เวทีการตรัสรู้ในประวัติศาสตร์ของความสมจริง บรรยายสำหรับนักเรียน

ส่งงานที่ดีของคุณในฐานความรู้เป็นเรื่องง่าย ใช้แบบฟอร์มด้านล่าง

การทำงานที่ดีไปที่ไซต์">

นักศึกษา นักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษา นักวิทยาศาสตร์รุ่นเยาว์ที่ใช้ฐานความรู้ในการศึกษาและการทำงานจะขอบคุณอย่างยิ่ง

โพสต์เมื่อ http://www.allbest.ru/

1. เกี่ยวกับการศึกษาความสมจริง

ENLIGHTENING REALISM เป็นวิธีการทางศิลปะในศิลปะและวรรณคดียุโรปในศตวรรษที่ 18 โดยพิจารณาว่าปรากฏการณ์ทั้งหมดของชีวิตสาธารณะและการกระทำของบุคคลได้รับการประเมินว่าสมเหตุสมผลหรือไม่สมเหตุสมผล ผู้สร้างและนักทฤษฎีคือ Diderot ในฝรั่งเศสและ Lessing ในเยอรมนี ลักษณะเด่นของสัจนิยมแห่งการตรัสรู้คือการขยายเพิ่มเติมและทำให้เป็นประชาธิปไตยในหัวข้อต่างๆ ในรูปแบบของวัฒนธรรมศิลปะ เช่น วรรณกรรม ละครเวที และจิตรกรรม การปรากฏตัวของฮีโร่ใหม่ - ตัวแทนของอสังหาริมทรัพย์ที่สามซึ่งประกาศด้วยจิตวิญญาณแห่งกาลเวลาในฐานะผู้ถือเหตุผลหรือธรรมชาติ การปฏิเสธบรรทัดฐานที่มีอยู่ในคลาสสิก; ความต้องการ ความจริงของชีวิต, เอกสารการเปิดเผยอักขระและ "ความคิดเห็น" ที่ถูกต้องเป็นเอกสาร; การแก้ไขการเล่าเรื่องที่เกี่ยวข้องกับความปรารถนาที่จะถ่ายทอดไปยังผู้ฟัง ผู้ชม ผู้อ่าน ความคิดสาธารณะหรือคุณธรรม ในเวลาเดียวกัน ผู้สนับสนุนวิธีนี้มักจะยอมให้มีการประชุมในผลงานของพวกเขา ดังนั้น สถานการณ์ในนวนิยายและละครจึงไม่จำเป็นต้องเป็นแบบอย่างเสมอไป อาจเป็นแบบมีเงื่อนไขเช่นเดียวกับในการทดลอง ความสำเร็จหลักของสัจนิยมแห่งการตรัสรู้คือการสร้างนวนิยายแห่งยุคใหม่ - วิธีการอันทรงพลังของความรู้ทางศิลปะของความเป็นจริง ผู้ก่อตั้งถือว่า ง. เดโฟผู้ริเริ่มนวนิยายประเภทต่าง ๆ เช่นชีวประวัติการผจญภัยจิตวิทยาอาชญากรรมการผจญภัยการศึกษาและเชิงเปรียบเทียบ ง. รวดเร็วกลายเป็นผู้สร้างประเภทของนวนิยายเชิงปรัชญาและการเมืองเสียดสี ในยุคของการตรัสรู้ที่เป็นผู้ใหญ่ นวนิยายเรื่องครอบครัว-ครัวเรือน (เอส. ริชาร์ดสัน) และครัวเรือนทางสังคม (จี. ฟิลดิงก์) ปรากฏขึ้น การปรากฏตัวของฮีโร่ใหม่นำไปสู่การเกิดขึ้นของละคร "ชนชั้นนายทุนน้อย" ("The London Merchant" โดย D. Lillo, "Cunning and Love" โดย F. Schiller, "Bad Son" โดย D. Diderot เป็นต้น ) ตลกเพื่อการศึกษาประชาธิปไตย (อาร์. เชอริแดน) และการเมืองสังคม (จี. ฟีลดิง) ความสมจริงของเวทีเป็นตัวเป็นตนอย่างเต็มที่ในผลงานของ P. O. Beaumarchais

ความคิดการตรัสรู้มีอิทธิพลต่อการก่อตัว ภาพวาดเหมือนจริงศตวรรษที่ 18 ศิลปิน Realist W. Hogarth, J. B. Chardin เข้าสู่การต่อสู้เพื่อขจัดความชั่วร้ายของสังคมหันไปใช้สถานการณ์ในชีวิตประจำวันหรือสร้างภาพวาด "บนความทันสมัย ธีมคุณธรรม- พื้นที่ที่ยังไม่ได้ทดสอบในประเทศใด ๆ ” (วัฏจักรเหน็บแนมของ W. Hogarth) J.B. Chardin เปลี่ยนชีวิตให้กลายเป็น ประเภทอิสระจิตรกรรม.

2. การสร้างอุลยามะโฮการ์ธ

กำเนิดครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 โรงเรียนประจำชาติภาพวาดในอังกฤษ. ผู้ก่อตั้งโรงเรียนศิลปะแห่งชาติและหนึ่งในปรมาจารย์ที่ฉลาดที่สุดคือ William Hogarth ด้วยผลงานที่โดดเด่นและเป็นต้นฉบับของเขา เขาได้วางรากฐานสำหรับการออกดอกใหม่ของภาพวาดอังกฤษ

ผลงานของโฮการ์ธเป็นภาพสะท้อนที่แท้จริงของชีวิตในส่วนต่างๆ ของสังคมอังกฤษ และเต็มไปด้วยแนวโน้มวิพากษ์วิจารณ์ตามความเป็นจริง

ภาพวาดและการแกะสลักของศิลปินมีความโดดเด่นในด้านความเชี่ยวชาญในการบรรยายอันน่าทึ่ง ความคิดริเริ่มที่สร้างสรรค์ และความคิดริเริ่มของการแก้ปัญหาทางศิลปะ เขาต่อสู้อย่างแข็งขันเพื่อยืนยันความสมจริงและแนวคิดเรื่องสัญชาติในงานศิลปะ ในบทความเชิงทฤษฎีของเขา "การวิเคราะห์ความงาม" (1753) ศิลปินหยิบยกบทบัญญัติของสุนทรียศาสตร์ประชาธิปไตยแห่งความสมจริง เขาประณามอย่างรุนแรงคำเยินยอหลอกลวงของภาพเหมือนฆราวาสที่ตายตัวได้รับการปกป้อง ทาสีบ้านโดยอาศัยการสังเกตโดยตรงและการเปิดเผยแก่นแท้ของปรากฏการณ์ชีวิต

ศิลปะของ Hogarth มีผลกระทบอย่างมากต่อการวาดภาพในชีวิตประจำวันของยุโรปในศตวรรษที่ 19 โดยมีคุณลักษณะที่สำคัญที่สุดหลายประการ พัฒนาต่อไปและเป็นลางสังหรณ์ของทุกสิ่งที่เป็นลักษณะเฉพาะของชาวยุโรป Art XIXศตวรรษ โดยเฉพาะอย่างยิ่งความสมจริงเชิงวิพากษ์

ส่วนสำคัญ มรดกสร้างสรรค์ William Hogarth ประกอบด้วยงานของเขาในหัวข้อในชีวิตประจำวันและศีลธรรม วัฏจักรของเขาแต่ละรอบเป็นเรื่องราวอันยาวนานเกี่ยวกับ ชะตากรรมของมนุษย์นี่เป็นความท้าทายแบบหนึ่งต่อสังคมที่โฮการ์ธแสดงให้เห็นอย่างเหมาะสมและเฉียบขาด สภาพแวดล้อมทางสังคมและสถานการณ์ทั่วไปของชีวิตชาวอังกฤษ

จิตรกร คิด อะไร ขั้นพื้นฐาน งาน "มีประโยชน์" ศิลปะ เป็น สนาม ข้างบน ชีวิต เอ กระบวนการ เสิร์ฟ เสียดสี ชอบ เพื่อที่ อย่างไร ขั้นสูง นักเขียน ตรัสรู้ สร้าง ใหม่ ประเภทของ ศิลปะ ผลงาน - ภายในประเทศ เหมือนจริง นิยาย, โฮการ์ธ สร้าง ใหม่ สำหรับ ของเขา เวลา ประเภท - ชุด เสียดสี ครัวเรือน ภาพวาด เหล่านี้ ชุด อ่าน อย่างไร นวนิยาย และ ขอบคุณ ความชัดเจน พวกเขา ศิลปะ ภาษา คือ มีอยู่ มาก มากกว่า กว้าง วงกลม ของคน อย่างไร ใดๆ หนังสือ.

งานของ Hogarth ส่วนใหญ่อุทิศให้กับการเยาะเย้ยความชั่วร้ายของสังคมร่วมสมัย แต่การเปิดเผยภาพที่มืดมนของความโหดร้าย ความชั่วร้าย การผิดศีลธรรม ความยากจนทางวิญญาณ และความยากจนทางวัตถุ ศิลปินไม่เคยเปลี่ยนศรัทธาของเขาในมนุษย์ ศิลปินสร้างภาพเหมือน ภาพลักษณ์ของเขาบ่งบอกถึงสุขภาพ ความแข็งแกร่งทางจิตใจ ความงามภายในคน - คุณลักษณะที่ศิลปินสามารถมองเห็นและเป็นพื้นฐานของงานศิลปะของเขา

2. ขั้นตอนแรกของ Hogarth ในงานศิลปะและการก่อตัวในผลงานการประเมินอิสระเกี่ยวกับความเป็นจริง

ในช่วงทศวรรษ 1730 วิลเลียม โฮการ์ธ ศิลปินดั้งเดิมและน่าทึ่งได้ปรากฏตัวในอังกฤษ

W. Hogarth (1697-1764) เกิดในครอบครัวครูในชนบทที่ย้ายไปลอนดอน พ่อของเขาเปิดโรงเรียนในหมู่บ้านของเขาก่อน จากนั้นในลอนดอน และต่อมาทำงานเป็นผู้ตรวจทาน ศึกษาวรรณกรรม และทิ้งงานทางปรัชญาหลายชิ้นที่ไม่ได้นำมาซึ่งความมั่นคงทางวัตถุแก่เขา

จากข้อความเหล่านี้แสดงให้เห็นว่าวิธีการของเขาได้รับการพัฒนาตั้งแต่อายุยังน้อย สำหรับเขาแล้ว เรื่องของศิลปะและแหล่งที่มาของภาพทางศิลปะเท่านั้นคือชีวิต เขาเชื่อว่าไม่ควรศึกษากฎของรุ่นก่อนและภาพที่สร้างขึ้นโดยพวกเขา แต่ โลก. มันไม่มีประโยชน์ที่จะคัดลอกวัตถุและตัวเลข มันเป็นสิ่งจำเป็นในการพัฒนาหน่วยความจำและบันทึกการสังเกต

การแกะสลักมีลักษณะเฉพาะด้วยเทคนิคการวาดที่เรียบง่ายและจังหวะการจัดองค์ประกอบที่ชัดเจน

ในปี ค.ศ. 1726 โฮการ์ธได้สร้างภาพประกอบสองชุดสำหรับ Goodibras: ในตอนแรก ตามคำร้องขอของผู้จำหน่ายหนังสือ เขายึดติดอย่างใกล้ชิดกับวิธีการแสดงภาพประกอบที่ไม่เปิดเผยตัวของหนังสือเล่มนี้ฉบับก่อนหน้า (ค.ศ. 1710) แต่ได้ทำการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญ ชุดที่สองถือได้ว่าเป็นงานอิสระของศิลปิน ภาพประกอบที่สมจริงเป็นเครื่องยืนยันถึงวุฒิภาวะของภาพวาดของเขา ต่อความมั่งคั่ง จินตนาการสร้างสรรค์. โดดเด่นด้วยความสมบูรณ์ขององค์ประกอบ จังหวะดั้งเดิมที่กว้าง และความอิ่มตัวที่ไม่ธรรมดาพร้อมรายละเอียดในชีวิตประจำวัน

ในปี ค.ศ. 1729 โฮการ์ ธ แต่งงานกับลูกสาวของจิตรกร Thornhill แต่งงานกับเธออย่างลับๆจากพ่อแม่ของเธอ ในไม่ช้าพ่อแม่ก็ให้อภัยโฮการ์ธและคู่หนุ่มสาวก็ตกลงกับ Thornhills

ศิลปินวาดภาพมาตั้งแต่ช่วงต้นทศวรรษ 1720 เมื่อเขาเรียนที่ Academy กับ Vanderbank โดยเข้าร่วมจิตรกรรมฝาผนังของบ้านในชนบทกับครู Thornhill

โฮการ์ธได้หมดความเป็นไปได้อย่างรวดเร็วของประเภทของการถ่ายภาพบุคคลแบบกลุ่ม "สนทนา" ซึ่งนำเขาไปสู่ศิลปะซาลอน เขาหลงใหลในหัวข้อเสียงสาธารณะมากขึ้นเรื่อย ๆ ซึ่งสอดคล้องกับอุดมคติของศิลปินและลักษณะเฉพาะของความสามารถของเขา แต่ในฐานะนักเสียดสีและผู้แต่งหัวข้อเฉพาะ เขาเปิดเผยอย่างเต็มที่ในช่วงทศวรรษ 1730

ดังนั้นในช่วงแรกของกิจกรรม โฮการ์ธในวัยหนุ่มจึงปรากฏตัวต่อหน้าเราในฐานะบุคคลที่มีโลกทัศน์ตั้งแต่แรกเริ่ม เป็นผู้มีความมุ่งมั่นในการสร้างสรรค์อย่างยิ่งใหญ่ ในช่วงอายุยังน้อย เขาเริ่มก้าวแรกสู่การบรรลุเป้าหมายในชีวิต นั่นคือการสร้างสรรค์ผลงานศิลปะที่เป็นประโยชน์ต่อสังคม ผลงานของเยาวชนแสดงให้เห็นว่าในแผ่นงานเกี่ยวกับหัวข้อเฉพาะ Hogarth พบครูประเภทของเขาและติดต่อกับสาธารณชนในระดับหนึ่ง เขานำเหตุการณ์จากชีวิตมาเป็นเนื้อหาและตีความพวกเขาอย่างเสียดสี ประเมินพวกเขา ด้วยประสบการณ์จากรุ่นก่อน เขาจึงพัฒนาภาษาศิลปะของตนเองต่อไป วิจิตรศิลป์ตรัสรู้ธรรม

4. ซีรีส์ "แฟชั่นวิวาห์"

ในช่วงครึ่งแรกของยุค 40 ของศตวรรษที่ 18 โฮการ์ธได้สร้างซีรีส์ที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขา นั่นคือ Fashionable Marriage (ภาพวาดหกภาพ, Tate Gallery, London) วัฏจักรนี้ประกอบด้วยโครงเรื่องละครที่แยกจากกัน ชื่อของฉากเผยให้เห็นเจตนาของซีรีส์ โฮการ์ ธ เรียกตัวเองว่าไม่ใช่จิตรกรซ้ำแล้วซ้ำอีก แต่เป็น "ผู้แต่ง" ของซีรีส์โดยต้องการเน้นย้ำถึงความสำคัญของโครงเรื่องวรรณกรรมที่อยู่ภายใต้พวกเขาและไม่มีเหตุผลที่ผู้ร่วมสมัยหลายคนประเมินเขาอย่างแม่นยำในฐานะผู้เขียน T. Gauthier กล่าวว่า: "Hogarth เป็น Aristophanes ของแปรงที่วาดคอเมดี้ของเขาแทนที่จะเขียน" [, - Krol A.E. วิลเลียม โฮการ์ธ. ล.-ม., 2508, น. 83-84.7] แธคเคเรย์ ผู้ซึ่งอุทิศส่วนทั้งหมดให้กับศิลปินในการบรรยายเรื่องนักเขียนการ์ตูนของศตวรรษที่ 18 เน้นย้ำความสมบูรณ์ในการเขียนอย่างมืออาชีพของวงจรโครงเรื่องของโฮการ์ธ

ความคิดของผู้เขียนกลายเป็นที่คุ้นเคยสำหรับผู้ดูเมื่อเขาจำทั้งชุดได้ ศิลปินวาดภาพผู้คนในช่วงเวลาของการกระทำ ตัวละครของเขาดูเหมือนจะพูดคุยกัน Hogarth ประสบความสำเร็จในเรื่องนี้ด้วยการส่งการแสดงออกทางสีหน้าและท่าทางที่แม่นยำ

ชุดภาพวาดของ Hogarth ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในหมู่นักเขียนที่ใช้พวกเขาในการดัดแปลงอย่างมาก Charles Lamb ในบทความของเขากล่าวว่า: "... ภาพวาดอื่น ๆ ที่เราพิจารณา - เราอ่านการแกะสลักของเขา" อย่างไรก็ตาม ควรกล่าวได้ว่าเนื้อเรื่องและตัวละครที่สร้างโดย Hogarth ได้รับการประมวลผลตามกฎโดยผู้เขียนที่ไม่มีนัยสำคัญและมีเพียงตอนเดียวเท่านั้น

เป็นการยากที่จะกำหนดวันที่แน่นอนของวงจรการแต่งงานตามแฟชั่น มีภาพวาดสองชุดที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดในเรื่องนี้ ดังที่ได้กล่าวไว้ก่อนหน้านี้ใน Tate Gallery (ลอนดอน) อีกภาพหนึ่งซึ่งมีรายละเอียดแตกต่างไปจากนี้และถือเป็นภาพร่างของ Hogarth ซึ่งทำเสร็จด้วยมือที่แตกต่างกันนั้นอยู่ในคอลเล็กชันของ H.R. วิลเล็ต มีข้อสันนิษฐานว่าซีรีส์ที่มีชื่อเสียงเขียนขึ้นระหว่างปี ค.ศ. 1742 ถึง ค.ศ. 1745

"ทันสมัยการแต่งงาน"

เป็นซีรีส์เสียดสีเรื่องที่สามของโฮการ์ธ ในภาพวาดของซีรีส์นี้ ผู้ชมเห็นการเสียดสีสังคมที่เฉียบคม ทำให้ชั้นสาธารณะถูกเยาะเย้ย พรรณนาฉากจากชีวิต สังคมชั้นสูงโฮการ์ธแสดงให้เห็นถึงความน่าเกลียดและชั่วร้าย น่ากลัวและตลกไม่น้อยไปกว่าในฉากชีวิตของคนจรจัด โจร และโสเภณี ตัวละครเช่นเดียวกับในซีรีส์ก่อนหน้าได้รับภาพเหมือน

เนื้อเรื่องของ William Hogarth คือการแต่งงานเพื่อความสะดวกสบาย นี่เป็นเรื่องราวเกี่ยวกับการแต่งงานของลูกชายที่พังทลายกับลูกสาวของพ่อค้าผู้มั่งคั่ง ซึ่งเป็นปรากฏการณ์ที่พบได้บ่อยในอังกฤษในสมัยโฮการ์ธ เกี่ยวกับความรื่นเริงของสามีและไม่มีอะไรเลย ยกเว้นเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ชีวิตของ ภรรยาไม่เต็ม เรื่องนี้จบลงด้วยข้อไขข้อข้องใจที่น่าเศร้า - การตายของเคานต์ซึ่งถูกแทงตายโดยคนรักของเคาน์เตสซึ่งลงเอยด้วยตะแลงแกงสำหรับเรื่องนี้และการฆ่าตัวตายของเคาน์เตส

ตอนแรกแสดงออกแล้ว - "การแต่งงาน สัญญา"

ซึ่งสรุปเป็นธุรกรรมทางการค้า ผู้มีส่วนได้ส่วนเสียรวมตัวกัน พวกเขาสร้างสองกลุ่ม ภาพแรกแสดงภาพเจ้านายเก่าที่มีกระเป๋าเอกสารพันธุ์ดีและท่าทางที่สง่างามและนั่งตรงข้ามพ่อของเจ้าสาวพร้อมสัญญาการแต่งงานในมือของเขาซึ่งมองดูญาติในอนาคตด้วยความสยดสยองและคำนวณว่าความสัมพันธ์นี้จะต้องเสียค่าใช้จ่ายเท่าใด อีกกลุ่มหนึ่งคือเจ้าสาวและเจ้าบ่าวที่นั่งดูน่าเบื่อ แสดงออกถึงความเฉยเมยเฉยเมย เบื้องหน้าคือรูปแกะสลักสัตว์ที่ผูกด้วยโซ่ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของสหภาพเดียวกันที่เกิดขึ้นในห้องนี้

ภาพมีความโดดเด่นด้วยการแสดงออกองค์ประกอบที่ชัดเจนและรอบคอบเส้น "คดเคี้ยว" หยักเน้นโครงร่างทั้งหมดอักขระจะถูกจัดกลุ่มอย่างชำนาญ

Hogarth แสดงให้เห็นในเรื่องนี้ปรากฏการณ์ทั่วไปในชีวิตของสังคมอังกฤษ พ่อคนเจ้าเล่ห์และโลภเพื่อผลประโยชน์ของตัวเองเข้าสู่การเป็นพันธมิตรระหว่างลูก ๆ ของพวกเขาซึ่งเป็นสินค้าสำหรับพวกเขา พ่อของเจ้าสาวซื้อสถานที่ให้ตัวเองท่ามกลางขุนนางและไม่กลัวที่จะจ่ายเงินมากเกินไป ความโลภ, ความกลัว, ความเป็นทาสนั้นรวมอยู่ในใบหน้าและรูปร่างของเขา เหลือบมองอย่างมีเล่ห์เหลี่ยมเน้นย้ำถึงธรรมชาติของเขา เจ้านายเก่า - พ่อของเจ้าบ่าวมองไปรอบ ๆ จากความสูงสามารถรักษาความเย่อหยิ่งต่อหน้าผู้ซื้อเติมเต็มคุณค่าของเขาเอง ใครๆ ก็อยากกินของอร่อย ความเปราะบางของข้อตกลงนี้จะปรากฏแก่ผู้ชมทุกคนในทันที

ในฉากที่สอง ("เช้า อาหารเช้า. เร็วๆ นี้ หลังจาก งานแต่งงาน")

] ตัวละครทั้งสามมีส่วนร่วม องค์ประกอบนี้แสดงให้เห็นตอนเช้าในบ้านของคนหนุ่มสาว พลิกเก้าอี้ ขี้เกียจยกขึ้นโดยคนรับใช้ที่ง่วงนอนอยู่บนพื้น เล่นไพ่, เครื่องดนตรีและสมุดโน้ต - ทุกอย่างพูดถึงวันหยุดของเมื่อวานซึ่งจบลงด้วยบัคคานาเลียที่ยุติธรรม เคาน์เตสที่ค่อนข้างสวยยืดออกไปอย่างไม่เป็นทางการ กำลังจะหาว และแสดงความไม่แยแสต่อสามีของเธอ ซึ่งบุกเข้าไปในห้องโดยไม่ได้ถอดหมวกและทรุดตัวลงนั่งบนเก้าอี้นวมอย่างหนัก ผู้จัดการที่มีห่อธนบัตรอยู่ในมือจากไป ยกมือขึ้นสู่ท้องฟ้า

ทุกสิ่งที่เกิดขึ้นในภาพ - ความสัมพันธ์ระหว่างตัวละคร โหงวเฮ้งโหงวเฮ้ง ทุกท่าทาง - มีการอธิบายอย่างชัดเจนและเป็นภาพกราฟิกอย่างยิ่ง

ที่สาม ฉาก ("ยู เจ้าเล่ห์") [แอป. ข้าว. 20] เล่าถึงการผจญภัยครั้งต่อๆ ไปของสามีของเธอ เขามากับแฟนสาวเพื่อหาหมอหลอกลวง แพทย์รับไว้ในห้องทำงานที่ตกแต่งอย่างสวยงาม โดยแต่ละรายการพูดถึง "ทุน" ของเจ้าของ นักเลงหนุ่มเปิดโปงคนเจ้าเล่ห์โบกไม้เท้าให้เขา Betty Carless ผู้จับคู่ที่มีชื่อเสียงในลอนดอนยืนหยัดเพื่อหมอ ด้วยความช่วยเหลือของท่าทาง รูปลักษณ์ และการกระทำร่วมกัน ศิลปินได้รวมแพทย์ผู้หลอกลวงและแมงดาเข้าไว้ด้วยกัน ซึ่งทำให้ร่างของเหยื่อหนุ่มที่ไร้ที่พึ่งและขี้อายของเหยื่อรายนี้ห่างไกลกัน

ในภาพถัดไป - "เช้า แผนกต้อนรับ"

ศิลปินเผยลักษณะความบันเทิงของเคาน์เตสสาว เราเห็นเธอที่ห้องน้ำตอนเช้า ช่างทำผมพลุกพล่านไปรอบ ๆ ปฏิคม นักร้องชื่อดังในลอนดอนร้องเพลงพร้อมกับเป่าขลุ่ย แขกกำลังพูดคุยกันอย่างมีชีวิตชีวาเกี่ยวกับบางสิ่ง และทนายความกำลังพักผ่อนอยู่บนโซฟาซึ่งทำตัวเหมือนอยู่บ้าน เขามอบตั๋วเคานท์เตสให้กับหน้ากาก ความสัมพันธ์ระหว่างนายหญิงของบ้านกับทนายความทำให้คนอื่นมีความคิดที่ดี

สีที่กลมกลืนกันอย่างนุ่มนวล ชมพูและเทาเงิน หรือมะกอก ชมพูและน้ำตาลทอง สื่อถึงความเป็นอยู่ภายนอกและความสง่างามของชีวิตนี้ และองค์ประกอบของภาพวาดที่เต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวที่วุ่นวายสอดคล้องกับความว่างเปล่าภายในและ ความขัดแย้งในชีวิตของวีรบุรุษแห่ง "การแต่งงานที่ทันสมัย"

ภาพวาดต่อไปนี้จากซีรี่ส์ Fashionable Marriage นำผู้ชมเข้าใกล้ข้อไขข้อข้องใจมากขึ้น ในฉากที่ห้า [App. ข้าว. 22] แสดงให้เห็นจุดเปลี่ยน: สามี, ตาย, หกล้ม, ภรรยาสาวคุกเข่าต่อหน้าสามีที่โกหกของเธอ, และคู่รักนักฆ่าซ่อนตัวอยู่ที่หน้าต่าง การแสดงออกของฉากถูกกำหนดโดยพลวัตของมัน Hogarth พยายามอย่างกล้าหาญที่จะจับภาพช่วงเวลาที่เข้าใจยากทั้งในการเคลื่อนไหวและใน ประสบการณ์ทางอารมณ์วีรบุรุษ เช่นเดียวกับในฉากอื่นๆ การกระทำจะเกิดขึ้นอีกครั้งในฉากที่เฉพาะเจาะจงซึ่งมีรายละเอียดที่แท้จริงมากมาย ใบหน้าและร่างของฉากแสดงเป็นเงา

ที่หกฉากแต่งแต้มด้วยความขมขื่นและดราม่า เคาน์เตสวางยาพิษ ที่เท้าของเธอมีใบไม้อยู่ด้วย คำสุดท้ายคนรักที่ถูกประหารชีวิต ผ่านหน้าต่างที่เปิดโล่งของบ้านเก่าที่มืดมน ทิวทัศน์ที่สวยงามของแม่น้ำเทมส์อันกว้างใหญ่และสะพานลอนดอนแผ่กว้าง - เป็นสัญลักษณ์ของชีวิต แม่น้ำที่ไหลอย่างสงบนิ่ง แม้ว่าจะมีโศกนาฏกรรมในชีวิตก็ตาม

ในซีรี่ส์ Fashionable Marriage วิลเลียม โฮการ์ธได้กล่าวถึงประเด็นทางสังคมที่สำคัญ ซึ่งเขาได้รับการพิจารณาว่าเป็นนักเทศน์ - นักเทศน์ ศิลปินไม่ลงโทษคนชั่ว พ่อโลภที่เสียสละลูกสาวของเขาและเจ้านายเก่าที่แต่งงานกับลูกชายของเขาอย่างมีกำไรจะไม่ทนทุกข์ทรมาน ลูก ๆ ของพวกเขาต้องทนทุกข์ทรมานกลายเป็นเหยื่อของสภาพสังคมที่โหดเหี้ยม ชะตากรรมของเหล่าฮีโร่ถูกกำหนดในแผนการของโฮการ์ธโดยสถานการณ์ทางสังคม วีรบุรุษเชิงบวกในภาพวาดของเขานั้นหายากมากเนื่องจากศิลปินเห็นสิ่งสำคัญไม่ใช่ในคุณธรรมและศีลธรรมที่มีชัย แต่ในการยืนยันถึงความชั่วร้ายและความโชคร้ายที่หลีกเลี่ยงไม่ได้

ในช่วงกลางทศวรรษ 1740 Hogarth พยายามประกาศค่านิยมเชิงบวกในชีวิต เขาเริ่มซีรีส์ Happy Marriage (1745) แต่ความคิดของศิลปินยังไม่เสร็จสมบูรณ์มีเพียงหกตอนจากซีรีส์ที่เริ่มนี้เท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้ ภาพวาดแรก ที่สี่และห้าได้รับการเก็บรักษาไว้เป็นงานแกะสลัก ภาพเขียน - ภาพที่สามและที่หก และในรูปแบบของชิ้นส่วนที่งดงาม - ภาพที่สอง

สถานที่พิเศษในผลงานของ William Hogarth ถูกครอบครองโดยชุดการแกะสลัก Diligence and Indolence (1747-1748) ซึ่งศิลปินได้พัฒนาโปรแกรมเชิงบวกของเขาอย่างกว้างขวางที่สุด

โฮการ์ธเป็นลูกชายในวัยเดียวกับเขา เขาประณามความชั่วร้ายอย่างไร้ความปราณี และในขณะเดียวกันก็เล่าภาพลวงตาที่นักเขียนการตรัสรู้อย่างเดโฟเคยเทศนา ภาพลวงตาดังกล่าวรวมถึงความคิดที่ว่าความสุขและความมั่งคั่งเป็นรางวัลสำหรับคนทำงานที่มีคุณธรรมและซื่อสัตย์ เดโฟในนวนิยายเรื่อง "โรบินสัน ครูโซ" แสดงถึงวีรบุรุษผู้กล้าหาญ ขยันหมั่นเพียร ที่สร้างความสุขด้วยมือของเขาเอง แม้จะมีชะตากรรมที่ผันผวน ในซีรีส์การสอนเรื่อง Diligence and Indolence โฮการ์ธแสดงความเคารพต่ออุดมคติแห่งยุคสมัยนี้

ราวปี ค.ศ. 1750-1751 โฮการ์ธสร้างงานกราฟิกอีกหลายชิ้นที่มีลักษณะให้คำแนะนำ: ชุด "Four Degrees of Cruelty" และการแกะสลักสองชิ้น "Gin Street" และ "Beer Street" [App. ข้าว. 30, 31]. ในนั้นเขาติดตามโปรแกรมเดียวกันกับที่เขาทำในซีรีส์การสอนเรื่องใหญ่ "ความขยันและความเกียจคร้าน" [App. ข้าว. 32].

ในการแกะสลัก "Gin Street" และ "Beer Street" ศิลปินกล่าวถึงผู้คน Hogarth เขียนว่า: “เนื่องจากรูปแบบของการแกะสลักเหล่านี้ได้รับการออกแบบเพื่อทำหน้าที่ในความชั่วร้ายทั่วไปบางอย่างที่มีอยู่ในชนชั้นล่างจึงปลอดภัยกว่าสำหรับการกระจายงานแกะสลักที่กว้างที่สุดที่ผู้เขียนดำเนินการในเทคนิคที่ถูกที่สุด” [, - Krol A.E. วิลเลียม โฮการ์ธ. ล.-ม., 2508, น. 115.15]

คราวนี้ Hogarth ทำหน้าที่เป็นบุคคลสาธารณะที่ต่อสู้กับความมึนเมา ซึ่งเป็นหายนะที่แท้จริงของอังกฤษในสมัยของเขา ความชั่วร้ายทางสังคมนี้ทวีความรุนแรงขึ้นพร้อมกับการเติบโตของความยากจนและโรคภัยในหมู่ชนชั้นล่าง แน่นอนว่าสาเหตุของความยากจนและการเสียชีวิตของประชากรที่ยากจนในลอนดอนไม่ได้หยั่งรากลึกในความมึนเมาเพียงอย่างเดียว แต่โฮการ์ธก็เหมือนกับผู้มีความคิดก้าวหน้าในสมัยนั้น ไม่ได้ตระหนักว่าที่มาของความชั่วร้ายคืออะไร ดังนั้นศิลปินร่วมกับผู้รู้แจ้งภาษาอังกฤษคนอื่น ๆ ได้กำกับการวิจารณ์ทั้งหมดของเขาไม่ใช่ที่รากฐานของระเบียบทางสังคม แต่มีเพียงปรากฏการณ์ที่เกิดขึ้นกับพวกเขาเท่านั้น

การแกะสลัก "ถนนจิน" และ "ถนนเบียร์" ได้รับการตอบกลับทันที และในปี ค.ศ. 1751 มีการผ่านกฎหมายในรัฐสภาเพื่อห้ามการขายจินอย่างผิดกฎหมาย

ตามที่ William Hogarth เขียน แผ่นงาน Gin Street แสดงผลของการบริโภคเครื่องดื่มนี้ - "... ความเกียจคร้าน ความยากจน ความยากจน และความสิ้นหวัง นำไปสู่ความบ้าคลั่งและความตาย"

ศิลปินแบ่งแผ่นงานออกเป็นสองระนาบตามแนวทแยงที่วิ่งจากมุมขวาบนไปยังมุมล่างซ้าย ทางด้านขวา เขาบรรยายตอนสำคัญหลายตอนพร้อมตัวละครสองสามตัว ด้านซ้ายมือคืออาคารในเมืองและถนนที่มีหุ่นคนตัวเล็กจำนวนมาก พื้นหลังของกำแพงกลางคือลอนดอนที่ยากจนด้วยเรือที่แออัดและบ้านเรือนที่ทรุดโทรม

ความสิ้นหวังของทางตันที่ชาว Gin's Street พินาศถูกเน้นโดยสัญลักษณ์ทั่วไปของ Hogarth: สัญลักษณ์ของสำนักงานเงินกู้ที่มีลูกบอลหนักสามลูกและสัญลักษณ์ของโรงเตี๊ยมในรูปของเหยือกขนาดใหญ่ที่มีคำจารึกว่า "Royal Gin" .

"Beer Street" ให้ความแตกต่างกับ "Gin Street" ฉากนี้เต็มไปด้วยแอนิเมชั่นที่ร่าเริง ศิลปินวาดภาพถนนที่มีบ้านที่สร้างใหม่สะอาดตา ผู้คนที่เดินผ่านไปมากำลังเดินไปตามถนน จิตรกรกำลังตกแต่งป้ายชื่อชาวนาที่กำลังเต้นรำอยู่รอบๆ กองข้าวบาร์เลย์ ที่โต๊ะผู้คนดื่มเบียร์ บ้านร้างเพียงหลังเดียวคือสำนักงานเงินกู้ ซึ่งตั้งอยู่บนขั้นบันไดที่มีพ่อค้าเบียร์ที่ท่องเที่ยวอยู่

หากในแผ่นก่อนหน้านี้การ์ตูนเน้นเรื่องโศกนาฏกรรมแล้ว Beer Street ก็เต็มไปด้วยอารมณ์ขันที่ร่าเริง น่าแปลกที่ Hogarth วาดภาพนักดื่มเบียร์ที่มีพุงขนาดใหญ่ ถือเบียร์เต็มแก้วพร้อมโฟมเขียวชอุ่ม สัญญาณของสำนักงานสินเชื่อดูเหมือนจะไม่เป็นลางร้ายอีกต่อไป

อีกชุดหนึ่งของธรรมชาติที่มีศีลธรรมเรียกว่า "The Four Degrees of Cruelty" โดย Hogarth เธอรับบท เส้นทางชีวิตผู้ชายที่ทรมานแมวและสุนัขตั้งแต่ยังเป็นเด็ก จากนั้นก็ทรมานม้าและกลายเป็นฆาตกรในที่สุด ศพของอาชญากรที่ถูกประหารจะถูกมอบให้แก่แพทย์โดยชอบด้วยกฎหมาย โดยจะแยกชิ้นส่วนออกเป็นชิ้นๆ

โฮการ์ธเขียนว่า: " เหล่านี้ แผ่น คือ แกะสลัก ใน หวัง ใน บาง วัด เปลี่ยน ถึง ที่สุด ป่าเถื่อน อุทธรณ์ กับ สัตว์, หนึ่ง ดู ทรมาน ที่ ทำ ของเรา เมืองหลวง (ลอนดอน) ดังนั้น น่าสงสาร สำหรับ แต่ละ อ่อนไหว วิญญาณ ถ้า พวกเขา จะทำให้ นี่คือ การกระทำ และ ขัดขวาง ความโหดร้าย ฉัน จะ มากกว่า ภูมิใจ หัวข้อ อะไร เป็น พวกเขา ผู้เขียน, อย่างไร ถ้า จะ ฉัน เขียน กระดาษแข็ง ราฟาเอล"( Krol A.E. วิลเลียม โฮการ์ธ. ล.-ม., 1965, น. 117.18)

“The Four Degrees of Cruelty” รวมถึงซีรีส์เรื่อง “Diligence and Laziness” ในชื่อ “Gin Street” และ “Beer Street” เขียน Krol A.E. เผยให้เห็น Hogarth เป็นศิลปินที่ไม่ผ่านภัยพิบัติทางสังคมอย่างดีและไม่พยายาม ให้ผู้ชมหัวเราะไปกับภาพความยากจนและความเขลา ในเวลาเดียวกัน โฮการ์ธไม่ได้ยังคงเป็นนักเทศน์-นักเทศน์ที่เรียบง่าย แต่มองโลกในวงกว้างและเป็นกลางมากกว่าคนรุ่นเดียวกันส่วนใหญ่ของเขา การเลือกในฐานะวีรบุรุษนับหรือคนจรจัด สตรีผู้สูงศักดิ์หรือโสเภณี เขาประณามภาพลักษณ์ที่มืดมิดซึ่งไม่เฉพาะบุคคลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงกลุ่มทางสังคมทั้งหมดด้วย โฮการ์ธพูดถึงตอนเฉพาะเหล่านี้กับผู้คนและเป็นที่นิยม แต่ผู้ชมที่เขาพูดถึงในบางครั้งชื่นชมความตลกขบขันของตอนนั้น ใบหน้าที่ตลกขบขัน และไม่สังเกตเห็นความหมายลึกซึ้งของงานของเขา

ดังนั้นงานของ Hogarth จึงมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาศิลปะอังกฤษ ผลงานของเขาเป็นภาพสะท้อนที่สมจริง ชีวิตที่ทันสมัยชั้นต่าง ๆ ของสังคมอังกฤษและเต็มไปด้วยความคิดวิพากษ์วิจารณ์อย่างแข็งขันในจิตวิญญาณของความคิดที่ก้าวหน้าในสมัยนั้น ภาพวาดและการแกะสลักของ Hogarth โดดเด่นด้วยความเชี่ยวชาญในการบรรยายอย่างสูง ความคิดริเริ่ม และความคิดริเริ่มของการแก้ปัญหาทางศิลปะ เขาต่อสู้อย่างแข็งขันเพื่อสร้างความสมจริงและแนวคิดเรื่องสัญชาติในงานศิลปะ ปกป้อง ชั้นนำประเภทในชีวิตประจำวันในการวาดภาพ

3 . การสร้างฌองบาติสตาไซเมียนชาร์ดิน

ยีนส์บาติมเซนต์SimeoมนChardeมน(ค.ศ. 1699-1779) - จิตรกรชาวฝรั่งเศส หนึ่งในผู้มีชื่อเสียงมากที่สุด ศิลปินของ XVIIIศตวรรษและเป็นหนึ่งในนักวาดภาพสีที่ดีที่สุดในประวัติศาสตร์การวาดภาพ ซึ่งมีชื่อเสียงจากผลงานของเขาในด้านการวาดภาพนิ่งและประเภทจิตรกรรม

ในงานของเขา ศิลปินจงใจหลีกเลี่ยงรูปแบบที่เคร่งขรึมและอภิบาล-ตำนานของศิลปะในสมัยของเขา หัวข้อหลักของภาพนิ่งและฉากประเภทที่อิงจากการสังเกตการณ์ภาคสนามและภาพบุคคลที่ซ่อนอยู่ทั้งหมดคือชีวิตประจำวันของผู้คนจากดินแดนที่สามที่เรียกว่า ถ่ายทอดในลักษณะที่สงบ จริงใจ และเป็นความจริง Chardin ซึ่งมีกิจกรรมในฐานะศิลปินที่แสดงถึงความมั่งคั่งของสัจนิยมในศตวรรษที่ 18 ได้สืบสานประเพณีของปรมาจารย์ชาวดัตช์และเฟลมิชในด้านภาพนิ่งและชีวิตประจำวันของศตวรรษที่ 17 สืบสานประเพณีนี้และนำสัมผัสแห่งความสง่างามและความเป็นธรรมชาติมาสู่เขา งาน.

Chardin เป็นลูกศิษย์ของ Pierre-Jacques Caza และ Noel Coypel เกิดและใช้ชีวิตทั้งชีวิตในย่าน Saint-Germain-des-Pres ในกรุงปารีส ไม่มีหลักฐานว่าเขาเคยเดินทางออกนอกเมืองหลวงของฝรั่งเศส ช่วยให้ Kuapel แสดงเครื่องประดับในภาพวาดของเขา เขาได้รับงานศิลปะที่ไม่ธรรมดาในการวาดภาพวัตถุที่ไม่มีชีวิตทุกชนิด และตัดสินใจที่จะอุทิศตนเพื่อการผลิตซ้ำโดยเฉพาะ ในช่วงเริ่มต้นของกิจกรรมอิสระ เขาวาดภาพผลไม้ ผัก ดอกไม้ ของใช้ในบ้าน คุณสมบัติการล่าสัตว์ด้วยทักษะที่คนรักศิลปะเข้าใจผิดว่าภาพวาดของเขาเป็นผลงานของเฟลมิชที่มีชื่อเสียงและ ศิลปินชาวดัตช์และตั้งแต่ปี ค.ศ. 1739 เท่านั้นจึงได้ขยายขอบเขตของวิชาของเขาด้วยฉากชีวิตในบ้าน คนยากจนและภาพบุคคล

เขากลายเป็นที่รู้จักในช่วงต้นของสาธารณชนชาวปารีสในฐานะปรมาจารย์ด้านภาพนิ่งที่ยอดเยี่ยม ส่วนใหญ่เป็นผลมาจาก "นิทรรศการเปิดตัว" ของปารีสซึ่งจัดขึ้นที่ Place Dauphine ดังนั้นในปี ค.ศ. 1728 เขาได้นำเสนอผืนผ้าใบหลายผืนที่นั่นซึ่งก็คือ "Scat" ที่ยังมีชีวิตอยู่ ภาพวาดสร้างความประทับใจให้กับ Nicolas de Largilliere สมาชิกกิตติมศักดิ์ของ French Academy of Painting and Sculpture มากจนเขาเชิญศิลปินรุ่นเยาว์ให้แสดงผลงานของเขาภายในกำแพงของสถาบันการศึกษา ต่อจากนั้นจิตรกรยืนยันว่าชาร์ดินแข่งขันกันเพื่อชิงตำแหน่งที่อะคาเดมี่ เมื่อเดือนกันยายน ผู้สมัครรับเลือกตั้งของเขาได้รับการยอมรับ และเขาถูกระบุว่าเป็น "ภาพดอกไม้ ผลไม้ และประเภท"

ประเภทในชีวิตประจำวันและภาพนิ่งมีการเชื่อมโยงแบบอินทรีย์ในงานศิลปะของเขาในฐานะแง่มุมของการรับรู้แบบองค์รวมและเชิงลึกเกี่ยวกับความเป็นจริงในบทกวี ตามรอยชาวดัตช์ จิตรกรประเภทฝรั่งเศสสามารถแสดงเสน่ห์ของการตกแต่งภายในและของใช้ในครัวเรือนที่รายล้อมตัวบุคคลได้ สำหรับการเรียบเรียงของเขา Chardin เลือกวัตถุที่ธรรมดาที่สุด - ถังเก็บน้ำในครัว, หม้อเก่า, ผัก, เหยือกดิน และมีเพียงบางครั้งในชีวิตของเขาเท่านั้นที่สามารถมองเห็นคุณลักษณะอันตระหง่านของวิทยาศาสตร์และศิลปะ ศักดิ์ศรีของภาพวาดเหล่านี้ไม่ได้อยู่ในความล้ำค่าของสิ่งที่ชาวดัตช์รักมาก แต่ในชีวิตกวีจิตวิญญาณของพวกเขาในความสมดุลของการก่อสร้างสร้างภาพลักษณ์ของการมีความสามัคคี

สมบูรณ์แบบในความรู้ ความสัมพันธ์ของสีชาร์ดินสัมผัสได้ถึงความเชื่อมโยงของวัตถุและความแปลกใหม่ของโครงสร้างอย่างละเอียด Diderot ชื่นชมทักษะที่ศิลปินทำให้คุณรู้สึกถึงการเคลื่อนไหวของน้ำผลไม้ภายใต้ผิวหนังของผลไม้ ในสีของวัตถุ Chardin เห็นเฉดสีมากมายและถ่ายทอดด้วยจังหวะเล็ก ๆ จากเฉดสีที่คล้ายคลึงกันจะทอ สีขาว. โทนสีเทาและน้ำตาลที่ Chardin เป็นเจ้าของนั้นมีมากมายผิดปกติ รังสีของแสงส่องทะลุผ้าใบให้วัตถุมีความชัดเจนและชัดเจน

ในยุค 1730 Chardin หันมาใช้ภาพวาดแนวๆ กัน ไปจนถึงครอบครัวและฉากในบ้านในทุกๆ วัน เต็มไปด้วยความรักและความสงบสุข ความสมบูรณ์ในเชิงเปรียบเทียบและสีสันอันน่าทึ่ง (“Prayer before dinner”, 1744) ในฉากประเภท Chardin ได้สร้างความสงบสุข วิถีชีวิตประจำวันที่วัดได้ - บางครั้งในช่วงเวลาที่ธรรมดาที่สุด แต่ประเสริฐที่สุด บางครั้งในตอนที่มีความสำคัญทางศีลธรรมภายใน

ภาพวาดประเภทจิตรกรรมที่โดดเด่นด้วยความเรียบง่ายไร้เดียงสาของเนื้อหา ความแข็งแกร่งและความกลมกลืนของสี ความนุ่มนวลและความสมบูรณ์ของพู่กัน มากกว่าผลงานก่อนหน้าของ Chardin ทำให้เขาก้าวไปข้างหน้าจากศิลปินร่วมสมัยหลายคนและเสริมความแข็งแกร่งให้กับหนึ่งในผลงานที่โดดเด่นของเขา สถานที่ในประวัติศาสตร์จิตรกรรมฝรั่งเศส ในปี ค.ศ. 1728 เขาได้รับมอบหมายให้เข้าเรียนที่ Paris Academy of Arts ในปี ค.ศ. 1743 เขาได้รับเลือกให้เป็นที่ปรึกษา ในปี ค.ศ. 1750 เขาดำรงตำแหน่งเหรัญญิก นอกจากนี้ ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1765 เขาได้เป็นสมาชิกของ Rouen Academy of Sciences, Literature and Fine Arts

ในงานปีต่างๆและประเภทต่าง ๆ เช่น Laundress (1737), Jar of Olives (1760) หรือ Attributes of the Arts (1766) Chardin ยังคงเป็นนักเขียนแบบร่างและนักวาดภาพสีที่ยอดเยี่ยมอยู่เสมอ " ชีวิตที่เงียบสงบ" กวีในชีวิตประจำวัน; การจ้องมองและการจ้องมองที่อ่อนโยนของเขาทำให้วัตถุที่ธรรมดาที่สุดกลายเป็นจิตวิญญาณ ที่ ปีที่แล้วชีวิต Chardin หันไปหาสีพาสเทลและสร้างภาพบุคคลที่สวยงามหลายภาพ (ภาพเหมือนตนเอง, 1775) ซึ่งเขาแสดงให้เห็นถึงความละเอียดอ่อนทางอารมณ์โดยธรรมชาติ แต่ยังมีความสามารถในการวิเคราะห์ทางจิตวิทยา

นักสารานุกรมทำอะไรมากมายในการเผยแพร่ชื่อเสียงของ Chardin ซึ่งเปรียบเทียบศิลปะ "ชนชั้นนายทุน" ของเขากับศิลปินในราชสำนักที่ "ฉีกออกจากผู้คน" - ผู้เชี่ยวชาญด้านกามและอภิบาลในจิตวิญญาณของโรโกโก Diderot เปรียบเทียบทักษะของเขากับคาถา: “โอ้ Chardin นี่ไม่ใช่สีขาวแดงและดำที่คุณบดบนจานสีของคุณ แต่เป็นแก่นแท้ของวัตถุ คุณเอาอากาศและแสงไปที่ปลายแปรงแล้ววางลงบนผืนผ้าใบ!”

4 . การสร้างฌองหลุยส์เดวิด

ฌาค-หลุยส์มดาวิมd(30 สิงหาคม ค.ศ. 1748 ปารีส - 29 ธันวาคม พ.ศ. 2368 บรัสเซลส์) - จิตรกรและครูชาวฝรั่งเศส ตัวแทนรายใหญ่นีโอคลาสสิกของฝรั่งเศสในการวาดภาพ

Jacques-Louis David เกิดเมื่อวันที่ 30 สิงหาคม 1748 ในครอบครัวพ่อค้าเหล็ก Louis-Maurice David และ Marie-Genevieve ภรรยาของเขา (nee Buron) และรับบัพติศมาในวันเดียวกันในโบสถ์ Saint-Germain-l " Auxerroy จนถึงวันที่ 2 สิงหาคม พ.ศ. 2300 - วันที่พ่อของเขาเสียชีวิตซึ่งอาจถูกฆ่าตายในการต่อสู้กันตัวต่อตัวอาศัยอยู่ในหอพักของอาราม Picpus ต้องขอบคุณ Francois Bureaun น้องชายของแม่ของเขา Jacques-Louis อายุเก้าขวบ หลังจากเรียนกับติวเตอร์ก็เข้าเรียนวิชาวาทศาสตร์ที่วิทยาลัย Four Nations หลังจากนั้นแม่ของเขาทิ้งลูกไว้ที่ปารีสเพื่อดูแลน้องชายของเธอ เธอไปที่ Evreux.Jacques-Francois Demaison เป็นสถาปนิก ครอบครัวก็เกี่ยวข้องกับศิลปิน Francois Boucher เมื่อสังเกตเห็นความสามารถของเด็กในการวาด ก็ตัดสินใจว่าเขาจะเป็นสถาปนิกเหมือนลุงทั้งสองของเขา

David เรียนวาดรูปที่ Academy of St. Luke ในปี ค.ศ. 1764 ญาติของเขาแนะนำให้เขารู้จักกับ Francois Boucher ด้วยความหวังว่าเขาจะรับ Jacques-Louis เป็นนักเรียนของเขา อย่างไรก็ตาม เนื่องจากความเจ็บป่วยของศิลปิน สิ่งนี้ไม่เกิดขึ้น อย่างไรก็ตาม เขาแนะนำให้ชายหนุ่มเริ่มเรียนกับโจเซฟ เวียน ปรมาจารย์ชั้นนำด้านการวาดภาพประวัติศาสตร์ของลัทธินีโอคลาสสิกในยุคแรกๆ สองปีต่อมาในปี พ.ศ. 2309 เดวิดเข้าสู่ราชบัณฑิตยสถานแห่งจิตรกรรมและประติมากรรม ซึ่งเขาเริ่มศึกษาในเวิร์กช็อปของเวียน ระบบการสอนคนหลังซึ่งใช้เวลาหลายปีในอิตาลีและหลงใหลในสมัยโบราณมีพื้นฐานมาจากการศึกษาศิลปะโบราณผลงานของราฟาเอลพี่น้อง Carracci, Michelangelo ข้อกำหนดในการบรรลุ "ความจริง" และ "ความยิ่งใหญ่" ในการวาดภาพ

ในปี พ.ศ. 2318-2523 เดวิดศึกษาที่ French Academy ในกรุงโรมซึ่งเขาศึกษาศิลปะโบราณและผลงานของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ในเดือนพฤษภาคม ค.ศ. 1782 เขาได้แต่งงานกับชาร์ล็อตต์ เปกุล เธอให้กำเนิดลูกสี่คนแก่เขา

ในปี ค.ศ. 1783 เขาได้รับเลือกเป็นสมาชิกของ Academy of Painting

เข้าร่วมขบวนการปฏิวัติอย่างแข็งขัน ในปี ค.ศ. 1792 เขาได้รับเลือกเข้าสู่การประชุมระดับชาติ ซึ่งเขาได้เข้าร่วมกับ Montagnards นำโดย Marat และ Robespierre ลงคะแนนให้การสิ้นพระชนม์ของ King Louis XVI เขาเป็นสมาชิกของคณะกรรมการความมั่นคงสาธารณะ ซึ่งเขาลงนามในคำสั่งให้จับกุม "ศัตรูของการปฏิวัติ" เนื่องจากความแตกต่างทางการเมือง เขาจึงหย่ากับภรรยาในเวลานี้

ในความพยายามที่จะขยายเวลาเหตุการณ์ของการปฏิวัติ เดวิดได้วาดภาพจำนวนมากที่อุทิศให้กับนักปฏิวัติ: "คำสาบานในห้องบอลรูม" (พ.ศ. 2334 ยังไม่เสร็จ) "ความตายของมารัต" (พ.ศ. 2336 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ บรัสเซลส์). ในเวลานี้เขาจัดเทศกาลพื้นบ้านจำนวนมากและสร้างพิพิธภัณฑสถานแห่งชาติในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์

ในปี ค.ศ. 1794 หลังจากการรัฐประหาร Thermidorian เขาถูกคุมขังในข้อหาปฏิวัติ

ในเดือนพฤศจิกายน พ.ศ. 2339 เขาแต่งงานใหม่กับชาร์ลอตต์

ในปี ค.ศ. 1797 เขาได้เห็นการเข้าสู่กรุงปารีสอย่างเคร่งขรึมของนโปเลียนโบนาปาร์ตและตั้งแต่นั้นมาเขาก็กลายเป็นผู้สนับสนุนที่กระตือรือร้นของเขาและหลังจากที่เขาขึ้นสู่อำนาจ - ศาล "ศิลปินคนแรก" เดวิดสร้างภาพวาดที่อุทิศให้กับการเดินทางของนโปเลียนผ่านเทือกเขาแอลป์ พิธีบรมราชาภิเษก ตลอดจนองค์ประกอบและภาพบุคคลจำนวนมากที่ใกล้ชิดกับนโปเลียน หลังจากการพ่ายแพ้ของนโปเลียนในยุทธการวอเตอร์ลูในปี พ.ศ. 2358 เขาหนีไปสวิตเซอร์แลนด์ แล้วย้ายไปที่บรัสเซลส์ ซึ่งเขาอาศัยอยู่จนสิ้นชีวิต

เขาถูกฝังอยู่ในสุสานของย่าน Leopold ใน Saint-Josse-ten-Node (ในปี 1882 เขาถูกฝังใหม่ในสุสานบรัสเซลส์ใน Evere) หัวใจของเขาถูกส่งไปยังปารีสและถูกฝังในสุสาน Pere Lachaise

5. การสร้างฌองอองตวนฮูด็อง

Jean Antoine Houdon (1741-1828) เป็นประติมากรคลาสสิกที่มีชื่อเสียง เขาสร้างสารานุกรมภาพเหมือนที่โดดเด่นของคนในยุคนั้น ตัวละครหลักคือสังคมสูงส่งและ ตัวละครที่แข็งแกร่งบุคลิกกล้าหาญและกล้าหาญสร้างสรรค์ ฮูด้อนไม่เคยสนใจตำแหน่งและยศของผู้ที่เขาวาดด้วยหินอ่อนและทองสัมฤทธิ์ ในภาพที่เขาสร้างขึ้น ไม่เพียงแต่ภายนอกเท่านั้น แต่ยังมีความคล้ายคลึงภายในกับต้นฉบับด้วย คุณสมบัติของจิตวิทยาของฮีโร่ได้รับการถ่ายทอดอย่างเชี่ยวชาญ ภาพเหมือนของนักแต่งเพลง Gluck, นักพูด Mirabeau, นักแสดงตลก Molière, บุคคลสาธารณะ D. Diderot และ J.J. Rousseau ประธานาธิบดีอเมริกัน George Washington - เหล่านี้เป็นผลงานที่ดีที่สุดของประติมากรผู้ยิ่งใหญ่ เป็นที่ทราบกันว่าแคทเธอรีนมหาราชสั่งรูปเหมือนของเธอจากเขา แต่ฮูดอนปฏิเสธที่จะไปรัสเซีย เขาได้ประหารชีวิตรูปปั้นของจักรพรรดินีรัสเซียอย่างชาญฉลาดด้วยภาพเหมือนจำนวนมาก โดยไม่เคยเห็นของจริงมาก่อน

ความรุ่งโรจน์ของปรมาจารย์ด้านประติมากรรมที่ไม่มีใครเทียบได้ ซึ่งฮูดอนได้รับชัยชนะในช่วงชีวิตของเขา ไม่อาจปฏิเสธได้จนถึงทุกวันนี้ ส่วนหนึ่งเป็นผลมาจากบุคลิกของนางแบบของเขา - ผู้คนที่ยิ่งใหญ่ของศตวรรษที่ 18: Voltaire, J. J. Rousseau, D. Diderot, B. Franklin, J. Washington ในขณะเดียวกัน ประติมากรคนอื่นๆ ก็สร้างภาพเหมือนของคนดังเหล่านี้ แต่ในความคิดของเรา พวกเขายังคงดำรงอยู่อย่างดื้อรั้นอย่างที่ฮูดอนบรรยายไว้ และนี่ก็ไม่น่าแปลกใจ ผลงานของอาจารย์ทำให้ประหลาดใจกับความรู้สึกของชีวิตที่เล็ดลอดออกมาจากพวกเขา หนึ่งในผู้ร่วมสมัยของเขาแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับรูปปั้นของเขา: “เธอคงจะพูดได้ถ้ากฎบัตรไม่ได้กำหนดความเงียบสำหรับเธอ” ความลับคือในงานของเขา Houdon ใช้กฎโบราณ: คุณต้องถามคำถามดึงดูดความสนใจและวาดภาพบุคคลในช่วงเวลาที่ใบหน้าทั้งหมดมีชีวิตชีวาและคำตอบก็พร้อมที่จะแยกออกจากริมฝีปาก นอกจากนี้เขายังพัฒนาเทคนิคที่เรียบง่าย แต่สร้างเอฟเฟกต์ที่โดดเด่น การสร้างแบบจำลองดวงตาและเปลือกตาให้สอดคล้องกับรูปร่างของธรรมชาติ เขาทำช่องสำหรับความกว้างทั้งหมดของม่านตาเพื่อให้เงาที่เติมดูเหมือนเป็นส่วนหนึ่งของพื้นผิวที่ใหญ่โตและนูนของดวงตาและรูม่านตา สีดำสนิท “จี้” เล็กๆ ด้านซ้ายของหินอ่อนสีขาวทำให้เกิดภาพลวงตาของแสงจ้า นำความประทับใจของปริมาณมาสู่ความสมบูรณ์แบบ ส่งผลให้ดวงตาดูมีชีวิตชีวา โปร่งใส และชุ่มชื้นเล็กน้อย ยังไม่มีประติมากรคนใดสามารถบรรลุความแม่นยำดังกล่าวในการถ่ายทอดการแสดงออกของการจ้องมองของมนุษย์

แม้จะมีความจริงที่ว่าการรับรู้ความสามารถมาถึงอาจารย์ค่อนข้างเร็ว แต่เขาตัดสินโดยเอกสารที่รอดตายยังคงเป็นคนที่เรียบง่ายและมีการศึกษาต่ำ ทั้งชีวิตของเขาซึ่งไม่ได้ร่ำรวยด้วยเหตุการณ์ที่น่าตื่นตาตื่นใจหรือละครเวที ถูกลดหย่อนให้กลายเป็นงานหนักทุกวันในเวิร์กช็อปและความกังวลในชีวิตประจำวัน อย่างไรก็ตาม ทุกอย่างที่เกี่ยวข้องกับธุรกิจโปรดของเขา Houdon ให้ความสนใจมากที่สุด ไม่ว่าจะเป็นการศึกษาโครงสร้าง ร่างกายมนุษย์หรือแข่งขันกับประติมากรคนอื่นๆ

ฌอง อองตวนเกิดที่แวร์ซายเมื่อวันที่ 20 มีนาคม ค.ศ. 1741 ในครอบครัวที่ห่างไกลจากงานศิลปะ Jacques Houdon พ่อของเขามีพื้นเพเป็นชาวนา ในช่วงที่ลูกชายของเขาเกิด เขาทำงานเป็นยามเฝ้าประตูบ้านในแวร์ซายของ Count Delamotte ผู้ตรวจราชการของ Royal Parks พ่อและน้องชายของแม่ Anna Rabash เป็นชาวสวนในสวนสาธารณะเหล่านี้ และจากลูกชายสามคนและลูกสาวสี่คนของคู่สมรส Houdon มีเพียง Jean Antoine เท่านั้น ลูกคนที่สี่ได้รับเกียรติจากศิลปิน ดูเหมือนว่าสวรรค์ได้ดูแลเพื่อให้โอกาสสำหรับพรสวรรค์โดยกำเนิดของเด็กชายที่จะพัฒนาไปสู่ความเชี่ยวชาญที่แท้จริง หลังจากพ่อซึ่งถูกย้ายไปที่บ้านปารีสของ Count Delamotte ครอบครัวย้ายไปเมืองหลวงและในปี 1749 บ้านหลังนี้ถูกเช่าให้กับมงกุฎฝรั่งเศสภายใต้ "โรงเรียนสำหรับนักเรียนที่ได้รับการคัดเลือก" นั่นคือนักเรียนของราชบัณฑิตยสถานแห่งจิตรกรรมและประติมากรรมซึ่งเป็นผู้ที่เก่งที่สุดกำลังเตรียมเดินทางไปโรมเพื่อการศึกษาต่อโดยเสียค่าใช้จ่ายของรัฐ Jacques Houdon ได้รับอนุญาตให้อยู่เฝ้าประตูที่โรงเรียนแห่งใหม่นี้ และ Jean Antoine ก็เป็นหนึ่งในคนในวงการศิลปะตั้งแต่อายุยังน้อย เด็กชายซึมซับบรรยากาศของความคิดสร้างสรรค์อย่างกระตือรือร้นที่โรงเรียนมาที่การประชุมเชิงปฏิบัติการและขอดินเหนียวแกะสลักอย่างกระตือรือร้นเลียนแบบผู้อาวุโส ประการแรกนักเรียนและครูดึงความสนใจไปที่เด็กที่มีความสามารถช่วยเขาให้คำแนะนำและในที่สุดก็มีส่วนทำให้ Houdon หนุ่มกลายเป็นนักเรียนของสถาบันการศึกษาในปี ค.ศ. 1756 ในปีเดียวกันเขาได้รับเหรียญเงินสำหรับความสำเร็จในการแสดงสเก็ตช์และห้าปีต่อมาสำหรับการปั้นนูน "ราชินีแห่งเชบานำของขวัญมาสู่โซโลมอน" (1761) เขาได้รับรางวัลที่หนึ่ง - เหรียญทอง โดยมีสิทธิเรียนที่ French Academy ในกรุงโรม และได้กลับไปเรียนที่ "School for the Chosen" ซึ่งเป็นบ้านเกิดของเขาในฐานะนักเรียน ครูหลักของเขาคือ M.A. Slodts แต่เขายังได้เรียนรู้ความรู้ที่เป็นประโยชน์มากมายจากนักวิชาการคนอื่นๆ เช่น J.B. Lemoine และ J.B. Pigalle Jean Antoine อุทิศเวลาสามปีถัดไปในการเรียนรู้ศิลปะการแปรรูปหินอ่อนศึกษาประวัติศาสตร์และตำนานในขณะเดียวกันก็ไปที่โรงละครกายวิภาคทำความคุ้นเคยกับโครงสร้างภายในของบุคคลโดยตรงรวมถึงพิพิธภัณฑ์ลูฟร์และคอลเล็กชั่นอื่น ๆ ผลงานศิลปะของประเทศอื่นและปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ในอดีต

ในปี ค.ศ. 1764 ฮูดอนออกเดินทางไปยังกรุงโรม ตามระบบการศึกษาของการศึกษาที่แพร่หลายไปทั่วยุโรปเขาจำเป็นต้องทำสำเนาประติมากรรมในรูปแบบของตำนานคลาสสิกและงานแรกของเขาในทิศทางนี้คือ Vestal Virgin ขนาดเล็ก (1767-1768) - การตีความซ้ำ ๆ ค่อนข้างอิสระของ รูปปั้นโบราณ ยิ่งกว่านั้น ประติมากรได้ปรับปรุงผลงานออริจินัลขนมผสมน้ำยาที่น่าเบื่ออย่างไม่สมส่วน ทำให้มีลักษณะที่อ่อนโยนและความเป็นผู้หญิงของสไตล์โรโกโก ในขณะที่ยังคงจิตวิญญาณแบบคลาสสิกไว้โดยเฉพาะ ในอนาคต เขามักจะกลับมาที่ภาพนี้ เช่นเดียวกับคนอื่นๆ อีกหลายคน บางครั้งเพียงแค่คัดลอกผลงานของเขาลงใน วัสดุต่างๆ- ปูนปลาสเตอร์ หินอ่อน ดินเผา บรอนซ์ และบางครั้งสร้างตัวเลือกที่มีรายละเอียดแตกต่างกัน งานของ Houdon ในยุคโรมันรวมถึงงานเช่น "Saint Bruno", "Saint John the Baptist" (ทั้งในปี 1766--1767), "Priest of Lupercalia" (1768) และอื่น ๆ รวมถึงประติมากรรมที่มีชื่อเสียง " Ecorshe ” (1766-1767) - ชายที่มีกล้ามเนื้อเปลือย - หล่อและสำเนาซึ่งได้กลายเป็นคุณลักษณะที่จำเป็นของโรงเรียนศิลปะในยุโรปและอเมริกาจนถึงปัจจุบัน ยิ่งไปกว่านั้น แม้แต่แพทย์ก็ยังใช้มันในการฝึกอบรม

ที่น่าสนใจ แบบจำลองทางกายวิภาคที่โดดเด่นและอาจเป็นที่ชื่นชอบมากที่สุดในประวัติศาสตร์ของประติมากรรมนี้ ในตอนแรกเป็นเพียงภาพร่างปูนปลาสเตอร์สำหรับ John the Baptist ฟิกเกอร์นี้สร้างขึ้นจากการศึกษากายวิภาคศาสตร์เกี่ยวกับซากศพที่โรงพยาบาลเซนต์หลุยส์แห่งฝรั่งเศสอย่างละเอียดถี่ถ้วน แสดงให้เห็นภาพแบบสโลว์โมชั่นพร้อมการกล่าวอวยพรแบบเหยียดยาว มือขวาและเป็นผลงานชิ้นเอกของงานประติมากรรม ท่านี้ถูกย้ายไปยัง "John the Baptist" เวอร์ชันแรกที่ไม่ได้รับการอนุรักษ์อย่างสมบูรณ์ ซึ่งแสดงเหมือนกับ "Saint Bruno" โดยเป็นมากกว่าคำสั่งอันมีเกียรติสำหรับศิลปินมือใหม่จากอธิการโบสถ์ Santa Maria degli Angeli ต่อมา Houdon ได้สร้างรูปปั้นทองสัมฤทธิ์อีกตัว "Ecorchet" (1792) โดยเปลี่ยนตำแหน่งของมือเล็กน้อย

ในเดือนพฤศจิกายน ค.ศ. 1768 ฌอง อองตวนกลับไปปารีส ช่วงเวลาของการฝึกงานสิ้นสุดลง และตอนนี้ประติมากรรุ่นเยาว์ต้องเผชิญกับภารกิจในการเป็นปรมาจารย์อิสระ ได้รับการยอมรับในบ้านเกิดของเขา และในขณะเดียวกันก็ได้รับสิ่งที่เหมาะสมกับความสามารถของเขา สถานการณ์ทางการเงิน. ในปี พ.ศ. 2312 Houdon ถูกรวมเข้ากับสถาบันการศึกษาอย่างง่ายดายบนพื้นฐานของผลงานที่ทำในอิตาลีซึ่งทำให้เขามีสิทธิ์ที่จะแสดงใน Salons วิชาการทุก ๆ สองปีดังนั้นจึงมีโอกาสแสดงผลงานของเขาต่อสาธารณะและอื่น ๆ ที่สำคัญสำหรับผู้อุปถัมภ์สูง ตั้งแต่นั้นมา ประติมากรได้เข้าร่วมในนิทรรศการดังกล่าวเกือบทั้งหมดจนถึงปี 1814

งานสำคัญชิ้นแรกของ Houdon เมื่อเขากลับมาที่ฝรั่งเศสคือรูปปั้นครึ่งตัวของนักปรัชญา D. Diderot (1771) ซึ่งเปิดแกลเลอรี่ภาพทั้งหมด - ทั้งโคตรและผู้ยิ่งใหญ่ในอดีต: Molière (1778), J. J. Rousseau ( รูปแบบต่างๆ ในปี ค.ศ. 1778-1779), O. G. Mirabeau (1791) และอื่น ๆ หลังจากงานนี้ศิลปินได้รับคำสั่งจาก Duke of Saxe-Gotha อาณาเขตเล็ก ๆ ที่เขาไปเยือนในเยอรมนีเมื่อวันก่อนและจักรพรรดินีแห่งรัสเซียแคทเธอรีนที่ 2 ซึ่งกลายเป็นผู้อุปถัมภ์คนแรกของประติมากร ในปี ค.ศ. 1773 อาจารย์ได้สร้างรูปปั้นหินอ่อนของแคทเธอรีนมหาราชซึ่งเขาได้ถ่ายทอดความคล้ายคลึงกับต้นฉบับได้อย่างสมบูรณ์แบบไม่เพียง แต่ภายนอกเท่านั้น แต่ยังมีลักษณะเฉพาะอีกด้วย แม้ว่าในงานของเขา เขาถูกบังคับให้ต้องพึ่งพาภาพวาด ภาพวาด หรืองานแกะสลักโดยนักเขียนชาวฝรั่งเศสเท่านั้น ภาพเหมือนของจักรพรรดินีได้หักล้างความเชื่อที่มีมาอย่างยาวนานว่า Houdon ไม่สามารถทำงานได้อย่างมีประสิทธิภาพหากไม่มีแบบจำลองสดต่อหน้าเขา อันที่จริง อาจารย์มักจะวัดขนาดบุคคลที่ถูกพรรณนาอย่างรอบคอบ ทำการหล่อปูนปลาสเตอร์ที่ศีรษะและส่วนต่างๆ ของร่าง และบางครั้งเช่นเดียวกับในกรณีของ Mirabeau และ Rousseau แม้แต่หน้ากากแห่งความตายก็ถูกถอดออก แต่การกระทำทั้งหมดนี้อำนวยความสะดวกให้กับงานของประติมากรเท่านั้น แต่ก็ไม่ได้เด็ดขาด หลักฐานนี้อาจเป็นภาพเหมือนของ Molière และ J. de Lafontaine (ค.ศ. 1781) ซึ่งเสียชีวิตไปนานแล้ว โดยโดดเด่นด้วยการถ่ายทอดลักษณะเฉพาะอย่างชัดเจน

ควรสังเกตว่าแม้จะมีความสามารถที่ยอดเยี่ยมในการแปรรูปหินอ่อน แต่ฮูด้อนก็เป็นประติมากรเป็นหลักไม่ใช่ช่างแกะสลัก เขาทำงานในดินเหนียวก่อนแล้วจึงทำแม่พิมพ์ปูนปลาสเตอร์ ซึ่งถูกเก็บไว้ในโรงปฏิบัติงาน และอนุญาตให้เขาทำงานซ้ำในปูนปลาสเตอร์ ดินเผา ทองแดง หรือหินอ่อน ตราบเท่าที่มีความต้องการ ยิ่งกว่านั้น ประติมากรมีทักษะการหล่อที่ยอดเยี่ยม ประติมากรได้มีส่วนร่วมในการหล่อรูปปั้นทองสัมฤทธิ์เป็นการส่วนตัว ทำให้การปรับแต่งขั้นสุดท้ายด้วยมีดโกนและปล่อยให้พื้นผิวหยาบกร้านและไม่ขัดเกลาเหมือนในสำเนาของผู้แต่งในภายหลัง

แม้ว่าฮูด้อนจะลงไปในประวัติศาสตร์เป็นหลักในฐานะประติมากรภาพเหมือน แต่ธรรมชาติเชิงสร้างสรรค์ของเขานั้นประทับใจมากกว่าด้วยธีมที่มาจากประวัติศาสตร์ ศาสนา หรือตำนาน เป็นที่ทราบกันดีว่าเขามองหาค่าคอมมิชชั่นสำหรับงานขนาดใหญ่อยู่เสมอ และตลอดชีวิตของเขา เมื่อพูดถึงความสำเร็จทางศิลปะของเขา เขามักจะแยกแยะรูปปั้นต่างๆ เช่น Saint Bruno, Ecorche หรือ Diana (1776) หลังสมควรได้รับการกล่าวถึงเป็นพิเศษ ธีมของนักล่าเทพธิดามีขึ้นในสมัยโบราณและค่อนข้างเป็นศิลปะดั้งเดิมตั้งแต่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา อย่างไรก็ตาม "ไดอาน่า" ของ Houdon มีลักษณะเด่นสองประการ - การเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วและการเปลือยกายโดยสมบูรณ์ อาจารย์บรรลุภาพลวงตาของการวิ่งโดยบังคับให้เทพธิดารักษาสมดุลโดยยืนบนเท้าข้างหนึ่ง เฉพาะในรุ่นหินอ่อนของปี 1780 เท่านั้นที่มีการเพิ่มพุ่มไม้กกเพื่อสร้างการรองรับเพิ่มเติม รูปปั้นนี้ทำให้ข้าราชการตกใจ ประสบความสำเร็จอย่างมากกับสาธารณชน ได้รับการยกย่องจากกวีและนักวิจารณ์ชื่นชม ไม่เหมือนงานอื่นๆ ของฮูด็อง อย่างไรก็ตาม ประติมากรยังคงเลือกที่จะไม่จัดแสดงในซาลอน และผู้ที่ต้องการสามารถชื่นชมความสง่างามคลาสสิกอันบริสุทธิ์ของ "ไดอาน่า" ในสตูดิโอของศิลปิน

ในปี ค.ศ. 1777 มอร์เฟียสรุ่นหินอ่อนลดขนาด - รูปปั้นปูนปลาสเตอร์ในขนาดธรรมชาติ (1771) - กลายเป็น งานแข่งขัน Houdon สำหรับตำแหน่งสมาชิกเต็มของ Academy of Painting and Sculpture ในปีเดียวกันนั้น ที่ Salon จำนวนผลงานของเขาเท่ากับครึ่งหนึ่งของงานประติมากรรมทั้งหมดที่จัดแสดงเลย และตั้งแต่นั้นมา บทบาทของอาจารย์ในฐานะหัวหน้าโรงเรียนประติมากรรมฝรั่งเศสก็ได้ถูกกำหนดขึ้น

ศูนย์กลางในการทำงานของ Houdon ถูกครอบครองโดยผลงานที่ดีที่สุดและสำคัญที่สุดของเขา - รูปปั้นของนักเขียนชาวฝรั่งเศสและนักปรัชญาและนักการศึกษา Voltaire ซึ่งมีภาพลักษณ์ที่ประติมากรทำงานมาหลายปีและสร้างภาพบุคคลที่ยอดเยี่ยมจำนวนหนึ่ง ในหมู่พวกเขา ภาพลักษณ์ของวอลแตร์ที่นั่ง (1781) นั้นโดดเด่นพอสมควร ศิลปินแต่งตัวนักปราชญ์ด้วยเสื้อคลุมโบราณ ซ่อนร่างที่บอบบางและอ่อนแอของเขา แต่เขาไม่ได้ละทิ้งความจริงและพรรณนาถึงใบหน้าของชายชราที่มีแก้มยุบปากที่ทรุดตัวลง อย่างไรก็ตาม ความคิดเยาะเย้ยที่ไม่อาจระงับได้ของปราชญ์ผู้ยิ่งใหญ่อาศัยอยู่บนใบหน้านี้อย่างเข้มข้นจนโดยรวมแล้วงานกลายเป็นเพลงสวดเพื่อสติปัญญาของมนุษย์ประกาศชัยชนะของวิญญาณอมตะเหนือร่างกายที่อ่อนแอและเป็นมนุษย์ บรรดาผู้ที่ได้เห็นประติมากรรมชิ้นนี้ต่างก็รู้ดีถึงคุณสมบัติที่น่าทึ่งของมัน เมื่อมุมมองเปลี่ยนไป การแสดงออกทางสีหน้าของวอลแตร์ก็เปลี่ยนไปอย่างน่าอัศจรรย์ เขาร้องไห้เยาะเย้ยมองโลกอย่างโศกนาฏกรรมและสำลักด้วยเสียงหัวเราะ “ในสายตาของเขา เขาเปิดเผยจิตวิญญาณ” โรแด็ง ประติมากรชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่อีกคนหนึ่งกล่าวถึงฮูด็อง

แท้จริงแล้ว ในภาพเหมือนของนักวิทยาศาสตร์ นักปรัชญา ผู้คนในศิลปะ ใน ภาพผู้หญิงสร้างขึ้นโดยอาจารย์ ความคมชัดและความเก่งกาจของลักษณะทางจิตวิทยาของแบบจำลองมาก่อน ภาพเหมือนของเด็กก็โดดเด่นจากมุมมองนี้เช่นกัน ศิลปินค้นพบความสามารถที่น่าทึ่งในการถ่ายทอดความสดและความบริสุทธิ์ของวัยเด็กโดยไม่มีอารมณ์ความรู้สึก ลูก ๆ ของเขากำลังคิดคนละอย่างกับโลกภายในของตัวเอง

ไม่ใช่ครั้งสุดท้ายแม้ว่าจะไม่ใช่บทบาทหลักในการถ่ายโอนตัวละครมนุษย์ที่แม่นยำเช่นนี้สำหรับประติมากรโดยการสังเกตและศึกษาธรรมชาติโดยตรง ดังนั้นในปี ค.ศ. 1785 ฮูดอนได้รับมอบหมายให้สร้างรูปปั้นหินอ่อนของนายพล เจ วอชิงตัน เขาจึงเดินทางไปต่างประเทศเพื่อทำงานบนรูปปั้นครึ่งตัวใกล้กับนางแบบ เมื่อเขากลับมาที่ปารีส ประติมากรใช้รูปปั้นนี้เป็นภาพร่าง รูปปั้นใน เต็มความสูงการวาดภาพนายพลในฐานะนายพลอาจเป็นภาพเหมือนที่ดีที่สุดของวอชิงตันที่มีอยู่

ในฤดูร้อนปี พ.ศ. 2329 ประติมากรวัย 45 ปีได้แต่งงานกับ Marie-Ange-Cecile Langlois วัยยี่สิบปี ธิดาของพนักงานในราชกิจจานุเบกษา ในปี พ.ศ. 2330-2533 พวกเขามีลูกสาวสามคน คุณนายฮูดอนและเหล่าสาวๆ ทำหน้าที่เป็นนายแบบให้กับภาพบุคคลที่มีเสน่ห์ที่สุดของปรมาจารย์

ในปี ค.ศ. 1787 ศิลปินซื้อบ้าน จัดเวิร์กช็อป และติดตั้งเตาหลอมขนาดเล็ก ตอนนี้เขามีโอกาสหล่อทองแดงเกือบทุกงานของเขา ในเรื่องนี้เขาได้รับความช่วยเหลือจากผู้ช่วยและนักเรียนเนื่องจากเขาในฐานะนักวิชาการควรจะมีนักเรียน อย่างไรก็ตาม ไม่มีประติมากรคนสำคัญสักคนเดียวที่ออกมาจากห้องทำงานของเขา เห็นได้ชัดว่า Houdon ยุ่งเกินกว่าจะสนใจการสอน และเฉพาะในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต โดยเฉพาะอย่างยิ่งหลังจากที่ได้รับการแต่งตั้งในปี พ.ศ. 2348 ให้เป็นศาสตราจารย์ด้านจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมพิเศษที่สถาบันฝรั่งเศส ซึ่งเข้ามาแทนที่ Royal Academy เขาจึงจำเป็นต้องทำหน้าที่สอนให้สำเร็จและสมบูรณ์ในปี พ.ศ. 2366 เท่านั้น เกษียณอายุ

การปฏิวัติฝรั่งเศส 1789-1794 กีดกัน Houdon ไม่เพียง แต่จากลูกค้าจำนวนมากและตำแหน่งที่มั่นคงของประติมากรชั้นนำเท่านั้น แต่ยังรวมถึงพลังสร้างสรรค์ด้วย ตั้งแต่กลางปีค.ศ. 1790 ศิลปะของเขาตกต่ำ อย่างไรก็ตาม เขายังคงทำงานต่อไป แม้ว่าจะมีขนาดเล็กกว่ามาก วาดภาพเหมือนของสมาชิกในราชวงศ์ จอมพล และนายพล ในปี 1804 เขาได้รับคำสั่งให้ผลิตยักษ์ รูปปั้นทองสัมฤทธิ์นโปเลียนสำหรับการติดตั้งบนเสาในบูโลญ - เสร็จสมบูรณ์ในปี พ.ศ. 2355 และถูกทำลายหลังจากการล่มสลายของจักรวรรดิ ผลงานล่าสุดนายเก่าเป็นรูปปั้นครึ่งตัวของจักรพรรดิอเล็กซานเดอร์ที่ 1 ซึ่งจัดแสดงใน Salon of 1814 หลังจากนั้นไม่มีข้อมูลเกี่ยวกับงานของเขา ในปี พ.ศ. 2366 นางฮูดอนเสียชีวิตและเมื่อวันที่ 15 กรกฎาคม พ.ศ. 2371 ประติมากรเองก็เสียชีวิต

เป็นไปได้ว่างานของอาจารย์มีลักษณะเฉพาะด้วยคำพูดของเขาเอง: “หนึ่งในคุณสมบัติที่สวยงามที่สุดของศิลปะประติมากรรมที่ยากลำบากเช่นนี้คือความสามารถในการรักษาคุณสมบัติในความถูกต้องทั้งหมดและสร้างภาพของผู้ที่สร้างพระสิริหรือ ความเจริญรุ่งเรืองของบ้านเกิดเมืองนอนเกือบจะไม่มีวันเสื่อมสลาย ความคิดนี้หลอกหลอนและให้กำลังใจฉันในการทำงานที่ยาวนาน

วอลแตร์ ฮูด็อง แม้จะมีความผอมบางอันเจ็บปวดและความอ่อนแอในวัยชรา (ประติมากรเห็นผู้เขียนคนแรกไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต) ก็เป็นศูนย์รวมของความแข็งแกร่งที่เอาชนะความอ่อนแอทางกายภาพ งานนี้ไม่เพียง แต่เป็นความสำเร็จสูงสุดของประติมากรเท่านั้น แต่ยังเป็นจุดสุดยอดของศิลปะยุโรปในศตวรรษที่ 18 รูปปั้นของวอลแตร์ทำให้เกิดปฏิกิริยาอย่างกระตือรือร้นมากมาย ออกุสต์ โรแด็ง อุทาน: “ช่างน่าอัศจรรย์จริงๆ! นี่คือการเยาะเย้ยมาเกิด! นัยน์ตาเบี่ยงออกเล็กน้อยราวกับกำลังรอศัตรูอยู่ จมูกที่แหลมคมราวกับสุนัขจิ้งจอก มันเลื้อยไปทั่ว ดมกลิ่นการล่วงละเมิด และเหตุผลในการเยาะเย้ยทุกที่ มันสั่นสะท้านอย่างแท้จริง ฌอง อองตวน ฮูด็อง วอลแตร์. พ.ศ. 2322-2524 คอมเมดี้ ฟรองเซส์, ปารีส.

Jean-Antoine Houdon เป็นประติมากรชาวฝรั่งเศส Jean-Antoine Houdon เกิดเมื่อวันที่ 20 มีนาคม ค.ศ. 1741 ในแวร์ซาย (ฝรั่งเศส) ในปี ค.ศ. 1756 เขาเข้าเรียนที่โรงเรียน Royal Academy of Painting and Sculpture ได้รับรางวัลที่สามในด้านประติมากรรมและในปี ค.ศ. 1761 เมื่ออายุยี่สิบปีได้รับรางวัลที่หนึ่งสำหรับการปั้นนูน "ราชินีแห่งเชบานำของขวัญ ถึงโซโลมอน” ครูของ Houdon ได้แก่ Michel Slodtz, Jean-Baptiste Lemoine และ Jean-Baptiste Pigalle เขาเรียนที่โรงเรียนและสถาบันการศึกษาเป็นเวลาแปดปีและในฐานะนักเรียนที่ดีที่สุดคนหนึ่งในปี พ.ศ. 2307 ถูกส่งไปยังกรุงโรม ในอิตาลีประติมากรยังคงอยู่เป็นเวลาสี่ปีและในช่วงเวลานี้ได้สร้างผลงานจำนวนมากที่ทำให้ชื่อของเขาโด่งดัง เหล่านี้คือรูปปั้นของ "Vestal", "Ecorshe" - การศึกษากายวิภาค, ประติมากรรมสำหรับตกแต่งโบสถ์ "St. Bruno" และ "St. John the Baptist" ในประติมากรรมยุคแรกๆ เหล่านี้ ซึ่งต่อมาอาจารย์ได้ทำซ้ำซ้ำแล้วซ้ำเล่าในวัสดุอื่นๆ เขาชอบการตีความแบบคลาสสิกของภาพ ชัดเจน สงบ สมดุล เกี่ยวข้องกับการศึกษามรดกโบราณ ความจำเป็นในการหารายได้ การค้นหาลูกค้าและผู้อุปถัมภ์ อาจไม่อนุญาตให้เขาขยายเวลารับบำนาญของอิตาลีอย่างที่คนอื่นทำ
ในปี ค.ศ. 1768 ประติมากรได้กลับไปปารีส ที่นี่เขาพบผู้อุปถัมภ์คนแรกของเขา ดยุคแห่งแซ็กซ์-โกธาแห่งเยอรมัน ซึ่งเป็นลูกค้าของศิลปินมาหลายปีแล้ว เริ่มตั้งแต่ปี พ.ศ. 2312 เมื่อ Houdon เปิดตัวใน Salon และจนถึงสิ้นศตวรรษ Salons ที่เปิดอยู่ไม่สามารถทำได้โดยปราศจากสิ่งที่ประติมากร ใน Salon of 1771 หนึ่งในรูปปั้นครึ่งตัวที่โด่งดังที่สุดของ Houdon ปรากฏขึ้น - รูปเหมือนของ Denis Diderot ปราชญ์เองนักเลงและนักวิจารณ์ศิลปะสังเกตเห็นความคล้ายคลึงกันอย่างไม่ธรรมดาของภาพเหมือน Diderot มักถูกพรรณนา แต่ในบรรดาภาพเหมือนที่สร้างขึ้นโดย Van Loo, Anne Marie Collot, J.-B. Pigalle และ L.-A.-J. Lecointe ภาพเหมือนของ Houdon โดดเด่นด้วยความสว่างและความมีชีวิตชีวาของลักษณะเฉพาะ หน้าอกไม่มีเครื่องประดับและเครื่องประดับใดๆ ความสนใจทั้งหมดมุ่งไปที่ใบหน้า ฮูดอนแสดงภาพปราชญ์ที่ไม่มีวิกผมซึ่งเขาซ่อนความเกลียดชังที่ไม่เปิดเผย ผมที่กระเซิงเล็กน้อย Houdon ตีความมันได้อย่างง่ายดายและอิสระ เช่นเดียวกับในงานประติมากรรมทั้งหมดของเขา หน้าอกถูกตัดสูงศีรษะหันไปสามในสี่ปากแง้มตาเบิกกว้างการจ้องมองของพวกเขามีชีวิตชีวาและตรงไปตรงมาการแสดงออกทางสีหน้าชั่วครู่ถูกจับ งานนี้ทำให้คนพูดถึงพรสวรรค์ของเยาวชนในฝรั่งเศส ผ่าน Diderot และของเขา เพื่อนสนิทในไม่ช้า Melchior Grimm Houdon ก็ได้รับผู้อุปถัมภ์ที่ทรงพลังที่สุด - Russian Empress Catherine II ซึ่งสามารถสั่งซื้อสำริดและหินอ่อนราคาแพงจาก Houdon ในยุค 1770 ประติมากรกลายเป็นที่รู้จักในฐานะปรมาจารย์ประติมากรรมหลุมฝังศพ ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขา ได้แก่ หลุมฝังศพของจอมพล Mikhail Golitsyn และวุฒิสมาชิก A. D. Golitsyn (ตั้งอยู่ในสุสานของอาราม Donskoy ในมอสโก) และหลุมฝังศพของ Count d "Ennery ตามองค์ประกอบของหลุมฝังศพพวกเขาลงวันที่ กลับสู่ประเภทของหลุมฝังศพคลาสสิกของกรีกโบราณ Houdon ดำเนินการประติมากรรมในรูปแบบตำนาน สำหรับรูปปั้นหินอ่อน "Morpheus" เขาได้รับเลือกเป็นนักวิชาการในปี พ.ศ. 2320 หนึ่งในประติมากรรมที่มีชื่อเสียงที่สุดของศตวรรษที่ 18 คือ "ไดอาน่านักล่า" " ภาพลวงตาของการวิ่ง การตีความภาพอย่างตรงไปตรงมาไม่ขัดแย้งกับความสง่างามแบบคลาสสิกของรูปปั้น คุณสมบัติเดียวกันนี้มีอยู่ในรูปปั้นยอดนิยมอื่นของ Houdon - "Winter" ซึ่งเป็นตัวตนในรูปของครึ่งที่สวยงาม -เปล่า เย็นชา ผลงานของฮูด้อนหลายชิ้นเป็นที่รู้จักกันดีไปทั่วโลกเช่นกันเพราะเขาจำลองมันซ้ำแล้วซ้ำอีกหลายครั้งในปูนปลาสเตอร์ราคาถูกและหินอ่อนและทองสัมฤทธิ์ที่มีราคาแพงกว่า ประติมากรที่เคารพนับถือจากศตวรรษที่ 18 ผู้ซึ่งเชี่ยวชาญเทคนิคการหล่อทองสัมฤทธิ์ เขาชอบมันเป็นพิเศษในยุค 1780-90 เขาเขียนว่า: "ฉันสามารถแสดงได้ในสองบทบาท - ประติมากรและนักล้อ ในตอนแรกฉันเป็นผู้สร้าง ในวินาทีที่ฉันสามารถสร้างคนอื่นได้อย่างแม่นยำ ... " อย่างไรก็ตาม Houdon เข้าสู่ประวัติศาสตร์ของประติมากรรมเป็นหลักในฐานะปรมาจารย์ด้านภาพเหมือน . เขาโดดเด่นด้วยวิธีการวิเคราะห์สู่ธรรมชาติการค้นหาความจริงของชีวิตอย่างไม่หยุดยั้งภาพของเขาโดดเด่นด้วยจิตวิทยาที่ลึกซึ้งและคมชัด รูปแกะสลักของเขามีจำนวนมาก กลุ่มพิเศษทำรูปเด็ก. ในหมู่พวกเขามีรูปปั้นครึ่งตัวที่ยอดเยี่ยมของ Alexander และ Louise Brongniart ภาพเหมือนของลูกสาวของประติมากร Sabina, Anna-Ange และ Claudine และอื่น ๆ ศตวรรษที่ 18 เปิดโลกของเด็กอีกครั้ง ฮูด้อนสามารถถ่ายทอดความรู้สึกสดชื่นและความบริสุทธิ์ของวัยเด็กโดยไม่ต้องสัมผัสถึงอารมณ์และความสนุกสนานซึ่งเป็นลักษณะของโรโกโก ในงานของเขา เด็ก ๆ กำลังคิดคนละอย่างกับโลกภายในของตัวเอง
ในบรรดาภาพถ่ายบุคคลอันวิจิตรงดงามของโรงละครฝรั่งเศสที่สร้างขึ้นโดยฮูด็องคือรูปปั้นครึ่งตัวหลังมรณกรรมของโมลิแยร์ ซึ่งได้รับมอบหมายจาก Comédie Française Houdon ประสบความสำเร็จในเรื่องนี้ซึ่งคล้ายกับภาพเหมือนของ Moliere ที่มีอยู่ซึ่งเขาไม่เห็นในกระบวนการทำงาน แต่สร้างภาพลักษณ์ของโรงละครฝรั่งเศสโดยทั่วไป ศีรษะของ Moliere ที่จัดไว้ในกรอบผมยาวเป็นปลิวอิสระถูกหมุนอย่างแหลมคม ท่าทางที่มีชีวิตชีวาผิดปกติแสดงให้เห็นการกระทำหรือการเคลื่อนไหวในทันที รูปลักษณ์เจาะปากเล็กน้อยราวกับอยู่ในการสนทนา ผ้าพันคอกว้างผูกหลวมรอบคอ นักวิจารณ์ชื่นชมรูปปั้นครึ่งตัวในอาคารของหอสมุดหลวง และกริมม์เขียนเกี่ยวกับเขาว่า "รูปลักษณ์ของเขา (คุณฮูดอน น่าจะเป็นประติมากรเพียงคนเดียวที่รู้วิธีถ่ายทอดดวงตา) ทะลุจิตวิญญาณ" ฮูด้อนวาดรูปคนมากมาย คนดังในยุคของเขา: Necker, Lafayette, Bailly, Franklin และ George Washington และคนอื่นๆ สำหรับชุดภาพถ่ายบุคคลผู้ยิ่งใหญ่ที่สร้างโดย d'Angivillier เขาได้สร้างภาพเหมือนของ Marshal de Tourville คุณธรรมของพลเมืองรวมถึงคุณธรรมในด้านวิทยาศาสตร์และศิลปะเป็นเกณฑ์ในการเลือกใบหน้าสำหรับแกลเลอรีภาพเหมือนนี้ Denis Diderot ที่กล่าวถึงแล้วควรได้รับการพิจารณาว่าเป็นความต่อเนื่องที่แท้จริงของซีรีส์ .-A. d'Alembert, Jean Jacques Rousseau (ทำจากหน้ากากแห่งความตาย) และที่มีชื่อเสียงที่สุดคือภาพเหมือนของ Voltaire ในระยะสั้นทำงานกับหน้ากากที่เขาถอดออก ได้สร้างรูปปั้นของวอลแตร์ ประติมากรนำเสนอวอลแตร์นั่งอยู่บนเก้าอี้นวมเหมือนของเก่า ห่อด้วยเสื้อคลุม ชวนให้นึกถึงเสื้อคลุมของปราชญ์มาก เสื้อคลุมกว้างพับลงที่ไหล่และเข่า ร่างโครงร่างที่ซ่อนอยู่ภายใต้พวกเขา และในขณะเดียวกันก็สร้างความประทับใจให้กับมัน ผ้าพันแผลบนหน้าผากเปรียบเสมือนของโบราณ อุปกรณ์เสริมสร้างภาพลักษณ์ของกวีนักปรัชญา ที่เป็นของโลกโลกสมัยใหม่และโบราณ ใบหน้าของผู้ถูกพรรณนาฉายแววยิ่งใหญ่ ความมีชีวิตชีวาและจิตวิญญาณอันสูงส่ง ทรัพย์สมบัติทั้งหมด ชีวิตภายในฮูด้อนถ่ายทอดความรู้สึกที่จับต้องได้ในทันทีซึ่งยากต่อการตีความ นี่เป็นภาพที่ละเอียดอ่อน แม่นยำ และสง่างาม ซึ่งยุคแห่งการตรัสรู้ได้พบรูปลักษณ์ที่สดใส Jean-Antoine Houdon เสียชีวิตเมื่อวันที่ 15 กรกฎาคม พ.ศ. 2371 ในปารีส

เอกสารที่คล้ายกัน

การพัฒนา ผสมผสาน และต่อต้านรูปแบบและแนวโน้มอย่างต่อเนื่องใน ศิลปกรรม. วิเคราะห์คุณลักษณะของสถานศึกษาต่างๆ เกี่ยวกับการแสดงรูปแบบในจิตรกรรมและประติมากรรม ความคลาสสิคเป็นเทรนด์ความงามในวรรณคดีและศิลปะยุโรป

บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 08/10/2016


ฝรั่งเศสในฐานะเจ้าโลกแห่งชีวิตฝ่ายวิญญาณ ยุโรป XVIIIศตวรรษ. กรอบเวลาและอาณาเขตของการตรัสรู้ วิวัฒนาการของแนวความคิดเชิงปรัชญาของผู้รู้แจ้งและรูปแบบของพวกเขาในวิจิตรศิลป์ อิทธิพลของการตรัสรู้ต่อการพัฒนาศิลปะการละคร

ภาคเรียนที่เพิ่ม 03/31/2013


ลักษณะทั่วไปของภาพวาดโดย Z. Serebryakova และ N. Yaroshenko การพิจารณาภาพเหมือนตนเอง "หลังห้องน้ำ" ทำความคุ้นเคยกับคุณสมบัติของการศึกษาภาพลักษณ์ของผู้หญิงรัสเซียในวิจิตรศิลป์ ปลาย XIX-XXศตวรรษ. การวิเคราะห์ ประวัติโดยย่อภาพวาดรัสเซีย.

ภาคเรียนที่เพิ่ม 06/08/2014


ลัทธิแห่งอนาคต - ขบวนการเปรี้ยวจี๊ดทางศิลปะ พ.ศ. 2453-2563 ในวรรณคดีและวิจิตรศิลป์ที่เกิดขึ้นในอิตาลีและรัสเซียเป็นลัทธิแห่งอนาคตและการเลือกปฏิบัติในอดีตพร้อมกับปัจจุบัน การประกาศสิ่งที่น่าสมเพชของการทำลาย การระเบิด การต่ออายุ

การนำเสนอเพิ่ม 06/04/2012


คำอธิบายของแนวโน้มหลักในทัศนศิลป์ของศตวรรษที่ยี่สิบ ลักษณะของการพัฒนาและ คุณสมบัติทั่วไปแต่ละอย่างคุณสมบัติของเทคนิคการเขียนและแนวคิดในการถ่ายโอนภาพ ตัวแทนหลักของการเคลื่อนไหวทางศิลปะและภาพวาดที่โดดเด่นของพวกเขา

การนำเสนอเพิ่ม 10/28/2013


สาระสำคัญและความหมายของอุปมานิทัศน์ การนำไปใช้ในวรรณคดี การกำกับงานเฉลิมฉลอง การแสดงละคร วิจิตรศิลป์ คุณสมบัติของศิลปะคอมพิวเตอร์การวาดภาพดิจิตอลและการตัดต่อข้อบกพร่อง ภาพและสัญลักษณ์ของธาตุทั้งสี่

ภาคเรียนที่เพิ่ม 04/20/2011


ทิศทางในศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 โดดเด่นด้วย ประสบการณ์ทางประวัติศาสตร์ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ ความปรารถนาที่จะสร้างจุดเริ่มต้นใหม่ที่ไม่ใช่แบบดั้งเดิมในงานศิลปะ การต่ออายุรูปแบบศิลปะ แผนผังทั่วไปและรูปแบบนามธรรม

การนำเสนอเพิ่ม 06/22/2012


จุดเริ่มต้นของศตวรรษแห่งคลาสสิกในการพัฒนา วัฒนธรรมยุโรปจากปรัชญาเยอรมันคลาสสิก "วัยทอง" แห่งศิลปะ ความนิยมของ George Sand และ Dickens ตัวแทนของแนวโน้มหลักและทิศทางของความสมจริงในการวาดภาพ, ศิลปะ, วรรณคดี

บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 06/28/2010


ความสมจริงเป็นรูปแบบเฉพาะทางประวัติศาสตร์ของจิตสำนึกทางศิลปะในยุคปัจจุบัน ข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการสร้างและการก่อตัวของความสมจริงในศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ซานโดร บอตติเชลลี, เลโอนาร์โด ดา วินชี และราฟาเอล สันติ ผลงานของ Albrecht Dürer และ Pieter Brueghel

บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 04/12/2009


การระบุหน้าที่ ความคิดริเริ่มด้านสุนทรียะ และบทบาทของลัทธิหลังสมัยใหม่ในกระบวนการทางศิลปะและสุนทรียศาสตร์ของวัฒนธรรมสมัยใหม่ ลัทธิหลังสมัยใหม่ในวิจิตรศิลป์ของสหรัฐอเมริกาและยุโรป ศิลปะมัลติมีเดียและแนวความคิด

วิธีการทางศิลปะในศิลปะและวรรณคดียุโรปของศตวรรษที่ 18 ซึ่งปรากฏการณ์ทั้งหมดของชีวิตสาธารณะและการกระทำของบุคคลได้รับการประเมินว่าสมเหตุสมผลหรือไม่สมเหตุสมผล ผู้สร้างและนักทฤษฎีคือ Diderot ในฝรั่งเศสและ Lessing ในเยอรมนี ลักษณะเด่นของสัจนิยมแห่งการตรัสรู้คือการขยายเพิ่มเติมและทำให้เป็นประชาธิปไตยในหัวข้อต่างๆ ในรูปแบบของวัฒนธรรมศิลปะ เช่น วรรณกรรม ละครเวที ภาพวาด; การปรากฏตัวของฮีโร่ใหม่ - ตัวแทนของอสังหาริมทรัพย์ที่สามซึ่งประกาศด้วยจิตวิญญาณแห่งกาลเวลาในฐานะผู้ถือเหตุผลหรือธรรมชาติ การปฏิเสธบรรทัดฐานที่มีอยู่ในคลาสสิก; ความต้องการความจริงของชีวิต บันทึกการเปิดเผยตัวละครและ "ความคิดเห็น" อย่างถูกต้อง การแก้ไขการเล่าเรื่องที่เกี่ยวข้องกับความปรารถนาที่จะถ่ายทอดไปยังผู้ฟัง ผู้ชม ผู้อ่าน ความคิดสาธารณะหรือคุณธรรม ในเวลาเดียวกัน ผู้สนับสนุนวิธีนี้มักจะยอมให้มีการประชุมในผลงานของพวกเขา ดังนั้น สถานการณ์ในเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ และละครจึงไม่จำเป็นต้องเป็นแบบอย่าง อาจเป็นแบบมีเงื่อนไขเช่นเดียวกับในการทดลอง

ความสำเร็จหลักของความสมจริงของการตรัสรู้คือการสร้างนวนิยายแห่งยุคใหม่ - วิธีการอันทรงพลังของความรู้ทางศิลปะของความเป็นจริง ผู้ก่อตั้งคือ D. Defoe ผู้ริเริ่มนวนิยายประเภทต่างๆ เช่น ชีวประวัติ การผจญภัย จิตวิทยา อาชญากรรม การผจญภัย การศึกษา และเชิงเปรียบเทียบ D. Swift กลายเป็นผู้สร้างประเภทของนวนิยายเชิงปรัชญาและการเมืองเสียดสี ในยุคของการตรัสรู้ที่เป็นผู้ใหญ่ นวนิยายเรื่องครอบครัว-ครัวเรือน (เอส. ริชาร์ดสัน) และครัวเรือนทางสังคม (จี. ฟิลดิงก์) ปรากฏขึ้น การปรากฏตัวของฮีโร่ใหม่นำไปสู่การเกิดขึ้นของละคร "ฟิลิสเตีย" ("The London Merchant" โดย D. Lillo, "Deceit and Love" โดย F. Schiller, "Bate Son" โดย D. Diderot ฯลฯ ) แนวตลกเพื่อการศึกษาประชาธิปไตย (อาร์. เชอริแดน) และคอเมดีสังคม-การเมือง (จี. ฟีลดิง) ความสมจริงของเวทีเป็นตัวเป็นตนอย่างเต็มที่ในผลงานของ P. O. Beaumarchais แนวคิดการตรัสรู้มีอิทธิพลต่อการพัฒนาการวาดภาพเหมือนจริง

ศตวรรษที่ 18 ศิลปินสัจนิยม W. Hogarth, J. B. Chardin เข้าสู่การต่อสู้เพื่อขจัดความชั่วร้ายของสังคม หันไปหาสถานการณ์ในชีวิตประจำวันหรือการสร้างภาพวาด "ในหัวข้อทางศีลธรรมสมัยใหม่ - พื้นที่ที่ยังไม่ได้ทดลองในประเทศใด ๆ " (วัฏจักรเหน็บแนมของ W. Hogarth) . J.B. Chardin เปลี่ยนชีวิตให้กลายเป็นภาพวาดอิสระ

ความสมจริงที่สำคัญของศตวรรษที่ 19 เข้ามาแทนที่สัจนิยมแห่งการตรัสรู้ของศตวรรษที่ 18

ทัศนคติที่สำคัญอย่างยิ่งต่อความเป็นจริง คำชี้แจงและการไตร่ตรองในความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะของปัญหาสังคมเฉียบพลัน ปฐมนิเทศภาพชีวิตส่วนด้อยของสังคม การศึกษาความขัดแย้งทางสังคม นักสัจนิยมให้เหตุผลว่าความชั่วร้ายไม่ได้หยั่งรากอยู่ในตัวบุคคล (อย่างที่ผู้รู้แจ้งมี) แต่อยู่ในสังคม นักสัจนิยมไม่ได้จำกัดอยู่เพียงการวิพากษ์วิจารณ์ธรรมเนียมปฏิบัติและกฎหมายร่วมสมัย พวกเขาตั้งคำถามเกี่ยวกับธรรมชาติที่ไร้มนุษยธรรมของรากฐานของสังคมชนชั้นนายทุนและศักดินา ความสมจริงเกิดขึ้นในฝรั่งเศสและอังกฤษภายใต้เงื่อนไขของชัยชนะของชนชั้นนายทุน จากนั้นหลังจากผ่านสองขั้นตอน (ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและการตรัสรู้) ก็ผ่านเข้าสู่ช่วงวิกฤต ความเป็นปรปักษ์ทางสังคมและข้อบกพร่องของระบบทุนนิยมกำหนดทัศนคติที่วิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงของนักเขียนแนวความจริงที่มีต่อมัน พวกเขาประณามการได้มา ความไม่เท่าเทียมกันทางสังคม, ความเห็นแก่ตัว, ความหน้าซื่อใจคด. ในการมุ่งเน้นทางอุดมการณ์ มันจะกลายเป็นสัจนิยมเชิงวิพากษ์ เหมือนจริง. พระเอกไม่สามารถถูกพิจารณานอกสังคมนอกสิ่งแวดล้อม นักเขียนเน้นแรงจูงใจของการกระทำแมว อธิบายโดยสิ่งแวดล้อม แหล่งกำเนิด ฯลฯ พวกเขาแสดงให้เห็นถึงอิทธิพลของสังคมที่มีต่อบุคคล สอน ความสมจริงเต็มไปด้วยศรัทธาในเหตุผล การวิจารณ์คือ "ภาพลวงตาที่หายไป"

คำถามที่ 2. . ความสมจริง (จาก lat. realis- ของจริง) - วิธีการทางศิลปะในงานศิลปะและวรรณคดี แนวคิดของความสมจริงเปลี่ยนไปเป็น ระยะต่างๆพัฒนาการทางศิลปะที่สะท้อนถึงความปรารถนาอย่างไม่ลดละของศิลปินที่ต้องการถ่ายทอดความเป็นจริงอย่างแท้จริง จุดเน้นของความสมจริงไม่ได้เป็นเพียงข้อเท็จจริง เหตุการณ์ ผู้คนและสิ่งของ แต่เป็นรูปแบบที่ดำเนินไปในชีวิต ในเวลาเดียวกันในขณะที่วาดภาพความสม่ำเสมอเหล่านี้ความสมจริงไม่ได้แยกออกจากดินจริงเลือกคุณสมบัติที่มีอยู่ในชีวิตด้วยความสมบูรณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและด้วยเหตุนี้จึงทำให้ผู้อ่านมีความรู้เกี่ยวกับชีวิตมากขึ้น จากนี้ไปเป็นข้อสรุปตามธรรมชาติว่าความสมจริงขึ้นอยู่กับลักษณะเฉพาะของมันเป็นหลัก เงื่อนไขทางประวัติศาสตร์ที่ซึ่งศิลปะพัฒนา ความสมจริงไม่ใช่สิ่งที่ได้รับและไม่เปลี่ยนแปลงทุกครั้ง ในประวัติศาสตร์วรรณคดีโลกสามารถสรุปการพัฒนาประเภทหลักได้หลายประเภท ไม่ใช่วิทยาศาสตร์ ฉันทามติเกี่ยวกับช่วงเริ่มต้นของความสมจริง นักประวัติศาสตร์ศิลป์หลายคนเชื่อว่ามันมาจากยุคสมัยที่ห่างไกลกันมาก: พวกเขาพูดถึงความสมจริง ภาพเขียนหิน คนดึกดำบรรพ์เกี่ยวกับความสมจริงของวัฒนธรรมโบราณ

ในประวัติศาสตร์วรรณคดีโลก คุณสมบัติหลายอย่างของความสมจริงพบได้ในผลงานของโลกยุคโบราณและยุคกลางตอนต้น (ในมหากาพย์พื้นบ้านเช่นในมหากาพย์รัสเซียในพงศาวดาร)

อย่างไรก็ตาม การก่อตัว ความสมจริงอย่างไร ระบบศิลปะในวรรณคดียุโรป เป็นธรรมเนียมที่จะต้องเชื่อมโยงกับยุคสมัย ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา(การฟื้นฟู). ความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับชีวิตโดยบุคคลที่ปฏิเสธการเชื่อฟังคำสั่งสอนของคริสตจักรแบบสลาฟนั้นสะท้อนให้เห็นในเนื้อเพลงของ Federico Petrarch นวนิยายของ Francois Rabelais ("Gargantua และ Pantagruel") ในโศกนาฏกรรมและคอเมดี้ของ William Shakespeare หลังจากที่นักบวชในยุคกลางได้เทศนามานานหลายศตวรรษว่ามนุษย์เป็น "เรือแห่งบาป" และเรียกร้องให้มีความอ่อนน้อมถ่อมตน วรรณคดีและศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้ยกย่องมนุษย์ว่าเป็นการสร้างธรรมชาติสูงสุด พยายามเผยให้เห็นความงามทางร่างกายและจิตใจและความงามทางจิตใจของเขา . ความสมจริงของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยานั้นโดดเด่นด้วยขนาดของภาพ (Don Quixote, Hamlet, King Lear) บทกวีของบุคลิกภาพของมนุษย์ความสามารถในการ ความรู้สึกที่ดี(ดังเช่นใน "โรมิโอกับจูเลียต") และในขณะเดียวกันก็มีความรุนแรงสูงของความขัดแย้งอันน่าสลดใจ เมื่อเกิดการปะทะกันของบุคลิกภาพกับกองกำลังที่เป็นปฏิปักษ์

ขั้นตอนต่อไปในการพัฒนาความสมจริง - เกี่ยวกับการศึกษา(การตรัสรู้) เมื่อวรรณคดีตะวันตกกลายเป็นเครื่องมือเตรียมการโดยตรงสำหรับการปฏิวัติชนชั้นนายทุน-ประชาธิปไตย ในศตวรรษที่ 18 ในยุโรป สิ่งที่เรียกว่า ความสมจริงของการตรัสรู้,ซึ่งนักทฤษฎีคือ Denis Diderot (งานทฤษฎี "On วรรณกรรมดราม่า") ในฝรั่งเศสและ G. Lessing ("Hamburg Dramaturgy") ในประเทศเยอรมนี English นวนิยายที่สมจริงผู้ก่อตั้งคือ Daniel Defoe ("โรบินสันครูโซ", 1719) วีรบุรุษประชาธิปไตยปรากฏตัวในวรรณคดีแห่งการตรัสรู้ (Figaro ในไตรภาคโดย P. Beaumarchais ภาพของชาวนาโดย A.N. Radishchev ใน "การเดินทางจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กไปยังมอสโก") ผู้รู้แจ้งประเมินปรากฏการณ์ทั้งหมดของชีวิตทางสังคมและการกระทำของผู้คนว่าสมเหตุสมผลหรือไม่สมเหตุสมผล (และพวกเขาเห็นว่าไม่สมเหตุสมผลอย่างแรกคือในระเบียบและประเพณีศักดินาเก่าทั้งหมด) จากนี้ไปพวกเขาดำเนินการในการพรรณนาถึงตัวละครของมนุษย์: ตัวละครในเชิงบวกของพวกเขาคือประการแรกศูนย์รวมของเหตุผลสิ่งที่เป็นลบคือการเบี่ยงเบนไปจากบรรทัดฐานผลผลิตของความไร้เหตุผลและระเบียบศักดินาเก่า ความสมจริงของการตรัสรู้มักจะอนุญาตให้มีเงื่อนไขของสถานการณ์พฤติกรรมของวีรบุรุษ

ความสมจริงรูปแบบใหม่เริ่มก่อตัวขึ้นในศตวรรษที่ 19 มัน ความสมจริงที่สำคัญมันแตกต่างอย่างมากจากทั้งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและการตรัสรู้ ความมั่งคั่งทางทิศตะวันตกเกี่ยวข้องกับชื่อของ Stendhal และ O. Balzac ในฝรั่งเศส, C. Dickens, Thackeray ในอังกฤษ, ในรัสเซีย - A.S. Pushkin ("The Captain's Daughter"), N.V. "Inspector"), I.S. Turgenev (" บันทึกของนักล่า"), F.M. Dostoevsky ("พี่น้อง Karamazov", "อาชญากรรมและการลงโทษ"), L.N. Tolstoy ("วันอาทิตย์", "สงครามและสันติภาพ" ), A.P. Chekhov (เรื่องราว, บทละคร)

ความสมจริงที่สำคัญแสดงให้เห็นความสัมพันธ์ระหว่างมนุษย์กับสิ่งแวดล้อมในรูปแบบใหม่ ลักษณะของมนุษย์ถูกเปิดเผยใน การเชื่อมต่อแบบอินทรีย์กับสภาพสังคม หัวข้อการวิเคราะห์สังคมเชิงลึกคือ โลกภายในของมนุษย์ ความสมจริงเชิงวิพากษ์จึงกลายเป็นจิตวิทยาไปพร้อม ๆ กัน ในการเตรียมคุณภาพของความสมจริงนี้ ROMANTISM มีบทบาทสำคัญในการพยายามเจาะความลับของมนุษย์ "ฉัน"

คำถามที่ 3. ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างความสมจริงที่สำคัญกับยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและการตรัสรู้คือความรู้ที่ลึกซึ้งของชีวิตและความซับซ้อนของภาพของโลก แต่นี่ไม่ได้หมายความว่ามันเหนือกว่าขั้นตอนก่อนหน้าโดยสิ้นเชิง เพราะขนาดของภาพยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหายไป ความน่าสมเพชของการยืนยัน ลักษณะของผู้รู้แจ้ง ศรัทธาที่มองโลกในแง่ดีในชัยชนะของความดีเหนือความชั่ว ยังคงมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ความสมจริงเชิงวิพากษ์จับภาพความเป็นจริงร่วมสมัยได้อย่างกว้างขวางมากขึ้น ความทันสมัยที่เป็นเจ้าของเซิร์ฟได้เข้ามาสู่งานของนักสัจนิยมที่สำคัญ ไม่เพียงแต่เป็นความเด็ดขาดของขุนนางศักดินาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสภาพที่น่าเศร้าของมวลชนด้วย - ทาส, คนเมืองที่ยากจน ในงานของนักเขียนแห่งการตรัสรู้ ชายชนชั้นกลางถูกพรรณนาโดยหลักว่าเป็นศูนย์รวมของขุนนาง ความซื่อสัตย์ และด้วยเหตุนี้จึงต่อต้านพวกขุนนางที่ไม่ซื่อสัตย์ที่ทุจริต เขาเปิดเผยตัวเองในขอบเขตของจิตสำนึกที่สูงส่งของเขาเท่านั้น ชีวิตประจำวันของเขาที่มีแต่ความเศร้า ความทุกข์ และความกังวลยังคงอยู่ โดยแท้จริงแล้ว นอกเหนือจากการเล่าเรื่อง เขาถูกมองว่าเป็นบุคคลที่มีปัญหาอยู่ในตัวเขาเองเท่านั้น โดยไม่คำนึงถึงสภาพแวดล้อมที่เขามีอยู่ ในทางกลับกันความสมจริงที่สำคัญทำหน้าที่วิเคราะห์: มันแสดงให้เห็นถึงเงื่อนไขทางสังคมของบุคคลแสดงเหตุผลทางสังคมที่บังคับให้ฮีโร่ประพฤติตนไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง พื้นฐานของสุนทรียศาสตร์ของสัจนิยมเชิงวิพากษ์คือหลักการของสังคม นักสัจนิยมให้เหตุผลว่าความชั่วร้ายไม่ได้หยั่งรากลึกในมนุษย์ แต่อยู่ในสังคม นักสัจนิยมไม่ได้จำกัดอยู่เพียงการวิพากษ์วิจารณ์ธรรมเนียมปฏิบัติและกฎหมายร่วมสมัย พวกเขาตั้งคำถามเกี่ยวกับธรรมชาติที่ไร้มนุษยธรรมของรากฐานของสังคมชนชั้นนายทุนและศักดินา

ในงานของพระศาสดา สถานที่ที่ดีครอบครองภาพลักษณ์ของขุนนางที่เลวทรามต่ำช้าซึ่งไม่รู้จักข้อ จำกัด ใด ๆ เกี่ยวกับความปรารถนาทางราคะของเขา ความเลวทรามของผู้ปกครองแสดงให้เห็นในวรรณคดีการตรัสรู้เป็นผลของความสัมพันธ์เกี่ยวกับศักดินาซึ่งขุนนางชั้นสูงรู้ว่าไม่มีข้อห้ามต่อความรู้สึกของพวกเขา ผลงานของผู้รู้แจ้งสะท้อนถึงการขาดสิทธิของประชาชน ความไร้เหตุผลของเจ้าชายซึ่งขายวิชาของตนไปยังประเทศอื่น นักเขียนแห่งศตวรรษที่ 18 วิพากษ์วิจารณ์ลัทธิคลั่งศาสนาอย่างรุนแรง (“The Nun” โดย Diderot, “Nathan the Wise” โดย Lessinia) ต่อต้านรัฐบาลรูปแบบก่อนประวัติศาสตร์ สนับสนุนการต่อสู้ของประชาชนเพื่อเอกราชของชาติ (“Don Carlos” โดย Schiller, “ Egmant” โดยเกอเธ่) ดังนั้น ในวรรณคดีการตรัสรู้ของศตวรรษที่ 18 การวิพากษ์วิจารณ์สังคมศักดินาจึงดำเนินไปบนระนาบอุดมการณ์เป็นหลัก นักวิจารณ์เชิงวิพากษ์ได้ขยายขอบเขตเฉพาะเรื่องของศิลปะแห่งคำ บุคคลไม่ว่าเขาจะอยู่ในสังคมชั้นใด มีลักษณะเฉพาะไม่ใช่เฉพาะในขอบเขตของจิตสำนึกทางศีลธรรม (กล่าวคือ ความชั่วร้ายไม่สามารถเกิดจากต้นกำเนิดของชนชั้นสูงและระเบียบศักดินาที่ปลูกฝังตั้งแต่แรกเกิด) เขายังถูกดึงดูดในทางปฏิบัติทุกวัน กิจกรรมในบริบทของสิ่งแวดล้อมซึ่งมีแม่ของความชั่วร้ายทั้งหมดของเขาและไม่ใช่ต้นกำเนิดของชนชั้นสูง ความสมจริงเชิงวิพากษ์แสดงลักษณะของบุคคลในระดับสากลว่าเป็นบุคลิกลักษณะเฉพาะที่เกิดขึ้นในอดีต พวกเขาพรรณนาบุคคลว่าเป็นสิ่งมีชีวิตทางสังคมซึ่งเกิดขึ้นภายใต้อิทธิพลของสาเหตุทางสังคมและประวัติศาสตร์บางอย่าง การระบุลักษณะวิธี Balzac, G.V. Plekhanov ตั้งข้อสังเกตว่าผู้สร้าง " ตลกของมนุษย์» «เอา» กิเลสตัณหาในรูปแบบที่สังคมชนชั้นนายทุนร่วมสมัยมอบให้; เขาเฝ้าดูด้วยความสนใจของนักธรรมชาติวิทยาว่าพวกเขาเติบโตและพัฒนาอย่างไรในสภาพแวดล้อมทางสังคมที่กำหนด อย่างไรก็ตาม ศิลปะที่สมจริงเป็นมากกว่าการทำซ้ำของบุคคลในความสัมพันธ์ทางสังคม ความสมจริงนั้นมีลักษณะเฉพาะด้วยภาพลักษณ์ของบุคคลที่มีความเป็นหนึ่งเดียวกับสิ่งแวดล้อม ความเป็นรูปธรรมทางสังคมและประวัติศาสตร์ของภาพ ความขัดแย้ง โครงเรื่อง การใช้อย่างแพร่หลาย โครงสร้างประเภทเช่น นวนิยาย ละคร โนเวลลา เรื่องสั้น ความสมจริงเชิงวิพากษ์ถูกทำเครื่องหมายด้วยการแพร่กระจายของมหากาพย์และการละครอย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน ในบรรดาประเภทมหากาพย์ นวนิยายเรื่องนี้ได้รับความนิยมสูงสุด เหตุผลของความสำเร็จนั้นส่วนใหญ่มาจากการที่นักเขียนสัจนิยมสามารถทำหน้าที่วิเคราะห์ของศิลปะได้อย่างเต็มที่ เผยให้เห็นถึงสาเหตุของการเกิดขึ้นของความชั่วร้ายทางสังคม

วีรบุรุษเชิงบวกในการทำงานของนักสัจนิยมคือผู้แสวงหาความจริง ผู้ที่เกี่ยวข้องกับการปลดปล่อยแห่งชาติหรือขบวนการปฏิวัติ (Stendhal's Carbonari, Neuron ของ Balzac) หรือต่อต้านการเอาใจใส่ที่บิดเบือนศีลธรรมของปัจเจก (Dickens) อย่างแข็งขัน

ความสมจริงของการตรัสรู้

เวทีในการพัฒนาความสมจริงที่เกิดขึ้นในช่วงตรัสรู้ มีลักษณะเป็นแนวทางอย่างมีจริยธรรมต่อปรากฏการณ์ชีวิตทางสังคมและ การกระทำของมนุษย์; ภาพศิลปะค่อนข้างธรรมดา

บุคคล: D. Diderot, P. Beaumarchais, G. Lessing, I.-V. เกอเธ่, ดี. เดโฟ, ดี. ฟอนวิซิน

"... ในศตวรรษที่ 18 สิ่งที่เรียกว่าสัจนิยมแห่งการตรัสรู้กำลังก่อตัว (ในยุโรป) นักทฤษฎีคือ Diderot ในฝรั่งเศสและ Lessing ในเยอรมนี นวนิยายเสมือนจริงของอังกฤษซึ่งผู้ก่อตั้งคือ D. Defoe ผู้ ผู้เขียน Robinson Crusoe ได้รับความสำคัญระดับโลก. ผู้รู้แจ้งประเมินปรากฏการณ์ทั้งหมดของชีวิตทางสังคมและการกระทำของผู้คนว่าสมเหตุสมผลหรือไร้เหตุผล ... จากนี้พวกเขายังดำเนินการในการวาดภาพของตัวละครมนุษย์ วีรบุรุษในเชิงบวกของพวกเขาเป็นอันดับแรก ทั้งหมด ศูนย์รวมของเหตุผล สิ่งที่เป็นลบคือการเบี่ยงเบนจากบรรทัดฐาน ผลผลิตของความไร้เหตุผล ความป่าเถื่อนของสมัยก่อน " (L.I. Timofeev, S.V. Turaev)

คำศัพท์พจนานุกรมศัพท์เกี่ยวกับการวิจารณ์วรรณกรรม จากอุปมานิทัศน์ถึง iambic - ม.: ฟลินตา, เนาคา. น.ยู. รูโซว่า 2004

ดูว่า "สัจนิยมแห่งการตรัสรู้" ในพจนานุกรมอื่นๆ คืออะไร:

ความสมจริง- (จากภาษาละติน realis realis, ของจริง) ในงานศิลปะ ซึ่งเป็นภาพสะท้อนของความเป็นจริงตามความเป็นจริงด้วยวิธีการเฉพาะที่มีอยู่ในความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะประเภทใดประเภทหนึ่ง ในการพัฒนาศิลปะความสมจริง ... ... สารานุกรมศิลปะ

ความสมจริง- ในงานศิลปะ 1) แนวคิดที่แสดงลักษณะการทำงานขององค์ความรู้ของศิลปะ: ความจริงของชีวิต เป็นตัวเป็นตนโดยวิธีการเฉพาะของศิลปะ การวัดการแทรกซึมสู่ความเป็นจริง ความลึกและความสมบูรณ์ของความรู้ทางศิลปะ เข้าใจกันอย่างกว้างขวาง… … สารานุกรมสมัยใหม่

ความสมจริง- ในงานศิลปะ 1) แนวคิดที่แสดงลักษณะการทำงานขององค์ความรู้ของศิลปะ: ความจริงของชีวิต เป็นตัวเป็นตนโดยวิธีการเฉพาะของศิลปะ การวัดการซึมซับสู่ความเป็นจริง ความลึกและความสมบูรณ์ของความรู้ทางศิลปะ จึงเข้าใจอย่างกว้างๆ ว่า ... ... พจนานุกรมสารานุกรมขนาดใหญ่

ความสมจริง (ในงานศิลปะ)- ความสมจริงในงานศิลปะ 1) แนวคิดที่แสดงลักษณะการทำงานขององค์ความรู้ของศิลปะ: ความจริงของชีวิต เป็นตัวเป็นตนโดยวิธีการเฉพาะของศิลปะ การวัดการซึมซับสู่ความเป็นจริง ความลึกและความสมบูรณ์ของความรู้ทางศิลปะ ใช่ กว้าง... พจนานุกรมสารานุกรม

ความสมจริง (ศิลปะ)- ความสมจริงในงานศิลปะ 1) แนวคิดที่แสดงลักษณะการทำงานขององค์ความรู้ของศิลปะ: ความจริงของชีวิต เป็นตัวเป็นตนโดยวิธีการเฉพาะของศิลปะ การวัดการซึมซับสู่ความเป็นจริง ความลึกและความสมบูรณ์ของความรู้ทางศิลปะ กว้างจังเลย... ภาพประกอบ พจนานุกรมสารานุกรม

- (จากวัสดุ lat. realis) 1) วิธีการทางศิลปะของเวลาใหม่ซึ่งจุดเริ่มต้นมาจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (สัจนิยมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา) หรือจากการตรัสรู้ (สัจนิยมการตรัสรู้) หรือจากยุค 30 ศตวรรษที่ 19 (ความสมจริงที่เหมาะสมหรือวิพากษ์วิจารณ์ ... ...

ความสมจริง- เอ; ม. [จาก lat. realis จริง] 1. ความจริง สะท้อนวัตถุประสงค์ของความเป็นจริงด้วยวิธีการที่มีอยู่ในประเภทของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะเฉพาะ; ทิศทางในงานศิลปะและวรรณคดีตามการจัดแสดงดังกล่าว ... ... พจนานุกรมสารานุกรม

ดูสัจจะธรรม... คำศัพท์พจนานุกรม-พจนานุกรมเกี่ยวกับการวิจารณ์วรรณกรรม

ความสมจริง (ในวรรณคดีและศิลปะ)- ความสมจริงในวรรณคดีและศิลปะ การสะท้อนความเป็นจริงตามความเป็นจริงด้วยวิธีการเฉพาะที่มีอยู่ในความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะประเภทใดประเภทหนึ่ง ในระหว่างการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ของศิลปะ R. ใช้รูปแบบที่เป็นรูปธรรม ... ...

ความสมจริง- I Realism (จากภาษาละติน realis real, real) เป็นทิศทางปรัชญาในอุดมคติที่รับรู้ความเป็นจริงที่อยู่นอกจิตสำนึกซึ่งตีความว่าเป็นวัตถุในอุดมคติ (เพลโต, ยุคกลาง ... ... สารานุกรมแห่งสหภาพโซเวียตผู้ยิ่งใหญ่

หนังสือ

• นวนิยายฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 เรื่องราวของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 มีความหลากหลายทั้งในรูปแบบและเนื้อหา โดยรวบรวมเอากระแสวรรณกรรมในยุคนั้น - สัจนิยมแห่งการตรัสรู้ ความซาบซึ้ง ยุคก่อนโรแมนติก ใน ... ซื้อ 260 รูเบิล
• วรรณคดีต่างประเทศ. คู่มือหลักสูตรเสริมสำหรับนักเรียนเกรด VIII-X,. หนังสือเล่มนี้ครอบคลุมปรากฏการณ์ที่หลากหลายในวรรณคดีต่างประเทศของตะวันตกตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบัน การเลือกชื่อนักเขียนถูกกำหนดไว้ตั้งแต่แรก หลักสูตรโรงเรียนและโปรแกรม...

หน้า 11 จาก 27

ความสมจริงของการตรัสรู้ในฐานะขบวนการวรรณกรรม: หลักการทางศิลปะ. ความคิดริเริ่มประเภท

ความสมจริง - กำหนดหน้าที่การทำซ้ำความเป็นจริงอย่างซื่อสัตย์ก่อนงานศิลปะ

องค์ประกอบของความสมจริงเกิดขึ้นในวรรณคดีรัสเซียระหว่างปี ค.ศ. 1770 ถึง ค.ศ. 1790 พร้อมกันในส่วนต่าง ๆ ของมันและในรูปแบบที่แตกต่างกัน นั่นคือแนวโน้มหลักในการพัฒนาโลกทัศน์ด้านสุนทรียศาสตร์ของรัสเซียในเวลานั้นโดยเตรียมมันไว้ในขั้นตอนแรก - เวทีพุชกินในอนาคต เขาเติบโตขึ้นมาจากความคลาสสิค เขายังระเบิดหลักการของความคลาสสิค

ผู้บุกเบิกความสมจริงที่สร้างขึ้นโดย Pushkin, Fonvizin ทำมากกว่าคนอื่นในทิศทางนี้ - ครั้งแรกที่เขาหยิบยกคำถามของความสมจริงเป็นหลักการเป็นระบบของการทำความเข้าใจมนุษย์และสังคม ข้อความที่ลึกซึ้งของปัญหาของการพรรณนาที่เหมือนจริงของบุคคลซึ่งเกิดขึ้นบนพื้นฐานของการทวีความรุนแรงของการต่อสู้ในส่วนที่ดีที่สุดของปัญญาชนผู้สูงศักดิ์ชาวรัสเซียที่มีเผด็จการเผด็จการและรูปแบบการเป็นทาสอย่างป่าเถื่อนเป็นบุญหลักของฟอนวิซินและ บุญใหญ่จริงๆ

ความผาสุกทางโลกทัศน์ของลัทธิเสรีนิยมอันสูงส่งได้พังทลายลงในช่วงเวลาของการลุกฮือของปูกาเชฟ การเอาชนะโลกทัศน์นี้ดำเนินไปตามแนวของการละทิ้งกิจกรรมและการถอนตัวไปสู่ความฝัน เข้าสู่ชีวิตแห่งความรู้สึกส่วนตัว หรือตามแนวการขยายและขยายฐานการประท้วงให้ลึกขึ้น ทุกสิ่งในโลกล้วนเลวร้าย และเป็นการดีกว่าที่จะหนีจากมันในขณะที่มีที่ให้วิ่ง - คนขี้กลัวจึงตัดสินใจ การดำรงอยู่ทางการเมืองของรัสเซียนั้นไม่ดี และจำเป็นต้องเปลี่ยนแปลงอย่างมากในนามของการช่วยชีวิต ไม่เพียงแต่ผู้สูงศักดิ์เท่านั้น แต่ทั้งประเทศ ประชาชนทั้งหมด และสิ่งนี้จะต้องต่อสู้จนถึงที่สุด - นั่นคือบทสรุปของสงครามของฟอนวิซิน .

"นายพลจัตวา". ในภาพยนตร์ตลก F. เยาะเย้ยความป่าเถื่อน, ความโง่เขลา, ความหยาบคายของขุนนาง, ไม่ได้รับความรู้แจ้งจากวัฒนธรรมอันสูงส่งใหม่, ยิ่งกว่านั้น, ขุนนางของจังหวัดและ "จอมปลอม", ม็อบผู้สูงศักดิ์ นอกจากนี้ หนังตลกยังทำให้แฟชั่นเสียชื่อเสียงสำหรับทุกอย่างที่เป็นของตะวันตก แกลโลมาเนีย การดูถูกขุนนางรุ่นเยาว์สำหรับบ้านเกิดเมืองนอนและภาษาของพวกเขา โดยพื้นฐานแล้วงานตลกคือการศึกษา F. ต่อสู้เพื่อวัฒนธรรมเพื่อ "เกียรติยศของชั้นเรียน"

แต่! ตัวละครในคอเมดี้ของ F. เป็นแบบแผน (คุณลักษณะของความคลาสสิค) ในเวลาเดียวกันงานของศิลปินไม่ใช่ภาพลักษณ์ของปัจเจกบุคคลมากนัก แต่เป็นภาพของความสัมพันธ์ทางสังคมที่เข้าใจเกี่ยวกับบรรทัดฐานในอุดมคติของรัฐกำหนดเนื้อหาของบุคคลตามเกณฑ์นี้เท่านั้น . บรรทัดฐาน

ราดิชชอฟ เขาเป็นนักปฏิวัติผู้สูงศักดิ์คนแรกในรัสเซียที่ขึ้นเสียงเพื่อปกป้องชาวนาที่ถูกกดขี่และประณามความเป็นทาส มันเป็นผลมาจากการสะสมพลังแห่งความคิดแบบประชาธิปไตย และมันปรากฏขึ้นในยามรุ่งอรุณของขบวนการปฏิวัติในอนาคต นั่นคือ Decembrist ในทางที่สั้นที่สุด

"การเดินทางจากเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กไปยังมอสโก" เป็นกระบอกเสียงของการประท้วงและความโกรธที่ได้รับความนิยม น้อยที่สุดหักเหผ่านปริซึมของชนชั้นนายทุนเนื่องจากเงื่อนไขเฉพาะของรัสเซีย

ภารกิจหลักประการแรกในการเดินทางคือการต่อสู้กับความเป็นทาส: การต่อสู้กับการกดขี่ของมนุษย์โดยทั่วไป "พี" - ชิ้นงานศิลปะ, และ อาร์. ในภาพจำนวนหนึ่ง เขาพยายามแสดงความผิด ความน่ากลัว ความไร้สาระ ความป่าเถื่อนของการเป็นทาส เป็นการดึงดูดบทกวีพื้นบ้านที่สามารถเล่นบทบาทของแรงกระตุ้นที่ทรงพลังที่สุดของความสมจริงในงานศิลปะ องค์ประกอบของศิลปะพื้นบ้านซึ่งทำให้ผู้เขียนใกล้ชิดกับผู้คนมากขึ้นความเที่ยงธรรมของประสบการณ์โดยรวมตั้งรกรากอยู่ในคติชนวิทยาความสมจริงของโลกทัศน์และรูปแบบของคติชนวิทยาซึ่งเกิดขึ้นเป็นภาพสะท้อนที่แท้จริงของชีวิตพื้นบ้าน - ทั้งหมดนี้ให้คติชนวิทยา ศิลปะคือพลังของการสนับสนุนและอิทธิพลที่สามารถหล่อเลี้ยงศิลปะของ "หนังสือ" เกี่ยวกับวิธีการเอาชนะความคลาสสิคและการค้นหาความมีชีวิตชีวา ความเข้าใจในคติชนวิทยานี้เองที่ทำให้อาร์แตกต่าง ภาพมนุษย์ที่เขาสร้างขึ้นนั้นมีลักษณะแบบพิมพ์ไม่ใช่ในความหมายเชิงเหตุผล-คลาสสิก แต่ในสังคมส่วนรวมซึ่งไม่ขัดแย้งกับลักษณะเฉพาะของลักษณะเฉพาะของพวกเขา