Teatralne maski specjalne nakładki z wycięciem na oczy (przedstawiające ludzką twarz, głowę zwierzęcia, stwory fantastyczne lub mitologiczne) noszone na twarzy aktora. Wykonane z papieru, papier-mache i innych materiałów. W antycznym teatrze, gdzie spektakle odbywały się w ogromnych amfiteatrach na świeżym powietrzu przed tłum tysięcy, M. t. zastępował grę mimiczną, przekazywał różne nastroje emocjonalne (np. na jednym profilu maski przedstawiano cierpienie, na drugim radość); Aby wzmocnić głos aktora, M. t. został wyposażony od wewnątrz w metalowe rezonatory. W teatrze rzymskim akrobacje stosowano głównie w improwizowanych scenach ludowych, znanych jako atellani. W Starożytna Rosja i średniowiecznej Europie maski były używane przez błazny i histriony. W XVI i XVIII wieku komiczne postacie włoskiej komedii dell'arte nosiły m.in. W XVII wieku maski zaczęły wychodzić z użycia. Czasami M. t. stosuje się w teatr współczesny(na przykład „kaukaski kredowe koło Brecht, Berliner Ensemble Theatre, NRD). M. t. był szeroko rozpowszechniony w tradycyjnym teatrze ludów Azji (w Indiach wylewano ludowe przedstawienia i ramlila, w Indonezji teatr topeng, w Japonii teatr noo i inne). W teatrze XX wieku często zastępuje go makijaż przypominający maskę (występy kathakali w Indiach, kabuki w Japonii).
Wielka radziecka encyklopedia. - M.: Encyklopedia radziecka. 1969-1978 .
Zobacz, jakie „Maski teatralne” znajdują się w innych słownikach:
Wśród starożytnych Greków i Rzymian M. służył aktorom jako najwygodniejszy sposób przekazywania charakteru ról. Sądząc po najnowsze odkrycia, można przypuszczać, że M. były używane w tym samym celu od czasów starożytnych w Egipcie i Indiach, ale nie dotarliśmy do nas w sprawie lokalnego M. ... ...
Lub, według starych masek, hari używane i są bardzo rozpowszechnione wśród większości różne narody, zaczynając od prymitywnych, a kończąc na najbardziej kulturalnych. Aby je zbadać, z punktu widzenia etnologii i historii kultury, w ciągu ostatnich 10 15 ... ... Encyklopedia Brockhaus i Efron
- (Nagrody teatralne Rosji) nagrody przyznawane w dziedzinie sztuki teatralnej w Federacja Rosyjska. Rodzaje nagród Złota Maska”. Status Narodowa Nagroda Teatralna. Założyciel Związku Pracowników Teatru Rosji ... ... Wikipedia
Ludi scaenici. reprezentacje T. w starożytności, zarówno w Atenach, jak iw Rzymie, nie znajdowały się w rękach prywatnych; rządziło nimi państwo, chociaż egzekucja w każdym oddzielne etui udostępniane osobom prywatnym. W Atenach spektakle tragedii i ... Prawdziwy słownik starożytności klasycznej
Lub, zgodnie ze starymi "maskami", "hari" było używane i jest bardzo rozpowszechnione wśród najróżniejszych ludów, od prymitywnych do najbardziej kulturalnych. Aby je zbadać, z punktu widzenia etnologii i historii kultury, w ostatnich ... ... Słownik encyklopedyczny F.A. Brockhaus i I.A. Efron
Teatralne maski- Aktorzy zaangażowani w tragedie i komedie nosili T. m. Robiono je najczęściej z cholegi, którą dano za pomocą gipsu. forma, po której pomalowano maski, wykonano w nich nacięcia na oczy i usta, a na wierzchu ... ... Słownik starożytności
ORAZ; pl. rodzaj. sok, daktyle oszustwo; oraz. [Francuski] maska] 1. Specjalna nakładka z wizerunkiem ludzkiej twarzy, pyska zwierzęcia itp. nakładana na twarz osoby. M. niedźwiedź. M.kat. Malowane m. M. z papier mache. Załóż maskę. // Nakładka na ... ... słownik encyklopedyczny
I wyspa Wielkiej Brytanii w Ocean Atlantycki, który jest częścią grupy Wysp Brytyjskich (patrz Wyspy Brytyjskie). Zobacz Wielka Brytania (stan). II Wielka Brytania oficjalne imię Połączony... ... Wielka radziecka encyklopedia
MASKA (od rosyjskiego do rozmazu), in mitologia słowiańska(patrz MITOLOGIA SŁOWIAŃSKA (podejście alternatywne)) pierwotnie wszystko, co nakładano na twarz (pierwotnie maski z roślin do pielęgnacji skóry twarzy lub malowane maski bogów). Później "maska" ... ... słownik encyklopedyczny
- (maska francuska) 1) nakładka z wycięciami na oczy, zakrywająca twarz, czasem z wizerunkiem twarzy ludzkiej, głowy zwierzęcia lub mityczne stworzenie. Maski rytualne były noszone przez wykonawców obrzędów religijnych w prymitywnych kultach. Maski… … Wielki słownik encyklopedyczny
Książki
- Maski literackie i artystyczne: teoria i poetyka, S.G. Isaev. W współczesna krytyka literacka pojęcie maski zostaje ponownie wprowadzone do słowniki encyklopedyczne i do Dziś podano terminologiczną definicję maski. Opis systemu maski…
Maska to maska na twarz ze szczelinami na oczy (a czasem na usta) lub rodzaj makijażu. Kształt maski przedstawia „obcą twarz”, dlatego w języku rosyjskim słowo „maska” ma stary odpowiednik - „maska”.
Maski teatralne po raz pierwszy pojawiły się w starożytnej Grecji i Rzymie i były używane z dwóch powodów: wyrazista, łatwo rozpoznawalna maska pozwalała aktorowi przedstawić określoną twarz, a specjalny kształt szczeliny ust znacznie wzmacniał brzmienie głosu, jak ustnik . Pamiętaj jak! Pod otwartym niebo, przed ogromnym tłumem, dźwięk zwykłego głosu byłby niesłyszalny. A wyrazy twarzy aktora w ogóle nie były widoczne.
Czasami maski były podwójne lub potrójne. Aktorzy przesuwali taką maskę we wszystkich kierunkach i szybko przekształcali się we właściwe postacie.
Dwie starożytne greckie maski, płaczące i śmiejące się, są tradycyjny symbol sztuka teatralna.
Równolegle z rozwojem teatralnych masek na Wschodzie pojawia się teatralny makijaż. Początkowo wymyślali, malując twarz i ciało, żołnierzy przed kampanią. A potem zwyczaj przeszedł na występy ludowe.
Z czasem symboliczną rolę zaczęły odgrywać kolory makijażu. Na przykład w chińskim teatrze czerwony oznaczał radość, niebieski oznaczał uczciwość. W japońskim teatrze kabuki aktor grający bohatera rysował czerwone linie na białym tle, podczas gdy aktor grający złoczyńcę rysował niebieskie linie na białym tle. Białe twarze są charakterystyczne dla potężnych złoczyńców.
W tym samym czasie w japońskim teatrze Noh nie używano makijażu, ale maskę. Tylko główny (główny) aktor mógł nosić maski. Reszta aktorów grała bez peruk i makijażu.
Aktor w masce Ishi-O-Yo (duch starej wiśni)
Z historycznego punktu widzenia interesujące są również maski. Teatr włoski del Arte (włoska komedia placów miejskich). Pamiętasz bajkę, którą oglądałeś w teatrze Pinokio? Arlekin, Pierrot, Malwina – to bohaterowie, którzy wyszli właśnie z włoskiej komedii. Arlekin i Columbine (siostra naszej Malwiny) są z reguły przedstawiani w strojach w kratkę. A to były tylko łatki, mówiące o ubóstwie bohaterów.
Paula Cezanne'a. Pierrot i Arlekin.
Bohaterowie ci, podobnie jak maski, maskarady, karnawały, od dawna są popularni w Europie. Stali się częścią stylu życia, a najsłynniejszy ze wszystkich balów maskowych zaczął organizować corocznie w Wenecji. Symbolem karnawału w Wenecji jest półmaska.
Literatura:
Petraudze S. Dzieci o sztuce. Teatr. M.: Art-XXI wiek, 2014. (Kup w "Labiryncie")
Zadania
1. Rozwijaj umiejętności motoryczne i twórcza fantazja używając r zapytać się.
Pakhovova Anna Valerievna Profesor Moskiewskiej Akademii Sztuki i Przemysłu. S. G. Stroganova, doktor kulturoznawstwa, stały felietonista „Moda i my” w czasopiśmie „Studio D'Entourage”, współpracuje z czasopismami „Atelier” i „Przemysł mody”, ekspert ds. projektowania Związku Projektantów Moskiewskich , członek International Art Fund, członek Międzynarodowego Stowarzyszenia Pisarzy i Publicystów.
Ta część uzupełnia serię artykułów dotyczących stroju teatralnego japońskiego teatru Noh. W nim przyjrzymy się bliżej kostiumom z okresu Edo, jego detalom i dodatkom, ciekawym detalom dotyczącym masek No (na podstawie książki N.G. Anariny „Historia Teatru Japońskiego”) i na zakończenie będzie trochę danych o cechach teatru lalek Bunraku i Jyoruri, a także o symbolu pn.
Ko-Tobide. Mistrz Yokan. XVII wiek (po lewej) / O-Tobide. Nieznany mistrz. Koniec XVI wieku (po prawej)
W poprzedniej części omówiliśmy szczegółowo rekwizyty. Teraz nadszedł czas, aby zastanowić się nad kostiumem i maską głównego bohatera, które sprawiają chyba najbardziej uderzające wrażenie wizualne. Blask i wspaniałość użytych do produkcji tkanin, bogactwo kolorów sprawiają, że jest to główna dekoracja spektaklu. We współczesnym teatrze Noh istnieją 94 podstawowe kanoniczne kombinacje kostiumów dla wszystkich postaci, w tym farsy ai. Kostiumy są najcenniejszą własnością aktorów. Są one przekazywane z pokolenia na pokolenie, a nowe powstają w ścisłej zgodzie ze starymi wzorcami. W czasach Kanami i Zeami stroje były dość proste, ale stopniowo zaczęły zbliżać się do strojów dworskiej szlachty, duchowieństwa. Do XV w. rozpowszechnił się zwyczaj oddawania strojów aktorom podczas przedstawień, dlatego do najstarszych zachowanych strojów z XV w. należą osobiste stroje szogunów i arystokratów. Na przykład szkoła Kanze przechowuje elegancką kurtkę podarowaną przez szoguna Yoshimasę szczęśliwy ciemnozielony, wyszywany motylami. Z biegiem czasu powstały kostiumy teatralne, które nie powtarzały mody dworskiej, ale kapryśnie łączyły w ubiorach dworskie zwyczaje związane z różne okresy. Ten proces miał miejsce w okresie Edo. Wtedy to kostiumy teatru No osiągnęły niewiarygodny stopień wyrafinowania i luksusu.
Doji. Mistrz Tohaku. XVII wiek (po lewej) / Yorimasa. Nieznany mistrz. Koniec XVI wieku (po prawej)
Cechą charakterystyczną kostiumów jest ich niezwykła konstruktywność. pojedynczy element kostium może być używany w wielu różnych kombinacjach z innymi, bez dzielenia ich na męskie i żeńskie. Na przykład, zadławiony elegancka przezroczysta jedwabna peleryna z szerokimi, powiewającymi rękawami i dużym kwiatowym wzorem utkanym srebrnymi lub złotymi nićmi, noszona przez kobietę podczas tańca. Ona, ta peleryna, w rolach duchów zmarłego młodego Vloina, staje się zbroją bojową, gdy jest noszona ze spódnico-spodniami osnuć z najlepszego jedwabiu, spadającego na podłogę. Mizugoromo Rain Cape to odzież podróżna i robocza dla kobiet i mężczyzn w każdym wieku. Gdy rękawy peleryny są zawiązane do ramion, oznacza to, że postać jest zajęta pracą fizyczną. Jeśli kobieta w mizugoromo pojawia się na scenie z zieloną gałązką bambusa w dłoniach, przed tobą szalona kobieta wędrująca drogami w poszukiwaniu bratniej duszy.
Enmi-Kaya. Nieznany mistrz. Początek XV wieku (po lewej) / Uba. Maska przypisywana jest Mistrzowi Himi. Początek XV wieku (po prawej)
Widać, że różnorodność strojów wynika zarówno z różnych kombinacji elementów, jak i różnych sposobów noszenia tych samych strojów poprzez stosowanie różnych dodatków. Tak, strój myśliwski. karaori, uszyty z delikatnego, kolorowego jedwabiu - zwykły strój damski. Jest noszony na kroju kimona. kitsuke, schowany w pasie z przodu i opada na podłogę z tyłu. Kiedy karaori noszone przez ciężkie osnuć(spodnie-spódniczki), wsunięty z przodu za pasek, a z tyłu otwierający się jak pociąg po podłodze to strój szlachetnego człowieka. Jeśli jednocześnie głowa jest ozdobiona koroną, postać jest księżniczką. A kiedy przeźroczyste kimono założy się w tym samym stylu zadławiony, przed publicznością niebiańska wróżka.
Kagekiyo. Nieznany mistrz. XVII wiek (po lewej) / Shinkaku. Mistrz Yamato. XVII wiek (po prawej)
Kołnierze to niezbędny element każdego garnituru. Eri mający V kształt. Są przyszyte do kołnierza dolnego kimona, mogą być jednowarstwowe i wielowarstwowe, różne kolory. Kolor obroży wskazuje na status społeczny postaci. Biały najszlachetniejszy; pojedynczy biały kołnierzyk noszony jest przez bogów i książąt. Kołnierzyk arystokratów, następnych pod względem szlacheckim, pomalowany jest na kolor jasnoniebieski. Mnisi i starsze kobiety mają brązowe kołnierze, niebieskie zaś używane są w strojach złych duchów wojowników, wściekłych bogów i demonów.
Yase-Otoko. Mistrz Tosui. 18 wiek (po lewej) / Koyashi. Nieznany mistrz. Koniec XVI wieku (po prawej)
Kostium bohatera wyróżnia podkreślona elegancja, bogactwo i złożoność. Wykonany ze szlachetnych tkanin, brokatu, ciężkiego jedwabiu, ozdobiony wspaniałym haftem złotymi i srebrnymi nićmi, obszerną aplikacją przedstawiającą zioła, owady, kwiaty, liście bananowca, spływy wody. Aktor zakłada dwa lub trzy dolne cienkie kimona, a na siebie grubą, brokatową szatę, udrapowaną w specjalny sposób na sylwetce, w zależności od portretowanej postaci. /S.281/
Naszą opowieść o tradycyjnym japońskim stroju teatralnym zakończymy ciekawymi danymi na temat masek. Dużo już o nich rozmawialiśmy, ale oto kilka innych faktów.
Mona niektórych znanych dynastii aktorskich
Do XVII wieku maski rzeźbili mnisi, aktorzy i rzeźbiarze. Według legendy pierwsze maski wykonali bogowie i sam cesarz Jogu Taishi (VI wiek), a okres ten uważany jest za mitologiczny. Następnie wymienia się dziesięciu mistrzów z X-XI wieku, wśród nich Nikko, Miroku, Tatsuemon i kapłan Himi, który podobno odcisnął w maskach twarze zmarłych przyniesionych do niego na ceremonię pogrzebową. Następny okres (XVI wiek) pozostawił nazwiska sześciu wybitnych rzeźbiarzy masek. Najsłynniejszymi z nich były Zoami i Sankobo. Począwszy od XVII wieku istnieją rodziny, które specjalizują się w produkcji masek Noh, przekazując tradycję z pokolenia na pokolenie do dnia dzisiejszego. Najstarsze nazwisko zawodowych rzeźbiarzy to Echizen.
Mona Ichikawa Danjuro V i Iwai Hanshiro IV (z lewej) / Katsukawa Shunsho. Ichikawa Danjuro V i Iwai Hanshiro IV. W latach 1772-1781 Drzeworyt kolorowy (po prawej)
Maski teatralne Ale jako dodatek do zastosowań teatralnych są to maski ról. Istnieje kilka opcji ich klasyfikacji. Najczęstsze to: 1) maski starszych; 2) maski mężczyzn; 3) maski kobiet; 4) maski istoty nadprzyrodzone bogowie, duchy, demony; 5) maski nazwane na cześć bohaterów poszczególnych sztuk.
Istnieje 86 podstawowych nazw masek teatralnych Noh (czyli razem masek Noh i Kyogen) i istnieje wiele ich odmian. Niektórzy naukowcy mówią o dotychczas odkrytych 450 gatunkach.
Mona Ichikawa Ebidzo (Danjuro V) i Sakata Hangoro III (z lewej) / Katsukawa Shuney. Ebidzo (Danjuro V) jako Shibaraku i Sakata Hangoro III jako Iga-No Heinaizaemon. Drzeworyt, 1791 (po prawej)
W masce skoncentrowany jest stan wewnętrzny postaci, który pomaga aktorowi w tworzeniu obrazu scenicznego. Najbardziej trudne zadanie ożywić zamarzniętą twarz maski, nadać jej niezbędny wyraz w tekście. Aby to zrobić, aktor ucieka się do subtelnych lub nagłych zmian kątów, w wyniku czego oświetlenie maski zmienia się przy stałym oświetleniu sceny. Gdy głowa jest opuszczona, na maskę padają cienie, co nadaje jej smutny lub zamyślony wyraz. Gdy aktor trzyma głowę wysoko, maska jest maksymalnie rozświetlona, a to daje efekt radosnej, szczęśliwej twarzy.
Shuney Katsukawa. Iwai Hanshiro IV (kolorowy drzeworyt). 1781-1789 (po lewej) / Mon Iwai Hanshiro IV (po prawej)
Maska nie była postrzegana przez średniowiecznego aktora jako środek artystyczny; to nie było koncepcyjne, ale naturalne. Wykonawca wierzył, że został naprawdę przekształcony w postać, którą można grać, ponieważ w starożytnych rytuałach wierzono, że symbol przywołuje to, co symbolizowane. Teatr No to teatr transformacji, a nie reinkarnacji; tu działa zasada pełnego utożsamienia aktora z bohaterem. Wykonawcy nadal nie wolno poddawać roli analizie intelektualnej; musi grać dla kaprysu. Maska w teatrze Noh jest materialnym świadectwem przemiany aktora w tego, który gra./S. 287/
Schemat makijażu. Styl Kamadori (po lewej) / Ponury (zdjęcie) (po prawej)
W Japonii istnieją trzy główne tradycyjne gatunki teatralne, że tak powiem: rozważany przez nas teatr masek Noh, teatr Kabuki i teatr lalek Bunraku. Kilka słów o dwóch ostatnich. Każdy z nich ma swój własny Historia starożytna, cechy związane z umiejętnościami wykonawczymi, kostiumami, charakteryzacją, symbolami kolorystycznymi.
Akahime. Rytownictwo
Na przykład pierwszy występ głównej roli aktora (czasami duża grupa aktorów) na scenie w teatrze Kabuki wiąże się z pokazem kostiumów i makijażu. Od tego faktycznie zaczyna się przedstawienie. Aktor wchodzi na scenę z końca widowni i przechodzi przez salę na główną scenę obok publiczności. Takie przejście wzdłuż „ścieżki kwiatowej” - hanamichi tworzy pewien emocjonalny nastrój na widowni. Ruch aktora - nazywana jest zmiana złożonych póz mie. W złożonym kostiumie aktor nie może się poruszać jak w zwykłe ubrania a jego plastik wygląda nietypowo. Wszystkie detale stroju są znacznie powiększone: rękawy kimona zamienione są w rodzaj tarczy za pomocą bambusowych ramek, ozdobionych ogromnymi herbami. pn. Stosowanie monos w Kabuki od dawna działa. Wcześniej nic oprócz nich nie mogło tak zwięźle, przekonująco i szybko przedstawić aktora publiczności. „Mona w kostium teatralny okresu Edo (zwłaszcza w rolach aragoto) miały ogromne rozmiary i często stawały się głównym motywem zdobniczym nie tylko stroju performera, ale całego przedstawienia. Obecność dużej mony nadawała kostiumowi kontrast i podkreślała jego płaskość.< > pon był postrzegany zarówno jako ozdoba, jak i wyraźny, natychmiast czytelny znak pewnej grającej dynastii lub aktora. Tutaj mały opis Kamakura Kagemasa, bohater sztuki Shibaraku (1905). Każdy ruch, każda poza podkreśla monumentalność jego dane liczbowe. Nagabakama - spodnie o specjalnym kroju nie tylko całkowicie zakrywają stopy, ale nawet ciągną się jak pociąg. Aby się nie pomylić i nie upaść, aktor musi poruszać się z szeroko rozstawionymi nogami, a po każdym kroku zastygać w określonych pozach. Jednocześnie czasami rozkłada rękawy-tarcze na boki, po czym zakrywa nimi twarz. Sprawia wrażenie klęczącego olbrzyma, by przyjrzeć się bliżej temu, co dzieje się na ziemi. Gruby makijaż kumadori - zakrywa twarz aktora, całkowicie ukrywa jego indywidualne rysy. Fryzura jest ozdobiona tikaragami- misterne papierowe wstążki. Na przykład na kimono o specjalnym brązowo-złotym odcieniu (kolor persimmon) biały rysunek herb Mona(trzy kwadraty wstawione jeden w drugi). Aktor jest przepasany grubym sznurem Niodasuki.
Scena ze spektaklu
W japońskim stroju teatralnym wyraźny jest początek dekoracyjny, ale nie determinuje on specyfiki używania kostiumu i jego roli w tworzeniu obraz artystyczny. Pora roku może być determinowana kostiumem, kostium czynnie uczestniczy w konstrukcji akcji scenicznej, przekazuje takie stany psychiczne bohatera, które są nieosiągalne innymi środkami w organizacji przestrzeni scenicznej.
Plakat 1976 (po lewej) / plakat 1985 (po prawej)
O lalkach Teatru Jeruri można powiedzieć, że są doskonałe. Wysokość lalki to trzy czwarte wzrostu osoby. Te niesamowite lalki mają ruchome usta, oczy i brwi, nogi, ręce i palce. Tułów lalek jest prymitywny: jest to drążek na ramię, do którego przymocowane są ramiona i podwieszone nogi, jeśli lalka jest postacią męską. Postacie kobiece nie mają nóg, ponieważ nie widać ich spod długiego kimona. Złożony system sznurówek pozwala lalkarzowi kontrolować mimikę twarzy. Głowy lalek są tworzone przez wykwalifikowanych rzemieślników. Podobnie jak w innych typach klasycznego teatru japońskiego, istnieją historycznie ustalone typy, z których każdy używa określonej głowy, peruki, kostiumu. Podobnie jak maski teatralne Noh, różnorodność głów lalek wyróżnia się wiekiem, płcią, charakterem i klasą społeczną. Każda głowa ma swoje imię i pochodzenie, każda jest używana do określonych ról.
Plakat "Nagasukujira" (płetwal karłowaty). Tancerze używający „pozy nezhinsky”. 1972
Aby ułatwić koordynację działań lalkarzy i utrzymanie lalki w przybliżeniu na poziomie ludzkiego wzrostu, główny lalkarz omozukai bieganie w drewnianych japońskich butach Weź na wysokich trybunach. Działania marionetki muszą dokładnie odpowiadać czytanemu tekstowi. przewodnik. Precyzyjna praca wszystkich uczestników spektaklu, osiągnięta przez lata ciężkiego treningu, jest uważana za jedną z unikalnych cech tej sztuki. Narrator przewodnik odgrywa role wszystkich postaci i prowadzi narrację od autora (czasem w spektaklu bierze udział dwóch lub więcej narratorów). Czytanie przewodnik powinien być jak najbardziej wyrazisty. Jego zadaniem jest sprawienie, aby lalki ożyły. Znajomość schematu melodycznego tekstu, inscenizacja głosu, ścisła koordynacja działań z innymi uczestnikami spektaklu wymagają wielu lat ciężkiego przygotowania. Zazwyczaj szkolenie trwa od dwudziestu do trzydziestu lat. Jak w teatrze Noh czy zawodach kabuki przewodnik a lalkarze w teatrze joruri są dziedziczni. W tradycyjnej japońskiej sztuce teatralnej pseudonimy wraz z tajemnicami mistrzostwa przekazywane są z ojca na syna, z nauczyciela na ucznia.
« 27 wieczorów na cztery pory roku, 1972 Taniec lwa z Chibasan (po prawej)
Japończycy starannie przechowują starożytne sztuka teatralna, który jest dziedzictwo kulturowe. Jednocześnie bardzo interesujący jest nowoczesny teatr, w którym jest wiele innowacji, czy to balet, spektakl, teatr dramatyczny itp. Wpływ tradycyjnego teatru japońskiego na nowoczesne trendy spektakularna kultura oczywiście. Przede wszystkim jest to oczywiście kostium. Na podstawie starego tradycyjne kostiumy powstają nowe ciekawe modele, czasem dziwaczne i fantastyczne, ale potrafią odgadnąć sylwetki, elementy i detale tych ubrań, które przed wiekami zachwycały publiczność swoją jasnością i niepowtarzalnym pięknem.
LALKA. Teatr Bunraku (po lewej) / Lalka (detal)
Fryzura / Głowa lalki (część zdejmowana). Teatr Bunraku (u góry po prawej)
Fryzury dla różnych postaci
Lalka i trzech lalkarzy. Teatr Bunraku (po lewej) / Urządzenie lalki Bunraku (po prawej)
Na YouTube możesz oglądać:
Maski teatralne Noh:
http://www.youtube.com/watch?v=T71ZAznVeLo&feature=related Serdiuk E.A. Japońskie grawerowanie teatralne z XVII-XIX wieku. M., 1990. S. 57.
Konferencja „Mała Akademia”Fabuła teatralna maska
Wykonywane:
Kuzovleva Evangelina Siergiejewna
uczeń 5 klasy „G”
Liderzy:
Bahir Elena Juriewna
Valchuk Marina Konstantinovna
Petersburg
rok 2014
Wstęp. 3.
Historyczne formy maski teatralnej:
Teatralna maska w starożytnej Grecji. C. 4.
Zrozumienie maski we włoskim teatrze commedia dell'arte. S.8.
Tradycyjna maska w japońskim teatrze Noh. S.9.
S.11.
Wniosek:
Funkcje maski teatralnej w toku rozwój historyczny teatr
- „Maska” jako urozmaicenie i sposób działania we współczesnym
wydajność. S. 12.
Lista wykorzystanej literatury
Aplikacje
1. Wstęp.
Cel - poznaj historię teatralnej maski
Cele badań - selekcjonować i analizować literaturę dotyczącą historii maski teatralnej i jej roli w spektaklach.
Dziś, kiedy idziemy do teatru, rzadko widzimy na scenie aktora w masce. W nowoczesne rozumienie częściej kojarzy się z ideą maskarady lub karnawału. Ale nie zawsze tak było. Aktor przez wieki nie pojawiał się bez niej na scenie. Odegrała ogromną rolę w spektaklu: wzbogaciła umiejętności aktorskie aktora i jego zdolność do wpływania na widza, pozwoliła mu osiągnąć zupełnie inny poziom ekspresji, przekształcony akcja teatralna w tajemniczy, wysublimowany rytuał lub wniósł do przedstawienia umowność, symbolikę, karykaturę.
Historia maski teatralnej ma ponad dwa tysiące lat - pierwsza z masek, o których istnieją wiarygodne informacje, została wykorzystana w starożytny teatr grecki kilka wieków przed naszą erą. Aktorzy używają teatralnych masek na całym świecie, nic więc dziwnego, że jest ich bardzo dużo i potrafią się od siebie uderzająco różnić. Zaskakujące jest to, że czasami maski, które pojawiały się w różnym czasie i najczęściej różne miejsca ziemie wydają się być nieco podobne.
W pracy tej wykorzystałem przede wszystkim prace dotyczące historii teatru, które przedstawiają rekonstrukcję spektaklu teatralnego starożytnej Grecji, średniowiecznych Włoch i Japonii, w celu porównania głównych typów maski teatralnej, jej przeznaczenia i możliwości artystyczne w spektaklach teatralnych. różne epoki i kraje, żeby zobaczyć, jak wyglądają, dlaczego aktorzy uciekali się do ich pomocy, jakie korzyści mogła dawać maska i jakie trudności stwarzała? A także zrozumieć znaczenie, jakie może mieć maska w nowoczesne wykonanie jak ona może pomóc? współczesny aktor i widza. Przecież wraz z odrzuceniem użycia maski we współczesnym teatrze, bogactwo jej możliwości wyrazowych i zrozumienie, że maska może wzbogacić przedstawienie, uszlachetnić, pomóc stworzyć na scenie warunkowy, poetycki teatr. po.
W swojej pracy chcę zastanowić się nad głównymi odmianami teatralnej maski, aby pokazać, jak ważna była dla stworzenia szczególnej atmosfery spektaklu i jak może pomóc teraz aktorowi – przekazać widzowi wysublimowaną treść, wzbogacić ekspresję aktora, jego zdolność do transformacji.
Myślę, że znajomość historii teatralnej maski jest jednym z przykładów możliwej owocnej współpracy z tradycją, której odwoływanie się do bogatego doświadczenia zawsze staje się źródłem świeżych oczu i nowych odkryć we współczesnym życiu. Zobaczymy, że historia teatralnej maski to ekscytująca i fascynująca podróż, z wieloma niesamowitymi odkryciami i tajemnicami, które na zawsze pozostaną nierozwiązane.
2. Historyczne formy maski teatralnej.
Teatralna maska w starożytnej Grecji.
Z maską aktora w starożytnym teatrze greckim i rzymskim wiąże się wiele interesujących, nieoczekiwanych faktów, z których część może wydawać się ciekawa dla współczesnego człowieka.
Spektakle w starożytnej Grecji odbywały się kilka razy w roku i było to wydarzenie zbliżone do święta narodowego lub Igrzyska Olimpijskie. „W dni spektakli sądy były zamknięte, praca zgromadzeń ludowych i innych instytucji rządowych została przerwana, zamarło życie handlowe i przemysłowe, a wszyscy obywatele w szczególnie dobrym, świątecznym nastroju szli razem do teatru” .
Odbyły się konkursy między aktorami i dramatopisarzami i wyłoniono zwycięzców. .
Teatry starożytnej Grecji były ogromne – amfiteatry na wolnym powietrzu mogły pomieścić dziesiątki tysięcy widzów, na przykład teatr Dionizosa w Atenach – 17 tys., a teatr miasta Megalopolis – 44 tys. . Mimika twarzy aktora byłaby niemożliwa do rozpoznania przez większość widzów, więc występował w masce, która sprawiała, że „cechy” postaci były bardziej zauważalne. „Maska aktora była wykonana z drewna, a częściej z lnu” . « antyczne maski wykonane z popularnego druku i otynkowanego lnu, a później ze skóry i wosku» .
Starożytni autorzy zwracali uwagę, że konstrukcja maski wzmacniała również brzmienie głosu, co również było bardzo ważnym zadaniem dla gigantycznych greckich teatrów. W tym celu w specjalny sposób opracowano również projekt sceny. "Zarówno w Grecji, jak iw Rzymie bawili się w maskach o specjalnym kształcie ust, w formie lejka - ustnika. To urządzenie wzmocniło głos aktora i umożliwiło wysłuchanie jego przemówienia do wielu tysięcy widzów amfiteatru. /.../ Usta maski były zwykle obramowane metalem, a czasami cała maska wewnątrz była wyłożona miedzią lub srebrem, aby wzmocnić rezonans.» .
Maska aktora została założona na głowę aktora jak hełm - wraz z fryzurą i była już wcześniej wymyślona. „Sądząc po opisach starożytnych, maski różniły się między sobą także różnicą w karnacji i włosach. Niektórzy mieli przymocowane do nich brody; maski królów były wyposażone w diadem. Maski młodych kobiet wyróżniały się również szczególnie skomplikowanymi fryzurami. .
„W przypadku komedii takich jak The Birds, The Clouds czy The Wasps, maski chóru były fantastyczne” . „Arystofanes sprawił, że chór jego pieśni pojawił się albo w postaci chmur, albo w postaci ptaków, albo żab /.../ i mamy pewne dowody, że chór z „Chmury” rozśmieszył widzów swoimi brzydkimi maski z ogromnymi nosami” . Z drugiej strony „próbowali osiągnąć podobieństwo portretowe, w którym na scenę wprowadzono prawdziwe twarze” .
Aktor musiał założyć odpowiednią maskę za sceną i był gotowy do wyjścia na scenę. Wymagało wielu zmian masek. Faktem jest, że w starożytnym greckim przedstawieniu początkowo uczestniczył jeden aktor, który prowadził „dialog” z chórem: sam dramaturg był jedynym aktorem w swojej sztuce, który „odpowiedział” swoimi uwagami do pieśni chóru” . Na zmianę reprezentował różne postacie który rozmawiał na przykład z ludźmi. Często wcielał się w postać posłańca, który opowiadał długie historie o wydarzeniach, które miały miejsce poza sceną, zamiast, jak to jest u nas w zwyczaju, pozwolić widzowi zobaczyć je na własne oczy na scenie.
Co więcej, szczególnie interesujące jest to, że podczas grania tej samej postaci mogli przedstawiać się różni aktorzy. W starożytnym greckim przedstawieniu aktorzy nie tylko mówili, ale także śpiewali, jak we współczesnej operze. Najtrudniejsze i najbardziej odpowiedzialne „aria” i teksty do recytacji „wkładają w usta różnych aktorzy, który z tego powodu nie mógł być jednocześnie wyniesiony na scenę” wykonywane główny aktor- który posiadał najlepsze dane i umiejętności aktorskie, najpotężniejszy i najbardziej wyrazisty głos. W rzeczywistości pomogli mu drugi i trzeci aktorzy. Czasem, gdy na scenie miało być kilka postaci, mógł wyjść w masce „statysta” – performer z chóru, który nie wymawiał tekstu, ale po prostu był obecny na scenie jako jeden z aktorów- słuchacze.
Dla głównych bohaterów spektaklu można było przygotować dwie lub trzy maski, które przedstawiały go na przykład w radości i smutku. Tekst spektaklu został skomponowany w taki sposób, aby wszelkie zmiany w losach bohatera odbywały się za kulisami, aby mógł wyjść i zmienić maskę na taką, jakiej potrzebował.
Zachowały się dowody, że były też maski, na których prawa połowa twarzy przedstawiała jedną emocję, a lewa drugą. Za pomocą tej maski aktor wydawał się być w stanie grać, zwracając się do audytorium w profilu z właściwą stroną. Jednak badacze starożytnych dowodów, które przetrwały do dziś, którzy przywrócili wygląd starożytnego greckiego przedstawienia, zauważyli, że jeśli takie maski były używane, to prawdopodobnie rzadko.
Kolejna ciekawa cecha: w starożytnej Grecji i starożytnym Rzymie, a także w innych krajach na całym świecie aż do renesansu kobiety nie mogły uczestniczyć w przedstawieniach teatralnych. . W każdym razie w spektaklach „poważnych”: aktorki występowały tylko w „niskich gatunkach” – pantomima, były tancerkami, akrobatami, członkami trup wędrownych. W starożytności i średniowieczu bohaterki były przedstawiane przez mężczyzn na scenach teatralnych zarówno w krajach europejskich, jak i w krajach Wschodu. Najlepsi aktorzy umiejętnie przedstawiać kobiecy głos i ruch. W tych warunkach maska kobiety była bardzo, bardzo przydatna. Rzymski poeta Juwenal napisał: „Łatwo uwierzyć, że to nie jest maska aktora, tam przemawia Kobieta” .
Możliwe, że w późniejszym okresie istnienia starożytnego teatru greckiego aktorzy „zakładali maskę tylko wtedy, gdy musieli nadać twarzom charakterystyczne rysy, aby do tego czasu zaczęła służyć dokładnie tym samym celom, do których aktorzy uciekają się teraz do złożonego makijażu”, na przykład w rolach osób starszych .
Teatr i spektakl starożytny Rzym wiele zapożyczyli z teatru greckiego, w tym maskę. Cesarz „Sam Neron działał w tragedii, nakazując, aby maski bogów i bogiń, które reprezentował, były podobne do jego twarzy lub twarzy jego żony” .
Zrozumienie maski we włoskim teatrze commedia dell'arte.
Kolejną z najjaśniejszych kart w historii teatralnej maski jest włoski teatr commedia dell'arte (LakomediaDell" arte). A to zupełnie inne, szczególne spojrzenie na maskę w spektaklu teatralnym. Nie bez powodu w historii sztuki teatralnej teatr komedii dell'arte nazywany jest także teatrem masek. .
Nadszedł jego rozkwitXVI- XVIIwiek. Był to pierwszy w Europie teatr profesjonalny: nazwa została tak dosłownie przetłumaczona - słowo "komedia" oznaczało "teatr", "arte" - "rzemiosło", "zawód". Był to teatr wędrownych trup aktorskich, które podróżowały po całych Włoszech, a nawet krajach sąsiednich. Dlatego było wiele podobnych znaków - "masek" z różne nazwy, który przedstawiał typowych dla tamtych czasów mieszkańców Włoch - kupca weneckiego, naukowca zwany Doktorem, kapitana armii hiszpańskiej, parę kochanków, dwoje służących wyglądających jak błazny - z których jeden jest zwykle bardziej przebiegły i zaradny , a drugi jest rustykalny.
Tutaj maskę nazwano obrazem, postacią każdej konkretnej postaci, która występowała w różnych przedstawieniach bez zmian. „Maska to wizerunek aktora, który przyjmuje raz na zawsze /.../ całkowicie wykluczona jest możliwość, że dziś aktor gra Pantalona, jutro Arlekina czy nawet Doktora /.../ nie ma tam ról . Jest rola. Jedna rola, jaką aktor odgrywa we wszystkich sztukach” .
Uważa się, że aktorzy komedii dell'arte dużo improwizowali podczas spektaklu, co jest możliwe właśnie w przypadku, gdy aktor był mocno przywiązany do swojej jedynej postaci i potrafił z powodzeniem grać go w różnych sytuacjach. Każdy aktor mógł przedstawić swoją postać na swój sposób, ale grał tylko jednego z nich, a czasami przez lata - w tym samym przebraniu, z tymi samymi cechami charakteru, nawykami i indywidualnymi cechami zachowania.
Dla wielu postaci w komedii dell'arte nieodzownym elementem kostiumu była maska na twarz wykonana „z tektury lub ceraty”. To stary wenecki kupiec Pantalone, naukowiec lub filozof o ogólnym imieniu Doktor, dobrze znany wszystkim Arlekin i inni służący - każdy z własną postacią - Brigella, Coviello, Pulcinella, których łączy wspólne imię - zani. „Maski to powszechny atrybut postaci komiksowych, ai tak nie wszystkie. Czasami maskę zastępuje grubo wybielona twarz, albo wielkie okulary, albo zaklejony nos. .
Dla innych postaci „maska” była całym ich wyglądem - kostiumem, mową, zachowaniem. Na przykład para kochanków wyróżniała się luksusowymi, modnymi kostiumami, mówiła poprawnym językiem literackim i demonstrowała wyrafinowane maniery. Ale nawet to był obraz wymyślony raz na zawsze: „każdy aktor i każda aktorka byli niezmiennymi typami. W różnych przedstawieniach występowali ze swoim stałym imieniem ” .
Tradycyjna maska w japońskim teatrze Noh.
Japoński teatr Noh to starożytna sztuka teatralna o bogatej historii i wielowiekowych tradycjach. Podobnie jak w starożytnym teatrze greckim muzyka, taniec i śpiew są ze sobą połączone. „Wykonywanie tych sztuk – naszym zdaniem – ma bardzo zbliżony charakter do naszej opery, ponieważ aktorzy na scenie najczęściej śpiewają lub mówią recytatywem melodycznym; Ale obecność chóru i orkiestry również przybliża No do opery. Z drugiej strony sztuka Nie pod wieloma względami zbliża się do naszego baletu, gdyż ruchy aktorów opierają się na tańcu, a miejscami zamieniają się w prawdziwy taniec, który jest jednocześnie centralnym miejscem zarówno całej roli, jak i cały występ jako całość. . Dla estetyki teatru Noh, a także dla estetyki starożytnego greckiego spektaklu, charakterystyczna jest wzniosła poezja, a nie wiarygodna.
W teatrze, ale występuje tylko w masce główny bohater i aktor towarzyszący, jeśli jest to rola kobieca. Maska pomaga aktorowi stworzyć wyjątkowy obraz: „nadaje aktorowi tajemniczą atrakcyjność, charyzmę, zamienia jego postać w rzeźbę udrapowaną pięknymi ubraniami” .
Maski wykonane są ze specjalnego drewna wyłącznie przez dziedzicznych rzemieślników, którzy przekazują swoje umiejętności z pokolenia na pokolenie. O niesamowitym mistrzostwie ich wykonania świadczy fakt, że wiele masek teatru Noh jest wystawianych jako dzieła sztuki w muzeach i galeriach.
Starożytna maska aktora teatru Noh daje niesamowity efekt - dzięki znakomitym umiejętnościom aktora wydaje się, że ożywa: przechylić go samolotem w dół, zamieniając go w cień i zdradzić wyraz smutku; poruszaj szybko głową z boku na bok pokazując silne emocje" .
Nic dziwnego, „jak inne rzeczy w średniowieczna japonia obdarowano maską (wraz z lustrem, amuletem, mieczem) magiczne właściwości; aktor nadal traktuje maskę jako przedmiot sakralny: garderoba aktora ma zawsze swój ołtarz ze starożytnymi maskami” .
Makijaż jako rodzaj teatralnej maski w japońskim teatrze Kabuki.
Najczęściej używano makijażu jako substytutu maski Inne czasy na całym świecie, w tym Grecji. „Sami starożytni mówili, że początkowo maskę zastąpiono posmarowaniem twarzy moszczem winnym lub pokryciem jej liśćmi roślin” .
Możemy rozważyć ciekawą i dobrze znaną wersję takiej „maski” w japońskim teatrze Kabuki. Jest to sztuka znacznie młodsza od teatru Noh – jego historia to „tylko” około dwustu lat.
Uderzającą cechą teatru Kabuki jest pragnienie autentyzmu na scenie przedmiotów i kostiumów, ale szczera konwencja w pracy „służących scen” i charakteryzacja aktora. „Wszystkie rzeczy, podobnie jak kostiumy, nie są rekwizytami, nie imitacjami, ale autentycznymi, a ponadto wysokiej jakości” . Ale „słudzy specjalni są przypisani do rzeczy na scenie Kabuki, charakterystyczny atrybut teatru warunkowego: ci warunkowo „niewidzialni” ludzie (są ubrani i przebrani na czarno) wykonują obowiązki sług scenicznych podczas akcji, pomagają aktorom bawiąc się przedmiotami, podawaj im przedmioty, uwolnij je od niepotrzebnych ruchów” .
Specjalny makijaż warunkowy, a także cała akcja w spektaklu Kabuki to tradycja rozświetlona przez czas. Odzwierciedlało to „pragnienie zachowania i odtworzenia teatralnego wyglądu wielkich aktorów”, którzy „wymyślili” taką lub inną kombinację kolorów i wzorów makijażu dla każdego rodzaju roli, na przykład szlachetnego rycerza, chłopa, odważny bohater lub nieszczęśliwy bohater. Również w makijażu aktorów teatru Kabuki zauważalny jest „wpływ masek scenicznych starego teatru Noh”.
Maska(z późnych masek łacińskich - maska) - jest to specjalna nakładka z jakimś wizerunkiem (twarz, pysk zwierzęcia, głowa mitologicznego stworzenia itp.), najczęściej noszona na twarzy. Maska przeniknęła do teatru greckiego dzięki powiązaniu tego ostatniego z kultem Dionizosa. Kapłan, który przedstawiał bóstwo, zawsze występował w masce. Początkowo zamiast maski twarz była posmarowana drożdżami winnymi lub pokryta liśćmi roślin. Użycie maski uwarunkowane było koniecznością rozpoznania postaci – nawet najbardziej wpływowe postacie tamtych czasów ukazały się oczom ateńskich obywateli w celowo karykaturalnej formie. Ateńczycy również mogli zobaczyć złą karykaturę samych siebie. W komedii Arystofanesa „Lud” ten ostatni zostaje przedstawiony w postaci zwariowanego starca, popychanego przez sługi – wścibskich i bezwstydnych łobuzów.
Celem większości masek było wywołanie śmiechu. Niektórymi wyjątkami były tylko maski młodych kobiet. Były też fantastyczne maski. W komedii Acharnianie Arystofanesa perski ambasador, zwany Okiem Króla, zdawał się uzasadniać swoje oficjalne imię jednym wielkim okiem, które w rzeczywistości składało się na całą jego twarz.
Ponadto w komedii antycznej szeroko stosowano chóry, których uczestnicy byli przebrani za zwierzęta lub fantastyczne stworzenia(satyry, demony).
Wszystkie role kobiece grali aktorzy płci męskiej, ponieważ kobiety nie miały wstępu na scenę. Aktorzy występowali w zupełnie nietypowych, bujnych i jasnych ubraniach o starożytnym kroju, których, z wyjątkiem niektórych kapłanów boga Dionizosa, nikt nie nosił od dawna. Pod tymi ubraniami założyli specjalny rodzaj podszewki, która całkowicie zmieniła normalne proporcje ludzkiego ciała. Na nogach noszono koturny.
Użycie maski było również konieczne ze względu na wielkość greckiego teatru. Widzowie w ostatnich rzędach nie byliby w stanie wystarczająco wyraźnie zobaczyć twarzy aktora bez maski. Kolory masek z tylnych rzędów były wyraźnie widoczne. Biała maska na aktorze oznaczała… kobieca rola. Maski postaci męskich zawsze były ciemne. Zarówno nastrój, jak i stan psychiczny Osoby grające w tragicznych przedstawieniach mogły też od razu przykuć uwagę kolorem ich masek. Drażliwość wskazywała purpura, przebiegłość - czerwonawe kolory, choroba - żółty itp.
Charakterystyczne były maski satyra: szerokie czoło przecięte jedną lub dwiema zmarszczkami, płaska twarz, płaski nos, rozczochrana broda, potargane i odrzucone do tyłu włosy. Strój satyra składał się ze spodni z koziej sierści z końskim ogonem z tyłu i ogromnym fallusem z przodu.
Na początku maski były bardzo proste, aż do 470 p.n.e. Znali tylko jeden wyraz - zastygły "archaiczny" uśmiech, prawie grymas, który powtarzał się jednolicie na wszystkich twarzach, nawet smutnych. W przyszłości na maseczkach pojawia się pasja i ból, na czole pojawiają się poziome zmarszczki, usta wysunięte nieco do przodu, bruzdy schodzące od nosa do ust. Maski były wykonane z drewna lub lnu, naciągnięte na ramę i pokryte tynkiem. Tragiczna maska była zwykle wyposażona w onkos – wydłużenie nad czoło, wydłużające się ku górze – zwiększające wzrost aktora.
Dla każdej indywidualnej roli wymagana była specjalna maska, ale czasami maska zmieniała się po drodze, jeśli trzeba było pokazać zmienioną twarz. Tak więc pod koniec tragedii Sofoklesa pojawia się „Król Edyp” Edyp z zakrwawioną twarzą (nowa maska).
W epoce hellenistycznej (IY-II wiek pne) Polydeuces wymienia 9 masek dla ról starców, 11 dla ról młodych ludzi, 7 dla ról niewolnic, 14 dla ról młodych kobiet. Maski postaci już odzwierciedlają ich charaktery. Maski starych alfonsów miały odrażający wygląd – przedstawiano ich jako łysych, ze skrzywionymi ustami i zmarszczonymi brwiami. Wśród młodych mężczyzn wyróżniano cnotliwych i rozwiązłych. Pierwszy miał ciemny kolor twarze, uniesione brwi, jedna lub więcej zmarszczek na czole, co powinno oznaczać rozwagę i powagę, drugie - białe, jak kobiety, skóra, fantazyjnie ułożone włosy w formie wieńca. Chłop miał śniadą cerę, grube usta, zadarty nos i fryzurę w kształcie wieńca. Czternaście kobiecych masek przedstawiało matki rodzin, żony, młode dziewczyny, alfonsów, getrów i pokojówki.
Znacznie później cesarz rzymski Neron (I wiek n.e.) używał masek podczas wykonywania tragicznych ról na scenie. Co więcej, maski bogów i bohaterów upodabniano do niego, a maski bogiń i bohaterek upodobniono do jego ulubieńców.
W starożytnym teatrze maski były połączone z peruką i zakładane przez głowę, tworząc rodzaj hełmu z otworami na oczy i usta. Aby wzmocnić głos aktora, maskę-hełm wyposażono od wewnątrz w metalowe rezonatory.
W teatrze rzymskim maska była używana głównie w przedstawieniach atellani - improwizowanych scenach ludowych. charakterystyczna cecha takie maski były obecnością stałych typów - Macca, Bukkon, Papp i Dorsen. Makk był głupcem, który był bity i oszukiwany przez wszystkich, przedstawiany był jako łysy, z haczykowatym nosem, oślimi uszami iw krótkich ubraniach. Bukkon był facetem o opuchniętych policzkach i obwisłych ustach. Papp jest bogaty, ambitny, ale ma pecha. Dorsen to przebiegły garbus, ignorant i szarlatan. Treści atellan często charakteryzowały się chamstwem i nieprzyzwoitością.
W starożytnej Rosji maski były używane w przedstawieniach wędrownych bufonów i na zawsze zakorzenione jako elementy stroju bożonarodzeniowego. Ulubionymi bohaterami takich spektakli są niedźwiedź, pokazujący, jak kobiety chodzą po wodzie, jak dziewczyny wyglądają w lustrze, jak dzieci kradną komuś groszek i „żuraw”. Aby przedstawić żurawia, facet rzuca futro obrócone na zewnątrz wełną, w jeden z rękawów nawleka patyk z haczykiem na końcu. Patyk przedstawia dziób żurawia i tym dziobem kocur bije dziewczęta, a te, aby się opłacić, rzucają na ziemię orzechy, słodycze, pierniki, które dźwig podnosi. Aby przedstawić konia, dwóch facetów kładzie dwa kije na ramionach, związuje je i przykrywa baldachimem. Głowa konia wykonana jest z płóciennego worka wypchanego słomą, oczy i nozdrza są ściągnięte, a uszy tworzą uchwyt umieszczony wewnątrz. Zakładają uzdę na „konia”, wiązują dzwoneczki, a na końcu siada na nim mężczyzna.
Starożytny ludowy zwyczaj Bożego Narodzenia i maskarady Maslenitsa był używany przez Piotra I w imponujących maskaradach ulicznych. Niektóre postacie maskarady były często zapożyczane z mitologii (Bachus, Neptun, Satyr itp.), inne przedstawiały zwierzęta i ptaki, a inne były postaciami etnograficznymi (Chińczycy, Turcy, Indianie).
W XVII wieku w Europie rozpowszechniła się komedia masek, rodzaj teatru włoskiego. Większość aktorów grała w maskach, które były przypisane wykonawcom na całe życie sceniczne. Istniały dwie grupy masek: północna (wenecka) i południowa (neapolitańska), były to – Pantalone (głupi, chciwy, miłosny kupiec o ziemistej twarzy, długim haczykowatym nosie, siwych wąsach i brodzie), Doktor (pseudo-naukowiec, gaduła). , dureń z wygórowanym nosem), Arlekin (dziecinny i uroczy w czarnej półmasce), Pulcinella (zły, przebiegły, niegrzeczny garbus z dużym haczykowatym nosem). Postacie liryczne lub „kochankowie” nosili czarne półmaski. Maski zostały wykonane z tektury, klejonej tkaniny i skóry.
Maski były szeroko stosowane w tradycyjnym teatrze ludów Azji i Dalekiego Wschodu, gdzie teatr ten w swoim rozwoju był ściśle związany z dramatem kultowym. W Indiach były to przedstawienia ludowe Raslili i Ramlili, na Cejlonie przedstawienia Kolam, w Indonezji liczne odmiany teatru Topeng. Tradycyjny teatr masek (maska topeng) został opracowany w Indonezji we wczesnym średniowieczu i doświadczył zauważalnych wpływów sztuka indyjska. Przez większą część Jako scenariusze takich przedstawień wykorzystano epizody ze znanych epickich dzieł Mahabharaty i Ramajany. W przedstawieniach groteskowo przedstawieni zostali tradycyjni bohaterowie: wyniośli radżowie, dzielni wojownicy itp. Aktorzy grali głównie w maskach, których było kilkadziesiąt. Na sztukę aktorską składały się tańce i skomplikowana pantomima, a tylko wykonawca roli błazna (tendem, pentul) śpiewał, przemawiał za wszystkich, a nawet wygłaszał didżeje. Nosił specjalną maskę, wykonaną bez żuchwy i podbródka, pozostawiając otwarte usta aktora. Maski zostały wykonane z drewna i pomalowane, w środku Do maski przymocowana była skórzana pętla lub drewniany kij, który aktor zaciskał w zębach, trzymając maskę przed twarzą.
W wiekach XIY-XY. W Japonii rozwinął się teatr Noo, w którym maska była głównym elementem ekspresji. Zagrało w nim dwóch aktorów: strona - „aktor” (bohater), występujący Wiodącą rolę i vaki - „wspólnik” (deuteragonista). Czasami pojawiały się też tsure – „towarzysze” głównych bohaterów, którzy nie pełnili niezależnych funkcji. Wszyscy wykonawcy byli mężczyznami.
Obecnie w teatrze Noo używa się około dwustu rodzajów masek. Są podzielone na maski męskie i żeńskie, różnią się wiekiem, charakterem, wyglądem. Wśród męskich masek znajdują się wizerunki starców, młodzieńców, chłopców, szlachetnych ludzi, pospólstwa, dobra i zła, bóstw Shinto i buddyjskich, duchów, demonów. Wśród kobiet - dziewczyny, kobiety w średnim wieku, staruszki, szalone i zazdrosne, piękne i brzydkie, duchy i demony.
Niektóre maski są przeznaczone do bardzo konkretnych zabaw, inne służą do tworzenia odpowiednich postaci w dowolnej zabawie. Niektóre z nich są nieco mniejsze niż ludzka twarz, inne są większe. Są wyrzeźbione z jasnego drewna, a następnie pomalowane i pokryte specjalnym lakierem. Maska jest przymocowana do głowy aktora za pomocą dwóch sznurków, które przewleczone są przez małe otwory po bokach maski i zawiązane z tyłu głowy. Często pod maską umieszcza się małe papierowe podkładki, aby umożliwić aktorowi swobodniejsze poruszanie ustami. Dozwolone jest branie masek tylko za krawędzie.
Maska jest w stanie transmitować różne odcienie nastrój postaci dzięki umiejętnemu rozwijaniu jej twarzy z obszernymi detalami przy użyciu najdrobniejszych niuansów oświetlenia maski.
Opaski spinające peruki służą jako ozdoba i symbol koloru postaci, a także kołnierze kimonowe: biały - szlachetność, zielony i brązowy - pokora, pokora, czerwony - młodość i radość, bladożółty - dojrzałość i starość, niebieski - siła.
Peruka szlachetnej kobiety wykonana jest z długich, gładkich czarnych włosów. Peruki starców i kobiet są zrobione z białych włosów, peruki duchów i demonów z czerwonego. Dziewczęta niebiańskiego pochodzenia charakteryzują krótkie czarne peruki, duchy - długie czarne.
Podsumujmy wszystkie powyższe dotyczące masek zgodnie z przyjętą przez nas formą. Zalety: maska jest wielofunkcyjna (może przenosić informacje o stylu i gatunku spektaklu, miejscu i czasie akcji), mobilna (jako narzędzie dekoracyjne jest grafika, wyzwala aktora, poprawia walory optyczne spektaklu w dużych przestrzeniach, potrafi zamienić zróżnicowaną masę ludzi na scenie w coś monolitycznego, pomaga stworzyć atmosferę tajemniczości).
Wady: w masce aktor widzi, słyszy, gorzej orientuje się i pozbawiony jest mimicznej wyrazistości własnej twarzy.
Wykonując maskę radzimy zadbać o jej walory optyczne, akustyczne i wentylacyjne. Ze względów higienicznych zaopatrz się w maskę dla każdego wykonawcy lub użyj środków dezynfekujących, ponieważ mycie masek jest zwykle wykluczone. Stosując maseczkę, szukaj bardziej wyrazistego plastyki całego ciała. Nigdy nie dotykaj twarzy maski ręką podczas występu. I jeszcze jedno: maska „wygląda” nosem, usta aktora obrysowane na biało stają się w masce bardziej wyraziste.
