Ренесансът предизвиква дълбоки промени във всички области на културата – философия, наука и изкуство. Един от тях е. която става все по-независима от религията, престава да бъде „слугиня на богословието“, макар че все още е далеч от пълната си независимост. Както и в други области на културата, ученията на древните мислители се възраждат във философията, преди всичко Платон и Аристотел. Марсилио Фичино основава Платоническата академия във Флоренция, превежда произведенията на великия грък на латински. Идеите на Аристотел се завръщат в Европа още по-рано, преди Ренесанса. По време на Ренесанса според Лутер именно той, а не Христос „управлява в европейските университети“.
Наред с древните учения, натурфилософияили философията на природата. Проповядват го философи като Б. Телезио, Т. Кампанела, Д. Бруно. В техните произведения се развиват мисли, че философията не трябва да изучава свръхестествен Бог, а самата природа, че природата се подчинява на собствените си вътрешни закони, че основата на познанието е опитът и наблюдението, а не божественото откровение, че човекът е част от природата.
Разпространението на натурфилософските възгледи беше улеснено от наученоткрития. Главният сред тях беше хелиоцентрична теорияН. Коперник, който направи истинска революция в представите за света.
Трябва обаче да се отбележи, че научните и философски възгледи от онова време все още са под забележимо влияние от религията и теологията. Такива възгледи често приемат формата пантеизъмв която съществуването на Бог не се отрича, а Той се разтваря в природата, отъждествява се с нея. Към това трябва да добавим и влиянието на т. нар. окултни науки – астрология, алхимия, мистика, магия и т.н. Всичко това се случва дори при такъв философ като Д. Бруно.
Ренесансът донесе най-значимите промени в художествена култура, изкуство.Именно в тази област разривът със Средновековието се оказва най-дълбок и радикален.
През Средновековието изкуството се е прилагало до голяма степен в природата, то е било вплетено в самия живот и е трябвало да го украсява. През Ренесанса изкуството за първи път придобива присъща стойност, става самостоятелна област на красотата. В същото време за първи път у възприемащия зрител се формира чисто художествено, естетическо чувство, за първи път се пробужда любовта към изкуството заради самото него, а не заради целта, която служи.
Никога досега изкуството не се е радвало на такава висока чест и уважение. Дори в древна Гърция работата на художник по своето социално значение е забележимо по-ниска от дейността на политик и гражданин. Още по-скромно място заема художникът в древен Рим.
Сега място и роля на художникав обществото нарастват неизмеримо. За първи път се смята за независим и уважаван професионалист, учен и мислител, уникална индивидуалност. През Ренесанса изкуството се възприема като едно от най-мощните средства за познание и в това си качество се приравнява с науката. Леонардо да Винчи разглежда науката и изкуството като два напълно равни начина за изучаване на природата. Той пише: „Живописта е наука и законната дъщеря на природата“.
Още по-високо ценено изкуството като творчество. По своите творчески способности ренесансовият художник е приравнен към Бог-Създател. Това обяснява защо Рафаел получава добавката "Божествен" към името си. По същите причини Комедията на Данте също е наричана „Божествена“.
Самото изкуство претърпява дълбоки промени.Той прави решителен завой от средновековен символ и знак към реалистичен образ и надежден образ. Средствата за художествено изразяване стават нови. Сега те се основават на линейна и въздушна перспектива, триизмерността на обема и доктрината за пропорциите. Изкуството във всичко се стреми да бъде вярно на реалността, да постигне обективност, автентичност и жизненост.
Ренесансът е предимно италиански. Затова не е изненадващо, че именно в Италия изкуството през този период достига най-високия си възход и разцвет. Именно тук има десетки имена на титани, гении, велики и просто талантливи художници. В други страни има и страхотни имена, но Италия е извън конкуренцията.
В италианския Ренесанс обикновено се разграничават няколко етапа:
- Проторенесанс: втората половина на 13 век. - XIV век.
- Ранен Ренесанс: почти целият XV век.
- Висок Ренесанс: края на 15 век - първа трета на 16 век
- Късен Ренесанс: последните две трети на 16 век.
Основните фигури на проторенесанса са поетът Данте Алигиери (1265-1321) и художникът Джото (1266/67-1337).
Съдбата поднесе Данте пред много изпитания. Преследван е за участие в политическата борба, скита, умира в чужда земя, в Равена. Приносът му към културата надхвърля поезията. Той пише не само любовна лирика, но и философски и политически трактати. Данте е създателят на италианския литературен език. Понякога го наричат последният поет на Средновековието и първият поет на Модерната епоха. Тези две начала – старото и новото – наистина са тясно преплетени в творчеството му.
Първите произведения на Данте - "Нов живот" и "Пир" - са лирически стихотворения с любовно съдържание, посветени на любимата му Беатрис, която той среща веднъж във Флоренция и която почина седем години след срещата им. Поетът запази любовта си за цял живот. По своя жанр текстовете на Данте са в съответствие със средновековната придворна поезия, където обект на възпяване е образът на „Красивата дама”. Въпреки това чувствата, изразени от поета, вече принадлежат към Ренесанса. Те са породени от истински срещи и събития, изпълнени с искрена топлина, белязани с уникална индивидуалност.
Върхът в творчеството на Данте беше „Божествена комедия“, който заема специално място в историята на световната култура. По своята конструкция това стихотворение също е в съответствие със средновековните традиции. Разказва за приключенията на човек, попаднал в отвъдното. Стихотворението има три части – Ад, Чистилище и Рай, всяка от които има по 33 песни, написани в триредови строфи.
Повтарящото се число "три" директно отразява християнското учение за Троицата. В хода на повествованието Данте стриктно следва много от изискванията на християнството. По-специално, той не допуска своя спътник в деветте кръга на ада и чистилището - римския поет Вергилий - в рая, тъй като езичникът е лишен от такова право. Тук поетът е придружен от починалата си любима Беатрис.
Но в мислите и преценките му, в отношението му към изобразените герои и техните грехове. Данте често и много съществено не е съгласен с християнското учение. Така. вместо християнското осъждане на чувствената любов като грях, той говори за "закона на любовта", според който чувствената любов е включена в природата на самия живот. Данте се отнася към любовта на Франческа и Паоло с разбиране и съчувствие. въпреки че любовта им е свързана с предателството на Франческа към съпруга й. Ренесансовият дух триумфира у Данте и в други случаи.
Сред изключителните италиански поети също е Франческо Петрарка.В световната култура той е известен преди всичко със своите сонети.В същото време той е широкообхватен мислител, философ и историк. Той с право се смята за основоположник на цялата ренесансова култура.
Творчеството на Петрарка също е отчасти в рамките на средновековната придворна лирика. Подобно на Данте, той имал любовница на име Лора, на която посветил своята „Книга на песните“. В същото време Петрарка по-решително прекъсва връзките със средновековната култура. В творбите му изразените чувства – любов, болка, отчаяние, копнеж – се появяват много по-остри и по-голи. Те имат по-силно лично отношение.
Друг виден представител на литературата беше Джовани Бокачо(1313-1375). световно известен автор Декамерон".Бокачо заимства принципа на изграждане на своя сборник с разкази и сюжетната схема от Средновековието. Всичко останало е пропито с духа на Ренесанса.
Главните герои на романите са обикновени и обикновени хора. Те са написани на изненадващо ярък, жив, разговорен език. Те не съдържат скучни морализаторства, напротив, много кратки истории буквално блестят от любов към живота и забавление. Сюжетите на някои от тях имат любовен и еротичен характер. В допълнение към Декамерона, Бокачо написа и историята Фиамета, която се счита за първия психологически роман в западната литература.
Джото ди Бондонее най-яркият представител на италианския проторенесанс във визуалните изкуства. Основният му жанр са стенописите. Всички те са написани на библейски и митологични сюжети, изобразяват сцени от живота на Светото семейство, евангелисти, светци. Интерпретацията на тези сюжети обаче е ясно доминирана от ренесансовото начало. В творчеството си Джото изоставя средновековните условности и се обръща към реализма и правдоподобността. Именно за него се признава заслугата за възраждането на живописта като художествена стойност сама по себе си.
В творбите му доста реалистично е изобразен природният пейзаж, върху който ясно се виждат дървета, скали и храмове. Всички участващи персонажи, включително и самите светци, се явяват като живи хора, надарени с физическа плът, човешки чувства и страсти. Дрехите им очертават естествените форми на телата им. Творбите на Джото се отличават с ярка колоритност и живописност, фина пластичност.
Основното творение на Джото е картината на Параклиса дел Арена в Падуа, която разказва за събития от живота на Светото семейство. Най-силно впечатление прави стенният цикъл, който включва сцените „Полет в Египет”, „Целувката на Юда”, „Оплакването на Христос”.
Всички герои, изобразени на картините, изглеждат естествени и автентични. Позицията на техните тела, жестове, емоционално състояние, възгледи, лица - всичко това е показано с рядка психологическа убедителност. В същото време поведението на всеки стриктно съответства на ролята, която му е отредена. Всяка сцена има уникална атмосфера.
И така, в сцената "Полет за Египет" преобладава сдържан и като цяло спокоен емоционален тон. „Целувката на Юда“ е изпълнена с бурен динамизъм, резки и решителни действия на герои, които буквално се борят един с друг. И само двамата основни участници – Юда и Христос – замръзнаха без да мръднат и се бият с очи.
Сцената „Оплакване на Христос” е белязана с особен драматизъм. То е изпълнено с трагично отчаяние, непоносима болка и страдание, неутешима скръб и мъка.
Ранният Ренесанс най-накрая одобри нови естетически и художествени принципи на изкуството.В същото време библейските истории все още са много популярни. Тяхната интерпретация обаче става съвсем различна, в нея е останало малко от Средновековието.
Родина Ранен Ренесансстава Флоренция, а "бащите на Ренесанса" са арх Филип Брунелески(1377-1446), скулптор Донатело(1386-1466). художник Мазачо (1401 -1428).
Брунелески направи огромен принос за развитието на архитектурата. Той положи основите на ренесансовата архитектура, открил нови форми, съществували от векове. Той направи много за развитието на законите на перспективата.
Най-значимата работа на Брунелески е издигането на купол над завършената конструкция на катедралата Санта Мария дел Фиоре във Флоренция. Пред него беше изключително трудна задача, тъй като необходимият купол трябваше да бъде с огромни размери - около 50 m в диаметър. С помощта на оригиналния дизайн той блестящо се измъква от трудна ситуация. Благодарение на намереното решение не само самият купол се оказа изненадващо лек и сякаш надвиснал над града, но и цялата сграда на катедралата придоби хармония и величие.
Не по-малко красиво произведение на Брунелески беше известният параклис Паци, издигнат в двора на църквата Санта Кроче във Флоренция. Представлява малка, правоъгълна сграда, покрита в центъра с купол. Вътре е облицована с бял мрамор. Подобно на други сгради на Брунелески, параклисът се отличава с простота и яснота, елегантност и изящество.
Работата на Брунелески е забележителна с факта, че той надхвърля местата за поклонение и създава великолепни сгради на светска архитектура. Отличен пример за такава архитектура е сиропиталището, изградено във формата на буквата "П", с покрита галерия-лоджия.
Флорентинският скулптор Донатело е един от най-видните творци на Ранния Ренесанс. Той работи в различни жанрове, като навсякъде показва истинска иновация. В творчеството си Донатело използва античното наследство, залагайки на задълбочено изследване на природата, смело осъвременявайки средствата за художествена изява.
Участва в развитието на теорията за линейната перспектива, съживява скулптурния портрет и образа на голо тяло и отлива първия бронзов паметник. Създадените от него образи са олицетворение на хуманистичния идеал за хармонично развита личност. С творчеството си Донатело оказва голямо влияние върху последващото развитие на европейската скулптура.
Желанието на Донатело да идеализира изобразения човек се проявява ясно в статуя на младия Давид.В това произведение Давид се изявява като млади, красиви, изпълнени с душевни и физически сили младежи. Красотата на голото му тяло е подчертана от грациозно извит торс. Младото лице изразява замисленост и тъга. Тази статуя е последвана от цяла серия голи фигури в ренесансовата скулптура.
Героичният принцип е силен и отчетлив в статуята на Св. Джордж,който се превърна в един от върховете в творчеството на Донатело. Тук той успя напълно да въплъти идеята за силна личност. Пред нас е висок, строен, смел, спокоен и самоуверен воин. В тази работа майсторът творчески развива най-добрите традиции на древната скулптура.
Класическа творба на Донатело е бронзовата статуя на командира Гатамелата - първият конен паметник в изкуството на Ренесанса. Тук великият скулптор достига най-високото ниво на художествено-философско обобщение, което доближава това произведение до античността.
В същото време Донатело създава портрет на специфична и уникална личност. Командирът се явява като истински ренесансов герой, смел, спокоен, самоуверен човек. Статуята се отличава с лаконични форми, ясна и прецизна пластика, естествена стойка на ездача и коня. Благодарение на това паметникът се превърна в истински шедьовър на монументалната скулптура.
В последния период на творчество Донатело създава бронзова група "Юдит и Олоферн". Тази творба е изпълнена с динамика и драматизъм: Юдит е изобразена в момента, когато вдига меча си над вече ранения Олоферн. да го довършат.
Мазачос право се счита за една от основните фигури на Ранния Ренесанс. Той продължава и развива тенденциите, идващи от Giotto. Мазачо е живял само 27 години и е успял да направи малко. Създадените от него фрески обаче се превръщат в истинска живописна школа за следващите италиански художници. Според Вазари, съвременник на Висшия ренесанс и авторитетен критик, „нито един майстор не се е доближил толкова до съвременните майстори, колкото Мазачо“.
Основното творение на Мазачо са стенописите в капела Бранкачи на църквата Санта Мария дел Кармине във Флоренция, разказващи за епизоди от легендите за св. Петър, както и изобразяващи две библейски сцени – „Грехопадението“ и „Изгнание от рай“.
Въпреки че стенописите разказват за чудесата, извършени от Св. Петър, в тях няма нищо свръхестествено и мистично. Изобразените Христос, Петър, апостолите и други участници в събитията изглеждат доста земни хора. Те са надарени с индивидуални черти и се държат съвсем естествено и човешки. По-специално, в сцената на „Кръщене“ изненадващо автентично е показан гол млад мъж, треперещ от студ. Мазачо изгражда композицията си, използвайки не само линейна, но и въздушна перспектива.
От целия цикъл заслужава специално внимание фреска "Изгонване от рая".Тя е истински шедьовър на живописта. Стенописът е изключително лаконичен, в него няма нищо излишно. На фона на неясен пейзаж ясно се виждат фигурите на Адам и Ева, напуснали портите на Рая, над които витае ангел с меч. Цялото внимание е насочено към мама и Ева.
Мазачо е първият в историята на живописта, който успява да нарисува голо тяло по толкова убедителен и автентичен начин, да предаде естествените му пропорции, да му придаде стабилност и движение. Също толкова убедително и ярко е изразено вътрешното състояние на персонажите. Адам, който крачеше широко, наведе глава от срам и покри лицето си с ръце. Ридайки, Ив отметна глава в отчаяние с отворена уста. Тази фреска открива нова ера в изкуството.
Това, което направи Мазачо, беше продължено от такива художници като Андреа Мантеня(1431 -1506) и Сандро Ботичели(1455-1510). Първият стана известен преди всичко със своите стенописи, сред които специално място заемат стенописите, разказващи за последните епизоди от живота на Св. Джеймс – шествието до екзекуцията и самата екзекуция. Ботичели предпочиташе станковата живопис. Най-известните му картини са Пролет и Раждането на Венера.
От края на 15-ти век, когато италианското изкуство достига най-високия си връх, Висок Ренесанс.За Италия този период беше изключително труден. Раздробена и следователно беззащитна, тя беше буквално опустошена, ограбена и обезкървена от нашествията от Франция, Испания, Германия и Турция. Въпреки това изкуството през този период, колкото и да е странно, преживява безпрецедентен цъфтеж. Точно по това време създават такива титани като Леонардо да Винчи. Рафаел. Микеланджело, Тициан.
В архитектурата началото на Високия ренесанс се свързва с творчеството Донато Браманте(1444-1514). Именно той създава стила, който определя развитието на архитектурата от този период.
Едно от ранните му творби е църквата на манастира Санта Мария дела Грацие в Милано, в трапезарията на която Леонардо да Винчи ще нарисува известната си фреска „Тайната вечеря“. Неговата слава започва с малък параклис, наречен Tempetto(1502), построена в Рим и се превърнала в своеобразен „манифест” на Високия Ренесанс. Параклисът има формата на ротонда, отличава се с простотата на архитектурните средства, хармонията на частите и рядката изразителност. Това е истински малък шедьовър.
Върхът на творчеството на Браманте е реконструкцията на Ватикана и превръщането на неговите сгради в единен ансамбъл. Той също така притежава дизайна на катедралата Св. Петър, в който Микеланджело ще направи промени и ще започне да прилага.
Вижте също: Микеланджело Буонароти
В изкуството на италианския Ренесанс специално място заема Венеция.Развилото се тук училище се различава значително от училищата във Флоренция, Рим, Милано или Болоня. Последните гравитираха към стабилни традиции и приемственост, не бяха склонни към радикално обновление. Именно на тези школи се залага класицизмът от 17 век. и неокласицизма от по-късните векове.
Венецианската школа е била техен оригинален противовес и антипод. Тук царуваше духът на иновациите и радикалното, революционно обновление. От представителите на други италиански школи Леонардо беше най-близо до Венеция. Може би именно тук страстта му към изследванията и експериментите би могла да намери правилното разбиране и признание. В известния спор между „стари и нови” художници, последните се позовават на примера на Венеция. Оттук започват тенденциите, довели до барока и романтизма. И въпреки че романтиците почитат Рафаел, истинските им богове са Тициан и Веронезе. Във Венеция Ел Греко получава своя творчески заряд, което му позволява да шокира испанската живопис. Веласкес минава през Венеция. Същото може да се каже и за фламандските художници Рубенс и Ван Дайк.
Като пристанищен град, Венеция се оказа на кръстопътя на икономически и търговски пътища. Тя изпита влиянието на Северна Германия, Византия и Изтока. Венеция се превърна в място за поклонение на много художници. А. Дюрер е бил тук два пъти – в края на 15 век. и началото на 16 век. Посетена е от Гьоте (1790). Тук Вагнер слуша пеенето на гондолиерите (1857), под чието вдъхновение написва второто действие на Тристан и Изолда. Ницше също слушаше пеенето на гондолиерите, наричайки го пеене на душата.
Близостта на морето предизвикваше течни и подвижни форми, а не ясни геометрични структури. Венеция гравитира не толкова към разума със своите строги правила, колкото към чувствата, от които се ражда удивителната поезия на венецианското изкуство. Фокусът на тази поезия беше природата – нейната видима и усетена материалност, жената – вълнуващата красота на нейната плът, музиката – родена от играта на цветовете и светлината и от омайните звуци на одухотворената природа.
Художниците от венецианската школа предпочитат не формата и модела, а цвета, играта на светлината и сянката. Изобразявайки природата, те се стремяха да предадат нейните импулси и движение, променливост и плавност. Те виждаха красотата на женското тяло не толкова в хармонията на формите и пропорциите, а в най-живата и чувствителна плът.
Те не бяха достатъчно реалистична правдоподобност и надеждност. Те се стремят да разкрият богатствата, присъщи на самата живопис. Именно Венеция заслужава заслугата да открие чисто живописен принцип или живописност в най-чистата й форма. Венецианските художници първи показват възможността за отделяне на живописта от предметите и формата, възможността за решаване на проблемите на живописта с помощта на един цвят, чисто изобразителни средства, възможността живописта да се разглежда като самоцел. Цялото следващо рисуване, основано на израз и изразителност, ще следва този път. Според някои експерти може да се премине от Тициан до Рубенс и Рембранд, след това до Делакроа, а от него до Гоген, Ван Гог, Сезан и т.н.
Основател на венецианската школа е Джорджоне(1476-1510). В работата си той действа като истински новатор. Светското начало най-после печели за него и вместо библейски теми, той предпочита да пише на митологични и литературни теми. В творчеството му се осъществява утвърждаването на станкова живопис, която вече не прилича на икона или олтарно изображение.
Джорджоне отваря нова ера в живописта, първият, който започва да рисува от природата. Изобразявайки природата, за първи път той измества фокуса към мобилност, променливост и плавност. Отличен пример за това е неговата картина "Гръмотевична буря". Джорджоне е този, който започва да търси тайната на живописта в светлината и нейните преходи, в играта на светлината и сянката, действайки като предшественик на Караваджо и Каравадизма.
Джорджоне създава произведения на различни жанрове и теми – „Кънтри концерт” и „Джудит”. Най-известната му работа беше "Спяща Венера"". Тази картина е лишена от всякакъв сюжет. Тя възпява красотата и очарованието на голото женско тяло, представяйки „голотата заради самата голота“.
Ръководител на венецианското училище е Тициан(ок. 1489-1576). Неговото творчество – заедно с творчеството на Леонардо, Рафаело и Микеланджело – е върхът на ренесансовото изкуство. По-голямата част от дългия му живот пада върху Късния Ренесанс.
В творчеството на Тициан изкуството на Ренесанса достига своя най-висок възход и разцвет. Неговите творби съчетават творческото търсене и новаторството на Леонардо, красотата и съвършенството на Рафаело, духовната дълбочина, драматизма и трагедията на Микеланджело. Притежават необикновена чувственост, благодарение на която въздействат мощно на зрителя. Творбите на Тициан са изненадващо музикални и мелодични.
Както отбелязва Рубенс, заедно с Тициан, живописта придобива своя вкус, а според Делакроа и Ван Гог - музиката. Неговите платна са рисувани с отворен щрих, който е едновременно лек, свободен и прозрачен. Именно в неговите произведения цветът сякаш разтваря и поглъща формата, а изобразителният принцип за първи път придобива автономия, появява се в чистата си форма. Реализмът в неговите творения се превръща в очарователен и фин лиризъм.
В произведенията от първия период Тициан прославя безгрижната радост от живота, насладата от земните блага. Той възпява чувственото начало, човешката плът, избухнала от здраве, вечната красота на тялото, физическото съвършенство на човека. Това е темата на неговите платна като "Любов на земята и небето", "Празник на Венера", "Вакх и Ариадна", "Даная", "Венера и Адонис".
В картината преобладава чувственото начало „Каещата се Магдалена“, въпреки че е посветен на драматичната ситуация. Но и тук каещият се грешник има чувствена плът, завладяващо, сияещо тяло, пълни и чувствени устни, румени бузи и златиста коса. Платното „Момче с кучета” е изпълнено с проницателен лиризъм.
В произведенията от втория период се запазва чувственото начало, но се допълва от нарастващ психологизъм и драматизъм. Като цяло Тициан прави постепенен преход от физическото и чувственото към духовното и драматичното. Продължаващите промени в творчеството на Тициан са ясно видими в въплъщението на темите и сюжетите, към които великият художник се обръща два пъти. Типичен пример в това отношение е картината "Свети Себастиан". В първата версия съдбата на изоставен от хората самотен страдалец не изглежда твърде тъжна. Напротив, изобразеният светец е надарен с жизненост и физическа красота. В по-късна версия на картината, намираща се в Ермитажа, същото изображение придобива чертите на трагедия.
Още по-ярък пример са вариантите на картината „Увенчаването с тръни“, посветена на епизод от живота на Христос. В първия от тях, съхраняван в Лувъра. Христос се явява като физически красив и силен спортист, способен да отблъсне изнасилвачите си. Във версията на Мюнхен, създадена двадесет години по-късно, същият епизод е пренесен много по-дълбоко, по-сложен и по-смислен. Христос е изобразен в бяло наметало, очите му са затворени, той спокойно понася побоя и униженията. Сега основното не е коронясване и побой, не физическо явление, а психологическо и духовно. Картината е изпълнена с дълбока трагедия, тя изразява триумфа на духа, духовното благородство над физическата сила.
В по-късните творби на Тициан трагичното звучене все повече се засилва. Това се доказва от картината „Оплакване на Христос“.
Характерни черти в изкуството на Ренесанса
Перспектива.За да добавят триизмерна дълбочина и пространство към работата си, ренесансовите художници заимстват и значително разширяват концепциите за линейна перспектива, линия на хоризонта и точка на изчезване.
§ Линейна перспектива. Рисуването с линейна перспектива е като да гледате през прозореца и да рисувате точно това, което виждате на прозореца. Обектите на снимката започнаха да имат свои собствени размери, в зависимост от разстоянието. Тези, които бяха по-далеч от зрителя, намаляха и обратно.
§ Skyline. Това е линия на разстоянието, на което обектите се свиват до точка, дебела като тази линия.
§ Точка на изчезване. Това е точката, в която успоредните линии изглежда се събират далеч в далечината, често на линията на хоризонта. Този ефект може да се наблюдава, ако застанете на железопътните релси и погледнете релсите, които отиват към да.л.
Сенки и светлина.Художниците играха с интерес как светлината пада върху предмети и създава сенки. Сенките и светлината могат да се използват за привличане на вниманието към определена точка в картината.
Емоциите.Ренесансовите художници искаха зрителят, гледайки творбата, да почувства нещо, да изпита емоционално преживяване. Това беше форма на визуална реторика, при която зрителят се чувстваше вдъхновен да стане по-добър в нещо.
Реализъм и натурализъм.В допълнение към перспективата, художниците се стремят да направят обектите, особено хората, да изглеждат по-реалистични. Те изучават човешката анатомия, измерват пропорциите и търсят идеалната човешка форма. Хората изглеждаха истински и показваха истински емоции, позволявайки на зрителя да направи изводи за това какво мислят и чувстват изобразените хора.
Епохата на "Ренесанса" е разделена на 4 етапа:
Проторенесанс (2-ра половина на 13-ти - 14-ти век)
Ранен Ренесанс (началото на 15-ти - края на 15-ти век)
Висок Ренесанс (края на 15-ти - първите 20 години на 16-ти век)
Късен Ренесанс (средата на 16-ти - 1590-те)
Проторенесанс
Проторенесансът е тясно свързан със Средновековието, всъщност се появява в Късното Средновековие, с византийски, романски и готически традиции, този период е предшественикът на Ренесанса. Разделя се на два подпериода: преди смъртта на Джото ди Бондоне и след това (1337 г.). Италиански художник и архитект, основател на епохата на проторенесанса. Една от ключовите фигури в историята на западното изкуство. Преодолявайки византийската иконописна традиция, той става истинският основоположник на италианската живописна школа, развива напълно нов подход към изобразяването на пространството. Творбите на Джото са вдъхновени от Леонардо да Винчи, Рафаело, Микеланджело. Централната фигура на живописта е Джото. Ренесансовите художници го смятат за реформатор на живописта. Джото очерта пътя, по който върви неговото развитие: запълване на религиозни форми със светско съдържание, постепенен преход от равнинни изображения към триизмерни и релефни изображения, увеличаване на реализма, въвежда пластичен обем от фигури в живописта, изобразява интериор в живописта .
В края на 13-ти век във Флоренция е издигната главната храмова сграда, катедралата Санта Мария дел Фиоре, авторът е Арнолфо ди Камбио, след което Джото продължава работата.
Най-важните открития, най-ярките майстори живеят и работят в първия период. Вторият сегмент е свързан с епидемията от чума, която удари Италия.
Изкуството на проторенесанса за първи път се проявява в скулптурата (Николо и Джовани Пизано, Арнолфо ди Камбио, Андреа Пизано). Живописът е представен от две художествени школи: Флоренция и Сиена.
Ранен Ренесанс
Периодът на така наречения „ранен ренесанс” в Италия обхваща времето от 1420 до 1500 година. През тези осемдесет години изкуството все още не се е отречело напълно от традициите на близкото минало (Средновековието), а се опитва да примеси в тях елементи, заимствани от класическата античност. Едва по-късно, под влиянието на все по-променящите се условия на живот и култура, художниците напълно изоставят средновековните основи и смело използват образци на античното изкуство, както в общата концепция на своите произведения, така и в техните детайли.
Докато изкуството в Италия вече вървеше решително по пътя на имитация на класическата античност, в други страни то дълго се придържаше към традициите на готическия стил. Северно от Алпите, както и в Испания, Ренесансът идва едва в края на 15 век, а ранният му период продължава до средата на следващия век.
Художници от ранния Ренесанс
Един от първите и най-блестящи представители на този период се счита за Мазачо (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai), известният италиански художник, най-големият майстор на флорентинската школа, реформатор на живописта от епохата Quattrocento.
С творчеството си той допринася за прехода от готика към ново изкуство, прославящо величието на човека и неговия свят. Приносът на Мазачо към изкуството е подновен през 1988 г., когато основното му творение - Стенописи в параклиса Бранкачи в Санта Мария дел Кармине, Флоренция- са възстановени в оригиналния си вид.
- Възкресение на сина на Теофил, Мазачо и Филипино Липи
- Поклонение на влъхвите
- Чудо със статер
Други важни представители на този период са Сандро Ботичели. велик италиански ренесансов художник, представител на флорентинската живописна школа.
- Раждането на Венера
- Венера и Марс
- Пролет
- Поклонение на влъхвите
Висок Ренесанс
Третият период на Ренесанса - времето на най-великолепното развитие на неговия стил - обикновено се нарича "Висок Ренесанс". Той се простира в Италия от приблизително 1500 до 1527 г. По това време центърът на влиянието на италианското изкуство от Флоренция се премества в Рим, благодарение на възкачването на папския трон на Юлий II - амбициозен, смел, предприемчив човек, който привлече най-добрите художници на Италия в своя двор, ги окупира с многобройни и важни творби и даде на другите пример за любов към изкуството. При този папа и при неговите непосредствени наследници Рим се превръща в новата Атина от времето на Перикъл: в нея се изграждат много монументални сгради, създават се великолепни скулптурни произведения, рисуват се фрески и картини, които все още се считат за перли на живописта; в същото време и трите клона на изкуството хармонично вървят ръка за ръка, помагайки си и взаимно въздействайки един на друг. Античността сега се изучава по-задълбочено, възпроизвежда се с по-голяма строгост и последователност; спокойствието и достойнството заменят игривата красота, която беше стремежът на предходния период; реминисценциите от средновековието напълно изчезват и върху всички произведения на изкуството пада напълно класически отпечатък. Но подражанието на древните не задушава тяхната независимост в художниците и с голяма находчивост и живост на въображението те свободно обработват и прилагат в бизнеса това, което смятат за подходящо да заимстват за себе си от древното гръко-римско изкуство.
Творчеството на трима големи италиански майстори бележи върха на Ренесанса, това е Леонардо да Винчи (1452-1519) Леонардо ди Сер Пиеро да Винчивелик италиански ренесансов художник, представител на флорентинската живописна школа. Италиански художник (художник, скулптор, архитект) и учен (анатом, натуралист), изобретател, писател, музикант, един от най-големите представители на изкуството на Висшия Ренесанс, ярък пример за "универсалния човек"
Тайната вечеря
Мона Лиза,
-Витрувиански човек ,
- Мадона Лита
- Мадона в скалите
-Мадона с вретено
Микеланджело Буонароти (1475-1564) Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонароти Симони.Италиански скулптор, художник, архитект [⇨], поет [⇨], мислител [⇨]. . Един от най-големите майстори на Ренесанса [⇨] и ранния барок. Неговите творби се считат за най-високите постижения на ренесансовото изкуство през живота на самия майстор. Микеланджело е живял почти 89 години, цяла епоха, от Висшия Ренесанс до началото на Контрареформацията. През този период са сменени тринадесет папи - той изпълнява заповеди за девет от тях.
Създаване на Адам
Последен съд
и Рафаел Санти (1483-1520). велик италиански художник, график и архитект, представител на умбрийската школа.
- Атинско училище
- Сикстинската Мадона
- Трансформация
- Прекрасен градинар
Късен Ренесанс
Късният Ренесанс в Италия обхваща периода от 1530-те до 1590-те-1620-те години. Контрареформацията триумфира в Южна Европа ( контрареформация(лат. Контрареформация; от контра- срещу и reformatio- трансформация, реформация) - католическо църковно-политическо движение в Европа в средата на 16-17 век, насочено срещу Реформацията и насочено към възстановяване на позицията и престижа на Римокатолическата църква.), което гледаше с повишено внимание на всеки свободната мисъл, включително възпяването на човешкото тяло и възкресението на идеалите на античността като крайъгълни камъни на ренесансовата идеология. Светогледните противоречия и общото усещане за криза доведоха Флоренция до "нервното" изкуство на претенциозните цветове и начупени линии - маниеризъм. В Парма, където работи Кореджо, маниеризмът достига едва след смъртта на художника през 1534 г. Художествените традиции на Венеция имаха своя собствена логика на развитие; до края на 1570-те години Паладио работи там (истинско име Андреа ди Пиетро).велик италиански архитект от късния Ренесанс и маниеризъм.( маниеризъм(от италиански маниера, начин) - западноевропейски литературен и художествен стил от 16 - първа третина на 17 век. Характеризира се със загубата на ренесансовата хармония между телесното и духовното, природата и човека.) Основателят на паладианството ( паладианствоили Паладианска архитектура- ранна форма на класицизма, израснала от идеите на италианския архитект Андреа Паладио (1508-1580). Стилът се основава на стриктно спазване на симетрията, като се вземат предвид перспективите и заимстване на принципите на класическата храмова архитектура на Древна Гърция и Рим.) И класицизъм. Може би най-влиятелният архитект в историята.
Първата самостоятелна творба на Андреа Паладио, като талантлив дизайнер и надарен архитект, е базиликата във Виченца, в която се проявява оригиналният му неподражаем талант.
Сред селските къщи най-забележителното творение на майстора е Вилата Ротонда. Андреа Паладио го построи във Виченца за пенсиониран служител на Ватикана. Забележителен е с това, че е първата светска сграда от Ренесанса, построена под формата на античен храм.
Друг пример е Palazzo Chiericati, който е необичаен с това, че първият етаж на сградата е почти изцяло предоставен за обществено ползване, което е в съответствие с изискванията на градските власти от онова време.
Сред известните градски конструкции на Паладио определено трябва да се отбележи театър Олимпико, проектиран в стила на амфитеатър.
Тициан ( Тициан Вечелио) италиански художник, най-големият представител на венецианската школа от Висшия и Късния Ренесанс. Името на Тициан е наравно с такива ренесансови художници като Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаел. Тициан рисува картини на библейски и митологични теми, той става известен като портретист. Поръчан е от крале и папи, кардинали, херцози и принцове. Тициан не беше дори на тридесет години, когато беше признат за най-добрия художник във Венеция.
От мястото му на раждане (Pieve di Cadore в провинция Белуно, Република Венеция), той понякога е наричан da cadore; известен още като Тициан Божествения.
- Възнесение на Дева Мария
- Бакхус и Ариадна
- Диана и Актеон
- Венера Урбино
- Отвличане на Европа
чието творчество имаше малко общо с кризисните явления в изкуството на Флоренция и Рим.
Италия е страна, която винаги е била известна със своите художници. Великите майстори, които някога са живели в Италия, прославят изкуството по целия свят. Можем да кажем със сигурност, че ако не бяха италианските художници, скулптори и архитекти, днес светът щеше да изглежда много различно. Най-значимото в италианското изкуство, разбира се, се счита. Италия през Ренесанса или Ренесанса достига безпрецедентен възход и просперитет. Талантливи художници, скулптори, изобретатели, истински гении, които се появиха в онези дни, все още са известни на всеки ученик. Тяхното изкуство, творчество, идеи, разработки днес се считат за класика, ядрото, върху което се градят световното изкуство и култура.
Един от най-известните гении на италианския Ренесанс, разбира се, е великият Леонардо да Винчи(1452-1519). Да Винчи беше толкова надарен, че постигна голям успех в много области на дейност, включително визуалните изкуства и науката. Друг известен художник, който е признат майстор е Сандро Ботичели(1445-1510). Картините на Ботичели са истински подарък за човечеството. Днес неговите гъсти са в най-известните музеи в света и са наистина безценни. Не по-малко известен от Леонардо да Винчи и Ботичели Рафаел Санти(1483-1520), който е живял 38 години и през това време успява да създаде цял слой зашеметяваща живопис, която се превръща в един от най-ярките образци на Ранния Ренесанс. Друг голям гений на италианския Ренесанс е без съмнение Микеланджело Буонароти(1475-1564). Освен с живопис, Микеланджело се занимава със скулптура, архитектура и поезия и постига страхотни резултати в тези изкуства. Статуята на Микеланджело, наречена "Давид", се счита за ненадминат шедьовър, пример за най-високото постижение на скулптурното изкуство.
В допълнение към споменатите по-горе художници, най-големите художници на Италия от Ренесанса са такива майстори като Антонело да Месина, Джовани Белини, Джорджоне, Тициан, Паоло Веронезе, Якопо Тинторето, Доменико Фети, Бернардо Строци, Джовани Батиста Тиеполо, Франческо Гуарди и други.. Всички те бяха отличен пример за възхитителната венецианска живописна школа. Флорентинската школа по италианска живопис включва такива художници като: Мазачо, Андреа дел Верокио, Паоло Учело, Андреа дел Кастаньо, Беноцо Гоцоли, Сандро Ботичели, Фра Анджелико, Филипо Липи, Пиеро ди Козимо, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Фра Бартоломео, Андреа дел Сарто.
За да изброим всички художници, работили през Ренесанса, както и през късния Ренесанс и векове по-късно, които станаха известни на целия свят и прославиха изкуството на живописта, разработиха основните принципи и закони, които са в основата на всички видове и жанрове на изящни изкуства, може би ще са необходими няколко тома, за да напишете, но този списък е достатъчен, за да разберем, че Великите италиански художници са самото изкуство, което познаваме, което обичаме и което ще ценим завинаги!
Картини на велики италиански художници
Андреа Мантеня - Фреска в камерата на споси
Джорджоне - Трима философи
Леонардо да Винчи - Мона Лиза
Никола Пусен - Великодушието на Сципион
Паоло Веронезе - Битката при Лепанто
Ренесансът - времето на интелектуален разцвет в Италия, което повлия на развитието на човечеството. Това прекрасно време дава началото си през XIV век и започва да намалява през XVI век. Невъзможно е да се намери нито една област на човешка дейност, която не би била засегната от Ренесанса. Разцветът на човешката култура, творчество, изкуство, науки. Политика, философия, литература, архитектура, живопис - всичко това придоби нов дъх и започна да се развива с необичайно бързи темпове. Повечето от най-големите художници, оставили вечен спомен за себе си в своите творби и развили повечето принципи и закони на живописта, са живели и работили по това време. Ренесансът стана за хората глътка свеж въздух и начало на нов живот, истинска културна революция. Принципите на живот на Средновековието се сринаха и човек започна да се стреми към високото, сякаш осъзнавайки истинската си съдба на Земята - да създава и да се развива.
Прераждането не означава нищо повече от връщане към ценностите от миналото. Ценностите от миналото, включително като вяра и искрена любов към изкуството, творението, творението, бяха преосмислени. Осъзнаване на човека във Вселената: човекът като венец на природата, венец на божественото творение, който самият е създател.
Най-известните ренесансови художници са Алберти, Микеланджело, Рафаел, Албрехт Дюрер и много други. С творчеството си те изразяват общата концепция за Вселената, концепцията за произхода на човека, които се основават на религията и митовете. Можем да кажем, че именно тогава се появява желанието на художниците да се научат как да създават реалистичен образ на човек, природа, неща, както и нематериални явления - чувства, емоции, настроения и т.н. Първоначално Флоренция се смята за център на Ренесанса, но през 16-ти век превзема Венеция. Именно във Венеция са били разположени най-важните благодетели или покровители на Ренесанса, като Медичите, папите и други.
Няма съмнение, че Ренесансът е повлиял на хода на развитието на цялото човечество във всеки смисъл на думата. Произведенията на изкуството от онова време все още са сред най-скъпите, а авторите им са оставили имената си завинаги в историята. Картините и скулптурите на Ренесанса се считат за безценни шедьоври и все още са ориентир и пример за всеки художник. Уникалното изкуство впечатлява със своята красота и дълбочина на намерение. Всеки човек трябва да знае за това необикновено време, което е било в историята на нашето минало, без чието наследство е абсолютно невъзможно да си представим нашето настояще и бъдеще.
Леонардо да Винчи - Мона Лиза (Джоконда)
Рафаел Санти - Мадона
В трудни времена за Италия започва краткият „златен век“ на италианския Ренесанс - така нареченият Висок Ренесанс, най-високата точка на разцвет на италианското изкуство. По този начин Високият Ренесанс съвпада с периода на ожесточената борба на италианските градове за независимост. Изкуството на това време е проникнато с хуманизъм, вяра в творческите сили на човека, в неограничеността на неговите възможности, в рационалното устройство на света, в триумфа на прогреса. В изкуството на преден план излязоха проблемите на гражданския дълг, високите морални качества, подвига, образа на красив, хармонично развит, силен духом и тялом герой, успял да се издигне над нивото на ежедневието. Търсенето на такъв идеал доведе изкуството до синтез, обобщение, до разкриване на общите закономерности на явленията, до идентифициране на тяхната логическа взаимовръзка. Изкуството на Високия Ренесанс се отрича от детайлите, дребните детайли в името на обобщения образ, в името на стремежа към хармоничен синтез на красивите страни на живота. Това е една от основните разлики между Високия Ренесанс и ранния.
Леонардо да Винчи (1452-1519) е първият художник, който визуално въплъщава тази разлика. Първият учител на Леонардо е Андреа Верокио. Фигурата на ангел в картината на учителя "Кръщение" вече ясно демонстрира разликата във възприятието на света от художника от отминалата епоха и новата ера: няма фронтална плоскост на Верокио, най-финото моделиране на светлина и сянка на обема и необикновената духовност на образа. . Към момента на излизане от работилницата на Верокио изследователите приписват „Мадоната с цвете“ („Мадона Беноа“, както я наричаха преди, от името на собствениците). През този период Леонардо несъмнено е повлиян от Ботичели за известно време. От 80-те години на XV век. са запазени две недовършени композиции на Леонардо: „Поклонението на влъхвите“ и „Св. Джером“. Вероятно в средата на 80-те години Мадона Лита също е създадена в старата темперна техника, в образа на която намери израз типът на женската красота на Леонард: тежките полуспуснати клепачи и едва забележимата усмивка придават на лицето на Мадона специална духовност .
Съчетавайки научни и творчески принципи, притежавайки както логическо, така и художествено мислене, Леонардо цял живот се занимава с научни изследвания заедно с изобразителното изкуство; разсеян, той изглеждаше бавен и остави няколко произведения на изкуството. В миланския двор Леонардо работи като художник, научен техник, изобретател, като математик и анатом. Първата голяма творба, която изпълнява в Милано, е Мадона от скалите (или Мадона в пещерата). Това е първият монументален олтар от Висшия ренесанс, който е интересен и с това, че напълно изразява чертите на стила на рисуването на Леонард.
Най-голямото произведение на Леонардо в Милано, най-високото постижение на неговото изкуство е рисуването на стената на трапезарията на манастира Санта Мария дела Грацие по сюжета на Тайната вечеря (1495-1498). Христос се среща за последен път на вечеря с учениците си, за да им съобщи за предателството на един от тях. За Леонардо изкуството и науката съществуват неразделно. Занимавайки се с изкуство, той прави научни изследвания, експерименти, наблюдения, преминава през перспективата в областта на оптиката и физиката, през проблемите на пропорциите - в анатомията и математиката и т. н. Тайната вечеря завършва цял етап в творчеството на художника. научно изследване. Това е и нов етап в изкуството.
От изучаването на анатомия, геометрия, укрепление, мелиорация, лингвистика, стихосложение, музика, Леонардо се откъсва да работи върху „Коня“ - конния паметник на Франческо Сфорца, за който първо идва в Милано и който изпълнява в пълен размер в началото на 90-те в глина. На паметника не е било писано да бъде въплътен в бронз: през 1499 г. французите нахлуват в Милано и гасконските арбалетчици свалят конния паметник. От 1499 г. започват годините на скитанията на Леонардо: Мантуа, Венеция и накрая родният град на художника – Флоренция, където рисува картона „Св. Анна с Мария на колене”, според която той създава маслена картина в Милано (където се завръща през 1506 г.)
Във Флоренция Леонардо започва друга живописна работа: портрет на съпругата на търговеца дел Джокондо Мона Лиза, който се превръща в една от най-известните картини в света.
Портретът на Мона Лиза Джоконда е решаваща стъпка в развитието на ренесансовото изкуство
За първи път портретният жанр се изравни с композиции на религиозни и митологични теми. С всички неоспорими физиономични прилики, портретите на Quattrocento се отличаваха, ако не с външна, то по вътрешна ограниченост. Величието на Моне Лиза вече се съобщава от едно сравнение на нейната силно напреднала до ръба на платното, подчертана триизмерна фигура с пейзаж със скали и потоци, видими сякаш отдалеч, топящи се, примамливи, неуловими и следователно с всички реалността на мотива, фантастична.
Леонардо през 1515 г. по предложение на френския крал Франциск I заминава завинаги за Франция.
Леонардо беше най-великият художник на своето време, гений, който отвори нови хоризонти на изкуството. Той остави след себе си няколко произведения, но всяко от тях беше етап от историята на културата. Леонардо е известен и като универсален учен. Неговите научни открития, например изследванията му в областта на самолетите, представляват интерес в нашата епоха на астронавтика. Хиляди страници от ръкописите на Леонардо, обхващащи буквално всички области на познанието, свидетелстват за универсалността на неговия гений.
Идеите на монументалното изкуство на Ренесанса, в което се сливат традициите на античността и духът на християнството, намират най-яркия си израз в творчеството на Рафаел (1483-1520). В неговото изкуство две основни задачи намират зряло решение: пластичното съвършенство на човешкото тяло, изразяващо вътрешната хармония на всестранно развита личност, в която Рафаел следва античността, и сложна многофигурна композиция, която предава цялото многообразие на свят. Рафаел обогати тези възможности, постигайки удивителна свобода в изобразяването на пространството и движението на човешка фигура в него, безупречна хармония между околната среда и човека.
Никой от майсторите на Ренесанса не е възприемал толкова дълбоко и естествено езическата същност на античността, както Рафаел; не без основание се смята за художника, който най-пълно свързва древните традиции със западноевропейското изкуство от новата ера.
Рафаел Санти е роден през 1483 г. в град Урбино, един от центровете на художествената култура в Италия, в двора на херцога на Урбино, в семейството на придворен художник и поет, който е първият учител на бъдещия майстор
Ранният период на творчеството на Рафаел се характеризира перфектно с малка картина под формата на тондо "Мадона Конестабиле", с нейната простота и сбитост на строго подбрани детайли (при цялата плахост на композицията) и специалното, присъщо на всички Рафаелови произведения, фин лиризъм и усещане за мир. През 1500 г. Рафаел напуска Урбино за Перуджа, за да учи в работилницата на известния художник от Умбрия Перуджино, под чието влияние е написана Годежът на Мария (1504). Усещане за ритъм, пропорционалност на пластичните маси, пространствени интервали, съотношение на фигурите и фона, координация на основните тонове (в „Вроеж“ това са златисто, червено и зелено в комбинация с бледосиния фон на небето ) и създават хармонията, която вече се появява в ранните творби на Рафаел и го отличава от художниците от предишното време.
През целия си живот Рафаел търси този образ в Мадоната, многобройните му творби, интерпретиращи образа на Мадона, му спечелват световна слава. Заслугата на художника на първо място е, че той успя да въплъти всички най-фини нюанси на чувствата в идеята за майчинство, да съчетае лиризъм и дълбока емоционалност с монументално величие. Това може да се види във всичките му мадони, като се започне от младежката плаха мадона Конестабил: в мадоната в зеленото, мадоната със златната щиколка, мадоната в стола и особено в разгара на духа и умението на Рафаел - в Сикстинската Мадона.
„Сикстинската Мадона“ е едно от най-съвършените произведения на Рафаел по отношение на езика: фигурата на Мария с бебето, строго издигаща се на фона на небето, е обединена от общ ритъм на движение с фигурите на Св. Варвари и папа Сикст II, чиито жестове са насочени към Мадоната, както и гледките на два ангела (по-скоро като putti, което е толкова характерно за Ренесанса), са в дъното на композицията. Фигурите са обединени от общ златист цвят, сякаш олицетворяващи Божественото сияние. Но основното е типът на лицето на Мадоната, който олицетворява синтеза на античния идеал за красота с духовността на християнския идеал, който е толкова характерен за мирогледа на Високия Ренесанс.
Сикстинската Мадона е по-късно произведение на Рафаел.
В началото на XVI век. Рим се превръща в основен културен център на Италия. Изкуството на Висшия Ренесанс достига своя връх в този град, където по волята на покровителстващите папи Юлий II и Лъв X, художници като Браманте, Микеланджело и Рафаело работят едновременно.
Рафаел рисува първите две строфи. В Stanza della Senyatura (стаята на подписите, печатите) той рисува четири стенописи-алегории на основните области на човешката духовна дейност: философия, поезия, теология и юриспруденция („Атинската школа“, „Парнас“, „ Диспут”, „Мера, мъдрост и сила”. Във втората стая, наречена „строфа на Елиодор”, Рафаел рисува фрески на исторически и легендарни теми, прославящи папите на Рим: „Изгонването на Елиодор”
За изкуството на Средновековието и ранния Ренесанс е обичайно да се изобразяват науки и изкуства под формата на отделни алегорични фигури. Рафаел решава тези теми под формата на многофигурни композиции, понякога представляващи реални групови портрети, интересни както със своята индивидуализация, така и с типичност.
Учениците също помогнаха на Рафаел при изрисуването на лоджиите на Ватикана в съседство със стаите на папата, изрисувани по негови скици и под негово ръководство с мотиви от антични орнаменти, извлечени предимно от новооткритите древни пещери (оттук и името „гротески“). ).
Рафаел изпълняваше произведения от различни жанрове. Дарбата му на декоратор, както и на режисьор, разказвач се прояви напълно в поредица от осем картонени гоблена за Сикстинската капела върху сцени от живота на апостолите Петър и Павел („Прекрасен улов на риба“, напр. ). Тези картини през XVI-XVIII век. служи като своеобразен еталон за класицистите.
Рафаел е и най-великият портретист на своята епоха. („Папа Юлий II”, „Лъв X”, приятелят на художника писателят Кастильоне, красивата „Дона Велата” и др.). И в портретните му изображения, като правило, доминират вътрешният баланс и хармония.
В края на живота си Рафаел е претоварен с различни произведения и поръчки. Дори е трудно да си представим, че всичко това може да бъде направено от един човек. Той е централна фигура в художествения живот на Рим, след смъртта на Браманте (1514) става главен архитект на катедралата Св. Петър, отговарял за археологическите разкопки в Рим и околностите му и опазването на древни паметници.
Рафаел умира през 1520 г.; преждевременната му смърт е неочаквана за неговите съвременници. Прахът му е погребан в Пантеона.
Третият най-велик майстор на Висшия Ренесанс - Микеланджело - далеч надживява Леонардо и Рафаело. Първата половина от кариерата му попада в разцвета на изкуството на Високия Ренесанс, а втората - по времето на Контрареформацията и началото на формирането на бароковото изкуство. От брилянтното съзвездие художници от Висшия Ренесанс Микеланджело надмина всички с богатството на своите образи, гражданския патос и чувствителността към промените в общественото настроение. Оттук и творческото въплъщение на краха на ренесансовите идеи.
Микеланджело Буонароти (1475-1564) През 1488 г. във Флоренция той започва внимателно да изучава древната пластмаса. Неговият релеф „Битката на кентаврите” вече е продукт на Високия ренесанс по отношение на вътрешна хармония. През 1496 г. младият художник заминава за Рим, където създава първите си произведения, които му носят слава: „Вакхус” и „Пиета”. Буквално заловен от образите на древността. „Пиета” – отваря редица творби на майстора по тази тема и го поставя сред първите скулптори в Италия.
Връщайки се във Флоренция през 1501 г., Микеланджело от името на Синьорията се заема да извая фигурата на Давид от мраморен блок, развален пред него от нещастен скулптор. През 1504 г. Микеланджело завършва известната статуя, наречена от флорентинците „Гигантът“ и поставена от тях пред Палацо Векиа, кметството. Откриването на паметника се превърна в национален празник. Образът на Давид вдъхнови много художници от Quattrocento. Но не като момче, както в Донатело и Верокио, Микеланджело го изобразява, а като млад мъж в разцвета на живота и не след битката, с глава на великан в краката си, а преди битката, при момент на най-високо напрежение. В красивия образ на Давид, в строгото му лице, скулпторът предаде титаничната сила на страстта, непреклонната воля, гражданската смелост и безграничната сила на свободния човек.
През 1504 г. Микеланджело (както вече беше споменато във връзка с Леонардо) започва да работи върху картината на "Залата на петстотинте" в Palazzo Signoria
През 1505 г. папа Юлий II кани Микеланджело в Рим, за да построи гробница за себе си, но след това отказва поръчката и поръчва по-малко грандиозно рисуване на тавана на Сикстинската капела във Ватиканския дворец.
Микеланджело работи сам по изрисуването на тавана на Сикстинската капела от 1508 до 1512 г., рисувайки площ от около 600 квадратни метра. м (48х13 м) на височина 18 м.
Микеланджело посвети централната част на тавана на сцените от свещената история, започвайки от създаването на света. Тези композиции са рамкирани от корниз, боядисан по същия начин, но създаващ илюзия за архитектура, и са разделени, също с живописни, пръти. Живописните правоъгълници подчертават и обогатяват истинската архитектура на тавана. Под живописния корниз Микеланджело рисува пророците и сивилите (всяка фигура е около три метра), в люнетите (арки над прозорците) изобразява епизоди от Библията и предците на Христос като обикновени хора, заети с ежедневни дела.
Деветте централни композиции разгръщат събитията от първите дни на сътворението, историята на Адам и Ева, световния потоп и всички тези сцени всъщност са химн на човека, заложен в него. Юлий II умира малко след завършването на работата в Сикстин и неговите наследници се връщат към идеята за надгробна плоча. През 1513-1516г. Микеланджело изпълнява фигурата на Мойсей и роби (пленници) за този надгробен камък. Образът на Мойсей е един от най-силните в творчеството на зрял майстор. Той вложи в него мечтата за мъдър, смел водач, пълен с титанична сила, израз, волеви качества, така необходими тогава за обединението на родината му. Фигурите на роби не са включени в окончателната версия на гробницата.
От 1520 до 1534 г. Микеланджело работи върху една от най-значимите и най-трагични скулптурни произведения - върху гробницата на Медичите (флорентинската църква Сан Лоренцо), като изразява всички преживявания, паднали през този период върху участта на майстора себе си и родния му град, и цялата страна като цяло. От края на 20-те години на миналия век Италия е буквално разкъсана както от външни, така и от вътрешни врагове. През 1527 г. наети войници разграбват Рим, протестантите плячкосват католическите светилища на вечния град. Флорентинската буржоазия сваля Медичите, които управляват отново от 1510 г.
В настроение на сериозен песимизъм, в състояние на нарастваща дълбока религиозност, Микеланджело работи върху гробницата на Медичите. Самият той изгражда пристройка към флорентинската църква Сан Лоренцо – малка, но много висока стая, покрита с купол, и украсява две стени на сакристията (вътрешността й) със скулптурни надгробни плочи. Едната стена е украсена с фигурата на Лоренцо, отсрещната - Джулиано, а отдолу в краката им са поставени саркофази, украсени с алегорични скулптурни изображения - символи на мимолетното време: "Утро" и "Вечер" - в надгробния камък на Лоренцо, "Нощи и ден" - в надгробния камък на Джулиано.
И двете изображения – Лоренцо и Джулиано – нямат портретна прилика, по което се различават от традиционните решения от 15 век.
Веднага след избирането си Павел III започва настойчиво да изисква от Микеланджело изпълнението на този план и през 1534 г., прекъсвайки работата по гробницата, която завършва едва през 1545 г., Микеланджело заминава за Рим, където започва втората си работа в Сикстината. Параклис - към картината "Страшният съд" (1535-1541) - грандиозно творение, което изразява трагедията на човешкия род. Особеностите на новата художествена система се проявиха още по-ясно в това произведение на Микеланджело. Творческият съд, наказващият Христос, е поставен в центъра на композицията, а около него с въртеливо кръгово движение са изобразени грешниците, падащи в ада, праведните, възкачващи се в рая, мъртвите, възкръснали от гробовете си за Божия съд. Всичко е пълно с ужас, отчаяние, гняв, объркване.
Художник, скулптор, поет, Микеланджело също беше брилянтен архитект. Той изпълнява стълбите на флорентинската библиотека на Лауренциана, рамкира площада на Капитолия в Рим, издига портите на Пий (Porta Pia), от 1546 г. работи върху катедралата Св. Петър, започнат от Браманте. Микеланджело притежава рисунката и рисунката на купола, който е изпълнен след смъртта на майстора и все още е една от основните доминанти в панорамата на града.
Микеланджело почина в Рим на 89-годишна възраст. Тялото му беше изнесено през нощта във Флоренция и погребано в най-старата църква в родния му град Санта Кроче. Историческото значение на изкуството на Микеланджело, влиянието му върху съвременниците и следващите епохи трудно могат да бъдат надценени. Някои чуждестранни изследователи го интерпретират като първия художник и архитект на барока. Но най-вече той е интересен като носител на големите реалистични традиции на Ренесанса.
Джордж Барбарели да Кастелфранко, по прякор Джорджоне (1477-1510), е пряк последовател на своя учител и типичен художник от Висшия Ренесанс. Той е първият на венецианска земя, който се обръща към литературни теми, към митологични теми. Пейзажът, природата и красивото голо човешко тяло стават за него предмет на изкуството и обект на поклонение.
Още в първата известна творба, Мадона от Кастелфранко (около 1505 г.), Джорджоне се появява като напълно утвърден художник; образът на Мадоната е изпълнен с поезия, замислена мечтателност, прониза с онова настроение на тъга, което е характерно за всички женски образи на Джорджоне. През последните пет години от живота си художникът създава най-добрите си творби, изпълнени в маслена техника, основната във венецианската школа по това време. . В картината от 1506 г. "Гръмотевична буря" Джорджоне изобразява човека като част от природата. Жена, хранеща дете, млад мъж с тояга (който може да бъде сбъркан с воин с алебарда) не са обединени от никакво действие, а са обединени в този величествен пейзаж от общо настроение, общо състояние на духа. Духовност и поезия проникват в образа на „Спящата Венера” (около 1508-1510). Тялото й е изписано лесно, свободно, грациозно и не без основание изследователите говорят за „музикалността” на ритмите на Джорджоне; не е лишено от чувствен чар. "Селски концерт" (1508-1510)
Тициан Вечелио (1477?-1576) - най-великият художник на венецианския Ренесанс. Създава произведения както на митологични, така и на християнски сюжети, работи в жанра портрет, колористичният му талант е изключителен, композиционната изобретателност е неизчерпаема, а щастливото му дълголетие му позволява да остави след себе си богато творческо наследство, оказало огромно влияние върху потомството.
Още през 1516 г. той става първият художник на републиката, от 20-те години - най-известният художник на Венеция
Около 1520 г. херцогът на Ферара му поръчва поредица от картини, в които Тициан се изявява като певец от древността, успял да усети и най-важното да въплъти духа на езичеството (Вакханал, Празник на Венера, Бакхус и Ариадна).
Богати венециански патриции поръчват олтарни образи от Тициан и той създава огромни икони: „Възнесение на Мария“, „Мадона Пезаро“
„Влизане на Мария в храма“ (около 1538 г.), „Венера“ (около 1538 г.)
(групов портрет на папа Павел III с племенниците Отавио и Александър Фарнезе, 1545-1546)
Той все още пише много на древни теми („Венера и Адонис“, „Пастирът и нимфата“, „Диана и Актеон“, „Юпитер и Антиопа“), но все по-често се обръща към християнски теми, към сцени от мъченичество, в което езическата жизнерадост, античната хармония се заменят с трагичен светоглед („Бичуване на Христос“, „Покаяна Мария Магдалена“, „Св. Севастиан“, „Оплакване“),
Но в края на века тук вече са очевидни чертите на предстояща нова ера в изкуството, ново художествено направление. Това може да се види в творчеството на двама големи художници от втората половина на този век - Паоло Веронезе и Якопо Тинторето.
Паоло Каляри, по прякор Веронезе (той е от Верона, 1528-1588), е предопределен да стане последният певец на празничната, ликуваща Венеция от 16-ти век.
: "Празник в дома на Левий" "Брак в Кана Галилейска" за трапезарията на манастира Сан Джордж Маджоре
Якопо Робусти, известен в изкуството като Тинторето (1518-1594) (баяч „тинторето“: бащата на художника е бояджия на коприна). „Чудото на Свети Марк“ (1548 г.)
(„Спасението на Арсиноя“, 1555 г.), „Вход в храма“ (1555 г.),
Андреа Паладио (1508-1580, Вила Корнаро в Пиомбино, Вила Ротонда във Виченца, завършена след смъртта му от студенти по негов проект, много сгради във Виченца). Резултатът от неговото изследване на античността е книгата "Римски антики" (1554), "Четири книги по архитектура" (1570-1581), но античността е за него "жив организъм", според справедливото наблюдение на изследователя.
Нидерландският Ренесанс в живописта започва с „Олтарът на Гент“ от братята Хуберт (починал 1426) и Ян (около 1390-1441) ван Ейк, завършен от Ян ван Ейк през 1432. Ван Ейк подобрява маслената техника: маслото прави възможно да предаде по-разностранен блясък, дълбочина, богатство на обективния свят, привличайки вниманието на холандските художници, неговата колоритна звучност.
От многобройните мадони на Ян ван Ейк, най-известната е Мадона на канцлера Ролин (около 1435 г.)
(„Човек с карамфил“; „Мъж в тюрбан“, 1433 г.; портрет на съпругата на художника Маргарита ван Ейк, 1439 г.
При решаването на подобни проблеми холандското изкуство дължи много на Рогиер ван дер Вейден (1400?-1464) Слизането от кръста е типично произведение на Вейден.
През втората половина на XV век. отчита работата на майстора на изключителния талант Хуго ван дер Гоес (около 1435-1482) "Смъртта на Мария").
Йероним Бош (1450-1516), създателят на мрачни мистични видения, в които се позовава и на средновековната алегория, „Градината на насладите“
Върхът на холандския Ренесанс несъмнено е делото на Питер Брьогел Стари, по прякор Мужицки (1525 / 30-1569) („Кухня на слабите“, „Кухня на дебелите“), „Зимният пейзаж“ от цикъла „ Сезоните” (друго заглавие – „Ловци в снега”, 1565 г.), „Битката на карнавала и Великия пост” (1559 г.).
Албрехт Дюрер (1471-1528).
„Празникът на розариума“ (друго име е „Мадона с броеницата“, 1506 г.), „Конникът, смъртта и дяволът“, 1513 г.; „Св. Джером" и "Меланхолия",
Ханс Холбайн Млади (1497-1543), "Триумфът на смъртта" ("Танцът на смъртта") портрет на Джейн Сиймур, 1536 г.
Албрехт Алтдорфер (1480-1538)
Ренесансов Лукас Кранах (1472-1553),
Жан Фуке (около 1420-1481), Портрет на Чарлз VII
Жан Клуе (около 1485/88-1541), син на Франсоа Клуе (около 1516-1572) е най-важният френски художник от 16 век. портрет на Елизабет Австрийска, около 1571 г. (портрет на Хенри II, Мария Стюарт и др.)
