ข้อความเกี่ยวกับวัฒนธรรมยุโรปในศตวรรษที่ 18 วัฒนธรรมการตรัสรู้ของยุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 18 บทที่ 1 ค่านิยมหลักของการตรัสรู้

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 กระบวนการฆราวาสนิยม - การแยกรัฐออกจากคริสตจักร - กำลังได้รับสัดส่วนที่แพร่หลาย วิทยาศาสตร์และเหตุผลทางวิทยาศาสตร์กำหนดธรรมชาติของโลกทัศน์ในยุคปัจจุบัน ศตวรรษที่สิบแปด ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ประวัติศาสตร์ถูกเรียกว่ายุคแห่งการตรัสรู้: ความรู้ทางวิทยาศาสตร์ซึ่งก่อนหน้านี้เคยเป็นสมบัติของนักวิทยาศาสตร์กลุ่มแคบ ๆ กำลังแพร่กระจายไปในวงกว้าง นอกเหนือไปจากมหาวิทยาลัยและห้องปฏิบัติการไปยังร้านเสริมสวยทางโลกในปารีสและลอนดอนกลายเป็น หัวข้อการอภิปรายของนักประชาสัมพันธ์และนักเขียนที่แพร่หลายเกี่ยวกับความสำเร็จของวิทยาศาสตร์และปรัชญา จากมุมมองของนักปรัชญาชาวเยอรมัน I. Kant (1724-1804) การตรัสรู้เป็นการแสดงออกถึงแก่นแท้ของมนุษย์ แต่การพัฒนาที่ประสบความสำเร็จและการประยุกต์ใช้เหตุผลจะเป็นไปได้ก็ต่อเมื่อความไม่เป็นอิสระทุกรูปแบบถูกเอาชนะด้วยระยะเวลาอันยาวนาน การพัฒนาคุณธรรมของมนุษยชาติในระยะยาว

มีคำขวัญหลักสองคำที่เขียนบนธงของผู้รู้แจ้ง: วิทยาศาสตร์และความก้าวหน้า ในเวลาเดียวกัน นักการศึกษาไม่เพียงอุทธรณ์ด้วยเหตุผลเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเหตุผลทางวิทยาศาสตร์ซึ่งอยู่บนพื้นฐานของประสบการณ์และปราศจากอคติทางศาสนา พวกเขามองว่าพระเจ้าเป็นสาเหตุหลักที่มีเหตุผลของโลก และ "ศาสนาตามธรรมชาติ" เป็นผู้ควบคุมทางสังคมของกระบวนการทางประวัติศาสตร์ H. Cherburn (1583-1648), J. Locke (1712-1778), Voltaire (1699-1778), P. Gassendi (1592-1655), J. Meslier (1644-1729), J. La Mettrie (1709- 1751), D. Diderot (1713-1784), P. Holbach (1723-1789), C. Helvetius (1715-1771) กาแล็กซีทั้งหมดของนักสารานุกรมในฝรั่งเศส "อยู่ภายใต้การตัดสินของเหตุผลและสามัญสำนึก" ทั้งหมด ของประวัติศาสตร์มนุษยชาติ โดยเฉพาะประวัติศาสตร์ศาสนาคริสต์และคริสตจักรคริสเตียน

ตัวละครหลักในการศึกษาทางวิทยาศาสตร์และวรรณกรรมของการตรัสรู้คือมนุษย์ ในด้านหนึ่งเขาปรากฏเป็นคนโดดเดี่ยวที่แยกจากกัน และในอีกด้านหนึ่ง บุคคลทุกคนมีความเท่าเทียมกัน

78. ประเภทของศิลปะแห่งศตวรรษที่ 18 - โรโกโก, คลาสสิค, อ่อนไหว

ในช่วงการตรัสรู้ วรรณกรรมและศิลปะทุกประเภทได้รับการพัฒนา

ในตอนต้นของศตวรรษ บาโรกค่อยๆ ถูกแทนที่ด้วยโรโคโค

บ้านเกิดของโรโคโคคือฝรั่งเศส แพร่หลายมากขึ้นในอาคารพระราชวังและสวนสาธารณะของรัฐในยุโรป สไตล์นี้ส่วนใหญ่ถูกกำหนดโดยรูปทรงที่แปลกประหลาดของอ่างล้างจาน คำว่า "rococo" นั้นมาจากคำว่า "rocaille" - ก้อนกรวดและเปลือกหอยขนาดเล็ก Rococo ยังคงสืบทอดประเพณีของบาโรก มีลักษณะพิเศษด้วยรูปแบบขนาดเล็กที่ประณีตและแปลกตา และการประดับตกแต่งอย่างประณีต ลวดลายเป็นเส้น และมีสไตล์อย่างมาก Rococo แพร่หลายมากที่สุดในการออกแบบตกแต่งภายใน

โรโคโคเป็นสไตล์ที่สดใสและสนุกสนานซึ่งสร้างบรรยากาศแห่งความเกียจคร้าน ความประมาท และความบันเทิงที่ไม่โอ้อวด โดดเด่นด้วยความสง่างาม ความละเอียดอ่อน และความสง่างาม เขาแสดงรสนิยมของชนชั้นสูงและขุนนางที่เหินห่างจากการเมือง Rococo ยืมลวดลายจากศิลปะจีนอย่างแข็งขัน

การวาดภาพโรโกโกมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยหัวข้ออภิบาลและธีมแนวซาลอนอีโรติก จิตรกรที่ใช้สไตล์นี้สร้างสรรค์ผลงานเพื่อการตกแต่ง ผลงานที่โด่งดังที่สุด: F. Buis "Hercules and Omphale", "The Bathing of Diana"

ความคิดของการตรัสรู้ได้รับการถ่ายทอดอย่างเต็มที่ไปยังรูปแบบศิลปะอื่น - ลัทธิคลาสสิก บ้านเกิดของมันคือฝรั่งเศสเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 อุดมการณ์ของลัทธิคลาสสิกในฝรั่งเศสคือปรัชญาเชิงเหตุผลของ R. Descartes บทละครของ P. Corneille, J. Racine, J.B. Moliere และอื่น ๆ ในศตวรรษที่ 18 มีการสร้างการเคลื่อนไหวที่เรียกว่าคลาสสิก (จากภาษาละติน classicus - แบบอย่าง) รูปแบบและทิศทางในวรรณคดีและศิลปะของศตวรรษที่ 17-18 ซึ่งหันมาใช้มรดกโบราณเป็นบรรทัดฐานและแบบจำลองนั้นมีพื้นฐานมาจากแนวคิดเรื่องเหตุผลนิยมและกฎที่สมเหตุสมผลของโลก

ประเด็นหลักของลัทธิคลาสสิก: ความขัดแย้งระหว่างสังคมกับบุคคล หน้าที่และความรู้สึก ความปรารถนาที่จะพรรณนาและแสดงความรู้สึกและประสบการณ์อันประเสริฐที่กล้าหาญ

เขายอมรับความคลาสสิก: ประเภทสูงและต่ำ (โศกนาฏกรรม - สูง, นิทาน - ต่ำ ฯลฯ ) ตัวแทนของความคลาสสิกในวรรณคดี Corneille, Racine, Voltaire, Moliere, Boileau ในฝรั่งเศส, Derzhavin และ Fonvizin ในรัสเซีย; พวกเขามีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยวีรบุรุษทั่วไป การสั่งสอนคุณธรรม และความรู้สึกประเสริฐ

สถาปัตยกรรมคลาสสิกโดดเด่นด้วยความชัดเจนและรูปทรงเรขาคณิต การจัดวางที่สมเหตุสมผล การผสมผสานระหว่างผนังและเสา และการตกแต่งที่จำกัด วงดนตรีสวนและสวนสาธารณะส่วนใหญ่ในยุโรปตะวันตก (แวร์ซาย) เป็นสไตล์นี้

ในวิจิตรศิลป์มีสีสันสดใสโครงเรื่องแบบคลาสสิกและการพรรณนาถึงผู้ร่วมสมัยในรูปแบบของวีรบุรุษคลาสสิก (Poussin, Lorrain, David, Ingres - ฝรั่งเศส) ประติมากร Pigalle, Falcone (“นักขี่ม้าสีบรอนซ์”)

ความรู้สึกอ่อนไหว(จากความรู้สึกของฝรั่งเศส - ความรู้สึก) - การเคลื่อนไหวในวรรณคดีและศิลปะยุโรปและอเมริกาในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 ซึ่งประกาศลัทธิของความรู้สึกตามธรรมชาติของธรรมชาติมีลักษณะที่อ่อนไหวความอ่อนโยนมากเกินไปในการแสดงออกความเห็นอกเห็นใจ ( ริชาร์ดสัน, สเติร์น, สมอลเล็ตต์, รุสโซ)

“ทุกสิ่งที่สมเหตุสมผลนั้นมีจริง ทุกสิ่งที่เป็นจริงนั้นสมเหตุสมผล” เป็นสูตรที่ G.V. เฮเกลไม่ใช่เรื่องบังเอิญ แต่เป็นความประหม่าของศตวรรษที่ 18 แต่ในศตวรรษหน้าทำให้ผู้คนสงสัยในเรื่องนี้

วัฒนธรรมของยุโรปตะวันตกในคริสต์ศตวรรษที่ 19

ในวัฒนธรรมสมัยใหม่ของศตวรรษที่ 19 ครอบครองสถานที่พิเศษ นี่คือยุคแห่งความคลาสสิก เมื่ออารยธรรมกระฎุมพีเจริญรุ่งเรือง

แล้วเข้าสู่ขั้นวิกฤต นี่คือการประเมินที่มอบให้โดยนักคิดที่โดดเด่นในเวลานี้อย่างแม่นยำ - F. นีทซ์เชอ, โอ. สเปนเกลอร์, เจ. ฮุยซิงกา, เอช. ออร์เทกา และกัสเซต

โดยแก่นแท้แล้ว วัฒนธรรมของศตวรรษที่ 19 มีพื้นฐานอยู่บนสถานที่ทางอุดมการณ์เดียวกันกับวัฒนธรรมทั้งหมดในยุคปัจจุบัน ได้แก่:

♦ เหตุผลนิยม;

♦ มานุษยวิทยา;

♦ วิทยาศาสตร์ (การปฐมนิเทศต่อวิทยาศาสตร์);

♦ Eurocentrism (การประเมินวัฒนธรรมอื่นจากมุมมองของค่านิยมของยุโรปโดยเฉพาะ)

นักวัฒนธรรมเชื่อว่าเป็นบุคคลสำคัญทางประวัติศาสตร์ของศตวรรษที่ 19 ระบุปัจจัยสามประการ: ประชาธิปไตย วิทยาศาสตร์เชิงทดลอง และอุตสาหกรรม.

อีกเหตุการณ์หนึ่ง - การปฏิวัติชนชั้นกลางชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ในปี ค.ศ. 1789-1793 ซึ่งเป็นอุดมคติที่เป็นแรงบันดาลใจให้ผู้นำของการปฏิวัติอเมริกา - ในเวลาเดียวกันถือเป็นวิกฤติของวัฒนธรรมแห่งการตรัสรู้เนื่องจากไม่สามารถรับประกันการปรับตัวของกิจกรรมของมนุษย์สู่สิ่งใหม่ รูปแบบของความเป็นจริง

ประเภทของศิลปะศตวรรษที่ 19

อารมณ์ที่มองโลกในแง่ร้ายของสังคมซึ่งได้รับผลกระทบจากพายุทางสังคมที่เกิดขึ้นเมื่อเร็วๆ นี้ ส่งผลให้เกิดการกบฏอันโรแมนติกของคนรุ่นใหม่ในที่สุด ยวนใจ- นี่ไม่ได้เป็นเพียงสไตล์เช่นคลาสสิกหรือบาโรกอีกต่อไป แต่ยังเป็นการเคลื่อนไหวทางวัฒนธรรมทั่วไปที่เปิดรับปรากฏการณ์ที่หลากหลาย ตั้งแต่ปรัชญาและเศรษฐศาสตร์การเมือง ไปจนถึงแฟชั่นสำหรับทรงผมและเครื่องแต่งกาย เยอรมนีกลายเป็นศูนย์กลางของขบวนการโรแมนติก โรงเรียนปรัชญาโรแมนติกแห่งเยอรมัน ซึ่งมีปรัชญาพื้นฐานอยู่บนสัญลักษณ์ที่ใช้งานง่ายมากกว่าแนวคิดทางวิทยาศาสตร์ ปรัชญาและศิลปะที่เชื่อมโยงกัน

สำหรับวัฒนธรรมแห่งศตวรรษที่ 19 ลักษณะเฉพาะในอีกด้านหนึ่งคือการยืนยันตัวอย่างคลาสสิกของวัฒนธรรมสมัยใหม่ ในทางกลับกัน ศิลปะที่ปรากฏในช่วงปลายศตวรรษที่ปฏิเสธตัวอย่างเหล่านี้ ตัวอย่างคลาสสิกของขบวนการศตวรรษที่ 19 คือการยวนใจซึ่งสะท้อนถึงความขัดแย้งอันเจ็บปวดระหว่างอุดมคติและความเป็นจริงซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของโลกทัศน์ของผู้คนจำนวนมากในศตวรรษที่ 19 ความโรแมนติกดึงดูดผู้คน อัจฉริยะ นักสู้เพื่อความยุติธรรม และวีรบุรุษเป็นพิเศษ ดังนั้นนักเขียนแนวโรแมนติกจึงมอบตัวละครที่แข็งแกร่งและไม่ยอมใครให้กับฮีโร่ของพวกเขา พระเอกโรแมนติกตระหนักดีถึงความไม่สมบูรณ์ของโลกและสามารถต้านทานปัจจัยด้านลบของสภาพแวดล้อมทางสังคมได้อย่างแข็งขัน

ยวนใจถูกต่อต้านโดยการเคลื่อนไหวทางศิลปะอื่น - ความสมจริงความสมจริงไม่ได้มุ่งมั่นในการถ่ายทอดความเป็นจริงในงานโดยตรงอย่างละเอียดถี่ถ้วน แต่เพื่อความเข้าใจรูปแบบชีวิตและการสะท้อนทางศิลปะตามปกติ

ในการวาดภาพ ความสมจริงนั้นมีการมองเห็นมากกว่า และไม่เพียงแต่หมายถึงการถ่ายทอดภาพตามความเป็นจริงเท่านั้น แต่เหนือสิ่งอื่นใดคือสภาพแวดล้อมทางสังคม ความเป็นเอกลักษณ์ของสถานการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่กำหนด และอิทธิพลของมันต่อประเภทมนุษย์ที่เฉพาะเจาะจง ในดนตรีความสมจริงพยายามถ่ายทอดความกลมกลืนของบุคลิกภาพและสิ่งแวดล้อมหรือในทางตรงกันข้ามคือความขัดแย้ง

ในศตวรรษที่ 19 มีการแก้ไขค่านิยมทั้งในชีวิตสาธารณะและในวัฒนธรรม ศิลปะแห่งยุโรปเข้ามาในช่วงปลายยุค 50 ในยุคเสื่อมทราม (ถดถอย) คำนี้ใช้เพื่อระบุปรากฏการณ์วิกฤตในวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณ ซึ่งโดดเด่นด้วยอารมณ์ของความสิ้นหวัง การมองโลกในแง่ร้าย และความเสื่อมโทรม แนวโน้มเหล่านี้ชัดเจนที่สุดในทิศทางต่อไปนี้: อิมเพรสชันนิสม์

การประท้วงต่อต้านลัทธิธรรมชาตินิยมที่มากเกินไปและการเยือกแข็งเชิงวิชาการในงานศิลปะที่สมจริงแสดงออกในการค้นหารูปแบบใหม่ เทคนิคการวาดภาพใหม่ โดยแยกจากประเด็นทางสังคมและเนื้อหาสาระ การค้นพบวิธีอิมเพรสชั่นนิสต์เป็นของ Edouard Manet อิมเพรสชั่นนิสต์สร้างเทคนิคทางศิลปะที่ทำให้สามารถถ่ายทอดความรู้สึกของแสงที่ลอดผ่านอากาศและวัตถุได้ ซึ่งเป็นความรู้สึกของสภาพแวดล้อมที่โปร่งสบายเป็นพิเศษ ด้วยความช่วยเหลือของรูปทรงที่พร่ามัว พวกเขาสร้างภาพลวงตาของความไม่เที่ยง การเล่นสี ฯลฯ อิมเพรสชั่นนิสต์ E. Manet และ C. Monet, C. Pissarro, Sisley และคนอื่น ๆ มักจะพยายามทำงานจากชีวิต ประเภทที่พวกเขาชื่นชอบคือทิวทัศน์ แนวตั้งองค์ประกอบ

วัฒนธรรมแห่งความเสื่อมโทรมในยุโรปตะวันตกตั้งแต่ทศวรรษที่ 50 ศตวรรษที่สิบเก้า จนกระทั่งถึงจุดสิ้นสุด - สะท้อนถึงวิกฤต ความสิ้นหวัง การมองโลกในแง่ร้าย

ทิศทางในงานศิลปะ:

♦ อิมเพรสชั่นนิสม์ (Monet, Degas, Renoir) - ความสนใจต่อการส่งผ่านของแสง, ความสมบูรณ์ของสี, สู่พลวัตของโลก, รูปภาพจากธรรมชาติ;

♦ โพสต์อิมเพรสชันนิสม์ (Van Gogh, Gauguin) - อัตนัย, เวทย์มนต์ในการสะท้อนความเป็นจริง, แสดงให้เห็นถึงความไม่ลงรอยกันของเมือง;

♦ สัญลักษณ์ - แสดงอารมณ์ที่แปลกประหลาด ลึกลับ น่าเกลียด และเศร้าโศก

ส่งผลงานดีๆ ของคุณในฐานความรู้ได้ง่ายๆ ใช้แบบฟอร์มด้านล่าง

นักศึกษา นักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษา นักวิทยาศาสตร์รุ่นเยาว์ ที่ใช้ฐานความรู้ในการศึกษาและการทำงาน จะรู้สึกขอบคุณเป็นอย่างยิ่ง

การแนะนำ

บทที่ 1 ค่านิยมหลักของการตรัสรู้

บทที่ 2 การพัฒนาวิทยาศาสตร์ในยุคแห่งการตรัสรู้

บทที่ 3 ลักษณะและประเภทของศิลปะแห่งศตวรรษที่ 18

บทสรุป

บรรณานุกรม

การแนะนำ

ความเกี่ยวข้องของการศึกษาหัวข้อนี้เกี่ยวข้องโดยตรงกับความสำคัญของช่วงเวลาที่อยู่ระหว่างการพิจารณาเพื่อการพัฒนาวัฒนธรรมศึกษา

วัฒนธรรมยุโรปในศตวรรษที่ 17-19 เป็นเรื่องปกติที่จะรวมแนวคิดทั่วไปของวัฒนธรรมยุคใหม่เข้าด้วยกันซึ่งมีลักษณะเฉพาะด้วยการก่อตัวและการพัฒนารูปแบบการผลิตแบบทุนนิยม

สำหรับประเทศในยุโรปต้นศตวรรษที่ 17 ส่วนใหญ่เกิดจากปฏิกิริยาทางการเมืองที่เกิดขึ้นอันเป็นผลจากเหตุการณ์ต่างๆ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 สงครามชาวนาในเยอรมนี (ค.ศ. 1524-1525) ซึ่งส่วนใหญ่เป็นความต่อเนื่องของขบวนการต่อต้านคริสตจักรคาทอลิกที่ได้รับความนิยม จบลงด้วยความพ่ายแพ้ของกลุ่มกบฏ

ผลที่ตามมาคือชัยชนะของอำนาจศักดินา ด้วยความแตกแยกและการพัฒนาเศรษฐกิจสังคมและวัฒนธรรมในระดับต่ำ ในความเป็นจริง การปฏิวัติกระฎุมพีครั้งแรกในยุโรปพ่ายแพ้ ฝรั่งเศสจมอยู่ในสงครามศาสนาและสงครามกลางเมือง

หัวข้อการศึกษาคือกระบวนการพัฒนาวัฒนธรรมในยุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 18

วัตถุประสงค์ของการศึกษาคือความสำเร็จหลักของการพัฒนาวัฒนธรรมในยุโรปตะวันตก

วัตถุประสงค์ของงานนี้คือความจำเป็นในการอธิบายลักษณะกระบวนการพัฒนาวัฒนธรรมในยุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 18

การบรรลุเป้าหมายนี้เกี่ยวข้องกับการแก้ปัญหาหลายประการต่อไปนี้:

1. ระบุคุณค่าหลักของการตรัสรู้

2. ระบุลักษณะพัฒนาการของวิทยาศาสตร์ในช่วงการตรัสรู้

3. เน้นลักษณะทางโวหารและประเภทหลักของศิลปะในศตวรรษที่ 18

ในงานใช้วิธีการต่อไปนี้: พรรณนา การสังเคราะห์ การวิเคราะห์ การอุปนัย การนิรนัย สถิติ

ในงานนี้เราใช้วรรณกรรมเรื่องเดียวและการศึกษาเป็นหลัก การใช้วรรณกรรมประเภทนี้ช่วยให้เราสามารถระบุลักษณะความสำเร็จหลักในการพัฒนาวัฒนธรรมในศตวรรษที่ 18

บทฉัน. คุณค่าหลักของการตรัสรู้

การตรัสรู้เป็นขั้นตอนที่จำเป็นในการพัฒนาวัฒนธรรมของประเทศใดก็ตามที่แยกจากวิถีชีวิตศักดินา การศึกษาเป็นประชาธิปไตยโดยพื้นฐานและเป็นวัฒนธรรมของประชาชน

มองเห็นภารกิจหลักในการเลี้ยงดูและการศึกษาในการแนะนำความรู้ให้กับทุกคน

เช่นเดียวกับยุควัฒนธรรมและประวัติศาสตร์ที่สำคัญใดๆ การตรัสรู้ได้สร้างอุดมคติขึ้นมาและพยายามเปรียบเทียบกับความเป็นจริง เพื่อนำไปปฏิบัติให้เร็วที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้และเต็มที่ในทางปฏิบัติ

ผู้รู้แจ้งได้นำเสนอแนวคิดเรื่องการสร้างบุคลิกภาพว่าบุคคลนั้นมีสติปัญญาความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณและร่างกาย ผู้คนเข้ามาในโลกอย่างเท่าเทียมกันโดยมีความต้องการและความสนใจของตนเอง ซึ่งความพึงพอใจอยู่ที่การสร้างรูปแบบการอยู่ร่วมกันของมนุษย์ที่สมเหตุสมผลและยุติธรรม จิตใจของนักการศึกษาเกี่ยวข้องกับแนวคิดเรื่องความเท่าเทียมกัน ไม่เพียงแต่ต่อหน้าพระเจ้าเท่านั้น แต่ยังคำนึงถึงกฎหมายด้วย และต่อหน้าคนอื่นๆ ด้วย

แนวคิดเรื่องความเท่าเทียมกันของทุกคนต่อหน้ากฎหมายต่อหน้ามนุษยชาติเป็นลักษณะเฉพาะประการแรกของยุคแห่งการตรัสรู้

ไม่น่าแปลกใจเลยที่ศาสนาในรูปแบบที่คริสตจักรนำเสนอนั้น ดูเหมือนผู้รู้แจ้งที่ไม่เชื่อพระเจ้าท่ามกลางความร้อนแรงของการต่อสู้สุดขั้วในฐานะศัตรูของมนุษย์ ในสายตาของผู้ปฏิเสธการตรัสรู้ พระเจ้าทรงกลายเป็นพลังที่นำคำสั่งบางอย่างมาสู่เรื่องที่มีอยู่ชั่วนิรันดร์เท่านั้น ในช่วงการตรัสรู้ ความคิดเรื่องพระเจ้าในฐานะกลไกที่ยิ่งใหญ่และเรื่องโลกในฐานะกลไกขนาดใหญ่ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ

ด้วยความสำเร็จของวิทยาศาสตร์ธรรมชาติ แนวคิดดังกล่าวจึงเกิดขึ้นว่าเวลาแห่งปาฏิหาริย์และความลึกลับสิ้นสุดลงแล้ว ความลับทั้งหมดของจักรวาลได้รับการเปิดเผย และจักรวาลและสังคมปฏิบัติตามกฎเชิงตรรกะที่จิตใจมนุษย์เข้าถึงได้ ชัยชนะของเหตุผลเป็นคุณลักษณะประการที่สองของยุคสมัย

ลักษณะเฉพาะประการที่สามของการตรัสรู้คือการมองโลกในแง่ดีทางประวัติศาสตร์

ยุคแห่งการตรัสรู้สามารถเรียกได้ว่าเป็น “ยุคทองของยูโทเปีย” ได้อย่างถูกต้อง ประการแรกการตรัสรู้รวมถึงความเชื่อในความเป็นไปได้ของการเปลี่ยนแปลงบุคคลให้ดีขึ้น การเปลี่ยนแปลงรากฐานทางการเมืองและสังคมอย่าง "มีเหตุผล"

จุดอ้างอิงสำหรับผู้สร้างยูโทเปียในศตวรรษที่ 18 ทำหน้าที่เป็นสภาพสังคม “ธรรมชาติ” หรือ “ธรรมชาติ” ไม่คำนึงถึงทรัพย์สินส่วนตัวและการกดขี่ แบ่งชนชั้น ไม่จมอยู่ในความฟุ่มเฟือย ไม่เป็นภาระกับความยากจน ไม่รับความชั่ว ดำเนินชีวิตตามเหตุผล ไม่ตาม ไปสู่กฎหมาย "เทียม" มันเป็นสังคมประเภทที่สมมติขึ้นและเป็นการเก็งกำไรล้วนๆ ซึ่งดังที่รุสโซตั้งข้อสังเกตไว้ว่าอาจจะไม่มีอยู่จริงและมีแนวโน้มว่าจะไม่มีวันมีอยู่ในความเป็นจริง

อุดมคติแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของบุคลิกภาพที่เป็นอิสระได้มาซึ่งคุณลักษณะของความเป็นสากล และความรับผิดชอบ: บุคคลแห่งการตรัสรู้ไม่เพียงคิดถึงตัวเองเท่านั้น แต่ยังคิดถึงผู้อื่นเกี่ยวกับสถานที่ของเขาในสังคมด้วย จุดเน้นของนักการศึกษาคือปัญหาของระเบียบสังคมที่ดีที่สุด ผู้รู้แจ้งเชื่อในความเป็นไปได้ในการสร้างสังคมที่มีความสามัคคี

การเปลี่ยนแปลงอย่างลึกซึ้งในชีวิตทางสังคมการเมืองและจิตวิญญาณของยุโรปที่เกี่ยวข้องกับการเกิดขึ้นและการพัฒนาของความสัมพันธ์ทางเศรษฐกิจของชนชั้นกลางได้กำหนดผู้มีอิทธิพลหลักของวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 18

ศูนย์กลางหลักของการตรัสรู้คืออังกฤษ ฝรั่งเศส และเยอรมนี

ในปี ค.ศ. 1689 ซึ่งเป็นปีแห่งการปฏิวัติครั้งสุดท้ายในอังกฤษ ยุคแห่งการตรัสรู้ได้เริ่มต้นขึ้น มันเป็นยุครุ่งโรจน์ที่เริ่มต้นด้วยการปฏิวัติหนึ่งครั้งและจบลงด้วยสาม: อุตสาหกรรม - ในอังกฤษ, การเมือง - ในฝรั่งเศส, ปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ - ในเยอรมนี เป็นเวลาหนึ่งร้อยปี - ตั้งแต่ปี 1689 ถึง 1789 - โลกมีการเปลี่ยนแปลง เศษซากของระบบศักดินาที่หลงเหลืออยู่กำลังกัดกร่อนมากขึ้นเรื่อยๆ ความสัมพันธ์ชนชั้นกระฎุมพีซึ่งในที่สุดก็ก่อตั้งขึ้นหลังการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ กำลังทำให้ตัวเองเป็นที่รู้จักมากขึ้นเรื่อยๆ

ศตวรรษที่ 18 ยังได้เตรียมหนทางสำหรับการครอบงำวัฒนธรรมชนชั้นกลางด้วย อุดมการณ์ศักดินาเก่าถูกแทนที่ด้วยยุคของนักปรัชญา นักสังคมวิทยา นักเศรษฐศาสตร์ และนักเขียนแห่งยุคใหม่แห่งการตรัสรู้

ในปรัชญา การตรัสรู้ต่อต้านอภิปรัชญาทั้งหมด (ศาสตร์แห่งหลักการและหลักการของการเป็น) มันมีส่วนในการพัฒนาเหตุผลนิยมใด ๆ (การรับรู้เหตุผลเป็นพื้นฐานของความรู้ความเข้าใจและพฤติกรรมของมนุษย์) ในวิทยาศาสตร์ - การพัฒนาวิทยาศาสตร์ธรรมชาติซึ่งความสำเร็จมักจะใช้เพื่อพิสูจน์ความชอบธรรมทางวิทยาศาสตร์ของมุมมองและศรัทธาในความคืบหน้า . ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ช่วงเวลาแห่งการตรัสรู้ในบางประเทศถูกเรียกตามนักปรัชญา ตัวอย่างเช่นในฝรั่งเศสช่วงเวลานี้เรียกว่าศตวรรษของวอลแตร์ในเยอรมนี - ศตวรรษของคานท์

ในประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติ นักการศึกษามีความกังวลเกี่ยวกับปัญหาระดับโลก:

รัฐปรากฏได้อย่างไร? ความไม่เท่าเทียมกันเกิดขึ้นเมื่อใดและเพราะเหตุใด? ความก้าวหน้าคืออะไร? และคำถามเหล่านี้ได้รับคำตอบอย่างมีเหตุผลเช่นเดียวกับในกรณีที่เกี่ยวข้องกับ "กลไก" ของจักรวาล

ในด้านศีลธรรมและการสอน การตรัสรู้ได้สั่งสอนอุดมคติของมนุษยชาติและวางความหวังอันยิ่งใหญ่ให้กับพลังมหัศจรรย์ของการศึกษา

ในสาขาการเมือง นิติศาสตร์ และชีวิตทางสังคมและเศรษฐกิจ - การปลดปล่อยมนุษย์จากพันธนาการที่ไม่ยุติธรรม ความเท่าเทียมกันของทุกคนภายใต้กฎหมาย ต่อหน้ามนุษยชาติ นับเป็นครั้งแรกที่ยุคสมัยนี้ต้องคลี่คลายคำถามที่ทราบกันมานานเกี่ยวกับศักดิ์ศรีความเป็นมนุษย์ในรูปแบบเฉียบพลันเช่นนี้ มันถูกเปลี่ยนแปลงไปในรูปแบบที่แตกต่างกันในกิจกรรมที่แตกต่างกัน แต่นำไปสู่การค้นพบที่เป็นนวัตกรรมใหม่โดยเนื้อแท้อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้

ถ้าเราพูดถึงศิลปะ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ยุคนี้เกิดขึ้นอย่างไม่คาดคิด แต่ถูกบังคับให้ตอบสนองอย่างมีประสิทธิภาพไม่เพียงแต่ต่อปัญหา "ศิลปะและการปฏิวัติ" เท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงปัญหาการค้นพบทางศิลปะที่เกิดใน ส่วนลึกของจิตสำนึกรูปแบบใหม่ที่กำลังเกิดขึ้น

ผู้รู้แจ้งเป็นนักวัตถุนิยมและนักอุดมคติ ผู้สนับสนุนลัทธิเหตุผลนิยม ลัทธิโลดโผน (พวกเขาถือว่าความรู้สึกเป็นพื้นฐานของความรู้และพฤติกรรม) และแม้แต่ความรอบคอบอันศักดิ์สิทธิ์ (พวกเขาวางใจในพระประสงค์ของพระเจ้า) บางคนเชื่อในความก้าวหน้าที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ของมนุษยชาติ ในขณะที่บางคนมองว่าประวัติศาสตร์เป็นการถดถอยทางสังคม ดังนั้นเอกลักษณ์ของความขัดแย้งระหว่างจิตสำนึกทางประวัติศาสตร์ของยุคนั้นกับความรู้ทางประวัติศาสตร์ที่มันพัฒนาขึ้น - ความขัดแย้งที่ยิ่งทวีความรุนแรงมากขึ้นเท่านั้น ยุคสมัยเองก็กำหนดลักษณะทางประวัติศาสตร์ของมันอย่างละเอียดมากขึ้น บทบาทพิเศษของมันในการพัฒนาในปัจจุบันและอนาคตของมนุษยชาติ . เนื่องจากเป็นขบวนการแห่งความคิดทางสังคม การตรัสรู้จึงเป็นตัวแทนของเอกภาพบางประการ ประกอบด้วยสภาวะจิตใจพิเศษ ความโน้มเอียงทางปัญญา และความชอบ ประการแรกคือเป้าหมายและอุดมคติของการตรัสรู้ เช่น เสรีภาพ สวัสดิภาพและความสุขของผู้คน สันติภาพ การไม่ใช้ความรุนแรง ความอดทนทางศาสนา ฯลฯ ตลอดจนความคิดเสรีที่มีชื่อเสียง ทัศนคติเชิงวิพากษ์ต่อเจ้าหน้าที่ของ ทุกชนิด และการปฏิเสธหลักคำสอน รวมทั้งคำสอนของคริสตจักรด้วย

ยุคแห่งการตรัสรู้เป็นจุดเปลี่ยนสำคัญในการพัฒนาจิตวิญญาณของยุโรป ซึ่งมีอิทธิพลต่อชีวิตทางสังคม การเมือง และวัฒนธรรมในเกือบทุกด้าน หลังจากหักล้างบรรทัดฐานทางการเมืองและกฎหมาย สุนทรียศาสตร์และหลักจริยธรรมของสังคมชนชั้นเก่าแล้ว บรรดาผู้รู้แจ้งได้ทำงานอันใหญ่โตเพื่อสร้างระบบค่านิยมเชิงบวก ซึ่งกล่าวถึงมนุษย์เป็นหลัก โดยไม่คำนึงถึงความผูกพันทางสังคมของเขา ซึ่งโดยธรรมชาติแล้วกลายเป็นส่วนหนึ่งของเลือดและ เนื้อของอารยธรรมตะวันตก

ผู้รู้แจ้งมาจากชนชั้นและชนชั้นที่แตกต่างกัน ได้แก่ ชนชั้นสูง ขุนนาง นักบวช พนักงาน ตัวแทนจากแวดวงการค้าและอุตสาหกรรม สภาพที่พวกเขาอาศัยอยู่ก็หลากหลายเช่นกัน ในแต่ละประเทศ ขบวนการทางการศึกษามีรอยประทับแห่งอัตลักษณ์ประจำชาติ

บทครั้งที่สอง. การพัฒนาวิทยาศาสตร์ในยุคตรัสรู้

ฝรั่งเศสในช่วงต้นศตวรรษมีลักษณะการพัฒนาที่สำคัญของแนวโน้มต่อต้านศาสนาซึ่งกลายเป็นหนึ่งในประเด็นที่สำคัญที่สุดของการตรัสรู้

งานแรกที่เชื่อว่าไม่มีพระเจ้าอย่างร้ายแรงที่สุดที่เผยแพร่ในฝรั่งเศสในช่วงต้นทศวรรษที่ 30 คือ "พินัยกรรม" ของนักบวชประจำหมู่บ้าน J. Meslier ตามที่ "ทุกสิ่งที่นักศาสนศาสตร์และนักบวชของคุณสั่งสอนคุณด้วยความกระตือรือร้นและมีคารมคมคายเกี่ยวกับความยิ่งใหญ่ ความเหนือกว่าและความศักดิ์สิทธิ์ของศีลศักดิ์สิทธิ์ที่พวกเขาบังคับให้คุณนมัสการทุกสิ่งที่พวกเขาบอกคุณด้วยความจริงจังเกี่ยวกับปาฏิหาริย์ในจินตนาการของพวกเขาทั้งหมดที่พวกเขาบอกคุณด้วยความกระตือรือร้นและความมั่นใจเกี่ยวกับรางวัลจากสวรรค์และการทรมานที่ชั่วร้ายอันเลวร้าย - ทั้งหมดนี้โดยพื้นฐานแล้ว ไม่มีอะไรมากไปกว่าภาพลวงตา ความหลง การหลอกลวง การประดิษฐ์ และการหลอกลวง…”

อย่างไรก็ตาม ตามกฎแล้ว ตำแหน่งที่ยากลำบากเช่นนี้ไม่ใช่ลักษณะของการตรัสรู้ซึ่งจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 ตามหลักเทวนิยม ทฤษฎีนี้ตระหนักถึงการสร้างโลกโดยพระเจ้า แต่เกิดขึ้นจากข้อเท็จจริงที่ว่าในอนาคตพระเจ้าจะยุติการแทรกแซงกิจการของธรรมชาติและสังคม พวกเดออิสต์ซึ่งเป็นของวอลแตร์ มงเตสกิเยอ รวมถึงบุคคลสำคัญแห่งการตรัสรู้ในเวลาต่อมา - รุสโซ คอนดิลแลค วิพากษ์วิจารณ์ศาสนาทั่วไปทั้งหมดและพูดถึงความจำเป็นของ "ศาสนาธรรมชาติ" ที่มุ่งเป้าไปที่ประโยชน์ของเหตุผลและมนุษย์ “ดาบที่ตัดศีรษะแห่งเทวนิยม” คือคำวิจารณ์เหตุผลอันบริสุทธิ์ของอิมมานูเอล คานท์

หากในศตวรรษที่ 17 คณิตศาสตร์มีบทบาทสำคัญในวิทยาศาสตร์ แต่ในศตวรรษที่ 18 ชีววิทยา ฟิสิกส์ และภูมิศาสตร์ "ตามทัน"

วิทยาศาสตร์เริ่มเป็นระบบ เหตุผลนิยมของศตวรรษที่ 17 กำลังค่อยๆเปลี่ยนแปลง มันทำให้เกิดความเชื่อมั่นในความเป็นไปได้และความจำเป็นในการพัฒนาจิตใจและการให้ความกระจ่างแก่บุคลิกภาพของมนุษย์

ครึ่งหลังของยุค 40 ศตวรรษที่สิบแปด โดดเด่นด้วยการเกิดขึ้นของมุมมองทางวัตถุ

ผลงานของ J. La Mettrie มีข้อความที่ว่าคนคิดจะไม่พบทั้งรากฐานทางทฤษฎีหรือความสนใจในทางปฏิบัติสำหรับความเชื่อของเขาในพระเจ้า อย่างไรก็ตาม เขาเชื่อว่าลัทธิอเทวนิยมไม่สามารถแพร่กระจายไปในหมู่คนธรรมดาได้ และจะเข้าใจได้เฉพาะกับคนเพียงไม่กี่คนเท่านั้นที่มีสติปัญญาเหนือกว่าคนอื่นๆ

ในช่วงปลายยุค 40 มุมมองวัตถุนิยมได้รับการพิสูจน์ในผลงานของ D. Diderot และ P. Holbach ซึ่งถือว่าลัทธิต่ำช้ามีความจำเป็นและทุกคนสามารถเข้าถึงได้

วิทยาศาสตร์ธรรมชาติเชิงกลไกซึ่งแพร่หลายจนถึงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ศึกษาการเคลื่อนไหวที่ถ่ายทอดจากร่างกายหนึ่งไปยังอีกร่างกายหนึ่ง โดยอธิบายจุดเริ่มต้นของการเคลื่อนไหวโดยการกระทำของพระเจ้า เช่น นิวตัน ด้วยทฤษฎี "การกดครั้งแรก" ของเขา

วอลแตร์ยังตระหนักถึงการดำรงอยู่ของสิ่งมีชีวิตนิรันดร์ซึ่งเป็นสาเหตุของสิ่งอื่นทั้งหมด ความเสื่อมทรามของวอลแตร์เป็นพื้นฐานสำหรับการก่อตัวของมุมมองของนักวัตถุนิยมในยุค 30-40 เนื่องจากเขายอมรับว่าพระเจ้าเป็นเพียงการสร้างโลกเท่านั้นและต่อมาตามที่วอลแตร์กล่าวว่าพระเจ้าจะไม่เข้าไปยุ่งเกี่ยวกับกิจการของโลก La Mettrie, Diderot, Helvetius, Holbach ซึ่งมีผลงานใกล้เคียงกับการพัฒนาด้านเคมี ธรณีวิทยา และชีววิทยา ได้รับพื้นฐานสำหรับการยืนยันว่าธรรมชาติพัฒนาจากตัวมันเอง

ในช่วงปี 60-70 วอลแตร์ยังปฏิเสธการยืนยันการสร้างโลกอันศักดิ์สิทธิ์ แต่ไม่ใช่การดำรงอยู่ของพระเจ้าโดยทั่วไป ในขณะเดียวกัน เขาก็ไม่พบคำตอบสำหรับคำถามต่างๆ เช่น ต้นกำเนิดของโลกและที่อยู่ของพระเจ้า

ดิเดอโรต์เป็นผู้ริเริ่มการจัดทำสารานุกรมหรือพจนานุกรมอธิบายวิทยาศาสตร์ ศิลปะ และหัตถกรรม ซึ่งตีพิมพ์ตั้งแต่ปี 1751 ถึง 1780

กลายเป็นศูนย์กลางที่รวมนักการศึกษาเข้าด้วยกัน หนังสือประกอบด้วยข้อมูลเกี่ยวกับคณิตศาสตร์ ดาราศาสตร์ ภูมิศาสตร์ และบรรยายเทคโนโลยีการผลิตผลิตภัณฑ์อุตสาหกรรม

การผลิตกำลังค่อยๆ หลีกทางให้กับองค์กรแรงงานที่ซับซ้อนมากขึ้น

การพัฒนาโรงงานมีลักษณะเฉพาะคือการแบ่งงานไปจนถึงการปฏิบัติงานที่ง่ายที่สุด ซึ่งเป็นแรงผลักดันให้เกิดการพัฒนากิจกรรมเชิงสร้างสรรค์ การประดิษฐ์กระสวยบินได้ในการทอผ้าซึ่งใช้กลไกแทนมือมนุษย์ ถือเป็นจุดเริ่มต้นของการปฏิวัติอุตสาหกรรม

การเร่งความเร็วในการทอผ้าจำเป็นต้องสร้างเครื่องปั่นด้าย ซึ่งคิดค้นโดยช่างทอผ้า เจมส์ ฮาร์กรีฟส์ ในปี 1784 Edmund Cartwright ได้มอบเครื่องทอผ้าจักรกลให้กับมนุษยชาติ ในปี พ.ศ. 2314 องค์กรแห่งหนึ่งปรากฏตัวขึ้นโดยที่เครื่องจักรขับเคลื่อนด้วยกังหันน้ำ ไม่ใช่โรงงานอีกต่อไป แต่เป็นโรงงานแห่งแรกที่ดำเนินการโดยใช้เครื่องจักร

ในปี พ.ศ. 2327 ช่างเครื่อง เจมส์ วัตต์ ได้สร้างเครื่องจักรไอน้ำที่สามารถใช้งานได้ไม่ว่าจะมีแม่น้ำอยู่ใกล้ๆ หรือไม่ ไม่เหมือนกังหันน้ำ สิ่งนี้ถือเป็นการเปลี่ยนผ่านจากโรงงานสู่โรงงานแล้ว

รถจักรไอน้ำที่ใช้งานได้คันแรกถูกสร้างขึ้นโดยวิศวกรที่เรียนรู้ด้วยตนเอง George Stephenson ในปี 1814

การก่อสร้างทางรถไฟครั้งใหญ่เริ่มขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 20 ศตวรรษที่สิบเก้า มีการใช้วัสดุและแหล่งพลังงานใหม่

ดังนั้นการพัฒนาวิทยาศาสตร์ในช่วงการตรัสรู้จึงได้รับการพัฒนาตามวิธีการของลัทธิเหตุผลนิยม

บทสาม. คุณสมบัติสไตล์และประเภทศิลปะที่สิบแปดศตวรรษ

ธรรมชาติเป็นแบบอย่างของสิ่งดีและสวยงามสำหรับผู้รู้แจ้ง ลัทธิที่แท้จริงของเธอถูกสร้างขึ้นโดยผู้มีอารมณ์อ่อนไหวในยุค 60 ศตวรรษที่ 18 แต่ความหลงใหลในความเป็นธรรมชาติการใคร่ครวญอย่างกระตือรือร้นเริ่มต้นด้วยการตรัสรู้นั่นเอง

ศูนย์รวมที่มองเห็นได้ของ "โลกที่ดีกว่า" สำหรับผู้ตรัสรู้คือสวนและสวนสาธารณะ

อุทยานแห่งการตรัสรู้ถูกสร้างขึ้นเพื่อจุดประสงค์อันสูงส่งและสูงส่ง - เป็นสภาพแวดล้อมที่สมบูรณ์แบบสำหรับคนที่สมบูรณ์แบบ

อุทยานแห่งการตรัสรู้ไม่เหมือนกับสภาพแวดล้อมทางธรรมชาติ องค์ประกอบของสวนสาธารณะและสวนประกอบด้วยห้องสมุด หอศิลป์ พิพิธภัณฑ์ โรงละคร และวัดที่อุทิศให้กับเทพเจ้าไม่เพียงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความรู้สึกของมนุษย์ด้วย - ความรัก มิตรภาพ และความเศร้าโศก ทั้งหมดนี้ทำให้มั่นใจได้ถึงการนำแนวคิดการรู้แจ้งเกี่ยวกับความสุขในฐานะ "สภาวะธรรมชาติ" เกี่ยวกับ "บุคคลธรรมดา" ซึ่งมีเงื่อนไขหลักคือการกลับคืนสู่ธรรมชาติ ในหมู่พวกเขา Peterhof (Petrodvorets) โดดเด่นสร้างขึ้นบนชายฝั่งอ่าวฟินแลนด์โดยสถาปนิก J. Leblon, M. Zemtsov, T. Usov, G. Quarenghi สวนสาธารณะอันงดงามแห่งนี้มีพระราชวังที่มีเอกลักษณ์และน้ำพุอันยิ่งใหญ่แห่งนี้ มีบทบาทพิเศษในการพัฒนาสถาปัตยกรรมและศิลปะภูมิทัศน์ของรัสเซีย และโดยทั่วไปในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซีย

ศิลปะยุโรปแห่งศตวรรษที่ 18 ผสมผสานการเคลื่อนไหวที่แตกต่างกันสองแบบ: แนวคลาสสิกและแนวโรแมนติก

คลาสสิกในวิจิตรศิลป์ ดนตรี วรรณกรรมเป็นรูปแบบที่ยึดตามหลักการของศิลปะกรีกและโรมันโบราณ: เหตุผลนิยม ความสมมาตร จุดมุ่งหมาย ความยับยั้งชั่งใจ และการปฏิบัติตามเนื้อหาในรูปแบบอย่างเคร่งครัด

ยวนใจให้ความสำคัญกับจินตนาการ อารมณ์ และจิตวิญญาณที่สร้างสรรค์ของศิลปิน

ศิลปะแห่งการตรัสรู้ใช้รูปแบบโวหารแบบคลาสสิกซึ่งสะท้อนถึงเนื้อหาที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงด้วยความช่วยเหลือ ในศิลปะของประเทศและชนชาติต่างๆ ลัทธิคลาสสิกและแนวโรแมนติกบางครั้งก็ก่อให้เกิดการสังเคราะห์ขึ้น บางครั้งก็มีอยู่ในการผสมผสานและการผสมผสานทุกประเภท

การเริ่มต้นใหม่ที่สำคัญในงานศิลปะของศตวรรษที่ 18 คือการเกิดขึ้นของการเคลื่อนไหวที่ไม่มีรูปแบบโวหารของตัวเองและไม่รู้สึกว่าจำเป็นต้องพัฒนามัน ประการแรกการเคลื่อนไหวทางวัฒนธรรมดังกล่าวคือความรู้สึกอ่อนไหว (จากความรู้สึกแบบฝรั่งเศส) ซึ่งสะท้อนแนวคิดการตรัสรู้อย่างสมบูรณ์เกี่ยวกับความบริสุทธิ์และความเมตตาดั้งเดิมของมนุษย์ซึ่งสูญหายไปพร้อมกับระยะห่างของสังคมจากธรรมชาติ

ในเกือบทุกทวีปยุโรป มีการบุกรุกหลักการทางโลกเข้าไปในภาพวาดทางศาสนาของประเทศเหล่านั้นซึ่งก่อนหน้านี้มีบทบาทสำคัญ - อิตาลี ออสเตรีย เยอรมนี บางครั้งการวาดภาพประเภทต่างๆ ก็พยายามที่จะเป็นศูนย์กลาง แทนที่จะเป็นภาพเหมือนในพิธี - ภาพบุคคลที่ใกล้ชิดในการวาดภาพทิวทัศน์ - ภูมิทัศน์แห่งอารมณ์

ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 โรโกโกกลายเป็นผู้นำในศิลปะฝรั่งเศส ศิลปะโรโกโกทั้งหมดสร้างขึ้นบนความไม่สมมาตร ทำให้เกิดความรู้สึกไม่สบายใจ - ความรู้สึกขี้เล่น ล้อเลียน เย่อหยิ่ง และล้อเล่น ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่คำว่า "rococo" มาจากภาษาฝรั่งเศส "rocaille" ซึ่งหมายถึงเครื่องประดับเพชรและเปลือกหอยอย่างแท้จริง พล็อตเรื่องเป็นเพียงความรัก, อีโรติก, วีรสตรีที่รัก - นางไม้, แบคชานต์, ไดอาน่า, วีนัส, การแสดง "ชัยชนะ" และ "ห้องน้ำ" ที่ไม่มีที่สิ้นสุด

ตัวแทนที่โดดเด่นของ French Rococo คือ Francois Boucher (1703-1770) “ ศิลปินคนแรกของกษัตริย์” ในขณะที่เขาถูกเรียกอย่างเป็นทางการว่าเป็นผู้อำนวยการของ Academy Boucher เป็นลูกชายที่แท้จริงในวัยของเขาที่รู้วิธีทำทุกอย่างด้วยตัวเอง: แผงสำหรับโรงแรม ภาพวาดสำหรับบ้านและพระราชวังที่ร่ำรวย กระดาษแข็งสำหรับผลิตพรม , ทิวทัศน์ละคร, ภาพประกอบหนังสือ, ภาพวาดของพัด, วอลล์เปเปอร์, นาฬิกาหิ้ง, รถม้า, สเก็ตช์เครื่องแต่งกาย ฯลฯ หัวข้อทั่วไปของภาพวาดของเขา ได้แก่ "The Triumph of Venus" หรือ "Toilet of Venus", "Venus with Cupid", "Diana's Bath"

Antoine Watteau (1684-1721) - จิตรกรชาวฝรั่งเศสหันไปหาภาพชีวิตร่วมสมัย ความคิดอันลึกซึ้งของ Watteau เกี่ยวกับแก่นแท้ของศิลปะชั้นสูงอย่างแท้จริงสะท้อนให้เห็นบนผืนผ้าใบของเขา การตกแต่งและความประณีตในผลงานของ Watteau ถือเป็นพื้นฐานสำหรับ Rococo ในรูปแบบการเคลื่อนไหว และการค้นพบบทกวีของเขายังคงดำเนินต่อไปโดยจิตรกรเกี่ยวกับการเคลื่อนไหวที่สมจริงของกลางศตวรรษที่ 18

เพื่อให้สอดคล้องกับแนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียภาพใหม่ๆ ในงานศิลปะ ผลงานของ Jean Baptiste Simon Chardin (1699-1779) ศิลปินผู้สร้างระบบภาพใหม่จึงได้รับการพัฒนา Chardin เริ่มต้นด้วยภาพหุ่นนิ่ง อุปกรณ์ในครัวที่ทาสี เช่น หม้อต้ม หม้อ ถังน้ำ จากนั้นจึงย้ายไปสู่การวาดภาพประเภท: "สวดมนต์ก่อนอาหารเย็น" "ซักผ้า" และจากที่นั่นเป็นภาพวาดบุคคล

ประติมากรรมฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ผ่านขั้นตอนเดียวกับการทาสี สิ่งเหล่านี้เป็นรูปแบบ rocaille ที่โดดเด่นในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษและมีรูปแบบคลาสสิกเพิ่มขึ้นในช่วงครึ่งหลัง คุณลักษณะของความเบา อิสรภาพ และไดนามิกปรากฏให้เห็นในประติมากรรมของ Jean Baptiste Pigal (1714-1785) ซึ่งเต็มไปด้วยเสน่ห์ การเคลื่อนไหวที่รวดเร็วอย่างเบาบาง และความเป็นธรรมชาติของความสง่างามของ “Mercury Tying His Sandal”

Jean Antoine Houdon (1741-1828) นักประวัติศาสตร์ที่แท้จริงของสังคมฝรั่งเศส ได้ถ่ายทอดบรรยากาศทางจิตวิญญาณของยุคนั้นในแกลเลอรีภาพบุคคลทางประติมากรรมของเขา "วอลแตร์" ของ Houdon เป็นเครื่องพิสูจน์ถึงศิลปะฝรั่งเศสระดับสูง

ศิลปะอังกฤษแห่งศตวรรษที่ 18 - ความเจริญรุ่งเรืองของโรงเรียนจิตรกรรมแห่งชาติในอังกฤษ - เริ่มต้นด้วยวิลเลียม โฮการ์ธ (ค.ศ. 1697-1764) จิตรกร ศิลปินกราฟิก นักทฤษฎีศิลปะ ผู้เขียนภาพเขียนชุดหนึ่ง « อาชีพโสเภณี", "อาชีพโมตา"

โฮการ์ธเป็นจิตรกรตรัสรู้คนแรกในยุโรป

ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของโรงเรียนสอนวาดภาพบุคคลภาษาอังกฤษ Thomas Gainsborough (1727-1888) สไตล์ที่เป็นผู้ใหญ่ของศิลปินได้รับการพัฒนาภายใต้อิทธิพลของ Watteau ภาพเหมือนของเขามีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยความซับซ้อนทางจิตวิญญาณ จิตวิญญาณ และบทกวี ความเป็นมนุษย์ที่ลึกซึ้งมีอยู่ในภาพลักษณ์ของเด็กชาวนาของเขา

ภาพวาดของชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 18 มาถึงจุดสูงสุดเฉพาะในเวนิสเท่านั้น ตัวแทนจิตวิญญาณแห่งเวนิสคือ Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770) ตัวแทนคนสุดท้ายของศิลปะบาโรกในงานศิลปะ จิตรกร ช่างเขียนแบบ และช่างแกะสลักของยุโรป Tiepolo เป็นเจ้าของวงจรจิตรกรรมฝาผนังอันยิ่งใหญ่ ทั้งในโบสถ์และทางโลก

เวนิสมอบปรมาจารย์ด้านพระเวทที่ยอดเยี่ยมแก่โลก - ภูมิทัศน์สถาปัตยกรรมในเมือง: อันโตนิโอคานาเลตโต (1697-1768) ซึ่งมีชื่อเสียงจากภาพที่เคร่งขรึมเกี่ยวกับชีวิตของเวนิสโดยมีฉากหลังเป็นสถาปัตยกรรมการแสดงละครที่ยอดเยี่ยม Francesco Guardi (1712-1793) ผู้ค้นพบแรงบันดาลใจในลวดลายเรียบง่ายในชีวิตประจำวันในเมือง สนามหญ้าที่เปียกโชกไปด้วยแสงแดด ลำคลอง ทะเลสาบ และเขื่อนที่พลุกพล่าน Guardi ได้สร้างภูมิทัศน์รูปแบบใหม่ โดดเด่นด้วยบทกวีและความเป็นธรรมชาติของความประทับใจของผู้ชม

ศตวรรษที่ 18 ยังได้เตรียมหนทางสำหรับการครอบงำวัฒนธรรมชนชั้นกลางด้วย ยุคสมัยของนักปรัชญา นักสังคมวิทยา นักเศรษฐศาสตร์ และนักเขียนได้เข้ามาแทนที่อุดมการณ์ศักดินาแบบเก่า

วรรณกรรมหลักของการตรัสรู้คือนวนิยาย

ความสำเร็จของนวนิยายเรื่องนี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในอังกฤษ จัดทำขึ้นโดยความสำเร็จของวารสารศาสตร์ด้านการศึกษา

นักเขียนเรื่องการรู้แจ้งตระหนักดีว่าสังคมปัจจุบันของพวกเขาไม่สมบูรณ์เพียงใด และมนุษย์มีข้อบกพร่องเพียงใด อย่างไรก็ตาม พวกเขาหวังเช่นนั้น เช่นเดียวกับโรบินสันจากส่วนแรกของนวนิยายของแดเนียล เดโฟ (ค.ศ. 1660-1731) มนุษยชาติต้องอาศัยสติปัญญาของมัน และการทำงานหนักจะก้าวไปสู่จุดสูงสุดของอารยธรรม แต่บางทีความหวังนี้อาจเป็นภาพลวงตาดังที่ Jonathan Swift (1667-1754) เป็นพยานอย่างชัดเจนในนวนิยายเรื่อง "Gulliver's Travels" ที่เป็นสัญลักษณ์เปรียบเทียบเมื่อเขาส่งฮีโร่ของเขาไปที่เกาะแห่งม้าอัจฉริยะ ในจุลสารที่เขาสร้างขึ้น "The Tale of the Barrel" เขาหัวเราะอย่างเต็มที่กับความระหองระแหงในโบสถ์

นักการศึกษาได้นำเสนอโปรแกรมเชิงบวกในหนังสือของตนอย่างกว้างขวางว่าบุคคลนั้นใช้ชีวิต หลอกลวง และถูกหลอกอย่างไร อุดมคติทางศีลธรรมอยู่ร่วมกับการเสียดสีอย่างสม่ำเสมอ ในนวนิยายของ G. Fielding (1707-1754) "The History of Tom Jones, Foundling" มีการใช้โครงสร้างพล็อตคู่ขนานชวนให้นึกถึงเทพนิยาย: เกี่ยวกับพี่น้องที่ดีและชั่วซึ่งท้ายที่สุดแล้วแต่ละคนก็คือ ให้สิ่งที่เขาสมควรได้รับ

มันเป็นช่วงเวลาแห่งความเชื่อมั่นทางปรัชญาใหม่ๆ ช่วงเวลาที่แนวคิดต่างๆ ไม่เพียงถูกนำเสนอในบทความเท่านั้น แต่ยังถูกย้ายไปสู่นวนิยาย กวีที่ได้รับแรงบันดาลใจ และขับร้องโดยสิ่งเหล่านี้ได้อย่างง่ายดาย

ความคิดด้านการศึกษาที่หลากหลายแสดงอยู่ในผลงานของกวีชาวอังกฤษและนักเสียดสี Alexander Pope (1688-1744) บทกวีเชิงปรัชญาและการสอนของเขา "Essay on Man" กลายเป็นตำราเรียนปรัชญาใหม่สำหรับยุโรป การตีพิมพ์ฉบับภาษารัสเซียครั้งแรกในปี 1757 แท้จริงแล้วเป็นจุดเริ่มต้นของการตรัสรู้ของรัสเซีย

ในช่วงทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษ การเคลื่อนไหวใหม่เกิดขึ้นในนิยาย - อารมณ์อ่อนไหว ซึ่งแสดงออกอย่างเต็มที่ที่สุดในเรื่องราวของ N.M. Karamzin (1766-1826) "Poor Lisa" และ "Natalia ลูกสาวของโบยาร์"

ในช่วงปลายศตวรรษที่ XVII-XVIII ภาษาดนตรีที่คนทั้งยุโรปจะพูดเริ่มเป็นรูปเป็นร่าง

คนแรกคือ Johann Sebastian Bach (1685-1750) และ George Frideric Handel (1685-1759)

บาคเป็นนักแต่งเพลงและนักออร์แกนชาวเยอรมันผู้ยิ่งใหญ่ที่ทำงานในดนตรีทุกประเภทยกเว้นโอเปร่า จนถึงทุกวันนี้เขาเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านพฤกษ์ที่ไม่มีใครเทียบได้ ฮันเดลก็เหมือนกับบาคที่ใช้ฉากในพระคัมภีร์เพื่อผลงานของเขา ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "ซาอูล", "อิสราเอลในอียิปต์", "พระเมสสิยาห์" ฮันเดลเขียนโอเปร่ามากกว่า 40 เรื่อง เขาเป็นเจ้าของออร์เคสตรา โซนาตา และห้องสวีท

โรงเรียนคลาสสิกแห่งเวียนนาและปรมาจารย์ที่โดดเด่นที่สุดอย่าง Joseph Haydn (1732-1809), Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) และ Ludwig van Beethoven (1770-1827) มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะดนตรีของยุโรป คลาสสิกของเวียนนาได้คิดใหม่และทำให้แนวดนตรีและรูปแบบทั้งหมดมีเสียงในรูปแบบใหม่ ดนตรีของพวกเขาแสดงถึงความสำเร็จสูงสุดแห่งยุคของความคลาสสิกในความสมบูรณ์แบบของท่วงทำนองและรูปแบบ

Franz Joseph Haydn อาจารย์ของ Mozart และ Beethoven ได้รับฉายาว่า "บิดาแห่งซิมโฟนี" เขาสร้างซิมโฟนีมากกว่า 100 บท หลายเพลงมีพื้นฐานมาจากเพลงพื้นบ้านและการเต้นรำซึ่งผู้แต่งพัฒนาขึ้นด้วยทักษะที่น่าทึ่ง จุดสุดยอดของงานของเขาคือ "12 London Symphonies" ซึ่งเขียนขึ้นระหว่างการเดินทางอย่างมีชัยของนักแต่งเพลงไปอังกฤษในยุค 90

ในศตวรรษที่ 18 Haydn ได้เขียนวงควอเตตและโซนาตาคีย์บอร์ดที่ยอดเยี่ยมมากมาย

เขาเป็นเจ้าของโอเปร่ามากกว่า 20 เรื่อง มวลชน 13 เรื่อง เพลงจำนวนมาก และการเรียบเรียงอื่น ๆ ในตอนท้ายของอาชีพของเขาเขาได้สร้าง oratorios ที่ยิ่งใหญ่สองแห่ง ได้แก่ "The Creation of the World" (1798) และ "The Seasons" (1801) ซึ่งแสดงถึงความคิดเกี่ยวกับความยิ่งใหญ่ของจักรวาลและชีวิตมนุษย์ Haydn นำซิมโฟนี ควอร์เตต และโซนาตามาสู่ความสมบูรณ์แบบแบบคลาสสิก

Wolfgang Amadeus Mozart เขียนดนตรีและเล่นไวโอลินและฮาร์ปซิคอร์ดในวัยที่เด็กคนอื่นๆ ยังไม่รู้ว่าจะเพิ่มตัวอักษรอย่างไร ความสามารถพิเศษของ Wolfgang พัฒนาขึ้นภายใต้การแนะนำของพ่อของเขา นักไวโอลิน และนักแต่งเพลง Leopold Mozart ในโอเปร่าเรื่อง "The Abduction from the Seraglio", "The Marriage of Figaro", "Don Giovanni", "The Magic Flute", Mozart ที่มีทักษะอันน่าทึ่งสร้างตัวละครมนุษย์ที่หลากหลายและมีชีวิตชีวา แสดงชีวิตในทางตรงกันข้าม เปลี่ยนจากเรื่องตลกไปสู่ ความจริงจังที่ลึกซึ้ง จากความสนุกสนานไปจนถึงเนื้อเพลงบทกวีที่ละเอียดอ่อน

คุณสมบัติเดียวกันนี้มีอยู่ในซิมโฟนี โซนาตา คอนเสิร์ต และควอร์เตตของเขา ซึ่งเขาได้สร้างตัวอย่างแนวเพลงคลาสสิกสูงสุด จุดสุดยอดของดนตรีซิมโฟนีคลาสสิกคือซิมโฟนีสามเพลงที่เขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2331 (รวมเพลงของโมสาร์ทเขียนได้ประมาณ 50 เพลง) ซิมโฟนี “อีแฟลตเมเจอร์” (หมายเลข 39) แสดงให้เห็นชีวิตที่เต็มไปด้วยความสนุกสนาน การเล่น และท่าเต้นที่ร่าเริง ซิมโฟนี “จีไมเนอร์” (หมายเลข 40) เผยบทกวีโคลงสั้น ๆ อันลึกซึ้งเกี่ยวกับการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณมนุษย์ ซิมโฟนี "C Major" (หมายเลข 41) ที่เรียกว่า "ดาวพฤหัสบดี" โดยผู้ร่วมสมัยโอบรับโลกทั้งใบด้วยความแตกต่างและความขัดแย้งยืนยันถึงเหตุผลและความกลมกลืนของโครงสร้าง

บทสรุป

ศตวรรษที่ 18 โดดเด่นด้วยการรวมศูนย์การผลิต ทุน ตลาดการขาย การเกิดขึ้นของการผูกขาดที่มีอำนาจอย่างที่ไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อน การขยายตัวผ่านอาณานิคมที่มีอยู่และที่เพิ่งสร้างขึ้นใหม่ และการกระจายขอบเขตอิทธิพลระหว่างรัฐและการผูกขาด

ผลที่ตามมาของสถานการณ์เหล่านี้คือความขัดแย้งที่รุนแรงยิ่งขึ้นระหว่างทิศทางต่างๆ ของปรัชญา จริยธรรม ประวัติศาสตร์ และศิลปะ

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 อำนาจของชนชั้นกระฎุมพีกำลังแพร่กระจายในยุโรปไปยังประเทศต่างๆ จำนวนมากขึ้น ซึ่งกำลังขยายและเสริมสร้างความเข้มแข็งให้กับอาณานิคมของพวกเขา ในศตวรรษที่ 19 ความรุนแรงของปัญหาเศรษฐกิจสังคมและการเมืองเพิ่มขึ้นซึ่งกลายเป็นประเด็นในการพิจารณาของปรัชญาและสะท้อนให้เห็นในทฤษฎีศิลปะ

A. Schweitzer เขียนว่าอุดมคติทางจริยธรรมที่กำหนดโดยการตรัสรู้และลัทธิเหตุผลนิยม เมื่อมีปฏิสัมพันธ์กับชีวิตจริงของสังคม ได้เปลี่ยนแปลงมันไป อย่างไรก็ตามตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 อิทธิพลของพวกเขาค่อยๆ ยุติลงเพราะไม่ได้รับการสนับสนุนในโลกทัศน์ที่มีอยู่

ปรัชญาซึ่งเพิกเฉยต่อปัญหาของวัฒนธรรม แสดงให้เห็นถึงความไม่สอดคล้องกันอย่างสมบูรณ์ เนื่องจากไม่ได้คำนึงถึงว่าพื้นฐานของโลกทัศน์ไม่สามารถเป็นเพียงประวัติศาสตร์และวิทยาศาสตร์ธรรมชาติเท่านั้น

ในด้านศิลปะในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 มีความเจริญรุ่งเรืองในสไตล์บาโรกซึ่งมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับคริสตจักรและวัฒนธรรมของชนชั้นสูงในสมัยนั้น มันแสดงให้เห็นแนวโน้มไปสู่การมีชีวิตที่รุ่งโรจน์ ความสมบูรณ์ของการดำรงอยู่ที่แท้จริง จิตรกรรม ประติมากรรม สถาปัตยกรรม และดนตรีบาโรกยกย่องและยกย่องกษัตริย์ โบสถ์ และขุนนาง เอิกเกริกความซับซ้อนเชิงเปรียบเทียบความน่าสมเพชและการแสดงละครของสไตล์ศิลปะบาโรกการผสมผสานระหว่างภาพลวงตาและความเป็นจริงได้รับการพัฒนาในอนุสรณ์สถานทางวัฒนธรรมหลายแห่งและเหนือสิ่งอื่นใดในอิตาลี (ผลงานของประติมากรและสถาปนิก Bernini สถาปนิก Borromini ฯลฯ ). บาโรกยังแพร่กระจายไปยังแฟลนเดอร์ส สเปน ออสเตรีย บางภูมิภาคของเยอรมนี และโปแลนด์ สไตล์นี้ปรากฏให้เห็นน้อยลงอย่างเห็นได้ชัดในอังกฤษและฮอลแลนด์ ซึ่งงานศิลปะมีความใกล้เคียงกับแนวเพลงและความสมจริงในชีวิตประจำวันมากกว่าความประณีต ความเกินขอบเขต และธรรมเนียมปฏิบัติของบาโรก

สุนทรียศาสตร์ประเภทอื่นซึ่งตรงกันข้ามกับวิธีการทางศิลปะของบาโรกได้รับการยอมรับในศิลปะและวรรณกรรมยุโรปโดยลัทธิคลาสสิก ด้วยความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ลัทธิคลาสสิกจึงหันมาใช้บรรทัดฐานทางศิลปะโบราณเพื่อเป็นตัวอย่างที่สมบูรณ์แบบ โดยมีความชัดเจนและความเข้มงวดที่มีเหตุผล ลัทธิคลาสสิกทำให้หลักการของ "ธรรมชาติผู้สูงส่ง" ถูกต้องตามกฎหมายการแบ่งประเภทเทียมเป็นประเภท - "สูง" (โศกนาฏกรรมบทกวีมหากาพย์ประวัติศาสตร์ตำนานและศาสนา) และ "ต่ำ" (ตลกเสียดสีนิทานจิตรกรรมประเภท) การแนะนำของ กฎสามข้อในการรวมละครเข้าด้วยกัน สถานที่ เวลา การกระทำ

รายการใช้แล้ววรรณกรรม

1. Kravchenko A.I. วัฒนธรรมวิทยา - ฉบับที่ 4 - อ.: โครงการวิชาการ Trixta, 2546.- 496 หน้า

2. การศึกษาวัฒนธรรม ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก หนังสือเรียน/เอ็ด T. F. Kuznetsova.- M.: “สถาบันการศึกษา”, 2546.- 607 หน้า

3. การศึกษาวัฒนธรรม ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก/เอ็ด A. N. Markova - ฉบับที่ 2 ทำใหม่ และเพิ่มเติม - ม.: UNITY, 2000.- 600 น.

4. Polishchuk V.I. วัฒนธรรมวิทยา - M.: Gardariki, 1999. - 446 p.

5. Radugin A. A. วิทยาวัฒนธรรม - M.: Center, 2001. - 304 p.

6. Chekalov D. A. , Kondratov V. A. , ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก บันทึกการบรรยาย - Rostov - on - Don: Phoenix, 2005. - 352 p.

7. Shishova N.V., Akulich T.V., Boyko M.I., ประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมศึกษา - ฉบับที่ 2 ทำใหม่ และเพิ่มเติม - ม.: โลโก้, 2000.- 456 หน้า

เอกสารที่คล้ายกัน

ลักษณะเฉพาะของยุคแห่งการตรัสรู้ ลักษณะเด่นของการพัฒนาในอังกฤษ ฝรั่งเศส และเยอรมนี ความคิดเชิงปรัชญาของการตรัสรู้ ลักษณะและประเภทของสถาปัตยกรรม จิตรกรรม ดนตรี วรรณกรรมในช่วงเวลาหนึ่งๆ ซึ่งเป็นตัวแทนที่ฉลาดที่สุด

ทดสอบเพิ่มเมื่อ 06/11/2552


กรอบลำดับเวลาของยุคสมัยใหม่ ลักษณะที่ขัดแย้งกันของกระบวนการวัฒนธรรมยุโรปในศตวรรษที่ 17 วัฒนธรรมของยุโรปในยุคสมบูรณาญาสิทธิราชย์และยุคแห่งการตรัสรู้ ช่วงเวลาของลัทธิคลาสสิก แนวโน้มทางปรัชญาหลักในยุโรปศตวรรษที่ 19

ทดสอบเพิ่มเมื่อ 01/09/2011


ลักษณะสำคัญของวัฒนธรรมยุโรปตะวันตกยุคใหม่ ลักษณะของวัฒนธรรมและวิทยาศาสตร์ยุโรปในศตวรรษที่ 17 ผู้มีอิทธิพลสำคัญของวัฒนธรรมแห่งการตรัสรู้ของยุโรปในศตวรรษที่ 18 กระแสวัฒนธรรมที่สำคัญที่สุดของศตวรรษที่ 19 ขั้นตอนของวัฒนธรรมทางศิลปะของศตวรรษที่ 19

บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 12/24/2010


พัฒนาการของวัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ศิลปะพื้นบ้าน ดนตรี วัฒนธรรมของชนชั้นสูง และการศึกษา วิทยาศาสตร์รัสเซียในศตวรรษที่ 18 M.V. โลโมโนซอฟ ลักษณะรูปแบบและประเภทของศิลปะยุโรปในศตวรรษที่ 18 อิทธิพลที่มีต่อการพัฒนาวัฒนธรรมรัสเซีย

งานหลักสูตร เพิ่มเมื่อ 23/10/2014


ข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการพัฒนาและคุณสมบัติหลักของวัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ทิศทางในการพัฒนาขอบเขตของการตรัสรู้และการศึกษา วรรณกรรม สถาปัตยกรรมและจิตรกรรม ตัวแทนที่โดดเด่นของแนวโน้มเหล่านี้และการประเมินความสำเร็จหลักในศตวรรษที่ 18

การนำเสนอเพิ่มเมื่อ 20/05/2012


ทำความคุ้นเคยกับมรดกทางวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 18 การพิจารณาคุณค่าหลักของการตรัสรู้ คุณสมบัติของการตรัสรู้ในประเทศยุโรป คุณสมบัติสไตล์และประเภทของงานศิลปะ ยุคแห่งการค้นพบครั้งใหญ่และความเข้าใจผิดครั้งใหญ่ ลัทธิแห่งธรรมชาติ

งานหลักสูตร เพิ่มเมื่อ 08/09/2014


แนวโน้มทางปัญญาของการตรัสรู้ คุณสมบัติของศิลปะโรโคโค ลักษณะเด่นของศิลปะยุโรปในช่วงต้นศตวรรษที่ 19: แนวคลาสสิก แนวโรแมนติก และความสมจริง แก่นแท้และหลักปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ของสัญลักษณ์นิยม อิมเพรสชันนิสม์ และโพสต์อิมเพรสชันนิสม์

บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 18/05/2554


รูปแบบและกระแสที่โดดเด่นในประติมากรรมโลกในศตวรรษที่ 18 การพลิกผันจากยุคกลางสู่ยุคใหม่เกิดขึ้นในประติมากรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 18 คุณสมบัติของสไตล์ต่างๆ: บาร็อค, คลาสสิค, โรโคโค, แนวโรแมนติก, นีโอคลาสสิก

การนำเสนอเพิ่มเมื่อ 27/05/2558


วัฒนธรรมยุโรปในยุคปัจจุบัน ลักษณะเด่น: มนุษยนิยมและลัทธิยุโรปเป็นศูนย์กลาง ลักษณะทางปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ของการพัฒนาวัฒนธรรมแห่งการตรัสรู้ แนวคิดของผู้รู้แจ้งและยูโทเปียทางสังคม แนวคิดวัฒนธรรมทางวิทยาศาสตร์ของการตรัสรู้

ทดสอบเพิ่มเมื่อ 24/12/2556


ลักษณะทั่วไปและลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมยุคใหม่และการตรัสรู้ โรโคโคเป็นศิลปะสไตล์ยุคใหม่ ความคลาสสิกในวัฒนธรรมศิลปะของศตวรรษที่ 13-19 ความรู้สึกอ่อนไหว: ศิลปิน กวี ผลงานสำคัญๆ

“วัฒนธรรมของยุโรปในศตวรรษที่ 17-18”

1. ชีวิตฝ่ายวิญญาณ

ในประวัติศาสตร์ของยุโรป ศตวรรษที่ 17 โดดเด่นด้วยชัยชนะของสไตล์บาโรกใหม่ในงานศิลปะและความกังขาในชีวิตฝ่ายวิญญาณของสังคม หลังจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาซึ่งเต็มไปด้วยความกระตือรือร้นและศรัทธาในความสามารถของมนุษย์ ความผิดหวัง ความสิ้นหวัง และความขัดแย้งอันน่าสลดใจระหว่างบุคคลกับโลกภายนอกก็มาถึง ชายคนหนึ่งซึ่งตั้งแต่ยุคกลางเริ่มคุ้นเคยกับการรู้สึกว่าตนเองเป็นศูนย์กลางของจักรวาล จู่ๆ ก็พบว่าตัวเองหลงทางอยู่บนดาวเคราะห์ดวงใหญ่ ซึ่งเป็นมิติที่กลายเป็นที่รู้จักของเขา ท้องฟ้าที่เต็มไปด้วยดวงดาวเหนือศีรษะหยุดเป็นโดมที่เชื่อถือได้และกลายเป็นสัญลักษณ์ของพื้นที่อันกว้างใหญ่ซึ่งกวักมือเรียกและในเวลาเดียวกันก็ถูกรังเกียจและหวาดกลัว ชาวยุโรปต้องค้นพบตัวเองอีกครั้งและปรับตัวให้เข้ากับโลกรอบตัวที่เปลี่ยนแปลงไปอย่างมาก

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 ในทวีปยุโรป ความสงสัยและเหตุผลนิยมของยุคบาโรกถูกแทนที่ด้วยยุคแห่งการรู้แจ้งและศิลปะของโรโกโก แนวคิดหลักของการตรัสรู้คือการมองโลกในแง่ดีและความเชื่อมั่นว่ามนุษยชาติสามารถเปลี่ยนแปลงได้โดยการเพิ่มการศึกษา (จึงเป็นที่มาของขบวนการนี้) การตรัสรู้มีต้นกำเนิดในฝรั่งเศส ซึ่งถอนหายใจด้วยความโล่งอกหลังจากการสิ้นพระชนม์ของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 และมองไปสู่อนาคตด้วยความหวัง

สมาคมลับของ Freemasons - Freemasons มีบทบาทอย่างมากในการเผยแพร่แนวคิดเรื่องการตรัสรู้ ต้นกำเนิดของ Freemasonry ยังคงเป็นปริศนา พวกเมสันเองก็ถือว่าตัวเองเป็นผู้สืบทอดของ Order of the Templars ซึ่งรอดชีวิตจากการสังหารหมู่เมื่อต้นศตวรรษที่ 14 ซึ่งสมาชิกได้ก่อตั้งบ้านพักแห่งแรกซึ่งเป็นส่วนลับ นักวิทยาศาสตร์เชื่อว่า Freemasons ในฐานะองค์กรทางการเมืองเกิดขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 18 บนพื้นฐานของสหภาพแรงงานของผู้สร้าง สมาชิกของบ้านพัก Masonic สนับสนุนการสร้างโลกใหม่บนพื้นฐานของความเสมอภาคและภราดรภาพสากล และต่อสู้กับคริสตจักรคาทอลิก ซึ่งพวกเขาถูกสาปแช่งซ้ำแล้วซ้ำเล่า

2. ศิลปะบาโรกและโรโคโค

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 16 กิริยาท่าทางเริ่มค่อยๆ หลีกทางให้กับสไตล์บาโรก ซึ่งเป็นรูปแบบขั้นสูงของอำนาจเบ็ดเสร็จที่จัดตั้งขึ้นของกษัตริย์ผู้รอดชีวิตจากวิกฤติของศาสนาคริสต์นิกายโรมันคาทอลิกและปกป้องสิทธิในการดำรงอยู่ของลัทธิโปรเตสแตนต์ การบานสะพรั่งของยุคบาโรกครั้งใหญ่ที่สุดเกิดขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ซึ่งเป็นช่วงที่ยุโรปสามารถเอาชนะความหายนะของสงครามศาสนาได้สำเร็จ

สถาปัตยกรรมบาโรกโดดเด่นด้วยการตกแต่งอันเขียวชอุ่มพร้อมรายละเอียดมากมาย การสร้างแบบจำลองหลากสี การปิดทอง งานแกะสลัก ประติมากรรม และโป๊ะโคมที่งดงามราวกับภาพวาด ทำให้เกิดภาพลวงตาของห้องใต้ดินแบบเปิดที่ทอดยาวขึ้นไป นี่คือช่วงเวลาแห่งการครอบงำของเส้นโค้ง เส้นโค้งที่ประณีตบรรจงไหลเข้าหากัน ด้านหน้าอาคารที่เคร่งขรึม และสถาปัตยกรรมตระการตาตระการตา ภาพวาดถูกครอบงำโดยภาพเหมือนในพิธีผืนผ้าใบเต็มไปด้วยสัญลักษณ์เปรียบเทียบและองค์ประกอบการตกแต่งที่เชี่ยวชาญ

แม้ว่ายุคบาโรกจะมีอำนาจเหนือกว่า แต่ยุคนี้ก็ยังไม่มีลักษณะที่เหมือนกัน ในฝรั่งเศสซึ่งแนวโน้มของลัทธิคลาสสิกที่เข้มงวดมีความรุนแรงพวกเขาพยายามทำตามแบบจำลองโบราณ ในประเทศเนเธอร์แลนด์ พวกเขามีแนวโน้มที่จะมีรูปแบบที่เป็นธรรมชาติมากกว่า

บาโรกเป็นสไตล์ที่มีต้นกำเนิดในอิตาลี จากจุดที่ควรจะนำแสงสว่างของนิกายโรมันคาทอลิกที่ได้รับการฟื้นฟูมาสู่ยุโรป สถาปนิกและผู้ก่อตั้งสไตล์บาโรกที่โดดเด่นที่สุดคนหนึ่งคือลอเรนโซ แบร์นีนี เขาได้รับแต่งตั้งให้เป็นหัวหน้าสถาปนิกของอาสนวิหารเซนต์ปอล ซึ่งเป็นโบสถ์คาทอลิกหลักในโรม ตามการออกแบบของเขาในปี 1623-1624 มีการสร้างหลังคาสีบรอนซ์ขนาดใหญ่เหนือแท่นบูชาของอาสนวิหาร วัสดุที่ใช้ตามคำสั่งของสมเด็จพระสันตะปาปา Urban VIII จากหลังคาโบราณของวิหารแพนธีออน นอกจากนี้ในปี ค.ศ. 1656-1665 แบร์นีนียังได้สร้างเสาทรงวงรีขนาดใหญ่ที่ด้านหน้าของอาสนวิหารอีกด้วย ในปี 1658 สถาปนิกได้สร้างโบสถ์ Sant'Andrea al Quirinale และในปี 1663-1666 - "บันไดหลวง" ในวาติกัน ทักษะอันยอดเยี่ยมของ Bernini ปรากฏให้เห็นในการสร้างน้ำพุโรมันอันโด่งดัง - "น้ำพุ Triton" และ "น้ำพุแห่งแม่น้ำทั้งสี่" นอกจากความสามารถด้านสถาปัตยกรรมอันยอดเยี่ยมของเขาแล้ว Bernini ยังมีความสามารถอันยอดเยี่ยมในฐานะประติมากรอีกด้วย เขาเป็นผู้เขียนหลุมฝังศพของสมเด็จพระสันตะปาปา Urban VIII และ Alexander VII ในมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ ประติมากรรม "David" (1623), "Apollo and Daphne" (1622-1625) และรูปปั้นครึ่งตัวจำนวนมาก โดยเฉพาะอย่างยิ่งในระหว่างการเดินทางไปฝรั่งเศสในปี 1665 แบร์นีนีได้สร้างรูปปั้นครึ่งตัวของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14

โรงเรียนสอนวาดภาพหลักในอิตาลีในยุคบาโรกคือโบโลเนสก่อตั้งโดยศิลปินสามคน ได้แก่ Aodovico Carracci และลูกพี่ลูกน้องของเขา Annibale และ Agostino ในปี 1585 พวกเขาก่อตั้งเวิร์คช็อปในเมืองโบโลญญาที่เรียกว่า "สถาบันแห่งเส้นทางที่ถูกต้อง" ซึ่งพวกเขาได้พัฒนาหลักการพื้นฐานของการวาดภาพสไตล์บาโรก ในปี 1597 อันนิบาเลและอาโกสติโนย้ายไปโรม ซึ่งพวกเขาได้รับคำสั่งให้ทาสีแกลเลอรีของ Palazzo Farnese จากข้อมูลของ Carracci ความเป็นจริงนั้นหยาบเกินไป ดังนั้นควรปรับปรุงด้วยการสร้างภาพในอุดมคติบนผืนผ้าใบ

ในทางกลับกัน Caravaggio Michelangelo ศิลปินผู้มีชื่อเสียงในยุคบาโรกของอิตาลีอีกคนหนึ่งกลับพยายามเพื่อความสมจริงสูงสุด เมื่อสร้างภาพวาดตามหัวข้อในพระคัมภีร์ศิลปินพยายามทำให้เป็นประชาธิปไตยและเรียบง่ายที่สุดโดยเฉพาะ นั่นคือภาพวาดของเขา "The Conversion of Saul" (1600-1601), "Entombment" (1602 - 1604) , "ความตายของแมรี่" (1606) นอกจากนี้เขายังเปลี่ยนชีวิตให้กลายเป็นแนวจิตรกรรมอิสระ

สไตล์บาโรกในสเปนเปลี่ยนศตวรรษที่ 17 ให้เป็น "ยุคทอง" ของวัฒนธรรมประจำชาติของประเทศนี้ กษัตริย์ฟิลิปที่ 4 ทรงอุปถัมภ์จิตรกรในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้สร้างเงื่อนไขที่ดีที่สุดสำหรับพวกเขาและจ่ายเงินสำหรับงานของพวกเขาอย่างไม่เห็นแก่ตัว

Jusepe Ribera ถือเป็นศิลปินบาโรกชาวสเปนคนแรกที่สำคัญ แม้ว่าเขาจะเดินทางไปอิตาลีตั้งแต่ยังเยาว์วัยซึ่งเขาอาศัยอยู่ตลอดชีวิตที่เหลือก็ตาม ผลงานของเขาได้รับอิทธิพลจากคาราวัจโจและศิลปินพยายามทำให้ตัวละครของเขาสมจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ผลงานที่โด่งดังที่สุดของ Ribera ได้แก่ “Saint Jerome” (1626), “The Torment of Saint Bartholomew” (1630) และ “The Lame Leg” (1642)

จิตรกรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของสเปนในศตวรรษที่ 17 คือ Diego De Silva Velazquez ตั้งแต่ปี 1623 เขาเป็นจิตรกรในราชสำนักของ Philip IV สไตล์ของ Velazquez โดดเด่นด้วยความสมจริงที่เน้นย้ำ ความเข้มงวดในการเขียน และความจริงอันน่าทึ่งของชีวิต ในวัยเยาว์เขาสร้างแกลเลอรี่ประเภทพื้นบ้านที่สดใสทั้งหมดในช่วงวัยผู้ใหญ่ของเขาอาศัยอยู่ที่ศาลเขาให้ความสำคัญกับขุนนางสมาชิกของราชวงศ์รวมถึงวิชาในตำนาน เหล่านี้คือ "แบคคัส" (1628-1629), "ดาวศุกร์พร้อมกระจกเงา" (1651), "Las Meninas" (1656)

บาโรกของสเปนมีอิทธิพลอย่างลึกซึ้งต่อแฟลนเดอร์สซึ่งเป็นที่ที่มีสไตล์เดียวกัน จุดสุดยอดของยุคบาโรกแบบเฟลมิชคือผลงานของศิลปิน Peter Paul Rubens เช่นเดียวกับจิตรกรคนอื่น ๆ ในวัยเด็กรูเบนส์เดินทางไปอิตาลีซึ่งเขาศึกษาอนุสรณ์สถานโบราณและผลงานของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เมื่อกลับมาที่บ้านเกิดเขาสร้างภาพคลาสสิกของรูปแท่นบูชาที่ยิ่งใหญ่ของบาโรก - "ความสูงของไม้กางเขน" และ "การสืบเชื้อสายมาจากไม้กางเขน" (1610-1614) รูเบนส์โดดเด่นด้วยร่างกายมนุษย์ที่ทรงพลังและงดงาม เต็มไปด้วยพลัง และขอบเขตการตกแต่งที่กว้างใหญ่ แก่นของภาพวาดของเขาคือเรื่องที่เป็นตำนานและในพระคัมภีร์ไบเบิลและฉากทางประวัติศาสตร์ เขาเป็นผู้สร้างภาพเหมือนแบบบาโรกในพิธีการ ภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Rubens ได้แก่: "การข่มขืนลูกสาวของ Leucippus" (1619-1620), "Perseus และ Andromeda" (1621), "Bathsheba" (1636), "Fur Coat" (1638)

นักเรียนของ Rubens คือศิลปิน Anthony van Dyck จิตรกรประจำศาลของ Charles I. Van Dyck ซึ่งเป็นผู้สานต่อแนวคิดของโรงเรียนภาษาเฟลมิช Van Dyck ทำงานมาเป็นเวลานานในเจนัวและแอนต์เวิร์ป และในปี 1631 เขาย้ายไปลอนดอนอย่างถาวร ที่นั่นเขากลายเป็นจิตรกรภาพบุคคลคนโปรดของราชวงศ์และได้รับคำสั่งมากมายจนเขาถูกบังคับให้แจกจ่ายผลงานให้กับนักเรียนของเขาโดยสร้างสิ่งที่คล้ายกับโรงงานทางศิลปะ พู่กันของเขาประกอบด้วยภาพบุคคล: "Charles I on the Hunt" (1633), "Family Portrait" (1621)

ในประเทศฝรั่งเศส ซึ่งประเพณีคลาสสิกแข่งขันกับศิลปะบาโรก นิโคลัส ปูสซิน ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของโรงเรียนจิตรกรรมแห่งชาติคือ ปูสซินถือว่าราฟาเอลและทิเชียนเป็นครูของเขา ซึ่งเขาศึกษาผลงานขณะไปเยือนอิตาลี ศิลปินชอบวาดภาพฉากในตำนานและพระคัมภีร์โดยใช้ตัวละครและสัญลักษณ์เปรียบเทียบจำนวนมาก ตัวอย่างที่ชัดเจนของความคลาสสิกคือผืนผ้าใบของเขา "The Inspiration of a Poet" (1629-1635), "The Kingdom of Flora" (1632), "The Rape of the Sabine Women" (1633) และ "Bacchanalia"

รัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 กลายเป็นยุคสมัยทั้งหมดในการพัฒนางานศิลปะฝรั่งเศส ศิลปินและสถาปนิกรวมตัวกันเป็น Academy of Painting and Sculpture และ Academy of Architecture พวกเขาถูกเรียกให้เชิดชูความยิ่งใหญ่ของ "ราชาแห่งดวงอาทิตย์" และด้วยความพยายามร่วมกันบนพื้นฐานของการประนีประนอมระหว่างสไตล์บาโรกและลัทธิคลาสสิก พวกเขาได้สร้างการเคลื่อนไหวใหม่ ซึ่งเรียกว่าสไตล์ของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 พระราชวังอันยิ่งใหญ่และวงดนตรีในสวนสาธารณะควรจะรวบรวมแนวคิดเรื่องอำนาจทุกอย่างของกษัตริย์สัมบูรณ์และอำนาจของชาติฝรั่งเศสอย่างชัดเจน

ตามหลักการเหล่านี้ สถาปนิก Claude Perrault ในปี 1667 ได้เริ่มก่อสร้างส่วนหน้าอาคารด้านตะวันออกของพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ซึ่งเรียกว่า "โคลอนเนด" ตามโครงการของ Liberal Bruant และ Jules Hardouin-Mansart บ้าน Invalides ถูกสร้างขึ้นซึ่งเป็นหอพักสำหรับทหารผ่านศึกและมหาวิหาร จุดสุดยอดของสถาปัตยกรรมฝรั่งเศสในยุคนี้คือการก่อสร้างพระราชวังแวร์ซายส์ (ค.ศ. 1668-1689) การก่อสร้างพระราชวังแวร์ซายส์และกลุ่มสวนสาธารณะนำโดยสถาปนิก หลุยส์ เลโว และจูลส์ ฮาร์ดูอิน-มานซาร์ ที่แวร์ซายส์ลักษณะการสร้างพระราชวังที่เข้มงวดของความคลาสสิกผสมผสานกับการตกแต่งสไตล์บาโรกอันเขียวชอุ่มของห้องโถง นอกจากนี้ สวนสาธารณะที่ตกแต่งด้วยน้ำพุหลายแห่งยังเป็นผลงานสไตล์บาโรกอีกด้วย

ต่างจากอิตาลี สเปน อังกฤษ และฝรั่งเศส ที่จิตรกรได้รับเงินจำนวนมากสำหรับการวาดภาพเขียน แต่ศิลปินในฮอลแลนด์ได้รับค่าจ้างน้อยมาก ภูมิทัศน์ที่ดีสามารถซื้อให้กับกิลเดอร์สองสามกิลเดอร์ได้ เช่น ภาพเหมือนที่ดีมีราคาเพียง 60 กิลเดอร์ และเรมแบรนดท์ซึ่งมีชื่อเสียงโด่งดังที่สุดได้รับกิลเดอร์เพียง 1,600 กิลเดอร์สำหรับ The Night Watch เมื่อเปรียบเทียบแล้ว ค่าธรรมเนียมของ Rubens อยู่ที่หลายหมื่นฟรังก์ ช่างฝีมือชาวดัตช์มีรายได้พอประมาณ บางครั้งก็ยากจนในโรงงานเล็กๆ ศิลปะของพวกเขาสะท้อนถึงชีวิตประจำวันของประเทศและไม่ได้มุ่งเป้าไปที่การเชิดชูสถาบันกษัตริย์หรือพระสิริของพระเจ้า แต่เพื่อเปิดเผยจิตวิทยาของคนธรรมดา

ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่คนแรกของโรงเรียนวาดภาพชาวดัตช์คือ Frans Hals ภาพวาดส่วนใหญ่ของเขาเป็นภาพบุคคล เขามีเวิร์คช็อปขนาดใหญ่ มีลูก 12 คนซึ่งตามพ่อมากลายเป็นศิลปิน นักเรียนหลายคน มีวิถีชีวิตแบบโบฮีเมียน มีหนี้สินมากมายและเสียชีวิตด้วยความยากจนข้นแค้น

ผลงานที่สำคัญที่สุดของจิตรกรรมดัตช์ในยุคแรกคือภาพบุคคลกลุ่มโดยฮัลส์ ลูกค้าเป็นสมาชิกของกิลด์ที่ขอให้วาดภาพพวกเขาในระหว่างงานเลี้ยงหรือการประชุม เหล่านี้คือ "เจ้าหน้าที่ของกองร้อยปืนไรเฟิลแห่งเซนต์จอร์จ" (1616), "นักปืนไรเฟิลแห่งสมาคมเซนต์เอเดรียนในฮาร์เลม" (1627) ศิลปะของ Khalsa ปราศจากสมาธิและความขัดแย้งทางจิตใจ ในภาพวาดของเขาซึ่งสะท้อนถึงตัวละครของศิลปิน ผู้คนมักจะหัวเราะอยู่เสมอ Hals สร้างแกลเลอรีของชาวดัตช์ธรรมดา ๆ หยาบคายเล็กน้อย แต่ตรงไปตรงมาในความรู้สึกของพวกเขา - "ยิปซี", "Malle Babbe", "เด็กชายชาวประมง", "ตัวตลก"

Adrian van Ostade ศิลปินนักศึกษาของ Hals ทำงานในแนวเพลงในชีวิตประจำวัน ฉากของเขาจากชีวิตในชนบทและในเมืองเต็มไปด้วยอารมณ์ขันและรอยยิ้มที่มีอัธยาศัยดี ดังนั้นคุณจึง "ต่อสู้", "ในโรงเตี๊ยมของหมู่บ้าน", "เวิร์กช็อปของศิลปิน" ยาน ฟาน โกเยนกลายเป็นภูมิทัศน์คลาสสิกของชาวดัตช์ เขาใช้หลักการของมุมมองทางอากาศในงานของเขา ภาพวาดที่ดีที่สุดของเขาถือเป็น "View of Dordrecht" (1648)

จิตรกรผู้ยิ่งใหญ่คนที่สองของฮอลแลนด์ซึ่งมีผลงานทัดเทียมกับฮัลส์คือแจน เวอร์เมียร์แห่งเดลฟต์ เขาชอบการแต่งโคลงสั้น ๆ ทุกวันโดยแสดงภาพผู้หญิงหนึ่งหรือสองคนในสภาพแวดล้อมที่บ้าน - "เด็กผู้หญิงกำลังอ่านจดหมาย", "ผู้หญิงที่หน้าต่าง", "ผู้หญิงกำลังลองสร้อยคอ", "แก้วไวน์", "ช่างทำลูกไม้" เวอร์เมียร์สามารถแสดงชีวิตส่วนตัวของชาวเมืองด้วยพลังทางอารมณ์อันยิ่งใหญ่ตลอดจนมนุษย์ที่มีความสามัคคีกับสิ่งแวดล้อม เขาสามารถถ่ายทอดแสงสีเงินที่ส่องสะท้อนบนผืนผ้าใบของเขาได้อย่างน่าอัศจรรย์ตามความจริงอย่างน่าทึ่ง

จุดสุดยอดของโรงเรียนชาวดัตช์คือผลงานของ Rembrandt Harmensz van Rijn ที่มีจิตวิทยาเชิงลึกและเฉดสีน้ำตาลทองอันเป็นเอกลักษณ์ เช่นเดียวกับ Hals แรมแบรนดท์ประสบกับความนิยมในช่วงหนึ่ง แต่แล้วก็ล้มละลายและจบชีวิตด้วยความยากจนอย่างน่าสังเวช

แรมแบรนดท์วาดภาพบุคคลเป็นหลัก ทั้งบุคคลและกลุ่ม ตลอดจนภาพวาดเกี่ยวกับเรื่องในตำนานและในพระคัมภีร์ ศิลปินเป็นปรมาจารย์ด้าน Chiaroscuro และตัวละครของเขาดูเหมือนจะถูกแย่งชิงจากความมืดด้วยแสง ภาพวาดของเขา "Danae", "The Holy Family", "The Return of the Prodigal Son" ถือเป็นผลงานชิ้นเอกที่ไม่มีใครเทียบได้อย่างถูกต้อง ในบรรดาภาพถ่ายบุคคลกลุ่ม ภาพที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ “บทเรียนกายวิภาคของหมอทูลเป” และ “Night Watch” จิตวิญญาณและความลึกซึ้งทางอารมณ์ที่น่าทึ่งทำให้ "ภาพเหมือนของชายชราในชุดแดง" แตกต่าง

จากอิตาลี สถาปัตยกรรมบาโรกไม่เพียงแต่แผ่ขยายไปทางเหนือเท่านั้น แต่ยังแผ่ขยายไปทางทิศตะวันออกด้วย หลังสิ้นสุดสงครามสามสิบปี อาคารสไตล์บาโรกจำนวนมากได้ถูกสร้างขึ้นทางตอนใต้ของเยอรมนีภายใต้การนำของช่างฝีมือชาวอิตาลี ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 ดินแดนเยอรมันมีเจ้านายของตนเองที่ทำงานในสไตล์บาโรก

สถาปนิกชาวปรัสเซียน Andreas Schlüter ได้สร้างพระราชวังและอาคารศาลากลางในกรุงเบอร์ลิน หากSchlüterได้รับคำแนะนำจากประติมากรชาวอิตาลี Lorenzo Bernini และตัวอย่างชาวฝรั่งเศสผลงานของ Daniel Peppelman ก็เป็นต้นฉบับโดยสมบูรณ์ ตามการออกแบบของเขา พระราชวัง Zwinger ที่มีชื่อเสียงถูกสร้างขึ้นในเดรสเดนสำหรับ Augustus II the Strong นอกจากนี้ตามคำสั่งของออกัสตัสสถาปนิก Peppelman ได้สร้างพระราชวังใน Grodno

การเผยแพร่สไตล์บาโรกในเครือจักรภพโปแลนด์-ลิทัวเนียเกิดจากการที่คณะเยสุอิตเข้ามาในประเทศ อนุสาวรีย์สไตล์บาโรกแห่งแรกในเบลารุสและโดยทั่วไปในยุโรปนอกอิตาลีคือโบสถ์เยสุอิต สร้างขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 16 โดยสถาปนิกชาวอิตาลี เบอร์นาร์โดนี สำหรับเจ้าชายราดซีวิลในเนสวิซ สไตล์นี้ถึงดอกบานอย่างแท้จริงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 เมื่อได้รับลักษณะประจำชาติแล้วจึงเป็นรูปเป็นร่างในเบลารุสหรือวิลนาบาร็อค ตัวอย่างคลาสสิกของพิสดารเบลารุส ได้แก่ โบสถ์จำนวนมากและอาคารในเมืองใน Vilna, Grodno, Minsk, Mogilev, Brest, Slonim, Pinsk, มหาวิหาร Polotsk St. Sophia สร้างขึ้นใหม่หลังการระเบิด, อารามใน Golypany, Baruny, Berezveche, พระราชวังที่ซับซ้อนใน Nesvizh และ รูซฮานี.

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 17 พิสดารได้แทรกซึมจากเบลารุสไปยังรัสเซียซึ่งเป็นครั้งแรกที่เรียกว่าสไตล์ Naryshkin ตัวอย่างของทิศทางนี้คือโบสถ์แห่งการขอร้องใน Fili และโบสถ์แห่งสัญลักษณ์ใน Dubrovitsy ด้วยจุดเริ่มต้นของการปฏิรูปของ Peter I ในที่สุดบาโรกก็ได้รับชัยชนะในสถาปัตยกรรมรัสเซียซึ่งปรากฏให้เห็นเป็นหลักในระหว่างการก่อสร้างเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก จุดสุดยอดของการพัฒนาสไตล์บาโรกในรัสเซียคือผลงานของสถาปนิกชาวอิตาลี Bartolomeo Francesco Rastrelli เขาสร้างพระราชวังขึ้นใหม่ใน Peterhof และ Tsarskoe Selo สร้างอาราม Smolny และพระราชวังฤดูหนาวที่มีชื่อเสียงในเมืองหลวง

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 ศิลปะรูปแบบใหม่เกิดขึ้นในฝรั่งเศส - โรโคโค ต่างจากบาโรกซึ่งมีรูปแบบราชสำนักโดยเฉพาะ โรโกโกเป็นศิลปะของชนชั้นสูงและชนชั้นสูงของชนชั้นกระฎุมพี ตอนนี้เป้าหมายหลักของอาจารย์ไม่ใช่การยกย่องใครหรือสิ่งใด ๆ แต่เป็นความสะดวกสบายและความพึงพอใจของบุคคลใดบุคคลหนึ่ง ถ้าบาโรกมองสูงขึ้นไป โรโคโคก็ลงมาจากที่สูงสวรรค์สู่โลกบาปและหันไปมองผู้คนที่ยืนอยู่รอบๆ บางครั้งสไตล์โรโกโกก็ถูกเรียกว่าศิลปะเพื่อประโยชน์ทางศิลปะ มันจะถูกต้องมากกว่าถ้าเรียกศิลปะสไตล์นี้สำหรับผู้ชาย

สถาปนิก Rococo เริ่มให้ความสำคัญกับความสะดวกสบายของมนุษย์ พวกเขาละทิ้งความโอ่อ่าของอาคารสไตล์บาโรกอันงดงามและพยายามล้อมรอบผู้คนด้วยบรรยากาศที่สะดวกสบายและสง่างาม การวาดภาพยังละทิ้ง "แนวคิดที่ยอดเยี่ยม" และกลายเป็นสิ่งที่สวยงามเพียงอย่างเดียว เป็นอิสระจากอารมณ์อันรุนแรงของยุคบาโรก ภาพวาดจึงเต็มไปด้วยแสงเย็นและฮาล์ฟโทนอันละเอียดอ่อน โรโกโกอาจเป็นรูปแบบฆราวาสรูปแบบแรกเกือบทั้งหมดในประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป ทั้งปรัชญาการตรัสรู้และศิลปะโรโกโกแยกออกจากโบสถ์ ผลักดันธีมทางศาสนาไปไกลถึงเบื้องหลัง จากนี้ไปทั้งภาพวาดและสถาปัตยกรรมควรจะดูสว่างและน่ารื่นรมย์ สังคมที่กล้าหาญแห่งศตวรรษที่ 18 เบื่อหน่ายกับศีลธรรมและการเทศนา ผู้คนต้องการมีชีวิตที่สนุกสนานและได้รับความเพลิดเพลินสูงสุดจากชีวิต

ปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ Rococo คือ François Boucher ซึ่งเปลี่ยนภาพวาดของเขาให้เป็นแผงตกแต่งผนัง เช่นภาพวาด "การอาบน้ำของไดอาน่า", "ชัยชนะของดาวศุกร์", "ฉากต้อน"

Maurice-Kanter Larout สามารถสร้างแนวภาพเหมือน Rococo ได้ ผู้คนที่ปรากฎในภาพวาดของเขาตามความต้องการของศตวรรษมองดูผู้ชมอย่างกรุณาและกล้าหาญพยายามที่จะปลุกเร้าในตัวเขาไม่ใช่ความชื่นชม แต่เป็นความรู้สึกเห็นอกเห็นใจ ตัวละครที่แท้จริงของตัวละครถูกซ่อนอยู่ภายใต้หน้ากากแห่งความสุภาพทางโลก

ภาพวาดของ Honore Fragonard เต็มไปด้วยความรู้สึกจริงใจถึงความบริบูรณ์ของชีวิตซึ่งผ่านไปอย่างมีความสุขอย่างไร้กังวล ตัวอย่างนี้คือภาพวาด "Swing" (1766), "Stolen Kiss" (1780)

สไตล์โรโกโกเข้ามายังเยอรมนีในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 18 และยังคงอยู่ทางตอนเหนือ นับตั้งแต่บาโรกครองราชย์สูงสุดในดินแดนทางตอนใต้ของเยอรมนีจนถึงปลายศตวรรษ

ในปี ค.ศ. 1745 เกออร์ก โนเบลสดอร์ฟ สถาปนิกชาวปรัสเซียนได้เริ่มก่อสร้างพระราชวังซองซูซีและสวนสาธารณะใกล้กับพอทสดัม ชื่อของมัน (แปลจากภาษาฝรั่งเศสว่า "ไม่ต้องกังวล") สะท้อนถึงจิตวิญญาณของยุคโรโกโก ตามคำสั่งของเฟรดเดอริกที่ 2 พระราชวังชั้นเดียวที่เรียบง่ายได้ถูกสร้างขึ้นบนระเบียงองุ่น อย่างไรก็ตามในไม่ช้า Rococo ก็ถูกแทนที่ด้วยลัทธิคลาสสิกซึ่งกำลังได้รับความแข็งแกร่ง

ศิลปะอังกฤษในศตวรรษที่ 18 เป็นศิลปะดั้งเดิมมากจนขัดกับการจัดประเภทที่ยอมรับในทวีปยุโรป ที่นี่มีการผสมผสานที่แปลกประหลาดของสไตล์และเทรนด์ทั้งหมด โดยที่ความคลาสสิกค่อยๆ เกิดขึ้นเป็นอันดับแรก

ผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนวาดภาพภาษาอังกฤษแห่งชาติคือวิลเลียม โฮการ์ธ เพื่อให้สอดคล้องกับจิตวิญญาณของสังคมอังกฤษในยุคนั้น เขาจึงอุทิศงานของเขาให้กับการเสียดสีทางการเมืองและสังคม ชุดภาพวาด "อาชีพของการใช้จ่าย" "การแต่งงานที่ทันสมัย" และ "การเลือกตั้ง" นำชื่อเสียงมาสู่ศิลปินอย่างแท้จริง เพื่อที่จะแนะนำผลงานของเขาให้กับผู้ชมให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ โฮการ์ธเองก็ได้แกะสลักน้ำมันจากผลงานทั้งหมดของเขาและแจกจ่ายในปริมาณมาก

ศิลปิน โจชัว เรย์โนลด์ส จารึกประวัติศาสตร์ในฐานะนักทฤษฎีศิลปะ เป็นประธานคนแรกของ Royal (London) Academy of Arts และเป็นจิตรกรภาพเหมือนที่โดดเด่น ภาพวาดของเขาเต็มไปด้วยความน่าสมเพชของวีรบุรุษผู้เชิดชูผู้คู่ควรที่จะถูกบันทึกไว้บนผืนผ้าใบตลอดไป

หาก Reynolds โดดเด่นด้วยแนวทางการวาดภาพที่มีเหตุผล งานของ Thomas Gainsborough ก็จะมีอารมณ์ความรู้สึกมากกว่า ภาพบุคคลของเขาโดดเด่นด้วยการรับรู้บทกวีเกี่ยวกับธรรมชาติของมนุษย์

ศตวรรษที่ 17 เป็นหนึ่งในหน้าที่สว่างไสวและยอดเยี่ยมที่สุดในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมศิลปะโลก นี่คือเวลาที่อุดมการณ์ของมนุษยนิยมและศรัทธาในความเป็นไปได้อันไร้ขีดจำกัดของมนุษย์ถูกแทนที่ด้วยความรู้สึกถึงความขัดแย้งอันน่าทึ่งของชีวิต ในอีกด้านหนึ่ง การปฏิวัติเชิงปฏิวัติกำลังเกิดขึ้นในวิทยาศาสตร์ธรรมชาติ รูปภาพใหม่ของโลกกำลังก่อตัวขึ้น รูปแบบใหม่กำลังปรากฏในงานศิลปะ ในทางกลับกัน อนุรักษ์นิยมทางการเมืองและมุมมองในแง่ร้ายของสังคมและมนุษย์มีชัยเหนือ

ยุคของศตวรรษที่ 17 ในวัฒนธรรมและศิลปะมักเรียกว่ายุคบาโรก การก่อตัวของวัฒนธรรมยุโรปใหม่มีความเกี่ยวข้องกับ "ภาพของโลก" ที่เปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วและวิกฤตทางอุดมคติของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลี การค้นพบทางภูมิศาสตร์ครั้งใหญ่และการค้นพบทางวิทยาศาสตร์ทางธรรมชาติมีความสำคัญอย่างยิ่งต่อชีวิตฝ่ายวิญญาณของสังคมในศตวรรษที่ 17 ชายคนนั้นเริ่มรู้สึกถึงความเปราะบางและความไม่มั่นคงของตำแหน่งของเขาอย่างรุนแรง ความขัดแย้งระหว่างภาพลวงตาและความเป็นจริง โลกทัศน์ใหม่ถูกหักเหในลักษณะพิเศษในวัฒนธรรมศิลปะ: ทุกสิ่งที่ผิดปกติ ไม่ชัดเจน และมายาเริ่มดูสวยงามและน่าดึงดูด และทุกสิ่งที่ชัดเจนและเรียบง่ายเริ่มดูน่าเบื่อและไม่น่าสนใจ สุนทรียศาสตร์ใหม่นี้เข้ามาแทนที่หลักการเรอเนซองส์ก่อนหน้านี้อย่างเห็นได้ชัดในการเลียนแบบธรรมชาติ ความชัดเจน และความสมดุล

นี่คือที่มาของรูปแบบใหม่ - บาร็อค พิสดาร (บาร็อคโคของอิตาลี - "แปลกประหลาด", "แปลก", "มีแนวโน้มที่จะมากเกินไป", port. perola barroca - "ไข่มุกที่มีรูปร่างผิดปกติ" (ตัวอักษร "ไข่มุกที่มีข้อบกพร่อง") - คำสแลงของกะลาสีเรือชาวโปรตุเกสเพื่ออ้างถึงข้อบกพร่อง ไข่มุกที่มีรูปร่างไม่ปกติ ใช้ในความหมายว่า นุ่มนวล ละลายเส้นขอบ ทำให้รูปร่างนุ่มนวล งดงามยิ่งขึ้น

สถาปัตยกรรมบาโรกโดดเด่นด้วยการตกแต่งอันเขียวชอุ่มพร้อมรายละเอียดมากมาย การสร้างแบบจำลองหลากสี การปิดทอง งานแกะสลัก ประติมากรรม และโป๊ะโคมที่งดงามราวกับภาพวาด ทำให้เกิดภาพลวงตาของห้องใต้ดินแบบเปิดที่ทอดยาวขึ้นไป นี่คือช่วงเวลาแห่งการครอบงำของเส้นโค้ง เส้นโค้งที่ประณีตบรรจงไหลเข้าหากัน ด้านหน้าอาคารที่เคร่งขรึม และสถาปัตยกรรมตระการตาตระการตา ภาพวาดถูกครอบงำด้วยภาพบุคคลในพิธีซึ่งโดดเด่นด้วยความแตกต่าง ความตึงเครียด ไดนามิกของภาพ ความปรารถนาในความยิ่งใหญ่และความเอิกเกริก เพื่อผสมผสานความเป็นจริงและภาพลวงตา

จุดเริ่มต้นของยุคบาโรกของอิตาลีมีความเกี่ยวข้องกับการก่อสร้างโบสถ์โรมันแห่งอิลเกซู (ค.ศ. 1575) ซึ่งส่วนหน้าอาคารได้รับการออกแบบโดย Giacomo della Porta แท้จริงแล้ว "สร้างยุค" กลายเป็นการแสดงออกของกระแสโวหารในยุคนั้น: การแบ่งแบบดั้งเดิมออกเป็น 2 ชั้น กึ่งคอลัมน์ ซอก รูปปั้น และก้นหอย (ลอน) ที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ที่มุม อาคารพระราชวังแห่งแรกและใหญ่ที่สุดในยุคนั้นคือ Palazzo Quirinale ซึ่งเป็นที่ประทับฤดูร้อนของพระสันตปาปา ซึ่งสร้างขึ้นบนยอดเขา Quirinale

เทรนด์นี้พบการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดในงานประติมากรรมในผลงานของ Lorenzo Bernini ประติมากรรมของเขา "เดวิด" พรรณนาถึงช่วงเวลาแห่งการเคลื่อนไหวที่รวดเร็ว การพุ่งเข้าหายักษ์โกลิอัท การเปลี่ยนการเคลื่อนไหวหนึ่งไปสู่อีกการเคลื่อนไหวหนึ่ง เบอร์นีนีไม่หยุดที่การบิดเบือนใบหน้า ถ่ายทอดสีหน้าเจ็บปวดหรือมีความสุข ในประติมากรรม “Apollo and Daphne” ลอเรนโซ เบอร์นีนีจับภาพการเคลื่อนไหวที่บินได้ในช่วงเวลาแห่งการเปลี่ยนแปลงของแดฟนีวัยเยาว์ที่ไร้การป้องกัน ซึ่งถูก Apollo เท้าเบาแซงหน้าไปจนกลายเป็นลอเรล ทักษะอันยอดเยี่ยมของ Bernini แสดงให้เห็นในการสร้างน้ำพุโรมันอันโด่งดัง - น้ำพุ Triton และน้ำพุแห่งแม่น้ำทั้งสี่

ชื่อของเบอร์นีนีมีความเกี่ยวข้องกับขั้นตอนต่อไปของการเปลี่ยนแปลงของอาสนวิหารเซนต์ปีเตอร์ในโรม: เขาออกแบบจัตุรัสหน้าอาสนวิหาร โดยมีห้องแสดงภาพที่ครอบคลุมซึ่งทอดยาวไปข้างหน้าจากขอบด้านหน้าอาคาร สถาปนิกได้สร้างสี่เหลี่ยมจัตุรัส 2 อัน โดยเป็นทรงวงรีขนาดใหญ่ล้อมรอบด้วยเสา และสี่เหลี่ยมสี่เหลี่ยมคางหมูที่อยู่ติดกันโดยถูกจำกัดไว้ที่ฝั่งตรงข้ามด้วยส่วนหน้าอาคารหลักของอาสนวิหาร ในเวลาเดียวกัน พื้นที่ด้านหน้าอาสนวิหารยังเป็นจัตุรัสกลางเมือง ตกแต่งด้วยเสาโอเบลิสก์ตรงกลางวงรีและน้ำพุสองแห่ง

เนเธอร์แลนด์มีความโดดเด่นในด้านทัศนศิลป์และเหนือสิ่งอื่นใดในด้านการวาดภาพ Peter Paul Rubens (1577-1640) เช่นเดียวกับบุคคลสำคัญแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา แสดงตัวเองในกิจกรรมต่างๆ: เขาเป็นนักการทูต เป็นข้าราชบริพาร ได้รับรางวัลตำแหน่งขุนนาง และเป็นเพื่อนและร่วมมือกับผู้คนที่โดดเด่นของ ยุค. เช่นเดียวกับจิตรกรคนอื่น ๆ ในวัยเด็กรูเบนส์เดินทางไปอิตาลีซึ่งเขาศึกษาอนุสรณ์สถานโบราณและผลงานของปรมาจารย์ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เมื่อกลับมาที่บ้านเกิดเขาสร้างภาพคลาสสิกของรูปแท่นบูชาที่ยิ่งใหญ่ของบาโรก - "ความสูงของไม้กางเขน" และ "การสืบเชื้อสายมาจากไม้กางเขน" (1610-1614) กลุ่มเพชฌฆาตและทหารได้วางไม้กางเขนขนาดใหญ่โดยมีพระคริสต์ตรึงไว้บนนั้น ท่าทางต่างๆ ของร่าง มุมที่ซับซ้อน และกล้ามเนื้อบวมแสดงถึงความตึงเครียดทางร่างกายอย่างรุนแรง พลังดิบนี้ตรงกันข้ามกับภาพลักษณ์ในอุดมคติของพระคริสต์ รูเบนส์โดดเด่นด้วยร่างกายมนุษย์ที่ทรงพลังและงดงาม เต็มไปด้วยพลัง และขอบเขตการตกแต่งที่กว้างใหญ่ แก่นของภาพวาดของเขาคือเรื่องที่เป็นตำนานและในพระคัมภีร์ไบเบิลและฉากทางประวัติศาสตร์

รูเบนส์ "การยกกางเขน" "ลงมาจากไม้กางเขน"

ในภาพวาด "Lion Hunt" ซึ่งเป็นภาพร่างซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของ Rubens ในคอลเลกชั่น Hermitage การกระทำนั้นมีความรวดเร็วและความหลงใหลเป็นพิเศษ ม้าที่เลี้ยง สิงโตที่ทรมานคนขี่ที่ล้ม และนักล่าที่โจมตีเขา รวมตัวกันเป็นกลุ่มที่แยกไม่ออก ซึ่งความแข็งแกร่งที่ไร้การควบคุมและพลังงานที่สำคัญกลายเป็นความโกรธ

เขาเต็มใจหันไปสนใจประเด็นของโลกยุคโบราณ ภาพวาดอาศรม "Perseus และ Andromeda" (1620-1621) ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของปรมาจารย์เป็นตัวอย่างว่าเขาใช้ภาพโบราณวัตถุคลาสสิกอย่างอิสระและสมจริง ช่วงเวลาดังกล่าวปรากฎเมื่อ Perseus ฮีโร่ในตำนานซึ่งบินบนม้าเพกาซัสมีปีกของเขาได้ปลดปล่อยแอนโดรเมดาที่ถูกล่ามโซ่ไว้กับก้อนหิน เขาเอาชนะมังกรที่กักขังเธอเอาไว้ และสัตว์ประหลาดที่น่ากลัวก็อ้าปากแทบเท้าของเขาอย่างไร้เรี่ยวแรง ด้วยความชื่นชมในความงามของเชลย เซอุสจึงเข้ามาหาเธอ สวมมงกุฎผู้ชนะ และคิวปิดก็รีบไปรับใช้เขา

ธีมหลักของรูเบนส์คือมนุษย์ การมีชีวิต และความรักทางโลก ใครๆ ก็สามารถพูดถึงความหลงใหลได้ พระองค์ทรงมุ่งมั่นในความสมบูรณ์ ความแข็งแกร่ง ขอบเขต พายุแห่งการเคลื่อนไหว เขามักแสดงภาพเปลือย มักมีร่างกายหนัก อบอุ่น เลือดสาด เต็มไปด้วยสีสันแห่งชีวิตอันเขียวชอุ่ม และมักเน้นด้วยจุดสว่างบนพื้นหลังสีเข้ม เขาจึงเขียนว่า “เอเลน่า โฟร์แมนสวมเสื้อคลุมขนสัตว์” ในการถ่ายภาพบุคคล เครื่องประดับ พื้นหลัง - ผ้าม่านอันเขียวชอุ่ม ฯลฯ ของ Rubens ไม่ได้รบกวน แต่ในทางกลับกันมีส่วนในการเปิดเผยลักษณะของตัวละครที่เจาะเข้าไปในโลกภายในของเขา ("ภาพเหมือนของสาวใช้")

แนวโน้มที่สมจริงในการวาดภาพสามารถสังเกตได้จากผลงานของศิลปินชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่ Rembrandt Garmens van Rijn (1606-1669) ธีมของงานของเขามีความหลากหลาย: หัวข้อทางศาสนา ตำนาน ประวัติศาสตร์ ภาพบุคคล ฉากประเภทต่างๆ ประการแรกงานศิลปะของ Rembrandt มีความโดดเด่นจากความรักต่อมนุษย์มนุษยนิยมในงานแต่ละชิ้นของ Rembrandt มีความพยายามที่จะถ่ายทอดวิวัฒนาการทางจิตวิญญาณของมนุษย์ซึ่งเป็นเส้นทางที่น่าเศร้าของการเรียนรู้เกี่ยวกับชีวิต ฮีโร่ของเขาคือคนที่มีตัวละครที่ขัดแย้งและมีโชคชะตาที่ยากลำบาก ศิลปินศึกษาธรรมชาติ แบบจำลองของเขาอยู่เสมอ ไม่จำกัดตัวเองอยู่เพียงการแสดงภาพลักษณะทั่วไป แรมแบรนดท์เข้าสู่ประวัติศาสตร์การวาดภาพโลกในฐานะผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพเหมือนตนเอง ในแต่ละปีเขาวาดภาพตัวเองว่าร่าเริงหรือเศร้า จากนั้นก็โกรธหรือไม่แยแส ในการถ่ายภาพตนเองนับร้อยภาพที่เขาสร้างขึ้น มีเรื่องราวชีวิตของเขา ชีวประวัติของจิตวิญญาณของเขา คำสารภาพของศิลปิน

ภาพวาด “การกลับมาของบุตรสุรุ่ยสุร่าย” พรรณนาถึงตอนสุดท้ายของอุปมานี้ เมื่อบุตรสุรุ่ยสุร่ายกลับมาบ้าน “และในขณะที่เขายังอยู่ห่างไกล บิดาก็เห็นเขาและรู้สึกสงสาร แล้ววิ่งไปกอดคอจูบเขา” และพี่ชายชอบธรรมที่ยังอยู่กับบิดาก็โกรธไม่ยอมเข้าไป

"Danae" มีพื้นฐานมาจากตำนานกรีกโบราณเกี่ยวกับ Danae มารดาของ Perseus เมื่อกษัตริย์แห่งเมือง Argos ของกรีกโบราณทราบถึงคำทำนายที่พระองค์ถูกกำหนดให้สิ้นพระชนม์ด้วยน้ำมือของบุตรชายของ Danae ลูกสาวของเขา พระองค์จึงทรงกักขังเธอไว้ในคุกใต้ดินและมอบหมายสาวใช้ให้กับเธอ อย่างไรก็ตาม เทพเจ้าซุส มาหาดาเนในรูปของการอาบน้ำทองคำ หลังจากนั้นเธอก็ให้กำเนิดลูกชายชื่อเพอร์ซีอุส

ในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 ลัทธิคลาสสิกได้เข้ามาครอบงำ ลัทธิคลาสสิก (French classicisme จากภาษาละติน classicus - แบบอย่าง) เป็นสไตล์ศิลปะและทิศทางสุนทรียภาพในศิลปะยุโรปในศตวรรษที่ 17-19 ลัทธิคลาสสิกมีพื้นฐานอยู่บนแนวคิดเรื่องเหตุผลนิยม จากมุมมองของลัทธิคลาสสิกงานศิลปะควรถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของหลักการที่เข้มงวดซึ่งจึงเผยให้เห็นถึงความกลมกลืนและตรรกะของจักรวาลเอง ปรมาจารย์แห่งลัทธิคลาสสิคไม่ได้ถ่ายทอดชีวิตที่อยู่รอบตัวพวกเขาในงานของพวกเขา พวกเขาพรรณนาถึงความเป็นจริงอันสูงส่งและพยายามสร้างภาพในอุดมคติที่สอดคล้องกับแนวคิดของพวกเขาเกี่ยวกับความสมเหตุสมผล กล้าหาญ และสวยงาม แก่นเรื่องของศิลปะคลาสสิกนั้นจำกัดอยู่เพียงประวัติศาสตร์โบราณ ตำนาน และพระคัมภีร์เป็นหลัก และภาษาที่เป็นรูปเป็นร่างและเทคนิคทางศิลปะก็ยืมมาจากศิลปะโบราณคลาสสิก ซึ่งในความคิดของปรมาจารย์แห่งลัทธิคลาสสิกนั้น สอดคล้องอย่างใกล้ชิดที่สุดกับอุดมคติที่กลมกลืนกันของ สมเหตุสมผลและสวยงาม

ผู้ก่อตั้งลัทธิคลาสสิกในภาพวาดฝรั่งเศสคือ Nicolas Poussin (1594-1665) ผลงานของเขาโดดเด่นด้วยความคิด ความคิด และความรู้สึกที่ลึกซึ้ง เขาเชื่อว่าศิลปะควรเตือนใจบุคคลให้ “มีวิจารณญาณและปัญญา ด้วยความช่วยเหลือซึ่งเขาจะสามารถดำรงตนมั่นคงและไม่สั่นคลอนก่อนชะตากรรมจะพัดเข้ามา” ภายในกรอบของโครงเรื่องจากเทพนิยายโบราณและพระคัมภีร์ ปูสซินเปิดเผยแก่นเรื่องของยุคสมัยใหม่ ในงานของเขาเขาต่อสู้เพื่อความสงบอันสง่างาม ความยับยั้งชั่งใจอันสูงส่ง และความสมดุล อุดมคติของเขาคือฮีโร่ที่รักษาความสงบแห่งจิตวิญญาณในการทดลองของชีวิตและสามารถบรรลุผลสำเร็จได้ ความคิดเรื่องความไม่ยั่งยืนของชีวิตและความตายที่หลีกเลี่ยงไม่ได้มักดึงดูดความสนใจของปูสซินและเป็นธีมของผลงานหลายชิ้นของเขา สิ่งที่ดีที่สุดในหมู่พวกเขาคือภาพวาด "The Arcadian Shepherds" (พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) ซึ่งดูเหมือนจะดำเนินการในช่วงต้นทศวรรษ 1650 พรรณนาถึงชาวเมืองสี่คนที่มีความสุขในตำนาน - อาร์คาเดียซึ่งพบหลุมฝังศพท่ามกลางพุ่มไม้หนาทึบและถอดรหัสคำที่แกะสลักไว้: "และฉันก็อยู่ในอาร์คาเดีย" การค้นพบโดยบังเอิญนี้ทำให้คนเลี้ยงแกะ Arcadian คิดและเตือนพวกเขาถึงความตายที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ แนวคิดเชิงปรัชญาอันลึกซึ้งที่เป็นรากฐานของภาพวาดนี้แสดงออกอย่างชัดเจนและเข้มงวดแบบคลาสสิก ธรรมชาติของรูปปั้น รูปลักษณ์ที่สง่างาม และความใกล้ชิดกับรูปแบบและสัดส่วนโบราณ บ่งบอกถึงความเป็นผู้ใหญ่ของศิลปะของปรมาจารย์ ภาพวาดนี้โดดเด่นด้วยความสมบูรณ์ของแนวคิดและการดำเนินการที่ไม่ธรรมดา และความโศกเศร้าที่ซ่อนเร้นซึ่งถูกเติมเต็มทำให้มีเสน่ห์ที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว หนึ่งในคุณสมบัติที่เป็นลักษณะเฉพาะของความสามารถของเขาคือความสามารถในการเปิดเผยโลกภายในของบุคคลที่เคลื่อนไหวท่าทางและจังหวะ

ในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมฝรั่งเศส ช่วงเวลาตั้งแต่ต้นรัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 15 จนถึงต้นการปฏิวัติ (พ.ศ. 2332) เรียกว่าช่วงเวลาแห่งการตรัสรู้ ลักษณะที่สำคัญที่สุดอย่างหนึ่งของวัฒนธรรมแห่งการตรัสรู้คือกระบวนการแทนที่หลักศาสนาทางศิลปะด้วยหลักทางโลก ในศตวรรษที่ 18 สถาปัตยกรรมทางโลกมีความสำคัญเหนือกว่าสถาปัตยกรรมโบสถ์เป็นครั้งแรกในยุโรปเกือบทั้งหมด

ชีวิตทางสังคมของการตรัสรู้เป็นเรื่องที่ถกเถียงกันมาก ผู้รู้แจ้งต่อสู้กับ "ระเบียบเก่า" ซึ่งในขณะนั้นยังคงมีอำนาจที่แท้จริง ไม่เพียงแต่รูปแบบของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะเท่านั้น แต่ยังรวมถึงวิถีชีวิตของราชสำนักซึ่งแสดงถึง "ระเบียบเก่า" ของยุโรปด้วยกลายเป็นโรโคโค (จากภาษาฝรั่งเศส "rocaille" - เปลือกหอย) ชื่อสื่อถึงคุณสมบัติหลักของสไตล์นี้ - การเลือกรูปทรงที่ซับซ้อนและประณีตและเส้นแปลก ๆ ที่ชวนให้นึกถึงภาพเงาของเปลือกหอย

คำว่า "โรโคโค" (หรือ "โรเคลล์") ถูกนำมาใช้ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ในระยะแรก “โรคาลล์” เป็นวิธีการตกแต่งภายในถ้ำ อ่างน้ำพุ ฯลฯ ด้วยฟอสซิลต่างๆ ที่เลียนแบบการก่อตัวตามธรรมชาติ คุณสมบัติที่เป็นลักษณะเฉพาะของ Rococo คือความซับซ้อนการตกแต่งภายในและองค์ประกอบการตกแต่งที่ยอดเยี่ยมจังหวะการประดับที่สง่างามความเอาใจใส่ต่อตำนานอย่างมากและความสะดวกสบายส่วนบุคคล

สถาปัตยกรรมโรโคโค

ต่างจากบาโรกซึ่งมีรูปแบบราชสำนักโดยเฉพาะ โรโกโกเป็นศิลปะของชนชั้นสูงและชนชั้นสูงของชนชั้นกระฎุมพี ตอนนี้เป้าหมายหลักของอาจารย์ไม่ใช่การยกย่องใครหรือสิ่งใด ๆ แต่เป็นความสะดวกสบายและความพึงพอใจของบุคคลใดบุคคลหนึ่ง สถาปนิก Rococo เริ่มให้ความสำคัญกับความสะดวกสบายของมนุษย์ พวกเขาละทิ้งความโอ่อ่าของอาคารสไตล์บาโรกอันงดงามและพยายามล้อมรอบผู้คนด้วยบรรยากาศที่สะดวกสบายและสง่างาม การวาดภาพยังละทิ้ง "แนวคิดที่ยอดเยี่ยม" และกลายเป็นสิ่งที่สวยงามเพียงอย่างเดียว เป็นอิสระจากอารมณ์อันรุนแรงของยุคบาโรก ภาพวาดจึงเต็มไปด้วยแสงเย็นและฮาล์ฟโทนอันละเอียดอ่อน โรโกโกอาจเป็นรูปแบบฆราวาสรูปแบบแรกเกือบทั้งหมดในประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป ทั้งปรัชญาการตรัสรู้และศิลปะโรโกโกแยกออกจากโบสถ์ ผลักดันธีมทางศาสนาไปไกลถึงเบื้องหลัง จากนี้ไปทั้งภาพวาดและสถาปัตยกรรมควรจะดูสว่างและน่ารื่นรมย์ สังคมที่กล้าหาญแห่งศตวรรษที่ 18 เบื่อหน่ายกับศีลธรรมและการเทศนา ผู้คนต้องการมีชีวิตที่สนุกสนานและได้รับความเพลิดเพลินสูงสุดจากชีวิต

โรโกโกไม่ได้ปรากฏตัวในการออกแบบภายนอกของอาคาร แต่เฉพาะในการตกแต่งภายในตลอดจนในการออกแบบหนังสือ เสื้อผ้า เฟอร์นิเจอร์ และภาพวาด สไตล์โรโกโกยังแสดงออกมาได้อย่างยอดเยี่ยมในทุกสาขาของการผลิตทางศิลปะและอุตสาหกรรม มันถูกใช้อย่างประสบความสำเร็จเป็นพิเศษในการผลิตเครื่องเคลือบดินเผา มอบความสง่างามอันเป็นเอกลักษณ์ให้กับทั้งรูปแบบและการตกแต่งของผลิตภัณฑ์ ต้องขอบคุณเขาที่งานประดิษฐ์นี้ก้าวไปข้างหน้าอย่างมากในช่วงเวลานั้น และได้รับการยกย่องอย่างมากในหมู่คนรักศิลปะ นอกจากเครื่องลายครามแล้ว เงินยังเป็นแฟชั่นอีกด้วย รับทำชามช็อกโกแลต ถ้วยอบ หม้อกาแฟ จาน จาน และอื่นๆ อีกมากมาย ในศตวรรษนี้ ศิลปะการทำอาหารในรูปแบบสมัยใหม่ถือกำเนิดขึ้น รวมถึงศิลปะการจัดโต๊ะด้วย เฟอร์นิเจอร์ Rococo มีคุณสมบัติที่โดดเด่น ลักษณะเด่นประการหนึ่งคือเส้นโค้ง ขาโค้ง เฟอร์นิเจอร์มีน้ำหนักเบาและหรูหรามากขึ้นเมื่อเทียบกับเมื่อก่อน เฟอร์นิเจอร์ชิ้นใหม่ปรากฏขึ้น: โต๊ะคอนโซล, เลขานุการ, สำนักงาน, ตู้ลิ้นชัก, ตู้เสื้อผ้า เก้าอี้สองประเภทที่พบบ่อยที่สุดคือ Bergere และ Marquise เชิงเทียนปิดทอง นาฬิกา ตุ๊กตากระเบื้อง ผ้าม่าน และฉากกั้นเป็นองค์ประกอบสำคัญของสไตล์โรโกโก กระจกและภาพวาดที่มีน้ำหนักไม่สมมาตรถูกนำมาใช้อย่างมากมาย บนโซฟาและอาร์มแชร์ ให้ใช้หมอนผ้าไหมและเบาะนั่งที่มีลวดลายปัก ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจก็คือมันเป็นสไตล์การออกแบบโรโคโคที่นำนวัตกรรมดังกล่าวมาสู่การตกแต่งภายในเช่นเดียวกับตู้ปลาในการตกแต่งภายใน

ภายในโรโคโค

ธีมหลักของการวาดภาพโรโคโคคือชีวิตอันงดงามของชนชั้นสูงในราชสำนัก "การเฉลิมฉลองที่กล้าหาญ" และภาพชีวิต "คนเลี้ยงแกะ" ที่งดงามโดยมีฉากหลังเป็นธรรมชาติอันบริสุทธิ์ หนึ่งในปรมาจารย์ด้านศิลปะฝรั่งเศสที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 18 คือ Antoine Watteau (1684-1721) ศิลปินที่ให้ความรู้สึกบทกวีอันละเอียดอ่อนและพรสวรรค์ทางศิลปะที่ยอดเยี่ยม ปรมาจารย์แห่ง "การเฉลิมฉลองอันกล้าหาญ" ผู้ช่างฝันและเศร้าโศก เขานำบทกวีที่แท้จริงและความรู้สึกลึกซึ้งมาสู่การวาดภาพชีวิตในสังคมฆราวาสของเขา และสัมผัสถึงความเศร้าโศกและความไม่พอใจในการตีความฉากรักและความสนุกสนานที่ไร้กังวล บ่อยครั้งที่เราเห็นในภาพเขียนของเขาภาพของนักฝันที่โดดเดี่ยวเศร้าโศกและเศร้าหมกมุ่นอยู่กับความคิดและขจัดความสนุกสนานที่มีเสียงดังออกจากความไร้สาระอันไร้สาระของฝูงชน นี่คือฮีโร่ที่แท้จริงของวัตโต ผลงานของเขามักเต็มไปด้วยความโศกเศร้าที่เป็นโคลงสั้น ๆ เราจะไม่พบสีสันที่สนุกสนานคมกริบและมีเสียงดังในตัวพวกเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่งเขาชอบวาดภาพสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษที่กำลังเดินหรือสนุกสนานกับพื้นหลังของภูมิทัศน์ ในสวนสาธารณะอันร่มรื่นที่รกร้าง บนริมฝั่งสระน้ำและทะเลสาบ นี่คือภาพวาดที่มีเสน่ห์สองภาพใน Dresden Gallery เช่น "Society in the Park" ซึ่งทุกสิ่งเต็มไปด้วยอารมณ์โคลงสั้น ๆ ที่ละเอียดอ่อนและแม้แต่รูปปั้นหินอ่อนของเทพเจ้าโบราณก็ดูเหมือนจะเป็นที่โปรดปรานของคู่รัก

“มาถึงเกาะไคเธอร่า”

ศิลปิน Rococo ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Francois Boucher ซึ่งนอกเหนือจากการวาดภาพแล้วยังทำงานในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ทุกประเภท: เขาสร้างกระดาษแข็งสำหรับผ้าม่าน ภาพวาดสำหรับเครื่องลายคราม Sevres พัดทาสี แสดงภาพย่อส่วนและภาพวาดตกแต่ง François Boucher เป็นศิลปินที่มีอุดมการณ์เกี่ยวข้องกับสังคมชนชั้นสูงในช่วงที่ตกต่ำ เขาจับภาพความปรารถนาที่จะเพลิดเพลินไปกับพรแห่งชีวิตที่ครองราชย์ในหมู่ชนชั้นสูงในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 บนผืนผ้าใบของเขา ในงานของ Boucher มีเนื้อหาเกี่ยวกับตำนานอยู่อย่างแพร่หลาย ทำให้เกิดการพรรณนาถึงผู้หญิงที่เปลือยเปล่าและร่างกายของเด็ก โดยเฉพาะอย่างยิ่งเขามักจะเขียนวีรสตรีในตำนาน - ในช่วงเวลาต่าง ๆ ของเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ หรือยุ่งอยู่ในห้องน้ำ ลักษณะเฉพาะของ Boucher ไม่น้อยไปกว่าสิ่งที่เรียกว่าอภิบาลหรือฉากคนเลี้ยงแกะ ความหลงใหลในธีมอภิบาลซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุคทั้งหมดนั้นสะท้อนถึงทฤษฎีที่ทันสมัยในขณะนั้นซึ่งมีเพียงคนที่ไร้เดียงสาที่อาศัยอยู่ห่างไกลจากอารยธรรมท่ามกลางธรรมชาติเท่านั้นที่มีความสุข คนเลี้ยงแกะและหญิงเลี้ยงแกะของเขาเป็นชายหนุ่มและหญิงสาวที่ฉลาดและน่ารัก แต่งกายด้วยชุดเล็กๆ น้อยๆ และมีภาพทิวทัศน์เป็นฉากหลัง นอกเหนือจากภาพอภิบาลและภาพวาดในตำนานแล้ว เขายังวาดภาพฉากประเภทต่างๆ จากชีวิตของสังคมชนชั้นสูง ภาพบุคคล (โดยเฉพาะอย่างยิ่งภาพเหมือนของ Marquise of Pompadour) ภาพทางศาสนา ซึ่งมักจะแก้ไขด้วยวิธีการตกแต่งแบบเดียวกัน (“พักผ่อนบนเครื่องบินไปอียิปต์” ) ดอกไม้ และลวดลายประดับ Boucher มีพรสวรรค์ที่ไม่อาจปฏิเสธได้ในฐานะมัณฑนากร เขารู้วิธีเชื่อมโยงองค์ประกอบของเขากับการออกแบบตกแต่งภายใน

แฟชั่นโรโคโค

คำถามและงาน:

1. บอกเราเกี่ยวกับลักษณะทางสุนทรีย์ของสไตล์บาโรก

2. บอกเราเกี่ยวกับคุณลักษณะของการวาดภาพสไตล์บาโรกโดยใช้ตัวอย่างผลงานของรูเบนส์

3. บอกเราเกี่ยวกับสไตล์การวาดภาพของ Rembrandt

4. เหตุใดสไตล์โรโคโคจึงถือเป็นสไตล์ของชนชั้นสูง?

5. ทัวร์ทางจดหมายถึงแวร์ซายส์

ขบวนการการศึกษาพบการแสดงออกในวิทยาศาสตร์และวรรณคดีเป็นหลัก ผลงานเต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งการตรัสรู้ เลซาจ, วอลแตร์, มงเตสกีเยอ("จิตวิญญาณแห่งกฎหมาย") รุสโซ("คำสารภาพ") ดิเดอโรต์, ดาล็องแบร์และนักเขียนและบุคคลสาธารณะคนอื่นๆ ที่เป็นนักโฆษณาชวนเชื่อเกี่ยวกับโลกทัศน์ใหม่

วรรณกรรมแห่งการตรัสรู้ผลงานของวอลแตร์, ดิเดอโรต์, ล็อค, เฮลเวเทียส, รุสโซ, ริชาร์ดสันเป็น "วรรณกรรมโลก" อยู่แล้วในความหมายที่แคบของคำ ตั้งแต่ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 "การเจรจาของชาวยุโรป" ได้เริ่มต้นขึ้น โดยที่ประเทศที่มีอารยธรรมทุกประเทศเข้ามามีส่วนร่วม แม้ว่าประเทศส่วนใหญ่จะไม่โต้ตอบก็ตาม วรรณกรรมแห่งยุคนั้นเป็นวรรณกรรมของยุโรปโดยรวม ซึ่งเป็นการแสดงออกของชุมชนแห่งความคิดของชาวยุโรปที่ไม่เคยพบเห็นมาก่อนตั้งแต่ยุคกลาง

“ทฤษฎีและการปฏิบัติของวรรณกรรมโลกเป็นการสร้างสรรค์ของอารยธรรม โดยมีเงื่อนไขตามเป้าหมายและวิธีการของการค้าโลก -ก. เฮาเซอร์เชื่อ - - สิ่งที่ขัดแย้งกันคือชาวเยอรมันซึ่งในบรรดาชาติที่ยิ่งใหญ่เป็นผู้มีส่วนสนับสนุนวรรณกรรมโลกน้อยที่สุด เป็นคนแรกที่ตระหนักถึงความหมายของวรรณกรรมและพัฒนาแนวคิดนี้”

ประมุขแห่งการตรัสรู้ของฝรั่งเศสถือว่าถูกต้อง วอลแตร์(ฟรองซัวส์ มารี-อารูเอต์) มรดกทางบทกวีของเขามีความหลากหลายในประเภท: บทกวีมหากาพย์ ปรัชญา และการ์ตูนวีรชน บทกวี เสียดสี บทกวี บทกวี (“Candide หรือ Optimism”)

ในวรรณกรรมด้านการศึกษาของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 คอเมดีมีจุดสำคัญประการหนึ่งในแง่ของอิทธิพลที่มีต่อมวลชน ปิแอร์ ออกัสตินบารอน เดอ โบมาร์เช่ส์(1732-1799) ช่างเครื่องและนักประดิษฐ์ นักดนตรีและกวี ในขณะเดียวกันก็เป็นนักธุรกิจและนักการทูต ผลงานที่โดดเด่นที่สุดของเขาคือคอเมดี้เรื่อง "The Barber of Seville", "The Marriage of Figaro" (ส่วนที่สามของไตรภาคเกี่ยวกับ Figaro คือละครเรื่อง "The Criminal Mother") เป็นที่ทราบกันว่า พระเจ้าหลุยส์ที่ 16หลังจากฟังละครเรื่อง "The Marriage of Figaro" แล้ว เขาก็อุทานว่า "Bastille ต้องถูกทำลายจึงจะยอมให้สิ่งนี้อยู่บนเวที"

ภายในปี 1685 ช่วงเวลาแห่งการสร้างสรรค์สิ้นสุดลง ลัทธิบาโรกคลาสสิก, เลอบรุนสูญเสียอิทธิพลและนักเขียนผู้ยิ่งใหญ่แห่งยุคนั้นก็พูดคำที่เด็ดขาด: ราซีน, โมลิแยร์, บอยโล,และ บูเชอร์ด้วยการอภิปรายเรื่อง “เก่าและใหม่” การต่อสู้ระหว่างประเพณีและความก้าวหน้าเริ่มต้นขึ้น rationalism และ “sentimentalism” ซึ่งจะจบลงใน ก่อนโรแมนติก ดิเดอโรต์.ชนชั้นสูงและชนชั้นกระฎุมพีรวมกันเป็นชนชั้นวัฒนธรรมเดียว สมาชิกของสังคมชั้นสูงไม่เพียงพบกันโดยบังเอิญในบ้านของนักการเงินและเจ้าหน้าที่เท่านั้น แต่ยังเป็นแขกประจำและ "ฝูงชน" ใน "ร้านเสริมสวย" ของชนชั้นกระฎุมพีผู้รู้แจ้ง ชนชั้นกระฎุมพีค่อยๆ เชี่ยวชาญวัฒนธรรมทุกรูปแบบ เธอไม่เพียงแต่เขียนหนังสือเท่านั้น แต่ยังอ่านหนังสืออีกด้วย ไม่เพียงแต่วาดภาพเขียนเท่านั้น แต่ยังได้มาอีกด้วย แม้แต่ในศตวรรษก่อนๆ ก็มีประชาชนจำนวนไม่มากที่สนใจงานศิลปะ แต่ปัจจุบันชนชั้นวัฒนธรรมกำลังกลายเป็นเจ้าของงานศิลปะที่แท้จริง นี่คือยุคแห่งกิจกรรมทางปัญญาที่ไม่ธรรมดา

แนวความคิดของศิลปะกำลังเปลี่ยนแปลงไป มันกลายเป็นมนุษยธรรม เข้าถึงได้มากขึ้น และเสแสร้งน้อยลง มันไม่ใช่ศิลปะสำหรับมนุษย์กึ่งเทพและ "ซูเปอร์แมน" อีกต่อไป แต่มีไว้สำหรับมนุษย์ สิ่งมีชีวิตที่ตระการตาและอ่อนแอ มันไม่ได้แสดงออกถึงความยิ่งใหญ่และพลังอีกต่อไป แต่เป็นความงดงามและความสง่างามของชีวิต มันไม่ได้มุ่งมั่นที่จะสร้างแรงบันดาลใจให้เกิดความเคารพและความอัปยศอดสูอีกต่อไป แต่เพื่อสร้างเสน่ห์และให้ความสุข ประชาชนกลุ่มใหม่กำลังถูกสร้างขึ้น ซึ่งประกอบด้วยชนชั้นสูงที่ก้าวหน้าและชนชั้นกระฎุมพีใหญ่ ซึ่งทำให้ศิลปะมีอำนาจทางศิลปะที่ไม่มีใครรู้จักมาจนบัดนี้ การละทิ้งข้อจำกัดเฉพาะเรื่องแบบเก่านำไปสู่การเกิดขึ้นของศิลปินหน้าใหม่ เช่น วัตโตซึ่งได้สืบสานประเพณี รูเบนส์และกลายเป็นศิลปินคนแรกที่มีผลงานจิตรกรรม “ฝรั่งเศส” อย่างแท้จริง

ฟื้นขึ้นมาในศตวรรษที่ 18 อภิบาล,มีอยู่ในยุคเฮลเลนิสติก ศตวรรษที่ 18 เป็นยุคของฝรั่งเศส เรื่องสั้น,ในการสร้างสรรค์ วอลแตร์, พรีโวสต์, ลาโคลส์, ดิเดอโรต์และ รุสโซการวิจัยทางจิตวิทยายุคนี้สะท้อนให้เห็น

วิวัฒนาการของศิลปะในราชสำนักเกือบจะไม่หยุดชะงักนับตั้งแต่สิ้นสุดยุคเรอเนซองส์ ล่าช้าไปในศตวรรษที่ 18 และในที่สุดก็หยุดลงโดยอัตวิสัยชนชั้นกลาง คุณลักษณะบางอย่างของการวางแนวใหม่ต่อการเลิกใช้ศิลปะในศาลปรากฏอยู่แล้ว โรโคโคสีและเฉดสีเป็นที่นิยมมากกว่าการวาดเส้นทึบ ธรรมเนียม พิสดารถูกโจมตีจากสองทิศทาง: "ความรู้สึกอ่อนไหว" และ "ธรรมชาตินิยม" รุสโซ, ริชาร์ดสัน, กรอยซ, โฮการ์ธ- ด้านหนึ่ง เลสซิง, วินเคลมันน์, เมงส์, เดวิด- กับอีกอัน การเคลื่อนไหวทั้งสองมีความแตกต่างระหว่างศิลปะของชนชั้นสูงกับอุดมคติของความเรียบง่ายและความจริงจังของแนวคิดชีวิตที่เคร่งครัด ในตอนท้ายของศตวรรษนี้ ไม่มีงานศิลปะอื่นใดในยุโรปนอกจากชนชั้นกระฎุมพี A. Hauser ตั้งข้อสังเกตว่า “น้อยครั้งนักในประวัติศาสตร์ศิลปะที่มีการเปลี่ยนแปลงทิศทางอย่างรวดเร็วจากชนชั้นหนึ่งไปอีกชนชั้นหนึ่ง โดยชนชั้นกระฎุมพีเข้ามาแทนที่ชนชั้นสูงโดยสิ้นเชิง”

วิวัฒนาการนี้บรรลุถึงจุดสุดยอดและเป้าหมายในช่วงการปฏิวัติฝรั่งเศสและ แนวโรแมนติก,ด้วยการบั่นทอนพระราชอำนาจอันเป็นหลักการแห่งอำนาจเด็ดขาด ด้วยความระส่ำระสาย ของราชสำนักอันเป็นศูนย์กลางของศิลปะและวัฒนธรรม กับการเสื่อมถอยของยุคบาโรก ลัทธิคลาสสิกเป็นสไตล์ศิลปะที่แรงบันดาลใจของอำนาจสมบูรณาญาสิทธิราชย์พบการแสดงออกโดยตรง

ในประเทศฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 (ครั้ง พระเจ้าหลุยส์ที่ 15)สไตล์ก็ปรากฏขึ้น โรโคโค,หรือ โรเซล(ฝรั่งเศส: เปลือก) ซึ่งสอดคล้องกับความต้องการของยุคประชาธิปไตย การตรัสรู้

ในวิจิตรศิลป์ฝรั่งเศส ขั้นตอนการพัฒนาต่อไปนี้ถูกบันทึกไว้: "สไตล์รีเจนซี่" - ในช่วงต้น โรโคโค,"สไตล์หลุยส์ที่ 15" - เป็นผู้ใหญ่ โรโคโค,"สไตล์หลุยส์ที่ 16" - ตกแต่ง โรคาลล์, จักรวรรดิ("นโปเลียน" คลาสสิค)

โรโคโคแสดงการกบฏของชนชั้นสูงต่อความเป็นจริงอันโหดร้าย เสื้อผ้า ทรงผม รูปลักษณ์ภายนอกกลายเป็นวัตถุทางศิลปะ ผู้คนมีคุณค่าจากการแต่งกายของพวกเขา ผู้หญิงคนนั้นเป็นตัวแทนของตุ๊กตาอันล้ำค่าซึ่งเป็นดอกไม้อันวิจิตรงดงาม

โรโคโคไม่ใช่ราชวงศ์อีกต่อไป แต่ยังคงเป็นศิลปะของชนชั้นสูง มันเป็นศิลปะที่ขัดแย้งกับหลักการทางสุนทรีย์ของแบบแผนและบรรทัดฐาน จริงๆด้วย โรโคโคศิลปะชนชั้นกลางเริ่มต้นขึ้นซึ่งถูกกำหนดโดยอุดมการณ์ประชาธิปไตยและอัตนัย แต่ยังคงรักษาความเชื่อมโยงอย่างต่อเนื่องกับประเพณีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา พิสดารและ โรโคโค โรโคโคได้เตรียมทางเลือกใหม่นี้ในการย่อยสลาย ลัทธิคลาสสิกช้า พิสดารสไตล์การถ่ายภาพด้วยการรับรู้สีด้วยเทคนิคอิมเพรสชั่นนิสม์ซึ่งสอดคล้องกับการแสดงออกถึงความรู้สึกของชนชั้นใหม่ โลดโผนและสุนทรียภาพ โรโคโคพบว่าตัวเองอยู่ระหว่างพิธีการ พิสดารและบทกวี แนวโรแมนติก โรโคโคเป็นศิลปะเกี่ยวกับกามที่มีจุดมุ่งหมายเพื่อคนรวยเพื่อเพิ่มความสามารถในการเพลิดเพลิน โรโคโคพัฒนารูปแบบภายนอก (หรือเรียกว่า "ศิลปะเพื่อประโยชน์ของศิลปะ") ซึ่งเป็นลัทธิแห่งความงามที่ตระการตา ภาษาศิลปะที่เป็นทางการและซับซ้อน มีไหวพริบ มีไหวพริบ และไพเราะ แต่ โรโคโค -นี่เป็นรูปแบบสากลสุดท้ายของยุโรปซึ่งเผยแพร่ไปทั่วทุกประเทศและได้รับการยอมรับจากศิลปินหลายคน

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 เจตจำนงของศิลปินแต่ละคนได้กลายเป็นเรื่องส่วนตัว เนื่องจากเขาต้องต่อสู้เพื่อแสดงตัวตนด้วยวิธีการของตนเองอยู่แล้ว เขาไม่สามารถอยู่ในตำแหน่งที่ยอมรับก่อนหน้านี้ได้ แบบฟอร์มใด ๆ ที่ยอมรับกลายเป็นอุปสรรคสำหรับเขา ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 มีการเปลี่ยนแปลงการปฏิวัติเกิดขึ้น: ชนชั้นกระฎุมพีปรากฏตัวพร้อมกับความเป็นปัจเจกนิยมและมุ่งมั่นในการสร้างสรรค์ มันเข้ามาแทนที่แนวคิดเรื่องสไตล์ในฐานะชุมชนที่ปลดปล่อยจิตวิญญาณอย่างมีสติและให้ความหมายสมัยใหม่แก่แนวคิดเรื่องทรัพย์สินทางปัญญา

อองตวน วัตโต(1684-1721) - ตัวแทนของสไตล์ โรโคโคในการวาดภาพซึ่งเป็นประเภททั่วไปของ "วันหยุดที่กล้าหาญ" ("งานฉลองแห่งความรัก") ฟรองซัวส์ บูเชอร์- ตัวแปรของข้าราชบริพาร โรเซล:รายละเอียดที่ฉุนเฉียวความคลุมเครือขี้เล่น โทนสีอ่อนได้รับการแก้ไขและแยกออกเป็นรายละเอียดแยกกันเป็นสีอิสระ: "สีแห่งเวลาที่สูญเสีย" ("สถานการณ์", "ซาโวยาร์ดกับบ่าง", "กิลส์")

ในขณะเดียวกันก็มี "รูปแบบที่สาม" ในการวาดภาพซึ่งโดดเด่นด้วยแสงที่สนุกสนาน เรื่องโป๊เปลือย(“แปลงกล้าหาญ”): ฌ็อง บัปติสต์ ไซมอน ชาร์แด็ง(1699-1779) - "จากตลาด", "หุ่นนิ่งพร้อมคุณสมบัติทางศิลปะ"; เอ็น. ไลครา(1690-1743) - "นักเต้นคามาร์โก"; ฌอง-เอเตียน ลีโอทาร์ด(1702-1789) "สาวช็อคโกแลต"; เจ-บี ออเนอร์ ฟราโกนาร์ด(1732-1806) - "จูบที่ถูกขโมย"; เจ-บี.กรอยซ์(ค.ศ. 1725-1805) - “คนเป็นอัมพาตหรือผลจากการเลี้ยงดูที่ดี”

นักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นในเวลานี้ ฌอง ฟิลิปป์ ราโม(พ.ศ. 2226-2307) ผู้แต่งผลงานดนตรีและละครสามสิบห้าชิ้น ในหมู่พวกเขา: บัลเล่ต์ "Gallant India" โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ "โพร" พร้อมบทเพลง วอลแตร์,บัลเล่ต์ตลก "Platea หรือ Juno อิจฉา" กล้าหาญ อภิบาล"Zais", โอเปร่า "Castor and Pollux", "Hippolytus and Arisia", "Dardan" ฯลฯ ในงานของเขาฮาร์ปซิคอร์ดจิ๋วแบบเป็นโปรแกรมและภาพถึงจุดสูงสุด: "Cheeping Birds", "Tender Complaints", " Chicken”, “ Tambourine” และอื่นๆ รวมทั้งหมด 52 เรื่อง เจ.เอฟ. ราโมเป็นนักทฤษฎีดนตรีที่โดดเด่น: “Treatise on Harmony” (1722)

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 การแสดงเสียดสีของโรงละครยุติธรรมประเภทใหม่กำลังเติบโต - "โอเปร่า - การ์ตูน" ตัวอย่างแรกของเธอคือ อภิบาล“พ่อมดประจำหมู่บ้าน” รุสโซ(1752) การก่อตั้งประเภทนี้ได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการมาถึงของคณะโอเปร่าอิตาลีในปารีสในปี 1752 ด้วยการแสดง บุฟเฟ่ต์โอเปร่า(ละครการ์ตูนโอเปร่าหลากหลายของอิตาลีซึ่งพัฒนาขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 18 โดยมีพื้นฐานมาจากละครตลก del arte)

"ลัทธิดั้งเดิมรุสโซส์"ตามคำกล่าวของ A. Hauser เป็นเพียงหนึ่งในตัวแปรของอุดมคติ "อาร์คาดิก" และรูปแบบของความฝันเรื่องการปลดปล่อยซึ่งเผชิญอยู่ตลอดเวลา แต่ในรุสโซกลับมี "ความไม่พอใจในวัฒนธรรม"(“ความชั่วร้ายในวัฒนธรรม”) ได้รับการกำหนดขึ้นอย่างมีสติเป็นครั้งแรก และเขาเป็นคนแรกที่พัฒนา แม้จะรังเกียจวัฒนธรรม ซึ่งเป็นปรัชญาแห่งประวัติศาสตร์ก็ตาม ความลึกซึ้งและความแพร่หลายของอิทธิพลของรุสโซมีไม่สิ้นสุด นี่คือปรากฏการณ์ทางจิตวิญญาณประการหนึ่งที่ - A. Hauser พูดว่า - สามารถนำไปเปรียบเทียบกับมาร์กซ์และซี ฟรอยด์ ผู้ซึ่งเปลี่ยนโลกทัศน์ของคนหลายล้านคนที่ไม่รู้จักชื่อของพวกเขาด้วยซ้ำ”

ดังนั้นการเปลี่ยนแปลงรูปแบบวรรณกรรมในภาษาอังกฤษ ก่อนโรแมนติก- นี่เป็นเรื่องด้วย รุสโซ:การแทนที่รูปแบบเชิงบรรทัดฐานด้วยรูปแบบอัตนัยและอิสระ

สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในดนตรีซึ่งกลายเป็นงานศิลปะที่เป็นตัวแทนทางประวัติศาสตร์ จนถึงศตวรรษที่ 18 ดนตรีทั้งหมดเป็นดนตรีที่แต่งขึ้นในโอกาสพิเศษ ซึ่งประพันธ์โดยเจ้าชาย โบสถ์ หรือสภาเมือง และมีจุดมุ่งหมายเพื่อทำให้สังคมในราชสำนัก ยกย่องความนับถือในพิธีเฉลิมฉลองพิธีกรรม หรือเชิดชูวันหยุดนักขัตฤกษ์ เมื่อถึงกลางศตวรรษที่ 18 สิ่งนี้ถูกมองว่าเป็นข้อเสียเปรียบและเพื่อที่จะเอาชนะมันได้จึงมีการสร้างสมาคมดนตรีในเมืองขึ้นเพื่อจัดคอนเสิร์ตดนตรีล้วนๆซึ่งไม่เคยเกิดขึ้นมาก่อน ชนชั้นกระฎุมพีกลายเป็นผู้ชมหลักของคอนเสิร์ตเหล่านี้ ดนตรีกลายเป็นรูปแบบศิลปะยอดนิยมของชนชั้นกระฎุมพี ซึ่งชีวิตทางอารมณ์ของดนตรีมีการแสดงออกที่ตรงไปตรงมามากขึ้น แต่การปรากฏตัวของชนชั้นกลางในคอนเสิร์ตไม่เพียงเปลี่ยนแปลงลักษณะของวิธีการแสดงออกทางดนตรีและตำแหน่งทางสังคมของนักแต่งเพลงเท่านั้น แต่ยังให้ทิศทางใหม่กับความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและความหมายใหม่ให้กับงานดนตรีแต่ละชิ้น

โนเวลลาในชีวิตประจำวันและครอบครัวของชนชั้นกลางเป็นนวัตกรรมที่สมบูรณ์หลังจากโนเวลลาเชิงอภิบาลและปิกาเรสก์ ซึ่งครอบงำวรรณกรรมจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 แต่ก็ไม่ได้ต่อต้านตัวเองกับวรรณกรรมเก่า และละครชนชั้นกลางก็ออกมาต่อต้านโศกนาฏกรรมแบบคลาสสิกอย่างเปิดเผย และกลายเป็นกระแสข่าวของชนชั้นกระฎุมพีปฏิวัติ ละครชนชั้นกลางเริ่มแรกประกาศการลดค่าคุณค่าวีรบุรุษของชนชั้นสูงและเป็นการโฆษณาชวนเชื่อเกี่ยวกับศีลธรรมและความเท่าเทียมกันของชนชั้นกลาง

เรียบร้อยแล้ว ดิเดอโรต์ได้กำหนดหลักการที่สำคัญที่สุดของทฤษฎีละครแนวธรรมชาตินิยม เขาไม่เพียงต้องการแรงจูงใจตามธรรมชาติและจิตใจที่ถูกต้องสำหรับกระบวนการทางจิตวิญญาณเท่านั้น แต่ยังต้องการคำอธิบายที่ถูกต้องเกี่ยวกับสภาพแวดล้อมและความจงรักภักดีต่อธรรมชาติในทิวทัศน์ด้วย ดิเดอโรต์ต้องการให้เล่นราวกับว่าไม่มีผู้ชมอยู่หน้าเวที นี่คือจุดเริ่มต้นของภาพลวงตาที่สมบูรณ์อย่างแท้จริงของโรงละคร การขจัดแบบแผนต่างๆ และการปกปิดธรรมชาติของการแสดงที่สมมติขึ้น

ศตวรรษที่ 18 นั้นขัดแย้งกัน ไม่เพียงแต่ปรัชญาของมันจะผันผวนระหว่างลัทธิเหตุผลนิยมและอุดมคตินิยมเท่านั้น แต่เป้าหมายทางศิลปะของมันถูกกำหนดโดยกระแสน้ำที่เข้มงวดที่ขัดแย้งกันสองกระแส ลัทธิคลาสสิกและไม่ควบคุม งดงามในละครเช่นเดียวกับศิลปะรูปแบบอื่นๆ ลัทธิคลาสสิกมีความหมายเหมือนกันกับชัยชนะ ความเป็นธรรมชาติและ เหตุผลนิยมในด้านหนึ่ง เหนือจินตนาการและความไม่มีระเบียบวินัย อีกด้านหนึ่ง เหนือ ความเสน่หาและแบบแผนทางศิลปะที่เคยเกิดขึ้นมาก่อน

ใหม่ ลัทธิคลาสสิกไม่ใช่การแสดงด้นสด การพัฒนาเริ่มต้นในยุคกลาง แต่ศิลปะแห่งยุคปฏิวัตินั้นแตกต่างไปจากรุ่นก่อน ความคลาสสิค,ว่าแนวคิดทางศิลปะที่เป็นทางการอย่างเคร่งครัด ซึ่งวิวัฒนาการสิ้นสุดลงที่นี่ จะได้รับอำนาจเหนือกว่า ลัทธิคลาสสิกซึ่งแผ่ขยายตั้งแต่กลางคริสต์ศตวรรษที่ 18 จนถึงกลางคริสต์ศตวรรษที่ 19 ไม่ใช่ขบวนการเดียว แต่มีวิวัฒนาการ โดยมีการแสดงเป็นช่วงต่างๆ ระยะแรกเกิดขึ้นระหว่างปี 1750 ถึง 1780 และมักเรียกว่า "โรโคโคคลาสสิค"เนื่องจากการผสมผสานรูปแบบจนกลายเป็น “สไตล์พระเจ้าหลุยส์ที่ 16” ในที่สุด เรียบร้อยแล้ว พิสดารโดดเด่นด้วยความผันผวนระหว่าง เหตุผลนิยมและ โลดโผน,ความเป็นทางการและความเป็นธรรมชาติ คลาสสิกและทันสมัย ​​และพยายามแก้ไขสิ่งที่ตรงกันข้ามเหล่านี้ในรูปแบบเดียว

คลาสสิคศิลปะได้รับความเกี่ยวข้องอีกครั้งในศตวรรษที่ 18 เพราะหลังจากที่ศิลปะมีเทคนิคที่ยืดหยุ่นและลื่นไหลมากเกินไป หลังจากความประทับใจในการเล่นสีและโทนสีมากเกินไป ก็รู้สึกได้ถึงความปรารถนาในสไตล์ศิลปะที่มีความปานกลาง จริงจังมากขึ้น และมีวัตถุประสงค์มากขึ้น เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่าการขุดค้น

ปอมเปอีกรีกโบราณ (1748) เป็นปัจจัยชี้ขาดในการฟื้นฟูความสนใจในคลาสสิก การรวบรวมโบราณวัตถุกลายเป็นความหลงใหลอย่างแท้จริง เงินจำนวนมหาศาลถูกใช้ไปกับการได้มาซึ่งผลงานศิลปะคลาสสิก

ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 17 ตีความโลกของชาวกรีกและโรมันโบราณตามแนวคิดเกี่ยวกับระบบศักดินาเรื่องศีลธรรมที่ยอมรับโดยระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ลัทธิคลาสสิกแสดงศตวรรษที่สิบแปด

อุดมคติแบบสโตอิกแบบรีพับลิกันของชนชั้นกระฎุมพีก้าวหน้า ไตรมาสที่สามของศตวรรษยังคงโดดเด่นด้วยการต่อสู้ในรูปแบบต่างๆ ลัทธิคลาสสิกจนกระทั่งประมาณปี ค.ศ. 1780 การต่อสู้ครั้งนี้จำกัดอยู่เพียงการอภิปรายเชิงทฤษฎีกับศิลปะในราชสำนักเท่านั้น แต่หลังจากที่เดวิดปรากฏตัวเท่านั้น โรโคโคถือว่าพ่ายแพ้.. ด้วยศิลปะแห่งยุคปฏิวัติครอบคลุมช่วงปี 1780 ถึง 1800 เฟสใหม่จึงเริ่มต้นขึ้น ลัทธิคลาสสิกการปฏิวัติเลือกรูปแบบนี้ให้สอดคล้องกับอุดมการณ์ของตนมากที่สุด เดวิดในข้อความของเขาถึงอนุสัญญาระบุว่า: “เราทุกคนมีความรับผิดชอบต่อประเทศชาติด้วยพรสวรรค์ที่เขาได้รับจากธรรมชาติ" เดวิดเป็นสมาชิกของอนุสัญญาและใช้อิทธิพลอย่างเด็ดขาดในนามของรัฐบาลในด้านศิลปะ

ปารีสซึ่งครั้งหนึ่งเคยเป็นศูนย์กลางของชีวิตวรรณกรรม ปัจจุบันกลายเป็นเมืองหลวงทางศิลปะของยุโรปและกำลังรับบทบาทเหมือนที่อิตาลีเล่นในช่วงยุคเรอเนซองส์ นิทรรศการศิลปะจัดขึ้นที่นี่เป็นประจำตั้งแต่ปี 1673 เนื่องจากศิลปินที่สูญเสียการสนับสนุนอย่างเป็นทางการ ถูกบังคับให้หันไปหาผู้ซื้อ การปฏิวัติหมายถึงการสิ้นสุดยุคเผด็จการของ Academy และการผูกขาดตลาดศิลปะโดยศาล ชนชั้นสูง และนักการเงินรายใหญ่ Academy ถูกเลิกกิจการหลังปี พ.ศ. 2334

สภานิติบัญญติยกเลิกเอกสิทธิ์ของเธอและให้สิทธิ์ศิลปินทุกคนในการแสดงผลงานในร้านเสริมสวยของเธอ ในปี พ.ศ. 2336 เดวิดก่อตั้ง Commune of Art ซึ่งเป็นสมาคมศิลปินที่เสรีและเป็นประชาธิปไตย แต่ในไม่ช้า ภายใต้แรงกดดันจากพวกราชาธิปไตย สมาคมศิลปะประชาชนและรีพับลิกันก็เข้ามาแทนที่ ในเวลาเดียวกัน Revolutionary Arts Club ก็ปรากฏตัวขึ้นซึ่งรวมถึงด้วย เดวิดและ พราวดอนและด้วยเหตุนี้ ต้องขอบคุณสมาชิกที่มีชื่อเสียง ทำให้ได้รับเกียรติอันยิ่งใหญ่ Academy ถูกยกเลิกในฐานะเจ้าของนิทรรศการแต่เพียงผู้เดียว แต่ยังคงรักษาการผูกขาดด้านการศึกษามาเป็นเวลานานและด้วยเหตุนี้จึงยังคงรักษาอิทธิพลเอาไว้ อย่างไรก็ตาม ในไม่ช้ามันก็ถูกแทนที่ด้วย "โรงเรียนเทคนิคจิตรกรรมและประติมากรรม" และมีโรงเรียนเอกชนและชั้นเรียนภาคค่ำด้วย ในปี พ.ศ. 2335 อนุสัญญาอนุญาตให้สร้างพิพิธภัณฑ์ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์

โรแมนติกการเคลื่อนไหวที่นี่กลายเป็นการต่อสู้เพื่ออิสรภาพ ซึ่งไม่ได้มุ่งเป้าไปที่สถาบัน โบสถ์ ศาล ผู้อุปถัมภ์ และการวิพากษ์วิจารณ์มากนัก แต่ขัดกับหลักการของประเพณี อำนาจ และกฎเกณฑ์ใดๆ ก็ตาม การต่อสู้ครั้งนี้ได้รับแรงกระตุ้นจากบรรยากาศของการปฏิวัติซึ่งเป็นที่มาและอิทธิพลของการปฏิวัติ

สม่ำเสมอ นโปเลียนหันไปหาศิลปะโรแมนติกเมื่อเขาไม่คิดว่าศิลปะเป็นวิธีการโฆษณาชวนเชื่อและการยกย่องตนเอง จักรวรรดิค้นพบการแสดงออกทางศิลปะใน การผสมผสาน,ซึ่งผสมผสานและรวมเอาเทรนด์โวหารที่มีอยู่ให้เป็นหนึ่งเดียว การสนับสนุนที่สำคัญของอาณาจักรต่องานศิลปะคือการสถาปนาความสัมพันธ์เชิงสร้างสรรค์ระหว่างผู้ผลิตและผู้บริโภค ประชาชนชนชั้นกลางซึ่งรวมตัวกันในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 มีบทบาทสำคัญในการสร้างกลุ่มผู้รักศิลปะ

ชีวิตศิลปะฟื้นตัวอย่างรวดเร็วจากแรงกระแทกของการปฏิวัติ ศิลปินถูกเลี้ยงดูมาซึ่งเป็นผู้กำหนดวิวัฒนาการของงานศิลปะใหม่ๆ สถาบันเก่าได้รับการอัปเดต แต่ผู้อัปเดตยังไม่มีเกณฑ์รสนิยมของตนเอง สิ่งนี้อธิบายถึงความเสื่อมถอยของงานศิลปะหลังการปฏิวัติซึ่งกินเวลาประมาณ 20 ปีเมื่อใด แนวโรแมนติก,ในที่สุดฉันก็สามารถตระหนักรู้ตัวเองในฝรั่งเศสได้