Ренесансът предизвиква дълбоки промени във всички области на културата - философия, наука и изкуство. Един от тях е. която става все по-независима от религията, престава да бъде "слугиня на богословието", въпреки че все още е далеч от пълна независимост. Както и в други области на културата, във философията се възраждат ученията на древните мислители, преди всичко на Платон и Аристотел. Марсилио Фичино основава Платоновата академия във Флоренция, превежда произведенията на великия грък латински език. Идеите на Аристотел се завръщат в Европа още по-рано, преди Ренесанса. По време на Ренесанса, според Лутер, той, а не Христос, "управлява в европейските университети".
Наред с древните учения, натурфилософия, или философията на природата. Той се проповядва от такива философи като Б. Телезио, Т. Кампанела, Д. Бруно. В техните трудове се развиват мисли, че философията не трябва да изучава свръхестествен Бог, а самата природа, че природата се подчинява на собствените си вътрешни закони, че основата на знанието е опитът и наблюдението, а не божественото откровение, че човекът е част от природата .
Разпространението на натурфилософските възгледи беше улеснено от наученоткрития. Главен сред тях беше хелиоцентрична теорияН. Коперник, който направи истинска революция в представите за света.
Трябва обаче да се отбележи, че научните и философски възгледи от онова време все още са под забележимо влияние на религията и теологията. Такива възгледи често приемат формата пантеизъмв който не се отрича съществуването на Бог, но Той е разтворен в природата, идентифициран с нея. Към това трябва да добавим и влиянието на т. нар. окултни науки – астрология, алхимия, мистика, магия и др. Всичко това се случва дори при такъв философ като Д. Бруно.
Ренесансът донася най-значимите промени в художествена култура, изкуство.Именно в тази област скъсването със Средновековието се оказва най-дълбоко и радикално.
През Средновековието изкуството е до голяма степен приложено в природата, то е вплетено в самия живот и е трябвало да го украсява. През Ренесанса изкуството за първи път придобива присъща стойност, то се превръща в самостоятелна област на красотата. В същото време за първи път се формира чисто художествено, естетическо чувство у възприемащия зрител, за първи път се пробужда любов към изкуството заради самото него, а не заради целта, която то обслужва.
Никога досега изкуството не се е радвало на такава висока почит и уважение. Дори в древна Гърцияработата на художника по своята социална значимост беше значително по-ниска от дейността на политик и гражданин. Още по-скромно място е заето от художника в древен Рим.
Сега място и роля на художникав обществото растат неизмеримо. За първи път той се разглежда като независим и уважаван професионалист, учен и мислител, уникална индивидуалност. През Ренесанса изкуството се възприема като едно от най-мощните средства за познание и в това си качество се отъждествява с науката. Леонардо да Винчи разглежда науката и изкуството като два напълно равнопоставени начина за изучаване на природата. Той пише: „Живописът е наука и законна дъщеря на природата“.
Още по-високо ценени изкуството като творчество. По своите творчески способности ренесансовият художник се приравнява на Бог Творец. Това обяснява защо Рафаел е получил добавката „Божествен“ към името си. По същите причини комедията на Данте е наричана още „Божествена“.
Самото изкуство претърпява дълбоки промени.Прави решителен обрат от средновековен символ и знак към реалистично изображениеи автентично изображение. Средствата стават нови художествена изразителност. Сега те се основават на линейни и въздушна перспектива, триизмерност на обема, учение за пропорциите. Изкуството във всичко се стреми да бъде вярно на реалността, да постигне обективност, автентичност и жизненост.
Ренесансът е предимно италиански. Ето защо не е изненадващо, че именно в Италия изкуството през този период достига своя най-висок възход и разцвет. Именно тук има десетки имена на титани, гении, велики и просто талантливи художници. Има страхотни имена и в други страни, но Италия е извън конкуренцията.
В италианския Ренесанс обикновено се разграничават няколко етапа:
- Проторенесанс: втората половина на 13 век. - XIV век.
- Ранен Ренесанс: почти целият XV век.
- Висок Ренесанс: края на 15 век - първата третина на 16 век
- Късен Ренесанс: последните две трети на 16 век.
Основните фигури на Проторенесанса са поетът Данте Алигиери (1265-1321) и художникът Джото (1266/67-1337).
Съдбата поднесе на Данте много изпитания. Преследван е за участие в политическата борба, скита се, умира в чужда земя, в Равена. Приносът му към културата надхвърля поезията. Пише не само любовна лирика, но и философски и политически трактати. Данте е създателят на италианския литературен език. Понякога той е наричан последният поет на Средновековието и първият поет на Модерната епоха. Тези две начала – старото и новото – наистина са тясно преплетени в творчеството му.
Първите произведения на Данте Нов живот” и „Пир” - са лирични стихотворения с любовно съдържание, посветени на неговата любима Беатриче, която той среща веднъж във Флоренция и която умира седем години след срещата им. Поетът запази любовта си за цял живот. В жанрово отношение лириката на Данте е в съответствие със средновековната придворна поезия, където обект на възпяване е образът на „Хубавата дама“. Но чувствата, изразени от поета, вече принадлежат на Ренесанса. Те са породени от реални срещи и събития, изпълнени с искрена топлота, белязани с неповторима индивидуалност.
Върхът на творчеството на Данте беше „Божествена комедия”, заел специално място в историята на световната култура. По своята конструкция тази поема също е съобразена със средновековните традиции. Разказва за приключенията на човек, попаднал в отвъдното. Поемата има три части – Ад, Чистилище и Рай, всяка от които има по 33 песни, написани в триредови строфи.
Повтарящото се число "три" директно отразява християнската доктрина за Троицата. В хода на повествованието Данте стриктно следва много от изискванията на християнството. По-специално, той не допуска своя спътник в деветте кръга на ада и чистилището - римския поет Вергилий - в рая, тъй като езичникът е лишен от такова право. Тук поетът е придружен от починалата си любима Беатрис.
Но в мислите и преценките си, в отношението си към изобразените герои и техните грехове. Данте често и много съществено не е съгласен с християнското учение. Така. вместо християнското осъждане на чувствената любов като грях, той говори за "закона на любовта", според който чувствената любов е включена в природата на самия живот. Данте се отнася с разбиране и симпатия към любовта на Франческа и Паоло. въпреки че любовта им е свързана с предателството на Франческа спрямо нейния съпруг. Ренесансовият дух тържествува в Данте и в други случаи.
Сред изключителните италиански поети е също Франческо Петрарка.В световната култура той е известен преди всичко със своята сонети.В същото време той е широкообхватен мислител, философ и историк. Той с право се смята за основател на цялата ренесансова култура.
Творчеството на Петрарка също е отчасти в рамките на средновековната придворна лирика. Подобно на Данте, той имал любовница на име Лаура, на която посветил своята „Книга на песните“. В същото време Петрарка по-решително прекъсва връзките с средновековна култура. В творбите му изразените чувства – любов, болка, отчаяние, копнеж – се проявяват много по-остро и по-голи. Те имат по-силно лично докосване.
Друг виден представител на литературата беше Джовани Бокачо(1313-1375). световно известен автор Декамерон“.Бокачо заимства принципа на изграждане на сборника си с разкази и сюжетната схема от Средновековието. Всичко останало е пропито с духа на Възраждането.
Главните герои на романите са обикновени и обикновени хора. Те са написани невероятно ярки, живи, говорим език. Те не съдържат скучно морализиране, напротив, много кратки истории буквално искрят от любов към живота и забавление. Сюжетите на някои от тях имат любовно-еротичен характер. Освен Декамерон, Бокачо пише и разказа Фиамета, който се смята за първия психологически роман в западната литература.
Джото ди Бондонее най-яркият представител на италианския Проторенесанс през изящни изкуства. Основният му жанр са стенописите. Всички те са написани на библейски и митологични сюжети, изобразяват сцени от живота на Светото семейство, евангелисти, светци. Интерпретацията на тези сюжети обаче е ясно доминирана от ренесансовото начало. В творчеството си Джото изоставя средновековните условности и се обръща към реализма и правдоподобността. Именно за него се признава заслугата за възраждането на живописта като художествена ценност сама по себе си.
В творбите му природният пейзаж е доста реалистично изобразен, върху който ясно се виждат дървета, скали и храмове. Всички участващи персонажи, включително и самите светци, се явяват като живи хора, надарени с физическа плът, човешки чувства и страсти. Дрехите им очертават естествените форми на телата им. Произведенията на Джото се отличават с ярък колорит и живописност, фина пластичност.
Основното творение на Джото е картината на параклиса дел Арена в Падуа, която разказва за събития от живота на Светото семейство. Повечето силно впечатлениепроизвежда стенен цикъл, включващ сцените "Бягство в Египет", "Целувката на Юда", "Оплакването на Христос".
Всички герои, изобразени на картините, изглеждат естествени и автентични. Положението на телата им, жестове, емоционално състояние, възгледи, лица - всичко това е показано с рядка психологическа убедителност. В същото време поведението на всеки стриктно съответства на възложената му роля. Всяка сцена има уникална атмосфера.
И така, в сцената "Полет до Египет" преобладава сдържан и като цяло спокоен емоционален тон. „Целувката на Юда“ е изпълнена с бурна динамика, резки и решителни действия на герои, които буквално се борят един с друг. И само двамата главни участници - Юда и Христос - замръзнаха без да мръднат и се борят с очи.
С особен драматизъм се отличава сцената "Оплакването на Христос". Изпълнен е с трагично отчаяние, непоносима болка и страдание, неутешима скръб и тъга.
Ранният Ренесанс окончателно одобрен нови естетически и художествени принципи на изкуството.В същото време библейските истории все още са много популярни. Тяхната интерпретация обаче става съвсем различна, в нея е останало малко от Средновековието.
родина Ранен Ренесансстава Флоренция, а „бащите на Ренесанса” са арх Филип Брунелески(1377-1446), скулптор Донатело(1386-1466). художник Мазачио (1401 -1428).
Брунелески има огромен принос за развитието на архитектурата. Той полага основите на ренесансовата архитектура, открива нови форми, съществували от векове. Той направи много за развитието на законите на перспективата.
Най-значимата работа на Брунелески е издигането на купол над завършената конструкция на катедралата Санта Мария дел Фиоре във Флоренция. Пред него стоеше изключително трудна задача, тъй като необходимият купол трябваше да бъде с огромни размери - около 50 м в диаметър. С помощта на оригиналния дизайн той блестящо излиза от трудна ситуация. Благодарение на намереното решение не само самият купол се оказа изненадващо лек и сякаш висящ над града, но и цялата сграда на катедралата придоби хармония и величие.
Не по-малко от прекрасна работаБрунелески стана известната капела Паци, издигната в двора на църквата Санта Кроче във Флоренция. Представлява малка, правоъгълна сграда, покрита в центъра с купол. Отвътре е облицована с бял мрамор. Подобно на други сгради на Брунелески, параклисът се отличава с простота и яснота, елегантност и грация.
Работата на Брунелески е забележителна с факта, че той отива отвъд местата за поклонение и създава великолепни сгради. светска архитектура. Отличен пример за такава архитектура е сиропиталището, построено във формата на буквата "П", с покрита галерия-лоджия.
Флорентинският скулптор Донатело е един от най-видните творци на Ранния Ренесанс. Той работеше в най-много различни жанровенавсякъде показва истинска иновация. В творчеството си Донатело използва древното наследство, разчитайки на задълбочено изучаване на природата, смело актуализирайки средствата за художествено изразяване.
Участва в развитието на теорията за линейната перспектива, възражда скулптурния портрет и образа на голото тяло, отлива първите бронзов паметник. Създадените от него образи са въплъщение на хуманистичния идеал за хармонично развита личност. С работата си Донатело оказва голямо влияние върху последващото развитие на европейската скулптура.
Желанието на Донатело да идеализира изобразения човек се проявява ясно в статуя на младия Давид.В тази творба Дейвид изглежда млад, красив, изпълнен с духовност и физическа силамлади мъже. Красотата на голото му тяло се подчертава от грациозно извит торс. Младото лице изразява замисленост и тъга. Тази статуя е последвана от цяла серия голи фигури в ренесансовата скулптура.
Героичното начало е силно и отчетливо в статуята на Св. Джордж,който се превръща в един от върховете на творчеството на Донатело. Тук той напълно успя да въплъти идеята силен характер. Пред нас е висок, строен, смел, спокоен и самоуверен воин. В тази работа майсторът творчески развива най-добрите традиции на античната скулптура.
Разглежда се класическата творба на Донатело бронзова статуякомандир Gattamelatta - първият конен паметник в изкуството на Ренесанса. Тук страхотен скулптордостига до крайна степен на художествено-философско обобщение, което доближава тази творба до античността.
В същото време Донатело създава портрет на специфична и уникална личност. Командирът се изявява като истински ренесансов герой, смел, спокоен, самоуверен човек. Статуята се отличава с лаконични форми, ясна и прецизна пластичност, естествена поза на ездач и кон. Благодарение на това паметникът се превърна в истински шедьовър на монументалната скулптура.
AT последен периодтворчество Донатело създава бронзова група "Юдит и Олоферн". Тази творба е изпълнена с динамика и драматизъм: Юдит е изобразена в момента, в който вдига меча си над вече ранения Олоферн. да го довърша.
Мазачиос право считан за една от основните фигури на Ранния Ренесанс. Той продължава и развива тенденциите, идващи от Джото. Мазачио живя само 27 години и успя да направи малко. Но създадените от него стенописи се превръщат в истинска живописна школа за следващите италиански художници. Според Вазари, съвременник на Високия Ренесанс и авторитетен критик, "никой майстор не се е доближавал толкова близо до съвременните майстори, колкото Мазачио".
Основното творение на Мазачио са стенописите в параклиса Бранкачи на църквата Санта Мария дел Кармине във Флоренция, които разказват за епизоди от легендите за Св.
Въпреки че стенописите разказват за чудесата, извършени от Св. Петър, в тях няма нищо свръхестествено и мистично. Изобразените Христос, Петър, апостолите и други участници в събитията изглеждат съвсем земни хора. Те са надарени с индивидуални черти и се държат съвсем естествено и човешки. По-специално, в сцената на "Кръщението" гол млад мъж, треперещ от студ, е изненадващо автентично показан. Мазачио изгражда своята композиция, използвайки не само линейна, но и въздушна перспектива.
От целия цикъл заслужава специално внимание фреска "Изгонване от рая".Тя е истински шедьовър на живописта. Фреската е изключително лаконична, в нея няма нищо излишно. На фона на неясен пейзаж ясно се виждат фигурите на Адам и Ева, напуснали портите на рая, над които витае ангел с меч. Цялото внимание е насочено към мама и Ева.
Мазачио е първият в историята на живописта, който успява да нарисува голо тяло толкова убедително и достоверно, да предаде естествените му пропорции, да му придаде стабилност и движение. Също толкова убедително и ярко е изразено вътрешното състояние на героите. Адам, който крачеше широко, сведе засрамена глава и покри лицето си с ръце. Хлипайки, Ив отметна назад глава в отчаяние с отворена уста. Тази фреска открива нова ера в изкуството.
Това, което Мазачио направи, беше продължено от такива художници като Андреа Мантеня(1431 -1506) и Сандро Ботичели(1455-1510). Първият стана известен преди всичко със своите стенописи, сред които специално място заемат стенописите, разказващи за последните епизоди от живота на Св. Яков – процесията към екзекуцията и самата екзекуция. Ботичели предпочитан станкова живопис. Най-известните му картини са „Пролет“ и „Раждането на Венера“.
От края на 15 век, когато италианското изкуство достига най-високия си връх, Висок Ренесанс.За Италия този период е изключително труден. Разпокъсан и следователно беззащитен, той е буквално опустошен, разграбен и обезкървен от нашествия от Франция, Испания, Германия и Турция. Въпреки това изкуството през този период, колкото и да е странно, преживява невиждан разцвет. По това време творят титани като Леонардо да Винчи. Рафаел. Микеланджело, Тициан.
В архитектурата началото на Високия Ренесанс се свързва с творчеството Донато Браманте(1444-1514). Именно той създава стила, който определя развитието на архитектурата от този период.
Един от неговите ранна работастава църквата на манастира Санта Мария дела Грацие в Милано, в чиято трапезария Леонардо да Винчи ще напише своите известна фреска„Тайната вечеря“. Славата му започва с малък параклис т.нар Темпето(1502), построена в Рим и превърнала се в своеобразен „манифест” на Високия Ренесанс. Параклисът има формата на ротонда, отличава се с простотата на архитектурните средства, хармонията на частите и рядката изразителност. Това е истински малък шедьовър.
Върхът на творчеството на Браманте е реконструкцията на Ватикана и превръщането на неговите сгради в единен ансамбъл. Той също така притежава дизайна на катедралата Св. Петър, в който Микеланджело ще направи промени и ще започне да прилага.
Вижте също: Микеланджело Буонароти
В чл Италиански ренесансзаема особено място Венеция.Школата, която се развива тук, се различава значително от школите във Флоренция, Рим, Милано или Болоня. Последните гравитираха към устойчиви традиции и приемственост, не бяха склонни към радикално обновление. Именно в тези училища Класицизъм XVIIв. и неокласицизма от по-късните векове.
Венецианската школа действа като техен оригинален противовес и антипод. Тук цареше духът на новаторството и радикалното, революционно обновление. От представителите на други италиански школи Леонардо е най-близо до Венеция. Може би именно тук страстта му към изследването и експеримента може да намери правилното разбиране и признание. В известния спор между „стари и нови” художници, последните се позовават на примера на Венеция. Тук започват тенденциите, довели до барока и романтизма. И въпреки че романтиците почитат Рафаел, техните истински богове са Тициан и Веронезе. Във Венеция Ел Греко получи своя творчески заряд, който му позволи да шокира испанската живопис. Веласкес минава през Венеция. Същото може да се каже и за Фламандски художнициРубенсе и Ван Дайк.
Като пристанищен град, Венеция се оказа на кръстопътя на икономически и търговски пътища. Тя изпита влиянието на Северна Германия, Византия и Изтока. Венеция се превърна в място за поклонение на много художници. А. Дюрер е бил тук два пъти - в края на 15 век. и началото на XVIв. Тя е посетена от Гьоте (1790). Тук Вагнер слуша пеенето на гондолиерите (1857), под чието вдъхновение написва второто действие на Тристан и Изолда. Ницше също е слушал пеенето на гондолиерите, наричайки го пеенето на душата.
Близостта на морето предизвиква плавни и подвижни форми, а не ясни геометрични структури. Венеция гравитира не толкова към разума със своята стриктни правилаколко за чувствата, от които се ражда удивителната поезия на венецианското изкуство. Фокусът на тази поезия беше природата - нейната видима и усещана материалност, жената - вълнуващата красота на нейната плът, музиката - родена от играта на цветове и светлина и от омайните звуци на одухотворената природа.
Художниците от венецианската школа предпочитат не форма и модел, а цвят, игра на светлина и сянка. Изобразявайки природата, те се стремят да предадат нейните импулси и движение, променливост и плавност. Те виждаха красотата на женското тяло не толкова в хармонията на формите и пропорциите, а в най-живата и чувствителна плът.
Те нямаха достатъчно реалистична правдоподобност и надеждност. Те се стремят да разкрият богатството, присъщо на самата живопис. Венеция е тази, която заслужава заслугата за откриването на чист живописен принцип или живописността в нейната най-чиста форма. Венециански художницибяха първите, които показаха възможността за отделяне на изобразителността от предметите и формата, възможността за решаване на проблемите на живописта с помощта на един цвят, използвайки чисто изобразителни средства, възможността да се разглежда изобразителното като самоцел. Цялата следваща живопис, основана на експресията и експресивността, ще следва този път. Според някои експерти от Тициан може да се премине към Рубенс и Рембранд, след това към Дьолакроа, а от него към Гоген, Ван Гог, Сезан и т.н.
Основателят на Венецианската школа е Джорджоне(1476-1510). В работата си той действаше като истински новатор. При него окончателно побеждава светското начало и вместо библейски историитой предпочита да пише на митологични и литературни теми. В творчеството му се осъществява утвърждаването на станкова живопис, която вече не прилича на икона или олтарно изображение.
Джорджоне отваря нова ерав живописта, като пръв рисува от натура. Изобразявайки природата, той за първи път измества фокуса върху подвижността, променливостта и плавността. Отличен пример за това е неговата картина "Гръмотевична буря". Именно Джорджоне започва да търси тайната на рисуването в светлината и нейните преходи, в играта на светлина и сянка, действайки като предшественик на Караваджо и караважизма.
Джорджоне създава различни по жанр и тематика произведения – „Кънтри концерт” и „Юдит”. Най-известната му творба беше "Спяща Венера"". Тази картина е лишена от всякакъв сюжет. Тя възпява красотата и очарованието на голото женско тяло, представляващо "голота заради самата голота".
Ръководителят на венецианската школа е Тициан(ок. 1489-1576). Неговото творчество – заедно с творчеството на Леонардо, Рафаело и Микеланджело – е върхът на ренесансовото изкуство. По-голямата част от дългия му живот пада върху Късния Ренесанс.
В творчеството на Тициан изкуството на Ренесанса достига своя най-висок възход и разцвет. Неговите творби съчетават творческите търсения и новаторството на Леонардо, красотата и съвършенството на Рафаело, духовната дълбочина, драмата и трагедията на Микеланджело. Притежават изключителна чувственост, благодарение на която въздействат силно върху зрителя. Произведенията на Тициан са изненадващо музикални и мелодични.
Както отбелязва Рубенс, заедно с Тициан живописта придобива своя вкус, а според Делакроа и Ван Гог - музиката. Неговите платна са рисувани с отворен мазък, който е едновременно лек, свободен и прозрачен. Именно в неговите творби цветът сякаш се разтваря и абсорбира формата, а изобразителното начало за първи път придобива автономност, появява се в чист вид. Реализмът в неговите творения се превръща в очарователен и тънък лиризъм.
В произведенията на първия период Тициан прославя безгрижната радост от живота, насладата от земните блага. Той възпява чувственото начало, бликащата от здраве човешка плът, вечната красота на тялото, физическото съвършенство на човека. Това е темата на неговите платна като „Любов на земята и на небето“, „Пирът на Венера“, „Бакхус и Ариадна“, „Даная“, „Венера и Адонис“.
В картината преобладава чувственото начало „Каещата се Магдалина”, въпреки че е посветен на драматичната ситуация. Но и тук каещият се грешник има чувствена плът, завладяваща, излъчващи светлинатяло, плътни и чувствени устни, румени бузи и златиста коса. Платното „Момче с кучета” е изпълнено с проникновен лиризъм.
В произведенията от втория период чувственото начало се запазва, но се допълва от нарастващ психологизъм и драматизъм. Като цяло Тициан прави постепенен преход от физическо и чувствено към духовно и драматично. Продължаващите промени в творчеството на Тициан са ясно видими във въплъщението на теми и сюжети, към които великият художник се обръща два пъти. Типичен пример в това отношение е картината "Свети Себастиан". В първата версия съдбата на самотен страдалец, изоставен от хората, не изглежда твърде тъжна. Напротив, изобразеният светец е надарен жизнености физическа красота. В по-късна версия на картината, намираща се в Ермитажа, същото изображение придобива чертите на трагедията.
| Повече ▼ отличен примермогат да служат като варианти на картината "Коронация с тръни", посветена на епизод от живота на Христос. В първия от тях, съхраняван в Лувъра. Христос се появява като физически красив и силен атлет, способен да отблъсне своите изнасилвачи. В мюнхенската версия, създадена двадесет години по-късно, същият епизод е предаден много по-дълбоко, по-сложно и по-смислено. Христос е изобразен в бяло наметало, очите му са затворени, той спокойно понася побоя и унижението. Сега основното нещо не е коронясването и биенето, не е физически феномен, а психологически и духовен. Картината е изпълнена с дълбок трагизъм, изразява тържеството на духа, духовното благородство над физическата сила.
В по-късните произведения на Тициан трагичното звучене все повече се засилва. Това се доказва от картината „Оплакването на Христос“.
Народите на Европа се стремят да възродят съкровищата и традициите, изгубени поради безкрайните войни за изтребление. Войните отнеха хората от лицето на земята и великите неща, които хората създадоха. Идеята за възраждане на високата цивилизация древен святдава живот на философията, литературата, музиката, възхода на природните науки и най-вече разцвета на изкуството. Епохата изисква силни, образовани хора, които не се страхуват от никаква работа. Именно в тяхната среда стана възможно появата на онези няколко гении, които се наричат "титаните на Ренесанса". Тези, които наричаме само с малките им имена.
Ренесансът е предимно италиански. Ето защо не е изненадващо, че именно в Италия изкуството през този период достига своя най-висок възход и разцвет. Именно тук има десетки имена на титани, гении, велики и просто талантливи художници.
МУЗИКА ЛЕОНАРДО.
Какъв късметлия! много ще кажат за него. Той беше надарен с рядко здраве, красив, висок, синеок. На младини той носеше руси къдрици, с горда осанка, напомняща свети Георги на Донатела. Той притежаваше нечувана и смела сила, мъжествено мъжество. Пееше страхотно, пред публиката създаваше мелодии и стихове. играе на всяка музикален инструментНещо повече, той сам ги е създал.
За изкуството на Леонардо да Винчи съвременниците и потомците никога не са намирали други определения освен „блестящо“, „божествено“, „велико“. Същите думи важат и за научните му откровения: изобретил е танк, багер, хеликоптер, подводница, парашут, автоматично оръжие, водолазен шлем, асансьор, решил е най-трудните проблеми на акустиката, ботаниката, медицината, космографията. , създаде проект за кръгъл театър, измисли век по-рано от Галилей часовниковото махало, начерта сегашните водни ски, разви теорията на механиката.
Какъв късметлия! - ще кажат мнозина за него и ще започнат да си спомнят за любимите му принцове и крале, които са търсили запознанства с него, зрелища и празници, които той е измислял като художник, драматург, актьор, архитект и се е забавлявал с тях като дете.
Щастлив ли беше обаче неуморимият дълголетен Леонардо, чийто всеки ден даваше на хората и на света провидение и прозрение? Той предвиди ужасната съдба на своите творения: унищожаването на „Тайната вечеря“, разстрела на паметника на Франческа Сфорца, ниската търговия и подлата кражба на неговите дневници, работни книги. Общо само шестнадесет картини са оцелели до днес. Малко скулптури. Но много рисунки, кодирани рисунки: като героите на съвременната научна фантастика, той промени детайлите в своя дизайн, сякаш така, че другият да не може да го използва.
Леонардо да Винчи е работил в различни видовеи жанрове на изкуството, но най-голяма слава му носи живописта.
Една от най-ранните картини на Леонардо е Мадона с цвете или Мадона на Беноа. Още тук художникът се проявява като истински новатор. Той преодолява границите на традиционния сюжет и придава на образа по-широк, универсален смисъл, който е майчина радост и любов. В тази работа ясно се проявяват много характеристики на изкуството на художника: ясна композиция от фигури и обем на формите, желание за сбитост и обобщение, психологическа изразителност.
Картината „Мадона Лита“ беше продължение на започнатата тема, където ясно се прояви друга черта на творчеството на художника - играта на контрасти. Темата е завършена с картината „Мадона в пещерата“, която бележи идеалното композиционно решение, благодарение на което изобразените фигури на Мадоната, Христос и ангелите се сливат с пейзажа в едно цяло, надарено със спокоен баланс и хармония.
Един от върховете в творчеството на Леонардо е фреската Тайната вечеря в трапезарията на манастира Санта Мария Дела Грацие. Тази творба впечатлява не само с цялостната си композиция, но и с прецизността си. Леонардо не само предава психологическото състояние на апостолите, но го прави в момента, когато то достига критична точка, превръща се в психологически взрив и конфликт. Този взрив е предизвикан от думите на Христос: „Един от вас ще Ме предаде”. В тази работа Леонардо използва напълно метода на конкретно съпоставяне на фигури, благодарение на което всеки герой се явява като уникална индивидуалност и личност.
Вторият връх в творчеството на Леонард е известният портрет на Мона Лиза или "Джоконда". Това произведение поставя началото на жанра на психологическия портрет в европейското изкуство. При създаването му великият майстор блестящо използва целия арсенал от средства за художествено изразяване: резки контрасти и меки полутонове, застинала неподвижност и обща плавност и променливост, най-фините психологически нюанси и преходи. Целият гений на Леонардо се крие в удивително живия поглед на Мона Лиза, нейния мистериозен и загадъчна усмивка, мистична мъгла, покриваща пейзажа. Това произведение е един от най-редките шедьоври на изкуството.
Всеки, който видя Джокондата, донесена от Лувъра в Москва, си спомня минутите на пълната си глухота близо до това малко платно, напрежението на всичко най-добро в себе си. Джоконда изглеждаше като "марсианец", представител на неизвестното - трябва да е бъдещето, а не миналото на човешкото племе, въплъщение на хармонията, от която светът не се е уморил и никога няма да се умори да мечтае .
Има още много какво да се каже за него. Изненадан, че това не е измислица или фантазия. Ето, например, можем да си спомним как той предложи да се премести катедралата Сан Джовани - такава работа учудва нас, жителите на ХХ век.
Леонардо каза: „Добрият художник трябва да може да нарисува две основни неща: човек и представяне на неговата душа. Или се казва за "Колумбина" от петербургския Ермитаж? Някои изследователи го наричат, а не платното на Лувъра, "Джоконда".
Момчето Нардо, така се казваше във Винчи: незаконен син на нотариус, който смяташе птиците и конете за най-добрите създания на Земята. Любим от всички и самотен, огъващ стоманени мечове и вадящ обесени. Изобретил мост през Босфора и идеален град, по-красив от тези на Корбюзие и Нимайер. Пеейки с мек баритон и карайки Мона Лиза да се усмихва. В една от последните тетрадки този късметлия пише: „Струваше ми се, че се уча да живея, но се учех да умирам“. След това обаче той обобщи: „Добре изживеният живот е дълъг живот“.
Възможно ли е да не се съгласим с Леонардо?
САНДРО БОТИЧЕЛИ.
Сандро Ботичели е роден във Флоренция през 1445 г. в семейството на кожар.
Първото оригинално произведение на Ботичели се счита за „Поклонението на влъхвите“ (около 1740 г.), където основното свойство на неговия оригинален маниер, мечтателност и фина поезия, вече е напълно засегнато. Беше надарен с вродено чувство за поезия, но ясна нотка на съзерцателна тъга блестеше в него буквално във всичко. Дори Свети Севастиан, измъчван от стрелите на своите мъчители, го гледа замислено и отстранено.
В края на 1470-те години Ботичели се сближава с кръга на действителния владетел на Флоренция Лоренцо Медичи, наречен Великолепния. В луксозните градини на Лоренцо се събра общество от хора, вероятно най-просветените и талантливи във Флоренция. Имаше философи, поети, музиканти. Цареше атмосфера на възхищение от красотата и се оценяваше не само красотата на изкуството, но и красотата на живота. Античността, възприемана обаче през призмата на по-късните философски пластове, се смята за първообраз на идеалното изкуство и идеалния живот. Без съмнение, под влиянието на тази атмосфера, първият голяма картинаБотичели "Примавера (Пролет)". Това е мечтателна, изтънчена, невероятно красива алегория на вечния кръговрат, постоянното обновяване на природата. Тя е проникната от най-сложните и причудливи музикален ритъм. Фигурата на Флора, украсена с цветя, танцуващи грации в райската градина, бяха образи на красота, които все още не бяха виждани по онова време и затова направиха особено завладяващо впечатление. Младият Ботичели веднага заема видно място сред майсторите на своето време.
Именно високата репутация на младия художник му осигурява поръчка за библейски фрески за Сикстинската капела във Ватикана, която той създава в началото на 1480 г. в Рим. Рисува „Сцени от живота на Мойсей“, „Наказанието на Корей, Датан и Авирон“, проявявайки удивително композиционно майсторство. Класическото спокойствие на старинните сгради, на фона на които Ботичели разгръща действието, контрастира рязко с драматичния ритъм на изобразените герои и страсти; движението на човешките тела е сложно, заплетено, наситено с експлозивна сила; създава се впечатление за разтърсена хармония, беззащитност на видимия свят пред бързия натиск на времето и човешката воля. Стенописите на Сикстинската капела за първи път изразиха дълбокото безпокойство, което живееше в душата на Ботичели, което се засили с времето. Удивителният талант на Ботичели като портретист е отразен в тези фрески: всяко от многото изрисувани лица е напълно оригинално, уникално и незабравимо ...
През 1480-те години, завръщайки се във Флоренция, Ботичели продължава да работи неуморно, но спокойната яснота на „Примерите“ вече е далеч назад. В средата на десетилетието той написва прочутата си „Раждането на Венера“. Изследователите отбелязват в по-късните произведения на майстора морализъм, религиозна екзалтация, необичайна за него преди.
Може би по-значими от късната живопис, рисунките на Ботичели от 90-те години са илюстрации за " Божествена комедия» Данте. Рисува с явна и неприкрита наслада; Визиите на великия поет са предадени с любов и внимание чрез съвършенството на пропорциите на многобройните фигури, премислената организация на пространството, неизчерпаемата съобразителност в търсенето на визуални еквиваленти на поетичното слово...
Въпреки всякакви душевни бури и кризи, Ботичели до самия край (умира през 1510 г.) остава велик художник, майстор на своето изкуство. За това ясно свидетелства благородното моделиране на лицето в "Портрет на млад мъж", изразителната характеристика на модела, не оставяща съмнение за високото й човешко достойнство, солидната рисунка на майстора и неговия доброжелателен поглед.
Първите предшественици на ренесансовото изкуство се появяват в Италия през 14 век. Художници от това време, Пиетро Кавалини (1259-1344), Симоне Мартини (1284-1344) и (основно) Джото
(1267-1337), когато създават картини на традиционни религиозни теми, те започват да използват нови художествени техники: изграждане на триизмерна композиция, използвайки пейзажа на заден план, което им позволи да направят изображенията по-реалистични, живи. Това рязко отличава тяхното творчество от предишната иконографска традиция, наситена с условности в изображението.
Терминът се използва за обозначаване на тяхната работа. Проторенесанс (1300 г. - "Треченто")
.
Джото ди Бондоне
(ок. 1267-1337) - италиански художник и архитект от епохата на Проторенесанса. Един от ключови фигурив историята западно изкуство. Преодолял византийската иконописна традиция, той става истинският основоположник Италианска школаживопис, разработи напълно нов подход към изображението на пространството. Творбите на Джото са вдъхновени от Леонардо да Винчи, Рафаело, Микеланджело.
Ранен Ренесанс (1400 г. - "Куатроченто").
В началото на 15в Филипо Брунелески
(1377-1446), флорентински учен и архитект.
Брунелески искаше да направи възприемането на реконструираните от него термини и театри по-визуално и се опита да създаде геометрично перспективни картини от своите планове за определена гледна точка. При тези търсения, директна перспектива.
Това позволи на художниците да получат перфектни изображения. триизмерно пространствовърху плоско платно.
_________Друга важна стъпка към Ренесанса е появата на нерелигиозно, светско изкуство. Портретът и пейзажът се утвърждават като самостоятелни жанрове. Дори религиозните сюжети придобиват различна интерпретация - ренесансовите художници започват да разглеждат героите си като герои с подчертани индивидуални черти и човешка мотивация за действия.
Повечето известни артиститози период - Мазачио (1401-1428), Масолино (1383-1440), Беноцо Гоцоли (1420-1497), Пиеро Дела Франческо (1420-1492), Андреа Мантеня (1431-1506), Джовани Белини (1430-1516), Антонело да Месина (1430-1479), Доменико Гирландайо (1449-1494), Сандро Ботичели (1447-1515).
Мазачио
(1401-1428) - известният италиански художник, най-големият майстор на флорентинската школа, реформаторът на живописта от епохата Куатроченто.
 |
| Стенопис. Чудо със статера. |
 |
| Рисуване. разпъване на кръст. |
 |
| Стенопис. История на Савската царица. Църква Сан Франческо в Арецо |
Сандро Ботичели(1445-1510) - велик италиански художник, представител на флорентинската школа по живопис.
 |
| Пролет. |
 |
| Раждането на Венера. |
Висок Ренесанс ("Чинкуеченто").
Настъпва най-високият разцвет на ренесансовото изкуство за първата четвърт на 16 век.
Върши работа Сансовино (1486-1570), Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаел Санти (1483-1520), Микеланджело Буонароти (1475-1564), Джорджоне (1476-1510), Тициан (1477-1576), Антонио Кореджо (1489-1534) съставляват златния фонд на европейското изкуство.
Леонардо ди Сер Пиеро да Винчи (Флоренция) (1452-1519) - италиански художник (художник, скулптор, архитект) и учен (анатом, натуралист), изобретател, писател.
 |
| Автопортрет |
 |
| Дама с хермелин. 1490. Музей Чарториски, Краков |
 |
| Мона Лиза (1503-1505/1506) |
 |
| Мадона Лита. 1490-1491. Ермитаж. |
 |
| Мадона Беноа (Мадона с цвете). 1478-1480 |
 |
| Мадона с карамфил. 1478 |
През живота си Леонардо да Винчи прави хиляди бележки и чертежи по анатомия, но не публикува труда си. Правейки аутопсия на телата на хора и животни, той точно предава структурата на скелета и вътрешни органивключително малки детайли. Според професора по клинична анатомия Питър Ейбрамс научната работа на да Винчи е изпреварила времето си с 300 години и в много отношения е надминала известната Анатомия на Грей.
Списък на изобретенията, както реални, така и приписвани на него:
парашут, дозамъкът Олесково,велосипед, танх, ллеки преносими мостове за армията, стрпроектор, къматапулт, rобот, дтелескоп Фоленц.
По-късно тези иновации бяха разработени Рафаел Санти (1483-1520) - велик художник, график и архитект, представител на умбрийската школа.
| Автопортрет. 1483 |
Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонароти Симони(1475-1564) - италиански скулптор, художник, архитект, поет, мислител.
Картините и скулптурите на Микеланджело Буонароти са пълни с героичен патос и в същото време трагично усещане за кризата на хуманизма. Картините му възхваляват силата и могъществото на човека, красотата на тялото му, като същевременно подчертават неговата самота в света.
Геният на Микеланджело остави своя отпечатък не само върху изкуството на Ренесанса, но и върху цялото бъдеще световна култура. Дейността му е свързана основно с два италиански града – Флоренция и Рим.
Художникът обаче успя да реализира най-грандиозните си планове именно в живописта, където действаше като истински новатор на цвета и формата.
По поръчка на папа Юлий II той рисува тавана на Сикстинската капела (1508-1512), представящ библейската история от сътворението на света до потопа и включващ повече от 300 фигури. През 1534-1541 г. в същата Сикстинска капела за папа Павел III той изпълнява грандиозната, драматична фреска „Страшният съд“.
Сикстинската капела 3D.
Работата на Джорджоне и Тициан се отличава с интерес към пейзажа, поетизацията на сюжета. И двамата художници постигнаха голямо майсторство в изкуството на портрета, с помощта на което предадоха характера и богатия вътрешен свят на своите герои.
Джорджо Барбарели да Кастелфранко ( Джорджоне) (1476 / 147-1510) - италиански художник, представител на венецианската школа по живопис.
 |
||||
| Спяща Венера. 1510 |
 |
| Джудит. 1504 |
Тициан рисува картини на библейски и митологични сюжети, става известен като портретист. Поръчван е от крале и папи, кардинали, херцози и принцове. Тициан не беше дори на тридесет години, когато беше признат за най-добрия художник във Венеция.
 |
| Автопортрет. 1567 |
 |
| Венера Урбинская. 1538 |
 |
| Портрет на Томазо Мости. 1520 |
Късен Ренесанс.
След разграбването на Рим от имперските войски през 1527 г. италианският Ренесанс навлиза в период на криза. Още в творчеството на късния Рафаело се очертава нова художествена линия, т.нар маниеризъм.
Тази епоха се характеризира с преразтегнати и начупени линии, удължени или дори деформирани фигури, често голи, напрежение и неестествени пози, необичайни или странни ефекти, свързани с размера, осветлението или перспективата, използването на каустик хроматична скала, претоварена композиция и др. Първите майстори на маниеризма Пармиджанино
, Понтормо
, Бронзино-
живее и работи в двора на херцозите от дома Медичи във Флоренция. По-късно маниеристичната мода се разпространява в цяла Италия и извън нея.
Джироламо Франческо Мария Мацола
(Пармиджанино
- "жител на Парма") (1503-1540 г.) италиански художник и гравьор, представител на маниеризма.
 |
| Автопортрет. 1540 |
 |
| Портрет на жена. 1530. |
Понтормо (1494-1557) - италиански художник, представител на флорентинската школа, един от основателите на маниеризма.
Маниеризмът е заменен от изкуството през 1590-те години барок (преходни цифри - Тинторето и Ел Греко ).
Якопо Робусти, по-известен като Тинторето (1518 или 1519-1594) - художник от венецианската школа от късния Ренесанс.
 |
| Тайната вечеря. 1592-1594. Църква Сан Джорджо Маджоре, Венеция. |
Ел Греко ("Гръцки" Доменикос Теотокопулос ) (1541—1614) - испански художник. По произход - грък, родом от остров Крит.
Ел Греко няма съвременни последователи и неговият гений е преоткрит почти 300 години след смъртта му.
Ел Греко учи в работилницата на Тициан, но въпреки това техниката му на рисуване се различава значително от тази на неговия учител. Произведенията на Ел Греко се отличават с бързина и изразителност на изпълнение, което ги доближава до съвременната живопис.
 |
| Христос на кръста. ДОБРЕ. 1577. Частна колекция. |
 |
| Троица. 1579 Прадо. |
Имената на ренесансовите художници отдавна са заобиколени от универсално признание. Много съждения за тях и оценки са се превърнали в аксиоми. И все пак критичното отношение към тях е не само право, но и задължение на историята на изкуството. Само тогава тяхното изкуство запазва истинското си значение за потомството.
От ренесансовите майстори от средата и втората половина на 15-ти век е необходимо да се съсредоточим върху четири: Пиеро дела Франческа, Мантеня, Ботичели, Леонардо да Винчи. Те са били съвременници на широкото утвърждаване на сеньорите, занимавали са се с княжески дворове, но това не означава, че тяхното изкуство е изцяло княжеско. Те взеха от сеньорите това, което те можеха да им дадат, платиха с таланта и усърдието си, но останаха наследници на „бащите на Ренесанса“, помнеха техните заповеди, увеличиха постиженията им, стремяха се да ги надминат и наистина понякога ги превъзхождаха. През годините на постепенно настъпващата реакция в Италия те създават забележително изкуство.
Пиеро дела Франческа
Пиеро дела Франческа доскоро беше най-малко познат и признат. Въздействието върху Пиеро дела Фронческа на флорентинските майстори от началото на 15 век, както и неговото реципрочно влияние върху неговите съвременници и наследници, особено върху Венецианска школа, беше правилно отбелязано. Въпреки това изключителната, видна позиция на Пиеро дела Франческа в италианската живопис все още не е достатъчно разбрана. Предполага се, че с течение на времето признанието му само ще се увеличи.
Пиеро дела Франческа (ок. 1420-1492) италиански художник и теоретик, представител на Ранния Ренесанс
Пиеро дела Франческа притежаваше всички постижения на „новото изкуство“, създадено от флорентинците, но не остана във Флоренция, а се върна в родината си, в провинцията. Това го спаси от патрицианските вкусове. С таланта си той печели слава, нареждат го принцове и дори папската курия. Но не става придворен художник. Той винаги оставаше верен на себе си, на своето призвание, на своята очарователна муза. От всички негови съвременници той е единственият художник, който не е познавал раздора, двойствеността, опасността да се подхлъзне по грешния път. Той никога не се стреми да се конкурира със скулптурата или да прибягва до скулптурни или графични изразни средства. Всичко е казано на неговия език на живописта.
Неговата най-голяма и най-красива творба е цикъл от стенописи на тема "История на кръста" в Арецо (1452-1466). Работата е извършена според волята на местния търговец Бачи. Възможно е в разработването на програмата да е участвал духовник, изпълнител на волята на починалия. Пиеро дела Франческа разчита на т.нар. златна легенда"I. da Voragine. Той имаше предшественици сред художниците. Но основната идея, очевидно, принадлежеше на него. Мъдростта, зрелостта и поетичната чувствителност на художника са ясно видими в него.
Едва ли единственият живописен цикъл в Италия от онова време, Историята на кръста, има двойно значение. От една страна, тук е представено всичко, което се разказва в легендата за това как е израснало дървото, от което е бил изваден Голготският кръст, как по-късно се е проявила неговата чудотворна сила. Но тъй като отделните картини не са в хронологичен ред, този буквален смисъл сякаш отстъпва на заден план. Художникът е подредил картините по такъв начин, че те дават представа за различни форми на човешки живот: за патриархалния - в сцената на смъртта на Адам и при пренасянето на кръста от Ираклий, за светския, придворния , град - в сцени на Савската царица и в Намирането на кръста, и накрая за военните, битка - в "Победата на Константин" и в "Победата на Ираклий". По същество Пиеро дела Франческа обхваща почти всички аспекти на живота. Неговият цикъл включва: история, легенди, бит, творчество, картини от природата и портрети на съвременници. В град Арецо, в църквата Сан Франческо, политически подчинена на Флоренция, се оказва най-забележителният фресков цикъл от италианския Ренесанс.
Изкуството на Пиеро дела Франческа е по-реално, отколкото идеално. В него царува разумно начало, но не и рационалност, способна да заглуши гласа на сърцето. И в това отношение Пиеро дела Франческа олицетворява най-ярките, най-плодотворните сили на Ренесанса.
Андреа Мантеня
Името Mantegna се свързва с идеята за художник хуманист, влюбен в римските антики, въоръжен с обширни познания по антична археология. През целия си живот той служи на херцозите на Мантуа д'Есте, беше техен придворен художник, изпълняваше инструкциите им, служеше им вярно (въпреки че те не винаги му отплащаха заслуженото). Но в сърцето и в изкуството той беше независим, отдаден към неговия висок идеал за древна мъжество, фанатично верен на храната си, за да придаде изтънченост на произведенията на бижутата. Това изисква огромно усилие на духовни сили. Изкуството на Мантеня е сурово, понякога жестоко до точката на безмилостност и в това се различава от изкуството на Пиеро дела Франческа и се доближава до Донатело.
Андреа Мантеня. Автопортрет в параклиса Оветари
Ранни стенописи на Мантеня в църквата Еремитани в Падуа на тема живота на Св. Яков и неговото мъченичество са прекрасни примери за италианска стенопис. Мантеня изобщо не е мислил да създаде нещо подобно на римското изкуство (като живопис, която стана известна на Запад след разкопките на Херкулан). Неговата древност не е златният век на човечеството, а Желязната ераимператори.
Той възпява римската доблест, почти по-добре от самите римляни. Неговите герои са бронирани и статуи. Каменните му планини са прецизно изсечени със скулпторско длето. Дори облаците, плаващи по небето, изглеждат като излети от метал. Сред тези вкаменелости и отливки има закалени в битки герои, смели, сурови, непоклатими, отдадени на чувството за дълг, справедливост, готови на саможертва. Хората се движат свободно в пространството, но, подреждайки се в редица, образуват своеобразни каменни релефи. Този свят на Мантеня не очарова окото, той кара сърцето да изстине. Но не може да не се признае, че тя е създадена от духовния порив на художника. И затова хуманистичната ерудиция на художника, не съветите на неговите учени приятели, а мощното му въображение, страстта му, обвързана с воля и уверено майсторство, са от решаващо значение тук.
Пред нас е едно от значимите явления в историята на изкуството: великите майстори, със силата на своята интуиция, застават в една линия с далечните си предци и постигат това, което художниците по-късно не успяха да изучат миналото, но не успяха да наваксат то.
Сандро Ботичели
Ботичели е открит от английските прерафаелити. Въпреки това дори в началото на 20 век, при цялото възхищение от таланта му, не му бяха "простени" отклоненията от общоприетите правила - перспектива, светлотенце, анатомия. Впоследствие беше решено Ботичели да се върне към готиката. Вулгарната социология е обобщила своето собствено обяснение за това: „феодална реакция“ във Флоренция. Иконологичните интерпретации установяват връзки между Ботичели и кръга на флорентинските неоплатонисти, особено очевидни в прочутите му картини „Пролет“ и „Раждането на Венера“.
Автопортрет на Сандро Ботичели, фрагмент олтарна композиция„Поклонението на влъхвите“ (около 1475 г.)
Един от най-авторитетните интерпретатори на "Пролетта" Ботичели призна, че тази картина остава шарада, лабиринт. Във всеки случай може да се счита за установено, че при създаването му авторът е познавал поемата „Турнирът“ на Полициано, в която се възпява Симонета Веспучи, любимата на Джулиано Медичи, както и древни поети, по-специално начални редове за царството на Венера в поемата на Лукреций "За природата на нещата" . Явно познаваше и произведенията на М. Вичино, на които се увличаше през онези години във Флоренция. Мотивите, заимствани от всички тези творби, са ясно различими в картината, придобита през 1477 г. от Л. Медичи, братовчед на Лоренцо Великолепни. Но остава въпросът: как тези плодове на ерудицията влязоха в картината? Няма надеждна информация за това.
Четейки съвременните научни коментари за тази картина, е трудно да се повярва, че самият художник може да навлезе толкова дълбоко в митологичен сюжетза да се измислят всякакви тънкости в тълкуването на фигури, които и днес не могат да се разберат с един поглед, а в старите времена, очевидно, са били разбирани само в кръга на Медичите. По-вероятно е те да са били подсказани на художника от някой ерудит и той е успял да гарантира, че художникът започва ред по ред да превежда словесната серия във визуално. Най-възхитителното в живописта на Ботичели са отделните фигури и групи, особено групата на трите грации. Въпреки факта, че е бил възпроизвеждан безкраен брой пъти, той не е загубил своя чар и до днес. Всеки път, когато я видите, изпитвате нов пристъп на възхищение. Наистина, Ботичели успя да информира своите творения за вечна младост. Един от научните коментари за картината предполага, че танцът на грациите изразява идеята за хармония и несъгласие, за която често се говори от флорентинските неоплатоници.
Ботичели притежава ненадминати илюстрации към Божествената комедия. Тези, които са виждали листовете му, неизменно ще си спомнят за тях, когато четат Данте. Той, както никой друг, беше пропит от духа на поемата на Данте. Някои от рисунките за Данте имат характер на точна графична линия за поемата. Но най-красиви са тези, в които художникът измисля и композира в духа на Данте. Такива има най-много сред илюстрациите за рая. Изглежда, че рисуването на рая е било най-трудното нещо за ренесансовите художници, които толкова обичат уханната земя, всичко човешко. Ботичели не се отказва от ренесансовата перспектива, от пространствени впечатления, които зависят от ъгъла на гледане на зрителя. Но в рая той се издига до пренасянето на неперспективната същност на самите предмети. Фигурите му са безтегловни, сенките изчезват. Светлината ги пронизва, пространството съществува извън земните координати. Телата се вписват в кръга като символ на небесната сфера.
Леонардо да Винчи
Леонардо е един от всеобщо признатите гении на Ренесанса. Мнозина го смятат за първия художник от онова време, във всеки случай името му идва на първо място, когато става дума за него прекрасни хораВъзраждане. И затова е толкова трудно да се отклоним от обичайните мнения и да разгледаме безпристрастно неговото художествено наследство.
Автопортрет, където Леонардо се представя като стар мъдрец. Рисунката се съхранява в Кралската библиотека в Торино. 1512
Дори съвременниците са били ентусиазирани от универсалността на неговата личност. Въпреки това, още Вазари изрази съжаление, че Леонардо повече вниманиепосветен на своите научни и технически изобретения, отколкото на художественото творчество. Славата на Леонардо достига своя връх през деветнадесети век. Неговата личност се превърна в някакъв мит, те видяха в него въплъщение на "фаустовския принцип" на цялата европейска култура.
Леонардо беше велик учен, проницателен мислител, писател, автор на Трактата и изобретателен инженер. Неговата многостранност го издига над нивото на повечето художници от онова време и в същото време го поставя пред него трудна задача- да комбинира научен аналитичен подход със способността на художника да вижда света и да се отдава директно на усещането. Тази задача впоследствие занимава много художници и писатели. При Леонардо тя придобива характер на неразрешим проблем.
Нека забравим за малко всичко, което ни нашепва красивият мит за художника-учен, и ще съдим неговата живопис по същия начин, както съдим живописта на други майстори от неговото време. С какво неговата работа се отличава от тяхната работа? На първо място, бдителност на визията и висока артистичност на изпълнение. Те носят отпечатъка на изящно майсторство и най-фин вкус. В картината на своя учител Верокио "Кръщение" младият Леонардо е написал един ангел толкова възвишен и изискан, че до него красивият ангел Верокио изглежда селски, долнопробен. През годините „естетическата аристокрация“ се засилва още повече в изкуството на Леонардо. Това не означава, че в дворовете на суверените изкуството му става придворно, придворно. Във всеки случай, никога не можете да наречете неговите Мадони селянки.
Той принадлежеше към същото поколение като Ботичели, но неодобрително, дори подигравателно говори за него, смятайки го за изостанал от времето. Самият Леонардо се стреми да продължи търсенето на своите предшественици в изкуството. Неограничен от пространство и обем, той си поставя задачата да овладее светлинно-въздушната среда, която обгръща предметите. Това означаваше следващата стъпка художествено разбиранереалния свят, до известна степен отвори пътя за колоризма на венецианците.
Би било погрешно да се каже, че страстта към науката пречи на художественото творчество на Леонардо. Геният на този човек беше толкова голям, умението му беше толкова високо, че дори опитът да "застане на гърлото на песента му" не можеше да убие творчеството в него. Неговата дарба на художник непрекъснато пробиваше всички ограничения. В неговите творения пленява безпогрешната вярност на окото, яснотата на съзнанието, покорството на четката, виртуозната техника. Те ни завладяват с чара си, като мания. Всеки, който е гледал "Джоконда", помни колко трудно е да се откъснеш от него. В една от залите на Лувъра, където се озова до най-добрите шедьоври на италианската школа, тя триумфира и гордо властва над всичко, което витае около нея.
Картините на Леонардо не образуват верига, както при много други художници от Ренесанса. В ранните му творби, като Мадоната на Беноа, има повече топлина и спонтанност, но дори и в тях експериментът се усеща. „Обожание“ в Уфици - и това е отлична подрисовка, темпераментен, жив образ на хора, благоговейно адресирани до елегантна жена с бебе на колене. В Мадоната в скалите един ангел, млад мъж с къдрава коса, който наднича от картината, е очарователен, но странната идея за прехвърляне на идиличното в тъмнината на пещерата отблъсква. Известната "Тайната вечеря" винаги е радвала с подходящата характеристика на героите: нежният Йоан, суровият Петър, злодеят Юда. Но фактът, че такива живи и развълнувани фигури са подредени по три в редица, от едната страна на масата, изглежда като неоправдана условност, насилие над живата природа. Това обаче страхотен Леонардода Винчи и щом той е нарисувал картината по този начин, значи така я е замислил и това тайнство ще остане във вековете.
Наблюдението и бдителността, към които Леонардо призовава художниците в своя Трактат, не се ограничават до неговите творчески възможности. Той съзнателно се стреми да раздвижи въображението си, като разглежда напуканите от старост стени, в които зрителят може да си представи всякакъв сюжет. В известната уиндзорска рисунка на сангвиника "Гръмотевична буря" Леонардо предава това, което се разкри пред погледа му от някакъв планински връх. Серия от рисунки на Уиндзор по темата за всемирния потоп е доказателство за едно наистина блестящо прозрение на художника-мислител. Художникът създава знаци, които нямат представа, но предизвикват чувство на удивление, примесено с ужас. Рисунките са създадени от великия майстор в някакъв вид пророчески делириум. В тях всичко е казано на мрачния език на Йоановите видения.
Вътрешният раздор на Леонардо в залеза на дните му се усеща в две от творбите му: „Йоан Кръстител“ от Лувъра, автопортрет от Торино. В един късен торински автопортрет художникът, достигнал дълбока старост, се гледа открито в огледалото заради смръщените вежди – той вижда в лицето черти на отпадналост, но вижда и мъдрост, белег на „есента“. на живота“.
Ренесансовата живопис е златният фонд не само на европейското, но и на световното изкуство. Периодът на Ренесанса заменя мрачното Средновековие, подчинено до мозъка на костите на църковните канони, и предхожда последвалите Просвещение и Новото време.
Изчислете продължителността на периода в зависимост от страната. Ерата на културен разцвет, както обикновено се нарича, започва в Италия през 14 век и едва след това се разпространява в цяла Европа и достига своя връх в края на 15 век. Историците разделят този период в изкуството на четири етапа: проторенесанс, ранен, висок и късен ренесанс. От особена стойност и интерес е, разбира се, италианска живописна Ренесанса, но не изпускайте от поглед френските, немските, холандските майстори. Именно за тях в контекста на времевите периоди на Ренесанса статията ще бъде разгледана по-нататък.
Проторенесанс
Периодът на Проторенесанса продължава от втората половина на 13 век. до 14 век Тя е тясно свързана със Средновековието, в късния етап на което възниква. Проторенесанса е предшественик на Ренесанса и съчетава византийски, романски и готически традиции. Преди всички тенденции нова ерасе появява в скулптурата и едва след това в живописта. Последният беше представен от две школи в Сиена и Флоренция.
Основната фигура на периода е художникът и архитект Джото ди Бондоне. Представителят на флорентинската живописна школа става реформатор. Той очерта пътя, по който то се развива. Особеностите на ренесансовата живопис произхождат именно от този период. Общоприето е, че Джото успява да преодолее в творбите си стила на иконопис, общ за Византия и Италия. Той направи пространството не двуизмерно, а триизмерно, използвайки chiaroscuro, за да създаде илюзията за дълбочина. На снимката е картината "Целувката на Юда".
Представители на флорентинската школа стояха в началото на Ренесанса и направиха всичко, за да извадят живописта от дългия средновековен застой.
Периодът на Проторенесанса е разделен на две части: преди и след смъртта му. До 1337 г. работят най-ярките майстори и се извършват най-важните открития. След като Италия обхваща чумната епидемия.
Ренесансова живопис: Накратко за ранния период
Ранният Ренесанс обхваща период от 80 години: от 1420 до 1500 г. По това време той все още не се отклонява напълно от минали традиции и все още се свързва с изкуството на Средновековието. Но дъхът на нови тенденции вече се усеща, майсторите започват все по-често да се обръщат към елементите на класическата античност. В крайна сметка художниците напълно изоставят средновековния стил и започват смело да го използват най-добрите примери антична култура. Имайте предвид, че процесът беше доста бавен, стъпка по стъпка.
Изключителни представители на ранния Ренесанс
Творчеството на италианския художник Пиеро дела Франческа принадлежи изцяло към периода на ранния Ренесанс. Творбите му се отличават с благородство, величествена красота и хармония, точност на перспективата, меки цветове, изпълнени със светлина. AT последните годинив живота, освен рисуването, той изучава задълбочено математика и дори написва два свои трактата. Друг известен художник, Лука Синьорели, е негов ученик и стилът е отразен в работата на много майстори от Умбрия. На снимката по-горе, фрагмент от фреска в църквата Сан Франческо в Арецо "Историята на Савската царица".
Доменико Гирландайо е друг виден представител на флорентинската школа на ранната ренесансова живопис. Той е основател на известна артистична династия и ръководител на работилницата, в която започва младият Микеланджело. Гирландайо беше известен и успешен майстор, който се занимаваше не само със стенописи (параклис Торнабуони, Сикстин), но и със стативна живопис („Поклонение на влъхвите“, „Рождество Христово“, „Старец с внука си“, „Портрет“ на Джована Торнабуони” - на снимката по-долу).
Висок Ренесанс
Този период, в който има великолепно развитие на стила, пада върху годините 1500-1527. По това време центърът се движи италианско изкустводо Рим от Флоренция. Това се дължи на възкачването на папския престол на амбициозния, предприемчив Юлий II, който привлече най-много най-добрите артистиИталия. Рим става нещо като Атина по времето на Перикъл и преживява невероятен възход и строителен бум. В същото време има хармония между клоновете на изкуството: скулптура, архитектура и живопис. Ренесансът ги събира. Те сякаш вървят ръка за ръка, допълват се и си взаимодействат.
Античността се изучава по-задълбочено през Високия Ренесанс и се възпроизвежда с максимална точност, строгост и последователност. Достойнството и спокойствието заменят кокетната красота, а средновековните традиции са напълно забравени. Върхът на Ренесанса е белязан от творчеството на трима от най-великите италиански майстори: Рафаел Санти (картината „Дона Велата” на изображението по-горе), Микеланджело и Леонардо да Винчи („Мона Лиза” – на първата снимка).
Късен Ренесанс
Късният Ренесанс обхваща периода в Италия от 1530-те до 1590-1620-те години. Изкуствоведите и историците свеждат творбите от това време до общ знаменател с висока степен на условност. Южна Европа е под влиянието на тържествуващата в нея Контрареформация, която възприема с голямо безпокойство всяко свободомислие, включително възкресяването на идеалите на античността.
Флоренция видя господството на маниеризма, характеризиращ се с измислени цветове и начупени линии. Въпреки това, в Парма, където е работил Кореджо, той попаднал едва след смъртта на господаря. Венецианската ренесансова живопис има свой собствен път на развитие късен период. Паладио и Тициан, работили там до 1570 г., са най-ярките му представители. Работата им няма нищо общо с новите тенденции в Рим и Флоренция.
Северен Ренесанс
Този термин се използва за характеризиране на Ренесанса в цяла Европа, който е извън Италия като цяло и по-специално в германските страни. Има редица функции. Северният Ренесанс не е хомогенен и във всяка страна се характеризира със специфични черти. Изкуствоведите го разделят на няколко направления: френски, немски, холандски, испански, полски, английски и др.
Пробуждането на Европа протича по два начина: развитие и разпространение на хуманистичен светски мироглед и развитие на идеи за обновяване на религиозните традиции. И двамата се докосваха, понякога се сливаха, но в същото време бяха антагонисти. Италия избра първия път и Северна Европа- второ.
Изкуството на север, включително живописта, практически не е повлияно от Ренесанса до 1450 г. От 1500 г. то се разпространява в целия континент, но на някои места влиянието на късната готика се запазва до началото на барока.
Северният Ренесанс се характеризира със значително влияние на готическия стил, по-малко внимание към изучаването на античността и човешката анатомия и подробна и щателна техника на писане. Реформацията оказва важно идейно влияние върху него.
Френски северен ренесанс
Най-близка до италианската е френската живопис. Ренесансът за културата на Франция е важен етап. По това време монархията и буржоазните отношения активно укрепват, религиозните идеи на Средновековието избледняват на заден план, отстъпвайки място на хуманистичните тенденции. Представители: Франсоа Кенел, Жан Фуке (на снимката е фрагмент от диптиха на Мелун на майстора), Жан Клуз, Жан Гужон, Марк Дювал, Франсоа Клуе.
Германски и холандски северен ренесанс
Изключителни произведения на Северния Ренесанс са създадени от немски и фламандско-холандски майстори. съществена ролярелигията все още играе в тези страни и оказва силно влияние върху живописта. Ренесансът преминава в Холандия и Германия по различен начин. За разлика от творчеството на италианските майстори, художниците от тези страни не поставят човека в центъра на Вселената. През почти целия XV век. изобразяват го в готически стил: лек и ефирен. Най-видните представители на холандския Ренесанс са Хуберт ван Ейк, Ян ван Ейк, Роберт Кампен, Хуго ван дер Гоес, немския – Алберт Дюрер, Лукас Кранах Стари, Ханс Холбайн, Матиас Грюневалд.
На снимката автопортрет на А. Дюрер, 1498 г
Въпреки факта, че произведенията на северните майстори се различават значително от произведенията на италианските художници, те във всеки случай са признати за безценни експонати на изобразителното изкуство.
Ренесансовата живопис, както и цялата култура като цяло, се характеризира със светски характер, хуманизъм и т. нар. антропоцентризъм, или, с други думи, първостепенен интерес към човека и неговите дейности. През този период се наблюдава истински разцвет на интереса към древно изкуствои е възродено. Епохата е дала на света цяла плеяда от блестящи скулптори, архитекти, писатели, поети и художници. Никога преди или след това културният разцвет не е бил толкова широко разпространен.
