ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจเกี่ยวกับวงดุริยางค์ซิมโฟนี ประเภทของวงออร์เคสตราที่แสดงดนตรีบรรเลงและไพเราะ ประเภทและรูปแบบวงออเคสตรา

, เชลโล , ดับเบิลเบส . รวมตัวกันอยู่ในมือของนักดนตรีที่มีประสบการณ์ ภายใต้เจตจำนงของผู้ควบคุมวง พวกเขาสร้างเครื่องดนตรีที่สามารถแสดงและถ่ายทอดเสียงดนตรี ภาพใด ๆ ความคิดใด ๆ เครื่องดนตรีในวงออร์เคสตราที่ผสมผสานกันหลายชุดทำให้เกิดเสียงที่หลากหลายจนแทบไม่มีวันหมด - ตั้งแต่เสียงฟ้าร้อง เสียงดังจนแทบไม่ได้ยิน จากใบหูที่แหลมคมไปจนถึงเสียงที่สัมผัสนุ่มนวล และคอร์ดหลายชั้นของความซับซ้อนใด ๆ และช่องท้องที่มีลวดลายและคดเคี้ยวของเครื่องประดับไพเราะที่แตกต่างกันและผ้าใยแมงมุมบาง ๆ "เศษ" เสียงเล็ก ๆ เมื่อตามการแสดงออกที่เป็นรูปเป็นร่างของ S. S. Prokofiev "ราวกับว่าพวกเขากำลังปัดฝุ่น วงออเคสตรา” และการผสมผสานอันทรงพลังของเครื่องดนตรีหลายชิ้นที่เล่นเสียงเดียวกันในเวลาเดียวกัน - ทั้งหมดนี้ขึ้นอยู่กับวงออเคสตรา วงออเคสตรากลุ่มใดกลุ่มหนึ่ง - เครื่องสาย, ลม, เพอร์คัชชัน, ดึง, คีย์บอร์ด - สามารถแยกออกจากกลุ่มอื่นและเป็นผู้นำการบรรยายทางดนตรีของตัวเองในขณะที่กลุ่มอื่นเงียบ แต่ทั้งหมดทั้งหมด บางส่วนหรือในฐานะตัวแทนรายบุคคล เมื่อรวมเข้ากับกลุ่มอื่นหรือบางส่วน ก่อให้เกิดโลหะผสมของเสียงต่ำที่ซับซ้อน เป็นเวลากว่าสองศตวรรษแล้วที่ความคิดอันเป็นที่รักของนักประพันธ์เพลง เหตุการณ์สำคัญที่สดใสที่สุดในประวัติศาสตร์ของศิลปะแห่งเสียง เชื่อมโยงกับดนตรีที่คิดค้น เขียนขึ้น และบางครั้งก็จัดเป็นวงดุริยางค์ซิมโฟนี

การจัดเรียงเครื่องดนตรีของวงดุริยางค์ซิมโฟนี

ทุกคนที่รักดนตรีรู้จักและจำชื่อของ J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi , P. I. Tchaikovsky, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin M. P. Mussorgsky , S. V. Rachmaninov , A. K. Glazunov , I. F. Stravinsky , S. S. Prokofiev , N. Ya. Myaskovsky , D. D. Shostakovich , A. I. Khachaturian , K. Debussy, M. Ravel, ปรมาจารย์ B. ที่มีบทประพันธ์ไพเราะและไพเราะอื่น ๆ , ภาพวาด, จินตนาการ, คอนแชร์โตที่บรรเลงโดยวงออเคสตรา และสุดท้าย cantatas, oratorios, operas และ ballets ถูกเขียนขึ้นสำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตราหรือมีส่วนร่วม ความสามารถในการเขียนสำหรับเขาเป็นศิลปะการแต่งเพลงที่สูงที่สุดและซับซ้อนที่สุด ซึ่งต้องใช้ความรู้พิเศษอย่างลึกซึ้ง ประสบการณ์ที่กว้างขวาง การฝึกฝน และที่สำคัญที่สุด - ความสามารถพิเศษทางดนตรี พรสวรรค์ และพรสวรรค์พิเศษ

ประวัติความเป็นมาของการเกิดขึ้นและการพัฒนาของวงดุริยางค์ซิมโฟนีคือประวัติของการปรับโครงสร้างเก่าทีละน้อยและการประดิษฐ์เครื่องดนตรีใหม่ การเพิ่มองค์ประกอบ ประวัติของการปรับปรุงวิธีการใช้เครื่องดนตรีร่วมกัน กล่าวคือ ประวัติความเป็นมาของสาขาวิทยาศาสตร์ดนตรีที่เรียกว่า orchestration หรือ instrumentation และสุดท้ายคือประวัติของซิมโฟนี, โอเปร่า, ดนตรีออราโทริโอ คำศัพท์ทั้งสี่นี้ซึ่งเป็นแนวคิดทั้งสี่ด้านของ "วงดุริยางค์ซิมโฟนี" มีความเกี่ยวข้องกันอย่างใกล้ชิด อิทธิพลของพวกเขามีต่อกันและยังคงมีความหลากหลาย

คำว่า "วงออเคสตรา" ในกรีกโบราณหมายถึงพื้นที่ครึ่งวงกลมหน้าเวทีโรงละครซึ่งเป็นที่ตั้งของคณะนักร้องประสานเสียง - ผู้เข้าร่วมที่ขาดไม่ได้ในการแสดงละครในยุคของ Aeschylus, Sophocles, Euripides, Aristophanes ราวปี ค.ศ. 1702 คำนี้เป็นครั้งแรกที่แสดงถึงพื้นที่เล็กๆ ที่มีไว้สำหรับกลุ่มนักบรรเลงประกอบโอเปร่า ที่เรียกว่ากลุ่มเครื่องดนตรีในแชมเบอร์มิวสิค ในช่วงกลางศตวรรษที่สิบแปด นำเสนอความแตกต่างที่ชัดเจนสำหรับประวัติศาสตร์ของวงออเคสตรา - วงออเคสตราขนาดใหญ่ตรงข้ามกับแชมเบอร์มิวสิคขนาดเล็ก - วงดนตรี จนถึงเวลานั้น ดนตรีแชมเบอร์และดนตรีออร์เคสตราไม่มีเส้นแบ่งที่ชัดเจน

แนวความคิดของ "วงดุริยางค์ซิมโฟนี" ปรากฏขึ้นในยุคคลาสสิกเมื่อ K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn, Mozart อาศัยและทำงาน มันเกิดขึ้นแล้วหลังจากที่ผู้แต่งเริ่มเขียนชื่อเครื่องดนตรีแต่ละชิ้นที่เล่นเสียงนี้หรือเสียงนั้นอย่างถูกต้องในบันทึกย่อ เร็วเท่าต้นศตวรรษที่ 17 K. Monteverdi ใน "Orpheus" ก่อนที่แต่ละหมายเลขจะระบุเฉพาะเครื่องมือที่สามารถทำได้ คำถามที่ว่าใครควรเล่นแถวไหนที่ยังเปิดอยู่ ดังนั้นในโรงอุปรากรทั้ง 40 แห่งของเวนิสบ้านเกิดของเขา การแสดงของออร์ฟัสอาจแตกต่างจากที่อื่น เจ.บี. ลัลลี่ นักแต่งเพลง นักไวโอลิน วาทยกร น่าจะเป็นคนแรกๆ ที่เขียนเครื่องดนตรีชุดใดชุดหนึ่งโดยเฉพาะ สำหรับสิ่งที่เรียกว่า "24 Violins of the King" ซึ่งเป็นกลุ่มเครื่องสายที่ก่อตั้งในราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 และนำโดยตัว Lully เอง . เขามีเสียงบนของกลุ่มเครื่องสายและสนับสนุนโดยโอโบ และเสียงที่ต่ำกว่าโดยปี่ โอโบและบาสซูนที่ไม่มีสาย ตรงกันข้ามกับการแต่งเพลงทั้งหมด มีส่วนตรงกลางของการประพันธ์ของเขา

ตลอดศตวรรษที่ 17 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 พื้นฐานเริ่มต้นของวงออเคสตราถูกสร้างขึ้น - กลุ่มสตริง ค่อยๆเพิ่มตัวแทนของตระกูลลม - ขลุ่ยโอโบและบาสซูนแล้วแตร คลาริเน็ตเข้าสู่วงออเคสตราในเวลาต่อมาเนื่องจากความไม่สมบูรณ์อย่างมากในขณะนั้น M.I. Glinka ใน "Notes on Instrumentation" ของเขาเรียกเสียงของคลาริเน็ตว่า "ห่าน" อย่างไรก็ตาม กลุ่มลมที่ประกอบด้วยขลุ่ย โอโบ คลาริเน็ต และแตร (ทั้งหมด 2 อย่าง) ปรากฏในปรากซิมโฟนีของ Mozart และก่อนหน้านั้นใน F. Gossec ร่วมสมัยในฝรั่งเศสของเขา ใน London Symphonies ของ Haydn และซิมโฟนียุคแรกๆ ของ L. Beethoven แตรสองแตรก็ปรากฏตัวขึ้นเช่นกัน ในศตวรรษที่ 19 กลุ่มลมในวงออเคสตราได้รับการปรับปรุงเพิ่มเติม เป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ของดนตรีออร์เคสตราที่เล่นปิกโคโลฟลุต คอนทราบาสซูน และทรอมโบนสามตัว ซึ่งก่อนหน้านี้ใช้เฉพาะในโอเปร่าเท่านั้น ได้เข้าร่วมในตอนจบของซิมโฟนีที่ 5 ของเบโธเฟน R. Wagner เพิ่มทูบาอีกอันและทำให้จำนวนท่อเป็นสี่ท่อ แว็กเนอร์เป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าเป็นหลัก แต่ในขณะเดียวกันเขาก็ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นนักซิมโฟนีและนักปฏิรูปวงซิมโฟนีออร์เคสตราที่โดดเด่น

ความปรารถนาของนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ XIX-XX เพื่อเพิ่มสีสันให้กับจานเสียงนำไปสู่การแนะนำเครื่องดนตรีจำนวนหนึ่งที่มีความสามารถด้านเทคนิคและเสียงต่ำในวงออเคสตรา

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ XIX องค์ประกอบของวงออเคสตรานั้นน่าประทับใจและบางครั้งก็มีสัดส่วนที่ใหญ่โต ดังนั้น ซิมโฟนีที่ 8 ของมาห์เลอร์จึงไม่ได้ถูกเรียกว่า "ซิมโฟนีของผู้เข้าร่วมพันคน" โดยไม่ได้ตั้งใจ ในผืนผ้าใบไพเราะและโอเปร่าของ R. Strauss เครื่องดนตรีประเภทลมปรากฏขึ้นมากมาย: alto และ bass flutes, baritone oboe (haeckelphone), clarinet ขนาดเล็ก, contrabass clarinet, alto และ bass pipes เป็นต้น

ในศตวรรษที่ XX วงออเคสตราเติมเต็มด้วยเครื่องเพอร์คัชชันเป็นหลัก ก่อนหน้านี้ สมาชิกในวงออร์เคสตราปกติคือ กลองทิมปานี 2-3 อัน ฉาบ เบสและกลองสแนร์ รูปสามเหลี่ยม มักเป็นแทมบูรีนและทอม-ทอม ระฆัง ไซโลโฟน ตอนนี้ผู้แต่งใช้ชุดระฆังออเคสตราที่ให้มาตราส่วนสี เรียกว่าเซเลสตา พวกเขาแนะนำเครื่องดนตรีเช่น flexatone, ระฆัง, Castanets สเปน, กล่องไม้ที่ส่งเสียงกระทบกัน, สั่น, แส้แคร็กเกอร์ (เป่าเหมือนยิง), ไซเรน, ลมและฟ้าร้องเครื่อง, แม้แต่การร้องเพลงของนกไนติงเกล บันทึกไว้ในบันทึกพิเศษ (ใช้ในบทกวีไพเราะโดยนักแต่งเพลงชาวอิตาลี O. Respigi "The Pines of Rome")

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XX ตั้งแต่แจ๊สไปจนถึงซิมโฟนีออร์เคสตรา เครื่องเพอร์คัชชัน เช่น ไวบราโฟน, ทอมทอม, บองโกส, กลองชุดรวม - พร้อม "ชาร์ลสตัน" ("ไฮแฮท") มาราคัสก็มาด้วย

สำหรับกลุ่มเครื่องสายและกลุ่มลม การก่อตัวของพวกมันในปี 1920 นั้นโดยทั่วไปแล้วเสร็จ วงออเคสตราบางครั้งรวมถึงตัวแทนแต่ละรายของกลุ่มแซกโซโฟน (ในผลงานของ Wiese, Ravel, Prokofiev), วงดนตรีทองเหลือง (คอร์เน็ตโดย Tchaikovsky และ Stravinsky), ฮาร์ปซิคอร์ด, domra และ balalaika, กีตาร์, แมนโดลิน ฯลฯ นักแต่งเพลงกำลังสร้างสรรค์ผลงานมากขึ้น สำหรับการเรียบเรียงบางส่วนของวงดุริยางค์ซิมโฟนี: สำหรับเครื่องสายเพียงอย่างเดียว สำหรับเครื่องสายและทองเหลือง สำหรับกลุ่มลมที่ไม่มีเครื่องสายและเครื่องเพอร์คัชชัน สำหรับเครื่องสายที่มีเครื่องกระทบ

นักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 20 แต่งเพลงให้แชมเบอร์ออร์เคสตร้ามากมาย ประกอบด้วยสาย 15-20 สาย, เครื่องเป่าไม้อย่างละหนึ่ง, หนึ่งหรือสองเขา, กลุ่มเครื่องเพอร์คัชชันที่มีนักแสดงหนึ่งคน, พิณ (แทนที่จะเป็นเปียโนหรือฮาร์ปซิคอร์ด) นอกจากนี้ยังมีผลงานสำหรับกลุ่มศิลปินเดี่ยวซึ่งมีตัวแทนหนึ่งคนจากแต่ละวาไรตี้ (หรือจากบางส่วน) นั่นคือการแสดงซิมโฟนีและบทละครของ A. Schoenberg, A. Webern, ชุด "The Story of a Soldier" ของ Stravinsky, ผลงานของนักประพันธ์เพลงโซเวียต - โคตรของเรา M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov และคนอื่น ๆ ผู้เขียนหันไปใช้การประพันธ์ที่ผิดปกติมากขึ้นเรื่อยๆ หรืออย่างที่พวกเขาพูดกันว่าเป็นเรื่องฉุกเฉิน พวกเขาต้องการเสียงที่แปลกและหายาก เนื่องจากบทบาทของเสียงต่ำในดนตรีสมัยใหม่เพิ่มขึ้นมากกว่าที่เคย

อย่างไรก็ตาม เพื่อให้มีโอกาสได้แสดงดนตรีอยู่เสมอ ทั้งเก่าและใหม่ และล่าสุด องค์ประกอบของวงดุริยางค์ซิมโฟนียังคงมีเสถียรภาพ วงซิมโฟนีออร์เคสตราสมัยใหม่แบ่งออกเป็นวงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดใหญ่ (นักดนตรีประมาณ 100 คน) ขนาดกลาง (70–75) ขนาดเล็ก (50–60) บนพื้นฐานของวงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตราขนาดใหญ่ คุณสามารถเลือกองค์ประกอบที่จำเป็นสำหรับการแสดงสำหรับแต่ละงาน: หนึ่งเพลงสำหรับ "Eight Russian Folk Songs" โดย A.K. » Stravinsky หรือ Ravel's Bolero ที่ร้อนแรง

นักดนตรีบนเวทีเป็นอย่างไรบ้าง? ในศตวรรษที่ XVIII-XIX ไวโอลินตัวแรกนั่งทางด้านซ้ายของตัวนำ และตัวที่สองทางด้านขวา วิโอลานั่งอยู่ด้านหลังไวโอลินตัวแรก และเชลโลที่อยู่ด้านหลังตัวที่สอง ข้างหลังกลุ่มเครื่องสาย พวกเขานั่งเป็นแถว: ข้างหน้ากลุ่มเครื่องเป่าลมไม้ และข้างหลังกลุ่มเครื่องทองเหลือง ดับเบิลเบสอยู่ในพื้นหลังทางขวาหรือซ้าย พื้นที่ที่เหลือมีไว้สำหรับพิณใหญ่ เซเลสตา เปียโน และเครื่องเพอร์คัชชัน ในประเทศของเรา นักดนตรีนั่งตามโครงการที่เปิดตัวในปี 1945 โดย L. Stokowski วาทยกรชาวอเมริกัน ตามรูปแบบนี้ เชลโลจะถูกวางไว้ที่ด้านหน้าแทนที่จะเป็นไวโอลินตัวที่สองทางด้านขวาของตัวนำ สถานที่เดิมของพวกเขาถูกครอบครองโดยไวโอลินตัวที่สอง

วงดุริยางค์ซิมโฟนีนำโดยวาทยกร เขารวบรวมนักดนตรีของวงออเคสตราและนำความพยายามทั้งหมดของพวกเขาไปสู่การบรรลุแผนการแสดงของเขาในระหว่างการซ้อมและในคอนเสิร์ต การดำเนินการเป็นไปตามระบบการเคลื่อนไหวของมือที่ออกแบบมาเป็นพิเศษ ตัวนำมักจะถือกระบองในมือขวาของเขา บทบาทที่สำคัญที่สุดเล่นโดยใบหน้า, รูปลักษณ์, การแสดงออกทางสีหน้า ผู้ควบคุมวงต้องเป็นผู้มีการศึกษาสูง เขาต้องการความรู้ด้านดนตรีในยุคและรูปแบบต่างๆ เครื่องดนตรีออร์เคสตราและความสามารถ หูที่เฉียบแหลม ความสามารถในการเจาะลึกถึงความตั้งใจของนักแต่งเพลง ความสามารถของนักแสดงจะต้องรวมกับความสามารถขององค์กรและการสอนของเขา

ตลอดประวัติศาสตร์หลายพันปี มนุษยชาติได้สร้างเครื่องดนตรีและรวมเข้าด้วยกันเป็นชุดต่างๆ แต่เมื่อประมาณสี่ร้อยปีที่แล้วเท่านั้นที่เครื่องดนตรีเหล่านี้ได้พัฒนาให้อยู่ในรูปแบบที่ใกล้เคียงกับวงออเคสตราสมัยใหม่อยู่แล้ว

ในสมัยก่อน เมื่อนักดนตรีรวมตัวกันเล่น พวกเขาใช้เครื่องมือทุกอย่างที่อยู่รอบๆ ถ้ามีผู้เล่นสามคนบนพิณ สองคนบนพิณและขลุ่ย นั่นเป็นวิธีที่พวกเขาเล่น ในช่วงต้นศตวรรษที่ 16 ยุคที่เรียกว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยา คำว่า "วงดนตรี" ใช้เพื่ออ้างถึงกลุ่มนักดนตรี ซึ่งบางครั้งเป็นนักร้องที่แสดงดนตรีร่วมกันหรือ "เป็นหมู่คณะ"

นักแต่งเพลงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้นมักไม่ได้ระบุว่าพวกเขาเขียนเครื่องดนตรีใด ซึ่งหมายความว่าสามารถเล่นชิ้นส่วนต่างๆ กับเครื่องดนตรีที่มีอยู่ได้ แต่ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 ในอิตาลี นักแต่งเพลง Claudio Monteverdi เลือกเครื่องดนตรีที่ควรใช้ร่วมกับโอเปร่าของเขา Orpheus (1607) และระบุอย่างชัดเจนว่าเครื่องดนตรีชนิดใดที่เขียนส่วนต่างๆ: ไวโอลินขนาดต่างๆ 15 อันไวโอลินสองอันสี่ขลุ่ย ( สองอันขนาดใหญ่และสองอันขนาดกลาง), โอโบสองอัน, คอร์เน็ตสองอัน (ท่อไม้ขนาดเล็ก), แตรสี่ตัว, ทรอมโบนห้าอัน, พิณ, พิณสองอัน, ฮาร์ปซิคอร์ดสองอัน และออร์แกนขนาดเล็กสามอัน

ตามที่เห็น, " วงออเคสตรายุคฟื้นฟูศิลปวิทยา"Monteverdi ดูเหมือนสิ่งที่เราจินตนาการถึงวงออเคสตราอยู่แล้ว: เครื่องดนตรีถูกจัดเป็นกลุ่ม มีเครื่องสายโค้งคำนับมากมาย หลากหลายมาก

ในศตวรรษหน้า (จนถึงปี 1700 สมัยของ J.S. Bach) วงออเคสตราได้พัฒนายิ่งขึ้นไปอีก ตระกูลไวโอลิน (ไวโอลิน วิโอลา เชลโล และเบส) เข้ามาแทนที่ไวโอลิน ในวงดุริยางค์บาโรก ตระกูลไวโอลินเป็นตัวแทนมากกว่าไวโอลินในวงออร์เคสตราเรเนซองส์ ผู้นำทางดนตรีในวงออเคสตราบาโรกถูกจัดขึ้นโดยคีย์บอร์ด นักดนตรีที่เล่นฮาร์ปซิคอร์ดหรือบางครั้งออร์แกนก็ทำหน้าที่เป็นผู้นำ เมื่อ J.S. Bach ทำงานกับวงออเคสตรา เขานั่งที่ออร์แกนหรือฮาร์ปซิคอร์ดและนำวงออเคสตราออกจากที่นั่ง

ในยุคบาโรก บางครั้งวาทยกรนำวงออเคสตราขณะยืน แต่นี่ยังไม่ใช่แนวทางที่เรารู้จักในตอนนี้ Jean-Baptiste Lully ซึ่งรับผิดชอบด้านดนตรีในราชสำนักของกษัตริย์ฝรั่งเศสในทศวรรษ 1600 เคยตีจังหวะให้นักดนตรีของเขาด้วยเสายาวบนพื้น แต่วันหนึ่งเขาได้รับบาดเจ็บที่ขาโดยไม่ได้ตั้งใจ เน่าเปื่อยพัฒนา และเขาก็ตาย!

ในศตวรรษที่ 19 ถัดมา สมัยของไฮเดนและเบโธเฟน มีการเปลี่ยนแปลงที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้นในวงออเคสตรา เครื่องสายที่โค้งคำนับมีความสำคัญมากกว่าที่เคย ในขณะที่เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดค่อยๆ เลือนหายไปจนกลายเป็นความมืดมน นักแต่งเพลงเริ่มเขียนเครื่องดนตรีเฉพาะ นี่หมายถึงการรู้เสียงของเครื่องดนตรีแต่ละชนิด ทำความเข้าใจว่าดนตรีประเภทใดจะฟังดูดีกว่า และเล่นเครื่องดนตรีที่เลือกได้ง่ายขึ้น นักแต่งเพลงมีอิสระมากขึ้นและชอบผจญภัยในการรวมเครื่องดนตรีเข้าด้วยกันเพื่อสร้างเสียงและโทนเสียงที่หลากหลายและสมบูรณ์ยิ่งขึ้น

นักไวโอลินคนแรก (หรือนักดนตรีบรรเลง) กำกับการแสดงของวงออเคสตราจากเก้าอี้ของเขา แต่บางครั้งเขาต้องให้คำแนะนำด้วยท่าทาง และเพื่อให้มองเห็นได้ดีขึ้น ก่อนอื่นเขาใช้กระดาษขาวธรรมดาแผ่นหนึ่งม้วนเป็นหลอด สิ่งนี้นำไปสู่การถือกำเนิดของกระบองของตัวนำสมัยใหม่ ในช่วงต้นปี 1800 นักแต่งเพลง-คอนดักเตอร์ เช่น Carl Maria von Weber และ Felix Mendelssohn เป็นคนแรกที่นำนักดนตรีจากแท่นตรงกลางหน้าวงออเคสตรา

เมื่อวงออเคสตรามีขนาดใหญ่ขึ้นเรื่อย ๆ ไม่ใช่นักดนตรีทุกคนที่จะเห็นและติดตามนักดนตรี ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 วงออเคสตราถึงขนาดและสัดส่วนที่เรารู้จักในปัจจุบันและเกินกว่าวงสมัยใหม่ นักแต่งเพลงบางคน เช่น Berlioz เริ่มแต่งเพลงสำหรับวงออเคสตราขนาดใหญ่เท่านั้น

การออกแบบ การก่อสร้าง และคุณภาพของเครื่องดนตรีได้รับการปรับปรุงอย่างต่อเนื่อง สร้างขึ้น เครื่องดนตรีใหม่ที่พบตำแหน่งของพวกเขาในวงออเคสตราเช่นปิคโคโล (piccolo) และทรัมเป็ต นักแต่งเพลงหลายคนรวมถึง Berlioz, Verdi, Wagner, Mahler และ Richard Strauss กลายเป็นวาทยกร การทดลองของพวกเขากับการจัดประสาน (ศิลปะในการกระจายเนื้อหาทางดนตรีระหว่างเครื่องดนตรีของวงออเคสตราเพื่อให้ได้ประโยชน์สูงสุดจากเครื่องดนตรีแต่ละชิ้น) แสดงให้เห็นหนทางสู่ศตวรรษที่ 20

Wagner ก้าวไปไกลกว่านั้น เขาออกแบบและผลิตเบสทรัมเป็ต ( แว็กเนอร์ทรัมเป็ต) ผสมผสานองค์ประกอบของแตรเดี่ยวและทรัมเป็ตเพื่อแนะนำเสียงใหม่พิเศษให้กับโอเปร่าอมตะของเธอ Der Ring des Nibelungen เขายังเป็นผู้ควบคุมวงคนแรกที่หันหลังให้กับผู้ชมเพื่อควบคุมวงออเคสตราได้ดีขึ้น ในหนึ่งซิมโฟนีของเขาสเตราส์เขียน ส่วนสำหรับเขาอัลไพน์, เครื่องดนตรีพื้นบ้านไม้ยาว 12 ฟุต. ตอนนี้แตรอัลไพน์กำลังถูกแทนที่ด้วยท่อ Arnold Schoenberg สร้างสรรค์ผลงาน "Songs Gurre" (Gurrelieder) สำหรับวงออเคสตราด้วยเครื่องดนตรี 150 ชิ้น

ศตวรรษที่ 20 เป็นศตวรรษแห่งอิสรภาพและการทดลองใหม่กับวงออเคสตรา ผู้ควบคุมวงกลายเป็นปัจเจกบุคคลโดยสมบูรณ์และซุปเปอร์สตาร์ของพวกเขาก็เพิ่มขึ้นท่ามกลางพวกเขา ความรับผิดชอบเพิ่มขึ้นหลายครั้ง แต่การรับรู้ของผู้ชมด้วย

พื้นฐานของวงออเคสตราเหมือนกับในปลายศตวรรษที่ 19 และบางครั้งผู้แต่งก็เพิ่มหรือถอดเครื่องดนตรีออก ขึ้นอยู่กับเอฟเฟกต์ที่พวกเขาต้องการ บางครั้งก็เป็นกลุ่มเครื่องเพอร์คัชชันหรือเครื่องเป่าลมไม้และทองเหลืองที่ขยายออกไปอย่างมาก แต่องค์ประกอบของวงออเคสตราได้รับการแก้ไขและโดยพื้นฐานแล้วยังคงที่: เครื่องดนตรีโค้งคำนับขนาดใหญ่และกลุ่มลมขนาดเล็ก เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชัน พิณและคีย์บอร์ด

ผ่านไปหลายปีก็ยังใช้ได้!

วงออเคสตรา(จากวงออร์เคสตรากรีก) - นักดนตรีบรรเลงกลุ่มใหญ่ ในวงออเคสตรา นักดนตรีบางคนจัดกลุ่มที่เล่นพร้อมกัน กล่าวคือ พวกเขาเล่นในส่วนเดียวกัน
แนวคิดในการเล่นดนตรีโดยกลุ่มนักแสดงบรรเลงพร้อมกันนั้นย้อนกลับไปในสมัยโบราณ แม้แต่ในอียิปต์โบราณ นักดนตรีกลุ่มเล็กๆ ก็เล่นด้วยกันในวันหยุดและงานศพต่างๆ
คำว่า "วงออเคสตรา" ("วงออเคสตรา") มาจากชื่อของแท่นกลมหน้าเวทีในโรงละครกรีกโบราณ ซึ่งเป็นที่ตั้งของคณะนักร้องประสานเสียงกรีกโบราณ ผู้มีส่วนร่วมในโศกนาฏกรรมหรือเรื่องตลก ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและอื่น ๆ XVII ศตวรรษ วงออเคสตราถูกเปลี่ยนเป็นหลุมวงออเคสตราและด้วยเหตุนี้จึงได้ตั้งชื่อกลุ่มนักดนตรีที่อยู่ในนั้น
วงออเคสตรามีหลายประเภท: วงดุริยางค์เครื่องสายทองเหลืองและวงลมไม้ วงดุริยางค์พื้นบ้าน วงเครื่องสาย องค์ประกอบที่ใหญ่ที่สุดและสมบูรณ์ที่สุดในแง่ของความสามารถของมันคือวงซิมโฟนีออร์เคสตรา

ไพเราะเรียกว่า วงออเคสตรา ซึ่งประกอบด้วยกลุ่มเครื่องดนตรีที่ต่างกันหลายกลุ่ม - ตระกูลเครื่องสาย ลมและเครื่องเพอร์คัชชัน หลักการของสมาคมดังกล่าวได้พัฒนาขึ้นในยุโรปใน XVIII ศตวรรษ. ในขั้นต้น วงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตร้ารวมกลุ่มเครื่องดนตรีโค้งคำนับ เครื่องเป่าลมไม้ และเครื่องดนตรีทองเหลือง ซึ่งมีเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันร่วมด้วย ต่อจากนั้นองค์ประกอบของแต่ละกลุ่มเหล่านี้ก็ขยายตัวและหลากหลายขึ้น ในปัจจุบัน ในบรรดาวงซิมโฟนีออร์เคสตราหลายแบบ เป็นเรื่องปกติที่จะแยกแยะระหว่างวงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดเล็กและขนาดใหญ่ วงดุริยางค์ซิมโฟนีขนาดเล็กเป็นวงออเคสตราที่เน้นการประพันธ์เพลงคลาสสิก (เล่นดนตรีในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 หรือแนวปาสตีเช่สมัยใหม่) ประกอบด้วยขลุ่ย 2 อัน (ไม่ค่อยเป็นขลุ่ยเล็ก) โอโบ 2 อัน คลาริเน็ต 2 อัน บาสซูน 2 อัน 2 เขา (หายาก 4) บางครั้งก็มีทรัมเป็ต 2 อันและกลองทิมปานี กลุ่มเครื่องสายไม่เกิน 20 เครื่อง (ไวโอลิน 5 ตัวแรกและ 4 วินาที) , วิโอล่า 4 ตัว, เชลโล 3 ตัว, ดับเบิลเบส 2 ตัว) วงซิมโฟนีออร์เคสตราขนาดใหญ่ (BSO) รวมถึงทรอมโบนบังคับในกลุ่มทองแดงและสามารถมีองค์ประกอบใดก็ได้ เครื่องดนตรีประเภทไม้ (ฟลุต โอโบ คลาริเน็ต และบาสซูน) มักจะเข้าถึงเครื่องดนตรีแต่ละตระกูลได้ถึง 5 ชนิด (บางครั้งอาจมีคลาริเน็ตมากกว่า) และรวมถึงเครื่องดนตรีประเภทต่าง ๆ (ปิ๊กและอัลโต กามเทพและโอโบอังกฤษ ขนาดเล็ก อัลโตและเบสคลาริเน็ต contrabassoon) กลุ่มทองแดงสามารถมีได้มากถึง 8 เขา (รวมถึง Wagner tubas พิเศษ), 5 ทรัมเป็ต (รวมถึงขนาดเล็ก, อัลโต, เบส), 3-5 ทรอมโบน (เทเนอร์และเทเนอร์เบส) และทูบา มักใช้แซกโซโฟน (ในวงแจ๊สออร์เคสตรามีทั้งหมด 4 แบบ) กลุ่มสตริงมีเครื่องดนตรีถึง 60 ชิ้นขึ้นไป เครื่องเพอร์คัชชันมีมากมาย (แม้ว่ากลองทิมปานี ระฆัง กลองเล็กและใหญ่ สามเหลี่ยม ฉาบ และแตมทอมอินเดียจะสร้างกระดูกสันหลัง) มักใช้พิณ เปียโน ฮาร์ปซิคอร์ด
เพื่อแสดงเสียงของวงออเคสตรา ฉันจะใช้การบันทึกคอนเสิร์ตครั้งสุดท้ายของ YouTube Symphony Orchestra คอนเสิร์ตเกิดขึ้นในปี 2011 ในเมืองซิดนีย์ของออสเตรเลีย มีการรับชมสดทางโทรทัศน์โดยผู้คนนับล้านทั่วโลก YouTube Symphony อุทิศตนเพื่อส่งเสริมความรักในเสียงดนตรีและแสดงให้เห็นถึงความหลากหลายที่สร้างสรรค์อย่างมากมายของมนุษยชาติ

รายการคอนเสิร์ตรวมผลงานที่เป็นที่รู้จักและรู้จักกันน้อยโดยนักประพันธ์เพลงที่เป็นที่รู้จักและรู้จักกันน้อย

นี่คือโปรแกรมของเขา:

Hector Berlioz - เทศกาลโรมัน - Overture, Op. 9 (เนื้อเรื่อง Android Jones - ศิลปินดิจิทัล)
พบกับ Maria Chiossi
Percy Grainger - มาถึงบนชานชาลา Humlet จากในระยะสั้น - Suite
โยฮัน เซบาสเตียน บาค
พบกับ Paulo Calligopoulos - กีตาร์ไฟฟ้าและไวโอลิน
Alberto Ginastera - Danza del trigo (รำข้าวสาลี) และ Danza รอบชิงชนะเลิศ (Malambo) จากบัลเล่ต์ Estancia (นำโดย Ilyich Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" bell "idol mio" - Canon ในสามเสียง, K562 (เนื้อเรื่อง Sydney Children's Choir และนักร้องเสียงโซปราโน Renee Fleming ผ่านวิดีโอ)
พบกับ Xiomara Mass - Oboe
Benjamin Britten - The Young Person's Guide to the Orchestra, แย้มยิ้ม 34
William Barton - Kalkadunga (เนื้อเรื่อง William Barton - Didgeridoo)
ตำรวจทิโมธี
พบกับ Roman Riedel - ทรอมโบน
Richard Strauss - การประโคมสำหรับ Vienna Philharmonic (เนื้อเรื่อง Sarah Willis, Horn, Berlin Philharmoniker และดำเนินการโดย Edwin Outwater)
*PREMIERE* Mason Bates - Mothership (แต่งขึ้นเป็นพิเศษสำหรับ YouTube Symphony Orchestra 2011)
พบกับซูช้าง
เฟลิกซ์ เมนเดลโซห์น - ไวโอลินคอนแชร์โต้ใน E minor, Op. 64 (ตอนจบ) (เนื้อเรื่อง Stefan Jackiw และดำเนินการโดย Ilyich Rivas)
พบกับ Ozgur Baskin - ไวโอลิน
Colin Jacobsen และ Siamak Aghaei - Ascending Bird - ห้องสวีทสำหรับวงออร์เคสตรา (เนื้อเรื่อง Colin Jacobsen, ไวโอลิน และ Richard Tognetti, ไวโอลิน และ Kseniya Simonova - ศิลปินทราย)
พบกับ Stepan Grytsay - ไวโอลิน
Igor Stravinsky - The Firebird (การเต้นรำนรก - Berceuse - Finale)
*ENCORE* Franz Schubert - Rosamunde (เนื้อเรื่อง Eugene Izotov - oboe และ Andrew Mariner - คลาริเน็ต)

ประวัติวงซิมโฟนีออร์เคสตรา

วงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตราได้ก่อตั้งขึ้นมาหลายศตวรรษ การพัฒนาเป็นเวลานานในส่วนลึกของโอเปร่าและวงดนตรีในโบสถ์ ทีมดังกล่าวใน XV - XVII ศตวรรษ มีขนาดเล็กและหลากหลาย ได้แก่ ลูท วิโอล ฟลุตที่มีโอโบ ทรอมโบน พิณและกลอง เครื่องสายโค้งคำนับค่อยๆได้รับตำแหน่งที่โดดเด่น ไวโอลินถูกแทนที่ด้วยไวโอลินด้วยเสียงที่ไพเราะและไพเราะยิ่งขึ้น กลับไปด้านบน XVIII ใน. พวกเขาครองตำแหน่งสูงสุดในวงออเคสตราแล้ว แยกกลุ่มและเครื่องดนตรีประเภทลม (ขลุ่ย โอโบ บาสซูน) มารวมกัน จากวงออร์เคสตราของโบสถ์ พวกเขาเปลี่ยนมาเป็นซิมโฟนีทรัมเป็ตและทิมปานี ฮาร์ปซิคอร์ดเป็นสมาชิกที่ขาดไม่ได้ของวงดนตรีบรรเลง
องค์ประกอบดังกล่าวเป็นเรื่องปกติสำหรับ J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi
จากตรงกลาง XVIII ใน. ประเภทของซิมโฟนีและคอนแชร์โต้บรรเลงเริ่มพัฒนา การจากไปของสไตล์โพลีโฟนิกทำให้นักประพันธ์เพลงมุ่งมั่นเพื่อให้ได้มาซึ่งความหลากหลายของเสียงต่ำ ซึ่งเป็นการปลดปล่อยความโล่งใจที่เปล่งออกมาจากเสียงของวงออร์เคสตรา
ฟังก์ชันของเครื่องมือใหม่กำลังเปลี่ยนแปลงไป ฮาร์ปซิคอร์ดที่มีเสียงเบาค่อยๆ สูญเสียบทบาทนำ ในไม่ช้านักประพันธ์เพลงก็ละทิ้งมันโดยอาศัยเครื่องสายและกลุ่มลมเป็นหลัก ในตอนท้าย XVIII ใน. องค์ประกอบคลาสสิกที่เรียกว่าออร์เคสตราถูกสร้างขึ้น: ประมาณ 30 สาย, 2 ขลุ่ย, 2 โอโบ, 2 บาสซูน, 2 ท่อ, 2-3 เขาและกลอง ไม่นานนักคลาริเน็ตก็เข้าร่วมกับทองเหลือง J. Haydn, W. Mozart เขียนบทประพันธ์ดังกล่าว นั่นคือวงออเคสตราในการประพันธ์เพลงแรกของแอล. เบโธเฟน ที่ XIX ใน.
การพัฒนาวงออเคสตราไปในสองทิศทางหลัก ในอีกด้านหนึ่ง การจัดองค์ประกอบที่เพิ่มขึ้น มันถูกเสริมด้วยเครื่องดนตรีหลายประเภท (ข้อดีของนักประพันธ์เพลงโรแมนติก โดยเฉพาะ Berlioz, Liszt, Wagner นั้นยอดเยี่ยมสำหรับเรื่องนี้) ในทางกลับกัน ความสามารถภายในของวงออเคสตราได้พัฒนาขึ้น: สีเสียงสะอาดขึ้น พื้นผิวชัดเจนขึ้น ทรัพยากรที่แสดงออกนั้นประหยัดกว่า (เช่นวงออเคสตราของ Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov) เพิ่มคุณค่าให้กับจานสีวงออเคสตราและนักประพันธ์เพลงในยุคปลายจำนวนมาก XIX - ครึ่งแรกของ XX ใน. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich และอื่น ๆ )

องค์ประกอบของวงดุริยางค์ซิมโฟนี

วงซิมโฟนีออร์เคสตราสมัยใหม่ประกอบด้วย 4 กลุ่มหลัก รากฐานของวงออเคสตราคือกลุ่มเครื่องสาย (ไวโอลิน วิโอลา เชลโล ดับเบิลเบส) ในกรณีส่วนใหญ่ เครื่องสายเป็นพาหะหลักของบทเพลงไพเราะที่เริ่มต้นในวงออเคสตรา จำนวนนักดนตรีที่เล่นเครื่องสายประมาณ 2/3 ของทั้งวง เครื่องดนตรีประเภทเครื่องเป่าลมไม้ ได้แก่ ขลุ่ย โอโบ คลาริเน็ต บาสซูน แต่ละคนมักจะมีพรรคที่เป็นอิสระ ให้เสียงที่โค้งคำนับในความอิ่มตัวของเสียงต่ำ คุณสมบัติไดนามิก และเทคนิคการเล่นที่หลากหลาย เครื่องมือลมมีพลังที่ยอดเยี่ยม เสียงที่กะทัดรัด สีสันที่สดใส เครื่องดนตรีออร์เคสตรากลุ่มที่สามคือเครื่องทองเหลือง (แตร, ทรัมเป็ต, ทรอมโบน, ทรัมเป็ต) พวกเขานำสีสันที่สดใสใหม่ๆ มาสู่วงออเคสตรา เสริมความสามารถของไดนามิก ให้พลังและความสดใสแก่เสียง และยังทำหน้าที่เป็นเบสและการสนับสนุนจังหวะ
เครื่องเพอร์คัชชันมีความสำคัญมากขึ้นเรื่อยๆ ในวงซิมโฟนีออร์เคสตรา หน้าที่หลักของพวกเขาคือจังหวะ นอกจากนี้ ยังสร้างพื้นหลังเสียงและสัญญาณรบกวนพิเศษ เสริมและตกแต่งจานสีออร์เคสตราด้วยเอฟเฟกต์สี ตามลักษณะของเสียง กลองแบ่งออกเป็น 2 ประเภท: บางประเภทมีระดับเสียงที่แน่นอน (กลองทิมปานี ระฆัง ระนาด ระฆัง ฯลฯ) บางประเภทไม่มีระดับเสียงที่แน่นอน (สามเหลี่ยม แทมบูรีน กลองเล็กและใหญ่ ฉาบ) . เครื่องดนตรีที่ไม่รวมอยู่ในกลุ่มหลัก บทบาทของพิณนั้นสำคัญที่สุด ในบางครั้ง ผู้แต่งรวมถึงเซเลสตา เปียโน แซกโซโฟน ออร์แกน และเครื่องดนตรีอื่นๆ ในวงออเคสตรา
ข้อมูลเพิ่มเติมเกี่ยวกับเครื่องดนตรีของวงซิมโฟนีออร์เคสตรา - เครื่องสาย, เครื่องลมไม้, เครื่องทองเหลืองและเครื่องเพอร์คัชชันสามารถพบได้ที่ เว็บไซต์.
ฉันไม่สามารถละเลยไซต์ที่มีประโยชน์อื่น "Children about Music" ซึ่งฉันค้นพบในระหว่างการเตรียมโพสต์ ไม่ต้องกลัวว่านี่คือไซต์สำหรับเด็ก มีบางสิ่งที่ค่อนข้างจริงจังในนั้น บอกด้วยภาษาที่เรียบง่ายและเข้าใจง่ายกว่าเท่านั้น ที่นี่ ลิงค์กับเขา และยังมีเรื่องราวเกี่ยวกับวงดุริยางค์ซิมโฟนีอีกด้วย

• พื้นหลัง
• ประเภทและรูปแบบวงดนตรี
• โบสถ์มันไฮม์
• นักดนตรีในศาล

พื้นหลัง

ตั้งแต่สมัยโบราณ ผู้คนต่างรู้จักผลกระทบของเสียงเครื่องดนตรีที่มีต่ออารมณ์ของมนุษย์ การเล่นพิณ พิณ พิณ ชิทารา เขมันชะ หรือ ขลุ่ยอ้อ ที่นุ่มนวลแต่ไพเราะ ทำให้เกิดความรู้สึกปิติ ความรัก หรือความสงบ และเสียง เขาสัตว์ (เช่น โชฟาร์ฮีบรู ) หรือท่อโลหะมีส่วนทำให้เกิดความรู้สึกเคร่งขรึมและเคร่งศาสนา กลองและเครื่องเพอร์คัชชันอื่นๆ ที่เพิ่มเข้าไปในแตรและทรัมเป็ต ช่วยรับมือกับความกลัว ปลุกความก้าวร้าวและความเข้มแข็ง เป็นที่ทราบกันมานานแล้วว่าการเล่นร่วมกันของเครื่องดนตรีที่คล้ายคลึงกันหลายอย่างไม่เพียงแต่ช่วยเพิ่มความสว่างของเสียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผลกระทบทางจิตวิทยาต่อผู้ฟังด้วย ซึ่งเป็นผลเช่นเดียวกันกับที่เกิดขึ้นเมื่อผู้คนจำนวนมากร้องเพลงทำนองเดียวกันร่วมกัน ดังนั้น ไม่ว่าผู้คนจะตั้งรกราก สมาคมนักดนตรีก็ค่อยๆ เริ่มปรากฏขึ้น พร้อมกับการต่อสู้หรืองานพิธีสาธารณะด้วยการเล่นของพวกเขา: พิธีกรรมในวัด การแต่งงาน การฝังศพ พิธีราชาภิเษก ขบวนพาเหรดทางทหาร ความบันเทิงในวัง

การกล่าวถึงความสัมพันธ์ดังกล่าวเป็นลายลักษณ์อักษรครั้งแรกสามารถพบได้ใน Pentateuch ของโมเสสและในสดุดีของดาวิด: ในตอนต้นของสดุดีบางบทมีการอุทธรณ์ไปยังหัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียงพร้อมคำอธิบายว่าควรใช้เครื่องดนตรีใดประกอบ นี่หรือข้อความนั้น มีกลุ่มนักดนตรีในเมโสโปเตเมียและฟาโรห์อียิปต์ในสมัยโบราณของจีนและอินเดีย กรีซและโรม ในประเพณีการแสดงโศกนาฏกรรมของกรีกโบราณ มีเวทีพิเศษที่นักดนตรีนั่งเล่น พร้อมกับการแสดงของนักแสดงและนักเต้นด้วยการเล่นเครื่องดนตรี "วงออเคสตรา" ที่ยกระดับแพลตฟอร์มดังกล่าว ดังนั้นสิทธิบัตรสำหรับการประดิษฐ์คำว่า "วงออเคสตรา" จึงยังคงอยู่กับชาวกรีกโบราณ แม้ว่าในความเป็นจริงแล้ว ออเคสตรามีอยู่ก่อนหน้านี้มาก

ปูนเปียกจากวิลล่าโรมันใน Boscoreal 50-40s BC อีพิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน

ในวัฒนธรรมยุโรปตะวันตก สมาคมนักดนตรีในฐานะวงออเคสตราไม่ได้ถูกเรียกในทันที ตอนแรกในยุคกลางและในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเรียกว่าโบสถ์ ชื่อนี้เกี่ยวข้องกับของสถานที่เฉพาะที่มีการแสดงดนตรี โบสถ์ดังกล่าวอยู่ที่โบสถ์หลังแรกแล้วจึงขึ้นศาล และยังมีโบสถ์ประจำหมู่บ้านซึ่งประกอบด้วยนักดนตรีสมัครเล่น โบสถ์เหล่านี้เป็นปรากฏการณ์มวลชน และถึงแม้ว่าระดับของนักแสดงในหมู่บ้านและเครื่องดนตรีของพวกเขาจะเทียบไม่ได้กับศาลมืออาชีพและโบสถ์ในวัด แต่ก็ไม่ควรประมาทอิทธิพลของประเพณีของหมู่บ้านและดนตรีบรรเลงพื้นบ้านในเมืองต่อนักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยมและวัฒนธรรมดนตรียุโรปโดยทั่วไป ดนตรีของ Haydn, Beethoven, Schubert, Weber, Liszt, Tchaikovsky, Bruckner, Mahler, Bartok, Stravinsky, Ravel, Ligeti ได้รับการปฏิสนธิตามประเพณีการทำดนตรีพื้นบ้าน

เช่นเดียวกับในวัฒนธรรมโบราณ ในยุโรปไม่มีการแบ่งกลุ่มเริ่มต้นเป็นเสียงร้องและดนตรีบรรเลง เริ่มตั้งแต่ยุคกลางตอนต้น คริสตจักรคริสเตียนครอบงำทุกสิ่งทุกอย่าง และดนตรีบรรเลงในคริสตจักรได้พัฒนาขึ้นเป็นส่วนประกอบ การสนับสนุนสำหรับพระวจนะของพระกิตติคุณ ซึ่งครอบงำอยู่เสมอ - "ในตอนแรกคือพระวจนะ" ดังนั้นโบสถ์ยุคแรกจึงเป็นทั้งคนที่ร้องเพลงและคนที่มากับนักร้อง

เมื่อถึงจุดหนึ่ง คำว่า "วงออเคสตรา" ก็ปรากฏขึ้น แม้ว่าจะไม่ได้ทุกที่ในเวลาเดียวกัน ตัว​อย่าง​เช่น ใน​เยอรมนี คำ​นี้​ตั้ง​ขึ้น​ช้า​กว่า​ประเทศ​โรมานซ์​มาก. ในอิตาลี วงออเคสตรามักจะหมายถึงเครื่องดนตรีมากกว่าส่วนแกนนำของดนตรี คำว่าออเคสตรายืมมาจากประเพณีกรีกโดยตรง ออร์เคสตราอิตาลีเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 พร้อมกับการถือกำเนิดของประเภทโอเปร่า และเนื่องจากความนิยมที่ไม่ธรรมดาของประเภทนี้ คำนี้จึงพิชิตโลกทั้งใบอย่างรวดเร็ว ดังนั้นจึงปลอดภัยที่จะบอกว่าดนตรีออร์เคสตราร่วมสมัยมีสองแหล่ง: วัดและโรงละคร

มวลคริสต์มาส ภาพจำลองจากหนังสือ Magnificent Book of Hours of the Duke of Berry โดยพี่น้อง Limburg ศตวรรษที่ 15นางสาว. 65/1284, ท. 158r / Musee Conde / Wikimedia Commons

และในเยอรมนีเป็นเวลานานพวกเขาใช้ชื่อ "โบสถ์" แห่งการฟื้นฟูยุคกลาง จนถึงศตวรรษที่ 20 ออร์เคสตราของศาลเยอรมันจำนวนมากถูกเรียกว่าโบสถ์ วงออเคสตราที่เก่าแก่ที่สุดแห่งหนึ่งในโลกในปัจจุบันคือโบสถ์น้อยแห่งรัฐแซกซอน (และในอดีตคือ ศาลแซกซอน) ในเมืองเดรสเดน มีประวัติความเป็นมายาวนานกว่า 400 ปี เธอปรากฏตัวที่ศาลของผู้มีสิทธิเลือกตั้งชาวแซ็กซอนซึ่งชื่นชมความสวยงามเสมอและอยู่เหนือเพื่อนบ้านในแง่นี้ ยังคงมีโบสถ์น้อยแห่งรัฐเบอร์ลินและไวมาร์ เช่นเดียวกับโบสถ์น้อย Meiningen Court ที่มีชื่อเสียง ซึ่ง Richard Strauss เริ่มเป็นหัวหน้าวงดนตรี (ปัจจุบันเป็นผู้ควบคุมวง) อย่างไรก็ตาม นักดนตรีมักจะใช้คำว่า "kapellmeister" ในภาษาเยอรมัน ซึ่งเทียบเท่ากับคำว่า "conductor" ในภาษาเยอรมัน แต่บ่อยครั้งที่มีความหมายในแง่ลบ ไม่ใช่ศิลปิน) และในสมัยนั้นคำนี้ออกเสียงด้วยความเคารพในฐานะชื่อของอาชีพที่ซับซ้อน: "หัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียงหรือวงออเคสตราซึ่งแต่งเพลงด้วย" จริงอยู่ ในวงออเคสตราบางวงในเยอรมนี คำนี้ได้รับการอนุรักษ์ไว้เป็นการกำหนดตำแหน่ง ตัวอย่างเช่น ในวงออร์เคสตราไลพ์ซิก เกวันด์เฮาส์ หัวหน้าผู้ควบคุมวงยังคงถูกเรียกว่าเกวันด์เฮาส์ คาเปลไมสเตอร์

ศตวรรษที่ XVII-XVIII: วงออเคสตราเป็นเครื่องราชอิสริยาภรณ์

Louis XIV ใน Royal Ballet of the Night โดย Jean Baptiste Lully ร่างโดย Henri de Gisset 1653ในการผลิต พระราชาเล่นบทบาทของพระอาทิตย์ขึ้น วิกิมีเดียคอมมอนส์

วงออเคสตรายุคฟื้นฟูศิลปวิทยา และวงออร์เคสตราสไตล์บาโรกในเวลาต่อมา ส่วนใหญ่เป็นวงในศาลหรือคณะสงฆ์ จุดประสงค์ของพวกเขาคือไปร่วมนมัสการหรือเพื่อเอาใจและให้ความบันเทิงกับผู้มีอำนาจ อย่างไรก็ตาม ผู้ปกครองศักดินาหลายคนมีความรู้สึกด้านสุนทรียภาพที่ค่อนข้างพัฒนา และนอกจากนี้ พวกเขาชอบที่จะอวดให้คนอื่นเห็น ใครบางคนอวดกองทัพ บางคนมีสถาปัตยกรรมที่แปลกประหลาด บางคนจัดสวน และมีคนดูแลโรงละครในราชสำนักหรือวงออเคสตรา

ยกตัวอย่างเช่น พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ของฝรั่งเศส มีออร์เคสตราสองวง ได้แก่ Ensemble of the Royal Stables ซึ่งประกอบด้วยเครื่องลมและเครื่องเพอร์คัชชัน และที่เรียกว่า "24 Violins of the King" นำโดย Jean Baptiste Lully นักแต่งเพลงชื่อดัง ที่ได้ร่วมงานกับ Moliere และได้จารึกประวัติศาสตร์ในฐานะผู้สร้างอุปรากรฝรั่งเศสและวาทยกรมืออาชีพคนแรก ต่อมา พระเจ้าชาร์ลส์ที่ 2 แห่งอังกฤษ (พระราชโอรสของชาร์ลส์ที่ 1 ที่ถูกประหารชีวิต) เสด็จกลับมาจากฝรั่งเศสในช่วงการฟื้นฟูสถาบันพระมหากษัตริย์ในปี ค.ศ. 1660 ยังได้ทรงสร้าง "24 Violins of the King" ขึ้นในโบสถ์น้อยหลวงตามแบบฉบับของฝรั่งเศส โบสถ์หลวงมีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 14 และถึงจุดสูงสุดในรัชสมัยของเอลิซาเบธที่ 1 ออร์แกนของศาลคือวิลเลียม เบิร์ดและโธมัส ทัลลิส และที่ราชสำนักของชาร์ลส์ที่ 2 เฮนรี เพอร์เซลล์นักประพันธ์เพลงชาวอังกฤษผู้เก่งกาจรับหน้าที่ โดยผสมผสานตำแหน่งของออร์แกนในเวสต์มินสเตอร์แอบบีย์และในโบสถ์น้อยรอยัล ในศตวรรษที่ 16-17 ในอังกฤษ มีอีกชื่อหนึ่งที่เจาะจงสำหรับวงออเคสตรา ซึ่งมักจะใช้ชื่อว่า "มเหสี" ในยุคบาโรกต่อมา คำว่า "มเหสี" เลิกใช้แล้ว และแนวคิดของแชมเบอร์คือเพลง "ห้อง" ปรากฏขึ้นแทน

ชุดนักรบจาก Royal Ballet of the Night ร่างโดย Henri de Gisset 1653วิกิมีเดียคอมมอนส์

รูปแบบของความบันเทิงแบบบาโรกมีความหรูหรามากขึ้นเรื่อยๆ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 และไม่สามารถจัดการด้วยเครื่องมือจำนวนน้อยๆ ได้อีกต่อไป ลูกค้าต้องการ "ใหญ่กว่าและแพงกว่า" แม้ว่าแน่นอนทุกอย่างขึ้นอยู่กับความเอื้ออาทรของ "ผู้มีพระคุณ" หาก Bach ถูกบังคับให้เขียนจดหมายถึงเจ้านายของเขา ชักชวนให้พวกเขาจัดสรรไวโอลินอย่างน้อยสองหรือสามตัวต่อส่วนที่เป็นเครื่องดนตรี จากนั้นที่ Handel ก็มีโอโบอิสต์ 24 คน นักบาส 12 คน นักเป่าแตร 9 คนเข้ามามีส่วนร่วมในการแสดงครั้งแรกของ "ดนตรีประกอบดอกไม้ไฟหลวง" เป่าแตร 9 คน และผู้เล่นทิมปานี 3 คน (เช่น นักดนตรี 57 คน กำหนด 13 ส่วน) และในการแสดงของ "พระเมสสิยาห์" ของฮันเดลในลอนดอนในปี พ.ศ. 2327 มีผู้เข้าร่วม 525 คน (แม้ว่าเหตุการณ์นี้จะอยู่ในยุคต่อมาเมื่อผู้แต่งเพลงไม่ได้มีชีวิตอยู่อีกต่อไป) นักเขียนแนวบาโรกส่วนใหญ่เขียนโอเปร่า และวงดุริยางค์โอเปร่าเป็นห้องทดลองที่สร้างสรรค์สำหรับนักประพันธ์มาโดยตลอด ซึ่งเป็นสถานที่สำหรับการทดลองทุกประเภท รวมถึงเครื่องมือที่ไม่ธรรมดาด้วย ตัวอย่างเช่น ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 มอนเตเวร์ดีได้แนะนำส่วนทรอมโบนให้กับวงออเคสตราของโอเปร่า Orfeo ซึ่งเป็นหนึ่งในโอเปร่าแรกๆ ในประวัติศาสตร์ เพื่อพรรณนาถึงความโกรธเกรี้ยวที่ชั่วร้าย

ตั้งแต่เวลาของ Florentine Camerata (ช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17) วงออเคสตราทุกวงมีส่วนของเบสคอนติเนนโต ซึ่งเล่นโดยนักดนตรีทั้งกลุ่มและบันทึกเป็นหนึ่งบรรทัดในโน๊ตเบส ตัวเลขใต้เส้นเสียงเบสแสดงถึงลำดับฮาร์โมนิกบางอย่าง และนักแสดงต้องปรับแต่งพื้นผิวและการตกแต่งทางดนตรีทั้งหมด นั่นคือ สร้างใหม่ทุกครั้งที่แสดง ใช่ และองค์ประกอบก็แตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับเครื่องมือที่ใช้ในโบสถ์แห่งหนึ่ง การมีอยู่ของเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดเพียงเครื่องเดียวเป็นสิ่งจำเป็น ส่วนใหญ่มักจะเป็น ฮาร์ปซิคอร์ด ในดนตรีของคริสตจักร เครื่องดนตรีดังกล่าวมักเป็นออร์แกน ธนูสายหนึ่ง - เชลโล, วิโอลาดากัมบาหรือวิโอโลน (บรรพบุรุษของดับเบิลเบสสมัยใหม่); พิณดึงสายหรือทฤษฎีออร์โบหนึ่งอัน แต่มันเกิดขึ้นที่กลุ่มเบสโซคอนติเนนโตหกหรือเจ็ดคนเล่นพร้อมกัน รวมทั้งฮาร์ปซิคอร์ดหลายตัว (เพอร์เซลล์และราโมมีสามหรือสี่ตัว) ในศตวรรษที่ 19 คีย์บอร์ดและเครื่องดนตรีที่ดึงออกมาได้หายไปจากวงออเคสตรา แต่ปรากฏขึ้นอีกครั้งในศตวรรษที่ 20 และตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 1960 วงซิมโฟนีออร์เคสตราก็มีความเป็นไปได้ที่จะใช้เครื่องมือเกือบทุกชนิดที่มีอยู่ในโลก เกือบจะมีความยืดหยุ่นแบบบาโรกในการใช้เครื่องมือวัด ดังนั้นเราจึงสามารถพิจารณาได้ว่าบาโรกให้กำเนิดวงออเคสตราสมัยใหม่

เครื่องมือวัด โครงสร้าง สัญกรณ์

ภาพย่อจากคำอธิบายเรื่อง Apocalypse of Beat of Lieban ในรายการอารามของ San Millan de la Cogoglia 900-950 Biblioteca de Serafín Estébanez Calderón และ San Millán de la Cogolla

คำว่า "วงออเคสตรา" สำหรับผู้ฟังสมัยใหม่มักเกี่ยวข้องกับข้อความที่ตัดตอนมาจากเพลงของ Beethoven, Tchaikovsky หรือ Shostakovich; ด้วยเสียงที่ใหญ่โตมโหฬารและในขณะเดียวกันก็ทำให้เสียงเรียบขึ้น ซึ่งฝังอยู่ในความทรงจำของเราตั้งแต่ฟังออร์เคสตราสมัยใหม่ ทั้งแบบสดและในการบันทึกเสียง แต่วงออเคสตราไม่ได้ฟังแบบนี้เสมอไป ท่ามกลางความแตกต่างมากมายระหว่างออเคสตราโบราณกับออร์เคสตราสมัยใหม่ สิ่งสำคัญคือเครื่องดนตรีที่นักดนตรีใช้ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เครื่องดนตรีทั้งหมดฟังดูเงียบกว่าเครื่องดนตรีสมัยใหม่มาก เนื่องจากห้องที่เล่นเพลง (โดยทั่วไป) มีขนาดเล็กกว่าห้องแสดงคอนเสิร์ตสมัยใหม่มาก และไม่มีเขาโรงงาน ไม่มีกังหันนิวเคลียร์ ไม่มีเครื่องยนต์สันดาปภายใน ไม่มีเครื่องบินเหนือเสียง เสียงทั่วไปของชีวิตมนุษย์เงียบกว่าทุกวันนี้หลายเท่า ปริมาณยังคงวัดจากปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ: เสียงคำรามของสัตว์ป่า, ฟ้าร้องในช่วงพายุฝนฟ้าคะนอง, เสียงของน้ำตก, เสียงแตกของต้นไม้ที่ตกลงมาหรือเสียงดังกึกก้องของน้ำตกเช่นเดียวกับเสียงคำรามของฝูงชนในจัตุรัสกลางเมือง ในวันที่ยุติธรรม ดังนั้นดนตรีจึงสามารถแข่งขันในความสว่างได้เฉพาะกับธรรมชาติเท่านั้น

สายที่ร้อยบนเครื่องสายทำมาจากเอ็นวัว (ปัจจุบันทำมาจากโลหะ) คันธนูมีขนาดเล็กกว่า เบากว่า และมีรูปร่างแตกต่างกันเล็กน้อย ด้วยเหตุนี้ เสียงของสายอักขระจึง "อุ่นขึ้น" แต่ "นุ่มนวล" น้อยกว่าในปัจจุบัน เครื่องเป่าลมไม้ไม่ได้มีวาล์วที่ทันสมัยและอุปกรณ์ทางเทคนิคอื่น ๆ ทั้งหมดที่ช่วยให้เล่นได้อย่างมั่นใจและแม่นยำยิ่งขึ้น ลมไม้ในสมัยนั้นฟังดูเป็นเอกเทศมากขึ้นในแง่ของเสียงต่ำ บางครั้งก็ฟังดูไม่เข้าท่า (ทั้งหมดขึ้นอยู่กับทักษะของนักแสดง) และเงียบกว่าลมสมัยใหม่หลายเท่า เครื่องมือลมทองเหลืองล้วนเป็นธรรมชาติโดยสิ้นเชิง กล่าวคือ สามารถผลิตได้เฉพาะเสียงที่มีมาตราส่วนตามธรรมชาติ ซึ่งส่วนใหญ่มักจะเพียงพอสำหรับการประโคมสั้นๆ เท่านั้น แต่ไม่สามารถขยายท่วงทำนองได้ หนังสัตว์เหยียดเหนือกลองและกลองทิมปานี (แนวทางปฏิบัตินี้ยังคงมีอยู่ในปัจจุบัน แม้ว่าเครื่องเพอร์คัชชันที่มีเยื่อพลาสติกจะปรากฎมานานแล้วก็ตาม)

ลำดับของวงออเคสตราโดยทั่วไปจะต่ำกว่าวันนี้ - โดยเฉลี่ยครึ่งเสียง และบางครั้งก็เป็นทั้งเสียง แต่ถึงกระนั้นที่นี่ก็ไม่มีกฎเกณฑ์เดียว: ระบบโทนเสียงสำหรับอ็อกเทฟแรก (ตามที่ออเคสตราได้รับการปรับตามธรรมเนียม) ที่คอร์ทของ Louis XIV คือ 392 ในระดับเฮิรตซ์ ที่คอร์ทของ Charles II พวกเขาปรับ A จาก 400 เป็น 408 เฮิรตซ์ ในเวลาเดียวกัน อวัยวะในวัดก็มักจะปรับโทนเสียงให้สูงกว่าฮาร์ปซิคอร์ดที่ยืนอยู่ในห้องพระราชวัง (บางทีอาจเป็นเพราะความร้อน เนื่องจากเครื่องสายจะปรับขึ้นจากความร้อนแห้ง และในทางกลับกัน ลดลงจาก เย็น เครื่องมือลมมักจะมีแนวโน้มย้อนกลับ) ดังนั้นในช่วงเวลาของ Bach มีสองระบบหลัก: kammer-ton ที่เรียกว่า ("tuning fork" ที่ทันสมัย ​​- คำที่มาจากมัน) นั่นคือ "ระบบห้อง" และ orgel-ton นั่นคือ , "ระบบอวัยวะ" (หรือที่รู้จักว่า "เสียงประสาน") และการปรับจูนห้องสำหรับ A อยู่ที่ 415 เฮิรตซ์ ในขณะที่การปรับแต่งอวัยวะนั้นสูงขึ้นเสมอและบางครั้งก็สูงถึง 465 เฮิรตซ์ และถ้าเราเปรียบเทียบกับการปรับจูนคอนเสิร์ตสมัยใหม่ (440 เฮิรตซ์) อันแรกจะต่ำกว่าครึ่งโทนและอันที่สองจะสูงกว่าแบบสมัยใหม่ครึ่งหนึ่ง ดังนั้นในบทประพันธ์ของ Bach บางบทที่เขียนขึ้นสำหรับระบบออร์แกน ผู้เขียนจึงเขียนส่วนต่างๆ ของเครื่องมือลมทันทีโดยเปลี่ยนตำแหน่ง นั่นคือ สูงกว่าส่วนของคณะนักร้องประสานเสียงและเบสโซคอนติเนนโตครึ่งขั้น นี่เป็นเพราะความจริงที่ว่าเครื่องลมซึ่งส่วนใหญ่ใช้ในดนตรีแชมเบอร์ในศาลไม่ได้รับการปรับให้เข้ากับการปรับออร์แกนที่สูงขึ้น (ฟลุตและโอโบอาจต่ำกว่า camertone เล็กน้อยดังนั้นจึงมีอันที่สามด้วย - คาเมโทนต่ำ). โทน). และถ้าวันนี้คุณพยายามเล่นแคนทาทาจากโน้ตโดยไม่รู้เรื่องนี้ คุณก็จะได้เสียงขรมที่ผู้แต่งไม่ได้ตั้งใจ

สถานการณ์ที่มีรูปแบบ "ลอยตัว" นี้ยังคงอยู่ในโลกจนถึงสงครามโลกครั้งที่สอง ซึ่งไม่เพียงแต่ในประเทศต่างๆ แต่ยังรวมถึงในเมืองต่างๆ ของประเทศเดียวกันด้วย การก่อตัวอาจแตกต่างกันอย่างมีนัยสำคัญ ในปี พ.ศ. 2402 รัฐบาลฝรั่งเศสได้พยายามครั้งแรกที่จะสร้างมาตรฐานการจูนโดยการออกกฎหมายอนุมัติการปรับจูน A - 435 เฮิรตซ์ แต่ในประเทศอื่นๆ การจูนยังคงแตกต่างกันอย่างมาก และเฉพาะในปี พ.ศ. 2498 องค์การระหว่างประเทศเพื่อการมาตรฐานได้นำกฎหมายว่าด้วยการปรับจูนคอนเสิร์ตที่ 440 เฮิรตซ์ ซึ่งยังคงมีผลบังคับใช้ในปัจจุบัน

ไฮน์ริช อิกนาซ บีเบอร์ แกะสลักจาก 1681วิกิมีเดียคอมมอนส์

นักเขียนสไตล์บาโรกและคลาสสิกยังดำเนินการอื่นๆ ในด้านการปรับจูน ซึ่งเกี่ยวข้องกับดนตรีสำหรับเครื่องสาย เรากำลังพูดถึงเทคนิคที่เรียกว่า "scordatura" นั่นคือ "การปรับสาย" ในเวลาเดียวกัน สายบางสาย เช่น ไวโอลินหรือวิโอลา ถูกปรับให้เป็นช่วงที่ต่างไปจากเดิมสำหรับเครื่องดนตรี ด้วยเหตุนี้ นักแต่งเพลงจึงมีโอกาสได้ใช้สตริงเปิดจำนวนมากขึ้น ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับคีย์ขององค์ประกอบ แต่ scordatura นี้มักจะไม่ได้บันทึกในเสียงจริง แต่เป็นการเคลื่อนย้าย ดังนั้นหากไม่มีการเตรียมเครื่องมือเบื้องต้น (และนักแสดง) องค์ประกอบดังกล่าวจึงเป็นไปไม่ได้ที่จะดำเนินการอย่างถูกต้อง ตัวอย่างที่มีชื่อเสียงของ scordatura คือวงจรของไวโอลิน sonatas Rosary (Mysteries) ของ Heinrich Ignaz Bieber (1676)

ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและในยุคแรกของบาโรก ช่วงของโหมดต่างๆ และต่อมาคีย์ซึ่งผู้แต่งสามารถแต่งได้นั้นถูกจำกัดด้วยกำแพงธรรมชาติ ชื่อของบาเรียนี้คือเครื่องหมายจุลภาคปีทาโกรัส นักวิทยาศาสตร์ชาวกรีกผู้ยิ่งใหญ่ Pythagoras เป็นคนแรกที่เสนอเครื่องมือปรับแต่งตามระดับห้าบริสุทธิ์ ซึ่งเป็นหนึ่งในช่วงแรกของมาตราส่วนธรรมชาติ แต่ปรากฏว่าถ้าคุณจูนเครื่องสายในลักษณะนี้ หลังจากผ่านวงกลมหนึ่งในห้า (สี่อ็อกเทฟ) ไปแล้ว โน้ต C-sharp จะฟังดูสูงขึ้นมากในภาษาซี และตั้งแต่สมัยโบราณ นักดนตรีและนักวิทยาศาสตร์ได้พยายามค้นหาระบบการปรับแต่งเครื่องดนตรีในอุดมคติ ซึ่งสามารถเอาชนะข้อบกพร่องตามธรรมชาติของมาตราส่วนตามธรรมชาติ ซึ่งก็คือความไม่สม่ำเสมอของมัน ซึ่งจะทำให้สามารถใช้โทนสีทั้งหมดได้อย่างเท่าเทียมกัน

แต่ละยุคมีระบบระเบียบของตัวเอง และแต่ละระบบก็มีลักษณะเฉพาะของตัวเอง ซึ่งฟังดูไม่เข้าหูเรา คุ้นเคยกับเสียงเปียโนสมัยใหม่ ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดทั้งหมดได้รับการปรับแต่งในระดับที่เหมือนกัน โดยแบ่งอ็อกเทฟออกเป็น 12 เซมิโทนที่เท่ากันอย่างสมบูรณ์แบบ การปรับแต่งที่สม่ำเสมอนั้นเป็นการประนีประนอมที่ใกล้เคียงกับจิตวิญญาณสมัยใหม่ ซึ่งทำให้สามารถแก้ปัญหาเครื่องหมายจุลภาคพีทาโกรัสได้ครั้งแล้วครั้งเล่า แต่ได้เสียสละความงามตามธรรมชาติของเสียงของหนึ่งในสามและห้าที่บริสุทธิ์ นั่นคือไม่มีช่วงเวลาใด (ยกเว้นอ็อกเทฟ) ที่เล่นโดยเปียโนสมัยใหม่ที่สอดคล้องกับมาตราส่วนตามธรรมชาติ และในระบบการจูนเสียงทั้งหมดที่มีอยู่ตั้งแต่ยุคกลางตอนปลายนั้น ช่วงเวลาอันบริสุทธิ์จำนวนหนึ่งได้รับการเก็บรักษาไว้ เนื่องจากการที่ปุ่มทั้งหมดได้รับเสียงที่ชัดเจนเป็นเอกเทศ แม้กระทั่งหลังจากการประดิษฐ์อารมณ์ที่ดี (ดู Clavier ที่มีอารมณ์ดีของ Bach) ซึ่งทำให้สามารถใช้กุญแจทั้งหมดบนฮาร์ปซิคอร์ดหรือออร์แกนได้ ตัวกุญแจเองก็ยังคงมีสีประจำตัว ดังนั้นการเกิดขึ้นของทฤษฎีผลกระทบซึ่งเป็นพื้นฐานของดนตรีบาโรกตามที่วิธีการแสดงออกทางดนตรีทั้งหมด - ท่วงทำนอง, ความกลมกลืน, จังหวะ, จังหวะ, เนื้อสัมผัสและการเลือกโทนเสียง - เชื่อมโยงกับสภาวะทางอารมณ์ที่เฉพาะเจาะจงอย่างแยกไม่ออก ยิ่งกว่านั้น โทนสีเดียวกันอาจขึ้นอยู่กับระบบที่ใช้ในขณะนี้ เสียงอภิบาล ไร้เดียงสาหรือเย้ายวน คร่ำครวญอย่างเคร่งขรึมหรือน่ากลัวอย่างปีศาจ

สำหรับนักแต่งเพลง การเลือกคีย์หนึ่งคีย์หรือคีย์อื่นๆ เชื่อมโยงกับอารมณ์ความรู้สึกบางชุดอย่างแยกไม่ออก จนกระทั่งถึงช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 ยิ่งไปกว่านั้น หากสำหรับ Haydn D major ฟังดูเหมือน "ขอบคุณพระเจ้า ความเข้มแข็ง" สำหรับ Beethoven ดูเหมือนว่า "ความเจ็บปวด ความปวดร้าว หรือการเดินขบวน" Haydn เชื่อมโยง E major กับ "ความคิดถึงความตาย" และสำหรับ Mozart มันหมายถึง "เคร่งขรึม เหนือกว่า" (คำเหล่านี้ทั้งหมดเป็นคำพูดจากผู้แต่งเอง) ดังนั้นท่ามกลางคุณธรรมบังคับของนักดนตรีที่แสดงดนตรียุคแรกคือระบบหลายมิติของความรู้ทางดนตรีและวัฒนธรรมทั่วไปที่ช่วยให้เรารับรู้โครงสร้างทางอารมณ์และ "รหัส" ขององค์ประกอบต่าง ๆ โดยผู้เขียนหลายคนและในขณะเดียวกันความสามารถในการนำไปใช้ในทางเทคนิค นี้ในเกม

นอกจากนี้ยังมีปัญหากับสัญกรณ์: นักแต่งเพลงของศตวรรษที่ 17-18 ตั้งใจบันทึกข้อมูลเพียงบางส่วนที่เกี่ยวข้องกับผลงานที่จะเกิดขึ้น การใช้ถ้อยคำ ความแตกต่าง ความชัดแจ้ง และการตกแต่งที่วิจิตรงดงามโดยเฉพาะอย่างยิ่ง - เป็นส่วนสำคัญของสุนทรียศาสตร์แบบบาโรก - ทั้งหมดนี้ถูกปล่อยให้เป็นทางเลือกของนักดนตรีอย่างอิสระ ซึ่งกลายเป็นผู้ร่วมสร้างนักแต่งเพลง ไม่ใช่แค่ผู้ปฏิบัติตามความประสงค์ของเขาเท่านั้น ดังนั้นการแสดงที่เชี่ยวชาญอย่างแท้จริงของดนตรีบาโรกและดนตรีคลาสสิกยุคแรกในเครื่องดนตรีโบราณจึงเป็นงานที่ยากไม่น้อย (ถ้าไม่มาก) มากไปกว่าการควบคุมดนตรีในยุคต่อมาด้วยเครื่องดนตรีสมัยใหม่อย่างมีคุณธรรม เมื่อกว่า 60 ปีที่แล้วผู้ชื่นชอบการเล่นเครื่องดนตรีโบราณเป็นคนแรก ("ผู้ตรวจสอบความถูกต้อง") ปรากฏตัวขึ้น พวกเขามักพบกับความเกลียดชังในหมู่เพื่อนร่วมงาน ส่วนหนึ่งเป็นเพราะความเฉื่อยของนักดนตรีในโรงเรียนดั้งเดิม และส่วนหนึ่งเป็นเพราะทักษะที่ไม่เพียงพอของผู้บุกเบิกความถูกต้องทางดนตรีด้วยตัวเขาเอง ในแวดวงดนตรี มีทัศนคติที่ประชดประชันประชดประชันต่อพวกเขา ต่อพวกขี้แพ้ที่หาประโยชน์ให้ตัวเองไม่ได้ดีไปกว่าการอวดอ้างความเศร้าโศกบน "ไม้แห้ง" (ลมไม้) หรือ "เศษเหล็กขึ้นสนิม" (ลมทองเหลือง) และทัศนคตินี้ (น่าเสียดายอย่างแน่นอน) ยังคงมีอยู่จนกระทั่งเมื่อไม่นานมานี้ จนกระทั่งเห็นได้ชัดว่าระดับการเล่นเครื่องดนตรีโบราณได้เติบโตขึ้นอย่างมากในช่วงหลายทศวรรษที่ผ่านมา ซึ่งอย่างน้อยที่สุดในสาขาบาโรกและคลาสสิกยุคแรกๆ ผู้รับรองความถูกต้องก็แซงหน้าและแซงหน้าไปนานแล้ว ออเคสตราสมัยใหม่ที่น่าเบื่อหน่ายและน่าเบื่อหน่ายมากขึ้น

ประเภทและรูปแบบวงดนตรี

ชิ้นส่วนของรูปเหมือนของ Pierre Moucheron กับครอบครัวของเขา ไม่ทราบผู้เขียน 1563 Rijksmuseum อัมสเตอร์ดัม

เช่นเดียวกับคำว่า "วงออเคสตรา" ไม่ได้หมายถึงสิ่งที่เราหมายถึงในทุกวันนี้เสมอไป ดังนั้นคำว่า "ซิมโฟนี" และ "คอนเสิร์ต" เดิมจึงมีความหมายแตกต่างกันเล็กน้อย และค่อยๆ เข้าใจความหมายที่ทันสมัยขึ้นเรื่อยๆ เมื่อเวลาผ่านไป

คอนเสิร์ต

คำว่า "คอนเสิร์ต" มีที่มาที่เป็นไปได้หลายประการ นิรุกติศาสตร์สมัยใหม่มีแนวโน้มที่จะแปลว่า "บรรลุข้อตกลง" จากคอนแชร์ตาร์อิตาลีหรือ "ร้องเพลงสรรเสริญ" จากภาษาละติน concinere, concino คำแปลที่เป็นไปได้อีกอย่างหนึ่งคือ "การโต้แย้ง การแข่งขัน" จากคอนแชร์ตาร์ละติน: นักแสดงเดี่ยว (ศิลปินเดี่ยวหรือกลุ่มศิลปินเดี่ยว) แข่งขันในดนตรีกับทีม (วงออเคสตรา) ในช่วงต้นยุคบาโรก งานร้อง-เครื่องดนตรีมักถูกเรียกว่าคอนแชร์โต้ ต่อมากลายเป็นที่รู้จักในชื่อ cantata - จากภาษาละติน canto, cantare ("to sing") เมื่อเวลาผ่านไป คอนแชร์โตกลายเป็นประเภทบรรเลงที่บรรเลงอย่างหมดจด (แม้ว่าในบรรดาผลงานของศตวรรษที่ 20 คอนแชร์โต้ก็กลายเป็นประเภทที่หาได้ยากเช่นกัน เช่น คอนแชร์โต้สำหรับเสียงและวงออเคสตราโดยไรน์โฮลด์ กลิเอเร) ยุคบาโรกทำให้เกิดความแตกต่างระหว่างคอนแชร์โตเดี่ยว (เครื่องดนตรีหนึ่งชิ้นและวงออเคสตราประกอบ) และ "คอนแชร์โตขนาดใหญ่" (คอนแชร์โตกรอสโซ) ซึ่งเพลงถูกถ่ายทอดระหว่างศิลปินเดี่ยวกลุ่มเล็ก (คอนแชร์ติโน) และกลุ่มที่มีเครื่องดนตรีมากกว่า (ริปิเอโน) นั่นคือ "การบรรจุ", "การเติม") นักดนตรีของกลุ่มริเปียโนถูกเรียกว่าริเปียนนิสต์ มันคือพวก ripienists ที่กลายเป็นบรรพบุรุษของผู้เล่นออร์เคสตราสมัยใหม่ ริปิเอโนมีส่วนเกี่ยวข้องกับเครื่องสายเท่านั้นและเบสโซคอนติเนนโต และศิลปินเดี่ยวอาจแตกต่างกันมาก: ไวโอลิน, เชลโล, โอโบ, ผู้บันทึก, บาสซูน, วิโอลาดามัวร์, ลูท, แมนโดลิน ฯลฯ

คอนแชร์โตกรอสโซมีสองประเภท: คอนแชร์โต้ ดา เชียซา ("คอนเสิร์ตของโบสถ์") และคอนแชร์โต้ ดา คาเมรา ("คอนเสิร์ตแชมเบอร์") ทั้งสองเข้ามาใช้ส่วนใหญ่ต้องขอบคุณ Arcangelo Corelli ที่แต่งรอบ 12 คอนแชร์โต (1714) วัฏจักรนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อฮันเดล ซึ่งทำให้เรามีคอนแชร์โตกรอสโซสองรอบ ซึ่งถือเป็นผลงานชิ้นเอกของประเภทนี้ คอนแชร์โต Brandenburg ของ Bach ยังมีลักษณะที่ชัดเจนของคอนแชร์โตกรอสโซ

ความรุ่งเรืองของคอนแชร์โตเดี่ยวสไตล์บาโรกมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของอันโตนิโอ วีวัลดี ซึ่งแต่งคอนแชร์โตมากกว่า 500 รายการสำหรับเครื่องดนตรีต่างๆ ควบคู่ไปกับเครื่องสายและเบสโซคอนติเนนโตในชีวิตของเขา (แม้ว่าเขาจะเขียนโอเปร่ามากกว่า 40 ชิ้น เพลงประสานเสียงของโบสถ์จำนวนมาก และบรรเลงซิมโฟนี) ตามกฎแล้วการแสดงเป็นสามส่วนโดยมีจังหวะสลับกัน: เร็ว - ช้า - เร็ว; โครงสร้างนี้กลายเป็นส่วนสำคัญในตัวอย่างหลังของคอนแชร์โต้บรรเลง จนถึงต้นศตวรรษที่ 21 การสร้างที่โด่งดังที่สุดของ Vivaldi คือวัฏจักร "The Seasons" (1725) สำหรับไวโอลินและวงออร์เคสตราเครื่องสาย ซึ่งแต่ละคอนแชร์โตนำหน้าด้วยบทกวี (บางทีอาจเขียนโดย Vivaldi เอง) บทกวีบรรยายถึงอารมณ์หลักและเหตุการณ์ในฤดูกาลใดฤดูกาลหนึ่ง ซึ่งรวมเข้ากับตัวเพลงเอง คอนแชร์โตทั้งสี่นี้ ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของคอนแชร์โต 12 รอบที่ใหญ่กว่าซึ่งมีชื่อว่า Contest of Harmony and Invention ปัจจุบันถือเป็นหนึ่งในตัวอย่างแรกๆ ของรายการเพลง

ประเพณีนี้ยังคงดำเนินต่อไปและพัฒนาโดยฮันเดลและบาค นอกจากนี้ ฮันเดลยังแต่งคอนแชร์โต 16 ออร์แกน และบาค นอกเหนือจากคอนแชร์โตดั้งเดิมสำหรับไวโอลินหนึ่งและสองตัวในขณะนั้นแล้ว ยังเขียนคอนแชร์โตสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด ซึ่งก่อนหน้านี้เคยเป็นเครื่องดนตรีของกลุ่มเบสโซคอนติเนนโต . ดังนั้นบาคจึงถือได้ว่าเป็นบรรพบุรุษของคอนแชร์โตเปียโนสมัยใหม่

ซิมโฟนี

ซิมโฟนีในภาษากรีกหมายถึง "ความสอดคล้อง", "เสียงร่วม" ในประเพณีกรีกโบราณและยุคกลาง ซิมโฟนีถูกเรียกว่าความไพเราะ (ในภาษาดนตรีในปัจจุบัน - ความสอดคล้อง) และในสมัยนี้ เครื่องดนตรีต่างๆ เริ่มถูกเรียกว่าซิมโฟนี เช่น ขลุ่ย พิณล้อ พิณหรือ บริสุทธิ์. และเฉพาะในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XVI-XVII คำว่า "ซิมโฟนี" เริ่มถูกใช้เป็นชื่อขององค์ประกอบสำหรับเสียงและเครื่องดนตรี ตัวอย่างแรกสุดของซิมโฟนีดังกล่าว ได้แก่ Musical Symphonies โดย Lodovico Grossi da Viadana (1610), Sacred Symphonies โดย Giovanni Gabrieli (1615) และ Sacred Symphonies (op. 6, 1629 และ op. 10, 1649) โดย Heinrich Schütz โดยทั่วไป ในระหว่างยุคบาโรก การประพันธ์เพลงที่หลากหลาย ทั้งของสงฆ์และฆราวาส ถูกเรียกว่าซิมโฟนี ส่วนใหญ่แล้ว ซิมโฟนีเป็นส่วนหนึ่งของวัฏจักรที่ใหญ่กว่า ด้วยการถือกำเนิดของประเภทของโอเปร่าอิตาลี ("โอเปร่าที่จริงจัง") ซึ่งเกี่ยวข้องกับชื่อ Scarlatti เป็นหลัก บทนำของโอเปร่าหรือที่เรียกว่าทาบทามเรียกว่าซิมโฟนีซึ่งมักจะอยู่ในสามส่วน: เร็ว - ช้าเร็ว. นั่นคือ "ซิมโฟนี" และ "ทาบทาม" เป็นเวลานานที่มีความหมายเดียวกัน อย่างไรก็ตาม ในอุปรากรอิตาลี ประเพณีการเรียกทาบทามว่าซิมโฟนีรอดมาได้จนถึงกลางศตวรรษที่ 19 (ดูโอเปร่ายุคแรกๆ ของแวร์ดี เช่น เนบูคัดเนสซาร์)

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 เป็นต้นมา แฟชั่นสำหรับการแสดงซิมโฟนีหลายส่วนได้เกิดขึ้นทั่วยุโรป พวกเขามีบทบาทสำคัญในชีวิตสาธารณะและในการบริการของคริสตจักร อย่างไรก็ตามแหล่งกำเนิดและการแสดงซิมโฟนีหลักคือที่ดินของขุนนาง ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 (เวลาของการปรากฏตัวของซิมโฟนีไฮด์ครั้งแรก) มีศูนย์หลักสามแห่งสำหรับการแต่งซิมโฟนีในยุโรป ได้แก่ มิลานเวียนนาและมานไฮม์ ต้องขอบคุณกิจกรรมของศูนย์ทั้งสามแห่งนี้ แต่โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Mannheim Court Chapel และนักประพันธ์เพลง เช่นเดียวกับผลงานของ Joseph Haydn ที่ทำให้แนวเพลงซิมโฟนีบานสะพรั่งเป็นครั้งแรกในยุโรปในขณะนั้น

โบสถ์มันไฮม์

Jan Stamitzวิกิมีเดียคอมมอนส์

โบสถ์ซึ่งเกิดขึ้นภายใต้ผู้มีสิทธิเลือกตั้งชาร์ลส์ที่ 3 ฟิลิปในไฮเดลเบิร์กและหลังจากปี ค.ศ. 1720 ยังคงมีอยู่ในมันไฮม์ถือได้ว่าเป็นต้นแบบแรกของวงออเคสตราสมัยใหม่ แม้กระทั่งก่อนจะย้ายไปมานไฮม์ โบสถ์ก็มีจำนวนมากกว่าที่อื่นในอาณาเขตโดยรอบ ในมานไฮม์ มันเติบโตขึ้นอีกมาก และเนื่องจากการมีส่วนร่วมของนักดนตรีที่มีพรสวรรค์ที่สุดในเวลานั้น คุณภาพของการแสดงก็ดีขึ้นอย่างมากเช่นกัน ตั้งแต่ปี 1741 คณะนักร้องประสานเสียงนำโดย Jan Stamitz นักไวโอลินและนักแต่งเพลงชาวเช็ก จากนี้ไปเราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับการสร้างโรงเรียนมานไฮม์ วงออเคสตราประกอบด้วยเครื่องสาย 30 เครื่อง, เครื่องเป่าลมคู่: ขลุ่ยสองขลุ่ย, โอโบสองตัว, คลาริเน็ตสองอัน (จากนั้นยังคงเป็นแขกรับเชิญที่หายากในวงออเคสตรา), บาสซูนสองตัว, แตรสองถึงสี่แตร, ทรัมเป็ตสองอันและกลองทิมปานี - เป็นองค์ประกอบที่ยิ่งใหญ่สำหรับเวลานั้น ตัวอย่างเช่นในโบสถ์ของ Prince Esterhazy ซึ่ง Haydn ทำหน้าที่เป็นหัวหน้าวงดนตรีมาเกือบ 30 ปีในช่วงเริ่มต้นกิจกรรมของเขาจำนวนนักดนตรีไม่เกิน 13-16 คนที่ Count Morzin ซึ่ง Haydn รับใช้เมื่อหลายปีก่อน Esterhazy และเขียนซิมโฟนีแรกของเขามีนักดนตรีมากขึ้น น้อยกว่า - ที่นั่นตัดสินโดยคะแนนของ Haydn ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาไม่มีแม้แต่ขลุ่ย ในช่วงปลายทศวรรษ 1760 โบสถ์เอสเตอร์ฮาซีมีนักดนตรีเพิ่มขึ้นเป็น 16-18 คน และในช่วงกลางทศวรรษ 1780 มีนักดนตรีถึงจำนวนสูงสุด 24 คน และในมานไฮม์ มีคนเล่นเครื่องสายเพียง 30 คน

แต่คุณธรรมหลักของผู้เชี่ยวชาญ Mannheim ไม่ใช่ปริมาณ แต่เป็นคุณภาพที่เหลือเชื่อและความสอดคล้องกันของประสิทธิภาพโดยรวมในขณะนั้น Jan Stamitz และหลังจากเขานักประพันธ์เพลงคนอื่น ๆ ที่เขียนเพลงสำหรับวงออเคสตรานี้ พบว่ามีเอฟเฟกต์ที่ซับซ้อนมากขึ้นเรื่อย ๆ จนถึงขณะนี้ไม่เคยได้ยินมาก่อนซึ่งมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของโบสถ์ Mannheim: เสียงที่เพิ่มขึ้นร่วมกัน (เพิ่มขึ้นเรื่อย ๆ) การจางหายไปของเสียง (diminuendo) การหยุดชะงักร่วมอย่างกะทันหันของเกม (หยุดชั่วคราวทั่วไป) เช่นเดียวกับบุคคลดนตรีประเภทต่าง ๆ เช่น: จรวด Mannheim (การเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วของท่วงทำนองตามเสียงของคอร์ดที่สลาย) นก Mannheim (เลียนแบบของนกร้องเจี๊ยก ๆ ในทางเดินเดี่ยว) หรือจุดสุดยอดของ Mannheim (การเตรียมพร้อมสำหรับการเพิ่มขึ้นและจากนั้นในช่วงเวลาที่เด็ดขาดคือการหยุดเล่นเครื่องลมทั้งหมดและการเล่นที่กระฉับกระเฉงของสายบางสาย) ผลกระทบหลายอย่างเหล่านี้พบชีวิตที่สองในผลงานของ Mozart และ Beethoven รุ่นน้องของ Mannheim และบางส่วนยังคงมีอยู่ในปัจจุบัน

นอกจากนี้ สตามิทซ์และเพื่อนร่วมงานของเขาค่อยๆ ค้นพบรูปแบบในอุดมคติของซิมโฟนีสี่ขบวน ซึ่งได้มาจากต้นแบบแบบบาโรกของโซนาตาของโบสถ์และแชมเบอร์โซนาตา ตลอดจนการทาบทามโอเปร่าของอิตาลี Haydn เข้าสู่วัฏจักรสี่ส่วนเดิมอันเป็นผลมาจากการทดลองหลายปีของเขา โมสาร์ทวัยเยาว์มาเยือนมันไฮม์ในปี 1777 และประทับใจอย่างมากกับดนตรีและวงดนตรีที่เขาได้ยินที่นั่น กับ Christian Cannabih ซึ่งเป็นผู้นำวงออเคสตราหลังจากการตายของ Stamitz โมสาร์ทมีมิตรภาพส่วนตัวตั้งแต่มาเยือนมันไฮม์

นักดนตรีในศาล

ตำแหน่งของนักดนตรีในศาลที่ได้รับเงินเดือนนั้นมีประโยชน์มากในเวลานั้น แต่แน่นอนว่าจำเป็นอย่างมาก พวกเขาทำงานหนักมากและต้องเติมเต็มความปรารถนาทางดนตรีของอาจารย์ของพวกเขา พวกเขาสามารถรับได้ตอนสามหรือสี่โมงเช้าและบอกว่าเจ้าของต้องการดนตรีเพื่อความบันเทิง - เพื่อฟังเพลงบางประเภท นักดนตรีที่ยากจนต้องเข้าไปในห้องโถง ตั้งตะเกียงและเล่น บ่อยครั้งที่นักดนตรีทำงานเจ็ดวันต่อสัปดาห์ - แน่นอนว่าไม่มีแนวคิดเช่นอัตราการผลิตหรือวันทำงาน 8 ชั่วโมงสำหรับพวกเขา (ตามมาตรฐานสมัยใหม่นักดนตรีวงดนตรีไม่สามารถทำงานเกิน 6 ชั่วโมงต่อวัน ในการซ้อมคอนเสิร์ตหรือการแสดงละคร) เราต้องเล่นทั้งวัน เลยเล่นทั้งวัน อย่างไรก็ตามเจ้าของที่รักเสียงเพลงส่วนใหญ่มักจะเข้าใจว่านักดนตรีไม่สามารถเล่นได้หลายชั่วโมงโดยไม่หยุดพัก - เขาต้องการทั้งอาหารและการพักผ่อน

รายละเอียดของภาพวาดโดย Nicola Maria Rossi 1732ภาพ Bridgeman/Fotodom

โบสถ์ Haydn และ Prince Esterhazy

ในตำนานเล่าว่า Haydn ได้เขียนเพลง Farewell Symphony อันโด่งดัง ดังนั้นเขาจึงบอกใบ้ถึง Esterhazy อาจารย์ของเขาเกี่ยวกับการพักผ่อนที่สัญญาไว้แต่ถูกลืม ในตอนจบ นักดนตรีทุกคนลุกขึ้นยืน ดับเทียนแล้วเดินออกไป - คำใบ้นั้นค่อนข้างเข้าใจได้ และเจ้าของก็เข้าใจพวกเขาและปล่อยให้พวกเขาไปเที่ยว - ซึ่งพูดถึงเขาเป็นคนที่มีความเข้าใจลึกซึ้งและมีอารมณ์ขัน แม้ว่าจะเป็นนิยาย แต่ก็สื่อถึงจิตวิญญาณของยุคนั้นได้อย่างน่าทึ่ง - ในบางครั้งการพาดพิงถึงความผิดพลาดของเจ้าหน้าที่อาจทำให้ผู้แต่งเสียค่าใช้จ่ายค่อนข้างมาก

เนื่องจากผู้อุปถัมภ์ของ Haydn เป็นคนที่ค่อนข้างมีการศึกษาและอ่อนไหวต่อดนตรี เขาจึงสามารถวางใจได้ว่าการทดลองใดๆ ของเขา ไม่ว่าจะเป็นการแสดงซิมโฟนีในการเคลื่อนไหวหกหรือเจ็ดครั้ง หรือความซับซ้อนของโทนเสียงที่น่าเหลือเชื่อในตอนที่เรียกว่าพัฒนาการก็ตาม จะไม่เป็นเช่นนั้น ได้รับการประณาม ดูเหมือนตรงกันข้าม ยิ่งรูปแบบซับซ้อนและผิดปกติมากเท่าไร พวกเขาก็ยิ่งชอบมากขึ้นเท่านั้น
อย่างไรก็ตาม Haydn กลายเป็นนักแต่งเพลงที่โดดเด่นคนแรกที่ปลดปล่อยตัวเองจากความรู้สึกสบาย ๆ ที่ดูเหมือนสบาย ๆ แต่โดยทั่วไปแล้วการดำรงอยู่ของข้าราชบริพารโดยทั่วไป เมื่อ Nikolaus Esterházy เสียชีวิต ทายาทของเขาได้ยุบวงออเคสตรา แม้ว่าเขาจะยังคงดำรงตำแหน่งของ Haydn และเงินเดือน (ลดลง) ของหัวหน้าวงดนตรี ดังนั้น Haydn จึงได้รับการลาโดยไม่ตั้งใจและใช้ประโยชน์จากคำเชิญของผู้แสดง Johann Peter Salomon ไปลอนดอนเมื่ออายุค่อนข้างมาก ที่นั่นเขาได้สร้างรูปแบบวงดนตรีใหม่ขึ้นมา เพลงของเขาแข็งแกร่งและเรียบง่ายขึ้น การทดลองถูกยกเลิก เนื่องมาจากความจำเป็นในเชิงพาณิชย์ เขาพบว่าคนทั่วไปในอังกฤษมีการศึกษาน้อยกว่าผู้ฟังที่เก่งกาจในคฤหาสน์เอสเตอร์ฮาซีมาก สำหรับเธอ คุณต้องเขียนให้สั้นลง ชัดเจนขึ้น และกระชับมากขึ้น แม้ว่าซิมโฟนีแต่ละซิมโฟนีที่เขียนโดยเอสเตอร์ฮาซีจะมีเอกลักษณ์เฉพาะ แต่ซิมโฟนีในลอนดอนก็มีประเภทเดียวกัน ทั้งหมดถูกเขียนขึ้นในสี่ส่วนเท่านั้น (ในขณะนั้นเป็นรูปแบบซิมโฟนีที่พบบ่อยที่สุดซึ่งนักประพันธ์เพลงของโรงเรียน Mannheim และ Mozart ใช้อย่างเต็มที่แล้ว): Sonata allegro บังคับในส่วนแรก ส่วนที่สองช้ามากหรือน้อย minuet และตอนจบที่รวดเร็ว ประเภทของวงออเคสตราและรูปแบบดนตรี ตลอดจนประเภทของการพัฒนาทางเทคนิคของธีมที่ใช้ในซิมโฟนีครั้งสุดท้ายของ Haydn ได้กลายเป็นแบบอย่างของเบโธเฟนไปแล้ว

ปลายศตวรรษที่ 18 - 19: โรงเรียนเวียนนาและเบโธเฟน

ภายในโรงละคร an der Wien ในกรุงเวียนนา แกะสลัก. ศตวรรษที่ 19รูปภาพ Bigeman / Fotodom

มันจึงเกิดขึ้นที่ Haydn อยู่ได้นานกว่า Mozart ซึ่งอายุน้อยกว่าเขา 24 ปี และได้พบกับจุดเริ่มต้นของอาชีพของ Beethoven Haydn ทำงานเกือบทั้งชีวิตในฮังการีในปัจจุบัน และในช่วงสุดท้ายของชีวิตเขาประสบความสำเร็จอย่างล้นหลามในลอนดอน Mozart มาจาก Salzburg และ Beethoven เป็น Fleming ที่เกิดใน Bonn แต่เส้นทางที่สร้างสรรค์ของทั้งสามยักษ์ใหญ่ด้านดนตรีเชื่อมโยงกับเมืองซึ่งในรัชสมัยของจักรพรรดินีมาเรียเทเรซ่าและจักรพรรดิโจเซฟที่ 2 ลูกชายของเธอได้รับตำแหน่งเมืองหลวงทางดนตรีของโลก - กับเวียนนา ดังนั้น ผลงานของ Haydn, Mozart และ Beethoven จึงถูกจารึกไว้ในประวัติศาสตร์ว่าเป็น "Viennese classic style" จริงอยู่ ควรสังเกตว่าผู้เขียนเองไม่ได้คิดว่าตัวเองเป็น "คลาสสิก" และเบโธเฟนถือว่าตัวเองเป็นนักปฏิวัติผู้บุกเบิกและแม้แต่ผู้ทำลายประเพณี แนวความคิดของ "สไตล์คลาสสิก" อย่างแท้จริงคือการประดิษฐ์ขึ้นในเวลาต่อมามาก (กลางศตวรรษที่ 19) คุณสมบัติหลักของสไตล์นี้คือความสามัคคีที่กลมกลืนกันของรูปแบบและเนื้อหา ความสมดุลของเสียงในกรณีที่ไม่มีความตะกละแบบบาโรกและความกลมกลืนของสถาปัตยกรรมดนตรีในสมัยโบราณ

ซิมโฟนีลอนดอนของ Haydn, ซิมโฟนีสุดท้ายของ Mozart และซิมโฟนีทั้งหมดของ Beethoven ถือเป็นความสำเร็จสูงสุดของรูปแบบคลาสสิกแบบเวียนนาในด้านดนตรีออเคสตรา ในช่วงปลายซิมโฟนีของ Haydn และ Mozart ศัพท์ดนตรีและไวยากรณ์ของรูปแบบคลาสสิกได้รับการจัดตั้งขึ้นในที่สุดเช่นเดียวกับองค์ประกอบของวงออเคสตราซึ่งตกผลึกอยู่แล้วในโรงเรียน Mannheim และยังถือว่าเป็นคลาสสิก: กลุ่มสตริง (แบ่งออกเป็น ไวโอลินตัวแรกและตัวที่สอง วิโอลา เชลโล และดับเบิลเบส) เครื่องเป่าไม้แบบคู่ โดยปกติแล้วจะเป็นสองขลุ่ย โอโบสองตัว บาสซูนสองตัว อย่างไรก็ตาม เริ่มจากงานสุดท้ายของ Mozart คลาริเน็ตก็เข้าสู่วงออเคสตราอย่างแน่นหนาและเป็นที่ยอมรับ ความหลงใหลในคลาริเน็ตของ Mozart ส่วนใหญ่มีส่วนทำให้การจำหน่ายเครื่องดนตรีนี้แพร่หลายโดยเป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มลมของวงออเคสตรา โมสาร์ทได้ยินเสียงคลาริเน็ตในปี ค.ศ. 1778 ในมานไฮม์ในการแสดงซิมโฟนีของสตามิทซ์และเขียนจดหมายถึงพ่อของเขาอย่างชื่นชมว่า "โอ้ ถ้าเรามีคลาริเน็ต!" - ความหมายโดย "เรา" โบสถ์ Salzburg Court ซึ่งเปิดตัวในปี 1804 เท่านั้น อย่างไรก็ตาม ควรสังเกตว่าในปี ค.ศ. 1769 มีการใช้คลาริเน็ตเป็นประจำในวงดนตรีของเจ้าชาย-อัครสังฆราช

เขามักจะใส่เขาสองอันเข้าไปในเครื่องเป่าลมไม้ที่กล่าวถึงแล้ว และบางครั้งก็มีแตรและกลองทิมปานีสองตัว ซึ่งมาจากเพลงไพเราะจากกองทัพ แต่เครื่องมือเหล่านี้ถูกใช้ในซิมโฟนีเท่านั้น คีย์ซึ่งอนุญาตให้ใช้ท่อธรรมชาติ ซึ่งมีอยู่ในการปรับจูนเพียงไม่กี่ครั้ง โดยปกติแล้วใน D หรือ C major แตรบางครั้งยังใช้ในซิมโฟนีที่เขียนในจีเมเจอร์ แต่ไม่เคยเล่นกลอง ตัวอย่างของซิมโฟนีที่มีแตร แต่ไม่มี timpani คือ Symphony No. 32 ของ Mozart ส่วน timpani ถูกเพิ่มเข้าไปในคะแนนในภายหลังโดยบุคคลที่ไม่ปรากฏชื่อและถือว่าไม่ถูกต้อง สันนิษฐานได้ว่าความไม่ชอบของผู้เขียนในศตวรรษที่ 18 สำหรับ G major ที่เกี่ยวข้องกับ timpani นั้นอธิบายได้จากข้อเท็จจริงที่ว่าสำหรับ Baroque timpani (ไม่ได้ปรับด้วยคันเหยียบที่ทันสมัยสะดวก แต่ด้วยสกรูปรับความตึงแบบแมนนวล) ดนตรีเป็น ตามธรรมเนียมเขียนประกอบด้วยโน้ตเพียงสองโน้ต - ยาชูกำลัง (ระดับ 1 - โทนเสียง) และความโดดเด่น (ระดับ 5 ของโทนเสียง) ซึ่งถูกเรียกให้รองรับไพพ์ที่เล่นโน้ตเหล่านี้ แต่โน้ตหลักของคีย์ G เมเจอร์ ในอ็อกเทฟบนของ timpani นั้นฟังดูแหลมเกินไปและในส่วนล่าง - อู้อี้เกินไป ดังนั้น timpani ใน G major จึงหลีกเลี่ยงเนื่องจากความไม่ลงรอยกัน

เครื่องดนตรีอื่นๆ ทั้งหมดถือว่าใช้ได้เฉพาะในโอเปร่าและบัลเลต์เท่านั้น และบางเครื่องก็ฟังแม้ในโบสถ์ (เช่น ทรอมโบนและแตรเบสในบังสุกุล ทรอมโบน แตรเบส และปิกโคโลใน The Magic Flute เพลงเพอร์คัชชัน "Janissary" ใน "The Abduction from seraglio" หรือ mandolin ใน "Don Giovanni" ของ Mozart, เขาเบสและพิณในบัลเล่ต์ของ Beethoven "The Works of Prometheus")

คอนติเนนโตของ Basso ค่อยๆ เลิกใช้ ตอนแรกหายไปจากดนตรีออร์เคสตรา แต่ยังคงอยู่ในโอเปร่าเพื่อประกอบบทสวดเป็นระยะเวลาหนึ่ง (ดู The Marriage of Figaro, All Women Do It และ Don Giovanni ของ Mozart แต่ภายหลัง - เมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ศตวรรษในละครตลกบางเรื่องโดย Rossini และ Donizetti)

หาก Haydn ก้าวเข้าสู่ประวัติศาสตร์ในฐานะนักประดิษฐ์ดนตรีไพเราะที่ยิ่งใหญ่ที่สุด Mozart ได้ทดลองกับวงออเคสตราในโอเปร่าของเขามากกว่าในซิมโฟนีของเขา หลังมีความเข้มงวดมากขึ้นอย่างหาที่เปรียบมิได้ในการปฏิบัติตามบรรทัดฐานของเวลานั้น แม้ว่าจะมีข้อยกเว้น: ตัวอย่างเช่นในซิมโฟนีปรากหรือปารีสไม่มี minuet นั่นคือพวกเขาประกอบด้วยเพียงสามส่วน มีแม้แต่ซิมโฟนีการเคลื่อนไหวครั้งเดียวหมายเลข 32 ใน G major (อย่างไรก็ตามมันถูกสร้างขึ้นจากแบบจำลองของการทาบทามของอิตาลีในสามส่วนเร็ว - ช้า - เร็วนั่นคือมันสอดคล้องกับบรรทัดฐานที่เก่ากว่าก่อนไฮดเนียน) . แต่ในทางกลับกัน ซิมโฟนีนี้มีส่วนเกี่ยวข้องมากถึงสี่เขา (เช่นเดียวกับในซิมโฟนีหมายเลข 25 ใน G minor เช่นเดียวกับในโอเปร่า Idomeneo) คลาริเน็ตถูกนำมาใช้ใน Symphony No. 39 (ความรักของ Mozart สำหรับเครื่องดนตรีเหล่านี้ได้รับการกล่าวถึงแล้ว) แต่ไม่มีโอโบแบบดั้งเดิม และซิมโฟนีหมายเลข 40 ยังมีอยู่ในสองเวอร์ชัน - มีและไม่มีคลาริเน็ต

ในแง่ของพารามิเตอร์ที่เป็นทางการ Mozart เคลื่อนไหวในซิมโฟนีส่วนใหญ่ของเขาตามแผนของ Mannheim และ Haydnian - แน่นอนทำให้ลึกซึ้งและปรับแต่งพวกเขาด้วยพลังของอัจฉริยะของเขา แต่ไม่มีการเปลี่ยนแปลงสิ่งใดที่จำเป็นในระดับของโครงสร้างหรือองค์ประกอบ อย่างไรก็ตาม ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต โมสาร์ทเริ่มศึกษาอย่างละเอียดและลึกซึ้งถึงงานของผู้ประพันธ์โพลีโฟนิสต์ผู้ยิ่งใหญ่ในอดีต - ฮันเดลและบาค ด้วยเหตุนี้ เท็กซ์เจอร์ของเพลงของเขาจึงถูกเสริมแต่งด้วยเทคนิคโพลีโฟนิกหลากหลายรูปแบบมากขึ้นเรื่อยๆ ตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของการผสมผสานระหว่างโกดังแบบโฮโมโฟนิกตามแบบฉบับของซิมโฟนีแห่งปลายศตวรรษที่ 18 กับความทรงจำประเภท Bach คือซิมโฟนีลำดับที่ 41 "ดาวพฤหัสบดี" สุดท้ายของโมสาร์ท มันเริ่มต้นการฟื้นตัวของพหุเสียงเป็นวิธีการพัฒนาที่สำคัญที่สุดในประเภทไพเราะ จริงอยู่ Mozart เดินตามเส้นทางที่คนอื่นพ่ายแพ้ต่อหน้าเขา: ตอนจบของสองซิมโฟนีโดย Michael Haydn หมายเลข 39 (1788) และ 41 (1789) ที่ Mozart รู้จักอย่างไม่ต้องสงสัยก็เขียนในรูปแบบของความทรงจำเช่นกัน

ภาพเหมือนของลุดวิก ฟาน เบโธเฟน โจเซฟ คาร์ล สไตเลอร์ 1820วิกิมีเดียคอมมอนส์

บทบาทของเบโธเฟนในการพัฒนาวงออเคสตรานั้นพิเศษ ดนตรีของเขาเป็นการผสมผสานที่ลงตัวระหว่างสองยุคสมัย: คลาสสิกและโรแมนติก หากใน First Symphony (1800) Beethoven เป็นนักเรียนที่ซื่อสัตย์และเป็นผู้ติดตามของ Haydn และในบัลเล่ต์ The Creations of Prometheus (1801) เขาเป็นผู้สืบทอดประเพณีของ Gluck จากนั้นในสาม Heroic Symphony (1804) ที่นั่น เป็นการทบทวนประเพณี Haydn-Mozart ขั้นสุดท้ายและไม่อาจเพิกถอนได้ในคีย์ที่ทันสมัยกว่า The Second Symphony (1802) ภายนอกยังคงตามแบบคลาสสิก แต่ก็มีนวัตกรรมมากมาย และสิ่งสำคัญคือการแทนที่ minuet แบบดั้งเดิมด้วย scherzo ชาวนาที่หยาบคาย ("joke" ในภาษาอิตาลี) ตั้งแต่นั้นมา ไมนูเอตก็ไม่พบในซิมโฟนีของเบโธเฟนอีกต่อไป ยกเว้นการใช้คำว่า "minuet" ที่ชวนให้นึกถึงความหลังอย่างแดกดันในชื่อเรื่องของการเคลื่อนไหวครั้งที่สามของ Eighth Symphony - "ในจังหวะของ minuet" (โดย เวลาที่ Eighth แต่งขึ้น - 1812 - minuets เลิกใช้ไปทุกที่แล้ว และ Beethoven ที่นี่ใช้การอ้างอิงถึงประเภทนี้อย่างชัดเจนว่าเป็นสัญญาณของ "อดีตอันแสนหวาน แต่ไกล") แต่ยังมีความหลากหลายของความแตกต่างแบบไดนามิกและการถ่ายโอนธีมหลักของการเคลื่อนไหวครั้งแรกไปยังเชลโลและเบสสองครั้งในขณะที่ไวโอลินมีบทบาทที่ผิดปกติสำหรับพวกเขาในฐานะนักดนตรีและการแยกหน้าที่ของเชลโลและดับเบิลบ่อยครั้ง เบส (ซึ่งก็คือการปลดปล่อยดับเบิลเบสให้เป็นเสียงที่เป็นอิสระ) และการขยายเสียง การพัฒนาโคดาในส่วนที่รุนแรง (ในทางปฏิบัติจะกลายเป็นการพัฒนาขั้นที่สอง) ล้วนแต่เป็นร่องรอยของรูปแบบใหม่ ซึ่งพบว่ามีการพัฒนาที่น่าทึ่งในภายภาคหน้า ซิมโฟนีที่สาม

ในเวลาเดียวกัน ซิมโฟนีที่สองเป็นจุดเริ่มต้นของซิมโฟนีที่ตามมาเกือบทั้งหมดของเบโธเฟน โดยเฉพาะอย่างยิ่งซิมโฟนีที่สามและหก เช่นเดียวกับซิมโฟนีที่เก้า ในบทนำของส่วนแรกของบทที่สอง มี D-minor motif สองหยดที่คล้ายกับธีมหลักของส่วนแรกของ Ninth และส่วนที่เชื่อมโยงของตอนสุดท้ายของวินาทีนั้นเกือบจะเป็นภาพร่างของ “Ode to Joy” จากตอนจบของเก้าคนเดียวกัน แม้จะใช้เครื่องมือเหมือนกันก็ตาม

ซิมโฟนีที่สามเป็นซิมโฟนีที่ยาวที่สุดและซับซ้อนที่สุดที่เขียนขึ้น ทั้งในแง่ของภาษาดนตรีและการศึกษาเนื้อหาที่เข้มข้นที่สุด ประกอบด้วยไดนามิกคอนทราสต์ที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนในสมัยนั้น (จากเปียโนสามตัวถึงสามฟอร์เต!) และไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อนแม้จะเปรียบเทียบกับโมสาร์ทก็ตาม ทำงานเกี่ยวกับ "การเปลี่ยนแปลงระดับเซลล์" ของแรงจูงใจดั้งเดิม ซึ่งไม่ได้มีอยู่เฉพาะในแต่ละการเคลื่อนไหว แต่อย่างที่มันเป็น แทรกซึมตลอดทั้งวัฏจักรสี่ส่วน ทำให้เกิดความรู้สึกของการเล่าเรื่องเดียวและแบ่งแยกไม่ได้ Heroic Symphony ไม่ใช่ลำดับที่กลมกลืนกันของส่วนที่ตัดกันของวงจรบรรเลง แต่เป็นแนวเพลงใหม่ทั้งหมด อันที่จริง นวนิยายซิมโฟนีเรื่องแรกในประวัติศาสตร์ดนตรี!

การใช้วงออเคสตราของเบโธเฟนไม่ได้เป็นเพียงผู้เชี่ยวชาญเท่านั้น แต่ยังผลักดันให้นักบรรเลงเครื่องดนตรีไปถึงขีดจำกัด และมักจะก้าวข้ามขีดจำกัดทางเทคนิคที่เป็นไปได้ของเครื่องดนตรีแต่ละชิ้น วลีที่โด่งดังของเบโธเฟนที่ส่งถึง Ignaz Schuppanzig นักไวโอลินและผู้นำของ Count Lichnowsky Quartet นักแสดงคนแรกของวง Beethoven หลายคน เพื่อตอบสนองต่อคำวิจารณ์ของเขาเกี่ยวกับ "ความเป็นไปไม่ได้" ของข้อความของ Beethoven บทหนึ่ง แสดงให้เห็นถึงทัศนคติของนักประพันธ์ที่มีต่อปัญหาทางเทคนิคอย่างน่าทึ่ง ในเพลง: "ฉันสนใจไวโอลินที่โชคร้ายของเขาอย่างไรเมื่อพระวิญญาณพูดกับฉัน!" แนวคิดทางดนตรีต้องมาก่อนเสมอ และหลังจากนั้นก็ควรมีวิธีที่จะนำไปใช้ได้ แต่ในขณะเดียวกัน เบโธเฟนก็ตระหนักดีถึงความเป็นไปได้ของวงออเคสตราในยุคของเขา อย่างไรก็ตาม ความคิดเห็นอย่างกว้างขวางเกี่ยวกับผลเชิงลบของอาการหูหนวกของเบโธเฟน ซึ่งถูกกล่าวหาว่าสะท้อนให้เห็นในการประพันธ์เพลงในภายหลังของเขา และด้วยเหตุนี้จึงให้เหตุผลว่าการบุกรุกในคะแนนของเขาในภายหลังในรูปแบบของการรีทัชต่างๆ เป็นเพียงตำนานเท่านั้น เพียงพอที่จะฟังการแสดงที่ดีของซิมโฟนีหรือควอเตตตอนปลายด้วยเครื่องดนตรีของแท้เพื่อให้แน่ใจว่าไม่มีข้อบกพร่อง แต่มีทัศนคติในอุดมคติสูงและไม่ประนีประนอมต่องานศิลปะของพวกเขาโดยอิงจากความรู้โดยละเอียดเกี่ยวกับเครื่องมือในสมัยนั้น และความสามารถของพวกเขา ถ้าเบโธเฟนมีวงออเคสตราสมัยใหม่ที่มีความสามารถทางเทคนิคสมัยใหม่อยู่ในมือ เขาก็คงจะเขียนในรูปแบบที่ต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

ในแง่ของเครื่องมือวัด ในสี่ซิมโฟนีแรกของเขา เบโธเฟนยังคงยึดมั่นในมาตรฐานของซิมโฟนีในภายหลังของไฮย์เดนและโมสาร์ท แม้ว่า Heroic Symphony จะใช้เขาสามเขาแทนเขาสองคนหรือสี่เขาที่หายาก แต่ตามประเพณี นั่นคือเบโธเฟนตั้งคำถามถึงหลักการอันศักดิ์สิทธิ์ของการปฏิบัติตามประเพณีใด ๆ เขาต้องการเสียงแตรที่สามในวงออเคสตรา - และเขาก็แนะนำมัน

และแล้วใน Fifth Symphony (1808) เบโธเฟนได้แนะนำเครื่องดนตรีของวงดุริยางค์ทหาร (หรือการแสดงละคร) ในตอนจบ - ปิกโคโลฟลุต contrabassoon และทรอมโบน ปีก่อน Beethoven นักแต่งเพลงชาวสวีเดน Joachim Nicholas Eggert ใช้ทรอมโบนใน Symphony ของเขาใน E-flat major (1807) และในทั้งสามส่วนและไม่ใช่แค่ในตอนจบเหมือนที่ Beethoven ทำ ดังนั้นในกรณีของทรอมโบน ฝ่ามือไม่ได้มีไว้สำหรับนักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ แต่สำหรับเพื่อนร่วมงานที่มีชื่อเสียงน้อยกว่าของเขา

ซิมโฟนีที่หก (อภิบาล) เป็นโปรแกรมรอบแรกในประวัติศาสตร์ของซิมโฟนี ซึ่งไม่เพียงแต่ซิมโฟนีเองเท่านั้น แต่ยังรวมถึงแต่ละส่วนด้วย นำหน้าด้วยคำอธิบายของโปรแกรมภายในบางประเภท - คำอธิบายของความรู้สึกของ ชาวเมืองที่พบว่าตัวเองอยู่ในธรรมชาติ อันที่จริง คำอธิบายเกี่ยวกับธรรมชาติในดนตรีไม่ใช่เรื่องใหม่ตั้งแต่สมัยบาโรก แต่แตกต่างจาก The Seasons ของ Vivaldi และตัวอย่างเพลงแนวบาโรกอื่น ๆ ของโปรแกรม Beethoven ไม่ได้จัดการกับการเขียนเสียงที่จบในตัวเอง The Sixth Symphony ในคำพูดของเขาเองคือ ซิมโฟนีอภิบาลเป็นเพลงเดียวในผลงานของเบโธเฟนที่มีการละเมิดวงจรซิมโฟนิกสี่ส่วน: ขบวนการที่สี่ตามมาโดยไม่หยุดชะงัก ในรูปแบบอิสระ มีชื่อว่าพายุฝนฟ้าคะนอง และหลังจากนั้น ตอนจบก็ไม่มีการหยุดชะงักเช่นกัน ดังต่อไปนี้ ดังนั้นจึงมีห้าการเคลื่อนไหวในซิมโฟนีนี้

แนวทางของเบโธเฟนในการเรียบเรียงซิมโฟนีนี้น่าสนใจอย่างยิ่ง: ในการเคลื่อนไหวครั้งแรกและครั้งที่สอง เขาใช้เฉพาะเครื่องสาย ลมไม้ และเขาสองเขาอย่างเคร่งครัด ใน scherzo แตรสองตัวเชื่อมต่อกับพวกเขา ในพายุฝนฟ้าคะนอง timpani, ปิกโคโลฟลุตและทรอมโบนสองอันเข้าร่วม และในตอนจบ timpani และ piccolo ก็เงียบลงอีกครั้งและทรัมเป็ตและทรอมโบนจะหยุดทำหน้าที่ประโคมแบบดั้งเดิมและ รวมเข้ากับคณะนักร้องประสานเสียงลมทั่วไปของลัทธิเทววิทยา

จุดสุดยอดของการทดลองของเบโธเฟนในด้านการประสานเสียงคือซิมโฟนีที่เก้า: ในตอนจบ ไม่เพียงแต่ทรอมโบนที่กล่าวถึงแล้ว พิกโกโลฟลุตและคอนทราบาสซูนเท่านั้น แต่ยังใช้เครื่องเพอร์คัชชัน "ตุรกี" ทั้งชุด - กลองเบส ฉาบ และสามเหลี่ยม และที่สำคัญที่สุด - นักร้องประสานเสียงและศิลปินเดี่ยว! อย่างไรก็ตาม ทรอมโบนในตอนจบของเก้ามักใช้เป็นเครื่องขยายเสียงของส่วนประสานเสียงและนี่คือการอ้างอิงถึงประเพณีของคริสตจักรและดนตรี oratorio ฆราวาสโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการหักเหของ Haydnian-Mozartian (ดู " Creation of the World" หรือ "The Seasons" ของ Haydn, Mass before minor หรือ Mozart's Requiem) ซึ่งหมายความว่าซิมโฟนีนี้เป็นการผสมผสานของประเภทของซิมโฟนีและ oratorio ทางจิตวิญญาณ ซึ่ง Schiller เขียนขึ้นในบทกวีและฆราวาสเท่านั้น นวัตกรรมที่เป็นทางการที่สำคัญอีกประการหนึ่งของ Ninth Symphony คือการจัดเรียงใหม่ของการเคลื่อนไหวช้าและ scherzo Scherzo ตัวที่เก้าซึ่งอยู่ในอันดับที่สองไม่ได้เล่นบทบาทของความแตกต่างที่ร่าเริงซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของตอนจบอีกต่อไป แต่กลายเป็นความต่อเนื่อง "ทหาร" ที่รุนแรงและสมบูรณ์ของส่วนแรกที่น่าเศร้า และการเคลื่อนไหวครั้งที่สามอย่างช้าๆ กลายเป็นศูนย์กลางทางปรัชญาของซิมโฟนี ซึ่งตกลงมาอย่างแม่นยำบนโซนของส่วนสีทอง - ครั้งแรก แต่ไม่ได้หมายความว่าเป็นกรณีสุดท้ายในประวัติศาสตร์ของดนตรีไพเราะ

ด้วย The Ninth Symphony (1824) Beethoven ก้าวกระโดดสู่ยุคใหม่ สิ่งนี้เกิดขึ้นพร้อมกับช่วงเวลาของการเปลี่ยนแปลงทางสังคมที่ร้ายแรงที่สุด - ด้วยการเปลี่ยนผ่านขั้นสุดท้ายจากการตรัสรู้ไปสู่ยุคอุตสาหกรรมใหม่ เหตุการณ์แรกเกิดขึ้น 11 ปีก่อนสิ้นศตวรรษก่อนหน้า เหตุการณ์ที่เกิดขึ้นโดยตัวแทนทั้งสามของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา เรากำลังพูดถึงการปฏิวัติฝรั่งเศสอย่างแน่นอน

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจเกี่ยวกับวงดุริยางค์ซิมโฟนี

เราขอเชิญคุณทำความคุ้นเคยกับข้อเท็จจริงที่น่าสนใจและน่าสนใจที่เกี่ยวข้องกับวงดุริยางค์ซิมโฟนีซึ่งได้รวบรวมไว้ค่อนข้างมากในประวัติศาสตร์ที่มีอายุหลายศตวรรษ เราหวังว่าด้วยข้อมูลที่น่าสนใจดังกล่าว เราจะสามารถเซอร์ไพรส์ผู้ที่รักศิลปะบัลเล่ต์ได้ไม่เพียงแค่เท่านั้น แต่ยังค้นพบสิ่งใหม่ๆ แม้กระทั่งสำหรับมืออาชีพตัวจริงในสาขานี้

• การก่อตัวของวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตราเกิดขึ้นจากวงดนตรีเล็ก ๆ เป็นเวลาหลายศตวรรษและเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 16-17 เมื่อมีแนวดนตรีใหม่ปรากฏขึ้นและจำเป็นต้องมีการเปลี่ยนแปลงในทีมนักแสดง องค์ประกอบเล็ก ๆ ที่สมบูรณ์ถูกกำหนดในศตวรรษที่สิบแปดเท่านั้น
• จำนวนนักดนตรีสามารถเปลี่ยนแปลงได้ตั้งแต่ 50 ถึง 110 คน ขึ้นอยู่กับงานหรือสถานที่แสดง จำนวนนักแสดงที่ใหญ่ที่สุดที่เคยบันทึกไว้หมายถึงการแสดงในเมืองออสโลที่สนามกีฬา Üllevaal ในปี 1964 ซึ่งมีผู้เข้าร่วม 20,100 คน
• บางครั้ง คุณสามารถได้ยินชื่อของวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตราคู่ สามวง ได้มาจากจำนวนของเครื่องดนตรีลมที่แสดงอยู่ในนั้นและระบุขนาดของมัน
• เขามีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการพัฒนาวงออเคสตรา แอล. เบโธเฟน ดังนั้นในงานของเขาจึงได้มีการก่อตั้งวงดุริยางค์ซิมโฟนีออร์เคสตราคลาสสิกหรือขนาดเล็กขึ้นและในช่วงต่อมาได้มีการสรุปคุณสมบัติขององค์ประกอบขนาดใหญ่
• วงดุริยางค์ซิมโฟนีใช้การจัดที่นั่งแบบเยอรมันและอเมริกันสำหรับนักดนตรี ดังนั้นในรัสเซีย - อเมริกันจึงถูกใช้
• ในบรรดาวงออเคสตราทั้งหมดในโลก มีเพียงวงเดียวที่เลือกวาทยกรของตัวเอง และในกรณีนี้ วงออร์เคสตราจะทำได้ทุกเมื่อ นี่คือ Vienna Philharmonic
• มีกลุ่มที่ไม่มีตัวนำเลย เป็นครั้งแรกที่ Persimfans ในรัสเซียยอมรับแนวคิดดังกล่าวในปี 1922 นี่เป็นเพราะอุดมการณ์ของเวลาซึ่งให้ความสำคัญกับการทำงานเป็นทีม วงออร์เคสตราอื่นๆ ได้ทำตามตัวอย่างนี้ในเวลาต่อมา แม้แต่วันนี้ในปรากและออสเตรเลียก็มีวงออเคสตราที่ไม่มีผู้ควบคุมวง

• วงออเคสตราได้รับการปรับแต่งตามโอโบหรือส้อมเสียง ในทางกลับกัน เสียงจะสูงขึ้นและสูงขึ้นเมื่อเวลาผ่านไป ความจริงก็คือในตอนแรก ในประเทศต่างๆ มันฟังดูแตกต่างออกไป ในศตวรรษที่ 18 ในเยอรมนี เสียงเบากว่าภาษาอิตาลี แต่สูงกว่าภาษาฝรั่งเศส เชื่อกันว่ายิ่งตั้งค่าสูง เสียงก็จะยิ่งสดใส และทุกวงก็มุ่งมั่นเพื่อสิ่งนี้ นั่นคือเหตุผลที่พวกเขาปรับโทนเสียงจาก 380 Hz (Baroque) เป็น 442 Hz ในยุคของเรา ยิ่งกว่านั้น ตัวเลขนี้ได้กลายเป็นตัวเลขควบคุม แต่พวกมันยังสามารถจัดการได้สูงถึง 445 Hz เช่นเดียวกับที่ทำในเวียนนา
• จนถึงศตวรรษที่ 19 หน้าที่ของวาทยกรยังรวมไปถึงการเล่น ฮาร์ปซิคอร์ด หรือ ไวโอลิน . นอกจากนี้พวกเขาไม่มีกระบองของวาทยากร นักแต่งเพลงหรือนักดนตรีตีจังหวะด้วยความช่วยเหลือของเครื่องดนตรีหรือพยักหน้า
• Gramophone นิตยสารภาษาอังกฤษอันทรงเกียรติซึ่งได้รับการยอมรับว่าเป็นสิ่งพิมพ์ที่เชื่อถือได้ในสาขาดนตรีคลาสสิกได้ตีพิมพ์รายชื่อวงออเคสตราที่ดีที่สุดในโลก วงดนตรีของรัสเซียได้อันดับที่ 14, 15 และ 16 ในนั้น