เกี่ยวกับการสนับสนุนการร้องเพลง ศิลปะการร้อง

นักร้อง(จากคำภาษาละติน vox - "voice" และ vocalis - "sounding") - อาชีพทางดนตรีซึ่งมีบทบาทในกลุ่มดนตรีเกี่ยวข้องกับการแสดงส่วนเสียงต่างๆ

ตอนนี้ คำว่านักร้องเกือบจะตรงกับคำว่านักร้อง แต่ในเพลงป๊อปสมัยใหม่ มันถูกตีความค่อนข้างกว้างกว่า โดยเฉพาะอย่างยิ่ง บ่งบอกถึงความเป็นไปได้ของการท่อง การอ่าน ฯลฯ

นักร้องคือคนที่ร้องเพลง ผู้ขับร้องดนตรี: เพลง, โรมานซ์, อาเรียส, นักร้องประสานเสียง, ซิงเกิ้ล ฯลฯ นักดนตรีที่แสดงดนตรีด้วยเครื่องดนตรีซึ่งเป็นของเขา เสียงของตัวเอง. นักร้องเป็นนักร้องประเภทที่พบบ่อยที่สุด

นักร้องนำ - สมาชิกของวงดนตรีที่เล่นหลัก ส่วนเสียง.

นักร้องประสานเสียงเป็นสมาชิกของกลุ่มดนตรีที่แสดงส่วนเสียงร้องที่ประสานกันเพิ่มเติม (ชนิดของเสียงร้องสนับสนุน)

เสียงร้องเพลง

มีระบบต่างๆ ในการจำแนกเสียง (และนักร้องตามลำดับ) บางคนคำนึงถึงพลังเสียงนั่นคือนักร้องสามารถร้องเพลงได้ดังแค่ไหน อื่นๆ - ความคล่องตัว, อัจฉริยะ, ความแตกต่างของเสียงนักร้องเป็นอย่างไร ยังมีลักษณะอื่นๆ ที่ไม่ใช่ทางดนตรี เช่น ลักษณะที่ปรากฏ ความสามารถในการแสดง เป็นต้น

ส่วนใหญ่มักใช้การจำแนกประเภทที่คำนึงถึงช่วงของเสียงและเพศของนักร้อง แม้จะชี้นำโดยเกณฑ์สองข้อนี้เท่านั้น แต่ยังได้พันธุ์มากมาย:

เสียงผู้หญิง:

• โซปราโน - เสียงผู้หญิงสูง
• เมซโซโซปราโน - เสียงผู้หญิงกลาง
• contralto - เสียงผู้หญิงต่ำ เพลงประสานเสียงที่เรียกกันทั่วไปว่าเพียงแค่ alt)

เสียงผู้ชาย:

• อายุ - เสียงผู้ชายสูง
• บาริโทน - เสียงชายกลาง
• เบส - เสียงชายต่ำ

พันธุ์เสียงอื่น ๆ ได้แก่ coloratura soprano, อายุละคร,เบสบาริโทน,เบสลึก. มีแม้กระทั่งหมวดนักร้องชายที่ร้องเพลงในสนามด้วย เสียงผู้หญิง. เสียงประเภทนี้หายาก แต่ยังคงใช้มาจนถึงทุกวันนี้ โดยเฉพาะในโอเปร่า ในดนตรีบาโรก บทบาทมากมายถูกเขียนขึ้นสำหรับ Castrati นักร้องชายที่ได้รับการคัดเลือกตอนเป็นเด็กเพื่อป้องกันการกลายพันธุ์และเพื่อให้เสียงสูงเหมือนผู้หญิง ในการขับร้องสมัยใหม่ บทบาทเหล่านี้สามารถแสดงได้โดยนักร้องที่เป็นเจ้าของเทคนิคการร้องเพลงเสียงทุ้มที่พัฒนาขึ้น นักร้องประเภทนี้เรียกว่า countertenors (aka male alto)

เรียนร้องเพลงที่ไหนดี?

คำถามนี้ค่อนข้างทั่วไปอย่างไม่ต้องสงสัย ความจริงก็คือมีบางคนสนใจ เช่น ดนตรีแจ๊สด้นสด ในขณะที่คนอื่นๆ ค่อนข้างมั่นใจในคาราโอเกะ เป็นต้น

การจำแนกเสียงร้องตามลักษณะการแสดง

แกนนำวิชาการ (คลาสสิก, โอเปร่า)

แกนนำวิชาการ - โรงเรียนแกนนำคลาสสิกเก่า นักร้องวิชาการร้องเพลงโอเปร่าในคณะนักร้องประสานเสียงโบสถ์ วงดุริยางค์ซิมโฟนีเช่นเดียวกับในแนวเพลงแชมเบอร์โวคอล เสียงร้องวิชาการแตกต่างจากนักร้องป๊อป แจ๊ส และร็อคในตำแหน่งที่คลาสสิกอย่างเคร่งครัด เสียงวิชาการไม่เกี่ยวข้องกับการร้องเพลงใส่ไมโครโฟน ในการร้องเพลงเชิงวิชาการ มีกรอบการทำงานบางอย่างที่พัฒนาขึ้นโดยประสบการณ์และประวัติของดนตรีแกนนำ ข้อจำกัดเหล่านี้มักจะไม่อนุญาตให้นักร้องวิชาการใช้เสียงของเขาในที่อื่น ทิศทางเสียง. ด้วยประสบการณ์นักร้องวิชาการจะพัฒนาตำแหน่งเสียงร้องซึ่งต้องขอบคุณเสียงที่หนักแน่นและได้ปริมาณมาก อย่างไรก็ตาม ในบางกรณี นักวิชาการอาจดำเนินการในที่อื่นได้ไม่บ่อยนัก แนวเสียงถ้าสามารถทำให้เสียงง่ายขึ้น

ป็อปโวคอล

นักร้องป๊อป - การร้องเพลงป๊อปผสมผสานทิศทางของเพลงมากมายรวมเอาจานสีของศิลปะเสียงร้องทั้งหมด ประการแรกนักร้องป๊อปหมายถึงการร้องเพลงจากเวที แต่แนวคิดของนักร้องป๊อปมักเกี่ยวข้องกับดนตรีที่เบาและเข้าใจได้ ในการร้องป๊อป คุณสามารถได้ยินทั้งแรงจูงใจพื้นบ้านและองค์ประกอบของดนตรีแจ๊ส อีกทั้งยังเป็นเพลงของผู้แต่งและองค์ประกอบของดนตรีร็อคอีกด้วย เสียงร้องป๊อปแตกต่างจากเสียงร้องเชิงวิชาการในเสียงที่เปิดกว้างและเป็นธรรมชาติมากกว่า อย่างไรก็ตาม ทักษะการร้องเพลง ตำแหน่งที่ถูกต้อง และการสนับสนุนด้านเสียงก็มีความจำเป็นในการร้องเพลงป็อปเช่นเดียวกับในด้านวิชาการ

นักร้องแจ๊ส

เสียงร้องแจ๊ส - อย่างแรกเลย หมายถึงความรู้สึกในอุดมคติของจังหวะและความกลมกลืน เช่นเดียวกับความคล่องตัวของเสียงและความสามารถในการด้นสด ในการร้องเพลงแจ๊ส คุณต้องสัมผัสถึงรูปแบบของงาน เพื่อให้สามารถนำเสนอความเข้าใจในธีมไพเราะ ปรับเปลี่ยนได้ แต่ไม่ทิ้งความกลมกลืนที่จำเป็น การเป็นหุ้นส่วนที่ละเอียดอ่อนของนักดนตรีก็มีความสำคัญไม่แพ้กัน ความสามารถในการด้นสดได้ทุกที่ทุกเวลา

นักร้องร็อก

นักร้องร็อคมักจะร้องเพลงของนักร้องในวงร็อค เสียงร้องร็อคแตกต่างจากการร้องเพลงแจ๊สในการนำเสนออารมณ์มากขึ้น เสียงร้องร็อคบ่งบอกถึงความหมายมากกว่าเสียงร้อง อย่างไรก็ตาม นักร้องร็อคจำเป็นต้องมีการฝึกร้องอย่างจริงจัง นักร้องร็อคต้องมีความกล้าหาญและมีอิสระอย่างเต็มที่ในด้านอารมณ์และดนตรี

ร้องเพลงพื้นบ้านหรือร้องเพลงชาติพันธุ์

การร้องเพลงพื้นบ้าน การร้องเพลงชาติพันธุ์ สืบเนื่องมาจากคำว่าตัวเอง คือ การร้องเพลงที่มีมาตั้งแต่รูปร่างหน้าตาของมนุษย์และแตกต่างออกไป ลักษณะเด่นลักษณะของชนชาติหรือกลุ่มชาติพันธุ์เฉพาะ เสียงสะท้อน ประเพณีพื้นบ้านสามารถพบได้ทั้งในวัฒนธรรมดนตรีเชิงวิชาการ (คลาสสิก) และในวัฒนธรรมดนตรีป๊อป (ในเมือง) โดยทั่วไปแล้วการร้องเพลงพื้นบ้านมีลักษณะเป็นท้องฟ้าที่ราบเรียบร้องบนเส้นเอ็น

การร้องเพลงคอที่เรียกว่าเป็นการร้องเพลงพื้นบ้านซึ่งนักร้องในขณะที่ร้องเพลงนั้นไม่เพียงใช้เอ็นเท่านั้น แต่ใช้คอหอยเองซึ่งเป็นโพรงที่สะท้อนของปากกล่องเสียงเนื่องจากเสียงหวือหวา กลายเป็นที่ได้ยิน

ในเวลาเดียวกัน พื้นฐานของทุกสิ่งคือการผลิตเสียงร้องเชิงวิชาการอย่างแม่นยำ: มันให้อิสระในการควบคุมเสียง

ในเวลาเดียวกัน การเปลี่ยนจากประเภท "แจ๊สเป็นวิชาการ" อาจกลายเป็นการหยุดพักอย่างแท้จริงสำหรับนักร้อง ด้วยเหตุนี้จึงแนะนำให้ตัดสินใจทันทีว่าคุณต้องการเรียนรู้อะไร

สิ่งสำคัญคือต้องเข้าใจว่าเป็นไปไม่ได้ที่จะสอนการร้องเพลงแบบมืออาชีพใน 2-3 เดือน แม้แต่กับคนที่มีน้ำเสียงที่เป็นธรรมชาติและระดับเสียงที่สมบูรณ์แบบ

ในกรณีของเสียงร้องเชิงวิชาการ ปีแรกคุณจะต้องร้องเฉพาะแบบฝึกหัด การเปล่งเสียง (ร้องโดยไม่มีคำพูด - ใน "โอ้-โอ้-โอ้" หรือ "อา-อ่า-อ่า") และเพลงง่ายๆ

จากนั้นคุณสามารถค่อยๆ ไปสู่ความโรแมนติกและบทเพลงธรรมดาๆ ได้ ไม่ใช่ว่าศาสตร์แห่งการร้องเพลงขึ้นอยู่กับเทคนิคบางอย่างที่มีให้สำหรับชนชั้นสูง อันที่จริงคุณสามารถบอกวิธีร้องเพลงได้อย่างถูกต้องในครึ่งชั่วโมง อย่างอื่นเป็นเรื่องของการฝึกฝน

ในแง่นั้น การร้องเพลงก็เหมือนกีฬา ขึ้นอยู่กับความสามารถตามธรรมชาติ มันจะเร็วขึ้นเล็กน้อยหรือช้าลงเล็กน้อย แต่ไม่ว่าในกรณีใด จำเป็นต้องมีการฝึกฝนอย่างหนัก บทเรียนเสียงเป็นประวัติศาสตร์เป็นเวลาหลายปี

ที่พบมากที่สุดและมากที่สุด แบบฟอร์มที่ถูกต้องการฝึกเสียง - เซสชันส่วนบุคคลกับครู (ที่นี่เราไม่ได้สัมผัสกับโรงเรียนนักร้องประสานเสียง - นี่คือโลกที่แยกจากกัน)

การหาครูของคุณเองนั้นค่อนข้างยาก และแม้แต่คำแนะนำก็ไม่ได้รับประกันอะไรเลย: สิ่งสำคัญคือต้องเข้ากันได้อย่างเป็นมนุษย์อย่างแท้จริง เพราะคุณจะต้องใช้เวลาร่วมกันเป็นจำนวนมาก ลักษณะการสอนมีมากกว่าเสียงร้องที่หลากหลาย อาจกล่าวได้ว่าครูแต่ละคนมีลักษณะเฉพาะของตนเอง

มีโรงเรียนวิชาการเก่า มีอดีตโยก ฯลฯ. แน่นอน สิ่งหนึ่งที่ทำให้พวกเขาเป็นหนึ่งเดียวกัน: ไม่มีครูสอนร้องเพลงที่ไม่ร้องเพลง

ที่ผ่านมาและ/หรือ ความสำเร็จที่แท้จริงนักร้องบนเวทีไม่ได้รับประกันว่าเขาจะสอนคุณร้องเพลงได้ดี

คุณภาพการร้องเพลงของครูเองไม่ได้ส่งผลโดยตรงต่อคุณภาพการสอน - นอกจากนี้ หลักการ "ทำตามที่ฉันทำ" ไม่ได้ผลที่นี่เพราะอุปกรณ์เสียงพูดต่างกันสำหรับทุกคน (บางคนมีคอที่ยาวกว่าบางคน มีอันที่สั้นกว่า)

ร้องเพลงเป็น ART

ร้องเพลงอะไร? อะไรคือ "ศิลปะ" ของการร้องเพลง? ร้องเพลง แปลว่าอะไร?

ใน "พจนานุกรมภาษารัสเซีย" โดย S.I. Ozhegov มีการกล่าวไว้ว่า: ร้องเพลงดูการร้องเพลง

ร้องเพลง ... 1) ทำเสียงดนตรีด้วยเสียงของคุณ ร้องเพลง. ร้องเพลงที่โอเปร่า ร้องเพลงอายุ 2) ดำเนินการ ส่วนโอเปร่า. ร้องเพลงโอเนกิน 3) เกี่ยวกับนกขับขานและนกอื่นๆ: สร้างเสียง (เกี่ยวกับการคลิก ผิวปาก กรีดร้อง ฯลฯ) นกไนติงเกลร้องเพลง 4) สรรเสริญด้วยโองการร้องเพลง (ล้าสมัยและสูง) ฉันร้องเพลงบ้านเกิดของฉัน Sing Lazarus (ปากไม่ตรงกับใจ) - บ่นเรื่องโชคชะตา แสร้งทำเป็นไม่มีความสุข

มีเพียงสองจุดแรกของคำจำกัดความของพจนานุกรมเท่านั้นที่เหมาะสำหรับการกำหนดให้การร้องเพลงเป็นศิลปะ และ "ศิลปะ" ของการร้องเพลงมีให้สำหรับบุคคลเท่านั้น แม้ว่าจะมีความเชื่อกันว่านกร้องเพลง ไวโอลินร้องเพลง แม้แต่ประตูก็ร้องเพลง เสียงเหล่านี้ไม่สามารถจัดเป็น "ศิลปะ" ของการร้องเพลงได้ พวกเขาไม่ได้รวมองค์ประกอบพื้นฐานของดนตรีอย่างครบถ้วน: ท่วงทำนอง ความกลมกลืน จังหวะ และคำสุดท้าย แม้แต่นกขับขานที่มีชื่อเสียงที่สุด นั่นคือนกไนติงเกล ค่อนข้างจะ "คลิกและเป่านกหวีด" (ดังที่กล่าวไว้ในนิทานของ Krylov) มากกว่าร้องเพลง นกพิราบร้อง นกกระจอกร้องเจี๊ยก ๆ อีกาบ่น ไก่กา (แม้ว่าบางครั้งเสียงร้องของพวกมันจะเรียกว่าร้องเพลง)

เครื่องดนตรี "ร้องเพลง" ต่างๆ ก็มีสีเฉพาะของตัวเองเช่นกัน เสียงของไวโอลินช่างน่าเศร้า โอโบ - เศร้า คลาริเน็ต - สดใสและร่าเริง ขลุ่ย - เบาและร่าเริง ฯลฯ แต่ทั้งหมดนั้นไร้คำพูด การร้องเพลงของมนุษย์เท่านั้นจึงจะสมบูรณ์ มันสามารถแสดงองค์ประกอบทั้งหมดของดนตรี: ไพเราะ, จังหวะและวรรณยุกต์ (หลักและรอง). เสียงของบุคคลสามารถแสดงความสุขและความเศร้าโศกความเศร้าและความเบิกบานใจได้ คำช่วยเผยความหมายของการแสดงทำให้การร้องเพลงมีความหมาย การระบายสีตามอารมณ์ของคำทำให้การร้องเพลงมีชีวิตชีวา แต่ในขณะเดียวกันคำว่าทำให้นักร้องไม่สะดวกทางเทคนิค

วิทยาศาสตร์บอกเราว่ากล่องเสียงของนักร้องต้องรักษาเสถียรภาพ ในกระบวนการร้องเพลงด้วยคำ เมื่อออกเสียงสระและพยัญชนะ กล่องเสียงจะถูกแทนที่ สิ่งนี้ส่งผลเสียต่อความต่อเนื่องของเสียงของเสียง

K. S. Stanislavsky ใน Opera Studio ที่เขากำกับ บอกกับนักร้องว่าศิลปะเริ่มต้นเมื่อความต่อเนื่องปรากฏขึ้น องค์ประกอบของ "ความต่อเนื่อง" ส่วนใหญ่จะกำหนดคุณค่าทางศิลปะของ cantilena

นอกจากอุปสรรคที่เกิดจากการเปลี่ยนเสียงสระและพยัญชนะแล้ว นักร้องยังต้องพบกับอุปสรรคที่ยากขึ้นอีก - อุปสรรค - ช่วงเวลาทางดนตรี ทุกท่วงทำนองเป็นลำดับของช่วงเวลา การเคลื่อนไหวของเสียงในช่วงเวลาขึ้นและลงทำให้กล่องเสียงเคลื่อนจากตำแหน่งที่มั่นคง เมื่อเรียนรู้ที่จะเอาชนะอุปสรรคเหล่านี้นักร้องจึงบรรลุ "สมการ" ของเสียงเพื่อให้ได้ "ความต่อเนื่อง" ของเสียง2 หากเราใช้คำจำกัดความของบุคลิกภาพของมนุษย์ที่สามารถผสมผสานความยิ่งใหญ่และความไม่สำคัญของคุณสมบัติทางจิตวิญญาณ (“ ฉันเป็นราชา ฉันเป็นทาส ฉันเป็นหนอน ฉันเป็นพระเจ้า”) ที่สร้างโดย G. R. Derzhavin ในหนึ่งในนั้น และใช้มาตรการนี้ในการร้องเพลง จากนั้นเราสามารถพูดได้ว่านักร้องยังมีความสามารถในการแสดงออกเชิงสร้างสรรค์ของเขาในวงกว้าง เขาเป็น "ทาส" ของเครื่องดนตรีหากคอของเขาไม่ถูกต้อง แต่ถ้าเครื่องดนตรีตรงตาม "ต้องการ" ที่สร้างสรรค์สูงของเขา (Stanislavsky) เขาจะกลายเป็นทั้ง "ราชา" และ "พระเจ้า" จริงอยู่จนถึงทุกวันนี้เรารู้จักนักร้องคนเดียวในโลกที่เมื่อเขาร้องเพลงกลายเป็นทั้ง "ราชา" และ "พระเจ้า" เขามีเครื่องดนตรีเสียงที่สมบูรณ์แบบและมีศิลปะที่ไม่มีใครเทียบได้ มันคือชเลียพิน เขาเป็นคนที่ยอดเยี่ยม A.V. Nezhdanova กล่าวว่าเรามีมาก เสียงดีแต่ใครร้องไม่ได้ ความสามารถในการร้องเพลงโดยไม่ต้องฝึกหัดเป็นปรากฏการณ์ที่หายากมาก M.I. Glinka เขียนว่า: "นักร้องทุกคนมีความไม่สมบูรณ์โดยธรรมชาติและต้องการการเรียนรู้ ซึ่งมีจุดประสงค์เพื่อแก้ไขข้อบกพร่องและปรับปรุงเสียง"

ร้องเพลงอะไรดี? เสียงร้องควรเป็นอิสระ เต็มเสียง และดังก้อง นักร้องสามารถร้องได้ดังและเบา หนักแน่น และเบา เขามีช่วงเต็มของเสียงกลาง เสียงสูง และต่ำเพื่อให้เข้ากับธรรมชาติของเสียงของเขา การร้องเพลงของเขามีความหมายและมีชีวิตชีวา เพื่อพัฒนาความสามารถในการสร้างสรรค์และกลายเป็นศิลปิน คุณต้องศึกษามรดกของ Stanislavsky ผู้ยิ่งใหญ่ ความคุ้นเคยของนักร้องกับผลงานของ K. S. Stanislavsky ในด้านนี้สามารถช่วยพวกเขาได้ไม่เพียง แต่ในการฝึกซ้อมบนเวทีเท่านั้น แต่ยังอยู่ในขั้นตอนของการแสดงละครด้วยการแนะนำองค์ประกอบที่ให้ชีวิตแห่งจินตนาการที่สร้างสรรค์เข้ามา

ในที่สุด เราก็มีงานเชิงทฤษฎีของนักวิทยาศาสตร์ ศาสตราจารย์ L. B. Dmitriev นักกล่องเสียงและนักร้อง ได้มีประสบการณ์ในการสังเกตกล่องเสียงในกระบวนการออกเสียงโดยใช้รังสีเอกซ์ เมื่อมองผ่านลำคอของนักร้อง เขาพูดง่ายๆ ว่าเห็นสิ่งที่เกิดขึ้นในลำคอของนักร้องที่ดีและไม่ดี

ทฤษฎีที่พัฒนาโดยนักฟิสิกส์และนักสัทศาสตร์เป็นกุญแจสำคัญในการฝึกฝนหลักการของศิลปะเสียงร้องในทางปฏิบัติ

มีวรรณกรรมขนาดใหญ่เกี่ยวกับคำถามเกี่ยวกับทฤษฎีการร้องเพลง แต่มีผลเพียงเล็กน้อยต่อการฝึกฝนการร้อง: ชีวิตการร้องเพลงดำเนินไปโดยอิสระจากมันแทบจะในวิถีของมันเอง

การฝึกร้องเพลงส่วนใหญ่ใช้การถ่ายทอดประสบการณ์ของครูผู้ชำนาญการด้านเสียงร้องเป็นหลัก วิธีการทำงานทั่วไปเกี่ยวกับการศึกษาของนักร้องและเสียงของเขาซึ่งคล้ายกับวิธีการทำงานกับนักแสดง K. S. Stanislavsky ยังไม่ได้ถูกสร้างขึ้นโดยการฝึกร้องหรือโดยทฤษฎีการสอน แทบจะเป็นไปไม่ได้เลยที่จะเรียกร้องความเข้าใจเชิงทฤษฎีอย่างลึกซึ้งจากผู้เชี่ยวชาญด้านการร้องเพลงของพวกเขา กิจกรรมภาคปฏิบัติ. รู้แต่ในประวัติศาสตร์ ศิลปินหายากเช่น K. S. Stanislavsky, F. I. Chaliapin และคนอื่น ๆ ที่สร้างและวิเคราะห์งานของพวกเขาพร้อมกัน ทั้งนักเขียน นักดนตรี หรือจิตรกร หรือนักร้อง ไม่จำเป็นต้องมีพรสวรรค์และประสบการณ์มากมายในการสร้างทฤษฎี นั่นคือ ความเข้าใจเชิงทฤษฎีเกี่ยวกับการปฏิบัติการแสดงของตนเอง

ในสถานการณ์ปัจจุบัน มักได้ยินเสียงเกี่ยวกับความเหมาะสมของการพัฒนา "วิธีการเดียว" สำหรับการสอนนักร้อง

อย่างไรก็ตาม การสร้างวิธีการดังกล่าวต้องใช้การทำงานร่วมกันอย่างดีเยี่ยมของนักร้อง เฉพาะเมื่อครูสอนร้องเพลงได้ข้อสรุปที่เป็นหนึ่งเดียวโดยอาศัยข้อมูลทางวิทยาศาสตร์ที่ผ่านการตรวจสอบอย่างละเอียดเกี่ยวกับการทำงานของอุปกรณ์เสียงในระหว่างการร้องเพลง "วิธีเดียว" จะได้รับการพัฒนาและนำเข้าสู่การฝึกร้อง

วิธีการสอนร้องเพลงที่ใช้ได้จริงที่เป็นประโยชน์และเป็นที่ยอมรับเท่าเทียมกันนั้นสามารถสร้างขึ้นได้ก็ต่อจากประสบการณ์ทั่วไปที่ลึกซึ้งและครอบคลุมของทั้งประสบการณ์ของครูสอนร้องเพลงที่ดีที่สุดและการฝึกฝนของนักร้องที่โดดเด่น ลักษณะทั่วไปดังกล่าวควรอยู่บนพื้นฐานของข้อมูลทางวิทยาศาสตร์ ในปัจจุบัน ทั้งวิทยาศาสตร์และการมีอยู่ของหูดนตรีและเสียงร้องที่พัฒนาขึ้นอย่างสมบูรณ์ในหมู่ครูของเรา ไม่สามารถช่วยนักเรียนให้สร้างเหตุผลที่เป็นรูปธรรมสำหรับเสียงที่ดีหรือไม่ดีได้ นอกจากนี้ ความรู้สึกส่วนตัวของครูและนักเรียนมักจะไม่ตรงกัน เป็นการยากที่จะถ่ายทอดความรู้สึกที่เกิดขึ้นระหว่างการสร้างเสียงด้วยคำพูด และสภาพของศัพท์เฉพาะทางเสียงสมัยใหม่นั้นบางครั้งอาจทำให้นักเรียนสับสนแทนที่จะช่วยเขา ในการอธิบายความรู้สึกของเขา เมื่อแสดงเสียงที่เหมาะสม ครูจะพยายามทำให้เกิดความรู้สึกคล้ายคลึงกันในตัวนักเรียน แต่การแสดงเสียงที่ต้องการนั้น อาจารย์มักจะเชื่อมั่นว่าเสียงนี้เกิดในตัวเขา อันเป็นผลจากความรู้สึกเหล่านั้นอย่างแม่นยำ เทคนิคเกี่ยวกับสิ่งที่เขาบอกนักเรียน อันที่จริง ความรู้สึกนั้นหลอกลวงและเป็นรายบุคคลอย่างมาก และนักเรียนอาจแตกต่างกัน

ในกระบวนการถ่ายทอดเทคนิคและความรู้สึกของเขาครูมักจะใช้คำอธิบายด้วยวาจา คำอธิบายเหล่านี้ในสาระสำคัญมักเป็นเพียงการแสดงออกเชิงเปรียบเทียบที่แสดงถึงความรู้สึกที่มาพร้อมกับเสียงที่ไพเราะของเสียงร้องเพลงหรือคุณสมบัติที่แตกต่างกันของเสียงนี้ ในทางกลับกัน นักเรียนต้อง "แปล" การแสดงออกที่เป็นรูปเป็นร่างเหล่านี้เป็นความรู้สึกของกล้ามเนื้อและการแสดงเสียงของเขาเอง ไม่ใช่เรื่องที่นักเรียนจะประสบความสำเร็จในการ "แปล" นี้เสมอไป

ปฏิเสธไม่ได้ว่าวิธีการสอนร้องเพลงตามแนวคิดที่ไม่ถูกต้องทั้งหมดเกี่ยวกับการทำงานของอุปกรณ์เสียงร้องในระหว่างการร้องเพลงนั้นบางครั้งยังคงให้ผลลัพธ์ที่ดีเนื่องจากประสบการณ์จริงของครูผู้สอน อย่างไรก็ตาม เปอร์เซ็นต์ของพวกเขาต่ำมาก

เห็นได้ชัดว่าความสำเร็จของวิธีการดังกล่าวยังอธิบายได้ด้วยความสามารถของนักร้องบางคนในการคัดลอกเทคนิคการใช้กล้ามเนื้อที่ถูกต้องซึ่งครูของพวกเขาใช้ หรือเพื่อให้เข้าใจถึงอุดมคติของเสียงที่ไพเราะซึ่งพัฒนาขึ้นในจินตนาการของพวกเขาเองโดยสัญชาตญาณ โดยการคัดลอกเสียงที่ดีของเสียงของครู แม้ว่ากระบวนการร้องเพลงจะถูกแปลผิด บางครั้งนักร้องก็พัฒนาทักษะด้านกล้ามเนื้อซึ่งให้เสียงที่สอดคล้องกับอุดมคติของเสียงร้องของเขา

แต่ถ้าการคัดลอกเสียงร้องที่ไพเราะและเทคนิคการร้องแบบต่างๆ อาจเป็นพื้นฐานที่ใช้งานได้จริงสำหรับการผลิตเสียง การฝึกร้องเพลงจะไม่ให้ปริมาณ "การแต่งงาน" ของเสียงที่สังเกตได้ มีนักเรียนจำนวนหนึ่งที่สามารถเลียนแบบได้ และวิธีนี้สามารถช่วยพวกเขาได้มาก แต่มีนักร้องประเภทอื่นที่ไม่เชี่ยวชาญวิธีการทำงานนี้ดีไม่มีความสามารถในการปรับตัวให้เข้ากับรูปแบบเสียงของคนอื่นได้ง่าย ในที่สุดก็มีนักร้องที่พยายามศึกษาและทำความเข้าใจกลไกเสียงร้องอย่างลึกซึ้ง ปรารถนาที่จะเป็นครูในที่สุด พวกเขาต้องการเข้าใจและซึมซับแก่นแท้ กลไกการสร้างเสียงร้องที่ถูกต้อง ดังนั้นจึงควรพิจารณาว่าวิธีที่ดีที่สุด น่าเชื่อถือที่สุด และเข้าใจได้โดยทั่วไป จะต้องอาศัยความเข้าใจอย่างมีสติและถูกต้องของกลไกการสร้างเสียงร้อง

ก่อนที่จะดำเนินการสร้าง "วิธีการเดียว" ในการสอนร้องเพลง จำเป็นต้องให้นักร้องและครูทุกคนเข้าใจการฝึกฝนของพวกเขาจากมุมมองของแนวคิดที่ถูกต้องเกี่ยวกับการทำงานของอุปกรณ์เสียงร้องในระหว่างการร้องเพลง จากข้อมูลเหล่านี้ เป็นไปได้ที่จะรับรองสากลถึงหลักการที่เป็นเอกภาพของการสร้างเสียงร้องที่แท้จริง และเป็นไปได้ที่จะพัฒนารากฐานที่ทันสมัยของศิลปะการร้องเพลง ดังนั้นจะมีการสร้างคำศัพท์เกี่ยวกับเสียงที่ถูกต้องตลอดทาง

นักดนตรีที่เล่นไวโอลิน ฟลุต เปียโน ต่างก็มีเครื่องดนตรีสำเร็จรูป (ไม่ได้ออกแบบโดยเขา) สำหรับการแสดง

L. B. Dmitriev นักวิจัยด้านแกนนำชาวรัสเซียผู้น่าทึ่งกล่าวว่า “การหาตำแหน่งกล่องเสียงที่สะดวกที่สุด (เหมาะสมที่สุด) ของนักร้องเป็นสิ่งสำคัญในทางปฏิบัติ เพื่อดำเนินการเรียนเพิ่มเติมเพื่อไม่ให้ออกจากตำแหน่งนี้ในทุกเสียงสระและในทุกช่วง ”

นักร้องสร้างเสียงจากลำคอของเขาเองโดยใช้กล้ามเนื้อและเส้นประสาทของเขาเอง ในกระบวนการของการออกเสียง นักร้องเองก็กลายเป็น "เครื่องดนตรี" เขาต้องเข้าใจและสัมผัสถึงความหมายและการใช้กล้ามเนื้อที่ซับซ้อนซึ่งเขาใช้ในกระบวนการร้องเพลง ดังนั้นคำแนะนำของนักร้องเพลงสมัครเล่นจึงเป็นอันตรายอย่างยิ่ง เช่น "ร้องเพลงโดยไม่มีเคมี" น่าเสียดายที่นักร้องต้องเชี่ยวชาญ "เคมี" มากก่อนจึงจะเรียนร้องเพลงได้ จริงอยู่ มีบางตัวอย่างเมื่อนักร้องเชี่ยวชาญศิลปะการร้องเพลงอย่างเป็นธรรมชาติโดยไม่ต้องเรียนรู้ แต่ตัวอย่างเหล่านี้แยกออกจากกัน ในขณะที่ผู้คนนับแสนที่มีความสามารถด้านเสียงร้องตามธรรมชาติสามารถเรียนรู้การร้องเพลงได้

การตั้งค่าเสียง นั่นคือ การปรับตัวและการพัฒนาสำหรับการร้องเพลงระดับมืออาชีพ เป็นกระบวนการของการศึกษาทักษะการได้ยินและกล้ามเนื้อของนักร้องพร้อมกันและเชื่อมโยงถึงกัน นี่คือการพัฒนานิสัยการร้องเพลงที่ดีและถูกต้อง

กล้ามเนื้อหลายกลุ่มมีส่วนในการสร้างเสียงร้อง โดยเฉพาะ ทางเดินหายใจ ข้อต่อ กล่องเสียง และอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง ในกระบวนการฝึกฝนความเชี่ยวชาญพิเศษใดๆ ที่เกี่ยวข้องกับการทำงานของกล้ามเนื้อ รวมถึงการร้องเพลง การทำงานของกล้ามเนื้อจะถูกสร้างขึ้นใหม่ ขัดเกลา ขัดเกลาไปในทิศทางที่ถูกต้องภายใต้อิทธิพลของการฝึก ตามที่นักสรีรวิทยากล่าวว่าการทำงานของกล้ามเนื้อมีความแตกต่างกันอย่างมาก กล่าวคือ ผ่าและสั่งการ การเชื่อมต่อที่จำเป็นนั้นถูกสร้างขึ้น พัฒนา การตอบสนองถูกยับยั้ง การเคลื่อนไหวที่ไม่จำเป็นและความตึงเครียดหายไป ทักษะการร้องที่คงอยู่เกิดขึ้น ซึ่งเป็นผลมาจากการที่เสียงจะฟังดูกระฉับกระเฉง ชัดเจน และเป็นอิสระ

นักร้องที่ทำงานด้านการเปล่งเสียงจะต้องให้ความสนใจอย่างมากกับความรู้สึกกล้ามเนื้อของเขา และรู้ว่าควรมุ่งความสนใจไปที่กลุ่มกล้ามเนื้อใดตั้งแต่แรก มันควรจะมุ่งไปที่ความรู้สึกของกล้ามเนื้อที่มาจากแหล่งกำเนิดเสียงในขณะที่มันเริ่มต้น นั่นคือ การโจมตีและการประกบของมัน มาจากพวกเขาเองที่เสียงของเสียงขึ้นอยู่กับซึ่งจะต้องควบคุมอย่างต่อเนื่องโดยการได้ยินของนักร้องและครู กระจายความสนใจไปที่การทำงานของกล้ามเนื้อส่วนอื่นๆ เช่น ไปที่ไดอะแฟรม ไปที่ "การหายใจเข้า" อย่างใดอย่างหนึ่งหรืออย่างอื่น หรือความรู้สึกของเสียงสะท้อนในส่วนใดส่วนหนึ่งของอุปกรณ์เสียง (ฟัน เพดานปาก "หน้ากาก" เป็นต้น) นักร้องตกอยู่ในเครือข่ายการแสดงเสียงร้องมาตรฐานที่มีมายาวนานซึ่งมีความสำคัญรองในทันที ในการแสดงเหล่านี้ นักร้องส่วนใหญ่จะสับสน

ประการแรกจำเป็นต้องระบุเหตุผลของการเกิดเสียงอย่างชัดเจนและลองจินตนาการว่าเหตุใดจึงเป็นไปไม่ได้ที่จะ "ส่ง", "โดยตรง", "เข้าใกล้", "ลบ", "สถานที่", "โรงงาน" ” หรือ “สนับสนุน” เสียงได้ทุกที่ คำจำกัดความทั้งหมดของฟังก์ชันเสียงเหล่านี้เป็นเพียงอุปมาอุปมัยข้อกำหนดที่ใช้กับคุณภาพของเสียงหรือความรู้สึกภายในของนักร้องที่เกิดขึ้นเมื่อร้องเพลง พวกเขาไม่ได้กำหนดการทำงานของอุปกรณ์เสียงซึ่งจำเป็นสำหรับการปฏิบัติตามข้อกำหนดเหล่านี้เพื่อให้เกิดความรู้สึกเหล่านี้

เสียงมาจากการสั่นสะเทือน สายเสียงต่อต้านแรงกดดันของการหายใจออก ไม่สามารถ "ลบ" ออกจากที่ของมันได้ (คุณสามารถนำนักร้องเข้าใกล้ผู้ชมได้อย่างแน่นอน แต่สิ่งนี้ไม่สามารถปรับปรุงคุณภาพเสียงได้) "ความใกล้เคียง" หรือ "ช่วง" ของเสียงนั้นขึ้นอยู่กับการจัดวางของเสียง โดยขึ้นอยู่กับเอฟเฟกต์เสียงที่ดีที่สุดที่สร้างขึ้นด้วยความช่วยเหลือของเสียงที่เปล่งออกมาของนักร้อง

ดังนั้นด้วยความช่วยเหลือของการเคลื่อนไหวของรากของลิ้นที่เชื่อมต่อกันด้วยกระดูกไฮออยด์กับกล่องเสียงจึงเป็นไปได้ที่จะเพิ่มหรือหยุดการเปลี่ยนแปลงของกล่องเสียงขึ้นและลงในกระบวนการ "เอาชนะ" ช่วงเวลาดนตรี (เริ่มต้น จากเสี้ยววินาที เป็นต้น) กล่องเสียงยังเปลี่ยนจากการเปลี่ยนแปลงของสระ ตำแหน่งจะสูงกว่าสระ i และ e มากกว่าสระ a, o, u งานวิจัยยอดเยี่ยม (โดยใช้เอ็กซ์เรย์) ศ. L. B. Dmitrieva แสดงให้เห็นว่าในนักร้องมืออาชีพที่ดีกล่องเสียงจะได้รับตำแหน่งที่สงบและมั่นคงโดยขยับในแนวตั้งเพียงเล็กน้อยเท่านั้น ยิ่งนักร้องที่มีประสบการณ์น้อยเท่าไหร่ ประสบการณ์กล่องเสียงของเขาก็จะยิ่งเปลี่ยนแปลงและช็อกมากขึ้นเท่านั้นในกระบวนการเอาชนะช่วงเวลาและสระ ข้อต่อที่คล่องแคล่ว รวดเร็ว และคลาสสิก (นั่นคือการปรับโครงสร้างรากของลิ้น รูปทรงของคอหอย คอหอย และเพดานอ่อน) ช่วยให้นักร้องรักษากล่องเสียงไม่ให้ขยับ เราต้องเสริมด้วยว่า นักร้องจำเป็นต้องพัฒนาอิสระของกราม ลิ้น และริมฝีปากเพื่อให้พูดตามจังหวะได้ง่ายและคล่องแคล่วตามช่วงเวลานี้ “นักร้องที่คิดว่าจะร้องเพลงด้วยปากหนีบนั้นไม่ดี” การูโซกล่าว นักร้องที่อยากร้องโดยถูกบีบลิ้นก็แย่เหมือนกัน ในการออกเสียงคำ ภาษาจะต้องเป็นอิสระและพร้อมสำหรับการเปล่งเสียงเสมอ นั่นคือ การปรับโครงสร้างสระและพยัญชนะ

กล้ามเนื้อจำนวนมากที่เกี่ยวข้องกับการก่อตัวของเสียงร้องเพลงสามารถแบ่งออกเป็นสามส่วนตามเงื่อนไขตามหน้าที่:

1. กล้ามเนื้อของร่างกายโดยส่วนใหญ่จ่ายอากาศไปยังเอ็นและในเวลาเดียวกันตำแหน่งที่ถูกต้องของกล่องเสียง

2. กล้ามเนื้อของกล่องเสียงเองซึ่งเกี่ยวข้องโดยตรงกับการเกิดการสั่นสะเทือนเช่นเดียวกับกล้ามเนื้อของคอซึ่งติดอยู่กับกล่องเสียงและรับผิดชอบการติดตั้งโดยรวม

3. กล้ามเนื้อของอุปกรณ์ข้อต่อซึ่งมีหน้าที่หลักคือเปลี่ยนเสียงที่เกิดขึ้นในกล่องเสียงให้เป็นคำพูดที่ชัดเจน

ทุกแผนกของระบบกล้ามเนื้อในกระบวนการร้องเพลงต้องทำงานประสานกันเพื่อให้งานที่ได้รับมอบหมายแต่ละส่วนทำได้อย่างอิสระโดยไม่รบกวนการทำงานของผู้อื่น

ในกระบวนการสร้างเสียง สายเสียงของนักร้องจะถูกยืด ตึง และเมื่อรวมกับระบบกล้ามเนื้อทั้งหมดของกล่องเสียง ในลักษณะที่เป็นระเบียบจะต่อต้านแรงกดดันจากการหายใจออก แรงตึง แรงตึง และการปิดเอ็นที่ยืดหยุ่นในกระบวนการสั่นสะเทือนทำให้เสียงมีความแข็งแรง "เมทัลลิก" และ "รองรับ" ได้ดี ในกระบวนการของการออกเสียง สองพลัง - การหายใจออกและความตึงเครียดของเอ็น - ต้องต่อต้านซึ่งกันและกันโดยไม่เอาชนะหรือเอาชนะซึ่งกันและกัน พลังงานของเสียงถูกกำหนดโดยหลักปฏิสัมพันธ์ที่ถูกต้องของเอ็นและการหายใจ เสียงร้องเริ่มตั้งแต่ตอนที่เสียงโจมตีเท่านั้น นั่นคือจากช่วงเวลาที่สายเสียงปิด จากจุดเริ่มต้นของเสียงไปจนถึงจุดสิ้นสุดของวลีเสียง ลมหายใจของนักร้องถูกใช้ไปโดยเปลี่ยนให้เป็นเสียง ยิ่งมีการจัดระเบียบการเปลี่ยนแปลงของลมหายใจเป็นเสียงให้สมบูรณ์มากขึ้นเท่าใด นักร้องก็จะยิ่งบริโภคอากาศมากขึ้นเท่านั้น และยิ่งเสียงสะอาดขึ้น "โลหะ" มากขึ้นเท่านั้น นักร้องที่ดีมีลมหายใจเพียงพอสำหรับวลียาว ๆ นักร้องที่ไม่ดีมีไม่เพียงพอแม้แต่ครึ่งเดียว นี้ไม่ได้เกิดจากการกระจายตัวของลมหายใจที่ไม่ดี ( กล้ามเนื้อทางเดินหายใจ) และไม่ได้มาจากอากาศที่เข้าสู่ปอดของนักร้องไม่เพียงพอ - การหายใจรั่วเป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้หากเอ็นของนักร้องปิดอย่างไม่ถูกต้อง

การหายใจถูกควบคุมโดยความตึงเครียดในการทำงานที่ถูกต้องของเอ็น ในการค้นหาความตึงเครียดในการทำงานของเอ็น การปิดที่ถูกต้อง บทบาทหลักคือการโจมตี ในการโจมตี (จุดเริ่มต้นของเสียง) ทั้งการหายใจและการปิดเอ็นและการทำงานของมันในขณะที่มีการโจมตีช่วยให้ควบคุมกล้ามเนื้อได้ดี นักร้องที่ได้รับการฝึกฝนแต่ละคนสามารถโจมตีเสียงอย่างกระฉับกระเฉง เบา ๆ หรือด้วยลมหายใจ และด้วยเหตุนี้ ทำให้เกิดความตึงเครียดในการทำงานอย่างใดอย่างหนึ่งของเอ็น การโจมตีนั้นรู้สึกดีมันส่งผลโดยตรงต่อธรรมชาติของการปิดเอ็นและในเวลาเดียวกันกับการหายใจ นั่นคือเหตุผลที่ควรดึงดูดความสนใจของนักร้องก่อน

เนื่องจากอัตราการไหลของการหายใจถูกควบคุมโดยลักษณะนี้หรือลักษณะนั้นของการทำงานของสายเสียง การหายใจที่ฝึกแยกจากการผลิตเสียงจึงยังไม่นำไปสู่การหายใจออกเป็นเวลานานในการร้องเพลง นอกจากนี้ การหายใจออกซึ่งฝึกแยกจากเสียงอาจส่งผลเสียต่อการทำงานของอุปกรณ์เสียง หากส่งลมหายใจที่แรงไปยังสายเสียงที่ได้รับการฝึกฝนมาอย่างอ่อน นักร้องจะต้องออกแรงมากเกินไปเพื่อรับมือกับแรงลมขนาดใหญ่ ดังนั้นการบังคับอาจเกิดขึ้นซึ่งไม่เป็นที่พอใจสำหรับผู้ฟังและทำลายเสียงของนักร้อง

ในการร้องเพลง คุณไม่เพียงต้องหายใจออกอย่างราบรื่นเท่านั้น แต่ยังต้องค้นหาปฏิสัมพันธ์ที่เหมาะสมระหว่างเอ็นและการหายใจด้วย เช่นเดียวกับเรือใบที่สูญเสียการควบคุมด้วยลมแรง ดังนั้นกล่องเสียงที่มีเส้นเอ็นอาจสูญเสียความมั่นคงด้วยแรงดันลมหายใจที่แรง เสียงของนักร้องภายใต้สถานการณ์ที่คล้ายคลึงกันอาจทำให้สูญเสียความมั่นคงและ "แตก" ... เสริมสร้างการทำงานของเอ็นโดยค่อยๆฝึกฝนและรักษาตำแหน่งที่มั่นคงของกล่องเสียงและ ความดันคงที่เอ็นนักร้องจึงฝึกการหายใจพร้อมกัน เป็นไปไม่ได้ที่จะทำลายการเชื่อมต่อระหว่างการหายใจและการสร้างเสียงโดยการฝึกการหายใจแยกจากเสียง

ปัจจัยทั้งสองนี้ (การทำงานของกล่องเสียงและการหายใจ) มีความจำเป็นเท่าเทียมกันในการสร้างเสียงและโต้ตอบระหว่างการโจมตี ความรู้สึกใดสำคัญกว่าที่นักร้องจะต้องให้ความสนใจ? ที่นี่ทางเลือกไม่ต้องสงสัยตกอยู่กับความรู้สึกของกล่องเสียง

ในเรื่องนี้ต้องพูดถึงความกลัวของนักร้องที่จะมุ่งความสนใจไปที่ความรู้สึกในลำคอ (หลายคนเชื่อว่าสิ่งนี้นำไปสู่เสียง "เจ็บคอ")

เสียงคอหอยเป็นผลมาจากการทำงานที่ไม่ถูกต้องของกล่องเสียงเมื่อยังไม่พ้นจากความตึงเครียดที่ "เป็นมิตร"

ดังที่ได้กล่าวไว้ข้างต้น กระบวนการสร้างเสียงของนักร้องที่ไม่มีประสบการณ์นั้นมีลักษณะเฉพาะจากข้อเท็จจริงที่ว่าการทำงานของกล้ามเนื้อในกระบวนการนี้ไม่แตกต่างกันเพียงพอ ความตึงของเอ็นมักจะทำให้เกิดความตึงเครียดของกล้ามเนื้อ คอหอย คอหอย ลิ้น ขากรรไกรล่าง ริมฝีปาก ยิ่งนักร้องมากประสบการณ์น้อยเท่าไร ก็ยิ่งแสดง "เครือจักรภพ" ได้ชัดเจนขึ้น มักจะจับใบหน้า คอ ลำตัว และบางครั้งแขนและขาของนักร้อง ในกระบวนการออกกำลังกายภายใต้การควบคุมการได้ยิน นักร้องจะค่อยๆ หลุดพ้นจากความเครียดที่ไม่จำเป็น ได้รับทักษะที่จำเป็น การประสานงานที่ถูกต้อง

เช่นเดียวกับในกระบวนการพัฒนานักเปียโน มือของเขาสามารถเคลื่อนไหวได้เร็วขึ้น แม่นยำยิ่งขึ้น และละเอียดอ่อนมากขึ้น ดังนั้นในการพัฒนานักร้อง กระบวนการที่คล้ายกันของการพัฒนาการประสานงานที่ดีแม่นยำในการทำงานของอุปกรณ์เสียงร้องจึงควรใช้ สถานที่.

หากนักเปียโนเล่นโดยไม่มีระดับความอิสระของกล้ามเนื้อที่เหมาะสม ด้วยมือที่ตึงเกินไป เสียงของเปียโนก็จะกลายเป็น "แข็ง" อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ หากนักร้องร้องเพลงด้วยกล่องเสียง "หนีบ" นั่นคือด้วยการประสานงานของกล้ามเนื้อไม่ถูกต้องเสียงของเขาก็กลายเป็น "แข็ง", "คอ" โดยปกติเสียงดังกล่าวจะได้รับการประเมินในเชิงลบและหมายถึงการร้องเพลงด้วย "ลำคอ" (แม้ว่าในธรรมชาติของมนุษย์จะไม่มีทางร้องเพลงอื่นได้ ยกเว้นการร้องเพลงในลำคอ)

อย่างไรก็ตาม การร้องเพลงฟรีไม่เคยทำให้เกิดคำจำกัดความดังกล่าวในตัวผู้ฟัง หากเสียงนั้นฟังดูเต็มและเป็นอิสระ บทบาทของกลไกที่สร้างเสียงนั้นก็ถูกปิดบังและจะไม่รับรู้ด้วยหูอีกต่อไป คุณภาพสูงเสียง (ไม่ว่าจะเป็นไวโอลิน เปียโน หรือเสียง) ทำลายเสียงหวือหวาที่เป็นลักษณะของ “วัสดุ” ที่ใช้จัดเสียง (เสียงค้อนในเปียโน เสียงเอี๊ยดของคันธนูกระทบสาย ความตึงของสายเสียง ของนักร้อง)

เมื่อผู้ฟังพูดว่า "คอ" ของนักร้องได้ยินหรือเขา "ร้องเพลงด้วยลำคอ" หมายความว่ากล่องเสียงของนักร้องทำงานไม่ถูกต้องในระหว่างการออกเสียงด้วยการใช้เสียงมากเกินไปและการรวมกล้ามเนื้อที่เป็นมิตร (คอหอย, คอ)

การออกกำลังกายที่ร้องโดยนักร้องที่มี "คอ" ที่หนีบเป็นอันตรายต่อเสียงเนื่องจากในขณะเดียวกันการฝึกความแข็งแรงของเสียงและการเสริมสร้างสายเสียงพวกเขายังเสริมความแข็งแรงของแคลมป์ของกล้ามเนื้อที่มาพร้อมกับความตึงเครียดของเอ็น การได้ยินของเราต้องการให้ความแรงของเสียงเป็นสัดส่วนกับอิสระของเสียง

หากกล่องเสียงไม่มี "แคลมป์" และเอ็นทำงานด้วยความตึงเครียดที่เหมาะสม จะไม่มีใครสังเกตเห็น "คอ" หรือ "กล่องเสียง" ในเสียงดังกล่าว นักร้องไม่ควรกลัวแนวคิดเช่น "กล่องเสียง" และ "เอ็น" แนวคิดเหล่านี้ค่อนข้างปลอดภัยด้วยความเข้าใจที่ถูกต้องและการใช้ฟังก์ชันการทำงานในกระบวนการออกเสียง

การร้องเพลงที่สวยงามและเป็นอิสระนั้นต้องการแรงตึงที่ถูกต้องของเอ็นและการปล่อยกล่องเสียงจากแคลมป์ทุกประเภท นักร้องทุกคนปรารถนาที่จะร้องเพลงอย่างอิสระ เพราะมันมอบขอบเขตที่แท้จริงให้กับความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะเท่านั้น (สิ่งนี้เข้าใจอย่างสมบูรณ์โดย K. S. Stanislavsky ผู้พูดในการซ้อมของเขา โรงละครโอเปร่า: "ความรู้สึกไม่สามารถผ่านร่างกายที่บีบรัดได้...").

เช่นเดียวกับที่มีเกลันเจโลตัดทุกสิ่งที่ดูเหมือนไม่จำเป็นสำหรับเขาออกจากก้อนหินอ่อน นักร้องต้อง "ตัด" ที่หนีบที่ขัดขวางการสร้างเสียงที่เป็นอิสระ

M. Garcia กล่าวถึงความแตกแยกของงานกล้ามเนื้อของนักร้องว่า “เมื่อนักร้องรู้วิธีทำให้อุปกรณ์แต่ละชิ้นทำงานในพื้นที่ของตัวเองโดยไม่รบกวนการทำงานของอวัยวะอื่น เสียงก็เหมือนเดิม หล่อเลี้ยงทุกส่วน ของการแสดงและผสมผสานรายละเอียดต่าง ๆ ของท่วงทำนองเข้าเป็นชุดเดียวที่สมบูรณ์และต่อเนื่องซึ่งเป็นความกว้างของเพลง ในทางตรงกันข้าม หากกลไกใดทำหน้าที่ได้ไม่ดี: หากหน้าอกดันหรือพ่นลมหายใจ หากช่องสายเสียงไม่ทำงานอย่างแน่นหนาและแม่นยำเพียงพอ เสียงจะขาดและอ่อนลงหลังจากแต่ละพยางค์

เพื่อให้เอ็นสามารถเติมเต็มการสร้างเสียงได้อย่างเต็มที่ กล่องเสียงของนักร้องจะต้องได้รับการปกป้องจากความวิตกกังวล การกระแทก และ "แคลมป์" ความเป็นอิสระและการขัดขืนไม่ได้จะต้องได้รับการเก็บรักษาไว้โดยทุกวิถีทาง การรักษาเสถียรภาพของกล่องเสียงเป็นหลักการบนพื้นฐานของการสร้างเสียง การทำงานของกล้ามเนื้อทั้งหมดของอุปกรณ์เสียงต้องอยู่ภายใต้หลักการนี้

ตำแหน่งและการทำงานที่มั่นคงของกล่องเสียงขึ้นอยู่กับการทำงานของการหายใจและอุปกรณ์ข้อต่อ

การหายใจที่ถูกต้องและราบรื่นนั้นขึ้นอยู่กับตำแหน่งที่ถูกต้องของร่างกายเป็นหลัก ซึ่งจะสร้างเงื่อนไขที่เอื้ออำนวยต่อการทำงานของกล้ามเนื้อระบบทางเดินหายใจ ซึ่งจะต้องให้ลมหายใจประสานกันอย่างใกล้ชิดกับการทำงานของกล่องเสียง โดยไม่ต้องกดและกดดัน สิ่งนี้ทำให้กล่องเสียงมีเสถียรภาพ

“หน้าอกไม่มีจุดประสงค์อื่น” การ์เซียกล่าว “แต่เพื่อป้อนเสียงด้วยอากาศ ไม่ใช่เพื่อผลักและดันออก”

ดร.เลวิดอฟพูดถึงการเรียนร้องเพลงในอิตาลีดังนี้ “ในอิตาลี ครูสอนร้องเพลงไม่ค่อยสนใจเรื่องการฝึกหายใจแบบพิเศษ ในช่วงเริ่มต้นของการฝึกเท่านั้น ในระหว่างบทเรียนหนึ่งหรือสองบทเรียน ครูจะอธิบายให้นักเรียนทราบถึงปัจจัยพื้นฐานบางประการของการหายใจ ความหมายที่พวกเขาเห็นว่าจำเป็นสำหรับเขา (คำอธิบายเหล่านี้มีให้เป็นหลักในแง่ของการวิเคราะห์ทางกายวิภาคและสรีรวิทยาของเครื่องช่วยหายใจ) และต่อมาแทบไม่ได้คุยกับพวกเขาเรื่องการหายใจอีกต่อไป “ร้องเพลงให้ดีและหายใจตามใจชอบ”

ไม่น้อยกว่า ความสำคัญเพื่อรักษาตำแหน่งที่มั่นคงและสม่ำเสมอของกล่องเสียงมี งานที่ซื่อสัตย์อุปกรณ์ประกบ

ในการพูดในชีวิตประจำวัน ในกระบวนการออกเสียงสระและพยัญชนะต่างๆ กล่องเสียงจะเลื่อนขึ้นและลง ซึ่งสามารถกำหนดได้ง่ายโดยการวางมือบนลูกแอปเปิลของอดัมในระหว่างการพูด การเชื่อมต่อคำพูดที่เป็นนิสัยระหว่างการทำงานของอุปกรณ์ข้อต่อและกล่องเสียง (หากไม่ได้สร้างใหม่) จะทำให้กล่องเสียงหลุดออกจากตำแหน่งร้องเพลงที่สงบอย่างต่อเนื่องในการร้องเพลงด้วยคำพูดนั่นคือละเมิดคุณภาพเสียงของเสียง

ด้วยการเปล่งเสียงร้องที่ถูกต้อง เราไม่เพียงบรรลุถึงความบริสุทธิ์ของการออกเสียงสระเท่านั้น แต่ยังได้สีการร้องเพลงที่ถูกต้อง หรืออย่างที่เราพูดกันว่า "เสียงสะท้อนที่ถูกต้อง" ของเสียงร้อง

สำนวนโวคอล เช่นเดียวกับศิลปะการร้องเพลง มีสององค์ประกอบ: ความคิดสร้างสรรค์และเทคนิค องค์ประกอบที่สร้างสรรค์คือการกระจายงานศิลปะของเนื้อหาเชิงความหมาย (น้ำหนัก) ของคำ ขึ้นอยู่กับงานศิลป์ที่ได้รับมอบหมาย ตามแนวคิดและความหมายของงานที่ทำ

องค์ประกอบทางเทคนิคของพจน์คือความสามารถในการร้องเพลงสระได้อย่างชัดเจน สมบูรณ์และออกเสียงพยัญชนะอย่างชัดเจน การไหลของเสียงสระไม่ควรถูกรบกวนโดยพยัญชนะที่เชื่อมเข้าไป สระทั้งหมดในการร้องเพลงควรให้เสียงที่บริสุทธิ์ ชัดเจน และ "แกนแกนนำ" ของสระไม่ควรได้รับการเปลี่ยนแปลงที่เห็นได้ชัดเจนเมื่อมีการเปลี่ยนแปลง

พัฒนาการของเสียงร้องที่ถูกต้องทำให้สามารถแปลเสียงสระหนึ่งไปเป็นอีกสระหนึ่งได้อย่างราบรื่น โดยไม่ต้องเคาะกล่องเสียงออกจากตำแหน่งที่สงบนิ่ง ปล่อยจากที่หนีบจากด้านบน (“เอาเสียงออกจากลำคอ”)

ในกระบวนการออกเสียงสระ กล่องเสียงจะสูงขึ้น (บนสระ และ และ e) จากนั้นก็ตกลงมา (บน a, o, y) ความผันผวนของกล่องเสียงในแนวตั้งมากเกินไปเมื่อออกเสียงสระละเมิดความสม่ำเสมอของเสียงของเสียง

สร้าง ภาพศิลปะผู้คนเรียนรู้ที่จะถ่ายทอดความสุข ความสิ้นหวัง ความอบอุ่นด้วยเสียงเมื่อนานมาแล้ว และการร้องเพลงในฐานะศิลปะ ถือกำเนิดขึ้นเมื่อมีความปรารถนาที่จะแสดงความรู้สึกในแนวดนตรี ไม่มีเครื่องมือใดสามารถถ่ายทอดความสมบูรณ์ของอารมณ์ความรู้สึกของมนุษย์ได้เท่าเสียงพูด อะไรคือเสียงร้อง และทำไมในการตามหาคนในอุดมคติบางครั้งจึงสูญเสียสิ่งสำคัญที่สุดไป - เสรีภาพ ความจริงใจ ความง่ายในการแสดง - เป็นที่สนใจของผู้ร่วมสมัยหลายคน

การแสดงเสียงร้องเป็นวิธีที่เก่าแก่ที่สุดวิธีหนึ่งในการถ่ายทอดภาพที่สดใสของศิลปะพื้นบ้าน ในกระบวนการพัฒนา ปรากฏการณ์การร้องเพลงเกิดขึ้นเป็นพิเศษ ทิศทางดนตรีเมื่อความเชี่ยวชาญด้านเสียงทำให้เกิดรูปเคารพบนเวทีในโอเปร่านิทานพื้นบ้าน

นักร้องต้องมีความสามารถบางอย่าง:

• สร้างเสียงที่มีความสูงต่างกันอย่างถูกต้อง
• มีจังหวะ;
• รู้ โน้ตดนตรี, พื้นฐานทางทฤษฎี;
• สามารถประสานกลไกการได้ยินกับอุปกรณ์เสียงได้

นักร้องพัฒนาทักษะบางอย่างในกระบวนการเรียนรู้ ได้รับความรู้ที่จำเป็นสำหรับการนำไปใช้อย่างมืออาชีพในทุกทิศทาง

ประสิทธิภาพสุดคลาสสิค

ในขณะที่รูปแบบที่แตกต่างกันได้พัฒนาขึ้น เสียงร้องของนักวิชาการซึ่งมีต้นกำเนิดมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ยังคงเป็นรากฐานพื้นฐานสำหรับนักแสดงทุกคน เรียนร้องเพลงเก่งอย่างเดียวไม่พอมีน้ำเสียงที่หนักแน่น

แกนนำวิชาการคืออะไร? ผู้เชี่ยวชาญรู้ว่าความสำเร็จเพียงครึ่งเดียวนั้นขึ้นอยู่กับการหายใจที่เหมาะสม และงานนั้นอยู่ในการฝึกประจำวัน ครูที่เชี่ยวชาญมีกลอุบายมากมายที่ทำให้พวกเขาเปิดกล่องเสียงได้สูงสุด เทคนิคพิเศษช่วยปรับปรุงเทคนิคการร้องเพลงให้ลุ่มลึก

1. การใช้เครื่องสะท้อนเสียงอย่างชำนาญเป็นหนึ่งในส่วนที่สำคัญที่สุดของการร้อง สำหรับนักร้องส่วนใหญ่ ทักษะมาพร้อมกับประสบการณ์ ความสามารถในการกำกับเสียง ทิศทางที่ถูกต้อง- เงื่อนไขสำคัญสำหรับนักร้อง
2. ครอบครองเดือย. นักร้องวิชาการต้องสามารถแยกเสียงของตำแหน่งล่างและบนได้ ด้วยเหตุนี้จึงใช้เครื่องสะท้อนเสียงศีรษะและทรวงอก
3. การพัฒนา การคิดเชิงเปรียบเทียบ. ทุกคนรู้ว่าเสียงนั้นมาจากกล่องเสียง แต่ศิลปินต้องจินตนาการว่าเสียงนั้นเกิดขึ้นที่หน้าอกแล้วแตกออกเท่านั้น เมื่อทำโน้ตสูง ผู้สอนจะได้รับความเบาของเสียง ความรู้สึกที่เสียงที่ทะลุผ่านเพดานอ่อนๆ ออกมาจากกระหม่อม

เมื่อเอ็นเปิดกว้างที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ เทสซิทูร่าแบบเดียวกันจะแสดงออกมากขึ้น เจ้าของกล่องเสียงอันเป็นเอกลักษณ์ F.I. ชลิอาพินไม่ต้อง "หาว" เป็นเวลาหลายวัน เดินด้วยช้อนในปากเพื่อเปิดเอ็น

มีความคิดเห็นว่า Luciano Pavarotti ไม่ได้ใช้คะแนนและตำแหน่งใด ๆ เขาร้องเพลงด้วยตำแหน่งตามธรรมชาติของเอ็น แต่แทบจะไม่มีใครโต้แย้งเอกลักษณ์ของเสียงต่ำของเขา เสียงของเขาแผ่ความอบอุ่น แต่แม้แต่การฝึกอบรมอย่างเป็นระบบก็ไม่ได้ช่วยให้ทุกคนเข้าใกล้อุดมคติมากขึ้น

คุณสมบัติของการแสดงป๊อป

ศิลปะสมัยนิยมมีความแตกต่างหลากหลายจากสไตล์คลาสสิก แต่ไม่ใช่ทุกคนที่มี เสียงเพราะๆสามารถร้องเพลงร่วมสมัยได้ โรงเรียน วาไรตี้อาร์ตโดยอาศัยเทคนิคของตัวเองและลักษณะการแสดงที่โดดเด่น

เมื่อถูกถามว่าคืออะไร ป็อปโวคอลผู้คนสนใจที่จะรู้ว่าสำนวนนี้สะท้อนถึงความหมายอย่างไร และผลงานยอดนิยมแตกต่างจากความคิดสร้างสรรค์ทางวิชาการอย่างไร นักร้องต้องผ่านขั้นตอนการฝึกขั้นพื้นฐานในลักษณะเดียวกัน พวกเขาทำงานเกี่ยวกับการหายใจ การพัฒนาช่วง ความสามารถในการควบคุมกลไกเสียง

สไตล์คลาสสิกมักถูกรับรู้โดยผู้ที่ได้รับการฝึกอบรมและการศึกษาด้านดนตรี ป๊อปโวคอลคือ แบบเปิดเผยการสกัดและการนำเสนอเสียงเป็นที่เข้าใจสำหรับผู้ฟังส่วนใหญ่ เนื้อหาทางโลก แบบง่ายๆการนำเสนอต้องใช้ทักษะบางอย่างจากนักแสดงด้วย บทเรียนวาไรตี้เช่นเดียวกับในด้านอื่น ๆ ของศิลปะการร้องเพลง เริ่มต้นด้วยแบบฝึกหัดบางอย่าง:

• การเรียนรู้พื้นฐานของการหายใจที่เหมาะสม
• การสกัดเสียงเรโซเนเตอร์
• การควบคุมตำแหน่งการร้องเพลง

หลังจาก แบบฝึกหัดเตรียมความพร้อมงานเริ่มที่ตัวเลขสำหรับการแสดง ในตอนแรกนักแสดงประสบปัญหา - เป็นการยากที่จะรวมช่วงเวลาทั้งหมดเข้าด้วยกัน แต่ชั้นเรียนปกติและสม่ำเสมอทำให้คุณไม่ต้องนึกถึงเรื่องนี้อีกในอนาคต รากฐานทางวิชาการ- พวกเขาจะดำเนินการทางกลไก การแสดงวาไรตี้ผสมผสานหลายด้าน:

• แจ๊สที่แสดงออก;
• ไพเราะและคะนอง เพลงพื้นบ้านในการประมวลผลที่ทันสมัย
• องค์ประกอบ bardic;
• เพลงร็อค;
• เพลงป๊อบ.

สิ่งนี้ช่วยให้คุณก้าวไปไกลกว่าประเพณีทางวัฒนธรรม สังคม และภาษาศาสตร์ ความแตกต่าง ทักษะการร้องในหมู่นักแสดงนักวิชาการและนักร้องเพลงป๊อบจะเบลอ ในทุกกรณี ศิลปินมืออาชีพจะต้องมีความมั่งคั่งหลัก - เสียง, พจน์ที่ชัดเจน, หลากหลาย.

ฝึกฝนทักษะของคุณ แบบฝึกหัดพื้นฐาน, การซ้อมประจำวัน, นักร้องขึ้นเวทีโดยไม่เน้นเทคนิคการแสดง. ผู้ชมเพลิดเพลินกับการแสดงและปรบมือให้นักร้อง ผู้ฟังไม่ได้คิดเกี่ยวกับค่าใช้จ่ายของนักวิชาการหรือนักแสดงป๊อปที่ประสบความสำเร็จในการแสดง

เสียงร้องเป็นการแสดงดนตรีประเภทหนึ่ง ความเชี่ยวชาญของ เสียงร้องเพลง. เสียงร้องแบ่งออกเป็น ประเภทต่างๆขึ้นอยู่กับสไตล์ เทคนิคที่ใช้ ตลอดจนธรรมชาติของการมีปฏิสัมพันธ์ของนักแสดง

เทคนิคการร้องที่หลากหลาย

ขึ้นอยู่กับจำนวนคนและว่าพวกเขามีส่วนร่วมในการแสดงเสียงของงานอย่างไร เสียงร้องประเภทดังกล่าวแบ่งออกเป็น:

• ร้องเพลงเดี่ยว (เดี่ยว);
• การร้องเพลงทั้งมวล (ตั้งแต่สองถึง 10 คนมักจะแสดงส่วนต่าง ๆ );
• การร้องเพลงประสานเสียง (ตั้งแต่ 5-7 คนถึงหลายสิบคน ซึ่งบางคนมีส่วนนำเหมือนกัน)

สำหรับการแบ่งประเภทของเสียงร้องขึ้นอยู่กับสไตล์และเทคนิคของการแสดง 11 ทิศทางหลักสามารถแยกแยะได้

สไตล์ร้องหลัก

ร้องเพลงคลาสสิค(เชิงวิชาการ)

ลักษณะเฉพาะของโอเปร่าและโอเปร่า ละครเพลง เรื่องรักๆ ใคร่ๆ ประเพณีของทิศทางนี้ถูกวางย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 16 - จากเวลานั้นจนถึงปัจจุบัน การแสดงคลาสสิกหมายถึงตำแหน่งเสียงสูงและโดมสูง เสียงเซอร์ราวด์สูงสุดนั้นไร้ที่ติ เสียงใส. ไม่รวมการบังคับเสียง เสียงรบกวน และการหายใจดังเสียงฮืด ๆ ทั้งหมดหรือบางส่วน

นักร้องแจ๊ส

อันเป็นผลมาจากการผสมผสานของจังหวะแอฟริกันที่มีสีสันและจังหวะที่มีอยู่ในประเทศแถบยุโรป ประเพณีดนตรีสไตล์นี้ปรากฏขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 ในสหรัฐอเมริกา เขามีลักษณะเฉพาะด้วยเสียงที่หนักแน่นและหนักแน่น สามารถสร้างเสียงที่เข้มข้นมาก โทนสีที่แตกต่างกัน โดยใช้เทคนิคการเลียนแบบและการแสดงด้นสดอย่างสูงสุด

ร้องเพลงป็อป

ทิศทางนี้แตกต่างโดยเน้นที่ผู้บริโภคจำนวนมาก ดังนั้นข้อความที่เข้าใจได้ในความหมายโดยไม่มีปรัชญาลึกซึ้ง การแสดงที่เรียบง่ายและน่าจดจำ การใช้โองการซ้ำๆ ทุกวันนี้ เสียงร้องป็อปมีความเกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดกับสไตล์อื่นๆ เช่น แร็พ โฟล์ค ร็อค ฯลฯ

ร้องเพลงพื้นบ้าน

อธิบายว่าเสียงร้องคืออะไร ทิศทางนี้เป็นไปไม่ได้ เนื่องจากการแสดงการร้องเพลงชาติพันธุ์แต่ละครั้งเป็นสิ่งที่พิเศษ อย่างไรก็ตาม เราสามารถพูดได้ว่าในกรณีส่วนใหญ่ แนวเพลงจะมีลักษณะเฉพาะด้วยการร้องเพลงที่เอ็นและเพดานปากแบน

ในช่องที่แยกต่างหาก การแสดงพื้นบ้านรวมถึงการร้องคอ ซึ่งเกี่ยวข้องกับการใช้ความสามารถของเอ็นไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงลำคอด้วย ตัวอย่างที่โดดเด่นคือประเพณีการร้องเพลงคอในวัฒนธรรมไอริช

ประเภทของวัฒนธรรมแอฟริกันอเมริกัน

• แร็พ. บทบรรยายจังหวะที่ต่อเนื่องมาก ซึ่งเล่นภายใต้แทร็กเพลงที่มีจังหวะหนักหน่วง
• ฮิพฮอพ. ผสมผสานการแร็พกับจังหวะดนตรีที่ดีเจกำหนด
• จังหวะและบลูส์ร่วมสมัย ("R&B") นี่คือการแสดงที่นุ่มนวลและชุ่มฉ่ำกับพื้นหลังของจังหวะอิเล็กทรอนิกส์ที่ราบรื่น ประเภทโคลงสั้น ๆ ที่ละเอียดอ่อนกว่าเทคนิคการร้องก่อนหน้านี้
• วิญญาณ. ดังต่อไปนี้จากชื่อของประเภท (จากภาษาอังกฤษ "วิญญาณ" - วิญญาณ) รูปแบบของเสียงร้องนี้เกี่ยวข้องกับการแสดงอารมณ์ที่เจาะลึกมากของการแต่งเพลง ด้วยเหตุนี้จึงใช้เทคนิคที่ดีที่สุดของการร้องเพลงแจ๊สและจิตวิญญาณ (เพลงจิตวิญญาณของชาวแอฟริกันอเมริกัน)

เสียงร้องสุดขีด

• คำราม รูปแบบที่ไม่ธรรมดามากซึ่งอิงจากการเลียนแบบเสียงคำรามของสัตว์ นอกจากนี้ยังต้องมีพื้นฐานทางเทคนิคที่แข็งแกร่งมาก
• ร้องลั่น. ประเภทที่สดใสไม่น้อย แสดงออกด้วยเสียงโหยหวนหรือเสียงแหบ ต้องใช้ tessitura ที่สูงมาก ดังนั้นจึงเป็นเรื่องปกติสำหรับนักร้องชาย

ความเกี่ยวข้องของหัวข้อนี้ : ศึกษาทฤษฎีและลักษณะการร้อง ปรากฏการณ์ของเสียง เทคนิค และลีลาการร้อง ทำความคุ้นเคยกับตัวแทนของยุคเบลคันโตตอนต้นและโรงเรียนสอนร้องเพลงสมัยใหม่ งานนำเสนอนี้ขยายขอบเขตความรู้และความสนใจในการร้องเพลงให้เป็นรูปแบบศิลปะที่เข้าถึงได้มากที่สุด

ดาวน์โหลด:

ดูตัวอย่าง:

สถาบันการศึกษางบประมาณเทศบาล

การศึกษาเพิ่มเติมสำหรับเด็ก

"โรงเรียนดนตรีเด็กตุลาคม"

เขต Krasnogvardeisky

สาธารณรัฐไครเมีย

รายงาน-นำเสนอ

ในหัวข้อ "ศิลปะแห่งการร้องเพลง"

เรียบเรียงโดย: ครู

ดนตรี-ทฤษฎี

คณะนักร้องประสานเสียง

และคลาสเรียนดนตรีร้องเพลงเดี่ยว

ออสมาโนวา Kh.Sh.

ตุลาคม 2014

1. ศิลปะการร้องเพลง.

คำนำ

1. เกี่ยวกับการร้องเพลงและนักร้อง
2. สามวิธีในการร้องเพลง
3. เทคนิคการแสดงเสียงร้องของอิตาลี "Belcanto"
4. บรรณานุกรม

ศิลปะการร้องเพลง. คำนำ

ศิลปะการร้องเพลงก็เหมือนกับศิลปะประเภทอื่น ๆ ที่ไม่เพียงแต่มีประสบการณ์ชีวิตเท่านั้น แต่ยังรวมถึงทฤษฎีของตัวเองด้วย เช่น มี "โรงเรียนสอนร้องเพลง"

คำว่า "โรงเรียนแกนนำ" ในความหมายที่แคบของคำนั้นหมายถึงชุดของเสียงร้องและเทคนิคที่รับรองระดับของการแสดง "โรงเรียนสอนร้องเพลงแห่งชาติ" เป็นแนวคิดที่กว้างกว่ามาก กำหนดโดยความคิดริเริ่มของวัฒนธรรมประจำชาติ ความคิดริเริ่มของรูปแบบการแสดง มาตรฐานเสียงที่แน่นอน ดังนั้นจนถึงกลางศตวรรษที่ 20 เสียงที่เย้ายวนของเสียงด้วยคำว่า "vibrato" ความง่ายในการปล่อยแสง ความสดใสของ coloratura และทางเดินที่เป็นประกายของชาวอิตาลีจึงแตกต่างจากเสียง "ตรง" ของเยอรมัน เสียงของนักร้อง; ประณามภาษาฝรั่งเศส นักร้องเพลงโอเปร่า- จากการร้องเพลงการร้องเพลงที่แสดงออกถึงอารมณ์ของตัวแทนโรงเรียนแกนนำรัสเซีย

เกี่ยวกับนักร้องและนักร้อง

การร้องเพลงเป็นรูปแบบศิลปะที่พบได้บ่อยและเข้าถึงได้มากที่สุด ความพร้อมใช้งานของศิลปะการร้องเพลงนั้นเกิดจากการที่อุปกรณ์ร้องเพลงอยู่กับคุณเสมอ

ทุกคนชอบร้องเพลง แต่เฉพาะนักแสดงดังกล่าวเท่านั้นที่สามารถเรียกได้ว่าเป็นนักร้องซึ่งอย่างน้อยศิลปะก็ตอบสนองความต้องการด้านสุนทรียะของผู้ฟัง นักร้องไม่เพียงแต่เป็นมืออาชีพเท่านั้น แต่ยังเป็นมือสมัครเล่นได้อีกด้วย การร้องเพลงเป็นศิลปะดนตรี นักร้องต้องมี หูสำหรับดนตรีและเสียงดนตรี

เสียงร้องเพลงแตกต่างจากเสียงพูดปกติโดยใช้สีเสียงพิเศษซึ่งเรียกว่าเสียงต่ำ สีของเสียงต่ำขึ้นอยู่กับลักษณะทางสรีรวิทยาหลายประการของอุปกรณ์เสียงพูด สิ่งเหล่านี้รวมถึงโครงสร้างของสายเสียง (พับ) เป็นหลัก เส้นเสียงจะยาวหรือสั้น หนาหรือบางก็ได้ พวกเขาเป็นเหมือนเชือก เครื่องดนตรี, ทำซ้ำเสียงของระดับเสียงและทิมเบอร์ต่างๆ ที่สอง ปัจจัยสำคัญซึ่งเสียงขึ้นอยู่กับเสียงสะท้อนตามธรรมชาติ - ช่องจมูก, ไซนัสหน้าผาก, ฟันผุบนขากรรไกร, เพดานแข็ง, เยื่อบุโพรงจมูก: โครงสร้างของหน้าอก ฯลฯ มีบทบาทสำคัญไม่แพ้กัน นอกจากนี้ ลักษณะของเสียงต่ำยังได้รับอิทธิพลจากรูปแบบ - เสียงหวือหวาซึ่งแทบไม่เปลี่ยนแปลงในความถี่ ปรากฏอยู่ในทุกโทนของเสียงที่กำหนดและให้สีที่เป็นลักษณะเฉพาะ ความงามของเสียงต่ำขึ้นอยู่กับการเพิ่มคุณค่าของเสียงด้วยเสียงหวือหวา (เพิ่มเติม โทนที่สูงกว่า)

คุณสมบัติบางประการของสีเสียงต่ำขึ้นอยู่กับคุณภาพทั้งหมดที่ระบุไว้: เสียงที่สว่างหรือทึบ เสียงสูงหรือต่ำ เฉดสีที่น่าพึงพอใจหรือน่าเกลียด ฯลฯ ความสามารถของนักร้องในการควบคุมเสียงของเขา (และโดยเฉพาะอย่างยิ่งเสียงต่ำ) เทียบเท่ากับความสามารถของศิลปินในการใช้จานสีของเขา

เสียงร้องเพลงก็เหมือนกับเสียงอื่นๆ ที่มีอยู่ในธรรมชาติ ไม่มีอะไรมากไปกว่าการสั่นสะเทือนของอากาศที่มีความถี่ที่แน่นอน

นอกจากเสียงทิมแล้วทุกคน เสียงดนตรีมีคุณสมบัติเชิงคุณภาพสามประการ: ความสูง - จำนวนการสั่นของคลื่นเสียงต่อวินาที ความดัง - ความเข้มของการแกว่งและระยะเวลาเหล่านี้ คุณสมบัติอีกอย่างของนักร้องคือการมีหูสำหรับดนตรี ไม่เหมือนกับการได้ยินทั่วไป ไม่ใช่เรื่องแปลกที่บุคคลจะมีความสามารถในการได้ยินทั่วๆ ไป ซึ่งทำให้เขาได้ยินเสียงกรอบแกรบเล็กน้อยจากระยะไกล และในขณะเดียวกันก็ไม่สามารถร้องเพลงง่ายๆ ได้อย่างชัดเจน นอกจากนี้ยังมีกรณีย้อนกลับเมื่อบุคคลไม่มีความคมชัดของความรู้สึกเสียงหรือแม้กระทั่งมีความบกพร่องในการได้ยิน แต่ในขณะเดียวกันก็จับเฉดสีที่ละเอียดอ่อนที่สุดของเสียงดนตรี

ความแตกต่างระหว่างหูทั่วไปและหูดนตรีถูกกำหนดโดยอุปกรณ์ทางสรีรวิทยา ร่างกายมนุษย์. และถึงกระนั้น หูดนตรีก็ช่วยพัฒนาตัวเองได้

ในที่นี้เราทราบว่าไม่มีใครมีเสียงโดยธรรมชาติ หรือความสามารถในการแยกแยะระหว่างเสียงที่ถูกและผิด นี่คือความรู้สึกที่เฉพาะเจาะจง ซึ่งจำเป็นต้องได้รับการพัฒนาเป็นพิเศษ

นักร้องมักใช้ไมโครโฟนเพื่อแสดงบนเวที แต่ไม่มีการปรับปรุงทางเทคนิคใดที่สามารถแทนที่ความงามตามธรรมชาติของเสียงมนุษย์ได้

สามสไตล์การร้อง.

ตั้งแต่วัยเด็กคนได้ยินเสียงร้องเพลงพื้นบ้านซึ่งใกล้เคียงกับคำพูดของเรา ความบริสุทธิ์ตามธรรมชาติของเสียงสูงต่ำ มนุษย์ร้องเพลงทำได้โดยการเชื่อมต่อที่เป็นธรรมชาติระหว่างการแสดงระดับเสียงและศูนย์รวมของเสียงโดยอุปกรณ์เสียงซึ่งทำงานตามปกติ มารยาทในการพูด. การร้องเพลงพื้นบ้านตามสถานะของอุปกรณ์เสียงของเขาสามารถเรียกได้ว่าเป็นภาษาพูด ส่วนใหญ่แล้วเสียงพื้นบ้านมีเสียงหน้าอก ช่วงอ็อกเทฟของเสียงหน้าอกสามารถ "เคลื่อนที่" ได้ ซึ่งขึ้นอยู่กับคุณสมบัติของอุปกรณ์เสียงร้อง (การออกเสียงสระและพยัญชนะแบบเปิดหรือปิดมากขึ้น น้ำเสียงในลำคอหรือจมูก เป็นต้น) เสียงร้องของหน้าอกเมื่ออยู่นอกช่วงอ็อกเทฟต้องใช้เสียงที่ศีรษะเรียกโดยชาวรัสเซีย นักร้องลูกทุ่งร้องเพลงด้วย "เสียงเบา" (ในผู้หญิง) และในผู้ชายที่มี "ทวาร" และโดดเด่นด้วยการไม่ปลอมตัวและสม่ำเสมอ

นักแสดงละครยังใช้ลักษณะการพูดในการร้องเพลง การร้องเพลงพื้นบ้านมักเรียกว่า "เสียงสีขาว" "การร้องเพลงแบบเปิด" ซึ่งต่างจากเสียงที่ครอบโค้งมนในลักษณะทางวิชาการ สวยงาม เสียงยอดนิยมหายากและต้องใช้ความระมัดระวัง

บัดนี้เยาวชนได้ยินแสงสว่าง เพลงป๊อบดังนั้นชายหนุ่มและหญิงสาวจึงเลียนแบบโดยไม่ได้ตั้งใจและบางครั้งโดยรู้ตัว นักแสดงวาไรตี้สุ่มสี่สุ่มห้าเลียนแบบการร้องเพลงของพวกเขา ไม่ใช่ทุกคนที่ได้รับประโยชน์จากสิ่งนี้

เพื่อทำความเข้าใจว่าทำไม เรามาพูดถึงรูปแบบการร้องเพลงทางวิชาการกันก่อน เราอ่านเกี่ยวกับเหตุการณ์ที่น่าสนใจในชีวิตของนักร้องผู้ยิ่งใหญ่ในอนาคตของอิตาลีในหนังสือโดย A. Lessa "Titta Ruffo"

“แล้ววันหนึ่ง เมื่อเป่าขน Kuznetsk (เขาทำงานเป็นช่างตีเหล็ก) Ruffo เริ่มบอกเพื่อนของเขา Pietro เกี่ยวกับเสียงของ Benedetti (ซึ่งอาศัยอยู่ในบ้านของพวกเขามาระยะหนึ่ง เป็นเสียงบาริโทน) พยายามแสดงให้เห็นว่าเขาร้องเพลงอย่างไร . และทันใดนั้น Ruffo ก็เริ่มร้องเพลงจริงๆ เขาร้องเพลงด้วยเสียงภูเขาไฟ ในตอนแรกเขารู้สึกตกใจกับคลื่นเสียงนี้ซึ่งล้นราวกับน้ำท่วม จากนั้นเขาก็เริ่มเลียนแบบ Benedetti ไม่ว่าจะเป็นการทำให้เสียงหนาขึ้นหรือขยายออกหรือให้เสียงบนสุดในการลงทะเบียนบาริโทน ปิเอโตรตัวแข็งค้างด้วยความประหลาดใจและรัฟโฟอยู่ข้างตัวเขาด้วยความปิติยินดีวิ่งกลับบ้านรีบไปหาแม่ของเขาและอ้าปากค้างด้วยความตื่นเต้นพูดว่า: "แม่ ... ฉันมีเสียง ... บาริโทน!"

การกำเนิดของเสียง (แม้แต่เสียงคลาสสิก) เป็นเรื่องน่าประหลาดใจสำหรับบางคน แม้ว่าสิ่งนี้สามารถอธิบายได้อย่างเต็มที่ และสำหรับคนอื่นๆ ก็เป็นงานที่ต้องใช้ความอุตสาหะมายาวนาน ประวัติของนักร้องนำที่มีชื่อเสียงโด่งดังหลายชื่อ: Titta Ruffo, Enrico Caruso, Vagniamino Gigli, Mario Lanza, Galli Curci, Renata Tebaldi, Giulietta Simionanato… และนักร้องชาวรัสเซีย: Fedor Chaliapin, Leonid Sobinov, Antonina Nezhdanova, Nadezhda Obukhova… พวกเขา เสียงเป็นเสียงมาตรฐานในลักษณะวิชาการ (เสียงจาร์)

เสียงที่ปกคลุมซึ่งบุคคลโดยปกติไม่มีอยู่ในธรรมชาติ ทำให้นักร้องได้ช่วงเสียงผสมสองอ็อกเทฟ (หรือมากกว่า) ที่ปรับระดับ (ในแง่ของเสียงต่ำและความแรงของเสียง) ด้วยการเปลี่ยนที่ราบรื่น ตั้งแต่ช่วงอกไปจนถึงศีรษะ

“ใครรู้วิธีปกปิดเขาจะสามารถเปิดได้ แต่ผู้ที่ร้องแต่เสียงเปิดจะไม่มีวันคัฟเวอร์ได้

ที่น่าสนใจคือบางครั้งเราสามารถสังเกตการเลียนแบบการร้องเพลง "เปิด" โดยนักร้องนักวิชาการได้ ชลิอาพิน บรรเลงเพลงพื้นบ้าน หรือ สร้างสรรค์ ภาพพื้นบ้าน, ใช้เสียง "เปิด" มากขึ้น มันเป็นสไตล์การร้องเพลงพื้นบ้านโดยเจตนา

ดังนั้นเราจึงได้รื้อการร้องเพลงสองรูปแบบ: เปิดและปิด พื้นบ้านและคลาสสิก (วิชาการ)

บนเวทีสมัยใหม่ (ดนตรีเบาและดนตรีแจ๊ส) นักร้องและนักร้องที่มีท่าเต้นครึ่งตัวมาจากการแสดงมือสมัครเล่นโดยตรง พวกเขากลายเป็นนักแสดงของรัสเซียหรือต่างประเทศ เพลงป๊อบ, ศิลปินเดี่ยวของวงร้องและบรรเลง

ด้วยการร้องเพลงปิดปาก ตำแหน่งของริมฝีปากจะใกล้เคียงกับการสนทนา แต่ด้วยเพดานอ่อนที่ยกขึ้น ด้วยการร้องเพลงดังกล่าว ระดับเสียงของช่อง oropharyngeal จะเพิ่มขึ้นและถึงช่วงเสียงหนึ่งอ็อกเทฟครึ่ง ไม่ได้อยู่ในหน้าอกที่บริสุทธิ์อีกต่อไป แต่อยู่ในเสียงที่ผสมกัน ในเวลาเดียวกันแอมพลิจูดของการสั่นสะเทือนของเสียงของนักร้องเพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัดเสียงจะหยุดตรง เสียงต่ำกลายเป็น "รวยขึ้น" มีสีสันและอารมณ์มากขึ้น แต่ในรีจิสเตอร์ด้านบนพร้อมเสียงที่เต็มอิ่ม เสียงทุ้มดังขึ้น “ลูกแกะ” เป็นสัญญาณของความตึงเครียดของสายเสียง ครอบคลุมเสียงเฉพาะกาลและการลงทะเบียนส่วนหัวในการตั้งค่าทางวิชาการของเสียงนำไปสู่การสร้างกลไกการป้องกันของอุปกรณ์เสียง การเพิกเฉยต่อเสียงที่ปิดจะกีดกันโน้ตบนของความกลมของเสียงที่สวยงาม และยังสามารถนำไปสู่ความเสียหายต่อเสียงก่อนเวลาอันควร

คำว่า vocal มาจากภาษาอิตาลี "voche" - เสียง แต่เสียงเป็นเพียงเครื่องมือ ในขณะที่ศิลปะการร้องเพลงเองนั้นซับซ้อนกว่าวิทยาศาสตร์เสียงเพียงอย่างเดียว มันวาดภาพให้เราสะท้อน ภาวะทางอารมณ์. การร้องเพลงไม่เพียงแต่เกี่ยวข้องกับเสียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงคำที่มีความหมายด้วย เสียงร้องถูกมองว่าเป็น กระบวนการทางเทคโนโลยีการร้องเพลงศิลปะ เนื่องจากผู้เชี่ยวชาญทุกคนมีความรู้และเทคนิคบางอย่าง ดังนั้นนักร้องจึงต้องเชี่ยวชาญเทคนิคการร้อง นั่นคือ ควบคุมเสียงของเขาได้อย่างอิสระ

นักร้องมือใหม่มักใช้แต่เสียงร้องเท่านั้น ซึ่งอาจดูสวยงามและมีความเป็นมืออาชีพเมื่อฝึกหัด ตามที่ศาสตราจารย์กันดอลฟีกล่าว “ทุกคนที่มีหูที่ดีเพียงพอและมีความสามารถทางดนตรีที่พัฒนาแล้วสามารถสอนให้ร้องเพลงได้ อีกอย่างคือ นักเรียนคนนี้อาจไม่ใช่มืออาชีพที่เหมาะสมกับการแสดงบนเวที แต่เขาจะร้องเพลงได้ในทุกแง่มุม ทั้งในแง่ของเทคนิคและการแสดง

มีเทคนิคและรูปแบบการแสดงร้องที่เรียกว่า "เบล คันโต" ที่น่าสนใจอีกอย่างหนึ่ง

เบลคันโต - (อิท. bel canto- "การร้องเพลงที่สวยงาม") - เทคนิคการร้องเพลงอัจฉริยะซึ่งมีลักษณะการเปลี่ยนจากเสียงเป็นเสียงที่ราบรื่น, การผลิตเสียงที่ไม่มีข้อ จำกัด , สีสันที่สวยงามและสมบูรณ์ของเสียง, ความสม่ำเสมอของเสียงในทุกรีจิสเตอร์, ความง่ายของเสียงนำซึ่งถูกเก็บรักษาไว้ ในสถานที่ที่มีรูปแบบไพเราะและทันสมัย

รูปแบบมีต้นกำเนิดในอิตาลีและเกี่ยวข้องกับการพัฒนาใน ปลายเจ้าพระยาศตวรรษแห่งชาติ โอเปร่าและโรงเรียนแกนนำ หมายถึงการแสดงออก bel canto ถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของคุณสมบัติการออกเสียง ภาษาอิตาลีและประเพณีการแสดงพื้นบ้าน

สไตล์นี้มีลักษณะเฉพาะด้วยเสียงที่สม่ำเสมอ เลกาโตที่ยอดเยี่ยม รีจิสเตอร์ที่สูงกว่าเล็กน้อย ความคล่องตัวและความยืดหยุ่นที่ผิดปกติ และโทนเสียงที่นุ่มนวล

เทคนิคได้รับความสนใจมากกว่าความดัง และสิ่งนี้นำไปสู่ความจริงที่ว่าสไตล์ bel canto นั้นสัมพันธ์กับการออกกำลังกายที่ยืนยันความกล้าหาญของนักแสดงมานาน: นักร้องดังกล่าวต้องถือเทียนที่ลุกโชนต่อหน้าเขาร้องเพลงและเทียน เปลวไฟไม่ควรเคลื่อนที่ นี้ทำเพื่อควบคุมความถูกต้องของการหายใจร้องเพลง: ไม่ควรบังคับและเขย่าเปลวเทียน

รูปแบบการร้องเพลง bel canto พัฒนาขึ้นในอิตาลีในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 และครอบงำจนถึงครึ่งแรกของศตวรรษที่ XIX (ยุคเบลคันโต). ในความหมายสมัยใหม่ - การแสดงเสียงที่ไพเราะ ไพเราะ ไพเราะ และไพเราะ Belcanto เรียกร้องจากนักร้อง cantilena, coloratura ที่ไร้ที่ติ, ความเชี่ยวชาญในการทำให้ผอมบาง, ไดนามิกและความแตกต่างของเสียงต่ำ และความสม่ำเสมอของเสียง "เครื่องดนตรี"

เทคนิค bel canto ได้รับการปลูกฝังจากหลาย ๆ คน นักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยม, ในระหว่างที่ -Alessandro Scarlatti, Giovanni Battista Pergolesi, Georg Friedrich Handel และ Johann Adolf Hasse. ใน Scarlatti solfeggios หลายๆ ฉบับ การเพิ่มข้อความเพื่อเปลี่ยนเป็น arias และในทางกลับกันก็เพียงพอแล้ว

Alessandro Scarlatti Giovanni Battista Pergolesi

จอร์จ ฟรีดริช ฮันเดลJohann Adolf Hasse

การปรากฏตัวของ bel canto นั้นสัมพันธ์กับการพัฒนาของรูปแบบ homophonic และการก่อตัว อุปรากรอิตาลี. ก่อนหน้านี้ bel canto หรือ canto spianato (การร้องเพลงที่ราบรื่น) โดดเด่นด้วยความอ่อนไหว การแสดงที่น่าสมเพช มีลักษณะเฉพาะด้วย cantilena ที่แสดงออก การตกแต่ง coloratura ขนาดเล็กที่ช่วยเสริมเอฟเฟกต์ที่น่าทึ่ง (operas)C. Monteverdi, F. Cavalli, M. A. Chesti).

ยื่นความต้องการแสดงความสามารถด้านเสียงร้องของนักร้อง ดนตรี โอเปร่ามากมาย ปลาย XVIII – ต้นXIXศตวรรษ สูญเสียความสมบูรณ์ คุณค่าทางศิลปะ. ตัวแทนที่โดดเด่นของช่วงเวลานี้ของ bel canto -A. Bernacchi, A. Uberti (Porporino), G. Velluti, C. Gabrielli, A. Catalani, A. Nozari.

อันโตนิโอ เบอร์นาคคิอัลเฟรโด คาตาลานี

ช่วงเวลาใหม่ในการพัฒนา bel canto มีความเกี่ยวข้องกับความคิดสร้างสรรค์G. Rossini, V. Bellini, G. Donizettiซึ่งโอเปร่าเรียกร้องจากนักร้องพร้อมกับเทคนิคที่สมบูรณ์แบบของ cantilena และ bel canto coloratura ทักษะในการถ่ายทอดความรู้สึกของตัวละคร ช่วงเวลานี้ทำให้เกิดกาแล็กซี่ของนักร้องและนักร้องที่โดดเด่นซึ่งแสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ในการควบคุมเสียงอย่างน่าอัศจรรย์ ในหมู่พวกเขาเจ พาสต้า พี่สาว Grisi, G. Roubini, L. Lablache.

ด้วยการถือกำเนิดของโอเปร่าโดย G. Verdi จุดสิ้นสุดของ bel canto แบบคลาสสิกมีความเกี่ยวข้อง การครอบงำของ coloratura หายไปซึ่งไม่พบเลยในโอเปร่าตอนปลายของ Verdi และในงานR. Leoncavallo, G. Puccini, P. Mascagni. การพัฒนาที่ยิ่งใหญ่ได้รับ cantilena ซึ่งเป็นละครสูงและอุดมไปด้วยความแตกต่างทางจิตวิทยา ข้อกำหนดสำหรับความดังของเสียงและเสียงที่หนักแน่นของโน้ตบนนั้นเพิ่มขึ้น คำว่า "bel canto" เริ่มถูกนำมาใช้ในความหมายสมัยใหม่

โรงเรียนสอนร้องเพลงสมัยใหม่รักษาและสืบสานประเพณีของ bel canto ผู้เชี่ยวชาญของ bel canto รวมถึงนักร้องเช่นR. Tebaldi, M. Callas, R. Scotto, J. Sutherland, M. Caballe, I. Arkhipova, L. Pavarotti, P. Domingo, N. Gyaurov, Z. Sotkilova, V. Atlantov, E. Nesterenkoและอื่น ๆ.

Montserrat Caballe Maria Callas

Irina Arkhipova

บรรณานุกรม:

1. "ปัญหาการสอนเสียง". ฉบับที่ 7 - 2527
2. Ivanov A.P. ว่าด้วยศิลปะการร้องเพลง พ.ศ. 2506
3. มาเรีย คาลาส. บทความชีวประวัติ. สัมภาษณ์.
4. Lemeshev S.Ya. เส้นทางสู่ศิลปะ
5. น้อย A. Titta Ruffo ชีวิตและการสร้าง