Jeśli kiedykolwiek byłeś we Włoszech, to wiesz, z czego dumni są mieszkańcy Półwyspu Apenińskiego. Galeria Uffizi i Katedra Santa Maria del Fiore we Florencji, Koloseum i Fontanna di Trevi w Rzymie, Bazylika św. Marka i Canal Grande w Wenecji. Czy na tej liście czegoś brakuje? Zgadza się, brakuje mediolańskiej La Scali, jednej z najsłynniejszych oper na świecie.
czułe imię
Dla tych, którzy trochę znają język włoski, nazwa teatru La Scala może Cię zaskoczyć. Rzeczywiście, włoskie słowo skala, przetłumaczone na rosyjski, oznacza, co dziwne, zwykłe schody. Ale w rzeczywistości teatr otrzymał swoją nazwę od kościoła Santa Maria della Scala, na miejscu którego został zbudowany. A kościół został tak ochrzczony na cześć potężnej patronki, jednego z władców Werony, który nosił nazwisko Scaliger.
Milion lirów na nowy teatr
W latach 70. XVIII wieku w Mediolanie istniał już Teatr Królewski Książęcy. Ale w 1776 spłonął, więc mieszkańcy miasta musieli pomyśleć o stworzeniu nowego teatru - nie chcieli stracić chwały stolicy włoskiej opery. Za zgodą cesarzowej Marii Teresy Austrii, słynnemu architektowi Giuseppe Piermarini zlecono zaprojektowanie nowego budynku na miejscu kościoła.
W XVIII wieku w Mediolanie istniał już Teatr Królewski Książęcy.
Teatr kosztował miasto prawie milion lirów, co jak na ówczesne standardy było ogromną kwotą! 90 najwybitniejszych arystokratów miasta podzieliło między siebie koszty i rozwidlało. Dwa lata zajęło architektowi Piermariniemu i jego asystentom stworzenie genialnego przykładu stylu neoklasycystycznego, a już w 1778 roku teatr został otwarty dla zwiedzających.
Budynek teatru La Scala
Centrum życia w Mediolanie
La Scala od samego początku zakochała się w publiczności. Sala teatralna, wykonana w formie ogromnej podkowy (100 na 38 metrów!), wyposażona w prawie dwieście lóż, z których każda mogła pomieścić do 10 widzów, bogato zdobiona złoceniami, nigdy nie była pusta.
Sala teatralna, wykonana w formie ogromnej podkowy
To prawda, że nie wszyscy obywatele przyszli do teatru, aby posłuchać opery. W tym czasie La Scala stała się prawdziwym centrum mediolańskiego życia. Wyposażono go w sale hazardowe i bufety, w murach teatru odbywały się wieczory hazardowe, bale, a nawet walki byków!
Sala Teatralna La Scala
Rossini, Verdi i Czajkowski
Pierwszym dziełem wystawionym na scenie nowo narodzonego teatru była opera Antonia Salieriego Rozpoznana Europa, którą kompozytor napisał specjalnie na chrzest bojowy w La Scali. Co ciekawe, po odbudowie w 2004 roku Znana Europa ponownie otworzyła na scenie teatru serię spektakli. Prawdopodobnie mieszkańcy Mediolanu widzą w tym coś symbolicznego.
Na scenie teatru nieprzerwanie wystawiane były arcydzieła znanych kompozytorów.
Na scenie teatru nieustannie wystawiane były arcydzieła wybitnych kompozytorów. Przez wiele lat swojej pracy La Scali współpracował z Cherudinim, Paisiello, Rossinim (eksperci mówią nawet o szczególnym okresie Rossiniego w historii teatru). Nie wspominając o Donizettim, Bellinim, Puccini i oczywiście Verdim! To prawda, że ten ostatni nie od razu zaprzyjaźnił się z teatrem w Mediolanie. Po inscenizacji Joanny d'Arc kompozytor rozwiązał umowę z La Scala i odszedł. Nieco później wrócił ponownie, już zakochany po uszy w tym teatrze. Na scenie „Mediolan” niejednokrotnie wystawiano dzieła rosyjskich klasyków. Entuzjastycznie przyjęto na przykład Damę pikową Czajkowskiego, Borysa Godunowa i Chowanszczynę Musorgskiego, Miłość do trzech pomarańczy Prokofiewa i Katerinę Izmaiłową Szostakowicza.
Giuseppe Verdi
Starcie Tytanów
Oczywiście, czy jest teatr bez wykonawców? Wśród słynnych śpiewaków operowych, którzy wystąpili na scenie La Scali, można wymienić Caruso i Ruffo, de Luca i Skip, Gigli i Benzanzoni, Canilla i Del Monaco, a także słynną rosyjską śpiewaczkę Chaliapin! Miłośnicy opery pamiętają połowę XX wieku jako legendarną konfrontację dwóch primadonny – Tebaldiego i Callas. Każdy z wokalistów ma swój prawdziwy fanklub. Namiętności czasami były tak wysokie, że fanów diw operowych musiała rozdzielać policja. Nie wiadomo, kto wygrał tę rywalizację, ale w 1955 Callas zdobyła tytuł „boskiego”, grając rolę w La Traviacie.
Renata Tebaldi
Maria Callas
Dwudziestoletni geniusz
Dla wielu miłośników opery nazwa La Scala jest mocno kojarzona z nazwiskiem jej najsłynniejszego dyrygenta Arturo Toscaniniego. Po raz pierwszy pojawił się na scenie mediolańskiego teatru w 1887 roku w wieku 20 lat, będąc już wtedy sławnym - zasłynął wykonując Aidę w Brazylii. Młody dyrygent zadebiutował z głośnym sukcesem, przejął stery teatru i wprowadził żelazną dyscyplinę. Toscanini był niestrudzony, spędził wiele godzin na próbach, mimo że wielu aktorów omal nie padło ze zmęczenia. Na początku lat 30. geniusz musiał opuścić Włochy z powodu niezgody z ideologią rządu, a dyrygent wyjechał do Ameryki. Kiedy Toscanini dowiedział się w 1943 roku, że teatr został zniszczony przez bomby, zniechęcił się. W 1945 roku ofiarował milion lirów na odrestaurowanie swojego ukochanego pomysłu, a już w 1946 przyjechał do słonecznego Mediolanu, by ponownie dyrygować w odrestaurowanym teatrze.
Arturo Toscanini
Ręka w rękę z baletem
Oprócz opery teatr La Scala słynie oczywiście z baletu. Na scenie tego teatru pracowali najwybitniejsi europejscy choreografowie: Rossi, Franchi, Clerico, Vigano, Taglioni, Casati - to nie jest pełna lista.
Oprócz opery teatr La Scala słynie oczywiście z baletu.
Na scenie La Scali wyrosła cała plejada pięknych tancerzy i tancerzy: Vulcani, Pelosini, Fabiani, Franchi, Cerrito, Salvioni i wielu innych. Wśród produkcji i nadal znane są "Stworzenia Prometeusza", "Wielka Dziewica", "Giselle", "Jezioro Łabędzie", "Dziadek do Orzechów", "Daphnis i Chloe", "Romeo i Julia".
Ekaterina Astafiewa
Mam wycieczkę do Włoch i nie mogłem się powstrzymać od zastanawiania się - co z teatrami operowymi? Gdzie iść?
Udzielił cennych porad cel.Publikuję za jej zgodą.
Sezon w różnych teatrach we Włoszech zaczyna się na różne sposoby.
Nigdy nie byłem w La Scali i nigdy nie będę. Wyjaśnię dlaczego. Aby cieszyć się spektaklem, nigdy nie kupuj biletów w kasie. Nie zobaczysz niczego wyraźnie i nie jest jasne, czy usłyszysz. Bilety do kasy kosztują dużo pieniędzy. Miło byłoby iść na stragany. Ale ceny tam są oburzające. Regularnie oglądam ich plakat i widzę wiele dobrych występów w sezonie (czasami z dobrymi reżyserami, dyrygentami i śpiewakami). Postanowiłem nie wydawać szalonych pieniędzy na chodzenie do tego teatru (zwłaszcza, że polityka obecnego głównego dyrygenta nie jest mi bliska). Więc nie mogę jeszcze nic polecić o tym teatrze :-)
Kilka lat temu prawie przypadkiem trafiliśmy na Teatro Reggio w Parmie. Jestem wielkim fanem Verdiego i co roku odbywa się tam festiwal Verdi. Tutaj faktycznie do niego poszliśmy. O Rigoletto z Leo Nuccim i Jessicą Pratt. Teatr nie jest zły: bardzo piękny w środku, z ciekawą historią i wspaniałymi reżyserami i śpiewakami. Niestety w ostatnich latach ich sezon operowy jest bardzo krótki (wieczne problemy finansowe): zaczyna się na początku stycznia i ogranicza się do 3-4 oper. W tym roku moja uwaga skupiła się tylko na Simonie Bocanegrze w produkcji tego samego De Ana. Warto spojrzeć na plakat i zobaczyć, co dają w październiku na coroczny festiwal Verdi i od stycznia, na krótki, ale sezon. Teatr nie jest tak szeroko znany na świecie jak La Scala czy Felice Venetian, ale moim zdaniem zasługuje na uwagę. Samo miasto Parma jest bardzo ładne i można nie tylko pójść do teatru, ale także zobaczyć Teatr Farnese, najpiękniejszą katedrę, dom Arturo Toscaniniego, galerię narodową i wiele więcej. Busseto i Sant'Agata (posiadłość Verdiego) znajdują się w pobliżu. Ale można tam dojechać tylko samochodem.
Bardzo lubię Teatro Regio w Turynie. Teatr jest zabytkowy, ale pożar na początku XX wieku zniszczył wnętrze budynku. Z historycznej pozostała tylko jedna fasada. Ale wnętrze teatru zostało odnowione i obecnie jest to jedna z najlepszych europejskich sal z doskonałą akustyką na 1500 miejsc. Doskonale widać go i słychać z każdego miejsca w hali. Zawsze łatwo jest zdobyć bilety i mają jeden z najdłuższych sezonów z 12 operami od września do maja. Jest wiele produkcji i często godne uwagi. Wspomniane już arcydzieło Don Carlo. Tam słuchaliśmy Oniegina z naszym Ladyuk i Winogradowem. Pojechali tam również, aby posłuchać gali Verdiego w zeszłym roku z Frittolim i Alvarezem. Ten teatr jest bardzo polecany! Sam Turyn jest świetny! Wyjazd do teatru połączysz z wizytą w jednym z najpiękniejszych miast we Włoszech (bardzo kocham Turyn i jestem pewna, że wy też to docenicie).
Generalnie we Włoszech jest wiele oper: w Genui, w Lukce, we Florencji, w Modenie, w Neapolu. Są w prawie każdym mieście, nawet najmniejszym.
Torre del Lago jest gospodarzem corocznego Festiwalu Puccini. To prawda, jest to bardzo specyficzne: scena znajduje się nad jeziorem i sam rozumiesz, że są niuanse: komary i wiatr (jeśli w złym kierunku, kaczki na jeziorze będą cieszyć się dźwiękiem). Festiwal trwa przez całe lato. Być może ciekawie byłoby raz się w to zagłębić. Tuż u stóp willi kompozytora (bardzo ciekawie odwiedzić!) W zeszłym roku śpiewała tam Gulegina Santuzza (nie dziwcie się, że Mascagni… daje nie tylko opery Pucciniego). Naprawdę chciałem wejść, ale nie wyszło. Bilety nie są tanie, ale znowu nie szkoda dobrego składu.
W Pesaro coroczny festiwal Rossini. Szczerze mówiąc, jeszcze do tego nie dotarłem, ale chciałbym. Ponownie przyjrzę się składowi. Nie mogę nic powiedzieć o sezonie teatralnym, bo jeszcze tam nie byłam. To samo dotyczy Ankony.
Opera Rzymska jest absolutnie cudowna! Warto również odwiedzić.
Dobrzy wykonawcy wędrują po teatrach i dobre produkcje :-) Zwróćcie uwagę na włoskiego tenora Francesco Meli. Słuchałem go w Balu Maskowym Ernaniego i Verdiego (odpowiednio w Operze Rzymskiej i Teatrze Parmeńskim).
Lepiej podążać za ruchem artystów i tam iść :-)
We Florencji w Maggio Musicale Fiorentino można usłyszeć dużo dobrej muzyki i znakomitych wykonawców. : w kwietniu Matsuev wystąpi z Zubin Meta. Przed rokiem wysłuchaliśmy niesamowitego wykonania Fantastic Symphony Wagnera i Claudio Abbado Berlioza.
Nawiasem mówiąc, latem w Arena di Verona odbywa się niekończąca się seria występów. Dopóki tam nie byłem. Ale myślę, że możesz być zainteresowany. Często śpiewają tam dobrzy wykonawcy i wystawiają je dobrzy reżyserzy. Ma swoją specyfikę (w plenerze), ale jednak. To opcja, jeśli chcesz latem dobrej opery :-)
Zapomniałem też opowiedzieć o Teatro Comunale w Bolonii! Tam też są wspaniałe produkcje o wspaniałym składzie.
We Włoszech nie ma teatru repertuarowego i nie ma w teatrze trupy jako takiej, z wyjątkiem orkiestry i głównego dyrygenta teatru. Dlatego kompozycję i rzeczywiste prace należy obejrzeć na początku sezonu na stronie teatru. Powtarzam, ale dobrzy wykonawcy śpiewają we wszystkich wymienionych przeze mnie teatrach. Śpiewają w całych Włoszech.
Nie ma wielu teatrów. Jest ich dużo i równolegle można zobaczyć wiele rzeczy. Inną rzeczą jest to, że musisz poruszać się po kraju. To może nie być zbyt wygodne: marsz z Turynu do Rzymu (na przykład), a następnie do Bolonii. Niedawno zrobiłem sobie program na najbliższą przyszłość. Od lata w Turynie będzie Wesoła wdówka, produkcja tego samego De Ana! Śpiewacy nie są najlepsi, ale on jest (Alesandro Safina… może go znasz). Dokładną obsadę można zobaczyć na stronie teatru. To koniec czerwca-początek lipca. W Bolonii odbędzie się Cosi fan tutte. Tutaj skład jest ciekawszy: Korchak, Goryacheva, Albergini. Meli będzie śpiewać w Carmen w Genui przez cały maj. Anita (ta, której słuchałeś w Meta) będzie w czerwcu w Carmen w Rzymie. Sezon wciąż trwa i jest dość aktywny. Dziś i 6 kwietnia w Parmie śpiewają Poławiacze pereł z Korczakiem w roli tytułowej.
Autorami eseju są L. A. Sołowcowa, O. T. Leontieva
Miejsce narodzin opery to Włochy. Przywołany do życia humanistycznymi ideałami włoskiego renesansu gatunek ten powstał pod koniec XVI wieku. W jedności poezji, muzyki i teatru grupa światłych poetów i muzyków florenckich szukała sposobów na ożywienie starożytnego teatru, stworzenie syntetycznej sztuki zdolnej do prawdziwego wyrażania ludzkich uczuć. Florentczycy głosili dominację poezji nad muzyką; Odrzucając średniowieczną polifonię, zaproponowali nowy, homofoniczno-recytatywny styl. Według B. Asafiewa, pastorałki recytatywne florentyńczyków były „rodzajem propylaea” dla opery.
W pierwszej połowie XVII wieku. opera stopniowo kształtowała się jako gatunek, zyskując nowy kierunek rozwoju: wychodząc poza wąski krąg florenckich poetów i muzyków, nawiązała kontakt z szeroką publicznością w Mantui, w Rzymie, potem w Wenecji, gdzie w latach 30. . XVII wiek Otwarto pierwszą na świecie stałą operę. Występy kameralne Florentczyków ustąpiły miejsca wystawnym spektaklom teatralnym; jednocześnie muzyka zaczęła dominować nad tekstem – styl deklamacyjny został stopniowo zastąpiony kantyleną.
Największym osiągnięciem włoskiej opery XVII wieku jest twórczość dwóch wybitnych kompozytorów: Claudio Monteverdiego (1567-1643) i Alessandro Scarlattiego (1660-1725).
Monteverdi pracował w Mantui, a następnie w Wenecji, gdzie stworzył swoje najlepsze kompozycje. Był pierwszym wielkim kompozytorem operowym, który na scenie teatralnej uosabiał silne charaktery i wielkie pasje. Operę wzbogacił o szereg nowych środków muzycznych i wyrazowych; melodyjna recytacja połączona z kantyleną; melodia, harmonia i pisarstwo orkiestrowe podporządkowane dramaturgii. Wyprzedzając swoją erę, Monteverdi podążał ścieżką tworzenia realistycznego dramatu muzycznego.
W wykonaniach kolejnych kompozytorów włoskich treść dramatyczna stopniowo schodziła na dalszy plan; Jednocześnie coraz bardziej wzrastała rola śpiewu wirtuozowskiego w muzyce operowej.
Rozwój opery włoskiej w drugiej połowie XVII i XVIII wieku. związane z rozkwitem sztuki wokalnej. Dzieło A. Scarlattiego położyło podwaliny pod słynną szkołę neapolitańską, która na przełomie XVII i XVIII wieku. zajmował dominujące miejsce, które wcześniej należało do szkoły weneckiej. Przejmując doświadczenia mistrzów florenckich, rzymskich i weneckich, neapolitańczycy wykorzystali ich dorobek twórczy.
W Neapolu ostatecznie ukształtował się gatunek włoskiej opery, gdzie muzyka zdominowała tekst, gdzie określono rodzaje form wokalnych, a sztuka śpiewu osiągnęła wysoki rozkwit. Wybitni włoscy śpiewacy zasłynęli na całym świecie nie tylko pięknym głosem, ale także najwyższym kunsztem wokalnym, zwanym bel canto. Jednak w XVIII wieku sztuka belcanta stopniowo nabierała coraz bardziej zewnętrznego, wirtuozowskiego charakteru. Najlepsi włoscy śpiewacy posiadali twórczy dar improwizacji; wykonując arie, urozmaicali je i improwizowali kadencje. Mniej utalentowani wokaliści, próbując naśladować słynnych mistrzów belcanta, często przekraczali granice artystycznie uzasadnionego w swoim wykonaniu.
Fascynacja śpiewaków techniką wirtuozowską wpłynęła również na twórczość kompozytorów. Poddając się gustom publiczności i zwyczajom śpiewaków, kompozytorzy często przeładowali arie wirtuozowskimi ozdobnikami. Nabierając zewnętrznego blasku, muzyka stopniowo traciła tę emocjonalną ekspresję, która cechowała twórczość A. Scarlattiego i jego najbliższych naśladowców. Śpiewacy-wirtuozi zajęli w operze pierwsze miejsce, spychając na dalszy plan kompozytora i librecistę. Komponując operę, trzeba było przede wszystkim podać "spektakularne numery" dla występujących w niej ulubieńców publiczności.
Kompozytorzy szkoły neapolitańskiej, nawet w czasach jej świetności, mało interesowali się dramaturgią. Powstający w Neapolu rodzaj tzw. opery „poważnej” (opera seria) był głównie przeplataniem się arii i recytatywów; zespoły nie odgrywały znaczącej roli; chóry były prawie nieobecne; główne miejsce zajęły arie i duety wyrażające uczucia bohaterów; w recytatywach stwierdzano głównie wydarzenia, przebieg dramatu. Wraz ze wzrostem siły wirtuozów śpiewaków coraz bardziej słabła uwaga na treści dramatyczne. Gusta mecenasów teatrów dworskich bardzo negatywnie wpłynęły na rozwój opery seria. Fabuła librett operowych często sprowadzała się do bezsensownych romansów.
Tematy heroiczno-duszpasterskie, wątki z mitologii i średniowiecza służyły jedynie jako płótno, dając początek genialnym arie wirtuozowskim. O tym, jak obojętni byli zarówno wykonawcy, jak i słuchacze stylistyczna jedność muzyki, świadczy fakt, że w latach 20. XX wieku. 18 wiek rozpowszechnił się typ oper, w których wszystkie akty należały do różnych kompozytorów. Takie opery nazywano pasticcio („pasztet”).
Wielokrotnie przez cały XVIII wiek. zarówno poeci, jak i kompozytorzy podejmowali próby wzmocnienia dramaturgii „poważnej” opery. Niemałe zasługi mają poeci A. Zeno i Pietro Metastasio. Nie przezwyciężyli jednak schematyzmu w konstrukcji spektaklu operowego: podobnie jak ich poprzednicy Zenon i Metastasio wyszli nie z wymogów dramaturgii, ale z ustalonego porządku w rozkładzie arii i recytatywów według aktów. Muzyczna dramaturgia opery pozostała zasadniczo taka sama; w szczególności epizody recytatywne miały charakter formalnych powiązań między numerami wokalnymi. Podczas wykonywania recytatywów publiczność zwykle rozmawiała głośno lub wychodziła z sali, aby zjeść i zagrać w karty.
Powyższe nie oznacza, że „wśród kompozytorów włoskich nie było artystów poważnych, myślących. W drugiej połowie XVIII wieku, w epoce włoskiego oświecenia, nasiliły się dążenia do podniesienia poziomu artystycznego „poważnej” opery, ale żaden z ówczesnych kompozytorów włoskich nie odważył się odejść od ogólnie przyjętej struktury opera seria, porzucenie bezsensownej wirtuozerii arii.
Równolegle z „poważną” operą we wnętrznościach tej samej szkoły neapolitańskiej narodziła się opera komiczna (opera buffa). Zyskawszy szeroką popularność już od pierwszych kroków, szybko rozprzestrzeniła się po wszystkich miastach Europy, wypierając „poważną” operę nawet ze scen teatrów dworskich.
Włoska opera komiczna, której początki sięgają XVIII wieku, wyrosła ze scen komediowych i przerywników, które przeplatały się z ówczesnymi operami weneckimi i neapolitańskimi; drugim jej źródłem były komedie gwarowe (oparte na gwarach ludowych), wykonywane zwykle z nieskomplikowanymi pieśniami. Jako gatunek opera komiczna ugruntowała się w interludiach Giovanniego Battisty Pergolesiego (1710-1736); w ostatnim ćwierćwieczu osiągnął dojrzałość klasyczną w twórczości Giovanniego Paisiello (1740-1816) i Domenico Chimorosa (1749-1801). Demokratyczna w swoich aspiracjach opera buffa powstała jako reakcja na oderwaną od życia sztukę opery „poważnej” i powstała w odpowiedzi na postulaty nowej estetyki, która domagała się od sztuki konkretnego związku z nowoczesnością.
Włoska opera komiczna pokazała na scenie zabawne przygody z życia współczesnych; wyśmiewał przywary i często parodiował sam gatunek „poważnej” opery. Z szczupłym patosem opery seria, jej wirtuozowskich arii i recytatywów, które straciły na wyrazistości, operowe buffa kontrastowały ze sobą komediowo-codzienne motywy, proste ludowe i codzienne melodie, skoczne taneczne rytmy, charakterystyczne recytatywy, tak bliskie tupotowi ludowych gwarowych komedii. W operze komicznej duże znaczenie zyskały dynamiczne zespoły, nasycone akcją.
Po drodze ewoluowała opera buffa; poszczególne elementy „poważnej” opery przeniknęły do komiksu i odwrotnie. Ale te gatunki nadal współistniały osobno nawet w XIX wieku.
U zarania ruchu narodowowyzwoleńczego, który ożywił całe Włochy (pierwsze dekady XIX wieku), romantyzm literacki stał się estetycznym wyrazem postępowych idei. Pierwsi włoscy romantycy, uczestnicy rewolucyjnego ruchu poetów karbonariuszy, za główne zadanie sztuki i literatury uważali służbę ludowi. Walczyli o rozwój kultury narodowej, wzywali do studiowania życia ludzi, ich myśli i dążeń, historii i sztuki.
Podnosząc świadomość narodową Włochów, wezwali kraj do zjednoczenia i obalenia jarzma zniewalców.
Ruch narodowowyzwoleńczy znalazł odzwierciedlenie także w sztuce operowej, tchnąc w nią ducha współczesnego życia. Pod progresywnym wpływem włoskiego romantyzmu literackiego ukształtował się nowy kierunek w operze. Odrzucając tradycyjne wątki mitologiczne, włoscy kompozytorzy zwrócili się do człowieka, do jego świata duchowego.
Dzieło Gioachino Rossiniego (1792-1868) było niejako ogniwem w rozwoju włoskiej opery, kończąc jej poprzedni etap i kładąc podwaliny pod nową szkołę narodową. W operach komicznych kompozytora (najlepsza z nich jest Cyrulik sewilski) ze swoją śmiałą, aktualną treścią buffa opera osiągnęła swój najwyższy szczyt.
Rossini wzbogacił także pole opery „poważnej”, przeżywającej wówczas głęboki kryzys ideologiczny i dramatyczny. Co prawda w jego pracach było wiele konwencji, które naruszały naturalność dramatycznego rozwoju. Dość powiedzieć, że Rossini z łatwością przenosił fragmenty muzyki z jednej opery do drugiej. Niemniej jednak w gatunku opery „poważnej” stworzył szereg niezwykłych kompozycji.
Rossini zwrócił się w stronę tematów heroicznych, odpowiadających potrzebom naszych czasów; W jego operach zabrzmiały potężne chóry, pojawiły się dynamiczne, rozbudowane zespoły, a orkiestra stała się kolorowa i dramatycznie ekspresyjna. William Tell Rossiniego położył podwaliny pod nowy gatunek heroiczno-historycznej opery romantycznej.
Twórczość genialnego Rossiniego oraz jego młodszych współczesnych i naśladowców - Vincenzo Belliniego (1801-1835) i Gaetano Donizettiego (1797-1848) - to najlepsze osiągnięcia włoskiej sztuki operowej pierwszej tercji XIX wieku. Kompozytorzy ci unowocześnili język muzyczny włoskiej opery, nasycając ją pięknymi melodiami, zbliżonymi intonacyjnie do pieśni ludowej. Udało im się stworzyć melodie, które wydobywały to, co najlepsze z talentu śpiewaków. Nazwiska Rossiniego, Belliniego i Donizettiego związane są z działalnością wykonawczą tak wielkich śpiewaków jak G. Pasta, G. Rubini, M. Malibran, A. Tamburini, L. Lablache, G. Grisi, którzy głosili chwałę włoskiej opery na wszystkich scenach europejskich.
Rozkwit włoskiej opery trwał krótko. Po stworzeniu Williama Tella (1829) Rossini nie pisał już oper. W połowie lat 30-tych. zmarł młody Bellini. Na początku lat 40. praca ciężko chorego Donizettiego pogorszyła się. Opera Narodowa ponownie przeżyła poważny kryzys. Sceny włoskie zalały mierne opery skomponowane przez licznych naśladowców Rossiniego, Belliniego i Donizettiego. W utworach, które w większości powstawały w pośpiechu, przez następny sezon, i od razu o nich zapomniano, bardzo mało uwagi poświęcano kwestiom treści ideowych i problemom dramaturgii. Melodie operowe obfitowały w efekty, które nie wynikały z natury obrazów, a czasem nawet wchodziły w konflikt z treścią. Kompozytorzy nadal pisali libretta oparte na przyjętych szablonach; numery muzyczne w operach przebiegały według utartych schematów, nie związanych organicznie z akcją.
Tworzenie pełnoprawnych librett operowych utrudniała rutyna panująca w teatrach operowych. Nawet gdy libretto pisali najlepsi ówcześni poeci – jak choćby słynna Felice Romani – gdy libreciści zwrócili się ku klasykom literatury światowej, układali wątki w standardowy schemat, co nieuchronnie je zubożało.
Giuseppe Verdi (1813-1901), odważny innowator, żarliwy, przekonany i konsekwentny orędownik realistycznych zasad literatury włoskiej epoki ruchu narodowowyzwoleńczego, wyprowadził operę włoską z kryzysu ideologicznego i dramatycznego.
Jeśli założycielem narodowej szkoły operowej był Rossini, to w twórczości Verdiego osiągnęła ona najwyższy szczyt. Włochy nie miały kompozytora równego Verdiemu pod względem wartości i siły talentu, ani za życia Verdiego, ani po jego śmierci. Pierwsze heroiczne opery kompozytora, które ukazały się w latach 40., zrodziły się z narastającego zrywu rewolucji, kiedy do ruchu wyzwoleńczego włączyły się wszystkie siły kulturalne kraju. Verdi, zagorzały demokrata i patriota, tworzył sztukę wysoce ideologiczną, a jednocześnie dostępną dla mas. Największą zasługą muzyka jest to, że od pierwszych kroków twórczych, opierając się na tradycjach opery narodowej i broniąc narodowej tożsamości, podążał drogą innowacji, drogą niestrudzonego poszukiwania dramatycznej prawdy.
Sprytny artysta i urodzony dramaturg, zdał sobie sprawę, że formalna rutyna i obojętność na treści dramatyczne doprowadziły włoską operę do ślepego zaułka. Zdając sobie sprawę z tego, że podstawowe wady oper włoskich tkwią w schematyzmie konstrukcji, prowadził niestrudzoną walkę o stworzenie dramatycznego, pełnoprawnego libretta i aktywnie nadzorował pracę swoich librecistów.
Verdi nieustannie dążył do realistycznej żywotności postaci i dramatycznych sytuacji. Poszukiwał nowych form dramatycznych i prawdziwych. Wszystkie środki wyrazu w operze starał się podporządkować identyfikacji głównej idei.
Po przejściu pasji do „gwałtownego romantyzmu” Hugo i bliskich mu hiszpańskich romantyków, po krytycznym opanowaniu dokonań współczesnej opery zachodnioeuropejskiej, Verdi w późniejszych utworach – w „Aidzie”, „Otello” i „Falstaffie” - osiągnął idealną fuzję akcji, słowa i muzyki, stworzył prawdziwie realistyczny dramat muzyczny.
W latach 70-80. ubiegłego wieku we włoskiej operze, która przechodziła okres poszukiwań i walki o kierunki, dwoma biegunami, wokół których grupowały się siły muzyczne, były imiona Verdiego i Wagnera. Pasja do niemieckich romantyków – a zwłaszcza Wagnera – chęć naśladowania ich zawładnęła znaczną częścią włoskiej młodzieży. To hobby, często sprowadzane do prostej imitacji, miało swoje pozytywne i negatywne strony.
Studia nad muzyką niemiecką wzbudziły wśród włoskich kompozytorów większe zainteresowanie harmonią, polifonią i orkiestrą. Ale jednocześnie poszli niewłaściwą drogą, odrzucając na bok tradycje włoskiej opery, odrzucając klasyczne dziedzictwo operowe. Traktowali nawet pracę Verdiego z pogardą. Najwybitniejszym przedstawicielem tego nurtu był Arrigo Boito (1852-1918), którego opera Mefistofeles odniosła wówczas wielki sukces.
W ostatniej dekadzie stulecia szerzącemu się we Włoszech wagneryzmowi przeciwstawił się nowy kierunek operowy - weryzm (od słowa "vero" - prawdziwy, prawdziwy). Grunt pod pojawienie się operowego weryzmu przygotował ruch literacki lat 80. noszący tę samą nazwę.
Pierwsza opera werystyczna - Rustykalny honor Pietro Mascagniego (1890) - została napisana na podstawie opowiadania Giovanniego Vergi. Ruggero Leoncavallo Ruggiero Leoncavallo (1892) Zaszczyt wsi, a następnie Pagliacci (1892) odniosły ogromny sukces wśród publiczności zmęczonej niejasną symboliką operowych wątków włoskich naśladowców Wagnera.
Twórczym credo weryzmu jest prawda życia. Weriści zaczerpnęli tematy swoich oper z życia codziennego. Ich bohaterami nie są wybitne osobowości, ale zwykli, zwykli ludzie ze swoimi intymnymi dramatami. Włoskie verismo jest pod tym względem bliskie francuskiej lirycznej opery. Na język melodyczny włoskich werystów wpływ miała wrażliwa melodia Gounoda, Thomasa, Masseneta. Realistyczne dzieła Bizeta i Verdiego zyskały szczególną sympatię werystów. Verists cenili „Carmen” Bizeta tak samo wysoko jak opery Verdiego, z których dostrzegali podkreśloną emocjonalność muzyki i ostrość dramatycznych sytuacji. To właśnie te cechy ich twórczości, a także temperamentne, przystępne melodie sprawiły, że veristas zyskały dużą popularność. Jednak interpretacja fabuł w ich operach nabierała często melodramatycznego charakteru. Chcąc pokazać codzienność „bez upiększeń”, weryści często zastępowali realistyczne odwzorowanie rzeczywistości „fotografowaniem”. A to prowadziło do wyrafinowania postaci, czasem do powierzchownej ilustracyjności muzyki, do naturalizmu.
W dużej mierze twórczość najwybitniejszych kompozytorów włoskich XX wieku sąsiaduje z weryzmem. Giacomo Puccini (1858-1924), który we wczesnych operach nie uniknął wpływu niemieckiego romantyzmu. Zgodnie z głównymi dążeniami twórczymi i charakterystycznymi cechami stylu Pucciniego, Puccini jest werystą, choć wiele w jego twórczości wykracza poza weryzm. Puccini jest najbardziej utalentowanym i wszechstronnym wśród kompozytorów tego nurtu.
Weryzm Pucciniego przejawia się przede wszystkim w jego stosunku do fabuły operowej. W zwyczajnym, nielakierowanym życiu Puccini odnajduje materiał na głęboko poruszający dramat. Jego mowa muzyczna jest zawsze szczera emocjonalnie. Bogactwem i świeżością języka muzycznego kompozytor wyróżnia się na tle współczesnych - werystów. I choć Puccini nie mógł wznieść się w swojej twórczości na realistyczne wyżyny Verdiego, to pod względem emocjonalnej bezpośredniości oddziaływania muzyki, organicznej klarowności melodii, siły i jasności jego talentu dramatycznego, jest bezpośrednim spadkobiercą Verdi i prawdziwie włoski artysta.
Największą spuścizną włoskiej opery klasycznej jest twórczość Rossiniego, Belliniego, Donizettiego, Pucciniego, a zwłaszcza Verdiego. Dzieła tych kompozytorów znajdują się w repertuarze większości teatrów muzycznych, niezmiennie słychać je na koncertach iw radiu.
Włoska opera klasyczna, z progresywną treścią ideologiczną, z silnymi tradycjami narodowymi, z prawdziwym „wokalem”, zajmuje honorowe miejsce w skarbcu światowej kultury muzycznej.
Dalej w XX wieku. Kompozytorzy włoscy pokazali się jaśniej w formach muzyki instrumentalnej. Nie zapomniano jednak o operze we współczesnych Włoszech. Franco Alfano (1877-1954) był autorem dziesięciu oper, z których szczególny sukces odniosła wystawiona w Turynie w 1904 r. opera Zmartwychwstanie na podstawie powieści L. Tołstoja. Na początku XX wieku. wykonywane w gatunku operowym przez Ottorino Respighi (1879-1936), przedstawiciela włoskiego impresjonizmu, który również doświadczył znacznego wpływu Rimskiego-Korsakowa. Jego pierwsze opery to Rey Enzio (1905) i Semirama (1910), wystawione w Bolonii. W 1927 roku na scenie teatru w Hamburgu wystawiono jego operę Zatopiony dzwon, opartą na dramacie Gerharda Hauptmanna o tym samym tytule. W późnym okresie swojej twórczości Respighi ewoluował w kierunku neoklasycyzmu. Efektem tego zwrotu była bezpłatna adaptacja opery C. Monteverdiego „Orfeo” (1935), która odegrała ważną rolę w ożywieniu i ponownym odkryciu twórczości operowej tego wielkiego włoskiego kompozytora.
Największym przedstawicielem starszego pokolenia współczesnych kompozytorów włoskich, którzy tworzyli gatunek operowy, jest Ildebrando Pizzetti (1880-1968). Jego styl kompozytorski ukształtował się w badaniu klasycznych i przedklasycznych tradycji sztuki narodowej. Pizzetti stale komponował opery dla słynnego teatru La Scala w Mediolanie. Na premierach wielu z nich dyrygował słynny Arturo Toscanini. Pierwszą z nich była Fedra na podstawie dramatu Gabriela d'Annunzio (1915). W 1928 z powodzeniem wystawiono opera Fra Gherardo na podstawie wątku historycznej kroniki Parmy w XIII w. Pizzetti, który skomponował piętnaście oper, nie może być nazywany innowatorem w teatrze muzycznym, ale jego twórczość zawsze odnosiła wystarczający sukces, by na długo pozostać w repertuarze. W latach po II wojnie światowej czcigodny kompozytor kontynuował intensywną pracę dla teatru. : 1947 - "Złoto", 1949 - "Łaźnia Lupy", 1950 - "Ifigenia", 1952 - "Cagliostro". Utwory te zachowały pewne cechy późnego włoskiego weryzmu połączonego z wpływami Debussy'ego. wyrafinowana i melodyjna recytacja jego „Pelleas i Melizanda". W późniejszych latach stary włoski mistrz nie stracił wysokiego autorytetu w operze. Warto zauważyć, że to właśnie jego trzy ostatnie opery okazały się najbardziej udany i zdobył uznanie poza Włochami: to Córka Yorio do tekstu G. d „Annunzio (1954), post nakręcony w Neapolu przez znanego reżysera Roberto Rosselliniego, Morderstwo w katedrze (1958) i Klitajmestra (1964). Morderstwo w katedrze, opera ciesząca się szczególnym zainteresowaniem angielskiej publiczności, oparta jest na wersecie popularnej sztuki współczesnego angielskiego poety i dramaturga T.S. Eliota. Dramat opowiada o życiu i śmierci arcybiskupa Canterbury Thomasa Becketa, byłego kanclerza angielskiego króla Henryka II. Dwa motywy tworzą głęboki konflikt ideologiczny tego dzieła: zabójstwo polityczne Becketta, demagogicznie uzasadnione „koniecznością historyczną” – „w imię absolutnej władzy monarchy” – oraz dobrowolnie zaakceptowane przez bohatera męczeństwo. Dramaturg w kompozycji swojej sztuki przewidział z góry możliwą strukturę muzyczną. Pierwotnie łączy formy kultu katolickiego i starożytnej tragedii greckiej z komentatorskim chórem.
Pod względem skali jego talentu twórczego i roli w teatrze muzycznym, obok Pizzettiego można postawić tylko Gian Francesco Malipiero (1882-1973). Podobnie jak wielu włoskich kompozytorów XX wieku przeszedł pasję do impresjonizmu, która przejawiała się w szczególnej dbałości o orkiestrowy blask. Ale już w latach 20-tych. ten kompozytor zwrócił się do głębokich studiów włoskich mistrzów baroku i renesansu i stał się zwolennikiem powszechnego neoklasycyzmu. Poświęcając wiele czasu i wysiłku na edycję i restaurację dzieł Claudio Monteverdiego i Antonio Vivaldiego, sam Malipiero był pod silnym wpływem tych kompozytorów. Duże znaczenie w kształtowaniu jego stylu miała także diatoniczna melodia starej pieśni ludowej i chorału gregoriańskiego.
Malipiero skomponował co najmniej trzydzieści różnych utworów muzycznych i teatralnych. W latach 1918-1922 kompozytor pracował nad trylogiami operowymi Orfeida i Goldoniana. W 1932 ukończył trzecią trylogię pod tytułem Tajemnica wenecka. Jedną z najsłynniejszych oper Malipiero jest Opowieść o odmienionym synu (1933), oparta na sztuce Luigiego Pirandello. Zwróćmy także uwagę na opery Zabawa Callota (1942) na podstawie opowiadania E.T.A. Hoffmanna Księżniczka Brambilla i Don Giovanni (1964) na podstawie Kamiennego gościa Puszkina.
Przegląd twórczości operowej współczesnych kompozytorów włoskich starszego pokolenia byłby niepełny bez nazwiska Alfredo Casella (1883-1947), choć dziedzina muzyki instrumentalnej niezwiązanej ze słowem przyciągała tego wielkiego mistrza znacznie bardziej niż opera. W gatunku operowym skomponował trzy utwory: Wężową (1931) na podstawie sztuki C. Gozziego (stylizację starej włoskiej opery buffa), jednoaktową operę kameralną Historia Orfeusza (wystawiona w 1932) oraz jednoaktowa opera misteryjna Pustynia kuszenia ” (1937), wykonana na zamówienie państwa w fałszywym stylu „monumentalno-ceremonialnym” i opowiada o „kulturalnej i twórczej” misji armii włoskiej, która okupowała Etiopię. W warunkach faszystowskiej dyktatury wysiłki twórcze nawet najzdolniejszych kompozytorów były często ograniczane i zniekształcane przez demagogicznie wypaczone żądania „etnografii”, „historycyzmu” oraz fałszywie interpretowane znaczenie narodowościowe i polityczne. Postulaty te, w atmosferze prowincjonalnej izolacji, charakteryzowały pseudoklasycyzm „epoki mussolińskiej”, która chełpliwie nazywała siebie „złotym wiekiem” sztuki.
Głównym przeciwnikiem faszyzmu i jego polityki w sztuce pozostał Luigi Dallapiccola (1904-1975), którego twórczość zyskała zasłużone uznanie już w latach powojennych. W młodości Dallapiccola był bliski neoklasycznemu kierunkowi powszechnemu we Włoszech, ale już pod koniec lat 30-tych. jego muzyka ujawnia cechy ekspresjonizmu. Popularność Dallapikkoli w latach powojennych znacznie ułatwiły dwie jednoaktowe opery wystawiane w wielu krajach jako spektakle telewizyjne. Są to „Nocny lot” (1940) na podstawie opowiadania A. de Saint-Exupery'ego oraz „Więzień” (1949) na podstawie powieści „Tortura nadziei” V. de Lisle-Adana. Dallapiccola jest żywym przedstawicielem idei włoskiego ruchu oporu w sztuce muzycznej. W jego operze Więzień akcja przenosi się do Hiszpanii w XVI wieku. Bezimienny bojownik o wolność z Flandrii marnieje w hiszpańskim więzieniu. Dręczony jest fałszywymi obietnicami wolności, prowokacyjnymi plotkami o wydarzeniach w ojczyźnie, aż w końcu prowadzony jest na egzekucję. Słuchacze nie mają wątpliwości, że tematem opery jest faszystowski terror i opór, walka z polityczną dyktaturą naruszającą wolność jednostki i ludu.
Muzyka Dallapiccola jest głęboko ekspresyjna, choć złożoność jego muzycznego języka utrudnia czasami łatwe odbieranie jego kompozycji.
W latach 50. i 60. Włoskie opery wystawiały dzieła niektórych kompozytorów, którzy wcześniej zasłynęli muzyką do filmów. Są to Nino Rota (1911-1979) i przede wszystkim Renzo Rossellini (1908-1982), brat słynnego reżysera filmowego. Starania tych kompozytorów były próbą demokratyzacji i aktualizacji współczesnej włoskiej opery. Rossellini w swoich operach Wojna (1956), Trąba powietrzna (1958), Ośmiornica (1958), Widok z mostu (1961) świadomie wybierał współczesne tematy i dążył do uproszczenia języka muzycznego, zbliżenia swojej muzyki do folkloru i popularnych gatunków pieśni.
Jeszcze bardziej zdecydowaną próbą odnowienia włoskiego teatru muzycznego jest opera Luigiego Nona (1924-1990) Nietolerancja, która od 1961 roku cieszy się dużą popularnością poza Włochami. Tym utworem kompozytor zamierzał wskrzesić tradycję politycznego, propagandowego teatru Brechta. Program ideowy i estetyczny Nona wymagał rozwiązania wielu złożonych problemów, a przede wszystkim kompozytor musiał jakoś połączyć wymagania dostępności, zrozumiałości dzieła z nowymi, nowoczesnymi środkami technicznymi kompozycji. Nono jest jednym z nielicznych przedstawicieli powojennej „awangardy”, który akceptuje marksistowską doktrynę o roli sztuki w życiu społeczeństwa i zdaje sobie sprawę z potrzeby tworzenia sztuki dla ludzi, sztuki zrozumiałej dla ludzi. szerokie rzesze słuchaczy. Dlatego w swojej operze Nono dba o prostotę i melodyjność, wprowadza popularne zwroty melodyczne, charakterystyczne rytmy tańca ludowego, a mówiący chór wyostrza i ukierunkowuje oddziaływanie. Śpiewające chóry, nagrane na taśmę, transmitowane są przez liczne głośniki. Ich potężne „stereofoniczne” brzmienie powinno kojarzyć się z monumentalną muzyką ulic i placów, muzyki plenerowej. Libretto opery, napisane przez samego kompozytora, jest bardzo zwięzłe i schematyczne, co pozwala na wariację poszczególnych sytuacji fabularnych w interesie jak największej aktualności treści. Tekst zawiera montaż różnych zwrotek poetyckich różnych autorów, wypowiedzi aforystycznych, haseł, które z punktu widzenia kompozytora wyraźnie wyrażają ducha czasu. Pierwsza wersja opery nosiła tytuł „Nietolerancja. 1960” i zawierał protest przeciwko wojnie w Algierii. Wystawiona później opera ta pełna była innych aktualnych haseł, cytatów z politycznie aktualnych dokumentów dnia dzisiejszego. Wędrówkę po europejskich scenach opera rozpoczęła od skandalu politycznego na Festiwalu w Wenecji w 1961 roku. Powodem skandalu był temat - opór wobec przemocy, nieprzejednanie, propaganda idei socjalistycznej transformacji społeczeństwa. Dzieło to było wystawiane w wielu teatrach europejskich, mimo swego nieco „próbnego”, eksperymentalnego charakteru. Istnieje teraz w nowej wersji pod nagłówkiem „Nietolerancja. 1970”, poprawione przez nowe techniki reżyserskie, nowe szczegóły fabuły, ale kompozytor kontynuuje dalsze poszukiwania w tym kierunku, dążąc do jak najpełniejszej syntezy technik dramatycznych współczesnego teatru politycznego z nowymi środkami muzycznymi i wyrazowymi.
Teatro Olimpico to jeden z trzech zachowanych do dziś teatrów renesansowych. Jego konstrukcja jest najstarszą ozdobą na świecie. Teatr znajduje się w mieście Vicenza, we włoskim regionie Veneto. Historia powstania Budowę teatru rozpoczęto w 1580 roku. Architektem był jeden z najsłynniejszych mistrzów renesansu Andrea Palladio.Przed przystąpieniem do tworzenia projektu Andrea Palladio studiował strukturę kilkudziesięciu teatrów rzymskich. Nie ma ziemi na nowy teatr…
Teatro Massimo to jedna z największych oper nie tylko we Włoszech, ale w całej Europie i słynie z doskonałej akustyki. ...
Większość podróżnych z góry wie, które zabytki Włoch chcą odwiedzić. Jeśli mówimy o Mediolanie, to punkt numer jeden dla ...
Teatro San Carlo we Włoszech to jedna z najstarszych oper na świecie, wpisana na Listę Światowego Dziedzictwa UNESCO Czytaj także: Włosi proponują udział w...
Teatr Goldoni, dawniej Teatro San Luca i Teatro Vendramin di San Salvatore, jest jednym z głównych teatrów w Wenecji. Teatr znajduje się...
Święta kulturalne we Włoszech oczywiście nie będą kompletne bez wizyty w teatrze. Wolisz wakacje kulturalne i chcesz dowiedzieć się więcej o życiu teatralnym we Włoszech? Od dawna marzysz o obejrzeniu włoskiej opery w miejscu narodzin gatunku, ale nie wiesz, jak to zorganizować? W takim razie trafiłeś na właściwą stronę. Pod hasłem teatry włoskie oferujemy przydatne informacje na temat harmonogramu i repertuaru włoskich teatrów. Również tutaj można dowiedzieć się wielu ciekawych faktów o teatrach we Włoszech, o historii ich budowy i legendach, które owijają słynne budowle.
Czy wiesz, że nawet starożytne amfiteatry, które mają ponad dwa tysiące lat, mogą pełnić we Włoszech rolę teatralną? A fakt, że włoskie teatry operowe, takie jak La Scala i San Carlo, są słusznie nazywane najlepszymi na świecie? Chcesz poznać historię ich budowy? Chcesz wiedzieć o repertuarze i kosztach biletów do światowej sławy teatrów operowych we Włoszech? Wtedy ta sekcja strony została stworzona specjalnie dla Ciebie.
Teatr alla Scala(MEDIOLAN)
Perła światowej kultury muzycznej. Trudno wyobrazić sobie teatr z bardziej błyskotliwą historią niż słynna La Scala. Przez ponad 300 lat istnienia te ściany widziały wiele, ale udało im się zachować być może najważniejszą dla teatru rzecz - niepowtarzalny urok i tajemnicę. Sezon koncertowy w La Scali trwa od grudnia do czerwca (jesienią na jej scenie odbywają się koncerty symfoniczne). Szczególnie uroczyste jest otwarcie sezonu. Zawsze jest 7 grudnia, dzień św. Ambrożego, patrona Mediolanu. Niestety, bilety czasami wyprzedają się z sześciomiesięcznym wyprzedzeniem, więc rezerwuj z wyprzedzeniem. Orientacyjna cena biletu - opera/balet: parter 260/150; amfiteatr 80-260/125; balkon 40-105/30-80 euro
Amfiteatr - Arena di Verona(WERONA)
Starożytny rzymski amfiteatr słynie z odbywających się w nim przedstawień operowych i koncertowych. Zbudowany w I wieku pne. Największy budynek wykonany z różowego kamienia Verona ustępuje tylko rzymskiemu Koloseum. W starożytności odbywały się na nim walki gladiatorów, w średniowieczu turnieje rycerskie. W XVI i XVII wieku. trybuny zostały całkowicie przebudowane, a obecna Arena to okazała widownia na 25 tysięcy miejsc, na której scenie odbywają się urzekające plenerowe spektakle operowe. Posiada wyjątkową akustykę budowlaną. Dziś, od czerwca do sierpnia, co roku odbywają się zwykle cztery różne produkcje sceniczne. W połowie lipca niemal codziennie odbywają się przedstawienia. W miesiącach zimowych w Filharmonii Akademickiej występuje opera i balet.
Orientacyjny koszt biletów na premiery w Filharmonii: parter operowo-baletowy - 90/60 euro; amfiteatr opera/balet — 70/50; box benoir opera / balet - 60/35; opera/balet balkonowy -55/40. Koszt biletów na powtarzane spektakle to około minus 10 euro. Ceny biletów na Arenę: stragany 220 euro, amfiteatr 95, balkon 40. Dzieci poniżej 4 lat nie mają wstępu.
San Carlo - Teatro di San Carlo(NEAPOL)
Opera w Neapolu została zbudowana na polecenie Karola III, aby zastąpić zrujnowany teatr San Bartolomeo. Otwarta w 1737 roku sala teatralna mogła wówczas pomieścić do 3300 widzów, co czyniło teatr najbardziej przestronnym na świecie.
Orientacyjny koszt biletów na premiery: parter operowy/baletowy – 170/130 euro; amfiteatr opera/balet — 110/100; box benoir opera/balet — 90/50; opera/balet balkonowy -60/40. Koszt biletów na powtarzane spektakle to około minus 10 euro. .
Teatr La Phoenix(WENECJA)
Serce muzycznego życia Wenecji. Niezwykły teatr z pomostem wodnym i elegancką promenadą. Wybudowany w 1792 roku teatr przetrwał dwa pożary i za każdym razem, usprawiedliwiając swoją nazwę, niczym ptak Feniks odradzał się z popiołów. Po ostatnim przerażającym uścisku płomieni, które prawie całkowicie zniszczyły teatr, nowy, odrestaurowany La Fenice otworzył swoje podwoje dla publiczności 14 grudnia 2003 roku.
Orientacyjny koszt biletów na premiery: parter operowy/baletowy – 190/140 euro; amfiteatr opera/balet — 160/100; box benoir opera / balet - 110/90; opera/balet balkonowy -70/50. Koszt biletów na powtarzane spektakle to około minus 10 euro.
Opera - Teatro dell'Opera di Roma(RZYM)
Jedna z największych oper w Europie, która może pomieścić do dwóch tysięcy dwustu melomanów. Odbywają się tu przedstawienia operowe i baletowe wystawiane przez światowych reżyserów. To właśnie w Operze Rzymskiej odbyła się światowa premiera Toski Pucciniego, wielu oper Mascagniego, m.in. „Wiejski Honor”, „Iris” i „Maski”. Na jej scenie śpiewali Amelita Galli-Curci, właścicielka najsłynniejszego sopranu koloraturowego z początku ubiegłego wieku, tenorzy Beniamino Gigli, Enrico Caruso, Tito Skipa.
Latem w Termach Karakalli odbywają się przedstawienia operowe pod gołym niebem. Kiedyś były znane jako ósmy cud świata. Latem 1990 roku na ruinach Term Karakalli odbył się legendarny koncert trzech tenorów – Placido Domingo, Jose Carrerasa i Luciano Pavarottiego.
Orientacyjny koszt biletów na premiery: parter operowy/baletowy – 160/90 euro; amfiteatr opera/balet — 130/80; box benoir opera / balet - 60/35; opera/balet balkonowy — 35/30. Koszt biletów na powtarzane spektakle wynosi około minus 20 euro.
