Публикации раздел Театри

Известни руски балети. Топ 5

Класическият балет е невероятна форма на изкуство, родена в Италия по време на зрелия Ренесанс, "преместена" във Франция, където заслугата за неговото развитие, включително основаването на Академията за танци и кодификацията на много движения, принадлежат на крал Луи XIV. . Франция изнася изкуството на театралния танц във всички европейски страни, включително Русия. В средата на 19 век столицата на европейския балет вече не е Париж, който дава на света шедьоврите на романтизма „Силфида“ и „Жизел“, а Петербург. Именно в северната столица е работил почти 60 години великият хореограф Мариус Петипа, създател на системата на класическия танц и автор на шедьоври, които все още не слизат от сцената. След Октомврийската революция те искаха да изхвърлят балета от кораба на модерността, но успяха да го защитят. Съветските времена бяха белязани от създаването на значителен брой шедьоври. Представяме пет домашни топ балета – в хронологичен ред.

"Дон Кихот"

Сцена от балета Дон Кихот. Една от първите постановки на Мариус Петипа

Премиера на балета от Л.Ф. Минкус "Дон Кихот" в Болшой театър. 1869 г От албума на архитекта Алберт Кавос

Сцени от балета Дон Кихот. Китри - Любов Рославлева (център). Постановка от A.A. Горски. Москва, Болшой театър. 1900 г

Музика Л. Минкус, либрето М. Петипа. Първа постановка: Москва, Болшой театър, 1869 г., хореография на М. Петипа. Следващи постановки: Петербург, Мариински театър, 1871, хореография М. Петипа; Москва, Болшой театър, 1900, Санкт Петербург, Мариински театър, 1902, Москва, Болшой театър, 1906, всички - хореография на А. Горски.

Балетът "Дон Кихот" е театрално представление, изпълнено с живот и ликуване, вечен празник на танца, който никога не уморява възрастните и на който родителите водят децата си с удоволствие. Въпреки че се нарича името на героя от известния роман Сервантес, той е базиран на един от епизодите му, "Сватбата на Китерия и Базилио", и разказва за приключенията на млади герои, чиято любов в крайна сметка побеждава, въпреки противопоставянето на упорития баща на героинята, който искаше да я омъжи за богатия Гамаш.

Така че Дон Кихот няма почти нищо общо с това. По време на представлението висок, слаб артист, придружен от нисък, коремест колега, изобразяващ Санчо Панса, обикаля из сцената, понякога затруднявайки гледането на красивите танци, композирани от Петипа и Горски. Балетът по същество е концерт в костюми, празник на класическия и характерен танц, където всички артисти от всяка балетна трупа имат какво да правят.

Първата постановка на балета се състоя в Москва, където Петипа посещаваше от време на време, за да повиши нивото на местната трупа, което не можеше да се сравни с брилянтната трупа на Мариинския театър. Но в Москва беше по-лесно да се диша, така че хореографът по същество постави балетна реминисценция за прекрасните години на младостта, прекарани в слънчева страна.

Балетът има успех и две години по-късно Петипа го премества в Санкт Петербург, което налага преработка. Там характерните танци се интересуваха много по-малко от чистата класика. Петипа разшири „Дон Кихот“ до пет действия, композира „бяло действие“, т. нар. „Сън за Дон Кихот“, истински рай за любителите на балерини в пачки, собственици на красиви крака. Броят на купидоните в "Мечтата" достигна петдесет и два...

Дон Кихот дойде при нас в преработка на московския хореограф Александър Горски, който обичаше идеите на Константин Станиславски и искаше да направи стария балет по-логичен и драматично убедителен. Горски унищожи симетричните композиции на Петипа, отмени пачките в сцената "Мечта" и настоя за използването на мургави гримове за испанските танцьори. Петипа го нарече „свиня“, но още в първата преработка на Горски балетът беше представен на сцената на Болшой театър 225 пъти.

"Лебедово езеро"

Декорация за първото представление. Голям театър. Москва. 1877 г

Сцена от балета "Лебедово езеро" от П.И. Чайковски (хореографи Мариус Петипа и Лев Иванов). 1895 г

Музика П. Чайковски, либрето В. Бегичев и В. Гелцер. Първа постановка: Москва, Болшой театър, 1877 г., хореография В. Райзингер. Следваща постановка: Санкт Петербург, Мариински театър, 1895 г., хореография М. Петипа, Л. Иванов.

Обичаният балет, чиято класическа версия е поставена през 1895 г., всъщност е роден осемнадесет години по-рано в Московския Болшой театър. Партитурата на Чайковски, чиято световна слава тепърва предстои, беше своеобразна колекция от „песни без думи“ и изглеждаше твърде сложна за онова време. Балетът се играе около 40 пъти и потъва в забвение.

След смъртта на Чайковски Лебедовото езеро е поставено в Мариинския театър и всички последващи постановки на балета са базирани на тази версия, която се превръща в класика. Действието получи голяма яснота и логика: балетът разказа за съдбата на красивата принцеса Одет, която беше превърната в лебед по волята на злия гений Ротбарт, за това как Ротбарт измами принц Зигфрид, който се влюби в нея, прибягвайки до прелестите на дъщеря си Одил и за смъртта на героите. Партитурата на Чайковски беше намалена с около една трета от диригента Рикардо Дриго и реорганизирана. Петипа създава хореографията за първо и трето действие, Лев Иванов за второ и четвърто. Тази раздяла идеално отговаряше на призванието и на двамата брилянтни хореографи, вторият от които трябваше да живее и умре в сянката на първия. Петипа е бащата на класическия балет, създател на безупречно хармонични композиции и певец на жена-фея, жена-играчка. Иванов е иновативен хореограф с необичайно чувствително усещане за музика. Ролята на Одет-Одил се изигра от Пиерина Леняни, „кралицата на миланските балерини“, тя е и първата Раймонда и изобретател на 32 фуета, най-трудният тип въртене на пуант.

Може да не знаете нищо за балета, но Лебедовото езеро е известно на всички. През последните години от съществуването на Съветския съюз, когато възрастните лидери доста често се сменяха един друг, прочувствената мелодия на „белия“ дует на главните герои на балета и изблиците на криле от телевизионния екран предвещаваха тъжна събитие. Японците толкова много обичат Лебедовото езеро, че са готови да го гледат сутрин и вечер в изпълнение на всяка трупа. Нито една гастролираща трупа, от която има много в Русия и особено в Москва, не може без Лебединой.

"Лешникотрошачката"

Сцена от балета Лешникотрошачката. Първа постановка. Мариана - Лидия Рубцова, Клара - Станислава Белинская, Фриц - Василий Стуколкин. Мариински театър. 1892 г

Сцена от балета Лешникотрошачката. Първа постановка. Мариински театър. 1892 г

Музика П. Чайковски, либрето М. Петипа. Първа постановка: Санкт Петербург, Мариински театър, 1892 г., хореография Л. Иванов.

От книги и уебсайтове все още се разпространява погрешна информация, че Лешникотрошачката е поставена от бащата на класическия балет Мариус Петипа. Всъщност Петипа пише само сценария, а първата постановка на балета е осъществена от неговия подчинен Лев Иванов. Невъзможна задача се падна на участта на Иванов: сценарият, създаден в стила на тогавашната модна балетна феерия с задължителното участие на италиански гост-изпълнител, беше в явно противоречие с музиката на Чайковски, която, макар и написана в стриктно съответствие с инструкциите на Петипа, се отличава с голямо чувство, драматично богатство и сложно симфонично развитие. Освен това героинята на балета беше тийнейджърка, а балерината-звезда беше подготвена само за финалното pas de deux (дует с партньор, състоящ се от адажио - бавна част, вариации - солови танци и кода (виртуозен финал)). Първата постановка на Лешникотрошачката, където първият, предимно пантомимен акт, се различава рязко от втория, акт за дивертисмент, не беше много успешен, критиците отбелязаха само Валсът на снежните люспи (в него участваха 64 танцьори) и Pas deux на „Феята на дражето и принцът от магарешка кашлица“, вдъхновен от „Адажио с роза“ на Иванов от „Спящата красавица“, където Аврора танцува с четирима господа.

Но през 20-ти век, който успя да проникне в дълбините на музиката на Чайковски, Лешникотрошачката е предопределена за наистина фантастично бъдеще. Има безброй балетни представления в Съветския съюз, европейските страни и САЩ. В Русия особено популярни са постановките на Василий Вайнонен в Ленинградския държавен академичен театър за опера и балет (сега Мариински театър в Санкт Петербург) и Юрий Григорович в Московския Болшой театър.

"Ромео и Жулиета"

Балет Ромео и Жулиета. Жулиета - Галина Уланова, Ромео - Константин Сергеев. 1939 г

Г-жа Патрик Кембъл в ролята на Жулиета в „Ромео и Жулиета“ на Шекспир. 1895 г

Финал на Ромео и Жулиета. 1940 г

Музика С. Прокофиев, либрето С. Радлов, А. Пиотровски, Л. Лавровски. Първа постановка: Бърно, Театър за опера и балет, 1938 г., хореография В. Псота. Последваща продукция: Ленинград, Държавен академичен театър за опера и балет. С. Киров, 1940 г., хореография Л. Лавровски.

Ако фразата на Шекспир в добре познат руски превод гласи "Няма по-тъжна история в света от историята на Ромео и Жулиета", тогава те казаха за балета на великия Сергей Прокофиев, написан на този сюжет: „Няма по-тъжна история на света от музиката на Прокофиев в балета“. Наистина невероятна по красота, богатство на цветове и изразителност, партитурата на "Ромео и Жулиета" по време на появата си изглеждаше твърде сложна и неподходяща за балет. Балетистите просто отказаха да танцуват с нея.

Прокофиев пише партитурата през 1934 г. и първоначално тя е била предназначена не за театъра, а за прочутото Ленинградско академично хореографско училище, за да отпразнува своята 200-годишнина. Проектът не беше реализиран поради убийството на Сергей Киров в Ленинград през 1934 г. и настъпиха промени във водещия музикален театър на втората столица. Нито се осъществи планът за постановка на Ромео и Жулиета в Московския Болшой. През 1938 г. премиерата е показана от театър в Бърно, а само две години по-късно балетът на Прокофиев най-накрая е поставен в родината на автора, в тогавашния Кировски театър.

Хореографът Леонид Лавровски, в рамките на жанра „драмбалет“ (форма на хореографска драма, характерна за балета от 1930-50-те години), силно приветстван от съветските власти, създаде впечатляващ, вълнуващ спектакъл с внимателно изваяни сцени от тълпата и фино определени психологически характеристики на героите. На негово разположение беше Галина Уланова, най-изисканата балерина-актриса, която остана ненадмината в ролята на Жулиета.

Партитурата на Прокофиев беше бързо оценена от западните хореографи. Първите версии на балета се появяват още през 40-те години на миналия век. Техни създатели са Биргит Кулберг (Стокхолм, 1944) и Маргарита Фроман (Загреб, 1949). Известни постановки на "Ромео и Жулиета" принадлежат на Фредерик Аштън (Копенхаген, 1955), Джон Кранко (Милано, 1958), Кенет Макмилан (Лондон, 1965), Джон Ноймайер (Франкфурт, 1971, Хамбург, 1973).I. Моисеев, 1958 г., хореография Ю. Григорович, 1968 г.

Без "Спартак" концепцията за "съветски балет" е немислима. Това е истински хит, символ на епохата. Съветският период развива други теми и образи, дълбоко различни от традиционния класически балет, наследен от Мариус Петипа и императорските театри на Москва и Санкт Петербург. Приказките с щастлив край бяха архивирани и заменени от героични истории.

Още през 1941 г. един от водещите съветски композитори Арам Хачатурян говори за намерението си да напише музика за монументално, героично представление, което ще бъде поставено в Болшой театър. Темата за него е епизод от древната римска история, въстание на роби, водено от Спартак. Хачатурян създаде колоритна партитура, използвайки арменски, грузински, руски мотиви и пълна с красиви мелодии и огнени ритми. Постановката трябваше да бъде поставена от Игор Моисеев.

Отне много години работата му да излезе пред публиката и се появи не в Болшой театър, а в театъра. Киров. Хореографът Леонид Якобсон създаде зашеметяващо новаторско представление, изоставяйки традиционните атрибути на класическия балет, включително танц на пуант, използвайки безплатни пластмасови обувки и балеринки в сандали.

Но балетът "Спартак" се превръща в хит и символ на епохата в ръцете на хореографа Юрий Григорович през 1968 г. Григорович впечатли зрителя с напълно изградена драматургия, фино изобразяване на героите на главните герои, умело постановяване на сцени от тълпа, чистота и красота на лирическите адажио. Той нарече работата си „спектакъл за четири солисти с кордебалет“ (корпус де балет – артисти, участващи в масови танцови епизоди). Владимир Василиев изигра ролята на Спартак, Крас - Марис Лиепа, Фригия - Екатерина Максимова и Егина - Нина Тимофеева. Card de ballet е предимно мъжки, което прави балета "Спартак" единствен по рода си.

В допълнение към добре познатите четения на Спартак от Якобсон и Григорович, има още около 20 постановки на балета. Сред тях са версията на Иржи Блазек за балета в Прага, Ласло Серега за балета в Будапеща (1968), Юри Вамос за Арена ди Верона (1999), Ренато Занела за балета на Виенската държавна опера (2002), Наталия Касаткина и Владимир Василиев за Държавния академичен театър режисира класически балет в Москва (2002).

Искате или не, не може да се пренебрегне известният шедьовър на руския композитор в четири действия, благодарение на който немската легенда за красивото момиче лебед е увековечена в очите на ценителите на изкуството. Според сюжета принцът, влюбен в кралицата лебед, я предава, но дори осъзнаването на грешката не спасява нито него, нито любимата му от бушуващите стихии.

Образът на главния герой - Одет - допълва галерията от женски символи, създадена от композитора през живота му. Прави впечатление, че авторът на сюжета на балета все още е неизвестен, а имената на либретистите никога не са фигурирали на нито един плакат. За първи път балетът е представен през 1877 г. на сцената на Болшой театър, но първата версия се счита за неуспешна. Най-известната постановка е Петипа-Иванов, която става еталон за всички следващи изпълнения.

Най-добрите балети в света: Лешникотрошачката на Чайковски

Популярен в навечерието на Нова година, балетът за деца „Лешникотрошачката“ е представен за първи път на публиката през 1892 г. на сцената на известния Мариински театър. Сюжетът му е базиран на приказката на Хофман "Лешникотрошачката и мишият крал". Борбата на поколенията, конфронтацията между доброто и злото, мъдростта зад маската - дълбокият философски смисъл на приказката е облечен в ярки музикални образи, разбираеми за най-малките зрители.

Действието се развива през зимата, на Бъдни вечер, когато всички желания могат да се сбъднат – и това придава допълнителен чар на вълшебната история. Всичко е възможно в тази приказка: заветните желания ще се сбъднат, маските на лицемерието ще паднат и несправедливостта определено ще бъде победена.

************************************************************************

Най-добрите балети в света: Жизел от Адам

„Любов, която е по-силна от смъртта“ е може би най-точното описание на известния балет в четири действия на Жизел. Историята на момиче, умиращо от пламенна любов, което даде сърцето си на благороден млад мъж, сгоден за друга булка, е толкова живо предадена в грациозните па на стройни вили - булки, починали преди сватбата.

Балетът има огромен успех от първата постановка през 1841 г. и в продължение на 18 години на сцената на Парижката опера са поставени 150 театрални представления по произведението на известния френски композитор. Тази история толкова много спечели сърцата на ценителите на изкуството, че астероид, открит в края на 19 век, дори е кръстен на главния герой на историята. И днес нашите съвременници вече са се погрижили за запазването на една от най-големите перли на класическото произведение във филмовите версии на класическата продукция.

************************************************************************

Най-добрите балети в света: Дон Кихот от Минкус

Ерата на великите рицари отдавна отмина, но това не пречи на съвременните млади дами да мечтаят да срещнат Дон Кихот от 21-ви век. Балетът предава точно всички подробности от фолклора на жителите на Испания; и много майстори се опитаха да инсценират историята на благородното рицарство в съвременна интерпретация, но класическата продукция украсява руската сцена от сто и тридесет години.

Хореографът Мариус Петипа успя умело да въплъти целия вкус на испанската култура в танца благодарение на използването на елементи от национални танци, а някои жестове и пози директно показват мястото, където се развива сюжетът. Историята не е загубила значението си и днес: дори през 21 век Дон Кихот умело вдъхновява млади хора с топли сърца, които са способни на отчаяни дела в името на доброто и справедливостта.

************************************************************************

Най-добрите балети в света: Ромео и Жулиета от Прокофиев

Безсмъртната история на две влюбени сърца, обединени само след смъртта завинаги, е въплътена на сцената благодарение на музиката на Прокофиев. Постановката се състоя малко преди Втората световна война и трябва да отдадем почит на всеотдайните майстори, които се противопоставиха на обичайните по онова време заповеди, които преобладаваха и в творческата сфера на сталинската страна: композиторът запази традиционния трагичен край на парцела.

След първия грандиозен успех, който удостои спектакъла със Сталинската награда, имаше много версии, но буквално през 2008 г. се състоя традиционната продукция от 1935 г. в Ню Йорк с щастлив край на известната история, непозната до този момент на публиката .

************************************************************************

Приятно гледане!

Любителите на изкуството и балета често се чудят с какво са известни оперните театри по света? По какво се различават един от друг и каква е историята на тяхното изграждане? Всяка страна има театър, но не всеки е признат за най-добър сред другите.

Списък на оперните театри в света

Изкуството е ценено от хората от древни времена. Операта и балетът са нещо невероятно красиво, носещо елегантност и шик. Сред най-популярните в света ценителите на изкуството разграничават като:

• Estates Theatre в Прага;
• Ла Скала в Милано;
• "Сан Карло" в Неапол;
• Театър Одеса в Украйна;
• "Гранд опера" в Париж;
• във Виена;
• "Ковънт Гардън" в Лондон;
• „Grand Teatro Liceu” в Барселона;
• Метрополитън опера в Ню Йорк;
• Операта в Сидни;
• Новосибирск в Русия.

Във всяка страна има място, където можете да се потопите в света на изкуството. или оперети - това е специална стая, която е наситена с духа на талантливи хора.

Ла Скала в Милано

Tetra е открита през 1778 г. Любителите на изкуството го смятат за най-красивия и грациозен. То получи толкова необичайно име, защото е построено на мястото на стара църква.

По време на Втората световна война структурата е напълно разрушена, но по-късно възстановена.

Театърът е забележителен с факта, че може да побере повече от две хиляди зрители, а дълбочината на сцената е 30 метра. Интересното е, че пейзажът се променя с помощта на сложна система с ръчни механизми.

Билетите за Ла Скала могат да струват до 2000 долара. На входа има дрескод, който включва черни вечерни рокли.

Сан Карло в Неапол

Този театър е най-големият в Европа. Откриването му става през 1737 г. Залата е предназначена за повече от 3 хиляди зрители.

Историята му се помни с това, че е възстановена след пожар през 1817 г., след което става още по-луксозна. Шикозната декорация и интериор я правят една от най-добрите оперни театри в света.

Посетителите на "Сан Карло" в Неапол казват, че интериорният дизайн оставя трайно впечатление. Театърът е домакин на най-известните представления.

Ковънт Гардън в Лондон

Като една от най-добрите оперни театри в света, според посетителите е една от най-ярките и необичайни. Ковънт Гардън е основана през 1946 г. Това е кралски театър, така че в него играят само най-добрите актьори.

Ценителите на изкуството идват в Лондон, за да видят опера или балет на красива сцена. Цената на билетите в театъра не надвишава 200 паунда, а повечето продукции са на английски език.

Гранд Опера в Париж

Известните оперни театри в света се различават от останалите със своята елегантност, украса и невероятна красота. Точно това е Гранд Опера в Париж.

Откриването му става през 1669 г. Залата може да побере 1900 зрители. Театърът се смята за най-красивия. Отличава се с необичайни фасади, допълнени от арки, скулптури и стенописи.

В историята на театъра е имало представления. Според статистиката това е най-посещаваната сцена в целия свят. Театърът е център на културния живот на Франция.

Театър Одеса в Украйна

За първи път е построена през 1810 г., а след това напълно изгоря. Реставрацията е извършена само 11 години след пожара, когато архитектите решават да създадат необичайна сграда с куполен покрив. Историята на оперните театри в света е разнообразна и невероятна. Театърът в Одеса не е изключение.

Външният вид и украсата му дават правото да бъде наречен една от най-красивите и известни оперни театри в света. Основната украса са боядисани тавани и голям кристален полилей.

Атмосферата на стаята позволява на всеки гост да се почувства като аристократ и да се потопи във вълшебния свят. След като посетих това място, искам да се върна отново, за да се потопя напълно в света на изкуството.

Виенската държавна опера

Кралски стил, богатство на интериора и особен чар отличават операта в град Виена. Театърът е наситен с живота и музиката на Моцарт. Необичайно красивата неоренесансова фасада ще впечатли всеки посетител.

Въпреки факта, че капацитетът му е само 1313 зрители, той остава един от най-известните оперни и балетни театри в света.

Интересното е, че всяка пролет е домакин на виенски бал. Това е красиво и величествено събитие, в което дами и господа сякаш се пренасят в старите времена.

Gran Teatro Liceu в Барселона

Сградата е построена през 1847 г. и може да побере повече от 2000 посетители. Въпреки факта, че през 1994 г. пожар унищожава по-голямата част от тетрата, тя е възстановена благодарение на оригиналните чертежи.

Изпълненията в него се провеждат както върху класически произведения, така и върху по-модерни. Интересното е, че любителите на операта идват от цял ​​свят, за да посетят този красив театър.

Основната отличителна черта на залата са столовете за зрители, които са изработени от чугун и тапицирани в ярко червено кадифе. Стените са украсени с лампи във формата на дракон.

Estates Theatre в Прага

Открит е през 1783 г. и може да побере 1200 посетители. Това е единствената театрална сграда в Европа, която е запазена от построяването й.

На входа има забележителна скулптура „Командир”, създадена по едноименната опера на Моцарт. Тя прилича на черно наметало и олицетворява творчеството.

Представленията в театъра се провеждат на няколко езика: чешки, немски, италиански. Репертоарът е доста разнообразен и ще може да зарадва всеки зрител.

Операта в Сидни

Сградата му се смята за една от най-красивите в света. Построен в стила на експресионизма, той се различава от останалите по това, че покривът е направен във формата на платно.

Откриването на театъра се проведе от Елизабет II. Строителството на сградата отне над 14 години и над 7 милиона долара бяха похарчени за нея.

Театралните представления се считат за шедьоври. Разделен е на две зали, всяка от които е изпълнена с особен шик и елегантност. Таваните на всеки са подобрени, за да отразяват звука и да го направят по-приятен за слушателя.

Метрополитън опера в Ню Йорк

Този театър в САЩ е най-известният и посещаван. Той няма луксозни декорации и скъпи декорации, но е оборудван с модерни технологии, за да направи шоуто още по-вълнуващо.

Смята се, че пеенето в този театър е много престижно, въпреки скромните хонорари.

Залата може да побере повече от 3,5 хиляди души. Забележително е, че театърът не е обществена сграда и се издържа от дарения и частни лица. Това го прави още по-ценен за зрителите.

и балет

Сградата е най-голямата в Русия. Площта му е повече от 40 хиляди квадратни метра. Театърът е оборудван с модерни технологии и е проектиран с особен чар. За размера си му е дадено второ име - "Сибирски Колизеум".

В Русия това е една от най-големите театрални и художествени сгради. Покривът му е оформен като голям купол, което също го прави уникален и интересен.

От инженерна гледна точка сградата е сложна структура. Зрителите го смятат за уникален и неповторим.

Най-известните оперни театри в света се различават от другите по тованосят особен чар. Във всяка страна има място, където се провеждат продукции и представления. Операта и балетът са сред най-важните постановки, които предават на публиката произведенията на известни писатели и композитори. Мащабът, с който се развива действието на сцената, позволява на зрителя да усети емоциите на актьорите и певците.

Класиката не е само симфонии, опери, концерти и камерна музика. Някои от най-разпознаваемите класически произведения се появяват под формата на балет. Балетът възниква в Италия по време на Ренесанса и постепенно се развива в техническа форма на танц, която изисква много обучение от танцьорите. Първата създадена балетна трупа е Балетът на Парижката опера, който е създаден, след като крал Луи XIV назначава Жан-Батист Люли за директор на Кралската музикална академия. Композициите на Люли за балет се считат от много музиколози за повратна точка в развитието на жанра. Оттогава популярността на балета бавно избледнява от една страна в друга, давайки възможност на композитори от различни националности да композират някои от най-известните си произведения. Ето седем от най-популярните и обичани балета в света.

Чайковски написа този вечен класически балет през 1891 г., който е най-често изпълняваният балет на съвременната епоха. В Америка за първи път Лешникотрошачката се появява на сцената едва през 1944 г. (изпълнена е от балета на Сан Франциско). Оттогава стана традиция да се поставя Лешникотрошачката през новогодишния и коледен сезон. Този страхотен балет не само има най-разпознаваемата музика, но историята му носи радост както на деца, така и на възрастни.

Лебедово езеро е най-сложният в техническо и емоционално отношение класически балет. Музиката му изпреварва времето си и много от ранните й изпълнители твърдят, че Лебедовото езеро е твърде трудно за танцуване. Всъщност за оригиналната първа постановка се знае много малко, а това, с което всички са свикнали днес, е постановката, преработена от известните хореографи Петипа и Иванов. Лебедово езеро винаги ще се счита за еталон на класическите балети и ще се изпълнява от векове.

Сън в лятна нощ

Комедията на Шекспир „Сън в лятна нощ“ е адаптирана в много стилове на изкуството. Първият пълнометражен балет (за цялата вечер) по тази творба е поставен през 1962 г. от Джордж Баланчин по музика на Менделсон. Днес „Сън в лятна нощ“ е много популярен балет, който е обичан от мнозина.

Балетът "Копелия" е написан от френския композитор Лео Делиб и хореография на Артур Сен-Леон. „Копелия“ е безгрижна история, изобразяваща мъжкия конфликт между идеализъм и реализъм, изкуство и живот, с жива музика и оживени танци. Световната му премиера в Парижката опера е огромен успех през 1871 г., а балетът остава успешен и днес, като е в репертоара на много театри.

Питър Пан

Питър Пан е великолепен балет, подходящ за цялото семейство. Танците, декорите и костюмите са цветни като самата история. Питър Пан е сравнително нов в света на балета и тъй като няма една негова класическа версия, балетът може да бъде интерпретиран по различен начин от всеки хореограф, хореограф и музикален директор. Въпреки че всяка постановка може да се различава една от друга, историята остава почти същата, поради което този балет е класифициран като класика.

Спящата красавица

„Спящата красавица“ е първият известен балет на Чайковски. В него музиката е не по-малко важна от танците. Историята на Спящата красавица е перфектната комбинация от балетно-кралски тържества във великолепен замък, битката между доброто и злото и триумфалната победа на вечната любов. Хореографията е създадена от световноизвестния Мариус Пепита, който също режисира „Лешникотрошачката“ и „Лебедово езеро“. Този класически балет ще се играе до края на времето.

Пепеляшка

Има много версии на Пепеляшка, но най-често срещаната е тази на Сергей Прокофиев. Прокофиев започва работата си върху Пепеляшка през 1940 г., но поради Втората световна война завършва партитурата едва през 1945 г. През 1948 г. хореографът Фредерик Аштън поставя постановката изцяло с музиката на Прокофиев, която има огромен успех.

Великобритания. Преди турнето на трупата на Дягилев и Анна Павлова в Лондон през 1910-те и 1920-те години, балетът е въведен в Англия главно от изпълненията на някои известни балерини на сцените на мюзик Холи, като датската Аделин Жене (1878- 1970 г.). Английският балет дължи своето раждане на две жени, работили за Дягилев: Мари Рамбер (1888-1982), родом от Полша, и Нинет дьо Валоа (р. 1898), родена в Ирландия, но обучаваща се в Лондон. Рамбер, ученик на музиканта и създател на системата за художествена гимнастика Емил Жак-Далкроз, беше поканен от Дягилев да помогне на Нижински, когато трябваше да работи върху партитурата на „Пролетния ритуал на Стравински“, която беше много трудна по отношение на ритъма . Няколко години тя танцува в кордебалета на руската балетна трупа, след което се завръща в Англия и през 1920 г. открива собствено училище. Нейните ученици се представиха, първо наречени танцьорите на Мари Рамбер, а след това като част от балетния клуб, в малкия театър Mercury, разположен в Нотинхил Гейт, Лондон. Именно в Рамбер започват кариерата си много известни английски артисти, включително хореографите Фредерик Аштън и Антъни Тюдор. И двамата се насочиха към танци като възрастни, но много скоро започнаха да поставят малки балети при Рамбер. През 30-те години на миналия век в техните постановки израства цяло поколение млади английски танцьори. Дьо Валоа, който също танцува в трупата на Дягилев, след като го напуска, открива училище в Лондон, което скоро става част от театъра на Sadler's Wells, а през 1931 г. от нейните ученици се формира балетът на Вик Уелс; през 1948 г. е наречен "Sadler's Wells Balle". Аштън обедини усилията си с Нинет дьо Валоа, за да създаде балети, които извадиха на бял свят талантите на младите артисти, обучени от Дьо Валоа, Марго Фонтейн (1919-1991), Берил Грей (р. 1927), Робърт Хелпман (1909-1986), Мойра Шиърър (р. 1926 г.). С тяхно участие през следващите четиридесет години се развива специфично английски стил на балетно изпълнение и изпълнение, който се характеризира с виртуозност, драматизъм и чист класически лиризъм. Продукциите на Аштън включват тези, пълни с хумор (Facade, 1931, музика от Уилям Уолтън; Vain Precaution, 1960, музика от Фердинанд Херолд, аранжирана от Джон Лънчбъри) и трагични (Ondine, 1958, музика от H.W. Henze; ​​A Month in the Кънтри, 1976, по музика от Ф. Шопен), безсюжетни (Симфонични вариации, 1946, по музика от С. Франк; Монотония 1 и Монотония 2, 1965, 1966, по музика от Е. Сати) и разказ (Пепеляшка, 1948, музика на Прокофиев; Мечта, 1964, по музика Ф. Менделсон в обработката на Ланчбъри). Аштън с охота създава балети по литературни произведения: например неговият сън е базиран на пиесата на Шекспир „Сън в лятна нощ“, а „Луна в провинцията“ е по едноименната пиеса на Тургенев. Муза на Аштън беше Марго Фонтейн, чийто талант на балерина се развива едновременно с неговите хореографски експерименти. Създава последния си балет за нея през 1963 г.: това е Маргьорит и Арман (по „Дамата с камелии“ от сина Александър Дюма и по музика на Ф. Лист). По това време Фонтейн, който вече беше над четиридесет, изживява сякаш младост от втори етап, намирайки нов партньор в лицето на танцьора Рудолф Нуреев, който емигрира от Съветския съюз. Аштън е вдъхновен от талантите на голямо разнообразие от изпълнители: драматичната природа на Лин Сиймор (р. 1939) или Кристофър Гейбъл (1940-1998), брилянтна техника и в същото време емоционалност, проявени в дуета на Антъни Дауъл ( род. 1943) и Антониет Сибли (р. 1939). За съжаление, след смъртта на Аштън (1988), постановките му не се съхраняват със същата грижа, с която в Америка се съхраняват балетите на Баланчин или Тюдор. През 30-те години на миналия век Нинет дьо Валоа кани Николай Сергеев (1876-1951), директор на Мариинския театър, който е емигрирал от Русия, да постави класически балети от 19 век, за да обогати репертоара и да предостави на артистите възможност да овладеят преди това непривични танцови форми. До 1956 г. балетът на Sadler's Wells се превръща в Кралския балет и се представя в Кралската опера, Ковънт Гардън. През 60-те и 70-те години драматичните балети на Кенет Макмилан се появяват в репертоара му, заедно с традиционните класически произведения и постановки на Фредерик Аштън. Неговите изпълнения се отличават със своята подчертана драматичност, пълни са с акробатични стъпки и опори, които служат като израз на интензивни емоции. Най-успешните изпълнения на Макмилън са многоактните "Ромео и Жулиета" (музика Прокофиев, 1965) и Манон (1974, по музика от Ж. Масне, аранжимент на Лейтън Лукас), които се поставят в много страни. Аштън, който ръководи Кралския балет от 1963 г., се пенсионира през 1970 г. след напускането на дьо Валоа. До 1977 г. компанията работи под ръководството на Макмилан, след това Норман Морис (род. танцьорка и хореограф Марта Греъм (1894-1991). През 1986 г. Дауъл, танцьор, който е работил с Аштън, поема поста ръководител на групата, докато Макмилън остава един от хореографите на компанията до смъртта си през 1992 г. Той е заменен като хореограф от Дейвид Бинтли (р. 1957), чиито балети, понякога драматични, понякога безсюжетни, са много разнообразни по стил и жанр. Доуъл въвежда в репертоара постановките на Баланчин и Робинс, както и произведенията на У. Форсайт и някои от танцьорите на трупата. Той кани на гости танцьори от Русия, Франция и САЩ, но в същото време обръща внимание на собствените си артисти: при него процъфтяват талантите на Дарси Бюсел (р. 1969) Вивиана Дюранте (р. 1967). В отговор на критиките, сочещи липсата на внимание към наследството на Аштън, Дауъл организира Кралския балетен фестивал за сезон 1994-1995. През 40-те и 40-те години на миналия век трупата на Balle Rambert продължава да поставя нови балети, като запазва оригиналните класически балети в репертоара си, предназначени за малък актьорски състав. През 1966 г. трупата е реорганизирана, като напълно изоставя традиционните представления и запазва само произведения в стила на модерния танц. През 1987 г. неин ръководител става Ричард Алстън (р. 1948), който е повлиян главно от стила на американския хореограф Мърс Кънингам (р. 1919). През 1994 г. този пост е зает от Кристофър Брус (р. 1945), бивш главен танцьор и хореограф на трупата. Други английски компании включват Английския национален балет, който има свой пряк предшественик в трупата, основана през 1949 г. от бившите танцьори от Дягилев Алисия Маркова и Антон Долин (1904-1983), която дълги години е известна като Лондонския балетен фестивал. През 1984 г. датчанинът Петер Шауфус (р. 1949), който ръководи трупата, възроди балета на Аштън „Ромео и Жулиета“, който по това време беше почти забравен. През 1990 г. ръководител на трупата става Иван Наги. Кралският балет винаги е поддържал втора, малка пътуваща трупа. Тя се установява в Бирмингам през 90-те години на миналия век и сега е известна като Кралския балет на Бирмингам.
Съветска Русия и други страни. В Русия балетът не губи значението си в годините след Първата световна война и под съветска власт, дори когато политическата и икономическа ситуация изглежда застрашава самото съществуване на Болшой и Мариински театър (който след Октомврийската революция е наричан Държавен театър за опера и балет, ГОТОБ, а от 1934 г. - на името на С. М. Киров). 20-те години на миналия век са период на интензивно експериментиране както във формата, така и в съдържанието на балетното представление. Има и постановки на Пролеткулт на политически и социални теми, а в Москва произведенията на Касян Голейзовски (1892-1970), а в Петроград (преименуван през 1924 г. на Ленинград) различни постановки на Фьодор Лопухов (1886-1973), включително неговото Величие на Вселената (1922) по музиката на Четвъртата симфония на Бетовен. Червеният мак по музика на Р. М. Глиер, балет, поставен през 1927 г. от Василий Тихомиров (1876-1956) и Лев Лащилин (1888-1955) в Москва, послужи като прототип за много последващи съветски балети: това е многоактна спектакъл, чиято тема са благородни страсти и героични постъпки, а специално написаната музика е симфонична. Такива балети като през 1932 г. Пламъците на Париж от Василий Вайнонен (1901-1964) и през 1934 г. Бахчисарайският фонтан от Ростислав Захаров (1907-1984) - и двата с музика от Борис Асафиев, както през 1939 г. Лоренсия (музика Александър Кренсиан). ) от Вахтанг Чабукиани (1910-1992) и през 1940 г. Ромео и Жулиета от Леонид Лавровски (1905-1967) (музика на Прокофиев), могат да послужат като пример за онези естетически принципи, които са следвани не само от главните трупи - Театъра . С. М. Киров в Ленинград и Болшой театър в Москва - но и всички около 50 театъра, които са работили в страната. Въпреки че някои находки от 20-те години на миналия век са запазени, преобладават изпълнения, фокусирани върху съветската политическа идеология, а начинът на изпълнение се отличава с конзолност при изпълнението на движенията и гъвкавост (характеристики на ръцете и гърба), като едновременно с това се развиват високи скокове, акробатични повдигания (например високо повдигане на едната ръка на джентълмена) и бързо въртене, което придава на съветските балети специален драматичен израз. Един от учителите, допринесли за развитието на този стил, е Агрипина Ваганова (1879-1951). Бивша танцьорка в Мариинския театър, тя започва да преподава в края на изпълнителската си кариера. Ставайки преподавател в Ленинградското хореографско училище, Ваганова разработва програма и учебник по класически танци и подготвя своите ученици, за да могат да изпълняват както големите романтични балети от миналото, така и новите съветски, с тяхната виртуозна техника. В целия Съветски съюз, както и в Източна Европа, системата Ваганова беше поставена като основа за обучение. Зрителите в Западна Европа и Съединените щати на практика не са били запознати със съветския балет до средата на 50-те години, когато балетните трупи на Театъра. Киров и Болшой театър за първи път отидоха на турне на Запад. Интересът към него събуди удивителното майсторство на балерините от Болшой Галина Уланова (1910-1998), която с проницателен лиризъм предаваше чувствата на Жизел и Жулиета, и Мая Плисецкая (р. 1925), която порази с брилянтната си техника в ролята на Одет-Одилия в Лебедово езеро. Докато Болшой театър въплъщаваше най-зрелищните черти на съветския стил, класическата чистота на танцьорите на Кировския театър намира израз в такива артисти като Наталия Дудинская (р. 1912) и Константин Сергеев (1910-1992), които допринесоха за възраждане на традицията Петипа. Големи успехи постигат следните поколения артисти: Екатерина Максимова (р. 1939), Владимир Василиев (р. 1940), Наталия Бессмертнова (р. 1941) и Вячеслав Гордеев (р. 1948) в Болшой театър, Ирина Колпакова (р. 1941). 1933), Алла Сизова (р. 1939) и Юрий Соловьов (1940-1977) в Кировския театър. През 1961 г. Нуреев, един от водещите танцьори на Кировския театър, остава на Запад по време на турнето на трупата във Франция. Двама други видни артисти от същия театър - Наталия Макарова и Михаил Баришников - направиха същото (Макарова - в Лондон през 1970 г., Баришников - в Канада през 1974 г.). През 80-те години на миналия век административният и политически натиск върху изкуството в Съветския съюз намалява, Олег Виноградов (р. 1937), който ръководи балетната трупа на Театъра. Киров от 1977 г. започва да въвежда в репертоара балетите на Баланчин, Тюдор, Морис Бежар (р. 1927) и Робинс. По-малко склонен към иновации е Юрий Григорович (р. 1927), който от 1964 г. оглавява балет на Болшой. Ранните му постановки - Каменното цвете (музика Прокофиев, 1957) и Спартак (музика А. И. Хачатурян, 1968) - са типично съветски изпълнения. Григорович залага на зрелищни ефекти, уверено управлява голяма маса от енергично движещи се танцьори, широко използва народни танци, предпочита героични сюжети. В продължение на много години сцената на Болшой театър включваше почти изключително балети на Григорович или негови адаптации на стари пиеси като Лебедово езеро. В края на 80-те години на миналия век Ирек Мухамедов (р. 1960) и Нина Ананиашвили (р. 1963) от Болшой театър, както и Алтинай Асилмуратова (р. 1961) и Фарух Рузиматов (р. 1963) от Театъра Киров получава разрешение да играе с водещи балетни трупи на Запад, след което става част от тези групи. Дори Виноградов и Григорович започват да търсят възможности да покажат талантите си извън Русия, където държавното финансиране на театрите е значително намалено след разпадането на СССР през 1991 г. През 1995 г. Григорович е сменен като директор на балет „Болшой“ от Владимир Василиев. Други трупи в Санкт Петербург са балетът на Малия театър за опера и балет. М. П. Мусоргски (до 1991 г. се наричаше Малкия театър за опера и балет), Санкт Петербург "Балетен театър Борис Айфман", който се ръководи от хореографа Борис Айфман (р. 1946), трупата на хореографски миниатюри, създадена от Леонид Якобсон ( 1904-1975), работил в Театъра. Киров през 1942-1969 г., чието творчество стана известно на Запад. Трупата на Музикален театър им. К.С. Станиславски и Вл.И.Немирович-Данченко, Театър за класически балет. Внимание заслужава трупата "Експеримент", създадена в Перм от Евгений Панфилов (р. 1956). Разпадането на Съветския съюз и последвалата икономическа криза донесоха огромни трудности на балетните трупи, които дотогава бяха щедро субсидирани от държавата. Много танцьори и учители напуснаха страната, за да се установят в САЩ, Англия, Германия и други западни страни. По време на Студената война много страни в Източна Европа, които са били част от съветския блок, следват съветските принципи както в обучението на танцьори, така и в поставянето на пиеси. Когато границите се отвориха, много артисти от тези страни, особено от Унгария и Полша, се присъединиха към постиженията на хореографията на западните трупи, които дойдоха при тях, и започнаха сами да пътуват извън своите страни.
Франция. Френски балет в началото на 20 век беше в състояние на криза. Руските артисти, които бяха поканени в Парижката опера, по-специално от трупата на Дягилев, бяха много по-силни от френските изпълнители. След смъртта на Дягилев, водещият танцьор на неговата трупа Сергей Лифар (1905-1986), който веднъж пристигна във Франция от Украйна, оглавява балета на Парижката опера и остава на този пост през 1929-1945 г., след това през 1947-1958 г. . Под негово ръководство израстват отлични танцьори, особено прекрасната лирична балерина Ивет Шовир (р. 1917), станала известна с изпълнението на ролята на Жизел. Най-интересните експерименти в областта на хореографията бяха проведени извън Парижката опера, по-специално от Ролан Пети и Морис Бежар. Пети (р. 1924) напуска операта през 1944 г. и създава „Балет на Шанз-Елизе“, където поставя, наред с други спектакли, балета „Младост и смърт“ (1946 г., по музика на Й. С. Бах) за младия и динамичен танцьор Жан Бабиле (р. 1923). След това за трупата „Балет де Пари” създава една от най-известните си и дълготрайни постановки – Кармен (1949, по музика на Ж. Бизе) с Рене (Зизи) Жанмер (р. 1924). Чувството за театралност на Пети му позволява да работи в различни жанрове и да участва в комерсиални събития. От 1972-1998 г. ръководи Ballet National de Marseille, където поставя много стилни и трогателни театрални представления. След Лифар трупата на Парижката опера се ръководи един по един от известни майстори като Харалд Ландер (1905-1971), Жорж Скибин (1920-1981), Виолета Верди и Розела Хайтауър (р. 1920). Репертоарът е обогатен от произведенията на Пети и Бежар, Баланчин, Робинс, Григорович, Глен Тетли, както и представители на американския модерен танц Пол Тейлър (р. 1930) и Мърс Кънингам. През 1983 г. Рудолф Нуриев е назначен на поста ръководител. Той обърна специално внимание на развитието на такива балерини като Силви Гийом (р. 1965) и Изабел Герен (р. 1961) и даде възможност на компанията да се пробва в хореографски произведения от различни посоки, като запази класиката. След напускането на Нуреев (1989), Патрик Дюпон (р. 1959), бившият водещ танцьор, който носеше титлата "звезда", се завърна в трупата, сега като ръководител. През 70-те и 80-те години на миналия век френските провинциални трупи започват да получават държавна подкрепа и придобиват международна слава. Специално внимание заслужава трупата "Балет на Рейнските отдели", която под ръководството на Жан Пол Гравие показа няколко реконструкции на спектакли от 18 век. направен въз основа на внимателни исторически изследвания, предприети от шведския хореограф Иво Крамер (р. 1921), по-специално балетите „Напразна предпазливост“ на Добервал и „Медея и Язон Новер“ (музика Жан Жозеф Родолф). Балетът на Лионската опера изпълнява стилизирани драматични танцови представления с хореография на Маги Марин (р. 1947).
Дания.Балетът в Дания навлезе в 20-ти век в състояние на стагнация. Тук, благодарение на Ханс Бек, наследството на Август Бурнонвил беше запазено, но липсата на инициатива доведе до факта, че развитието на Кралския балет в Копенхаген спря. Известно съживяване на дейността му идва в периода 1932-1951 г., когато трупата се оглавява от Харалд Ландер (Ланър), ученик на Бек. Ландер запази творбите на Бурнонвил, ако е възможно в оригиналната им версия, но и постави свои собствени балети: най-известният от тях е Етюди (1948, по музика от К. Черни, аранжимент на Кнудоге Рисагер), където основните компоненти на балетната класна стая бяха изведени на сцената и театрализирани. През 1951 г. Ландер назначава за артистичен консултант на трупата Вера Волкова (1904-1975), по това време най-авторитетният специалист на Запад по системата Ваганова. С нейните усилия датските танцьори усвоиха нова техника, която им отвори нови възможности при изпълнение на произведения от различни стилове. Трупата излезе от изолация, обиколи Европа, Русия и американския континент. Грациозността и радостната анимация, присъщи на стила на Бурнонвил, направиха най-благоприятно впечатление, както и бравурността на танца, която отличаваше изпълнението на датските танцьори, особено на Ерик Брун. Обучението на мъже танцьори е признато за едно от основните постижения на датската школа. През 60-те и 70-те години на миналия век интересът към историята на балета се засилва изключително много и изпълненията на Бурнонвил започват да се изучават като най-автентичния пример за оцелели романтични балетни произведения, което кара Кралския датски балет да провежда балетни фестивали в Бурнонвил през 1979 г. 1992 г. След Ландер екипът работи под ръководството на много художници, включително Флеминг Флинд (р. 1936), Хенинг Кронщам (р. 1934) и Франк Андерсен (р. 1954). През 1994 г. трупата е режисирана от Петер Шауфус, а през 1996-1999 г. от англичанката Майна Гилгуд (р. 1945). Репертоарът на Кралския датски балет постепенно се разширява с произведения на чуждестранни хореографи, докато балетите на Бурнонвил започват да се включват в репертоара на танцови трупи по целия свят. През 1982 г. Националният балет на Канада поставя целия балет Неапол (музика на Нилс Вилхелм Гаде, Едуард Матс Ебе Хелстед, Холгер Саймън Паули и Ханс Кристиан Лумби), а през 1985 г. Balle West в американския град Солт Лейк Сити (Юта) . ), режисиран от Брус Маркс и Тони Ландър, показа реконструкция на балета Абдала (музика на Холгер Саймън Паули), който не е изпълняван преди 125 години.
Германия. През първата половина на 20 век в Германия най-значимото явление е развитието на свободния танц, който тук получава името "изразителен" - Ausdruckstanz. След Втората световна война правителствата на ФРГ и ГДР обръщат много внимание на подкрепата на балетните трупи. Във всички големи градове на Западна Германия към оперните театри са създадени независими балетни групи, които поставят своите представления, докато участват в опери. Джон Кранко от Англия (1927-1973), който изпълнява и поставя редица представления в английската трупа "Sadler's Wells Theatre Balle", оглавява Щутгартския балет през 1961 г. и формира обширен репертоар от свои собствени многоактни спектакли, в много уважения, напомнящи по стил съветски балети, богати на драматизирани танци. Това е Ромео и Жулиета (музика Прокофиев, 1962). Онегин (1965, по музика от Чайковски, аранж. К. Х. Столце) и „Укротяването на опърничавата“ (1969, по музика от А. Скарлати, аранж. К.-Х. Столце), балети, чийто успех зависи от голяма степен на участието на прекрасната танцьорка Марсия Хайде (р. 1939), бразилка по рождение, и нейния партньор, американецът Ричард Краган (р. 1944). Трупата скоро печели световна слава; след преждевременната смърт на Кранко се оглавява от Глен Тетли, който поставя балета Соло на орган в памет на Кранко (Доброволци, 1973, по музика от Ф. Пуленк). Сред основните постижения на Кранко беше създадената от него творческа работилница, където младите хореографи можеха да експериментират. Тук започват да работят по-специално американците Уилям Форсайт и Джон Ноймайер (р. 1942), както и чехът Иржи Килиан (р. 1947). Всички те стават водещи хореографи в балетните театри на Европа през следващите десетилетия. Ноймайер поема балета в Хамбург през 1973 г. и създава там богат репертоар, както от собствени издания на класически спектакли, така и от оригинални постановки на религиозни и философски теми, където използва музиката на Малер, Стравински и Бах. Неговият балет Страст по Св. Матю (1981) продължи четири часа. Форсайт се присъединява към балета на Щутгарт малко преди смъртта на Кранко и танцува тук, докато поставя спектакли, до 1984 г., когато е поканен да оглави балета във Франкфурт. Повлиян от идеите, разпространени в съвременната литература, Форсайт ги прилага към балета. В неговата хореография има същата фрагментация, която отличава литературата от постмодерната епоха, в танца често се включват словесни пасажи и се използват техники, свързани с други форми на изкуството. Танцовата техника се основава на екстремна енергия, нарушаване на естествения баланс и целта й е да предаде романтични отношения в момента на най-високо напрежение. Такива са балетите Love Songs (1979, народна музика) и In the Middle, донякъде издигнати (музика на Лесли Стък и Том Уайлемс), които са поставени от Форсайт по покана на Нуриев в Парижката опера през 1988 г. Форсайт охотно използва в неговите продукции на суровата електронна музика на холандеца Том Вилемс, която допринесе за създаването на атмосфера на отчуждение и смътно безпокойство.
Холандия.Преди Втората световна война влиянието на немския свободен танц е най-силно в Холандия. След войната зрителският интерес към балета се засилва и в Амстердам се създава трупата „Ноландски национален балет”. През 1959 г. редица танцьори и хореографи, напускайки тази трупа, основават "Нидерландски танцов театър", който се установява в Хага и се посвещава изключително на модерната хореография. Двете трупи често си разменяха както артисти, така и изпълнения. Ханс ван Манен (р. 1932) и Руди ван Данциг (р. 1933), художествен ръководител на Холандския национален балет, заедно с Глен Тетли формират репертоара на Холандския танцов театър. Творчеството на Тетли се основава на различни влияния: това са Ханя Холм (1898-1992) и Марта Греъм, и Джеръм Робинс, и Американския бален театър; не напразно използва в постановките си както техниката на пръстовия балет, така и ексцесиите на тялото и подчертано изразителните ръце, характерни за съвременния танц, но не използва скокове и плъзгане, развити в класическия танц. Балетите на ван Данциг и ван Манен са подобни на тези на Тетли по това, че са смесица от различни техники. Впечатляващото произведение на Ван Данциг „Паметник на мъртъв младеж“ (1965 г., музика от Ян Берман) е изпълнявано от много балетни трупи по света. През 1978 г. Иржи Килиан, който често се сравнява с Тюдор, става шеф на Холандския танцов театър, защото и двамата засягат теми, които вълнуват хората и предпочитат да използват музиката на централноевропейските композитори. Килиан добави нови качества към смесения стил на своите предшественици: широко използване на движения, изпълнявани в легнало положение на пода, драматични скулптурни ефекти, високи повдигания и завъртания. Неговите балети „Завръщането в чужда земя“ (1974 и 1975 г. – две издания) и „Симфониета“ (1978), създадени по музика на Л. Яначек и изпълнявани в много страни, демонстрират възможностите, които се разкриват, когато един танцов модел е изграден отблизо. раздалечени танцуващи фигури. Интересувайки се от културата на австралийските аборигени, хореографът създава през 1983 г. балетите The Constantly Visited Place (Stamping Ground, музика от Карлос Чавес) и Sleep Time (Dreamtime, музика от Takemitsu). В началото на 90-те години Килиан се присъединява към основната трупа с друга трупа – „Нидерландски театър 3“. Балетът Скапино, базиран в Ротердам под ръководството на Нилс Кристе (р. 1946), е друга холандска компания, която привлече вниманието със своите модерни постановки.
Балетно изкуство по целия свят. Като средата на 20 век ролята на балета се увеличава, трупи започват да се създават в почти всички страни от Америка, Европа, Азия, включително някои региони на Централна Азия и Африка, както и в Австралия и Нова Зеландия. Балетът е намерил място за себе си дори в страни със собствена богата танцова традиция, като Испания, Китай, Япония и Мала Азия. Морис Бежар, който е израснал в следвоенна Франция, основава Балета на 20-ти век в Брюксел през 1960 г. Тази трупа, както и една много необичайна школа, организирана под нея, наречена "Мудра", имаха за цел да популяризират балетното изкуство, демонстрирайки танцови драми, базирани на психология и съвременни философски идеи. Проведоха се много представления на стадионите, за да могат да ги видят колкото се може повече зрители. Бежар опроверга често цитираното твърдение на Баланчин, че „балетът е жена“ и се съсредоточава върху танцьорите от мъжки пол: например в балета „Жар-птица“ (по музиката на сюитата на Стравински, 1970 г.) той заменя изпълнителя на главната част с млад човек, който изобразява партизанин. Въпреки това водещата балерина на Баланчин Сюзън Фарел, която временно напусна нюйоркската трупа, след като се омъжи, танцува в трупата му в продължение на пет години. През 1987 г. Жерар Мортие, директор на Theâtre de la Monnaie в Брюксел, където работи Балетът на 20-ти век, предлага Бежар да намали разходите и да намали състава на трупата. Бежар, който не се съгласява с тези изисквания, започва да търси друго място, където да продължи работата си. Бяха му направени множество предложения от различни страни в Европа и той избра Лозана в Швейцария. Сега трупата му се казва "Балет на Бежар". През последните десетилетия на 20 век италианската балерина Карла Фрачи, Алесандра Фери (р. 1963) и Вивиана Дуранте, водещата танцьорка на Английския кралски балет, се представиха с голям успех извън Италия, но нямаше театър в родината им, където да намерят достойно приложение за техните таланти. В Испания, където традициите на националния танц все още са по-силни от всякакви иновации, все пак се появява местен хореограф, отдаден на класическия балет - Начо Дуато (р. 1957), който оглавява Ballet Lirico Nacional. Дуато, бивш танцьор в Холандския танцов театър, прави хореографии на танци, които съчетават конзолата на Килиан с яростна страст. През 20-те години на миналия век шведският импресарио Ролф де Маре (1898-1964) основава шведската балетна трупа в Париж с хореография на Жан Берлин (1893-1930). Тази група прави смели експерименти и за няколко години от съществуването си, от 1920 до 1925 г., се състезава с Руския балет на Дягилев. Кралският шведски балет, намиращ се в сградата на Кралската опера в Стокхолм от 1773 г., е ръководен през 1950-1953 г. от Антъни Тюдор. През 1950 г. тук е премиерата на Биргит Кулберг (р. 1908) Фрекен Джулия (музика на Туре Рангстрьом), която все още се изпълнява от много трупи по света. През 1963 г. Тудор, отново поканен в Кралския балет, поставя Ехото на тръбите (по музика на Богуслав Мартину). Биргит Кулберг, която учи при Кърт Джоос и Марта Греъм, основава собствена трупа през 1967 г. и експериментира с комбинирането на класическа хореография и модерен танц в едно представление. Синът й Матс Ек (р. 1945 г.), който оглавява балет „Кулберг“ от 1990 г., изпълнява изцяло нови постановки на балети „Жизел“ и „Лебедово езеро“, които по никакъв начин не наподобяват традиционните постановки на балети „Жизел“ и „Лебедово езеро“. През 20 век възникват три значими канадски трупи: Кралският балет на Уинипег, основан под името Winnipeg Ballet Club през 1938 г. и до 1949 г. се превръща в професионална трупа; „Национален балет на Канада“, създаден в Торонто през 1951 г.; и Големия канадски балет, който започва дейността си в Монреал през 1957 г. Националният балет на Канада е основан от Селия Франка (р. 1921), която участва с английските компании Balle Rambert и Sadler's Wells Ballet. Опирайки се на опита на бала Sadler's Wells, тя започва с поставянето на класически балети от 19-ти век. Франка ръководи трупата до 1974 г., когато е заменена от Александър Грант (р. 1925). Рийд Андерсън (р. 1949) е ръководител на трупата от 1994-1996 г., а през 1996 г. на този пост е назначен Джеймс Куделка (р. 1955). Балетът се развива бързо в Куба. Алисия Алонсо, една от най-известните балерини на Американския балетен театър в Съединените щати, се завръща в родината си след революцията на Фидел Кастро през 1959 г. и създава трупата на Националния балет на Куба. Сценичният живот на самата Алонсо беше много дълъг, тя спря да играе едва на възраст над шестдесет години. Много велики танцьори и хореографи са работили в Буенос Айрес по различно време, по-специално Нижинска и Баланчин. Аржентинците Хулио Бока и Палома Ерера (р. 1975), които станаха водещи танцьори на "Американски балет тиетр", започват да учат танци в Буенос Айрес. Много руски танцьори след революцията от 1917 г. напуснаха страната през азиатската граница. Някои от тях временно или постоянно се установяват в Китай. След Втората световна война в Китай работят учители и хореографи от СССР. По време на Китайската културна революция от 1960 г. съветското влияние отслабва и започват да се създават национални произведения, като Червен женски батальон или Сивокосото момиче (и двете през 1964 г.). Тези представления са примери за посока, която отрича лириката в балета като декаданс, тяхната забележителна черта е желязната дисциплина и яснота в масовите танци, изпълнявани от кордебалета на пръсти. С нарастването на чуждото влияние през 70-те и 80-те години на миналия век в много китайски градове се появяват нови балетни компании. Създават се и в главните градове на много други азиатски страни.
Заключение.До края на 20 век проблемите пред балетното изкуство ставаха все по-ясни. През 80-те години, когато Баланчин, Аштън и Тюдор умират (през 80-те), а Робинс се оттегля от активна работа, възниква творчески вакуум. Повечето от младите хореографи, работещи в края на 20-ти век, не са били особено заинтересовани от развитието на ресурсите на класическия танц. Те предпочитат смесица от различни танцови системи, като класическият танц изглежда изчерпан, а модерният танц без оригиналност в разкриването на телесни възможности. В стремежа си да предадат какво представлява същността на съвременния живот, хореографите използват техниката на пръстите, сякаш за да акцентират върху мислите, но игнорират традиционните движения на ръцете (port de bras). Изкуството на подкрепата е сведено до един вид взаимодействие между партньорите, когато една жена е влачена по пода, хвърлена, обикаляна, но почти никога не се подкрепя или танцува с нея. Повечето трупи изграждат репертоара си, за да включват класиката от 19-ти век. (Силфида, Жизел, Лебедово езеро, Спящата красавица), най-известните балети на майсторите на 20-ти век. (Фокин, Баланчин, Робинс, Тюдор и Аштън), популярни продукции на Макмилън, Кранко, Тетли и Килиан и дело на ново поколение хореографи като Форсайт, Дуато, Джеймс Куделка. В същото време танцьорите получават по-добра подготовка, т.к има по-знаещи учители. Сравнително новата област на танцовата медицина даде на танцьорите достъп до техники за предотвратяване на наранявания. Има проблем с запознаването на танцьорите с музиката. Широко разпространената популярна музика не познава разнообразието от стилове, в много страни преподаването на музикална грамотност е на ниско ниво, фонограмите се използват постоянно при постановка на танци - всичко това пречи на развитието на музикалността сред танцьорите. Балетните състезания се превърнаха в ново явление през последните десетилетия, първото от които се провежда във Варна (България) през 1964 г. Те привличат не само с награди, но и с възможност да се покажат пред съдии, представляващи най-престижните организации. Постепенно има повече състезания, поне десет в различни страни; някои предлагат заедно парични стипендии. Във връзка с нуждата от хореографи възникнаха и конкурси за хореографи.

• - Първият спектакъл в Москва - "Балетът на Орфей и Евридика" е поставен през 1673 г. от шведа Н. Лим. През 1773 г. е открит отдел в Московския сиропиталище...

  Москва (енциклопедия)

• - класиката се появява за първи път в Япония през 1912 г., когато там пристига италианският хореограф Джовани Роши, който преподава танци в Театър Тейкоку Гекиджо в продължение на три години ...

  Цяла Япония

• - балет, вид сценично изкуство: музикално и хореографско театрално представление, в което всички събития, герои и чувства на героите се предават чрез танц ...

  Енциклопедия на изкуствата

• - - изглед към сцената. съдебен процес; спектакъл, чието съдържание е въплътено в музикално-хореографски. изображения. Въз основа на общата драматургия. план Б. съчетава музика, хореография и изобразително изкуство...

  Музикална енциклопедия

• - Да отворим том на Пушкин: Театърът вече е пълен; ложите блестят; Партер и столове - всичко е в разгара си; В рая се плиска нетърпеливо, И завесата, вдигайки се, шуми...

  Музикален речник

• - вид театрално изкуство, където основно изразно средство е т. нар. „класически” танц; сценична работа, принадлежаща към тази форма на изкуство...

  Енциклопедия на Collier