ยวนใจในงานศิลปะ (XVIII - XIX ศตวรรษ) ยวนใจในภาพวาดรัสเซียในศตวรรษที่ 19 ศิลปินชื่อดังแห่งความรัก

ชีวิตฝ่ายวิญญาณของบุคคล การพรรณนาถึงกิเลสตัณหาอันแรงกล้า การทำให้ธรรมชาติสร้างจิตวิญญาณ ความสนใจในอดีตชาติ ความปรารถนาในงานศิลปะรูปแบบสังเคราะห์ ถูกรวมเข้ากับแรงจูงใจของความเศร้าโศกของโลก ความปรารถนาที่จะสำรวจและสร้าง "เงา" ขึ้นมาใหม่ ด้าน "กลางคืน" ของจิตวิญญาณมนุษย์ กับ "ความโรแมนติกประชดประชัน" อันโด่งดัง ทำให้คู่รักสามารถเปรียบเทียบและเทียบชั้นความสูงและต่ำ โศกนาฏกรรมและการ์ตูน ของจริงและความมหัศจรรย์ได้ การพัฒนาในหลายประเทศ ความโรแมนติกทุกหนทุกแห่งได้รับเอกลักษณ์ประจำชาติที่สดใส เนื่องจากประเพณีและเงื่อนไขทางประวัติศาสตร์ในท้องถิ่น โรงเรียนโรแมนติกที่สม่ำเสมอที่สุดที่พัฒนาขึ้นในฝรั่งเศส ที่ซึ่งศิลปินปฏิรูประบบวิธีการแสดงออก ไดนามิกการจัดองค์ประกอบ ผสมผสานรูปแบบที่มีการเคลื่อนไหวรุนแรง ใช้สีอิ่มตัวที่สดใสและรูปแบบการเขียนที่กว้างและทั่วถึง (ภาพวาดโดย T. Gericault, E . Delacroix, O. Daumier, พลาสติกโดย P.J. David d "Angers, AL Bari, F. Ryuda) ในเยอรมนีและออสเตรียความโรแมนติกในยุคแรกนั้นโดดเด่นด้วยการเอาใจใส่อย่างใกล้ชิดกับทุกสิ่งทุกอย่างอย่างรวดเร็ว -โครงสร้างทางอารมณ์ อารมณ์ลึกลับและเทววิทยา (ภาพเหมือนและองค์ประกอบเชิงเปรียบเทียบ FO Runge ทิวทัศน์โดย KD Friedrich และ JA Koch) ความปรารถนาที่จะรื้อฟื้นจิตวิญญาณทางศาสนาของภาพวาดเยอรมันและอิตาลีในศตวรรษที่ 15 (ผลงานของ Nazarenes) ประเภทของการผสมผสานระหว่างหลักการยวนใจและ "ความสมจริงแบบชาวเมือง" เป็นศิลปะของ Biedermeier (ผลงานของ L Richter, K. Spitzweg, M. von Schwind, F. G. Waldmuller) bla และ R. Bonington ภาพที่ยอดเยี่ยมและวิธีการแสดงออกที่ผิดปกติ - งานของ W. Turner, การยึดติดกับวัฒนธรรมของยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น - ผลงานของผู้เชี่ยวชาญของขบวนการ Pre-Raphaelite แนวโรแมนติก Sh.G. Rossetti, E. Burne-Jones, W. Morris และคนอื่นๆ) ในประเทศอื่น ๆ ของยุโรปและอเมริกา การเคลื่อนไหวที่โรแมนติกนำเสนอโดยทิวทัศน์ (ภาพวาดโดย J. Inness และ AP Ryder ในสหรัฐอเมริกา) การแต่งเพลงในหัวข้อชีวิตพื้นบ้านและประวัติศาสตร์ (ผลงานของ L. Galle ในเบลเยียม, J. Manes ในสาธารณรัฐเช็ก V. Madaras ในฮังการี P. Michalovsky และ J. Matejko ในโปแลนด์ ฯลฯ) ชะตากรรมทางประวัติศาสตร์ของแนวโรแมนติกนั้นซับซ้อนและคลุมเครือ เทรนด์โรแมนติกอย่างใดอย่างหนึ่งเป็นผลงานของอาจารย์ใหญ่ชาวยุโรปในศตวรรษที่ 19 - ศิลปินของโรงเรียน Barbizon, C. Corot, G. Courbet, J.F. Millet, E. Manet ในฝรั่งเศส, A. von Menzel ในเยอรมนี ฯลฯ ในเวลาเดียวกันการเปรียบเทียบที่ซับซ้อนองค์ประกอบของเวทย์มนต์และจินตนาการซึ่งบางครั้งมีอยู่ในแนวโรแมนติกพบความต่อเนื่องในสัญลักษณ์ส่วนหนึ่งในศิลปะของโพสต์อิมเพรสชันนิสม์และ สไตล์ทันสมัย

แนวจินตนิยมในการวาดภาพเป็นแนวโน้มทางปรัชญาและวัฒนธรรมในศิลปะของยุโรปและอเมริกาในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 พื้นฐานสำหรับการพัฒนารูปแบบคืออารมณ์อ่อนไหวในวรรณคดีของเยอรมนีซึ่งเป็นแหล่งกำเนิดของแนวโรแมนติก ทิศทางการพัฒนาในรัสเซีย ฝรั่งเศส อังกฤษ สเปน และประเทศในยุโรปอื่นๆ

ประวัติศาสตร์

แม้จะมีความพยายามในช่วงต้นของผู้บุกเบิก El Greco, Elsheimer และ Claude Lorrain แต่รูปแบบที่เรารู้จักในฐานะแนวโรแมนติกไม่ได้รับแรงผลักดันจนกระทั่งเกือบสิ้นสุดศตวรรษที่ 18 เมื่อองค์ประกอบที่กล้าหาญของ Neoclassicism สันนิษฐานว่ามีบทบาทสำคัญในศิลปะแห่งเวลา . ภาพวาดเริ่มสะท้อนอุดมคติที่โรแมนติกและกล้าหาญตามนวนิยายในสมัยนั้น องค์ประกอบที่กล้าหาญนี้ รวมกับอุดมคตินิยมและอารมณ์ที่ปฏิวัติวงการ เกิดขึ้นจากการปฏิวัติฝรั่งเศสอันเป็นผลจากปฏิกิริยาต่อต้านศิลปะเชิงวิชาการที่ถูกจำกัดไว้

หลังการปฏิวัติฝรั่งเศสในปี 1789 การเปลี่ยนแปลงทางสังคมที่สำคัญเกิดขึ้นภายในเวลาไม่กี่ปี ยุโรปสั่นสะเทือนจากวิกฤตการณ์ทางการเมือง การปฏิวัติ และสงคราม เมื่อบรรดาผู้นำประชุมกันที่รัฐสภาเวียนนาเพื่อวางแผนสำหรับการปรับโครงสร้างกิจการยุโรปใหม่หลังสงครามนโปเลียน เป็นที่ชัดเจนว่าความหวังของประชาชนในเรื่องเสรีภาพและความเท่าเทียมกันยังไม่เกิดขึ้นจริง อย่างไรก็ตาม ในช่วง 25 ปีที่ผ่านมา ความคิดใหม่ๆ ได้ก่อตัวขึ้นซึ่งหยั่งรากอยู่ในจิตใจของผู้คนในฝรั่งเศส สเปน รัสเซีย และเยอรมนี

ความเคารพต่อปัจเจกบุคคลซึ่งเป็นองค์ประกอบสำคัญในการวาดภาพแบบนีโอคลาสสิกนั้นได้รับการพัฒนาและหยั่งรากลึก ภาพวาดของศิลปินมีความโดดเด่นด้วยอารมณ์ความรู้สึกในการถ่ายโอนภาพของแต่ละบุคคล ในช่วงต้นศตวรรษที่ 19 สไตล์ต่างๆ เริ่มแสดงลักษณะของแนวโรแมนติก

เป้าหมาย

หลักการและเป้าหมายของแนวโรแมนติกรวมถึง:

• การกลับคืนสู่ธรรมชาติเป็นตัวอย่างที่ดีโดยเน้นที่ความเป็นธรรมชาติในการวาดภาพที่แสดงให้เห็น
• ความเชื่อในความดีของมนุษย์และคุณสมบัติที่ดีที่สุดของแต่ละบุคคล
• ความยุติธรรมสำหรับทุกคน - แนวคิดนี้แพร่หลายในรัสเซีย ฝรั่งเศส สเปน อังกฤษ

เชื่อมั่นในพลังของความรู้สึกและอารมณ์ที่ครอบงำจิตใจและสติปัญญา

ลักษณะเฉพาะ

ลักษณะเฉพาะของสไตล์:

1. การทำให้เป็นอุดมคติของอดีตการครอบงำของธีมในตำนานกลายเป็นแนวหน้าในงานของศตวรรษที่ 19
2. การปฏิเสธเหตุผลนิยมและความเชื่อในอดีต
3. เพิ่มอรรถรสผ่านการเล่นแสงและสี
4. ภาพวาดถ่ายทอดวิสัยทัศน์อันไพเราะของโลก
5. เพิ่มความสนใจในหัวข้อชาติพันธุ์

จิตรกรและประติมากรที่โรแมนติกมักจะแสดงการตอบสนองทางอารมณ์ต่อชีวิตส่วนตัว ตรงกันข้ามกับความยับยั้งชั่งใจและค่านิยมสากลที่ส่งเสริมโดยศิลปะนีโอคลาสสิก ศตวรรษที่ 19 เป็นจุดเริ่มต้นของการพัฒนาแนวโรแมนติกในสถาปัตยกรรม ดังที่เห็นได้จากอาคารสไตล์วิกตอเรียนอันงดงาม

ผู้แทนหลัก

ในบรรดาจิตรกรโรแมนติกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 19 ได้แก่ ตัวแทนของ I. Fussli, Francisco Goya, Caspar David Friedrich, John Constable, Theodore Gericault, Eugene Delacroix ศิลปะโรแมนติกไม่ได้เข้ามาแทนที่รูปแบบนีโอคลาสสิก แต่ทำหน้าที่เป็นการถ่วงดุลกับลัทธิคัมภีร์และความแข็งแกร่งของศิลปะแบบหลัง

ยวนใจในภาพวาดรัสเซียแสดงโดยผลงานของ V. Tropinin, I. Aivazovsky, K. Bryullov, O. Kiprensky จิตรกรของรัสเซียพยายามถ่ายทอดธรรมชาติอย่างมีอารมณ์มากที่สุด
ภูมิทัศน์เป็นประเภทที่ต้องการในหมู่โรแมนติก ธรรมชาติถูกมองว่าเป็นกระจกเงาแห่งจิตวิญญาณ ในประเทศเยอรมนี ยังถูกมองว่าเป็นสัญลักษณ์ของอิสรภาพและความไม่มีที่สิ้นสุด ศิลปินวางภาพผู้คนไว้กับฉากหลังของชนบทหรือเมืองและท้องทะเล แนวโรแมนติกในรัสเซีย ฝรั่งเศส สเปน เยอรมนี ภาพลักษณ์ของบุคคลไม่ได้ครอบงำ แต่เสริมโครงเรื่องของภาพ

ลวดลาย Vanitas เป็นที่นิยม เช่น ต้นไม้ที่ตายแล้วและซากปรักหักพังที่รก ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความไม่ยั่งยืนและธรรมชาติอันจำกัดของชีวิต ลวดลายที่คล้ายคลึงกันเกิดขึ้นก่อนหน้านี้ในศิลปะบาโรก: ศิลปินยืมงานด้วยแสงและมุมมองในภาพวาดที่คล้ายกันจากจิตรกรบาโรก

เป้าหมายของยวนใจ: ศิลปินแสดงมุมมองอัตนัยของโลกวัตถุประสงค์ และแสดงภาพที่กรองผ่านราคะของเขา

ในประเทศต่างๆ

แนวโรแมนติกของเยอรมันในศตวรรษที่ 19 (1800 - 1850)

ในประเทศเยอรมนี ศิลปินรุ่นน้องตอบสนองต่อยุคสมัยที่เปลี่ยนไปด้วยกระบวนการวิปัสสนา พวกเขาถอยกลับเข้าไปในโลกแห่งอารมณ์ พวกเขาได้รับแรงบันดาลใจจากแรงบันดาลใจทางอารมณ์ที่มีต่ออุดมคติของครั้งก่อนๆ โดยเฉพาะในยุคกลาง ซึ่งปัจจุบันถูกมองว่าเป็น สมัยที่มนุษย์อยู่ร่วมกับตนเองและโลก ในบริบทนี้ ภาพวาดของ Schinkel เช่น Gothic Cathedral on the Water เป็นตัวแทนและมีลักษณะเฉพาะของยุคนั้น

ศิลปินแนวโรแมนติกมีความใกล้ชิดกับนักนีโอคลาสสิกในความปรารถนาในอดีต ยกเว้นว่าลัทธิประวัติศาสตร์นิยมวิพากษ์วิจารณ์ความเชื่อที่มีเหตุผลของนีโอคลาสซิซิสซึ่ม ศิลปินนีโอคลาสสิกกำหนดภารกิจดังกล่าว: พวกเขามองเข้าไปในอดีตเพื่อพิสูจน์ความไร้เหตุผลและอารมณ์ของพวกเขา พวกเขารักษาประเพณีทางวิชาการของศิลปะในการถ่ายโอนความเป็นจริง

แนวโรแมนติกของสเปนในศตวรรษที่ 19 (ค.ศ. 1810 - 1830)

Francisco de Goya เป็นผู้นำการเคลื่อนไหวศิลปะแนวโรแมนติกที่ไม่มีปัญหาในสเปน ภาพวาดของเขาแสดงลักษณะเฉพาะ: ชอบความไร้เหตุผล แฟนตาซี อารมณ์ ภายในปี 1789 เขาได้กลายเป็นจิตรกรอย่างเป็นทางการของราชสำนักสเปน

ในปี ค.ศ. 1814 เพื่อเป็นเกียรติแก่การจลาจลของสเปนต่อกองทหารฝรั่งเศสใน Puerta del Sol กรุงมาดริด และการประหารชีวิตชาวสเปนที่ไม่มีอาวุธซึ่งต้องสงสัยว่ามีการสมรู้ร่วมคิด Goya ได้สร้างผลงานชิ้นเอกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดชิ้นหนึ่งของเขา - วันที่สามพฤษภาคม ผลงานเด่น: "The Disasters of War", "Caprichos", "Nude Maja"

แนวโรแมนติกของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19 (ค.ศ. 1815 - 1850)

หลังสงครามนโปเลียน สาธารณรัฐฝรั่งเศสกลายเป็นราชาธิปไตยอีกครั้ง สิ่งนี้นำไปสู่การผลักดันอย่างมากต่อแนวจินตนิยมซึ่งจนถึงขณะนี้ได้ถูกระงับโดยการปกครองของนีโอคลาสสิก ศิลปินชาวฝรั่งเศสในยุคโรแมนติกไม่ได้ จำกัด ตัวเองให้อยู่ในแนวภูมิทัศน์พวกเขาทำงานในแนวศิลปะภาพเหมือน ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของสไตล์คือ E. Delacroix และ T. Gericault

แนวจินตนิยมในอังกฤษ (1820 - 1850)

I. Fusli เป็นนักทฤษฎีและเป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของรูปแบบ
John Constable เป็นประเพณีแนวโรแมนติกของอังกฤษ ประเพณีนี้เป็นการค้นหาความสมดุลระหว่างความอ่อนไหวอย่างลึกซึ้งต่อธรรมชาติและความก้าวหน้าในศาสตร์แห่งการวาดภาพและกราฟิก ตำรวจละทิ้งภาพลักษณ์ที่ดื้อรั้นของธรรมชาติ ภาพวาดนั้นเป็นที่รู้จักเนื่องจากการใช้จุดสีเพื่อถ่ายทอดความเป็นจริง ซึ่งทำให้งานของ Constable ใกล้เคียงกับศิลปะของอิมเพรสชั่นนิสม์มากขึ้น

ภาพวาดของวิลเลียม เทิร์นเนอร์ หนึ่งในจิตรกรแนวโรแมนติกชาวอังกฤษที่ยิ่งใหญ่ที่สุด สะท้อนให้เห็นถึงความปรารถนาที่จะสังเกตธรรมชาติในฐานะหนึ่งในองค์ประกอบของความคิดสร้างสรรค์ อารมณ์ของภาพวาดของเขาไม่เพียงสร้างขึ้นจากสิ่งที่เขาวาดเท่านั้น แต่ยังเกิดจากการที่ศิลปินถ่ายทอดสีสันและมุมมองด้วย

ความสำคัญในงานศิลปะ

การวาดภาพสไตล์โรแมนติกของศตวรรษที่ 19 และลักษณะพิเศษของมันกระตุ้นการเกิดขึ้นของโรงเรียนหลายแห่ง เช่น: โรงเรียน Barbizon, plein air landscape, โรงเรียน Norwich ของจิตรกรภูมิทัศน์ ยวนใจในการวาดภาพมีอิทธิพลต่อการพัฒนาสุนทรียศาสตร์และสัญลักษณ์ จิตรกรผู้มีอิทธิพลมากที่สุดสร้างขบวนการพรีราฟาเอล ในรัสเซียและยุโรปตะวันตก แนวโรแมนติกมีอิทธิพลต่อการพัฒนาแนวหน้าและอิมเพรสชั่นนิสม์

แนวจินตนิยมในทัศนศิลป์มีพื้นฐานมาจากแนวคิดของนักปรัชญาและนักเขียนเป็นส่วนใหญ่ ในการวาดภาพเช่นเดียวกับในศิลปะรูปแบบอื่น ๆ ความโรแมนติกถูกดึงดูดโดยทุกสิ่งที่ผิดปกติไม่รู้จักไม่ว่าจะเป็นประเทศที่ห่างไกลด้วยขนบธรรมเนียมและเครื่องแต่งกายที่แปลกใหม่ (Delacroix) โลกแห่งนิมิตลึกลับ (Blake, Friedrich, Pre-Raphaelites) และเวทย์มนตร์ ความฝัน (Runge) หรือจิตใต้สำนึกที่มืดมน (Goya, Fusli) แหล่งที่มาของแรงบันดาลใจสำหรับศิลปินหลายคนคือมรดกทางศิลปะในอดีต ได้แก่ ตะวันออกโบราณ ยุคกลาง และโปรโต-เรเนซองส์ (นาซารีน พรีราฟาเอล)

ตรงกันข้ามกับความคลาสสิกซึ่งเชิดชูพลังที่ชัดเจนของจิตใจ ความโรแมนติคร้องเพลงความรู้สึกที่เร่าร้อนและมีพายุซึ่งดึงดูดทั้งบุคคล คำตอบแรกสุดสำหรับเทรนด์ใหม่คือภาพบุคคลและทิวทัศน์ ซึ่งกำลังกลายเป็นแนวภาพวาดโรแมนติกสุดโปรด

สมัยรุ่งเรือง ประเภทแนวตั้ง มีความเกี่ยวข้องกับความสนใจของความโรแมนติกในความเป็นมนุษย์ที่สดใส ความงาม และความสมบูรณ์ของโลกฝ่ายวิญญาณของเธอ ชีวิตของจิตวิญญาณมนุษย์มีชัยในภาพที่โรแมนติกมากกว่าความสนใจในความงามทางกายภาพ ในรูปแบบที่เย้ายวนของภาพ

ในภาพถ่ายแนวโรแมนติก (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) เอกลักษณ์ของแต่ละคนจะถูกเปิดเผยอยู่เสมอ พลวัต จังหวะที่เข้มข้นของชีวิตภายใน และความหลงใหลในการกบฏ

โรแมนติกยังสนใจในโศกนาฏกรรมของวิญญาณที่แตกสลาย: คนป่วยทางจิตมักจะกลายเป็นวีรบุรุษของงาน (Gericault "บ้า, ทุกข์ทรมานจากการติดการพนัน", "ขโมยเด็ก", "บ้า, จินตนาการว่าตัวเองเป็นผู้บัญชาการ")

ทิวทัศน์ เกิดจากความโรแมนติกเป็นศูนย์รวมของจิตวิญญาณของจักรวาล ธรรมชาติก็เหมือนกับวิญญาณของมนุษย์ ปรากฏเป็นพลวัต ความแปรปรวนคงที่ ลักษณะภูมิประเทศที่ได้รับคำสั่งและสูงส่งของลัทธิคลาสสิกถูกแทนที่ด้วยภาพที่เป็นธรรมชาติไม่ดื้อรั้นมีพลังและเปลี่ยนแปลงตลอดเวลาซึ่งสอดคล้องกับความสับสนของความรู้สึกของวีรบุรุษที่โรแมนติก คู่รักโรแมนติกชอบเขียนเรื่องพายุ พายุฝนฟ้าคะนอง ภูเขาไฟระเบิด แผ่นดินไหว เรืออับปางที่อาจส่งผลกระทบทางอารมณ์อย่างรุนแรงต่อผู้ชม (Gericault, Friedrich, Turner)

การเขียนบทกวีในตอนกลางคืนซึ่งเป็นลักษณะของแนวโรแมนติก - โลกที่แปลกประหลาดและเหนือจริงที่อาศัยอยู่ตามกฎหมายของตัวเอง - นำไปสู่ความเจริญรุ่งเรืองของ "ประเภทกลางคืน" ซึ่งกลายเป็นที่ชื่นชอบในการวาดภาพโรแมนติกโดยเฉพาะในหมู่ศิลปินชาวเยอรมัน

หนึ่งในประเทศแรก ๆ ในทัศนศิลป์ที่แนวโรแมนติกพัฒนาขึ้นคือเยอรมนี .

อิทธิพลที่เห็นได้ชัดเจนในการพัฒนาแนวโรแมนติกมีความคิดสร้างสรรค์แคสปาร์ เดวิด ฟรีดริช (พ.ศ. 2317-2483) มรดกทางศิลปะของเขาถูกครอบงำด้วยภูมิประเทศที่แสดงถึงยอดเขา ป่าไม้ ทะเล ชายฝั่งทะเล เช่นเดียวกับซากปรักหักพังของมหาวิหารเก่า วัดร้าง วัดร้าง (“Cross in the Mountains”, “Cathedral”, “Abbeyท่ามกลางต้นโอ๊ก ”). พวกเขามักจะมีความรู้สึกเศร้าไม่เปลี่ยนแปลงจากจิตสำนึกของการสูญเสียบุคคลที่น่าเศร้าในโลก

ศิลปินชอบธรรมชาติเหล่านั้นที่สอดคล้องกับการรับรู้ที่โรแมนติกของเธอมากที่สุด: เช้าตรู่พระอาทิตย์ตกตอนเย็นพระจันทร์ขึ้น (“ สองใคร่ครวญดวงจันทร์”, “สุสานสงฆ์”, “ภูมิทัศน์ที่มีสายรุ้ง”, “พระจันทร์เหนือทะเล”, “ หินชอล์กบนเกาะRügen”, “บนเรือใบ”, “ท่าเรือในเวลากลางคืน”)

ตัวละครที่คงเส้นคงวาในผลงานของเขาคือนักฝันที่โดดเดี่ยว หมกมุ่นอยู่กับการไตร่ตรองถึงธรรมชาติ มองเข้าไปในระยะทางที่กว้างใหญ่และความสูงที่ไม่สิ้นสุด พวกเขาเข้าร่วมกับความลับนิรันดร์ของจักรวาล พวกเขาถูกพาไปยังโลกแห่งความฝันที่สวยงาม ฟรีดริชถ่ายทอดโลกมหัศจรรย์นี้ด้วยความช่วยเหลือจากแสงที่ส่องประกายอย่างน่าอัศจรรย์- แสงอาทิตย์ที่สดใสหรือดวงจันทร์ลึกลับ

ผลงานของฟรีดริชได้รับการชื่นชมจากผู้ร่วมสมัยของเขา รวมทั้งฉันว. เกอเธ่ และ ดับเบิลยู. เอ. Zhukovsky ต้องขอบคุณรัสเซียที่ซื้อภาพวาดของเขาจำนวนมาก

จิตรกร ศิลปินกราฟิค กวี และนักทฤษฎีศิลปะPhilip Otto Runge (1777-1810) ส่วนใหญ่อุทิศตนให้กับประเภทภาพเหมือน ในงานของเขา เขาแต่งกลอนภาพของคนธรรมดาซึ่งมักจะเป็นคนที่รักของเขา ("พวกเราสามคน" - ภาพเหมือนตนเองกับเจ้าสาวและพี่ชายยังไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้; "ลูก ๆ ของตระกูลHülzenbeck", "ภาพเหมือนของ พ่อแม่ของศิลปิน”, “ภาพเหมือนตนเอง”) ศาสนาที่ลึกซึ้งของ Runge แสดงออกในภาพวาดเช่น "พระคริสต์บนชายฝั่งของทะเลสาบ Tiberias" และ "Rest on the Flight to Egypt" (ยังไม่เสร็จ) ศิลปินสรุปภาพสะท้อนของเขาเกี่ยวกับงานศิลปะในบทความเชิงทฤษฎี "The Color Sphere"

ความปรารถนาที่จะรื้อฟื้นรากฐานทางศาสนาและศีลธรรมในศิลปะเยอรมันนั้นสัมพันธ์กับกิจกรรมสร้างสรรค์ของศิลปิน โรงเรียนนาซารีน (เอฟ โอเวอร์เบ็ค, ฟอน คาร์ลสเฟลด์,แอล. โวเกล, ไอ. ก็อททิงเจอร์, เจ. ซือตเตอร์,พี. ฟอน คอร์เนลิอุส). เมื่อรวมกันเป็นภราดรภาพทางศาสนา ("Union of St. Luke") พวก "Nazarenes" อาศัยอยู่ในกรุงโรมในรูปแบบชุมชนสงฆ์และวาดภาพเกี่ยวกับศาสนา พวกเขาถือว่าภาพวาดอิตาลีและเยอรมันเป็นแบบอย่างสำหรับการค้นหาอย่างสร้างสรรค์XIV - XVศตวรรษ (Perugino, ต้น Raphael, A.ดูเรอร์, เอช. Holbein the Younger, แอล.ครานัช). ในภาพวาด "The Triumph of Religion in Art" Overbeck เลียนแบบ "Athenian School" ของ Raphael โดยตรงและ Cornelius ใน "The Horsemen of the Apocalypse" - การแกะสลักชื่อเดียวกันของ Durer

สมาชิกของภราดรภาพถือว่าคุณธรรมหลักของศิลปินคือความบริสุทธิ์ทางวิญญาณและศรัทธาที่จริงใจ โดยเชื่อว่า "มีเพียงพระคัมภีร์เท่านั้นที่ทำให้ราฟาเอลเป็นอัจฉริยะ" พวกเขาใช้ชีวิตอย่างโดดเดี่ยวในห้องขังของอารามร้าง พวกเขายกระดับการบริการเป็นศิลปะให้อยู่ในหมวดหมู่ของการบริการทางจิตวิญญาณ

ชาวนาซารีนมุ่งสู่รูปแบบอนุสาวรีย์ขนาดใหญ่ พยายามรวบรวมอุดมคติอันสูงส่งด้วยความช่วยเหลือของเทคนิคปูนเปียกที่ฟื้นคืนชีพขึ้นมาใหม่ ภาพเขียนบางภาพถูกประหารโดยพวกเขาด้วยกัน

ในช่วงทศวรรษที่ 1820 และ 30 สมาชิกของสมาคมได้กระจัดกระจายไปทั่วเยอรมนี โดยได้รับตำแหน่งผู้นำในสถาบันศิลปะหลายแห่ง มีเพียง Overbeck เท่านั้นที่อาศัยอยู่ในอิตาลีจนกระทั่งเขาเสียชีวิตโดยไม่เปลี่ยนหลักการทางศิลปะของเขา ประเพณีที่ดีที่สุดของ "นาซารีน" ถูกเก็บรักษาไว้ในภาพวาดประวัติศาสตร์มาเป็นเวลานาน การแสวงหาอุดมการณ์และศีลธรรมของพวกเขามีผลกระทบต่อกลุ่มพรีราฟาเอลในอังกฤษ เช่นเดียวกับผลงานของปรมาจารย์เช่น Schwind และ Spitzweg

Moritz Schwind (1804-1871) ชาวออสเตรียโดยกำเนิด ทำงานในมิวนิก ในงานขาตั้งเขาส่วนใหญ่แสดงให้เห็นลักษณะและชีวิตของเมืองในจังหวัดเยอรมันโบราณกับผู้อยู่อาศัย มันทำด้วยบทกวีและบทกวีที่ยอดเยี่ยมด้วยความรักในตัวละคร

Carl Spitzweg (1808-1885) - จิตรกรมิวนิก, ศิลปินกราฟิค, นักเขียนแบบร่างยอดเยี่ยม, นักเขียนการ์ตูน, ยังไม่มีอารมณ์ร่วม แต่เล่าเรื่องชีวิตในเมืองด้วยอารมณ์ขัน ("Poor Poet", "Morning Coffee")

Schwind และ Spitzweg มักเกี่ยวข้องกับกระแสในวัฒนธรรมเยอรมันที่เรียกว่า Biedermeierบีเดอร์ไมเออร์ - นี้เป็นหนึ่งในรูปแบบที่นิยมมากที่สุดของยุค (ส่วนใหญ่ในด้านของชีวิตประจำวัน แต่ยังอยู่ในศิลปะ) . เขาหยิบเอาพวกเบอร์เกอร์ คนทั่วไปที่อยู่ตามท้องถนน ไปข้างหน้า แก่นหลักของการวาดภาพบีเดอร์ไมเออร์คือชีวิตประจำวันของบุคคล สัมพันธ์ใกล้ชิดกับบ้านและครอบครัวของเขา ความสนใจของ Biedermeier ไม่ใช่ในอดีต แต่ในปัจจุบันไม่ใช่สิ่งที่ยิ่งใหญ่ แต่ในส่วนเล็ก ๆ มีส่วนทำให้เกิดแนวโน้มการวาดภาพที่สมจริง

โรงเรียนสอนโรแมนติกฝรั่งเศส

โรงเรียนจิตรกรรมแนวโรแมนติกที่สอดคล้องกันมากที่สุดพัฒนาขึ้นในฝรั่งเศส มันเกิดขึ้นจากการต่อต้านลัทธิคลาสสิก เสื่อมโทรมไปสู่ความเป็นวิชาการที่เยือกเย็นและมีเหตุผล และหยิบยกผู้เชี่ยวชาญที่เก่งกาจเช่นนี้ เป็นผู้กำหนดอิทธิพลที่โดดเด่นของโรงเรียนฝรั่งเศสตลอดศตวรรษที่ 19

ศิลปินโรแมนติกชาวฝรั่งเศสมุ่งสู่แผนการที่เต็มไปด้วยละครและเรื่องน่าสมเพช ความตึงเครียดภายใน ห่างไกลจาก "ชีวิตประจำวันที่มืดมน" ในการรวบรวมพวกเขา พวกเขาได้ปฏิรูปวิธีการแสดงภาพและการแสดงออก:

ความสำเร็จอันยอดเยี่ยมครั้งแรกของความโรแมนติกในภาพวาดฝรั่งเศสนั้นสัมพันธ์กับชื่อTheodora Géricault (พ.ศ. 2334-2467) ผู้ซึ่งก่อนหน้านี้สามารถแสดงความรู้สึกโรแมนติกอย่างหมดจดเกี่ยวกับความขัดแย้งของโลกได้ ในผลงานแรกของเขา เราสามารถเห็นความปรารถนาที่จะแสดงเหตุการณ์อันน่าทึ่งในสมัยของเรา ตัวอย่างเช่น ภาพเขียน "เจ้าหน้าที่ของทหารปืนไรเฟิลจู่โจมโจมตี" และ "เสื้อเกราะที่ได้รับบาดเจ็บ" สะท้อนให้เห็นถึงความรักของยุคนโปเลียน

ภาพวาดของ Gericault "The Raft of the Medusa" ซึ่งอุทิศให้กับเหตุการณ์ล่าสุดในชีวิตสมัยใหม่ - การตายของเรือโดยสารอันเนื่องมาจากความผิดพลาดของ บริษัท ขนส่งทำให้เกิดเสียงสะท้อนอย่างมาก . Géricaultสร้างผ้าใบขนาดยักษ์ขนาด 7×5 ม. ซึ่งแสดงถึงช่วงเวลาที่ผู้คนที่ใกล้ตายเห็นเรือกู้ภัยอยู่ที่ขอบฟ้า ความตึงเครียดที่รุนแรงได้รับการเน้นด้วยโทนสีที่มืดมนและรุนแรง ซึ่งเป็นองค์ประกอบในแนวทแยง ภาพวาดนี้ได้กลายเป็นสัญลักษณ์ของ Géricault France ในยุคปัจจุบัน ซึ่งเหมือนกับผู้คนที่หนีจากเรืออับปาง ประสบทั้งความหวังและความสิ้นหวัง

หัวข้อของภาพวาดขนาดใหญ่ครั้งสุดท้ายของเขา - "Race at Epsom" - ศิลปินที่พบในอังกฤษ มันแสดงให้เห็นม้าที่บินได้เหมือนนก (ภาพโปรดของ Géricault ซึ่งกลายเป็นนักขี่ที่ยอดเยี่ยมเมื่อตอนเป็นวัยรุ่น) ความประทับใจของความรวดเร็วได้รับการปรับปรุงโดยเทคนิคบางอย่าง: ม้าและจ๊อกกี้เขียนอย่างระมัดระวังและพื้นหลังกว้าง

หลังจากการเสียชีวิตของ Géricault (เขาเสียชีวิตอย่างอนาถ ในช่วงที่ชีวิตและความสามารถพิเศษ) เพื่อนสาวของเขากลายเป็นหัวหน้ากลุ่มคู่รักชาวฝรั่งเศสยูจีน เดลาครัวซ์ (พ.ศ. 2341-2406) Delacroix มีพรสวรรค์อย่างครอบคลุม มีพรสวรรค์ด้านดนตรีและวรรณกรรม ไดอารี่ บทความเกี่ยวกับศิลปินของเขาเป็นเอกสารที่น่าสนใจที่สุดในยุคนั้น การศึกษาเชิงทฤษฎีของเขาเกี่ยวกับกฎของสีส่งผลกระทบอย่างใหญ่หลวงต่ออิมเพรสชันนิสต์ในอนาคต โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับดับเบิลยู. แวนโก๊ะ

ภาพวาดแรกของเดลาครัวซ์ซึ่งทำให้เขาโด่งดังคือ "ดันเต้และเวอร์จิล" ("เรือของดันเต้") ซึ่งเขียนขึ้นบนพล็อตเรื่อง "ตลกศักดิ์สิทธิ์" เธอหลงยุคของเธอด้วยความน่าสมเพชที่หลงใหลพลังของสีที่มืดมน

จุดสุดยอดของผลงานของศิลปินคือ "Freedom on the Barricades" ("Freedom Leading the People") ความถูกต้องของความเป็นจริง (ภาพถูกสร้างขึ้นในท่ามกลางการปฏิวัติเดือนกรกฎาคมปี 1830 ในฝรั่งเศส) ผสานเข้ากับความฝันอันแสนโรแมนติกของเสรีภาพและสัญลักษณ์ของภาพ หญิงสาวสวยกลายเป็นสัญลักษณ์ของการปฏิวัติฝรั่งเศส

การตอบสนองต่อเหตุการณ์สมัยใหม่คือภาพเขียน "การสังหารหมู่ที่ Chios" ก่อนหน้านี้ซึ่งอุทิศให้กับการต่อสู้ของชาวกรีกกับการปกครองของตุรกี .

เมื่อไปเยือนโมร็อกโกแล้ว Delacroix ได้ค้นพบโลกที่แปลกใหม่ของอาหรับตะวันออกซึ่งเขาได้อุทิศภาพวาดและภาพร่างมากมาย ใน "สตรีแห่งแอลจีเรีย" โลกของฮาเร็มมุสลิมถูกนำเสนอต่อผู้ชมชาวยุโรปเป็นครั้งแรก

ศิลปินยังได้สร้างชุดภาพเหมือนของตัวแทนของปัญญาชนที่สร้างสรรค์ซึ่งหลายคนเป็นเพื่อนของเขา (ภาพเหมือนของ N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz, ฯลฯ )

ในระยะหลังของงานสร้างสรรค์ Delacroix มุ่งความสนใจไปที่หัวข้อทางประวัติศาสตร์ ทำงานเป็นนักจิตรกรรมฝาผนัง (จิตรกรรมฝาผนังในสภาผู้แทนราษฎร วุฒิสภา) และในฐานะศิลปินกราฟิก (ภาพประกอบสำหรับผลงานของ Shakespeare, Goethe, Byron)

ชื่อของจิตรกรชาวอังกฤษในยุคโรแมนติก - R. Benington, J. Constable, W. Turner - เกี่ยวข้องกับประเภทภูมิทัศน์ ในพื้นที่นี้พวกเขาเปิดหน้าใหม่อย่างแท้จริง: ธรรมชาติดั้งเดิมที่พบในงานของพวกเขาเป็นภาพสะท้อนที่กว้างไกลและเต็มไปด้วยความรักซึ่งไม่มีประเทศอื่นรู้ในขณะนั้น

จอห์น คอนสตาเบิล (พ.ศ. 2319-2480) หนึ่งในคนแรกในประวัติศาสตร์ของภูมิทัศน์ยุโรปเริ่มวาดภาพร่างจากธรรมชาติโดยหันไปสังเกตธรรมชาติโดยตรง ภาพวาดของเขาเรียบง่ายในแรงจูงใจ: หมู่บ้าน ฟาร์ม โบสถ์ แถบแม่น้ำหรือชายหาด: Haycart, Detham Valley, Salisbury Cathedral จาก Bishop's Garden ผลงานของตำรวจทำหน้าที่เป็นแรงผลักดันในการพัฒนาภูมิทัศน์ที่เหมือนจริงในฝรั่งเศส

วิลเลียม เทิร์นเนอร์ (1775-1851) - จิตรกรทางทะเล . เขาถูกดึงดูดโดยทะเลที่มีพายุ, ฝนที่ตกลงมา, พายุฝนฟ้าคะนอง, น้ำท่วม, พายุทอร์นาโด: "การเดินทางครั้งสุดท้ายของเรือ" กล้าหาญ "," พายุฝนฟ้าคะนองเหนือ Piazzetta การค้นหาด้วยสีสันที่เด่นชัด เอฟเฟกต์แสงที่หายากบางครั้งเปลี่ยนภาพวาดของเขาให้กลายเป็นแว่นตาวิเศษที่เปล่งประกาย: "ไฟของรัฐสภาลอนดอน", "พายุหิมะ เรือออกจากท่าเรือและส่งสัญญาณความทุกข์กระทบน้ำตื้น .

เทิร์นเนอร์เป็นเจ้าของภาพวาดแรกของรถจักรไอน้ำที่วิ่งบนรางซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของอุตสาหกรรม ใน Rain, Steam และ Speed ​​รถจักรไอน้ำจะวิ่งไปตามแม่น้ำเทมส์ผ่านหมอกที่มีหมอกหนา วัตถุที่เป็นวัตถุทั้งหมดดูเหมือนจะรวมกันเป็นภาพมายา ซึ่งสื่อถึงความรู้สึกของความเร็วได้อย่างสมบูรณ์แบบ

การศึกษาลักษณะพิเศษของแสงและสีที่เป็นเอกลักษณ์ของ Turner คาดว่าจะมีการค้นพบจิตรกรอิมเพรสชันนิสต์ชาวฝรั่งเศสในหลาย ๆ ด้าน

ในปี ค.ศ. 1848 ประเทศอังกฤษได้ถือกำเนิดขึ้นภราดรภาพก่อนราฟาเอล (จากภาษาละติน แพร - “ก่อน” และ ราฟาเอล) ซึ่งรวมศิลปินที่ไม่ยอมรับสังคมร่วมสมัยและศิลปะของโรงเรียนวิชาการ พวกเขาเห็นอุดมคติของพวกเขาในศิลปะของยุคกลางและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น (ด้วยเหตุนี้ชื่อ) สมาชิกหลักของภราดร -วิลเลียม โฮลแมน ฮันท์, จอห์น เอเวอเร็ตต์ มิเล, ดันเต้ กาเบรียล รอสเซ็ตติ ในงานแรกของพวกเขา ศิลปินเหล่านี้ใช้ตัวย่อ RV แทนลายเซ็น .

ด้วยความโรแมนติกของพวกพรีราฟาเอล ความรักในสมัยโบราณมีความเกี่ยวข้องกัน พวกเขาหันไปใช้หัวข้อในพระคัมภีร์ (“The Light of the World” และ “The Unfaithful Shepherd” โดย WH Hunt; “The Childhood of Mary” และ “The Annunciation” โดย DG Rossetti) โครงเรื่องจากประวัติศาสตร์ยุคกลางและแสดงโดย W. Shakespeare (“Ophelia” โดย Millais )

เพื่อวาดภาพร่างมนุษย์และวัตถุในขนาดที่เป็นธรรมชาติ พวกพรีราฟาเอลได้เพิ่มขนาดของผืนผ้าใบ ภาพร่างภูมิทัศน์ถูกสร้างขึ้นจากชีวิต ตัวละครในภาพวาดของพวกเขามีต้นแบบในหมู่คนจริง ตัวอย่างเช่น ดี.จี. รอสเซ็ตติแสดงภาพเอลิซาเบธ ซิดดาลอันเป็นที่รักของเขาในผลงานเกือบทั้งหมดของเขา ดำเนินต่อเนื่องเหมือนอัศวินในยุคกลาง ที่ยังคงซื่อสัตย์ต่อผู้เป็นที่รักของเขาแม้หลังจากที่เธอเสียชีวิตก่อนวัยอันควร (“Blue Silk Dress”, 1866)

นักอุดมการณ์ของพวกพรีราฟาเอลคือจอห์น รัสกิน (1819-1900) - นักเขียนชาวอังกฤษ นักวิจารณ์ศิลปะ และนักทฤษฎีศิลปะ ผู้แต่งหนังสือชุด "ศิลปินสมัยใหม่" ที่มีชื่อเสียง

ผลงานของพวกพรีราฟาเอลส์มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินหลายคนและกลายเป็นบรรพบุรุษของสัญลักษณ์ในวรรณคดี (W. Pater, O. Wilde) และวิจิตรศิลป์ (O. Beardsley, G. Moreau เป็นต้น)

ชื่อเล่น "นาซารีน" อาจมาจากชื่อเมืองนาซาเร็ธในกาลิลีที่ซึ่งพระเยซูคริสต์ประสูติ ตามเวอร์ชั่นอื่น มันเกิดขึ้นจากการเปรียบเทียบกับชื่อของชุมชนศาสนายิวโบราณของพวกนาศีร์ นอกจากนี้ยังเป็นไปได้ที่ชื่อของกลุ่มจะมาจากชื่อดั้งเดิมของทรงผม "Alla Nazarena" ซึ่งพบได้ทั่วไปในยุคกลางและเป็นที่รู้จักจากภาพเหมือนตนเองของ A. Durer: ลักษณะการใส่ผมยาว กลาง ถูกแนะนำโดยโอเวอร์เบค

บีเดอร์ไมเออร์(ภาษาเยอรมัน "Brave Meyer", ฟิลิสเตีย) - นามสกุลของตัวละครจากคอลเล็กชั่นบทกวีของกวีชาวเยอรมัน Ludwig Eichrodt Eichrodt สร้างเรื่องล้อเลียนของจริง - ซามูเอลฟรีดริชเซาเตอร์ครูเก่าที่เขียนบทกวีไร้เดียงสา Eichrodt ในการ์ตูนล้อเลียนของเขาเน้นย้ำถึงความคิดดั้งเดิมของ Biedermeier ซึ่งกลายเป็นสัญลักษณ์ล้อเลียนของยุคนั้นลายเส้นสีดำ สีน้ำตาล และสีเขียวสื่อถึงความเกรี้ยวกราดของพายุ สายตาของผู้ชมดูเหมือนจะอยู่ตรงกลางอ่างน้ำวน เรือดูเหมือนของเล่นของคลื่นและลม

การรวมชาติที่ทวีความรุนแรงขึ้นจากการเพิ่มขึ้นของความรักชาติของสงครามผู้รักชาติในปี พ.ศ. 2355 ได้แสดงออกถึงความสนใจที่เพิ่มขึ้นในงานศิลปะและความสนใจในชีวิตของผู้คนโดยทั่วไป ความนิยมในการจัดนิทรรศการของ Academy of Arts กำลังเติบโตขึ้น ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2367 พวกเขาเริ่มจัดขึ้นเป็นประจำทุกสามปี นิตยสารวิจิตรศิลป์เริ่มปรากฏให้เห็น ไชร์ประกาศตัวเองกำลังรวบรวม นอกจากพิพิธภัณฑ์ที่ Academy of Arts ในปี พ.ศ. 2368 แล้ว "หอศิลป์รัสเซีย" ยังถูกสร้างขึ้นในอาศรม ในปี ค.ศ. 1810 เปิด "พิพิธภัณฑ์รัสเซีย" ของ P. Svinin

ชัยชนะในสงครามผู้รักชาติในปี ค.ศ. 1812 เป็นหนึ่งในสาเหตุของการเกิดขึ้นของอุดมคติใหม่ซึ่งมีพื้นฐานมาจากแนวคิดเรื่องบุคลิกภาพที่เป็นอิสระและภาคภูมิใจซึ่งเต็มไปด้วยความปรารถนาอันแรงกล้า ในการวาดภาพรูปแบบใหม่กำลังถูกสร้างขึ้น - แนวโรแมนติกซึ่งค่อยๆเข้ามาแทนที่ความคลาสสิคซึ่งถือเป็นรูปแบบที่เป็นทางการซึ่งมีรูปแบบทางศาสนาและตำนาน

ในภาพวาดยุคแรก ๆ ของ K. L. Bryullov (1799-1852) "Italian noon", "Bathsheba" ไม่เพียงแสดงทักษะและความฉลาดของจินตนาการของศิลปินเท่านั้น แต่ยังแสดงถึงความโรแมนติกของโลกทัศน์ด้วย งานหลักของ K. P. Bryullov“ วันสุดท้ายของปอมเปอี” เต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งลัทธิประวัติศาสตร์เนื้อหาหลักไม่ใช่ความสำเร็จของฮีโร่แต่ละคน แต่เป็นชะตากรรมที่น่าเศร้าของผู้คนจำนวนมาก ภาพนี้สะท้อนให้เห็นถึงบรรยากาศที่น่าเศร้าของระบอบเผด็จการของ Nicholas I โดยอ้อมซึ่งกลายเป็นเหตุการณ์ในชีวิตสาธารณะของรัฐ

ผู้เชี่ยวชาญด้านการเพิ่มประสิทธิภาพเว็บไซต์ทำงานกับพารามิเตอร์หลายสิบตัวที่อธิบายแต่ละไซต์ ค้นหาวิธีคำนวณลิงก์สแปมหากคุณตัดสินใจที่จะเชี่ยวชาญวิทยาศาสตร์ที่ยากลำบากนี้

ยวนใจปรากฏอยู่ในภาพเหมือนของ O. A. Kiprensky (1782-1836) ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2355 ศิลปินได้สร้างภาพกราฟิกของผู้เข้าร่วมสงครามผู้รักชาติซึ่งเป็นเพื่อนของเขา หนึ่งในผลงานสร้างสรรค์ที่ดีที่สุดของ O.A. Kiprensky คือภาพเหมือนของ A.S. Pushkin หลังจากเห็นว่ากวีผู้ยิ่งใหญ่เขียนไว้ว่า: "ฉันเห็นตัวเองเหมือนอยู่ในกระจก แต่กระจกบานนี้ทำให้ฉันประจบประแจง"

ประเพณีของแนวโรแมนติกได้รับการพัฒนาโดยจิตรกรทางทะเล I.K. Aivazovsky (1817-1900) ชื่อเสียงทั่วไปทำให้เขามีผลงานที่สร้างความยิ่งใหญ่และพลังของธาตุทะเล ("The Ninth Wave", "The Black Sea") เขาอุทิศภาพวาดมากมายให้กับการหาประโยชน์ของลูกเรือชาวรัสเซีย ("Chesme Battle", "Navarin Battle") ในช่วงสงครามไครเมีย ค.ศ. 1853-1856 ในเซวาสโทพอลที่ถูกปิดล้อม เขาได้จัดนิทรรศการภาพวาดการต่อสู้ของเขา ต่อจากนั้น บนพื้นฐานของภาพสเก็ตช์ภาคสนาม เขาได้แสดงภาพวาดหลายภาพเกี่ยวกับการป้องกันเซวาสโทพอลอย่างกล้าหาญ

VA Tropinin (พ.ศ. 2319-2500) ได้รับการเลี้ยงดูจากประเพณีซาบซึ้งในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ซึ่งได้รับอิทธิพลอย่างมากจากคลื่นความโรแมนติกครั้งใหม่ ศิลปินสร้างแกลเลอรี่ภาพของช่างฝีมือ คนใช้ และชาวนา โดยให้ตัวเองเป็นทาสในตัวเอง ("The Lacemaker", "The Seamstress") รายละเอียดของชีวิตประจำวันและกิจกรรมด้านแรงงานทำให้ภาพบุคคลเหล่านี้ใกล้ชิดกับการวาดภาพประเภทมากขึ้น

สรุปข้อสอบ

หัวข้อ: "โรแมนติกเป็นกระแสในงานศิลปะ".

ดำเนินการแล้ว นักเรียน 11 "B" ชั้นมัธยมศึกษาปีที่ 3

บอยแพรว อันนา

ครูศิลปะโลก

วัฒนธรรม Butsu T.N.

เบรสต์, 2002

1. บทนำ

2. สาเหตุของความโรแมนติก

3. คุณสมบัติหลักของความโรแมนติก

4. ฮีโร่โรแมนติก

5. แนวโรแมนติกในรัสเซีย

ก) วรรณคดี

ข) จิตรกรรม

ค) ดนตรี

6. แนวโรแมนติกของยุโรปตะวันตก

ภาพวาด

ข) ดนตรี

7. บทสรุป

8. การอ้างอิง

1. บทนำ

หากคุณดูพจนานุกรมอธิบายภาษารัสเซียคุณจะพบความหมายหลายประการของคำว่า "โรแมนติก": 1. แนวโน้มในวรรณคดีและศิลปะในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 19 โดดเด่นด้วยการทำให้เป็นอุดมคติของอดีตการแยกตัว จากความเป็นจริง ลัทธิของบุคลิกภาพและมนุษย์ 2. ทิศทางในวรรณคดีและศิลปะ อุดมด้วยการมองโลกในแง่ดีและความปรารถนาที่จะแสดงในภาพที่สดใสวัตถุประสงค์สูงของมนุษย์ ๓. จิตที่เปี่ยมด้วยอุดมคติแห่งความเป็นจริง การไตร่ตรองอย่างเพ้อฝัน

ดังจะเห็นได้จากคำจำกัดความ ความโรแมนติกเป็นปรากฏการณ์ที่แสดงออกไม่เพียงแต่ในงานศิลปะ แต่ยังรวมถึงพฤติกรรม การแต่งกาย ไลฟ์สไตล์ จิตวิทยาของผู้คน และเกิดขึ้นในช่วงเวลาวิกฤตในชีวิตด้วย ดังนั้น แนวโรแมนติกจึงยังคงมีความเกี่ยวข้องในปัจจุบัน . เราอยู่ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ เราอยู่ในขั้นตอนการเปลี่ยนผ่าน ในเรื่องนี้ในสังคมมีความไม่เชื่อในอนาคต ไม่ไว้วางใจในอุดมคติ มีความต้องการที่จะหนีจากความเป็นจริงโดยรอบเข้าสู่โลกแห่งประสบการณ์ของตัวเองและในขณะเดียวกันก็เข้าใจมัน เป็นคุณลักษณะเหล่านี้เป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะโรแมนติก นั่นเป็นเหตุผลที่ฉันเลือกหัวข้อ "โรแมนติกเป็นกระแสในงานศิลปะ" เพื่อการวิจัย

ยวนใจเป็นงานศิลปะประเภทต่าง ๆ ที่มีขนาดใหญ่มาก จุดประสงค์ของงานของฉันคือเพื่อติดตามเงื่อนไขของการเกิดขึ้นและสาเหตุของการเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกในประเทศต่างๆ เพื่อตรวจสอบพัฒนาการของแนวโรแมนติกในรูปแบบศิลปะ เช่น วรรณกรรม ภาพวาด และดนตรี และเพื่อเปรียบเทียบ งานหลักสำหรับฉันคือการเน้นคุณลักษณะหลักของแนวโรแมนติก ซึ่งเป็นลักษณะของศิลปะทุกประเภท เพื่อกำหนดว่าความโรแมนติกมีอิทธิพลต่อการพัฒนาแนวโน้มอื่นๆ ในงานศิลปะอย่างไร

ในการพัฒนาธีม ฉันใช้หนังสือเรียนเกี่ยวกับงานศิลปะ เช่น Filimonova, Vorotnikov และอื่นๆ สิ่งพิมพ์สารานุกรม เอกสารที่อุทิศให้กับผู้เขียนหลายคนในยุคของแนวโรแมนติก เนื้อหาเกี่ยวกับชีวประวัติของผู้แต่งเช่น Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova และอื่นๆ

2. สาเหตุของการเกิดโรแมนติก

ยิ่งเราเข้าใกล้ความทันสมัยมากเท่าไหร่ ช่วงเวลาของการครอบงำของรูปแบบหนึ่งหรือรูปแบบอื่นก็ยิ่งสั้นลงเท่านั้น ช่วงเวลาปลายศตวรรษที่ 18-1 ในสามของศตวรรษที่ 19 ถือว่าเป็นยุคแห่งแนวโรแมนติก (จาก French Romantique สิ่งลึกลับ แปลก ไม่จริง)

สิ่งที่มีอิทธิพลต่อการเกิดขึ้นของรูปแบบใหม่?

นี่คือเหตุการณ์หลักสามเหตุการณ์: การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งยิ่งใหญ่ สงครามนโปเลียน การเกิดขึ้นของขบวนการปลดปล่อยชาติในยุโรป

เสียงฟ้าร้องของปารีสดังก้องไปทั่วยุโรป สโลแกน "เสรีภาพ ความเสมอภาค ภราดรภาพ!" เป็นที่ดึงดูดใจของชาวยุโรปอย่างมาก ด้วยการก่อตัวของสังคมชนชั้นนายทุน ชนชั้นแรงงานจึงเริ่มต่อต้านระบบศักดินาในฐานะกองกำลังอิสระ การต่อสู้ดิ้นรนของสามชนชั้น - ขุนนาง, ชนชั้นนายทุนและชนชั้นกรรมาชีพ - ก่อให้เกิดพื้นฐานของการพัฒนาทางประวัติศาสตร์ของศตวรรษที่ 19

ชะตากรรมของนโปเลียนและบทบาทของเขาในประวัติศาสตร์ยุโรปเป็นเวลา 2 ทศวรรษ พ.ศ. 2339-2458 ครอบงำจิตใจของคนรุ่นเดียวกัน "ผู้ปกครองของความคิด" - A.S. พูดถึงเขา พุชกิน.

สำหรับฝรั่งเศส ช่วงเวลาเหล่านี้เป็นปีแห่งความยิ่งใหญ่และรุ่งโรจน์ แม้ว่าจะต้องแลกด้วยชีวิตของชาวฝรั่งเศสหลายพันคน อิตาลีเห็นนโปเลียนเป็นผู้ปลดปล่อย ชาวโปแลนด์มีความหวังสูงสำหรับเขา

นโปเลียนทำหน้าที่เป็นผู้พิชิตที่ทำหน้าที่เพื่อผลประโยชน์ของชนชั้นนายทุนฝรั่งเศส สำหรับราชวงศ์ยุโรป พระองค์ไม่เพียงแต่เป็นศัตรูทางทหารเท่านั้น แต่ยังเป็นตัวแทนของโลกมนุษย์ต่างดาวของชนชั้นนายทุนอีกด้วย พวกเขาเกลียดเขา ในตอนต้นของสงครามนโปเลียน มีผู้เข้าร่วมโดยตรงจำนวนมากในการปฏิวัติใน "กองทัพอันยิ่งใหญ่" ของเขา

บุคลิกของนโปเลียนเองก็เป็นปรากฎการณ์เช่นกัน ชายหนุ่ม Lermontov ตอบกลับวันครบรอบ 10 ปีของการเสียชีวิตของนโปเลียน:

เขาเป็นคนแปลกหน้าต่อโลก ทุกอย่างเกี่ยวกับเขาเป็นเรื่องลึกลับ

วันแห่งความสูงส่ง - และการล่มสลายของชั่วโมง!

ความลึกลับนี้ดึงดูดความสนใจของคู่รักเป็นพิเศษ

ในการเชื่อมต่อกับสงครามนโปเลียนและการพัฒนาความประหม่าของชาติ ช่วงเวลานี้มีลักษณะเฉพาะโดยการเพิ่มขึ้นของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติ เยอรมนี, ออสเตรีย, สเปนต่อสู้กับการยึดครองของนโปเลียน, อิตาลี - กับแอกออสเตรีย, กรีซ - กับตุรกี, ในโปแลนด์พวกเขาต่อสู้กับซาร์รัสเซีย, ไอร์แลนด์ - กับอังกฤษ

การเปลี่ยนแปลงที่น่าอัศจรรย์เกิดขึ้นต่อหน้าต่อตาของคนรุ่นหนึ่ง

ฝรั่งเศสเห็นถึงสิ่งที่สำคัญที่สุด: วันครบรอบปีที่ห้าอันปั่นป่วนของการปฏิวัติฝรั่งเศส, การเพิ่มขึ้นและการล่มสลายของ Robespierre, การรณรงค์ของนโปเลียน, การสละราชสมบัติครั้งแรกของนโปเลียน, การกลับมาจากเกาะเอลบา ("ร้อยวัน") และครั้งสุดท้าย

ความพ่ายแพ้ที่วอเตอร์ลู วันครบรอบ 15 ปีอันมืดมนของระบอบการฟื้นฟู การปฏิวัติเดือนกรกฎาคมปี 1860 การปฏิวัติเดือนกุมภาพันธ์ปี 1848 ในปารีส ซึ่งก่อให้เกิดกระแสการปฏิวัติในประเทศอื่นๆ

ในอังกฤษอันเป็นผลมาจากการปฏิวัติอุตสาหกรรมในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XIX การผลิตเครื่องจักรและความสัมพันธ์ทุนนิยมถูกจัดตั้งขึ้น การปฏิรูปรัฐสภาในปี พ.ศ. 2375 ได้เปิดทางให้ชนชั้นนายทุนมีอำนาจเหนือรัฐ

ในดินแดนของเยอรมนีและออสเตรีย ผู้ปกครองศักดินายังคงมีอำนาจ หลังจากการล่มสลายของนโปเลียน พวกเขาจัดการกับฝ่ายค้านอย่างรุนแรง แต่แม้กระทั่งบนดินเยอรมัน รถจักรไอน้ำที่นำมาจากอังกฤษในปี พ.ศ. 2374 ก็กลายเป็นปัจจัยในความก้าวหน้าของชนชั้นนายทุน

การปฏิวัติอุตสาหกรรม การปฏิวัติทางการเมือง เปลี่ยนโฉมหน้าของยุโรป มาร์กซ์และเองเกลส์นักวิทยาศาสตร์ชาวเยอรมันกล่าวว่า “ชนชั้นนายทุนซึ่งอยู่ภายใต้การปกครองแบบชนชั้นน้อยกว่าร้อยปี ได้สร้างกองกำลังการผลิตจำนวนมากและยิ่งใหญ่กว่ารุ่นก่อนๆ ทั้งหมด” มาร์กซ์และเองเงิลส์นักวิทยาศาสตร์ชาวเยอรมันเขียนไว้

ดังนั้น การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ (ค.ศ. 1789-1794) จึงเป็นก้าวสำคัญที่แยกยุคใหม่ออกจากยุคแห่งการตรัสรู้ ไม่เพียงแต่รูปแบบของรัฐ โครงสร้างทางสังคมของสังคม การจัดตำแหน่งของชนชั้นก็เปลี่ยนไปด้วย ระบบความคิดทั้งระบบซึ่งสว่างไสวมานานหลายศตวรรษสั่นสะเทือน ผู้รู้แจ้งเตรียมการปฏิวัติตามอุดมคติ แต่พวกเขาไม่สามารถคาดการณ์ผลที่ตามมาทั้งหมดได้ "อาณาจักรแห่งเหตุผล" ไม่ได้เกิดขึ้น การปฏิวัติซึ่งประกาศอิสรภาพของแต่ละบุคคล ก่อให้เกิดระเบียบของชนชั้นนายทุน จิตวิญญาณแห่งการแสวงหาผลประโยชน์ และความเห็นแก่ตัว นั่นคือพื้นฐานทางประวัติศาสตร์สำหรับการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะซึ่งนำเสนอทิศทางใหม่ - แนวโรแมนติก

3. คุณสมบัติหลักของโรแมนติก

ยวนใจเป็นวิธีการและทิศทางในวัฒนธรรมศิลปะเป็นปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนและเป็นที่ถกเถียงกัน ในทุกประเทศเขามีการแสดงออกระดับชาติที่สดใส ไม่ใช่เรื่องง่ายที่จะหาคุณลักษณะในวรรณคดี ดนตรี ภาพวาด และโรงละครที่รวม Chateaubriand และ Delacroix, Mickiewicz และ Chopin, Lermontov และ Kiprensky เข้าด้วยกัน

โรแมนติกครอบครองตำแหน่งทางสังคมและการเมืองต่างๆในสังคม พวกเขาทั้งหมดกบฏต่อผลลัพธ์ของการปฏิวัติชนชั้นนายทุน แต่พวกเขากลับก่อกบฏในรูปแบบต่างๆ เนื่องจากแต่ละคนมีอุดมคติของตนเอง แต่ด้วยใบหน้าและความหลากหลายที่หลากหลาย ความโรแมนติกจึงมีลักษณะที่มั่นคง

ความผิดหวังในยุคปัจจุบันทำให้เกิดความพิเศษ ความสนใจในอดีต: สู่การก่อตัวทางสังคมก่อนชนชั้นนายทุน, จนถึงยุคปิตาธิปไตย. ความโรแมนติกมากมายมีลักษณะเฉพาะด้วยแนวคิดที่ว่าความแปลกใหม่ที่งดงามของประเทศทางใต้และตะวันออก - อิตาลี, สเปน, กรีซ, ตุรกี - เป็นบทกวีที่ตรงกันข้ามกับชีวิตประจำวันของชนชั้นนายทุนที่น่าเบื่อ ในประเทศเหล่านี้ ซึ่งยังคงได้รับผลกระทบจากอารยธรรมเพียงเล็กน้อย คนโรแมนติกกำลังมองหาตัวละครที่สดใส แข็งแกร่ง วิถีชีวิตดั้งเดิมและมีสีสัน ความสนใจในอดีตชาติก่อให้เกิดผลงานทางประวัติศาสตร์จำนวนมาก

ในความพยายามที่จะก้าวขึ้นเหนือกว่าร้อยแก้วของการเป็น เพื่อปลดปล่อยความสามารถที่หลากหลายของแต่ละบุคคล ตระหนักถึงตัวเองอย่างเต็มที่ในความคิดสร้างสรรค์ ความโรแมนติกได้ต่อต้านการทำให้ศิลปะเป็นแบบแผนและวิธีการที่ชาญฉลาดตรงไปตรงมา ลักษณะของศิลปะคลาสสิก ล้วนมาจาก การปฏิเสธการตรัสรู้และศีลที่มีเหตุผลของลัทธิคลาสสิคซึ่งผูกโยงกับความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ของศิลปิน และหาก ความคลาสสิก แบ่งทุกอย่างออกเป็นเส้นตรง เป็นสิ่งที่ดีและไม่ดี เป็นขาวดำ ความโรแมนติกจะไม่แบ่งอะไรเป็นเส้นตรง ความคลาสสิคเป็นระบบ แต่แนวโรแมนติกไม่ใช่ ลัทธิจินตนิยมก้าวหน้าความก้าวหน้าของยุคสมัยใหม่จากลัทธิคลาสสิกไปสู่ความซาบซึ้งซึ่งแสดงให้เห็นถึงชีวิตภายในของบุคคลที่กลมกลืนกับโลกอันกว้างใหญ่ และแนวโรแมนติกต่อต้านความสามัคคีกับโลกภายใน เป็นเรื่องแนวโรแมนติกที่จิตวิทยาที่แท้จริงเริ่มปรากฏขึ้น

งานหลักของแนวโรแมนติกคือ ภาพลักษณ์ของโลกภายใน, ชีวิตฝ่ายวิญญาณ และสิ่งนี้สามารถทำได้บนเนื้อหาของเรื่องราว ไสยศาสตร์ ฯลฯ จำเป็นต้องแสดงความขัดแย้งของชีวิตภายในนี้ ความไร้เหตุผลของมัน

ในจินตนาการของพวกเขา ความโรแมนติกเปลี่ยนความเป็นจริงที่ไม่สวยงามหรือเข้าสู่โลกแห่งประสบการณ์ของพวกเขา ช่องว่างระหว่างความฝันและความเป็นจริง ความขัดแย้งของนิยายที่สวยงามกับความเป็นจริงตามวัตถุประสงค์ อยู่ที่หัวใจของการเคลื่อนไหวที่โรแมนติกทั้งหมด

ยวนใจเป็นครั้งแรกก่อให้เกิดปัญหาภาษาศิลปะ “ศิลปะเป็นภาษาที่แตกต่างจากธรรมชาติอย่างมาก แต่ยังมีพลังมหัศจรรย์เช่นเดียวกันกับผลกระทบต่อจิตวิญญาณมนุษย์อย่างลับๆ และไม่อาจเข้าใจได้” (Wackenroder และ Tieck) ศิลปินเป็นนักแปลของภาษาธรรมชาติ เป็นตัวกลางระหว่างโลกแห่งจิตวิญญาณกับผู้คน “ต้องขอบคุณศิลปิน มนุษยชาติจึงกลายเป็นปัจเจกบุคคลทั้งหมด ศิลปินที่มีความทันสมัยผสมผสานโลกอดีตกับโลกอนาคต พวกเขาเป็นอวัยวะทางจิตวิญญาณสูงสุดที่กองกำลังสำคัญของมนุษยชาติภายนอกของพวกเขามาบรรจบกัน และเป็นที่ซึ่งมนุษยชาติภายในปรากฏตัวเป็นอันดับแรก” (F. Schlegel)

อย่างไรก็ตามแนวโรแมนติกไม่ใช่แนวโน้มที่เป็นเนื้อเดียวกัน: การพัฒนาทางอุดมการณ์ของมันไปในทิศทางที่ต่างกัน ในบรรดาแนวโรแมนติกนั้นมีนักเขียนปฏิกิริยา สมัครพรรคพวกของระบอบเก่า ซึ่งร้องเพลงเกี่ยวกับราชาธิปไตยศักดินาและศาสนาคริสต์ ในทางกลับกัน ความโรแมนติกที่มีมุมมองก้าวหน้าได้แสดงออกถึงการประท้วงประชาธิปไตยต่อระบบศักดินาและการกดขี่ทุกรูปแบบ ซึ่งสะท้อนถึงแรงกระตุ้นปฏิวัติของประชาชนเพื่ออนาคตที่ดีกว่า

ยวนใจทิ้งยุคทั้งโลกในวัฒนธรรมศิลปะโลกตัวแทนคือ: ในวรรณคดี V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz และอื่น ๆ ; ในวิจิตรศิลป์ของ E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky และคนอื่น ๆ ; ในเพลงของ F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin และคนอื่น ๆ พวกเขาค้นพบและพัฒนาแนวเพลงใหม่ให้ความสนใจอย่างใกล้ชิดกับชะตากรรมของบุคลิกภาพของมนุษย์เผยให้เห็น ภาษาถิ่นของความดีและความชั่ว เปิดเผยกิเลสตัณหาของมนุษย์อย่างเชี่ยวชาญ ฯลฯ

รูปแบบศิลปะมีความเท่าเทียมกันในความสำคัญและผลิตผลงานศิลปะที่งดงามมากหรือน้อยแม้ว่าความโรแมนติกจะให้ความสำคัญกับดนตรีในบันไดของศิลปะ

4. ฮีโร่สุดโรแมนติก

ใครคือฮีโร่โรแมนติกและเขาชอบอะไร?

นี่คือนักปัจเจก ซูเปอร์แมนผู้ผ่านสองขั้นตอน: ก่อนชนกับความเป็นจริง เขาอยู่ในสถานะ 'สีชมพู' เขาถูกครอบงำโดยความปรารถนาเพื่อความสำเร็จ การเปลี่ยนแปลงของโลก หลังจากการปะทะกับความเป็นจริง เขายังคงพิจารณาโลกนี้ทั้งหยาบคายและน่าเบื่อ แต่เขาไม่ได้กลายเป็นคนขี้ระแวงและมองโลกในแง่ร้าย ด้วยความเข้าใจที่ชัดเจนว่าไม่มีอะไรเปลี่ยนแปลงได้ ความปรารถนาในความสำเร็จกลับกลายเป็นความปรารถนาในอันตราย

ความโรแมนติกสามารถให้คุณค่าแก่ทุกสิ่งที่เป็นนิรันดร์และยั่งยืนแก่ทุกสิ่ง ให้กับทุกข้อเท็จจริงที่เป็นรูปธรรม แก่ทุกสิ่งที่เป็นเอกพจน์ โจเซฟ เดอ เมสเตรเรียกมันว่า "วิถีแห่งพรอวิเดนซ์" เจอร์เมน เดอ สตาเอล - "อ้อมอกอันอุดมสมบูรณ์ของจักรวาลอมตะ" Chateaubriand ใน "Genius of Christianity" ในหนังสือที่อุทิศให้กับประวัติศาสตร์ชี้ตรงไปที่พระเจ้าว่าเป็นจุดเริ่มต้นของเวลาประวัติศาสตร์ สังคมปรากฏเป็นสายสัมพันธ์ที่ไม่สั่นคลอน "สายใยแห่งชีวิตที่เชื่อมโยงเรากับบรรพบุรุษของเราและเราต้องขยายไปสู่ลูกหลานของเรา" เฉพาะหัวใจของบุคคลเท่านั้น ที่ไม่ใช่จิตใจ เท่านั้นที่สามารถเข้าใจและได้ยินเสียงของพระผู้สร้าง ผ่านความงามของธรรมชาติ ผ่านความรู้สึกลึกล้ำ ธรรมชาติเป็นสิ่งศักดิ์สิทธิ์ เป็นแหล่งของความสามัคคีและพลังสร้างสรรค์ คำอุปมาอุปมัยมักถูกถ่ายทอดโดยความรักไปสู่ศัพท์ทางการเมือง สำหรับความโรแมนติก ต้นไม้กลายเป็นสัญลักษณ์ของครอบครัว พัฒนาการที่เกิดขึ้นเองตามธรรมชาติ การรับรู้ถึงน้ำผลไม้ของแผ่นดินแม่ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความสามัคคีของชาติ ยิ่งธรรมชาติของบุคคลบริสุทธิ์และอ่อนไหวมากเท่าไร เขาก็ยิ่งได้ยินเสียงของพระผู้เป็นเจ้าง่ายขึ้นเท่านั้น เด็ก ผู้หญิง เยาวชนผู้สูงศักดิ์มักมองเห็นความเป็นอมตะของจิตวิญญาณและคุณค่าของชีวิตนิรันดร์มากกว่าคนอื่นๆ ความกระหายในความสุขของคนโรแมนติกไม่ได้จำกัดอยู่เพียงความปรารถนาในอุดมคติสำหรับอาณาจักรของพระเจ้าหลังความตาย

นอกจากความรักอันลี้ลับต่อพระเจ้าแล้ว บุคคลนั้นต้องการความรักที่แท้จริงบนแผ่นดินโลก ไม่สามารถครอบครองวัตถุแห่งความรักของเขาได้ฮีโร่โรแมนติกกลายเป็นผู้พลีชีพนิรันดร์ถึงวาระที่จะรอพบกับคนรักของเขาในชีวิตหลังความตาย "สำหรับความรักอันยิ่งใหญ่มีค่าเป็นอมตะเมื่อต้องเสียชีวิตบุคคล"

สถานที่พิเศษในงานโรแมนติกถูกครอบครองโดยปัญหาการพัฒนาและการศึกษาของแต่ละบุคคล วัยเด็กปราศจากกฎหมาย แรงกระตุ้นชั่วขณะของมันเป็นการละเมิดศีลธรรมอันดีของประชาชน ปฏิบัติตามกฎการเล่นแบบเด็กๆ ของตัวเอง ในผู้ใหญ่ ปฏิกิริยาที่คล้ายคลึงกันนำไปสู่ความตาย ไปสู่การประณามวิญญาณ ในการค้นหาอาณาจักรสวรรค์ บุคคลต้องเข้าใจกฎแห่งหน้าที่และศีลธรรม จากนั้นจึงจะสามารถหวังชีวิตนิรันดร์ได้ เนื่องจากหน้าที่ถูกกำหนดให้กับคู่รักโดยความปรารถนาของพวกเขาที่จะได้รับชีวิตนิรันดร์ การปฏิบัติตามหน้าที่ให้ความสุขส่วนตัวในการสำแดงที่ลึกที่สุดและทรงพลังที่สุด หน้าที่ทางศีลธรรมจะเพิ่มหน้าที่ของความรู้สึกลึกซึ้งและผลประโยชน์อันสูงส่ง โดยปราศจากการผสมผสานข้อดีของเพศที่แตกต่างกัน ความโรแมนติกสนับสนุนความเท่าเทียมกันของการพัฒนาทางจิตวิญญาณของชายและหญิง ในทำนองเดียวกัน ความรักต่อพระเจ้าและสถาบันของพระองค์กำหนดหน้าที่พลเมือง การดิ้นรนส่วนตัวพบความสมบูรณ์ในสาเหตุทั่วไป ในการดิ้นรนของทั้งชาติ ของมวลมนุษยชาติ ของทั้งโลก

ทุกวัฒนธรรมมีฮีโร่โรแมนติกของตัวเอง แต่ Byron ในผลงานของเขา Charld Harold ได้นำเสนอภาพลักษณ์ทั่วไปของฮีโร่ที่โรแมนติก เขาสวมหน้ากากของฮีโร่ของเขา (เขาบอกว่าไม่มีระยะห่างระหว่างฮีโร่กับผู้เขียน) และจัดการเพื่อให้สอดคล้องกับศีลที่โรแมนติก

งานโรแมนติกทั้งหมดมีลักษณะเฉพาะ:

ประการแรกในงานโรแมนติกทุกครั้งไม่มีระยะห่างระหว่างฮีโร่และผู้แต่ง

ประการที่สอง ผู้เขียนฮีโร่ไม่ได้ตัดสิน แต่ถึงแม้จะพูดเรื่องไม่ดีเกี่ยวกับตัวเขา โครงเรื่องก็ถูกสร้างขึ้นในลักษณะที่พระเอกไม่ต้องโทษ เนื้อเรื่องในงานโรแมนติกมักจะโรแมนติก คนโรแมนติกยังสร้างความสัมพันธ์พิเศษกับธรรมชาติ เช่น พายุ พายุฝนฟ้าคะนอง ภัยพิบัติ

5. โรแมนติกในรัสเซีย

ลัทธิจินตนิยมในรัสเซียแตกต่างจากยุโรปตะวันตกในบริบททางประวัติศาสตร์ที่แตกต่างกันและประเพณีวัฒนธรรมที่แตกต่างกัน การปฏิวัติฝรั่งเศสไม่สามารถนับเป็นหนึ่งในสาเหตุของการเกิดขึ้นได้ ผู้คนในวงแคบมากมีความหวังสำหรับการเปลี่ยนแปลงในทางของมัน และผลลัพธ์ของการปฏิวัติก็น่าผิดหวังอย่างยิ่ง คำถามของระบบทุนนิยมในรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ไม่ได้ยืน ดังนั้นจึงไม่มีเหตุผลดังกล่าว เหตุผลที่แท้จริงคือสงครามรักชาติในปี ค.ศ. 1812 ซึ่งแสดงพลังทั้งหมดของความคิดริเริ่มของประชาชน แต่ภายหลังสงคราม ประชาชนไม่ได้รับความประสงค์ ขุนนางที่ดีที่สุดซึ่งไม่พอใจกับความเป็นจริงไปที่จัตุรัสวุฒิสภาในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2368 การกระทำนี้ยังทิ้งร่องรอยไว้บนปัญญาประดิษฐ์ที่สร้างสรรค์ ปีหลังสงครามที่ปั่นป่วนกลายเป็นสภาพแวดล้อมที่แนวโรแมนติกของรัสเซียก่อตัวขึ้น

ยวนใจและยิ่งกว่านั้นรัสเซียของเราพัฒนาและหล่อหลอมให้เป็นรูปแบบดั้งเดิมของเรา แนวโรแมนติกไม่ใช่วรรณกรรมที่เรียบง่าย แต่เป็นปรากฏการณ์ชีวิต ยุคทั้งหมดของการพัฒนาคุณธรรม ยุคที่มีสีพิเศษของตัวเองดำเนินการพิเศษ มุมมองในชีวิต ... ปล่อยให้กระแสโรแมนติกมาจากภายนอกจากชีวิตตะวันตกและวรรณกรรมตะวันตกซึ่งพบในธรรมชาติของรัสเซียดินพร้อมสำหรับการรับรู้ดังนั้นจึงสะท้อนให้เห็นในปรากฏการณ์ดั้งเดิมอย่างสมบูรณ์ในฐานะกวีและนักวิจารณ์ Apollon Grigoriev ประเมิน - นี่เป็นปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมที่ไม่เหมือนใครและลักษณะของมันแสดงให้เห็นถึงความซับซ้อนที่สำคัญของแนวโรแมนติก จากลำไส้ที่โกกอลหนุ่มออกมาและผู้ที่เขาเกี่ยวข้องไม่เพียง แต่ในตอนเริ่มต้นอาชีพการเขียนของเขา แต่ตลอดชีวิตของเขา

Apollon Grigoriev ยังกำหนดธรรมชาติของผลกระทบของโรงเรียนโรแมนติกเกี่ยวกับวรรณกรรมและชีวิตอย่างแม่นยำรวมถึงร้อยแก้วของเวลานั้นไม่ใช่อิทธิพลหรือการยืมอย่างง่าย แต่เป็นชีวิตที่มีลักษณะเฉพาะและทรงพลังและแนวโน้มวรรณกรรมที่ให้ปรากฏการณ์ดั้งเดิมอย่างสมบูรณ์ในวรรณคดีรัสเซียรุ่นเยาว์ .

ก) วรรณคดี

แนวโรแมนติกของรัสเซียมักจะแบ่งออกเป็นหลายช่วงเวลา: เริ่มต้น (1801-1815), สุกเต็มที่ (1815-1825) และช่วงเวลาของการพัฒนาหลังเดือนธันวาคม อย่างไรก็ตาม เมื่อเทียบกับช่วงแรก ความธรรมดาของโครงการนี้โดดเด่นมาก สำหรับรุ่งอรุณของแนวโรแมนติกของรัสเซียนั้นเกี่ยวข้องกับชื่อของ Zhukovsky และ Batyushkov กวีที่มีงานและโลกทัศน์ยากที่จะนำมาเคียงข้างและเปรียบเทียบในช่วงเวลาเดียวกันเป้าหมายแรงบันดาลใจอารมณ์แตกต่างกันมาก ในบทกวีของกวีทั้งสองยังคงรู้สึกถึงอิทธิพลของอดีตยุคแห่งอารมณ์อ่อนไหว แต่ถ้า Zhukovsky ยังคงหยั่งรากลึกอยู่ในนั้น Batyushkov ก็ใกล้ชิดกับแนวโน้มใหม่มากขึ้น

Belinsky ตั้งข้อสังเกตอย่างถูกต้องว่างานของ Zhukovsky มีลักษณะเฉพาะโดย "การร้องเรียนเกี่ยวกับความหวังที่ไม่สมบูรณ์ซึ่งไม่มีชื่อ ความโศกเศร้าสำหรับความสุขที่หายไป ซึ่งพระเจ้ารู้ว่ามันประกอบด้วยอะไร" อันที่จริงในบุคลิกของ Zhukovsky ความโรแมนติกยังคงทำตามขั้นตอนแรกขี้อายโดยจ่ายส่วยให้กับความปรารถนาทางอารมณ์และเศร้าโศกความโหยหาหัวใจที่คลุมเครือแทบจะมองไม่เห็นในคำพูดถึงความรู้สึกที่ซับซ้อนซึ่งในการวิจารณ์ของรัสเซียคือ เรียกว่า "ความโรแมนติกของยุคกลาง"

บรรยากาศที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงในบทกวีของ Batyushkov: ความสุขของการเป็นราคะที่ตรงไปตรงมาเพลงสวดเพื่อความเพลิดเพลิน

Zhukovsky ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นตัวแทนที่โดดเด่นของมนุษยนิยมด้านสุนทรียศาสตร์ของรัสเซีย Zhukovsky ที่ต่างจากความหลงใหลอย่างแรงกล้า พึงพอใจและอ่อนโยนอยู่ภายใต้อิทธิพลของความคิดของรุสโซและแนวโรแมนติกของชาวเยอรมัน ต่อมาท่านได้ให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับด้านสุนทรียภาพในศาสนา ศีลธรรม และความสัมพันธ์ทางสังคม ศิลปะได้รับความหมายทางศาสนาจาก Zhukovsky เขาพยายามที่จะเห็น "การเปิดเผย" ของความจริงที่สูงขึ้นในงานศิลปะมันเป็น "สิ่งศักดิ์สิทธิ์" สำหรับเขา เป็นเรื่องปกติสำหรับคู่รักชาวเยอรมันที่จะระบุบทกวีและศาสนา เราพบสิ่งเดียวกันใน Zhukovsky ผู้เขียนว่า: "บทกวีคือพระเจ้าในความฝันอันศักดิ์สิทธิ์ของโลก" ในแนวโรแมนติกของเยอรมัน เขาใกล้ชิดเป็นพิเศษกับสิ่งดึงดูดใจสำหรับทุกสิ่งที่อยู่นอกเหนือ "ด้านกลางคืนของจิตวิญญาณ" ไปจนถึง "สิ่งที่อธิบายไม่ได้" ในธรรมชาติและในมนุษย์ ธรรมชาติในกวีนิพนธ์ของ Zhukovsky ถูกห้อมล้อมด้วยความลึกลับ ทิวทัศน์ของเขาช่างน่ากลัวและแทบไม่มีจริง เหมือนกับเงาสะท้อนในน้ำ:

กลิ่นธูปผสานกับความเย็นของพืชได้อย่างไร!

ช่างหอมหวานในความเงียบที่สาดกระเซ็นที่ชายฝั่ง!

ลมของมาร์ชเมลโลว์บนผืนน้ำช่างเงียบงันเพียงใด

และหลิวกระพือปีกยืดหยุ่น!

วิญญาณที่ละเอียดอ่อน อ่อนโยน และชวนฝันของ Zhukovsky ดูเหมือนจะเยือกแข็งอย่างอ่อนหวานบนธรณีประตูของ "แสงลึกลับนี้" กวีผู้นี้แสดงออกอย่างเหมาะสมของเบลินสกี้ “รักและยอมทนทุกข์ทรมาน” แต่ความทุกข์ทรมานนี้ไม่ได้แทงใจเขาด้วยบาดแผลอันโหดร้าย เพราะแม้ในความปวดร้าวและความเศร้า ชีวิตภายในของเขาก็ยังเงียบสงบ ดังนั้นเมื่ออยู่ในข้อความถึง Batyushkov "บุตรแห่งความสุขและความสนุกสนาน" เขาเรียกกวี Epicurean ว่า "สัมพันธ์กับ Muse" เป็นเรื่องยากที่จะเชื่อในความสัมพันธ์นี้ แต่เราเชื่อว่า Zhukovsky ผู้มีคุณธรรมซึ่งเป็นมิตรแนะนำนักร้องแห่งความสุขทางโลก: "ปฏิเสธความยั่วยวนความฝันเป็นอันตรายถึงชีวิต!"

Batyushkov เป็นร่างในทุกสิ่งที่ตรงข้ามกับ Zhukovsky เขาเป็นคนที่มีความกระตือรือร้น และชีวิตที่สร้างสรรค์ของเขาถูกตัดให้สั้นกว่าการมีอยู่จริงของเขา 35 ปี เมื่อตอนเป็นชายหนุ่ม เขาจมดิ่งลงสู่ขุมนรกแห่งความบ้าคลั่ง เขาอุทิศตนด้วยพลังและความหลงใหลที่เท่าเทียมกันทั้งความสุขและความเศร้า: ในชีวิตเช่นเดียวกับความเข้าใจในบทกวีเขา - ต่างจาก Zhukovsky - เป็นคนต่างด้าวกับ "ค่าเฉลี่ยสีทอง" แม้ว่าบทกวีของเขาจะมีลักษณะเฉพาะด้วยการยกย่องมิตรภาพที่บริสุทธิ์ แต่ความสุขของ "มุมที่ต่ำต้อย" แต่ไอดีลของเขาไม่ได้เจียมเนื้อเจียมตัวและเงียบสงบเพราะ Batyushkov ไม่สามารถจินตนาการได้หากปราศจากความสุขอันเร่าร้อนของความหลงใหลและความมึนเมากับชีวิต บางครั้งกวีก็หลงใหลในความปิติยินดีจนเขาพร้อมที่จะปฏิเสธภูมิปัญญาทางวิทยาศาสตร์ที่กดขี่โดยประมาท:

มันอยู่ในความจริงของความเศร้า

สโตอิกที่มืดมนและปราชญ์ที่น่าเบื่อ

นั่งในชุดงานศพ

ระหว่างซากปรักหักพังกับโลงศพ

เราจะพบความหวานในชีวิตของเราหรือไม่?

จากพวกเขาฉันเห็นความสุข

มันบินเหมือนผีเสื้อจากพุ่มไม้หนาม

สำหรับพวกเขาไม่มีเสน่ห์ในเสน่ห์ของธรรมชาติ

หญิงสาวไม่ร้องเพลงให้พวกเขาเต้นรำเป็นวงกลม

สำหรับพวกเขา คนตาบอด

ฤดูใบไม้ผลิไร้ความสุข ฤดูร้อนไร้ดอกไม้

โศกนาฏกรรมที่แท้จริงไม่ค่อยเกิดขึ้นในบทกวีของเขา เฉพาะในตอนท้ายของชีวิตสร้างสรรค์ของเขาเมื่อเขาเริ่มแสดงอาการป่วยทางจิตบทกวีสุดท้ายของเขาถูกบันทึกภายใต้การเขียนตามคำบอกซึ่งลวดลายของความไร้ประโยชน์ของการดำรงอยู่ทางโลกนั้นชัดเจน:

จำที่คุณพูดได้มั้ย

บอกลาชีวิตเมลคีเซเดคผมหงอก?

มนุษย์เกิดมาเป็นทาส

จะนอนลงอย่างทาสในหลุมศพ

และความตายแทบจะไม่บอกเขา

เหตุใดเขาจึงเดินผ่านหุบเขาแห่งน้ำตาที่อัศจรรย์

ทนทุกข์ ร้องไห้ ทน

ในรัสเซีย แนวโรแมนติกเป็นแนววรรณกรรมที่พัฒนาขึ้นโดยศตวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่สิบเก้า ต้นกำเนิดของมันคือกวี นักเขียนร้อยแก้ว นักเขียน และพวกเขาสร้างแนวโรแมนติกของรัสเซีย ซึ่งแตกต่างจาก "ยุโรปตะวันตก" ในลักษณะประจำชาติดั้งเดิม แนวโรแมนติกของรัสเซียได้รับการพัฒนาโดยกวีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่สิบเก้าและกวีแต่ละคนก็นำสิ่งใหม่มา แนวโรแมนติกของรัสเซียได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางได้รับคุณลักษณะเฉพาะและกลายเป็นกระแสอิสระในวรรณคดี ใน "Ruslan และ Lyudmila" A.S. พุชกินมีบรรทัด: "มีวิญญาณรัสเซียมีกลิ่นของรัสเซีย" อาจกล่าวได้เช่นเดียวกันเกี่ยวกับแนวโรแมนติกของรัสเซีย วีรบุรุษแห่งงานโรแมนติกคือจิตวิญญาณแห่งบทกวีที่มุ่งมั่นเพื่อ "สูง" และสวยงาม แต่มีโลกที่เป็นศัตรูที่ไม่อนุญาตให้คุณรู้สึกอิสระซึ่งทำให้วิญญาณเหล่านี้เข้าใจยาก โลกนี้ช่างหยาบกระด้าง ดังนั้นจิตวิญญาณแห่งกวีจึงหนีไปยังอีกที่หนึ่ง ที่ซึ่งมีอุดมคติอยู่ มันมุ่งมั่นเพื่อ "นิรันดร์" แนวโรแมนติกขึ้นอยู่กับความขัดแย้งนี้ แต่กวีมีปฏิกิริยาแตกต่างไปจากสถานการณ์นี้ Zhukovsky, Pushkin, Lermontov สร้างความสัมพันธ์ระหว่างฮีโร่และโลกรอบตัวด้วยวิธีที่แตกต่างกัน ดังนั้นฮีโร่ของพวกเขาจึงมีเส้นทางสู่อุดมคติที่แตกต่างกัน

ความเป็นจริงช่างเลวร้าย หยาบคาย หยิ่งยโส และเห็นแก่ตัว ไม่มีที่สำหรับความรู้สึก ความฝัน และความปรารถนาของกวี วีรบุรุษของเขา "ความจริง" และนิรันดร์ - ในอีกโลกหนึ่ง ดังนั้นแนวความคิดของสองโลก กวีจึงมุ่งมั่นเพื่อหนึ่งในโลกเหล่านี้เพื่อค้นหาอุดมคติ

ตำแหน่งของ Zhukovsky ไม่ใช่ตำแหน่งของบุคคลที่ต่อสู้กับโลกภายนอกที่ท้าทายเขา เป็นเส้นทางผ่านความเป็นหนึ่งเดียวกับธรรมชาติ เป็นเส้นทางที่กลมกลืนกับธรรมชาติ ในโลกอันเป็นนิรันดร์และสวยงาม Zhukovsky ในความเห็นของนักวิจัยหลายคน (รวมถึง Yu.V. Mann) ได้แสดงความเข้าใจของเขาเกี่ยวกับกระบวนการแห่งความสามัคคีใน The Inexpressible ความสามัคคีคือการบินของจิตวิญญาณ ความงามที่รายล้อมคุณเติมเต็มจิตวิญญาณของคุณ อยู่ในตัวคุณ และคุณอยู่ในนั้น วิญญาณโบยบิน ไม่มีเวลาหรือที่ว่าง แต่คุณดำรงอยู่ในธรรมชาติ และขณะนี้ คุณมีชีวิตอยู่ คุณต้องการร้องเพลงเกี่ยวกับความงามนี้ แต่ไม่มีคำพูดใดที่จะแสดงสถานะของคุณ มีเพียงความรู้สึกปรองดองเท่านั้น คุณไม่ถูกรบกวนจากผู้คนรอบตัวคุณ จิตวิญญาณที่น่าเบื่อ เปิดให้คุณมากขึ้น คุณมีอิสระ

Pushkin และ Lermontov เข้าหาปัญหาแนวโรแมนติกนี้แตกต่างกัน ไม่ต้องสงสัยเลยว่าอิทธิพลของ Zhukovsky ที่มีต่อพุชกินไม่สามารถสะท้อนออกมาได้ในผลงานของยุคหลัง งานแรกของพุชกินมีลักษณะเป็นแนวโรแมนติก "พลเรือน" ภายใต้อิทธิพลของ "นักร้องในค่ายนักรบรัสเซีย" Zhukovsky และผลงานของ Griboyedov พุชกินเขียนบทกวีถึง "Liberty", "To Chaadaev" ในระยะหลังเขาเรียก:

"เพื่อนของฉัน! ให้เราอุทิศจิตวิญญาณของเราให้กับปิตุภูมิด้วยแรงกระตุ้นที่ยอดเยี่ยม ... " นี่คือความปรารถนาเดียวกันสำหรับอุดมคติที่ Zhukovsky มี มีเพียงพุชกินที่เข้าใจอุดมคติในแบบของเขาเอง ดังนั้นเส้นทางสู่อุดมคติจึงแตกต่างออกไปสำหรับกวี เขาไม่ต้องการและไม่สามารถต่อสู้เพื่ออุดมคติเพียงอย่างเดียวได้ กวีเรียกร้องหาเขา พุชกินมองความเป็นจริงและอุดมคติต่างกัน คุณไม่สามารถเรียกมันว่ากบฏได้ นี่เป็นภาพสะท้อนขององค์ประกอบที่ดื้อรั้น สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในบทกวี "ทะเล" นี่คือความแข็งแกร่งและพลังของทะเล ทะเลที่เป็นอิสระ มันมาถึงอุดมคติแล้ว มนุษย์ยังต้องเป็นอิสระ วิญญาณของเขาต้องเป็นอิสระ

การค้นหาอุดมคติเป็นคุณลักษณะหลักของความโรแมนติก มันแสดงออกในผลงานของ Zhukovsky และ Pushkin และ Lermontov กวีทั้งสามต่างมองหาอิสรภาพ แต่พวกเขามองหามันในวิธีที่ต่างกัน พวกเขาเข้าใจมันต่างกัน Zhukovsky กำลังมองหาอิสรภาพที่ "ผู้สร้าง" ส่งมา เมื่อพบความสามัคคีแล้วบุคคลก็กลายเป็นอิสระ สำหรับพุชกิน อิสรภาพทางจิตวิญญาณเป็นสิ่งสำคัญ ซึ่งควรแสดงออกในตัวบุคคล สำหรับ Lermontov มีเพียงฮีโร่ที่ดื้อรั้นเท่านั้นที่เป็นอิสระ กบฏเพื่ออิสรภาพ อะไรจะสวยงามไปกว่านี้? ทัศนคติต่ออุดมคตินี้ยังคงอยู่ในเนื้อเพลงรักของกวี ในความคิดของฉัน ความสัมพันธ์นี้เกิดจากเวลา แม้ว่าพวกเขาจะทำงานเกือบจะในช่วงเวลาเดียวกัน แต่เวลาทำงานของพวกเขาแตกต่างกัน เหตุการณ์ก็พัฒนาขึ้นด้วยความเร็วที่ไม่ธรรมดา ตัวละครของกวียังมีอิทธิพลอย่างมากต่อความสัมพันธ์ของพวกเขา ความสงบของ Zhukovsky และ Lermontov ที่ดื้อรั้นนั้นตรงกันข้ามอย่างสิ้นเชิง แต่แนวโรแมนติกของรัสเซียพัฒนาขึ้นอย่างแม่นยำเพราะลักษณะของกวีเหล่านี้แตกต่างกัน พวกเขาแนะนำแนวคิดใหม่ ตัวละครใหม่ อุดมการณ์ใหม่ ให้ภาพที่สมบูรณ์ว่าอิสรภาพคืออะไร ชีวิตจริงคืออะไร แต่ละคนแสดงถึงเส้นทางสู่อุดมคติซึ่งเป็นสิทธิของแต่ละคน

การเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกเป็นเรื่องที่น่ารำคาญมาก ความเป็นปัจเจกของมนุษย์ตอนนี้ยืนอยู่ที่ศูนย์กลางของโลกทั้งใบ มนุษย์ "ฉัน" เริ่มถูกตีความว่าเป็นพื้นฐานและความหมายของการดำรงอยู่ทั้งหมด ชีวิตมนุษย์เริ่มถูกมองว่าเป็นงานศิลปะ ศิลปะ แนวจินตนิยมแพร่หลายมากในศตวรรษที่ 19 แต่ไม่ใช่กวีทุกคนที่เรียกตัวเองว่าโรแมนติกถ่ายทอดแก่นแท้ของแนวโน้มนี้

ตอนปลายศตวรรษที่ 20 เราสามารถจำแนกความโรแมนติกของศตวรรษที่ผ่านมาบนพื้นฐานนี้ได้เป็นสองกลุ่ม กลุ่มหนึ่งและน่าจะเป็นกลุ่มที่กว้างขวางที่สุดคือกลุ่มที่รวมเอาความโรแมนติกที่ "เป็นทางการ" เข้าไว้ด้วยกัน เป็นการยากที่จะสงสัยว่าพวกเขาไม่จริงใจ ตรงกันข้าม พวกเขาถ่ายทอดความรู้สึกได้อย่างแม่นยำมาก ในหมู่พวกเขามี Dmitry Venevitinov (1805-1827) และ Alexander Polezhaev (1804-1838) กวีเหล่านี้ใช้รูปแบบโรแมนติกโดยพิจารณาว่าเหมาะสมที่สุดสำหรับการบรรลุเป้าหมายทางศิลปะ ดังนั้น D. Venevitinov เขียนว่า:

ฉันรู้สึกว่ามันแผดเผาในตัวฉัน

เปลวไฟศักดิ์สิทธิ์แห่งแรงบันดาลใจ

แต่วิญญาณทะยานสู่เป้าหมายที่มืดมิด...

ฉันจะพบหน้าผาที่เชื่อถือได้หรือไม่

ฉันจะพักเท้าให้มั่นคงได้ที่ไหน

นี่เป็นบทกวีโรแมนติกทั่วไป ใช้คำศัพท์โรแมนติกแบบดั้งเดิม - นี่คือทั้ง "เปลวไฟแห่งแรงบันดาลใจ" และ "จิตวิญญาณที่ทะยาน" ดังนั้นกวีจึงอธิบายความรู้สึกของเขา แต่ไม่มีอีกแล้ว กวีถูกผูกมัดด้วยกรอบของความโรแมนติก "รูปลักษณ์ทางวาจา" ทุกอย่างง่ายขึ้นสำหรับแสตมป์บางส่วน

แน่นอนว่าตัวแทนของกลุ่มโรแมนติกอีกกลุ่มหนึ่งในศตวรรษที่ 19 คือ A.S. Pushkin และ M. Lermontov ในทางกลับกันกวีเหล่านี้เติมเต็มความโรแมนติกด้วยเนื้อหาของตัวเอง ช่วงเวลาโรแมนติกในชีวิตของ A. Pushkin นั้นสั้นดังนั้นเขาจึงมีงานโรแมนติกเล็กน้อย “นักโทษแห่งคอเคซัส” (1820-1821) เป็นหนึ่งในบทกวีโรแมนติกที่เก่าแก่ที่สุดของ A.S. พุชกิน. ก่อนที่เราจะเป็นงานโรแมนติกรุ่นคลาสสิค ผู้เขียนไม่ให้ภาพฮีโร่ของเขาแก่เรา เราไม่รู้ด้วยซ้ำว่าชื่อเขา และไม่น่าแปลกใจเลย - ฮีโร่โรแมนติกทุกคนมีความคล้ายคลึงกัน พวกเขายังเด็ก สวย...และไม่มีความสุข โครงเรื่องของงานยังโรแมนติกแบบคลาสสิก นักโทษชาวรัสเซียกับคณะละครสัตว์ หญิงสาวละครสัตว์ตกหลุมรักเขาและช่วยเขาหลบหนี แต่เขารักคนอื่นอย่างสิ้นหวัง ... บทกวีจบลงอย่างน่าเศร้า - Circassian โยนตัวเองลงไปในน้ำและตายและรัสเซียซึ่งเป็นอิสระจากการถูกจองจำ "ทางกายภาพ" ตกสู่การถูกจองจำที่เจ็บปวดยิ่งกว่า - การถูกจองจำของวิญญาณ เรารู้อะไรเกี่ยวกับอดีตของฮีโร่บ้าง?

หนทางยาวไกลสู่รัสเซีย...

.....................................

ที่พระองค์โอบรับความทุกข์ทรมานอันน่าสะพรึงกลัว

ที่ที่ชีวิตวุ่นวายพังทลาย

ความหวังความสุขและความปรารถนา

เขามาที่บริภาษเพื่อค้นหาอิสรภาพพยายามหลบหนีจากชีวิตที่แล้ว และตอนนี้เมื่อความสุขดูใกล้เข้ามา เขาก็ต้องวิ่งอีกครั้ง แต่ที่ไหน? กลับสู่โลกที่เขา

คนทรยศของแสง เพื่อนของธรรมชาติ

เขาละทิ้งแผ่นดินเกิดของเขา

และบินไปยังดินแดนอันไกลโพ้น

ด้วยภูติผีปิศาจแห่งอิสรภาพที่ร่าเริง

แต่ "ผีแห่งอิสรภาพ" ยังคงเป็นแค่ผี เขาจะหลอกหลอนฮีโร่โรแมนติกตลอดไป บทกวีโรแมนติกอีกเรื่องคือ "ยิปซี" ในนั้นผู้เขียนไม่ได้ให้ภาพของฮีโร่แก่ผู้อ่านอีกครั้งเรารู้แค่ชื่อของเขา - Aleko เขามาที่ค่ายเพื่อรับรู้ถึงความสุขที่แท้จริง อิสรภาพที่แท้จริง เพื่อเห็นแก่เธอ เขาละทิ้งทุกสิ่งที่เคยอยู่รอบตัวเขา เขาเป็นอิสระและมีความสุขหรือไม่? ดูเหมือนว่า Aleko จะรัก แต่ด้วยความรู้สึกนี้ความโชคร้ายและการดูถูกเท่านั้นที่มาหาเขา Aleko ผู้ซึ่งปรารถนาอิสรภาพมากจนไม่สามารถรับรู้เจตจำนงของคนอื่นได้ ในบทกวีนี้ ลักษณะพิเศษอีกอย่างหนึ่งของมุมมองโลกทัศน์ของฮีโร่โรแมนติกได้แสดงให้เห็น - ความเห็นแก่ตัวและความไม่ลงรอยกันอย่างสมบูรณ์กับโลกภายนอก Aleko ไม่ได้ถูกลงโทษด้วยความตาย แต่แย่กว่านั้น - ด้วยความเหงาและการโต้เถียง เขาอยู่คนเดียวในโลกที่เขาหนีไป แต่ในอีกโลกหนึ่ง เป็นที่น่าพอใจ เขาถูกทิ้งให้อยู่ตามลำพังอีกครั้ง

ก่อนที่จะเขียน The Prisoner of the Caucasus พุชกินเคยกล่าวไว้ว่า: "ฉันไม่เหมาะที่จะเป็นวีรบุรุษของบทกวีโรแมนติก"; อย่างไรก็ตามในเวลาเดียวกันในปี พ.ศ. 2363 พุชกินเขียนบทกวีของเขาว่า "แสงแห่งวันออกไป ... " ในนั้นคุณจะพบคำศัพท์ทั้งหมดที่มีอยู่ในแนวโรแมนติก นี่คือ "ชายฝั่งที่ห่างไกล" และ "มหาสมุทรที่มืดมน" และ "ความตื่นเต้นและความปรารถนา" ซึ่งทำให้ผู้เขียนทรมาน ละเว้นวิ่งตลอดทั้งบทกวี:

คลื่นใต้ฉันมหาสมุทรบูดบึ้ง

มันมีอยู่ไม่เพียง แต่ในคำอธิบายของธรรมชาติ แต่ยังอยู่ในคำอธิบายของความรู้สึกของฮีโร่

...แต่อดีตแผลใจ

บาดแผลแห่งความรักที่ลึกล้ำ ไม่มีอะไรจะเยียวยา ...

เสียงดัง, เสียงดัง, เรือเชื่อฟัง,

กังวลใต้ท้องทะเลที่มืดมน...

นั่นคือธรรมชาติกลายเป็นอีกตัวละครหนึ่งซึ่งเป็นวีรบุรุษผู้โคลงสั้น ๆ ของบทกวี ต่อมาในปี พ.ศ. 2367 พุชกินได้เขียนบทกวี "To the Sea" ฮีโร่โรแมนติกในนั้นเช่นใน "แสงแห่งวันออกไป ... " กลายเป็นผู้เขียนเองอีกครั้ง ที่นี่พุชกินหมายถึงทะเลเป็นสัญลักษณ์แห่งอิสรภาพแบบดั้งเดิม ทะเลเป็นองค์ประกอบซึ่งหมายถึงอิสรภาพและความสุข อย่างไรก็ตาม พุชกินสร้างบทกวีนี้โดยไม่คาดคิด:

คุณรอ คุณโทรมา... ฉันถูกล่ามโซ่

ที่นี่วิญญาณของฉันถูกฉีกขาด:

หลงเสน่ห์แรงกล้าอย่างแรงกล้า

ฉันพักบนชายฝั่ง...

เราสามารถพูดได้ว่าบทกวีนี้เติมเต็มช่วงเวลาโรแมนติกในชีวิตของพุชกิน มันถูกเขียนขึ้นโดยผู้ชายที่รู้ว่าหลังจากได้รับอิสระที่เรียกว่า "ทางกายภาพ" แล้วฮีโร่ที่โรแมนติกก็ไม่มีความสุข

ในป่า ในทะเลทราย เงียบงัน

ฉันจะโอนเต็มของคุณ

หินของคุณ อ่าวของคุณ...

ในเวลานี้ พุชกินได้ข้อสรุปว่าเสรีภาพที่แท้จริงสามารถมีได้ภายในบุคคลเท่านั้น และมีเพียงสิ่งนี้เท่านั้นที่สามารถทำให้เขามีความสุขอย่างแท้จริง

ความโรแมนติกของ Byron นั้นอาศัยและสัมผัสได้ในงานของเขาเป็นครั้งแรกในวัฒนธรรมรัสเซีย Pushkin จากนั้น Lermontov พุชกินมีพรสวรรค์ในการให้ความสนใจผู้คน แต่บทกวีโรแมนติกที่สุดในงานของกวีและนักเขียนร้อยแก้วผู้ยิ่งใหญ่ก็คือน้ำพุแห่งบัคชิซาไรอย่างไม่ต้องสงสัย

บทกวี "The Fountain of Bakhchisaray" ยังคงดำเนินต่อไปในการค้นหาของพุชกินในรูปแบบของบทกวีโรแมนติก และแน่นอนว่าการเสียชีวิตของนักเขียนชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ได้ป้องกันสิ่งนี้ไว้

ธีมโรแมนติกในงานของพุชกินได้รับสองตัวเลือกที่แตกต่างกัน: มีฮีโร่โรแมนติกที่กล้าหาญ ("เชลย", "โจร", "ผู้ลี้ภัย") ซึ่งโดดเด่นด้วยเจตจำนงอันแรงกล้าซึ่งผ่านการทดสอบความหลงใหลที่รุนแรงและมี ฮีโร่ผู้ทุกข์ทรมานซึ่งประสบการณ์ทางอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนไม่สอดคล้องกับความโหดร้ายของโลกภายนอก ("พลัดถิ่น", "นักโทษ") การเริ่มต้นแบบพาสซีฟในตัวละครโรแมนติกตอนนี้ได้กลายเป็นหน้ากากของผู้หญิงในพุชกิน Fountain of Bakhchisaray พัฒนาแง่มุมนี้ของฮีโร่โรแมนติกอย่างแม่นยำ

ใน "นักโทษแห่งคอเคซัส" ความสนใจทั้งหมดถูกจ่ายให้กับ "เชลย" และน้อยมากสำหรับ "Circassian" ตรงกันข้าม - Khan Girey ไม่มีอะไรมากไปกว่าร่างที่ไม่น่าทึ่งและแน่นอนว่าตัวละครหลักคือผู้หญิง แม้แต่สองคน - Zarema และ Maria วิธีแก้ปัญหาของความเป็นคู่ของฮีโร่ที่พบในบทกวีก่อนหน้า (ผ่านภาพของพี่น้องที่ถูกล่ามโซ่) ยังใช้โดยพุชกินที่นี่: จุดเริ่มต้นที่ไม่โต้ตอบนั้นถูกบรรยายต่อหน้าตัวละครสองตัว - ความหึงหวง, หลงใหลในความรัก Zarema และเศร้า หมดหวังและรักแมรี่ ทั้งคู่เป็นอารมณ์โรแมนติกที่ขัดแย้งกันสองอย่าง: ความผิดหวัง, ความสิ้นหวัง, ความสิ้นหวังและในเวลาเดียวกันความกระตือรือร้นทางวิญญาณ, ความรุนแรงของความรู้สึก; ความขัดแย้งได้รับการแก้ไขอย่างน่าเศร้าในบทกวี - การตายของแมรี่ไม่ได้นำความสุขมาสู่ซาเรมาเช่นกันเนื่องจากพวกเขาเชื่อมโยงกันด้วยความสัมพันธ์ที่ลึกลับ ดังนั้นใน The Robber Brothers การตายของพี่น้องคนหนึ่งได้บดบังชีวิตของอีกคนไปตลอดกาล

อย่างไรก็ตาม BV Tomashevsky ตั้งข้อสังเกตอย่างถูกต้องว่า“ การแยกโคลงสั้น ๆ ของบทกวียังกำหนดเนื้อหาที่ขัดสน ... ชัยชนะทางศีลธรรมเหนือ Zarema ไม่ได้นำไปสู่ข้อสรุปและการไตร่ตรองเพิ่มเติม ... “ นักโทษแห่งคอเคซัส” มีความต่อเนื่องที่ชัดเจน ในงานของพุชกิน: ทั้ง Aleko และ Eugene Onegin อนุญาต ... คำถามที่ถูกโพสต์ในบทกวีภาคใต้เล่มแรก “ น้ำพุแห่ง Bakhchisarai” ไม่มีความต่อเนื่องดังกล่าว ... "

พุชกินคลำหาและระบุจุดที่เปราะบางที่สุดในตำแหน่งที่โรแมนติกของบุคคล: เขาต้องการทุกอย่างเพื่อตัวเองเท่านั้น

บทกวีของ Lermontov "Mtsyri" ยังไม่ได้สะท้อนถึงลักษณะเฉพาะของแนวโรแมนติกอย่างเต็มที่

มีวีรบุรุษโรแมนติกสองคนในบทกวีนี้ ดังนั้น หากนี่เป็นบทกวีโรแมนติก ก็เป็นเรื่องแปลกมาก ประการแรก วีรบุรุษคนที่สองถ่ายทอดโดยผู้เขียนผ่านบทประพันธ์ ประการที่สองผู้เขียนไม่ได้เชื่อมต่อกับ Mtsyri ฮีโร่แก้ปัญหาของเจตจำนงของตนเองและ Lermontov ตลอดทั้งบทกวีคิดเกี่ยวกับการแก้ปัญหานี้เท่านั้น เขาไม่ได้ตัดสินฮีโร่ของเขา แต่เขาก็ไม่ได้พิสูจน์เช่นกัน แต่เขารับตำแหน่งที่แน่นอน - ความเข้าใจ ปรากฎว่าความโรแมนติกในวัฒนธรรมรัสเซียกลายเป็นภาพสะท้อน มันกลายเป็นแนวโรแมนติกในแง่ของความสมจริง

อาจกล่าวได้ว่า Pushkin และ Lermontov ไม่สามารถกลายเป็นคู่รักได้ (แม้ว่า Lermontov ครั้งหนึ่งเคยปฏิบัติตามกฎหมายที่โรแมนติก - ในละครเรื่อง 'Masquerade') จากการทดลองของพวกเขา กวีได้แสดงให้เห็นว่าในอังกฤษตำแหน่งของนักปัจเจกบุคคลอาจมีผล แต่ไม่ใช่ในรัสเซีย แม้ว่าพุชกินและเลอร์มอนตอฟจะไม่กลายเป็นคู่รักกัน แต่พวกเขาก็ปูทางไปสู่การพัฒนาความสมจริง ในปี พ.ศ. 2368 ผลงานที่เหมือนจริงชิ้นแรกได้รับการตีพิมพ์: "Boris Godunov" จากนั้น "The Captain's Daughter", "Eugene Onegin", "A Hero of Our Time" และอื่น ๆ อีกมากมาย

ข) จิตรกรรม

ในทัศนศิลป์ แนวโรแมนติกแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในการวาดภาพและกราฟิก ไม่แสดงออกอย่างชัดเจนในประติมากรรมและสถาปัตยกรรม จิตรกรโรแมนติกชาวรัสเซียเป็นตัวแทนของความโรแมนติกในทัศนศิลป์ พวกเขาแสดงจิตวิญญาณแห่งความรักในอิสรภาพ การกระทำที่กระตือรือร้น ดึงดูดใจและดึงดูดใจต่อการสำแดงของมนุษยนิยมในภาพวาด ภาพเขียนประจำวันของจิตรกรชาวรัสเซียมีความโดดเด่นด้วยความเกี่ยวข้องและจิตวิทยาการแสดงออกที่ไม่เคยมีมาก่อน ภูมิทัศน์ที่เศร้าโศกและจิตวิญญาณเป็นความพยายามแบบเดียวกันของความโรแมนติกที่จะเจาะเข้าไปในโลกมนุษย์เพื่อแสดงให้เห็นว่าบุคคลนั้นใช้ชีวิตและฝันอย่างไรในโลกใต้แสงจันทร์ ภาพวาดโรแมนติกของรัสเซียแตกต่างจากต่างประเทศ สิ่งนี้ถูกกำหนดโดยสถานการณ์และประเพณีทางประวัติศาสตร์

คุณสมบัติของภาพวาดโรแมนติกรัสเซีย:

อุดมการณ์การตรัสรู้อ่อนแอลงแต่ไม่ล่มสลายเหมือนในยุโรป ดังนั้นความโรแมนติกจึงไม่เด่นชัด

แนวจินตนิยมพัฒนาควบคู่ไปกับความคลาสสิคซึ่งมักจะเกี่ยวพันกับมัน

จิตรกรรมเชิงวิชาการในรัสเซียยังไม่หมดไป

ลัทธิจินตนิยมในรัสเซียไม่ใช่ปรากฏการณ์ที่มั่นคง ภายในกลางศตวรรษที่ XIX ประเพณีอันแสนโรแมนติกนั้นแทบจะหมดสิ้นไป

งานที่เกี่ยวข้องกับแนวโรแมนติกเริ่มปรากฏในรัสเซียแล้วในยุค 1790 (ผลงานของ Feodosy Yanenko "นักเดินทางที่ติดอยู่ในพายุ" (1796), "ภาพเหมือนตนเองในหมวกนิรภัย" (1792) ต้นแบบนั้นชัดเจนในพวกเขา - Salvator Rosa เป็นที่นิยมอย่างมากในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18 และ 19 ต่อมาอิทธิพลของศิลปินโปรโต-โรแมนติกคนนี้จะสังเกตเห็นได้ชัดเจนในผลงานของ Alexander Orlovsky โจร ฉากแคมป์ไฟ การต่อสู้มาพร้อมกับอาชีพทั้งหมดของเขา เช่นเดียวกับในประเทศอื่นๆ ศิลปินที่เป็นแนวโรแมนติกของรัสเซียได้แนะนำภาพบุคคล ทิวทัศน์ และฉากประเภทต่าง ๆ ให้เข้ากับอารมณ์ความรู้สึกใหม่อย่างสมบูรณ์

ในรัสเซีย ความโรแมนติกเริ่มปรากฏให้เห็นเป็นลำดับแรกใน วาดภาพเหมือน. ในช่วงสามแรกของศตวรรษที่ 19 ส่วนใหญ่เธอขาดการติดต่อกับขุนนางระดับสูง สถานที่สำคัญเริ่มถูกครอบครองโดยภาพเหมือนของกวี, ศิลปิน, ผู้อุปถัมภ์ศิลปะ, ภาพลักษณ์ของชาวนาธรรมดา แนวโน้มนี้เด่นชัดเป็นพิเศษในผลงานของ O.A. Kiprensky (1782 - 1836) และ V.A. โทรปินิน (1776 - 1857)

Vasily Andreevich Tropinin พยายามสร้างบุคลิกที่มีชีวิตชีวาและผ่อนคลายของบุคคลที่แสดงออกผ่านภาพเหมือนของเขา ภาพเหมือนของลูกชาย (1818), "Portrait of A.S. Pushkin" (1827), "Self-portrait" (1846) ไม่ได้ทำให้ประหลาดใจกับภาพที่คล้ายคลึงกับต้นฉบับ แต่มีการเจาะลึกเข้าไปในโลกภายในของบุคคล

รูปเหมือนของลูกชาย- Arsenia Tropinina เป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอก สีทองอ่อนวิจิตรงดงามชวนให้นึกถึงภาพวาดวาเลอรีแห่งศตวรรษที่สิบแปด อย่างไรก็ตามเมื่อเทียบกับภาพเหมือนของเด็กทั่วไปในแนวโรแมนติกของศตวรรษที่สิบแปด ที่นี่การออกแบบที่เป็นกลางนั้นโดดเด่น - เด็กคนนี้โพสท่าในระดับเล็กน้อย Arseny จ้องมองผ่านผู้ชม เขาแต่งตัวสบายๆ ประตูราวกับถูกเปิดออกโดยไม่ได้ตั้งใจ การขาดความเป็นตัวแทนอยู่ในการกระจายตัวขององค์ประกอบที่ไม่ธรรมดา: หัวเติมเต็มพื้นผิวเกือบทั้งหมดของผืนผ้าใบรูปภาพถูกตัดไปที่กระดูกไหปลาร้าและใบหน้าของเด็กชายจะเคลื่อนเข้าหาผู้ชมโดยอัตโนมัติ

ประวัติการสร้างที่น่าสนใจเป็นพิเศษ "ภาพเหมือนของพุชกิน"ตามปกติสำหรับการทำความรู้จักกับพุชกินครั้งแรก Tropinin มาที่บ้านของ Sobolevsky บนสนามเด็กเล่นสำหรับสุนัขซึ่งกวีอาศัยอยู่ ศิลปินพบเขาในสำนักงานเล่นซอกับลูกสุนัข ในเวลาเดียวกันเห็นได้ชัดว่ามันถูกเขียนขึ้นตามความประทับใจแรกซึ่ง Tropinin ชื่นชมอย่างมากในการศึกษาเล็ก ๆ เป็นเวลานานที่เขาอยู่ให้พ้นสายตาของผู้ไล่ตาม เกือบร้อยปีต่อมา ในปี พ.ศ. 2457 จัดพิมพ์โดย P.M. Shchekotov ผู้เขียนภาพบุคคลทั้งหมดของ Alexander Sergeevich เขา "ส่วนใหญ่สื่อถึงคุณลักษณะของเขา ... ดวงตาสีฟ้าของกวีเต็มไปด้วยความสามารถพิเศษที่นี่การหันศีรษะอย่างรวดเร็วและใบหน้ามีความแสดงออกและคล่องตัว . ไม่ต้องสงสัยเลยว่านี่คือการจับภาพลักษณะที่แท้จริงของใบหน้าของพุชกินซึ่งเราพบเป็นรายบุคคลในภาพบุคคลหนึ่งหรืออีกภาพหนึ่งที่ลงมาหาเรา มันยังคงงงงวยอยู่” Shchekotov กล่าวเสริม “ทำไมภาพร่างที่มีเสน่ห์นี้ไม่ได้รับความสนใจจากสำนักพิมพ์และผู้ชื่นชอบกวี” สิ่งนี้อธิบายได้ด้วยคุณสมบัติที่ดีของภาพสเก็ตช์ขนาดเล็ก: ไม่มีสีที่สดใสหรือความงามของการแปรงพู่กันหรือ "วงเวียน" ที่เขียนอย่างเชี่ยวชาญ และพุชกินที่นี่ไม่ใช่ "vitia" ที่เป็นที่นิยมไม่ใช่ "อัจฉริยะ" แต่เหนือสิ่งอื่นใดคือผู้ชาย และแทบจะไม่ให้ยืมตัวเองเลยในการวิเคราะห์ว่าทำไมเนื้อหาของมนุษย์ที่ยอดเยี่ยมเช่นนี้จึงถูกบรรจุอยู่ในสเกลมะกอกสีเขียวแกมเทาแบบเอกรงค์อย่างเร่งรีบ ราวกับว่าการขีดสุ่มของพู่กันของความรู้สึกนึกคิดที่ดูแทบจะไร้ความหมาย ในภาพร่างของพุชกินในความทรงจำตลอดชีวิตและต่อมาภาพร่างนี้ในแง่ของความแข็งแกร่งของมนุษยชาติสามารถวางไว้ถัดจากร่างของพุชกินซึ่งแกะสลักโดยประติมากรชาวโซเวียต A. Matveev แต่นี่ไม่ใช่งานที่ Tropinin กำหนด แต่นี่ไม่ใช่แบบที่ Pushkin เพื่อนของเขาต้องการเห็นแม้ว่าเขาจะได้รับคำสั่งให้วาดภาพกวีในรูปแบบที่เรียบง่ายและอบอุ่น

ในการประเมินของศิลปิน พุชกินคือ "ซาร์-กวี" แต่เขายังเป็นกวีพื้นบ้าน เขาเป็นของเขาเอง และใกล้ชิดกับทุกคน “ความคล้ายคลึงของภาพเหมือนกับต้นฉบับนั้นน่าทึ่ง” โพลวอยเขียนไว้ท้ายภาพ แม้ว่าเขาจะสังเกตเห็นว่าขาด "ความรวดเร็วในการมองเห็น" และ "สีหน้าที่มีชีวิตชีวา" ซึ่งเปลี่ยนและชุบชีวิตพุชกินด้วยสิ่งใหม่ๆ ความประทับใจ.

ในภาพเหมือน ทุกสิ่งทุกอย่างได้รับการพิจารณาและตรวจสอบในรายละเอียดที่เล็กที่สุด และในขณะเดียวกันก็ไม่มีสิ่งใดที่จงใจ ไม่มีอะไรแนะนำโดยศิลปิน แม้แต่แหวนที่ประดับด้วยนิ้วของกวีก็ถูกเน้นย้ำถึงขนาดที่พุชกินเองก็ให้ความสำคัญกับพวกเขาในชีวิต ในบรรดาการเปิดเผยที่งดงามของ Tropinin ภาพเหมือนของพุชกินก็กระทบกับความดังของช่วง

ความโรแมนติกของ Tropinin ได้แสดงต้นกำเนิดทางอารมณ์อย่างชัดเจน มันคือ Tropinin ซึ่งเป็นผู้ก่อตั้งแนวเพลงซึ่งเป็นภาพเหมือนในอุดมคติของผู้ชายจากผู้คน (“The Lacemaker” (1823)) “ทั้งนักเลงและไม่ใช่นักเลง” Svinin เขียนเกี่ยวกับ "ช่างทำลูกไม้" --มาชมภาพนี้ซึ่งเชื่อมโยงความงามของศิลปะภาพอย่างแท้จริง: ความรื่นรมย์ของแปรง, แสงที่ถูกต้อง, แสงสว่างที่มีความสุข, สีสันสดใส, เป็นธรรมชาติ, ยิ่งกว่านั้นภาพนี้เผยให้เห็นจิตวิญญาณของความงามและสิ่งนั้น ดูเจ้าเล่ห์ด้วยความอยากรู้อยากเห็นที่เธอขว้างใส่คนที่เข้ามาในขณะนั้น แขนของเธอเปลือยที่ข้อศอกหยุดด้วยการจ้องมองของเธองานหยุดลงถอนหายใจถอนหายใจจากอกที่บริสุทธิ์ของเธอปกคลุมด้วยผ้าพันคอมัสลิน - และทั้งหมดนี้แสดงให้เห็นด้วยความจริงและความเรียบง่ายที่ภาพนี้สามารถเข้าใจผิดได้ง่ายมาก เพื่อความสำเร็จสูงสุดของงานแห่งความฝันอันรุ่งโรจน์ รายการรองเช่นหมอนลูกไม้และผ้าเช็ดตัวจัดเรียงด้วยงานศิลปะที่ยอดเยี่ยมและใช้งานได้ดี ... ”

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ตเวียร์เป็นศูนย์กลางทางวัฒนธรรมที่สำคัญของรัสเซีย บุคคลที่มีชื่อเสียงของมอสโกมาที่นี่เพื่องานวรรณกรรมตอนเย็น ที่นี่หนุ่ม Orest Kiprensky ได้พบกับ A.S. Pushkin ซึ่งวาดภาพเหมือนในภายหลังกลายเป็นไข่มุกแห่งศิลปะภาพเหมือนของโลกและ A.S. Pushkin จะอุทิศบทกวีให้เขาซึ่งเขาจะเรียกเขาว่า "แฟชั่นปีกสว่างที่ชื่นชอบ" ภาพเหมือนของพุชกินพู่กันของ O. Kiprensky เป็นตัวตนที่มีชีวิตของอัจฉริยะกวี ในการหันศีรษะอย่างเด็ดขาดในอ้อมแขนที่โอบกอดหน้าอกอย่างแรงรูปลักษณ์ทั้งหมดของกวีเผยให้เห็นความรู้สึกของความเป็นอิสระและเสรีภาพ เกี่ยวกับเขาที่พุชกินกล่าวว่า: "ฉันเห็นตัวเองเหมือนในกระจก แต่กระจกนี้ประจบฉัน" ในงานเกี่ยวกับภาพเหมือนของพุชกิน Tropinin และ Kiprensky พบกันเป็นครั้งสุดท้ายแม้ว่าการประชุมครั้งนี้จะไม่ได้เกิดขึ้นโดยตรง แต่หลายปีต่อมาในประวัติศาสตร์ศิลปะซึ่งตามกฎแล้วภาพสองภาพของกวีชาวรัสเซียที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ถูกเปรียบเทียบสร้างพร้อม ๆ กัน แต่ในที่ต่าง ๆ - หนึ่งในมอสโก อีกแห่งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ตอนนี้เป็นการประชุมของผู้เชี่ยวชาญที่มีความสำคัญเท่าเทียมกันในด้านศิลปะรัสเซีย แม้ว่าผู้ชื่นชมของ Kiprensky จะอ้างว่าข้อดีทางศิลปะนั้นอยู่ที่ด้านข้างของภาพเหมือนโรแมนติกของเขา ซึ่งกวีถูกนำเสนอให้จมอยู่ในความคิดของเขาเอง สัญชาติและประชาธิปไตยของภาพนั้นอยู่ด้านข้างของ Pushkin ของ Tropininsky อย่างแน่นอน

ดังนั้น ภาพเหมือนทั้งสองนี้จึงสะท้อนถึงศิลปะสองด้านของรัสเซีย กระจุกตัวอยู่ในเมืองหลวงสองแห่ง และต่อมานักวิจารณ์จะเขียนว่า Tropinin มีไว้สำหรับมอสโก สิ่งที่ Kiprensky สำหรับเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กคือ

ลักษณะเด่นของภาพเหมือนของ Kiprensky คือการแสดงเสน่ห์ทางจิตวิญญาณและความสูงส่งภายในของบุคคล ภาพเหมือนของวีรบุรุษผู้กล้าหาญและเข้มแข็งควรรวบรวมอารมณ์ที่น่าสมเพชของความรักชาติและความรักชาติของคนรัสเซียขั้นสูง

ข้างหน้า “ภาพเหมือนของ E.V. Davydov”(1809) แสดงให้เห็นร่างของเจ้าหน้าที่ซึ่งแสดงออกโดยตรงถึงการแสดงออกถึงลัทธิที่มีบุคลิกที่แข็งแกร่งและกล้าหาญซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับแนวโรแมนติกในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ภูมิทัศน์ที่แสดงให้เห็นอย่างเป็นชิ้นเป็นอัน ที่ซึ่งรังสีของแสงต่อสู้กับความมืด บ่งบอกถึงความวิตกกังวลทางวิญญาณของฮีโร่ แต่บนใบหน้าของเขามีภาพสะท้อนของความรู้สึกไวเหมือนฝัน Kiprensky กำลังมองหา "มนุษย์" ในตัวบุคคลและอุดมคติไม่ได้ปิดบังลักษณะส่วนบุคคลของตัวละครของนางแบบจากเขา

ภาพเหมือนของ Kiprensky หากคุณมองด้วยสายตาแสดงความมั่งคั่งทางวิญญาณและธรรมชาติของบุคคลความแข็งแกร่งทางปัญญาของเขา ใช่ เขามีอุดมคติของบุคลิกภาพที่กลมกลืนกันอย่างที่คนรุ่นเดียวกันพูดถึง แต่คิพรีนสกี้ไม่ได้พยายามที่จะถ่ายทอดอุดมคตินี้ไปสู่ภาพลักษณ์ทางศิลปะอย่างแท้จริง ในการสร้างภาพลักษณ์ทางศิลปะ เขาไปจากธรรมชาติราวกับว่ากำลังวัดว่าอุดมคตินั้นอยู่ไกลหรือใกล้แค่ไหน อันที่จริง หลายภาพที่วาดโดยเขาอยู่ในช่วงก่อนอุดมคติ โดยมุ่งตรงไปยังสิ่งนั้น ในขณะที่อุดมคติตามแนวคิดของสุนทรียศาสตร์แบบโรแมนติกนั้นแทบจะเป็นไปไม่ได้เลย และศิลปะโรแมนติกทั้งหมดเป็นเพียงหนทางไปสู่มัน

สังเกตความขัดแย้งในจิตวิญญาณของวีรบุรุษของเขา แสดงให้เห็นในช่วงเวลากังวลของชีวิต เมื่อโชคชะตาเปลี่ยนแปลง ความคิดเก่าพังลง เยาวชนจากไป ฯลฯ ดูเหมือนว่า Kiprensky จะประสบกับแบบจำลองของเขา ดังนั้นการมีส่วนร่วมเป็นพิเศษของจิตรกรภาพเหมือนในการตีความภาพศิลปะ ซึ่งทำให้ภาพเหมือนมีความใกล้ชิด

ในช่วงเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์ใน Kiprensky คุณจะไม่เห็นใบหน้าที่ติดเชื้อความสงสัย การวิเคราะห์ที่กัดกร่อนจิตวิญญาณ สิ่งนี้จะเกิดขึ้นในภายหลัง เมื่อช่วงเวลาที่โรแมนติกจะคงอยู่ต่อไปในฤดูใบไม้ร่วง หลีกทางให้กับอารมณ์และความรู้สึกอื่นๆ เมื่อหวังว่าจะได้รับชัยชนะในอุดมคติของการล่มสลายของบุคลิกภาพที่กลมกลืนกัน ในภาพพอร์ตเทรตทั้งหมดของช่วงปี 1800 และภาพถ่ายบุคคลที่ทำในตเวียร์ Kiprensky จะแสดงพู่กันตัวหนา สร้างแบบฟอร์มได้อย่างง่ายดายและอิสระ ความซับซ้อนของเทคนิค ลักษณะของรูป เปลี่ยนจากงานเป็นงาน

เป็นที่น่าสังเกตว่าคุณจะไม่เห็นความร่าเริงร่าเริงบนใบหน้าของฮีโร่ของเขา ในทางกลับกัน ใบหน้าส่วนใหญ่ค่อนข้างเศร้า พวกเขาหมกมุ่นอยู่กับการสะท้อน ดูเหมือนว่าคนเหล่านี้กังวลเกี่ยวกับชะตากรรมของรัสเซีย พวกเขาคิดถึงอนาคตมากกว่าปัจจุบัน ในภาพผู้หญิงที่เป็นตัวแทนของภรรยา พี่สาวน้องสาวของผู้เข้าร่วมในเหตุการณ์สำคัญ Kiprensky ยังไม่ได้พยายามแสดงความกระตือรือร้นอย่างกล้าหาญ ความรู้สึกสบาย ความเป็นธรรมชาติมีชัย ในเวลาเดียวกัน ในภาพบุคคลทั้งหมดมีความสง่างามอย่างแท้จริงของจิตวิญญาณ ภาพลักษณ์ของผู้หญิงดึงดูดด้วยศักดิ์ศรีเจียมเนื้อเจียมตัว ความสมบูรณ์ของธรรมชาติ ต่อหน้ามนุษย์สามารถเดาความคิดที่อยากรู้อยากเห็น ความพร้อมสำหรับการบำเพ็ญตบะ ภาพเหล่านี้สอดคล้องกับแนวคิดด้านจริยธรรมและสุนทรียศาสตร์ที่เติบโตเต็มที่ของ Decembrists ความคิดและแรงบันดาลใจของพวกเขาถูกแบ่งปันโดยหลาย ๆ คน (การสร้างสมาคมลับที่มีโปรแกรมทางสังคมและการเมืองบางอย่างเกิดขึ้นในช่วงปีพ. ค.ศ. 1812-1814 ภาพชาวนา สร้างขึ้นในปีเดียวกัน - เป็นศิลปะแนวเดียวกับแนวความคิดที่เกิดขึ้นใหม่ของการหลอกลวง

ตราประทับที่สดใสของอุดมคติโรแมนติกถูกทำเครื่องหมาย “ ภาพเหมือนของ V.A. Zhukovsky”(1816). ศิลปินที่สร้างภาพเหมือนที่ได้รับมอบหมายจาก S.S. Uvarov ตัดสินใจที่จะแสดงผู้ร่วมสมัยของเขาไม่เพียง แต่ภาพของกวีซึ่งเป็นที่รู้จักกันดีในแวดวงวรรณกรรม แต่ยังแสดงให้เห็นถึงความเข้าใจในบุคลิกภาพของกวีโรแมนติกด้วย ก่อนที่เราจะเป็นนักกวีประเภทหนึ่งที่แสดงแนวโน้มทางปรัชญาและความฝันของแนวโรแมนติกของรัสเซีย Kiprensky แนะนำ Zhukovsky ในช่วงเวลาแห่งแรงบันดาลใจที่สร้างสรรค์ ลมพัดผมของกวีจนพันกัน ต้นไม้แตกกิ่งก้านอย่างไม่สบายใจในตอนกลางคืน ซากปรักหักพังของอาคารโบราณแทบมองไม่เห็น นี่คือลักษณะที่ผู้สร้างเพลงบัลลาดโรแมนติกควรมีลักษณะเช่นนี้ สีเข้มทำให้บรรยากาศของความลึกลับรุนแรงขึ้น ตามคำแนะนำของ Uvarov Kiprensky ไม่ได้วาดภาพแต่ละชิ้นให้เสร็จเพื่อที่ว่า "ความสมบูรณ์ที่มากเกินไป" จะไม่ดับจิตวิญญาณอารมณ์และอารมณ์

ภาพวาดจำนวนมากถูกวาดโดย Kiprensky ในตเวียร์ ยิ่งกว่านั้นเมื่อเขาวาด Ivan Petrovich Vulf เจ้าของที่ดินจากตเวียร์เขามองด้วยอารมณ์ที่หญิงสาวที่ยืนอยู่ข้างหน้าเขา หลานสาวของเขา อนาคต Anna Petrovna Kern ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานโคลงสั้น ๆ ที่น่ารักที่สุด - AS Pushkin's บทกวี “ฉันจำช่วงเวลาที่ยอดเยี่ยม... การรวมตัวของกวี ศิลปิน นักดนตรี ได้กลายเป็นกระแสใหม่ของศิลปะ - แนวโรแมนติก

“Young Gardener” (1817) โดย Kiprensky, “Italian Noon” (1827) โดย Bryullov, “Reapers” หรือ “Reaper” (1820) โดย Venetsianov เป็นผลงานชุดเดียวกัน โดยเน้นที่ธรรมชาติและเขียนอย่างชัดเจนโดยใช้ อย่างไรก็ตาม งานของศิลปินแต่ละคน - เพื่อรวบรวมความงามที่สมบูรณ์แบบของธรรมชาติที่เรียบง่าย - นำไปสู่อุดมคติบางอย่างของการปรากฏตัว, เสื้อผ้า, สถานการณ์เพื่อประโยชน์ในการสร้างภาพอุปมา การสังเกตชีวิต ธรรมชาติ ศิลปินคิดใหม่ , บทกวีที่มองเห็น ในคุณภาพที่ผสมผสานใหม่ของธรรมชาติและจินตนาการกับประสบการณ์ของปรมาจารย์ในสมัยโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาทำให้เกิดภาพที่ไม่เคยรู้จักมาก่อนและเป็นคุณลักษณะหนึ่งของความโรแมนติกในครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ลักษณะเชิงเปรียบเทียบซึ่งเป็นลักษณะทั่วไปของงานเหล่านี้ของ Venetsianov และ Bryullov เป็นหนึ่งในลักษณะที่สำคัญที่สุดของความโรแมนติกเมื่อศิลปินชาวรัสเซียยังไม่ค่อยคุ้นเคยกับภาพเหมือนโรแมนติกของยุโรปตะวันตก. "ภาพเหมือนของพ่อ (A.K. Schwalbe)"(1804) เขียนโดย Orest Kiprensky แห่งศิลปะและประเภทภาพเหมือนโดยเฉพาะ

ความสำเร็จที่สำคัญที่สุดของแนวโรแมนติกของรัสเซียคือผลงานในแนวแนวตั้ง ตัวอย่างที่สว่างที่สุดและดีที่สุดของแนวจินตนิยมมาจากยุคแรกๆ นานก่อนที่เขาจะเดินทางไปอิตาลีในปี พ.ศ. 2359 Kiprensky ซึ่งพร้อมสำหรับการจุติชาติที่โรแมนติกได้เห็นภาพวาดของเจ้านายเก่าด้วยตาใหม่ สีเข้ม ร่างที่เน้นด้วยแสง สีที่ไหม้เกรียม การแสดงละครที่เข้มข้นมีผลกระทบต่อเขาอย่างมาก "ภาพเหมือนของพ่อ" ถูกสร้างขึ้นอย่างไม่ต้องสงสัยภายใต้ความประทับใจของแรมแบรนดท์ แต่ศิลปินชาวรัสเซียใช้เทคนิคภายนอกจากชาวดัตช์ผู้ยิ่งใหญ่เท่านั้น "Portrait of a Father" เป็นงานอิสระอย่างแท้จริง มีพลังงานภายในและพลังในการแสดงออกทางศิลปะ ลักษณะเด่นของภาพพอร์ตเทรตแนวนอนคือความมีชีวิตชีวาของการแสดง ไม่มีความงดงามใด ๆ ที่นี่ การถ่ายโอนสิ่งที่เขาเห็นไปยังกระดาษในทันทีทำให้เกิดความสดของการแสดงออกทางกราฟิกที่ไม่เหมือนใคร ดังนั้นคนที่ปรากฎในภาพวาดจึงดูใกล้ชิดและเข้าใจเราได้

ชาวต่างชาติเรียกว่า Kiprensky the Russian Van Dyck ภาพเหมือนของเขาอยู่ในพิพิธภัณฑ์หลายแห่งทั่วโลก ผู้สืบทอดงานของ Levitsky และ Borovikovsky ผู้บุกเบิกของ L. Ivanov และ K. Bryullov, Kiprensky กับผลงานของเขาทำให้โรงเรียนศิลปะรัสเซียมีชื่อเสียงในยุโรป ในคำพูดของ Alexander Ivanov "เขาเป็นคนแรกที่นำชื่อรัสเซียไปยังยุโรป ... "

ความสนใจที่เพิ่มขึ้นในบุคลิกภาพของบุคคลซึ่งเป็นลักษณะของแนวโรแมนติกได้กำหนดไว้ล่วงหน้าว่าการออกดอกของประเภทภาพเหมือนในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ซึ่งภาพเหมือนตนเองกลายเป็นลักษณะเด่น ตามกฎแล้ว การสร้างภาพเหมือนตนเองไม่ใช่ตอนสุ่ม ศิลปินวาดภาพและระบายสีตัวเองซ้ำแล้วซ้ำเล่า และงานเหล่านี้กลายเป็นไดอารี่ชนิดหนึ่งที่สะท้อนสภาวะจิตใจและช่วงชีวิตที่หลากหลาย และในขณะเดียวกัน พวกเขาก็เป็นแถลงการณ์ที่ส่งถึงคนร่วมสมัย ภาพเหมือนตนเองไม่ใช่ประเภทที่กำหนดเองศิลปินเขียนเพื่อตัวเองและที่นี่อย่างที่ไม่เคยมีมาก่อนเขากลายเป็นอิสระในการแสดงออก ในศตวรรษที่ 18 ศิลปินชาวรัสเซียแทบไม่เคยวาดภาพต้นฉบับ มีเพียงแนวโรแมนติกที่มีลัทธิเฉพาะตัวซึ่งมีความโดดเด่นมีส่วนทำให้แนวความคิดนี้เพิ่มขึ้น ความหลากหลายของภาพเหมือนตนเองสะท้อนการรับรู้ของศิลปินเกี่ยวกับตนเองว่าเป็นบุคคลที่มีบุคลิกที่หลากหลายและหลากหลาย พวกเขาอาจปรากฏในบทบาทปกติและเป็นธรรมชาติของผู้สร้าง ("ภาพเหมือนตนเองในหมวกเบเร่ต์กำมะหยี่" โดย AG Varnek, 1810s) จากนั้นพวกเขาก็จมดิ่งสู่อดีตราวกับว่ากำลังลองด้วยตัวเอง ("ภาพเหมือนตนเองในหมวกนิรภัย และชุดเกราะ” โดย FI Yanenko , 1792) หรือส่วนใหญ่มักจะปรากฏขึ้นโดยไม่มีคุณสมบัติทางวิชาชีพใด ๆ ยืนยันความสำคัญและคุณค่าในตนเองของแต่ละคนได้รับอิสรภาพและเปิดกว้างสู่โลกค้นหาและเร่งรีบเช่น FA Bruni และ OA Orlovsky ถ่ายภาพตนเองในยุค 1810 ความพร้อมสำหรับการเจรจาและการเปิดกว้างซึ่งเป็นลักษณะของการแก้ปัญหาที่เป็นรูปเป็นร่างของผลงานในยุค 1810-1820 ค่อยๆถูกแทนที่ด้วยความเหนื่อยล้าและความผิดหวังการแช่ตัวการถอนตัวในตัวเอง ("ภาพเหมือนตนเอง" โดย M. I. Terebenev) แนวโน้มนี้สะท้อนให้เห็นในการพัฒนาประเภทภาพเหมือนโดยรวม

ภาพเหมือนตนเองของ Kiprensky ปรากฏขึ้นซึ่งน่าสังเกตในช่วงเวลาที่สำคัญของชีวิตพวกเขาเป็นพยานถึงความแข็งแกร่งทางจิตใจที่เพิ่มขึ้นหรือลดลง ศิลปินมองดูตัวเองผ่านงานศิลปะของเขา อย่างไรก็ตามเขาไม่ได้ใช้กระจกเหมือนจิตรกรส่วนใหญ่ เขาวาดภาพตัวเองตามความคิดของเขาเป็นหลัก เขาต้องการแสดงจิตวิญญาณของเขา แต่ไม่ใช่รูปลักษณ์ของเขา

“ภาพเหมือนตนเองด้วยแปรงหลังใบหู”สร้างขึ้นจากการปฏิเสธและแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในการยกย่องภายนอกของภาพ กฎเกณฑ์แบบคลาสสิกและการสร้างในอุดมคติ โดยทั่วไปแล้วลักษณะใบหน้าจะระบุไว้โดยประมาณ ไฟด้านข้างตกที่ใบหน้า เน้นเฉพาะส่วนด้านข้างเท่านั้น แสงสะท้อนที่แยกจากกันตกบนร่างของศิลปิน ดับไปบนผ้าม่านที่แทบมองไม่เห็น ซึ่งแสดงถึงพื้นหลังของภาพเหมือน ทุกอย่างที่นี่อยู่ภายใต้การแสดงออกของชีวิตความรู้สึกอารมณ์ นี่คือการชมศิลปะโรแมนติกผ่านศิลปะการวาดภาพเหมือนตนเอง การมีส่วนร่วมของศิลปินในความลับของความคิดสร้างสรรค์นั้นแสดงออกมาใน "sfumato แห่งศตวรรษที่ 19" ที่โรแมนติกลึกลับ โทนสีเขียวที่แปลกประหลาดสร้างบรรยากาศพิเศษของโลกศิลปะซึ่งเป็นศูนย์กลางของศิลปินเอง

เกือบจะพร้อมกันกับภาพเหมือนตนเองนี้และเขียน “ภาพเหมือนตนเองในผ้าพันคอสีชมพู”ที่ซึ่งภาพอื่นเป็นตัวเป็นตน โดยไม่ได้ระบุถึงอาชีพจิตรกรโดยตรง ภาพลักษณ์ของชายหนุ่มถูกสร้างใหม่ รู้สึกสบาย เป็นธรรมชาติ อิสระ พื้นผิวภาพของผืนผ้าใบถูกสร้างขึ้นอย่างประณีต แปรงของศิลปินใช้สีอย่างมั่นใจ ปล่อยให้จังหวะใหญ่และเล็ก สีได้รับการพัฒนาอย่างยอดเยี่ยม สีไม่สว่าง ผสมผสานกันอย่างกลมกลืน แสงไฟสงบ: แสงสาดส่องลงบนใบหน้าของชายหนุ่มอย่างอ่อนโยน ร่างลักษณะของเขา โดยไม่มีการแสดงสีหน้าและการเปลี่ยนรูปโดยไม่จำเป็น

จิตรกรที่โดดเด่นอีกคนคือเวเนเซียนอฟ ในปี ค.ศ. 1811 เขาได้รับตำแหน่งนักวิชาการจาก Academy ซึ่งได้รับการแต่งตั้งให้เป็น "Self-portrait" และ "Portrait of K.I. Golovachevsky พร้อมลูกศิษย์สามคนของ Academy of Arts" เหล่านี้เป็นผลงานที่ไม่ธรรมดา

Venetsianov ประกาศตัวเองว่าเป็นผู้เชี่ยวชาญที่แท้จริงใน "ภาพเหมือนตนเอง"พ.ศ. 2354 มันถูกเขียนแตกต่างจากศิลปินคนอื่น ๆ ที่วาดภาพตัวเองในเวลานั้น - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek และแม้แต่ข้ารับใช้ V. Tropinin เป็นเรื่องปกติที่ทุกคนจะจินตนาการว่าตัวเองอยู่ในรัศมีที่โรแมนติก ภาพเหมือนตนเองเป็นการเผชิญหน้ากันทางกวีที่เกี่ยวข้องกับสิ่งแวดล้อม ความพิเศษเฉพาะตัวของธรรมชาติทางศิลปะนั้นปรากฏออกมาในท่าทาง ท่าทาง ในชุดที่คิดขึ้นเป็นพิเศษ ใน "ภาพเหมือนตนเอง" ของ Venetsianov นักวิจัยตั้งข้อสังเกตก่อนอื่นว่าการแสดงออกที่เข้มงวดและเข้มข้นของคนไม่ว่าง ... ประสิทธิภาพที่ถูกต้องซึ่งแตกต่างจาก "ความประมาทเลินเล่อทางศิลปะ" ที่อวดดีซึ่งแสดงโดยเสื้อคลุมหรือขยับอย่างหรูหรา หมวกของศิลปินอื่น Venitsianov มองดูตัวเองอย่างมีสติ ศิลปะสำหรับเขาไม่ใช่แรงบันดาลใจ แต่เหนือสิ่งอื่นใดคือต้องมีสมาธิและความสนใจ มีขนาดเล็กเกือบเป็นเอกรงค์ในโทนสีมะกอก เขียนได้แม่นยำอย่างยิ่ง เรียบง่ายและซับซ้อนในเวลาเดียวกัน ไม่ดึงดูดด้วยด้านนอกของภาพวาด เขาหยุดด้วยการจ้องมองของเขา กรอบแว่นบางกรอบสีทองบางในอุดมคติไม่ได้ปิดบัง แต่เน้นความคมชัดของดวงตาไม่เน้นไปที่ธรรมชาติมากนัก (ศิลปินวาดภาพตัวเองด้วยจานสีและแปรงในมือ) แต่ใน ส่วนลึกของความคิดของเขาเอง หน้าผากกว้างขนาดใหญ่ทางด้านขวาของใบหน้าส่องสว่างด้วยแสงตรงและด้านหน้าเสื้อเชิ้ตสีขาวสร้างรูปสามเหลี่ยมแสงก่อนอื่นดึงดูดสายตาของผู้ดูซึ่งในเวลาต่อมาตามการเคลื่อนไหวของทางขวา มือถือแปรงบาง ๆ เลื่อนลงมาที่จานสี ผมหยักศก, กรอบเป็นมัน, มัดหลวม ๆ ที่คอ, เส้นไหล่อ่อนและในที่สุดครึ่งวงกลมกว้างของจานสีสร้างระบบการเคลื่อนไหวของเส้นเรียบลื่นไหลซึ่งภายในมีสามจุดหลัก: เล็ก แสงจ้าของรูม่านตาและปลายแหลมของเสื้อด้านหน้า เกือบปิดด้วยจานสีและแปรง การคำนวณทางคณิตศาสตร์เกือบดังกล่าวในการสร้างองค์ประกอบของภาพเหมือนทำให้ภาพมีความสงบภายในบางส่วนและให้เหตุผลที่จะถือว่าผู้เขียนมีความคิดเชิงวิเคราะห์ซึ่งโน้มเอียงไปสู่การคิดเชิงวิทยาศาสตร์ ใน "ภาพเหมือนตนเอง" ไม่มีร่องรอยของแนวโรแมนติกใด ๆ ซึ่งบ่อยครั้งมากในการพรรณนาถึงตัวศิลปินเอง นี่เป็นภาพเหมือนตนเองของศิลปิน-นักวิจัย นักคิด และผู้ทำงานหนัก

งานอื่นๆ - ภาพเหมือนของ Golovachevsky- คิดว่าเป็นองค์ประกอบของโครงเรื่อง: อาจารย์รุ่นเก่าของ Academy ในบุคคลที่สารวัตรเก่าให้คำแนะนำเกี่ยวกับความสามารถที่เพิ่มขึ้น: จิตรกร (พร้อมโฟลเดอร์ภาพวาด สถาปนิกและประติมากร แต่เวเนเชียนอฟไม่ได้ทำ ให้แม้แต่เงาของการปลอมแปลงหรือการสอนใด ๆ ในภาพนี้: ชายชราที่ดี Golovachevsky เป็นมิตรตีความให้วัยรุ่นอ่านบางหน้าในหนังสือ ความจริงใจของการแสดงออกพบการสนับสนุนในโครงสร้างภาพของภาพ: สงบลงอย่างละเอียดและกลมกลืนกันอย่างสวยงาม โทนสีสร้างความรู้สึกสงบและจริงจัง ใบหน้าถูกวาดอย่างสวยงาม เต็มไปด้วยความหมายภายใน ภาพเหมือนเป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุดของการวาดภาพคนรัสเซีย

และในงานของ Orlovsky แห่งทศวรรษ 1800 งานภาพเหมือนปรากฏขึ้นโดยส่วนใหญ่อยู่ในรูปแบบของภาพวาด ภายในปี พ.ศ. 2352 แผ่นภาพที่เปี่ยมด้วยอารมณ์เช่น "ภาพเหมือนตนเอง". "ภาพเหมือนตนเอง" ของ Orlovsky ดำเนินการด้วยจังหวะที่ร่าเริงและถ่านอย่างอิสระ (พร้อมไฮไลต์ด้วยชอล์ก) ดึงดูดด้วยความสมบูรณ์ทางศิลปะ ลักษณะของภาพ และศิลปะของการแสดง ในขณะเดียวกัน ก็ช่วยให้เราแยกแยะลักษณะพิเศษบางอย่างของศิลปะของออร์ลอฟสกีได้ แน่นอนว่า "ภาพเหมือนตนเอง" ออร์ลอฟสกีไม่ได้มุ่งหวังที่จะสร้างรูปลักษณ์ตามแบบฉบับของศิลปินในยุคนั้นอย่างแม่นยำ ต่อหน้าเรา - ไตร่ตรองไว้หลายประการ รูปลักษณ์ที่เกินจริงของ "ศิลปิน" ที่ต่อต้าน "ฉัน" ของตัวเองกับความเป็นจริงโดยรอบ เขาไม่ได้กังวลเกี่ยวกับ "ความเหมาะสม" ของรูปลักษณ์ของเขา: หวีและแปรงไม่ได้สัมผัสกับผมที่เขียวชอุ่ม บนไหล่ของเขาเป็นขอบของ เสื้อกันฝนลายตารางเหนือเสื้อเชิ้ตเปิดปก การหันศีรษะที่เฉียบคมด้วยรูปลักษณ์ "มืดมน" จากใต้คิ้วที่ขยับซึ่งเป็นภาพระยะใกล้ซึ่งใบหน้าถูกวาดในระยะใกล้และแสงที่ตัดกัน - ทั้งหมดนี้มีจุดมุ่งหมายเพื่อให้บรรลุผลหลักของการต่อต้าน บุคคลที่ปรากฎต่อสิ่งแวดล้อม (และต่อผู้ชมด้วย)

สิ่งที่น่าสมเพชของการยืนยันความเป็นปัจเจก - หนึ่งในคุณสมบัติที่ก้าวหน้าที่สุดในศิลปะในเวลานั้น - ก่อให้เกิดน้ำเสียงทางอุดมคติและอารมณ์หลักของภาพเหมือน แต่ปรากฏในลักษณะแปลก ๆ ที่แทบไม่เคยพบในศิลปะรัสเซียในยุคนั้น การยืนยันบุคลิกภาพไม่ได้เกิดขึ้นมากนักโดยการเปิดเผยความร่ำรวยของโลกภายใน แต่ด้วยวิธีการภายนอกในการปฏิเสธทุกสิ่งที่อยู่รอบตัว แน่นอนว่าภาพในขณะเดียวกันก็ดูหมดลงอย่างจำกัด

วิธีแก้ปัญหาดังกล่าวหาได้ยากในงานศิลปะภาพเหมือนของรัสเซียในเวลานั้นซึ่งในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 แรงจูงใจของพลเมืองและความเห็นอกเห็นใจได้ดังขึ้นและบุคลิกภาพของบุคคลนั้นไม่เคยทำลายความสัมพันธ์อันแน่นแฟ้นกับสิ่งแวดล้อม ฝันถึงระเบียบทางสังคมที่ดีกว่าและเป็นประชาธิปไตย คนที่ดีที่สุดของรัสเซียในยุคนั้นไม่เคยแยกออกจากความเป็นจริง พวกเขาปฏิเสธลัทธิปัจเจกนิยมของ "เสรีภาพส่วนบุคคล" ที่เจริญรุ่งเรืองบนดินของยุโรปตะวันตกที่หลุดพ้นจากการปฏิวัติของชนชั้นนายทุน . สิ่งนี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนว่าเป็นภาพสะท้อนของปัจจัยที่แท้จริงในงานศิลปะภาพเหมือนของรัสเซีย มีเพียงการเปรียบเทียบ "ภาพเหมือนตนเอง" ของ Orlovsky กับภาพพร้อมกัน "ภาพเหมือนตนเอง" Kiprensky (เช่น 1809) เพื่อให้ความแตกต่างภายในที่ร้ายแรงระหว่างจิตรกรภาพบุคคลทั้งสองดึงดูดสายตาทันที

Kiprensky ยัง "กล้าหาญ" บุคลิกภาพของบุคคล แต่เขาแสดงค่านิยมภายในที่แท้จริง ในการเผชิญหน้าของศิลปิน ผู้ชมจะแยกแยะลักษณะของจิตใจที่เข้มแข็ง อุปนิสัย ความบริสุทธิ์ทางศีลธรรม

รูปลักษณ์ทั้งหมดของ Kiprensky ปกคลุมไปด้วยขุนนางและมนุษยชาติที่น่าทึ่ง เขาสามารถแยกแยะระหว่าง "ความดี" กับ "ความชั่ว" ในโลกรอบข้าง และปฏิเสธสิ่งที่สอง รักและชื่นชมคนแรก รักและชื่นชมคนที่มีใจเดียวกัน ในเวลาเดียวกัน ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเรามีบุคลิกลักษณะที่แข็งแกร่ง ภูมิใจในความสำนึกในคุณค่าของคุณสมบัติส่วนตัวของเขาอย่างไม่ต้องสงสัย แนวความคิดเดียวกันของภาพพอร์ตเทรตนั้นสนับสนุนภาพเหมือนวีรบุรุษที่รู้จักกันดีของ D. Davydov โดย Kiprensky

Orlovsky เมื่อเปรียบเทียบกับ Kiprensky เช่นเดียวกับจิตรกรภาพเหมือนชาวรัสเซียคนอื่น ๆ ในสมัยนั้น จำกัดมากกว่า ตรงไปตรงมาและแก้ไขภาพลักษณ์ของ "บุคลิกภาพที่แข็งแกร่ง" ในขณะที่เน้นไปที่ศิลปะของชนชั้นกลางในฝรั่งเศสอย่างชัดเจน เมื่อคุณดู "ภาพเหมือนตนเอง" ของเขา ภาพเหมือนของ A. Gro, Gericault จะนึกถึงโดยไม่ตั้งใจ โปรไฟล์ "ภาพเหมือนตนเอง" ของ Orlovsky ในปี พ.ศ. 2353 โดยมีลัทธิ "ความแข็งแกร่งภายใน" ที่เป็นปัจเจกบุคคล แต่ไม่มีรูปแบบ "ร่าง" ที่คมชัดของ "ภาพเหมือนตนเอง" ในปี พ.ศ. 2352 หรือ "ภาพเหมือนของ Duport"ในระยะหลัง ออร์ลอฟสกี เช่นเดียวกับใน Self-Portrait ใช้ท่า "วีรชน" ที่งดงามด้วยการเคลื่อนไหวที่เฉียบคมและแทบจะเป็นกากบาทของศีรษะและไหล่ เขาเน้นโครงสร้างที่ไม่สม่ำเสมอของใบหน้าของ Duport ผมที่ยุ่งเหยิงของเขาโดยมีเป้าหมายเพื่อสร้างภาพพอร์ตเทรตที่มีความพอเพียงในตัวละครแบบสุ่มที่ไม่เหมือนใคร

"ภูมิทัศน์ควรเป็นภาพบุคคล" K. N. Batyushkov เขียน ศิลปินส่วนใหญ่ที่หันมาใช้แนวเพลงนี้ยึดติดอยู่กับฉากนี้ในงานของพวกเขา ภูมิประเทศ.ข้อยกเว้นที่เห็นได้ชัดคือ A. O. Orlovsky ("Sea View", 1809); A. G. Varnek ("ดูในสภาพแวดล้อมของกรุงโรม", 1809); P. V. Basin ("ท้องฟ้ายามพระอาทิตย์ตกดินในเขตชานเมืองของกรุงโรม", "ทิวทัศน์ยามเย็น" ทั้งคู่ - ทศวรรษ 1820) การสร้างประเภทที่เฉพาะเจาะจง พวกเขายังคงความฉับไวของความรู้สึก ความสมบูรณ์ทางอารมณ์ ได้เสียงที่หนักแน่นด้วยเทคนิคการแต่งเพลง

Young Orlrovsky เห็นกองกำลังไททานิคในธรรมชาติซึ่งไม่อยู่ภายใต้เจตจำนงของมนุษย์สามารถก่อให้เกิดภัยพิบัติภัยพิบัติได้ การต่อสู้ของชายผู้มีธาตุแห่งท้องทะเลเป็นหนึ่งในธีมโปรดของศิลปินในยุคโรแมนติกที่ "ดื้อรั้น" ของเขา กลายเป็นเนื้อหาในภาพวาด สีน้ำ และภาพเขียนสีน้ำมันของเขาในปี พ.ศ. 2352-2553 ฉากโศกนาฏกรรมแสดงอยู่ในภาพ "ซากเรืออัปปาง"(1809(?)). ในความมืดมิดที่ตกลงสู่พื้น ท่ามกลางคลื่นที่โหมกระหน่ำ ชาวประมงที่จมน้ำตายปีนขึ้นไปบนโขดหินชายฝั่งที่เรือของพวกเขาชนกันอย่างเมามัน คงอยู่ในโทนสีแดงที่รุนแรง สีนี้ช่วยเพิ่มความรู้สึกวิตกกังวล น่าสยดสยองคือการจู่โจมของคลื่นยักษ์ ทำนายพายุ และในอีกภาพหนึ่ง - "ที่ริมทะเล"(1809). นอกจากนี้ยังมีบทบาททางอารมณ์อย่างมากในท้องฟ้าที่มีพายุซึ่งครอบครองส่วนใหญ่ขององค์ประกอบ แม้ว่า Orlovsky จะไม่ได้เชี่ยวชาญศิลปะแห่งมุมมองทางอากาศ แต่การเปลี่ยนแปลงแบบค่อยเป็นค่อยไปของแผนได้รับการแก้ไขที่นี่อย่างกลมกลืนและนุ่มนวลกว่า สีกลายเป็นสีจางลง จุดสีแดงของเสื้อผ้าชาวประมงเล่นกับพื้นหลังสีน้ำตาลแดงอย่างสวยงาม ธาตุทะเลกระสับกระส่ายและวิตกกังวลในสีน้ำ "เรือใบ"(c.1812). และถึงแม้ลมจะไม่พัดใบเรือและไม่ปกคลุมผิวน้ำด้วยระลอกคลื่นเหมือนสีน้ำ “ซีสเคปกับเรือ”(ค. ค.ศ. 1810) ผู้ดูไม่ทิ้งลางสังหรณ์ว่าพายุจะตามมาด้วยความสงบ

ด้วยละครและอารมณ์ความรู้สึก ภาพทะเลของ Orlovsky ไม่ได้เป็นผลจากการสังเกตปรากฏการณ์ในบรรยากาศมากนัก แต่เป็นผลมาจากการเลียนแบบงานศิลปะคลาสสิกโดยตรง โดยเฉพาะ เจ. เวอร์เน็ต

ภูมิประเทศของ S. F. Shchedrin มีลักษณะที่แตกต่างกัน พวกเขาเต็มไปด้วยความสามัคคีของการอยู่ร่วมกันของมนุษย์และธรรมชาติ ("Terrace on the seashore. Cappuccini near Sorrento", 1827) มุมมองมากมายของเนเปิลส์และบริเวณโดยรอบของพู่กันของเขาประสบความสำเร็จและเป็นที่นิยมอย่างมาก

การสร้างภาพที่โรแมนติกของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในภาพวาดรัสเซียนั้นเกี่ยวข้องกับงานของ M. N. Vorobyov บนผืนผ้าใบ เมืองถูกปกคลุมไปด้วยหมอกลึกลับของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก หมอกสีขาวนวลในยามค่ำคืน และบรรยากาศที่อิ่มตัวด้วยความชื้นของทะเล ที่ซึ่งรูปทรงของอาคารถูกลบทิ้ง และแสงจันทร์ทำให้พิธีศีลระลึกสมบูรณ์ จุดเริ่มต้นโคลงสั้น ๆ เดียวกันทำให้มุมมองของสภาพแวดล้อมในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแตกต่างไปจากเขา ("พระอาทิตย์ตกในเขตชานเมืองเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก", 2375) แต่เมืองหลวงทางตอนเหนือก็ถูกมองโดยศิลปินด้วยวิธีการที่แตกต่างและน่าทึ่งในฐานะเวทีสำหรับการปะทะและการต่อสู้ขององค์ประกอบทางธรรมชาติ (V. E. Raev, Alexander Column ระหว่างพายุฝนฟ้าคะนอง, 1834)

ภาพวาดที่ยอดเยี่ยมของ I. K. Aivazovsky ได้รวบรวมอุดมคติโรแมนติกของความมัวเมาด้วยการต่อสู้และพลังของพลังธรรมชาติความแข็งแกร่งของจิตวิญญาณมนุษย์และความสามารถในการต่อสู้จนถึงที่สุด อย่างไรก็ตาม พื้นที่ขนาดใหญ่ในมรดกของปรมาจารย์ถูกครอบครองโดยทิวทัศน์ท้องทะเลยามค่ำคืนที่อุทิศให้กับสถานที่เฉพาะที่พายุทำให้เกิดความมหัศจรรย์แห่งราตรีกาล ช่วงเวลาที่ตามมุมมองของคู่รักนั้นเต็มไปด้วยชีวิตภายในที่ลึกลับ และตำแหน่งที่การค้นหารูปภาพของศิลปินมุ่งเป้าไปที่การแยกเอฟเฟกต์แสงที่ไม่ธรรมดา ( "มุมมองของโอเดสซาในคืนเดือนหงาย", "มุมมองของกรุงคอนสแตนติโนเปิลในแสงจันทร์" ทั้งคู่ - พ.ศ. 2389)

ศิลปินในยุค 1800-1850 ตีความธีมขององค์ประกอบทางธรรมชาติและผู้ชายด้วยความประหลาดใจ ซึ่งเป็นธีมโปรดของศิลปะโรแมนติก งานนี้อิงจากเหตุการณ์จริง แต่ความหมายของภาพไม่ได้อยู่ในการบอกเล่าวัตถุประสงค์ ตัวอย่างทั่วไปคือภาพวาดโดย Pyotr Basin "แผ่นดินไหวใน Rocca di Papa ใกล้กรุงโรม"(1830). ไม่ได้อุทิศให้กับคำอธิบายของเหตุการณ์เฉพาะเจาะจงมากนักเกี่ยวกับการพรรณนาถึงความกลัวและความสยดสยองของบุคคลที่ต้องเผชิญกับการปรากฏตัวขององค์ประกอบ

ผู้ทรงคุณวุฒิของภาพวาดรัสเซียในยุคนี้คือ K.P. Bryullov (1799-1852) และ A.A. อีวานอฟ (1806 - 1858) จิตรกรและนักเขียนแบบชาวรัสเซีย K.P. Bryullov ในขณะที่ยังเป็นนักเรียนของ Academy of Arts เชี่ยวชาญในการวาดภาพที่หาตัวจับยาก งานของ Bryullov มักจะแบ่งออกเป็นก่อน "วันสุดท้ายของปอมเปอี" และหลัง สร้างอะไรมาก่อน ....?!

“Italian Morning” (1823), “Ermilia with the Shepherds” (1824) จากบทกวีของ Torquatto Tasso เรื่อง “The Liberation of Jerusalem”, “Italian Noon” (“Italian Woman Harvesting Grapes”, 1827), “Horsewoman” (1830) , “Bathsheba” (1832) - ภาพวาดทั้งหมดเหล่านี้ตื้นตันใจด้วยความสุขในชีวิตที่สดใสและไม่ปิดบัง งานดังกล่าวสอดคล้องกับบทกวีมหากาพย์ยุคแรก ๆ ของ Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig สไตล์เก่าที่อิงจากการเลียนแบบของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ไม่ได้ทำให้ Bryullov พอใจและเขาเขียนว่า "Italian Morning", "Italian Noon", "Bathsheba" ในที่โล่ง

ในขณะที่ทำงานเกี่ยวกับภาพเหมือน Bryullov วาดเฉพาะหัวจากชีวิต ทุกสิ่งทุกอย่างมักจะถูกกำหนดให้เขาโดยจินตนาการของเขา ผลของการแสดงด้นสดอย่างสร้างสรรค์ฟรีคือ "ผู้ขี่".สิ่งสำคัญในภาพเหมือนคือความเปรียบต่างของสัตว์ที่ร้อนระอุ ทะยาน จมูกบานและดวงตาเป็นประกาย กับนักขี่ม้าผู้สง่างามที่ควบคุมพลังงานอันบ้าคลั่งของม้าอย่างสงบ (สัตว์ฝึกหัดเป็นธีมที่ชื่นชอบของประติมากรคลาสสิก Bryullov แก้ไขมันในภาพวาด) .

ใน “บัทเชบา”ศิลปินใช้เรื่องราวในพระคัมภีร์เป็นข้ออ้างในการแสดงร่างกายที่เปลือยเปล่าในที่โล่งและถ่ายทอดการเล่นของแสงและการสะท้อนบนผิวขาว ใน "บัทเชบา" เขาสร้างภาพลักษณ์ของหญิงสาวที่เต็มไปด้วยความสุขและความสุข ร่างกายที่เปลือยเปล่าเปล่งประกายและเปล่งประกายล้อมรอบด้วยสีเขียวมะกอก เสื้อผ้าเชอร์รี่ อ่างเก็บน้ำโปร่งใส รูปแบบยืดหยุ่นของร่างกายที่อ่อนนุ่มผสมผสานกันอย่างสวยงามกับผ้าฟอกสีฟันและสีช็อคโกแลตของผู้หญิงอาหรับที่ให้บริการบัทเชบา เส้นที่ไหลลื่นของร่างกาย สระน้ำ และเนื้อผ้าทำให้องค์ประกอบของภาพมีจังหวะที่ราบรื่น

จิตรกรรมกลายเป็นคำใหม่ในการวาดภาพ "วันสุดท้ายของปอมเปอี"(1827-1833) เธอทำให้ชื่อของศิลปินอมตะและโด่งดังมากในช่วงชีวิตของเขา

เห็นได้ชัดว่าโครงเรื่องได้รับเลือกภายใต้อิทธิพลของอเล็กซานเดอร์น้องชายของเขาซึ่งศึกษาซากปรักหักพังของปอมเปอีอย่างเข้มข้น แต่เหตุผลในการเขียนภาพนั้นลึกซึ้งกว่า โกกอลสังเกตเห็นสิ่งนี้และเฮอร์เซนกล่าวโดยตรงว่าในวันสุดท้ายของปอมเปอีพวกเขาพบสถานที่ของพวกเขาบางทีอาจเป็นภาพสะท้อนของความคิดและความรู้สึกของศิลปินโดยไม่รู้ตัวซึ่งเกิดจากการพ่ายแพ้ของการจลาจล Decembrist ในรัสเซีย ไบรอุลลอฟได้วางภาพเหมือนตนเองของเขาและมอบคุณลักษณะของคนรู้จักชาวรัสเซียให้กับตัวละครอื่นๆ ในภาพ

ผู้ติดตามชาวอิตาลีของ Bryullov ก็มีบทบาทเช่นกัน ซึ่งสามารถบอกเขาเกี่ยวกับพายุปฏิวัติที่พัดผ่านอิตาลีในปีก่อนหน้า เกี่ยวกับชะตากรรมอันน่าเศร้าของ Carbonari ในช่วงหลายปีของปฏิกิริยา

ภาพอันยิ่งใหญ่ของการสิ้นพระชนม์ของปอมเปอีเต็มไปด้วยจิตวิญญาณแห่งลัทธิประวัติศาสตร์ ซึ่งแสดงให้เห็นการเปลี่ยนแปลงของยุคประวัติศาสตร์หนึ่งไปสู่อีกยุคหนึ่ง การปราบปรามลัทธินอกรีตในสมัยโบราณ และการเริ่มต้นของศาสนาคริสต์ใหม่

ศิลปินรับรู้ถึงวิถีแห่งประวัติศาสตร์อย่างมากการเปลี่ยนแปลงของยุคสมัยเป็นสิ่งที่น่าตกใจสำหรับมนุษยชาติ ในใจกลางขององค์ประกอบ ผู้หญิงคนหนึ่งที่ตกจากรถม้าและถูกทุบจนตาย เห็นได้ชัดว่าเป็นความตายของโลกยุคโบราณ แต่ใกล้กับร่างของแม่ศิลปินวางทารกที่มีชีวิต ศิลปินแสดงภาพเด็กและผู้ปกครอง ชายหนุ่มและแม่แก่ ลูกชาย และพ่อที่ชราภาพ ศิลปินแสดงภาพคนรุ่นก่อน ๆ ที่จางหายไปในประวัติศาสตร์และคนรุ่นใหม่กำลังจะเข้ามาแทนที่ การเกิดยุคใหม่บนซากปรักหักพังของโลกเก่าที่พังทลายเป็นธีมที่แท้จริงของภาพวาดของ Bryullov ไม่ว่าประวัติศาสตร์จะเปลี่ยนแปลงอะไร การดำรงอยู่ของมนุษยชาติไม่หยุด และความกระหายในการใช้ชีวิตยังคงไม่เสื่อมคลาย นี่คือแนวคิดหลักเบื้องหลังวันสุดท้ายของปอมเปอี ภาพนี้เป็นเพลงสรรเสริญความงามของมนุษยชาติซึ่งยังคงเป็นอมตะในทุกวัฏจักรของประวัติศาสตร์

ผ้าใบถูกจัดแสดงในปี พ.ศ. 2376 ที่งานนิทรรศการศิลปะมิลาน ซึ่งทำให้เกิดการตอบสนองอย่างกระตือรือร้น ผุกร่อนอิตาลีถูกพิชิต G. G. Gagarin นักเรียนของ Bryullov ให้การว่า: “งานที่ยอดเยี่ยมนี้กระตุ้นความกระตือรือร้นอย่างไร้ขอบเขตในอิตาลี เมืองที่มีการจัดแสดงภาพวาดจัดงานเลี้ยงรับรองอย่างเคร่งขรึมสำหรับศิลปินบทกวีอุทิศให้กับเขาเขาถูกพาไปตามถนนด้วยดนตรีดอกไม้และคบเพลิง ... ทุกที่ที่เขาได้รับอย่างมีเกียรติในฐานะอัจฉริยะที่มีชื่อเสียงและมีชัยชนะ ทุกคนเข้าใจและชื่นชม

นักเขียนชาวอังกฤษ Walter Scott (ตัวแทนวรรณกรรมโรแมนติกที่มีชื่อเสียงในนวนิยายอิงประวัติศาสตร์ของเขา) ใช้เวลาหนึ่งชั่วโมงในสตูดิโอของ Bryullov ซึ่งเขากล่าวว่านี่ไม่ใช่ภาพ แต่เป็นบทกวีทั้งหมด สถาบันศิลปะแห่งมิลาน ฟลอเรนซ์ โบโลญญา และปาร์มา เลือกจิตรกรชาวรัสเซียให้เป็นสมาชิกกิตติมศักดิ์

ผืนผ้าใบของ Bryullov กระตุ้นการตอบสนองอย่างกระตือรือร้นจาก Pushkin และ Gogol

Vesuvius zev ถูกเปิดออก - ควันพวยพุ่งในคลับเปลวเพลิง

พัฒนาอย่างกว้างขวางเหมือนธงรบ

โลกเป็นห่วง - จากเสาที่ส่าย

ไอดอลตกชั้น!..

พุชกินเขียนภายใต้ความประทับใจของภาพวาด

เริ่มต้นด้วย Bryullov จุดเปลี่ยนในประวัติศาสตร์ได้กลายเป็นหัวข้อหลักของภาพวาดประวัติศาสตร์รัสเซียซึ่งแสดงถึงฉากพื้นบ้านที่ยิ่งใหญ่ซึ่งแต่ละคนเป็นผู้มีส่วนร่วมในละครประวัติศาสตร์ซึ่งไม่มีเรื่องหลักและเรื่องรอง

โดยทั่วไปแล้ว "ปอมเปอี" เป็นของคลาสสิก ศิลปินเปิดเผยความเป็นพลาสติกของร่างกายมนุษย์บนผืนผ้าใบอย่างชำนาญ การเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณของผู้คนทั้งหมดถูกส่งโดย Bryullov ซึ่งส่วนใหญ่เป็นภาษาของความเป็นพลาสติก ร่างแยกจากกันในการเคลื่อนไหวที่มีพายุถูกรวบรวมในกลุ่มที่สมดุลและเยือกแข็ง แสงวาบจะเน้นรูปร่างของร่างกายและไม่สร้างเอฟเฟกต์ภาพที่รุนแรง อย่างไรก็ตาม องค์ประกอบของภาพซึ่งมีความก้าวหน้าอย่างมากในจุดศูนย์กลางในเชิงลึก ซึ่งแสดงถึงเหตุการณ์ที่ไม่ธรรมดาในชีวิตของปอมเปอี ได้รับแรงบันดาลใจจากความโรแมนติก

แนวจินตนิยมในรัสเซียในฐานะโลกทัศน์มีอยู่ในคลื่นลูกแรกตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 จนถึงช่วงทศวรรษ 1850 แนวโรแมนติกในศิลปะรัสเซียไม่ได้หยุดลงในยุค 1850 ธีมของความเป็นอยู่ซึ่งค้นพบโดย Romantics for art ได้รับการพัฒนาโดยศิลปินของ Blue Rose ทายาทสายตรงของ Romantics คือ Symbolists อย่างไม่ต้องสงสัย ธีมโรแมนติก ลวดลาย อุปกรณ์แสดงออก เข้าสู่ศิลปะของรูปแบบทิศทางต่าง ๆ ความสัมพันธ์ที่สร้างสรรค์ โลกทัศน์ที่โรแมนติกหรือโลกทัศน์กลายเป็นสิ่งที่มีชีวิตชีวา เหนียวแน่น และมีผลมากที่สุดอย่างหนึ่ง

แนวจินตนิยมในฐานะทัศนคติทั่วไปซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของคนหนุ่มสาวส่วนใหญ่ในฐานะความปรารถนาในเสรีภาพในอุดมคติและสร้างสรรค์ยังคงอยู่ในศิลปะโลกอย่างต่อเนื่อง

ค) ดนตรี

แนวโรแมนติกในรูปแบบที่บริสุทธิ์ที่สุดคือปรากฏการณ์ของศิลปะยุโรปตะวันตก เพลงรัสเซียในศตวรรษที่ 19 จาก Glinka ถึง Tchaikovsky คุณสมบัติของความคลาสสิคถูกรวมเข้ากับคุณสมบัติของแนวโรแมนติกองค์ประกอบหลักคือหลักการระดับชาติที่สดใสและเป็นต้นฉบับ แนวจินตนิยมในรัสเซียได้เพิ่มขึ้นอย่างไม่คาดฝันเมื่อแนวโน้มนี้ดูเหมือนจะกลายเป็นอดีตไปแล้ว นักประพันธ์เพลงสองคนของศตวรรษที่ 20 คือ Scriabin และ Rachmaninov ได้ฟื้นคืนชีพลักษณะดังกล่าวของแนวโรแมนติกในฐานะการบินแห่งจินตนาการที่ไร้การควบคุมและความจริงใจของเนื้อเพลง ดังนั้น ศตวรรษที่ 19 เรียกว่ายุคดนตรีคลาสสิก

เวลา (1812 การจลาจล Decembrist ปฏิกิริยาที่ตามมา) ทิ้งร่องรอยไว้ในเพลง ไม่ว่าจะเป็นแนวโรแมนติก โอเปร่า บัลเลต์ แชมเบอร์มิวสิค ทุกที่ที่นักแต่งเพลงชาวรัสเซียพูดคำใหม่ของพวกเขา

ดนตรีของรัสเซียที่มีความสง่างามของซาลอนและการยึดมั่นในประเพณีการเขียนบรรเลงอย่างมืออาชีพ ซึ่งรวมถึงการเขียนโซนาตา-ซิมโฟนิกอย่างเข้มงวด มีพื้นฐานมาจากการใช้สีที่เป็นโมดอลและโครงสร้างจังหวะของนิทานพื้นบ้านรัสเซีย บางคนพึ่งพาเพลงประจำวันอย่างกว้างขวาง บางคนใช้รูปแบบดั้งเดิมของการทำดนตรี และบางประเภทพึ่งพาวิธีการแบบโบราณของโหมดชาวนารัสเซียโบราณ

ต้นศตวรรษที่ 19 - นี่คือปีแห่งการออกดอกครั้งแรกและสดใสของแนวโรแมนติก เนื้อเพลงที่จริงใจเจียมเนื้อเจียมตัวยังคงเสียงและทำให้ผู้ฟังพอใจ Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851)เขาเขียนเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ให้กับบทกวีของกวีหลายคน แต่อมตะคือ "นกไนติงเกล"ถึงโองการของ Delvig "ถนนฤดูหนาว", "ฉันรักคุณ"เกี่ยวกับบทกวีของพุชกิน

อเล็กซานเดอร์ เอโกโรวิช วาร์ลามอฟ (1801-1848)เขียนเพลงสำหรับการแสดงละคร แต่เรารู้จักเขามากขึ้นจากเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ที่มีชื่อเสียง "ชุดสีแดง", "อย่าปลุกฉันตอนเช้า", "เรือใบเดียวกลายเป็นสีขาว"

อเล็กซานเดอร์ ลโววิช กูริเลฟ (1803-1858)- นักแต่งเพลง นักเปียโน นักไวโอลิน และครู เขาเป็นเจ้าของความรักเช่น “เสียงระฆังดังขึ้นอย่างจำเจ” “ในยามรุ่งอรุณของเยาวชนที่มีหมอกหนา”และอื่น ๆ.

สถานที่ที่โดดเด่นที่สุดที่นี่ถูกครอบครองโดยความรักของ Glinka ยังไม่มีใครประสบความสำเร็จในการผสมผสานดนตรีอย่างเป็นธรรมชาติกับบทกวีของ Pushkin, Zhukovsky

มิคาอิล อิวาโนวิช กลินกา (1804-1857)- ร่วมสมัยของพุชกิน (อายุน้อยกว่า Alexander Sergeevich 5 ปี) ซึ่งเป็นวรรณกรรมคลาสสิกของรัสเซียกลายเป็นผู้ก่อตั้งดนตรีคลาสสิก งานของเขาเป็นหนึ่งในจุดสูงสุดของวัฒนธรรมดนตรีรัสเซียและโลก มันผสมผสานความร่ำรวยของดนตรีพื้นบ้านและความสำเร็จสูงสุดของทักษะของนักแต่งเพลงอย่างกลมกลืน ผลงานพื้นบ้านที่สมจริงของ Glinka สะท้อนให้เห็นถึงการออกดอกของวัฒนธรรมรัสเซียอย่างทรงพลังในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ซึ่งเกี่ยวข้องกับสงครามผู้รักชาติในปี 1812 และขบวนการ Decembrist แสง ตัวละครที่ยืนยันชีวิต ความกลมกลืนของรูปแบบ ความงามของท่วงทำนองที่ไพเราะและไพเราะ ความหลากหลาย ความสดใส และความกลมกลืนเป็นคุณสมบัติที่มีค่าที่สุดของดนตรีของ Glinka ณ โรงอุปรากรชื่อดัง "อีวานซูซานนิน"(1836) ได้รับการแสดงออกที่ยอดเยี่ยมของแนวคิดเรื่องความรักชาติที่เป็นที่นิยม ความยิ่งใหญ่ทางศีลธรรมของคนรัสเซียยังได้รับการยกย่องในละครเทพนิยาย " รุสลันและลุดมิลา”. วงออเคสตรางานโดย Glinka: “Fantasy Waltz”, “กลางคืนในมาดริด”และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง "คามารินสกายา"เป็นพื้นฐานของซิมโฟนิซึมคลาสสิกของรัสเซีย โดดเด่นในด้านพลังการแสดงละครและความสดใสของลักษณะดนตรีสำหรับโศกนาฏกรรม "เจ้าชายโคล์มสกี้"เนื้อเพลงของ Glinka (โรแมนติก “ฉันจำช่วงเวลาที่ยอดเยี่ยมได้”, “สงสัย”) เป็นศูนย์รวมของบทกวีรัสเซียในด้านดนตรีที่ไม่มีใครเทียบได้

6. ความโรแมนติกของยุโรปตะวันตก

ภาพวาด

หากฝรั่งเศสเป็นบรรพบุรุษของลัทธิคลาสสิก ดังนั้น "เพื่อที่จะค้นหารากเหง้าของ ... โรงเรียนโรแมนติก" หนึ่งในโคตรของเขาเขียนว่า "เราควรไปเยอรมนี เธอเกิดที่นั่นและมีความโรแมนติกแบบอิตาลีและฝรั่งเศสสมัยใหม่ได้ก่อตัวขึ้นตามรสนิยมของพวกเขา

กระจัดกระจาย เยอรมนีไม่รู้จักการลุกฮือของการปฏิวัติ ความโรแมนติกของชาวเยอรมันหลายคนต่างจากความคิดทางสังคมขั้นสูงที่น่าสมเพช พวกเขาทำให้ยุคกลางเป็นอุดมคติ พวกเขายอมจำนนต่อแรงกระตุ้นทางวิญญาณที่ไม่สามารถนับได้พูดคุยเกี่ยวกับการละทิ้งชีวิตมนุษย์ ศิลปะของพวกเขาหลายคนเป็นแบบพาสซีฟและครุ่นคิด พวกเขาสร้างผลงานที่ดีที่สุดในด้านการวาดภาพบุคคลและภูมิทัศน์

จิตรกรภาพบุคคลที่โดดเด่นคือ Otto Runge (1777-1810) ภาพเหมือนของปรมาจารย์ผู้นี้มีความสงบภายนอก ทึ่งกับชีวิตภายในที่เข้มข้นและเข้มข้น

รุงเงอิน .เห็นภาพกวีโรแมนติก "ภาพเหมือนตนเอง".เขาตรวจสอบตัวเองอย่างระมัดระวังและเห็นชายหนุ่มผมสีเข้ม ตาดำ จริงจัง เต็มไปด้วยพลัง ช่างคิด ครุ่นคิด และมีความมุ่งมั่น ศิลปินโรแมนติกต้องการรู้จักตัวเอง ลักษณะการทำงานของภาพเหมือนนั้นรวดเร็วและกว้างใหญ่ราวกับว่าพลังงานทางจิตวิญญาณของผู้สร้างควรจะถ่ายทอดไปแล้วในเนื้อสัมผัสของงาน ในช่วงที่มีสีสันเข้ม ความแตกต่างของแสงและความมืดปรากฏขึ้น ความเปรียบต่างเป็นเทคนิคการถ่ายภาพที่เป็นลักษณะเฉพาะของปรมาจารย์ที่โรแมนติก

ศิลปินในโกดังสุดโรแมนติกจะพยายามจับอารมณ์ที่เปลี่ยนแปลงไปของบุคคล มองเข้าไปในจิตวิญญาณของเขา และด้วยเหตุนี้ ภาพเหมือนของเด็ก ๆ จะเป็นวัสดุที่อุดมสมบูรณ์สำหรับเขา ใน ภาพเหมือนของเด็กๆ Hülsenbeck(1805) Runge ไม่เพียงแต่สื่อถึงความมีชีวิตชีวาและความฉับไวของตัวละครเด็กเท่านั้น แต่ยังพบกับการต้อนรับเป็นพิเศษสำหรับอารมณ์ที่สดใสซึ่งสร้างความสุขให้กับช่องเปิดโล่งของชั้น 2 ศตวรรษที่ 19 พื้นหลังในภาพเป็นภูมิทัศน์ ซึ่งไม่เพียงแต่เป็นเครื่องยืนยันถึงของขวัญที่มีสีสันของศิลปินเท่านั้น ทัศนคติที่น่าชื่นชมต่อธรรมชาติ แต่ยังรวมถึงการเกิดขึ้นของปัญหาใหม่ในการสร้างความสัมพันธ์เชิงพื้นที่อย่างเชี่ยวชาญ เฉดสีอ่อนของวัตถุในที่โล่ง ปรมาจารย์ด้านความโรแมนติกที่ต้องการรวม "ฉัน" ของเขาเข้ากับพื้นที่อันกว้างใหญ่ของจักรวาล พยายามจับภาพธรรมชาติที่จับต้องได้ แต่ด้วยความเย้ายวนของภาพ เขาชอบที่จะเห็นสัญลักษณ์ของโลกใบใหญ่ "ความคิดของศิลปิน"

Runge หนึ่งในศิลปินแนวโรแมนติกกลุ่มแรกๆ ที่มีภารกิจในการสังเคราะห์งานศิลปะ: จิตรกรรม ประติมากรรม สถาปัตยกรรม ดนตรี เสียงของศิลปะทั้งมวลควรแสดงถึงความสามัคคีของพลังอันศักดิ์สิทธิ์ของโลกซึ่งแต่ละอนุภาคเป็นสัญลักษณ์ของจักรวาลโดยรวม ศิลปินเพ้อฝันเสริมแนวคิดทางปรัชญาของเขาด้วยแนวคิดของนักคิดชาวเยอรมันที่มีชื่อเสียงในชั้น 1 ศตวรรษที่ 17 เจคอบ โบห์เม. โลกเป็นสิ่งลี้ลับชนิดหนึ่ง ซึ่งแต่ละอนุภาคแสดงออกถึงสิ่งทั้งปวง แนวคิดนี้เกี่ยวข้องกับความโรแมนติกของทวีปยุโรปทั้งหมด ในรูปแบบบทกวี กวีและจิตรกรชาวอังกฤษ วิลเลียม เบลก กล่าวดังนี้:

ดูชั่วนิรันดร์ในชั่วขณะหนึ่ง

โลกอันกว้างใหญ่ - ในกระจกทราย

ในกำมือเดียว - อินฟินิตี้

และท้องฟ้าอยู่ในถ้วยดอกไม้

The Runge cycle หรือที่เขาเรียกว่า "บทกวีดนตรีที่ยอดเยี่ยม" "ช่วงเวลาของวัน"- เช้า กลางวัน กลางคืน เป็นการถ่ายทอดแนวคิดนี้ เขาทิ้งไว้ในบทกวีและร้อยแก้วที่อธิบายรูปแบบแนวคิดของเขาเกี่ยวกับโลก ภาพบุคคล ทิวทัศน์ แสง และสี เป็นสัญลักษณ์ของวัฏจักรธรรมชาติและชีวิตมนุษย์ที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลา

แคสปาร์ เดวิด ฟรีดริช จิตรกรโรแมนติกชาวเยอรมันผู้โดดเด่นอีกคนหนึ่ง (พ.ศ. 2317-2483) ชอบภูมิทัศน์มากกว่าแนวอื่น ๆ ทั้งหมด และวาดภาพธรรมชาติเพียงภาพเดียวในช่วงอายุเจ็ดสิบปีของเขา แรงจูงใจหลักของงานของฟรีดริชคือแนวคิดเรื่องความสามัคคีของมนุษย์และธรรมชาติ

“ฟังเสียงของธรรมชาติที่พูดในตัวเรา” ศิลปินแนะนำนักเรียนของเขา โลกภายในของบุคคลแสดงถึงความไม่มีที่สิ้นสุดของจักรวาลดังนั้นเมื่อได้ยินตัวเองแล้วบุคคลก็สามารถเข้าใจส่วนลึกทางวิญญาณของโลกได้

ตำแหน่งการฟังกำหนดรูปแบบหลักของ "การสื่อสาร" ของบุคคลที่มีธรรมชาติและภาพลักษณ์ นี่คือความยิ่งใหญ่ ความลี้ลับ หรือการตรัสรู้ของธรรมชาติ และสภาวะจิตสำนึกของผู้สังเกต จริงอยู่บ่อยครั้งฟรีดริชไม่อนุญาตให้ร่าง "เข้าสู่" พื้นที่แนวนอนของภาพวาดของเขา แต่ในการเจาะลึกของโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของพื้นที่กว้างใหญ่ที่แผ่กิ่งก้านสาขาการมีอยู่ของความรู้สึกสัมผัสประสบการณ์ของบุคคล ลัทธิอัตวิสัยในการพรรณนาภูมิทัศน์มาสู่งานศิลปะด้วยงานโรแมนติกเท่านั้นโดยบอกล่วงหน้าถึงการเปิดเผยโคลงสั้น ๆ ของธรรมชาติโดยผู้เชี่ยวชาญของชั้น 2 ศตวรรษที่ 19 นักวิจัยตั้งข้อสังเกตในงานของฟรีดริชว่า "การขยายตัวของละคร" ของลวดลายภูมิทัศน์ ผู้เขียนสนใจทะเล ภูเขา ป่าไม้ และธรรมชาติหลากหลายเฉดสีในช่วงเวลาต่างๆ ของปีและวัน

1811-1812 โดดเด่นด้วยการสร้างชุดทิวทัศน์ภูเขาอันเป็นผลมาจากการเดินทางสู่ภูเขาของศิลปิน “เช้าที่ภูเขา”สวยงามราวภาพวาดเป็นตัวแทนของความเป็นจริงทางธรรมชาติใหม่ที่เกิดขึ้นในแสงตะวันที่ขึ้น โทนสีชมพูอมม่วงจะห่อหุ้มและกีดกันพวกเขาจากปริมาตรและแรงโน้มถ่วงของวัสดุ ปีแห่งการต่อสู้กับนโปเลียน (ค.ศ. 1812-1813) ทำให้ฟรีดริชกลายเป็นธีมเกี่ยวกับความรักชาติ เขาเขียนภาพประกอบที่ได้แรงบันดาลใจจากละครของ Kleist "หลุมฝังศพของอาร์มิเนียส"- ภูมิประเทศที่มีหลุมศพของวีรบุรุษเยอรมันโบราณ

ฟรีดริชเป็นเจ้าแห่งท้องทะเลที่ละเอียดอ่อน: "ยุค", "พระจันทร์เหนือท้องทะเล", "ความตายของ "นาเดซดา" ในน้ำแข็ง"

ผลงานล่าสุดของศิลปิน - "พักผ่อนบนสนาม", "บึงใหญ่" และ "ความทรงจำของภูเขายักษ์", "ภูเขายักษ์" - ชุดของเทือกเขาและหินที่อยู่เบื้องหน้ามืดลง เห็นได้ชัดว่านี่เป็นการหวนคืนสู่ความรู้สึกที่มีประสบการณ์ของชัยชนะของบุคคลที่มีต่อตัวเอง ความสุขของการขึ้นสู่ "จุดสูงสุดของโลก" ความปรารถนาในความสูงที่ไม่มีใครเทียบได้ ความรู้สึกของศิลปินในรูปแบบพิเศษประกอบมวลภูเขาเหล่านี้และอ่านการเคลื่อนไหวจากความมืดของขั้นตอนแรกสู่แสงในอนาคตอีกครั้ง ยอดเขาที่อยู่ด้านหลังถูกเน้นให้เป็นศูนย์กลางของแรงบันดาลใจทางจิตวิญญาณของอาจารย์ รูปภาพมีความเชื่อมโยงกันมาก เช่นเดียวกับงานโรแมนติกอื่นๆ และเกี่ยวข้องกับระดับการอ่านและการตีความที่แตกต่างกัน

ฟรีดริชมีความแม่นยำมากในการวาดภาพ มีความกลมกลืนทางดนตรีในการสร้างภาพวาดของเขาเป็นจังหวะ ซึ่งเขาพยายามพูดผ่านอารมณ์ของสีและเอฟเฟกต์แสง “หลายคนให้น้อย น้อยคนให้มาก ทุกคนเปิดจิตวิญญาณแห่งธรรมชาติด้วยวิธีที่ต่างออกไป ดังนั้นจึงไม่มีใครกล้าถ่ายทอดประสบการณ์และกฎเกณฑ์ของเขาให้ผู้อื่นเป็นกฎหมายที่ไม่มีเงื่อนไขผูกพัน ไม่มีใครเป็นตัววัดทั้งหมด ทุกคนมีมาตรการในตัวเองเท่านั้นสำหรับตัวเขาเองและสำหรับธรรมชาติที่เป็นญาติกับเขาไม่มากก็น้อย” ภาพสะท้อนของอาจารย์นี้พิสูจน์ความสมบูรณ์ที่น่าอัศจรรย์ของชีวิตภายในและความคิดสร้างสรรค์ของเขา เอกลักษณ์ของศิลปินนั้นชัดเจนในเสรีภาพในการทำงานของเขาเท่านั้น - ฟรีดริชที่โรแมนติกยืนหยัดบนสิ่งนี้

ดูเหมือนว่าเป็นทางการมากขึ้นคือการปลดจากศิลปิน - "คลาสสิก" - ตัวแทนของศิลปะคลาสสิกของสาขาอื่นของการวาดภาพโรแมนติกในเยอรมนี - Nazarenes ก่อตั้งขึ้นในกรุงเวียนนาและตั้งรกรากในกรุงโรม (พ.ศ. 2352-2453) "สหภาพเซนต์ลุค" ได้รวมเอาผู้เชี่ยวชาญเข้ากับแนวคิดในการฟื้นฟูศิลปะที่ยิ่งใหญ่ของประเด็นทางศาสนา ยุคกลางเป็นช่วงเวลาที่โปรดปรานของประวัติศาสตร์สำหรับพวกโรแมนติก แต่ในการแสวงหางานศิลปะของพวกเขา ชาวนาซารีนหันไปใช้ประเพณีการวาดภาพยุคฟื้นฟูศิลปวิทยายุคแรกในอิตาลีและเยอรมนี Overbeck และ Geforr เป็นผู้ริเริ่มพันธมิตรใหม่ ซึ่งต่อมาได้เข้าร่วมโดย Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich

การเคลื่อนไหวของพวกนาซารีนนี้สอดคล้องกับรูปแบบการต่อต้านนักวิชาการคลาสสิกในฝรั่งเศส อิตาลี และอังกฤษ ตัวอย่างเช่น ในฝรั่งเศส ศิลปินที่เรียกว่า "ดึกดำบรรพ์" โผล่ออกมาจากห้องทำงานของเดวิด และในอังกฤษ กลุ่มศิลปินยุคก่อนราฟาเอล ในจิตวิญญาณของประเพณีโรแมนติก พวกเขาถือว่าศิลปะเป็น "การแสดงออกของเวลา" ซึ่งเป็น "จิตวิญญาณของผู้คน" แต่เป็นความชอบเฉพาะเรื่องหรือเป็นทางการซึ่งในตอนแรกฟังดูเหมือนสโลแกนของความสามัคคีหลังจากผ่านไปครู่หนึ่ง ไปในหลักคำสอนเดียวกันกับของสถาบันซึ่งพวกเขาปฏิเสธ

ศิลปะแห่งความโรแมนติก ในประเทศฝรั่งเศสพัฒนาในลักษณะเฉพาะ สิ่งแรกที่ทำให้แตกต่างจากการเคลื่อนไหวที่คล้ายกันในประเทศอื่น ๆ คือลักษณะก้าวร้าว ("ปฏิวัติ") กวี นักเขียน นักดนตรี ศิลปิน ไม่เพียงแต่ปกป้องตำแหน่งของตนด้วยการสร้างผลงานใหม่ๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการมีส่วนร่วมในการโต้เถียงในนิตยสารและหนังสือพิมพ์ด้วย ซึ่งนักวิจัยมองว่าเป็น "การต่อสู้อันแสนโรแมนติก" วี. ฮูโก้, สเตนดาล, จอร์จ แซนด์, แบร์ลิออซ และนักเขียน นักประพันธ์เพลง และนักข่าวชาวฝรั่งเศสอีกหลายคน ต่าง "ฝึกฝน" ในการโต้เถียงที่โรแมนติก

ภาพวาดโรแมนติกในฝรั่งเศสเกิดขึ้นจากการต่อต้านโรงเรียนคลาสสิกของ David ซึ่งเป็นศิลปะเชิงวิชาการที่เรียกกันว่า "โรงเรียน" โดยทั่วไป แต่สิ่งนี้ต้องเข้าใจในความหมายที่กว้างกว่า นั่นคือเป็นการต่อต้านอุดมการณ์ที่เป็นทางการของยุคปฏิกิริยา ซึ่งเป็นการประท้วงต่อต้านข้อจำกัดเล็กๆ น้อยๆ ของชนชั้นนายทุน ดังนั้นลักษณะที่น่าสมเพชของงานโรแมนติก ความตื่นเต้นทางประสาท แรงดึงดูดของลวดลายแปลกตา โครงเรื่องประวัติศาสตร์และวรรณกรรม ไปจนถึงทุกสิ่งที่สามารถนำพาให้ห่างจาก "ชีวิตประจำวันที่มืดมน" ได้ เพราะฉะนั้นการเล่นด้วยจินตนาการนี้ และบางครั้งกลับตรงกันข้าม ความเพ้อฝันและขาดกิจกรรมอย่างสมบูรณ์

ตัวแทนของ "โรงเรียน" นักวิชาการได้ต่อต้านภาษาของความรักเป็นหลัก: การระบายสีที่ร้อนแรงของพวกเขาการสร้างแบบจำลองของแบบฟอร์มไม่ใช่คนที่คุ้นเคยกับ "คลาสสิก" รูปปั้น - พลาสติก แต่สร้างขึ้นจากความแตกต่างอย่างมาก ของจุดสี การออกแบบที่แสดงออกโดยเจตนาปฏิเสธความแม่นยำและความคลาสสิค องค์ประกอบที่กล้าหาญและสับสนวุ่นวายบางครั้งปราศจากความสง่างามและความสงบที่ไม่สั่นคลอน Ingres ศัตรูตัวฉกาจของความโรแมนติกจนกระทั่งถึงจุดจบของชีวิตของเขากล่าวว่า Delacroix "เขียนด้วยไม้กวาดบ้า" และ Delacroix กล่าวหา Ingres และศิลปินทั้งหมดของ "โรงเรียน" เกี่ยวกับความเยือกเย็นความมีเหตุมีผลขาดการเคลื่อนไหวที่พวกเขา อย่าเขียน แต่ "ทาสี" ภาพวาดของพวกเขา แต่นี่ไม่ใช่การปะทะกันง่ายๆ ระหว่างสองบุคลิกที่สดใสและแตกต่างกันอย่างสิ้นเชิง แต่เป็นการต่อสู้ระหว่างโลกทัศน์ทางศิลปะที่แตกต่างกัน

การต่อสู้นี้กินเวลาเกือบครึ่งศตวรรษ ความโรแมนติกในงานศิลปะไม่ได้ชนะอย่างง่ายดายและไม่ใช่ในทันที และศิลปินคนแรกของเทรนด์นี้คือ Theodore Gericault (1791-1824) ซึ่งเป็นปรมาจารย์ของรูปแบบอนุสาวรีย์ที่กล้าหาญซึ่งผสมผสานในงานของเขาทั้งแบบคลาสสิก ลักษณะและลักษณะเฉพาะของแนวโรแมนติกและในที่สุดก็เป็นจุดเริ่มต้นที่สมจริงที่ทรงพลังซึ่งส่งผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะแห่งความสมจริงในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 แต่ในช่วงชีวิตของเขา เขาได้รับการชื่นชมจากเพื่อนสนิทเพียงไม่กี่คนเท่านั้น

ชื่อของ Theodore Zhariko เกี่ยวข้องกับความสำเร็จอันยอดเยี่ยมครั้งแรกของแนวโรแมนติก ในภาพวาดยุคแรก ๆ ของเขา (ภาพเหมือนของทหาร, รูปม้า) อุดมคติโบราณลดน้อยลงก่อนที่จะรับรู้ถึงชีวิตโดยตรง

ในร้านเสริมสวยในปี พ.ศ. 2355 Géricaultแสดงภาพ “เจ้าหน้าที่พรานม้าของจักรวรรดิระหว่างการโจมตี”เป็นปีแห่งความรุ่งโรจน์ของนโปเลียนและอำนาจทางทหารของฝรั่งเศส

องค์ประกอบของภาพนำเสนอผู้ขี่ในมุมมองที่ผิดปกติของช่วงเวลาที่ "กะทันหัน" เมื่อม้ายกขึ้น และผู้ขับขี่ซึ่งอยู่ในตำแหน่งที่เกือบจะตั้งตรงของม้าหันไปหาผู้ชม ภาพของช่วงเวลาแห่งความไม่มั่นคง ความเป็นไปไม่ได้ของท่าทางช่วยเพิ่มเอฟเฟกต์ของการเคลื่อนไหว ม้ามีจุดรองรับหนึ่งจุด มันต้องล้มลงกับพื้น กรูเข้าสู่การต่อสู้ที่ทำให้มันอยู่ในสภาพเช่นนั้น มาบรรจบกันมากในงานนี้: ศรัทธาที่ไม่มีเงื่อนไขของ Gericault ในความเป็นไปได้ของบุคคลที่เป็นเจ้าของพลังของตัวเอง ความรักที่เร่าร้อนในการวาดม้าและความกล้าหาญของอาจารย์สามเณรในการแสดงสิ่งที่มีเพียงดนตรีหรือภาษาของกวีนิพนธ์เท่านั้นที่สามารถสื่อได้ก่อนหน้านี้ - ความตื่นเต้นของ การต่อสู้ จุดเริ่มต้นของการโจมตี สายพันธุ์สุดท้ายของสิ่งมีชีวิต นักเขียนรุ่นเยาว์สร้างภาพลักษณ์ของเขาในการถ่ายทอดพลวัตของการเคลื่อนไหว และเป็นสิ่งสำคัญสำหรับเขาที่จะตั้งค่าผู้ดูให้พร้อมสำหรับ "การคิด" การวาดภาพด้วย "วิสัยทัศน์ภายใน" และความรู้สึกของสิ่งที่เขาต้องการจะพรรณนา

ประเพณีของพลวัตดังกล่าวของการบรรยายภาพเรื่องความรักในฝรั่งเศสนั้นแทบไม่มีอยู่จริง ยกเว้นบางทีในวิหารแบบโกธิกสีสรรโล่งใจ เพราะเมื่อเจอริโคต์มาที่อิตาลีเป็นครั้งแรก เขาตกตะลึงกับพลังที่ซ่อนเร้นของการประพันธ์เพลงของมีเกลันเจโล “ฉันตัวสั่น” เขาเขียน “ฉันสงสัยในตัวเองและไม่สามารถฟื้นจากประสบการณ์นี้ได้เป็นเวลานาน” แต่สเตนดาลชี้ว่าไมเคิลแองเจโลเป็นผู้บุกเบิกเทรนด์โวหารใหม่ในงานศิลปะก่อนหน้านี้ในบทความเชิงโต้เถียงของเขา

ภาพวาดของ Gericault ไม่เพียงประกาศการกำเนิดของพรสวรรค์ทางศิลปะใหม่ แต่ยังเป็นการยกย่องความหลงใหลและความผิดหวังของผู้เขียนด้วยแนวคิดของนโปเลียน มีงานอื่น ๆ ที่เกี่ยวข้องกับหัวข้อนี้: เจ้าหน้าที่ Carabinieri”, “เจ้าหน้าที่ Cuirassier ก่อนการโจมตี”, “ภาพเหมือนของ carabinieri”, “ เสื้อเกราะที่ได้รับบาดเจ็บ”

ในบทความเรื่อง "การสะท้อนสภาพของภาพวาดในฝรั่งเศส" เขาเขียนว่า "ความหรูหราและศิลปะได้กลายเป็น ... ความจำเป็นและเป็นอาหารสำหรับจินตนาการซึ่งเป็นชีวิตที่สองของบุคคลที่มีอารยะธรรม . .. ไม่ใช่เรื่องของความจำเป็นอย่างยิ่ง ศิลปะจะปรากฏก็ต่อเมื่อตอบสนองความต้องการที่จำเป็นและเมื่อความอุดมสมบูรณ์มาถึงเท่านั้น ชายผู้หนึ่งซึ่งเป็นอิสระจากความกังวลในชีวิตประจำวัน เริ่มแสวงหาความสุขเพื่อขจัดความเบื่อหน่าย ซึ่งจะแซงหน้าเขาท่ามกลางความพอใจอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้

Gericault แสดงให้เห็นความเข้าใจในบทบาทการศึกษาและมนุษยนิยมของศิลปะดังกล่าวหลังจากกลับมาจากอิตาลีในปี พ.ศ. 2361 - เขาเริ่มมีส่วนร่วมในการพิมพ์หินโดยทำซ้ำหัวข้อต่าง ๆ รวมถึงความพ่ายแพ้ของนโปเลียน ( “กลับจากรัสเซีย”).

ในเวลาเดียวกัน ศิลปินหันไปมองภาพการจมของเรือรบเมดูซ่านอกชายฝั่งแอฟริกา ซึ่งทำให้สังคมในสมัยนั้นตื่นเต้น ภัยพิบัติเกิดขึ้นจากความผิดพลาดของกัปตันที่ไม่มีประสบการณ์ซึ่งได้รับการแต่งตั้งให้ดำรงตำแหน่งภายใต้การอุปถัมภ์ ผู้โดยสารที่รอดตายของเรือ ศัลยแพทย์ Savigny และวิศวกร Correar ได้พูดถึงรายละเอียดเกี่ยวกับอุบัติเหตุครั้งนี้

เรือที่กำลังจะตายสามารถสลัดแพได้ซึ่งมีคนช่วยเพียงไม่กี่คน สิบสองวันพวกเขาถูกพาไปตามทะเลที่โหมกระหน่ำจนกระทั่งพวกเขาได้พบกับความรอด - เรือ "อาร์กัส"

Gericault สนใจในสถานการณ์ตึงเครียดขั้นสุดท้ายของความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณและร่างกายของมนุษย์ ภาพวาดแสดงให้เห็นผู้โดยสารที่รอดชีวิต 15 คนบนแพเมื่อพวกเขาเห็นอาร์กัสบนขอบฟ้า “แพของเมดูซ่า”เป็นผลจากการเตรียมงานอันยาวนานของศิลปิน เขาสร้างภาพร่างของท้องทะเลที่โหมกระหน่ำ เป็นภาพคนที่ได้รับการช่วยเหลือในโรงพยาบาล ในตอนแรก Gericault ต้องการแสดงการต่อสู้ของผู้คนบนแพด้วยกัน แต่แล้วเขาก็ตกลงกับพฤติกรรมที่กล้าหาญของผู้ชนะของธาตุทะเลและความประมาทเลินเล่อของรัฐ ผู้คนอดทนต่อความโชคร้ายอย่างกล้าหาญและความหวังในความรอดไม่ได้ทิ้งพวกเขาไว้: แต่ละกลุ่มบนแพมีลักษณะของตัวเอง ในการสร้างองค์ประกอบ Gericault เลือกมุมมองจากด้านบน ซึ่งทำให้เขาสามารถรวมการครอบคลุมพื้นที่แบบพาโนรามา (มองเห็นระยะห่างของทะเลได้) และพรรณนาโดยนำผู้อยู่อาศัยในแพเข้ามาใกล้เบื้องหน้ามาก การเคลื่อนไหวนี้สร้างขึ้นจากความแตกต่างของร่างที่วางอยู่เบื้องหน้าอย่างช่วยไม่ได้ และกลุ่มคนใจร้อนที่ส่งสัญญาณไปยังเรือที่แล่นผ่าน ความชัดเจนของจังหวะการเติบโตของไดนามิกจากกลุ่มหนึ่งไปยังอีกกลุ่มหนึ่ง ความงามของร่างกายที่เปลือยเปล่า สีเข้มของภาพกำหนดข้อสังเกตบางประการเกี่ยวกับความธรรมดาของภาพ แต่นี่ไม่ใช่สาระสำคัญของเรื่องนี้สำหรับผู้ชมที่รับรู้ซึ่งความเป็นมาตรฐานของภาษายังช่วยให้เข้าใจและรู้สึกถึงสิ่งสำคัญ: ความสามารถของบุคคลในการต่อสู้และชนะ ทะเลคำราม. เรือใบกำลังคร่ำครวญ เชือกกำลังดัง เสียงแพแตก ลมพัดคลื่นและฉีกเมฆสีดำให้เป็นชิ้นเล็กชิ้นน้อย

ไม่ใช่ฝรั่งเศสเองหรือที่ขับเคลื่อนโดยพายุแห่งประวัติศาสตร์? Eugene Delacroix คิดขณะยืนอยู่ข้างภาพวาด “ แพของเมดูซ่าทำให้เดลาครัวซ์ตกใจเขาร้องไห้และกระโดดออกจากห้องทำงานของ Gericault ซึ่งเขาไปเยี่ยมบ่อยเหมือนคนบ้า

ความสนใจดังกล่าวไม่รู้จักศิลปะของดาวิด

แต่ชีวิตของ Gericault จบลงอย่างน่าอนาจใจ (เขาป่วยหนักหลังจากตกจากหลังม้า) และแผนหลายอย่างของเขายังไม่เสร็จ

นวัตกรรมของ Géricault เปิดโอกาสใหม่ๆ ในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวที่ทำให้คนรู้สึกกังวล ความรู้สึกที่แฝงอยู่ในตัวบุคคล

ทายาทของ Géricault ในภารกิจของเขาคือ Eugene Delacroix จริงอยู่ เดลาครัวซ์ได้รับอนุญาตสองเท่าของอายุขัยของเขา และเขาไม่เพียงแต่พิสูจน์ความถูกต้องของแนวโรแมนติกเท่านั้น แต่ยังให้พรทิศทางใหม่ในการวาดภาพชั้น 2 อีกด้วย ศตวรรษที่ 19 - อิมเพรสชั่นนิสม์

ก่อนที่จะเริ่มเขียนด้วยตัวเอง Eugene เรียนที่โรงเรียน Lerain: เขาวาดภาพจากชีวิตคัดลอก Rubens ผู้ยิ่งใหญ่ Rembrandt Veronese Titian ในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ ... ศิลปินหนุ่มทำงาน 10-12 ชั่วโมงต่อวัน เขาจำคำพูดของไมเคิลแองเจโลผู้ยิ่งใหญ่ได้: “การวาดภาพเป็นนายหญิงที่ขี้หึง มันต้องการคนทั้งตัว…”

หลังจากการแสดงสาธิตโดย Géricault Delacroix ทราบดีว่าช่วงเวลาแห่งความวุ่นวายทางอารมณ์ที่รุนแรงได้มาถึงงานศิลปะแล้ว ประการแรก เขาพยายามทำความเข้าใจยุคใหม่สำหรับเขาผ่านโครงเรื่องทางวรรณกรรมที่มีชื่อเสียง ภาพวาดของเขา "ดันเต้และเวอร์จิล"ที่นำเสนอในร้านเสริมสวยในปี 2365 เป็นความพยายามผ่านภาพเชื่อมโยงทางประวัติศาสตร์ของกวีสองคน: สมัยโบราณ - เฝอและเรอเนสซองส์ - ดันเต้ - เพื่อดูหม้อต้ม "นรก" แห่งยุคสมัยใหม่ ครั้งหนึ่งใน "Divine Comedy" ของเขา ดันเต้ยึดดินแดนของเวอร์จิลเพื่อคุ้มกันในทุกด้าน (สวรรค์ นรก นรก) ในงานของ Dante โลกยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาใหม่เกิดขึ้นจากการประสบกับความทรงจำของสมัยโบราณในยุคกลาง สัญลักษณ์ของความโรแมนติกในฐานะการสังเคราะห์ของสมัยโบราณ, ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและยุคกลางเกิดขึ้นใน "ความสยองขวัญ" ของนิมิตของ Dante และ Virgil แต่อุปมานิทัศน์เชิงปรัชญาที่ซับซ้อนกลับกลายเป็นภาพประกอบทางอารมณ์ที่ดีของยุคก่อนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและวรรณกรรมชิ้นเอกที่เป็นอมตะ

Delacroix จะพยายามค้นหาการตอบสนองโดยตรงในหัวใจของคนรุ่นเดียวกันผ่านความปวดใจของเขาเอง คนหนุ่มสาวในสมัยนั้นเผาไหม้ด้วยเสรีภาพและความเกลียดชังต่อผู้กดขี่ เห็นอกเห็นใจกับสงครามปลดปล่อยกรีซ กวีสุดโรแมนติกแห่งอังกฤษ ไบรอน จะไปที่นั่นเพื่อต่อสู้ Delacroix มองเห็นความหมายของยุคใหม่ในการพรรณนาถึงเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ที่เฉพาะเจาะจงมากขึ้น นั่นคือการต่อสู้และความทุกข์ทรมานของกรีซผู้รักอิสระ เขาอาศัยอยู่ในแผนการการตายของประชากรของเกาะกรีก Chios ที่พวกเติร์กจับตัวไว้ ที่ Salon of 1824 Delacroix แสดงภาพวาด "การสังหารหมู่บนเกาะ Chios"กับฉากหลังของภูมิประเทศที่เป็นเนินเขากว้างใหญ่ไม่มีที่สิ้นสุด ซึ่งยังคงกรีดร้องจากควันไฟและการสู้รบที่ไม่หยุดหย่อน ศิลปินแสดงกลุ่มผู้หญิงและเด็กที่บาดเจ็บ หมดแรง และเหนื่อยล้า พวกเขามีเสรีภาพในนาทีสุดท้ายก่อนที่ศัตรูจะเข้ามาใกล้ ชาวเติร์กบนหลังม้าเลี้ยงทางด้านขวาดูเหมือนจะแขวนอยู่เหนือพื้นหน้าทั้งหมดและผู้ประสบภัยจำนวนมากที่อยู่ที่นั่น ร่างกายที่สวยงาม ใบหน้าของคนที่หลงใหล โดยวิธีการที่ Delacroix จะเขียนในภายหลังว่าประติมากรรมกรีกถูกเปลี่ยนโดยศิลปินเป็นอักษรอียิปต์โบราณที่ซ่อนความงามที่แท้จริงของกรีกของใบหน้าและรูปร่าง แต่ด้วยการเปิดเผย "ความงามของจิตวิญญาณ" ต่อหน้าชาวกรีกที่พ่ายแพ้ จิตรกรแสดงเหตุการณ์ดังกล่าวอย่างมาก เพื่อที่จะรักษาจังหวะแห่งความตึงเครียดแบบไดนามิกเพียงครั้งเดียว เขาจึงไปที่การเปลี่ยนรูปของมุมของร่าง “ข้อผิดพลาด” เหล่านี้ “แก้ไข” โดยงานของ Gericault แล้ว แต่ Delacroix ได้แสดงให้เห็นอีกครั้งถึงความเชื่อที่โรแมนติกว่าภาพวาดนั้น “ไม่ใช่ความจริงของสถานการณ์ แต่เป็นความจริงของความรู้สึก”

ในปี 1824 Delacroix สูญเสีย Géricault เพื่อนและครูของเขา และเขาก็กลายเป็นผู้นำของภาพวาดใหม่

หลายปีผ่านไป รูปภาพปรากฏขึ้นทีละภาพ: “กรีซบนซากปรักหักพังของมิสซาลังกา”, “ความตายของซาร์ดานาปาลุส”และอื่น ๆ ศิลปินกลายเป็นผู้ถูกขับไล่ในแวดวงการวาดภาพอย่างเป็นทางการ แต่การปฏิวัติเดือนกรกฎาคมปี 1830 ได้เปลี่ยนสถานการณ์ เธอจุดประกายศิลปินด้วยความโรแมนติกของชัยชนะและความสำเร็จ เขาวาดภาพ "เสรีภาพบนเครื่องกีดขวาง".

ในปี ค.ศ. 1831 ที่ Paris Salon ชาวฝรั่งเศสได้เห็นภาพวาดของ Eugene Delacroix "Freedom on the Barricades" เป็นครั้งแรกซึ่งอุทิศให้กับ "สามวันอันรุ่งโรจน์" ของการปฏิวัติเดือนกรกฎาคมปี 1830 ผืนผ้าใบสร้างความประทับใจให้กับผู้ร่วมสมัยด้วยอำนาจ ประชาธิปไตย และความกล้าหาญของการตัดสินใจทางศิลปะ ตามตำนาน ชนชั้นนายทุนผู้น่านับถือคนหนึ่งอุทานว่า: “เจ้าว่า - หัวหน้าโรงเรียน? บอกฉันดีกว่า - หัวหน้ากบฏ! หลังจากซาลอนปิดตัวลง รัฐบาลที่หวาดกลัวกับคำอุทธรณ์ที่คุกคามและสร้างแรงบันดาลใจที่เล็ดลอดออกมาจากภาพ จึงรีบส่งคืนให้ผู้เขียน ระหว่างการปฏิวัติในปี ค.ศ. 1848 พระราชวังลักเซมเบิร์กได้รับการจัดแสดงต่อสาธารณะอีกครั้ง และกลับมาหาศิลปินอีกครั้ง หลังจากที่ผ้าใบถูกจัดแสดงที่งานนิทรรศการโลกในปารีสในปี พ.ศ. 2398 ผ้าใบก็จบลงที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์ หนึ่งในการสร้างสรรค์แนวโรแมนติกที่ดีที่สุดของฝรั่งเศสยังคงอยู่ที่นี่มาจนถึงทุกวันนี้ - เรื่องราวที่ได้รับแรงบันดาลใจจากพยานและอนุสาวรีย์นิรันดร์สำหรับการต่อสู้ของผู้คนเพื่ออิสรภาพของพวกเขา

ภาษาศิลปะของหนุ่มสาวชาวฝรั่งเศสที่ค้นพบเพื่อรวมหลักการทั้งสองที่ดูเหมือนตรงกันข้ามเข้าด้วยกัน - ลักษณะทั่วไปที่กว้างและครอบคลุมทั้งหมดและความเป็นจริงที่เป็นรูปธรรมโหดร้ายในความเปลือยเปล่าของมัน?

ปารีสในเดือนกรกฎาคม ค.ศ. 1830 อากาศอิ่มตัวด้วยควันสีเทาและฝุ่นละออง เมืองที่สวยงามตระหง่าน หายวับไปกับผงแป้ง ในระยะไกลนั้นแทบจะสังเกตไม่เห็น แต่ทำให้หอคอยของมหาวิหารนอเทรอดามสูงขึ้นอย่างภาคภูมิใจซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของประวัติศาสตร์ วัฒนธรรม และจิตวิญญาณของชาวฝรั่งเศส จากที่นั่น จากเมืองที่มีควัน เหนือซากปรักหักพังของรั้วกั้น เหนือซากศพของสหายผู้ตาย ผู้ก่อความไม่สงบออกมาข้างหน้าอย่างดื้อรั้นและเด็ดเดี่ยว พวกเขาแต่ละคนสามารถตายได้ แต่ขั้นตอนของกบฏนั้นไม่สั่นคลอน พวกเขาได้รับแรงบันดาลใจจากความตั้งใจที่จะชนะเพื่ออิสรภาพ

พลังที่สร้างแรงบันดาลใจนี้รวมอยู่ในภาพลักษณ์ของหญิงสาวสวย ในการเรียกร้องหาเธออย่างแรงกล้า ด้วยพละกำลังที่ไม่รู้จักจบสิ้น เคลื่อนไหวอย่างอิสระและอ่อนเยาว์ เธอเปรียบเสมือนเทพธิดากรีก

นิคชนะ. รูปร่างที่แข็งแรงของเธอสวมชุดชีฟอง ใบหน้าของเธอสมบูรณ์แบบด้วยดวงตาที่เร่าร้อนหันไปทางฝ่ายกบฏ ในมือข้างหนึ่งเธอถือธงไตรรงค์ของฝรั่งเศส อีกมือหนึ่งคือปืน บนหัวมีหมวก Phrygian - สัญลักษณ์โบราณของการปลดปล่อยจากการเป็นทาส ก้าวของเธอนั้นรวดเร็วและเบา - นี่คือขั้นตอนของเทพธิดา ในขณะเดียวกัน ภาพลักษณ์ของผู้หญิงก็เป็นของจริง - เธอเป็นลูกสาวของชาวฝรั่งเศส เธอเป็นกำลังนำทางเบื้องหลังการเคลื่อนไหวของกลุ่มบนเครื่องกีดขวาง จากนั้นแสงจากแหล่งกำเนิดแสงในศูนย์กลางของพลังงานรังสีก็แผ่ซ่านไปด้วยความกระหายและความปรารถนาที่จะชนะ คนที่อยู่ใกล้กัน แสดงออกในทางของตนเอง แสดงความเกี่ยวข้องกับการเรียกที่สร้างแรงบันดาลใจและสร้างแรงบันดาลใจนี้

ทางขวามือเป็นเด็กผู้ชาย เป็นชาวปารีส ถือปืนกวัดแกว่ง เขาใกล้ชิดกับอิสรภาพมากที่สุดและดังเช่นที่เคยเป็นมา ความกระตือรือร้นและความสุขของเธอจากแรงกระตุ้นที่เป็นอิสระ ในการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วและไร้ความอดทนแบบเด็กๆ เขาได้ล้ำหน้าผู้สร้างแรงบันดาลใจเพียงเล็กน้อย นี่คือบรรพบุรุษของ Gavroche ในตำนาน ซึ่งแสดงโดย Victor Hugo ในอีกยี่สิบปีต่อมาในนวนิยาย Les Misérables: “Gavroche เต็มไปด้วยแรงบันดาลใจ เปล่งปลั่ง รับหน้าที่ในการทำให้ทุกอย่างเคลื่อนไหว เขารีบวิ่งไปขึ้นเขาลงไป

ลง ลุกขึ้นอีกครั้ง เสียงกรอบแกรบ ส่องประกายด้วยความปิติยินดี ดูเหมือนว่าเขามาที่นี่เพื่อให้กำลังใจทุกคน เขามีแรงจูงใจในเรื่องนี้หรือไม่? ใช่ แน่นอน ความยากจนของเขา เขามีปีกหรือไม่? ใช่ แน่นอน ความร่าเริงของเขา มันเป็นลมกรดชนิดหนึ่ง ดูเหมือนว่าจะเติมอากาศด้วยตัวมันเองมีอยู่ทุกที่ในเวลาเดียวกัน ... เครื่องกีดขวางขนาดใหญ่รู้สึกได้ถึงกระดูกสันหลัง

Gavroche ในภาพวาดของ Delacroix เป็นตัวตนของเยาวชน "แรงกระตุ้นที่สวยงาม" การยอมรับอย่างสนุกสนานในความคิดอันสดใสของเสรีภาพ สองภาพ - Gavroche และ Liberty - ดูเหมือนจะเสริมซึ่งกันและกัน: หนึ่งคือไฟและอีกอันเป็นคบเพลิงที่จุดจากมัน ไฮน์ริช ไฮเนอเล่าถึงปฏิกิริยาตอบสนองที่มีชีวิตชีวาของร่างของ Gavroche ที่เกิดขึ้นในหมู่ชาวปารีส "นรก! คนขายของชำอุทาน “เด็กพวกนั้นสู้เหมือนยักษ์!”

ด้านซ้ายมือคือนักเรียนที่มีปืน ก่อนหน้านี้ถูกมองว่าเป็นภาพเหมือนตนเองของศิลปิน กบฏคนนี้ไม่เร็วเท่ากาฟรอช การเคลื่อนไหวของเขาถูก จำกัด มากขึ้นมีสมาธิและมีความหมายมากขึ้น มือบีบปากกระบอกปืนอย่างมั่นใจ ใบหน้าแสดงความกล้าหาญ แน่วแน่ที่จะยืนหยัดจนถึงที่สุด นี่เป็นภาพที่น่าเศร้าอย่างสุดซึ้ง นักเรียนตระหนักถึงความสูญเสียที่พวกกบฏต้องเผชิญอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ แต่ผู้ที่ตกเป็นเหยื่อไม่ได้ทำให้เขากลัว - ความตั้งใจที่จะเป็นอิสระนั้นแข็งแกร่งกว่า ข้างหลังเขาเป็นคนงานที่กล้าหาญและเด็ดเดี่ยวพร้อมกระบี่ ได้รับบาดเจ็บที่เท้าของเสรีภาพ เขาลุกขึ้นด้วยความยากลำบากในการมองขึ้นไปที่ Freedom อีกครั้ง เพื่อดูและสัมผัสด้วยสุดใจว่าความงามที่เขากำลังจะตาย ตัวเลขนี้ทำให้เสียงผ้าใบของเดลาครัวซ์เริ่มต้นอย่างน่าทึ่ง หากภาพของ Gavroche, Liberty, นักเรียน, คนงาน - เกือบจะเป็นสัญลักษณ์, ศูนย์รวมของเจตจำนงที่ไม่หยุดยั้งของนักสู้เพื่ออิสรภาพ - สร้างแรงบันดาลใจและเรียกผู้ชมจากนั้นชายที่ได้รับบาดเจ็บก็เรียกร้องความเห็นอกเห็นใจ มนุษย์บอกลาอิสรภาพ บอกลาชีวิต เขายังคงเป็นแรงกระตุ้น เป็นการเคลื่อนไหว แต่เป็นแรงกระตุ้นที่จางหายไปแล้ว

ร่างของเขาเป็นช่วงเปลี่ยนผ่าน สายตาของผู้ชมที่ยังคงหลงใหลและถูกพัดพาไปโดยการตัดสินใจที่ปฏิวัติของกลุ่มกบฏ ลงมายังตีนรั้วที่ปกคลุมไปด้วยร่างของทหารที่เสียชีวิตไปอย่างรุ่งโรจน์ ความตายนำเสนอโดยศิลปินในความเปลือยเปล่าและความชัดเจนของความเป็นจริง เราเห็นใบหน้าสีฟ้าของคนตาย ร่างกายที่เปลือยเปล่าของพวกเขา: การต่อสู้นั้นไร้ความปราณี และความตายก็เป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ที่สหายของกลุ่มกบฏในฐานะผู้สร้างแรงบันดาลใจที่สวยงามอย่างอิสระ

แต่ไม่เหมือนกันเสียทีเดียว! จากภาพอันน่าสยดสยองที่ขอบล่างของภาพ เราลืมตาขึ้นอีกครั้งและเห็นร่างเล็กที่สวยงาม - ไม่! ชีวิตชนะ! แนวคิดเรื่องเสรีภาพที่แสดงออกอย่างชัดเจนและจับต้องได้ มุ่งเน้นไปที่อนาคตที่ความตายในนามนั้นไม่น่ากลัว

ศิลปินแสดงให้เห็นเพียงกลุ่มกบฏกลุ่มเล็ก ๆ ที่มีชีวิตและความตาย แต่ผู้พิทักษ์สิ่งกีดขวางนั้นดูมีมากมายผิดปกติ องค์ประกอบถูกสร้างขึ้นในลักษณะที่กลุ่มนักสู้ไม่จำกัด ไม่ได้ปิดตัวเอง เธอเป็นเพียงส่วนหนึ่งของฝูงชนที่ถล่มทลายอย่างไม่มีที่สิ้นสุด ศิลปินให้ชิ้นส่วนของกลุ่มตามที่เป็นอยู่: กรอบรูปตัดร่างจากด้านซ้ายขวาและด้านล่าง

โดยปกติสีในผลงานของ Delacroix จะได้รับเสียงทางอารมณ์มีบทบาทสำคัญในการสร้างเอฟเฟกต์ที่น่าทึ่ง สีสัน บางครั้งก็โหมกระหน่ำ บางครั้งก็ซีดจาง อู้อี้ สร้างบรรยากาศตึงเครียด ใน Liberty at the Barricades Delacroix ออกจากหลักการนี้ แม่นยำมาก เลือกสีได้ไม่ผิดเพี้ยน ทาด้วยลายเส้นกว้าง ศิลปินถ่ายทอดบรรยากาศของการต่อสู้ได้

แต่ช่วงของสีถูกจำกัด Delacroix มุ่งเน้นไปที่การสร้างแบบจำลองบรรเทาทุกข์ของแบบฟอร์ม นี่เป็นสิ่งจำเป็นโดยการแก้ปัญหาที่เป็นรูปเป็นร่างของรูปภาพ ท้ายที่สุดแล้วศิลปินก็สร้างอนุสาวรีย์ให้กับงานนี้ด้วย ดังนั้นตัวเลขจึงเกือบจะเป็นประติมากรรม ดังนั้น อักขระแต่ละตัวซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของภาพทั้งภาพจึงประกอบขึ้นเป็นบางสิ่งที่ปิดอยู่ในตัวมันเอง แสดงถึงสัญลักษณ์ที่หล่อหลอมให้อยู่ในรูปแบบที่สมบูรณ์ ดังนั้นสีไม่เพียงส่งผลต่อความรู้สึกของผู้ชมเท่านั้น แต่ยังมีความหมายเชิงสัญลักษณ์อีกด้วย ที่นั่นและที่นั่น ธงสีแดง น้ำเงิน และขาวสว่างวาบในพื้นที่สีน้ำตาลเทา - สีของธงการปฏิวัติฝรั่งเศสปี 1789 การทำซ้ำสีเหล่านี้ซ้ำแล้วซ้ำอีกสนับสนุนคอร์ดอันทรงพลังของธงไตรรงค์ที่ลอยอยู่เหนือเครื่องกีดขวาง

ภาพวาด "Freedom on the Barricades" ของ Delacroix เป็นงานที่ซับซ้อนและยิ่งใหญ่ในขอบเขต ที่นี่ความถูกต้องของความจริงที่เห็นโดยตรงและสัญลักษณ์ของภาพถูกรวมเข้าด้วยกัน ความสมจริง เข้าถึงธรรมชาติที่โหดร้าย และความงามในอุดมคติ หยาบ น่ากลัว และประเสริฐ บริสุทธิ์

ภาพวาด "Liberty at the Barricades" รวบรวมชัยชนะของแนวโรแมนติกไว้ในภาพวาดฝรั่งเศส ในยุค 30 ภาพวาดประวัติศาสตร์อีกสองภาพ: "การต่อสู้ของปัวติเยร์"และ "การลอบสังหารบิชอปแห่งลีแอช"

ในปี ค.ศ. 1822 ศิลปินได้ไปเยือนแอฟริกาเหนือ โมร็อกโก แอลจีเรีย การเดินทางครั้งนี้ทำให้เขาประทับใจไม่รู้ลืม ในยุค 50 ภาพวาดปรากฏในผลงานของเขา โดยได้รับแรงบันดาลใจจากความทรงจำของการเดินทางครั้งนี้: “ล่าสิงโต”, “โมร็อกโกขี่ม้า”และอื่น ๆ สีตัดกันที่สดใสสร้างเสียงโรแมนติกให้กับภาพวาดเหล่านี้ ในนั้นเทคนิคของจังหวะกว้างปรากฏขึ้น

Delacroix เป็นคนโรแมนติกบันทึกสภาพของจิตวิญญาณของเขาไม่เพียง แต่ในภาษาของภาพ แต่ยังอยู่ในรูปแบบวรรณกรรมของความคิดของเขา เขาได้อธิบายกระบวนการสร้างสรรค์ผลงานของศิลปินโรแมนติกเป็นอย่างดี การทดลองเรื่องสี การสะท้อนความสัมพันธ์ระหว่างดนตรีกับศิลปะรูปแบบอื่นๆ ไดอารี่ของเขากลายเป็นเรื่องโปรดสำหรับศิลปินรุ่นต่อๆ มา

โรงเรียนโรแมนติกของฝรั่งเศสมีความก้าวหน้าอย่างมากในด้านประติมากรรม (รุดและภาพนูนของ Marseillaise) การวาดภาพทิวทัศน์ (Camille Corot พร้อมภาพแสงธรรมชาติของฝรั่งเศส)

ขอบคุณแนวโรแมนติกวิสัยทัศน์ส่วนตัวของศิลปินอยู่ในรูปแบบของกฎหมาย ลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์จะทำลายกำแพงกั้นระหว่างศิลปินกับธรรมชาติโดยสมบูรณ์ โดยประกาศว่าศิลปะคือความประทับใจ โรแมนติกพูดถึงจินตนาการของศิลปิน "เสียงแห่งความรู้สึกของเขา" ซึ่งทำให้เขาหยุดงานเมื่ออาจารย์เห็นว่าจำเป็นและไม่จำเป็นตามมาตรฐานการศึกษาที่สมบูรณ์

หากจินตนาการของ Gericault มุ่งเน้นไปที่การถ่ายทอดการเคลื่อนไหว Delacroix เกี่ยวกับพลังเวทย์มนตร์ของสีและชาวเยอรมันก็เพิ่ม "จิตวิญญาณแห่งการวาดภาพ" ลงในสิ่งนี้ สเปนความโรแมนติกในบุคลิกของ Francisco Goya (1746-1828) แสดงให้เห็นถึงต้นกำเนิดของสไตล์พื้นบ้านลักษณะที่แปลกประหลาดและแปลกประหลาด โกยาและผลงานของเขาดูห่างไกลจากกรอบรูปแบบใด ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อศิลปินต้องปฏิบัติตามกฎหมายของวัสดุการแสดงบ่อยครั้งมาก (เช่นเมื่อเขาสร้างภาพวาดสำหรับพรมทอตาข่าย) หรือความต้องการของลูกค้า

ภาพหลอนของเขาปรากฏให้เห็นในซีรีส์การแกะสลัก “คาปรีโชส” (1797-1799),"ภัยพิบัติจากสงคราม" (1810-1820),“ความแตกต่าง (“ความเขลา”)(1815-1820) ภาพจิตรกรรมฝาผนังของ "House of the Deaf" และ Church of San Antonio de la Florida ในกรุงมาดริด (1798) โรคร้ายแรงใน พ.ศ. 2335 นำไปสู่การหูหนวกอย่างสมบูรณ์ของศิลปิน ศิลปะของปรมาจารย์หลังจากประสบบาดแผลทางร่างกายและจิตใจจะมีสมาธิมากขึ้น ครุ่นคิด และมีพลวัตภายในมากขึ้น โลกภายนอกที่ปิดลงเพราะหูหนวก ได้กระตุ้นชีวิตฝ่ายวิญญาณภายในของโกยา

ในการแกะสลัก “คาปรีโชส”โกยาบรรลุความแข็งแกร่งเป็นพิเศษในการถ่ายโอนปฏิกิริยาทันทีความรู้สึกที่เร่งรีบ ประสิทธิภาพการทำงานขาวดำ ต้องขอบคุณการรวมจุดขนาดใหญ่ที่ชัดเจน การขาดลักษณะเชิงเส้นตรงของกราฟิก ทำให้ได้รับคุณสมบัติทั้งหมดของภาพวาด

ภาพจิตรกรรมฝาผนังของโบสถ์เซนต์แอนโธนีในมาดริด Goya สร้างขึ้นในลมหายใจเดียว อารมณ์ของจังหวะ, ความกะทัดรัดขององค์ประกอบ, การแสดงออกของลักษณะของตัวละครซึ่งโกยาใช้ประเภทโดยตรงจากฝูงชนนั้นน่าทึ่ง ศิลปินวาดภาพปาฏิหาริย์ของแอนโธนีแห่งฟลอริดา ที่ทำให้ชายที่ถูกฆาตกรรมฟื้นคืนชีพและพูดได้ ซึ่งตั้งชื่อฆาตกรและด้วยเหตุนี้จึงช่วยชีวิตผู้ถูกประณามอย่างไร้เดียงสาจากการประหารชีวิต พลวัตของฝูงชนที่ตอบสนองอย่างสดใสนั้นถ่ายทอดโดย Goya ทั้งในท่าทางและการแสดงออกทางสีหน้าของใบหน้าที่ปรากฎ ในรูปแบบการจัดองค์ประกอบของการกระจายภาพเขียนในพื้นที่ของโบสถ์จิตรกรติดตาม Tiepolo แต่ปฏิกิริยาที่เขากระตุ้นในตัวผู้ชมไม่ใช่แบบบาโรก แต่โรแมนติกอย่างหมดจดซึ่งส่งผลต่อความรู้สึกของผู้ชมแต่ละคนเรียกร้องให้เขาหันไปหา ตัวเขาเอง.

เหนือสิ่งอื่นใด เป้าหมายนี้ทำได้สำเร็จในภาพวาด Conto del Sordo (“House of the Deaf”) ซึ่ง Goya อาศัยอยู่ตั้งแต่ปี 1819 ผนังห้องถูกปกคลุมด้วยองค์ประกอบสิบห้าองค์ประกอบที่มีลักษณะเชิงเปรียบเทียบและน่าอัศจรรย์ การรับรู้พวกเขาต้องมีความเห็นอกเห็นใจอย่างลึกซึ้ง รูปภาพปรากฏเป็นนิมิตบางประเภทของเมือง ผู้หญิง ผู้ชาย ฯลฯ สี แวบวับ ดึงร่างหนึ่งออกแล้วอีกร่างหนึ่ง การวาดภาพโดยรวมนั้นมืดโดยมีจุดสีขาวสีเหลืองสีชมพูแดงและความรู้สึกไม่สบายใจ การแกะสลักของซีรีส์ "ความแตกต่าง" .

Goya ใช้เวลา 4 ปีที่ผ่านมาในฝรั่งเศส ไม่น่าเป็นไปได้ที่เขาจะรู้ว่า Delacroix ไม่ได้มีส่วนร่วมกับ "Caprichos" ของเขา และเขาไม่สามารถคาดการณ์ได้ว่าการแกะสลักเหล่านี้ Hugo และ Baudelaire จะเป็นอย่างไร อิทธิพลมหาศาลของภาพวาดของเขาที่มีต่อ Manet และในยุค 80 ของศตวรรษที่ XIX จะเป็นอย่างไร V. Stasov จะเชิญศิลปินรัสเซียให้ศึกษา "ภัยพิบัติแห่งสงคราม" ของเขา

แต่ด้วยเหตุนี้ เราจึงทราบดีว่างานศิลปะ "ไร้สไตล์" ที่ "ไร้สไตล์" ของนักสัจนิยมที่กล้าหาญและโรแมนติกที่ได้รับแรงบันดาลใจส่งผลกระทบอย่างใหญ่หลวงต่อวัฒนธรรมศิลปะของศตวรรษที่ 19 และ 20

โลกแห่งความฝันอันน่าอัศจรรย์ยังถูกรับรู้ในผลงานของเขาโดยศิลปินโรแมนติกชาวอังกฤษ วิลเลียม เบลก (ค.ศ. 1757-1827) อังกฤษเป็นประเทศวรรณกรรมโรแมนติกคลาสสิก ไบรอน. เชลลีย์กลายเป็นธงของขบวนการนี้ไปไกลกว่า "อัลเบียนที่มีหมอก" ในฝรั่งเศสในการวิจารณ์นิตยสารเกี่ยวกับช่วงเวลาของ "การต่อสู้อันแสนโรแมนติก" พวกโรแมนติกถูกเรียกว่า "เชคสเปียร์" คุณสมบัติหลักของการวาดภาพอังกฤษมักเป็นที่สนใจในบุคลิกภาพของมนุษย์มาโดยตลอด ซึ่งทำให้ประเภทภาพเหมือนได้รับการพัฒนาอย่างมีประสิทธิผล ยวนใจในการวาดภาพมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับอารมณ์อ่อนไหว ความสนใจแบบโรแมนติกในยุคกลางทำให้เกิดวรรณกรรมทางประวัติศาสตร์จำนวนมาก อาจารย์ที่ได้รับการยอมรับคือ V. Scott ในการวาดภาพ ธีมของยุคกลางกำหนดลักษณะของสิ่งที่เรียกว่า Peraphaelites

William Blake เป็นคนโรแมนติกที่น่าทึ่งในฉากวัฒนธรรมอังกฤษ เขาเขียนบทกวี อธิบายหนังสือของเขาเองและเล่มอื่นๆ พรสวรรค์ของเขาพยายามที่จะโอบกอดและแสดงออกถึงโลกด้วยความสามัคคีแบบองค์รวม ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือภาพประกอบสำหรับ "Book of Job" ในพระคัมภีร์ไบเบิล, "The Divine Comedy" โดย Dante, "Paradise Lost" โดย Milton เขาเติมองค์ประกอบของเขาด้วยร่างวีรบุรุษของไททานิคซึ่งสอดคล้องกับสภาพแวดล้อมของโลกที่ตรัสรู้หรือโลกแห่งจินตนาการที่ไม่เป็นจริง ความรู้สึกของความภาคภูมิใจหรือความสามัคคีที่ดื้อรั้น ยากที่จะสร้างขึ้นจากความไม่ลงรอยกัน ครอบงำภาพประกอบของเขา

การแกะสลักภูมิทัศน์สำหรับ "ศิษยาภิบาล" โดยกวีชาวโรมันชื่อ Virgil นั้นดูแตกต่างไปบ้าง - พวกมันดูโรแมนติกกว่างานก่อน ๆ ของพวกเขา

ความโรแมนติกของเบลคพยายามค้นหาสูตรศิลปะและรูปแบบของการดำรงอยู่ของโลก

วิลเลียม เบลกใช้ชีวิตอย่างยากจนข้นแค้นและมืดมน หลังจากการตายของเขาได้รับการจัดอันดับให้เป็นหนึ่งในงานศิลปะคลาสสิกของอังกฤษ

ในผลงานของจิตรกรภูมิทัศน์ชาวอังกฤษในต้นศตวรรษที่ XIX งานอดิเรกโรแมนติกรวมกับมุมมองที่เป็นกลางและมีสติมากขึ้นของธรรมชาติ

ภูมิทัศน์ที่ยกระดับอย่างโรแมนติกถูกสร้างขึ้นโดย William Turner (1775-1851) เขาชอบวาดภาพพายุฝนฟ้าคะนอง ฝนที่ตกลงมา พายุในทะเล พระอาทิตย์ตกที่สว่างจ้าและร้อนแรง เทิร์นเนอร์มักจะพูดเกินจริงถึงเอฟเฟกต์ของแสงและทำให้เสียงของสีดูเข้มข้นขึ้น แม้ว่าเขาจะวาดภาพในสภาพที่สงบของธรรมชาติก็ตาม เพื่อให้ได้ผลลัพธ์ที่ดียิ่งขึ้น เขาใช้เทคนิคสีน้ำและสีน้ำมันในชั้นบางๆ และทาสีลงบนพื้นโดยตรง ทำให้เกิดเป็นสีรุ้งที่ล้น ตัวอย่างคือภาพ “ฝน ไอน้ำ และความเร็ว”(1844). แต่แม้แต่นักวิจารณ์ที่มีชื่อเสียงในสมัยนั้น แธ็คเกอเรย์ ก็ยังไม่เข้าใจ บางทีอาจจะเป็นภาพที่ล้ำสมัยที่สุดทั้งในด้านการออกแบบและการใช้งาน เขาเขียนว่า “ฝนบ่งบอกถึงคราบสกปรก” เขาเขียน “มีดจานสีสาดส่องลงบนผ้าใบ แสงแดดที่มีแสงระยิบระยับทึบส่องทะลุผ่านก้อนโครเมียมสีเหลืองสกปรกที่หนามาก เงาถูกถ่ายทอดด้วยเฉดสีเย็นของกระปลาสีแดงและจุดชาดของโทนสีที่ไม่ออกเสียง และถึงแม้ว่าไฟในเตาหลอมของรถจักรจะดูเป็นสีแดง แต่ฉันไม่คิดว่าจะทาสีด้วยสีคาบัลต์หรือสีถั่ว นักวิจารณ์อีกคนที่พบใน Turner กำลังระบายสี "ไข่คนและผักโขม" สีของ Turner ตอนปลายโดยทั่วไปดูเหมือนจะคิดไม่ถึงและยอดเยี่ยมสำหรับคนรุ่นเดียวกัน ต้องใช้เวลามากกว่าหนึ่งศตวรรษในการมองเห็นเม็ดการสังเกตที่แท้จริงในตัวพวกเขา แต่ในกรณีอื่นๆ มันก็อยู่ที่นี่ เรื่องราวที่น่าสงสัยของผู้เห็นเหตุการณ์หรือพยานการกำเนิดของ "ฝน ไอน้ำ และความเร็ว" ได้รับการเก็บรักษาไว้ คุณนายซีโมนบางคนกำลังขี่อยู่ในห้องโดยสารของ Western Express โดยมีสุภาพบุรุษสูงอายุนั่งอยู่ตรงข้ามเธอ เขาขออนุญาตเปิดหน้าต่าง ยื่นศีรษะออกไปท่ามกลางสายฝนที่โปรยปราย และอยู่ในตำแหน่งนั้นเป็นเวลานาน เมื่อเขาปิดหน้าต่างลงในที่สุด น้ำหยดจากเขาในลำธาร แต่เขาหลับตาอย่างมีความสุขและเอนหลัง เพลิดเพลินกับสิ่งที่เขาเพิ่งเห็นอย่างชัดเจน หญิงสาวที่มีความอยากรู้อยากเห็นตัดสินใจสัมผัสความรู้สึกของตัวเอง เธอยังก้มหน้าออกไปนอกหน้าต่างด้วย ก็เปียกไปด้วย แต่ฉันได้รับความประทับใจไม่รู้ลืม ลองนึกภาพความประหลาดใจของเธอเมื่อ 1 ปีต่อมา ในงานนิทรรศการในลอนดอน เธอได้เห็น Rain, Steam และ Speed มีคนข้างหลังเธอวิจารณ์ว่า “เป็นแบบอย่างของเทิร์นเนอร์ใช่มั้ย ไม่มีใครเคยเห็นความไร้สาระปะปนกันเช่นนี้มาก่อน” และเธอไม่สามารถยับยั้งตัวเองได้กล่าวว่า: "ฉันเห็นแล้ว"

บางทีนี่อาจเป็นภาพแรกของรถไฟในการวาดภาพ มุมมองถูกนำมาจากที่ใดที่หนึ่งด้านบนซึ่งทำให้สามารถให้ความคุ้มครองแบบพาโนรามาได้กว้าง Western Express บินข้ามสะพานด้วยความเร็วที่ยอดเยี่ยมมากสำหรับช่วงเวลานั้น (เกิน 150 กม. ต่อชั่วโมง) นอกจากนี้ นี่อาจเป็นความพยายามครั้งแรกในการแสดงแสงผ่านสายฝน

ศิลปะอังกฤษกลางศตวรรษที่ 19 พัฒนาไปในทิศทางที่แตกต่างไปจากภาพวาดของเทิร์นเนอร์อย่างสิ้นเชิง แม้ว่าทักษะของเขาจะเป็นที่รู้จักโดยทั่วไป แต่ไม่มีเยาวชนคนใดติดตามเขา

เทิร์นเนอร์ถือเป็นบรรพบุรุษของอิมเพรสชั่นนิสม์มาช้านาน ดูเหมือนว่าศิลปินชาวฝรั่งเศสควรพัฒนาการค้นหาสีจากแสงเพิ่มเติม แต่นั่นไม่ใช่กรณีเลย โดยพื้นฐานแล้วอิทธิพลของ Turner ที่มีต่ออิมเพรสชั่นนิสต์ย้อนกลับไปที่ From Delacroix to Neo-Impressionism ของ Paul Signac ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1899 ซึ่งเขาอธิบายว่า "ในปี 1871 ระหว่างที่พวกเขาพำนักอยู่ในลอนดอนเป็นเวลานาน Claude Manet และ Camille Pissarro ได้ค้นพบ Turner พวกเขาประหลาดใจกับคุณภาพของสีที่มั่นใจและมหัศจรรย์ พวกเขาศึกษางานของเขา วิเคราะห์เทคนิคของเขา ตอนแรกพวกเขาประหลาดใจกับภาพหิมะและน้ำแข็งของเขา ตกใจที่เขาสามารถถ่ายทอดความรู้สึกถึงความขาวของหิมะ ซึ่งพวกเขาทำไม่ได้ ด้วยแผ่นสีขาวสีเงินขนาดใหญ่วางราบด้วยพู่กันกว้าง . พวกเขาเห็นว่าความประทับใจนี้ไม่ได้เกิดขึ้นด้วยการล้างบาปเพียงอย่างเดียว และจังหวะหลายสี ทำดาเมจข้างหนึ่งซึ่งสร้างความประทับใจนี้หากมองจากระยะไกล

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Signac กำลังมองหาทุกหนทุกแห่งเพื่อยืนยันทฤษฎีของเขาเกี่ยวกับ pointillism แต่ในภาพวาดของ Turner ไม่มีภาพที่ศิลปินชาวฝรั่งเศสเห็นใน National Gallery ในปี 1871 มีเทคนิคของ Pointillism ที่ Signac อธิบายและไม่มี "จุดสีขาวกว้าง" เลย อันที่จริงอิทธิพลของ Turner ที่มีต่อชาวฝรั่งเศสนั้นไม่ได้แข็งแกร่งกว่า ในปี 1870 -e และในปี 1890

เทิร์นเนอร์ได้รับการศึกษาอย่างรอบคอบที่สุดโดย Paul Signac ไม่เพียงแต่เป็นผู้บุกเบิกของอิมเพรสชั่นนิสม์ ซึ่งเขาเขียนถึงในหนังสือของเขา แต่ยังเป็นศิลปินที่มีนวัตกรรมที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย เกี่ยวกับภาพวาดในช่วงปลายของเทิร์นเนอร์เรื่อง "ฝน ไอน้ำ และความเร็ว", "พลัดถิ่น", "ตอนเช้า" และ "ตอนเย็นของน้ำท่วม" Signac เขียนถึงเพื่อนของเขา Angrand: ความหมายที่สวยงามของคำนี้"

การประเมินอย่างกระตือรือร้นของ Signac เป็นจุดเริ่มต้นของความเข้าใจสมัยใหม่เกี่ยวกับการค้นหาภาพของเทิร์นเนอร์ แต่ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาบางครั้งพวกเขาไม่ได้คำนึงถึงเนื้อหาย่อยและความซับซ้อนของทิศทางการค้นหาของเขาโดยเลือกตัวอย่างจาก "ภาพวาด" ที่ยังไม่เสร็จของเทิร์นเนอร์เพียงฝ่ายเดียวโดยพยายามค้นหาผู้บุกเบิกอิมเพรสชั่นนิสม์ในตัวเขา

ในบรรดาศิลปินใหม่ล่าสุด ทุกสิ่งโดยธรรมชาติแสดงให้เห็นการเปรียบเทียบกับ Monet ซึ่งตัวเขาเองรับรู้ถึงอิทธิพลของ Turner ที่มีต่อเขา มีแม้แต่แปลงเดียวที่คล้ายคลึงกันทั้งสองอย่าง นั่นคือ ประตูทางทิศตะวันตกของอาสนวิหารรูอ็อง แต่ถ้า Monet ให้การศึกษาเกี่ยวกับแสงจากแสงอาทิตย์ของอาคารแก่เรา เขาไม่ได้ให้เราแบบโกธิก แต่เป็นนางแบบเปลือยบางประเภท Turner เข้าใจว่าทำไมศิลปินที่ซึมซับในธรรมชาติจึงสนใจหัวข้อนี้ - ในภาพของเขา เป็นการผสมผสานอย่างลงตัวระหว่างความยิ่งใหญ่ที่ท่วมท้นของส่วนรวมและความไม่มีที่สิ้นสุดที่กระทบต่อรายละเอียดต่างๆ ที่ทำให้การสร้างสรรค์ศิลปะแบบโกธิกใกล้ชิดกับผลงานของธรรมชาติมากขึ้น

ลักษณะพิเศษของวัฒนธรรมอังกฤษและศิลปะโรแมนติกเปิดโอกาสให้เกิดศิลปิน plein air คนแรกที่วางรากฐานสำหรับภาพลักษณ์ของธรรมชาติในอากาศในศตวรรษที่ 19 John Constable (1776-1837) ตำรวจอังกฤษเลือกภูมิทัศน์เป็นประเภทหลักของภาพวาดของเขา: “โลกนี้ช่างยิ่งใหญ่ ไม่มีสองวันเหมือนกัน ไม่ถึงสองชั่วโมงเหมือนกัน นับตั้งแต่การสร้างโลก ต้นไม้ต้นเดียวไม่มีใบที่เหมือนกันสองใบ และงานศิลปะของแท้ทั้งหมด เหมือนกับการสร้างสรรค์ของธรรมชาติ ต่างกัน” เขากล่าว

ตำรวจวาดภาพสีน้ำมันขนาดใหญ่ในที่โล่งโดยสังเกตจากสภาพธรรมชาติต่างๆ อย่างละเอียด ในนั้น เขาสามารถถ่ายทอดความซับซ้อนของชีวิตภายในของธรรมชาติและชีวิตประจำวันของมันได้ (“มุมมองของไฮเกตจากเนินเขาเฮมป์สเตด”, ตกลง. พ.ศ. 2377; "รถเข็นหญ้าแห้ง"พ.ศ. 2364; “Detham Valley”, ca. 1828) ประสบความสำเร็จด้วยเทคนิคการเขียน เขาวาดด้วยจังหวะที่เคลื่อนไหว บางครั้งหนาและหยาบ บางครั้งเรียบขึ้นและโปร่งใสมากขึ้น อิมเพรสชันนิสต์จะมาถึงสิ่งนี้เมื่อสิ้นสุดศตวรรษเท่านั้น นวัตกรรมภาพวาดของ Constable มีอิทธิพลต่อผลงานของ Delacroix เช่นเดียวกับการพัฒนาภูมิทัศน์ของฝรั่งเศสทั้งหมด

ศิลปะของตำรวจตลอดจนงานของ Gericault ในหลายแง่มุม แสดงให้เห็นถึงแนวโน้มที่เป็นจริงในศิลปะยุโรปในศตวรรษที่ 19 ซึ่งเริ่มแรกพัฒนาควบคู่ไปกับแนวโรแมนติก ต่อมาเส้นทางของพวกเขาแยกจากกัน

ความโรแมนติกเปิดโลกของจิตวิญญาณมนุษย์ ปัจเจก ไม่เหมือนใคร แต่จริงใจและใกล้เคียงกับวิสัยทัศน์อันเย้ายวนทั้งหมดของโลก ความรวดเร็วของภาพในการวาดภาพตามที่ Gelacroix กล่าวและไม่ใช่ความสม่ำเสมอในการแสดงทางวรรณกรรม ได้กำหนดจุดสนใจของศิลปินในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนที่สุด เพื่อหาวิธีแก้ปัญหาที่เป็นทางการและสีสันใหม่ ๆ ยวนใจทิ้งมรดกไว้ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XIX ปัญหาทั้งหมดเหล่านี้และความเป็นเอกเทศทางศิลปะได้รับการปลดปล่อยจากกฎเกณฑ์ของนักวิชาการ สัญลักษณ์ซึ่งในหมู่ชาวโรแมนติกควรจะแสดงถึงการผสมผสานที่สำคัญของความคิดและชีวิตในงานศิลปะของครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 หลอมรวมเข้ากับภาพศิลปะ จับภาพความคิดที่หลากหลายและโลกรอบข้าง

ข) ดนตรี

แนวคิดของการสังเคราะห์งานศิลปะพบการแสดงออกในอุดมการณ์และแนวปฏิบัติเกี่ยวกับแนวโรแมนติก แนวโรแมนติกในดนตรีก่อตัวขึ้นในช่วงทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 19 ภายใต้อิทธิพลของวรรณกรรมแนวโรแมนติกและพัฒนาอย่างใกล้ชิดกับมัน กับวรรณกรรมโดยทั่วไป (เปลี่ยนเป็นประเภทสังเคราะห์ โอเปร่า เพลง เครื่องดนตรีขนาดเล็ก การอุทธรณ์ไปยังโลกภายในของบุคคลซึ่งเป็นลักษณะของแนวโรแมนติกนั้นแสดงออกในลัทธิอัตวิสัยความอยากที่เข้มข้นทางอารมณ์ซึ่งกำหนดความเป็นอันดับหนึ่งของดนตรีและเนื้อเพลงในแนวโรแมนติก

ดนตรีในครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 พัฒนาไปอย่างรวดเร็ว ภาษาดนตรีใหม่เกิดขึ้น ในดนตรีบรรเลงและแชมเบอร์แชมเบอร์มินิได้รับสถานที่พิเศษ วงออเคสตราฟังด้วยสีสันที่หลากหลาย ความเป็นไปได้ของเปียโนและไวโอลินถูกเปิดเผยในรูปแบบใหม่ เพลงโรแมนติกเป็นอัจฉริยะมาก

ความโรแมนติกทางดนตรีปรากฏออกมาในสาขาต่าง ๆ ที่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมประจำชาติที่แตกต่างกันและขบวนการทางสังคมที่แตกต่างกัน ตัวอย่างเช่น สไตล์ที่ใกล้ชิดและเป็นโคลงสั้น ๆ ของ German Romantics และความน่าสมเพชของพลเมือง "วาทศิลป์" ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของงานของคีตกวีชาวฝรั่งเศสจึงแตกต่างกันอย่างมาก ในทางกลับกันตัวแทนของโรงเรียนแห่งชาติใหม่ที่เกิดขึ้นบนพื้นฐานของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติในวงกว้าง (โชแปง, โมนิอุซโก, ดโวรัค, สเมทาน่า, เกรียก) รวมถึงตัวแทนของโรงเรียนโอเปร่าอิตาลีที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับขบวนการริซอร์จิเมนโต (แวร์ดี Bellini) ในหลาย ๆ ด้านแตกต่างจากในเยอรมนีออสเตรียหรือฝรั่งเศสโดยเฉพาะอย่างยิ่งแนวโน้มที่จะรักษาประเพณีคลาสสิก

อย่างไรก็ตาม สิ่งเหล่านี้ล้วนโดดเด่นด้วยหลักการทางศิลปะทั่วไปบางประการที่ทำให้เราสามารถพูดถึงโครงสร้างทางความคิดที่โรแมนติกเพียงเรื่องเดียว

ต้องขอบคุณความสามารถพิเศษของดนตรีในการเปิดเผยโลกแห่งประสบการณ์ของมนุษย์อย่างลึกซึ้งและเจาะลึก สุนทรียศาสตร์ที่โรแมนติกจึงกลายเป็นที่หนึ่งในบรรดาศิลปะอื่นๆ ความโรแมนติกหลายคนเน้นไปที่การเริ่มต้นดนตรีโดยสัญชาตญาณ เนื่องมาจากคุณสมบัติของการแสดงออกที่ “ไม่รู้” งานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกที่โดดเด่นมีพื้นฐานที่สมจริงอย่างมาก ความสนใจในชีวิตของคนทั่วไป ความสมบูรณ์ของชีวิต และความจริงของความรู้สึก การพึ่งพาดนตรีในชีวิตประจำวัน กำหนดความสมจริงของงานของตัวแทนที่ดีที่สุดของแนวโรแมนติกทางดนตรี แนวโน้มปฏิกิริยา (เวทย์มนต์ การหนีจากความเป็นจริง) มีอยู่ในผลงานเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ เพียงเล็กน้อยเท่านั้น พวกเขาปรากฏตัวในบางส่วนในโอเปร่า Euryanta โดย Weber (1823) ในละครเพลงบางเรื่องโดย Wagner, oratorio Christ โดย Liszt (1862) เป็นต้น

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 การศึกษาพื้นฐานของคติชน ประวัติศาสตร์ วรรณกรรมโบราณปรากฏขึ้น ตำนานยุคกลาง ศิลปะแบบโกธิก และวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่ถูกลืมเลือนได้ถูกฟื้นคืนชีพ ในเวลานี้โรงเรียนระดับชาติหลายแห่งในประเภทพิเศษพัฒนาขึ้นในงานของนักแต่งเพลงในยุโรปซึ่งถูกกำหนดให้ขยายขอบเขตของวัฒนธรรมยุโรปทั่วไปอย่างมีนัยสำคัญ รัสเซียซึ่งในไม่ช้าถ้าไม่ใช่คนแรกจากนั้นก็เป็นหนึ่งในสถานที่แรกในความคิดสร้างสรรค์ทางวัฒนธรรมของโลก (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), โปแลนด์ (Chopin, Moniuszko), เช็ก (Sour Cream, Dvorak), ฮังการี ( รายการ) จากนั้นนอร์เวย์ (Grieg), สเปน (Pedrel), ฟินแลนด์ (Sibelius), อังกฤษ (Elgar) - ทั้งหมดรวมกันเป็นกระแสหลักทั่วไปของงานนักแต่งเพลงชาวยุโรปไม่มีทางต่อต้านประเพณีโบราณที่จัดตั้งขึ้น ภาพวงเวียนใหม่ปรากฏขึ้น โดยแสดงถึงลักษณะเฉพาะของชาติของวัฒนธรรมประจำชาติที่ผู้แต่งเป็นสมาชิกอยู่ โครงสร้างน้ำเสียงของงานช่วยให้คุณรับรู้ได้ทันทีโดยหูที่เป็นของโรงเรียนแห่งชาติแห่งหนึ่ง

คีตกวีมีส่วนร่วมในภาษาดนตรีสากลของยุโรป ซึ่งเป็นการพลิกกลับของนิทานพื้นบ้านเก่าซึ่งส่วนใหญ่เป็นชาวนาในประเทศของตน พวกเขาทำความสะอาดเพลงพื้นบ้านรัสเซียจากโอเปร่าเคลือบเงา พวกเขาแนะนำระบบน้ำเสียงที่เป็นสากลของการเปลี่ยนแนวเพลงพื้นบ้านในศตวรรษที่ 18 ปรากฏการณ์ที่โดดเด่นที่สุดในดนตรีแนวโรแมนติกซึ่งถูกรับรู้โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเปรียบเทียบกับทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่างของลัทธิคลาสสิกคือการครอบงำของหลักการโคลงสั้น ๆ ทางจิตวิทยา แน่นอนว่าลักษณะเด่นของศิลปะดนตรีโดยทั่วไปคือการหักเหของปรากฏการณ์ใดๆ ผ่านขอบเขตของความรู้สึก ดนตรีทุกยุคทุกสมัยอยู่ภายใต้รูปแบบนี้ แต่ความโรแมนติกเหนือกว่ารุ่นก่อนทั้งหมดในแง่ของคุณค่าของการเริ่มต้นในบทเพลงของพวกเขาในความแข็งแกร่งและความสมบูรณ์แบบในการถ่ายทอดส่วนลึกของโลกภายในของบุคคลซึ่งเป็นเฉดสีแห่งอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนที่สุด

แก่นเรื่องของความรักครอบครองสถานที่ที่โดดเด่นในนั้นเพราะเป็นสภาวะของจิตใจที่สะท้อนถึงความลึกและความแตกต่างของจิตใจมนุษย์อย่างครอบคลุมและครบถ้วนที่สุด ธีมนี้ไม่ได้จำกัดอยู่เพียงแรงจูงใจของความรักในความหมายที่แท้จริงของคำเท่านั้น แต่ยังมีลักษณะเฉพาะอย่างมากที่รูปแบบนี้ไม่ได้จำกัดอยู่เพียงปรากฏการณ์ต่างๆ ประสบการณ์เชิงโคลงสั้น ๆ ของตัวละครล้วนถูกเปิดเผยโดยมีฉากหลังเป็นภาพพาโนรามาทางประวัติศาสตร์อันกว้างใหญ่ ความรักที่บุคคลมีต่อบ้านของเขา เพื่อบ้านเกิดเมืองนอน ต่อประชาชนของเขาเป็นเหมือนเส้นด้ายในผลงานของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกทุกคน

สถานที่ขนาดใหญ่มอบให้ในงานดนตรีที่มีรูปแบบขนาดเล็กและขนาดใหญ่ตามภาพลักษณ์ของธรรมชาติซึ่งเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดและแยกไม่ออกกับธีมของการสารภาพเชิงโคลงสั้น ๆ เช่นเดียวกับภาพแห่งความรัก ภาพลักษณ์ของธรรมชาติเป็นตัวกำหนดสภาพจิตใจของฮีโร่ ซึ่งมักถูกแต่งแต้มด้วยความรู้สึกไม่ลงรอยกับความเป็นจริง

แนวแฟนตาซีมักจะแข่งขันกับภาพธรรมชาติซึ่งอาจเกิดจากความปรารถนาที่จะหลบหนีจากการถูกจองจำในชีวิตจริง แบบฉบับของความโรแมนติกคือการค้นหาสิ่งมหัศจรรย์ที่ส่องประกายด้วยสีสันของโลกซึ่งตรงข้ามกับชีวิตประจำวันสีเทา ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาวรรณกรรมเต็มไปด้วยนิทานเพลงบัลลาดของนักเขียนชาวรัสเซีย ในบรรดานักประพันธ์เพลงของโรงเรียนโรแมนติก ภาพที่ยอดเยี่ยมและน่าอัศจรรย์ได้รับสีที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะของชาติ เพลงบัลลาดได้รับแรงบันดาลใจจากนักเขียนชาวรัสเซีย และด้วยเหตุนี้ ผลงานของแผนพิลึกพิศวงจึงถูกสร้างขึ้น ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความเชื่อผิดๆ ที่พยายามจะย้อนกลับความคิดเกี่ยวกับความกลัวต่อพลังแห่งความชั่วร้าย

นักแต่งเพลงโรแมนติกหลายคนยังทำหน้าที่เป็นนักเขียนและนักวิจารณ์เพลง (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt เป็นต้น) งานเชิงทฤษฎีของตัวแทนของแนวโรแมนติกที่ก้าวหน้ามีส่วนสำคัญอย่างมากต่อการพัฒนาประเด็นที่สำคัญที่สุดของศิลปะดนตรี แนวจินตนิยมยังพบการแสดงออกในศิลปะการแสดง (นักไวโอลิน Paganini นักร้อง A. Nurri และอื่น ๆ )

ความหมายที่ก้าวหน้าของแนวโรแมนติกในช่วงเวลานี้ส่วนใหญ่อยู่ในกิจกรรม Franz Liszt. งานของ Liszt แม้ว่าโลกทัศน์จะขัดแย้งกัน แต่โดยพื้นฐานแล้วก็มีความก้าวหน้าและสมจริง หนึ่งในผู้ก่อตั้งและความคลาสสิกของดนตรีฮังการีซึ่งเป็นศิลปินระดับชาติที่โดดเด่น

ผลงานของ Liszt หลายชิ้นสะท้อนถึงธีมประจำชาติของฮังการีอย่างกว้างขวาง การประพันธ์เพลงที่โรแมนติกและชาญฉลาดของ Liszt ได้ขยายความเป็นไปได้ทางเทคนิคและการแสดงออกของการเล่นเปียโน (คอนเสิร์ต โซนาตา) สิ่งสำคัญคือความสัมพันธ์ของ Liszt กับตัวแทนของดนตรีรัสเซียซึ่งผลงานของเขาได้รับการส่งเสริมอย่างแข็งขัน

ในเวลาเดียวกัน Liszt มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาศิลปะดนตรีโลก หลังจาก Liszt “ทุกอย่างเป็นไปได้สำหรับเปียโนฟอร์เต” ลักษณะเฉพาะของดนตรีของเขาคือการด้นสด, ความรู้สึกโรแมนติก, ท่วงทำนองที่แสดงออก Liszt มีคุณค่าในฐานะนักแต่งเพลงนักแสดงและนักดนตรี ผลงานหลักของนักแต่งเพลง: โอเปร่า “ Don Sancho หรือปราสาทแห่งความรัก” (1825), 13 บทกวีไพเราะ” ตัสโซ ”, ” โพรมีธีอุส ”, “แฮมเล็ต” และอื่น ๆ ทำงานให้กับวงออเคสตรา 2 คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและวงออเคสตรา 75 เรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ คณะนักร้องประสานเสียงและผลงานอื่น ๆ ที่มีชื่อเสียงไม่แพ้กัน

การแสดงแนวโรแมนติกครั้งแรกทางดนตรีอย่างหนึ่งคือความคิดสร้างสรรค์ ฟรานซ์ ชูเบิร์ต(พ.ศ. 2340-2571) ชูเบิร์ตเข้าสู่ประวัติศาสตร์ของดนตรีในฐานะผู้ก่อตั้งแนวดนตรีแนวโรแมนติกที่ใหญ่ที่สุดและเป็นผู้สร้างแนวเพลงใหม่มากมาย: ซิมโฟนีโรแมนติก, เปียโนจิ๋ว, เพลงโรแมนติก (โรแมนติก) ที่สำคัญที่สุดในงานของเขาคือ เพลง,ซึ่งเขาได้แสดงให้เห็นแนวโน้มที่เป็นนวัตกรรมมากมายโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ในเพลงของชูเบิร์ตโลกภายในของบุคคลนั้นถูกเปิดเผยอย่างลึกซึ้งที่สุดการเชื่อมต่อลักษณะของเขากับดนตรีพื้นบ้านนั้นชัดเจนที่สุดหนึ่งในคุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของความสามารถของเขาเป็นที่ประจักษ์มากที่สุด - ความหลากหลายที่น่าทึ่งความงามเสน่ห์ของท่วงทำนอง เพลงที่ดีที่สุดในยุคแรกคือ “ Margarita ที่ล้อหมุน ”(1814) , “ราชาแห่งป่า". ทั้งสองเพลงเขียนถึงคำพูดของเกอเธ่ ในตอนแรกหญิงสาวที่ถูกทอดทิ้งจำคนรักของเธอได้ เธอโดดเดี่ยวและทุกข์ทรมานอย่างสุดซึ้ง เพลงของเธอเศร้า ท่วงทำนองที่เรียบง่ายและจริงใจสะท้อนเพียงเสียงครวญครางของสายลมเท่านั้น "ราชาแห่งป่า" เป็นงานที่ซับซ้อน นี่ไม่ใช่เพลง แต่เป็นฉากละครที่มีตัวละครสามตัวปรากฏตัวต่อหน้าเรา: พ่อขี่ม้าผ่านป่า เด็กป่วยที่เขาอุ้มไปด้วย และราชาป่าที่น่าเกรงขามซึ่งปรากฏตัวต่อเด็กผู้ชายที่มีอาการไข้ แต่ละคนมีภาษาไพเราะของตัวเอง เพลงของชูเบิร์ต "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade" มีชื่อเสียงและเป็นที่รักไม่น้อย เพลงเหล่านี้แต่งขึ้นในปีต่อๆ มา มีความโดดเด่นด้วยท่วงทำนองที่เรียบง่ายและแสดงออกอย่างน่าประหลาดใจ และสีสันที่สดใส

ชูเบิร์ตยังเขียนเพลงสองรอบ -“ มิลเลอร์คนสวย"(1823) และ" เส้นทางฤดูหนาว” (1872) - ตามคำพูดของกวีชาวเยอรมัน Wilhelm Müller ในแต่ละเพลงจะรวมกันเป็นหนึ่งพล็อต เพลงของวงจร "The Beautiful Miller's Woman" เล่าเกี่ยวกับเด็กหนุ่ม ตามกระแสน้ำ เขาออกเดินทางเพื่อแสวงหาความสุข เพลงส่วนใหญ่ในรอบนี้มีลักษณะที่เบา อารมณ์ของวงจร "Winter Way" แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ชายหนุ่มที่ยากจนถูกเจ้าสาวที่ร่ำรวยปฏิเสธ ด้วยความสิ้นหวัง เขาออกจากเมืองบ้านเกิดและเดินทางไปทั่วโลก สหายของเขาคือลม พายุหิมะ อีกาที่ส่งเสียงร้องเป็นลางร้าย

ตัวอย่างบางส่วนที่ให้ไว้ในที่นี้ช่วยให้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับคุณลักษณะของการแต่งเพลงของชูเบิร์ตได้

ชูเบิร์ตชอบเขียน เพลงเปียโน. สำหรับเครื่องดนตรีชิ้นนี้ เขาเขียนผลงานจำนวนมาก เช่นเดียวกับเพลง งานเปียโนของเขาใกล้เคียงกับดนตรีในชีวิตประจำวันและเรียบง่ายและเข้าใจได้ง่าย แนวเพลงที่เขาชื่นชอบคือการเต้นรำ การเดินขบวน และในปีสุดท้ายของชีวิต - อย่างกะทันหัน

วอลซ์และการเต้นรำอื่นๆ มักจะปรากฏที่ลูกบอลของชูเบิร์ต ในการเดินเล่นในชนบท ที่นั่นพระองค์ทรงด้นสดและบันทึกไว้ที่บ้าน

หากเราเปรียบเทียบเปียโนของชูเบิร์ตกับเพลงของเขา เราจะพบความคล้ายคลึงกันมากมาย ประการแรก มันคือความไพเราะที่ไพเราะ ความสง่างาม การตีคู่กันอย่างมีสีสันของทั้งรายใหญ่และรายย่อย

ที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่ง ภาษาฝรั่งเศส นักแต่งเพลงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 Georges Bizet, ผู้สร้างการสร้างสรรค์อมตะสำหรับโรงละครดนตรี - โอเปร่า “คาร์เมน”และเพลงประกอบละครยอดเยี่ยมโดย Alphonse Daudet” Arlesian ”.

งานของ Bizet มีลักษณะเฉพาะด้วยความถูกต้องและความชัดเจนของความคิด ความแปลกใหม่และความสดใหม่ของวิธีการแสดงออก ความสมบูรณ์ และความสง่างามของรูปแบบ Bizet โดดเด่นด้วยความคมชัดของการวิเคราะห์ทางจิตวิทยาในการทำความเข้าใจความรู้สึกและการกระทำของมนุษย์ซึ่งเป็นลักษณะของผลงานของเพื่อนร่วมชาติที่ยิ่งใหญ่ของนักแต่งเพลง - นักเขียน Balzac, Flaubert, Maupassant ศูนย์กลางในผลงานของ Bizet ซึ่งมีหลากหลายแนวเพลงเป็นของโอเปร่า โอเปร่าของนักแต่งเพลงเกิดขึ้นบนผืนดินของชาติและได้รับการหล่อเลี้ยงโดยประเพณีของโรงอุปรากรฝรั่งเศส Bizet พิจารณางานแรกในงานของเขาที่จะเอาชนะข้อ จำกัด ด้านประเภทที่มีอยู่ในโอเปร่าฝรั่งเศสซึ่งขัดขวางการพัฒนา โอเปร่า "ใหญ่" ดูเหมือนจะเป็นประเภทที่ตายไปแล้ว โอเปร่าบทกวีทำให้หงุดหงิดด้วยความน้ำตาไหลและความใจแคบของชนชั้นนายทุนน้อย การ์ตูนสมควรได้รับความสนใจมากกว่าเรื่องอื่น เป็นครั้งแรกในโอเปร่าของ Bizet ฉากในประเทศและมวลชนที่มีชีวิตชีวาและมีชีวิตชีวาปรากฏขึ้นโดยคาดการณ์ถึงชีวิตและฉากที่สดใส

เพลงของ Bizet สำหรับละครของ Alphonse Daudet “อาร์เลเซียน” เป็นที่รู้จักกันเป็นหลักสำหรับห้องแสดงคอนเสิร์ตสองห้องที่ประกอบด้วยตัวเลขที่ดีที่สุดของเธอ Bizet ใช้ท่วงทำนองโปรวองซ์แท้ๆ : “เดือนมีนาคมสามกษัตริย์”และ "การเต้นรำของม้าขี้เล่น".

โอเปร่าของ Bizet คาร์เมน” เป็นละครเพลงที่แสดงต่อหน้าผู้ชมด้วยความจริงที่น่าเชื่อถือและด้วยพลังทางศิลปะที่น่าดึงดูดใจ เรื่องราวของความรักและความตายของวีรบุรุษ: ทหารโฮเซ่และคาร์เมนยิปซี Opera Carmen ถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของประเพณีของโรงละครดนตรีฝรั่งเศส แต่ในขณะเดียวกันก็มีการแนะนำสิ่งใหม่มากมาย จากความสำเร็จที่ดีที่สุดของโอเปร่าแห่งชาติและการปฏิรูปองค์ประกอบที่สำคัญที่สุด Bizet ได้สร้างประเภทใหม่ - ละครเพลงที่สมจริง

ในประวัติศาสตร์ของโรงอุปรากรแห่งศตวรรษที่ 19 โอเปร่าการ์เมนเป็นหนึ่งในสถานที่แรกๆ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2419 ขบวนแห่ชัยชนะของเธอเริ่มต้นขึ้นที่โรงอุปรากรในกรุงเวียนนา บรัสเซลส์ และลอนดอน

การแสดงของความสัมพันธ์ส่วนตัวกับสิ่งแวดล้อมนั้นแสดงออกโดยกวีและนักดนตรีก่อนอื่นในความฉับไว "การเปิดกว้าง" ทางอารมณ์และความหลงใหลในการแสดงออกในความพยายามที่จะโน้มน้าวผู้ฟังด้วยความช่วยเหลือจากความเข้มของน้ำเสียงที่ไม่หยุดหย่อน การรับรู้หรือสารภาพ

กระแสศิลปะใหม่เหล่านี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อการเกิดขึ้น บทกวีโอเปร่า. มันเกิดขึ้นเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามของ "แกรนด์" และโอเปร่าการ์ตูน แต่ไม่สามารถผ่านชัยชนะและความสำเร็จของพวกเขาในด้านการแสดงละครโอเปร่าและวิธีการแสดงออกทางดนตรี

คุณลักษณะที่โดดเด่นของประเภทโอเปร่าใหม่คือการตีความเชิงโคลงสั้น ๆ ของโครงเรื่องวรรณกรรมใด ๆ - ในรูปแบบประวัติศาสตร์ปรัชญาหรือสมัยใหม่ วีรบุรุษของโอเปร่าโคลงสั้น ๆ มีคุณสมบัติของคนธรรมดาปราศจากความผูกขาดและไฮเปอร์โบไลเซชันซึ่งเป็นลักษณะของโอเปร่าโรแมนติก ศิลปินที่สำคัญที่สุดในด้านการประพันธ์เนื้อร้องคือ ชาร์ลส์ กูน็อด.

ในบรรดามรดกทางโอเปร่าที่ค่อนข้างมากมายของ Gounod โอเปร่า " เฟาสท์"ตรงบริเวณพิเศษและอาจกล่าวได้ว่าเป็นสถานที่พิเศษ ชื่อเสียงและความนิยมไปทั่วโลกของเธอนั้นไม่มีใครเทียบได้กับโอเปร่าเรื่องอื่นๆ ของกูน็อด ความสำคัญทางประวัติศาสตร์ของโอเปร่าเฟาสต์นั้นยิ่งใหญ่เป็นพิเศษเพราะไม่เพียง แต่ดีที่สุดเท่านั้น แต่ในสาระสำคัญเป็นครั้งแรกในบรรดาโอเปร่าของทิศทางใหม่ซึ่งไชคอฟสกีเขียนว่า:“ เป็นไปไม่ได้ที่จะปฏิเสธว่าเฟาสท์เขียนถ้าไม่ใช่ด้วย อัจฉริยะแล้วมีทักษะพิเศษและไม่มีตัวตนที่สำคัญ” ในภาพของเฟาสท์ ความไม่สอดคล้องกันที่คมชัดและ "การแยกส่วน" ของจิตสำนึกของเขา ความไม่พอใจชั่วนิรันดร์ที่เกิดจากความปรารถนาที่จะรู้จักโลกจะราบรื่นขึ้น Gounod ไม่สามารถถ่ายทอดความเก่งกาจและความซับซ้อนของภาพลักษณ์ของหัวหน้าปีศาจของเกอเธ่ซึ่งรวบรวมจิตวิญญาณแห่งการวิพากษ์วิจารณ์อย่างเข้มแข็งในยุคนั้น

เหตุผลหลักประการหนึ่งสำหรับความนิยมของ "เฟาสต์" ก็คือมันได้รวมเอาคุณสมบัติใหม่ที่ดีที่สุดและเป็นพื้นฐานของโอเปร่าโคลงสั้น ๆ ประเภทอายุน้อย: การถ่ายโอนโดยตรงทางอารมณ์และชัดเจนของโลกภายในของตัวละครโอเปร่า ความหมายเชิงปรัชญาที่ลึกซึ้งของเฟาสท์ของเกอเธ่ ซึ่งพยายามเปิดเผยชะตากรรมทางประวัติศาสตร์และสังคมของมวลมนุษยชาติในตัวอย่างความขัดแย้งของตัวละครหลัก กูน็อดเป็นตัวเป็นตนในรูปแบบของละครโคลงสั้น ๆ ที่มีมนุษยธรรมของมาร์เกอริตและเฟาสท์

นักแต่งเพลง วาทยกร นักวิจารณ์เพลงชาวฝรั่งเศส เฮคเตอร์ แบร์ลิออซเข้าสู่ประวัติศาสตร์ของดนตรีในฐานะนักประพันธ์เพลงโรแมนติกที่ใหญ่ที่สุด ผู้สร้างรายการซิมโฟนี ผู้ริเริ่มในด้านรูปแบบดนตรี ความกลมกลืน และโดยเฉพาะอย่างยิ่งเครื่องมือวัด ในงานของเขา พวกเขาพบรูปลักษณ์ที่ชัดเจนของคุณลักษณะที่น่าสมเพชของการปฏิวัติและวีรบุรุษ Berlioz คุ้นเคยกับ M. Glinka ซึ่งเขาชื่นชมดนตรีเป็นอย่างมาก เขาเป็นมิตรกับผู้นำของ "กำมืออันทรงพลัง" ซึ่งยอมรับงานเขียนและหลักการสร้างสรรค์ของเขาอย่างกระตือรือร้น

ทรงสร้างสรรค์ผลงานละครเวที 5 เรื่อง ได้แก่ โอเปร่า “ เบนเวนูโต ซิลลินี ”(1838), “ โทรจัน ”,”เบียทริซและเบเนดิกต์(อิงจากหนังตลกของเช็คสเปียร์ Much Ado About Nothing, 2405); ผลงานเสียงร้องและไพเราะ 23 ชิ้น, เรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ 31 เรื่อง, คณะประสานเสียง เขาเขียนหนังสือเรื่อง "Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration" (1844), "Evenings in the Orchestra" (1853), "Through Songs" (1862), "Musical Curiosities" ( 1859), “ความทรงจำ” (1870), บทความ, บทวิจารณ์

เยอรมัน นักแต่งเพลง, ผู้ควบคุมวง, นักเขียนบทละคร, นักประชาสัมพันธ์ Richard Wagnerเข้าสู่ประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมดนตรีโลกในฐานะหนึ่งในผู้สร้างดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดและนักปฏิรูปศิลปะโอเปร่ารายใหญ่ เป้าหมายของการปฏิรูปของเขาคือการสร้างงานร้องเพลงประสานเสียงเชิงโปรแกรมที่ยิ่งใหญ่ในรูปแบบที่น่าทึ่ง ออกแบบมาเพื่อแทนที่โอเปร่าและดนตรีไพเราะทุกประเภท งานดังกล่าวเป็นละครเพลงซึ่งดนตรีไหลเป็นกระแสต่อเนื่อง ผสมผสานความเชื่อมโยงอันน่าทึ่งทั้งหมดเข้าด้วยกัน วากเนอร์ปฏิเสธการร้องเพลงที่เสร็จสิ้น แว็กเนอร์แทนที่พวกเขาด้วยบทสวดที่เปี่ยมด้วยอารมณ์ สถานที่ขนาดใหญ่ในโอเปร่าของ Wagner ถูกครอบครองโดยตอนของวงออร์เคสตราอิสระ ซึ่งเป็นผลงานที่มีคุณค่าต่อดนตรีไพเราะระดับโลก

มือของแว็กเนอร์เป็นของโอเปร่า 13 ตัว:“ The Flying Dutchman”(1843),”Tannhäuser”(1845),“Tristan and Isolde”(1865), “Gold of the Rhine”(2412)และอื่น ๆ.; นักร้องประสานเสียง เปียโน โรแมนติก

นักแต่งเพลง วาทยกร นักเปียโน ครู และนักดนตรีชาวเยอรมันที่โดดเด่นอีกคนหนึ่งคือ เฟลิกซ์ เมนเดลโซห์น-บาร์โธลดี. ตั้งแต่อายุ 9 ขวบเขาเริ่มแสดงเป็นนักเปียโนเมื่ออายุได้ 17 ปีเขาได้สร้างผลงานชิ้นเอกชิ้นหนึ่ง - ทาบทามให้เป็นเรื่องตลก " ค เขาอยู่ในคืนฤดูร้อน"เช็คสเปียร์ ในปีพ.ศ. 2386 เขาได้ก่อตั้งเรือนกระจกแห่งแรกในเยอรมนีในเมืองไลพ์ซิก ในผลงานของ Mendelssohn "ความคลาสสิกท่ามกลางคู่รัก" คุณลักษณะที่โรแมนติกผสมผสานกับระบบการคิดแบบคลาสสิก ดนตรีของเขาโดดเด่นด้วยท่วงทำนองที่สดใส, การแสดงออกในระบอบประชาธิปไตย, ความพอประมาณของความรู้สึก, ความสงบของความคิด, ความเด่นของอารมณ์ที่สดใส, อารมณ์เชิงโคลงสั้น ๆ โดยไม่มีการสัมผัสเล็กน้อยของอารมณ์ความรู้สึก, รูปแบบที่ไร้ที่ติ, ฝีมือที่ยอดเยี่ยม R. Schumann เรียกเขาว่า "โมสาร์ทแห่งศตวรรษที่ 19", G. Heine - "ปาฏิหาริย์ทางดนตรี"

ผู้เขียนแนวโรแมนติกซิมโฟนี (“สก๊อตแลนด์”, “อิตาลี”), รายการคอนเสิร์ต, คอนแชร์โตไวโอลินยอดนิยม, วงจรของชิ้นส่วนสำหรับเปียโนฟอร์เต “เพลงไร้คำพูด”; โอเปร่า Camacho's Marriage เขาเขียนเพลงสำหรับละคร Antigone (1841), Oedipus in Colon (1845) โดย Sophocles, Atalia โดย Racine (1845), Shakespeare's A Midsummer Night's Dream (1843) และอื่น ๆ oratorios "พอล" (1836), "เอลียาห์" (1846); 2 คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและ 2 สำหรับไวโอลิน

ใน ภาษาอิตาลีวัฒนธรรมดนตรีเป็นสถานที่พิเศษของ Giuseppe Verdi - นักแต่งเพลงผู้ควบคุมวงออร์แกนที่โดดเด่น งานหลักของ Verdi คือโอเปร่า เขาทำหน้าที่เป็นโฆษกให้กับความรู้สึกที่กล้าหาญและรักชาติและแนวคิดในการปลดปล่อยชาติของชาวอิตาลี ในปีต่อมา เขาให้ความสนใจกับความขัดแย้งอันน่าทึ่งที่เกิดจากความไม่เท่าเทียมกันทางสังคม ความรุนแรง การกดขี่ และการประณามความชั่วร้ายในโอเปร่าของเขา ลักษณะเฉพาะของงานของ Verdi: ดนตรีพื้นบ้าน, อารมณ์แปรปรวน, ความสว่างไพเราะ, ความเข้าใจกฎของเวที

เขาเขียนโอเปร่า 26 เรื่อง: “ Nabucco”, “Macbeth”, “Troubadour”, “La Traviata”, “Othello”, “Aida”" และอื่น ๆ . , 20 โรมานซ์, แกนนำวงดนตรี .

หนุ่มสาว ภาษานอร์เวย์ นักแต่งเพลง เอ็ดวาร์ด กรีก (ค.ศ. 1843-1907)มุ่งหวังที่จะพัฒนาดนตรีชาติ สิ่งนี้แสดงออกไม่เพียง แต่ในงานของเขา แต่ยังรวมถึงการส่งเสริมดนตรีนอร์เวย์ด้วย

ในช่วงหลายปีของเขาในโคเปนเฮเกน Grieg ได้เขียนเพลงมากมาย: “ ภาพกวี”และ "อารมณ์ขัน",โซนาต้าสำหรับเปียโนและโซนาต้าไวโอลินตัวแรกเพลง ผลงานใหม่แต่ละชิ้นทำให้ภาพลักษณ์ของ Grieg ในฐานะนักแต่งเพลงชาวนอร์เวย์ปรากฏชัดเจนยิ่งขึ้น ในโคลงสั้น ๆ "Poetic Pictures" (1863) ลักษณะประจำชาติยังคงทำลายล้างอย่างขี้ขลาด จังหวะนี้มักพบในดนตรีพื้นบ้านของนอร์เวย์ มันกลายเป็นลักษณะเฉพาะของท่วงทำนองของ Grieg มากมาย

งานของ Grieg นั้นกว้างใหญ่และหลากหลาย Grieg เขียนผลงานประเภทต่างๆ เปียโนคอนแชร์โต้และบัลลาด สามโซนาตาสำหรับไวโอลินและเปียโน และโซนาตาสำหรับเชลโลและเปียโน วงทั้งสี่เป็นพยานถึงความปรารถนาอย่างต่อเนื่องของ Grieg สำหรับรูปร่างขนาดใหญ่ ในเวลาเดียวกัน ความสนใจของผู้แต่งในเครื่องดนตรีจิ๋วยังคงไม่เปลี่ยนแปลง ในระดับเดียวกับเปียโนฟอร์เต นักแต่งเพลงก็ถูกดึงดูดโดยแชมเบอร์โวคอล ย่อส่วน - ความรัก, เพลง อย่าเป็นคนหลักกับ Grieg สาขาความคิดสร้างสรรค์ไพเราะถูกทำเครื่องหมายด้วยผลงานชิ้นเอกเช่นห้องชุด " ต่อ กูน็อด ”, “ตั้งแต่สมัยโฮลเบิร์ก". ลักษณะเฉพาะอย่างหนึ่งของงานของ Grieg คือการประมวลผลเพลงพื้นบ้านและการเต้นรำ: ในรูปแบบของเปียโนธรรมดา วงจรสวีทสำหรับเปียโนสี่มือ

ภาษาดนตรีของ Grieg เป็นต้นฉบับที่สดใส ความเป็นเอกเทศของสไตล์นักแต่งเพลงส่วนใหญ่ถูกกำหนดโดยความสัมพันธ์ที่ลึกซึ้งของเขากับดนตรีพื้นบ้านนอร์เวย์ Grieg ใช้ประโยชน์จากคุณสมบัติของแนวเพลง โครงสร้างน้ำเสียง สูตรจังหวะของเพลงลูกทุ่งและท่วงทำนองการเต้นอย่างกว้างขวาง

ความเชี่ยวชาญที่โดดเด่นของ Grieg ในการพัฒนาทำนองเพลงที่แปรผันและแปรผันนั้นมีรากฐานมาจากประเพณีพื้นบ้านของการทำซ้ำท่วงทำนองซ้ำ ๆ ด้วยการเปลี่ยนแปลง “ฉันบันทึกเพลงลูกทุ่งในประเทศของฉัน” เบื้องหลังคำพูดเหล่านี้คือทัศนคติที่เคารพนับถือของ Grieg ต่อศิลปะพื้นบ้านและการรับรู้ถึงบทบาทชี้ขาดของความคิดสร้างสรรค์ของเขาเอง

7. บทสรุป

จากข้อมูลข้างต้นสามารถสรุปได้ดังต่อไปนี้:

การเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกได้รับอิทธิพลจากเหตุการณ์หลักสามเหตุการณ์: การปฏิวัติฝรั่งเศส สงครามนโปเลียน การเกิดขึ้นของขบวนการปลดปล่อยแห่งชาติในยุโรป

ยวนใจเป็นวิธีการและทิศทางในวัฒนธรรมศิลปะเป็นปรากฏการณ์ที่ซับซ้อนและเป็นที่ถกเถียงกัน ในทุกประเทศเขามีการแสดงออกระดับชาติที่สดใส โรแมนติกครอบครองตำแหน่งทางสังคมและการเมืองต่างๆในสังคม พวกเขาทั้งหมดกบฏต่อผลลัพธ์ของการปฏิวัติชนชั้นนายทุน แต่พวกเขากลับก่อกบฏในรูปแบบต่างๆ เนื่องจากแต่ละคนมีอุดมคติของตนเอง แต่ด้วยใบหน้าและความหลากหลายที่หลากหลาย ความโรแมนติกจึงมีลักษณะที่มั่นคง:

ทั้งหมดมาจากการปฏิเสธการตรัสรู้และศีลที่มีเหตุผลของลัทธิคลาสสิคซึ่งผูกมัดความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ของศิลปิน

พวกเขาค้นพบหลักการของลัทธิประวัติศาสตร์ (ผู้รู้แจ้งตัดสินว่าอดีตต่อต้านประวัติศาสตร์สำหรับพวกเขาว่า "มีเหตุผล" และ "ไม่มีเหตุผล") เราเห็นตัวละครมนุษย์ในอดีต หล่อหลอมตามเวลาของพวกเขา ความสนใจในอดีตชาติก่อให้เกิดผลงานทางประวัติศาสตร์จำนวนมาก

สนใจบุคลิกภาพที่แข็งแกร่งซึ่งต่อต้านโลกทั้งใบรอบตัวเขาและพึ่งพาตัวเองเท่านั้น

ความสนใจไปยังโลกภายในของมนุษย์

แนวโรแมนติกได้รับการพัฒนาอย่างกว้างขวางทั้งในประเทศในยุโรปตะวันตกและในรัสเซีย อย่างไรก็ตาม แนวโรแมนติกในรัสเซียแตกต่างจากยุโรปตะวันตกโดยชอบสถานที่ทางประวัติศาสตร์และประเพณีวัฒนธรรมที่แตกต่างกัน เหตุผลที่แท้จริงสำหรับการเกิดขึ้นของแนวโรแมนติกในรัสเซียคือสงครามรักชาติในปี ค.ศ. 1812 ซึ่งแสดงพลังของการริเริ่มที่เป็นที่นิยมทั้งหมด

คุณสมบัติของแนวโรแมนติกของรัสเซีย:

แนวโรแมนติกไม่ได้ต่อต้านการตรัสรู้ อุดมการณ์การตรัสรู้อ่อนแอลง แต่ไม่ล่มสลาย เช่นเดียวกับในยุโรป อุดมคติของราชาผู้รู้แจ้งยังไม่หมดสิ้นไป

แนวจินตนิยมพัฒนาควบคู่ไปกับความคลาสสิคซึ่งมักจะเกี่ยวพันกับมัน

ยวนใจในรัสเซียแสดงออกในรูปแบบต่างๆในงานศิลปะประเภทต่างๆ ในสถาปัตยกรรมนั้นไม่ได้อ่านเลย ในภาพวาด มันแห้งไปกลางศตวรรษที่ 19 เขาปรากฏตัวเพียงบางส่วนในดนตรี บางทีเฉพาะในวรรณกรรมแนวโรแมนติกเท่านั้นที่แสดงออกอย่างสม่ำเสมอ

ในทัศนศิลป์ แนวโรแมนติกแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในการวาดภาพและกราฟิก ไม่แสดงออกอย่างชัดเจนในประติมากรรมและสถาปัตยกรรม

ความโรแมนติกเปิดโลกของจิตวิญญาณมนุษย์ ปัจเจก ไม่เหมือนใคร แต่จริงใจและใกล้เคียงกับวิสัยทัศน์อันเย้ายวนทั้งหมดของโลก ความรวดเร็วของภาพในการวาดภาพตามที่ Delacroix กล่าวและไม่ใช่ความสม่ำเสมอในการแสดงวรรณกรรม ได้กำหนดจุดสนใจของศิลปินในการถ่ายทอดการเคลื่อนไหวที่ซับซ้อนที่สุด เพื่อหาวิธีแก้ปัญหาที่เป็นทางการและสีสันใหม่ ๆ ยวนใจทิ้งมรดกไว้ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ XIX ปัญหาทั้งหมดเหล่านี้และความเป็นเอกเทศทางศิลปะได้รับการปลดปล่อยจากกฎเกณฑ์ของนักวิชาการ สัญลักษณ์ซึ่งในหมู่ชาวโรแมนติกควรจะแสดงถึงการผสมผสานที่สำคัญของความคิดและชีวิตในงานศิลปะของครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 หลอมรวมเข้ากับภาพศิลปะ จับภาพความคิดที่หลากหลายและโลกรอบข้าง ยวนใจในการวาดภาพมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับอารมณ์อ่อนไหว

ขอบคุณแนวโรแมนติกวิสัยทัศน์ส่วนตัวของศิลปินอยู่ในรูปแบบของกฎหมาย ลัทธิอิมเพรสชั่นนิสม์จะทำลายกำแพงกั้นระหว่างศิลปินกับธรรมชาติโดยสมบูรณ์ โดยประกาศว่าศิลปะคือความประทับใจ โรแมนติกพูดถึงจินตนาการของศิลปิน "เสียงแห่งความรู้สึกของเขา" ซึ่งทำให้เขาหยุดงานเมื่ออาจารย์เห็นว่าจำเป็นและไม่จำเป็นตามมาตรฐานการศึกษาที่สมบูรณ์

ยวนใจทิ้งยุคทั้งโลกในวัฒนธรรมศิลปะโลกตัวแทนคือ: ในวรรณคดีรัสเซีย Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov และคนอื่น ๆ ; ในวิจิตรศิลป์ E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin และคนอื่น ๆ ; ในเพลงของ F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin และคนอื่น ๆ พวกเขาค้นพบและพัฒนาแนวเพลงใหม่ให้ความสนใจอย่างใกล้ชิดกับชะตากรรมของบุคลิกภาพของมนุษย์เผยให้เห็น ภาษาถิ่นของความดีและความชั่ว เปิดเผยกิเลสตัณหาของมนุษย์อย่างเชี่ยวชาญ ฯลฯ

รูปแบบศิลปะมีความเท่าเทียมกันในความสำคัญและผลิตผลงานศิลปะที่งดงามมากหรือน้อยแม้ว่าความโรแมนติกจะให้ความสำคัญกับดนตรีในบันไดของศิลปะ

แนวจินตนิยมในรัสเซียในฐานะโลกทัศน์มีอยู่ในคลื่นลูกแรกตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 จนถึงช่วงทศวรรษ 1850 แนวโรแมนติกในศิลปะรัสเซียไม่ได้หยุดลงในยุค 1850 ธีมของความเป็นอยู่ซึ่งค้นพบโดย Romantics for art ได้รับการพัฒนาโดยศิลปินของ Blue Rose ทายาทสายตรงของ Romantics คือ Symbolists อย่างไม่ต้องสงสัย ธีมโรแมนติก ลวดลาย อุปกรณ์แสดงออก เข้าสู่ศิลปะของรูปแบบทิศทางต่าง ๆ ความสัมพันธ์ที่สร้างสรรค์ โลกทัศน์ที่โรแมนติกหรือโลกทัศน์กลายเป็นสิ่งที่มีชีวิตชีวา เหนียวแน่น และมีผลมากที่สุดอย่างหนึ่ง

แนวจินตนิยมในฐานะทัศนคติทั่วไปซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของคนหนุ่มสาวส่วนใหญ่ในฐานะความปรารถนาในเสรีภาพในอุดมคติและสร้างสรรค์ยังคงอยู่ในศิลปะโลกอย่างต่อเนื่อง

8. ข้อมูลอ้างอิง

1. Amminskaya A.M. อเล็กซี่ กาฟริโลวิช เวเนเซียนอฟ -- ม: ความรู้, 1980

2. Atsarkina E.N. อเล็กซานเดอร์ โอซิโปวิช ออร์ลอฟสกี -- ม: อาร์ต, 1971.

3. เบลินสกี้ วี.จี. ผลงาน. ก. พุชกิน. - ม: 1976.

4. สารานุกรมแห่งสหภาพโซเวียตผู้ยิ่งใหญ่ (หัวหน้าบรรณาธิการ Prokhorov A.M. )- M: สารานุกรมโซเวียต, 1977.

5. Vainkop Yu., Gusin I. พจนานุกรมชีวประวัติโดยย่อของนักแต่งเพลง - L: ดนตรี, 1983.

6. Vasily Andreevich Tropiin (ภายใต้กองบรรณาธิการของ M.M. Rakovskaya). -- อ.: ทัศนศิลป์ พ.ศ. 2525

7. Vorotnikov A.A. , Gorshkovoz O.D. , Yorkina O.A. ประวัติศาสตร์ศิลปะ. - Mn: วรรณคดี, 1997.

8. ซีเมนโก้ วี. อเล็กซานเดอร์ โอซิโปวิช ออร์ลอฟสกี -- M: สำนักพิมพ์แห่งรัฐวิจิตรศิลป์, 2494.

9. Ivanov S.V. M.Yu.Lermontov. ชีวิตและศิลปะ. - ม: 1989.

10. วรรณกรรมดนตรีต่างประเทศ (ภายใต้กองบรรณาธิการของ B. Levik)- ม: ดนตรี, 1984.

11. Nekrasova E.A. เทิร์นเนอร์. -- ม: วิจิตรศิลป์, 2519.

12. Ozhegov S.I. พจนานุกรมภาษารัสเซีย - M: สำนักพิมพ์แห่งพจนานุกรมต่างประเทศและรัสเซีย พ.ศ. 2496

13. ออร์โลวา เอ็ม เจ. ตำรวจ. -- ม: ศิลปะ 2489.

14. ศิลปินรัสเซีย เอ.จี. เวเนเซียนอฟ - ม: สำนักพิมพ์รัฐวิจิตรศิลป์, 2506.

15. Sokolov A.N. ประวัติวรรณคดีรัสเซียในศตวรรษที่ 19 (ครึ่งปีแรก) - ม. ม.ปลาย, 2519.

16. Turchin V.S. โอเรสต์ คิเพรนสกี้ -- ม: ความรู้, 1982.

17. Turchin V.S. ธีโอดอร์ เจริโคต์. -- อ.: ทัศนศิลป์ พ.ศ. 2525

18. Filimonova S.V. ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมศิลปะโลก.-- Mozyr: White wind, 1997.