ประวัติรูปแบบการแสดงดนตรี ศิลปะบนเวที ข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการเกิดขึ้นและประวัติศาสตร์ของการพัฒนาป๊อปอาร์ตการเต้นรำบนเวที

วาไรตี้ได้กลายเป็นสถานที่สำคัญในวัฒนธรรมมวลชนของรัสเซีย และเหตุการณ์ในทศวรรษที่ผ่านมาแสดงให้เห็นว่าความหลากหลายในฐานะรูปแบบศิลปะที่ได้รับความนิยมมากที่สุดมีบทบาทสำคัญในชีวิตสาธารณะ กลายเป็นวิธีที่นิยมในการแสดงความต้องการทางวัฒนธรรมและทิศทางค่านิยม ของสังคมชั้นต่างๆ เนื่องจากวาไรตี้อาร์ทเป็นรูปแบบศิลปะที่ตอบสนองต่อสังคมและเคลื่อนที่ได้มากที่สุดรูปแบบหนึ่ง การศึกษาปรากฏการณ์นี้จะช่วยให้เข้าใจกระบวนการทางจิตวิญญาณที่เกิดขึ้นในสังคมได้ดียิ่งขึ้น

ในตอนต้นของศตวรรษที่ผ่านมา ธุรกิจแผ่นเสียงในรัสเซียเริ่มแข็งแกร่งขึ้น จำนวนโรงงานและโรงงานที่ผลิตบันทึกเพิ่มขึ้น คุณภาพของพวกเขาดีขึ้น และรายการเพลงก็ขยายตัว อันที่จริง อุตสาหกรรมใหม่กำลังเกิดขึ้น ไม่เหมือนกับอุตสาหกรรมใด ๆ ที่รู้จัก มันเชื่อมโยงปัญหาทางเทคนิคและความคิดสร้างสรรค์เชิงพาณิชย์และกฎหมายเข้าด้วยกันอย่างแน่นหนา นักแต่งเพลง กวี นักร้อง วงออเคสตราและนักร้องประสานเสียง นักเขียนคู่ และผู้เล่าเรื่องได้มีส่วนร่วมในการบันทึกบันทึก ซึ่งจัดโดยผู้ค้าแผ่นเสียง สตูดิโอที่มีบรรยากาศคล้ายกับหลังเวทีของโรงละครที่มีลักษณะการแสดงละครทั้งหมด นักร้องชื่อดัง - ภาคภูมิใจและเข้มแข็ง รู้คุณค่าของตนเอง - มีการเสนอสัญญาด้วยความเอื้อเฟื้อเผื่อแผ่ในตัวผู้ประกอบการ-ผู้ประกอบการ ที่คาดหวังความสำเร็จกับสาธารณชนและคอลเลกชันที่ดี ดารารับเชิญระดับสองและนักแสดงรับเชิญที่อดอาหารครึ่งหนึ่งแตกต่างกัน ความหลงใหลนั้นพลุ่งพล่านใกล้กับกระบอกเสียงและความสนใจก็ถูกถักทอขึ้น - นั่นคือด้านที่ผิดของธุรกิจแผ่นเสียง
การรวบรวมบันทึกเริ่มเป็นที่นิยม: ในบ้านของพลเมืองที่ร่ำรวยมีห้องสมุดแผ่นเสียงที่มีตัวเลขนับร้อยหรือมากกว่า

คำศัพท์ที่พบบ่อยที่สุดซึ่งปรากฏมานานก่อนแนวคิดของวาไรตี้อาร์ทจะเกิดขึ้นคือ "วาไรตี้โชว์" แต่ไม่ใช่ในฐานะชื่อสถาบันคอนเสิร์ต แต่เป็นชื่อสำหรับศิลปะที่หลากหลาย หากเราหันกลับมาสู่ประวัติศาสตร์ของการเกิดขึ้นของแนวคิด "วาไรตี้โชว์" ต้นกำเนิดสามารถพบได้ในรายการความบันเทิงที่แสดงในร้านกาแฟและร้านอาหารในเขตอุตสาหกรรมของอังกฤษเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 คำว่า "วาไรตี้" ในภาษาฝรั่งเศสหมายถึงความหลากหลาย ความหลากหลาย คำนี้เริ่มรวมรูปแบบความบันเทิงทางศิลปะทั้งหมดเข้าด้วยกัน อันที่จริงการแสดงของศิลปินที่งานแสดงสินค้าในห้องโถงดนตรีในคอนเสิร์ตคาเฟ่ในโรงละครคาบาเร่ต์นั้นมีความหลากหลายแม้ว่าจะเป็นไปได้ที่จะสร้างขึ้นจากการวิเคราะห์เพิ่มเติม นี่ไม่ใช่หลักและโดดเด่น คุณสมบัติในด้านศิลปะนี้

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 โรงละครขนาดเล็กทุกประเภทเปิดในรัสเซียและเริ่มมีการใช้แนวคิดอื่น - เวทีซึ่งแสดงถึงการแสดงคอนเสิร์ตที่สนุกสนานในพื้นที่เปิดโล่ง ในปัจจุบัน ตามแนวคิดทั่วไปที่รวมศิลปะหลากหลายประเภทที่เข้าใจได้ง่าย เราควรยอมรับแนวคิดของ "ศิลปะวาไรตี้" (หรือศิลปะวาไรตี้แบบย่อ) ซึ่งใช้ในประวัติศาสตร์ศิลปะในประเทศมาเป็นเวลากว่าร้อยปีแล้ว
ในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ XX แล้ว คำว่า "วาไรตี้" เริ่มสั่นไหวในสื่อ ไม่เพียงแต่ในความหมายที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปในขณะนั้น - "นั่งร้าน ระดับความสูง ตัวอย่างเช่น สำหรับดนตรี" แต่ยังในวงกว้าง รวมทั้งนักแสดง นักเขียน กวี ที่มาที่ "นั่งร้าน" นี้ ". ในหน้าของนิตยสารที่เชื่อถือได้ "Golden Fleece" ในปี 1908 บทความ "Variety" ได้รับการตีพิมพ์ ผู้เขียนเห็นการต่อต้านที่เกิดขึ้นต่อหน้าทุกคนที่เข้าสู่เวทีอย่างเข้าใจ:

ก) เวทีจำเป็นสำหรับการพัฒนาและรักษาความสามารถและสำหรับการสร้างบุคลิกภาพของศิลปิน

b) ศิลปะวาไรตี้เป็นอันตรายต่อทั้งคู่

ผู้เขียนเห็น "ความชั่วร้าย" ในความปรารถนาของนักแสดงเพื่อความสำเร็จไม่ว่าจะด้วยราคาใดก็ตาม สอดคล้องกับรสนิยมของมวลชน การเปลี่ยนแปลงของศิลปะเป็นวิธีการเสริมแต่ง แหล่งที่มาของพรแห่งชีวิต อันที่จริงปรากฏการณ์ดังกล่าวมีอยู่ในเพลงป๊อปสมัยใหม่เช่นกันดังนั้นในงานของเราเราจึงแนะนำแนวคิดเช่น "วาไรตี้" นั่นคือการเล่น "เพื่อสาธารณะ" ความปรารถนาที่จะดึงดูดความสนใจของผู้ชมในทุกกรณี ในกรณีที่ไม่มีพรสวรรค์ที่แท้จริง รสนิยมและความรู้สึกของสัดส่วนในหมู่นักแสดง มักจะนำไปสู่ความชั่วร้ายที่ผู้เขียนบทความข้างต้นพูด มีบทความอื่น ๆ ที่ถือว่าเวทีนี้เป็นปรากฏการณ์ของวัฒนธรรมเมืองใหม่ ท้ายที่สุดแล้วในช่วงนี้การพึ่งพาอาศัยกันของบุคคลในสภาพธรรมชาติ (โดยหลักจากการเปลี่ยนแปลงของฤดูกาล) ค่อย ๆ ลดลงในเมืองซึ่งนำไปสู่การลืมปฏิทินและพิธีกรรมชาวบ้านไปสู่การเปลี่ยนแปลงในช่วงเวลาของวันหยุด desemantization และ deritualization เพื่อเปลี่ยนเป็น "พิธีการ" ตาม P.G. Bogatyrev ไปสู่รูปแบบทางวาจาที่เด่นชัดเหนือรูปแบบที่ไม่ใช่คำพูด ในปีเดียวกัน (พ.ศ. 2523-2533) ในรัสเซียการเกิดขึ้นของวัฒนธรรมมวลชนเกิดขึ้นซึ่งในทางกลับกันก็ทำซ้ำคุณสมบัติทั่วไปหลายอย่างของนิทานพื้นบ้านดั้งเดิมซึ่งโดดเด่นด้วยความสำคัญทางสังคมและการปรับตัวของผลงานที่โดดเด่นของพวกเขา การไม่เปิดเผยชื่อ การครอบงำของแบบแผนในบทกวีของพวกเขา แรงจูงใจของโครงเรื่องรองในข้อความบรรยาย ฯลฯ อย่างไรก็ตาม วัฒนธรรมมวลชนแตกต่างอย่างมากจากนิทานพื้นบ้านดั้งเดิมในเรื่อง "ความเป็นศูนย์กลางหลายจุด" ทางอุดมการณ์ เพิ่มความสามารถในการทำให้ผลิตภัณฑ์ของตนเป็นสากลเฉพาะเรื่องและสุนทรียภาพ และสำหรับการทำซ้ำ "สตรีม" ในรูปแบบของสำเนาที่เหมือนกันซึ่งคิดไม่ถึงสำหรับความคิดสร้างสรรค์ในช่องปาก
โดยทั่วไปในรัสเซีย เวทีในเมืองในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 มีลักษณะเฉพาะโดยการพึ่งพาผู้ชมที่เป็นเป้าหมาย ดังนั้น ความหลากหลายของรูปแบบ - จาก "ร้านเสริมสวย" ไปจนถึง "ประชาธิปไตย" ส่วนใหญ่ - กว้างมากและแตกต่างกันทั้งในธรรมชาติของ "เวที" และประเภทของนักแสดง ไม่ต้องพูดถึงละคร กระนั้น เราสามารถสรุปได้ว่าคำว่า "วาไรตี้" ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 ยังคงใช้ตามหน้าที่อย่างหมดจด: เป็น "ละครวาไรตี้" หรือ "การขับขานวาไรตี้" เป็นต้น นั่นคือ ไม่เพียงแต่เป็นคำจำกัดความของ เวทีที่การกระทำเกิดขึ้น แต่ยังเป็นองค์ประกอบของการแสดงความบันเทิงทางดนตรี

จากความต้องการที่เกิดขึ้นหลังเดือนตุลาคม ในการทำให้ "เวทีทุกประเภท" กลายเป็นชาติและวิสาหกิจเอกชนขนาดเล็ก นักแสดงเดี่ยวจำนวนมาก รวมทั้งกลุ่มเล็ก ๆ ที่มักเป็นครอบครัว ฯลฯ แนวความคิดของเวทีจึงเป็นที่ยอมรับว่า การกำหนดศิลปะแยกต่างหาก เป็นเวลาหลายทศวรรษในโซเวียตรัสเซีย และจากนั้นในสหภาพโซเวียต ระบบสำหรับการจัดการงานศิลปะนี้จะได้รับการพัฒนาและเปลี่ยนแปลง สมาคมต่างๆ จะถูกสร้างขึ้น รูปแบบที่ซับซ้อนหลายขั้นตอนของการอยู่ใต้บังคับบัญชาอิสระ ในสุนทรียศาสตร์ของสหภาพโซเวียต คำถามเกี่ยวกับความเป็นอิสระของศิลปะป๊อปอาร์ตยังคงเป็นที่ถกเถียงกันอยู่ มติประเภทต่างๆ บริษัทต่างๆ ได้ควบคุมแนวปฏิบัติด้านความหลากหลาย "การต่อสู้" กับการเสียดสี ความโรแมนติกของรัสเซียและยิปซี แจ๊ส ร็อค แท็ปแดนซ์ ฯลฯ ทำให้แนวการพัฒนาวาไรตี้ยืดตรงเกินจริง ส่งผลต่อวิวัฒนาการของแนวเพลง และชะตากรรมของศิลปินแต่ละคน

ในสารานุกรม Great Soviet ในปี 1934 บทความได้รับการตีพิมพ์เกี่ยวกับข้อเท็จจริงที่ว่าเวทีเป็นสาขาของศิลปะรูปแบบเล็ก ๆ แต่ในขณะเดียวกันคำถามเกี่ยวกับองค์ประกอบประเภทของเวทีไม่ได้กล่าวถึงในทางใดทางหนึ่ง ดังนั้นความสนใจจึงไม่ได้ให้ความสนใจมากนักต่อความสวยงามเท่ากับเนื้อหาทางสัณฐานวิทยาของคำนี้ สูตรเหล่านี้ไม่ได้เกิดขึ้นโดยบังเอิญ แต่สะท้อนภาพของการค้นหาในยุค 30 และ 40 เมื่อขอบเขตของเวทีขยายออกไปแทบไร้ขีดจำกัด ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ตามที่ E. Gershuni เขียนว่า "ศิลปะป๊อปอาร์ตเสนอราคาเพื่อความเท่าเทียมกับงานศิลปะ "ใหญ่" ... ประการแรกนี้เกิดจากการเกิดขึ้นในโซเวียตรัสเซียของผู้บุกเบิกศิลปะสมัยใหม่ PR - เทคโนโลยีทางสังคมของการควบคุมมวล อันที่จริง ผู้ให้ความบันเทิง (โดยปกติคือนักเคลื่อนไหวของสหภาพแรงงานในท้องถิ่น) เข้าควบคุมทางอุดมการณ์ ไม่เพียงแต่ในวันหยุดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงชีวิตประจำวันด้วย แน่นอนว่าไม่มีวันหยุดใดผ่านไปโดยไม่มีคอนเสิร์ตป๊อป ควรสังเกตว่าผู้ให้ความบันเทิงจำนวนมากในชีวิตประจำวันตามกฎแล้วมีความรู้สึกที่หลากหลาย ท้ายที่สุด เขาต้องอยู่ในความสนใจ ให้ความบันเทิง และสร้างความบันเทิงให้กับผู้ชมเสมอ

ในกระบวนการพัฒนาศิลปะของสหภาพโซเวียต เนื้อหาของคำว่า "ความหลากหลาย" ยังคงเปลี่ยนแปลงไป แนวคิดของวาไรตี้อาร์ทปรากฏขึ้นซึ่งถูกกำหนดให้เป็น “รูปแบบศิลปะที่รวมเอาสิ่งที่เรียกว่า การแสดงละครขนาดเล็ก นาฏศิลป์และเสียงร้อง ดนตรี การออกแบบท่าเต้น ละครสัตว์

อุตสาหกรรมการบันทึกเสียงของรัสเซียเริ่มพัฒนาในปี 2444 อันที่จริง ไม่ใช่รัสเซียทั้งหมด แต่เป็นอุตสาหกรรมของฝรั่งเศสในรัสเซีย: บริษัท Pate Marconi เปิดสาขาในรัสเซียและเริ่มบันทึกสถิติ เช่นเดียวกับในยุโรปนักร้องคนแรกที่บันทึกคือ Enrique Caruso ในรัสเซีย Fyodor Chaliapin นักร้องโอเปร่าที่มีชื่อเสียงระดับโลกก็กลายเป็นคนแรกเช่นกัน และเพลงรัสเซียชุดแรกรวมถึงในยุโรปก็มีดนตรีคลาสสิกด้วย

ภาพดนตรีของรัสเซียก่อนการปฏิวัติเสร็จสมบูรณ์ ดนตรีเชิงวิชาการและเพลงป๊อปอยู่ร่วมกันอย่างเป็นธรรมชาติในพื้นที่วัฒนธรรมเดียวกัน ซึ่งเพลงป๊อปพัฒนาในกระแสหลักทั่วไปของเนื้อเพลงแนวโรแมนติก (สะท้อนความหลากหลายและวิวัฒนาการ) และวัฒนธรรมการเต้นในสมัยนั้น สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยส่วนนิทานพื้นบ้านของเวที - คณะนักร้องประสานเสียง Pyatnitsky นักแสดงเพลงพื้นบ้าน - L. Dolina มหากาพย์ - Krivopolenova และ Prozorovskaya หลังจากความพ่ายแพ้ของการปฏิวัติครั้งแรก (1905) เพลงของเรือนจำ การลงโทษ และการเนรเทศก็ได้รับความนิยม ในรูปแบบของโคลงกลอนเฉพาะและเพลงล้อเลียน ศิลปินแสดงในบทบาทที่แตกต่างกัน: "tailcoats" - สำหรับผู้ชมที่ทันสมัย "bast shoes" - สำหรับชาวนา "ศิลปินประเภทฉีกขาด" - สำหรับก้นเมือง จังหวะการเต้นที่ได้รับความนิยมแทรกซึมจิตใจของผู้คนด้วยวงดนตรีซาลอนและวงดนตรีของเมืองซึ่งเชี่ยวชาญด้านการแสดงดนตรีเต้นรำ ในร้านเสริมสวยและสตูดิโอเรียนรู้แทงโก้, ฟ็อกซ์ทรอต, ชิมมี, สองขั้นตอน การแสดงครั้งแรกของ A. Vertinsky ในประเภทเรื่องสั้นทางดนตรีและบทกวีมีอายุย้อนไปถึงปี 1915

ความมั่งคั่งของเวทีรัสเซียเกิดขึ้นโดยมีการเติบโตอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อนของวิธีการใหม่ ๆ ของ "ข้อมูลมวลชน" เช่นบันทึกแผ่นเสียง ระหว่างปี 1900 ถึงปี 1907 มีการขายแผ่นเสียง 500,000 แผ่น และยอดจำหน่ายประจำปีมีมากถึง 20 ล้านแผ่น นอกจากดนตรีเบาแล้ว พวกเขายังมีความคลาสสิกมากมาย (ชาลิอาปิน, คารูโซ)
คณะนักร้องประสานเสียงยอดนิยมของ D.Agrenev-Slavyansky, I.Yukhov และคนอื่น ๆ ที่แสดงเพลงใน "สไตล์รัสเซีย" ("The Sun Rises and Sets", "Ukhar the Merchant" ฯลฯ ) แข่งขันกับนักแสดงเดี่ยว แข่งขันกับผู้เล่น balalaika นักร้องประสานเสียงรัสเซียผู้เล่นฮอร์นผู้เล่นพิณ

ในช่วงทศวรรษที่ 10 นักแสดงพื้นบ้านอย่างแท้จริงกลุ่มแรก เช่น วงดนตรีของ M. Pyatnitsky ได้รับชื่อเสียง ศิลปินที่มีสไตล์ "สนิทสนม" ของ chansonniers ฝรั่งเศสปรากฏในโรงภาพยนตร์และคาบาเร่ต์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโก (A. Vertinsky) ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 19 มีการแบ่งเพลงที่ชัดเจนออกเป็น "Philharmonic" (โรแมนติกคลาสสิก) และ "Variety" (ความรักแบบยิปซี, โรแมนติกแบบเก่า, เพลงแห่งอารมณ์) ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 เพลงมวลชนที่ร้องในการชุมนุมทางการเมืองและการประท้วงกลายเป็นที่แพร่หลาย เพลงนี้ถูกกำหนดมาเป็นเวลาหลายทศวรรษแล้วที่จะกลายเป็นเพลงป๊อปที่หลากหลายของโซเวียต

หลังปี 1917 สถานการณ์เริ่มเปลี่ยนไป สภาพทางอุดมการณ์เป็นปรากฏการณ์ที่ยังไม่เข้าใจอย่างถ่องแท้และยังไม่ได้ศึกษาอย่างเต็มที่ การปฏิวัติมีพื้นฐานมาจากแนวคิดทางวิญญาณที่ถูกปลูกฝังในสังคม ทำให้ผู้คนไม่มีสิทธิในการเลือก และตัดสินใจเลือกสิ่งนี้สำหรับพวกเขา แต่บุคคลนั้นประกอบขึ้นมากจนจิตสำนึกของเขาแม้จะมีทุกสิ่ง ขัดขืนสิ่งที่กำหนดไว้กับเขา แม้จะมาจากเจตนาที่ดีที่สุดก็ตาม รัฐตัดสินใจว่า "ต้องการ" คลาสสิก "ต้องการ" เพลงโซเวียต "จำเป็น" นิทานพื้นบ้าน และโดยไม่รู้ตัวแม้แต่งานชิ้นเอกของดนตรีคลาสสิกก็เริ่มถูกมองว่าเป็นส่วนหนึ่งของกลไกทางอุดมการณ์ของรัฐที่มุ่งเป้าไปที่การทำให้เป็นกลางของแต่ละบุคคลโดยแยก "ฉัน" ที่แยกจากกันเป็น "เรา" ที่เป็นเสาหิน

เพลงป๊อปในประเทศของเราเป็นส่วนที่มีอุดมการณ์น้อยที่สุดในกระบวนการทางดนตรี เธอกลายเป็นทางออกเดียวสำหรับประชาชนโซเวียตโดยไม่ได้ตั้งใจ บางอย่างเหมือนกับการจิบเสรีภาพ เพลงนี้อยู่ในใจของคนธรรมดาๆ ไม่ได้สื่ออะไร ดึงดูดความรู้สึกตามธรรมชาติ ไม่กดขี่ ไม่ข่มเหง แต่เพียงสื่อสารกับบุคคลในภาษาของเขา

รากฐานของเวทีกลับไปสู่อดีตอันไกลโพ้น ตามรอยศิลปะของอียิปต์ กรีซ โรม; องค์ประกอบของมันมีอยู่ในการแสดงของนักแสดงตลก - ตัวตลก (รัสเซีย), shpilmans (เยอรมนี), นักเล่นกล (ฝรั่งเศส), dandies (โปแลนด์), mascarabozes (เอเชียกลาง) เป็นต้น

การเสียดสีเกี่ยวกับชีวิตและขนบธรรมเนียมในเมือง เรื่องตลกที่เฉียบคมในหัวข้อทางการเมือง ทัศนคติที่สำคัญต่ออำนาจ บทกวี การล้อเลียนการ์ตูน เรื่องตลก เกม ละครใบ้ตัวตลก การเล่นกล ความผิดปกติทางดนตรีเป็นจุดเริ่มต้นของแนวเพลงป๊อปในอนาคตที่เกิดท่ามกลางเสียงของงานรื่นเริง และความบันเทิงสาธารณะ

Barkers ผู้ซึ่งใช้มุกตลก ไหวพริบ และกลอนตลกๆ ได้ขายสินค้าใดๆ ก็ตามในจัตุรัสและตลาด ต่อมาได้กลายเป็นผู้บุกเบิกของผู้ให้ความบันเทิง ทั้งหมดนี้มีลักษณะที่ใหญ่โตและเข้าใจได้ง่าย ซึ่งเป็นเงื่อนไขที่ขาดไม่ได้สำหรับการดำรงอยู่ของแนวเพลงป๊อปทั้งหมด ศิลปินงานรื่นเริงในยุคกลางทั้งหมดไม่ได้เล่นการแสดง

ในรัสเซียต้นกำเนิดของแนวเพลงป๊อปแสดงออกในรูปแบบตลกสนุกสนานและความคิดสร้างสรรค์มากมายของเทศกาลพื้นบ้าน ตัวแทนของพวกเขาคือคุณปู่ raus-jokers ที่มีเคราที่ขาดไม่ได้ซึ่งให้ความบันเทิงและเชิญผู้ชมจากเวทีบนของบูธ - raus, ผักชีฝรั่ง, raeshniks, ผู้นำของหมี "เรียนรู้", นักแสดง - ตัวตลก, เล่น "สเก็ตช์" และ "บรรเลง" ” ท่ามกลางฝูงชน, เล่นไปป์ , พิณ, น้ำมูก และทำให้ผู้คนขบขัน

ศิลปะวาไรตี้มีลักษณะเฉพาะเช่นการเปิดกว้าง, รัดกุม, ด้นสด, งานรื่นเริง, ความคิดริเริ่ม, ความบันเทิง

ดนตรีป๊อปที่พัฒนาขึ้นเพื่อเป็นศิลปะแห่งการพักผ่อนในเทศกาล ได้พยายามแสวงหาความแปลกใหม่และความหลากหลายมาโดยตลอด ความรู้สึกของงานเฉลิมฉลองเกิดขึ้นจากความบันเทิงภายนอก การเล่นแสง การเปลี่ยนแปลงของทัศนียภาพที่งดงาม การเปลี่ยนแปลงรูปร่างของเวที ฯลฯ แม้ว่าที่จริงแล้วความหลากหลายของรูปแบบและประเภทเป็นลักษณะของเวที แต่ก็สามารถแบ่งออกเป็นสามกลุ่ม:

เวทีคอนเสิร์ต (ก่อนหน้านี้เรียกว่า "divertissement") รวมการแสดงทุกประเภทในคอนเสิร์ตวาไรตี้

เวทีการแสดงละคร (การแสดงในห้องของโรงละครขนาดเล็ก, โรงละครคาบาเร่ต์, โรงละครคาเฟ่หรือการแสดงคอนเสิร์ตขนาดใหญ่, หอแสดงดนตรี, พร้อมเจ้าหน้าที่การแสดงขนาดใหญ่และอุปกรณ์บนเวทีชั้นหนึ่ง);

เวทีรื่นเริง (เทศกาลพื้นบ้าน วันหยุดที่สนามกีฬา เต็มไปด้วยกีฬาและคอนเสิร์ต เช่นเดียวกับลูกบอล งานคาร์นิวัล หน้ากาก เทศกาล ฯลฯ)

นอกจากนี้ยังมีสิ่งเหล่านี้:

3. 1. โรงละครวาไรตี้

3.1.1. หอดนตรี

หากพื้นฐานของการแสดงวาไรตี้เป็นตัวเลขที่เสร็จสิ้น การทบทวนก็เหมือนกับการแสดงละครใดๆ ก็ตาม จำเป็นต้องมีการอยู่ใต้บังคับบัญชาของทุกสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีกับโครงเรื่อง ตามกฎแล้วสิ่งนี้ไม่ได้รวมเข้าด้วยกันและนำไปสู่การลดทอนองค์ประกอบหนึ่งในการนำเสนอ: ทั้งประสิทธิภาพหรือตัวละครหรือพล็อต สิ่งนี้เกิดขึ้นระหว่างการผลิต "ปาฏิหาริย์แห่งศตวรรษที่ 20" - บทละครแบ่งออกเป็นตอนที่เป็นอิสระและเชื่อมโยงกันอย่างหลวม ๆ เฉพาะคณะบัลเล่ต์และการแสดงละครสัตว์และวาไรตี้ระดับเฟิร์สคลาสเท่านั้นที่ประสบความสำเร็จกับผู้ชม วงดนตรีบัลเลต์แสดงโดย Goleizovsky แสดงสามตัวเลข: "เฮ้ Let's Go!", "มอสโกในสายฝน" และ "30 English Girls" การแสดงของ "งู" นั้นงดงามเป็นพิเศษ ในบรรดาตัวเลขละครสัตว์ที่ดีที่สุด ได้แก่ Tea Alba และ "Australian Lumberjacks" Jackson และ Laurer อัลบ้าเขียนคำที่แตกต่างกันด้วยชอล์กบนกระดานสองแผ่นด้วยมือขวาและมือซ้ายของเธอ คนตัดไม้ในตอนท้ายของการแข่งขันกำลังตัดท่อนซุงหนาสองท่อน German Strodi แสดงหมายเลขยอดดุลที่ยอดเยี่ยมบนเส้นลวด เขาตีลังกาด้วยลวด ในบรรดาศิลปินโซเวียตเช่นเคย Smirnov-Sokolsky และ V. Glebova และ M. Darskaya ประสบความสำเร็จอย่างมาก ในบรรดาตัวเลขละครสัตว์ จำนวนของ Zoya และ Martha Koch โดดเด่นบนสายคู่ขนานสองเส้น

ในเดือนกันยายน พ.ศ. 2471 การเปิด Leningrad Music Hall เกิดขึ้น

3. 1.2. THEATER OF MINIATURES - กลุ่มโรงละครที่ทำงานในรูปแบบขนาดเล็กเป็นหลัก: ละครเล็ก, สเก็ตช์, สเก็ตช์, โอเปร่า, โอเปร่าพร้อมกับตัวเลขหลากหลาย (บทพูด, บทกวี, ล้อเลียน, การเต้นรำ, เพลง) ละครมีอารมณ์ขัน เสียดสี ประชดประชัน และเนื้อร้องไม่รวมอยู่ด้วย คณะมีขนาดเล็กโรงละครของนักแสดงหนึ่งคนนักแสดงสองคนเป็นไปได้ การแสดงที่พูดน้อยในการออกแบบได้รับการออกแบบมาสำหรับผู้ชมที่ค่อนข้างเล็กซึ่งเป็นตัวแทนของผืนผ้าใบโมเสค

3. 1.3. ประเภทการพูดบนเวที - สัญลักษณ์ของประเภทที่เกี่ยวข้องกับคำเป็นหลัก: ผู้ให้ความบันเทิง, สลับฉาก, เสียขวัญ, สเก็ตช์, เรื่องราว, คนเดียว, เฟยอิลเลตัน, จิ๋ว (เรื่องเล็ก ๆ น้อย ๆ ที่แสดงฉาก), burime

ผู้ให้ความบันเทิง - ผู้ให้ความบันเทิงสามารถจับคู่ โสด เป็นกลุ่ม ประเภทภาษาพูดที่สร้างขึ้นตามกฎของ "ความสามัคคีและการต่อสู้ของสิ่งตรงกันข้าม" นั่นคือการเปลี่ยนจากปริมาณเป็นคุณภาพตามหลักการเสียดสี

วาไรตี้คนเดียว - สามารถเหน็บแนมโคลงสั้น ๆ อารมณ์ขัน

การสลับฉากเป็นฉากการ์ตูนหรือเพลงที่มีเนื้อหาขี้เล่น ซึ่งแสดงเป็นตัวเลขอิสระ

ภาพร่างเป็นฉากเล็ก ๆ ที่ความน่าสนใจกำลังพัฒนาอย่างรวดเร็ว โดยที่โครงเรื่องที่ง่ายที่สุดถูกสร้างขึ้นจากสถานการณ์ที่ตลกขบขันและเฉียบคมที่ไม่คาดคิด ซึ่งทำให้เรื่องไร้สาระทั้งชุดเกิดขึ้นในการดำเนินการ แต่ทุกอย่างมักจะจบลงด้วยความสุข ข้อไขข้อข้องใจ นักแสดง 1-2 คน (แต่ไม่เกินสามคน)

จิ๋วเป็นแนวเพลงที่นิยมใช้กันมากที่สุดในเพลงป๊อป บนเวทีวันนี้ เกร็ดเล็กเกร็ดน้อยยอดนิยม (ไม่ได้ตีพิมพ์ ไม่ได้พิมพ์ - จากภาษากรีก) เป็นเรื่องราวปากเปล่าสั้นๆ ที่มีตอนจบที่เฉียบแหลมอย่างคาดไม่ถึง

ปุนเป็นเรื่องตลกที่มีพื้นฐานมาจากการใช้คำที่ฟังดูคล้ายคลึงกันแต่ให้เสียงต่างกันอย่างตลกขบขันเพื่อเล่นกับเสียงที่คล้ายคลึงกันของคำหรือชุดค่าผสมที่เทียบเท่ากัน

การบรรเลงเป็นประเภทภาษาพูดสั้นๆ ที่พบบ่อยที่สุด

โคลงกลอนเป็นหนึ่งในประเภทภาษาพูดที่เข้าใจง่ายและเป็นที่นิยมมากที่สุด คู่รักพยายามเยาะเย้ยปรากฏการณ์นี้หรือปรากฏการณ์นั้นและแสดงทัศนคติต่อสิ่งนี้ ต้องมีอารมณ์ขัน

ประเภทดนตรีและภาษาพูด ได้แก่ โคลงกลอน บทกลอน บทเพลงไพเราะ

การล้อเลียนทั่วไปบนเวทีอาจเป็น "ภาษาพูด" เสียงร้อง ดนตรี การเต้นรำ กาลครั้งหนึ่ง, การท่องท่วงทำนอง, การตัดต่อวรรณกรรม, "การอ่านอย่างมีศิลปะ" เป็นแนวสุนทรพจน์ที่อยู่ติดกัน

เป็นไปไม่ได้ที่จะแสดงรายการประเภทคำพูดที่แน่นอน: การสังเคราะห์คำที่ไม่คาดคิดด้วยดนตรี, การเต้นรำ, ประเภทดั้งเดิม (การแปลง, ventrology, ฯลฯ ) ก่อให้เกิดรูปแบบใหม่ การฝึกซ้อมแบบสดมีหลากหลายรูปแบบอย่างต่อเนื่อง ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในโปสเตอร์เก่าๆ เป็นเรื่องปกติที่จะเพิ่ม "ในประเภทของเขา" ให้กับชื่อของนักแสดง

ประเภทของคำพูดข้างต้นแต่ละประเภทมีลักษณะของตัวเอง ประวัติ โครงสร้างของตัวเอง พัฒนาการของสังคม สภาพสังคม เป็นตัวกำหนดการเกิดขึ้นของประเภทใดประเภทหนึ่งให้อยู่ในระดับแนวหน้า อันที่จริง มีเพียงผู้ให้ความบันเทิงที่เกิดในคาบาเร่ต์เท่านั้นที่สามารถถือเป็นประเภท "วาไรตี้" ได้ ส่วนที่เหลือมาจากบูธ โรงละคร จากหน้านิตยสารตลกและเสียดสี ประเภทของคำพูดไม่เหมือนคนอื่น ๆ มีแนวโน้มที่จะเชี่ยวชาญในการสร้างสรรค์นวัตกรรมจากต่างประเทศซึ่งพัฒนาขึ้นตามประเพณีของชาติโดยสัมพันธ์กับโรงละครอย่างใกล้ชิดพร้อมวรรณกรรมตลก

การพัฒนาประเภทคำพูดนั้นสัมพันธ์กับระดับของวรรณกรรม เบื้องหลังนักแสดงคือผู้เขียนที่ "ตาย" ในนักแสดง และถึงกระนั้น คุณค่าที่แท้จริงของการแสดงก็ไม่ได้เบี่ยงเบนไปจากความสำคัญของผู้เขียน ซึ่งส่วนใหญ่เป็นผู้กำหนดความสำเร็จของการแสดง ผู้เขียนมักจะกลายเป็นศิลปินเอง ประเพณีของ I. Gorbunov ถูกหยิบขึ้นมาโดยนักเล่าเรื่องป๊อป - Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov และคนอื่น ๆ สร้างละครของตัวเอง นักแสดงที่ไม่มีพรสวรรค์ด้านวรรณกรรมหันไปหาผู้เขียนเพื่อขอความช่วยเหลือซึ่งเขียนโดยพิจารณาจากการแสดงปากเปล่าโดยคำนึงถึง หน้ากากของนักแสดง ตามกฎแล้วผู้เขียนเหล่านี้ยังคงเป็น "นิรนาม" หลายปีที่ผ่านมา มีการพูดคุยถึงคำถามในสื่อว่างานที่เขียนเพื่อการแสดงบนเวทีถือเป็นวรรณกรรมหรือไม่ ในช่วงต้นทศวรรษ 1980 มีการสร้าง All-Union และ All-Russian Association of Variety Authors ซึ่งช่วยให้กิจกรรมวรรณกรรมประเภทนี้ถูกต้องตามกฎหมาย "การไม่เปิดเผยชื่อ" ของผู้เขียนเป็นเรื่องของอดีต นอกจากนี้ ผู้เขียนเองก็ขึ้นเวทีด้วย ในตอนท้ายของยุค 70 รายการ "เบื้องหลังเสียงหัวเราะ" ได้รับการเผยแพร่ซึ่งรวบรวมตามประเภทของคอนเสิร์ต แต่เฉพาะจากการแสดงของนักเขียนเพลงป๊อปเท่านั้น หากในปีที่ผ่านมามีเพียงนักเขียนแต่ละคน (Averchenko, Ardov, Laskin) เท่านั้นที่คิดโปรแกรมของตัวเองขึ้นมาตอนนี้ปรากฏการณ์นี้ได้กลายเป็นที่แพร่หลาย ปรากฏการณ์ของ M. Zhvanetsky มีส่วนอย่างมากต่อความสำเร็จ เมื่อเริ่มต้นในยุค 60 ในฐานะผู้แต่งโรงละครเลนินกราดของจิ๋วเขาหลีกเลี่ยงการเซ็นเซอร์เริ่มอ่านบทพูดและบทสนทนาสั้น ๆ ของเขาในตอนเย็นที่ปิดในบ้านของ Creative Intelligentsia ซึ่งเช่นเดียวกับเพลงของ Vysotsky ถูกเผยแพร่ทั่วประเทศ .

3. แจ๊สบนขาตั้ง

คำว่า "แจ๊ส" เป็นที่เข้าใจกันโดยทั่วไปว่า: 1) ประเภทของศิลปะดนตรีที่มีพื้นฐานมาจากด้นสดและความเข้มข้นของจังหวะพิเศษ 2) ออเคสตราและวงดนตรีที่แสดงดนตรีนี้ คำว่า "วงดนตรีแจ๊ส", "วงดนตรีแจ๊ส" ยังใช้เพื่อกำหนดกลุ่ม (บางครั้งระบุจำนวนนักแสดง - แจ๊สทริโอ, วงแจ๊ซ, แจ๊สออร์เคสตรา, บิ๊กแบนด์)

4. เพลงบนขาตั้ง

แกนนำ (โวคอล-เครื่องดนตรี) จิ๋ว ใช้กันอย่างแพร่หลายในการซ้อมคอนเสิร์ต บนเวทีมักถูกแก้ไขเป็น "เกม" ขนาดเล็กบนเวทีด้วยความช่วยเหลือของพลาสติก, เครื่องแต่งกาย, แสง, ฉาก mise-en-scene ("โรงละครเพลง"); สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งคือบุคลิกภาพ คุณสมบัติของพรสวรรค์และทักษะของนักแสดง ซึ่งในบางกรณีกลายเป็น "ผู้เขียนร่วม" ของนักแต่งเพลง

แนวเพลงและรูปแบบของเพลงมีหลากหลาย: โรแมนติก บัลลาด เพลงพื้นบ้าน โคลง ditty chansonette ฯลฯ ; วิธีการแสดงก็หลากหลายเช่นกัน: โซโล, วงดนตรี (ดูเอ็ท, นักร้องประสานเสียง, wok-instr. ตระการตา)

นอกจากนี้ยังมีกลุ่มนักแต่งเพลงในหมู่นักดนตรีป๊อปอีกด้วย เหล่านี้คือ Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk และอื่น ๆ

สไตล์ มารยาท และเทรนด์มากมายอยู่ร่วมกัน - จากศิลปที่ไร้อารมณ์และความโรแมนติกในเมืองไปจนถึงพังค์ร็อกและแร็พ ดังนั้น เพลงของวันนี้จึงเป็นแผงหลากสีและหลายสไตล์ ซึ่งรวมถึงทิศทางต่างๆ นับสิบ ตั้งแต่การเลียนแบบนิทานพื้นบ้านไปจนถึงการเพาะเชื้อในวัฒนธรรมแอฟริกัน-อเมริกัน ยุโรป และเอเชีย

5. เต้นรำบนขาตั้ง

เป็นเพลงแดนซ์สั้นๆ เดี่ยวหรือกลุ่ม นำเสนอในคอนเสิร์ตวาไรตี้แบบกลุ่ม วาไรตี้โชว์ หอแสดงดนตรี โรงละครขนาดเล็ก มาพร้อมกับและเสริมโปรแกรมของนักร้อง จำนวนประเภทต้นฉบับและแม้กระทั่งคำพูด มันถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของการเต้นรำพื้นบ้านทุกวัน (ห้องบอลรูม), บัลเล่ต์คลาสสิก, การเต้นรำสมัยใหม่, ยิมนาสติกกีฬา, การแสดงผาดโผนบนการผสมผสานของอิทธิพลจากต่างประเทศและประเพณีของชาติต่างๆ ธรรมชาติของการเต้นปั้นเป็นพลาสติกถูกกำหนดโดยจังหวะสมัยใหม่ ซึ่งเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของศิลปะที่เกี่ยวข้อง: ดนตรี ละครเวที ภาพวาด ละครสัตว์ ละครใบ้

การเต้นรำพื้นบ้านเดิมรวมอยู่ในการแสดงของคณะในเมืองหลวง ละครประกอบด้วยการแสดงละครเพื่อเปลี่ยนวิถีชีวิตในชนบท เมือง และการทหาร การแสดงร้องและเต้นจากเพลงพื้นบ้านและการเต้นรำของรัสเซีย

ในช่วงทศวรรษ 1990 การเต้นรำบนเวทีมีการแบ่งขั้วอย่างรวดเร็ว ราวกับว่ากำลังหวนคืนสู่สถานการณ์ในปี ค.ศ. 1920 กลุ่มเต้นรำที่ประกอบธุรกิจการแสดง เช่น การเต้นรำเร้าอารมณ์ และอื่นๆ พึ่งพาเรื่องโป๊เปลือย การแสดงในไนท์คลับจะกำหนดกฎหมายของพวกเขาเอง

6. ตุ๊กตาบนขาตั้ง

ตั้งแต่สมัยโบราณ ผู้คนในรัสเซียให้คุณค่ากับงานหัตถกรรม รักของเล่น และเคารพเกมสนุกๆ กับตุ๊กตา Petrushka จัดการกับทหาร, ตำรวจ, นักบวช, และแม้กระทั่งความตายเอง, ควงไม้กระบองอย่างกล้าหาญ, วางลงบนจุดที่ผู้คนไม่ชอบ, ล้มล้างความชั่วร้าย, ยืนยันศีลธรรมของผู้คน

Petrushechniks เดินคนเดียวบางครั้งอยู่ด้วยกัน: เชิดหุ่นและนักดนตรีพวกเขาแต่งบทละครพวกเขาเองเป็นนักแสดงผู้กำกับเอง - พวกเขาพยายามรักษาการเคลื่อนไหวของหุ่นเชิดฉากฉากกลหุ่น นักเชิดหุ่นถูกข่มเหง

มีแว่นตาอื่น ๆ ที่หุ่นแสดง บนถนนของรัสเซียสามารถพบกับรถตู้ที่บรรทุกหุ่นกระบอก - หุ่นกระบอก และบางครั้งกล่องที่มีช่องเสียบอยู่ข้างในซึ่งตุ๊กตาถูกย้ายจากด้านล่าง กล่องดังกล่าวเรียกว่าฉากการประสูติ นักเชิดหุ่นเชี่ยวชาญศิลปะการเลียนแบบ พวกเขาชอบวาดภาพนักร้อง นักกายกรรม นักยิมนาสติก ตัวตลก

7. ล้อเลียนบนสแตนด์

นี่คือตัวเลขหรือการแสดงที่มีพื้นฐานมาจากการเลียนแบบที่น่าขัน (การเลียนแบบ) ของทั้งลักษณะเฉพาะตัว สไตล์ ลักษณะเฉพาะ และแบบแผนของต้นฉบับ ตลอดจนแนวโน้มและประเภททั้งหมดในงานศิลปะ ความกว้างของการ์ตูน: จากเสียดสีอย่างรุนแรง (เสื่อมเสีย) ไปเป็นอารมณ์ขัน (ล้อเลียนที่เป็นมิตร) - ถูกกำหนดโดยทัศนคติของนักล้อเลียนกับต้นฉบับ ล้อเลียนมีรากฐานมาจากศิลปะโบราณในรัสเซียมีเกมตัวตลกการแสดงตลกมานานแล้ว

8. โรงละครขนาดเล็ก

การสร้างในรัสเซียของโรงละครคาบาเร่ต์ "The Bat", "Crooked Mirror" ฯลฯ

ทั้ง "Crooked Mirror" และ "The Bat" เป็นกลุ่มการแสดงที่แข็งแกร่งอย่างมืออาชีพ ระดับของวัฒนธรรมการละครซึ่งสูงกว่าโรงภาพยนตร์ขนาดเล็กหลายแห่งอย่างไม่ต้องสงสัย (Petrovsky โดดเด่นกว่าคนอื่นๆ ในมอสโก ผู้กำกับคือ D.G. Gutman, Mamonovsky ผู้ งานศิลปะที่เสื่อมโทรมซึ่ง Alexander Vertinsky เปิดตัวในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง Nikolsky - ศิลปินและผู้กำกับ A.P. Petrovsky ในบรรดาเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - Troitsky A.M. Fokina - ผู้กำกับ V.R. V.O. Toporkov ต่อมาเป็นศิลปินของโรงละครศิลปะได้ดำเนินการอย่างประสบความสำเร็จในฐานะ ผู้ให้ความบันเทิง

4. ประเภทดนตรีบนเวที หลักการพื้นฐาน เทคนิค และการกำกับ

มีหลากหลายประเภท:

1 เพลงละตินอเมริกา

เพลงละตินอเมริกา (ดนตรีสเปนละตินอเมริกา) เป็นชื่อทั่วไปสำหรับรูปแบบดนตรีและแนวเพลงของประเทศในละตินอเมริกาตลอดจนเพลงของผู้คนจากประเทศเหล่านี้ซึ่งอาศัยอยู่ในรัฐอื่น ๆ และก่อตัวเป็นชุมชนละตินอเมริกาขนาดใหญ่ (เช่นใน ประเทศสหรัฐอเมริกา). ในภาษาพูด มักใช้ชื่อย่อว่า "เพลงละติน" (ดนตรีสเปน ลาตินา)

ดนตรีลาตินอเมริกาซึ่งมีบทบาทในชีวิตประจำวันของละตินอเมริกาสูงมาก เป็นการผสมผสานระหว่างวัฒนธรรมทางดนตรีมากมาย แต่มีพื้นฐานมาจากสามองค์ประกอบ: วัฒนธรรมดนตรีสเปน (หรือโปรตุเกส) แอฟริกันและอินเดีย ตามกฎแล้ว เพลงละตินอเมริกาจะแสดงเป็นภาษาสเปนหรือโปรตุเกส และไม่บ่อยนักในภาษาฝรั่งเศส นักแสดงชาวละตินอเมริกาที่อาศัยอยู่ในสหรัฐอเมริกามักจะพูดได้สองภาษาและมักใช้เนื้อเพลงภาษาอังกฤษ

เพลงภาษาสเปนและโปรตุเกสที่เหมาะสมไม่ได้เป็นของละตินอเมริกา แต่มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับเพลงหลังด้วยการเชื่อมต่อจำนวนมาก ยิ่งไปกว่านั้น อิทธิพลของดนตรีสเปนและโปรตุเกสที่มีต่อละตินอเมริกาก็มีส่วนร่วมกัน

แม้ว่าที่จริงแล้วดนตรีลาตินอเมริกาจะมีความแตกต่างกันอย่างมากและมีลักษณะเฉพาะในแต่ละประเทศในละตินอเมริกา แต่ตามรูปแบบแล้ว ดนตรีก็สามารถแบ่งออกเป็นรูปแบบภูมิภาคหลักๆ ได้หลายแบบ:

* เพลงแอนเดียน;

* เพลงอเมริกากลาง;

* เพลงแคริบเบียน;

* เพลงอาร์เจนติน่า;

* เพลงเม็กซิกัน;

* เพลงบราซิล

อย่างไรก็ตาม ควรระลึกไว้เสมอว่าการแบ่งกลุ่มดังกล่าวเป็นไปโดยพลการและขอบเขตของรูปแบบดนตรีเหล่านี้ไม่ชัดเจน

บลูส์ (อังกฤษบลูส์จากบลูเดวิลส์) เป็นแนวเพลงที่แพร่หลายในยุค 20 ของศตวรรษที่ XX มันเป็นหนึ่งในความสำเร็จของวัฒนธรรมแอฟริกันอเมริกัน มันถูกสร้างขึ้นจากแนวโน้มทางดนตรีชาติพันธุ์ของสังคมแอฟริกันอเมริกันเช่น "เพลงงาน" (เพลงประกอบภาษาอังกฤษ) "เพลงจิตวิญญาณ" (eng. จิตวิญญาณ) และอหิวาตกโรค (eng. Holler) เขามีอิทธิพลต่อดนตรีป็อปสมัยใหม่ในหลาย ๆ ด้าน โดยเฉพาะอย่างยิ่งแนวเพลงเช่น "ป๊อป" (เพลงป๊อปอังกฤษ), "แจ๊ส" (แจ๊สอังกฤษ), "ร็อกแอนด์โรล" (ร็อกแอนด์โรลอังกฤษ) รูปแบบที่โดดเด่นของ 4/4 บลูส์ โดยที่ 4 มาตรการแรกมักจะเล่นบนความกลมกลืนของยาชูกำลัง 2 อันบน subdominant และ tonic และ 2 อันบน dominant และ tonic การสลับนี้เรียกอีกอย่างว่าความก้าวหน้าของบลูส์ มักใช้จังหวะของแฝดแปดที่มีการหยุดชั่วคราว - การสับเปลี่ยนที่เรียกว่า คุณลักษณะเฉพาะของบลูส์คือ "โน้ตสีน้ำเงิน" บ่อยครั้งที่ดนตรีถูกสร้างขึ้นตามโครงสร้าง "คำถาม - คำตอบ" ซึ่งแสดงทั้งในเนื้อหาที่เป็นโคลงสั้น ๆ ของการแต่งเพลงและในเนื้อหาดนตรีซึ่งมักสร้างขึ้นจากบทสนทนาของเครื่องดนตรีด้วยกัน บลูส์เป็นรูปแบบการแสดงด้นสดของประเภทดนตรี ซึ่งการประพันธ์มักใช้เฉพาะ "เฟรม" ที่รองรับหลักเท่านั้น ซึ่งใช้เครื่องดนตรีเดี่ยวพ่ายแพ้ ธีมบลูส์ดั้งเดิมสร้างขึ้นจากองค์ประกอบทางสังคมที่เย้ายวนของชีวิตของชาวแอฟริกันอเมริกัน ความยากลำบากและอุปสรรคที่เกิดขึ้นในทางของคนผิวดำทุกคน

แจ๊สเป็นศิลปะดนตรีรูปแบบหนึ่งที่เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ในสหรัฐอเมริกา อันเป็นผลมาจากการสังเคราะห์วัฒนธรรมแอฟริกันและยุโรป และต่อมาแพร่หลายไปทั่ว ลักษณะเฉพาะของภาษาดนตรีของแจ๊สในขั้นต้นคือด้นสด โพลีริธึมที่อิงตามจังหวะที่ซิงโครไนซ์ และชุดเทคนิคเฉพาะสำหรับการแสดงเท็กซ์เจอร์จังหวะ - วงสวิง การพัฒนาแจ๊สเพิ่มเติมเกิดขึ้นจากการพัฒนารูปแบบจังหวะและฮาร์โมนิกใหม่โดยนักดนตรีและนักแต่งเพลงแจ๊ส

Country รวมเอานิทานพื้นบ้านอเมริกันสองประเภทเข้าด้วยกัน - ดนตรีของผู้ตั้งถิ่นฐานผิวขาวที่ตั้งรกรากอยู่ในโลกใหม่ในศตวรรษที่ 17-18 และเพลงบัลลาดคาวบอยของ Wild West ดนตรีนี้มีมรดกตกทอดมาจากเพลงมาดริกาลอลิซาเบธ ดนตรีพื้นบ้านไอริชและสก็อต เครื่องดนตรีหลักของสไตล์นี้คือกีตาร์ แบนโจ และไวโอลิน

"The Little Old Log Cabin in the Lane" เป็นเพลงคันทรี่เพลงแรกที่เขียนขึ้นในปี 1871 โดย Will Heiss of Kentucky 53 ปีต่อมา ฟิดดีน จอห์น คาร์สันบันทึกการประพันธ์นี้ไว้ในบันทึก ในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2468 รายการวิทยุ Grand Ole Opry เริ่มต้นขึ้นซึ่งจนถึงปัจจุบันมีการถ่ายทอดสดการแสดงคอนเสิร์ตของดาราคันทรี

ประเทศในฐานะอุตสาหกรรมเพลงเริ่มได้รับแรงผลักดันในช่วงปลายทศวรรษ 1940 ขอบคุณความสำเร็จของแฮงค์ วิลเลียมส์ (1923-53) ซึ่งไม่เพียงแต่สร้างภาพลักษณ์ของนักแสดงคันทรี่สำหรับคนรุ่นต่อๆ มาเท่านั้น แต่ยังได้สรุปประเด็นทั่วไปของแนวเพลงดังกล่าวด้วย เช่น ความรักที่น่าเศร้า ความเหงา และความยากลำบากของชีวิตการทำงาน เมื่อถึงเวลานั้น ดนตรีคันทรีมีสไตล์ที่แตกต่างกัน: วงสวิงแบบตะวันตกซึ่งใช้หลักการจัดเรียงจาก Dixieland - ที่นี่ราชาแห่งประเภทนี้คือ Bob Wills และ Texas Playboys ของเขา บลูแกรสส์ ครอบงำโดยผู้ก่อตั้งบิลมอนโร; สไตล์ของนักดนตรีอย่างแฮงค์ วิลเลียมส์ ถูกเรียกว่าคนบ้านนอก ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 ประเทศพร้อมกับองค์ประกอบจากประเภทอื่น ๆ (พระกิตติคุณ จังหวะ และบลูส์) ให้กำเนิดร็อคแอนด์โรล ประเภทขอบเขตปรากฏขึ้นทันที - อะบิลลี - มันมาจากเขาที่นักร้องเช่น Elvis Presley, Carl Perkins และ Johnny Cash เริ่มอาชีพของพวกเขา - ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่พวกเขาทั้งหมดบันทึกไว้ในสตูดิโอ Sun Records เดียวกันของเมมฟิส ต้องขอบคุณความสำเร็จของอัลบั้ม Gunfighter Ballads and Trail Songs ของมาร์ตี้ ร็อบบินส์ (1959) ที่ทำให้แนวเพลงคันทรีและตะวันตกแตกต่างออกไป โดยถูกครอบงำด้วยฉากจากชีวิตของไวลด์เวสต์

Chanson (fr. chanson - "เพลง") - ประเภทของเสียงร้อง; คำนี้ใช้ในความหมายสองประการ:

2) เพลงป๊อปฝรั่งเศสในสไตล์คาบาเร่ต์ (เอียงเป็นภาษารัสเซีย)

Blatna? I'm Sing (นิทานพื้นบ้านอาชญากร blatnyak) เป็นประเภทเพลงที่ร้องเกี่ยวกับชีวิตและขนบธรรมเนียมของสภาพแวดล้อมทางอาญาซึ่งเดิมออกแบบมาสำหรับสภาพแวดล้อมของนักโทษและผู้คนที่ใกล้ชิดกับนรก มีต้นกำเนิดในจักรวรรดิรัสเซียและแพร่หลายในสหภาพโซเวียตและต่อมาในกลุ่มประเทศ CIS เมื่อเวลาผ่านไป ในรูปแบบของเพลงอาชญากร เพลงเริ่มถูกเขียนขึ้นที่นอกเหนือไปจากธีมของอาชญากร แต่ยังคงคุณลักษณะเฉพาะของมันไว้ (ทำนอง ศัพท์แสง การบรรยาย การมองโลกทัศน์) ตั้งแต่ปี 1990 เพลงอาชญากรในวงการเพลงรัสเซียได้ออกวางตลาดภายใต้ชื่อ "Russian chanson" (เปรียบเทียบสถานีวิทยุและรางวัลในชื่อเดียวกัน)

ความโรแมนติกในดนตรีเป็นการประพันธ์เสียงร้องที่เขียนขึ้นในบทกวีสั้น ๆ ที่มีเนื้อหาเป็นโคลงสั้น ๆ ซึ่งส่วนใหญ่เป็นความรัก

เพลงของผู้แต่งหรือเพลงกวีเป็นแนวเพลงที่เกิดขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 ในสหภาพโซเวียต ประเภทนี้เติบโตขึ้นในปี 1950 และ 1960 จากศิลปะสมัครเล่นโดยไม่คำนึงถึงนโยบายทางวัฒนธรรมของทางการโซเวียตและได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว เน้นหลักอยู่ที่บทกวีของข้อความ

6 ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์

ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ (จากภาษาอังกฤษ ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ หรือเรียกอีกอย่างว่า "อิเล็กทรอนิกส์") เป็นแนวดนตรีกว้างๆ ที่หมายถึงดนตรีที่สร้างขึ้นโดยใช้เครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ แม้ว่าเครื่องดนตรีอิเล็กทรอนิกส์เครื่องแรกจะปรากฏขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 แต่ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์เป็นประเภทที่พัฒนาขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 และรวมถึงเครื่องดนตรีหลายสิบชนิดในตอนต้นของศตวรรษที่ 21

7 เพลงร็อค

เพลงร็อค (อังกฤษ. Rock music) เป็นชื่อเรียกทั่วไปของเพลงยอดนิยมหลายด้าน คำว่า "ร็อค" - การแกว่ง - ในกรณีนี้บ่งบอกถึงลักษณะความรู้สึกเป็นจังหวะของทิศทางเหล่านี้ที่เกี่ยวข้องกับรูปแบบการเคลื่อนไหวบางอย่างโดยเปรียบเทียบกับ "ม้วน", "บิด", "แกว่ง", "เขย่า" เป็นต้น สัญญาณดนตรีร็อคเนื่องจากการใช้เครื่องดนตรีไฟฟ้าความพอเพียงอย่างสร้างสรรค์ (สำหรับนักดนตรีร็อคเป็นเรื่องปกติที่จะแสดงองค์ประกอบของตัวเอง) เป็นเรื่องรองและมักทำให้เข้าใจผิด ด้วยเหตุนี้ ความเกี่ยวข้องของดนตรีบางรูปแบบกับร็อคจึงเป็นที่ถกเถียงกัน ร็อคยังเป็นปรากฏการณ์พิเศษทางวัฒนธรรม วัฒนธรรมย่อยเช่น mods, hippies, punks, metalheads, goths, emo นั้นเชื่อมโยงกับดนตรีร็อคบางประเภทอย่างแยกไม่ออก

ดนตรีร็อคมีทิศทางมากมาย ตั้งแต่แนวเพลงเบาๆ เช่น ร็อคแอนด์โรลที่เต้นได้ ป๊อปร็อค บริตป็อป ไปจนถึงแนวที่โหดเหี้ยมและดุดัน - เดธเมทัลและฮาร์ดคอร์ เนื้อหาของเพลงมีตั้งแต่สีอ่อนและแบบสบายๆ ไปจนถึงแบบเข้ม ลึก และเชิงปรัชญา ดนตรีร็อคมักจะตรงกันข้ามกับเพลงป๊อปและสิ่งที่เรียกว่า "ป๊อป" แม้ว่าจะไม่มีขอบเขตที่ชัดเจนระหว่างแนวความคิดของ "ร็อค" และ "ป๊อป" และปรากฏการณ์ทางดนตรีมากมายที่สมดุลระหว่างกัน

ต้นกำเนิดของดนตรีร็อคอยู่ในเพลงบลูส์ซึ่งเป็นแนวเพลงร็อคแรก ๆ ที่ออกมา - ร็อกแอนด์โรลและอะบิลลี ประเภทย่อยของดนตรีร็อกเกิดขึ้นอย่างใกล้ชิดกับดนตรีโฟล์กและป๊อปในสมัยนั้น - โดยหลักแล้ว โฟล์ค, คันทรี, skiffle, หอแสดงดนตรี ในระหว่างการดำรงอยู่มีความพยายามที่จะรวมดนตรีร็อคกับดนตรีเกือบทุกประเภทที่เป็นไปได้ - กับดนตรีเชิงวิชาการ (อาร์ตร็อคปรากฏในช่วงปลายยุค 60), แจ๊ส (แจ๊สร็อค, ปรากฏในช่วงปลายยุค 60 - ต้นยุค 70 ), ละติน เพลง (ลาตินร็อค ปรากฏในช่วงปลายยุค 60) เพลงอินเดีย (ร็อค raga ปรากฏในช่วงกลางยุค 60) ในยุค 60 และ 70 แนวเพลงร็อคหลักเกือบทั้งหมดปรากฏขึ้น ที่สำคัญที่สุดนอกเหนือจากในรายการ ได้แก่ ฮาร์ดร็อค พังค์ร็อก ร็อคเปรี้ยวจี๊ด ในช่วงปลายยุค 70 และต้นยุค 80 แนวเพลงร็อคดังกล่าวปรากฏเป็นโพสต์พังก์คลื่นลูกใหม่ร็อคทางเลือก (แม้ว่าตัวแทนต้นของทิศทางนี้จะปรากฏขึ้นในช่วงปลายยุค 60) ไม่ยอมใครง่ายๆ (ประเภทย่อยที่สำคัญของพังค์ร็อก ) เช่น รวมถึงประเภทย่อยของโลหะที่โหดเหี้ยม - เดธเมทัล, โลหะดำ ในยุค 90 แนวเพลงกรันจ์ (ปรากฏในช่วงกลางทศวรรษที่ 80) Britpop (ปรากฏในช่วงกลางทศวรรษที่ 60) โลหะทางเลือก (ปรากฏในช่วงปลายยุค 80) ได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวาง

ศูนย์กลางหลักสำหรับการเกิดขึ้นและการพัฒนาของดนตรีร็อคคือสหรัฐอเมริกาและยุโรปตะวันตก (โดยเฉพาะบริเตนใหญ่) เนื้อเพลงส่วนใหญ่เป็นภาษาอังกฤษ อย่างไรก็ตามแม้ว่าตามกฎแล้วเพลงร็อคระดับชาติก็มีความล่าช้าบ้างในเกือบทุกประเทศ เพลงร็อคภาษารัสเซีย (ที่เรียกว่าร็อครัสเซีย) ปรากฏในสหภาพโซเวียตแล้วในทศวรรษที่ 1960 และ 1970 และถึงจุดสูงสุดในช่วงทศวรรษที่ 1980 และยังคงพัฒนาต่อไปในปี 1990

8 สกา, ร็อกสเตดี้, เร้กเก้

สกาเป็นสไตล์ดนตรีที่มีต้นกำเนิดในจาไมก้าในช่วงปลายทศวรรษ 1950 ลักษณะที่ปรากฏของสไตล์นั้นเชื่อมโยง [แหล่งที่มาไม่ระบุ 99 วัน] กับการถือกำเนิดของการติดตั้งเสียง (ภาษาอังกฤษ "ระบบเสียง") ซึ่งอนุญาตให้เต้นรำบนถนน

ชุดเสียงไม่ได้เป็นเพียงลำโพงสเตอริโอ แต่เป็นรูปแบบของสตรีทดิสโก้ที่มีดีเจและสเตอริโอเคลื่อนที่ด้วยการแข่งขันที่เพิ่มขึ้นระหว่างดีเจเหล่านี้เพื่อให้ได้เสียงที่ดีที่สุด บทเพลงที่ดีที่สุด และอื่นๆ

สไตล์นี้โดดเด่นด้วยจังหวะ 2/4 ที่แกว่งไปมา เมื่อกีตาร์เล่นจังหวะกลองที่เป็นเลขคู่ และกีตาร์เบสหรือเบสคู่จะเน้นที่จังหวะที่แปลก ทำนองนี้บรรเลงโดยเครื่องดนตรีประเภทลม เช่น ทรัมเป็ต ทรอมโบน และแซกโซโฟน ในบรรดาท่วงทำนองของสกาคุณสามารถค้นหาท่วงทำนองแจ๊สได้

Rocksteady ("rock Steady", "rocksteady") - สไตล์ดนตรีที่มีอยู่ในจาเมกาและอังกฤษในทศวรรษ 1960 พื้นฐานของสไตล์คือจังหวะแคริบเบียนใน 4/4 โดยให้ความสนใจกับคีย์บอร์ดและกีตาร์มากขึ้น

เร้กเก้ (เร้กเก้ภาษาอังกฤษ การสะกดแบบอื่นๆ - "เร็กเก้" และ "เร้กเก้") เพลงป็อปจาไมก้า กล่าวถึงครั้งแรกตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1960 บางครั้งใช้เป็นชื่อทั่วไปสำหรับเพลงจาเมกาทั้งหมด มันมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับแนวเพลงอื่นๆ ของจาเมกา - ร็อคสเตดี้ สกา และอื่นๆ

Dub (เสียงพากย์อังกฤษ) เป็นแนวดนตรีที่เกิดขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ในจาไมก้า ในขั้นต้น เร็กคอร์ดในประเภทนี้เป็นเพลงเร้กเก้ (บางครั้งถูกลบบางส่วน) เสียงร้อง ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1970 เสียงพากย์ได้กลายเป็นปรากฏการณ์ในตัวเอง ถือว่าเป็นเร้กเก้ที่หลากหลายในการทดลองและประสาทหลอน การพัฒนาดนตรีและอุดมการณ์ของเสียงพากย์ทำให้เกิดเทคโนโลยีและวัฒนธรรมของการรีมิกซ์ และยังส่งอิทธิพลโดยตรงหรือโดยอ้อมต่อการพัฒนาคลื่นลูกใหม่และแนวเพลง เช่น ฮิปฮอป เฮาส์ กลองและเบส ทริปฮ็อป ดับบลิวเทคโน , dubstep และอื่นๆ . .

เพลงป๊อบ (อังกฤษ Pop-music from Popular music) เป็นทิศทางของดนตรีสมัยใหม่ประเภทหนึ่งของวัฒนธรรมมวลชนสมัยใหม่

คำว่า "เพลงป๊อป" มีสองความหมาย ในความหมายกว้าง ๆ นี่คือเพลงมวลชน (รวมถึงร็อค, อิเล็กทรอนิคส์, แจ๊ส, บลูส์) ในความหมายที่แคบ - ประเภทของเพลงยอดนิยมที่แยกจากกัน เพลงป๊อปโดยตรงที่มีคุณสมบัติบางอย่าง

ลักษณะสำคัญของดนตรีป็อปในแนวเพลงคือความเรียบง่าย ความไพเราะ การพึ่งพาเสียงร้องและจังหวะโดยไม่สนใจส่วนเครื่องดนตรี หลักและรูปแบบเดียวของการประพันธ์เพลงป๊อปคือเพลง เนื้อเพลงเพลงป๊อปมักจะเกี่ยวกับความรู้สึกส่วนตัว

เพลงป๊อปรวมถึงแนวเพลงย่อย เช่น ป๊อปยูโร ละติน ดิสโก้ อิเล็กโทรป๊อป เพลงแดนซ์ และอื่นๆ

10 แร็พ (ฮิปฮอป)

ฮิปฮอป (hip hop ภาษาอังกฤษ) เป็นกระแสวัฒนธรรมที่เกิดขึ้นในหมู่ชนชั้นแรงงานของนิวยอร์กเมื่อวันที่ 12 พฤศจิกายน พ.ศ. 2517 DJ Afrika Bambaataa เป็นคนแรกที่ระบุห้าเสาหลักของวัฒนธรรมฮิปฮอป: eMsiing (English MCing), DJing (ดีเจภาษาอังกฤษ) การทำลายล้าง การเขียนกราฟิตี และความรู้ องค์ประกอบอื่นๆ ได้แก่ บีทบ็อกซ์ แฟชั่นฮิปฮอป และคำสแลง

ฮิปฮอปที่มีต้นกำเนิดในเซาท์บรองซ์ในช่วงทศวรรษ 1980 ได้กลายเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมเยาวชนในหลายประเทศทั่วโลก ตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษ 1990 จากถนนใต้ดินที่มีการปฐมนิเทศทางสังคมอย่างรวดเร็ว hip-hop ได้ค่อยๆกลายเป็นส่วนหนึ่งของวงการเพลงและในช่วงกลางทศวรรษแรกของศตวรรษนี้วัฒนธรรมย่อยได้กลายเป็น "แฟชั่น" " กระแสหลัก". อย่างไรก็ตาม แม้จะมีสิ่งนี้ บุคคลจำนวนมากในฮิปฮอปยังคงดำเนิน "สายหลัก" ต่อไป - การประท้วงต่อต้านความไม่เท่าเทียมและความอยุติธรรม การต่อต้านผู้มีอำนาจ

เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าทิศทางการแสดงบนเวทีนั้นแบ่งออกเป็นทิศทางของการแสดงที่หลากหลายและทิศทางของการแสดงที่หลากหลาย

วิธีการทำงานเกี่ยวกับการแสดงที่หลากหลาย (คอนเสิร์ต ทบทวน การแสดง) ตามกฎแล้ว ไม่รวมงานในการสร้างตัวเลขที่ประกอบด้วย ผู้กำกับได้รวมตัวเลขสำเร็จรูปเข้ากับโครงเรื่อง เป็นธีมเดียว สร้างการกระทำผ่านการแสดง จัดระเบียบโครงสร้างจังหวะและจังหวะ แก้ปัญหาด้านดนตรี ฉาก และการออกแบบแสง นั่นคือเขาประสบปัญหาด้านศิลปะและองค์กรจำนวนมากที่ต้องการความละเอียดในโปรแกรมโดยรวมและไม่เกี่ยวข้องโดยตรงกับวาไรตี้ ตำแหน่งนี้ได้รับการยืนยันจากวิทยานิพนธ์ของผู้กำกับการแสดงวาไรตี้ชื่อดัง I. Sharoev ผู้เขียนว่า “ส่วนใหญ่ ผู้กำกับเวทีจะรับการแสดงจากผู้เชี่ยวชาญในประเภทต่าง ๆ แล้วจึงสร้างรายการวาไรตี้จากพวกเขา ห้องมีอิสระมาก”

การทำงานในส่วนวาไรตี้นั้น ผู้กำกับต้องแก้ไขงานเฉพาะจำนวนหนึ่งที่เขาไม่ได้เผชิญเมื่อจัดรายการใหญ่ ประการแรกคือ ความสามารถในการเปิดเผยความเป็นปัจเจกของศิลปิน การสร้างบทละคร การแสดง การบรรเลง เล่ห์กล การปิดปาก ให้รู้และคำนึงถึงธรรมชาติของวิธีการแสดงความหมายเฉพาะของ ประสิทธิภาพและอีกมากมาย

หลักวิธีการมากมายในการสร้างการแสดงขึ้นอยู่กับหลักการพื้นฐานทั่วไปที่มีอยู่ในละคร ละครเพลง และละครสัตว์ แต่แล้วโครงสร้างที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิงก็ถูกสร้างขึ้นบนรากฐาน ในทิศทางของความหลากหลายนั้นมีความเฉพาะเจาะจงที่สำคัญซึ่งประการแรกนั้นถูกกำหนดโดยประเภทประเภทของการกระทำที่หลากหลาย

บนเวที ผู้กำกับในฐานะผู้สร้าง ประสบความสำเร็จในการแสดงตามเป้าหมายสูงสุดของงานศิลปะใด ๆ - การสร้างภาพศิลปะซึ่งเป็นด้านที่สร้างสรรค์ของอาชีพ แต่ในขั้นตอนการแสดงจำนวนนั้นมีงานของผู้เชี่ยวชาญเกี่ยวกับเทคโนโลยีวิธีการแสดงออก นี่เป็นเพราะธรรมชาติของบางประเภท: ตัวอย่างเช่น ประเภทย่อยของประเภทกีฬาและละครสัตว์ส่วนใหญ่ต้องการการซ้อมและการฝึกอบรมกับโค้ชเกี่ยวกับองค์ประกอบกีฬา, เทคนิคพิเศษ; การทำงานกับเสียงร้องเป็นไปไม่ได้หากไม่มีบทเรียนจากครูสอนร้องเพลง ในประเภทการออกแบบท่าเต้น บทบาทของนักออกแบบท่าเต้น-ผู้ทำซ้ำเป็นสิ่งสำคัญ

บางครั้งผู้เชี่ยวชาญทางเทคนิคเหล่านี้ก็เรียกตัวเองว่าผู้กำกับการแสดง แม้ว่าที่จริงแล้วกิจกรรมของพวกเขาจะจำกัดแค่การสร้างการแสดงความสามารถพิเศษหรือองค์ประกอบทางเทคนิคของตัวเลขเท่านั้น ไม่สำคัญว่าจะเป็นการแสดงกายกรรม เต้นรำ หรือร้องเพลง ในที่นี้ การพูดถึงการสร้างภาพศิลปะอาจเป็นเรื่องที่ยืดเยื้อ เมื่อปรมาจารย์ชั้นนำของเวที (โดยเฉพาะในประเภทดั้งเดิม) แบ่งปันความลับของความเชี่ยวชาญในงานพิมพ์ พวกเขาอธิบายเทคนิคของกลอุบาย กายกรรม การเล่นกล ฯลฯ เป็นหลัก

ฉันต้องการเน้นอีกครั้งว่าโครงสร้างทางศิลปะของการแสดงป๊อปนั้นซับซ้อน หลากหลาย และมักมีการรวมกลุ่มกัน ดังนั้นการแสดงละครเพลงป๊อปจึงเป็นหนึ่งในกิจกรรมที่ยากที่สุดของผู้กำกับ “การทำผลงานให้ดีแม้จะใช้เวลาเพียงไม่กี่นาทีก็เป็นเรื่องยากมาก และสำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าปัญหาเหล่านี้จะถูกประเมินต่ำไป บางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมฉันถึงเคารพและชื่นชมศิลปะของผู้ที่บางครั้งถูกเรียกว่าผู้ให้ความบันเทิงอย่างดูถูก ทำให้พวกเขากลายเป็นสถานที่ที่มีเกียรติในระดับอาชีพที่ไม่ได้เขียนไว้ คำพูดของ S. Yutkevich เหล่านี้ยืนยันอีกครั้งถึงความสำคัญของการวิเคราะห์โครงสร้างทางศิลปะของการแสดงป๊อปด้วยผลลัพธ์สุดท้ายของการศึกษาพื้นฐานของวิธีการในการสร้างโดยเฉพาะอย่างยิ่งในแง่ของการกำกับและการแสดงละคร

บทสรุป.

VARIETY ART (จากเวทีฝรั่งเศส - เวที, ระดับความสูง) - งานศิลปะบนเวทีรูปแบบสังเคราะห์ที่รวมเอาการแสดงละคร ตลก ดนตรี รวมถึงการร้องเพลง ศิลปะ การอ่าน การออกแบบท่าเต้น ความแปลกประหลาด ละครใบ้ การแสดงผาดโผน การเล่นกล ภาพลวงตา ฯลฯ แม้จะมีลักษณะที่เป็นสากล แต่ก็ยังคงมีรากเหง้าพื้นบ้านที่ให้รสชาติพิเศษระดับชาติ เกิดในยุคเรอเนสซองส์บนเวทีข้างถนนและเริ่มต้นด้วยการแสดงตลก ตลก ตลกขบขัน อีและ ในประเทศต่าง ๆ มันมีวิวัฒนาการที่แตกต่างกันโดยให้ความสำคัญกับประเภทใดประเภทหนึ่งหรืออีกประเภทหนึ่งคือมาสก์ภาพอย่างใดอย่างหนึ่ง ในรายการวาไรตี้ของร้านทำผม วงเวียนและคลับที่เกิดขึ้นในภายหลัง ในคูหา ห้องโถงดนตรี คาเฟ่ คาบาเร่ต์ โรงละครขนาดเล็ก และในสวนและสวนสาธารณะที่อนุรักษ์ไว้ อารมณ์ขันที่ร่าเริง การล้อเลียนที่เฉียบแหลมและการ์ตูน เสียดสีสังคม แหลม อติพจน์, การแสดงตลกเหนือกว่า , พิลึก, ขี้เล่น, เนื้อเพลงที่จริงใจ, การเต้นรำที่ทันสมัยและจังหวะดนตรี หมายเลขส่วนบุคคลของความแตกต่างของความหลากหลายทางเสียงมักจะถูกจัดขึ้นร่วมกันบนเวทีโดยผู้ให้ความบันเทิงหรือพล็อตง่ายๆ และโรงละครของนักแสดงหนึ่งหรือสองคน, วงดนตรี (บัลเล่ต์, ละครเพลง, ฯลฯ ) - ด้วยละครต้นฉบับ, ละครของพวกเขาเอง . ศิลปะวาไรตี้มุ่งเน้นไปที่ผู้ชมที่กว้างที่สุดและอาศัยทักษะของนักแสดงเป็นหลักโดยใช้เทคนิคการปลอมตัวความสามารถในการสร้างความบันเทิงที่น่าทึ่งด้วยวิธีการที่กระชับ ตัวละครที่สดใส - มักจะเป็นตลกเชิงลบมากกว่าบวก เผยให้เห็นการต่อต้านฮีโร่ของเขา เขาหันไปใช้คุณลักษณะและรายละเอียดเชิงเปรียบเทียบ เป็นการผสานรวมที่แปลกประหลาดของความน่าเชื่อถือและภาพล้อเลียน ทั้งจริงและมหัศจรรย์ ทำให้เกิดบรรยากาศของการปฏิเสธต้นแบบชีวิตของพวกเขา ตรงกันข้ามกับความมั่งคั่งในความเป็นจริง ความเฉพาะเจาะจงเป็นเรื่องปกติสำหรับวาไรตี้อาร์ท การผสมผสานของความบันเทิงในตัวอย่างที่ดีที่สุดกับเนื้อหาที่จริงจัง ฟังก์ชั่นการศึกษา เมื่อความสนุกสนานถูกเติมเต็มด้วยอารมณ์ที่หลากหลาย และบางครั้งก็เป็นเรื่องน่าสมเพชทางสังคมการเมืองและพลเมือง ธุรกิจการแสดงที่เกิดจากวัฒนธรรมมวลชนของชนชั้นนายทุนขาดคุณภาพอย่างหลัง การดำเนินงานเกือบทั้งหมด "เล็ก", "เบา" รวมถึง "การละเล่น" ทั่วไปนั้นมีลักษณะอายุขัยที่ค่อนข้างสั้นการคิดค่าเสื่อมราคาอย่างรวดเร็วของมาสก์ซึ่งขึ้นอยู่กับความเกี่ยวข้องของหัวข้อการใช้ระเบียบทางสังคม การเปลี่ยนแปลงความสนใจและความต้องการของผู้ชม ในฐานะที่เป็นศิลปะประเภทหนึ่งที่เคลื่อนที่ได้มากที่สุด ในขณะเดียวกัน ศิลปะแบบโบราณ ศิลปะวาไรตี้ก็เป็นโรคของการปั๊ม ลดคุณค่าทางศิลปะและสุนทรียะของการค้นพบที่มีความสามารถ จนกระทั่งกลายเป็นศิลปที่ไร้ค่า การพัฒนาได้รับอิทธิพลอย่างมากจากศิลปะ "เทคนิค" เช่น ภาพยนตร์และโดยเฉพาะอย่างยิ่งโทรทัศน์ ซึ่งมักมีการแสดงและคอนเสิร์ตที่หลากหลายในรายการ ด้วยเหตุนี้รูปแบบและเทคนิคดั้งเดิมของเพลงป๊อปจึงไม่เพียงแต่ได้รับขนาดและความแพร่หลายที่มากขึ้นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความลึกทางจิตวิทยาด้วย (การใช้ภาพระยะใกล้ วิธีการแสดงภาพและการแสดงออกอื่นๆ ของศิลปะบนหน้าจอ) และความบันเทิงที่สดใส

ในระบบศิลปะการแสดง เวทีในปัจจุบันมีสถานที่แยกต่างหาก แสดงถึงปรากฏการณ์อิสระของวัฒนธรรมศิลปะ ความนิยมของเวทีในหมู่ผู้ชมที่กว้างและหลากหลายที่สุดทำให้เวทีตอบสนองต่อความต้องการด้านสุนทรียศาสตร์ที่ขัดแย้งกันของกลุ่มประชากรต่างๆ ในแง่ของสังคม อายุ การศึกษา และแม้กระทั่งองค์ประกอบระดับชาติ ลักษณะของศิลปะป๊อปอาร์ตนี้ส่วนใหญ่อธิบายถึงการมีอยู่ของแง่ลบในข้อดีระดับมืออาชีพ สุนทรียภาพ และรสนิยมของผลงานป๊อป ธรรมชาติของผู้ชมป๊อปทั้งในอดีตและปัจจุบัน ความหลากหลาย ความจำเป็นในการรวมฟังก์ชันความบันเทิงและการศึกษาในศิลปะป๊อปอาร์ต กำหนดข้อกำหนดเฉพาะสำหรับผู้สร้างผลงานศิลปะป๊อปอาร์ต กำหนดความรับผิดชอบพิเศษให้กับพวกเขา

ความซับซ้อนของการศึกษางานป๊อปรวมถึงการพัฒนาวิธีการในการสร้างผลงานนั้นเกิดจากความจริงที่ว่าโดยทั่วไปแล้วเป็นกลุ่มของศิลปะที่หลากหลาย มันสังเคราะห์การแสดง, ดนตรีบรรเลง, เสียงร้อง, การออกแบบท่าเต้น, การวาดภาพ (เช่นประเภทของ "ศิลปินทันที") กีฬา (ตัวเลขกายกรรมและยิมนาสติก) และวิทยาศาสตร์รวมอยู่ในการสังเคราะห์ศิลปะนี้ - "เครื่องนับสด") นอกจากนี้ยังมีแนวเพลงป๊อปตามองค์ประกอบการแสดงความสามารถ ซึ่งต้องการการแสดงความสามารถและความสามารถเฉพาะตัวของบุคคล (ตัวอย่างเช่น ประเภทย่อยของละครสัตว์ประเภทป็อปเซอร์คัส การสะกดจิต การทดลองทางจิตวิทยา) ความหลากหลายของวิธีการแสดงออก การผสมผสานที่ไม่คาดคิดและผิดปกติในรูปแบบสังเคราะห์ต่างๆ บนเวที มักจะมีความหลากหลายมากกว่าในศิลปะที่น่าตื่นตาตื่นใจอื่นๆ

รายชื่อวรรณกรรมที่ใช้แล้ว

การแข่งขัน Bermont E. Variety. //โรงภาพยนตร์. 2483 ฉบับที่ 2 หน้า 75-78

Birzhenyuk G.M. , Buzene L.V. , Gorbunova N.A.

โคเบอร์. ไฮไลท์ของรายการ : ป. กับเขา. L. , 1928. S. 232-233; Stanishevsky Yu. จำนวนและวัฒนธรรมของการนำเสนอ // ก.ล.ต. พ.ศ. 2508 ลำดับที่ 6

Konnikov A. โลกวาไรตี้ ม., 1980.

Ozhegov S. I. และ Shvedova N. Yu. พจนานุกรมอธิบายภาษารัสเซีย: 80,000 คำและสำนวนสำนวน

Rozovsky M. ผู้กำกับการแสดง ม., 1973.

เวทีโซเวียตรัสเซีย // บทความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ ตัวแทน เอ็ด เอกสาร คดี ศ. อี. อูวาโรวา. ใน 3 ต.ม., 1976, 1977,1981.

โรงละคร Uvarova E. Variety: Miniatures, รีวิว, Music Halls (1917-1945) ม., 1983; อาร์ดี ไรกิน. ม., 1986.; วิธีสนุกในเมืองหลวงของรัสเซีย สพธ., 2547.

Sharoev I. ทิศทางของเวทีและการแสดงจำนวนมาก ม., 1986; เวทีหลายแง่มุม ม., 1995.

ในรัสเซียต้นกำเนิดของแนวเพลงป๊อปแสดงออกในรูปแบบตลกสนุกสนานและความคิดสร้างสรรค์มากมายของเทศกาลพื้นบ้าน ตัวแทนของพวกเขาคือ raus ปู่ - โจ๊กเกอร์ที่มีเคราที่ขาดไม่ได้ที่ให้ความบันเทิงและเชิญผู้ชมจากเวทีบนของบูธ - raus, ผักชีฝรั่ง, raeshniks, ผู้นำของหมี "เรียนรู้", นักแสดง - ตัวตลก, เล่น "ร่าง" และ "บรรเลง" " ท่ามกลางฝูงชน เล่นไปป์ พิณน้ำมูก สร้างความขบขันให้กับผู้คน

- เวทีคอนเสิร์ต (ก่อนหน้านี้เรียกว่า "divertissement") รวมการแสดงทุกประเภทในคอนเสิร์ตวาไรตี้
- เวทีการแสดงละคร (การแสดงในห้องของโรงละครขนาดเล็ก, โรงละครคาบาเร่ต์, โรงละครคาเฟ่หรือการแสดงคอนเสิร์ตขนาดใหญ่, หอแสดงดนตรี, พร้อมเจ้าหน้าที่แสดงจำนวนมากและอุปกรณ์เวทีชั้นหนึ่ง);
- เวทีรื่นเริง (เทศกาลพื้นบ้าน วันหยุดที่สนามกีฬา เต็มไปด้วยกีฬาและคอนเสิร์ต เช่นเดียวกับลูกบอล งานคาร์นิวัล หน้ากาก เทศกาล ฯลฯ)

นอกจากนี้ยังมีสิ่งเหล่านี้:

1. โรงภาพยนตร์วาไรตี้
2. ห้องโถงดนตรี

หากพื้นฐานของการแสดงวาไรตี้เป็นตัวเลขที่เสร็จสิ้น การทบทวนก็เหมือนกับการแสดงละครใดๆ ก็ตาม จำเป็นต้องมีการอยู่ใต้บังคับบัญชาของทุกสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวทีกับโครงเรื่อง ตามกฎแล้วสิ่งนี้ไม่ได้รวมเข้าด้วยกันและนำไปสู่การลดทอนองค์ประกอบหนึ่งในการนำเสนอ: ทั้งประสิทธิภาพหรือตัวละครหรือพล็อต สิ่งนี้เกิดขึ้นระหว่างการผลิต "ปาฏิหาริย์แห่งศตวรรษที่ 20" - บทละครแบ่งออกเป็นตอนที่เป็นอิสระและเชื่อมโยงกันอย่างหลวม ๆ เฉพาะคณะบัลเล่ต์และการแสดงละครสัตว์และวาไรตี้ระดับเฟิร์สคลาสเท่านั้นที่ประสบความสำเร็จกับผู้ชม ชุดบัลเล่ต์ที่จัดแสดงโดย Goleizovsky แสดงสามตัวเลข: "เฮ้ไปกันเถอะ!", "มอสโกท่ามกลางสายฝน" และ "30 สาวอังกฤษ" ที่น่าประทับใจอย่างยิ่งคือการแสดงของ "งู" ในบรรดาตัวเลขละครสัตว์ที่ดีที่สุด ได้แก่ Tea Alba และ "Australian Lumberjacks" Jackson และ Laurer อัลบ้าเขียนคำที่แตกต่างกันด้วยชอล์กบนกระดานสองแผ่นด้วยมือขวาและมือซ้ายของเธอ คนตัดไม้ในตอนท้ายของการแข่งขันกำลังตัดท่อนซุงหนาสองท่อน German Strodi แสดงหมายเลขยอดดุลที่ยอดเยี่ยมบนเส้นลวด เขาตีลังกาด้วยลวด ในบรรดาศิลปินโซเวียตเช่นเคย Smirnov-Sokolsky และ V. Glebova และ M. Darskaya ประสบความสำเร็จอย่างมาก ในบรรดาตัวเลขละครสัตว์ จำนวนของ Zoya และ Martha Koch โดดเด่นบนสายคู่ขนานสองเส้น

ในเดือนกันยายน พ.ศ. 2471 การเปิด Leningrad Music Hall เกิดขึ้น

3. Theatre of Miniatures - กลุ่มโรงละครที่ทำงานในรูปแบบขนาดเล็กเป็นหลัก: ละครเล็ก, ภาพสเก็ตช์, ภาพร่าง, โอเปร่า, โอเปร่าพร้อมกับตัวเลขที่หลากหลาย (บทพูด, บทกวี, ล้อเลียน, การเต้นรำ, เพลง) ละครมีอารมณ์ขัน เสียดสี ประชดประชัน และเนื้อร้องไม่รวมอยู่ด้วย คณะมีขนาดเล็กโรงละครของนักแสดงหนึ่งคนนักแสดงสองคนเป็นไปได้ การแสดงที่พูดน้อยในการออกแบบได้รับการออกแบบมาสำหรับผู้ชมที่ค่อนข้างเล็กซึ่งเป็นตัวแทนของผืนผ้าใบโมเสค
4. ประเภทการสนทนาบนเวที - สัญลักษณ์ของประเภทที่เกี่ยวข้องกับคำเป็นหลัก: ผู้ให้ความบันเทิง, สลับฉาก, เสียขวัญ, ร่าง, เรื่องราว, คนเดียว, feuilleton, microminiature (เรื่องเล็ก ๆ น้อย ๆ ที่แสดงฉาก), burime

บทพูดคนเดียวที่หลากหลายสามารถเสียดสี, โคลงสั้น ๆ, อารมณ์ขัน

ภาพสเก็ตช์เป็นฉากเล็ก ๆ ที่ความน่าสนใจกำลังพัฒนาอย่างรวดเร็ว โดยที่พล็อตเรื่องง่ายที่สุดสร้างขึ้นจากสถานการณ์ที่ตลกขบขันและเฉียบคมที่ไม่คาดคิด พลิกกลับ ปล่อยให้เรื่องไร้สาระทั้งชุดเกิดขึ้นในการดำเนินการ แต่ที่ซึ่งทุกอย่างตามกฎแล้ว จบลงด้วยข้อไขข้อข้องใจที่มีความสุข นักแสดง 1-2 คน (แต่ไม่เกินสามคน)

การบรรเลงเป็นประเภทภาษาพูดสั้นๆ ที่พบบ่อยที่สุด

ประเภทดนตรีและภาษาพูด ได้แก่ โคลงกลอน บทกลอน บทเพลงไพเราะ

5. แจ๊สบนเวที

6. เพลงบนเวที

7. เต้นบนเวที

เป็นเพลงแดนซ์สั้นๆ เดี่ยวหรือกลุ่ม นำเสนอในคอนเสิร์ตวาไรตี้แบบกลุ่ม วาไรตี้โชว์ หอแสดงดนตรี โรงละครขนาดเล็ก มาพร้อมกับและเสริมโปรแกรมของนักร้อง จำนวนประเภทต้นฉบับและแม้กระทั่งคำพูด มันถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของการเต้นรำพื้นบ้านทุกวัน (ห้องบอลรูม), บัลเลต์คลาสสิก, การเต้นรำสมัยใหม่, ยิมนาสติก, การแสดงผาดโผนบนการผสมผสานของอิทธิพลจากต่างประเทศและประเพณีของชาติต่างๆ ธรรมชาติของการเต้นปั้นเป็นพลาสติกถูกกำหนดโดยจังหวะสมัยใหม่ ซึ่งเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของศิลปะที่เกี่ยวข้อง: ดนตรี ละครเวที ภาพวาด ละครสัตว์ ละครใบ้

8.หุ่นเชิดบนเวที

9. ล้อเลียนบนเวที

10. โรงละครขนาดเล็ก

การสร้างในรัสเซียของโรงละครคาบาเร่ต์ "The Bat", "Crooked Mirror" ฯลฯ

ทั้ง "Crooked Mirror" และ "The Bat" เป็นกลุ่มการแสดงที่แข็งแกร่งอย่างมืออาชีพ ระดับของวัฒนธรรมการละครซึ่งสูงกว่าโรงภาพยนตร์ขนาดเล็กจำนวนมากอย่างไม่ต้องสงสัย (Petrovsky โดดเด่นกว่าที่อื่นในมอสโก กำกับโดย D.G. Gutman , Mamonovsky ปลูกฝังความเสื่อมโทรม ศิลปะที่ Alexander Vertinsky เปิดตัวในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง Nikolsky - ศิลปินและผู้กำกับ A.P. Petrovsky ในบรรดาเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - Troitsky A.M. Fokina - ผู้กำกับ V.R. Rappoport ซึ่งมี ditties และอย่างไร V. O. Toporkov ต่อมาเป็นศิลปินของโรงละครศิลปะ ประสบความสำเร็จในการเป็นผู้ให้ความบันเทิง

หน้า 1

คำ "เวที" (

จากภาษาละติน ชั้น

หมายถึง - พื้น, แท่น, เนินเขา, แท่น

คำจำกัดความที่ถูกต้องที่สุดของวาไรตี้อาร์ทเป็นศิลปะที่ผสมผสานประเภทต่าง ๆ ไว้ในพจนานุกรมของ D.N. Ushakov: " เวที

นี่คือศิลปะของรูปแบบเล็ก ๆ ด้านการแสดงอันตระการตาและดนตรีบนเวทีเปิด ความเฉพาะเจาะจงอยู่ที่การปรับให้เข้ากับสภาวะต่างๆ ของการสาธิตในที่สาธารณะอย่างง่ายดายและระยะเวลาในการดำเนินการสั้น ๆ ในวิธีการทางศิลปะและการแสดงออก ศิลปะที่มีส่วนช่วยในการระบุตัวตนที่สร้างสรรค์ของนักแสดงอย่างชัดเจน ในเรื่องเฉพาะเรื่อง ความเกี่ยวข้องทางสังคมและการเมืองอย่างเฉียบพลันของ หัวข้อที่ครอบคลุมในองค์ประกอบเด่นของอารมณ์ขันเสียดสีวารสารศาสตร์" .

สารานุกรมโซเวียตกำหนดเพลงป๊อปที่ได้มาจากภาษาฝรั่งเศส เอสตราด

รูปแบบของศิลปะที่มีรูปแบบเล็ก ๆ ของนาฏศิลป์และเสียงร้อง, ดนตรี, การออกแบบท่าเต้น, ละครสัตว์, โขน ฯลฯ ในคอนเสิร์ต - แยกตัวเลขที่เสร็จแล้ว, รวมเป็นหนึ่งโดยผู้ให้ความบันเทิง, โครงเรื่อง ในฐานะที่เป็นงานศิลปะอิสระ มันถูกสร้างขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 19

นอกจากนี้ยังมีคำจำกัดความของเวที:

พื้นที่เวที ถาวรหรือชั่วคราว สำหรับการแสดงคอนเสิร์ตของศิลปิน

ศิลปะวาไรตี้มีรากฐานมาจากอดีตอันไกลโพ้น ซึ่งสืบเนื่องมาจากศิลปะของอียิปต์โบราณและกรีกโบราณ แม้ว่าเวทีจะมีปฏิสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับศิลปะอื่นๆ เช่น ดนตรี ละครเวที การออกแบบท่าเต้น วรรณคดี ภาพยนตร์ ละครสัตว์ ละครใบ้ แต่ก็เป็นรูปแบบศิลปะที่เป็นอิสระและเฉพาะเจาะจง พื้นฐานของศิลปะวาไรตี้คือ - "หมายเลขของพระองค์" - ตามที่ N. Smirnov-Sokolsky กล่าว1.

ตัวเลข

การแสดงเล็กๆ โดยศิลปินตั้งแต่หนึ่งคนขึ้นไป โดยมีโครงเรื่อง ไคลแม็กซ์ และบทสรุปเป็นของตัวเอง ความเฉพาะเจาะจงของการแสดงคือการสื่อสารโดยตรงของศิลปินกับสาธารณชน ในนามของเขาเองหรือในนามของตัวละคร

ในศิลปะยุคกลางของศิลปินเร่ร่อน ละครตลกในเยอรมนี ตัวตลกในรัสเซีย โรงละครหน้ากากในอิตาลี ฯลฯ มีการอุทธรณ์โดยตรงของศิลปินต่อผู้ชมซึ่งทำให้คนต่อมากลายเป็นผู้มีส่วนร่วมโดยตรงในการดำเนินการ ระยะเวลาการแสดงสั้น ๆ (ไม่เกิน 15-20 นาที) ต้องใช้วิธีการแสดง ความกระชับ และพลวัตที่เข้มข้นสูงสุด การแสดงวาไรตี้แบ่งตามลักษณะเป็นสี่กลุ่ม กลุ่มสปีชีส์แรกควรมีหมายเลขพูด (หรือคำพูด) จากนั้นมาในเพลงประกอบละคร ผสมพลาสติก ตัวเลข "ดั้งเดิม"

ศิลปะแห่งการแสดงตลก del-arte (โรงละครหน้ากาก) แห่งศตวรรษที่ 16-17 สร้างขึ้นจากการติดต่อกับสาธารณชนอย่างเปิดเผย

การแสดงมักจะด้นสดตามฉากเรื่องราวทั่วไป ดนตรีประกอบ (แทรก): เพลง, เต้นรำ, หมายเลขบรรเลงหรือเสียง - เป็นแหล่งที่มาโดยตรงของหมายเลขป๊อป

การ์ตูนโอเปร่าและเพลงปรากฏขึ้นในศตวรรษที่ 18 Vaudeville เป็นการแสดงที่น่าทึ่งด้วยดนตรีและเรื่องตลก ฮีโร่หลักของพวกเขา - คนธรรมดา - เอาชนะพวกขุนนางที่โง่เขลาและเลวทรามเสมอ

และในช่วงกลางของศตวรรษที่ 19 ประเภทของโอเปร่า (โอเปร่าขนาดเล็กตามตัวอักษร) ถือกำเนิดขึ้น: ศิลปะการละครประเภทหนึ่งที่ผสมผสานเสียงร้องและดนตรีบรรเลง การเต้น บัลเล่ต์ องค์ประกอบของศิลปะป๊อปอาร์ต และบทสนทนา ในฐานะประเภทอิสระ ละครโอเปร่าปรากฏในฝรั่งเศสในปี พ.ศ. 2393 "บิดา" ของละครฝรั่งเศสและละครโดยทั่วไปคือ Jacques Offenbach(1819-1880). ต่อมาประเภทดังกล่าวได้รับการพัฒนาใน "comed of masks" ของอิตาลี

วาไรตี้เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับชีวิตประจำวัน กับนิทานพื้นบ้าน กับประเพณี นอกจากนี้ พวกเขายังคิดใหม่ ทันสมัย "เหินห่าง" ความคิดสร้างสรรค์ป๊อปในรูปแบบต่าง ๆ ถูกใช้เป็นงานอดิเรกที่สนุกสนาน

รำบนเวที - รำสั้นๆ , เดี่ยวหรือกลุ่ม นำเสนอในคอนเสิร์ตวาไรตี้แบบกลุ่ม วาไรตี้โชว์ ห้องแสดงดนตรี โรงละครขนาดเล็ก ประกอบและเติมเต็มโปรแกรมของนักร้อง ตัวเลขเป็นต้นฉบับแม้ในประเภทคำพูด . มันพัฒนาบนพื้นฐานของการเต้นพื้นบ้านทุกวัน (ห้องบอลรูม), บัลเล่ต์คลาสสิก, การเต้นรำสมัยใหม่, ยิมนาสติก, กายกรรม , ในการข้ามอิทธิพลจากต่างประเทศและประเพณีของชาติทุกประเภท ธรรมชาติของการเต้นปั้นเป็นพลาสติกถูกกำหนดโดยจังหวะสมัยใหม่ ซึ่งเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของศิลปะที่เกี่ยวข้อง: ดนตรี ละครเวที ภาพวาด ละครสัตว์ ละครใบ้

ประวัติความเป็นมาของการพัฒนาทิศทางการเต้นสามารถแบ่งตามเงื่อนไขได้เป็นสองเหตุการณ์สำคัญ: ช่วงก่อนศตวรรษที่ 20 และระยะเวลาที่เริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 20 จนถึงปัจจุบัน

นอกจากศิลปินเร่ร่อนในยุคกลางและการแสดงของพวกเขาแล้ว ความหลากหลายยังถือได้ว่าเป็นต้นกำเนิดของการเต้นรำวาไรตี้สมัยใหม่ เป็นฉากที่แสดงใน XVII-XVIII ระหว่างการแสดงดนตรีหรือบางส่วนของการแสดงละคร การแสดงโอเปร่าถูกแสดงในรูปแบบต่างๆ ผู้ชมสามารถเห็นข้อความที่ตัดตอนมาจากบัลเลต์ ฟังเพลงพื้นบ้าน และในที่สุดก็สนุกกับการเต้นรำ ในรัสเซีย ต้นกำเนิดของเวทีการเต้นรำพบได้ในการแสดงของนักเต้นในคณะนักร้องประสานเสียงรัสเซียและยิปซี ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 - ในเทศกาลพื้นบ้าน ช่วงปลายศตวรรษที่ 19 มีการแสดงคอนเสิร์ตกลุ่มบนเวทีสวน "voxals" และร้านกาแฟ

การเต้นรำยอดนิยมของศตวรรษที่ 19 - สามารถ(แคนแคนฝรั่งเศส, จาก canard - เป็ด), การเต้นรำแบบฝรั่งเศสของแหล่งกำเนิดแอลจีเรีย, 2 จังหวะ, จังหวะเร็ว ลักษณะเฉพาะ - ขว้างขากระโดด แพร่หลายตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 มีการใช้กันอย่างแพร่หลายในละครคลาสสิกและวาไรตี้โชว์ เราสามารถพูดได้ว่าด้วยการถือกำเนิดของ cancan ยุคใหม่ของการเต้นเริ่มต้นขึ้น กระป๋องมีต้นกำเนิดในปารีสราวปี พ.ศ. 2373 มันเป็นการเต้นรำของผู้หญิงที่แสดงบนเวทีพร้อมกับการเหวี่ยงขาสูง ในยุค 1860 มีการเปิดชั้นเรียนเต้นรำหลายแห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งส่วนใหญ่เป็นการเต้นรำแคนแคน

การเต้นรำที่ได้รับความนิยมอีกอย่างหนึ่งของศตวรรษที่ 19 คือการเต้นรำเดินเค้ก

เค้กวอล์ค -(เช่น เค้กวอล์ค เดินเค้ก; เค้กวอล์คภาษาอังกฤษ - เดินกับเค้ก) - การเต้นรำที่ได้รับความนิยมของชาวแอฟริกันอเมริกันตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 ลักษณะเด่น: จังหวะเร็ว, ลายเซ็นเวลา - 2 จังหวะ, จังหวะที่ซิงโครไนซ์, คอร์ดที่สร้างเสียงของแบนโจ, โกดังตลกขี้เล่น (มักแดกดันแดกดัน) จังหวะที่เน้นเสียงแหลมตามแบบฉบับของการเดินเค้กในเวลาต่อมาเป็นพื้นฐานของแร็กไทม์ และสองทศวรรษต่อมาได้กำหนดสไตล์ของป๊อปแจ๊ส Cake Walk เป็นส่วนหนึ่งของการแสดงตลกขบขันของโรงละคร Minstrel North American สมัยศตวรรษที่ 19 ซึ่งใช้ประกอบการแสดงดนตรีที่รวดเร็วและสอดประสานกันในแนวเพลงแร็กไทม์ในเวลาต่อมา ในปีสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 การเดินเค้กซึ่งแยกออกจากเวทีนักร้องหญิงเริ่มแพร่หลายในยุโรปในรูปแบบของการเต้นซาลอน นักออกแบบท่าเต้นป๊อปแดนซ์ Dramaturgy

บนเวทีนักร้อง การเดินเค้กมีความหมายเชิงสัญลักษณ์พิเศษ เป็นเวทีสำหรับเดินเล่นที่สาวผิวดำแต่งตัวเป็นสาวนิโกร จับมือกับผู้หญิงที่แต่งตัวตามแฟชั่นอย่างเท่าเทียมกัน ทำซ้ำในรูปแบบการ์ตูนขบวนแห่เคร่งขรึมในวันอาทิตย์ของสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษผิวขาว การทำสำเนาลักษณะภายนอกของชาวสวนชาวสวนผิวดำเยาะเย้ยความสำคัญที่โง่เขลาความหมองคล้ำทางจิตใจความรู้สึกพึงพอใจในตนเองของความเหนือกว่าในจินตนาการ ต้นแบบของการเยาะเย้ยที่ซ่อนอยู่ในการเดินเค้กพบการสะท้อนเฉพาะในทรงกลมเสียง

เพลงเต้นรำ การแสดงความหมายโดยพื้นฐานมาจากเสียงเพอร์คัชชันและจังหวะเมโทรที่ซับซ้อนมากขึ้น มีบทบาทที่เป็นนวัตกรรมที่สำคัญ เปิดแนวทางใหม่ในการพัฒนาศิลปะดนตรีสมัยใหม่ หลักการทางดนตรีใหม่ถูกนำมาใช้ในจิตวิทยาของผู้ชมที่กว้างที่สุด ในตอนแรกเฉพาะในสหรัฐอเมริกา และจากนั้นในยุโรป ซึ่งตรงกันข้ามกับทุกสิ่งที่นักประพันธ์เพลงชาวยุโรปยืนยันมานานหลายศตวรรษ รูปแบบดนตรีของการเดินเค้กพบได้ในซาลอนเปียโน และในเพลงป๊อปสำหรับการแต่งเพลงแบบดั้งเดิม และในการเดินขบวนสำหรับวงดนตรีทองเหลือง และบางครั้งในการเต้นรำบอลรูมที่มีต้นกำเนิดจากยุโรป “แม้แต่ในเพลงวอลทซ์ เสียงลมก็ปรากฏขึ้น ซึ่ง Waldteuffel และ Strauss ไม่เคยฝันถึง” (Blesh R., Janis H. พวกเขาทั้งหมดเล่นแร็กไทม์) คีตกวีนักวิชาการหลายคนใช้ประเภทเดินเค้ก (เช่น Debussy, Stravinsky เป็นต้น)

นวัตกรรมการเดินเค้กไม่เพียงแต่ในด้านดนตรี แต่ยังรวมถึงการออกแบบท่าเต้นด้วย สิ่งนี้แสดงให้เห็นในการเคลื่อนไหวพิเศษของขาซึ่งดูเหมือนจะ "เป็นอิสระ" ของร่างกายของนักเต้น เช่นเดียวกับการเต้นรำอื่นๆ ของโรงละครเพลง ร่างกายของนักแสดงยังคงอยู่ในสภาพที่ควบคุมอย่างเข้มงวดและสมดุล มือของเขาห้อยราวกับ "ผ้าขี้ริ้ว" ที่ไร้รูปร่างและไร้รูปร่าง พลังทั้งหมดของนักเต้น ทักษะอันมหัศจรรย์และจังหวะที่เวียนหัวทั้งหมดของเขาถูกรวบรวมไว้ในการเคลื่อนไหวของขา สำเนียงซิงโครนัสที่แม่นยำที่เกิดจากส้นเท้าข้างหนึ่งและนิ้วเท้าอีกข้างหนึ่ง ชนิดของ "การเคาะ" เหยียบย่ำด้วยพื้นไม้ วิ่งไปข้างหน้าบนส้นเท้า ฟรีราวกับว่า "สับเปลี่ยน" ที่วุ่นวาย อัตราส่วนของ "ร่างกายที่ไม่แยแส" และ "ขาสั่น" ซึ่งไม่ธรรมดาสำหรับบัลเล่ต์แบบดั้งเดิม เน้นย้ำถึงผลกระทบที่ตลกขบขันของความใจเย็นภายนอก ซึ่งแยกออกไม่ได้จากภาพของหน้ากากแช่แข็ง

การเดินเค้กมีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะการเต้นของ XIX ตอนปลาย - ต้นศตวรรษที่ XX มันให้กำเนิดการเต้นรำจำนวนหนึ่งที่แทนที่ลายโพลก้า สแควร์แดนซ์ แดนซ์คันทรี และการเต้นรำยอดนิยมอื่น ๆ ในอดีตที่ผ่านมาจากการใช้วัฒนธรรม การเต้นรำใหม่ล่าสุดเหล่านี้ - กริซลี่บาร์ กระต่ายแฮก เท็กซัสทอมมี่ ทาร์กิทรอท ฯลฯ โดดเด่นด้วยจังหวะ 2 จังหวะพิเศษที่แยกออกไม่ได้จากการเดินเค้ก และเอฟเฟกต์ "โยกเยก" ที่มีลักษณะเฉพาะ วิวัฒนาการของพวกเขาจบลงด้วยสองขั้นตอนและ Foxtrot ที่รู้จักกันดีซึ่งได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางทั่วโลกและยังคงอยู่ในละครเต้นรำในบ้านเป็นเวลาหลายปี

ความมั่งคั่งเริ่มต้นของการเต้นรำเหล่านี้ใกล้เคียงกับจุดสูงสุดของความนิยมของแร็กไทม์และจุดเริ่มต้นของ "ยุคแจ๊ส"