ไซด์โชว์(lat. intermedia - อยู่ตรงกลาง) - 1. ละครเพลงเล็ก ๆ วางไว้ระหว่างส่วนที่สำคัญกว่าของงานใหญ่ 2. แทรกหรืออยู่ในงานละครที่สำคัญระงับการพัฒนาของการกระทำและไม่เกี่ยวข้องโดยตรงกับมัน 3. เชื่อมระหว่างการแสดงสองตอน บทที่ผ่านไปในบทบรรเลงโดยทั่วไป
อินเตอร์เมซโซ่(มัน. intermezzo - หยุดชั่วคราว, พักครึ่ง) - เชื่อมโยงส่วนที่สำคัญกว่า; ยังเป็นชื่อของบุคคลซึ่งส่วนใหญ่เป็นเครื่องมือชิ้น ธรรมชาติที่แตกต่างและเนื้อหา
บทนำ(lat. introductio - บทนำ) - 1. โรงอุปรากรขนาดเล็กที่นำไปปฏิบัติโดยตรง 2. ส่วนเริ่มต้นของส่วนใด ๆ ที่มีของตัวเองและลักษณะของเพลง
กันต์(จาก lat. cantus - ร้องเพลง) - ในภาษารัสเซีย, ยูเครนและ เพลงโปแลนด์เพลงโคลงสั้น ๆ ของศตวรรษที่ XVII-XVIII สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงสามส่วนโดยไม่มีคลอ ในยุคของ Peter I บทสวดทักทายของตัวละครที่ร่าเริง (ดู) ดำเนินการในโอกาสเฉลิมฉลองอย่างเป็นทางการแพร่กระจาย
Koda(มัน. coda - หาง, ปลาย) - ส่วนสุดท้ายของงานดนตรีซึ่งมักจะมีลักษณะที่กระฉับกระเฉงและกระฉับกระเฉงยืนยันแนวคิดหลักซึ่งเป็นภาพที่โดดเด่น
ลูกคอ(มัน. coloratura - การระบายสี, การตกแต่ง) - การระบายสี, การเปลี่ยนทำนองด้วยทางเดินที่เคลื่อนไหวและการตกแต่งที่หลากหลาย
ระบายสี(จาก lat. สี - สี) ในดนตรี - การระบายสีตามอารมณ์ที่โดดเด่นของตอน ซึ่งทำได้โดยใช้วิธีต่างๆ และวิธีการแสดงออกอื่นๆ
แครอล- ชื่อทั่วไปของพิธีกรรมพื้นบ้านสลาฟที่มีต้นกำเนิดจากศาสนานอกรีตที่เกี่ยวข้องกับการเฉลิมฉลองคริสต์มาส (วันส่งท้ายปีเก่า)
ธนบัตร(fr. coupure - clipping, reduction) - ลดขนาดเพลงโดยลบ, ข้าม, ใน - หรือ
เลซกินก้า- การเต้นรำทั่วไปในหมู่ชาวคอเคซัส เจ้าอารมณ์ ใจร้อน; ขนาด 2/4 หรือ 6/8
แรงจูงใจ(จากนั้น motivo - เหตุผลแรงจูงใจและ lat. motus - การเคลื่อนไหว) - 1. ส่วนหนึ่งซึ่งมีอิสระ ความหมายที่แสดงออก; กลุ่มของเสียงเป็นท่วงทำนองที่รวมกันเป็นหนึ่งสำเนียง - ความเครียด 2. ในสามัญสำนึก - ทำนองเพลง
น็อคเทิร์น(fr. nocturne - night) - ชื่อของตัวละครที่มีขนาดค่อนข้างเล็ก (ไม่ค่อย -) เชิงโคลงสั้น ๆ ที่มีตัวละครไพเราะที่แสดงออกซึ่งแพร่กระจายในศตวรรษที่ 19
แต่ไม่มี(จาก lat. nonus - เก้า) - โอเปร่าหรือแชมเบอร์มิวสิคที่ค่อนข้างหายากสำหรับผู้เข้าร่วมเก้าคน
โอ้ใช่(บทกวีกรีก) - ชื่อของงานดนตรีที่ยืมมาจากวรรณกรรม (บ่อยกว่า -) ของตัวละครที่ยกย่องอย่างเคร่งขรึม
Octet(จาก lat. octo - แปด) - ผู้เข้าร่วมแปดคน
ล้อเลียน(กรีก parodià จากพารา - ต่อต้าน และ บทกวี - เพลง, ร้องเพลง, จดหมาย, ร้องเพลงในทางกลับกัน) - เลียนแบบเพื่อจุดประสงค์ในการบิดเบือนการเยาะเย้ย
โหมโรง, โหมโรง(จากภาษาละติน prae - before และ ludus - game) - 1. บทนำ บทนำสู่บทหรือละครเพลงที่สมบูรณ์ ฯลฯ 2. ชื่อสามัญของเครื่องดนตรีชิ้นเล็กๆ ที่มีเนื้อหา ตัวละคร และโครงสร้างต่างๆ
รอบปฐมทัศน์- การแสดงครั้งแรกที่โรงละคร การแสดงสาธารณะครั้งแรกของงานดนตรี (ใช้กับงานสำคัญเท่านั้น)
ตัวตลก- ผู้พูดภาษารัสเซีย ศิลปะพื้นบ้านในศตวรรษที่ XI-XVII นักแสดงนักดนตรีและนักเต้นที่เดินทาง
โซนาต้า อัลเลโกร- รูปแบบที่เขียนส่วนแรกของโซนาตาและ - คงไว้อย่างรวดเร็ว (อัลเลโกร) รูปแบบโซนาตาอัลเลโกรประกอบด้วยสามส่วนขนาดใหญ่: นิทรรศการ การพัฒนา และการบรรเลงซ้ำ นิทรรศการเป็นการนำเสนอของสองส่วนกลางที่ตัดกัน ภาพดนตรี, สร้างในหลักและด้านข้าง ; การพัฒนา-
งาน:
- กวดวิชา:
รวมแนวความคิดของประเภท: โอเปร่า - กำลังพัฒนา:
สิ่งสำคัญในโอเปร่าคือตัวละครของมนุษย์ ความรู้สึกและความสนใจ การปะทะกันและความขัดแย้งที่สามารถเปิดเผยได้ด้วยดนตรี - พัฒนาความสามารถในการสะท้อนดนตรีและผลงานของนักประพันธ์เพลงในยุคต่างๆ
- เกี่ยวกับการศึกษา:เพื่อปลุกความสนใจของนักเรียนในแนวเพลง - โอเปร่า ความปรารถนาที่จะฟังไม่เพียงแต่ในห้องเรียน แต่ยังรวมถึงนอกห้องเรียนด้วย
ระหว่างเรียน
1. เสียงเพลง เจบี Pergolesi” Stabat Mater dolorosa”
ข้าว. หนึ่ง
ท่ามกลางสิ่งมหัศจรรย์นับไม่ถ้วน
สิ่งที่ธรรมชาติให้มาแก่เรานั้นเอง
มีหนึ่งเดียวที่ไม่มีใครเทียบได้
ไม่จางหายตลอดหลายปี -พระองค์ประทานความรักอันสั่นสะท้าน
และทำให้วิญญาณอบอุ่นในสายฝนและเย็น
เราคืนวันที่แสนหวาน
เมื่อทุกลมหายใจเปี่ยมไปด้วยความหวังต่อหน้าเขาทั้งขอทานและกษัตริย์เท่าเทียมกัน -
ชะตากรรมของนักร้องคือการยอมแพ้และหมดไฟ
เขาถูกส่งมาจากพระเจ้าเพื่อทำความดี -
ความตายไม่มีอำนาจเหนือความงาม!
Ilya Korop
“ศตวรรษที่ 18 เป็นศตวรรษแห่งความงาม ศตวรรษที่ 19 เป็นศตวรรษแห่งความรู้สึก และตอนจบของศตวรรษที่ 20 เป็นศตวรรษแห่งการขับเคลื่อนอย่างแท้จริง และผู้ชมมาที่โรงละครไม่ใช่เพื่อแนวคิด ไม่ใช่เพื่อความคิด แต่เพื่อดึงพลังงานออกมา เขาต้องการความตกใจ ดังนั้นความต้องการวัฒนธรรมป๊อปจึงมีพลังงานมากกว่าในวัฒนธรรมทางวิชาการ Cecilia Bartoli บอกฉันว่าเธอร้องเพลงโอเปร่าเหมือนดนตรีร็อค และฉันเข้าใจความลึกลับของพลังอันน่าอัศจรรย์ของนักร้องผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ โอเปร่าได้รับเสมอ ดูพื้นบ้านศิลปะในอิตาลีมันพัฒนาเกือบจะเหมือนกีฬา - การแข่งขันของนักร้อง และจะต้องเป็นที่นิยม” Valery Kichin
ในวรรณคดี ดนตรี และศิลปะอื่น ๆ ได้มีการพัฒนางานประเภทต่าง ๆ ในระหว่างที่ดำรงอยู่ ในวรรณคดี นี่คือตัวอย่าง นวนิยาย เรื่องราว เรื่องราว; ในบทกวี - บทกวี, โคลง, เพลงบัลลาด; ใน ศิลปกรรม– ทิวทัศน์ ภาพบุคคล ภาพนิ่ง; ในดนตรี - โอเปร่า, ซิมโฟนี ... ประเภทของงานภายในศิลปะประเภทหนึ่งเรียกว่าประเภทคำภาษาฝรั่งเศส (ประเภท)
5. นักร้อง. ในช่วงศตวรรษที่ 18 ลัทธิของนักร้องอัจฉริยะพัฒนาขึ้น - ครั้งแรกในเนเปิลส์จากนั้นไปทั่วยุโรป ในเวลานั้นส่วนของตัวเอกในโอเปร่าดำเนินการโดยนักร้องเสียงโซปราโนชาย - คาสตราโตนั่นคือเสียงต่ำการเปลี่ยนแปลงตามธรรมชาติซึ่งหยุดลงโดยการตัดตอน Singers-castrati นำช่วงและความคล่องตัวของเสียงไปสู่ขีด จำกัด ของสิ่งที่เป็นไปได้ เช่น โอเปร่า สตาร์ดังที่คาสตราโต ฟาริเนลลี (C. Broschi, 1705–1782) ซึ่งนักร้องเสียงโซปราโนตามเรื่องเล่านั้น เหนือกว่าเสียงของทรัมเป็ตที่มีกำลังแรง หรือเสียงเมซโซโซปราโน F. Bordoni ซึ่งพวกเขาบอกว่าเธอสามารถดึงเสียงได้ ยาวนานกว่านักร้องทุกคนในโลก ด้อยกว่าทักษะของนักประพันธ์เพลงที่พวกเขาแสดง บางคนแต่งโอเปร่าและกำกับบริษัทโอเปร่า (ฟาริเนลลี) เป็นที่ยอมรับกันว่านักร้องตกแต่งท่วงทำนองที่แต่งโดยนักแต่งเพลงด้วยเครื่องประดับส่วนตัวของพวกเขาเอง โดยไม่คำนึงว่าการตกแต่งดังกล่าวเหมาะสมกับสถานการณ์ของละครโอเปร่าหรือไม่ เจ้าของเสียงประเภทใด ๆ จะต้องได้รับการฝึกฝนในการแสดงข้อความและเสียงไหลรินอย่างรวดเร็ว ตัวอย่างเช่น ในโอเปร่าของ Rossini เทเนอร์ต้องเชี่ยวชาญเทคนิค coloratura เช่นเดียวกับนักร้องเสียงโซปราโน การฟื้นคืนชีพของศิลปะดังกล่าวในศตวรรษที่ 20 ได้รับอนุญาตให้มอบชีวิตใหม่ให้กับความหลากหลาย โอเปร่ารอสซินี
ตามช่วงเสียง นักร้องโอเปร่าโดยทั่วไปแบ่งออกเป็น 6 ประเภท สาม ประเภทหญิงเสียงจากสูงไปต่ำ - โซปราโน, เมซโซโซปราโน, คอนทราลโต (ทุกวันนี้หายาก); ชายสามคน - อายุ, บาริโทน, เบส ภายในแต่ละประเภทอาจมีหลายชนิดย่อยขึ้นอยู่กับคุณภาพของเสียงและรูปแบบการร้อง โซปราโนเนื้อร้อง-คัลเลอร์ตูรามีเสียงที่เบาและคล่องตัวมาก นักร้องดังกล่าวสามารถแสดงทางเดินอัจฉริยะ สเกลเร็ว ทริลล์ และเครื่องประดับอื่นๆ Lyric-dramatic (lirico spinto) โซปราโน - เสียงที่สดใสและสวยงาม
เสียงทุ้มของนักร้องเสียงโซปราโนที่น่าทึ่งนั้นสมบูรณ์และแข็งแรง ความแตกต่างระหว่างเสียงที่ไพเราะและไพเราะใช้กับอายุ เบสมีสองประเภทหลัก: ร้องเพลงเบส” (basso cantante) สำหรับส่วนที่ “จริงจัง” และการ์ตูน (basso buffo)
การมอบหมายงานสำหรับนักเรียน กำหนดประเภทของเสียงที่ทำ:
- ส่วนซานตาคลอส - เบส
- ส่วนสปริง – เมซโซโซปราโน
- ส่วนสาวหิมะ - นักร้องเสียงโซปราโน
- ส่วน Lel - mezzo-soprano หรือ contralto
- ส่วน Mizgir - บาริโทน
คอรัสในโอเปร่าถูกตีความในรูปแบบต่างๆ อาจเป็นพื้นหลังที่ไม่เกี่ยวข้องกับหลัก โครงเรื่อง; บางครั้งเป็นผู้วิจารณ์ว่าเกิดอะไรขึ้น ความเป็นไปได้ทางศิลปะทำให้สามารถแสดงภาพชีวิตพื้นบ้านที่ยิ่งใหญ่เพื่อเปิดเผยความสัมพันธ์ระหว่างฮีโร่และมวลชน (เช่นบทบาทของคณะนักร้องประสานเสียงในละครเพลงพื้นบ้านของ MP Mussorgsky "Boris Godunov" และ "Khovanshchina")
มาฟังกัน:
- อารัมภบท ภาพที่หนึ่ง. M. P. Mussorgsky "บอริส Godunov"
- รูปที่สอง. M. P. Mussorgsky "บอริส Godunov"
การมอบหมายงานสำหรับนักเรียน กำหนดว่าใครเป็นฮีโร่และใครเป็นมวลชน
ฮีโร่ที่นี่คือ Boris Godunov มวลคือประชาชน ความคิดที่จะเขียนโอเปร่าตามเนื้อเรื่องของโศกนาฏกรรมทางประวัติศาสตร์ของพุชกิน Boris Godunov (1825) ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับ Mussorgsky โดยเพื่อนของเขาซึ่งเป็นศาสตราจารย์ VV Nikolsky นักประวัติศาสตร์ที่มีชื่อเสียง Mussorgsky รู้สึกทึ่งอย่างยิ่งกับโอกาสที่จะแปลหัวข้อความสัมพันธ์ระหว่างซาร์กับประชาชนซึ่งมีความเกี่ยวข้องอย่างมากสำหรับเวลาของเขาเพื่อนำผู้คนมาเป็นแกนหลัก นักแสดงชายโอเปร่า "ฉันเข้าใจคนเป็น บุคลิกดีเคลื่อนไหวด้วยแนวคิดเดียว” เขาเขียน - นี่คืองานของฉัน ฉันพยายามแก้ปัญหานี้ในโอเปร่า"
6. วงออเคสตรา. ที่ ละครเพลงอุปรากร บทบาทสำคัญถูกกำหนดให้กับวงออเคสตรา การแสดงอารมณ์ไพเราะหมายถึงการแสดงภาพอย่างเต็มที่ โอเปร่ายังรวมถึงตอนของวงออร์เคสตราอิสระ - ทาบทาม, พักครึ่ง (รู้เบื้องต้นเกี่ยวกับการกระทำของแต่ละคน) อีกองค์ประกอบหนึ่งของการแสดงโอเปร่าคือบัลเลต์ ฉากออกแบบท่าเต้น ซึ่งรวมภาพพลาสติกเข้ากับดนตรี หากนักร้องนำในการแสดงโอเปร่า วงออเคสตราจะสร้างเฟรม ซึ่งเป็นรากฐานของการแสดง เคลื่อนไปข้างหน้า และเตรียมผู้ชมสำหรับกิจกรรมในอนาคต วงออเคสตราสนับสนุนนักร้อง เน้นจุดสุดยอด เติมช่องว่างในบทหรือช่วงเวลาของการเปลี่ยนแปลงของทิวทัศน์ด้วยเสียง และในที่สุดก็แสดงในตอนท้ายของโอเปร่าเมื่อม่านตก มาฟังการทาบทามของ Rossini ในภาพยนตร์ตลกเรื่อง "The Barber of Seville" . รูปแบบของ “สแตนด์อโลน” โอเปร่าทาบทามทรุดโทรมลงและเมื่อถึงเวลาปรากฏของ “ทอสคา” Puccini (1900) การทาบทามสามารถถูกแทนที่ด้วยคอร์ดเปิดเพียงไม่กี่คอร์ด ในหลายโอเปร่าของศตวรรษที่ 20 โดยทั่วไปแล้ว ไม่มีการเตรียมดนตรีสำหรับการแสดงบนเวที แต่เนื่องจากแก่นแท้ของโอเปร่าคือการร้องเพลง ช่วงเวลาสูงสุดของละครจึงสะท้อนออกมาในรูปแบบที่สมบูรณ์ของเพลงอาเรีย ดูเอ็ท และรูปแบบทั่วไปอื่นๆ ที่ดนตรีมาอยู่เบื้องหน้า อาเรียเปรียบเสมือนบทพูดคนเดียว การดูเอ็ทก็เหมือนบทสนทนา ในสามคน ความรู้สึกที่ขัดแย้งกันของตัวละครตัวหนึ่งที่มีต่อผู้เข้าร่วมอีกสองคนมักจะเป็นตัวเป็นตน ด้วยความซับซ้อนเพิ่มเติมรูปแบบต่างๆของวงดนตรีจึงเกิดขึ้น
มาฟังกัน:
- เพลงของ Gilda "Rigoletto" โดย Verdi การกระทำที่ 1 ทิ้งไว้ตามลำพัง หญิงสาวพูดชื่อผู้ชื่นชมลึกลับซ้ำ ("Caro nome che il mio cor"; "หัวใจเต็มไปด้วยความสุข")
- คู่หูของ Gilda และ Rigoletto "Rigoletto" โดย Verdi การกระทำที่ 1 (“Pari siamo! Io la lingua, egli ha il pugnale”; “เราเท่าเทียมกับเขา: ฉันเป็นเจ้าของคำพูด และเขาคือกริช”)
- Quartet ใน Rigoletto ของ Verdi การกระทำที่ 3 (สี่ "Bella figlia dell" amore "; "โอ้สาวงาม")
- Sextet ใน Lucia di Lammermoor โดย Donizetti
การแนะนำรูปแบบดังกล่าวมักจะหยุดการกระทำเพื่อให้มีที่ว่างสำหรับการพัฒนาอารมณ์หนึ่ง (หรือหลายอารมณ์) มีเพียงกลุ่มนักร้องที่รวมตัวกันเป็นหมู่คณะเท่านั้นที่สามารถแสดงความคิดเห็นหลายแง่มุมเกี่ยวกับเหตุการณ์ที่กำลังดำเนินอยู่ได้ในคราวเดียว บางครั้งในฐานะผู้วิจารณ์การกระทำ ฮีโร่โอเปร่าคณะนักร้องประสานเสียงดำเนินการ โดยทั่วไปแล้ว ข้อความในคณะนักร้องประสานเสียงโอเปร่าจะออกเสียงค่อนข้างช้า วลีมักถูกทำซ้ำเพื่อให้ผู้ฟังเข้าใจเนื้อหา
ไม่ใช่ในโอเปร่าทั้งหมด เป็นไปได้ที่จะวาดเส้นแบ่งที่ชัดเจนระหว่างบทประพันธ์และเพลงอาเรีย เช่น แว็กเนอร์ละทิ้งรูปแบบเสียงที่สมบูรณ์เพื่อพัฒนาอย่างต่อเนื่อง การแสดงดนตรี. คีตกวีหลายคนหยิบนวัตกรรมนี้ขึ้นมาด้วยการดัดแปลงต่างๆ บนดินรัสเซียแนวคิดต่อเนื่อง “ ละครเพลงเป็นอิสระจาก Wagner ได้รับการทดสอบครั้งแรกโดย A.S. Dargomyzhsky ใน "The Stone Guest" และ M.P. Mussorgsky ใน "The Marriage" - พวกเขาเรียกรูปแบบนี้ว่า
7. โรงอุปรากร
- Parisian “Opera” (ชื่อ “Grand Opera” ได้รับการแก้ไขในรัสเซีย) มีไว้สำหรับการแสดงที่สดใส (รูปที่ 2).
- “บ้านแห่งการแสดงเคร่งขรึม” (Festspielhaus) ในเมืองบาวาเรียของไบรอยท์ถูกสร้างขึ้นโดยวากเนอร์ในปี 2419 เพื่อจัดแสดง “ละครเพลง” มหากาพย์ของเขา
- โรงละครโอเปร่าเมโทรโพลิแทนในนิวยอร์ก (พ.ศ. 2426) ถูกมองว่าเป็นการแสดงสำหรับ นักร้องที่ดีที่สุดของโลกและสำหรับสมาชิกบ้านพักที่มีเกียรติ
- "โอลิมปิก" (1583) สร้างโดย A. Palladio ในเมือง Vicenza สถาปัตยกรรมที่สะท้อนถึงพิภพเล็ก ๆ ของสังคมบาโรกมีพื้นฐานมาจากแผนผังรูปเกือกม้าที่มีลักษณะเฉพาะซึ่งมีชั้นของกล่องพัดออกมาจากตรงกลาง - กล่องของราชวงศ์
- โรงละคร "La Scala" (1788, มิลาน)
- "ซานคาร์โล" (1737, เนเปิลส์)
- "โคเวนท์การ์เดน" (1858, ลอนดอน)
- สถาบันดนตรีบรู๊คลิน (1908) อเมริกา
- โรงละครโอเปร่าในซานฟรานซิสโก (1932)
- โรงอุปรากรในชิคาโก (2463)
- อาคารใหม่ของ Metropolitan Opera ในลินคอล์นเซ็นเตอร์ของนิวยอร์ก (1966)
- โรงอุปรากรซิดนีย์ (1973, ออสเตรเลีย)
ข้าว. 2
ดังนั้นโอเปร่าจึงครองโลกทั้งใบ
ในยุคของมอนเตเวร์ดี โอเปร่ากำลังได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว เมืองใหญ่อิตาลี.
โอเปร่าโรแมนติกในอิตาลี
อิทธิพลของอิตาลีไปถึงอังกฤษด้วยซ้ำ
เหมือนตอนต้น อุปรากรอิตาลี, อุปรากรฝรั่งเศสช่วงกลางศตวรรษที่ 16. สืบเนื่องมาจากความปรารถนาที่จะรื้อฟื้นสุนทรียศาสตร์ของการแสดงละครกรีกโบราณ
หากในฝรั่งเศส การแสดงนั้นอยู่ในระดับแนวหน้า ส่วนที่เหลือของยุโรปก็คือเพลงอาเรีย เนเปิลส์กลายเป็นศูนย์กลางของกิจกรรมโอเปร่าในขั้นตอนนี้
อุปรากรอีกประเภทหนึ่งมาจากเนเปิลส์ - โอเปร่า - ควาย (โอเปร่า - ควาย) ซึ่งเกิดขึ้นจากปฏิกิริยาทางธรรมชาติต่อโอเปร่า - ซีเรีย ความหลงใหลในโอเปร่าประเภทนี้ได้กวาดเมืองในยุโรปอย่างรวดเร็ว - เวียนนา, ปารีส, ลอนดอน โอเปร่าโรแมนติกในฝรั่งเศส
โอเปร่าบัลลาดมีอิทธิพลต่อการพัฒนาของโอเปร่าการ์ตูนเยอรมันเรื่อง Singspiel โอเปร่าโรแมนติกในประเทศเยอรมนี
โอเปร่ารัสเซียแห่งยุคโรแมนติก
“Czech Opera” เป็นคำทั่วไปซึ่งหมายถึงสองสิ่งที่ตัดกัน ทิศทางศิลปะ: โปรรัสเซียในสโลวาเกีย และโปรเยอรมันในสาธารณรัฐเช็ก
การบ้านสำหรับนักเรียน. นักเรียนแต่ละคนได้รับมอบหมายให้ทำความคุ้นเคยกับงานของนักแต่งเพลง (ตามที่เขาเลือก) ซึ่งโอเปร่าเจริญรุ่งเรือง กล่าวคือ J. Peri, C. Monteverdi, F. Cavalli, G. Purcell, J. B. Lully, J. F. Rameau, A. Scarlatti, G. F. Handel, J. B. Pergolesi, J. Paisiello , K.V. Gluck, W.A. Mozart, G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti, G. Verdi, R. Leoncavallo, G. Puccini, R. Wagner, K. M. Weber, L. Van Beethoven, R. Strauss, J. Meyerbeer, G. Berlioz, J. Bizet, Ch. Gounod, J. Offenbach, C. Saint-Saens, L. Delibes, J. Massenet, C. Debussy, M. P. Mussorgsky, M.P. Glinka, N.A. Rimsky-Korsakov, A.P. Borodin, P.I. Tchaikovsky, S.S. Prokofiev, D. D. Shostakovich, Antonmet , Leos Janacek, B. Britten , Carl Orff, F. Poulenc, I.F. สตราวินสกี้
8. นักร้องโอเปร่าที่มีชื่อเสียง
- Gobbi, Tito, Domingo, ปลาซิโด
- คาลาส, มาเรีย (รูปที่ 3) .
- คารูโซ, เอ็นริโก, คอเรลลี่, ฟรังโก
- ปาวารอตติ, ลูเซียโน, แพตตี, อเดลิเน
- สกอตโต, เรนาตา, เตบัลดี, เรนาตา
- Chaliapin, Fedor Ivanovich, Schwarzkopf, Elisabeth
ข้าว. 3
9. ความต้องการและความทันสมัยของโอเปร่า
โอเปร่าเป็นประเภทที่ค่อนข้างอนุรักษ์นิยมโดยธรรมชาติ นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่ามีประเพณีที่มีอายุหลายศตวรรษเนื่องจากความสามารถทางเทคนิคของประสิทธิภาพ แนวเพลงประเภทนี้มีอายุยืนยาวโดยส่งผลดีต่อผู้ฟังผ่านการสังเคราะห์ศิลปะหลายอย่างที่สามารถสร้างความประทับใจในตัวเองได้ ในทางกลับกัน โอเปร่าเป็นประเภทที่ใช้ทรัพยากรมาก และไม่ใช่เพื่ออะไรที่คำว่า "โอเปร่า" เองหมายถึง "งาน" ในภาษาละติน: ทุกประเภทดนตรี มีระยะเวลายาวนานที่สุด ต้องมีคุณภาพสูง ฉากการแสดง ความสามารถสูงสุดของนักร้องในการแสดง และ ระดับสูงความซับซ้อนขององค์ประกอบ ดังนั้น โอเปร่าจึงเป็นขีดจำกัดของศิลปะที่พยายามสร้างความประทับใจสูงสุดให้กับผู้ชมโดยใช้ทรัพยากรที่มีอยู่ทั้งหมด อย่างไรก็ตาม เนื่องจากแนวอนุรักษ์นิยมของแนวเพลง ทรัพยากรชุดนี้จึงขยายได้ยาก: ไม่สามารถกล่าวได้ว่าในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมาองค์ประกอบของวงดุริยางค์ซิมโฟนีไม่ได้เปลี่ยนแปลงเลย แต่รากฐานทั้งหมดยังคงเหมือนเดิม เทคนิคการร้องที่เกี่ยวข้องกับความต้องการ พลังสูงเมื่อแสดงโอเปร่าบนเวที ดนตรีถูกจำกัดการเคลื่อนไหวด้วยทรัพยากรเหล่านี้
การแสดงบนเวทีในแง่นี้มีไดนามิกมากขึ้น: คุณสามารถแสดงโอเปร่าคลาสสิกในสไตล์เปรี้ยวจี๊ดได้โดยไม่ต้องเปลี่ยนโน้ตในเพลงเลย เชื่อกันว่าสิ่งสำคัญในโอเปร่าคือดนตรี ดังนั้นฉากดั้งเดิมจึงไม่สามารถทำลายผลงานชิ้นเอกได้ อย่างไรก็ตาม วิธีนี้มักจะใช้ไม่ได้ผล โอเปร่าเป็นศิลปะสังเคราะห์และการจัดฉากเป็นสิ่งสำคัญ การผลิตที่ไม่สอดคล้องกับจิตวิญญาณของดนตรีและพล็อตถูกมองว่าเป็นคนต่างด้าวที่รวมเข้ากับงาน ดังนั้นละครคลาสสิกจึงมักไม่ตอบสนองความต้องการของผู้กำกับที่ต้องการแสดงอารมณ์สมัยใหม่บนเวที โรงละครดนตรีและจำเป็นต้องมีสิ่งใหม่
ทางออกแรกสำหรับปัญหานี้คือดนตรี
ตัวเลือกที่สองคือโอเปร่าสมัยใหม่
เนื้อหาทางศิลปะของดนตรีมีสามระดับ
- ความบันเทิง . ตัวแปรนี้ไม่น่าสนใจเนื่องจากการนำไปใช้ก็เพียงพอที่จะใช้กฎสำเร็จรูปโดยเฉพาะอย่างยิ่งเนื่องจากไม่ตรงตามข้อกำหนดสำหรับโอเปร่าสมัยใหม่
- ความสนใจ.ในกรณีนี้ งานนี้ทำให้ผู้ฟังมีความสุข ต้องขอบคุณความเฉลียวฉลาดของนักประพันธ์เพลงที่ค้นพบวิธีดั้งเดิมและมีประสิทธิภาพที่สุดในการแก้ปัญหาทางศิลปะ
- ความลึก.ดนตรีสามารถถ่ายทอดความรู้สึกสูงส่งให้ผู้ฟังได้ ความสามัคคีภายใน. ที่นี่เรากำลังเผชิญกับความจริงที่ว่าโอเปร่าสมัยใหม่ไม่ควรทำอันตราย สภาพจิตใจ. นี่เป็นสิ่งสำคัญมากเพราะถึงแม้จะได้บุญทางศิลปะสูง แต่ดนตรีก็สามารถมีคุณสมบัติที่เอาชนะเจตจำนงของผู้ฟังอย่างไม่อาจมองเห็นได้ ดังนั้นจึงเป็นที่ทราบกันดีว่า Sibelius มีส่วนทำให้เกิดภาวะซึมเศร้าและการฆ่าตัวตาย และ Wagner คือความก้าวร้าวภายใน
ความสำคัญของโอเปร่าสมัยใหม่อยู่ที่การผสมผสานอย่างลงตัวระหว่างเทคโนโลยีสมัยใหม่และเสียงที่สดใหม่พร้อมคุณค่าทางศิลปะชั้นสูง ลักษณะของโอเปร่าโดยทั่วไป นี่เป็นวิธีหนึ่งที่จะกระทบยอดความปรารถนาที่จะแสดงออกถึงความรู้สึกสมัยใหม่ในงานศิลปะ โดยต้องรักษาความบริสุทธิ์ของศิลปะคลาสสิกเอาไว้
เสียงร้องในอุดมคติซึ่งมีพื้นฐานมาจากรากเหง้าทางวัฒนธรรม หักเหในความเป็นปัจเจกของมัน โรงเรียนรัฐบาลร้องเพลงและสามารถใช้เป็นพื้นฐานสำหรับเสียงโอเปร่าสมัยใหม่ที่เขียนขึ้นสำหรับนักแสดงที่เฉพาะเจาะจง
คุณสามารถเขียนผลงานชิ้นเอกที่ไม่เข้ากับกรอบของทฤษฎีใด ๆ แต่ฟังดูดีมาก แต่สำหรับสิ่งนี้ก็ยังคงต้องเป็นไปตามข้อกำหนดของการรับรู้ กฎเหล่านี้สามารถทำลายได้
การบ้านสำหรับนักเรียน. การพัฒนา ลักษณะเฉพาะรูปแบบการประพันธ์โดยนักประพันธ์ชาวรัสเซีย นักประพันธ์เพลงชาวยุโรปตะวันตก และนักประพันธ์เพลงร่วมสมัย การวิเคราะห์ งานดนตรี(ในตัวอย่างของโอเปร่า).
หนังสือมือสอง:
- มาลินีน่า อี.เอ็ม.การศึกษาแกนนำของเด็ก - ม., 1967.
- คาบาเลฟสกี้ ดี.บี.โปรแกรมดนตรีในโรงเรียนมัธยม - ม., 1982.
- ขวา ร.ซีรีส์ "ชีวิตของนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่". LLP “โพมาตูร์”. ม., 2539.
- มาโครวา อี.วี.โรงละครโอเปร่าในวัฒนธรรมของเยอรมนีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 1998
- Simon G.W.หนึ่งร้อยโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่และแผนการของพวกเขา ม., 1998.
- Yaroslavtseva L.K.โอเปร่า. นักร้อง. โรงเรียนสอนร้องเพลงอิตาลี, ฝรั่งเศส, เยอรมนี XVII - XX ศตวรรษ – “สำนักพิมพ์ “ขนแกะทองคำ”, 2547
- Dmitriev L.B.ศิลปินเดี่ยวของโรงละคร "La Scala" เกี่ยวกับ ศิลปะการร้อง: เสวนาเกี่ยวกับเทคนิคการร้องเพลง - ม., 2545.
ปากเปล่า- ร้องเพลงประสานเสียง (วงดนตรี) โดยไม่มีเครื่องดนตรีประกอบ
ดิวิซิ- การแบ่งส่วนร้องชั่วคราวออกเป็นสอง สามเสียง หรือมากกว่านั้น
ตาย irae(จากภาษาละติน "Dies irae" - "Day of Wrath") - บทสวดคาทอลิกยุคกลาง ท่วงทำนองมีความโดดเด่นด้วยการแสดงออกที่รุนแรงและยับยั้งชั่งใจ บทสวด Dies irae เป็นสัญลักษณ์ของความตายถูกใช้ในผลงานของนักประพันธ์เพลงหลายคนรวมถึง W. A. Mozart, F. Liszt, G. Berlioz, G. Verdi, P. I. Tchaikovsky, S. V. Rachmaninov มันเป็นหนึ่งในส่วนของบังสุกุล
ลาเมนโต้(จากภาษาอิตาลี - ร้องเรียน) - การกำหนดดนตรีที่เศร้าโศก ตัวอย่าง: เพลงคร่ำครวญของ Ariadne จากโอเปร่า "Ariadne" โดย C. Monteverdi เพลงคร่ำครวญของ Dido จากโอเปร่า "Dido and Aeneas" โดย G. Purcell ยังพบใน madrigals และ cantatas
อัลโต- ตัวเมียเตี้ยหรือ เสียงเด็ก. ช่วงมีตั้งแต่ fa ของอ็อกเทฟขนาดเล็กไปจนถึงอ็อกเทฟที่สอง (สูงกว่า - น้อยมาก)
แอนตี้ภณ(จากภาษากรีก. แอนตี้โฟโน- ทวนเสียง) - ร้องเพลงสลับกันของคณะนักร้องประสานเสียงสองคน หรือคณะนักร้องประสานเสียงและศิลปินเดี่ยว ที่มาของแอนตี้ฟอนต์ย้อนกลับไปที่ กรีกโบราณ, การร้องเพลงสรรเสริญ ต่อมาหลักการต่อต้านเสียงของการร้องเพลงได้ผ่านไปสู่โศกนาฏกรรมซึ่งคณะนักร้องประสานเสียงมักถูกแบ่งออกเป็นสองคณะนักร้องประสานเสียง การร้องเพลง Antiphonal ใช้ในเพลงลัทธิของปาเลสไตน์และไบแซนเทียม ที่ ยุโรปตะวันตกการนำ antiphon มาใช้ในการบูชาคริสเตียนนั้นสัมพันธ์กับชื่อของบิชอปแอมโบรสชาวมิลาน จากมิลาน แอนตี้ฟอนกระจายไปทั่วอิตาลี และจากนั้นไปยังประเทศอื่นๆ ในยุโรป หลักการของการขับร้องแบบแอนตี้โฟนัลยังผ่านเข้าสู่ดนตรีฆราวาสอีกด้วย พบได้ใน เพลงพื้นบ้าน, เช่นเดียวกับใน งานประสานเสียงนักแต่งเพลงในอดีตและปัจจุบัน ตัวอย่างเช่น: คณะนักร้องประสานเสียง "Echo" โดย O. Lasso, คณะนักร้องประสานเสียง "Stars" โดย S. I. Taneyev เป็นต้น
Antem(จากอังกฤษ. เพลงชาติ, ลาด. แอนติโฟนา, จากภาษากรีก. แอนตี้โฟโน- ฟังเป็นคำตอบ) - บทสวดฝ่ายวิญญาณในอังกฤษสร้างขึ้นจากข้อความจากพระคัมภีร์ on ภาษาอังกฤษ. มีสองประเภทหลักของเพลง: ต้น ที่เรียกว่าเต็ม (แสดงโดยคณะนักร้องประสานเสียง ปากเปล่า) อยู่ใกล้กับโมเท็ต และกลอนหรือสโตรฟิกเพลงชาติตามการสลับของส่วนประสานเสียงและเดี่ยวพร้อมกับเครื่องดนตรีประกอบซึ่งเกี่ยวข้องกับคันทาทา แนวเพลงนี้มีจุดสูงสุดในผลงานของ G. Purcell มีการกล่าวถึงองค์ประกอบของเพลงชาติในศตวรรษที่ 19 - เอส. เวสลีย์ ในศตวรรษที่ XX - บี. บริทเทน, เอส. บาร์เบอร์.
การวิเคราะห์ คะแนนประสานเสียง - การศึกษาคะแนนเสียงร้องประกอบด้วยการวิเคราะห์ด้วยวาจาหรือลายลักษณ์อักษร (นามธรรม) การวิเคราะห์ประกอบด้วย: ข้อมูลทั่วไปเกี่ยวกับผู้เขียนเพลงและข้อความวิเคราะห์ ข้อความวรรณกรรม, ลักษณะ ส่วนประสานเสียง(ranges, tessitura), การวิเคราะห์วิธีการแสดงดนตรี (พื้นผิว, รูปแบบ, ใจความ, เมโลดี้, ความกลมกลืน, จังหวะ, agogics, ฯลฯ ) รวมถึงแผนการปฏิบัติงาน
อาริโอโซ(จากอิตัล.. arioso- เหมือนอาเรีย) - เล็ก งานแกนนำ, รูปแบบอิสระกว่าเพลง ถ้าเพลงในโอเปร่าคือ ลักษณะทางดนตรีฮีโร่แล้ว arioso - การตอบสนองของเขาต่อสถานการณ์ที่น่าทึ่ง, เนื้อหาทั่วไปของการท่องครั้งก่อน, ประสบการณ์ทางอารมณ์บางอย่าง ตัวอย่างเช่น: arioso ของ Lensky "ในบ้านของคุณ" หรือ arioso ของ Onegin "อนิจจาไม่ต้องสงสัยเลย" จากโอเปร่า "Eugene Onegin" โดย P. I. Tchaikovsky
ไฟในหอประชุมดับลง ตัวนำเดินไปที่สแตนด์ของตัวนำ คลื่นของกระบองของตัวนำ - และเข้าสู่ความเงียบ หอประชุมเสียงของทาบทามหลั่งไหลออกมา ... การแสดงเริ่มขึ้นซึ่งในการร้องเพลงและ ดนตรีไพเราะ, การแสดงละคร, บัลเล่ต์, การวาดภาพ. โอเปร่าได้เริ่มขึ้นแล้ว
โอเปร่า- นี่คือประเภทสังเคราะห์ที่ปรากฏบนพื้นฐานของเครือจักรภพ ศิลปะต่างๆ(ภาษาอิตาลี "โอเปร่า" อย่างแท้จริง - ทำงาน ทำงาน เขียน). อย่างไรก็ตาม บทบาทของพวกเขาในโอเปร่าไม่เท่ากัน โอเปร่ามีมานานหลายศตวรรษ และตลอดเวลานี้มีข้อพิพาทเกี่ยวกับสิ่งสำคัญในนั้น - เพลงหรือข้อความไม่ลดลง มีช่วงเวลาหนึ่งในประวัติศาสตร์ของโอเปร่าเมื่อกวีผู้แต่งบทประพันธ์ได้รับการพิจารณาว่าเป็นผู้ประพันธ์และผู้แต่ง - ผู้เยาว์ - ต้องเชื่อฟังในทุกสิ่งไม่เพียง แต่นักเขียนบทเท่านั้น แต่ยังรวมถึงนักร้องที่เรียกร้องให้ชนะ arias ในสถานที่ที่สะดวก เพื่อตัวเอง เวลามาถึงสุดขั้วอื่น ๆ - เมื่อเนื้อหาหยุดให้ความสนใจ โอเปร่าได้กลายเป็นชนิดของคอนเสิร์ตคิว แต่สิ่งเหล่านี้สุดขั้วจริงๆ ใน XVIII และ XIX ศตวรรษในที่สุดประเภทของโอเปร่าก็เกิดขึ้นในรูปแบบที่เรารู้จักและชื่นชอบในตอนนี้
สิ่งสำคัญในโอเปร่ายังคงเป็นดนตรี เพื่อประโยชน์ของเธอเราไปที่โรงอุปรากร ที่นี่ฮีโร่ร้องเพลงอาเรีย ในเวลานี้ไม่มีอะไรน่าสนใจเกิดขึ้นบนเวที: การกระทำหยุดลง ทุกคนฟังเพลง ดนตรีที่เล่าถึงความรู้สึกและความคิดในสุดของพระเอก เผยให้เห็นบุคลิกของเขาให้เราได้เห็น บทเพลงเป็นส่วนสำคัญของโอเปร่า ดังนั้นจึงมีการอุทิศเรื่องราวที่แยกออกมาต่างหาก เช่นเดียวกับหมายเลขโอเปร่าเดี่ยวอื่น ๆ - arioso, cavatina, ballad - สามารถเปรียบเทียบได้กับบทพูดคนเดียวในละคร และตอนนี้เราจำได้ว่า Ivan Susanin ร้องเพลงอะไรก่อนเริ่มเพลง "You will rise, my dawn"
ม.กลินก้า. เพลงของ Ivan Susanin จากโอเปร่า "Ivan Susanin"
แสดงโดย แม็กซิม มิคาอิลอฟ
ประโยคสั้นๆ ช้าๆ คั่นด้วยเสียงหยุด นี่คือการร้องเพลง แต่คล้ายกับการบรรยายมาก ก็เรียกว่า บทบรรยาย(คำภาษาละติน บรรยาย - อ่านออกเสียง พูดออกมาดังๆ). ความสำคัญของการท่องในโอเปร่านั้นสำคัญมาก เขาเป็น "เครื่องมือ" หลักในการพัฒนาการกระทำ หลังจากที่ทุกเมื่อครบตัวเลขดนตรี-arias ตระการตา - การกระทำมักจะหยุด ไม่มีโอเปร่าที่ไม่มีการอ่าน แต่แล้วก็มีโอเปร่าที่สร้างขึ้นจากการท่อง
คณะนักร้องประสานเสียงมีบทบาทสำคัญในโรงละครโอเปร่า ด้วยความช่วยเหลือ นักแต่งเพลงจึงวาดภาพ ชีวิตพื้นบ้าน. และในโอเปร่าของ M. P. Mussorgsky "Boris Godunov" และ "Khovanshchina" ผู้คนตามคำจำกัดความของนักแต่งเพลงเองก็เป็นตัวละครหลัก
องค์ประกอบสำคัญอีกประการหนึ่งที่โอเปร่าทำไม่ได้หากไม่มีคือวงออเคสตรา เขาทำการทาบทาม, ท่อนไพเราะ, เสียงในระหว่างการกระทำทั้งหมด, สร้าง ภาพที่สดใสเผยให้เห็นความรู้สึกของตัวละคร
เกิดขึ้น ศิลปะโอเปร่าเกือบสี่ร้อยปีที่แล้ว ตอนปลายศตวรรษที่ 16 ครั้งแรก การแสดงดนตรีพร้อมร้องเพลงในพล็อต ตำนานกรีกโบราณเกี่ยวกับการต่อสู้ของพระเจ้าอพอลโลกับงูหลามถูกใส่เข้าไป เมืองอิตาลีฟลอเรนซ์ในปี ค.ศ. 1594 ตั้งแต่นั้นมา โอเปร่ามาไกลและยากลำบาก เกิดในอิตาลี เธอไปประเทศอื่น ๆ ในยุโรป เมื่อเกิดเป็นงานในตำนานตอนนี้เธอมีความหลากหลายในแผนการอย่างน่าประหลาดใจ
ในศตวรรษที่ 19 ใน ประเทศต่างๆก่อตั้งโรงเรียนโอเปร่าแห่งชาติ ตัวแทนที่ฉลาดที่สุดในอิตาลีคือ Rossini, Verdi และ Puccini ในฝรั่งเศส - Meyerbeer, Gounod และ Bizet ในเยอรมนี - Weber และ Wagner ก่อนหน้านี้ใน ปลาย XVIIIศตวรรษ โอเปร่าเฟื่องฟูในออสเตรีย ในงานของโมสาร์ท ในรัสเซียศิลปะโอเปร่ามาถึงแล้ว ยอดเขาที่สูงที่สุดในผลงานของ Glinka, Dargomyzhsky, Borodin, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky, Prokofiev และ Shostakovich
ในกรณีส่วนใหญ่ โอเปร่าจะเขียนขึ้นบนแปลงที่นำมาจากวรรณกรรม "Ruslan และ Lyudmila" โดย Glinka, "Mermaid" โดย Dargomyzhsky, "Eugene Onegin", "Mazepa" และ " ราชินีโพดำ"ไชคอฟสกี, "La Traviata", "Rigoletto" และ "Otello" โดย Verdi, "Carmen" โดย Bizet, "The Snow Maiden" โดย Rimsky-Korsakov, "Boris Godunov" โดย Mussorgsky, "The Nose" และ "Katerina Izmailova" โดย D. Shostakovich "สงครามและสันติภาพ "และ" The Tale of a Real Man "โดย S. Prokofiev" ดอนเงียบ"และ "Virgin Soil Upturned" โดย I. Dzerzhinsky, "Cola Breugnon" และ "The Taras Family" โดย Kabalevsky - มีโอเปร่ามากมายในโลกที่มีพื้นฐานมาจากความดี นิยายดังนวนิยาย ละคร...
คะแนนของโอเปร่าที่เสร็จแล้วจะถูกโอนไปยังโรงละคร วาทยกรกำลังทำงาน ศิลปินเดี่ยวและคณะนักร้องประสานเสียงกำลังเรียนรู้ส่วนต่างๆ ของพวกเขา ผู้กำกับกำลังแสดงละคร ศิลปินกำลังวาดภาพทิวทัศน์ การแสดงโอเปร่าเกิดขึ้นจากผลงานทั่วไปของคนเหล่านี้เท่านั้น
การแต่งเพลง - การแสดงละครเพลงตามการสังเคราะห์คำ การแสดงบนเวทีและดนตรี มีถิ่นกำเนิดในอิตาลีช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16 และ 17
คำจำกัดความที่ดี
คำจำกัดความไม่สมบูรณ์ ↓
โอเปร่า
อิตัล โอเปร่า - องค์ประกอบ), ประเภท ศิลปะการละครการแสดงดนตรีและละครที่อิงจากการสังเคราะห์คำ การแสดงบนเวที และดนตรี ตัวแทนจากหลากหลายอาชีพมีส่วนร่วมในการสร้างการแสดงโอเปร่า: นักแต่งเพลง ผู้กำกับ นักเขียน แต่งบทพูดและบทละคร รวมถึงการเขียนบท ( สรุป); ศิลปินที่ตกแต่งเวทีด้วยฉากและแต่งเครื่องแต่งกายของตัวละคร illuminators และอื่น ๆ อีกมากมาย แต่บทบาทชี้ขาดในโอเปร่าเล่นโดยดนตรีซึ่งแสดงความรู้สึกของตัวละคร
"ข้อความ" ทางดนตรีของตัวละครในโอเปร่าคือ aria, arioso, cavatina, การบรรยาย, นักร้องประสานเสียง, หมายเลขออร์เคสตรา ฯลฯ ส่วนของตัวละครแต่ละตัวเขียนขึ้นสำหรับเสียงเฉพาะ - สูงหรือต่ำ สูงสุด เสียงผู้หญิง- โซปราโน, กลาง - เมซโซ-โซปราโน, ต่ำสุด - คอนทราลโต สำหรับนักร้องชาย เหล่านี้คือเทเนอร์ บาริโทน และเบส ตามลำดับ บางครั้งใน การแสดงโอเปร่ารวมฉากบัลเล่ต์ มีโอเปร่าในตำนานทางประวัติศาสตร์
โอเปร่ามีต้นกำเนิดในอิตาลีในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16 และ 17 ดนตรีสำหรับโอเปร่าเขียนโดย W. A. Mozart, L. van Beethoven, G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti, G. Verdi, R. Wagner, C. Gounod, J. Bizet, B. Smetana, A. Dvorak , J. Puccini, K. Debussy, R. Strauss และอื่น ๆ อีกมากมาย นักประพันธ์เพลงหลัก. โอเปร่ารัสเซียชุดแรกถูกสร้างขึ้นในครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 18 ในศตวรรษที่ 19 โอเปร่ารัสเซียประสบความสดใสในผลงานของ N. A. Rimsky-Korsakov, M. I. Glinka, M. P. Mussorgsky, P. I. Tchaikovsky ในศตวรรษที่ 20 – S. S. Prokofiev, D. D. Shostakovich, T. N. Khrennikov, R. K. Shchedrin, A. P. Petrov และคนอื่นๆ
คำจำกัดความที่ดี
คำจำกัดความไม่สมบูรณ์ ↓
