Urodzony 24 czerwca 1944 w Moskwie.
Absolwentka Moskiewskiego Państwowego Instytutu Sztuki. VI Surikov w 1968 r.
Od 1969 do 1972 pracowała w pracowni w Akademii Sztuk Pięknych ZSRR.
Od 1969 członek Związku Artystów Plastyków.
Laureat Nagrody Państwowej Rosji w 1993 roku.
W jakich zbiorach prac?
Prace znajdują się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie,
Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu,
muzea sztuki Saratowa, Wołogdy, Kijowa, Archangielska, Permu, Nikołajewa, Briańska, Nowokuźniecka, Nowosybirska, Elisty, Rostowa nad Donem, Bratysławy, Rostocku, Berlina, Sofii,
Muzeum P. Ludwiga, Aachen, Niemcy,
zbiory prywatne w Niemczech, Francji, Finlandii, Turcji, Włoszech, Wielkiej Brytanii, Hiszpanii, Portugalii, USA,
Fundacja Cremona, Fundacja Weismana w USA.
Udział w wystawach i aukcjach
1975 5 moskiewskich artystów. Moskwa;
1978 3 moskiewskich artystów 3 pokoleń. Berlin, Rostock, Schwerin, Halle. Niemcy;
1981 23 moskiewskich artystów. Centralny Dom Artystów. Moskwa;
1982 Russische Malereiheut. Galeria Thomy Levy’ego. Hamburg. Niemcy;
1982-83 Wystawy artystów radzieckich ze zbiorów P. Ludwiga. Kolonia, Lubeka, Rebensburg, Mains. Niemcy; Żyła. Austria; Tiburg. Holandia; Onstad, Howicodon. Szwecja;
1984 Rosyjski kunst des zwanzigsten jahnunderts. Sammu long Seemjonow Galeria der stadt essfibgen an Neckar. Niemcy;
1986 Sztuka Moskwy. Berlin Zachodni;
1986 Kunstlerinnenaus der sowjetunion. Kunsthalle Recklinghausen. Niemcy;
1987 Współczesna sztuka radziecka. Wybór z ok. Nortona T. Dodge’a. Galeria sztuki Kennesaw College. USA;
1987 Wystawa indywidualna. Odessa, Kijów, Lwów. Ukraina;
1987 - 88 Wystawa indywidualna. Leverkusen, Brema, Oldenburg. Niemcy;
1988 Rosyjska awangarda i sztuka współczesna. Aukcja Sotheby’ego. Moskwa;
1988 Sowjetkunst heute. Muzeum P.Ludwiga. Kolonia. Niemcy;
Obrazy międzynarodowe z 1988 r. Seviley. Pensylwania. USA;
1989 Von der Revolution zur pierestrojka. Prace artystów radzieckich z kolekcji P. Ludwiga. Barcelona. Hiszpania;
1989 Wystawa indywidualna. Centralny Dom Artystów. Moskwa;
1990 Wystawa indywidualna. Galeria Soho. Boston. USA;
1990 Moskwa: Teorie i tradycje. Seattle. USA;
1990 Moskwa – Waszyngton. Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa;
1990 Dążenie do wyrażania siebie. Malarstwo w Moskwie i Leningradzie 1965-1990. Muzeum sztuki Kolumba. Columbus, Ohio, USA;
1990 26 artystów z Moskwy i Leningradu. Centralna Sala Wystawowa Związku Artystów RFSRR. Petersburg;
1990 Frammenti d`arte contemporanea 32 bohaterów z ZSRR. Rzym;
1991 Krytyka figuracyjna. Wielki Pałac. Francja;
1991 Waszyngton – Moskwa Wystawa wymiany dzieł sztuki. Biblioteka Garneqie. Waszyngton;
1991 Artistas rusos contemporaneos. Satiago de Compostela. Hiszpania;
1991 Pintusa russae sovietica w Portugalii autorstwa Mikołaja IIa Gorbaczowa. Zamek Leirea. Leirea. Portogal; 1992 Expo-92. Barcelona. Hiszpania;
1992 Wystawa indywidualna. Galeria Fernando Duran. Madryt;
1993 Sen odsłania naturę rzeczy. Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa;
1993 Dzień Tatyany. Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa;
1993 Wystawa indywidualna. Galeria Grzegorza. USA;
1993 Wystawa indywidualna. Galeria „Dziś”. Moskwa;
1994 Wystawa indywidualna. galeria rosyjska. Tallinn. Estonia.
1995 Gregory Gallery, Nowy Jork, USA
1995 Studio Galerii, Moskwa
1996 Centralny Dom Artystów, Moskwa
1996 Państwowa Galeria Trietiakowska, galeria Moskwa Palette
1997 Centralna Sala Wystawowa „Manege”, Moskwa
1997 Galeria M. Gelmana, Moskwa
1997 Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych. A.S. Puszkin, Moskwa
1997 Galeria „EXIT-ART”, Kolonia, Niemcy
Pracuję, aby wyrazić coś dla mnie ważnego. Bardzo chciałbym być zrozumiany – choć niekoniecznie w taki sposób, w jaki zamierzałem swoją twórczość. Ważne jest dla mnie przekazanie ogólnej struktury mojego planu.
Cały czas robię to samo, zmieniając ten sam motyw – temat samotności. Samotność wydaje mi się jednym z najważniejszych dramatów człowieka. W różnych pracach – na dużych płótnach historycznych, w portretach czy malarstwie rodzajowym – ten motyw w moich płótnach bardzo wiele determinuje. Myślę o tym, jak straszna jest samotność, jak trudna i jak nieuchronnie czeka człowieka w różnych sytuacjach życiowych.
Skłonić ludzi do myślenia, wzbudzić w nich współczucie – to główny cel mojej pracy…
Malowanie zaczynam zazwyczaj wtedy, gdy obraz jest już całkowicie przemyślany i uformowany w mojej głowie. Czasami od pomysłu do realizacji może minąć rok lub dwa – to nie ma znaczenia.
Jeśli wrażenie po tym, co zobaczyłem, jest bardzo silne i wydaje mi się, że na zdjęciu będzie przedstawionych wiele osób, najpierw rysuję – na kartce papieru, na restauracyjnej serwetce, słowem na wszystkim, co może się znajdować ręka. Zwykle nie odbiegam od pierwotnego planu, a jedynie wzbogacam płótno o pewne detale...
To, co mnie martwi, powinnam zostawić na płótnie, a przynajmniej na kartce papieru. To jest moje życie. Dopóki pomysł nie przeniesie się na płótno, nie mogę się od niego uwolnić, jak matka oczekująca dziecka. Przecież traktujesz obrazy jak dzieci - one wychodzą z pracowni, zostawiają mnie, mają swoje przeznaczenie - szczęśliwe, nieszczęśliwe...
Wydaje mi się, że prawdziwa sztuka zaczyna się tam, gdzie jest tajemnica, trochę niedopowiedzenia, dzięki czemu dla każdego ulubiona rzecz jest pełna uroku, który objawia się tylko jemu...
Tworząc obraz, to tak, jakbyś podsumował jakiś etap swojego życia. W każdym razie dokładnie to samo przydarzyło mi się z wieloma płótnami. Niespełniona rzecz przeszkadza w Twoim życiu, niepokoi Cię i przypomina o Tobie, dzięki czemu czujesz swoją odpowiedzialność za życie, które dało Ci możliwość tworzenia.
Krytyka
Twórcza gwiazda Tatyany Nazarenko rozbłysła jasno i nieoczekiwanie na firmamencie rosyjskiej sztuki na samym początku lat siedemdziesiątych. Jego duchowy blask nie słabnie ani nie rozpuszcza się w czasie. Świat obrazów i język malarski artysty w dużej mierze zdeterminowane są pewnymi poglądami historycznymi, które tworzą atmosferę, w której budzi się nasze rozumienie natury ludzkiej. Jeśli wyobrażasz sobie w myślach galerię obrazów Nazarenki, od gatunków historycznych i „maskarady” bufonady po portrety i martwe natury, wówczas wszystko w nich będzie umiejscowione niejako na jednej ponadczasowej płaszczyźnie znaczeń, niezależnie od specyfiki i dokładności dzieła. reprodukcja indywidualnych atrybutów i rzeczywistości z przeszłości i teraźniejszości.
Prace Tatyany Nazarenko mają szczególny magnetyzm, kojarzą się nie tylko ze wspomnieniami tego, co się wydarzyło, ale także są skierowane w przyszłość. Jej prace pobudzają wyobraźnię widza swoją wieloskojarzeniową, metaforyczną naturą...
W jej obrazach bohaterowie starożytnych wydarzeń pojawiają się jakby zmartwychwstali, jednak postrzegani są poza określonymi parametrami czasu, być może dlatego, że nadaje im nieodłączne cechy, próbując powiązać konkretne postacie historyczne i losy z cnoty i wady naszego pokolenia. W ten sposób Nazarenko osiąga szczególny poziom artystycznego uogólnienia, który pozwala mu operować uniwersalnymi koncepcjami i wartościami nawet w odniesieniu do sytuacji czysto prywatnych.
Omawiając twórczość Nazarenki z perspektywy historyczno-filozoficznej, nie można pominąć czysto obrazowych, plastycznych walorów jej twórczości. Długo pielęgnuje pomysły na swoje obrazy, udoskonalając mentalnie fabułę, umieszczając niezbędne akcenty semantyczne. Jednocześnie wyobraża sobie już przyszłą kompozycję, jej kolorystyczną dramaturgię, lekki akompaniament do ściśle powściągliwego, uroczystego chóru barw. Malarski styl Nazarenki łączy w sobie techniki artystyczne dawnych mistrzów, z ich pomysłami na temat świetlistości koloru, faktury i odkryciami plastycznymi wprowadzonymi do sztuki w XX wieku. Jak już wspomniano, Nazarenko widzi przyszły obraz jeszcze zanim pędzel dotknie płótna, dlatego jej prace wyróżniają się precyzją rozwiązań figuratywnych, struktur kolorystycznych i kompozycyjnych, a w tej statycznej harmonii kipią namiętności i emocje.
Urodzony 24 czerwca 1944 w Moskwie.
Absolwentka Moskiewskiego Państwowego Instytutu Sztuki. VI Surikov w 1968 r.
Od 1969 do 1972 pracowała w pracowni w Akademii Sztuk Pięknych ZSRR.
Od 1969 członek Związku Artystów Plastyków.
Laureat Nagrody Państwowej Rosji w 1993 roku.
W jakich zbiorach prac?
Prace znajdują się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie,
Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu,
muzea sztuki Saratowa, Wołogdy, Kijowa, Archangielska, Permu, Nikołajewa, Briańska, Nowokuźniecka, Nowosybirska, Elisty, Rostowa nad Donem, Bratysławy, Rostocku, Berlina, Sofii,
Muzeum P. Ludwiga, Aachen, Niemcy,
zbiory prywatne w Niemczech, Francji, Finlandii, Turcji, Włoszech, Wielkiej Brytanii, Hiszpanii, Portugalii, USA,
Fundacja Cremona, Fundacja Weismana w USA.
Udział w wystawach i aukcjach
1975 5 moskiewskich artystów. Moskwa;
1978 3 moskiewskich artystów 3 pokoleń. Berlin, Rostock, Schwerin, Halle. Niemcy;
1981 23 moskiewskich artystów. Centralny Dom Artystów. Moskwa;
1982 Russische Malereiheut. Galeria Thomy Levy’ego. Hamburg. Niemcy;
1982-83 Wystawy artystów radzieckich ze zbiorów P. Ludwiga. Kolonia, Lubeka, Rebensburg, Mains. Niemcy; Żyła. Austria; Tiburg. Holandia; Onstad, Howicodon. Szwecja;
1984 Rosyjski kunst des zwanzigsten jahnunderts. Sammu long Seemjonow Galeria der stadt essfibgen an Neckar. Niemcy;
1986 Sztuka Moskwy. Berlin Zachodni;
1986 Kunstlerinnenaus der sowjetunion. Kunsthalle Recklinghausen. Niemcy;
1987 Współczesna sztuka radziecka. Wybór z ok. Nortona T. Dodge’a. Galeria sztuki Kennesaw College. USA;
1987 Wystawa indywidualna. Odessa, Kijów, Lwów. Ukraina;
1987 - 88 Wystawa indywidualna. Leverkusen, Brema, Oldenburg. Niemcy;
1988 Rosyjska awangarda i sztuka współczesna. Aukcja Sotheby’ego. Moskwa;
1988 Sowjetkunst heute. Muzeum P.Ludwiga. Kolonia. Niemcy;
Obrazy międzynarodowe z 1988 r. Seviley. Pensylwania. USA;
1989 Von der Revolution zur pierestrojka. Prace artystów radzieckich z kolekcji P. Ludwiga. Barcelona. Hiszpania;
1989 Wystawa indywidualna. Centralny Dom Artystów. Moskwa;
1990 Wystawa indywidualna. Galeria Soho. Boston. USA;
1990 Moskwa: Teorie i tradycje. Seattle. USA;
1990 Moskwa – Waszyngton. Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa;
1990 Dążenie do wyrażania siebie. Malarstwo w Moskwie i Leningradzie 1965-1990. Muzeum sztuki Kolumba. Columbus, Ohio, USA;
1990 26 artystów z Moskwy i Leningradu. Centralna Sala Wystawowa Związku Artystów RFSRR. Petersburg;
1990 Frammenti d`arte contemporanea 32 bohaterów z ZSRR. Rzym;
1991 Krytyka figuracyjna. Wielki Pałac. Francja;
1991 Waszyngton – Moskwa Wystawa wymiany dzieł sztuki. Biblioteka Garneqie. Waszyngton;
1991 Artistas rusos contemporaneos. Satiago de Compostela. Hiszpania;
1991 Pintusa russae sovietica w Portugalii autorstwa Mikołaja IIa Gorbaczowa. Zamek Leirea. Leirea. Portogal; 1992 Expo-92. Barcelona. Hiszpania;
1992 Wystawa indywidualna. Galeria Fernando Duran. Madryt;
1993 Sen odsłania naturę rzeczy. Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa;
1993 Dzień Tatyany. Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa;
1993 Wystawa indywidualna. Galeria Grzegorza. USA;
1993 Wystawa indywidualna. Galeria „Dziś”. Moskwa;
1994 Wystawa indywidualna. galeria rosyjska. Tallinn. Estonia.
1995 Gregory Gallery, Nowy Jork, USA
1995 Studio Galerii, Moskwa
1996 Centralny Dom Artystów, Moskwa
1996 Państwowa Galeria Trietiakowska, galeria Moskwa Palette
1997 Centralna Sala Wystawowa „Manege”, Moskwa
1997 Galeria M. Gelmana, Moskwa
1997 Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych. A.S. Puszkin, Moskwa
1997 Galeria „EXIT-ART”, Kolonia, Niemcy
Pracuję, aby wyrazić coś dla mnie ważnego. Bardzo chciałbym być zrozumiany – choć niekoniecznie w taki sposób, w jaki zamierzałem swoją twórczość. Ważne jest dla mnie przekazanie ogólnej struktury mojego planu.
Cały czas robię to samo, zmieniając ten sam motyw – temat samotności. Samotność wydaje mi się jednym z najważniejszych dramatów człowieka. W różnych pracach – na dużych płótnach historycznych, w portretach czy malarstwie rodzajowym – ten motyw w moich płótnach bardzo wiele determinuje. Myślę o tym, jak straszna jest samotność, jak trudna i jak nieuchronnie czeka człowieka w różnych sytuacjach życiowych.
Skłonić ludzi do myślenia, wzbudzić w nich współczucie – to główny cel mojej pracy…
Malowanie zaczynam zazwyczaj wtedy, gdy obraz jest już całkowicie przemyślany i uformowany w mojej głowie. Czasami od pomysłu do realizacji może minąć rok lub dwa – to nie ma znaczenia.
Jeśli wrażenie po tym, co zobaczyłem, jest bardzo silne i wydaje mi się, że na zdjęciu będzie przedstawionych wiele osób, najpierw rysuję – na kartce papieru, na restauracyjnej serwetce, słowem na wszystkim, co może się znajdować ręka. Zwykle nie odbiegam od pierwotnego planu, a jedynie wzbogacam płótno o pewne detale...
To, co mnie martwi, powinnam zostawić na płótnie, a przynajmniej na kartce papieru. To jest moje życie. Dopóki pomysł nie przeniesie się na płótno, nie mogę się od niego uwolnić, jak matka oczekująca dziecka. Przecież traktujesz obrazy jak dzieci - one wychodzą z pracowni, zostawiają mnie, mają swoje przeznaczenie - szczęśliwe, nieszczęśliwe...
Wydaje mi się, że prawdziwa sztuka zaczyna się tam, gdzie jest tajemnica, trochę niedopowiedzenia, dzięki czemu dla każdego ulubiona rzecz jest pełna uroku, który objawia się tylko jemu...
Tworząc obraz, to tak, jakbyś podsumował jakiś etap swojego życia. W każdym razie dokładnie to samo przydarzyło mi się z wieloma płótnami. Niespełniona rzecz przeszkadza w Twoim życiu, niepokoi Cię i przypomina o Tobie, dzięki czemu czujesz swoją odpowiedzialność za życie, które dało Ci możliwość tworzenia.
Kreatywna gwiazda Tatiana Nazarenko wybuchł na firmamencie sztuki rosyjskiej jasno i nieoczekiwanie na samym początku lat siedemdziesiątych. Jego duchowy blask nie słabnie ani nie rozpuszcza się w czasie. Świat obrazów i język malarski artysty w dużej mierze zdeterminowane są pewnymi poglądami historycznymi, które tworzą atmosferę, w której budzi się nasze rozumienie natury ludzkiej. Jeśli wyobrażasz sobie w myślach galerię obrazów Nazarenko od gatunków historycznych i „maskarady” bufonady po portrety i martwe natury, wówczas wszystko w nich będzie umiejscowione niejako na jednej ponadczasowej płaszczyźnie znaczeń, niezależnie od specyfiki i dokładności reprodukcji poszczególnych atrybutów i realiów przeszłości i obecny.
Prace Tatyany Nazarenko Mają szczególny magnetyzm, kojarzą się nie tylko ze wspomnieniami tego, co się wydarzyło, ale są także skierowane w przyszłość. Jej prace pobudzają wyobraźnię widza swoją wieloskojarzeniową, metaforyczną naturą...
W jej obrazach bohaterowie starożytnych wydarzeń pojawiają się jakby zmartwychwstali, jednak postrzegani są poza określonymi parametrami czasu, być może dlatego, że nadaje im nieodłączne cechy, próbując powiązać konkretne postacie historyczne i losy z cnoty i wady naszego pokolenia. Zatem, Nazarenko osiąga szczególny poziom artystycznego uogólnienia, pozwalający operować uniwersalnymi ludzkimi koncepcjami i wartościami nawet w odniesieniu do sytuacji życia czysto prywatnego.
Mówiąc o kreatywności Nazarenko w aspekcie historyczno-filozoficznym nie można pominąć czysto malarskich, plastycznych walorów jej dzieł. Długo pielęgnuje pomysły na swoje obrazy, udoskonalając mentalnie fabułę, umieszczając niezbędne akcenty semantyczne. Jednocześnie wyobraża sobie już przyszłą kompozycję, jej kolorystyczną dramaturgię, lekki akompaniament do ściśle powściągliwego, uroczystego chóru barw. Malowniczy sposób Nazarenko Wchłonęła także techniki artystyczne dawnych mistrzów, z ich pomysłami na temat świetlistości koloru, faktury i odkryciami plastycznymi wprowadzonymi do sztuki w XX wieku. Jak już zauważono, Nazarenko widzi przyszły obraz jeszcze zanim pędzel dotknie płótna, dlatego jej prace wyróżniają się precyzją rozwiązań figuratywnych, kolorów i struktur kompozycyjnych, a w tej statycznej harmonii kipią namiętności i przeżycia.
A. Rozhin
Bibliografia
A. Dekhtyar „Młodzi artyści lat 70.” wyd. „Artysta radziecki”, 1979;
A. Kamenski” Tatiana Nazarenko”, czasopismo „Bildende kunst”, N1, 1976;
A. Morozow” Tatiana Nazarenko. Nowe nazwy.”, wydawnictwo „Artysta Radziecki”, 1978;
Gambrell Samey „Soviet Art Today”, magazyn Art in America, listopad 1985;
L. Krichevskaya „Malarstwo Tatiany Nazarenko”, czasopismo „Artysta”, N6, 1982;
A. Jakimowicz „Kompozycje historyczne i gatunki T. Nazarenko„, czasopismo „Malarstwo Radzieckie”, N5, 1982;
V. Lebiediewa „Malarstwo Tatiany Nazarenko”, magazyn „Soviet Union Today” (w języku niemieckim), N10, 1987;
Katalog wystawy osobistej, 1988;
A. Morozow” Tatiana Nazarenko”, Leningrad, wydawnictwo „Aurora”, 1988;
Katalog aukcyjny Sotheby's, „Rosyjska awangarda i radziecka sztuka współczesna”, 1988;
Weiss Evelin „Sowjet kunst teute Cologne”, Muzeum Ludwig, 1988;
Matthew Gullern Bown „Współczesna sztuka rosyjska”, Phaidon Press Limited, Oxford, Wielka Brytania, 1988;
W. Lebiediewa” Tatiana Nazarenko”, wydawnictwo „Artysta Radziecki”, 1991.
Pracowała pod przewodnictwem Korzheva.
Duże zainteresowanie badacza stanowią gatunki
obrazy z autoportretami T. Nazarenki. Wokół tego artysty istnieje wiele kontrowersji. Jedni dostrzegają w jej pracach racjonalność i trzeźwą kalkulację, inni zaś żarliwą obsesję, żywą pasję twórczą.
Kwiaty. Autoportret. 1979
Wydaje nam się, że zawierają jedno i drugie. Jest to szczególnie wyraźnie i dotkliwie widoczne w obrazach Nazarenki, które obejmują autoportret. I prawie wszystkie jej obrazy to zawierają, w tym historyczne („Egzekucja Narodnej Woli”, „Przybyli partyzanci”). Rola autoportretu wydaje się szczególnie aktywna i skuteczna w obrazach „Moi współcześni”, „Rozmowa”, „Młodzi artyści”, „Babcia i Nikolka”, „Sylwester”, „Podwieczorek w Polenovie”. Każdy z nich odsłania, a przynajmniej stawia, bardzo ważne problemy ludzkiej egzystencji. Są tu trudne przemyślenia na temat sensu życia i twórczości, zmiany pokoleń, nieuchronności śmierci itp. Uważamy, że w każdym przypadku Nazarenko przedstawiła jakiś intymny fragment swojego życia osobistego, własnej biografii (tak, to najwyraźniej sprawa). Wierzymy, że każda sytuacja jest nie tylko dobrze przemyślana, ale także głęboko przeżyta i przetrwana. Dlatego też autoportrety zawarte w jej obrazach traktowane są jako coś oczywistego, jako integralna część kompozycji. Włączenie autoportretu do obrazu stało się dla Nazarenki niezbędną potrzebą twórczą. „Na jednym z moich... obrazów „Po egzaminach” ja, obawiając się, że mój autoportret jest nieco zmęczony, a raczej po prostu nie pasujący do danej sytuacji (grupy studentów), choć czułem się we właściwym miejscu, próbowałem namalować inną postać. To była bolesna i bardzo niezadowalająca wymiana” – wspomina artysta.
Przy tym wszystkim warto jednak zauważyć, że każdy z autoportretów zawartych w obrazach Nazarenki żyje w szczególnej przestrzeni psychologicznej, odizolowanej od innych postaci. Czujemy się w nich nie tyle bezpośrednim uczestnikiem ukazywanego wydarzenia, ile raczej wyjątkową postacią spoglądającą na swoich partnerów, choć nie obojętnie, a jednak spojrzeniem z zewnątrz. Bohaterka, obdarzona rysami portretowymi artysty, zawsze myśli. Czasami jej wzrok jest skierowany na nas. Dokładnie tak, jak we wspomnianych kompozycjach mistrzów renesansu. I wyraża to samo odwieczne pytanie: „Co o tym myślisz?”
Pugaczow. Dyptych.
W dyptyku „Pugaczow” zostaje wybrany ostry konflikt, dramatyczny moment: Emelyan Pugaczow zostaje zabrany w klatce na miejsce egzekucji w Moskwie. I nie tylko każdy ma szczęście, ale także młody Suworow. Czym jednak jest to dziwne widowisko rozgrywające się na naszych oczach? Elegancko ubrani żołnierze bez twarzy są jak pstrokate zabawki. A Suworow na białym koniu przypomina lalkę; cały jego wygląd jest tak podobny do niezliczonych wizerunków, że wydaje się być pozbawiony indywidualnych cech i staje się znakiem, schematem. A jego koń nie chodzi, ale zdaje się unosić w powietrzu, a jego wątłe, martwe dłonie nie trzymają wodzy-zabawki... I od razu cała ta historia nabiera cech fantasmagorii i to już nie ludzie dokonują pewnych działań, ale jakieś marionetki uczestniczą w jakiejś nie wymyślonej przez siebie zabawie.
Struktura obrazkowa tego płótna również jest przemyślana, nawiązuje do malowanej oleografii. Unoszące się chmury są bardzo pulchne, a złoty kolor wzgórz i odległych budynków jest niezwykle gęsty, a niebiesko-czerwono-białe stroje żołnierzy i wznosząca się nad ich głowami postać Pugaczowa w czerwonej koszuli są napisane otwartym napisem: niezwykle kontrastowe odcienie...
Natomiast druga część dyptyku, ujęta w tę samą ramę, wygląda zupełnie inaczej. Jest to długi pionowy panel, namalowany w tradycji XVIII-wiecznego trompe l’oeil. Ciemna „muzealna” kolorystyka, starannie napisane papiery schowane za wstążką, kilka portretów z czasów buntu Pugaczowa, kawałek starego brokatu, kilka książek, stopiona świeca w świeczniku… Wszystko bardzo poważnie, ostrożnie napisane, wszystko zdaje się nosić drobny pył minionych epok, ślady dotyku ludzi, którzy je stworzyli.
Dekabryści. Powstanie pułku Czernigowa. 1976
W historycznych obrazach Nazarenki nie ma chwilowego doświadczenia. Patrzymy na wieloletnie wydarzenia w czasie, a wszystko, co się wydarza, zdaje się rozjaśniać, zamarzać, odrywać się od codziennych przeciwności losu i nabierać przejrzystości i kompletności symbolu.
Tę samą dwoistość widać w jej portretach grupowych. Ich bohaterowie to rozpoznawalne portrety, zderzenia są wiarygodne:
Pierwsze lato. 1987
wakacje młodzieżowe, rozmowy w warsztacie... A jednocześnie jest w nich coś tajemniczego, zamieniającego codzienne sceny w romantyczne fantazje. Tym samym przeszłość i teraźniejszość łączą się ściśle w tryptyku „Życie” (1983).
I znowu artysta materializuje myśli i uczucia, przedstawia przedmioty, które te myśli wywołują. Na wszystkich trzech płótnach tworzących kompozycję tryptyku widoczna jest babcia, już bardzo stara, pomarszczona, podtrzymująca zamkniętymi dłońmi swoją siwą głowę. A jej życie przelatuje przed oczami. Ale T. Nazarenko nie byłaby wierna sobie, gdyby w przedstawionym przez nią świecie rzeczywistość materialna i fizyczna nie zbiegły się. które są widoczne tylko dla spojrzenia duchowego, gdyby granica między przeszłością a teraźniejszością nie była niestabilna...
Anna Siemionowna Abramowa zmarła w Moskwie w wieku 89 lat, dożywszy uznania twórczości Tanyi, widząc jej zdjęcia na okładkach magazynów, reprodukcje jej prac w książkach.
Prace T. Nazarenki zawierają siłę perswazji i umiejętność przekładania swoich pomysłów na pełnoprawne obrazy. Oto bystre oko i lot wyobraźni, odbicia naszego współczesnego i odwiecznego pragnienia miłości i wzajemnego zrozumienia. I w jej pracach pojawia się też myśl, że dla współczesnego człowieka te kontakty nie są takie proste. I dlatego tak często na obrazach Nazarenki bliscy ludzie są od siebie tak daleko, a wyciągnięte ręce wiszą w powietrzu.
Cokolwiek napisze – a zakres jej tematyki jest niezwykle szeroki, z równą intensywnością pracuje nad malarstwem historycznym, jak i nad scenami wakacji młodzieżowych, nad portretem, pejzażem, martwą naturą – wnosi do swoich prac coś nieuchwytnego i niewątpliwie poruszającego. są wytworem naszych czasów, sposobem myślenia naszych współczesnych. Widz czuje w jej sztuce pulsujący czas.
T. Nazarenko to jeden z artystów, którego talent ujawnił się w latach siedemdziesiątych. W ciągu tych lat rozwinęły się i dojrzewały bystre, twórcze osoby. Trudności łamały słabych i wzmacniały silnych. Tatyana Nazarenko jest jedną z mocniejszych.
Duże okno. 1985
Znaczący jest obraz „Wielkie okno” (1985) moskiewskiego artysty T. Nazarenki, poruszający poważne problemy moralne związane ze współczesnością. Tutaj problem samoświadomości, dobrostanu współczesnego człowieka w otaczającym go świecie, emocjonalnego kontaktu z rzeczywistością, z naturą, ze światem obiektywnym rozwiązuje się jakby przez sprzeczność: zamiast ciszy, spokoju, jasności, harmonii, które uszlachetnia duszę - zimne napięcie, sztywność, dysharmonia kontrastów, rzucająca się w oczy niezgodność duchowa i materialna, podkreślona wizerunkiem wydrążonego manekina na parapecie, przerażająca pustka obiektywnego świata, dyskomfort ludzkiej egzystencji w tym środowisku. W surowej, nagiej bezstronności autoportretu (zmęczona, blada twarz odbita w lustrze, spojrzenie bez iskry inspiracji), w zimnych barwach i suchych liniach pejzażu otwierającego się za oknem, w obojętnym zderzeniu dwóch Moskiewska fabryka, przemysłowa nowość i kremlowska starożytność, w różnorodnych akcesoriach codziennej pracy artystycznej.
Któregoś dnia Tatiana Nazarenko – a każdego lata mieszka na wsi niedaleko Tuły – natknęła się na opuszczoną suszarnię zboża. Poprosiłam męża, żeby zrobił zdjęcie: jaśniejszego symbolu epoki sowieckiej nie można sobie wyobrazić! W instalacji na płótnie zdecydowałam się zdecydowanie wykorzystać suszarkę do zboża.
— Niestety, zacząłem rozumieć tego samego Ilyę, który od dawna tworzy swoje instalacje. To o wiele ciekawsze niż samo rysowanie. Dochodzę do tego teraz.
Aby poświęcić się prawdziwemu malarstwu, trzeba innego stanu umysłu i innego kraju. Ostatnio byłem w dużym europejskim muzeum. I złapałam się na myśleniu: przyjadę teraz na wieś, wezmę płótno i będę z przyjemnością pisać między podlewaniem łóżek. A potem się zebrałam: cóż, napiszę, ale co dalej? Czekać na kupca?
- A co z inspiracją, taką, kiedy nie da się oddychać?
— Och, nie lubię słowa „inspiracja”. Nie mogę powiedzieć, że nie da się żyć bez dotykania płótna. Może. Ale proces twórczy zawsze różni się trochę od tego, co mówią i piszą.
— Czy sądząc po zaprezentowanej niedawno w Nowym Maneżu Twojej sklejce „Portret Katarzyny II” całkowicie zmieniłeś tradycyjne malarstwo?
- Tu nie chodzi o zdradę stanu. Artysta musi porzucić swoje postrzeganie świata. I tak właśnie postrzegam naszą rzeczywistość końca lat 90-tych. Dlatego nie maluję portretów „nowych Rosjan”. Ciekawie jest tam pisać
jedwabne sukienki. Twarze nic nie wyrażają. Dlatego nawet jeśli teraz piszę coś specjalnie na sprzedaż - z emerytury akademickiej wynoszącej kilkaset rubli nie da się bardzo dobrze przeżyć - to są martwe natury. Kwiaty. Zdarza się, że sprzedaję moje stare, ulubione dzieła. Ale nie „Pugaczow”, którego sowieccy urzędnicy usunęli z wystaw.
Cyrkowa dziewczyna. 1984
— Dlaczego więc sprzedałeś swoją słynną „Cyrkową dziewczynę”?
- To jest moj maz. Byłem wtedy w Ameryce. A kiedy zadzwonił i mi o tym powiedział, byłem gotowy go zabić. Generalnie bardzo ciężko mi się rozstać z moimi pracami. Zwłaszcza jeśli przychodzi tłum ćwierkających nowoczesnych ciotek, szperających w dziełach i próbujących obniżyć ceny. Wrażenie bazaru pozostaje. Chociaż odmowa wydaje się niewygodna, przychodzą, bo się znają.
Któregoś dnia musiałem sprzedać dzieło wbrew mojej woli. Kiedy powiedziałem, że to moja ulubiona martwa natura, domowa, jeden z panów, którzy przyszli, powiedział: „Ale Piotr Iwanowicz potrafi to zrobić, żeby nigdzie nie latać”. A ja musiałem jechać do Paryża. Roześmiałem się: teraz jestem wolny, polecę przez Ukrainę. I odpowiedzieli mi: „Ale Piotr Iwanowicz może dopilnować, żeby samolot nie doleciał”. Byłem naprawdę przerażony, mój Boże, kogo do mnie przyprowadzono, mafioso?! Ku mojemu rozczarowaniu musiałem sprzedać tę pracę. Nawet wysoka cena ich nie powstrzymała.
- A tak świętujesz swoją rocznicę - z jakimś zamętem w duszy?
- Żyję tak cały czas. I na początku lat dziewięćdziesiątych, kiedy kraj upadł i panowało poczucie bezużyteczności, i w roku 85, kiedy nie pozwolono mi wyjechać za granicę i wydawało się, że życie się skończyło. Pamiętam też poranną rozpacz na początku tego roku, kiedy dowiedziałem się, że na rozkaz urzędników usunięto mój nieszkodliwy pomnik ze sklejki „Robotnik i Chłop”, który stał przy wejściu na Maneż podczas mojej wystawy. Niektórzy uważali, że w pobliżu Kremla nie ma dla niego miejsca. Poczułam się jak wiele lat temu, kiedy moje obrazy zostały usunięte z wystawy. Niedawno spotkałem jednego z tych urzędników zajmujących się sztuką. Nie spodziewałem się, że spotkam mnie jako akademika. On kwitnie...
Nikołaj EFIMOWICZ.
Artystka Tatyana Nazarenko stworzyła własną tradycję: już piąty rok obchodzi swoje imieniny – Dzień Tatyany, 25 stycznia – wystawą nowych prac. Pierwsza odbyła się w Galerii Trietiakowskiej, obecna „Mój Paryż” otwiera się w galerii Manege, w Centralnej Sali Wystawowej.
Talent Nazarenki obejmuje wszystkie gatunki malarstwa. A po każdej jej wystawie można spodziewać się niespodzianek.
W zeszłym roku Nazarenko stworzyła na swojej wystawie iluzję podziemnego przejścia, zapełniając je tłumem boleśnie znajomych twarzy. Wydaje się, że jej bohaterowie wyszli z obrazów, stając się „fałszywymi” postaciami ze sklejki, niczym te, które stawiają obok nich uliczni fotografowie. Rzeźby ze sklejki można przenosić i zamieniać. Odbiór tylko pozornie przypomina nam uliczny kicz. Każda postać stała się swego rodzaju portretem społecznym, odzwierciedlającym dokładne znaki czasu. Wystawa „Transition” gościła już w USA, a obecnie kontynuuje swoją podróż po Niemczech.
Tatiana Nazarenko mieszkała w Paryżu zeszłego roku na wiosnę. Bez turystycznego pośpiechu, z rodziną, w normalnym rytmie miejskiego życia. I jak sama mówi, czuła się tam spokojnie i swobodnie. Efektem tej podróży i kontynuacją eksperymentu z malarstwem i rzeźbą na sklejce jest nowa wystawa.
Artysta wśród swoich paryskich bohaterów.
Każdy ma swój własny Paryż. Nazarenko interesował się Paryżanami. Jej obecnymi bohaterami są studenci, mieszczanie, młodzi fashionistki w małych czarnych sukienkach, kelnerzy, kupcy, prostytutki, zakonnice, kataryniarz... Przed nami różnorodne typy ulic miejskich: dzienne i wieczorne, w kawiarni, w parku, w antykwariacie. A wśród tych rzeźb ze sklejki, jak widać na fotografii, sama artystka zajmuje bardzo naturalne miejsce.
Jeśli w zeszłorocznym „Przejściu” znudziło Wam się szare tło, tutaj jasne kolory igrają na kolorowych płaszczyznach. Ale apel wystaw nie sprowadza się wcale do opozycji. Nazarenko nie jest skłonny do prostoty. Lubi Paryżan, ale im nie schlebia.
Inga PREŁOWSKA
Powszechnie przyjmuje się, że jest najjaśniejszą gwiazdą wśród współczesnych rosyjskich artystów. Obrazy znajdują się w zbiorach Muzeum Rosyjskiego i Galerii Trietiakowskiej oraz w znanych kolekcjach prywatnych. Laureat Nagrody Państwowej, członek korespondent Akademii Sztuk Pięknych i profesor Instytutu Surikowa. To wszystko Tatyana Nazarenko.
Figury ze sklejki niesympatycznych mieszkańców moskiewskich przejść podziemnych, „fałszywe” pomniki LUZHK0VU z łopatą, Kirkorowa i inne instalacje. wywołując oburzenie wśród krytyków estetycznych. To także Tatyana Nazarenko,
Świętego Piotra w projekcie „12 dobrych uczynków”.
W Centralnej Hali Wystawowej Manege odbyły się XIV Moskiewskie Targi Sztuki „Art Manege”, które rozpoczęły się czternaście lat temu jako bardzo ambitny projekt, będący dowodem żywotności rosyjskiego rynku sztuki. Ale początkowo pomysł został zaszczepiony wszystkożerną bombą: sztuka salonowa współistniała tutaj ze stoiskami ekskluzywnych galerii. Kiczowy blask i intelektualna bieda, które połączył Art Manege, pomogły w powstaniu gwiazdy „Art-Moskwa: zawodnicy peer-to-peer”, odbywającej się w Centralnym Domu Artystów. Art Manege próbował ratować swoją reputację – albo za zgodą rady ekspertów, na której czele stał ekspert o światowej renomie, Viktor Misiano, albo
zapraszając kuratorów (co w przypadku jarmarku jest bzdurą) od artysty Aleksandra Jakuta po właściciela galerii Władimira Owczerenki. Nie pomogło. A „Manege” od kilku lat wyrzeka się roszczeń do wzniesienia, reprezentując wszystko, co istnieje (a dokładniej tych, którzy zapłacili za dzierżawę terenu). Zaledwie kilka lat temu wystawcy Art Moskwa weszli do Maneża, aby przekonać się o niekompetencji swoich przeciwników, paradując z aroganckim spojrzeniem. Jednak ze względu na kryzys finansowy i problemy celne okazało się to nieskuteczne. I tak na obecnym wernisażu można było spotkać działaczy sztuki współczesnej, którzy z ukrytym zażenowaniem pytali się nawzajem: „A wy
Co Ty tutaj robisz? Oznacza to, że Art Manege w istocie nie stał się lepszy, ale pozostał potencjalną platformą dla rynku.
I tym razem było co zobaczyć nawet dla eksperta. Jednak to, co najlepsze, reprezentuje tu nie sztuka pseudonowoczesna, ale modernizm i „druga awangarda” nonkonformistów. Najlepszy projekt „Sztuka trzech dekad. 1910-1930” ma charakter ogólnie niekomercyjny. „Klub Kolekcjonerów Sztuk Pięknych” prezentował przedmioty artystów pierwszej tercji ubiegłego wieku pochodzące ze zbiorów prywatnych. Ekspozycję przygotował prezes klubu Walerij Dudakow, jeden z najlepszych znawców rynku antykwariatów. Nadieżda Lermontowa,
Vera, Michaił... Nazwy robią wrażenie, choć rzeczy nie jest tak dużo. A „Galeria SHPENGLER” (w poprzednim życiu znana jako „Stare lata”), znana ze stałej współpracy z Galerią Trietiakowską, pokazała swoich ulubieńców - od ucznia Burliuka, skruszonego futurysty z Uralu Wiktora Ufimcewa, po podziemnego abstrakcjonistę Walentin Okorokow, lata 60. Jak zawsze „Pan Dan” - ze swoimi, Jakowlewem i. Nowo powstała „Galeria na Wspolnym”, należąca do „Towarzystwa Zachęty Sztuki”, również stowarzyszonej z Państwową Galerią Trietiakowską, zaprezentowała Pławińskiego o wręcz muzealnym poziomie. Na stoisku Nowego Maneżu swoje podręcznikowe fotografie wystawiał kronikarz podziemia Lew Mielichow.
Otóż dwa hity targów: wystawa „InArtis” z sitodrukami Andy’ego Warhola (rozesłana i niesygnowana, ale wykonana za błogosławieństwem autora) oraz „Zebra Bliss: dawniej znane jako „Muzeum Ekslibrisów” – to nie są ekslibrisy, ale wspaniałe przedmioty klasycznego francuskiego „nowego realizmu” „Armanda, grafficiarza Criqui, a nawet Keitha Haringa, słynnego amerykańskiego „nowego falowca”.
Generalnie okazało się, że nie jest to nic wstydliwego. A żyjących artystów rosyjskich reprezentowali godne nazwiska i godne dzieła: Tatiana Nazarenko, Klara Golicyna, Konstantin Sutyagin, Aleksander Szewczenko…
Ale Boże, zmiłuj się, tego właśnie musieliśmy szukać
na łącznej powierzchni 5000 metrów kwadratowych.
Cóż, jeśli chcesz odkryć i nowych wrażeń, dostaniesz wszystkie metki i metki. Jarmark jak jarmark. Swoją drogą, zgodnie z przewidywaniami, nasi nonkonformiści sprzedawali coraz więcej. Większość galerii nieznanych światłemu społeczeństwu nie płaciła za swoje stoiska. Jednak w odróżnieniu od Art Moskwa: targów Art Manege nie upublicznia swoich wyników komercyjnych. Jest nieśmiały, prawda?
Fiodor Romer.
Pod jedną ze ścian pracowni piętrzyły się dziesiątki zasłaniających się płócien. I zanim artystka zdążyła zwrócić do mnie swoją kolejną pracę, przeczytałam jej tytuł, jakbym przeglądała spis treści nieznanej mi książki.
„Uzbecki ślub” – czytam na noszach. I podczas gdy Tatiana Nazarenko powoli rozkłada płótno, ja mam czas, aby cieszyć się tematem, jak mi się wydaje, stworzonym dla naszego magazynu dla kobiet. Ale oto obraz przede mną. Patrzę i ogarnia mnie jakiś niezrozumiały niepokój. Dlaczego? Gdzie? Przecież na płótnie wydaje się, że nie ma nic tragicznego: w pobliżu niskiej dmuchawy pomalowani nieco parodycznie muzycy nawołują ludzi na rodzinne wakacje, obok chudy, blady chłopiec zasypujący kwiatami drogę do domu. Po lewej stronie, w rogu zdjęcia, goście. Ludzie w różnym wieku, o różnych temperamentach, odmiennie postrzegają nadchodzące święto: jedni są otwarcie szczęśliwi, inni po prostu ciekawi. A wszystko to autentyczne i kolorowe. Więc o co chodzi? Skąd bierze się to uporczywe przeczucie kłopotów, może ma to związek z niepokojącym czerwonym tłem obrazu lub smutną twarzą chłopca. rozrzucać kwiaty? A może goście? To tak, jakby celowo zwlekali z przekroczeniem progu domu przygotowanego na święto.
Rozmawiam o tym z Tatianą Grigoriewną
Tak, na tym weselu” – mówi – „ wydarzyło się tragiczne wydarzenie - zmarł ojczym panny młodej. Wspaniały człowiek, który ją wychował i wykształcił. Najwyraźniej to bolesne wrażenie, o którym starałam się nie myśleć podczas pracy nad obrazem, jednak odniosło skutek...
Cóż, najwyraźniej dla każdego prawdziwego artysty prawda życia i prawda sztuki są nierozłączne.
Tatyana Nazarenko, absolwentka Instytutu Surikowa, zadebiutowała na wystawach w latach studenckich obrazami „Matka z dzieckiem” (1966) i „Macierzyństwo”. Drugi obraz, namalowany w 1968 r., także był pracą dyplomową artysty, w tym samym roku powstał „Wesele uzbeckie”.
Studenci.
W późniejszych utworach, takich jak „Młodzi artyści”, „Studenci”, „Moi współcześni”, „Po egzaminie”, „Goście w akademiku”, autora pociągała nie tyle fabuła, ile głębia cech psychologicznych .
Po egzaminie.
A jednak największą sławę zyskało dzieło Nazarenki „Egzekucja Narodnej Woli”. Młodej artystce udało się na swój sposób zrozumieć tragiczny temat Narodnej Woli, której moralność zawsze podziwiała.
To zdjęcie w pewnym stopniu podsumowało lata studiów w instytucie, gdzie nauczycielami młodego artysty byli znani malarze A. Gritsay i D. Zhilinsky. Ale jednocześnie studiowała u włoskich i niemieckich mistrzów wczesnego renesansu. Czy to nie tutaj niebo w „Rozstrzelaniu Narodnej Woli” nie ma koloru wyblakłego renesansowego fresku – jasnego, jasnoniebieskiego? A na portretach współczesnych Nazarenki nie, nie, i otoczy twarz kołnierzem. przypomina hiszpańską falbankę.
Artystę pociąga zarówno gatunek, portret, jak i kompozycja historyczna. Ale ma obrazy, które postrzegasz jako poezję, jako muzykę. Najważniejsze w nich jest nastrój. Jednym z takich obrazów jest „Wieczór w Tarusie”. Samotność i zagubienie czają się w odległych od siebie maleńkich domkach, otoczonych surowymi sosnami, niespokojne jest przyćmione, żółte światło latarni kołysanej przez wiatr. Obraz ten został namalowany w Domu Artystów Tarusa, najwyraźniej w jeden z dni kiedy tęsknota za opuszczonym domem przezwycięża wszelkie inne uczucia.
„Pożegnanie zimy”, „Spotkanie z gośćmi w Mołdawskim PGR”, narracja liryczna „Obchody Nowego Roku”, martwe natury „Kwiaty w warsztacie” i „W warsztacie” zostały rozwiązane w zupełnie innej, durowej tonacji. Za dwie ostatnie prace Tatyana Nazarenko otrzymała pierwszą nagrodę na Międzynarodowym Konkursie Młodych Malarzy w Sofii
A teraz jej obrazy są wystawiane w NRD i cieszą się dużym uznaniem niemieckiej publiczności.
Tatiana Nazarenko, laureatka Nagrody Lenina Komsomola, nieustannie poszukuje. To jest klucz do jej sukcesu. Aktualne i przyszłe.
I Igor Nowikow w przeddzień ich wystawy w Szwajcarii. Rozmowa okazała się intensywna, na temat postrzegania sztuki dziś i wczoraj, w naszym kraju i na Zachodzie. Postanowiliśmy opublikować go dla Was w całości, bez skrótów.
Powiedz nam, jaką wystawę otwierasz w Zurychu?
Igor Nowikow: Wystawa nosi tytuł „Russian Seasons” i będzie można ją oglądać od 12 stycznia w Galerii Jedlitschka (Seefeldstrasse 52. CH - 8008 Zürich, Szwajcaria). Dobra galeria, w samym centrum Zurychu, z przestronnymi, jasnymi pokojami, dużymi oknami. Jej właściciel, Szwajcar, nie pierwszy raz organizuje moje wystawy. Na wystawie zaprezentuje się trzech artystów: ja, Tanya Nazarenko i mój ojciec, artysta Aleksiej Nowikow. Częściej niż Moskwę odwiedza Szwajcarię. Był także artystą poszukiwanym, wystawiającym w wielu miejscach. Każdy z nas będzie miał 8-9 prac. Do wystawy zostanie wydany katalog.
Aleksiej Nowikow. Uroczystość. 42x62 cm olej na płótnie. 2000
„Rosyjskie pory roku”… czy bezpośrednio kontynuujecie idee Diagilewa, prezentując zachodniemu społeczeństwu Rosję i rosyjską sztukę?
Igor Nowikow: Tatianę najbardziej interesują nie tyle Europejczycy, ile dawni „nasi” w Szwajcarii, Niemczech i Francji. Europa jest mała i na wskroś społeczna. w Internecie ludzie z różnych stron świata pytają, kiedy będzie wystawa Tatiany, czy będzie można ją zobaczyć itp. Są to nie tylko ci, którzy wyemigrowali w latach 90., ale także ci, którzy wyjechali niedawno. Znają Tatianę przede wszystkim z moskiewskiego środowiska artystycznego. Ale Szwajcarzy znają mnie i mojego ojca lepiej. Ale bez względu na to, jakie mamy paszporty, zawsze będziemy rosyjskimi artystami, a nasza sztuka jest sztuką rosyjską. Dlatego tak, ta wystawa reprezentuje sztukę rosyjską dla Europejczyków. Ale oczywiście nie wszystkie, ale tylko te, w które jesteśmy szczególnie zaangażowani.
Igor, rozmawialiśmy już o sztuce Tatyany Grigoryeny w jednym z naszych wywiadów, opowiedz nam proszę o swoich obrazach. Czy ci ludzie są jakimś symbolem?
Igor Nowikow: To są piktogramy. Znaki konwencjonalne. Fantomy. W zależności od sytuacji i obrazu mogą one oznaczać różne rzeczy. Humor, współczucie, historie biblijne, czasem są to kwestie polityczne. Pojawiły się na moich płótnach w latach 80., w okresie pierestrojki, i początkowo były czerwono-czarne. Potem zaczęły pojawiać się inne kolory, biały, zielony, żółty... To nie są znaki drogowe (jak niektórzy sugerują), ale zupełnie wymyślone postacie - ktoś wchodzi po schodach, ktoś leci po niebie, ktoś wychodzi z ziemi, wchodzi linia przebiegająca przez Moskwę lub przez rosyjskie krajobrazy i tak dalej.
Igor Nowikow. Żegnaj, Rosjo! 150x200 cm Olej na płótnie. 2004.
Dla artystów malowanie to czysta fiksacja, ale czy masz tu jakieś oczywiste stwierdzenie?
Igor Nowikow: Staram się wywołać napięcie, zadać pytanie i odzwierciedlić czas, w którym żyję. Zauważyłam, że czasami wydarzenia, które przedstawiam na moich obrazach, stają się prorocze. Na przykład obraz „Żegnaj, Rosjo!” Rysowałem w 2004 roku. Wycinka lasów to wieczny chaos w Rosji z samotnym ocalałym niedźwiadkiem, który z niepokojem patrzy na naszą kremlowską nekropolię – Mauzoleum, z odwiecznym pytaniem „Co robić?”. Biały kolor trzech postaci reprezentował kolor budzącej się rewolucji. Moja druga praca „Moskiewski upał”, 2009. Nie wiedząc o zbliżającym się rozłamie na Ukrainie, narysowałem gaszące pożar na tle Flagi Ukrainy nasze dwugłowe Orły z konewkami.
Moskiewski upał. 140x190 cm Olej na płótnie. 2009
Moja żona Tatyana, z czego jest genialną artystką i z czego słynie? Fakt, że odzwierciedlała swój czas. Uważam, że to jest główne zadanie artysty. To co robimy. Im bardziej indywidualnie to robisz, tym bardziej masz „własną twarz” w sztuce, tym bardziej jesteś Artystą. I to nie tylko rzemieślnik, który nie indywidualizując się, rysuje pejzaż, kościół, wodospad, las i tak dalej, które były już malowane setki razy. Artysta musi mieć swój własny świat, w którym żyje i do którego zaprasza widza. A kiedy widzimy ten przenośny świat, od razu czytamy, że to Tatiana Nazarenko, a to Natalia Nesterowa, tutaj Tselkov i tak dalej. To wskazuje, czy artysta jest geniuszem, czy nie.
Po prostu maluj pejzaże i szkice, rób zdjęcia itp. - to nie jest poważne. Zadaniem artysty jest zobrazowanie, stworzenie nowego, wyimaginowanego świata. Czas pokaże, czy nam się to udało, czy nie.
Zgadzam się z Tobą w stu procentach, że „inność” czyni artystę. Ale w naszym kraju „inność” była zawsze szczególnie eliminowana.
Igor Nowikow: W środowisku artystycznym powszechnie zdarza się, że artyści kłócą się, żeby kogoś zaprosić, nalać wina, zawrzeć umowę, przybrać mądrą minę, zostać członkiem różnych rad i komisji, partii. Biegają po różne tytuły, medale, odznaczenia. Przypomina mi to demonizm.
Nawiasem mówiąc, z Tatianą Grigoriewną jest jasne, ale czy masz też tytuły?
Igor Nowikow: Jestem członkiem honorowym Rosyjskiej Akademii Sztuk. Nie będę tego ukrywać, jestem szczęśliwy i wdzięczny Akademii. Oczywiście było mi wstyd, że otrzymałem ten tytuł. Pamiętam Akademię z Instytutu Surikowa, gdzie studiowałem w warsztatach Yu Korolewa. E. Salakhova...... Oczywiście nie wszyscy byli tam wyjątkowo wybitnymi artystami, ale dla nas akademikami byli bardzo szanowani starcy, w okularach, w szaro-czarnych marynarkach. Było ich nie więcej niż pięćdziesiąt. W Akademii panowała taka cisza, że postrzegaliśmy ją jako Świątynię Sztuki, ezoteryki, jakiś zamknięty porządek. Ale teraz oczywiście nie jest już tak różowo. Czasami patrzy się na to, kto jest w Akademii i pojawia się wielkie pytanie i niespodzianka.
Wspomniałeś o Instytucie Surikova, czy to był twój teren? Czy rozwinąłeś się tam jako artysta?
Igor Nowikow: Zacznijmy od tego, że mój tata jest artystą. Oczywiście, jak wszystkie dzieci, ja też od początku coś rysowałam. W rezultacie okazało się, że zostałem także artystą. Chociaż mój ojciec nie był zbyt szczęśliwy. Oczywiście nawet w tamtych czasach życie artysty nie było łatwe, ale w czasach sowieckich władze traktowały nas choć trochę życzliwie, zapewniały warsztaty i coś jeszcze. Teraz musisz sam przetrwać / zarabiać / kupować / wynajmować, co chcesz, robić, co ci się podoba. Bycie artystą dzisiaj coraz bardziej przypomina swego rodzaju klownię.
Czekaj, ale twoja kreatywność raczej nie byłaby faworyzowana przez władze...
Igor Nowikow: Oczywiście nie. Wiele prac umieszczono pod ścianą. Nie sposób było pokazać wszystkiego. Na przykład niebo z obrazu Tanyi.
Takiego błękitu nieba nie można było namalować w latach 80.
Tatiana Nazarenko. Kobieca firma. 150x120 cm Olej na płótnie. 2007.
Ponieważ było wielu innych artystów, Papikyan, byli też inni, którzy krzyczeli i tupali: „Jak to możliwe, muszą być chmury, musi być sfumato!” Teraz trudno w to uwierzyć. Podobnie jak na przykład w Popkovej, latało dużo szyszek i tak dalej. Sam kolor może wielu zirytować. W tamtych czasach też nie było łatwo.
Kiedy studiowałem w instytucie (w końcu w Moskwie było lepiej niż w Leningradzie, Surikowski był zawsze bardziej „lewicowy”, bardziej swobodny), ale mimo to, gdy wielu nauczycieli widziało moje błękitne niebo lub zieloną ziemię, co czasami zrobił, chwycił ich za głowy. Moje rysunki były dobre, próbowałem, w końcu to Instytut Surikowa. Starałem się przestrzegać szkoły Repina w Surikowie. Jeśli chodzi o kompozycję, wydawało mi się, że potrafię wyrazić swoją wizję i uczucia. Zawsze myślałem, że kompozycja to wolność. Co możesz bezpiecznie pokazać według własnego uznania. Kiedy te błękitne, czerwone, pomarańczowe barwy, których było mnóstwo na moich obrazach, zobaczył ówczesny proboszcz Paweł Iwanowicz Bondrenko, tupnął nogami i krzyknął: „Jak to możliwe? Tak, jak śmiecie!” Instytut Surikowa należał do komitetu partii rejonowej Żdanowskiego, pamiętam, że na wszystkie seanse przychodziła jedna kobieta, pierwsza sekretarz obwodu. Dlatego też, gdy zobaczyli „lewicowców”, zostali wydaleni z instytutu. Na przykład dwukrotnie mnie wyrzucono i trzeba było przenieść do innych warsztatów, bo trochę inaczej widziałem kolor, kształt czy tematykę – to było smutne.
Potem były skargi i trudności, ale teraz pojawiły się kolejne...
Igor Nowikow: Tak. Teraz też nie ma specjalnej wolności. Zaczęli mówić, że pokazywanie nagości jest zabronione. To jest zabawne.
Chodzimy do wszystkich muzeów na świecie i widzimy tam nagość. Nikomu nie przyszło do głowy, aby postrzegać to jako pornografię, molestowanie lub cokolwiek innego niż sztukę.
Tanya Nazarenko: W tym tygodniu zabrali mnie do pracy na wystawę w Akademii. Nie mogłem jednak znaleźć potrzebnej mi pracy, która była już opublikowana w katalogu. I zaproponowała jeszcze jedną, również czerwoną, a były tam dwie dziewczynki bawiące się stopami głową mężczyzny. Mówią mi: „Tatyana Grigoriewna, cóż, rozumiesz, co jeśli przyjdzie ktoś z Ministerstwa Kultury i nie spodoba mu się ta praca?”
A czy komukolwiek z Ministerstwa to się spodoba? Czasami zapominamy, w jakim świecie żyjemy i jak szybko wszystko może się zmienić.
Tatiana Nazarenko. Gra. 120x80 cm Olej na płótnie.
Cieszę się, że opuściłem Instytut Surikowa i mogę teraz swobodnie podróżować. To nie tylko małe rzeczy, ale najważniejsze: teraz studenci instytutu powinni wiedzieć, jak wdrożyć określony pomysł i nic więcej. Surikowski i Repinski zawsze byli instytucjami Twórców. Dziś to się zmieniło. Przypomina to teraz bardziej instytut rzemieślników niż instytut ludzi kreatywnych, artystów. Co robi kościół? Piotrowski niedawno słusznie powiedział, że spektakle teatralne mogą oceniać tylko krytycy teatralni, a nie kościół i nawet publiczność. I nie będzie Piotrowskiego, który broni sztuki, będzie jakiś jego zastępca, który tego nie zrobi.
Igor Nowikow: Wydaje mi się, że w Moskwie, w Rosji duchowość kończy się stopniowo i całkowicie. Duchowość, która była jej nieodłączna w okresie sowieckim, a zwłaszcza w okresie przedsowieckim. Wraz z nadejściem sowieckiego kapitalizmu gangsterskiego i rewolucji kościelnej kultura w Rosji ostatecznie znalazła się w ślepym zaułku i degradacji.
W moich pracach nie śmieję się ani z Rosji, ani z Zachodu. Wręcz przeciwnie, jest mi smutno. Masowe oszukiwanie ludzi ma miejsce zarówno tu, jak i tam. Ale u nas w większym stopniu. Szkoda, że Rosja jest najbogatszym krajem na świecie, posiadającym tak wiele zasobów naturalnych, ropy, ziemi i tak dalej, ale w przeciwieństwie do na przykład Norwegii, gdzie 50% należy do Norwegów, czy Arabii Saudyjskiej, gdzie człowiek już urodził się milionerem. Większość naszej populacji żyje w biedzie i zniszczeniu, wiodąc skromny tryb życia.
Igor Nowikow. Wieczorna rozmowa, wieczorny dzwonek. 95x130 cm Olej na płótnie.
Igor, ale jesteś włączony 28. miejsce w rankingu „50 najdroższych żyjących artystów rosyjskich” według The Arts Newspaper Russia. Jak tego dokonałeś i jak zostałeś obywatelem Szwajcarii?
Igor Nowikow: Pod koniec lat 80-tych łatwiej było już zgodzić się na warsztat, więc dostałem na warsztat dom przy Furmanny Lane. Groziła mu eksmisja i zdaje się, że nam go dali za 200 rubli, „róbcie, co chcecie”. Mieszkańcy wyprowadzili się, a kolonia artystyczna rozrosła się. W 1989 roku na naszą wystawę przyjechali obcokrajowcy, którzy postanowili pokazać ją w Warszawie i wydali katalog. Następnie pojechała do muzeum Martigny w Szwajcarii. Pojechaliśmy na wernisaż i tam podpisałem umowę z właścicielami galerii. Później otrzymał stypendium UNESCO. Okazuje się, że od 1990 roku mieszkam na Zachodzie, choć oczywiście nigdy też nie straciłem kontaktu z Rosją. W 1993 roku miałem indywidualną wystawę w Galerii Trietiakowskiej. Ale tutaj znają mnie mniej niż w Europie, gdzie rozpoznają moje prace i moje piktogramy. Ogólnie rzecz biorąc, na przestrzeni lat wartość dzieła w jakiś sposób ewoluowała. Było wiele wystaw, różnych katalogów, ceny stopniowo rosły.
Moskwa pojutrze. 155x200 cm. Hm. 1989. Ten cykl prac znajduje się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej.
Tatiany i mnie nie było w Rosji przez jakiś czas, a teraz, kiedy usłyszeliśmy z ekranu telewizora, że kraj musi wesprzeć Aleppo, odbudować te wszystkie ruiny, nie rozumiemy, kiedy cały nasz kraj jest w ruinie, co może Rozmawiamy o? Państwo nie zbudowało ani jednego muzeum. Ale tylko to jest Centrum Jelcyna.
Tatiana Nazarenko: Wiesz, to bardzo swobodna koncepcja: „Jelcyn dał wolność”. Kiedyś Natasha Nesterova i ja osobiście otrzymaliśmy nagrody państwowe z rąk Jelcyna. Dostaliśmy wolność. Nigdy w życiu nie dostałbym nagrody państwowej, gdyby nie Jelcyn. Nie wcześniej, nie teraz. Pamiętam, że wtedy Bazhanov głosował na mnie, a drugim kandydatem był Wiktor Iwanow, który według wszelkich praw powinien jako nasz wielki realista otrzymać tę nagrodę. Szanuję go do szaleństwa, ale fakt, że przyznano mi nagrodę, był możliwy dopiero za czasów Jelcyna. Ale z jakiegoś powodu nikomu nawet nie przyszło do głowy, aby poprosić o moją pracę lub Nataszę Nesterową na wystawę w Centrum Jelcyna. Dowiedziałem się o tym wszystkim dopiero z mediów, widząc, jak Putin, Miedwiediew, Naina Jelcyn i inni artyści wystąpili przed obrazem Erika Bułatowa „Wolność”.
Igor Nowikow: W naszym kraju kultura nie jest wspierana przez państwo. Zresztą władze nie są zainteresowane sztuką, którą tworzymy.
Władze kochają to, co jest dla nich zabawne i zrozumiałe, w najgorszym przypadku teatr, scenę, kino.
Igor Nowikow. Wielki Striptiz. 140x190 cm 1994
Sztuka nie bawi władz, nie można się przy niej specjalnie zrelaksować, nie zatańczy się, nie zaśpiewa się w karoce. Kultura w ich rozumieniu to rozrywka, słuchanie piosenek „w rytm sklejki” w swojej willi w Lugano lub Monte Carlo, albo w najgorszym przypadku w Rublyovce lub Sochi Ples. Chodziłem do tych teatrów, jest ich dziesiątki setek w Rosji, a zwłaszcza w Moskwie, zbudowanych dla artystów ludowych i tak dalej, wszystkie błyszczą, wszystkie są z marmuru. A po co im nas, artystów?
Tatiana Nazarenko: Nie interesuje mnie, kiedy sztuka jest chwilą rozrywki.
Rozrywka jest świetna, ale nie mogę się z tym zgodzić. Sztuka to nie tylko rozrywka, to poznanie świata.
Tatiana Nazarenko. Rzeźnika. 140x170 cm Olej na płótnie. Moskiewskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej.
Muzeum Sztuki Współczesnej zostało stworzone przez Zuraba Tseretelliego w wyniku ogromnych bitew, walk i jego własnych wpływów. Akademia Sztuk Pięknych została odcięta od wszystkich instytucji i wszystkich budżetów. Państwo nie kupuje sztuki współczesnej. Wiele rzeczy, wiem to od siebie, zostało zakupionych dla Moskiewskiego Muzeum Sztuki Nowoczesnej osobiście z kieszeni Zuraba Konstantinowicza, za co jestem mu bardzo wdzięczny.
Sztuka przekracza duże granice. Coraz dalej. W latach 90. było lewo, było prawo, było wiele wspaniałych wystaw, rzeczywiście, wolność działania. Arena została teraz odebrana i oddana sztuce współczesnej.
Tatiana Nazarenko:Świetna, sztuka uliczna.
Ale sztuka piękna nie jest teraz pożądana. Mam na myśli sztukę sztalugową.
Tatiana Nazarenko. Duża firma. 360 x 100. zobacz olej na płótnie 2013.
W tym samym roku w Puszkinskim odbyła się wystawa Browarów i Cranachów. Proszę o malowanie sztalugą. Specjalnie stworzył serię prac.
Tatiana Nazarenko: Tak, ostatnio były takie „wystawy niepotwierdzone”: Pivovarov-Cranach, Gutov-Rembrandt. Wszyscy chodzą z bystrym wyrazem twarzy, szukając bliskości Rembrandta w gruczołach Gutowa. Nie mam nic do Gutowa, dla mnie jest to fajny artysta, choćby nie w porównaniu z Rembrandtem. Moim zdaniem to anegdota.
Więc jesteś przeciwny sztuce współczesnej w klasycznym muzeum?
Tatiana Nazarenko: Nie, uważam, że sztuka współczesna zyskuje coraz większą przestrzeń.
Igor Nowikow: Boyce przywiózł kiedyś śmieci do muzeum w latach pięćdziesiątych. Swoją drogą chcieli go za to wyrzucić z Niemiec i pozbawić obywatelstwa. Ale jak już będzie ciekawie, to śmieci w muzeum. Albo w Szwajcarii mamy jednego biegającego nago po muzeach, a teraz siedem muzeów czeka, aż przebiegnie przez swoje korytarze. Albo tak zwany „artysta” przywiózł jej brudne, nieposłane łóżko, z majtkami, wódką i prezerwatywami na Biennale w Wenecji, po czym pokazano je w wielu muzeach. Więc co to jest? To jest teatr, to jest akcja, ale to nie jest sztuka piękna. Wyświetlaj złote toalety, linie biegowe, ekrany telewizyjne, przypadkowe fotografie, fragmenty naszego codziennego życia... Cyrk, budka, namiot, nie wiem, jak to nazwać, ale to nie jest sztuka piękna.
Różni ludzie, różne gusta, nie zaprzeczam. Nie jestem przeciwny sztuce konceptualnej. Wydaje mi się jednak, że świat stał się pod tym względem jednostronny. Nie tylko w Rosji, ale na całym świecie następuje silny zwrot w stronę współczesnej sztuki konceptualnej. Gdzie jest demokracja? Istnieją inne wizje świata, w którym żyjemy. Dlaczego mówią, że rzeczywista instalacja jest sztuką, a malarstwo nie jest sztuką?
Poczekaj, ale nikt nie kwestionuje, że to, co robisz z Tatianą, jest sztuką.
Igor Nowikow: Oczywiście nie. W tym przypadku nie martwię się o siebie. Mówię ogólnie o malarstwie i mediach tradycyjnych. Przykro mi, że wiele osób nie widzi ciekawych rzeczy, które dzieją się w Moskwie i innych miastach.
Jest jedna sztuka – konceptualna i jest druga. Oczywiste jest, że jeśli mówimy o galerii prywatnej, to właściciel galerii ma prawo wystawić to, co uzna za konieczne. A jeśli chodzi o muzea państwowe i obiekty wystawiennicze, inna sztuka ma prawo być tam reprezentowana. Budżet żyje kosztem podatników. W Szwajcarii bardzo mocno liczy się opinia podatników, opinia różnych grup ludzi. Słuchają go. Prowadzone są sondaże, debaty, głosowania, a wszelkie spory rozstrzygane są na szczeblu państwowym. Oczywiście także w Szwajcarii priorytetem jest sztuka konceptualna. Ale debata trwa.
Ktoś powie: po co nam Kandinsky, Miro, skoro to wszystko już się wydarzyło? Ale Boyce, wiesz, to też zdarzało się wcześniej?
Igor Nowikow. Walia. 80x80cm. olej na płótnie 2014.
A w takim razie gdzie umieścić te instalacje ze śmieci i tym podobnych, gdzie je przechowywać? Ale zapłacili za nie mnóstwo pieniędzy, otrzymali dotacje. Uważam, że wielu współczesnych artystów „zatyka fale radiowe”. Trzymają się razem w stadzie, swoją energią propagują swoje własne rzeczy, tylko dezorientując ludzi. Utwierdzają się w przekonaniu, że „wciskają” swoje projekty do muzeów państwowych. Potem biegają po świecie i krzyczą: „Jesteśmy w muzeum, jesteśmy na biennale!”
Ale komu to potrzebne? Nawiasem mówiąc, tej hańby nie ma na aukcjach. Dobra sztuka jest sprzedawana na aukcjach. Sztuka. Ludzie, ci, którzy kupują, nie potrzebują tych bzdur. Weźmy tego samego Kabakowa, bo on też wrócił do malarstwa. I umie rysować, ma dobre wykształcenie.
Tatiana Nazarenko: W Nowym Jorku ludzie chodzą do Metropolitan, do MOMA, żeby zobaczyć sztukę.
Czekaj, ale ty jesteś Tanya, to ty robiłaś instalacje. Życie w sztuce to już nie tylko malarstwo. Czy odczuwasz współczucie lub zainteresowanie ze strony któregokolwiek z obecnych artystów, a nie malarzy?
Wystawa „Znikająca rzeczywistość” Tatiany Nazarenko w Pałacu Marmurowym Państwowego Muzeum Rosyjskiego, 2006
Tatiana Nazarenko: Uwielbiam instalacje wideo. Sztuka wideo. To jest interesujące. Chcę jednak powiedzieć, że jest to inna sztuka. Sviblova ma wspaniałe, wspaniałe muzeum, ale te media to inna sztuka. W teatrze, w muzyce są gradacje, ale z jakiegoś powodu w sztuce te gradacje się zacierają. Jeśli to się nazywa sztuka piękna, ale moim zdaniem jest to coś innego. Ze współczesnych artystów współczesnych nie wiem, może z Igorem się nie dogadamy, ale ja lubię AES+F. Ale znowu Tanya Arzamasova pisze znakomicie. Rysują, piszą na płótnach. Zadają pytania.
Artysta to ten, który tworzy swoje rzeczy artystycznie. Ma problemy i rozwiązuje je w sposób artystyczny.
Igor Nowikow: Bardzo podobała mi się wystawa Geliya Korzheva. Ja na przykład odkryłam ten serial z demonami, diabłami... Ale widzisz, on jest Artystą. To ciekawe i zawsze będzie interesujące. Ale dwadzieścia kieliszków, trzydzieści butelek czy łóżko przyniesione do muzeum to nic, to zilch. Zostaw to poza muzeum i nikogo to nie będzie obchodziło. Nie teraz, a zwłaszcza nie w przyszłości. Śpieszą do muzeów, żeby być blisko klasyki, żeby nadać sobie artystyczny akcent. Ale od razu widać, czy dana osoba jest profesjonalistą, czy nie.
Dlaczego tak wiele osób przybiegło do Furmana? Bo „zalało”. Mógłbyś zarabiać pieniądze. Pierwsza fala zarobiła mnóstwo pieniędzy na sztuce. Ludzie spieszyli się tam, bo można było zdobyć sławę, jakoś nadać sobie znaczenie. Zakończyło się w 1993 roku. I tyle, wszyscy ci „artyści” zniknęli. Ktoś zaczął grać na perkusji, potem widać, że już koncertuje, potem został redaktorem naczelnym jakiegoś magazynu, inny otworzył sklep obuwniczy. To nie są artyści, wiesz? To przypadkowi ludzie w sztuce. Kręcą się, kręcą, razem tworzą imprezę i to jest ich siła.
Igor Nowikow. Szwajcarskie łabędzie. 100x140 cm, olej na płótnie, 2011.
Jeśli ktoś jest profesjonalistą, artystą, widać to niezależnie od tego, czym się zajmuje, jakiej techniki używa i tak dalej. Erik Bulatov jest artystą. Pivovarov jest artystą. Oleg Tselkov, Natalya Nesterova, Yankilevsky, Grisha Bruskin, Konstantin Khudyakov to moim zdaniem genialni artyści.
Tatiana Nazarenko: Oto grupa Voina, widzieliśmy relację, gdy byliśmy w Zurychu. Rodzina z trójką dzieci i wózkami wyjechała do Szwajcarii. Wszędzie ich wyrzucano przez skandale. Byli bezdomni. Komu potrzeba tych nieszczęsnych ludzi w Europie z ich działaniami przeciwko Rosji?
Jest zawód: Artysta. Jest niesamowicie złożona.
Wszystkim moim studentom powtarzałem, że to niesamowicie trudny zawód. Jeśli nie możesz, nie rób tego. Nie ma potrzeby posiadania dzieci w trakcie studiów, a zwłaszcza przed dyplomem. Uprzejmie proszę o zrobienie tego później. No cóż, opowiadałem inne historie, inne, ale ostrzegałem, że to trudny zawód. Jeśli oczekujesz, że bycie artystą jest proste i łatwe, lepiej odejdź. Idź na inny warsztat, gdzie nauczą cię, jak rysować liście winogron świecące w słońcu, ale to nie zrobi z ciebie artysty.
Ogólnie rzecz biorąc, nasza rosyjska rzeczywistość pozostawia ślad na całej naszej postawie. Rosyjskie wystawy młodych artystów, o których Instytut mówi: „Co za wspaniałe wystawy!” Któregoś razu w Prezydium Akademii powiedziałem, że ostatnia wystawa była potworna: „Właśnie wróciłem z Uljanowska, gdzie dorośli artyści nie mogą opłacić swoich warsztatów.
"Swoją sztuką nic nie zarobią. A po co przygotowujecie żebraków, na jakie przyszłe życie? Absolutnie nikt ich nie potrzebuje!"
Tatiana Nazarenko. Rosyjska lalka. Olej na drewnie. 1997
Całe Prezydium zaatakowało mnie: „Co mówisz, Tatiana Grigoriewno! U nas wszystko jest takie cudowne.”
Wywiad: Katya Kartseva
Nazarenko Tatiana Grigoriewna (ur. 1944)
Malarz. Zajmuje się fotografią artystyczną. Portrecista, pejzażysta, malarz gatunkowy, mistrz malarstwa historycznego.
W latach 1955–1962 studiowała w Moskiewskiej Liceum Artystycznym przy Moskiewskim Państwowym Instytucie Sztuki im. W.I. Surikowa, następnie w latach 1962–1968 w Moskiewskim Państwowym Instytucie Sztuki im. W.I. Surikowa u D.D. Żylińskiego.
Obecnie wykłada w tym samym instytucie. Laureat Państwowej Nagrody Rosji, członek zwyczajny Rosyjskiej Akademii Sztuk.
T.G. Nazarenko to jeden z liderów życia artystycznego lat 70. Twórczość jej pokolenia charakteryzuje się analitycznością, chęcią wieloaspektowego odczytania znaczenia dzieła, podkreśleniem osobistej intonacji i ironią. Język alegorii był bliski wielu mistrzom tamtych czasów. Nazarenko wspomina: „Lata 70. zmusiły nas do uciekania się do alegorii: był to niejednoznaczny czas, kiedy wydawało się, że wiele jest dozwolone, a jednocześnie znów nie, i znów zamknięte”. Zasłynęła szczególnie obrazami o tematyce historycznej („Rozstrzelanie Narodnej Woli”, 1969–1972; „Dekabryści”, 1978). Łączy w nich dokument, ducha świadectwa, perspektywę historyczną i własną koncepcję wydarzenia. Zainteresowanie różnymi etapami historii i kultury, elementy stylizacji i bezpośrednie cytowanie znanych dzieł – wszystko to przybliża sztukę Nazarenki do estetyki postmodernizmu.
