Koncerty Claviera Johanna Sebastiana Bacha. Kawaler. Koncerty Claviera Początek samodzielnego życia

Jest twórcą Koncertów brandenburskich i skrzypcowych, w Lipsku część tych utworów została opracowana na klawesyn z towarzyszeniem, a w połowie lat 30. powstał Koncert włoski. Poprzedzało to, począwszy od Weimaru, intensywna praca nad przyswajaniem doświadczeń Włoscy mistrzowie, przede wszystkim Vivaldi, którego co najmniej dziewięć koncertów skrzypcowych Bach zaaranżował na klawesyn i organy. Transkrypcja Koncertu Vivaldiego h-moll na czworo skrzypiec jest koncertem Bacha na cztery claviery.

Trzynaście koncertów clavier napisanych przez Bacha w okresie lipskim należy w całości do niego. Tutaj jest pionierem tego gatunku. W tym czasie stopniowo wkraczał clavier życie muzyczne duże niemieckie miasto z tradycją publicznych koncertów i stosunkowo szerokim kręgiem fanów sztuka muzyczna. Dla Towarzystwa Telemanna, gdzie od 1729 roku Bach występował jako dyrygent, powstało kilka koncertów. Te dzieła mistrza nie tylko „przyszły w czasie” w swojej epoce, ale utworzyły nową, bardzo znaczącą linię gatunkową w historii muzyki, ciągnącą się aż do czasów współczesnych.

Siedem koncertów na jeden clavier z akompaniamentem: nr 1 (zgodnie z numeracją przyjętą w publikacji Towarzystwa Bacha) – d-moll, nr 2 – E-dur, nr 3 – D-dur, nr 4 A-dur, nr 2 5 - f-moll, nr 6 - F-dur, nr 7 - g-moll i jedno c-moll "ny - na dwa clavier z akompaniamentem - przedstawiają transkrypcje własnych koncertów skrzypcowych Bacha.

Najpopularniejszy we współczesnym repertuarze fortepianowym koncert nr 1 w d-moll, którego dwie części znalazły się w kantacie „Wielki smutek nas prowadzi”. Utwór ten jest niezwykle organiczny, piękny w klawesynowej fakturze i, jak trafnie zauważa F. Wolfrum, „w najmniejszym stopniu przypomina swoje «skrzypcowe» pochodzenie”.

Doskonałe przykłady stylu koncertowo-klawiszowego Bacha - koncert podwójny C-dur i oboje koncert potrójny - C-dur i d-moll napisany przez mistrza specjalnie dla tych zespołów.

Wykonując i studiując wszystkie te wspaniałe dzieła, nie należy zapominać, że Bachowski różni się od współczesnego koncertu nie tylko możliwościami barwowo-dynamicznymi, strukturą form, techniką, ale także inną rolą instrumentu solowego: to nic więcej niż „partia obowiązkowa” w zespole ogólnym (smyczki i akompaniament clavier – basso continuo). Znajduje to już odzwierciedlenie w pewnej „uniwersalności”, uogólnieniu tematyzmu (skrzypce – clavier; clavier – organy). Zasada rywalizacji (koncertu) działa tu równie niezmiennie, jak u Włochów; stąd większe lub mniejsze nasycenie tematyczne całości tkaniny i niemal nieustanny aktywny ruch melodyczny w partiach smyczkowych. W skrajnych partiach główne, najbardziej wyraziste wykonania tematyczne powierzone zostały tutti lub unisono solo i tutti. Dodatkowo smyczki prowadzą głosy, które kontrapunktują linie melodyczne soli i uczestniczą w „epizodach” o charakterze rozwojowym. Z kolei w średniowolnych partiach trzyczęściowego cyklu (również na wzór włoski) tutti skromnie schodzą na dalszy plan lub całkowicie wyciszają (Adagio z koncertu podwójnego C-dur), a solowe clavier wchodzi w suwerenne prawa i dźwięcznie śpiewa swoją liryczną melodię z akompaniamentem (partia lewej ręki). Pod względem konstrukcji te środkowe części są raczej homofoniczne i zwykle budowane są w starym dwuczęściowym lub forma wariacyjna(na basie ostinato). Pomiędzy dwoma żywymi Allegrimi tworzą urzekająco poetycki kontrast.

Pierwsze części cykli najbardziej imponują rozmachem i koncertowym wykonaniem, są energetyczne w tonie, intensywne w opracowanie tematyczne. Zawierają one najwięcej elementów, które mogą posłużyć jako materiał dla przyszłych form sonatowo-symfonicznych. Jest to przede wszystkim fragmentacja motywacyjna z rozwojem kontrapunktowym, modulacyjnym i typowym plan tonalny Zasoby tematyczne: antyteza z dominacją toniczną w pierwszej części formy, przechodząca w środku w sferę subdominującą i pod koniec powracająca do tonacji głównej. Jednak tematycznie takie Allegro jest wciąż bardzo dalekie od symfonii sonatowej. Jego temat często jest zbliżony typowo do form polifonicznych (rdzeń i następująca po nim część neutralna). Jeżeli tematem jest kropka, to najczęściej jest to okres typu ekspansji, z rozpuszczeniem konstrukcji początkowej w ciągach modulujących. Poza tym temat Allegro jest w zasadzie jeden i to właśnie jego realizacje tworzą linię odniesienia całego planu tonalnego. Pomiędzy nimi znajdują się części formy, podobne do średniego typu zabudowy; moglibyśmy je nazwać „rozrzedzeniem tematycznym” (termin V. A. Zuckermana). W tym sensie konstrukcja pierwszej części koncertu jest „dwulicowa”: tematycznie wciąż skłania się ku rondo z epizodami rozwojowymi; tonalnie zbliża się już do sonaty.

Po podniosłym tekście Adagio, charakteryzującym się powolnym rozwojem obrazu utworu, finały koncertów ponownie zanurzają nas w sferę energetycznego ruchu, wysokiego i równego tonu. Oryginalna tonacja, tempo, cechy ronda, trzyczęściowa forma powracają, aktywne koncertowe wykonanie smyczków. Tak powstaje drugi wielki kontrast cyklu koncertowego. Nie jest on jednak do końca symetryczny w stosunku do pierwszego (Allegro – Adagio). W finale jest więcej blasku, przypływ energii, „wielki akcent”, a niejednokrotnie naturalność, z jaką nasuwają się tu skojarzenia, prowadzące do obrazów festiwalu, tańca ludowego, została słusznie podkreślona w literaturze. Ale właśnie z tego powodu finały są bardziej elementarne niż pierwsze części pod względem tematycznym i rozwoju, w szczególności modulacji; mają mniejszą głębię i intensywność rozwój wewnętrzny, choć prawie zawsze rekompensuje to doskonale „zorganizowana” imitacyjna polifonia. Wszystko razem prowadzi do osobliwego rezultatu - niepełnej symetrii kontrastujących obrazów z bliska.

Koncerty Claviera Bacha to koncerty napisane przez kompozytora na klawesyn (obecnie często wykonywane na fortepianie), orkiestrę smyczkową i basso continuo. Koncerty na od jednego do czterech klawesynów i orkiestrę znajdują się w katalogu Schmiedera odpowiednio pod numerami BWV 1052-1065.

Historia koncertów clavier datuje się mniej więcej na lata 30. XVIII wieku. Od 1729 roku Bach stał na czele Studenckiego Towarzystwa Muzycznego im Uniwersytet w Lipsku uczestnicząc w jego koncertach jako dyrygent i solista. To właśnie dla tych wykonań powstały koncerty na jeden, dwa, trzy i cztery klawesyny z orkiestrą. Zdecydowana większość tych utworów to autorskie adaptacje napisanych wcześniej utworów na inne instrumenty (sądząc po charakterze i fakturze partii solowych, głównie koncertów skrzypcowych). Sama treść muzyczna koncertów clavierowych, charakter tematów, metody opracowania i rozplanowanie strukturalne wyraźnie i przekonująco świadczą o ich przynależności do pióra Bacha.

2.1 I Koncert na klawesyn i orkiestrę (d-moll) BWV 1052
2.2 Koncert nr 2 na klawesyn i orkiestrę (E-dur) BWV 1053
2.3 Koncert nr 3 na klawesyn i orkiestrę (D-dur) BWV 1054
2.5 Koncert nr 5 na klawesyn i orkiestrę (f-moll) BWV 1056

Koncert nr 1 na klawesyn i orkiestrę (d-moll) BWV 1052
Składa się z trzech części:
Allegro (¢) ~ 8 min.
Adagio (3/4) ~ 6 min.
Allegro (3/4) ~ 8 min.
Koncert jest transkrypcją zaginionego Koncertu skrzypcowego BWV 1052R.
Ten koncert jest dla najpopularniejsze dzieła Kawaler. Choć oryginał, który nie zachował się, był oczywiście przeznaczony na skrzypce, wersja clavier zachwyca perfekcją pisma i – jak zauważa niemiecki muzykolog Philipp Wolfrum –
„najmniej przypomina swoje skrzypce”
Koncert d-moll wyróżnia się rozmachem skali i głębią dramatyzmu. Część pierwsza opiera się na energicznej, ostrej melodii, prezentowanej przez potężną unisono orkiestry i solisty. Jego ostro charakterystyczny motyw jest aktywnie rozwijany. Nowy, ponury temat postaci „toccata” pojawia się dwukrotnie w tonacji dominującej i głównej, niczym boczna część formy sonatowej.
Ponurą, skupioną ekspresję wyróżnia część druga, Adagio g-moll, oparte na recepcji ciągłego basu.
Część trzecia, Allegro, jest, jak większość koncertów Bacha, rodzajem figuratywnej repryzy części pierwszej. Szeroko rozwinięty, ruchliwy i sprężysty temat główny, motywy „toccata” solisty w epizodach nasuwają bezpośrednie skojarzenia z tematyką pierwszego Allegro, podkreślając dramatyzm wspólny całemu utworowi.

Koncert nr 2 na klawesyn i orkiestrę (E-dur) BWV 1053
Składa się z trzech części:
Allegro (c) ~ 9 min.
Siciliano (12.08) ~ 5 min.
Allegro (3/8) ~ 7 min.
Koncert jest prawdopodobnie transkrypcją zaginionego koncertu na obój BWV 1053R.
Kwestia pochodzenia II Koncertu E-dur Claviera BWV 1053 nie została dotychczas dokładnie wyjaśniona. W fakturze partii solowej kryje się wiele cech bliskich specyfice twórczości Bacha na instrumenty klawiszowe i organowe, dlatego istnienie wcześniejszej wersji skrzypcowej staje pod znakiem zapytania. Jednocześnie wszystkie części koncertu znajdują się także w kantatach Bacha.
Część druga, Siciliana cis-moll, przenosi ją w krainę elegijnego smutku. Wykorzystując gatunek włoskiego tańca Siciliana z jego charakterystycznym „kołyszącym się” rytmem, Bach tworzy intermezzo.
Struktura, dramaturgia i figuratywna budowa finału Allegro dokładnie powtarzają część pierwszą, tworząc swego rodzaju „łuk”. Jednak, jak zwykle w końcowych częściach, element tańca ujawnia się tu wyraźniej – rytmiczna pulsacja muzyki przypomina poruszającą się taniec francuski paspier.
Koncert nr 3 na klawesyn i orkiestrę (D-dur) BWV 1054

Składa się z trzech części:
Allegro (¢) ~ 8 min.
Adagio e semper fortepian (3/4) ~ 6 min.
Allegro (3/8) ~ 3 min.
Koncert jest opracowaniem koncertu skrzypcowego BWV 1042
Clavier Koncert nr 3 D-dur BWV 1054 - adaptacja II Koncertu skrzypcowego E-dur BWV 1043 wg A. Schweitzera,
„pełen niezwyciężonej pogody ducha, która w pierwszej i ostatniej części rozlewa się w pieśni triumfalnej”.
Temat główny części pierwszej, otwierający się chwytliwą, porywającą intonacją, łączy w sobie świąteczność i energię, wyraźnie podkreślony dramatyczną częścią środkową, zakończoną żałosnym recytatywem.
Część druga, Adagio e fortepian sempre h-moll, należy do najbardziej niezwykłych kart koncertów Bacha.
Finałem koncertu jest Allegro, mobilny menuet w formie prostego ronda.

Koncert nr 5 na klawesyn i orkiestrę (f-moll) BWV 1056

Składa się z trzech części:
Allegro (2/4) ~ 3 min.
Largo (c) ~ 2 min.
Presto (3/4) ~ 4 min.
Clavier Koncert nr 5 f-moll BWV 1056 jest jednocześnie transkrypcją zaginionego koncertu skrzypcowego. To wspaniałe dzieło wyróżnia połączenie dramatycznego napięcia, które od pierwszych taktów przyciąga uwagę słuchacza, z skrajną lakonizmem wypowiedzi.
Pierwszą część przesiąknięty jest ostrym bieżnikiem Główny temat z charakterystycznymi apelami – „echem” pomiędzy solistą a orkiestrą – wspaniałym przykładem bachowskiej tematyki.
Część druga – Largo As-dur –” dygresja liryczna„. Subtelność i przejrzystość instrumentacji przyczyniają się do powstania całości kolorystycznej: piękna, wysublimowana melodia, zabarwiona figuracjami, powierzona soliście od początku do końca, której towarzyszą lekkie akordy smyczkowe.
Część trzecia, Presto, ponownie powraca do dramatycznych obrazów. Ale w finale zauważalne są także cechy taneczne: szybki ruch motoryczny w metrum trzyczęściowym przypomina nieco paspier (starofrancuski taniec podobny do menueta)
Tekst z Wikipedii.

Jan Sebastian Bach (1685-1750) - Niemiecki kompozytor, organista. Już za życia zasłynął jako organista i klawesynista; twórczość jego kompozytora przez współczesnych była postrzegana w powiązaniu z działalnością praktyczną, jaka dokonywała się u typowego muzyka XVII-XVIII w. ustawienie kościoła, dziedzińca i miasta. Dzieciństwo spędził w Eisenach, w latach 1695–1702 studiował w Ohrdruf i Lineburgu. W wieku 17 lat grał na organach, clavier, skrzypcach, altówce, śpiewał w chórze, był asystentem kantora. W latach 1703–07 organista w Neukirche w Arnstadt, w latach 1707–08 organista w Blasiuskirche w Mühlhausen, w latach 1708–17 organista nadworny, kameralista, od 1714 akompaniator nadworny w Weimarze, w latach 1717–23 kapelmistrz nadworny w Köthen, w latach 1723–50 kantorzy Thomaskirche i miejski dyrektor muzyczny w Lipsku (1729–41 szef Collegium musicum).

Bach to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli światowej kultury humanistycznej. Twórczość Bacha, muzyka uniwersalnego, wyróżniającego się inkluzywnością gatunków (z wyjątkiem opery), podsumowała dorobek sztuki muzycznej kilku stuleci z pogranicza baroku i klasycyzmu. Bach, artysta o jaskrawym narodowym pochodzeniu, łączył tradycje śpiewu protestanckiego z tradycjami austriackiego, włoskiego, francuskiego szkoły muzyczne. Bacha, niezrównanego mistrza polifonii, cechuje jedność myślenia polifonicznego i homofonicznego, wokalnego i instrumentalnego, co wyjaśnia głębokie przenikanie się różnych gatunków i stylów w jego twórczości.

Wiodący gatunek wokalny twórczość instrumentalna Bach to kantata duchowa. Bach stworzył 5 rocznych cykli kantat, które różnią się przynależnością kalendarz kościelny według źródeł tekstowych (psalmy, zwrotki chóralne, poezja „wolna”), według roli chorału itp. Spośród świeckich kantat najbardziej znane to „Chłop” i „Kawa”. Rozwinięte w kantacie dramaturgicznej zasady znalazły ucieleśnienie w masach, w Pasji. „Wysoka” masa w h-moll, „Pasja według Jana”, „Pasja według Mateusza” stały się kulminacją wieki historii te gatunki. Muzyka organowa zajmuje centralne miejsce w twórczości instrumentalnej Bacha. Syntetyzując doświadczenie improwizacji organowej odziedziczone po swoich poprzednikach (D. Buxtehude, J. Pachelbel, G. Böhm, J. A. Reinken), różne wariacyjne i polifoniczne metody komponowania oraz współczesne zasady wykonawstwa koncertowego, Bach przemyślał i zaktualizował tradycyjne gatunki organowe muzyka - toccata, fantasy, passacaglia, preludium chorałowe. Wykonawca-wirtuoz, jeden z największych koneserów swoich czasów instrumenty klawiszowe Bach stworzył obszerną literaturę na temat instrumentu clavier. Wśród kompozycji klawesynowych najważniejsze miejsce zajmuje Klawiersz Dobrze Temperowany – pierwsze w historii muzyki doświadczenie zastosowania artystycznego rozwinięte na przełomie XVII i XVIII wieku. układ hartowany. Największy polifonista, w fugach HTK, Bach stworzył niezrównane przykłady, swoistą szkołę umiejętności kontrapunktowych, której kontynuację i dopełnienie stanowi Sztuka fugi, nad którą Bach pracował przez ostatnie 10 lat swojego życia. Bach jest autorem jednego z pierwszych koncertów klawesynowych – Koncertu włoskiego (bez orkiestry), który w pełni aprobował samodzielne znaczenie klawesynu jako instrumentu koncertowego. Muzyka Bacha na skrzypce, wiolonczelę, flet, obój, zespół instrumentalny, orkiestrę – sonaty, suity, partity, koncerty – oznacza znaczące poszerzenie możliwości ekspresyjnych i technicznych instrumentów, ujawnia głęboką znajomość instrumentów i uniwersalizm w ich interpretacji . Powstało 6 koncertów brandenburskich na różne zespoły instrumentalne, które realizowały zasady gatunkowe i kompozycyjne Concerto Grosso. kamień milowy w drodze do symfonii klasycznej.

Za życia Bacha opublikowano niewielką część jego dzieł. Prawdziwa skala geniuszu Bacha, który wywarł ogromny wpływ na dalszy rozwój Europy kultura muzyczna, zaczęto realizować dopiero pół wieku po jego śmierci. Do pierwszych koneserów zalicza się założyciel studiów bachowskich I.N. Forkel (opublikowany w 1802 r. esej o życiu i twórczości Bacha), K.F. Zelter, którego praca na rzecz zachowania i promocji dziedzictwa Bacha doprowadziła do wykonania Pasji Mateuszowej pod kierunkiem F. Mendelssohna w 1829 r. To przedstawienie, które miało znaczenie historyczne, stał się impulsem do odrodzenia twórczości Bacha w XIX i XX wieku. W 1850 roku w Lipsku powstało Towarzystwo Bacha.

Kompozycje:
Na solistów, chór i orkiestrę - Pasja Jana (1724), Pasja Mateusza (1727 lub 1729; wyd. ostateczna 1736), Magnificat (1723), Msza św. (h-moll ok. 1747–49; 1 wyd. 1733), 4 krótkie msze (lata 30. XVIII w.), oratoria (Boże Narodzenie, Wielkanoc, ok. 1735 r.), kantaty (zachowało się około 200 duchowych, ponad 20 świeckich); na orkiestrę – 6 Koncertów brandenburskich (1711–20), 5 uwertur (suity, 1721–30); koncerty na instrumenty i orkiestrę - na 1, 2, 3, 4 clavier, 2 na skrzypce, na 2 skrzypiec; kameralne zespoły instrumentalne - 6 sonat na skrzypce i clavier, 3 sonaty na flet i clavier, 3 sonaty na wiolonczelę i clavier, sonaty trio; na organy - 6 koncerty organowe(1708–17), preludia i fugi, fantazje i fugi, toccatas i fugi, passacaglia c-moll, preludia chorałowe; na clavier – 6 suit angielskich, 6 Apartamenty francuskie, 6 partit, Klavier o dobrym temperamencie (t. 1 - 1722, t. 2 - 1744), Koncert włoski (1734), Wariacje Goldbergowskie (1742); na skrzypce - 3 sonaty, 3 partity; 6 suit na wiolonczelę; pieśni duchowe, arie; kompozycje bez określenia personelu wykonawczego - Ofiara muzyczna (1747), Sztuka fugi (1740–50) itp.

Nowym gatunkiem muzyki clavier jest gatunek koncertów, którego twórcę słusznie uważa się za I.S. Bacha, powstały na bazie aranżacji na klawesyn włoskich koncertów skrzypcowych (przede wszystkim Vivaldiego). Co ciekawe, prawie wszystkie koncerty Bacha na instrumenty clavier (7) powstały pierwotnie jako koncerty skrzypcowe, a dopiero potem zostały przez niego zaaranżowane na instrument clavier. Głównym rezultatem poszukiwań kompozytora w tym obszarze był Koncert włoski, powstały w 1735 roku.

Nazwa ta, nadana przez samego Bacha, wskazuje na pochodzenie gatunku koncertowego, którego kolebką były Włochy. Utwór napisany został na klawesyn z dwoma manuałami, bez towarzyszenia orkiestry. Zasada koncertu przejawia się w wielkim rozwoju głosów o fakturze clavier.

Kompozycja opiera się na tradycji – jest to trzyczęściowy cykl z szybkimi, efektownymi partiami skrajnymi i liryczną, powolną częścią środkową.

O stylu muzycznym i głównym nastroju „Koncertu włoskiego” decyduje jego temat początkowy – energiczny i wesoły. Jest on przedstawiony w przejrzystej i prostej formie, składającej się z dwóch 4-taktowych zdań. Ich relacja tonalna (F-dur i C-dur) przypomina zestawienie tematu i odpowiedzi w ekspozycji fugowej.

Wpływ myślenia polifonicznego widać także w dalszy rozwój Tematy. Po przedstawieniu początkowego 8-taktu („rdzenia” tematu) charakterystyczne intonacje „rozpływają się” w ogólne formy ruchowe. Muzyka nabiera charakterystycznej dla form polifonicznych płynności: nie zawiera odrębnych, wydzielonych części. Przejścia od motywu do motywu są płynne, zabrzmiony już materiał praktycznie nie powraca (w przeciwieństwie do tematyzmu klasyków wiedeńskich).

Jednocześnie w ogólnej kompozycji pierwszej części zarysowane są cechy przyszłej formy sonatowej. Ma trzy sekcje. Pierwszy zawiera ekspozycję materiałów tematycznych. Drugi reprezentuje jego rozwój. Trzeci zawiera podsumowanie tematu głównego.

W części ekspozycyjnej, oprócz głównego, pojawia się jeszcze jeden temat - bardziej miękki i przejrzysty, ujęty w skromniejszą fakturę. Zbudowany jest podobnie jak pierwszy, na porównaniu „rdzenia” i rozłożenia, a nowe intonacje pojawiające się w procesie tego rozłożenia okazują się niezwykle zbliżone do intonacji tematu pierwszego. W przeciwieństwie do motywu pobocznego w klasyku forma sonatowa, ten drugi temat przedstawiony jest w tonacji głównej F-dur i dopiero w procesie opracowania moduluje się w tonację dominującą – C-dur.

1 część

Część rozwojową pierwszej części koncertu wyróżnia skala i bogactwo rozwinięcia. Techniki pisarskie stosowane tutaj przez Bacha charakteryzują się zarówno formami homofoniczno-harmonicznymi, jak i polifonicznymi. To wyodrębnianie motywów, ich sekwencjonowanie, imitowanie, urozmaicanie poszczególnych zwrotów melodii. Są używane Zarówno tematów, każdy w tonie drugiego. Powtarzający się okresowo rdzeń tematyczny tematu głównego (wykonywany trzykrotnie) zostaje porównany z bardziej neutralnymi intonacyjnie epizodami melodycznego rozłożenia, typowymi dla instrumentalnych form koncertowych epoki baroku. W rezultacie istnieje pewne podobieństwo do ronda.

W podsumowaniu wątek pierwszy przechodzi w całości, drugiego natomiast nie ma (zapewne dlatego, że to jego wersja główna dopełniła rozwinięcie).

część 2

W drugiej części koncertu skuteczność zastępuje kontemplacja. To jest tekst Andante równoległy moll. Temat Andante, rozbrzmiewający w górnym, „fletowym” rejestrze na tle równego rytmicznie akompaniamentu, posiada cechy improwizacji. Liczne synkopy, wygładzenie mocnych beatów, swoboda rytmiczna nadają muzyce płynności.

Forma Andante jest dwuczęściowa, nawiązująca budową do wielu arii, preludiów i tańców Bacha w cyklach suit. Pierwsza część kończy się modulacją kierunek równoległy w drugiej części niemal niepodzielnie dominuje d-moll. Intonacje tematu, na początku melodyjne, spokojne i miękkie, w drugiej części stają się bardziej napięte, deklamacyjne.

Finał

Muzyka finału budzi skojarzenia z obrazem święto narodowe. Ucieleśnia nie indywidualne uczucia, ale ogólny nastrój świątecznej zabawy. Główny temat finału wykazuje oczywiste podobieństwo do tematu otwierającego część I – ten sam skok na początku, ta sama energiczność rytmy taneczne, jasne, główne kolory. Tempo jest tu jednak nie tylko żywe, ale i porywcze, a fragmentów gamy „latających” jest znacznie więcej.

Ogólne kontury formy, plan tonalny w skrajnych partiach „Koncertu włoskiego” są podobne. W finale pojawia się także wątek drugi, „poboczny”, który rozgrywa się w ekspozycji w tonacji głównej. Podobnie jak w części pierwszej, okresowy powrót tematu głównego wprowadza do kompozycji cechy ronda.

Jana Sebastiana Bacha – najzdolniejszy kompozytor 18 wiek. Od jego śmierci minęło ponad 250 lat, a zainteresowanie jego muzyką nie osłabło do dziś. Ale za życia kompozytor nigdy nie zyskał zasłużonego uznania. Zainteresowanie jego twórczością pojawiło się dopiero sto lat po jego śmierci.

Johann Sebastian Bach jest najwybitniejszym członkiem sławy muzyczna rodzina Bacha i jeden z najwięksi kompozytorzy wszystkie czasy i narody. Pozbawiony w wieku 10 lat ojca, Johanna Ambrose Bacha (1645 - 1695), Johann Sebastian został oddany pod opiekę swojego starszego brata Johanna Christopha, organisty w Ohrdruf (Turyngia), który położył podwaliny pod jego studia muzyczne. Po śmierci brata 14-letni Johann Sebastian wyjechał do Lüneburga, gdzie wstąpił do chóru gimnazjalnego jako solowy chór i otrzymał wyższą Edukacja szkolna. Stąd często jeździł do Hamburga, aby zapoznać się z grą organisty Reinkena i Celle oraz posłuchać słynnej kaplicy dworskiej. W 1703 roku Bach został skrzypkiem w kaplicy dworskiej w Weimarze. W 1704 roku został organistą w Arnstadt, skąd w 1705 roku udał się do Lubeki, aby słuchać i uczyć się u słynnego organisty Buchstegude. W 1707 r. Johann Sebastian został organistą w Mühlhausen, w 1708 r. został nadwornym organistą i kameralistą w Weimarze, funkcję tę pełnił do 1717 r.

Początek niezależnego życia

W wieku 15 lat Bach wstąpił do prestiżowej szkoły chórzystów kościelnych w Lüneburgu, która mieściła się przy kościele św. Michaela, a jednocześnie dzięki swojemu pięknemu głosowi młody Bach mógł trochę zarobić chór kościelny. Ponadto w Lüneburgu młody człowiek poznał Georga Böhma, słynnego organistę, z którym komunikacja miała wpływ na wczesna praca kompozytor. A także wielokrotnie jeździł do Hamburga, aby posłuchać meczu najwiekszy przedstawiciel niemiecka szkoła organowa A. Reinkena. Z tego samego okresu pochodzą pierwsze dzieła Bacha na klawesyn i organy. Po pomyślnym ukończeniu szkoły Johann Sebastian otrzymuje prawo wstąpienia na uniwersytet, ale z powodu braku funduszy nie miał możliwości kontynuowania nauki.

Zdolności Johanna nie ograniczały się jedynie do umiejętności kompozytorskich. Wśród swoich współczesnych uważany był za najlepszego wykonawcę klawesynu i organów. To właśnie za improwizację na tych instrumentach zyskał uznanie (nawet wśród rywali) za życia. Mówią, że gdy Louis Marchand, klawesynista i organista z Francji, w przeddzień drezdeńskiego konkursu gry na tych instrumentach, usłyszał występ Bacha, pospiesznie opuścił miasto.

ścieżka życia

Johann rozpoczął karierę w Weimarze, gdzie został przyjęty do kaplicy dworskiej księcia Johanna Ernsta Saksonii jako skrzypek. Nie trwało to jednak długo, gdyż taka praca nie zaspokajała zapędów twórczych. młody muzyk. Bach w 1703 roku bez wahania zgadza się przenieść do miasta Arnstadt, gdzie przebywał w kościele św. Bonifacemu zaproponowano początkowo stanowisko nadzorcy organów, a później organisty. Godna pensja, praca tylko trzy dni w tygodniu, dobry, zmodernizowany instrument dostrojony do najnowszego systemu, to wszystko stworzyło warunki do poszerzania możliwości twórczych muzyka nie tylko jako wykonawcy, ale także kompozytora. W tym okresie tworzy duża liczba dzieła organowe, a także kaprysy, kantaty i suity. Tutaj Johann staje się prawdziwym organistą i genialnym wirtuozem, którego gra budziła wśród słuchaczy nieokiełznany zachwyt. To właśnie w Arnstadt ujawnia się jego talent do improwizacji, co nie bardzo podoba się przywódcom kościoła. Bach zawsze dążył do perfekcji i nie przepuścił okazji do zapoznania się znani muzycy na przykład z organistą Dietrichem Buxtehude, który służył w Lubece. Po czterotygodniowym urlopie Bach pojechał posłuchać wielkiego muzyka, którego gra wywarła na Johannie takie wrażenie, że zapominając o obowiązkach, pozostał w Lubece przez cztery miesiące. Po powrocie do Arndstadt oburzeni przywódcy postawili Bacha upokarzający proces, po którym musiał opuścić miasto i szukać nowej pracy.

Następne miasto dalej ścieżka życia Bach był Mühlhausen. Tutaj w 1706 roku wygrał konkurs na stanowisko organisty w kościele św. Własia. Został przyjęty za dobrą pensję, ale i pod pewnym warunkiem: akompaniament muzyczny chorałów miał być rygorystyczny, bez jakichkolwiek „dekoracji”. Władze miasta odnosiły się później do nowego organisty z szacunkiem: zatwierdziły plan przebudowy organów kościelnych, a także wypłaciły hojną nagrodę za uroczystą kantatę „Pan jest moim carem” Bacha, zadedykowaną na inaugurację. uroczystość nowego konsula. Pobyt Bacha w Mühlhausen upłynął pod znakiem szczęśliwe wydarzenie: Ożenił się ze swoją ukochaną kuzynką Marią Barbarą, która później dała mu siedmioro dzieci.

W 1708 roku książę Ernst z Saksonii-Weimaru usłyszał wspaniałą grę organisty z Mühlhausen. Pod wrażeniem tego, co usłyszał, szlachcic natychmiast zaproponował Bachowi stanowiska muzyka nadwornego i organisty miejskiego z znacznie wyższą niż dotychczas pensją. Johann Sebastian zapoczątkował okres weimarski, który charakteryzuje się jednym z najbardziej owocnych w życiu twórczym kompozytora. W tym czasie stworzył dużą liczbę kompozycji na clavier i organy, w tym zbiór preludiów chóralnych, Passacaglia w c-moll, słynną Toccatę i Fugę w d-moll, Fantazję i Fugę w C-dur i wiele innych . największe dzieła. Należy również zauważyć, że do tego okresu należy również kompozycja ponad dwudziestu kantat duchowych. Taka skuteczność w twórczości kompozytorskiej Bacha związana była z mianowaniem go w 1714 roku na wicekapelmistrza, do którego obowiązków należało regularne comiesięczne aktualizowanie muzyki kościelnej.

W 1717 roku Bach opuścił Weimar i podjął pracę w Köthen jako nadworny kapelmistrz u księcia Anhalta z Köthen. W Köthen Bach musiał pisać muzykę świecką, gdyż w wyniku reform w kościele nie wykonywano żadnej muzyki poza śpiewaniem psalmów. Tutaj Bach zajmował pozycję wyjątkową: jako dyrygent nadworny był dobrze opłacany, książę traktował go jak przyjaciela, a kompozytor odwdzięczał się tym świetne teksty. W Köthen muzyk miał wielu uczniów i dla ich edukacji skompilował klawesyn o dobrym temperamencie. To 48 preludiów i fug, które rozsławiły Bacha jako mistrza muzyki klawesynowej. Kiedy książę się ożenił, młoda księżniczka okazała niechęć zarówno do Bacha, jak i jego muzyki. Johann Sebastian musiał szukać innej pracy.

Osada w Lipsku

Bach przeprowadził się do tego miasta w 1723 roku i pozostał tam na zawsze. W kościele św. Tomasza otrzymał stanowisko kierownika chóru. Warunki dla Bacha znów były nieśmiałe. Oprócz wielu obowiązków (pedagog, kompozytor, nauczyciel) nakazano mu nie opuszczać miasta bez zgody burmistrza. Musiał także pisać muzykę według zasad: niezbyt operową i długą, ale jednocześnie taką, która budziłaby u słuchaczy szacunek. Ale pomimo wszystkich ograniczeń Bach, jak zawsze, nadal tworzył. Ich najlepsze kompozycje stworzył właśnie w Lipsku. Władze kościelne uważały muzykę Jana Sebastiana za zbyt kolorową, ludzką i błyskotliwą, przeznaczyły niewiele pieniędzy na utrzymanie szkoły. Jedyną pociechą kompozytora była twórczość i rodzina. Jego trzej synowie również okazali się znakomitymi muzykami. Anna Magdalena, druga żona Bacha, miała wspaniały głos sopranowy. Jego najstarsza córka również dobrze śpiewała.

Praca organowa Bacha

Na organy kompozytor stworzył dzieła znakomite. Ten instrument dla Bacha to prawdziwy żywioł. Tutaj potrafił wyzwolić swoje myśli, uczucia i emocje i przekazać to wszystko słuchaczowi. Stąd powiększenie linii, jakość koncertowa, wirtuozja, dramatyczne obrazy. Kompozycje tworzone na organy przypominają freski w malarstwie. Wszystko w nich ukazane jest głównie w zbliżeniu. W preludiach, toccatach i fantazjach pojawia się patos obrazów muzycznych w swobodnych, improwizacyjnych formach. Fugi charakteryzują się szczególną wirtuozerią i niezwykłością potężny rozwój. Twórczość organowa Bacha odzwierciedla wysoką poezję jego tekstów i imponujący zakres wspaniałych improwizacji. W przeciwieństwie do dzieł claviera, fugi organowe mają znacznie większą objętość i treść. Ruch obraz muzyczny a jego rozwój następuje wraz ze wzrostem aktywności. Rozwinięcie materiału ukazane jest jako nawarstwienie dużych warstw muzyki, nie ma tu jednak szczególnej dyskrecji i luk. Wręcz przeciwnie, dominuje ciągłość (ciągłość ruchu). Każda fraza wynika z poprzedniej i rośnie napięcie. Również zbudowany i punkty kulminacyjne. Wzniesienie emocjonalne ostatecznie nasila się do najwyższego punktu. Bach jest pierwszym kompozytorem, który pokazał wzorce rozwoju symfonii w głównych formach instrumentalnej muzyki polifonicznej. Wydaje się, że twórczość organowa Bacha dzieli się na dwa bieguny. Pierwsza to preludia, toccaty, fugi, fantazje (duże cykle muzyczne). Drugi to jednoczęściowe preludia chorałowe. Są one zapisane głównie w planie komory. Ujawniają głównie obrazy liryczne: głęboko żałobny i wzniośle kontemplacyjny. Najlepsze prace w przypadku organów Jana Sebastiana Bacha są to toccata i fuga d-moll, preludium i fuga a-moll oraz wiele innych kompozycji.

Życie osobiste

Johann Sebastian należał do największych Niemców dynastia muzyczna, którego rodowód liczony jest zwykle od Veita Bacha, prostego piekarza, ale bardzo lubiącego muzykę i doskonale wykonującego melodie ludowe na swoim ulubionym instrumencie – cytrze. Ta pasja założyciela rodziny została przekazana jego potomkom, wielu z nich zostało profesjonalni muzycy: kompozytorzy, kantorzy, kapelmistrzowie, a także różni instrumentaliści. Osiedlali się nie tylko w Niemczech, niektórzy nawet wyjechali za granicę. W ciągu dwustu lat muzyków Bacha było tak wielu, że ich imieniem zaczęto nazywać każdą osobę zajmującą się muzyką. jak najbardziej sławni przodkowie Johann Sebastian, którego dzieła dotarły do nas, to: Johannes, Heinrich, Johann Christoph, Johann Bernhard, Johann Michael i Johann Nikolaus. Ojciec Johanna Sebastiana, Johann Ambrosius Bach, również był muzykiem i pełnił funkcję organisty w Eisenach, mieście, w którym urodził się Bach.

Sam Johann Sebastian był ojcem dużej rodziny: z dwóch żon miał dwudziestkę dzieci. W 1707 roku po raz pierwszy poślubił swoją ukochaną kuzynkę Marię Barbarę, córkę Johanna Michaela Bacha. Maria urodziła Johannowi Sebastianowi siedmioro dzieci, z których troje zmarło w niemowlęctwie. Sama Maria też nie żyła długie życie zmarła w wieku 36 lat, pozostawiając Bacha czworo małych dzieci. Bach był bardzo zmartwiony stratą żony, ale rok później ponownie zakochał się w młodej dziewczynie Annie Magdalenie Wilken, którą poznał na dworze księcia Anhalt-Keten i oświadczył się jej. Mimo dużej różnicy wieku dziewczyna zgodziła się i widać, że to małżeństwo było bardzo udane, gdyż Anna Magdalena dała Bachowi trzynaścioro dzieci. Dziewczyna wykonała doskonałą pracę w gospodarstwie domowym, opiekowała się dziećmi, szczerze cieszyła się z sukcesu męża i zapewniła świetna pomoc w pracy, przepisując swoje wyniki. Rodzina była dla Bacha wielką radością, wiele czasu poświęcał wychowaniu dzieci, muzykowaniu z nimi i komponowaniu specjalne ćwiczenia. Wieczorami rodzina bardzo często organizowała improwizowane koncerty, które wszystkim sprawiały radość. Dzieci Bacha miały doskonałe naturalne zdolności, ale czworo z nich miało wyjątkowy talent muzyczny – są to Johann Christoph Friedrich, Carl Philipp Emanuel, Wilhelm Friedemann i Johann Christian. Zostali także kompozytorami i odcisnęli swoje piętno na historii muzyki, jednak żaden z nich nie był w stanie przewyższyć ojca ani w pisaniu, ani w sztuce wykonawczej.

Śmierć kompozytora

W 1749 roku stan zdrowia kompozytora uległ pogorszeniu. Bach Johann Sebastian, którego biografia kończy się w 1750 r., zaczął nagle tracić wzrok i zwrócił się o pomoc do angielskiego okulisty Johna Taylora, który w marcu-kwietniu 1750 r. przeprowadził 2 operacje. Obie jednak zakończyły się niepowodzeniem. Wizja kompozytora nigdy nie powróciła. 28 lipca w wieku 65 lat zmarł Johann Sebastian. Współczesne gazety pisały, że „śmierć była wynikiem nieudanej operacji oczu”. Obecnie historycy uważają, że przyczyną śmierci kompozytora był udar mózgu powikłany zapaleniem płuc. Carl Philipp Emmanuel, syn Johanna Sebastiana i jego uczeń Johann Friedrich Agricola napisali nekrolog. Została opublikowana w 1754 roku przez Lorenza Christopha Mitzlera w magazyn muzyczny. Jana Sebastiana Bacha, krótki życiorys prezentowany powyżej, pierwotnie został pochowany w Lipsku, w pobliżu kościoła św. Jana. Grób pozostał nietknięty przez 150 lat. Później, w 1894 r., szczątki przeniesiono do specjalnego magazynu w kościele św. Jana, a w 1950 r. – do kościoła św. Tomasza, gdzie kompozytor do dziś spoczywa.

- Bach był uznanym organistą. Zapraszany był do sprawdzania i strojenia instrumentów w różnych świątyniach w Weimarze, gdzie mieszkał przez dłuższy czas. Za każdym razem imponował klientom niesamowitymi improwizacjami, które wykonywał, aby usłyszeć, jak brzmi instrument, nad którym pracował.
- Johann nudził się podczas nabożeństwa, wykonując monotonne chorały, i nie powstrzymując swego twórczego zapału, zaimprowizował w ustalonym muzyka kościelna ich drobne różnice w zdobnictwie, co wywołało duże niezadowolenie władz.
- Bardziej znany ze swoich dzieł religijnych, Bach odniósł także sukcesy w komponowaniu muzyki świeckiej, czego dowodem jest jego „Kantata kawowa”. Bach to przedstawił pełen humoru utwór przypomina małą operę komiczną. Pierwotnie zatytułowany „Schweigt Stille, Plaudert nicht” („Zamknij się, przestań mówić”), opisuje uzależnienie bohater liryczny do kawy i nieprzypadkowo kantata ta została po raz pierwszy wykonana w kawiarni w Lipsku.
- W wieku 18 lat Bach bardzo chciał dostać miejsce jako organista w Lubece, która wówczas należała do słynnego Dietricha Buxtehude. Kolejnym pretendentem do tego miejsca był G. Handel. Głównym warunkiem objęcia tego stanowiska było małżeństwo z jedną z córek Buxtehudego, jednak ani Bach, ani Handel nie odważyli się tak poświęcić.
- Jan Sebastian Bach bardzo lubił przebierać się za biednego nauczyciela i w tej formie odwiedzać małe kościoły, gdzie prosił miejscowego organistę, aby trochę pograł na organach. Część parafian, słysząc niezwykle piękne dla nich przedstawienie, przestraszona opuściła nabożeństwo, myśląc, że mają w świątyni w formie dziwna osoba pojawił się sam diabeł.
- Poseł rosyjski w Saksonii Hermann von Keyserling poprosił Bacha o napisanie utworu, przy którym mógłby szybko i spokojnie zasnąć. Tak powstały Wariacje Goldbergowskie, za które kompozytor otrzymał złotą kostkę wypełnioną stu ludwikami. Odmiany te do dziś są jednymi z najlepszych „tabletek nasennych”.
- Jan Sebastian był znany swoim współczesnym nie tylko jako wybitny kompozytor i wykonawca-wirtuoz, a także osoba o bardzo trudnym charakterze, nietolerująca błędów innych. Znany jest przypadek, gdy fagocista, publicznie znieważony przez Bacha za niedoskonałe wykonanie, zaatakował Johanna. Doszło do prawdziwego pojedynku, gdyż obaj uzbrojeni byli w sztylety.
- Bach, który lubił numerologię, lubił wplatać w swoje cyfry 14 i 41 dzieła muzyczne, gdyż cyfry te odpowiadały pierwszym literom nazwiska kompozytora.
- Podziękowania dla Johanna Sebastiana Bacha w chóry kościelne dziś nie tylko mężczyźni śpiewają. Pierwszą kobietą, która śpiewała w świątyni, była żona kompozytora Anny Magdaleny, która ma piękny głos.
- W połowie XIX w. niemieccy muzykolodzy założyli pierwsze Towarzystwo Bacha, którego głównym zadaniem było wydawanie dzieł kompozytora. Na początku XX wieku towarzystwo uległo rozwiązaniu, a dzieła wszystkie Bacha ukazały się dopiero w drugiej połowie XX wieku z inicjatywy powstałego w 1950 roku Instytutu Bacha. Na świecie istnieją dziś w sumie dwieście dwadzieścia dwa stowarzyszenia bachowskie, orkiestry bachowskie i chóry bachowskie.
- Badacze twórczości Bacha sugerują, że wielki mistrz skomponował 11 200 dzieł, choć w spuściźnie znanej potomności znajduje się zaledwie 1200 utworów.
- Do chwili obecnej istnieje ponad pięćdziesiąt trzy tysiące książek i różnych publikacji na temat Bacha inne języki, opublikował około siedmiu tysięcy pełnych biografii kompozytora.
- Wszyscy wiedzą, że Beethoven cierpiał na utratę słuchu, ale niewiele osób wie, że Bach w podeszłym wieku oślepł. Faktycznie, nieudana operacja na naszych oczach, dokonany przez szarlatana chirurga Johna Taylora, spowodował śmierć kompozytora w roku 1750.
- Johann Sebastian Bach został pochowany w pobliżu kościoła św. Tomasza. Jakiś czas później przez teren cmentarza wytyczono drogę i grób zaginął. Pod koniec XIX w. podczas przebudowy kościoła odnaleziono i ponownie pochowano szczątki kompozytora. Po II wojnie światowej, w 1949 roku, relikwie Bacha przeniesiono do budynku kościoła. Jednak ze względu na fakt, że grób kilkakrotnie zmieniał swoje miejsce, sceptycy wątpią, czy w pochówku znajdują się prochy Jana Sebastiana.
- Do tej pory wydano 150 na całym świecie znaczki pocztowe poświęconych Janowi Sebastianowi Bachowi, 90 z nich ukazało się w Niemczech.
- Janowi Sebastianowi Bachowi - wielkiemu geniusz muzyczny, traktowane są z wielką czcią na całym świecie, w wielu krajach stawiane są mu pomniki, tylko w Niemczech znajduje się ich 12. Jedna z nich znajduje się w Dornheim koło Arnstadt i poświęcona jest ślubowi Jana Sebastiana i Marii Barbary.

Najważniejsze dzieła Bacha

Utwory wokalne (z towarzyszeniem orkiestry):

- 198 kantat kościelnych
- 12 kantat świeckich
- 6 motetów
- Oratoria bożonarodzeniowe i wielkanocne

Utwory na orkiestrę i muzykę kameralną:

- 4 uwertury (suity) i 6 koncertów brandenburskich
- 7 koncertów na klawesyn i orkiestrę

Działa dla Claviera:

- Partitas, suity francuskie i angielskie, wynalazki na dwa i trzy głosy, symfonie, preludia, fugi, fantazje, uwertury, toccatas, capriccio, sonaty, duety, koncert włoski, fantazja i fuga chromatyczna
- Dobrze usposobiony Clavier
- Wariacje Goldbergowskie
— Sztuka fugi

Utwory na organy:

- Preludia, fantazje, toccaty, fugi, canzone, sonaty, passacaglia, koncerty na tematy Vivaldiego
— Preludia chóralne
- III. Wariacje chóralne