Wśród wczesnych dzieł Leonarda, datowanych na lata 70., kiedy właśnie opuścił warsztat mistrza, znajduje się kilka wizerunków Madonn. Różni autorzy na różne sposoby określają autorstwo Leonarda. Najbardziej wiarygodne przypisanie Leonardowi znajduje się w słynnym Ermitażu „Benois Madonna”, nazwanym na cześć poprzednich właścicieli.
Włochy |Leonardo da Vinci (1452-1519)|"Benois Madonna"|1478|płótno|Państwo. Ermitaż| Petersburg
„Benois Madonna” udowadnia oryginalność myśli artystycznej Leonarda już na wczesnych etapach rozwoju jego twórczości. Jest tu wiele rzeczy zasadniczo nowych dla malarstwa florenckiego - w kompozycji, w odniesieniu do światłocienia i koloru. ... Godne uwagi jest także to, że postacie ukazane są na ciemnym tle. Zamiast pejzażu czy konwencjonalnego motywu architektonicznego nadana jest tu spokojna, zacieniona głębia, której przestrzenność podkreśla wizerunek okna. W jakiś sposób wyczuwamy, że okno jest dość daleko w głębi.
Zacienienie tego pomieszczenia sugeruje najdelikatniej zaprojektowany światłocień. Już w tej pracy Leonardo zarysowuje słynne zasady sfumato, które będą charakterystyczne dla jego metody modelowania formy za pomocą światłocienia. Sfumato po włosku oznacza „niejasne, rozproszone, miękkie”. To światłocień, ale nieaktywny, ten, który stereometrycznie rzeźbi formę, kontrastem ciemności i światła, wyrywa objętość z ciemności i ostro ją oświetla, ale prawie nieopisane gradacje cieni. Co więcej, zauważamy, że dla Leonarda w swoim sfumato cień jest ważniejszy niż światło. W rezultacie rzadko będzie generować olśniewająco oświetlone obszary objętości. Z biegiem czasu, biorąc pod uwagę wszystkie jego przyszłe doświadczenia, to jasne cieniowanie zaatakuje całą sylwetkę, całą kompozycję. To jest zarówno dobre, jak i złe. Z jednej strony dało to jego bystremu, bystremu oku możliwość prześledzenia najsubtelniejszego ruchu powietrza w kompozycji, ruchu i stanu atmosfery we wszystkich częściach przedstawianej przestrzeni. Mówiąc obrazowo, pod każdą fałdą. Z drugiej strony, utrwaliwszy się w malarstwie Leonarda, przechodząc od niego do uczniów, ta praktyka cieniowania światłem wśród mniej bystrych, mniej utalentowanych artystów zamieniła się w pewną ciężkość światła i cienia, w rodzaj cieniowania, ponurość ogólnego tonu. Później Leonardo będzie zarzucany, że uczył malarstwa żałobnego, ponurego, czarnego, że przez wieki opóźniał rozwój koloru, rozwój kolorystyki w kierunku większego rozjaśnienia tonu, rozjaśnienia koloru w ogóle. Przecież Leonardo w swoich notatkach, w tzw. „Traktacie o malarstwie” (który nie jest traktatem, później zebrano go w całość) mówi czasem rzeczy zadziwiająco odważne, także o kolorze. Na przykład analizując odcienie barw, jakie należy odczytać w białej sukni postaci kobiecej oświetlonej słońcem na zielonym trawniku, mówi o cieniach błękitnych, o odruchach ciepłych i zimnych, twierdzi, że dopiero w XIX wieku. impresjoniści uzyskali empirycznie. Jednak w jego własnej praktyce tak nie jest. Jego malarstwo daje zupełnie inne efekty, efekty tej lekko zacienionej przestrzeni, lekko wilgotnego powietrza, przez które widzimy postacie. I choć w „Madonnie Benois” ten światłocień jako system nie nabrał jeszcze kształtu, tutaj można już dostrzec pierwsze oznaki jego obecności. A światłocień dyktuje także subtelność relacji kolorystycznych w szczegółach, w kolorze tkanin, w jego ulubionym żółto-złotym i niewyraźnym fioletowo-niebieskim z jasnozielonym.
Niemal dziecięca kruchość Madonny i duże, ciężkie kształty dobrze odżywionego dziecka wspaniale kontrastują. Jest w tym jakiś szczególny odpowiednik stanu psychicznego bohaterów. Już w bardzo fizycznym przeciwstawieniu matki-dziewczyny i dużego dziecka pojawia się dodatkowe ziarno fabuły.
Leonardo łatwo i naturalnie skupia uwagę Matki Bożej i małego Jezusa na zabawie z kwiatkiem. Motyw ten sam w sobie nie jest niczym nowym – Chrystus bawiący się kwiatem. I Holendrzy w XV wieku. pisano go wielokrotnie, a Włosi – kwiat lub ptak w dłoni, czasem kwiat o znaczeniu symbolicznym. Ale tutaj dziecięca radość Marii jest bardzo świeża; zdaje się, że raduje się ona zarówno zabawą syna, jak i pięknem samego kwiatu. I choć matka jest wesoła, tak dziecko jest poważne. Kiedy swoimi małymi rączkami bada płatki kwiatu, dzieje się w nim ogromna praca wewnętrzna. Jest to również nieco nieoczekiwane porównanie psychologiczne. Rzecz, pomimo pozornej wielkości komory, jest dość złożona, zarówno pod względem plastycznym, przestrzennym, jak i emocjonalnym i psychologicznym.
Historia jednego obrazu.
„Madonna z kwiatem (Benois Madonna)”.
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci „Madonna Benois”, 1478-1480, Państwowe Muzeum Ermitażu, St. Petersburg
Leonardo da Vinci (1452 - 1519)
Małe toskańskie miasteczko Vinci było niegdyś ojczyzną jednego z największych geniuszy ludzkości. W wieku dziesięciu lat Leonardo, syn notariusza i wieśniaczki, przeprowadził się do Florencji – epicentrum życia gospodarczego, przemysłowego i kulturalnego renesansu. Tutaj poznał pierwsze podstawy twórczości artystycznej i już wtedy wykazywał niezwykłą wszechstronność zainteresowań. Leonardo dał się uwieść między innymi nauce, lecz współcześni uważali, że tylko odrywa go to od służenia wysokim ideałom sztuki. Częściowo mieli rację, gdyż nadmierny entuzjazm geniusza we wszystkich sferach życia był pośrednią przyczyną jego skromnego malarskiego dziedzictwa, które liczy dziś nieco ponad dziesięć dzieł. Ale z drugiej strony to badania naukowe przyczyniły się do tego, że każdy z obrazów stworzonych przez Leonarda jest nieocenionym przykładem tego, jak wysoko może wznieść się ludzki duch, dążąc do zrozumienia świata. Jednym z takich dowodów jest obraz „Madonna z kwiatem”.
Większość badaczy datuje ten obraz na rok 1478, co oznacza, że Leonardo da Vinci namalował go mając zaledwie 26 lat. W 1914 roku „Madonna z kwiatem” została zakupiona do zbiorów Cesarskiego Ermitażu z prywatnej kolekcji rodziny Benois. Krótko przed tym kurator galerii sztuki Ermitaż Ernst Karlovich Lipgart zasugerował, że dzieło należy do pędzla wielkiego Leonarda, w czym poparli go czołowi europejscy eksperci. Wiadomo, że już w pierwszej tercji XIX wieku „Madonna z kwiatem” przebywała w Rosji u generała Korsakowa, z którego kolekcji trafiła później do rodziny astrachańskiego kupca Sapożnikowa. Obraz ten odziedziczyła Maria Aleksandrowna Benois z domu Sapożnikowa, a gdy w 1912 r. zdecydowała się go sprzedać, londyński handlarz antykami zaoferował za niego 500 tysięcy franków. Jednak za znacznie skromniejszą sumę właścicielka oddała „Madonnę” Ermitażowi – chciała, aby dzieło Leonarda pozostało w Rosji.
Dość skromna i bezpretensjonalna na pierwszy rzut oka „Madonna z kwiatem” zaskakuje tym, że nie odsłania swojego uroku od razu, ale stopniowo, w miarę zanurzania się w ten szczególny wewnętrzny świat. Matkę Bożą i Dzieciątko Jezus otacza półmrok, ale głębię tej przestrzeni wyraźnie zaznacza jasne okno. Dziewica Maryja to wciąż tylko dziewczyna: pulchne policzki, zadarty nos, dziarski uśmiech – to wszystko cechy nie abstrakcyjnego boskiego ideału, ale bardzo konkretnej ziemskiej dziewczyny, która kiedyś była wzorem dla tego obrazu. Jest ubrana i uczesana na modę XV wieku, a każdy szczegół jej stroju, każdy lok jej włosów jest szczegółowo badany przez artystkę i oddany z renesansowymi szczegółami. Miłość i radość macierzyństwa odbijała się na jej twarzy, skupionej na zabawie z dzieckiem. Podaje mu kwiat, a on próbuje go chwycić, a cała ta scena jest tak żywotna i przekonująca, że czas zapomnieć o nadchodzącej tragedii Chrystusa. Jednak kwiat z kwiatostanem krzyżowym to nie tylko centrum kompozycyjne całego obrazu, ale także znak, symbol, zapowiedź nadchodzącej Męki. I wydaje się, że w tej świadomej i skupionej twarzy dziecka sięgającego po kwiat widać już przyszłego Zbawiciela, który przyjmuje swój przeznaczony krzyż. Ale z drugiej strony w tym geście kryje się także symbol renesansu z jego bezgranicznym pragnieniem zrozumienia świata, odkrywania jego tajemnic, przekraczania jego granic – w ogóle wszystkiego, do czego dążył sam Leonardo.
Harmonia całości Leonarda tworzona jest poprzez syntezę detali: zweryfikowanej matematycznie kompozycji, anatomicznej budowy brył, modelowania brył światłem i cieniem, miękkich konturów i ciepło brzmiących kolorów. Tradycyjna fabuła zostaje tu przemyślena na nowo: wizerunek Madonny jest bardziej ludzki niż kiedykolwiek, a sama scena jest bardziej zwyczajna niż religijna. Postacie są obszerne i niemal namacalne dzięki subtelnej grze światła i cienia. Każda fałda odzieży leży zgodnie z objętością ciała i jest wypełniona ruchem. Leonardo jako jeden z pierwszych we Włoszech zastosował technikę malarstwa olejnego, która pozwala mu dokładniej oddać fakturę tkanin, niuanse światła i cienia oraz materialność przedmiotów. Aby jeszcze wyraźniej wyobrazić sobie, jak daleko sięgały wszystkie te odkrycia w tamtym czasie, wystarczy po prostu porównać Madonnę Leonarda z twórczością jego poprzednika i nauczyciela, malarza Andrei Verrocchio.
Madonna z Dzieciątkiem
Andrei Verrocchio
Około 1473-1475
Drewno, tempera
Madonna Kwiatowa była pierwotnie malowana na drewnie, ale dla lepszej konserwacji w 1824 roku została przeniesiona na płótno.
W 2012 roku obraz skończył 534 lata.
Opis
„Madonna z kwiatem” to jedno z pierwszych dzieł młodego Leonarda. W Galerii Uffizi we Florencji znajduje się rysunek z następującym wpisem:
Jedna z nich uważana jest za „Madonnę Benois”, a druga za „Madonnę Goździka” z Monachium.
Jest prawdopodobne, że oba obrazy były pierwszymi dziełami Leonarda jako niezależnego malarza. Miał wtedy zaledwie 26 lat, a minęło już sześć lat, odkąd opuścił warsztat swojego nauczyciela Andrei Verrocchio. Miał już swój własny styl, ale oczywiście w dużej mierze opierał się na doświadczeniach Florentczyków z XV wieku. Nie ma też wątpliwości, że Leonardo wiedział o obrazie „Madonna z Dzieciątkiem”, wykonanym przez jego nauczyciela w latach 1466–1470. W rezultacie cechą wspólną obu obrazów jest obrót ciał w trzech czwartych oraz podobieństwo wizerunków: młodość obu Madonn i duże głowy Dzieciąt.
Da Vinci umieszcza Madonnę z Dzieciątkiem w słabo oświetlonym pomieszczeniu, gdzie jedynym źródłem światła jest podwójne okno umieszczone z tyłu. Jego zielonkawe światło nie jest w stanie rozproszyć zmierzchu, ale jednocześnie wystarczy, aby podkreślić postać Madonny i młodego Chrystusa. Główną „pracę” wykonuje światło padające z lewego górnego rogu. Dzięki niemu mistrzowi udaje się ożywić obraz grą światłocienia i wyrzeźbić bryłę dwóch postaci.
„Jedno z pierwszych niezależnych dzieł młodego malarza wyróżnia się nowatorstwem interpretacji fabuły, rozwiązanej jako scena życia, w której młoda matka, ubrana w strój współczesnych Leonarda i uczesana na modłę tamtych lat, bawiąc się z synem, wręcza mu kwiat krzyżowy. Tradycyjny symbol ukrzyżowania postrzegany jest jako niewinna zabawka, do której Dzieciątko Jezus niezdarnie wyciąga rękę w dziecinny sposób, wywołując uśmiech młodej Madonny podziwiającej pierwsze próby zawładnięcia światem przez syna”.
Pracując nad Madonną Benois, Leonardo zastosował technikę malarstwa olejnego, której prawie nikt we Florencji nie znał wcześniej. I chociaż kolory nieuchronnie zmieniały się przez pięć stuleci, stając się mniej jasne, nadal wyraźnie widać, że młody Leonardo porzucił różnorodność kolorów tradycyjnych dla Florencji. Zamiast tego szeroko wykorzystuje możliwości farb olejnych, aby dokładniej oddać fakturę materiałów oraz niuanse światła i cienia. Niebieskawo-zielona kolorystyka zastąpiła z obrazu czerwone światło, w jakie zwykle ubrana była Madonna. Jednocześnie rękawy i płaszcz zostały wybrane w kolorze ochry, harmonizującym proporcje odcieni zimnych i ciepłych.
Madonna Leonarda była powszechnie znana artystom tamtych czasów. I nie tylko włoscy mistrzowie wykorzystywali w swoich pracach techniki młodego da Vinci, ale także malarze z Holandii. Uważa się, że pod jego wpływem powstało co najmniej kilkanaście dzieł. Wśród nich znajduje się obraz Lorenza di Crediego „Madonna z Dzieciątkiem i Janem Chrzcicielem” z Drezdeńskiej Galerii Sztuki oraz „Madonna z goździkami” Rafaela. Potem jednak jego ślady zaginęły i przez wieki obraz Leonarda uznawany był za zaginiony.
| „Madonna z goździka” Leonarda da Vinci. 1478. Alte Pinakothek, Monachium | „Madonna z Dzieciątkiem” Andrei Verrocchio. 1466-1470. Berlińska Galeria Sztuki. | „Madonna z Dzieciątkiem i Jan Chrzciciel” Lorenzo di Credi. Drezdeńska Galeria Sztuki | „Madonna z goździkami” Rafaela, około 1506-7. Galeria Narodowa w Londynie |
Historia malarstwa
Dokładnych informacji na temat wczesnych losów obrazu nadal nie ma. Uważa się, że mówił o tym M. F. Bocchi w swojej książce „Zabytki miasta Florencji”, wydanej w 1591 roku:
Obraz, którego ślady zaginęły aż do XIX wieku, otrzymał przydomek od ostatnich właścicieli – rosyjskiej dynastii artystycznej Benois. W 1914 r. nabył go Cesarski Ermitaż od żony nadwornego architekta Leonty'ego Nikołajewicza Benois - Marii Aleksandrownej (1858-1938) z domu Sapozhnikova. Obraz odziedziczył po ojcu, milionerze-kupicielu i filantropie A. A. Sapożnikowie (synu właściciela galerii sztuki A. P. Sapożnikowa). W rodzinie krążyła legenda, że obraz został kupiony od podróżujących włoskich muzyków w Astrachaniu, gdzie Sapożnikowowie prowadzili duży biznes rybacki. Na początku XX wieku nie było innych informacji na temat losów obrazu.
Po kilku latach poprawił sam siebie:
Wersja ta była szeroko reprodukowana przez innych autorów. Często bez odniesienia do źródeł dodawano, że dzieło znajdowało się kiedyś w zbiorach hrabiów Konovnicyna.
Dopiero w 1974 r. Upubliczniono dokumentalne dane o tym, kiedy i w jakich okolicznościach „Madonna z kwiatem” przybyła do Sapożnikowów. W Archiwum Państwowym Obwodu Astrachańskiego odkryto „Rejestr obrazów pana Aleksandra Pietrowicza Sapożnikowa, sporządzony w 1827 r.”. W inwentarzu wymieniony jest pierwszy numer „Matka Boża trzymająca na lewej ręce Dzieciątko Przedwieczne... U góry owal. Mistrz Leonardo da Vinci... Ze zbiorów generała Korsakowa". Okazało się zatem, że obraz pochodzi z kolekcji kolekcjonera i senatora Aleksieja Iwanowicza Korsakowa (1751/53-1821).
W XIX wieku „Madonna z kwiatem” została pomyślnie przeniesiona z deski na płótno, o czym wspomina „Rejestr obrazów Aleksandra Pietrowicza Sapożnikowa, sporządzony w 1827 r.”:
Uważa się, że mistrzem, który dokonał tłumaczenia, był były pracownik Cesarskiego Ermitażu i absolwent Akademii Sztuk Pięknych Evgraf Korotky. Nie jest jasne, czy obraz znajdował się wówczas jeszcze w zbiorach generała Korsakowa, czy też został już zakupiony przez Sapożnikowa.
Kategoria szczegółów: Sztuki piękne i architektura renesansu (renesans) Opublikowano 31.10.2016 14:13 Wyświetleń: 4282Leonardo da Vinci to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli sztuki wysokiego renesansu, przykład „człowieka uniwersalnego”.
Był artystą, rzeźbiarzem, architektem, naukowcem (anatomem, przyrodnikiem), wynalazcą, pisarzem, muzykiem.
Jego pełne imię to Leonardo di Ser Piero da Vinci w tłumaczeniu z języka włoskiego oznacza „Leonardo, syn pana Piero z Vinci”.
We współczesnym znaczeniu Leonardo nie miał nazwiska - „da Vinci” oznacza po prostu „(z) miasta Vinci”.
Nasi współcześni znają Leonarda przede wszystkim jako artystę. Znanych jest 19 obrazów Leonarda.
Domniemany autoportret Leonarda da Vinci
Historycy sztuki nie mogą z całą pewnością stwierdzić, że słynny portret starca jest autoportretem. Być może jest to tylko studium głowy apostoła na Ostatnią Wieczerzę.
Z ogromnego dziedzictwa artystycznego i naukowego Leonarda da Vinci (1452-1519) w tym artykule rozważymy jedynie malownicze wizerunki Madonn.
„Madonna z goździka” (1478)
Drewno, olej. 42x67 cm Alte Pinakothek (Monachium)
Uważa się, że obraz ten został namalowany przez młodego Leonarda da Vinci, gdy był uczniem w pracowni włoskiego rzeźbiarza i malarza Verrocchio, jednego z nauczycieli Leonarda.
Opis obrazu
Madonna jest przedstawiona z ledwo zauważalnym uśmiechem na ustach. Na jej twarzy nie widać już żadnych uczuć.
Jej strój pasuje do dziwnego pasma górskiego w tle. Madonna jest przedstawiona z przyjęciem sfumato. Technikę tę opracował Leonardo da Vinci. Polega na tym, że kontury postaci i przedmiotów zostają złagodzone przez otaczające je powietrze (sfumato (włoskie sfumato – zacienione, dosłownie: „znikające jak dym”).
Przeciwnie, Dzieciątko Jezus jest ukazane w energicznym ruchu. Swoimi wciąż niezdarnymi rękami próbuje chwycić czerwony goździk, który Jego Matka trzyma w swojej pełnej gracji dłoni. Dziecko opiera prawą nogę na poduszce, a lewą nogę unosi w napięciu. On naprawdę chce dosięgnąć kwiatu!
Istnieje opinia, że jest to tylko kopia oryginału, która wciąż nie jest znana.
„Madonna Benois” (lub „Madonna z kwiatem”), 1478-1480
Płótno (w tłumaczeniu z drewna), olej. 48x31,5 cm Państwowe Muzeum Ermitażu (Sankt Petersburg)
Obraz ten należy również do wczesnych dzieł Leonarda. Uważa się, że jest niedokończony. Tytuł obrazu nie jest autorstwa autora. W 1914 roku Ermitaż nabył go od Marii Aleksandrownej Benois, żony nadwornego architekta Leonty Nikołajewicz Benois, Rosyjski architekt i nauczyciel. Obraz Leonarda da Vinci podarował mu jego teść, zamożny handlarz rybami z Astrachania.
Opis obrazu
Madonna z Dzieciątkiem ukazana jest w słabo oświetlonym pomieszczeniu. Jedynym źródłem światła w nim jest podwójne okno umieszczone w głębi. To światło z tego okna podkreśla postacie na zdjęciu i ożywia je grą światłocienia.
Artysta ukazuje Madonnę jako zwyczajną młodą kobietę, matkę, z miłością spoglądającą na swoje dziecko, która poprzez spojrzenie na kwiat podejmuje pierwsze próby poznawania świata. Madonna ubrana jest w kostium noszony przez współczesnych Leonarda. I fryzurę miała uczesaną zgodnie z modą tamtych lat.
Symbolikę obrazu wskazuje kwiat krzyżowy. Jest to symbol ukrzyżowania. Ale dla dziecka w tej chwili jest to po prostu niewinna zabawka.
„Kwiatowa Madonna” Leonarda da Vinci była swego czasu powszechnie znana artystom tamtych czasów. Pod jej wpływem powstały inne dzieła znanych artystów, w tym Rafaela.
Ale przez wieki obraz Leonarda uznawano za zaginiony.
„Madonna Litta” (1490-1491)
Płótno, tempera. 42x33 cm Państwowe Muzeum Ermitażu (Sankt Petersburg)
Litta- Mediolańska rodzina arystokratyczna z XVII-XIX wieku. Obraz przez kilka stuleci znajdował się w prywatnych zbiorach tej rodziny – stąd jego nazwa. Oryginalny tytuł obrazu brzmiał „Madonna z Dzieciątkiem”. W 1864 roku Madonna została przejęta przez Ermitaż.
Uważa się, że obraz powstał w Mediolanie, dokąd artysta przeprowadził się w 1482 roku.
Jego pojawienie się zapoczątkowało nowy etap w sztuce renesansu - ustanowienie stylu wysokiego renesansu.
Rysunek przygotowawczy do obrazu w Ermitażu przechowywany jest w Paryżu, w Luwrze.
Rysunek w Luwrze
Opis obrazu
Piękna młoda kobieta karmiąca dziecko reprezentuje miłość macierzyńską jako największą wartość ludzką.
Kompozycja obrazu jest prosta i harmonijna. Postacie Marii i Dzieciątka Chrystus zostały podkreślone lekkim światłocieniem. Harmonię w relacjach pomiędzy bohaterami obrazu podkreśla górski pejzaż w symetrycznych oknach, wywołując wrażenie wielkości wszechświata.
Twarz Madonny ukazana jest z profilu z subtelnym uśmiechem w kącikach ust. Dziecko jest skupione na swoim zawodzie, w roztargnieniu patrzy na publiczność. Prawą ręką trzyma pierś matki, a w lewej trzyma szczygła.
„Madonna na skałach”
Leonardo da Vinci stworzył dwa obrazy o podobnej kompozycji. Jeden z nich został namalowany wcześniej i obecnie znajduje się w Luwrze (Paryż). Inny (napisany przed 1508 rokiem) jest wystawiony w Londyńskiej Galerii Narodowej.
„Madonna na Skałach” (1483-1486)
Drzewo przeniesione na olej na płótnie. 199x122 cm Luwr (Paryż)
Ta wersja powstała dla kaplicy w kościele San Francesco Grande w Mediolanie. W XVIII wieku kupił go angielski artysta Gavin Hamilton i przywiózł do Anglii. Następnie znajdował się w różnych kolekcjach prywatnych, aż do zakupu go przez Galerię Narodową w 1880 roku.
W 2005 roku badanie w podczerwieni odkryło pod tym obrazem inny obraz, co doprowadziło niektórych badaczy do przekonania, że pierwotnie Leonardo planował namalować adorację Dzieciątka Jezus.
„Madonna na skałach” Londyńska Galeria Narodowa
Opis obrazów
Obydwa obrazy przedstawiają klęczącą Dziewicę Maryję z ręką na głowie małego Jana Chrzciciela. Po prawej stronie widać Dzieciątko Jezus trzymane przez anioła. Jezus podniósł rękę, aby błogosławić. Scena relacji przedstawionych bohaterów kontrastuje z tłem pejzażu: z jednej strony panuje spokój i czułość, z drugiej niepokojące wrażenie surowego pejzażu. Artysta wykorzystuje swoją ulubioną technikę (sfumato) do zmiękczania konturów twarzy i przedmiotów.
„Madonna Wrzeciona” (około 1501 r.)
Oryginał tego obrazu zaginął. Ale istnieją trzy kopie, z których dwie zostały stworzone w 1501 roku przez Leonarda da Vinci (lub uczniów jego szkoły). Kolejna kopia powstała w 1510 r.
Galeria Narodowa Szkocji
Jeden egzemplarz znajduje się obecnie w National Gallery of Scotland w Edynburgu, drugi w prywatnej kolekcji w Nowym Jorku.
Współcześni Leonarda lubili ten niewielki obraz przedstawiający bardzo młodą Madonnę z Dzieciątkiem. Dlatego wykonano kopie.
„Madonna Wrzeciona” (1501)
Drewno, olej. 48,3 x 36,9 cm. Prywatna kolekcja
Ale jest całkiem możliwe, że nie jest to kopia, ale nowa wersja, stworzona w tym samym 1501 roku, co oryginał.
„Madonna Wrzeciona” (1510)
Olej na płótnie na desce, 50,2x36,4 cm. Kolekcja prywatna (Nowy Jork)
Wysoka jakość obrazu świadczy o tym, że powstał on w warsztacie Leonarda da Vinci, być może pod jego nadzorem.
Opis obrazu
Obraz przedstawia młodą Marię i Dzieciątko Chrystus trzymające wrzeciono w kształcie krucyfiksu – symbolu paleniska i krzyża. W mitologii klasycznej wrzeciono symbolizowało ludzkie przeznaczenie.
Cała postać Maryi wyraża miłość do dziecka. Wygląda na to, że chce odwrócić uwagę dziecka od wrzeciona. Ale nawet Matka nie może zapobiec Ukrzyżowaniu, które jest przeznaczone dla Chrystusa.
A dziecko jest całkowicie zwrócone w stronę symbolu Jego przyszłej Męki i odwraca się od kochającego spojrzenia Matki.
