ANTYK
Kobiety Egipt były bardziej wolne i niezależne niż kobiety z innych krajów - nie tylko Świat starożytny, ale także Europa: od średniowiecza do późny XIX wiek. Jednak tak zwana „równość płci” w Starożytny Egipt nieobecny - ponieważ zgodnie z porządkiem świata ustanowionym przez Maata istota życiowa mężczyzn i kobiet jest inna. Egipcjanie kłaniali się kobietom, podziwiali je, opiekowali się nimi. Jednocześnie oczywiście domagając się od nich uwagi i szacunku. W tradycyjnych sztukach plastycznych Egiptu kobiety były najczęściej przedstawiane jako kochająca żona trzymanie męża za rękę lub przytulanie jego ramienia. Ponieważ mężczyźni pracowali dla świeże powietrze na polach lub nad rzeką ich skóra była ciemna, podczas gdy kobiety zatrudnione w pomieszczeniu zamkniętym przed palącym słońcem były jasne. Według sztuki piękne, Egipcjanki są zwykle przedstawiane jako kruche i pełne wdzięku.
kreteński kobiety miały nienaturalnie wąską talię, były krótkie i zgrabne w budowie. Ukrywali twarze w cieniu, przez co skóra była blada, a na jej tle czarne oczy i włosy. Kobiety nosiły loki otaczające szyję, loki zebrane na czołach lub warkocze z tkanymi wstążkami. Na głowach kreteńskie kobiety nosiły wspaniałe kapelusze (podobne do kapeluszy z XIX wieku). Stopy często były bose, ale kobiety klasa wyższa czasami nosili skórzane buty z haftem.
Fragment tyłu tronu Tutanchamona
Malarstwo w Pałacu w Knossos. Kreta
Malarstwo w Pompejach
Portret Fajum Egipt
ŚREDNIOWIECZE
Średniowiecze zapewniło kobietom bardzo skromne, jeśli nie nieistotne, miejsce w smukłej budowli hierarchii społecznej. Instynkt patriarchalny, tradycje zachowane od czasów barbarzyństwa, wreszcie ortodoksja religijna – wszystko to sugerowało średniowieczny człowiek bardzo ostrożny stosunek do kobiety.Korzystanie z kosmetyków i biżuterii było uważane za integralną cechę kobiecej „grzeszności” – obie zostały surowo potępione przez Kościół. Istniał nawet specjalny dekret, zgodnie z którym małżeństwo zawarte przy pomocy kobiecych „sztuczek” – kosmetyków, strojów itp. było uważane za oszukańcze, nielegalne i mogło zostać rozwiązane.
ODRODZENIE
Osobowość ludzka jest zapośredniczona w renesansie nie przez Boga, ale przez piękno, a przede wszystkim przez piękno kobiece. Po raz pierwszy w historii ludzkości kobieta zajmuje miejsce wyjątkowe, niczym Madonna na tronie.
Stąd pochodzi niekończący się sznur Madonn, który stopniowo zamienia się w portrety młodych kobiet epoki. Kobieta renesansu to szlachetność, piękno i wykształcenie.
Van Eyck
Botticelli - Madonna Magnificat (Powiększenie Madonny)
Botticelli - Narodziny Wenus
El Greco
Raffaello
Raffaello
Bronzino
Da Vinci - Dama z gronostajem
TAk Vinci Madonna Litta
da Vinci - Mona Lisa
Cristofano Allori
Giorgione - Śpiąca Wenus
BAROKOWY
W epoce baroku (koniec XVI-XVII w.) naturalność znów wychodzi z mody. Zastępuje go stylizacja i teatralność. Rozkwit baroku przypadł na okres panowania francuskiego „Króla Słońce” Ludwik XIV. Od tego czasu francuski dwór zaczyna dyktować modę w całej Europie. Kobiece ciało w epoce baroku, jak poprzednio, powinno być „bogate” z „łabędzim” karkiem, szerokimi ramionami zarzuconymi do tyłu i bujnymi biodrami. Ale talia powinna być teraz jak najcieńsza, a gorsety z fiszbinami są modne. Bujne, plisowane ubrania na długi czas stają się jednym z głównych elementów kobiecej nieodpartyjności. splendor wygląd zewnętrzny najwyraźniej przejawiało się w powszechnym używaniu luksusowych obroży i peruk, które istniały wśród szlachty przez prawie trzy stulecia.
Rubens
Rubens z żoną
van Meer
Rembrandta
Rembrandt - Saskia
ROKOKO
Na początku XVIII wieku. nadchodzi era rokoko, a kobieca sylwetka znów się zmienia. Teraz kobieta powinna przypominać kruchą porcelanową figurkę. Uroczysty przepych baroku zostaje zastąpiony wdziękiem, lekkością i żartobliwością. Jednocześnie teatralność i nienaturalność nigdzie nie idą – wręcz przeciwnie, osiągają swój szczyt. Zarówno mężczyźni, jak i kobiety przybierają wygląd lalki. Piękno epoki rokoko ma wąskie ramiona i wąską talię, mały gorset kontrastuje z ogromną zaokrągloną spódnicą. Dekolt się powiększa, a spódnica jest nieco skrócona. W związku z tym zaczyna się zwracać szczególną uwagę na bieliznę. W modzie stają się pończochy, a halka jest bogato zdobiona. Odsłanianie kobiecych piersi, dotykanie jej i całowanie – od tej pory uważane było za całkiem przyzwoite. Skromność wywołała tylko kpiny: jeśli dziewczyna się wstydzi, to nie ma się czym chwalić. Z drugiej strony panie nieustannie znajdowały powód, aby pokazać swoje piersi - albo róża spadła i ukłuła, albo ugryziona pchła - „patrz!”. Popularną rozrywką szlachty była swego rodzaju konkurs piękności, na którym panie podnosiły spódnice i bez wstydu rozdzierały swoje gorsety. Szanowne panie malują się na twarzach tak bardzo, że, jak mówią, mężowie często nie rozpoznawali swoich żon.
Francois Boucher - Portret Louise O`Murphy
Francois Boucher
Fragonard - Huśtawka
ROMANTYZM
Imitacja antycznych ubrań zmieniła również sylwetkę kobiety. Sukienka nabiera wyraźnych proporcji i gładkich linii. Główną odzieżą fashionistek był śnieżnobiały shmeez - lniana koszula z dużym dekoltem, krótkimi rękawami, zwężona z przodu i luźno otaczająca figurę poniżej. Pasek przesunął się na klatkę piersiową. Empire było jednym z ostatnich wyraźnych stylów, dyktujących stosunkowo jasne kanony piękna i mody. Wraz z początkiem XIX wieku moda zaczyna się zmieniać tak szybko, że można uchwycić tylko niektóre z najbardziej uderzających trendów.
Obrazy znany artysta zachowaj tajemnice przedstawionych na nich osób. Zapraszamy do spaceru po wirtualnej galerii sztuki i poznania historii kobiet na obrazach. Te historie mogą być romantyczne, mistyczne lub po prostu zabawne.
To dzieło sztuki - jedno z najsłynniejszych obrazów malarza - zostało po raz pierwszy zaprezentowane publiczności we Włoszech, gdzie zostało przychylnie przyjęte przez krytyków. Karl Bryullov był pierwszym rosyjskim artystą, który zasłynął w sztywnej Europie. Przez długi czas zakładano, że ten obraz jest portretem młodej hrabiny Julii Samoilovej, którą artysta bardzo kochał i często przedstawiał na swoich płótnach. Na przykład w filmie „Ostatni dzień Pompejów” trzy postacie mają jednocześnie rysy twarzy Julii Samoilovej. Jednak porównując obraz „Jeźniczka” z portretami hrabiny, które później namalował Bryullov, staje się jasne, że Julii Samoilovej nie ma na zdjęciu. Ale kto? Na jednym ze swoich obrazów Karl Bryullov przedstawił hrabinę Samoilovą ze swoją uczennicą Giovanniną, na innym namalował tę samą hrabinę z jej adoptowaną córką Amazilią. Badacze prac Bryulłowa doszli do wniosku, że te dziewczyny, wychowane przez hrabinę, są przedstawione na zdjęciu. Ale obrazy znanych artystów zwykle kryją w sobie jakąś tajemnicę. Aby rozwiązać zagadkę z tego zdjęcia, musisz przyjrzeć się psu w obroży, którego artysta przedstawił w pobliżu małej dziewczynki. Na kołnierzu widnieje nazwisko jego właścicielki Samoilovej.
Wygląda na to, że sposób powstania obrazu „Alyonushka” był od dawna znany wszystkim. Uważa się, że Wasniecow, pod postacią smutnej bohaterki rosyjskich eposów, przedstawił dziewczynę, z którą los go spotkał we wsi Achtyrka. Mówiąc o tym płótnie, wielu cytuje samego Wasnetsowa, gdzie przyznaje, że obraz Alyonushki od dawna osiadł w jego głowie, ale ostateczna wersja portretu powstała, gdy spotkał prostą dziewczynę we wsi Achtyrka. Ale czy tak jest? W jednej z notatek artysty można przeczytać prawdziwa historia malować obraz. Vasnetsov przyznaje, że chociaż miał już szkic obrazu namalowanego przez tę prostą dziewczynę, nie jest to rzecz naturalnogatunkowa. Artystkę zainspirowały oczy Veruszy Mamontowej. Przyznał, że oczy tej konkretnej dziewczyny wydają mu się wszędzie i zadomowiły się w jego duszy. Kim jest Verusha Mamontova? Oczywiście jej wizerunek jest znany miłośnikom sztuki, ponieważ to ona jest namalowana na obrazie Serova „Dziewczyna z brzoskwiniami”. Teraz, znając rewelacje artysty, w Alyonushce bez trudu można odnaleźć rysy twarzy Veruszy Mamontowej.
Czasami obrazy znanych artystów zaskakują skąd wzięła się taka fabuła, czasami źródła inspiracji są nieoczekiwane. Można to powiedzieć o historii pisania płótna ” Nierówne małżeństwo”. Pewien arystokrata z Moskwy postanowił spisać swoje wspomnienia, w których opowiedział o wszystkich swoich krewnych, w tym o swoim wujku Siergieju Warentsowie. W 1862 roku ten wujek, jako młody człowiek, nagle zakochał się w pięknej córce kupca Rybnikowa, Sofii. I zakochał się tak bardzo, że nawet się ożenił, ale odmówiono mu. Rozsądny ojciec dziewczynki nie chciał wydać córki za mąż młodemu i niepoważnemu rozpustnikowi, ale wolał podać rękę starszemu, a nie biednemu kupcowi Korzinkinowi (ciekawe, że „stary” pan młody miał wtedy 38 lat stary). Złym zbiegiem okoliczności młody Warentsow musiał zagrać rolę drużby na tym weselu. Artysta Wasilij Pukirev był tak przesiąknięty tą historią i udręką kochające serce kto stworzył ten obraz. Dzięki temu obrazowi Wasilij Pukiriew otrzymał tytuł profesora, a także dobre pieniądze: płótno zostało natychmiast kupione przez kolekcjonera sztuki Borisowskiego, a Tretiakow kupił je od niego. To prawda, Pukirev musiał trochę przerobić płótno, ponieważ Warentsow rozpoznał siebie w drużbie na tym zdjęciu. Artysta tak dokładnie przedstawił Warentsowa w swojej pracy, że dzięki popularności obrazu cała Moskwa zaczęła dyskutować o jego nieszczęśliwej miłości. W rezultacie Pukirev musiał przepisać twarz drużby, a teraz, patrząc na zdjęcie, publiczność widzi w tle obraz twarzy samego Pukirewa.
Obraz „Portret M. I. Lopukhiny” Władimira Borowikowskiego
Ten obraz powstał w 1797 roku i jest romantycznym wizerunkiem kobiety. Od ponad wieku zachwyca publiczność, a koneserzy malarstwa uważają ją za odę do sentymentalizmu. Obrazom znanych artystów często towarzyszą mistyczne historie. Taka bajka kojarzy się z tym obrazem. Obraz 18-letniej urody to pierwszy obraz w historii Rosji, pokryty mistycyzmem. Dziewczyna przedstawiona na portrecie była córką hrabiego Iwana Tołstoja. W roku namalowania portretu wyszła za mąż za Stepana Lopukhina, który służył w administracji Pawła I. Zaraz po ślubie jej mąż zamówił Portret Borowikowskiego jego ukochana żona. Małżeństwo nie trwało długo, ponieważ 3 lata po ślubie młoda księżniczka zmarła na chorobę - konsumpcję. Niepocieszony ojciec kupił od zięcia obraz z portretem córki i powiesił go w swoim domu. Trzeba powiedzieć, że hrabia Tołstoj był mistrzem loży masońskiej i lubił mistycyzm. Krążyły pogłoski, że hrabia za pomocą magii był w stanie przywołać ducha swojej zmarłej córki i tchnąć go w obraz Borowikowskiego. Jest bajka - każda dziewczyna, która spojrzy na portret, na pewno umrze. Przytoczyli nawet „bardzo wiarygodne fakty”, że portret zabił co najmniej kilkanaście młodych dziewcząt. Na szczęście dla potomności Tretiakow nie wierzył w mistycyzm, a wiek później kupił obraz, który teraz miliony widzów mogą zobaczyć w galerii nazwanej jego imieniem.
Obrazy znanych artystów wyróżniają się tym, że w swoich pracach śpiewają kobiecy ideał. Nawet przedstawiając Madonnę, artyści wszystkich czasów bez odrobiny sumienia malowali portrety swoich ukochanych, z których wielu było kobietami niezbyt szlachetnego pochodzenia. Na przykład badacze twórczości Rafaela twierdzą, że artysta spotkał na jednej z ulic Rzymu córkę biednego piekarza Fornarinę. Artysta się w niej zakochał. Rafał, który był już wtedy dobrze znany i zajmował wysoki szczebel drabiny społecznej, odkupił dziewczynę od ojca i wynajął jej luksusowy dom. Artysta naprawdę uważał ją za ideał piękna i żył z nią aż do śmierci przez 12 lat. Ale mówią, że sama piękność nie wyróżniała się lojalnością wobec swojego dobroczyńcy i zdradzała go zarówno ze studentami artysty, jak i tymi, którzy zamawiali obrazy. Po śmierci Rafaela, ze względu na reputację tej kobiety, Papież nawet nie chciał go śpiewać, bo Fornarina stała obok. Mimo to to właśnie twarz Fornariny widzimy na zdjęciu” Madonna Sykstyńska”. Raphael dał jej także twarz wielu innych malowanych przez niego Madonn.
KOBIECY WIZERUNEK W ROSYJSKIM MALARSTWIE... I tajemnica twoich wdzięków Rozwiązanie życia jest równoważne... B. Pasternak Od stulecia kobiety niezmiennie inspirowały do tworzenia poetów, muzyków, artystów największe dzieła sztuka. Czarujące inspiratory różnią się wiekiem i charakterem, ale jest coś, co je łączy – w każdej z tych kobiet tkwi tajemnica. Tajemnica ich piękna, kobiecości, uroku. „Kocham kobiety jako najwyższą tajemnicę” – Konstantin Balmont. W malarstwie rosyjskim cała linia genialne dzieła, w centrum których znajduje się kobieta ze swoim złożonym światem duchowym. W XVIII wieku portret odgrywał wiodącą rolę w malarstwie rosyjskim. To właśnie w tym gatunku rosyjscy artyści osiągnęli poziom Malarstwo europejskie. Jednym z nich był Fiodor Siemionowicz Rokotow (ok. 1732-1806). Twórczość Rokotowa należy do najwybitniejszych zjawisk XVIII wieku; w swoich portretach udało mu się ujawnić wewnętrzny świat przekazać najsubtelniejsze uczucia osoby. Artysta pochodził z poddanych, ale uzyskał wolność. W latach pięćdziesiątych sława Rokotowa była tak wielka, że został zaproszony do namalowania portretu następcy tronu, wielkiego księcia Piotra Fiodorowicza, a w latach sześćdziesiątych XVII wieku namalował dwa portrety cesarzowej Katarzyny II. Każdy portret Rokotowa to przede wszystkim uczucie ucieleśnione w elastycznym i bogatym języku malarstwa. Ich opisy nie są w stanie oddać ślizgania się światła po gładkiej powierzchni emalii, piękna i ruchu koloru, albo mieniącego się w głębi, albo przebijającego się stłumionym żarem, subtelnych przejść od półtonów do półtonów, ogarniających zmierzch tła, z którego, jakby w napływie, wyłaniają się twarze jego bohaterów. Portrety kobiet Rokotowa są szczególnie uduchowione. Wizerunek młodego A.P. jest urzekający. Struisky (1772)
Malarstwo miłosne, poeci Tylko ona, jedyna, otrzymuje Duszę znaku zmiennego Przeniesionego na płótno. Jej oczy są jak dwie mgły, Pół uśmiech, pół płacz, Jej oczy są jak dwa oszustwa, Pokryte mgłą niepowodzeń. Aleksandra Pietrowna Struyskaya zainspirowała nie tylko poetów swoich czasów. Dwa wieki po jej śmierci Nikołaj Zabołocki, wpatrując się w portret słynnego Rokotowa, napisał: ... Czy pamiętasz, jak „z ciemności przeszłości, Ledwo owinięty atłasem, Z noptrety Rokotowa Struyskiej znów na nas spojrzał? Jakby została powołana na wieczną muzę poety. W XVIII wieku zachwyciła tajemniczy wygląd jeszcze jeden z nich - jej mąż. Struisky tak opisał swoją ukochaną w jednym z wielu wierszy jej poświęconych: Gdyby ktoś tu był wart twoich pięknych oczu, Dawno temu zbudowałby tę świątynię w twoim sercu, I w ofierze zaniósłby siebie dla ciebie i swojej serce. Jesteś godna siebie, Saphiro!... i nieba. Aby uczcić Twoje piękności, jak śmiertelnik, jestem niemy, Czy zagubiłem się w tobie?... Płonę razem z tobą. („Elegy to Sapphira”) Jedna z książek Struisky'ego, „Erotoidy. Ody anakreontyczne. Wszystkie zawarte w nim „ody” pełne są wyznań miłości do tego, którego w wersecie nazwano Safirą, aw życiu – Aleksandry, jej ukochanej żony. ************************************************** ***** ** Innym ważnym rosyjskim portrecistą drugiej połowy XVIII wieku był Dmitrij Grigoriewicz Lewicki (1735-1822), artysta może nie tak wyrafinowany jak Rokotow, ale bardziej wszechstronny. Cała epoka zawiera twórczość „uwolnionego portrecisty” D.G. Lewickiego. Stworzył galerię portretów, niezwykłych w swojej penetracji, świeżości i zwiewności. Wystarczy przypomnieć jego malarski zestaw siedmiu portretów „Smolanka” (1772-1776), dedykowany absolwentom Instytutu Smolnego. Otrzymał zamówienie na portrety od I.I. Betsky, asystent i doradca cesarzowej Katarzyny II. W celach edukacyjnych artystka musiała przedstawić oświeconemu społeczeństwu efekty pedagogicznych wysiłków cesarzowej – wychowanków internatu w Smolnym, szczególnie przez nią patronowanego. Pensjonat, zorganizowany w 1764 roku, pomyślany był jako zamknięty instytucja edukacyjna w którym dziewczęta zdobyły wykształcenie i umiejętności społeczne. Lewicki namalował te smoleńskie kobiety, szczególnie wyróżnione przez cesarzową. Wśród nich wyróżnia się portret Ekateriny Nelidowej
W portrecie Nelidovej oddawana jest jedność początku gry i stanu ducha: prawdziwa radość i szczera pasja. Przejrzyste oczy, łagodny, nieco prowokujący uśmiech, noga w perłowym pantofelku lekko i z gracją wysunięta do przodu – dlaczego nie Kopciuszek, który pierwszy znalazł się na balu, wszystko w oczekiwaniu na cud i szczęście? Wygląda na to, że jeszcze chwila - i pojawi się przystojny książę, zabrzmi ospały klawesyn, a ona, nie przestając się uśmiechać, rozpocznie menueta ... Według współczesnych nie była gorsza od zawodowych aktorek. Nelidova nie była pięknością, ale na scenie przemieniła się, stając się niezwykle urocza. Można o niej powiedzieć słowami Fiodora Tiutczewa: Czy jest w niej ziemski urok Czy nieziemski wdzięk? Dusza chciałaby się do niej modlić, A serce jest chętne do adoracji... ******************************* ********* ******* Chwała rosyjskiej szkoły malarstwa została pomnożona przez utalentowanego malarza koniec XVIII- początek XIX wieku Vladimir Lukich Borovikovsky (1757-1825). Wśród rosyjskich portrecistów wszedł do już ugruntowanego artysty, któremu udało się zdobyć sławę jako malarz ikon na rodzimej Ukrainie. V.L. Borowikowski najlepszy obrazy liryczne powstały pod wpływem nowego kierunku, jaki wszedł wówczas w sztukę i literaturę - sentymentalizmu. Artysta szczególnie skutecznie oddawał cichą zadumę, subtelne uczucia i modną wówczas wrażliwość w cudownych kobiecych portretach. Borovikovsky tworzy swój własny typ kobiecego portretu. Artysta nie dąży do różnorodności techniki kompozytorskie: z reguły są to półpostaci kobiet opierających się o postument, przedstawione na tle parkowego krajobrazu. Urozmaicając to rozwiązanie z pewnymi odchyleniami, artysta skupia się na twarzach swoich modelek i tworzy duchowe i poetyckie obrazy. Oto portrety E.A. Naryszkina, OK. Filippova, siostry Gagarin...
Portret E.A. Naryszkina.
Portret OK. Filippowa.
Portret sióstr Gagarin. . Ale nawet wśród tych pięknych płócien portret urzekającej, tajemniczej i sennie smutnej Marii Iwanowny Lopukhina (1797) wyróżnia się szczególnym liryzmem i pięknem malarstwa.
W tym portrecie artysta uosabiał ideę swoich czasów o kobiecym uroku. Uroki są prawie nieziemskie i, jak się okazało, krótkotrwałe (Lopukhina zmarła w wieku dwudziestu dwóch lat). Ale choć nic nie przyćmiewa jej pięknych rysów - to naprawdę harmonijna osoba w kwiecie piękna. Rozwiązanie kolorystyczne płótna dyktowane przez projekt. Niebieskie, liliowe, perłowe białe, złote odcienie - nie ma ani jednego ostrego akcentu. Jakby sugerując niewidzialne nici łączące człowieka i naturę, Borovikovsky ucieka się do apelu kolorów w przenoszeniu ubrań i krajobrazu: niebieski pasek - niebieskie chabry, liliowy szal - liliowa róża. Artysta unika kanciastych form, preferując gładkie, zaokrąglone linie. Rytmy są spokojne – kontury postaci powtarzają krzywe koron drzew, kłosów, chabrów; róża jest przechylona w taki sam sposób, jak głowa dziewczyny. Malowniczy krajobraz w pełni odpowiada nastrojowi rozmarzonej Lopukhiny. Jakow Polonski napisał przesiąknięty ciepłem wiersz „Do portretu Łopuchiny”: Dawno minęła, a tych oczu już nie ma I nie ma uśmiechu, który w milczeniu wyrażał Cierpienie – cień miłości, a myśli – cień smutku ... Ale Borovikovsky uratował jej piękno. Więc część jej duszy nie odleciała od nas; A ten wygląd i to piękno ciała przyciągnie do siebie obojętne potomstwo. Ucząc go kochać - cierpieć - przebaczać - milczeć... ********************************* ***** ******** Historię portretu kobiecego kontynuują XIX-wieczne artystki. Jednym z pierwszych jest oczywiście Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852), który w swojej twórczości genialnie łączy klasyczne kanony z romantycznymi trendami. Bryulłowa nazywano Karolem Wielkim, kochali go Puszkin, Gogol, Belinsky, Hercen. Mężczyzna na obrazach Bryulłowa jest dumny i piękny. „Bryulłow ma człowieka w porządku”, pisał Gogol, „aby pokazać całe swoje piękno, całą najwyższą łaskę swojej natury”. Mamy właśnie taki portret. „Jeździec” (1832)
„Zhovanin na koniu”, sam Bryullov nazwał obraz. Jovanin to Giovannina Paccini, pasierbica Hrabina Julia Pawłowna Samojłowa. Dziewczyna w różowej sukience, która wybiegła na taras i spojrzała z podziwem na jeźdźca, to Amazilia Pacchini, druga adoptowana córka Samoilovej. Bryullov postawił sobie za zadanie namalowanie dużego portretu konnego z motywem spaceru, który pozwala mu przekazać postać w ruchu. Giovanina ma dopiero czternaście lat, ale ma niewzruszoną twarz, jak prawdziwa dama świata. Jest pełna niewypowiedzianego uroku i wdzięku. Przekazując urokliwe rysy młodego jeźdźca, namacalne piękno zwierząt, krajobrazu, tkanin, artystka śpiewa o pełni i radości życia. Stający koń, pędząca w stronę jeźdźca dziewczyna, blask słońca na zacienionych ścieżkach parku – wszystko to wnosi na obraz pośpiech, wzburzony ruch, który odróżnia tę kompozycję od statycznych, celowo konstruowanych ceremonialnych portretów poprzednich czas. Wizerunek uroczej Giovanniny Pacchini idealnie pasuje do kobiecego wizerunku śpiewanego przez A.S. Puszkin w wierszu „Piękno”: Wszystko w niej jest harmonią, wszystko jest cudowne, Wszystko jest wyższe niż pokój i namiętności; spoczywa nieśmiało w swoim uroczystym pięknie; Rozgląda się wokół siebie: nie ma rywalek, dziewczyn; Piękno naszego bladego kręgu W jej blasku znika. Gdziekolwiek się spieszysz, Nawet na randkę miłosną, Nieważne jaki sekretny sen masz w sercu, Ale poznawszy ją, zawstydzona, nagle zatrzymujesz się mimowolnie, Czcząc się pobożnie Przed świątynią piękna. ************************************************** ****** Galeria portretów kobiecych rosyjskich artystek kontynuuje malarstwo największego malarza drugiego połowa XIX wieku, przywódca Wędrowców Iwan Nikołajewicz Kramskoy (1837-1887), który na pierwszy rzut oka nie pasuje do idei dzieła demokratycznego artysty. Serce i myśl - to właśnie Kramskoy najbardziej docenił na zdjęciu. Na wystawy objazdowe najczęściej występował jako autor portretów męskich, bardzo skąpych kolorystycznie i surowych w kompozycji. I nagle - „Nieznany” (1883)
Młoda, piękna kobieta, ubrana z całym luksusem mody, jedzie powozem przez zimowy Petersburg. Most Anichkov pozostaje na boku, pokryty śniegiem. Perspektywa Newskiego Prospektu rozpływa się w mroźnej mgle. Na tle jasnego nieba wyraźnie widać dumnie odrzuconą do tyłu głowę pięknej świadomej swojego wdzięku kobiety. Nieznajomy spokojnie, chłodno patrzy na innych. W spojrzeniu z pewną arogancją, podkreśloną dumną postawą. Kim ona jest, „Nieznany” Kramskoy? pani z towarzystwa? Aktorka? Od kogo artysta namalował tę kobietę? Może obraz piękna narodził się po prostu w wyobraźni malarza? Nawet Repin, bliski znajomy Kramskoya, nic nie wiedział o jego prototypie, chociaż należy zauważyć, że Repin nazwał to dzieło portretem, a nie obrazem. Arogancja, piękno i tajemniczy smutek „Nieznanego” dla niektórych kojarzą się z wizerunkiem Anny Kareniny, stworzonym przez L.N. Tołstoj. Trudno powiedzieć, kogo Kramskoy przedstawił na swoim płótnie. Jedno jest pewne – artysta wyraźnie podziwiał swoją bohaterkę. Nigdy wcześniej Kramskoy nie namalował tak wielobarwnego, promiennego portretu, nigdy nie malował z taką miłością opalizującego połysku aksamitu, miękkiego włosa futra, satynowej powierzchni wstążek i blasku złotych bransolet. I z przyjemnością patrzymy na dumne piękno, podziwiając malarskie umiejętności Kramskoya. Białe strusie pióro i jasny jedwab, którym podszyta jest aksamitna czapka, nadają świeżości smagła twarz. Niebieski aksamitny garnitur, obszyty futrem i wstążkami, dobrze komponuje się ze złotą skórą, która owija siedzenie powozu. Miękkie, gładkie linie sylwetki są pełne wdzięku i wdzięku. I tylko w ogromnych, na wpół przymkniętych z długimi, puszystymi rzęsami czaił się smutek. Te oczy błyszczą jak gwiazdy, aw ich blasku widać blask niewylanych łez. Kto wie, być może, za zewnętrznym blaskiem piękna i luksusu kryje się tragedia duszy, zrujnowana przez wyższe społeczeństwo, a obraz „Nieznanego” Kramskoya odzwierciedla kobiecy wizerunek stworzony przez M.Yu. Lermontow w wierszu „Jak promień świtu, jak róże Lelyi ...”: Dumny z ludźmi, uległy losowi, Nie szczery, nie udawany, Celowo, wydawało się, Została stworzona dla szczęścia. Ale czego światło nie niszczy? Jaki szlachetny zburzy, jaka dusza nie będzie ścisnięta, której duma nie wzrośnie? A czyich oczu nie zwiedzie jego elegancka maska? ************************************************** ** Okres końca XIX - początek XX wieku, zwany w sztuce rosyjskiej Srebrnym Wiekiem, stawia nowe zadania, nowe kierunki i odpowiednio nowe nazwy w malarstwie. Jedną z centralnych postaci sztuki przełomu wieków był Walentin Aleksandrowicz Sierow (1865-1911), wybitny artysta, autor ponad dwustu portretów.
Dziewczyna z brzoskwiniami (Portret V.S. Mamontovej). 1887
„Dziewczyna oświetlona przez słońce (portret M.Ya. Simonovicha)”, 1888. O obrazach Sierowa „Dziewczyna z brzoskwiniami” (1887) i „Dziewczyna oświetlona przez słońce” (1888), rosyjski krytyk sztuki D.V. Sarabianow pisał, że ich impresjonistyczna świetlistość i dynamika swobodnego pociągnięcia oznaczały zwrot od krytycznego realizmu Wędrowców do „realizmu poetyckiego”. Sierow namalował pierwszy z tych obrazów w wieku dwudziestu dwóch lat, drugi w wieku dwudziestu trzech lat. W stanie zachwytu i ekstazy, czując w sobie młodą siłę i entuzjazm, Sierow pisze jedno ze swoich arcydzieł - „Dziewczyna oświecona przez słońce”. Dziewczyna na zdjęciu to Masha Simonovich, kuzynka artysty. Sierow stara się przekazać urok ulotnej i chwilowej, jednej chwili życia, wypełnionej błyszczącymi kolorami życia. Dziewczyna siedzi przy pniu starego drzewa, na jej cienkiej, delikatnej skórze, promienie słońca bawią się rozkosznie i magicznie, a cała jej młoda, smukła sylwetka zostaje niezwykle przemieniona przez kołyszącą się masę cienia w światło. Spokojny wygląd jej promiennych niebieskich oczu, delikatny rumieniec ładnej, miłej twarzy, przytulna postawa odpoczywającej osoby - wszystko to niejako inspiruje widza poczuciem spokoju, daje poczucie harmonii, piękna każdej chwili życia. TJ. Grabar, artysta, krytyk sztuki, konserwator, po śmierci Sierowa pisał o „Dziewczynce oświetlonej słońcem”: „To jest tak doskonałe, tak świeże, nowe i „dzisiaj”, że trudno uwierzyć w jego datę - 1888 .. Ta rzecz została stworzona w momencie niezwykłego przypływu, w najrzadszej i najbardziej autentycznej ekstazie twórczej ... ” Obraz Sierowa jest zgodny z liniami rosyjskiego poety-symbolisty Konstantina Balmonta z wiersza „Perły”: Jesteś jasną radością o powietrznym śnie, Rozkosz, ale zachwyt nie jest w miłości. Jesteś dla mnie na chwilę jak z bajki, podana, Och, jaka jesteś spokojna, jaka szczupła i czuła. Chwila, a teraz fala ucieka, a ja odchodzę oświecony. ************************************************* Twarz Nowa sztuka przełomu XIX i XX wieku była w dużej mierze zdeterminowana przez artystów stowarzyszenia „Świat Sztuki”, którzy skłaniali się ku nowoczesności. Jeden z najbardziej wyrafinowani artyści„Świat sztuki” to Konstantin Andriejewicz Somow (1869-1939). Praca programowa Somowa to portret wcześnie zmarłej artystki Elizavety Michajłownej Martynovej, znanej jako „Lady in Blue”, stworzony w latach 1897-1900.
Ubrana w starą sukienkę z koronkowym kołnierzykiem i głębokim dekoltem, jest ucieleśnieniem smutku, zmęczenia, melancholii, rozczarowania, niemożności walki w życiu. Portret Somowskiego odzwierciedla kobiecy ideał swoich czasów z jego poetyzacją cierpienia i bólu, szczególnym wyrafinowaniem i złożonością, wyrafinowaną kruchością. Patrząc na Damę w błękicie przypomina się wiersz poematu współczesnego Somowowi, poety Fiodora Sologuba: „Mrugałeś smutno Między bystrymi dziewczynami I sam nie znalazłeś się w ich urzekającym kręgu”. Niewidzialna dla ludzi Otworzyłaś się tylko dla mnie I spotkamy się W błękitnej ciszy I zakochana w ciszy nocy Wlepię w Ciebie moje bezsenne oczy Powiesz mi bez słów Jak i jak Żyjesz, I zwiążesz moją udrękę, I spalisz moje smutki. ************************************************* Jeśli a Sologub i Balmont byli przedstawicielami symboliki w poezji Srebrnego Wieku, ówczesnym jej założycielem kierunek artystyczny w malarstwie rosyjskim słusznie można nazwać Michaiła Aleksandrowicza Wrublem (1856-1910). Skłaniając się ku symboliczno-filozoficznemu uogólnieniu obrazów, wypracował swój własny, szczególny język obrazkowy - szerokie pociągnięcie pędzla formy „kryształowej”, koloru rozumianego jako barwny śnieg i barw mieniących się jak klejnoty. Vrubela przyciągnęły poetyckie obrazy Puszkina i Lermontowa.
Obraz „Księżniczka łabędzia” jest jednym z najbardziej poetyckich kobiece obrazy u Vrubela. Uosabia marzenie kobiet o szczęściu. W liliowym zmierzchu północnych wiosennych nocy sprawowany jest wielki sakrament. Podbita miłością carewicza Gwidona i sama znająca wzajemne gorące uczucie, bezsilna wobec nieuchronnego losu, Księżniczka Łabędzia opuszcza swoją kołyskę - z podstępnymi i ukochanymi falami zimnego morza; musi przybrać postać osoby ziemskiej, stać się kobietą. Gęste, błyszczące upierzenie łabędzia zaczyna już topnieć, zamieniając się w lekką puszystą chmurę, która potem niczym dziewczęce łzy rozleje się nad nieśmiałymi wiosennymi, lazurowymi kwiatami. I to jest dla niej trudne i boli, a ta przemiana jest radosna. W jej pięknych nieziemskich oczach strach, tęsknota, miłość i wyrzuty do carewicza żyją i migoczą za odmowę autokracji łabędzi, za posłuszeństwo jego woli ... Jak W.M. Vasnetsov o tym zdjęciu, obraz został stworzony przez „rzadkie piękno, naprawdę bajeczne kolory”. Spójrz na grę kolorów niebieskawo-perłowych, niebieskawo-białych, liliowo-liliowo-szarych. Łabędź niejako powstaje z elementów morza szarego o zachodzie słońca, z fala morska. Różowawe światło zachodu słońca sunie po powierzchni śnieżnobiałych skrzydeł, nad lekką, przezroczystą kołdrą i migoczącą kamienie szlachetne na kokoshniku i pierścieniach księżniczki. Subtelne teksty, ekscytująca tajemnica, baśniowa fantazja i prawdziwa rzeczywistość łączą się w obrazie. Księżniczka Łabędzia stała się rodzajem symbolu nowego niespokojnego stulecia - w końcu Vrubel skończył swoje płótno w 1900 roku. Wybitny rosyjski teozof i poeta V.S. Sołowjow, który jest uważany za prekursora symboliki w poezji Srebrnego Wieku, jest wiersz odpowiadający nastrojowi malarstwa Vrubela: Dziś cała na lazuru pojawiła się przede mną moja królowa, - Serce biło mi słodką rozkoszą, I w promieniach wschodzącego dnia Spokojnym światłem dusza rozjaśniła się. A w oddali, płonąc, dymił Zły płomień ziemskiego ognia. Płótno przedstawia nie tylko bajeczne piękno, ale również prawdziwy mężczyzna- wspaniale Śpiewak operowy Nadieżda Iwanowna Zabela, że to ta kobieta miała odegrać ogromną rolę w życiu M. Vrubela. Głos i śpiew Zabeli były w stanie uchwycić pędzel Vrubela na tym słynnym obrazie. Wśród światów Wśród światów, w migotaniu świateł Jednej Gwiazdy, powtarzam imię... Nie dlatego, że Ją kocham, ale dlatego, że cierpię z innymi. A jeśli zwątpienie jest dla mnie trudne, szukam odpowiedzi tylko od Niej, Nie dlatego, że jest to od Niej światła, Ale dlatego, że nie potrzebuję światła z Nią. /Innokenty Annensky/ - wspaniały poeta, którego poezja jest tak zgrana z twórczością poety. ************************************************** ***** *** Borysow-Musatow Wiktor Elpidiforowicz (1870-1905) - malarz, członek Związku Artystów Rosyjskich (od 1904) wpłynął na kształtowanie się symboliki w malarstwie rosyjskim na początku XX wieku. Z odbić upiornie niepewnych, Całun tajemniczych snów Ukazuje się, jak głos skrzypiec, Obraz damy o liliowych tonach.
„Pani na werandzie” Na werandzie siedzi pełna wdzięku młoda kobieta. Sukienka dopasowuje się do smukłej sylwetki. Fantazyjne szare cienie na sukience, szaro-przydymione odbicie padające na smutną twarz i nagie ramiona - wszystko to podkreśla iluzoryczną, nierzeczywistość obrazu. Fioletowa balustrada werandy. Nawet krzak kwiatów za kobietą o niebieskoszarych liściach i róża w dłoni leżącej na kolanach nie jest szkarłatny, nie biały, ale różowoszary. Za balustradą rozciąga się skąpany w słońcu ogród. Ale w kobiecej postaci jest całkowite wyobcowanie od wszystkiego, co jasne i radosne: jakby wróżka smutku i samotności pojawiła się przed nami ... kurz jest taki biały, - Nie są potrzebne żadne słowa ani uśmiechy: Pozostań taki sam jak ty byłeś; Pozostań niejasny, ponury, blady jesienny poranek Pod tą opadającą wierzbą, Na siateczkowym tle cieni... Chwila - i wiatr pędzi wkoło, Rozrzuca prześcieradła we wzory, Chwila - i serce budzi się, Widzi to to nie ty... Zostań bez słów, bez uśmiechu Zostań jak duch, podczas gdy Wzorzyste cienie są takie niepewne A biały pył jest tak wrażliwy... **************** ********** ***************** Tradycja tworzenia kobiecych obrazów, które są ideałem piękna zewnętrznego i wewnętrznego, nie jest przerywana w sztuce rosyjskiej okresu sowieckiego. Ten artysta był nietypowy dla Sztuka radziecka, a zatem za jego życia jego talent pozostał nieodebrany. Jak to często bywa, niestety wielcy artyści sława przyszła do niego pośmiertnie. Konstantin Aleksiejewicz Wasiliew (1942-1976) zmarł tragicznie w kwiecie wieku talent twórczy kiedy miał zaledwie 34 lata i kiedy droga do sukcesu wydawała się otwierać przed nim. Spuścizna artysty jest imponująca - 400 obrazów, grafik i szkiców, w których śpiewa o swojej wyjątkowej Rosji. Jego obrazy odtwarzają świat mity słowiańskie, tradycje, legendy, świat harmonii człowieka z naturą. Jeden z najbardziej uroczych kobiecych obrazów stworzył Wasiljew w obrazie „Oczekiwanie”, napisanym na krótko przed jego śmiercią - w 1976 roku.
Drewniana rama okna, przy której stoi dziewczyna z płonącą świeczką w ręku, sprawia wrażenie „obrazu w obrazie”. Mroźny wzór na szybie okiennej, która oprawia twarz i klatkę piersiową dziewczynki, przypomina ona tajemniczego ptaka Sirin z ciemną koroną na głowie i śnieżnobiałym skrzydłem. Połączenie odcieni bieli i brązu na zdjęciu wywołuje uczucie niepokoju, niejasnego niepokoju. Światło płonącej świecy dodatkowo podkreśla niewypowiedzianą tęsknotę w szarych oczach dziewczyny. Na kogo ona czeka? Twoja ukochana? Może sama Los zapuka do jej drzwi w ten mroźny zimowy wieczór? I widocznie jej serce czuje: ten Los nie przyniesie jej szczęścia... Wołam Chaconne Bach, A za nią wejdzie mężczyzna, Nie stanie się moim drogim mężem. Ale zasłużymy na coś takiego, że dwudziesty wiek będzie zawstydzony. Wziąłem go przypadkiem Dla tego, który jest obdarzony tajemnicą, Z którym najgorszy jest przeznaczony, Przyjdzie do mnie pod Pałacem Fontann Późną nocą w mglisty Sylwester napić się wina. I będzie wspominał wieczór Trzech Króli, Klon w oknie, weselne świece I wiersze o ucieczce śmierci... Ale nie pierwszą gałązkę bzu, Nie pierścionek, nie słodycz modlitwy - On mi przyniesie śmierć. Temat obrazów kobiecych w malarstwie jest niewyczerpany. Szczególny urok i spontaniczność wyróżnia kobiety w młodości, urodę i wdzięk - w dojrzałości, duchowość - na starość...
Moda pod względem swojej zmienności przegrywa tylko z pogodą, choć jest to kwestia sporna. Co więcej, moda zmienia się nie tylko na ubrania, fasony czy dodatki, ale także na kobiece piękno. Uznaną urodę jednej epoki, za pół wieku można uznać za brzydką dziewczynę (ale wszyscy o tym wiemy) nie piękne kobiety nie może być). Przez cały czas artyści byli bardzo wrażliwi na kaprysy mody, ponieważ zawsze starali się przedstawiać najpiękniejsze kobiety swojej epoki.
Starożytna Grecja i Rzym
Niestety, kobiece ideały starożytności trzeba oceniać przez freski i rzeźby, pełnoprawne obrazy nie zachowane. W Starożytna Grecja standard kobiece piękno uważany za boginię Afrodytę, zaokrągloną damę o długich, gęstych rudych włosach. Tak została przedstawiona na obrazie Sandro Botticellego „Narodziny Wenus”, choć powstałym już w 1485 roku. W Starożytny Rzym najbardziej cenione piękno kobieca twarz, a na drugim miejscu znalazł się przepych form. Takim okiem powstał na przykład obraz „Proserpina” (1874) Dantego Rossettiego.
Średniowiecze
W średniowieczu po intonowanie kobiecej urody można było iść na stos, więc nie było śladów artystycznych. Pokazywanie kobiecej sylwetki było surowo zabronione. Odzież miała całkowicie zakrywać ciało, a włosy chowano pod nakryciem głowy. Wzorem kobiecego piękna były święte kobiety, które oddały się służbie Bogu.
renesans
Renesans jest tak nazwany ze względu na odrodzenie zainteresowania ideałami starożytności, w tym kwestiami kobiecej urody. Szerokie biodra, opuchlizna, wydłużona twarz, zdrowy rumieniec - tak powinno wyglądać pierwsze piękno XV-XVI wieku. Tak właśnie przedstawiane są kobiety na obrazach Sandro Botticellego, Raphaela Santiego i Michała Anioła. Ideał renesansowego piękna można nazwać włoską Simonettą Vespucci, która jest przedstawiona na kilku obrazach Botticellego „Wiosna” (1478), „Narodziny Wenus” (1485), „Portret młodej kobiety” (1485). W okresie renesansu modne było wysokie czoło, a aby osiągnąć ten efekt, fashionistki goliły brwi i linię włosów. Jest to wyraźnie widoczne w sławny obraz„Mona Lisa” Leonarda Da Vinci.
Epoka baroku
Pod koniec XVI i na początku XVII wieku ideałem kobiecego piękna były białoskóre kobiety (oparzenia słoneczne uważano za los chłopskich kobiet) z małymi piersiami, malutkimi nogami, bladą twarzą, ale o wspaniałych biodrach. Ponadto każdy arystokrata musiał mieć wysoką, złożoną fryzurę. Te trendy w modzie wyraźnie widoczne w portrecie kochanki Ludwika XIV Madame de Montespan (1670) autorstwa Pierre'a Mignarda. Do tego okresu należy słynne dzieło Jana Vermeera „Kobieta z perłą” (1665).
Epoka rokoko
Jeśli na zdjęciu kobieta bardziej przypomina porcelanową lalkę, otoczoną wachlarzami, parasolami, mufkami i rękawiczkami, to możemy śmiało powiedzieć, że mówimy o epoce rokoko. Na początku XVIII wieku w modzie pojawiła się „lekka anoreksja”: kobiece piękno stało się kruche, z wąskimi biodrami, małymi piersiami, zapadniętymi policzkami. Istnieją dowody na to, że w celu uzyskania efektu „zapadniętych policzków” niektóre panie usuwały zęby boczne, pozostawiając tylko przednie – piękno wymaga poświęcenia. Kanony piękna epoki rokoka są pięknie ilustrowane portretami François Bouchera, takimi jak „Portret markizy de Pompadour” (1756).
Era romantyzmu
Dopiero w drugiej połowie XIX wieku naturalny rumieniec, zdrowa świeżość i krągłość form znów stają się standardami kobiecej urody. I najbardziej atrakcyjna część kobiece ciało stają się zaokrąglone ramiona, które były po prostu niezbędne do wyeksponowania każdej urody. To właśnie te kobiety znajdują się na obrazach Adolphe Bouguereau, takie kobiety przedstawiali pierwsi impresjoniści („Narodziny Wenus” Bouguereau, „Wielcy kąpiący się” Renoira, „Niebiescy tancerze” Degasa).
Początek 20 wieku
„Rosyjska Wenus”, „Kobieta kupca na herbatę”, „Dziewczyna nad Wołgą” Borisa Kustodiewa doskonale ilustrują kanony piękna początku XX wieku. Wszystko, co podziwiał romantyzm w kobiecie, stało się jeszcze wspanialsze i ważniejsze. 20-40 lat XX wieku
połowa XX wieku
Marilyn Monroe staje się ideałem kobiecego piękna połowy ubiegłego wieku. Krótki blond, bez ekscesów w kierunku chudości i opuchlizny. Andy Warhol, twórca pop-artu, chętnie wykorzystywał jej wizerunek w swoich pracach.
Nie warto jeszcze mówić o dalszym rozwoju ideałów kobiecego piękna, zwłaszcza w ich związku z malarstwem. Należy tylko zauważyć, że historia toczy się w kółko, a chudość i choroba znów są w modzie.
