Концертите на момчето се проведоха и в други градове. Бащата, виждайки, че вече не може да научи сина си на нищо, спря да учи с него и когато момчето беше на десет години, го изведе от училище
Средно училище MKOU Sinyavskaya
Музикалната култура на Просвещението
Урок-лекция
Провежда се от ученици от 10 клас
Учителят Н
2013 година.
Целта на урока:разкриват спецификата на музикалната култура на Просвещението.
Цели на урока:характеризират естетиката на нов музикален жанр – комична опера; разказват за творчеството на композиторите от „Виенската класическа школа”; да формира способност за адекватно възприемане и оценяване на музикални произведения.
План на урока:
1. Раждането на комичната опера.
2. „Виенска класическа школа”.
Ю. Гайдин.
По време на занятията
1.Раждането на комичната опера.
18-ти век влиза в световната история като „епохата на разума и просвещението“. Триумфът на свободната човешка мисъл, победил средновековния мироглед, води до бурно развитие на природните науки, литературата и изкуството.
Раждането и взаимодействието на много жанрове и художествени стилове в музиката на 18-ти век, широкото използване на музикални инструменти в ежедневието и възникващите традиции в музикалното създаване, появата на хорове, оркестри, оперни групи, развитието на музикалното образование и формирането на концертната дейност, възникването на национална композиторска школа подготвя създаването и разцвета на класическата музика през 19 век. Основното място сред музикалните жанрове беше операта. Комичната опера се развива в страни с развита оперна култура като алтернатива на придворната оперна серия. Италия се смята за своя родина, където този жанр се нарича опера буфа (италиански opera buffa - комична опера). Неговите източници са комедийните опери на римската школа от 17 век. и комедия дел'арте. Първоначално това бяха забавни интерлюдии, вмъкнати за емоционално освобождаване между действията на оперната серия. Първата буфа опера е „Слуга мадам“ на Г. Б. Перголези, написана от композитора като интерлюдия към собствената му оперна поредица „Гордият пленник“ (1733). В бъдеще оперите на бифа започнаха да се изпълняват самостоятелно. Те се отличаваха с малкия си мащаб, малък брой персонажи, арии тип буфони, патерни във вокалните партии, укрепване и развитие на ансамблите (за разлика от оперната серия, където соловите партии бяха в основата, а ансамблите и хоровете бяха почти никога не е използван). Песенни и танцови фолклорни жанрове послужиха за основа на музикалната драматургия. По-късно лирически и сантиментални черти проникват в бифа операта, измествайки я от грубата комедия дел'арте към причудливите проблеми и сюжетни принципи на К. Гоци. Развитието на опера буфа се свързва с имената на композиторите Н. Пичини, Г. Паизиело, Д. Чимароза.
Във Франция жанрът се развива под името opéra comique (на френски - комична опера). Възникна като сатирична пародия на "голямата опера". За разлика от италианската линия на развитие, във Франция жанрът първоначално се формира от драматурзи, което доведе до съчетаването на музикални номера с разговорни диалози. Така се смята, че авторът на първата френска opera comique (Селският магьосник, 1752 г.). Музикалната драматургия на opéra comique се развива в творчеството на композиторите Е. Дуня и Ф. Филидор. В предреволюционната епоха opera comique придобива романтична насоченост, наситеност със сериозни чувства и злободневно съдържание (композ. П. Монсини, А. Гретри).
2.Велики композитори
Студент 1. ХАЙДНЙозеф(1732-1809) - австрийски композитор, основател на класическата симфония и квартет, представител Виенска школа за композитори . Като дете той служи като хорист в хора на катедралата „Свети Стефан“ във Виена. Сам овладя композиционното изкуство. Повече от 30 години той служи при унгарския принц Естерхази като ръководител на музикалния параклис. Последните години живее във Виена; през 90-те години направи две пътувания до Лондон. Хайдн остави огромно творческо наследство - над 100 симфонии, повече от 30 опери, оратории (сред тях - "Създаването на света", "Сезони", "Седемте думи на Христос на кръста"), 14 меси (вкл. „Nelson Mass“, „Mass Theresa“, „Harmoniemesse“), 83 струнни квартета, 52 сонати за пиано, много инструментални пиеси и песни. Върхът на творчеството му - дванадесет т. нар. "Лондонски симфонии" (написани основно в Англия); между другите симфонии, Сбогом (№ 45), както и „Погребение” (№ 44), „Мария Тереза” (№ 48), „Страст” (No 49), „Лов” (No 73) , 6 парижки симфонии (No 82-87), „Оксфорд” (No 92) Творбите му са белязани с богато съдържание, прославят светлите страни на живота, непосредствената радост от битието. Те обаче се характеризират и с развълнуван патос, и дълбока драматизъм, и открит добродушие, и лукав хумор. Музиката на Хайдн е наистина народна, пропита с оптимизъм, изпълнена с грация и чар. Неизчерпаемата мелодия, хармонията на формата, простотата и яснотата на образите я правят разбираема и достъпна за най-широките кръгове от слушатели. Реформата на Хайдн в областта на симфонията, както и ролята на композитора в оформянето на състава на симфоничния оркестър, са от голямо историческо значение, утвърждавайки за Хайдн почетното звание „баща на симфонията“. „Хайдн е необходимо и силно звено във веригата на симфоничното композиране; ако не беше той, нямаше да има нито Моцарт, нито Бетовен”, пише П. И. Чайковски.
Студент 2. Волфганг Амадеус Моцарте роден на 27 януари 1756 г. в Залцбург, сега този град се намира на територията на Австрия. Моцарт е научен да свири на музикални инструменти и да композира от баща си, цигулар и композитор. Леополд Моцарт. От 4-годишна възраст Моцарт свири на клавесин, от 5-6-годишна възраст започва да композира (на 8-9 години Моцарт създава първите симфонии, а на 10-11 - първите произведения за музикален театър). През 1762 г. Моцарт и сестра му, пианистката Мария Анна, започват турнета в Германия, Австрия, след това във Франция, Англия и Швейцария. Моцарт се изявява като пианист, цигулар, органист, певец. През годините той служи като корепетитор, в - органист в двора на Залцбургския принц-архиепископ. Между 1769 и 1774 г. той прави три пътувания до Италия; през 1770 г. е избран за член на Филхармоничната академия в Болоня (взима уроци по композиция от ръководителя на академията падре Мартини), получава орден на Златната шпора от папата в Рим. В Милано Моцарт дирижира операта си Митридат, крал на Понт. До 19-годишна възраст композиторът е автор на 10 музикални и сценични произведения: театралната оратория „Дългът на първата заповед“ (1-ва част, 1767 г., Залцбург), латинската комедия „Аполон и зюмбюл“ (1767 г., Залцбургския университет), Немски Singspiel Bastien and Bastienne“ (1768, Виена), италианската опера buffa „Престореното просто момиче“ (1769, Залцбург) и „Въображаемият градинар“ (1775, Мюнхен), италианската оперна поредица „Митридат“ и „Луций Сула " (1772, Милано), опери -серенада (пасторал) "Асканий в Алба" (1771, Милано), "Сънят на Сципион" (1772, Залцбург) и "Кралят пастир" (1775, Залцбург); 2 кантати, много симфонии, концерти, квартети, сонати и др. Опитите да се намери работа в който и да е значим музикален център в Германия или Париж са неуспешни. В Париж Моцарт пише музика за пантомимата от Дж. Новера„Дънки“ (1778 г.). След поставянето на операта „Идоменей, крал на Крит“ в Мюнхен (1781), Моцарт скъсва с архиепископа и се установява във Виена, изкарвайки прехраната си чрез уроци и академии (концерти). Крайъгълен камък в развитието на националния музикален театър е сингшпилът на Моцарт „Отвличането от сераля“ (1782, Виена). През 1786 г. са премиерите на малката музикална комедия на Моцарт „Директор на театъра“ и операта „Сватбата на Фигаро“ по комедията Бомарше. След Виена "Сватбата на Фигаро" е поставена в Прага, където е посрещната с ентусиазиран прием, както и следващата опера на Моцарт "Наказаният либертинец, или Дон Джовани" (1787). От края на 1787 г. Моцарт е камерен музикант в двора на император Йосиф II със задължението да композира танци за маскаради. Като оперен композитор Моцарт няма успех във Виена; само веднъж Моцарт успява да напише музика за Виенския императорски театър - весела и елегантна опера "Всички са такива, или Школата на влюбените" (с други думи - "Всички жени правят това", 1790 г.). Операта „Милосърдие на Тит” на античен сюжет, съвпадаща с тържествата по коронацията в Прага (1791 г.), е приета хладно. Последната опера на Моцарт „Вълшебната флейта” (Виенски предградски театър, 1791 г.) намира признание сред демократичната публика. Трудностите на живота, бедността, болестта доближиха трагичния край на живота на композитора, той почина преди да навърши 36 години и беше погребан в общ гроб.
Студент 3. Лудвиг ван Бетовене роден през декември 1770 г. в Бон. Точната дата на раждане не е установена, предполага се, че е 16 декември. Бащата на композитора иска да направи втори Моцарт от сина си и започва да го учи да свири на клавесин и цигулка. През 1778 г. в Кьолн се състоя първото представление на момчето. Бетовен обаче не се превърна в дете-чудо, бащата повери момчето на своите колеги и приятели. Единият научи Лудвиг да свири на орган, другият на цигулка. През 1780 г. органистът и композитор Кристиан Готлоб Нефе пристига в Бон. Той става истински учител на Бетовен. Благодарение на Нефе е публикувана и първата композиция на Бетовен, вариация на марша на Дресслер. По това време Бетовен е на дванадесет години и вече работи като помощник съдебен органист. Бетовен започва да композира музика, но не бърза да публикува творбите си. Голяма част от написаното от него в Бон по-късно е преработено от него. От младежките творби на композитора са известни три детски сонати и няколко песни, включително „Мармот“. През есента на 1792 г. Бетовен напуска Бон. Пристигайки във Виена, Бетовен започва уроци с Хайдн, като впоследствие твърди, че Хайдн не го е научил на нищо; класовете бързо разочароваха и ученика, и учителя. Бетовен вярваше, че Хайдн не е достатъчно внимателен към усилията му; Хайдн се плашеше не само от смелите възгледи на Лудвиг по това време, но и от доста мрачни мелодии, което не беше често срещано в онези години. Скоро Хайдн заминава за Англия и дава своя ученик на известния учител и теоретик Албрехтсбергер. В крайна сметка самият Бетовен избра своя ментор - Антонио Салиери.
Още в първите години от живота си във Виена Бетовен печели слава като виртуозен пианист. Играта му удиви публиката. Композициите на Бетовен започват да се публикуват широко и се радват на успех. През първите десет години, прекарани във Виена, са написани двадесет сонати за пиано и три клавирни концерта, осем сонати за цигулка, квартети и други камерни произведения, ораторията „Христос на Елеонската планина“, балета „Творения на Прометей“, „Първата“ и симфонии. . През 1796 г. Бетовен започва да губи слуха си. Той развива тинит - възпаление на вътрешното ухо, което води до шум в ушите Поради глухота Бетовен рядко излиза от къщата, губи звуковото възприятие. Той става мрачен, оттеглен. Именно през тези години композиторът, една след друга, създава най-известните си произведения. През същите тези години Бетовен работи върху единствената си опера „Фиделио“. Тази опера принадлежи към жанра на операта на ужасите и спасителната опера. Успехът за Фиделио идва едва през 1814 г., когато операта е поставена първо във Виена, след това в Прага, където я дирижира известният немски композитор Вебер, и накрая в Берлин. След 1812 г. творческата дейност на композитора пада за известно време. След три години обаче той започва да работи със същата енергия. По това време са създадени сонати за пиано от 28-а до последна, 32-ра, две сонати за виолончело, квартети и вокалния цикъл „Към далечна любима“. Много време се отделя на обработката на народни песни. Наред с шотландците, ирландците, уелците има и руснаци. Но основните творения на последните години са две от най-монументалните творби на Бетовен – „Тържествената литургия“ и Симфония № 9 с хор.
Деветата симфония е изпълнена през 1824 г. Публиката аплодира композитора. Известно е, че Бетовен застана с гръб към публиката и не чу нищо, след което един от певците го хвана за ръка и се обърна с лице към публиката. Хората размахваха носни кърпички, шапки, ръце, приветстваха композитора. Овациите продължиха толкова дълго, че присъстващите полицейски служители веднага поискаха тя да бъде спряна. Такива поздрави бяха разрешени само по отношение на личността на императора.
Бетовен умира на 26 март 1827 г. Над двадесет хиляди души последваха ковчега му. По време на погребението е изпълнена любимата на Бетовен заупокойна меса в до минор от Луиджи Керубини.
3. Учителят предлага на учениците следната задача:
Упражнение 1
Това е един от най-редките примери в историята на световната култура, когато нов музикален жанр е създаден не от композитор, а от… философ. Естествено, той не овладя напълно композирането, но успя да направи оперното представление не елитарно, а демократично, разбираемо и достъпно за широката публика. Как се казва този философ и създаденото от него музикално произведение.
Отговор: през 1752 г. създава първата френска комична опера, наречена "Селският магьосник".
Задача 2
Виенската класическа школа и нейните най-изтъкнати майстори - Франц Йозеф Хайдн, Волфганг Амадеус Моцарт, Кристоф Вилибалд Глюк - оказват огромно влияние върху музикалното изкуство на Европа. Един от тях създава над 100 симфонии и е наричан „бащата на симфонията“. Сред неговите симфонични произведения най-известни са: „Сътворение на света“, „Сезони“, „Погребение“, „Сбогом“. Назовете този композитор. Разкажете ни за работата на този майстор и вашето възприятие за неговите произведения.
Отговор:Йозеф Хайдн.
Моцарт си тръгна, без да напусне надгробните плочи. Пръстите са послушни. И ключовете са бързи.
Така изчезват цветята. И небето е вечно синьо.
Без лицемерно празни прославления - Щастието на маестрото, художникът падна
Светъл и слънчев лъч от височина. Живейте близо до небето и близо до земята.
Фантомът на късмета и здрачът на съмнението, Моцарт - и хвърчащата къдрица ще бъдат запомнени.
И поредица от безкрайни раздяла Моцарт - и музиката е лесно бягане.
Никакви сенки не бяха хвърлени върху вдъхновението, неподражаемо, вечно,
В. Боровицкая
Домашна работа:
Предварителна задача:учениците вече подготвяха репортаж за паметниците на древния Рим. Сега те отново са поканени да играят ролята на журналисти и да изготвят репортажи за паметниците на културата на Просвещението от Москва и Санкт Петербург.
* Тази работа не е научна работа, не е финална квалификационна работа и е резултат от обработка, структуриране и форматиране на събраната информация, предназначена да бъде използвана като източник на материал за самоподготовка на учебно-възпитателна работа.
Доклад на тема: "Музиката в епохата на Просвещението"
През епохата на Просвещението настъпва безпрецедентен възход на музикалното изкуство. След реформата, извършена от К. В. Глук (1714–1787), операта се превръща в синтетично изкуство, съчетаващо музика, пеене и сложно драматично действие в едно представление. FJ Haydn (1732–1809) издига инструменталната музика до най-високото ниво на класическото изкуство. Върхът на музикалната култура на Просвещението е творчеството на Й. С. Бах (1685–1750) и В. А. Моцарт (1756–1791). Просветителският идеал се проявява особено ярко в операта на Моцарт „Вълшебната флейта“ (1791), която се отличава с култа към разума, светлината и идеята за човека като венец на Вселената.
Оперното изкуство от 18 век
Оперната реформа през втората половина на 18 век. беше до голяма степен литературно движение. Негов родоначалник е френският писател и философ Ж. Ж. Русо. Русо също изучава музика и ако във философията той призовава за връщане към природата, то в оперния жанр той се застъпва за връщане към простотата. През 1752 г., година преди успешната парижка премиера на „Слугата“ на мадам Перголези, Русо композира своя собствена комична опера „Селският магьосник“, последвана от язвите „Писма за френската музика“, където Рамо става основен обект на атаки.
Италия. След Монтеверди, един след друг в Италия се появяват оперни композитори като Кавали, Алесандро Скарлати (бащата на Доменико Скарлати, най-големият от авторите на произведения за клавесин), Вивалди и Перголези.
Възходът на комичната опера. От Неапол произлиза и друг вид опера – опера буфа (opera-buffa), възникнала като естествена реакция на opera seria. Страстта към този тип опера бързо обхвана градовете на Европа – Виена, Париж, Лондон. От бившите си владетели – испанците, управлявали Неапол от 1522 до 1707 г., градът наследява традицията на народната комедия. Поругана от строгите учители в консерваториите, комедията обаче завладя учениците. Един от тях, G. B. Pergolesi (1710–1736), на 23-годишна възраст написва интермецо, или малка комична опера, Слугинята-господарка (1733). Още преди композиторите композират интермецо (обикновено се играят между действията на оперната серия), но творението на Перголези има огромен успех. В неговото либрето не става дума за подвизите на древни герои, а за напълно съвременна ситуация. Главните герои принадлежаха към типовете, известни от "commedia dell'arte" - традиционната италианска импровизирана комедия със стандартен набор от комични роли. Жанрът на буфа операта е забележително развит в творчеството на такива късни неаполитанци като Г. Паизиело (1740–1816) и Д. Чимароза (1749–1801), да не говорим за комичните опери на Глук и Моцарт.
Франция. Във Франция Лули е заменен от Рамо, който доминира на оперната сцена през първата половина на 18 век.
Френската аналогия на бифа операта е „комичната опера“ (opera comique). Автори като F. Philidor (1726-1795), P. A. Monsigny (1729-1817) и A. Gretry (1741-1813) приемат присърце перголезийската подигравка с традицията и разработват свой собствен модел на комична опера, който в съответствие с галския вкусове, то предвиждаше въвеждането на разговорни сцени вместо речитативи.
Германия. Смята се, че операта е по-слабо развита в Германия. Факт е, че много немски оперни композитори са работили извън Германия - Хендел в Англия, Гасе в Италия, Глук във Виена и Париж, докато германските придворни театри са заети от модни италиански трупи. Singspiel, местният аналог на операта буфа и френската комична опера, започва своето развитие по-късно, отколкото в латинските страни. Първият пример за този жанр е „Дяволът на свобода“ на И. А. Хилер (1728-1804), написан през 1766 г., 6 години преди Отвличането на Моцарт от Сералия. По ирония на съдбата големите немски поети Гьоте и Шилер вдъхновяват не домашни, а италиански и френски оперни композитори.
Австрия. Операта във Виена е разделена на три основни направления. Водещо място заема сериозната италианска опера (Italian opera seria), където класическите герои и богове живеят и умират в атмосфера на висока трагедия. По-малко официална беше комичната опера (opera buffa), базирана на сюжета на Арлекин и Колумбина от италианската комедия (commedia dell "arte), заобиколена от безсрамни лакеи, техните овехтели господари и всякакви мошеници и мошеници. Заедно с тези италиански форми, се развива немската комична опера (singspiel), чийто успех може би се дължи на използването на родния му немски език, достъпен за широката публика. чиито сюжети не бяха заглушени от дълги солови арии, които забавяха развитието на действието и служиха на певците само като повод да демонстрират силата на гласа си.
Със силата на своя талант Моцарт съчетава тези три посоки. Като тийнейджър той пише по една опера от всеки тип. Като зрял композитор, той продължава да работи и в трите посоки, въпреки че традицията в оперните сериали избледнява.
Платонова Вера, 11 А клас
През 18 век повечето европейски държави са обхванати от просветното движение. Благодарение на реформите на Петъраз Русия активно се включи в този процес, присъединявайки се към постиженията на европейската цивилизация. Неговият завой към Европа, който породи феномена „руска европейщина”, се осъществи по типично руски начин – рязко и решително. Взаимодействието с по-утвърдените художествени школи на Западна Европа позволи на руското изкуство да тръгне по пътя на "ускорено развитие", като овладее европейските естетически теории, светски жанрове и форми за исторически кратко време.
Основното постижение на руското Просвещение е разцветът на личното творчество, което замества безименната работа на художниците от Древна Русия. Изпълнява се формулата на Ломоносов: „Руската земя ще роди своите платони и сметливи нютони“.
Идва времето за активно формиране на светски мироглед. Храмовото изкуство продължава своето развитие, но постепенно избледнява на заден план в културния живот на Русия. Светската традиция се засилва по всякакъв начин.
В музиката на XVIII век, както в литературата и живописта се утвърждава нов стил, близък до европейския класицизъм.
Новите форми на живот на висшето общество - разходки в паркове, езда по Нева, илюминации, балове и "маскаради", събрания и дипломатически приеми - допринесоха за широкото развитие инструментална музика. По заповед на Петрава във всеки полк се появяват военни духови оркестри. Официални тържества, балове и тържества бяха обслужени от два придворни оркестъра и съдебен хор. Примерът на двора е последван от петербургското и московското благородство, което създава домашни оркестри. В благороднически имения се създават и крепостни оркестри и музикални театри. Разпространява се любителското музициране, преподаването на музика става задължителна част от благородното образование. В края на века разнообразен музикален живот характеризира живота не само на Москва и Санкт Петербург, но и на други руски градове.
Сред музикалните иновации, непознати за Европа, беше рогов оркестър , създаден от руския императорски камерен музикант I.A. Марешот името на С.К. Наришкин. Мареш създаде добре координиран ансамбъл, състоящ се от 36 клаксона (3 октави). В него участваха крепостни музиканти, които играха ролята на живи „ключове“, тъй като всеки рог можеше да издаде само един звук. Репертоарът включваше класическа европейска музика, включително сложни композиции на Хайдн и Моцарт.
През 30-те години на XVIII век в Русия е създадена италианската придворна опера, чиито представления се дават на празници за „избраната“ публика. По това време Санкт Петербург привлича много големи европейски музиканти, предимно италианци, включително композиторите Ф. Арая, Б. Галупи, Дж. Паизиело, Дж. Сарти, Д. Чимароза. Франческо Араяпрез 1755 г. пише музика за първата опера с руски текст. Това беше либрето на A.P. Сумароков върху сюжет от „Метаморфози“ на Овидий. Опера, създадена в италиански жанрсерия , беше повикан Цефал и Прокрис.
В Петровската епоха продължават да се развиват такива национални музикални жанрове като партиен концерт и кант.
Кантовете от времето на Петър Велики често са наричани „Виват“, защото са изпълнени с възхвала на военни победи и трансформации („Радвай се, земя Росско“). Музиката на "добре дошли" канти се характеризира с фанфарни завои, тържествени ритми на полонезата. Изпълнението им често беше придружено от звуци на тръби и камбани.
Петровската епоха е кулминацията в развитието на хоровото парти. Блестящият майстор на партийния концерт В.П. Титов заема мястото на първия музикант при двора на цар Петър. Именно той беше инструктиран да напише тържествен концерт по случай победата на Полтава, спечелена от руските войски през 1709 г. („Rtsy us now“ - името „Полтавски триумф“ е установено зад композицията).
В средата на XVIII век, желанието за хорови ефекти в партисните концерти достига хипертрофирани форми: появяват се композиции, чиито партитури достигат до 48 гласа. През втората половина на века ново художествено явление, духовен концерт, заменя тържествения двоен концерт.Така през целия 18 век руското хорово пеене измина дълъг път на еволюция - от монументалния партис, предизвикващ асоциации с бароковия архитектурен стил, до високите образци на класицизма в творчеството на М. С. Березовски и Д. С. Бортнянски, които създават класическият тип руски духовен концерт.
Руски духовен хоров концерт
През XVIII век жанровото съдържание на хоровите произведения се разширява значително. Имаше хорови аранжименти на народни песни, хорова оперна музика, танцова музика с хор (най-известният пример е полонезът на Козловски „Гръмът на победата отекват” по думите на Державин, които в края XVIII става национален химн на Руската империя).
Водещият хоров жанр е руският духовен концерт, който служи като своеобразен символ на древната национална традиция. Духовният концерт достига своя връх в епохата на Екатерина (1762- 1796). Това беше благоприятно време за руската култура. Опитът да се възроди духът на реформите на Петър беше до голяма степен успешен. Политиката, икономиката, науката и културата отново получиха тласък за развитие. Възобнови се практиката на обучение на най-талантливите представители на науката и изкуството в чужбина. Тесните културни контакти между Русия и просветена Европа не можеха да не повлияят на появата на първите опитности на професионалното композиторско творчество.
През този период са създадени повече от 500 произведения от концертния жанр. Към него се обърнаха почти всички известни ни руски композитори от втората половина. XVIII век.
Роден в дълбините на партисната полифония, духовният концерт през цялото си развитие интегрира два принципа - църковната певческа традиция и новото светско музикално мислене. Концертът придоби популярност както като кулминационна част от църковната служба, така и като украса на съдебните церемонии. Той беше в центъра на темите и образите, които засягаха дълбоки морални и философски проблеми.
Ако „partes concerto може да се сравни до известна степен с concerto grosso , то структурата на класическия хоров концерт има общи черти със сонатно-симфоничния цикъл. Обикновено се състоеше от три-четири различни части с контрастни методи на представяне.В финалната част по правило преобладаваха методите на полифонично развитие.
Изключителни чуждестранни композитори, живели в Санкт Петербург (Д. Сарти, Б. Галупи), имат голям принос за формирането на руския класически хоров концерт. Върховите постижения на руската хорова музика от Просвещението са свързани с имената на М.С. Березовски и Д.С. Бортнянски.
Максим Созонтович Березовски (1745-1777)
М. С. Березовски е изключителен майстор на руската хорова музика от 18 век, един от първите представители на националната композиторска школа. Оцелелите творби на композитора са малки по обем, но много значими по своята историческа и художествена същност. В музикалната култура на 60-70-те години на XVIII век тя отваря нов етап - ерата на руския класицизъм.
Името на Березовски е наречено сред основателите на класическия хоров концерт a cap pella : неговите произведения, наред с творчеството на италианския композитор Галупи, представляват първия етап в развитието на този жанр.
Върхът на M.S. Березовски се превърна в концерт "Не ме отхвърляй в старостта ми" . Това универсално признат шедьовър на руската музика от 18-ти век, стоящ наравно с най-високите постижения на съвременното европейско изкуство. Малък по мащаб, концертът се възприема като епично монументално произведение. Музиката му, разкриваща разнообразния духовен свят на човека, поразява с дълбочината на емоциите и житейската автентичност.
И в текста, и в музиката на концерта отчетливо се чува личната интонация. Това е реч от първо лице. Молба-моля, призоваваща Всевишния (аз част), се заменя с картина на преследване на човек от злонамерени врагове ( II част - "Ожени се и му подражавай") . След това следва нова тема - молитва на надеждата ("Боже мой, ти се провали" - III част), и накрая, финалът, пълен с протестиращ патос, насочен срещу злото и несправедливостта („Нека се посрамят и погинат онези, които клеветят душата ми.”) Самият факт, че всички теми на концерта имат определени, специфични емоционални особености, говори за принципната новост на стила, която преодолява абстрактната неутралност на тематиката на партисното пеене.
Четирите части на произведението са свързани не само с една драматична концепция и тонална логика, но и с интонационни нишки: мелодичната тема, която звучи в първите такти на концерта, се превръща в интонационна основа на всички останали образи. Особено значимо е, че първоначалното интонационно зърно се трансформира в динамична и напористия тема на финалната фуга „Нека се засрамят и изчезнат...“, което е върхът в развитието на целия цикъл.
Дмитрий Степанович Бортнянски (1751-1825)
Д. С. Бортнянски разработи основния тип руски класически хоров концерт, съчетаващ елементи на светския музикален инструментализъм и вокална църковна музика в музиката. По правило неговите концерти са от три части, редуващи се на принципа бързо – бавно – бързо. Често първата част, най-значимата в цикъла, съдържа признаци на соната, изразени в съпоставка на две контрастни теми, изложени в тоника-доминиращо съотношение. Връщането към основния ключ става в края на движението, но без тематични повторения.
Бортнянски притежава 35 концерта за 4-гласов смесен хор, 10 концерта за 2 хора, редица други църковни химни, както и светски хорове, включително патриотичната хорова песен „Певец в лагера на руските воини“ на текст. В. А. Жуковски (1812).
Едно от дълбоките и зрели произведения на майстора - Концерт No32 маркиран от P.I. Чайковскикато "най-добрият от всичките тридесет и пет". Текстът му е взет от 38-ия псалм на Библията, където има такива редове: „Кажи ми, Господи, моя край и числото на дните ми, за да знам каква е моята възраст... Чуй, Господи, моята молитва , и послушай вика ми; не мълчи до сълзите ми...“. В концерта има три движения, но между тях няма контраст. Музиката се отличава с единството на тъжно-елегичното настроение и целостта на тематиката. Първата част започва с тема, изложена на три гласа и напомняща на Псалм XVII век. Втората част е кратък епизод на строг хоров склад. Подробният финал, написан под формата на фуга, надхвърля размера на първите две части. Музиката на финала е доминирана от тиха нежна звучност, предаваща предсмъртната молитва на човек, който умира.
Колекции от руски песни
За цялата напреднала руска култура XVIII век се характеризира с дълбок интерес към бита, нравите и обичаите на хората. Започва системното събиране и изучаване на фолклора. Известният писател Михаил Дмитриевич Чулков съставя първия руски сборник с текстове на народни песни.
За първи път се правят нотни записи на народни песни, появяват се печатни сборници с техните аранжименти: Василий Федорович Трутовски ("Колекция от руски прости песни с ноти"), Николай Александрович Лвов И Иван Прача („Сборник от руски народни песни с техните гласове“).
Колекцията Лвов-Прач включва 100 песни, много от които са класически образци на руския фолклор: „О, ти, балдахин, моя балдахин“, „Имаше една бреза в полето“, „Дали в градината, в градината“ . В предговора към сборника („За руското народно пеене“) Н. Лвов за първи път в Русия посочи уникалната самобитност на руската народна хорова полифония.
Песни от тези сборници са използвани както от меломани, така и от композитори, които са ги заимствали за своите произведения - опери, инструментални вариации, симфонични увертюри.
Към средата на XVIII век има уникална колекция от руски епоси и исторически песни, т.нар "Колекция на Кирша Данилов" . Няма надеждна информация за неговия компилатор. Предполага се, че Кирша Данилов (Кирил Данилович) е бил певец-импровизатор, шут, живял в миньорския Урал. Той записва мелодиите на песните в един ред без текст, който е поставен отделно.
Руска национална композиторска школа
Формиране през втората половина на XVIII век на първия светски в Русия композиторска школа. Нейното раждане е кулминацията на руското Просвещение . Родното място на училището е Санкт Петербург, където процъфтява талантът на най-ярките му представители. Сред тях са основателите на руската опера В.А. Пашкевич и Е.И. Фомин, магистър по инструментална музика И.Е. Хандошкин, изключителни създатели на класическия духовен концерт M.S. Березовски и Д.С. Бортнянски, създателите на камерната „Руска песен“ O.A. Козловски и Ф.М. Дубянски и др.
Повечето от руските композитори произхождат от народната среда. Те попиват живия звук на руския фолклор от детството. Ето защо стана естествено и логично да се включат народни песни в руската оперна музика (опери на В. А. Пашкевич и Е. И. Фомин), в инструментални композиции (творчеството на И. Е. Хандошкин).
Според традицията на предишните векове вокалните жанрове, както светски, така и храмови, се развиват най-широко в епохата на Просвещението. Сред тях са духовният хоров концерт, комичната опера и камерната песен. Както и във фолклора, и в тези жанрове се запазва отношението към словото като към приоритетната основа на музиката. Либретистът се счита за автор на операта, а поетът – за автор на песента; името на композитора често оставаше в сянка и с течение на времето беше забравено.
Руска комична опера
Раждането на Националната композиторска школа XVIII векове е тясно свързана с развитието на руската опера. Започва с музикална комедия, която залага на комедийните произведения на руски писатели и поети: Ю. Княжнин, И. Крилов, М. Попов, А. Аблесимов, М. Матински.
Комичната опера беше ежедневна по своето съдържание, с неусложнен, но увлекателен сюжет от ежедневния руски живот. Нейните герои бяха остроумни селяни, крепостни селяни, скъперници и алчни богаташи, наивни и красиви момичета, зли и мили благородници.
Драматургията се основаваше на редуването на разговорни диалози с музикални номера, базирани наруснаци фолклорни песни. Поетите посочват в либретото на кой „глас” (популярна песен) трябва да се пее една или друга ария. Пример за това е най-обичаната руска опера XVIII век "Мелник е магьосник, измамник и сватовник" (1779) А. Аблесимов с музика М. Соколовски. Драматургът А. О. Аблесимов веднага написа своите текстове въз основа на определен песенен материал. Приносът на М. Соколовски се състоеше в обработката на песните, която можеше да бъде направена от друг музикант (не случайно авторството на музиката се приписва дълго време на Е. Фомин).
Разцветът на комичната опера беше улеснен от таланта на изключителни руски актьори - Е.С. Яковлева (в брака на Сандунова, на сцената - Уранова), крепостната актриса П.И. Ковалева-Жемчугова, И.А. Дмитревски.
Изключителна роля в развитието на руската опера XVIII век играе Василий Алексеевич Пашкевич(ок. 1742-1797) един от най-големите руски композитори XVIII век. Най-добрите от неговите опери („Нещастие от каретата“, „Скъперникът“, „Гостини двор в Санкт Петербург“) бяха много популярни; XIX век. Пашкевич беше майстор на ансамбловото писане, остри и добре насочени комедийни характеристики. Успешно възпроизвеждайки речеви интонации във вокални партии, той изпревари принципите, които по-късно характеризират творческия метод на Даргомижски и Мусоргски.
Много талантлив артист се доказа в операта Евстиний Ипатиевич Фомин(1761-1800). Неговата опера "Кочияши в базата" .(1787) се отличава с майсторството на хоровата обработка на народни мелодии от различни жанрове. За всяка песен той намираше свой собствен стил на обработка. В операта са изпълнени протяжните песни „На татко славейчето не пее” и „Соколът високо лети”, оживените танцови песни „Беза в полето бушуваше”, „Млад млад, млад млад”, „Изпод дъба, изпод бряста”. Няколко песни, избрани за "Кочияшите", три години по-късно, почти непроменени, влизат в "Сборника руски народни песни" на Н.Л. Лвова - И. Прача.
В другото си произведение - мелодрамата "Орфей" (по текст на Ю. Князнин по античен мит, 1792 г.), Фомин за първи път въплъщава трагична тема в руска опера. Музиката на мелодрамата се превърна в едно от върховите творения на руското изкуство от Просвещението.
В увертюрата, предшестваща мелодрамата, талантът на Фомин като симфонист се разкрива напълно. В него композиторът с невероятно чувство за стил успя да предаде трагичния патос на един древен мит. Всъщност Фомин направи първата стъпка към създаването на руския симфонизъм. Така в недрата на театъра, както беше в Западна Европа, се ражда бъдещата руска симфония.
Оперите на Фомин бяха оценени само в средата XX век. По време на живота на композитора сценичната им съдба не беше щастлива. Операта „Кочияши на рамка”, написана за домашен театър, остана неизвестна за широката публика. Постановката на комичната опера „Американците“ (по либрето на младия И. А. Крилов) беше забранена (режисьорът на императорските театри не хареса това, по време на развитието на сюжета индианците щяха да изгорят двама европейци).
Домакински вокални текстове
Раждането на нов пласт фолклор е от голямо реформаторско значение в народното изкуство - градска песен.Възникна на основата на народна селска песен, която се „приспособява” към градския живот – нов начин на изпълнение: мелодията й е придружена от акорден съпровод на някакъв инструмент.
В средата на XVIII век в Русия се появява нов тип вокална музика - "руска песен" . Така наречените произведения за глас с инструментален съпровод, написани на руски поетични текстове. Лирични по съдържание, "руските песни" са предшествениците на руския романс.
Родоначалникът на "Руската песен" е виден сановник в двора на Екатерина II , образован любител на музиката Григорий Николаевич Теплов , автор на първата руска печатна песенник „Междувременно безделие...” (1759 г.) По стил и начин на представяне песните на Теплов представляват преходен жанр от песнопение към романс с акомпанимент. Формата на песните му обикновено е куплетна.
Жанрът на "Руската песен" е тясно свързан с фолклорната традиция. Следователно не е изненадващо, че много авторски песни са станали народни („Тук се втурва пощенската тройка“ от Иван Рупин по текст на Ф. Н. Глинка).
В края на XVIII векове се издигат талантливи майстори на камерния вокален жанр - Федор Дубянски И Осип Козловски . Създадените от тях „руски песни“, които вече имат доста развита партия на пиано и по-сложна форма, могат да се считат за първите руски романси. В тях ясно се чува ехо от градския живот („Гълъбът стене“ от Дубянски, „Сладка вечерна събота“, „Жестока съдба“ от Козловски).
В „Руските песни“ се използват широко стихотворения на известни поети: Сумароков, Державин, Дмитриев, Неледински-Мелецки. С образното си съдържание те се свързват с типичните настроения на изкуството. сантиментализъм. По правило това са любовна лирика: терзанията и насладите на любовта, раздялата, предателството и ревността, „жестока страст“.
Много популярни бяха и анонимните "Руски песни", публикувани от Ф. Майер ("Сборник на най-добрите руски песни", 1781 г.).
Камерна инструментална музика
През 70-80-те години на XVIII век в Русия започва формирането на професионален камерен инструментализъм. По това време руските музиканти овладяват сложните форми на инструментална музика, развивайки жанровете соло соната, вариации и камерен ансамбъл. Този процес е тясно свързан с повсеместното разпространение на домашното музициране. Дълго време музиката на градския или имотния живот остава „хранителната среда“, в която узряват ранните кълнове на националния инструментален стил.
Първите руски инструментални ансамбли принадлежат на Дмитрий Бортнянски. Това е клавирен квинтет и Камерна симфония, която всъщност е септет за пиано, арфа, две цигулки, виола да гамба, фагот и виолончело.
Особено любими бяха всички видове танцови пиеси – менуети, полонези, екосеси, селски танци – и вариации по темите на народни песни за различни инструменти. Създадени са много такива вариации за цигулката Иван Евстафиевич Хандошкин (1747-1804), представител на петербургската школа - композитор, изключителен виртуозен цигулар, диригент и учител. Хандошкин се слави с изкуството на импровизацията, той също е добър в свиренето на виола, китара и балалайка.
В историята на руската музика името на Хандошкин се свързва със създаването на националната школа по цигулка. По-голямата част от творческото му наследство се състои от вариации по темите на руските народни песни и сонати за цигулка, две цигулки, цигулка и виола или цигулка с бас.С тези композиции руската камерна и инструментална музика за първи път напуска близкия кръг на дома музициране, придобивайки виртуозен размах. Важно е също така те да постигнат доста органично единство на европейския инструментален език и руския фолклор. Изследователите смятат, че мелодиите на някои от песните, взети от композитора като теми за вариации, са записани за първи път от него.
Вариации на руски теми за пиано са написани от Трутовски (например по темата на народната песен „В гората имаше много комари), Караулов, както и чуждестранни музиканти, работили в Русия.
Ролята на чуждестранните музиканти в развитието на руската музика е двойна. Справедливите упреци на прогресивната публика бяха предизвикани от сляпото възхищение на аристократичните кръгове от всичко чуждо, свързано с подценяването на руското изкуство. Същевременно дейността на чуждестранни композитори, изпълнители и преподаватели допринесе за общото издигане на музикалната култура и образованието на родните професионални музиканти.
Съдбата на творческото му наследство е драматична: повечето от творбите на композитора, изпълнявани през целия 19 век, остават в ръкопис и се съхраняват в Придворната пееща параклиса. През първите десетилетия XX век, целият най-богат архив на параклиса с уникални автографи на много руски композитори е изгорен.
Успехът и признанието, покровителството на най-висшите лица дойде при Березовски рано. Още в ранна възраст, след като стана известен в Русия, той скоро стана първият руски композитор, приет за член на известната Болонска академия. Въпреки това, въпреки всички високи отличия, след като се завърна в родината си след 9-годишен престой в чужбина, Максим Березовски не можа да постигне никаква забележима позиция. Записването му в Придворната капела в скромната позиция на обикновен служител очевидно не отговаряше нито на натрупания чуждестранен опит, нито на творческите възможности. Очевидно това предизвика у композитора чувство на горчиво разочарование, въпреки че неговите хорови духовни композиции бяха научени от всички любители на църковното пеене и високо оценени от неговите съвременници.параклис, военни и крепостни оркестри, частни театри или са се обучавали у дома. В културната среда XVIII век музиката заемаше най-ниско положение, тя беше изцяло зависима от покровителството, а самият музикант в аристократичното общество заемаше позицията на полуслуга. Творенията на руски автори често се смятаха за "второкласна" музика в сравнение с произведенията на германци или италианци. Нито един домашен господар не е достигнал високо положение в двора.
Умният и хитър мелничар Тадеус, преструвайки се на всемогъщ магьосник, напълно обърка главите на наивните си съседи. Всичко обаче завършва с весела сватба на момичето Анюта и красивия селски момък Филимон.
На пощенската станция – настройка – събират се кочияшите. Сред тях е и младият кочияш Тимофей, който успя и с лице, и с интелект, и с ловкост. С него е млада красива съпруга Фадеевна, която обича съпруга си. Но Тимъти има завистлив и най-лош враг – крадеца и измамник Филка Пролаза. Тази Филка мечтае да продаде щастливия Тимъти като новобранец и да завладее жена му, която отдавна го привлича. И Тимъти щеше да бъде войник, ако не беше минаващ офицер. Той помага да освободи Тимотей като единствен изхранващ селско семейство от служба. Самият Филка влиза във войниците.
Мелодрамата е театрална пиеса с музика, която се редува с рецитиране, а понякога се изпълнява едновременно с произнасянето на текста.
Музикалният класицизъм и основните етапи на неговото развитие
Класицизъм (от лат. сlassicus - примерен) - стил в изкуството на 17 - 18 век. Името "класицизъм" идва от призива към класическата античност като най-висок стандарт за естетическо съвършенство. Представителите на класицизма черпиха своя естетически идеал от образци на древното изкуство. Класицизмът се основаваше на вярата в рационалността на битието, в наличието на ред и хармония в природата и вътрешния свят на човека. Естетиката на класицизма съдържа сбора от задължителни строги правила, с които едно произведение на изкуството трябва да се съобразява. Най-важните от тях са изискването за баланс между красота и истина, логическа яснота, хармония и завършеност на композицията, строги пропорции и ясно разграничение между жанрове.
В развитието на класицизма се отбелязват 2 етапа:
Класицизмът от 17 век, който се развива отчасти в борбата с изкуството на барока, отчасти във взаимодействието с него.
Просвещенският класицизъм от 18 век.
Класицизмът от 17-ти век е в много отношения антитеза на барока. Най-пълно изражение получава във Франция. Това е разцветът на абсолютната монархия, която осигурява най-високо покровителство на придворното изкуство и изисква от него помпозност и блясък. Трагедиите на Корней и Расин, както и комедиите на Молиер, на чието творчество Лули разчита, стават върхът на френския класицизъм в областта на театралното изкуство. Неговите „лирически трагедии” носят отпечатъка на въздействието на класицизма (строга логика на строителството, героизъм, сдържан характер), въпреки че имат и барокови черти – великолепието на оперите му, изобилието от танци, шествия, хорове.
Класицизмът на 18 век съвпада с епохата на Просвещението. Просвещението е широко движение във философията, литературата и изкуството, което е погълнало всички европейски страни. Името „Просвещение“ се обяснява с факта, че философите от тази епоха (Волтер, Дидро, Русо) се стремят да образоват своите съграждани, опитват се да разрешат въпроси за структурата на човешкото общество, човешката природа и неговите права. Просветителите изхождаха от идеята за всемогъществото на човешкия ум. Вярата в човек, в неговия ум определя светлото, оптимистично настроение, присъщо на възгледите на дейците на Просвещението.
Операта е в центъра на музикални и естетически спорове. Френските енциклопедисти го смятаха за жанр, в който трябва да бъде възстановен синтезът на изкуствата, съществували в античния театър. Тази идея е в основата на K.V. Глюк.
Голямото постижение на просветителския класицизъм е създаването на жанра симфония (сонатно-симфоничен цикъл) и сонатната форма, която се свързва с творчеството на композиторите от школата в Манхайм. Манхаймската школа се формира в град Манхайм (Германия) в средата на 18 век на базата на придворен параклис, в който работят предимно чешки музиканти (най-големият представител е чехът Ян Стамиц). В творчеството на композиторите на школата в Манхайм се установява 4-частната структура на симфонията и класическата композиция на оркестъра.
Школата в Манхайм става предшественик на виенската класическа школа - музикално направление, обозначаващо творчеството на Хайдн, Моцарт, Бетовен. В творчеството на виенските класици се оформя окончателно превърналият се в класика сонатно-симфоничен цикъл, както и жанровете на камерния ансамбъл и концерта.
Сред инструменталните жанрове особено популярни бяха различни видове ежедневна развлекателна музика - серенади, дивертисменти, които звучаха на открито вечер. Divertimento (френско забавление) - многочастни инструментални произведения за камерен ансамбъл или оркестър, съчетаващи характеристиките на соната и сюита и близки до серенада, ноктюрн.
К. В. Глук - великият реформатор на операта
Кристоф Вилибалд Глук (1714 - 1787) - германец по рождение (роден в Ерасбах (Бавария, Германия)), въпреки това е един от видните представители на виенската класическа школа.
Реформаторската дейност на Глук се провежда във Виена и Париж и се осъществява в съответствие с естетиката на класицизма. Общо Глук пише около 40 опери - италиански и френски, бифа и серия, традиционни и новаторски. Именно благодарение на последния той си осигури видно място в историята на музиката.
Принципите на реформата на Глук са очертани в неговия предговор към партитурата на операта Алцест. Те се свеждат до това:
Музиката трябва да изразява поетичния текст на операта; тя не може да съществува самостоятелно, извън драматичното действие. Така Глук значително повишава ролята на литературната и драматургичната основа на операта, подчинявайки музиката на драмата.
Операта трябва да има морално въздействие върху човек, оттук и привличането към древни сюжети с техния висок патос и благородство („Орфей и Евридика“, „Париж и Елена“, „Ифигения в Авлида“). Г. Берлиоз нарече Глук "Есхил на музиката".
Операта трябва да отговаря на „трите велики принципа на красотата във всички изкуства” – „простота, истина и естественост”. Необходимо е да се освободи операта от прекомерна виртуозност и вокална орнаментация (присъща на италианската опера), сложни сюжети.
Не трябва да има рязък контраст между арията и речитатива. Глук заменя секо речитатив с акомпанимент, в резултат на което се доближава до ария (в традиционната оперна серия речитативите служат само като връзка между концертните номера).
Глук също интерпретира арии по нов начин: той въвежда характеристики на импровизационна свобода, свързва развитието на музикалния материал с промяна в психологическото състояние на героя. Арии, речитативи и хорове се комбинират в големи драматични сцени.
Увертюрата трябва да изпревари съдържанието на операта, да въведе слушателите в нейната атмосфера.
Балетът не трябва да бъде интерстициален номер, който не е свързан с действието на операта. Неговото въвеждане трябва да се определя от хода на драматичното действие.
Повечето от тези принципи са въплътени в операта „Орфей и Евридика“ (премиера през 1762 г.). Тази опера поставя началото на нов етап не само в творчеството на Глук, но и в историята на цялата европейска опера. Орфей е последван от друга от неговите пионерски опери, Алцест (1767).
В Париж Глук пише други реформистки опери: Ифигения в Авлида (1774), Армида (1777), Ифигения в Таврида (1779). Постановката на всеки от тях се превърна в грандиозно събитие в живота на Париж, което предизвика разгорещен спор между „глюкистите“ и „пичинистите“ – привърженици на традиционната италианска опера, която е олицетворена от неаполитанския композитор Николо Пичини (1728 г. – 1800). Победата на Глук в този спор е белязана от триумфа на неговата опера Ифигения в Таврид.
Така Глук превърна операта в изкуство на високите образователни идеали, насищайки я с дълбоко морално съдържание и разкривайки на сцената истински човешки чувства. Оперната реформа на Глук оказва ползотворно влияние както върху неговите съвременници, така и върху следващите поколения композитори (особено виенските класици).
